CODE Live_2

u CONTENTS / Conten rke Taylor introduction — Bu ropos — Rae Hull foreword / avant-p t/ Curatorial statemen ervateurs ns Déclaration des co

4 5 6

Great Northern Way Campus s–Bas) aarde (Netherlands / Pay Dune 4.0: Studio Rooseg ang, curated by / organisée Artificial Moon: Wang Yuy a (China / Chine) et preparée par Li Zhenhu nada) òu? : Luc Courschene (Ca Where Are You? / T'es ic (Austria / Autriche) 787 Cliparts: Oliver Lar

9 10 11 12

13 a) V ested: Don Ritter (Canad and a Place: 14 C ambridge Bay: A Time (Canada) en vedette Tanya Tagaq nt tta Souns featuring / me 15 Legrady (Canada) We Are Stardust: George 16 aldo (USA / É.–U.) Paparazzi Bots: Ken Rin 17 ificiel (Canada) Condemned Bulbes: Art , Kalli Paakspuu, t Water: Tahir Mahmood ECO ART: World Withou Canadian Film the h wit ion tat co-presen 18 and / et Suzette Araujo, film (Canada) du en n du Centre Canadi Centre / une coprésentatio tation Brendan Wypich, co-presen ECO ART: Greenhouse: n du atio ent rés cop une / tre 19 with the Canadian Film Cen (Canada) Centre Canadien du film ion Scenoscome, co-presentat ECO ART: Akousmaflore: entation du Centre rés cop une / tre Cen 20 with the Canadian Film ) Canadien du film (France e Sahwney (Canada) 21 n Brousseau and / et Gab ECO ART: Seed: Napoleo 22 (Canada) : Zero Emissions: eatART ECO ART: Mondo Spider anisée et uel Kogan, curated by / org 23 ECO ART: mov_ing: Raq sil) Bré / zil (Bra l gue -Se era preparée par Claudio Riv s and la glace : Society for Art 24 Breaking the Ice / Briser es (Canada) iqu log hno tec arts des Technology / Societé Geiger rtin Kaltenbrunner, Günter 25 Reactable: Sergi Jordà, Ma / Espagne) in Spa e, rich Aut / a stri and / et Marcos Alonso (Au CODE / CODE Canada: 26 Instant Places: Canada (Canada) Ian Birse, Laura Kavanaugh James Phillips, n Stories (Ghettoblaster): 27 Foreign Voices, Commo nada) (Ca ia talg Nos par Analogue presented by / présentée

32 a) ing Pod: Ying Gao (Canad Walking City and / et Liv Diamond (Canada) 33 et Emotional Ties: Sara Company Keeper and / and / et Tornado Dress: 34 Blue Code, Jacket Antics a (Canada) Tel sub Barbara Layne, Studio king Mad: 35 Electric Skin and / et Bar a) c Jordan Benwick (Canad ave / h wit er bst We i Suz 36 t (Canada) Tendrils: Thecla Schiphors reyev, Maria Lantin 37 *glisten)HIVE: Julie And (Canada) and / et Simon Overstall ly Carr students and / et Jer Thorp with / avec Emi CODE.lab: M. Simon Levin and ily Carr (Canada) 38 d'Em iens anc les et el le personn faculty / avec les étudiants, Jonker and / et 39 Song of Solomon: Julian / Afrique du Sud) ica Afr uth (So Ralph Borland 40 ar (Canada) Odd Spaces: Faisal Anw collaboration sented with / présenté en 41 CODE Dialogues: Co-pre a) nad (Ca ign Des sity of Art and avec la Emily Carr Univer 42 nada) lective: Geoffrey Shea (Ca PLAY: The Hertzian Col

sity Emily Carr Univer of Art + Design

rges Bures Miller Janet Cardiff and / et Geo he Paradise Institute: T sée par le ani org / ada Can of l Gallery Organized by the Nationa

a) Canada (Canad Musée des beaux arts du par / organisée et preparée Electromode: Curated by ne d’Â u Pea / a) nad Valérie Lamontagne (Ca tain Electric : Skorpions and / et Cap s (Canada) Lab XS , ska zow Ber Joanna

Vancouver Central Library

44 jit Makkuni (India / Inde) The Sacred Touch: Ran 45 nada) Seen: David Rokeby (Ca hna (Canada) 46 n to Earth: Srinivas Kris When the Gods Came Dow e la paix: 2010 ce / Un endroit pour fair Room to Make Your Pea Vancouver 2010 47 de e jet de la Trêve olympiqu Olympic Truce Project / Pro

NCOUVER AROUND METRO VA ropolitaine Dans la région mÉt de Vancouver

49 nada) ael Lozano-Hemmer (Ca Vectorial Elevation: Raf tories: ON DOT TV, Untold His 50 Fearless Mobile, OMG IM s Society (Canada) W2 Community Media Art City Light: Presented by the 51 Intersection 2010: Bright ver (Canada) cou Van de e Vill la par of Vancouver / Présentée xis Laurence 52 an, Stephanie MacKay), Ale NeoGrafik: NomIg (Ed Jord arne and / et hel Vulliens, Jacqueline Nuw PaCuBoxes: Tom Kuo, Rac Film (Canada) 53 du n Centre / Centre Canadie Anthea Foyer Canadian Film 54 nada) ject: Surrey Art Gallery (Ca Glocal Urban Screen Pro

tres projets

Other Projects / Au

ues RCIP CHIN DIALOGUES / Dialog RIZON ZéRO : PONT HO / bridge HORIZON ZERO:

