Blue Eye Photomagazine 23th

BLUEEYE 23 PHOTOMAGAZINE

CIRCUS

RAÚL GUERRA . BRIGITTA LAMOURE . TWIGGY . RAMON VILA . POL ROSSIGNANI

Ilustración: Raúl Guerra

SUMARIO mayo 2018

06 18 34 50 64 Circus

Raúl Guerra

Ramon Vila

Gianni Versace

Twiggy

72 82 94 104 110 Lucca

10 personajes Rolling míticos del Stone Circo

Pol Rossignani

Dylan Bonner

120 128 136 148 158 David Cano & Brigitta Lamoure

Cirque du Soleil

Marc Seliger

Magno Mentalista

Carteles de Circo

Xavier Miserachs

Televisión Las chicas de oro

Críticas de cine

Exposiciones

La Librería

168 178 182 184 186

EDITORIAL

Hoy quiero hablaros de la estrategia de la revista para elegir un tema genérico u otro. Pues bien, no hay ninguna estrategia, la verdad. A veces nos gustaría dedicar una revista a la fotografía culinaria, pero cuando dos o tres cocineros “mediáticos” te dicen que no pueden concederte una entrevista, damos por acabado el tema. También nos gustaría dedicar un número a fotografías de animales, lógicamente pocas entrevistas podremos hacer entonces. Así, una cosa es lo que queremos y otra lo que podemos o a dónde nos lleva el destino. De hecho este número, dedicado al Circo surgió de una sesión de fotos de promoción que hice a la Familia Bastarda en la que ellos decidieron ir transformados en personajes cirquences, y entre eso, y el film “El gran showman” y los carteles de circo antiguos, aquellos en los que más que actuaciones se mostraban “frikies” de la naturaleza (algo que hoy sería totalmente incorrecto), pues todo fue formando este número. Esto de dedicar a cada número un concepto no es nuevo claro, la fantástica revista Numéro lo hace continuamente, claro que poner un tema en portada no siempre quiere decir que la publicación se convierta en un monográfico. Además como habéis podido comprobar en Blue Eye hay entrevistas para todos los gustos: actores, escritores, dibujantes, cantantes, diseñadores de moda, modelos e incluso magos. Nos interesan tantos temas que no daríamos abasto para hablar con todas las personas interesantes que vamos conociendo, aunque la revista ronde siempre las 200 páginas.

Tengo igualmente la sensación que el público en general sigue sin fiarse mucho de una revista digital por muy muy buena voluntad que le pongas. Aunque ese mismo público sea incapaz de comprarse una sola revista en papel aludiendo que es son caras, etc. En fin, quiero acabar recordando a una amiga que nos ha dejado recientemente, Pilar Moliner, a la que tuve el gusto de conocer y fotografiar.

Si ya es triste que se muera un amigo, más triste es que sea de una forma tan repentina. Este número pues está dedicado a ella.

DIRECTOR: Guillem Medina

IN MEMORIAM PILAR MOLINER

LA SERIE

CIRCUS

Payasos, magos y fenรณmenos de la naturaleza

Eudald Capdevila

La Megapubilla

Lola Bastarda

Carolina Bastarda

Fräulein Oh

Brigitta Lamoure

Juan Antonio

QuiĂŠn es esa chica

Juan Antonio

Ismael

LOS CLÁSICOS

RAÚL GUERRA

“La línea entre encasillamiento y estilo propio puede ser muy delgada. Intento siempre crear aquello que me hace feliz, aquello que me transmite y siempre espero que en última instancia también conecte con mi público”

reo que vivimos un buen momento para la ilustración con el éxito de autores como Benjamin Lacombe o Mark Ryden, ¿te ha favorecido esta moda por los ilustradores de culto?

Ciertamente estamos en un agradable momento para la ilustración; ya sea gracias a la labor de los autores mencionados, como a las casaS editoriales que mantienen su labor y su afán en la producción de libros ilustrados.

No sabría decir con precisión si me ha favorecido o no; como en muchos campos, en la ilustración y en el arte contemporáneo también se oscila entre modas,...ilustradores, temáticas, estilos que van y vienen. En mi caso particular intento diferenciar entre mi trabajo personal, el creativo, lo que yo persigo y me hace afrontar el trabajo con ilusión y lo que está más de moda. Inevitablemente somos impregnados y contaminados por lo que vemos, oímos y vivimos en nuestros día a día y esto, de una forma u otra nos hace crear nuestro particular universo.

Creo que tu personal estilo es fantástico, muy acertado, y bebe mucho de influencias como el manga, el cine, la cultura gótica, la estética kawai, etc… ¿Cómo llegaste a él?

Muchas gracias. Está siendo una aventura gráfica fascinante y llena de sorpresas en cada recodo del camino. Las influencias que me han llevado hasta esta particular forma de enfocar mi visión artística han estado cocinándose a fuego lento durante muchos años. De niño leía bastante comic americano de superhéroes, mucho de la mítica editorial Bruguera y los libros ilustrados que me regalaban mis familiares. Así mismo, durante mi adolescencia viví el boom de la cultura mangaka en España; series como Dragon Ball, Ranma 1/2, Saint Seiya, etc ejercieron una fuerte motivación en mí. A estos dos elementos se sumaría mi pasión por el cine de época, la metafísica (junto al folklore y la cultura gótica) y el descubrimiento de la estética kawai.

No sería hasta principios de 2010 que no entraría

en contacto con la corriente del movimiento artístico denominado Popsurrealismo. A partir de entonces mi trabajo ha estado gestando en una mezcla a partes iguales de todos esos elementos que han sido importantes para mi dialogo artístico.

En modo alguno considero mi camino o mi estilo encorsetado. Cada día, cada momento, seguimos creciendo y viviendo nuevas experiencias que, al fin y al cabo, impregnan nuestras creaciones. No me gusta considerar que mi que trayectoria hacia lo que ahora hago ha sido fortuita o dejada al azar.

Mi predilección por ciertas tendencias o movimientos siempre ha estado ahí. En ciertos casos solamente he necesitado de algún catalizador para llevarlo a la práctica.

A pesar de todo pienso que nadie es profeta en su tierra y que estás teniendo mucha mejor aceptación a nivel internacional. ¿Da rabia que aquí no se valore por igual este trabajo?

El hecho de haber dejado mi hogar, en un pequeño pueblo en las montañas, en un momento en el cual el acceso a la cultura era más restringido, no deja de ser para mí el trampolín que me propulso a seguir este camino. Con 14 años me fui de casa para estudiar fuera; un momento en el que el Bachillerato de Artes no era accesible en mi pueblo. Años más tarde tuve la oportunidad de estudiar folklore Celta en Irlanda del Norte y posteriormente vivir en capitales como Londres y París, donde además de saciar mi curiosidad por conocimientos, pude tener contacto directo con las obras de arte que durante tanto tiempo he admirado.

Ciertamente, el tipo de trabajo que hago, en mi país, está más destinado al mundo editorial y de la ilustración. Pero a nivel internacional, artistas como yo, podemos exponer en prestigiosas galerías que están más orientadas a este tipo de trabajo.

Tengo la sensación que el ilustrador siempre se considera alguien supeditado a otro artista,

es el que decora un cuento, un artículo, pero no el que centra la atención de un trabajo solo por su arte. No sé si me explico pero ¿Tienes un poco esta sensación?

La función de la ilustración debe ser la de acompañar al texto. Servir de documento gráfico y realzar los valores de la narración, añadirle matices, enriquecerlo. Un texto pobre puede verse realzado por un buen trabajo ilustrativo, desde luego. En mi opinión ambos elementos

deben ir de la mano, complementarse. En los libros ilustrados en los que he trabajado hasta este momento no he sentido esa sensación; pero también es cierto que la casa editorial me ha dado oportunidad de explorar y expresar las ideas en el texto desde mi visión personal. Es cierto que en ocasiones puede que el lenguaje gráfico de un ilustrador congenie mejor con ciertos autores, y en otras, que no acoplen o en los que el ilustrador deba adaptarse al estilo, edad,

etc. Yo soy bastante artesanal y me gusta que el lector, cuando sostiene el producto final en sus manos, tenga ante sus ojos un pequeño espectáculo visual, narrativo y tangible.

¿Qué ilustradores te han gustado a lo largo de tu carrera?

No han sido necesariamente ilustradores los que más me han gustado en mi carrera, pero desde luego no puedo dejar de mencionar al llamado “Primer ilustrador”, Alessandro Botticelli. Su obra sigue ejerciendo una fuerte influencia en mi trabajo.

Pero también otros nombres como Shingo Araki, Arthur Rackman, James Jean, Sarah Kay o la impresionante obra de mi ilustrador español favorito Ferrandiz.

¿Qué procedimiento sigues desde que tienes una idea hasta que la plasmas en una ilustración?

Normalmente mi inspiración la trabajo a través de conceptos, palabras, sonidos,...raramente en mis ilustraciones o mis trabajos cuento cosas personales. No encuentro en mi faceta personal nada que pueda resultar de interés para otros; sin embargo, cuando trabajo en conceptos que tienen más de historia colectiva, si pienso que desempeño un trabajo más terapéutico, más cercano.

Normalmente tomo apuntes, escribo notas tan pronto la idea aparece. Trabajo siempre a partir de visiones. Necesito visualizar en mi mente la idea o criatura que quiere cobrar vida; a veces a través de sueños, o de forma espontánea mientras voy caminando.

Tanteo las diferentes caras de conceptos como la belleza, la inocencia, la soledad.

Posteriormente llega el momento técnico, pero no por ello menos interesante: elección de formato, papel, técnica. Siempre trabajo en dos o tres obras a la vez, ya que no todos los días siento la energía propicia para determinada obra.

Debe existir un diálogo entre el trabajo y mi mente, la energía que pongo en ella es decisiva a la hora de transmitir lo que persiga en ese momento.

En tu currículum destacas que empezaste haciendo páginas webs, pero también has trabajado haciendo ilustraciones eróticas para un negocio. ¿Te da miedo que se te encasille en un estilo muy concreto y por eso te gusta arriesgarte a aceptar proyectos muy diferentes?

Me licencié en diseño gráfico y cuando terminé la carrera fue lo primero en lo que trabajé. A día de hoy sigo realizando encargos de diseño siempre que pueda acomodarlos en mi agenda.

Yo pienso que, como comunicador gráfico, uno debe explorar tantos estilos o situaciones como le sea posible. En este orden de cosas, uno debe ser consciente de que nada está quieto, todo en perpetuo movimiento. Salir de la zona de comfort siempre resulta una experiencia que puede reportar gratificantes recompensas. Mi insaciable curiosidad me ha llevado a explorar todo aquello que pueda resultar beneficioso para mi aprendizaje.

Lo del encasillamiento también lo comento porque lo difícil de un ilustrador es que se le reconozca un estilo propio, pero cuando lo tienes la gente acaba pidiéndote siempre lo mismo ¿te has cansado alguna vez de tus niños de caras y ojos adorables?

Es cierto que la línea entre encasillamiento y estilo propio puede ser muy delgada. Yo intento siempre crear aquello que me hace feliz, aquello que me transmite y siempre espero que en última instancia también conecte con mi público.

Es normal recibir a menudo mensajes preguntándome por qué siempre parecen estar tristes estos niños y niñas que creo. En mi opinión no están tristes; más bien contemplativos. No intentan evadir lo que es, aceptan el momento y guardan silencio. Un silencio sereno que puede percibirse como melancolía.

A decir verdad, no puedo vivir sin ellos. Son parte de mi paso por este mundo.

¿Hay la idea de recopilar toda tu producción en un libro?

Sí, efectivamente. Solamente necesito un poco

más de tiempo para terminar de recopilar algunos trabajos más. Pronto.

¿Se te pueden hacer encargos? ¿Cuáles serían los pasos a seguir?

Me gustaría disponer de más tiempo del que poseo para poder trabajar más en encargos personales, pero el trabajo para galerías y el personal llenan casi todo mi tiempo. Sin embargo, siempre estoy interesado en nuevas ideas o encargos que encajen con mi lenguaje creativo o supongan un reto.

Tanto por mi página oficial de Facebook como por instagram se puede contactar directamente conmigo.

¿En el mundo de la ilustración es necesario tener un buen agente que te sepa vender?

Nunca he tenido agente. Yo creo que mejor que uno mismo, nadie puede conocer y hablar sobre tu trabajo. Me siento como un agricultor, desde el momento que prepara la tierra, planta y ve crecer, hasta que lleva su producto al mercado.

Lo que si he pensado a veces es sobre la necesidad de alguien que gestione toda tu presencia digital. La información digital se caduca rápidamente y estar poniendo al día continuamente puede robar mucho tiempo que se puede dedicar a menesteres más creativos.

Es algo que contemplaré en un futuro.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Lo más inmediato son las exposiciones que tengo que preparar para este año. Y ya, de cara al 2019, tengo mi primera exposición individual en Nueva York con Haven Gallery. Estoy especialmente entusiasmado con ello.

Aparte estoy trabajando con MoonCranePress en Japón para realizar mis primeras figuras en vinilo inspiradas en algunas de mis obras. También hemos preparado láminas de edición limitada y pins.

Entre un proyecto y otro continúo trabajando en el borrador de mi primer libro de ilustraciones y en proyectos de ilustración con otros autores.

Entrevista: Guillem Medina

Le calendrier des POMPIERS 2018 por Brice Hardelin

LA ENTREVISTA

RAMON VILA

“Los presupuestos para la cultura siempre han sido escasos. Muy por debajo de lo que deberían ser en una sociedad realmente abierta, avanzada”

niciamos la entrevista en un momento difícil para Catalunya del que no sabemos con exactitud cómo ni cuándo se verá una solución. ¿Esta situación está afectando al teatro?

Crees que hay menos afluencia de público?

No puedo decirlo con verdadero conocimiento de causa. No dispongo de datos fidedignos. Aunque yo creo que no afecta tanto como se pudiera pensar. Continuamente se reciben notificaciones de espectáculos que agotan localidades. Tanto en grandes teatros como en pequeñas salas. Aunque, claro, no se publicita cuando el público es escaso. Habría que analizar si ésta situación afecta a los bolos en localidades que no sean Barcelona.

Es posible que algunos ayuntamientos no sean tan valientes o no dispongan de suficiente presupuesto a la hora de programar. I habría que ver si la situación de gobierno en suspenso por culpa del 155 i la intervención de las cuentas por parte del Estado, afecta a subvenciones para producción de espectáculos, mantenimiento de salas i funcionamiento de entidades. Ahí sí puede haber un problema. Con presupuestos prorrogados, con la escasa inversión endémica en cultura, i con la suspicacia (cuando no directamente bloqueo vengativo) de los gestores de la economía impuestos por el Gobierno, es muy posible que los pocos recursos destinados a las actividades escénicas se hayan visto reducidos aún más.

Pero por el contrario, y aquí puede que yo confunda deseo con realidad, creo que precisamente ésta situación de incertidumbre social y de continua agresión a las libertades por parte de la administración y de la Justicia, incentivan el interés de la gente de encontrarse en ése espacio de comunión i libertad que es el teatro. Creo que hay más necesidad de vivir experiencias comunitarias i de alimentar la propia mirada a la realidad a partir de la puesta en escena de ésta realidad. Que al fin y al cabo es uno de los principales objetivos del teatro: proponer miradas diferentes sobre nosotros y nuestro entorno, que ayuden a cada cual a cuestionarse a sí mismo y el entorno. En la línea de lo que decía F.G. Lorca: “Vamos al teatro no a

ver qué pasa, sino lo que nos pasa”. Y por otro lado respecto la función más lúdica o de divertimento que también cumplen determinados espectáculos, creo (o espero) que la gente también necesita más divertirse en comunidad.

Este proceso también está afectando a la subvenciones para llevar adelante nuevos proyectos ¿Por qué unas discusiones que deberían afectar a la política están afectando de forma tan terrible a la cultura?

He dicho antes que seguramente en éste aspecto sí haya afectaciones. No sé cuantificarlas, pero sí se oyen quejas. De todas formas el problema no es tanto coyuntural, solamente. Es endémico. Los presupuestos para la cultura siempre han sido escasos. Muy por debajo de lo que deberían ser en una sociedad realmente abierta, avanzada. Los que viven de la política y que la contemplan sólo como un modo de sostener su estatus, siempre han sido y serán reacios a que la gente que les ha de votar (en esta democracia imperfecta) tengan criterios propios i capacidad crítica y de reflexión.

Y mucho más ahora en que vivimos una regresión hacia los postulados más rancios de la derecha política, y con la excusa de que no hay dinero por culpa de la crisis. Es escandaloso que en esos momentos aumenten los presupuestos de Defensa i reduzcan los de Educación y Cultura. Y que se rescaten bancos privados, autopistas, y aventuras empresariales fracasadas mientras nos mienten diciendo que no hay suficientes recursos.

Y es bochornoso que subieran el IVA (aunque hayan vuelto a reducirlo) de los espectáculos, excepto los de los toros. Y la malintencionada disposición del Gobierno de reclamar el IVA con carácter retroactivo a las subvenciones a organismos e instituciones culturales.

Y en los medios no existen los espacios suficientes de difusión e incentivación que merece el teatro. Sobre todo si comparamos con los deportes y especialmente el fútbol. Y normalmente tienen espacio en los grandes medios solamente espectáculos de “gran audiencia” que, aunque puedan ser

de calidad, no siempre son los mejores. Pero sobretodo no son los únicos.

Actualmente das clases en el Institut del Teatre i el Col.legi del Teatre donde tienes contacto con las futuras generaciones de actores ¿Crees que están suficientemente motivados y que son consciente de los pros y los contras de la profesión? ¿Cuáles crees que son sus principales dudas y problemas de cara al futuro?

La motivación es indiscutible. Que una persona joven decida dedicar cuatro años de su vida a unos estudios artísticos, a la fuerza debe responder a una alta motivación. Hay programas de estudios de menos duración en otras escuelas, pero en el Institut del Teatre se imparte la Titulación de Grado Superior y son cuatro años mínimo.

En cuanto a su conciencia de pros y contras depende de cada persona. Creo que, en general, el entusiasmo de empezar esos estudios, después de pasar una selección nada fácil, no permite plantearse las dificultades con que se puedan encontrar. Ni durante los estudios, ni, mucho menos, al finalizarlos. Y no creo que eso sea malo. Se necesita mantener vivo el entusiasmo para formarse y mejorar en este oficio artístico. Y por otro lado, hoy en día, las incertidumbres de cara al futuro también existen en cualquier otra carrera. Y, aunque sigan siendo mayores en las artísticas, en el caso de Arte Dramático también se han diversificado y aumentado las posibles salidas profesionales.

Desde luego, sólo un pequeño porcentaje de alumnos o alumnas graduados podrá vivir profesionalmente del oficio de Actor/triz, Director/a , Dramaturgo/a o Escenógrafo/a. Pero con suerte i sacrificio puede compaginar esas actividades con otras complementarias relacionadas. Normalmente clases en distintos niveles del sistema educativo (con todas las limitaciones que hay en este campo en comparación con otros países, en que la enseñanza de las artes en todos los niveles de educación se considera mucho más importante),

pero también organización de eventos, exposiciones, recitales, locuciones, impartición de cursos de mejora personal, etc.

Y también hay un fenómeno que ha crecido en los últimos 10 años: Una infinidad de proyectos i producciones de “pequeño formato” que pueden exhibirse en alguna de las múltiples salas que se han abierto recientemente en Barcelona (unas 20, parece ser), y en algunos espacios físicos i de programación en otras localidades. La participación en éste tipo de producciones no reporta casi nunca una compensación económica suficiente.

La actividad se basa en la auto-explotación cuando no en la inversión sin retorno del propio dinero. Pero permite a los participantes mantenerse vivos en la actividad artística. No quisiera hacer apología de éste sistema que mantiene en precario a mucha gente, pero de él han salido algunas producciones, compañías i actores/trices que sí han tenido una cierta continuidad i reconocimiento

Tú también fuiste alumno en el Institut del Teatre, ¿cómo ha cambiado la institución en estos años?

Ha cambiado mucho. Con ganancias y pérdidas.

Cuando entré como alumno (1978) dirigía la institución Hermann Bonnin, que llevó a cabo una transformación radical de la institución incorporando al profesorado a los mejores y más activos artistas escénicos del momento. Aunque en unas condiciones un tanto precarias a nivel de medios económicos, había una inmensa ilusión por la propia actividad que se sumaba a la sensación de libertad con el final del franquismo. Esta libertad existía realmente sobretodo dentro de la institución, cosa que permitía llevar a cabo experimentos y actividades muy estimulantes sin demasiadas restricciones académicas. Además, al ser Diplomatura, el horario de las clases permitía también compaginar estudios con trabajo (artístico o no) Con la entrada de los estudios en el sistema de Enseñanza Superior se ha ganado mucho en la sistematización de contenidos i exigencia acadé-

mica, con lo cual se gana en preparación de los alumnos, pero también obliga a una supeditación a la burocracia del sistema de enseñanza que a veces coarta la explosión creativa.

Y al pasar a ser estudios equivalentes al Grado universitario se les ha dado un nivel de reconocimiento i prestigio académico merecido, pero que en buena parte de la carrera dificulta compaginar estudios con trabajo. Aunque hay que reconocer que muchos alumnos/as con su juventud y energía consiguen hacer proezas.