Night life Sorties nocturnes 29

55

aine I Weekend I / Fin de sem aine II Weekend II / Fin de sem

57 58 60

aine III

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Weekend III / Fin de sem

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ts dE co code projects / proje es partners / partenair

de

61 62

emily Carry uNiversitDesiGN of art + arr Island, Emily C le il v n ra G f o

e heart or innovation Situated in th f n o ti ta u p e r cation and University’s lo ive 2 and for L E D O C r o f e t venu d xploration an make it a grea e , n o ti a ip ic rt sing on pa ative artworks focu n offers a cre ig s e d ’s y it rs unive s, research. The ays, classroom w ll a h re e h w , ce

exhibition spa lleries form an a g l a n io it d ra non-t

staircases and e surrounding h t e il h w e c n d experie g inter-connecte es of intriguin ri e s a h it w d s fille

outdoor area i for passersby b a .l E D O C y b eveloped experiments d and observe. h it w e g a g n to e arr ille, la Emily C v n ra G le l’î e d cœur t Construite au éographique e g n o ti a u it s a t, de par s de University es ation, un site v o n ’in d re è ti en ma on sa réputation r la présentati u o p t e 2 t c e DE en dir tion et choix pour CO tion, l’explora a ip ic rt a p la r es su u d’exposition d’œuvres axé e li n u re ff o é L’universit sse, les cages la c la recherche. e d s e ll a s nt corridors, les créatif où les ionnelles offre it d a tr n o n s e les galeri space d’escaliers et , tandis que l’e e té c e n n o rc ce inte une expérien expériences s e d te n e s ré isinant p terpellent les in extérieur avo i u q , b .la E D . nçues par CO intrigantes co d’observateurs u o ts n a ip ic e de part passants à titr

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vancouver~.com/codefr

the paraDise iNstitute

JANET CARDIFF AND / ET GEORGES BURES MILLER ORGANIZED BY THE NATIONAL GALLERY OF CANADA ORGANISéE PAR LE MUSéE DES BEAUx ARTS DU CANADA In a small replica of a full-sized movie theatre balcony with 16 red velvet-covered seats, viewers put on headphones to watch and listen to a film projected in a miniature movie theatre in front of them. Surprisingly they hear other more intimate sounds and stories. A real and a fictional layer of sound are intertwined, creating a strange sensation of reality for the viewer.

Movies are, of course, The Paradise Institute referred to in the title. Looking over the full-sized balcony into a hallucinatory space of a miniature movie theatre below, a visitor’s senses are further misled by putting on headphones that create surrounding sounds which are equally deceptive between the film being shown and noises being heard. The projected movie is about a man who is a prisoner in a hospital with its own soundtrack faithful to the images. Simultaneously, another soundtrack, more intimate, is confidentially whispered or heard nearby with a surprising fidelity in the viewer’s ears. This other soundtrack seems to directly emerge from other members of the audience present with coughs, secrets, cellphones and other sounds of ordinary life interrupting the flow of the movie’s audio effects. The impression is disturbing as the realities created by the sounds close by are more real than the fiction of the movie, although both are illusions, with their narratives culminating in an eerie conclusion. How the brain tricks itself into believing through image and sound is one of the inescapable implications of the experience of The Paradise Institute.

Dans cette réplique à petite échelle d’un balcon de salle de cinéma, les participants sont invités à s’asseoir dans l’un des seize sièges recouverts de velours rouge et à mettre des écouteurs pour assister à la représentation d’un film projeté sur l’écran miniature devant eux. À leur grande surprise, ils entendront également des sons et des récits intimes. Ces couches de son réelles et fictives sont inextricablement liées et donnent au spectateur une impression étrange de réalité.

Les films sont l’essence même de l’installation The Paradise Institute. En regardant du haut d’un balcon le spectacle hallucinant qui se déroule sur l’écran de cinéma miniature au bas, le spectateur est davantage induit en erreur lorsqu’il met des écouteurs pour entendre des sons qui ne correspondent pas aux images et aux bruits du film projeté. Le film, qui raconte l’histoire d’un homme emprisonné dans un hôpital, possède sa propre piste sonore, adaptée aux images. Simultanément, une autre piste sonore, plus intime, presque un chuchotement, s’impose avec une étonnante fidélité dans les oreilles du spectateur. Cette nouvelle piste sonore semble provenir des autres spectateurs présents qui toussent, livrent des récits intimes, parlent au cellulaire et produisent d’autres bruits réels qui interrompent les effets audio du film. L’impression est troublante car la réalité créée par les sons environnants est beaucoup plus réelle que la fiction du film, même si les deux ne sont qu’illusions, et que les narrations se terminent par une conclusion sinistre. Il est certain que le spectateur s’engagera dans une réflexion sur la façon dont le cerveau se conditionne à croire ce qu’il voit et entend après avoir vécu cette expérience.

guide des expositions • Code en direCt 2

JANET CARDIFF AND / ET GEORGES BURES MILLER CANADA

Janet Cardiff and Georges Bures Miller make audio-based installations and walking pieces that use the narrative and technical language of film noir to create lush, suspenseful sound and video works. The duo represented Canada at the Venice Biennial in 2001. Their work has been shown at the PS1 Contemporary Art Center of the Museum of Modern Art (New York), The Musée d’Art Contemporain (Montreal), and the Whitechapel Art Gallery (London), amongst others.

Janet Cardiff et Georges Bures Miller conçoivent des installations audio et des marches sonores qui font appel au langage narratif et technique du film noir pour créer des œuvres audio et vidéo riches et pleines de suspense. Ces deux artistes ont représenté le Canada à la Biennale de Venise en 2001. Leurs œuvres ont fait l’objet d’expositions au PS1 Contemporary Art Center du Museum of Modern Art (New York), au Musée d’art contemporain (Montréal) et à la Whitechapel Art Gallery (Londres), pour ne citer que ceux-là. photo credits Mention de sources : Janet Cardiff and / et George Bures Miller The Paradise Institute 2001 National Gallery of Canada, Ottawa Anonymous gift, 2002 / Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa, cadeau anonyme, 2002

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electromode p. 30–36 From research in science and art, wearable microcomputers and smart fabrics transform the body through dynamic, kinetic and shape-shifting garments that expand the body’s possibilities.

Issus de la recherche scientifique et artistique, des micro-ordinateurs prêts à porter et des tissus intelligents transforment le corps grâce à des vêtements dynamiques, cinétiques et adaptables qui multiplient les possibilités du corps.

eleCtromoDe

CURATED BY / ORGANISéE ET PRéPARéE PAR VALéRIE LAMONTAGNE / PEAU D’ÂNE

VALéRIE LAMONTAGNE CANADA

Valérie Lamontagne is a Montreal-based performance and digital media artist, freelance art critic and independent curator.

She is presently a doctoral candidate at Concordia University with the Topological Media Lab investigating “Relational and Ubiquitous Performance Art.” Établie à Montréal, Valérie Lamontagne est une artiste de la scène et des médias numériques, une critique d’art pigiste et une conservatrice indépendante. À l’heure actuelle, elle est candidate au doctorat à l’Université Concordia et étudie « la performance relationnelle et ubiquiste » au Topological Media Lab.

valérie lamontagne: peau d’Âne: sun, sky, moon valérie lamontagne : peau d’Âne : soleil, ciel, lune The three dresses by Valérie Lamontagne are a response to a strange fairy tale by Charles Perrault in which a young princess, to avoid marrying a king, demands impossible dresses made of the sun, the moon and the sky. Addressing this fantasy demand for immaterial materials by using the newest parallel technologies, Lamontagne perversely incarnates all three. With live weather data transmitted to them, each dress is transformed to reflect the changing barometric characteristics respectively of sky, moon and sun in real time.

The Sky dress mimics a cloud, inflating with an increase of clouds in the sky; vibrating according to precipitation reports. The Sun dress uses 128 LED lights that are set in motion based on ultraviolet and sun intensity readings. It mimics the sun but when the light reaches dangerous UV levels, the dress also acts as a flashing warning sign. The moon dress is also a contemporary version conveying the constant fluctuations of the moon by displaying changing colour patterns on a 28-day cycle. Cool grey with black accents, the Moon dress is covered with artificial flowers that change colour as the moon waxes and wanes. Climatic changes activate clothes and the wearer performs the weather literally, reminding us of the co-relationship between our movements and the environment around us.

Valérie Lamontagne a créé trois robes inspirées de l’étrange conte de Charles Perrault dans lequel une jeune princesse, afin éviter son mariage avec le roi, exige trois robes impossibles aux couleurs du soleil, de la lune et du ciel. Pour répondre à ces demandes fantaisistes exigeant des tissus qui n’existent pas, Valérie Lamontagne a résolument fait appel à de nouvelles technologies parallèles pour créer ces trois robes. Grâce à des données météorologiques transmises en direct, les robes se transforment pour refléter en temps réel les caractéristiques barométriques changeantes du ciel, de la lune et du soleil. La Robe du ciel ressemble à une formation de nuages grossissant et vibrant selon les rapports sur les précipitations. La Robe du soleil incorpore 128 diodes électroluminescentes qui fonctionnent selon l’intensité des rayons ultraviolets et du soleil. Cette robe imite le soleil, mais si des niveaux de rayons ultraviolets dangereux sont atteints, elle émet des avertissements clignotants. La Robe de la lune est aussi une version contemporaine qui montre les fluctuations constantes de la Lune en affichant des modèles dont les couleurs se modifient au fil d’un cycle de 28 jours. De couleur grise, accentuée de noir, la Robe de la lune est couverte de fleurs artificielles dont les teintes changent selon les différentes phases de la lune. Les changements climatiques activent les vêtements et la personne qui porte une de ces robes met véritablement la météo en spectacle, nous rappelant les relations qui existent entre les gestes que nous posons et notre environnement.

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electromode

skorpioNs aND CaptaiN eleCtriC JOANNA BERZOWSKA, xS LABS

Skorpions and Captain Electric (Itchy, Stiff) are two series of electronic garments created by Joanna Berzowska that are set in motion by internal programming which directly relates to the wearer. In Skorpions, the garments act like parasites with their own desires, their own fears and their own personalities, unpredictably inhabiting the material of the clothes. Skorpions integrates electronic fabrics; the shape-memory nickel-titanium alloy Nitinol and mechanical activators like magnets, soft electronic circuits, as well as traditional textile characteristic like folds and drapes across the body.

In this way the garments also reference the history of clothing as an instrument of pain and desire, like corsets or foot binding. In Captain Electric, the garments both passively harness energy from the body and actively allow for power generation by the user.

The dresses restrict and reshape the body in order to produce sufficient energy to fuel themselves and actuate light and sound events on the body. Itchy’s tailored leather silhouette is decorated with large reconfigurable wool necklaces, while stiff mimics the postures of muscular rigidity. Like clothes, and like technology, these garments teach us the limits of our control and the relationship between our bodies, movement and the world around us.

Skorpions et Captain Electric (Itchy, Stiff) sont deux séries de vêtements électroniques, créées par Joanna Berzowska, dont les mouvements sont déclenchés par un programme interne directement lié aux personnes qui les portent. Dans la série Skorpions, les vêtements agissent comme des parasites ayant leurs propres désirs, craintes et personnalités, occupant de manière imprévisible les tissus des vêtements. Skorpions intègre des tissus électroniques; le nitinol, un alliage de nickel et de titane ayant une mémoire des formes; des activateurs mécaniques tels que des aimants, des circuits électroniques non protégés; ainsi que des caractéristiques traditionnelles des textiles, telles que les plis et les drapés. Ainsi, les vêtements évoquent également l’histoire des vêtements à titre d’instruments de torture et de désir, tels que le corset ou le bandage des pieds. Dans la série Captain Electric, les vêtements captent passivement l’énergie irradiée par le corps et permettent activement aux utilisateurs de produire de l’énergie.

Les robes restreignent et remodèlent le corps de façon à générer l’énergie dont elles ont besoin pour produire des phénomènes lumineux et sonores sur le corps. Itchy est une robe de cuir personnalisée et décorée de gros colliers de laine reconfigurables, tandis que Stiff imite la rigidité musculaire. Comme les vêtements, et comme la technologie, ils nous font découvrir les limites de notre contrôle et les liens existant entre nos corps, les mouvements et le monde qui nous entoure.

exhibition Catalogue • Code live 2

JOANNA BERZOWSKA CANADA

Assistant design and computation professor Joanna Berzowska’s artwork has been shown in major museums across the world. Educated at MIT, she is a member of Hexagram Institute in Montreal and founded xS Labs developing electronic textiles and responsive garments.

Joanna Berzowska est professeure adjointe en conception et en arts numériques.

D’importants musées du monde entier ont présenté ses œuvres d’art. Mme Berzowska a fait ses études à la MIT, elle est membre de l’institut Hexagram, à Montréal, et elle a fondé XS Labs, organisme qui fait la conception de tissus électroniques et de vêtements réactifs.

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electromode

WalkiNG City aND / et liviNG poD YING GAO

Walking City is a series of dresses by Ying Gao that explores the idea of motion in fashion design by incorporating pneumatic pistons and pumps beneath the subtle textures of the dresses to animate and activate the swirls and swishes of light materials from within the dress itself. Rather than relying on wind or the wearer’s movement, the dresses are a form of prosthetic device, and when the pressure changes they move, resembling the famous Marilyn Monroe photo posing over a subway grate. The garment itself is mechanically and electronically flexible to its own pre-programmed desires and needs. A person wearing one of these dresses may program the clothes to speak for her.