Y en los últimos años noto un gran aumento de actividad artística de los propios alumnos. Creación de espectáculos con más o menos continuidad en los circuitos, con mucha precariedad económica, pero que agrupan alumnos de la diferentes especialidades que se complementan para las creaciones.

¿Recuerdas algún profesor o director que consideres que de alguna forma te ha marcado o ayudado en tu trayectoria profesional?

Toda actividad ayuda en la trayectoria. Cada proyecto, cada nueva aventura artística es un aprendizaje. Sean más o menos reconocidos, exitosos, satisfactorios o incluso fracasados.

En la época de la formación tuve otra suerte: Yo realicé los estudios en el Centre d'Osona de l'Institut del Teatre. En un ambiente reducido pero con profesorado de gran nivel. Recuerdo especialmente los cursos con Albert Boadella, Albert Vidal, Lluís Pasqual, Anna Ricci... Y evidentemente con los impulsores de ésta delegación del Institut: Joan Anguera i Lluís Solà.

Durante la actividad de la compañía La Gàbia aprendí muchísimo del entusiasmo i exigencia de Joan Anguera i Ivette Vigatà i de las colaboraciones con directores como Joan Ollé y Jordi Mesalles.

Estas personas me facilitaron las bases artísticas i de oficio sobre las que he podido aprender continuamente de todas aquellas con las que he co-

laborado después. Y en los últimos años la participación asidua en producciones de La Perla29, con Oriol Broggi a la cabeza, me han permitido colaborar con espléndidos actores y actrices.

¿Recuerdas la primera vez que saliste a un escenario?

Aparte de unas pocas funciones escolares (estábamos en pleno franquismo y no había muchas alegrías en éste campo), La primera vez que trabajé en algo “serio”, aunque no profesional, fue en una puesta en escena de un poema de Beckett con la cia. La Gàbia, en Vic. Aunque no fue propiamente en un escenario. Era un montaje que constaba de tres escenificaciones simultaneas del poema, en un espacio dividido en tres y con el público itinerante. Debió ser en el 1973, yo tenía 16 años. Desde entonces estuve vinculado a esta compañía en sus diversas fases hasta el 1994 en que se disolvió.

¿Te has arrepentido en algún momento de haber escogido ser actor?

No. Nunca. El teatro, con todas sus constricciones me permite llevar una vida muy plena. Sin excesivas rutinas i con estímulos constantes. Hay que decir que he tenido la inmensa suerte de poder vivir del teatro sin demasiadas preocupaciones económicas (también sin demasiada ambición en ése aspecto) gracias al sueldo como profesor del Institut del Teatre desde hace más de 30 años. Esto me ha permitido compaginar la actividad docente con la de actor. Y aunque a veces he tenido que renunciar a proyectos muy interesantes, en general me ha permitido escoger entre las propuestas, e incluso participar en producciones enriquecedoras a nivel artístico, aunque ruinosas a nivel económico. Siempre hay episodios de duda, de inseguridad, de replanteamiento.

Pero todo esto forma parte de cualquier actividad artística. O sea que no me he encontrado en la situación (muy frecuente por desgracia) de tener

que dedicarme a otra actividad por pura supervivencia. Y la docencia te mantiene vivo, ayuda mucho también en la propia formación i puesta en cuestión.

Has interpretado clásicos de Shakespeare, Strindberg, Guimerà, Molière, etc. Pero también obras de autores noveles, ¿Qué te motiva más: revisar un clásico o enfrentarte a una nueva obra sabiendo que quizás sentarás un precedente para cuando se vuelva a interpretar?

Me estoy repitiendo, pero volveré a decir que cada nuevo viaje es un nuevo reto. Sea emprenderlo con un texto clásico o moderno. Por tanto la motivación es esencialmente la misma.

Los clásicos tienen la densidad del tiempo, de las muchas veces que hayan podido ser puestos en escena por grandes creadores, y esto, aunque no se trabajen directamente con estos referentes, les confiere esta especial densidad. Pero en

cuanto te propones trabajarlos aquí y ahora son también modernos. Tu mirada es la de tu tiempo y momento personal.

Y al trabajar con un autor/a novel nunca me he planteado que pueda sentar un precedente. Intento hacer lo mejor que puedo, con el equipo con que trabajo, para un público de hoy. Si esto deja alguna huella o alguna pista... tanto mejor.

Pero el teatro es efímero. No solamente porque es un arte en vivo irrepetible, sino porque en cada momento se produce en relación a las circunstancias de un tiempo nuevo.

Desde luego hay referentes, artistas a quien admiras por su personalidad o por su lectura escénica de textos. Pero nunca puedes copiar.

Cada actor/actriz, cada director/a es único e irrepetible.

A mediados de los setenta formaste parte de la compañía La Gàbia ¿Cómo fue la experiencia? ¿Por qué se disolvió a mediados de

los noventa? ¿Formarías ahora parte de una nueva compañía?

A parte de la formación, digamos, más técnica en el Institut del Teatre, mi verdadera escuela del oficio fueron los años en La Gàbia. A todos los niveles. Desde los retos de la actuación a todas las otras actividades asociadas y necesarias en los proyectos teatrales. Producción, construcción de escenografías, administración, iluminación, organización de giras, carga y descarga en los bolos, conducir furgonetas, decidir los proyectos, solicitar subvenciones, etc. etc. Responsabilidades que compartíamos todos los miembros de la compañía de forma auto gestionada.

Y de hecho para mí fue una verdadera escuela de la vida. Más allá del teatro.

He dicho antes que aprendí muchísimo de Joan Anguera y Ivette Vigatà, almas fuertes de la compañía, aunque en casi todos los aspectos de la actividad trabajábamos todos los miembros de ella.

El gestionar nosotros mismos la actividad nos permitía estar permanentemente en activo sin estar sujetos a las variabilidades del actor “free-lance”.

Y además, el hecho de escoger nosotros, de forma colegiada, los textos o creaciones hacía que en cada uno de ellos pusiéramos todo el entusiasmo y dedicación de que éramos capaces.

Muy raramente hicimos un espectáculo por pura supervivencia.

Precisamente esta libertad que nos regalábamos hizo que llegara un momento en que económicamente ya no fuera viable la compañía con toda su infraestructura (Local de ensayo, almacén, oficina, furgonetas de transporte, material técnico, etc.)

Siempre estuvimos en una situación de precariedad económica. Cobrábamos el sueldo mínimo interprofesional i en algunos momentos cobraban solamente las personas que no tenían otra actividad remunerada (los que trabajábamos ya dando clases, por ej. de vez en cuando renunciábamos a nuestro sueldo). Pero llegó un momento en que

con la reducción de subvenciones, la dificultad de encontrar bolos y la burocratización y fiscalidad de las actividades artísticas, en que nos vimos en el dilema de seguir haciendo el teatro que nosotros teníamos la necesidad de hacer y morir de inanición o plegarnos a la corriente del “mercado” para subsistir. Unido a la mengua de las energías debido a la edad y al tiempo, hizo que la mayoría de los miembros más antiguos decidiéramos no seguir con la compañía.

Actualmente no creo que pudiera participar de forma tan intensa en una compañía. Hace falta mucha dedicación y energía para participar en todos los trabajos que conlleva. Pero la impronta que me dejaron aquellos años es imborrable. Por eso me encuentro tan cómodo trabajando con La Perla29. Porque en esencia es un funcionamiento de compañía. Aunque ellos tienen más especialización en los trabajos (y más eficacia, hay que reconocerlo), cada cual desde su responsabilidad se entrega por completo a cada nuevo proyecto.

Hay un pulso común pero con la ventaja de que cada uno puede centrarse en su especialidad.

Con el reto i sana exigencia que esto representa.

Y por otro lado, insisto, el hecho de no tener una nómina de creadores fija hace que pueda haber una “promiscuidad” ( si la palabra es pertinente) artística muy enriquecedora.

Hemos podido verte en la televisión autonómica en series como “Crims”, “Temps de silenci”, “Des del balcó” o “La Riera”. ¿Cuál fue tu experiencia en general respecto al medio? ¿Notaste un aumento de la popularidad a nivel popular?

Mi actividad en TV ha sido siempre muy colateral.

Cuando me ofrecen una participación, si las agendas lo permiten, la acepto; pero nunca la he tenido como objetivo. Incluso de joven, con la mezcla de idealismo e ignorancia propios de la edad, la sentía un poco como enbrutecedora.

Ahora no pienso igual. Por la ponderación que aporta la edad y la experiencia y por el aumento de calidad de determinados productos televisi-

vos. He disfrutado también en las grabaciones televisivas con la participación más continuada en La Riera (7 años con más o menos interrupciones) Pero no es tampoco mi ambición primera.

Sí he notado un aumento temporal de popularidad. La gente te reconoce por la calle y si te felicitan por tu trabajo es agradable. Pero sé que ésto es temporal. Que dura hasta que se olvida el rastro que pudiera dejar en la gente el personaje que han estado viendo asíduamente durante un cierto tiempo.

En cambio en cine te has prodigado bastante poco, por ejemplo “La ciudad de los prodigios” ¿Es porque el cine no ha llamado suficiente a tu puerta o porque siempre ha priorizado el teatro por encima de otras disciplinas?

Mi relación con el cine es parecida a la de la TV. Aunque le tengo un gran respeto, no he hecho pasos especiales para entrar en éste medio. Ni han llamado mucho a mi puerta ni tampoco yo he llamado a ninguna. He priorizado el teatro, sí.

Esto hace que por un lado no esté en los circuitos habituales de casting, representantes, o imaginario de directores de casting. Y por otro lado soy consciente de que no tengo aún la experiencia ni el oficio específico en éste medio. Queda por ver si tengo las aptitudes...

Cine, televisión o teatro ¿Qué te aporta cada una?

El teatro, para mí, es la posibilidad de encarnar personajes i vivir situaciones repetidamente y en un entorno en el que se suma la energía del público. En la representación no solamente uno se ciñe a revivir lo ensayado sino que con la presencia del público se renueva continuamente y es una nueva experiencia en cada representación.

Un momento temporal al margen de la vida cotidiana que me abstrae completamente. Una experiencia que sin exagerar demasiado se podría calificar de místico-religiosa, aunque siempre con más de un nivel de conciencia: la del oficio, la de

la presencia del público, la de la realidad y la de los nuevos descubrimientos que se dan en cada representación.

En el poco cine que he hecho lo que me ha fascinado es ver que una gran cantidad de gente trabaja en equipo durante horas para conseguir un breve momento de vida ficticia. Y notar que tu interpretación es observada no solamente por su intensidad o verosimilitud, sino además con una mirada puesta también en el futuro montaje y la secuencia y ritmo de planos que el director imagina. Y por otro lado, al rodarse a menudo en “sets” reales, con sus circunstancias de iluminación, posibilidad de movimientos, atrezzo, etc. exige una capacidad de adecuación al momento muy estimulante. Y aunque sabes que no todo está en tus manos porque interviene el encuadre, movimiento de cámara y después el montaje, sabes que tu aportación es observada con todo detalle. He de decir que no he hecho nunca un personaje continuado, con su evolución y con ensayos con el director/a previos al rodaje, cosa que me encantaría.