YING GAO CANADA

Using new technology as a source of inspiration, Ying Gao is a Canadian fashion designer with an aesthetic that mines the interface of fashion, art and technology.

She uses software to conceptually develop ingenious patterns and subtly integrates technology into her garments.

Ying Gao est une créatrice de mode canadienne qui s’inspire des nouvelles technologies et dont l’esthétique allie mode, art et technologie. Elle utilise des logiciels pour concevoir des modèles ingénieux et intègre de façon subtile la technologie dans ses vêtements.

living Pod is a set of light-sensitive interactive garments that move and breathe. The movement of one garment is mimicked by the other. The velocity of the garment’s movement depends on the intensity of the light source falling on the dress. In both cases, Gao creates whimsical dresses that look and feel like they are alive, moving and breathing through the space.

Walking City, une série de robes créée par Ying Gao, explore le mouvement dans la création de la mode en intégrant des pistons pneumatiques et des pompes sous les textures souples des robes, de façon à animer et activer des tourbillons et des bruissements dans les légers matériaux intégrés aux robes. Plutôt que de dépendre des mouvements de la personne qui la porte, la robe devient une sorte de prothèse qui bouge au gré des pressions exercées, un peu comme la robe de Marilyn Monroe dans la célèbre photo prise sur une grille d’aération du métro. Les désirs et les besoins préprogrammés du vêtement s’expriment grâce à la souplesse mécanique et électronique. La femme qui porte une de ces robes peut la programmer afin qu’elle s’exprime en son nom.

Living Pod est une série de vêtements interactifs et photosensibles qui bougent et qui respirent. Le mouvement d’un vêtement sera imité par un autre vêtement. La vitesse du mouvement variera selon l’intensité de la lumière à laquelle la robe est exposée. Dans les deux cas, Gao nous présente des robes changeantes, qui semblent prendre vie, se déplacer et respirer dans l’espace.

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electromode

CompaNy keeper aND emotioNal ties SARA DIAMOND AND / ET DI MAINSTONE

Company Keeper and Emotional Ties are part of a set of wearable garments that respond to touch and project images based on the wearer’s movements and interactions with others. The works are part of the dressCode project, which explores human emotion, communication and touch as expressed through clothing. Using accelerometer and touch sensors in combination with Bluetooth mobile telephone communication, gesture recognition, embedded headphones and LED lights, dressCode garments tap into the emotional state of wearers and facilitate their well-being by either consoling them with sound or facilitating a visual conversation with a friend. Company Keeper enjoys the perpetual company of a wise, humourous and absurd friend, always at the ready with a modified concerto, capable of neutralizing the occupant’s nervous disposition. The subtleties of the unsaid word are inspiration for Emotional Ties. Male and female body language (preening, for example) is monitored through strategically placed touch sensors inserted into the garments. Once certain body postures are detected, an audiovisual display is triggered on the other garment. For example, if the male adjusts his tie or a female smoothes the fabric around her waist, an LED animation and melody play on the other garment.

Company Keeper et Emotional Ties sont des éléments d’un ensemble de vêtements pouvant être portés. Ces vêtements réagissent au toucher en projetant des images qui changent en réponse aux mouvements et aux interactions de la personne qui les porte. Ces œuvres font partie du projet dressCode qui explore l’expression des émotions, de la communication et du toucher par les vêtements. À l’aide d’un accélérateur et de capteurs tactiles combinés avec la communication téléphonique Bluetooth, la reconnaissance des gestes, des casques téléphoniques intégrés et des diodes électroluminescentes, ces vêtements expriment les émotions des personnes qui les portent et contribuent à leur bien-être en produisant des sons ou en participant à une conversation visuelle avec un ou une amie. Company Keeper est une présence constante qui rappelle un compagnon sage, amusant et absurde, toujours prêt à intervenir en produisant un concerto modifié et capable d’atténuer la nervosité de la personne qui le porte. Les subtilités de ce qui est non exprimé sont à l’origine d’Emotional Ties. Des capteurs tactiles stratégiquement insérés dans les vêtements surveillent le langage corporel de l’homme ou de la femme (s’arranger devant un miroir, par exemple) afin de détecter certains gestes qui déclencheront une présentation audiovisuelle dans les autres vêtements. Par exemple, si l’homme ajuste sa cravate ou que la femme replace le tissu autour de sa taille, une animation par diodes électroluminescentes et une mélodie sont jouées sur les autres vêtements.

guide des expositions • Code en direCt 2

SARA DIAMOND CANADA

Sara Diamond is a social historian, communications/new media theorist and artist. She has directed at a number of key art and design research centres, including the Banff New Media Institute, and has led teams to innovate in the areas of data visualization, mobile new media content and the collaboration between art and technology.

She is currently the president of the Ontario College of Art and Design.

Sara Diamond est une historienne sociale, une théoricienne des communications et des nouveaux médias et une artiste. Elle a dirigé plusieurs importants centres de recherche en arts et en design, notamment le Banff New Media Institute, et a été à la tête d’équipes chargées d’innover dans le domaine de la visualisation de données, du contenu mobile destiné aux nouveaux médias et de la collaboration entre l’art et la technologie.

Elle est l’actuelle présidente de l’Ontario College of Art and Design.

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electromode

blue CoDe, JaCket aNtiCs aND / et torNaDo Dress BARBARA LAYNE, STUDIO SUBTELA

BARBARA LAYNE CANADA

Artist, writer and teacher Barbara Layne works at the intersection of textiles, museum collections and digital technologies. An instructor at Concordia University, her work hybridizes and reinvigorates traditional textiles through the introduction of personal and cultural narratives Artiste, écrivaine et professeure, Barbara Layne œuvre au carrefour des secteurs des vêtements, des collections muséales et des technologies numériques. Cette chargée de cours à l’Université Concordia métisse les tissus traditionnels et leur donne une nouvelle vie en y intégrant des récits personnels et culturels.