En la televisión, cuando he hecho un personaje con cierta continuidad, me ha divertido transitar por la evolución de ese personaje, que no depende de ti, sino de los giros que quiera darle el equipo de guionistas. Y al rodarse con cierta celeridad exige una especie de improvisación consciente en cada secuencia. Por oto lado también las relaciones con los otros personajes se modifican de capítulo en capítulo. Y es un juego muy estimulante.

¿Qué método sigues a la hora de entrar en un personaje?

No tengo un método preestablecido. Depende del tipo de propuesta en teatro, y de las circunstancias concretas en los rodajes.

En el teatro, donde en los ensayos puedes explorar tu relación con ése personaje, normalmente voy alimentando el imaginario alrededor del personaje, poniendo atención a cualquier estímulo que pueda enriquecer éste imaginario. Es un pe-

ríodo en que mi mirada a mi alrededor se modifica en función del personaje. De manera que me alimento durante el proceso de creación, de mi propia vida, de mi entorno, de lecturas, imágenes, otras interpretaciones, textos, poesía, recuerdos, etc. para enriquecer lo que Krystian Lupa llama el “paisaje interno” del personaje. Con la idea de que el personaje es “un punto de vista”, como dice Spregelburg.

En el ensayo intento estar muy abierto a las relaciones con los otros actores para dejarme impregnar e ir encarnando ésa vida ficticia pero de realidad condensada que es la del personaje. Ese período de descubrimientos, de modificación de percepciones, es uno de los aspectos más apasionantes que encuentro en el teatro.

Y, claro esta, para esta encarnación aplico mis conocimientos, habilidades i experiencias más, digamos, técnicas. Voz, elocución, movimiento, ritmo, gesto, etc. ayudado por las indicaciones de la dirección, de la naturaleza del espacio, estilo del texto, etc.

En el caso de textos teatrales traducidos, también suelo cotejar diversas traducciones, o, si domino la lengua original, también el texto original. Y si no se trata de un texto traducido hago pequeños ejercicios de traducción a otra lengua para descubrir nuevos pliegues del texto.

Si pudieses elegir y en tu momento vital actual ¿Qué personaje te gustaría interpretar?

No suelo fantasear con personajes futuros. Hasta ahora he disfrutado siempre del que tengo en el momento. Tal vez me gustaría repetir alguno de los que ya haya interpretado, pensando que con más experiencia vital y de oficio podría encontrarle más riqueza.

También has dirigido obras de teatro en varias ocasiones, pero ¿Por qué no ha habido más ocasiones para ello? ¿No has encontrado la obra adecuada?

Mis incursiones en la dirección han sido pocas i circunstanciales: Un par de direcciones con amistades que me lo han propuesto y los Talleres de

prácticas de Interpretación en el Institut del Teatre (unos 20) donde trabajo más desde el punto de vista de la práctica actoral que desde el de la dirección.

El punto de vista que hay que adoptar en la dirección es, evidentemente, distinto del de la Interpretación. Y, por el momento, mi pulsión interior se dirige mucho más a la vivencia física de los personajes que a la mirada global que exige la organización total del espectáculo. Me fascina observar, comentar, e incluso hacer aportaciones al trabajo de la dirección, pero mi mirada se desvía rápidamente a las vivencias físicas de mi personaje o de los de los otros intérpretes.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Ahora estoy de lleno en las representaciones de “Èdip” (a partir de “Èdip rei” de Sófocles y algunos

fragmentos de Wajdi Mouawad) con dirección de Oriol Broggi i con Julio Manrique en el papel de Edipo. En el Teatre Romea hasta junio i una gira por Catalunya en otoño.

También vamos combinar esta gira con algunos bolos de “Llibres per cremar” de Amélie Nothomb, con dirección de Blanca Bardagil que presentamos en febrero en el Teatre Maldà.

Y en el Institut del Teatre estoy trabajando en una Práctica a partir de “El Misantrop” de Molière, para presentar a finales de mayo.

Hay apuntes de posibles proyectos de cara a la próxima temporada, pero, superstición de oficio, no hay que hablar de ellos hasta que se concreten.

Texto y fotos Guillem Medina

FASHION WORLD

GIANNI VERSACE “Nuestro trabajo debería hacer soñar a la gente”

La moda de Gianni Versace (1946-1997) es sinónimo de lujo, exuberancia, incluso un cierto punto kitsch y hortera, pero su estilo es sintomático de los ochenta y los noventa cuando todo era derroche y ostentación de la forma más barroca posible. Sus inicios no fueron precisamente tan fashion, pues empezó estudiando arquitectura, aunque pronto se dio cuenta que prefería diseñar vestidos a crear planos de edificios. Empezaría trabajando para marcas como Genny y Callaghan, aunque a mediados de los años setenta decide lanzarse y crear su propia firma, siempre ayudado por su hermano mayor Santo y su hermana menor Donatella, creando un imperio muy familiar. Buena parte del éxito de la firma Versace llegó con su asociación con famosos: Madonna, Prince o Elton John fueron algunos de los modelos de sus catálogos y Versace a cambio los vistió a todos ellos. Son recordadas prendas como la chaqueta de pedrería que lució Elizabeth Taylor con su rostro impreso en lentejuelas, también el sexy vestido que lució en una gala la actriz británica Elizabeth Hurley de amplio escote prendido tan solo con unos imperdibles.

De repente, la cabeza de la Medusa y las cenefas griegas clásicas que convirtieron en su símbolo distintivo que estampó generosamente no tan solo en telas y vestidos sino también en zapatos, joyería, ajuar para el hogar, juegos de cama, vasos, copas etc. De hecho ver una casa enteramente decorada por Versace podía causar un mareo impresionante. Paralelamente a su carrera profesional, Versace tuvo una intensa vida sentimental, y aunque fue pareja durante 15 años del ex-modelo Antonio D'Amico también se le relacionó con otros hombres. Su muerte, ocurrida en Miami en plena calle mientras volvía de pasear sigue siendo un misterio aunque se dictaminó que el culpable fue un tal Andrew Phillip Cunnanan que poco después se suicidaría. Recientemente se ha estrenado el telefilm American Crime Story: The Assassination of Gianni Versace recreando los días previos e intentando aportar un poco de luz a un caso tan oscuro. Destacar la presencia de Penélope Cruz en el reparto interpretando a Donatella. Precisamente esta es la que se ha encargado de retomar el hilo de las colecciones, apartándose de los excesos del hermano para volver a unas líneas más contenidas. Aunque la mayor beneficiaria de todo su imperio ha sido su sobrina Allegra Beck hija de Donatella, que de momento no parece tener mucho interés por el negocio y es más conocida por su preocupante estado físico rayando la anorexia. Y es que Versace fue un bon vivant y una persona cercana y amigable aunque quizás víctima de sus propias debilidades.

Nuevos rostros LAURA ESCOBAR Lugar y fecha de nacimiento: Nací en Alcalá de Henares el 13 de Octubre de 1989.

Estudios de interpretación: Actualmente formándome en la escuela de interpretación "La bobina". Intensivos de cámara y de teatro, improvisación teatral en el centro "La sedeta", curso de improshow en Planeta Impro entre otras cosas.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión: Por suerte he recibido bastante apoyo por muchas personas a las que quiero con locura, pero destaco a mi madre, sin duda.

Primera actuación ante el público: Siendo muy pequeña, a los 5 años representando la obra de final de curso de ballet. Fue donde me enamoré del teatro y del baile.

Actores a los que admiras: Tengo muchos referentes a los que admiro. Empezaría por nombrar a mi profesor David Bauzó por su profesionalidad como actor y como profesor. También a algunos de mis compañeros con los que he tenido el placer de trabajar como Nei Loya, Iván Padilla, Pepo Flores, Raquel Moreno, Jordi Allepuz... y a muchos más, por todo lo que me han enseñado. Nacionales podría destacar a Santiago Segura, Carmen Machi, Eduardo Gomez... e internacionalmente destaco a Will Smith. Uma Thurman, Robert de Niro, Anthony Hopkins, Johnny Deep...

Interpretación de la que te sientas más orgulloso, ¿Por qué?: La representación del microteatro "Una buena abogada" de Marc Egea. Es uno de los proyectos más complicados a los que me he enfrentado, de los que más esfuerzo y dedicación he puesto y que, finalmente, consiguió tener mucho éxito. De hecho, ¡la seguimos representando! No podría estar más contenta.

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?: Me gusta descubrir mundos, crear, inventar, imaginar, disfrazarme y hacer realidad historias cada día ya sea

escribiendo, cantando, bailando o actuando. Me gusta disfrutar de las emociones ya sean alegría o dolor... y me fascina todo lo que se consigue personalmente con esta profesión. Detesto cuando no se valora o se menosprecia el trabajo de los demás. Todo trabajo conlleva un esfuerzo y eso hay que apreciarlo siempre.

¿Teatro, cine o televisión?: Aunque cada una de ellas me aporten cosas diferentes, la que más me llena sin duda es el teatro. Es lo que he hecho desde pequeña y lo que considero más puro, más real y en lo que puedes expresarte de una manera más marcada, más intensa. El público forma parte de ti, de tus emociones, están ahí contigo... y hacen que salgas con esos pequeños nervios en el estómago... Me encanta esa sensación.

¿Tienes agente?: No, no tengo agente. Y aunque no descarto tenerlo, no creo que sea todavía el momento de tenerlo. Aunque considero que mi experiencia hasta ahora ha sido muy bonita y me ha aportado mucho, quiero estar más preparada para presentarme de forma más oficial.

¿Próximo proyecto?: Tendré la suerte de participar delante y detrás de las cámaras en la segunda temporada de la web serie "Las reglas del nuevo mundo" de Musta Gomez, y como actriz en la webserie "Mala conducta" de Rubén Dos Santos. Además de seguir cerrando fechas para el microteatro de "Una buena abogada". Por mi cuenta, estoy componiendo las canciones de un disco que me gustaría sacar dentro de poco y preparando todo para rodar un cortometraje escrito por mí con mucho cariño. ¿Cómo te gustaría verte profesionalmente hablando en diez años?: Estoy luchando para poder dedicarme plenamente a este trabajo de forma profesional, por lo tanto me veo creando sin parar y participando en muchas producciones diferentes sin dejar de formarme nunca. Y voy a por todas porque soy de las personas que piensan que si quieres algo no tienes que intentarlo, tienes que hacerlo.

Nuevos rostros ABRAHAM ASENSIO Lugar y fecha de nacimiento Sabadell 05-08-1987

Estudios de interpretación He cursado diferentes cursos de interpretación y creación de personajes en diferentes escuelas como por ejemplo: Nou prodigi, Complot escénico, Silber studio y Actúa studio. Y ahora estoy planteándome cursar un Post-grado de interpretación.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión La verdad es que he conocido a muchas personas en estos años, hay actores y actrices que siempre quieren aconsejarte para bien, pero ayudar... Me quedo con Roger Grau i Maria Medinilla.

Primera actuación ante el público Empecé haciendo cortometrajes, pero mi primera actuación en público llegó con mi primera obra de teatro, “Manos arriba esto no es un atraco” que fue por 2014. Recuerdo que estaba muy nervioso, pero salió genial.

Actores a los que admiras A nivel nacional sobretodo admiro a Luis Tosar, Antonio De la Torre, Fernando Gutiérrez o Javier Bardem. Podría seguir pero ellos son los que más admiro. A nivel internacional Robin Williams es alguien que aunque no esté ya entre nosotros para mi fué y será un referente.

Interpretación de la que te sientas más orgulloso, ¿Por qué?

No tengo ninguna en particular, para mi cada interpretación es un reto, me siento orgulloso siempre y cuando el trabajo que he realizado haya estado a la altura de las expectativas.

Soy muy auto-exigente conmigo mismo e intento mejorar siempre. Es verdad que hay trabajos a los que les tienes un cariño en especial, eso ya es diferente.

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más me gusta: Esta profesión me llena, me hace sentir muy vivo y conoces a gente maravillosa. Lo que más detesto: la falta de oportunidades, y lo maltratada que está la cultura en este país, ya que eso hace que no haya tantas ayudas ni presupuestos y se nota a la hora de encontrar trabajo.

¿Teatro, cine o televisión?

Soy mucho de cine y televisión, pero ahora estoy activo también a nivel teatral, me gusta tocar todos los palos.

¿Tienes agente?

Si, estoy en varias agencias.

¿Próximo proyecto?

Estoy acabando un cortometraje llamado “Ruleta Rusa” tengo varios proyectos posibles en el horizonte, pero no puedo confirmar nada aún, seguro que algo bueno vendrá.

ICONOS

TWIGGY

El rostro de los 60

Twiggy es el nombre artístico de Lesly Lawson (Hornby, Inglaterra 1949), modelo, actriz y cantante inglesa que fue un icono cultural británico y la modelo “teenage” más famosa del Londres de los años 60. Su apodo, ramita en inglés, se debe a su constitución menuda, de cuerpo delgado y sin apenas formas, que, aunque ahora nos parezca normal, era totalmente inédito en una época donde las modelos lucían curvas y emanaban sofisticación a raudales. Su peinado de pelo corto y raya al lado fue creado por Leonard of Mayfair, quien colgó una foto suya en el escaparate de la peluquería, y así es como fue descubierta por un periodista de moda del Daily Express.

Twiggy debutó en 1965 con solo 16 años, tomando el relevo de otra supermodelo, Jean Shrimpton, a quien Twiggy admiraba, y aunque su corta estatura, 1,68 cm, no le permitía ser modelo de pasarela, su fotogenia hizo que fuera una modelo perfecta para la fotografía. Fue también la modelo perfecta para lucir las minifaldas de su compatriota Mary Quant, y su estilo fresco y juvenil, así como su innovador maquillaje de largas pestañas postizas, la hicieron destacar sobre las demás modelos, lo que le valió el título de The

Face of 1966 y British Woman of the Year. En 1967 ya era mundialmente conocida y protagonizaba las portadas de revistas como Vogue o The Tatler, y aunque su carrera como modelo acabó en 1970, continuó con su carrera artística triunfando en la pantalla, el teatro y la televisión como actriz, cantante y presentadora. Tuvo su propio programa de televisión, Twiggy’s People, donde entrevistaba a celebridades, y ganó dos Golden Globe Awards en 1971 por su papel en The Boy Friend. En 1998 escribió su autobiografía, Twiggy in Black and White, además de ser autora de otros libros de estilo y belleza, y actualmente colabora con Marks & Spencer con su propia línea de moda. Twiggy está activa en las redes sociales donde nos mantiene al día de todos sus proyectos, y es una defensora a ultranza de los derechos de los animales, entre otras causas. Llegó a ser tan famosa que se creó gran cantidad de merchandising con su nombre, y por supuesto muñecas a su imagen y semejanza como la que realizó Mattel en 1967, o la más reciente Twiggy Collection de Medicom, entre otras. Twiggy es al mundo de la moda lo que los Beatles al de la música, llegaron para revolucionarlo todo, en un Londres en plena ebullición.

VIAJANDO

LUCCA

Fotos: Enric Fontvila

Qué visitar en Lucca:

Catedral de San Martino (Duomo)

Las iglesias de Lucca se encuentran entre las más bellas de Italia, pero su catedral principal es la que realmente destaca. Con su grandiosa entrada de mármol e intrincadas vidrieras de colores, no te puedes perder esta auténtica maravilla de la arquitectura. Fue construida en el siglo XI, en estilo Románico – Gótico típico toscano, llena de detalles en sus muros y fachada. En su interior alberga numerosas obras de arte como el antiguo crucifijo del “Volto Santo” o el monumento funerario de Ilaria del Carretto.

Palazzo Pfanner

A pesar de que el interior es increíble, el verdadero tesoro de este palacio es su jardín barroco. Aunque no es muy grande, cuenta con árboles exóticos, una fuente, estatuas y un invernadero de limoneros. Su jardín del 1700 lleno de bellísimos cedros, limoneros, y diversas flores en medio de estatuas y fuentes hacen de este lugar un oasis para descansar.

Basílica de San Frediano

La iglesia románica que se encuentra en la Plaza de San Frediano puede parecer un poco sosa a primera visita, pero levanta la mirada para descubrir un enorme mosaico de Cristo cuidando de sus apóstoles.

Plaza del Anfiteatro

Esta enorme y encantadora plaza se construyó donde en su día estuvo el antiguo anfiteatro romano. Su forma ovalada sigue las líneas y dimensiones de su predecesor. Se puede acceder a la plaza por medio de 4 entradas, pero solo 1 de ellas conserva la forma original de anfiteatro (la puerta oriental). En esta plaza hoy se encuentran numerosos restaurantes, cafés, heladerías y negocios de souvenir además de ser el lugar donde se efectúan los mercados populares.

Casa natal y museo de Puccini

El lugar donde nació el gran compositor Giacomo Puccini es hoy en día un pequeño museo sobre su vida y su obra. Esta antigua casa está llena de objetos personales y recuerdos seleccionados.

Murallas de la ciudad

María Luisa de Borbón convirtió las murallas de 12 metros que rodean el casco antiguo de la ciudad en un bello jardín público. Es un lugar idílico para dar una vuelta a la ciudad.

Torre Guinigi

Situada entre los dos palacios de los Guinigi, la torre más importante de Lucca está coronada por un jardín de encinas. ¡Este pedazo de bosque en mitad del aire supone un espectáculo muy curioso de ver! La Torre, mide 44 metros de alto, construida en el 1390 por la familia Guinigi, banqueros ricos de Lucca, que erigieron esta torre para demostrar su potencia y prestigio.

Iglesia de San Miguel en Foro

La Iglesia de San Miguél en Foro es una iglesia en estilo románico gótico, construida en el siglo VII sobre las ruinas de un antiguo Foro romano, es una de las iglesias más fascinantes de la región Toscana, su imponencia y belleza no podrán dejarte indiferente. Su fachada está decorada con intrincados detalles de animales y plantas, sugestiva a la naturaleza, y en lo más alto se encuentra una enorme estatua del arcángel Miguel.

La Torre de las Horas

La Torre de las horas, en italiano Torre delle ore, se encuentra en el pleno corazón de la vía Fillolungo, es la torre más alta de la ciudad y desde su cima se puede observar toda la ciudad de Lucca. Lo más interesante de esta torre es el mecanismo manual del reloj, que se puede observar detalladamente mientras se sube. La entrada cuesta 4€.

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PERSONAJES MÍTICOS DEL

CIRCO

Los Payasos de la Tele

Quién no se ha desgañitado alguna vez gritando aquello de “¿Cómo estan ustedeeeess?”... Pues eso era el saludito de Los Payasos de la Tele, más conocidos como Gaby, Fofo, Miliki y posteriormente Fofito, Milikito etc. Suyos son hits musicales como “Susanita tiene un ratón”, “La gallina turuleca”, “Hola Don Pepito”, “Como me pica la nariz” y tantos otros que marcaron varias generaciones.

Houdini

Se le conoce como el rey del escapismo, y es que nadie como Harry Houdini (1874-1926) podía librarse de cadenas, camisas de fuerza o cámaras acorazadas tan rápido como él. Sus inicios fueron difíciles y tuvo que realizar mil y una profesiones antes de dedicarse a lo que más le apasionaba, la magia y el espiritismo. Murió de forma absurda por culpa de una peritonitis.

Siegfried&Roy

En las Vegas todo se hace a lo grande, así que si hay unos magos que encarnan ese espíritu son Siegfried y Roy, dos alemanes que se conocieron a finales de los años 50 y acabaron trabajando y siendo pareja en las Vegas a inicios de los 70. Sus shows eran espectaculares y se rodeaban de todo tipo de felinos, precisamente uno de ellos, un tigre albino atacó gravemente a Roy en 2003 acabando con la carrera de ambos. Actualmente son unas celebrities muy recordadas.

Charlie Rivel

Catalunya tiene una larga trayectoria de cรณmicos y payasos, desde la maravillosa Mary Santpere al actual Tortell Poltrona. Pero entre ellos destaca Charlie Rivel (1896-1983) famoso por su aullido lastimero a imitaciรณn de un lobo. Su nombre fue un homenaje al actor Charles Chaplin al cual conociรณ en persona. Su larga camiseta roja, sus enormes zapatones, su peluca roja, su maquillaje extremo, una guitarra y una silla son sus signos mรกs identificativos.

Pinito del Oro

Pinito del Oro (pseudónimo de la canaria María Cristina del Pino Segura Gómez) fue una de las más importantes trapecistas que ha dado el circo en España. Su habilidad era tal y su fama tan grande que llegó a trabajar en el Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus durante siete año. Después de varios accidentes acabó dejando el trapecio y se retiró a finales de los años 70.

David Copperfield

David Copperfield (pseudónimo de David Seth Kotkin) es hoy en dia el mago más conocido, o al menos el heredero que los que hacen trucos con grandes aparatos. Ha sido capaz de hacer desaparecer la Estatua de la Libertad, ha atravesado la Gran Muralla China y ha levitado sobre el Gran Cañón del Colorado.

Actualmente es el rey de Las Vegas.