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Blue Code and Jacket Antics are two communicative garments with texts and designs that scroll across each of their backs. Using programs embedded in the fabrics, an array of LED lights allows these visual messages to move. When the two wearers hold hands, the message becomes the same and moves from one to the other. The fabrics literally become individualized signs imparting meaning as the wearer walks through a public space. The ability to communicate thoughts and commentary within the context of any space becomes literally illuminated through this linguistic garment. With Tornado Dress, Barbara Layne has taken advantage of images from Mike Hollingshead, a storm-chaser photographer and embedded both a funnel cloud and lightening bolts within a landscape, all printed on linen fabric. The dress’s lining is embroidered with conductive threads and LEDs that move in a dramatic imitation of severe storms on the very body of the wearer.

Blue Code et Jacket Antics sont des vêtements communicatifs affichant des textes et des dessins dans le dos. Des programmes intégrés aux tissus et un réseau de lumières à diode électroluminescente animent ces messages visuels. Lorsque deux personnes portant ces vêtements se tiennent main dans la main, les messages deviennent identiques et circulent d’un vêtement à l’autre. Le vêtement se transforme vraiment en un message propre à la personne qui le porte au cours de ses déplacements dans un espace public. La capacité de communiquer des pensées et des commentaires n’importe où peut véritablement être illuminée par ce vêtement linguistique. Avec Tornado Dress, Barbara Layne exploite les images prises par Mike Hollingshead, un photographe chasseur d’orages, en imprimant un nuage en entonnoir et des éclairs dans un paysage reproduit sur un tissu en lin. La doublure de la robe est brodée de fils conducteurs et de diodes électroluminescentes qui simulent dramatiquement le déroulement d’un orage violent sur le corps de la personne qui porte la robe.

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electromode

eleCtriC skiN aND / et barkiNG maD

SUZI WEBSTER WITH / AVEC JORDAN BENWICK Electric Skin is a piece of wearable clothing containing a breath sensor that dims and brightens light emitting diodes in the garment. The breath of the wearer through inhalation and exhalation is turned into pulses of light. Another work by the artist Suzi Webster is Barking Mad whose built-in proximity sensors respond to another person’s closeness by emitting the sound of a barking dog through flat panel micro speakers embedded in the coat. The strength of the sound varies from the yap of a poodle to the deep growl of a Rottweiler, directly in response to the degree of intrusion on the wearer’s personal space. Webster’s intersections between natural elements and clothing create an interesting comment on technology at its most primal.

Electric Skin est un vêtement portable muni d’un capteur de respiration qui diminue ou augmente l’intensité des diodes électroluminescentes intégrées. Les mouvements d’inspiration et d’expiration de la personne qui porte les vêtements sont transformés en impulsions lumineuses. L’artiste Suzi Webster nous présente également Barking Mad, une œuvre dans laquelle des capteurs de proximité réagissent à la distance entre le vêtement et les autres personnes en émettant des sons d’aboiement de chien par le biais des haut-parleurs plats intégrés au manteau. La puissance des sons émis varie des jappements du caniche aux grognements graves du Rottweiler. Les aboiements sont directement liés au degré d’invasion de l’espace « personnel » de la personne qui porte le vêtement. Les rapports établis par l’artiste entre les éléments naturels et le vêtement offrent une interprétation intéressante de la technologie à son niveau le plus primitif.

exhibition Catalogue • Code live 2

SUZI WEBSTER CANADA

New media installation artist and teacher Suzi Webster explores and critiques the way in which technologies impact and shape our human experience. Her current research centres on wearables that explore the intersection between sculpture, performance, fashion and computing.

Artiste et professeure dans le domaine des nouveaux médias, Suzi Webster étudie et critique la façon dont les technologies influencent et façonnent l’expérience humaine. Ses recherches actuelles portent principalement sur les vêtements au carrefour de la sculpture, du spectacle, de la mode et de l’informatique.

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teNDrils

THECLA SCHIPHORST

THECLA SHIPHORST CANADA

Thecla Schiphorst is an award-winning new media artist and faculty member of the SFU School for Interactive Arts and Technology. Her background in performance and computing focuses on the aesthetics and poetics of human interaction with computers.

Thecla Schiphorst est une artiste primée des nouveaux médias et est membre du corps professoral de la School for Interactive Arts and Technology de la SFU. Son expérience dans les domaines du spectacle et de l’informatique porte principalement sur l’esthétique et la poétique de l’interaction entre l’être humain et l’ordinateur.

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Tendrils is a metaphor for the particles, filaments and networks that combine to create our collective selves, the interstitial signals that flow within our bodies. Like a tidal pool, tendrils reflects the movement and visual patterns as an ecosystem of small movement and senses. The Tendrils garment is reminiscent of an active and intelligent skin that responds by shivering, quivering, sighing and “alighting.” These skin-like responses are actuated by a series of small, interconnected motors and light that reflect the inner energy and nervous system of the garment. Based on biological cellular structures that alter their structural form as a response to touch, tendrils subtle movements point to an ecological connection to our larger movements as a whole. Gallery audience members (along with an internet audience) can collectively activate the garments response through touch-screen and mobile technology, taking garments beyond the exhibition room and into the virtual.

Tendrils représente métaphoriquement les particules, les filaments et les réseaux qui se combinent pour former ce que nous sommes collectivement, les signaux interstitiels qui parcourent nos corps. Telle une bâche, les vrilles reflètent le mouvement et les formes visuelles en représentant un écosystème composé de petits mouvements et de perceptions. Ce vêtement est comme une peau active et intelligente qui réagit en tremblant, en frémissant, en soupirant et en « rayonnant ». Imitant les réactions de l’épiderme, ces réponses sont déclenchées par une série de petits moteurs interreliés et des lumières qui dévoilent l’énergie interne et le système nerveux du vêtement. Reposant sur des structures cellulaires biologiques capables de modifier leurs formes en réaction au toucher, les délicats mouvements de Tendrils nous présentent une connexion écologique avec l’ensemble de nos mouvements à plus grande échelle. Les visiteurs présents dans la galerie (ainsi que les observateurs dans Internet) peuvent collectivement, à l’aide d’un écran tactile et de la technologie mobile, faire réagir les vêtements et les sortir de la salle d’exposition pour les faire entrer dans le monde virtuel.

vancouver~.com/codefr

*glisten)hive JULIE ANDREYEV, MARIA LANTIN AND / ET SIMON OVERSTALL *glisten)HIVE is an interactive installation in which live projected imagery and sound generation are the instant record of the voices of participants, both local and global, contributing to the conversations. As a subject, animals are seen and discussed both in the media and by individuals. The collaboration is meant to raise awareness of animal intelligence distanced by a culture which thinks of animals almost always in terms of consumption. Twitter contributions offered by the participants are coded before being projected in a pattern reminiscent of the sophisticated movement of bees as individual bees transmit information reporting back to the group. Swarming models are the inspiration for the computer algorithms used to visualize the discussions; technology that imitates the knowledgeable collective efforts of animals and their spatial communication.