Charles Blondin

En la larga tradición de funambulistas o artistas que caminan sobre una cuerda o medio similar destaca el francés Charles Blondin (1824-1897) el cual se hizo especialmente popular por atravesar las Cataratas del Niágara caminando sobre una altura de 50 metros. Luego ha habido otros que también han pretendido ser igual de espectaculares, pero él fue el primero.

Lillian Leitzel

Hay artistas de circo que descubren su vocación a una edad temprana, otros ya les viene la tradición de familia, es el caso de la alemana Lillian Leitzel (1892-1931) acróbata y mujer de una fuerza descomunal que llegaría a trabajar en el prestigioso Ringling Brothers and Barnum and Bailey Circus. En 1931 cayó de gran altura mientras actuaba en Copenhague muriendo días más tarde, sólo tenía 39 años.

Katie Sandwina

En sus inicios el circo se nutrió de los llamados “fenómenos de la Naturaleza”: el hombre más alto, la mujer barbuda, el hombre más bajo etc. Entre ellos destacó Katie Sandwina (1884-1952) la mujer más fuerte del mundo, capaz de levantar 800 kilos, levantar un caballo o soportar el peso de 14 personas sobre sus hombros. Se casó con otro forzudo, Eugen Sandow y su hijo heredó la fuerza de los padres.

Mario Zacchini

Otra de las atracciones clásicas del circo era la del denominado Hombre Bala, que se introducía en un cañón y salía despedido por los aires hasta una red. Uno de los más populares fue el italiano Mario Zacchini (1911-1999), el cual acabó trabajando en el prestigioso Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. que en aquel momento era el circo más popular. Se retiró en los años 40 y montó su propio circo.

Rolling Ston

ne always music

Rolling Stone es una de las principales revis-

tas estadounidenses dedicada a la música y la cultura popular. Se edita desde el 9 de noviembre de 1967 y además de tener su edición estadounidense quincenal, posee varias ediciones extranjeras mensuales, repartidas en distintos países del mundo, con las cuales la revista permite dar una mirada más local a la música. Fundada en San Francisco en noviembre de 1967 por el que todavía sigue siendo su editor Jann Wenner y el crítico musical Ralph J. Gleason, la revista se identificó con la contracultura hippie y se alejó de la prensa clandestina de la época con estándares periodísticos más tradicionales y evitando políticas radicales. Rolling Stone dejó huella por reportajes políticos como los del periodista extremo Hunter S. Thompson a principio de los '70.

La portada y los artículos principales son ilustrados por fotógrafos de renombre, como Annie Leibovitz.

El éxito de la revista le valió incluso una canción de Dr. Hook & the Medicine show escrita por Shel Silverstein: Cover of the Rolling Stone, todo un hit.

En los años 1980, se unieron a su plantilla escritores clásicos de las dos últimas décadas como Lester Bangs. Además la revista dejó de ser un negocio entre amigos para configurarse como una empresa seria y formal. Además, la redacción de Rolling Stone pasó a Nueva York para estar más cerca de la industria de la publicidad.

A principios de los 2000 se enfrentó a decadentes ingresos y competencia de revistas como Maxim o FHM, pero aun así Rolling Stone se reinventó a sí misma tomando posiciones en cuestiones políticas internacionales -la situación de Oriente

Medio, el calentamiento global o la economía son ejemplos- y apuntando a lectores más jóvenes.

Iggy Pop, Bono, Tom Wolfe y Ken Kesey escribieron para ella y se empezaron a publicar listados de los más grandes de todos los tiempos.

Existen numerosas ediciones internacionales a destacar la alemana (desde 1994), la australiana (desde 1969), la brasileña (desde el 2006), la colombiana (desde el 2013), la francesa (que se publica desde los años 80), la india (que aparece por primera vez en 2008), la indonesia (desde 2005), la italiana (en el mercado desde el 2003), la edición japonesa desde 2007, la edición mexicana que se inicia en 2009, la edición rusa desde 2004 y también la edición turca disponible a partir de 2009. También hubo una edición española que apareció en 1999 pero cerró el negocio en 2015 debido a las bajas ventas.

Salir en la portada de Rolling Stone lógicamente es todo un honor y reconocimiento por parte de la industria y si tuviésemos que hacer un Hall of Honor de los principales protagonistas estos serían John Lennon (cuya foto desnudo abrazado a Yoko Ono de la fotógrafa Annie Leibovitz es todo un icono), Tina Turner, The Beatles, Jimi Hendrix, Donovan, Jim Morrison, Janis Joplin, Eric Clapton, Michael Jackson (que aparece por primera vez en 1971 cuando todavía era negro con una enorme melena afro, David Bowie que aparece en 1972 travestido de Ziggy Stardust, Diana Ross, Elton John, Madonna (que aparece por primera vez en 1984), Britney Spears, Boy George, Cindy Lauper, Bruce Springsteen, Prince, Sting...la lista seria interminable, casi tanto como los fotógrafos que han trabajado para ella y nos han dejado algunas de sus mejores instantáneas.

LA ENTREVISTA

POL ROSSIGNANI

“Me centro en lo vivido en el pasado o en el presente. Me gusta que mis canciones puedan interpretarse de diferente forma según la persona que las escuche ”

outube es una fuente interminable de nuevos cantantes donde ya sea, mostrando sus propias creaciones o haciendo covers de tema famosos, se dan a conocer. Pol Rossignani lleva años mostrando precisamente y buscando un lugar en el universo musical. Los tiempos han cambiado y hoy dia fichar con una multinacional discográfica no es sinónimo que un disco se venda, así que los cantantes buscan nuevos canales para llegar a un público cada vez más selectivo y caprichoso y, sobre todo, con pocas ganas de gastar dinero en música.

Tu último tema ha sido “Change Your Mind”, ¿Cómo surgió esta canción?

Bien…esta canción tiene un gran significado detrás…y es que surgió mi composición justo antes de mi ruptura y posterior divorcio. La letra habla de la lucha por sostener algo en lo que creemos por difícil que sea aunque quizás veas o preveas que la realidad va a ser otra. ¿Te encargas tú normalmente de la música y la letra en tus canciones?

Tengo un buen equipo detrás de profesionales que se encargan de plasmar mi letra/idea/sentimientos en inglés. Las melodías la mayoría de las veces suelo hacerla yo.

¿Qué temas te motivan/preocupan a la hora de inspirarte en una nueva canción?

Me centro en lo vivido en el pasado o en el presente. Me gusta que mis canciones puedan interpretarse de diferente prisma según la persona que lo escuche.

El videoclip que lo acompaña está muy cuidado y ya tiene más de cuatro mil visitas, ¿Cómo fue su concepción?

El videoclip nació de mi propia historia. Originalmente íbamos a contar con cuatro actores y un aerealista. Pero al final decidimos centrarnos en

dos actores que muy sutilmente ejercían el papel de mi ex pareja y mío pero todo muy cuidado y sutil… nada provocativo. Decidí introducir a mi amigo Stefano el chico aerealista para darle un toque aún más artístico.

Al no tener detrás ninguna productora, el hecho de grabar un tema o crear un videoclip sale todo de tu bolsillo, ¿Vale la pena el esfuerzo económico?

Todo sale de mi bolsillo y es un gran esfuerzo e inversión… pero es la fórmula si quieres realmente hacer las cosas como quieres y cuidar al máximo el producto a tu gusto. Referente a si merece la pena… si miramos el lado económico diría que no, pero me quedo mil veces con la parte vocacional ya que esto forma parte de mi historia como persona y artista.

¿Cómo definirías tu estilo musical?

Mi estilo musical real es una mezcla de Soul, Pop y Rock pero hay que saber adaptarse también al mercado actual mainstream. Así que me decanté hacia sonidos de corte más electrónicos e impostación de voz más ligera.

Tu imagen ha cambiado mucho en estos tres años, ¿era algo premeditado de antemano?

Caí muy enfermo hace 3 años y medio ya…como pasa el tiempo!! Y en fin…ya que mi físico no es el que era y los años pasan y uno tiene menos pelo (jajaj) decidí reinventarme… tuve en poco tiempo un cambio radical, es cierto. Lo importante es saber defender la imagen que quieres vender y sentirse cómodo.

¿Qué marcas te gusta vestir?

Marcas? Me gusta mezclar marcas con diseños más exclusivos y diseños únicos realizados por diferentes estilistas (todo esto si hablamos referente a lo artista). En mi vida diaria soy muy casual aunque me dicen siempre que tengo mi “rollo" jeje.

¿Cómo funciona actualmente el mundo musical?

Creo que es una pregunta que muchos cantantes/artistas nos hacemos actualmente…esto ha cambiado muchísimo. La parte de las redes ha revolucionado todo… ojo, para bien!. Pero ya no basta con tener contactos, tener una cara bonita o cantar bien. Tienes que llegar a las personas y como digo, las redes sociales y ser cercano con las personas es algo vital, al fin y al cabo ellos son los que mandan

Tú has optado por ir sacando temas sueltos, que se puedan descargar en spotify y otras plataformas a hacer un disco tradicional con x temas. ¿Está muerto el sistema tradicional de venta de discos?

Tenía pensado producir un álbum entero pero la inversión sería muy grande. De momento sacando singles sueltos ofreciendo siempre un producto cuidado y bueno es mi forma de trabajar en mi producto. Ya se verá en un futuro.

¿Lees los comentarios que te dejan los seguidores en Youtube? ¿Haces caso de las críticas?

Siempre! Aunque soy más de Instagram donde muestro mi día a día personal… laboral… musical.

Siempre contesto a tod@s!

Has hecho numerosas colaboraciones con otros cantantes como RYK, Francesc Martin, Martha Mateo o DJs… ¿De cuál te sientes más orgulloso?

De todos y cada uno de ellos. Cada uno tiene su esencia y su toque que los hace únicos como compañeros de profesión ya sean cantantes, productores o Djs.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Tengo muchos proyectos a la vista. Me encuentro inmerso en la grabación de nuevos temas para Djs como Binomio, Esteban Lopez, Tom Siher, Pedro Pons, David Max entre otros. A la par terminando de pulir la composición de mi nuevo single inédito en solitario y otras cosas que aún no puedo desvelar!

PORTFOLIO

DYLAN BONNER En un mundo mรกgico

LA ENTREVISTA

DAVID CANO & BRIGITTA LAMOURE

“Partiendo de la base del respeto, he tenido la suerte de que el público ha encajado y aceptado divinamente al personaje, pues Brigitta no es sólo imagen, también es discurso”

rigitta Lamour es el altes ego del actor David Cano. Mientras que uno es timido y comedido la otra es un torbellino, incapaz de hacerla callar. Era lógico que acabase fichada por la televisión haciendo un programa en el que cede el micrófono a los ciudadanos de Barcelona para que manifiesten sus quejas. Y no se quedan callados precisamente ¿Cuándo aparece Brigitta Lamoure en tu vida y que aspecto tenía inicialmente?

Aparece en el año "taytantos" y de casualidad en una fiesta de cumpleaños familiar, donde quise dar una sorpresa a quien hacía los años y a los invitados a la misma, y como en todos los inicios la imagen dista tanto de la actual que mejor ni comentarla. Ahora su look ya tiene definido y asentado todo lo que veis actualmente, creando su propio sello inspirado en la mujer de los años 40 del siglo XX, cintura entallada, guantes largos, medias con la letra"B" de Swarovski dándole el glamour y elegancia que quería para ella.

¿Brigitta permite a David hacer y decir lo que le dé la gana, pero ocultándose detrás de un persona?

No. Tengo claro que ella es un personaje y he tenido la suerte de que tiene "vida propia" y paralela a mí. Creo que su imagen es tan potente y, sobretodo su pelo rosa que la caracteriza, que no haría falta ni que yo estuviera en ella, jejeje....

Brigitta, al contrario de otras muchas drag queens o transformistas, no es solo una imagen sino que es una defensora del ciudadano de a pie en Barcelona ¿Cómo surge la idea del programa Selfiematon para la cadena de televisión local BTV? Del programa Selfiematon se dieron cuenta que

mis intervenciones con la gente de la calle era lo más visto y donde la gente se "enganchaba" hasta el final. Al finalizar dicho programa, se crea Codi de Barris y se centraliza dichos reportajes en el epicentro del mismo, dando voz y cabida a tod@s los vecin@s de Barcelona, escuchándolos y respetando sus opiniones y dándoles respuesta, haciendo de intermediarios con las instituciones pertinentes que para eso es un televisión pública y sale de sus impuestos y este es el gran éxito del equipo que lo formamos.

¿Cuál es la reacción del público ante el personaje? ¿Cuál es la situación más extraña que te has encontrado haciendo el programa?

Partiendo de la base del respeto, he tenido la suerte de que han encajado y aceptado al personaje, pues Brigitta no es sólo imagen, sino discurso. Al principio, caminando por Barcelona llamaba la atención un personaje con pelo rosa y paloselfie en mano por las calles, pero en cuanto me oían y me interesaba por sus problemas diarios la gente me abria su corazón y se sinceraban hasta el punto que he compartido vivencias muy agradables pero también muy duras. Desde personas octogenarias a las que desahuciaban, prostitución, venta de droga, etc.... Y como anécdota una entre miles, os explico un caso para que veáis las diferentes opiniones que pueda suscitar el personaje de Brigitta: Me encontraba en un parque enfrente de la Estación del Nord en el barrio del Fort Pienc viendo a unos jubilados jugando a la petanca, (un clásico del que quiero desmitificar que sólo es para gente mayor, pues hay mucha gente joven que juega), y al acercarme a dos hombres para preguntarles sobre sus inquietudes uno de ellos exclamó: TENDRÍAN QUE ARRESTARTE POR IR ASÍ POR LA CALLE y el otro en cambio me dijo: QUE GUAPA ERES, VENTE CONMIGO!!

¿Tantas cosas funcionan mal en Barcelona que se han de denunciar?

No es que funcionen mal, es que Barcelona es una gran ciudad y está muy viva en sus 73 barrios. El día a día hay muchas necesidades que cubrir.

¿Cómo se toman las autoridades al personaje?

Muy bien y se interesan por aquel sitio, desperfecto, necesidad que nos hacen llegar los vecin@s. Que es su obligación, por cierto.

El personaje siempre va enganchado a un paloselfie, ¿En la vida real también eres de selfies?

Para nada, al contrario, no me gustan nada las fotos selfie, pues ¿Conoces a alguien que quede realmente bien en un autorretrato? La cara ahuevada, los ojos más grandes que la cabeza, la boca gigante, je je je je.....

Brigitta entrevista muchas veces a la gente en los mercados, un escenario que David ya conoce porque estuvo casi 20 años trabajando en una carnicería. ¿Esa experiencia te deprimía o te dio tablas a la hora de enfrentarte a la gente?

Fue una opción de vida que me llevó a ser carnicero-charcutero, especialista en jamones, y del que guardo un gran recuerdo, pues al contrario de los tópicos que puedan haber, yo me lo tomé como un gran escenario donde mi público decidía con su dinero venir a comprar mi género. Y yo sonrisa en boca, respeto y buen hacer les vendía y ofrecía según sus necesidades, aconsejando, y sobretodo que volvieran al día siguiente. He hecho grandes amig@s y he conocido y escu-

chado a mucha gente. No os podéis imaginar la de personas que quieren ser escuchadas. Yo a veces, al llegar a casa y hacer balance del día, que os lo aconsejo que hagáis, me sorprendía de lo que se llegaban a sincerar conmigo.

¿Qué hay de innato de Brigitta en ti y cuánto hay de actor?

Todo lo que hay es de actor, como anteriormente te he dicho, ha creado su propia vida, su manera de hablar, de hacer, de reflexionar, de opinar.....poco tiene de mí. Bueno sí, la rapidez verbal y la improvisación, así como su ironía.

Creo que hace diez años hubo sobresaturación de dragqueens en Barcelona, pero ahora la cosa se ha estancado. Pero ¿qué ha de tener según tu opinión una drag para triunfar?

Soy transformista cómico, ésta pregunta sería para las DragsQueens!!! Un género totalmente diferente del mío. Vestuario, maquillaje, puesta en escena, etc....nada tiene que ver con un transformista.

Aunque la peluca y el maquillaje ya es un habitual, ¿Cuántos vestidos tiene Brigitta?

No sabría decirte exactamente cuántos vestidos tiene, pero muchos, muchos, muchísimos......y zapatos, joyas, guantes, medias, pendientes, pulseras…

Hace unos años te casaste, que creo que fue una de las mejores cosas que te ha pasado ¿Tu marido como lleva tener que vivir en un trio contigo y con Brigitta a la vez?

Lo lleva estupendamente: es BISEXUAL jajajajajaja

¿Le proponen cosas raras a Brigitta?¿Escribir un libro, hacer algún tipo de show…?

Le proponen de todo y soy yo quien decide dónde, cómo y porqué -sólo faltaría- pero nada de rarezas, porque escribir un libro no sería ninguna, y shows ya los hace y ¡¡por muchos años!!

¿Cómo ligas más como David o como Brigitta?

Que lejos queda la palabra ligar, ella es querida y respetada y yo felizmente casado y no estoy por la labor, además nunca he ligado, los elegía yo, ja ja ja

Estudiaste interpretación y has aparecido como David Cano en cortometrajes como “Gentleman” o en web series como “Cita familiar”. Te da miedo que la gente piense que es mucho interesante Brigitta y la prefieren a David Cano, la persona?

Para nada, caminos paralelos. Me consta que a Brigitta le encantaría hacer una ¡¡serie o película!!

¿Cuáles son los próximos proyectos de Brigitta? ¿Y los de David Cano como actor?

Brigitta, afortunadamente sigue cada jueves en Codi de barris en Betevé en directo a las 22.20h y yo tengo una obra de teatro en marcha (todo un reto personal) de la mano de Buenafuente's Actors , así como un cortometraje que no dejará a nadie indiferente.

Entrevista y Fotos: Guillem Medina

ESPECTÁCULOS

CIRQUE DU SOLEIL

El mayor espectรกculo de mundo

Cirque du Soleil es una empresa de entrete-

nimiento y la mayor productora de teatro del mundo.Tiene su sede en Montreal, Canadá. Si bien fue fundada en 1984 por Gilles SteCroix, Guy Laliberté y Daniel Gauthier, su origen se remonta una década atrás, cuando Ste-Croix asumió la administración del albergue Le Balcon Vert, en la localidad canadiense BaieSaint-Paul, un punto de reunión para jóvenes viajeros interesados en la difusión de actividades culturales y musicales. Su nombre hace alusión a la «juventud, energía, fuerza» concebida por Laliberté al momento de establecerlo como un circo con presencia internacional. Su idea era formar un grupo de teatro de calle para difundir el folclore de Canadá. En 1980, antes de que comenzara la temporada de mayor afluencia turística en Le Balcon Vert, Ste-Croix contrató a Guy Laliberté, un joven acordeonista y tragafuegos, para la coordinación del programa de verano y a Daniel Gauthier, amigo y compañero de estudios de Laliberté, para el control financiero del albergue. En 1987, Cirque du Soleil salió por primera vez de su país de origen e invirtió todos sus recursos para visitar Estados Unidos con Le Cirque réinventé en Los Angeles Art Festival.Tras su estreno, el público asistente elogió la produc-

ción, catalogada como «dramática, emocional, ocasionalmente lenta y sumamente teatral», en contraste con el estadounidense Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Dicha producción le valió a Cirque un premio Emmy en la categoría de «evento especial sobresaliente» de ese año. Posteriormente el circo se presentó en las ciudades de San Diego y Santa Mónica, además de tener una aparición en los Juegos Olímpicos de Calgary de 1988. En 1990 su gira internacional pasó por las ciudades de Londres y París. Para su cuarto espectáculo, Nouvelle Expérience, la empresa adquirió una carpa con capacidad para 2500 personas y gozó de un notable éxito comercial y crítico, además de ser la primera producción de Cirque estrenada en Las Vegas. En mayo de 1992 se presentaron por primera vez en Japón con la producción Fascination, exclusiva para este país, con actos de sus espectáculos pasados y que les permitió visitar ocho ciudades del país durante cuatro meses. El éxito comercial y crítico conseguido hasta entonces se consolidó con el resto de producciones de los años 1990 como Saltimbanco, Mystère, Alegría y Quidam. Estrenada en 1994, Alegría conmemoró el décimo aniversario de la fundación de Cirque du Soleil, y estuvo disponible hasta diciembre de 2013, tras llegar a 250 ciu-

dades y catorce millones de espectadores. Su banda sonora, distribuida a partir de ese mismo año, fue uno de los álbumes más vendidos en 1995 y la canción del mismo nombre resultó nominada en los premios Grammy del año siguiente En 1997 se inauguraron las oficinas internacionales Le Studio, en Montreal,y al año siguiente se estrenaron los espectáculos permanentes O y La Nouba, en el hotel y casino Bellagio de Las Vegas, y en Walt Disney World Resort respectivamente. En 1999 se estrenó una nueva exhibición itinerante, Dralion, cuya temática principal aborda las artes acrobáticas chinas. La revista estadounidense Variety lo catalogó como uno sus «programas más robustos y divertidos». Como parte de la conmemoración del vigésimo aniversario de Cirque du Soleil, en 2004 se publicó el libro 20 years under the sun, que narra la historia de la organización hasta ese año, además de presentarse por primera vez el espectáculo residente Ká en el MGM Grand Las Vegas.