As interactive art, the contributions are coded and visualized by *glisten)HIVE to contribute towards shared experience and group intelligence. *glisten)HIVE est une installation interactive dans laquelle les images projetées et les sons produits sont la transcription instantanée des voix des personnes qui, localement et internationalement, prennent part à des conversations dont le sujet, les animaux, est abordé par les médias et différentes personnes. L’objectif de cette collaboration consiste à sensibiliser les gens à l’intelligence des animaux, souvent négligée dans une culture où les animaux sont presque toujours associés à la consommation. Les contributions Twitter des participants sont codées avant d’être projetées en fonction d’un modèle imitant le mouvement sophistiqué d’une abeille qui transmet de l’information au groupe. Des modèles grouillants ont servi d’inspiration aux algorithmes informatiques qui permettent de visualiser les discussions; la technologie imite les connaissances collectives des animaux et leur communication spatiale. Les œuvres d’art interactif créées sont codées et visualisées par *glisten)HIVE à titre de contributions à l’expérience commune et à l’intelligence collective. blog: http//glistenhive.wordpress.com twitter: http://twitter.com/glistenHIVE

JULIE ANDREYEV CANADA

Julie Andreyev’s artistic practice explores the social and spatial character of the city and animal consciousness through interactive installations and video. A professor at Emily Carr in Vancouver, she has exhibited internationally and is the artistic director of Interactive Futures.

Dans sa pratique artistique, Julie Andreyev explore l’aspect social et spatial de la ville et la conscience animale au moyen d’installations et de vidéos interactives. Professeure à Emily Carr, à Vancouver, elle a exposé ses œuvres partout dans le monde et elle est la directrice artistique d’Interactive Futures.

Simon Overstall software programming programmation Hyuma Frankowski industrial design conception industrielle Derek Ing design, installation assistant assistant à la conception et à l’installation Dennis Rosenfeld software programming support soutien à la programmation Sandra Hanson graphic design infographie Special thanks to: Un merci tout spécial à : Maria Lantin, Alexandra Samuel, Greg Snider, Tom Sugi

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CODE.lab

M. Simon Levin and / et Jer Thorp with Emily Carr students, faculty and alumni / avec les étudiants, le personnel et les anciens d'Emily Carr During the Vancouver 2010 Olympic Winter Games, tens of thousands of people will descend on Granville Island every day. Already one of the most photographed locations in the city, the Island will be shot from every angle: images from cameras and mobile phones mix with surveillance and media images to document every moment from every perspective. In such a photosaturated environment, who plays the observer? Who is observed?

M. Simon Levin teaches digital art and critical studies at UBC and Emily Carr. His art constitutes site-based systems exploring the aesthetics of engagement and the oftenblurred poetic boundaries between private and public space.

code.lab is a publicly-sited art project that asks visitors to consider these questions and their often ambiguous answers. Visitors are met with a set of performances, constructions and interventions. A strange robotic vehicle rolls backwards along the historic Granville Island train tracks, filming the route in reverse. A man stands motionless in the midst of the bustling crowd, his stillness documented by nearby cameras. Mechanized owls perch on high ledges surveying the activities below. A group of visitors approach a brightly-marked kiosk, only to have their picture taken by an automatic camera. These unique engagements place participants in situations in which their relationship with image and observation is constantly changing.

M. Simon Levin enseigne l’art numérique et les études critiques à la UBC et à Emily Carr. Son art se compose de systèmes axés sur des sites qui explorent l’esthétique de l’engagement et les frontières poétiques souvent floues entre l’espace privé et public.

In the CODE.lab control room, participants are immersed in imagery. A projection-based installation aggregates live feeds from cameras distributed throughout the island. On screen, live and archived images are mixed, suggesting connections between individuals, between moments and between spaces.

M. Simon Levin CANADA

Jer Thorp CANADA

Jer Thorp is a software artist, writer and educator. A former geneticist, his digital art practice explores the many-folded boundaries between science and art.

Jer Thorp est un artiste spécialiste des logiciels, un écrivain et un enseignant. Ancien généticien, son art numérique explore les frontières multiples entre la science et l’art.

Pendant les Jeux olympiques d’hiver de 2010 à Vancouver, des dizaines de milliers de personnes fouleront l’ île Granville chaque jour. L’ île, qui est déjà l’un des sites les plus photographiés de la ville, sera pris en photo de tous les angles : des images prises avec des caméras et des cellulaires se mêleront à des images de systèmes de surveillance et des médias pour immortaliser chaque moment dans toutes les perspectives possibles.

Dans un tel environnement submergé d’images, qui est vraiment l’observateur? Qui est observé?

CODE.lab est un projet d’art public qui invite les visiteurs à se pencher sur ces questions et à analyser des réponses souvent ambigües. Les visiteurs assistent à une série de performances, de constructions et d’interventions. Un étrange véhicule robotique roule vers l’arrière sur l’ancienne voie ferrée de l’ île Granville et filme la route en marche arrière. Un homme se tient immobile au milieu de la foule bruyante, son immobilité étant captée par des caméras à proximité, tels des hiboux mécanisés perchés sur de hautes saillies qui surveillent le va-et-vient de la rue. Un groupe de visiteurs s’approche d’un kiosque aux couleurs vives pour se faire prendre en photo par une caméra automatique.

Ces occasions uniques placent les participants dans des situations où leur lien avec l’image et l’observation change constamment.

Dans la salle de contrôle CODE.lab, les participants sont submergés par les images. Une projection rassemble, et diffuse en direct, les images filmées par des caméras installées un peu partout sur l’île. À l’écran, des images en direct se mêlent à des images d’archives pour évoquer des liens entre des gens, des moments et des lieux.

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vancouver~.com/code

soNG of solomoN

JULIAN JONKER AND / ET RALPH BORLAND Song of Solomon is an installation that memorializes the famous song Mbube, aka The Lion Sleeps Tonight, composed and recorded in South Africa in 1939 by Solomon Linda, while chronicling the injustice to the songwriter. The many recorded versions of the song are fragmented by a system that randomly chooses adaptations.

South African artists Julian Jonker and Ralph Borland have created a continuously changing sound environment based on the history of over 400 recorded versions of the same song, as well as examples of the genre and ancestral form from which it emerged. The song was originally entitled Mbube morphing into Wimoweh when popularized in America by Peter Seeger 10 years later to as The Lion Sleeps Tonight when songwriter George David Weiss added 10 words and a new arrangement in 1961. Weiss’s version appeard in the Disney movie The Lion King and made millions of dollars.

Inspired by the injustice done to the original composer, Solomon Linda, who recorded his hit in 1939 after moving to Johannesburg from drought-ridden KwaZulu-Natal, the two artists have both provided a monument to his extraordinary legacy and raised issues about the nature of intellectual property. Linda was paid 10 shillings for a song that went on to make tens of millions of dollars for others while he died in poverty in 1962. By sampling a huge number of variations chosen randomly in fragments by specially developed software, the song is continually arranged and rearranged and imitated. The song’s movement through different cultures and its adaptation to other arrangements speaks to its enduring power as well as to the power of dominant groups to appropriate the cultures of more marginal peoples. Song of Solomon reflects this uncertainty about the idea of authorship, while memorializing Linda as author.This sound installation serves as both celebratory monument and cultural critique L’installation Song of Solomon commémore la célèbre chanson Mbube, mieux connue sous le nom de The Lion Sleeps Tonight, composée et enregistrée en Afrique du Sud en 1939 par Solomon Linda, et raconte l’injustice infligée à l’auteur de la chanson. Les nombreuses versions enregistrées de la chanson sont fragmentées par un système qui choisit des adaptations au hasard.

Les artistes sud africains Julian Jonker et Ralph Borland ont créé un environnement sonore en constante évolution à partir de plus de 400 versions différentes de la même chanson, ainsi qu’à partir d’exemples du genre et de la forme ancestrale de l’œuvre. La chanson, intitulée à l’origine Mbube, change son titre pour Wimoweh lorsqu’elle est popularisée en Amérique par Peter Seeger, dix ans après sa création. À la suite de l’ajout d’une dizaine de mots et d’un nouvel arrangement par l’auteur compositeur George David Weiss en 1961, elle est reprise sous le titre The Lion Sleeps Tonight. On peut entendre la version de Weiss, qui a rapporté des millions de dollars, dans le film Le Roi Lion de Disney.

Les deux artistes se sont inspirés de l’injustice subie par le compositeur original, Solomon Linda, qui a enregistré ce succès en 1939 après avoir quitté le KwaZulu-Natal, alors en proie à la sécheresse, pour s’installer à Johannesburg. Ils ont édifié un monument à la gloire de l’héritage extraordinaire de l’artiste et ont soulevé des questions quant à la nature de la propriété intellectuelle. M. Linda a touché 10 shillings pour une chanson qui, en 1962, alors qu’il sombrait dans la pauvreté, rapportait des dizaines de millions de dollars à d’autres. Dans l’installation des artistes, un logiciel spécialisé crée des échantillons d’un nombre incroyable de variations et en choisit des fragments au hasard, arrangeant, réarrangeant et imitant continuellement la chanson. L’adoption de cette chanson par différentes cultures et son adaptation à d’autres arrangements témoignent de son immortalité et du pouvoir qu’ont les groupes dominants de s’approprier les cultures de peuples marginaux. Song of Solomon reflète l’incertitude quant à la notion du droit d’auteur tout en rendant hommage à la contribution de M. Linda en tant qu’auteur. Cette installation sonore sert à la fois de monument commémoratif et de critique culturelle.

exhibition Catalogue • Code live 2

JULIAN JONKER SOUTH AFRICA / AFRIQUE DU SUD

Writer, sound artist and cultural producer Julian Jonker is currently writing a cultural history of silence. His conceptual interests include the investigation of intellectual property and authorship through the techniques and practice of studio-based music and sonic art.

Auteur, artiste du son et producteur culturel, Julian Jonker rédige actuellement une histoire du silence. Ses intérêts conceptuels comprennent les enquêtes sur la propriété intellectuelle et la paternité d’une œuvre au moyen des techniques et de la pratique de musique en studio et d’art sonore.

RALPH BORLAND SOUTH AFRICA / AFRIQUE DU SUD

Ralph Borland is a South African artist, designer and technologist now based in Dublin, Ireland. A socio-political consciousness recurs in his works, but in a playful and witty manner. He is currently completing his PhD within a cross-disciplinary research group at Trinity College.

Ralph Borland est un artiste, un concepteur et un technologue sud africain qui vit maintenant à Dublin, en Irlande. Ses œuvres trahissent sa conscience sociopolitique, mais de manière amusante et intelligente.

Il termine actuellement un doctorat au sein d’un groupe de recherche multidisciplinaire au Trinity College.

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oDD spaCes FAISAL ANWAR

In Odd Spaces, multiple projectors, screens, cameras and locations are used to link people and places in Canada and South Asia. Two architectural spaces such as a hallway or gallery will be connected remotely via the internet with web cameras and projectors. Each location records individuals who randomly enter these spaces, with their movements becoming part of this ongoing artwork. Situated in Vancouver, Pakistan and Bangladesh, these backdrops present a possible contemporary understanding of the people and cultures who traditionally accept the differences that have alienated them from each other. If new technologies are meant to provide an easier way for people to connect with each other, then odd spaces looks into how such networks operate and the possible outcomes of a digitally mediated meeting.

FAISAL ANWAR CANADA

Toronto-based Faisal Anwar’s diverse background includes design, puppeteering and theatre which support his interests in fictional narrative, social interaction, “edutainment” and interactive design. His immersive environments currently focus on accessibility issues for both all children including those with limited mobility. Établi à Toronto, Faisal Anwar a un parcours varié qui comprend la conception, l’art des marionnettes et le théâtre, activités qui appuient ses intérêts en matière de narration fictive, d’interaction sociale, de divertissement éducatif et de conception interactive. Ses milieux d’immersion concernent actuellement les questions d’accessibilité pour tous les enfants, y compris ceux à mobilité réduite.

Dans Odd Spaces, on utilise de nombreux projecteurs, écrans, caméras et lieux pour relier des gens et des endroits au Canada et en Asie du Sud. On reliera à distance, par Internet, deux espaces architecturaux, comme un couloir ou une galerie, à l’aide de caméras Web et de projecteurs. Chaque endroit enregistre les personnes qui pénètrent au hasard dans ces espaces, et leurs mouvements viennent s’intégrer à cette œuvre continue. Situées à Vancouver, au Pakistan et au Bangladesh, ces toiles de fond présentent une compréhension contemporaine possible des gens et des cultures qui, traditionnellement, acceptent les différences qui les ont rendus étrangers les uns aux autres. Si les nouvelles technologies servent à faciliter l’établissement de liens entre les gens, alors Odd Spaces examine la façon dont de tels réseaux fonctionnent et les résultats possibles d’une rencontre numérique médiatisée. partners and collaborators / partenaires et collaborateurs CFC Media Lab — Toronto, Canada — cfccreates.com VASL Artists’ Collective Pakistan — vaslart.org Britto Artists’ Collective, Bangladesh — brittoarts.org techniques collaborators / collaborateurs techniques : Hassan Mustafa, Karachi, Pakistan and Salman Bari, Dhaka, Bangladesh project awards / récompenses décernées au projet odd spaces has been awarded a self-directed residency at Banff NewMedia 2008, and Ontario Arts Council’s project grant 2007.

Odd spaces s’est mérité un stage auto-géré à Banff NewMedia en 2008 et il a reçu une subvention du Conseil des arts de l’Ontario en 2007.

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vancouver~.com/codefr

CoDe DialoGues

CO-PRESENTED WITH / COPRéSENTéE PAR LA EMILY CARR UNIVERSITY OF ART AND DESIGN FEBRUARY 6, 2010 / LE 6 FéVRIER 2010 CODE Live and Emily Carr University present an all-day forum that brings together the most renowned national and international artists, curators and thinkers for a series of dialogues on the role of digital practices today. Extending the theme of Bridging, Code Dialogues will explore how artistic practices contribute to how we experience technology, our planet, its ecology and the people living within it. While technologies have created a world more closely intertwined through communication, it has also pointed to the challenges of dialogue and participation that virtual distance cannot sometime surmount.

Bringing together practitioners committed to exploring the interactive and participatory potentials of digital practices, Code Dialogues will ask how new technologies shape our individual and collective capacities to think, understand, collaborate and create.

CODE en direct et la Emily Carr University sont heureux de présenter un forum de jour, pour réunir des artistes, des conservateurs et des grands penseurs nationaux et internationaux de renommée à l’occasion d’une série de dialogues portant sur le rôle des pratiques numériques modernes. Sous le thème de l’« aérocheminement », Code Dialogues permet d’explorer la façon dont les pratiques artistiques influencent notre manière de concevoir la technologie, l’écologie, la planète et les gens qui l’habitent. Si les technologies ont permis de créer un monde davantage axé sur les communications, elles ont aussi fait ressortir l’importance du dialogue et de la participation, que la distance virtuelle ne permet pas toujours d’appliquer. Réunissant des spécialistes consacrés à l’exploration du potentiel interactif et participatif des pratiques numériques, Code Dialogues soulèvera des questions sur la manière dont les nouvelles technologies façonnent notre capacité de penser, de comprendre, de collaborer et de créer, tant sur le plan individuel que collectif.

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play: the hertziaN ColleCtive GEOFFREY SHEA

GEOFFREY SHEA CANADA

Geoffrey Shea is a media artist, musician, research, educator and pioneering media producer. A popular lecturer on the impact of media technology on culture, his film and video artwork have been presented internationally and are held in the National Gallery of Canada (Ottawa) and the Museum of Modern Art (New York).

Geoffrey Shea est artiste des médias, musicien, chercheur, enseignant et producteur de médias innovateur. Il donne des conférences courues ayant pour thème l’incidence de la technologie des médias sur la culture, et il a vu ses œuvres cinématographiques et vidéos présentées partout dans le monde. Elles sont conservées au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, et au Museum of Modern Art (New York).

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PLAY: The Hertzian Collective is a musical sound sculpture created with projected video images and played collectively by viewers on their mobile phones. Visual rhythms and spoken text explore schoolyard games: the structured and unstructured play invented by children during the loss of innocence that accompanies growing up. Arranged in three groups of overlapping, circular, video-projected images, rhythm sequences are controlled by viewers dialing a toll-free phone number and selecting beats by pressing buttons on their keypads. Inviting and participatory, the work encourages viewers to play. Structured something like a primitive musical instrument or an elaborate clockwork toy, visitors with mobile phones take control of some part of the action or another.

Exploration quickly gives way to jamming and collaboration as each player realizes that they are sharing control of this interactive artwork with other viewers standing nearby. (Created at the Mobile Experience Lab at the Ontario College of Art and Design.

Produced with the assistance of Rob King, John Kuisma, Jenny Parsons, Steven Morel and Michael Tweed).

PLAY: The Hertzian Collective est une sculpture sonore et musicale créée à partir d’images vidéo que les participants peuvent animer de façon collective avec leur téléphone cellulaire. Des rythmes visuels et un texte oral évoquent les jeux de la cour d’école : le jeu à la fois structuré et désordonné que les enfants s’inventent alors que l’innocence les abandonne peu à peu au fil du temps. Organisées en trois groupes d’images circulaires superposées projetées sur un écran, les séquences sonores varient selon les numéros sans frais que les participants composent et les rythmes qu’ils choisissent en appuyant sur les boutons de leur téléphone. L’œuvre, invitante et interactive, encourage les participants à jouer. Les visiteurs munis d’un téléphone cellulaire peuvent contrôler l’une ou l’autre des composantes de cet orchestre structuré à la manière d’un instrument de musique primitif ou d’un jouet mécanique sophistiqué. L’exploration cède rapidement la place à une composition improvisée, fruit de la collaboration entre les joueurs qui ne tardent pas à réaliser qu’ils partagent le contrôle de cette œuvre d’art interactive avec ceux qui les entourent. (Créée au Mobile Experience Laboratory de l’Ontario College of Art and Design. Produite en collaboration avec Rob King, John Kuisma, Jenny Parsons, Steven Morel et Michael Tweed.)

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