Sus espectáculos combinan música, danza y actos circenses que incluyen contorsionismo, danza aérea, malabarismo, acrobacias y gimnasia sobre trapecios, alambres o cuerdas, trampolines, entre otros, y se caracterizan por tener una trama como hilo conductor de la producción. Para

su primera exhibición, Le Grand Tour du Cirque du Soleil, se utilizó una carpa para albergar hasta 800 personas. Desde entonces, y hasta 2017, han dado más de cuarenta espectáculos en todo el mundo, tanto ambulantes —en una carpa o arena— como eventos fijos llevados a cabo en un proscenio de algún hotel, casino o parque temático.

Cirque du Soleil se ha hecho acreedor de diversos reconocimientos, como un Rose d'Or, un galardón Bambi, tres Drama Desk en la categoría de «Experiencia teatral única», reconocimientos Gemini, galardones Primetime Emmy y un par de estrellas en el Paseo de la fama de Hollywood y en el Paseo de la fama de Canadá, y sus producciones se han presentado en más de 300 ciudades de distintos países, vistas anualmente hasta por once millones de personas.Además de sus espectáculos, otros productos y servicios de la empresa incluyen películas y series de televisión, contenido multimedia para eventos públicos y privados, programas sociales, videojuegos, prendas y accesorios, entre otros. Sus últimos espectáculos han sido Kurios, Joyá, Toruk, Volta (espectáculo de deportes extremos), Crystal (espectáculo de patinaje sobre hielo). Las temáticas son infinitas.

LOS CLÁSICOS

MARK SELIGER

“Si vas a dedicarte a un trabajo, tienes que invertir a fondo en ello”

Mark Seliger es un fotógrafo americano (na-

cido en Amarillo, Texas, en 1959) especialista en retrato. Estudió en la High School for the Performing and Visual Arts en Houston donde combinaba sus estudios con el trabajo en el estudio de otros fotógrafos y en la Texas A&M University– Commerce. Posteriormente se trasladaría a Nueva York donde estuvo de ayudante de John McDaire entre otros a tiempo parcial, hasta que decide abrir su propio estudio de fotografía. Estuvo como jefe de fotografía de la revista Rolling Stone desde 1992 a 2002 y realizó más de 100 portadas. También ha realizado un buen número de portadas para GQ y Vanity Fair. Ha publicado varios libros recopilatorios de su trabajo fotográfico, además ha creado portadas de CD para cantantes como Britney Spear, Diana Krall y otras bandas de música y ha dirigido algunos cortos. Entre las numerosas personalidades que ha retratado se encuentran Susan Sarandon, David Byrne, Matthew Barney, Willie Nelson, Mick Jagger, Keith Richards, Kurt Cobain, Rob Thomas y Tony Bennett. A destacar su trabajo en el mundo de la moda, publicando de forma asidua en revistas como Elle, Harper’s Bazaar, Vogue USA o Vogue Italia.

Según confiesa el propio fotógrafo “Mi mentor era un tipo llamado James Blueberry, que era nuestro profesor. Un tipo maravilloso. Luego admiré a Penn, Avedon y Arnold Newman que fue uno de mis héroes. Me encantaron algunas de las primeras fotos de Skrebneski y era fan de Mary Ellen Mark y Diane Arbus”. A lo largo de su carrera ha tocado practicamente todos los temas incluso la fotografía publicitaria, “Me gusta hacer fotos. Si decido hacer un trabajo o una tarea, es porque estoy totalmente interesado en ella y me entusiasma si es un trabajo publicitario o editorial. Es por eso que la gente me contrata. Me contratan para hacer lo que hago. Esa es una especie de regla ... Si vas a dedicarte a un trabajo, tienes que invertir a fondo en ella”. Normalmente

trabaja con varios equipos a la vez, “Tenemos un poco de todo. Usamos todo, desde formato grande de 8 × 10 a todos los tipos de formato digital y medio. Realmente no usamos equipos muy complicados. Usamos equipos muy simples.

Usamos IQ, Phase One, y Nikons. Pero una buena parte del trabajo que hacemos depende de lo que usemos en un proyecto en particular”.

En 2006 cofundó un espacio de exhibición para fotógrafos llamado 401 Projects. También ha hecho campañas de publicidad para Aerosmith, Elizabeth Arden, JVC, Paramount Pictures, Sony Music, Universal Pictures… Entre otros premios, consiguió el Lucy Award de 2009 en Achievement in Portraiture. Desde 2010, Seliger vive en Nueva York y trabaja para Conde Nast Publications. Mark Seliger se ha convertido por mérito propio en uno de los mejores retratistas del siglo.

Bajo la mirada incisiva de su cámara han pasado las más importantes celebridades del cine, la música, la cultura y la moda. Todos quieren posar para el fotógrafo que ha transformado en iconos a sus personajes. Sus retratos son potentes y directos, tiene la fuerza necesaria para atraer la atención del espectador y que no pasen inadvertidos.

Hay muchos fotógrafos que si mezclásemos sus imágenes al azar, no podríamos saber quién es el padre de cada hijo. Eso no pasa cuando analizas en profundidad la obra de Seliger y te das cuenta que es un profesional que disfruta haciendo su trabajo, se entrega en cada trabajo y trata de ofrecer una nueva visión de cada personaje que fotografía. Uno de sus trabajos más personales fue el libro When They Came to Take my Father – Voice of the Holocaust inspirado en cincuenta historias de supervivientes del holocausto judío que contó con los textos de la investigadora Leora Kahn o On Christopher Street en la que retrató diferentes personajes de la comunidad gay neoyorkina.

El patio de casa

Oscar’s Party

Rolling Stone

BIBLIOGRAFÍA

LA ENTREVISTA

MAGNO MENTALISTA

“En España no hay mucha cultura de magia. Se la ve como un acertijo, como que no hay que disfrutar del mago, hay que intentar descubrir la trampa”

¿Cuándo empezaste a interesarte por el tema de la magia?

La verdad es que empecé de niño, me encantaban los programas de televisión donde salía magia. Sin embargo yo era un niño de Cádiz, que no podía acceder a la magia, hace 40 años sin internet era muy difícil aprender. El destino me llevo a Barcelona 20 años después dónde encontré por casualidad de una tienda de magia, allí me recomendaron libros y me aficioné a la magia no sólo como espectador, sino también como realizador.

¿Eres de lo que pedían a los Reyes Magos el juego de Magia Borrás? ¿Es una buena forma de iniciarse en el mundo de la magia?

Si, era de los que de pequeño, como todos los niños pedía el magia Borrás para los reyes, sin embargo no creo que sea una buena forma de iniciarse. Creo que si a un niño le gusta la magia, hay que llevarle a espectáculos de magia para que la disfrute, de la misma manera que si a un niño le gusta el cine lo llevas al cine a disfrutarlo y no le compras una cámara, creo que si a un niño le gusta la magia es malo decirle que tiene truco lo mejor es que lo disfruten que vea muchos magos, que aprenda a diferenciar el bueno del malo, el que le gusta del que no. No todos los niños que les gusta la magia, les gustaría ser magos, aunque ellos en realidad aún no lo saben.

La magia requiere una repetición un estudio y un esfuerzo que el niño todavía no está preparado.

Sí cuando llegue a una determinada edad decide que aparte de ver magia quiere ser mago estupendo, pero cuando ya haya aprendido a diferenciar como espectador los tipos de magia que hay y qué tipo de magia realmente le gusta como espectador

En los setenta, cuando yo era niño, Juan Tamariz era el referente como mago ¿Qué significó para ti este mago y crees que se le valora suficiente como profesional?

Para mí Tamariz fue el mago que me inicio en la magia como espectador, aprendí a saber lo que era la magia con Tamariz. Era prácticamente lo único que se podía ver de magia en la tele cuando era niño. Sin embargo no era consciente de lo grande que era realmente Juan Tamariz.

Creo que entre los magos si está suficientemente valorado tanto en España como fuera es posiblemente el mago que me has aportado el crecimiento de nuestro arte. El público simplemente lo disfruta qué es lo que debe hacer. La magia es un arte que a diferencia de un Malabar cuánto mejor hecho está, cuanto más has trabajado y más has ensayado es cuando parece que no haces nada. Como espectador Tamariz es un niño jugueteando con una baraja. Hace falta muchísimo trabajo para "juguetear" en un escenario. ¿Qué percepción tiene el público español de los espectáculos de magia en general?

Desgraciadamente en España no hay mucha cultura de magia. Se ve la magia como un acertijo no hay que disfrutar del mago hay que intentar descubrir la trampa. Normalmente el espectador disfruta mucho cuando descubre la trampa del mago, se siente más listo, en el fondo se siente feliz como el niño que acaba de descubrir quiénes son los Reyes Magos, ese niño que se siente mayor sin darse realmente cuenta de lo que acaba de perder. Otra imagen es ver los espectáculos de magia como algo para niños. La verdad es que no hay mucho público con buen criterio mágico por haber visto a varios magos sin embargo estamos en un país con alguno de los mejores magos del mundo la mayoría de ellos desconocidos. En los últimos congresos internacionales España ha sido el país que más premios ha conseguido a nivel mundial. Y como público lo desconocemos y no vamos a disfrutarlo. La mayoría de esos magos terminan trabajando más fuera de España que aquí.

¿Qué personas consideras que han influido más en tu carrera como mago?

A nivel personal mis referentes han sido Magos de muy alto nivel pero muy pocos conocidos.

Pablo Domenech, Amilkar, Koke, Gabi Pareras.

Todos magos de Barcelona y que han sido muy generosos con sus conocimientos

¿Cuáles son tus magos de referencia?

Hay muchísimos magos de referencia habría que diferenciar los por especialidad. En cartas el maestro sin lugar a dudas es Juan Tamariz probablemente el mejor del mundo. En espectáculos grandes evidentemente el maestro mundial sería David Copperfield. Aunque el actual campeón mundial de magia el que está considerado actualmente como el mejor, es Héctor Mancha, bombero de Madrid (Si, en España tenemos al mejor del mundo y tiene que trabajar de otra cosa) El mentalismo la referencia mundial sería Derren Brown aunque en España tenemos también a Anthony Blake qué es uno de los referentes. Si nos vamos a nivel local tenemos a Luis Piedrahita, Pepe Carrol, Magic Andreu, Mag Lari Jandro en realidad cientos de magos que han aportado mucho la magia en distintos momentos y a los que le debemos estar agradecidos.

En un momento determinado decides presentarte al concurso de la Federación Internacional de Sociedades Mágicas (FISM) ¿Qué es esta asociación y qué pensabas que podías ofrecer de nuevo?

El Fism, es una asociación que a su vez reúne a todas las sociedades mágicas de todo el mundo.

Cada 4 años hay una especie de competición dónde van los mejores de cada país a competir evidentemente el nivel que hay ahí es altísimo.

Personalmente cuando empecé en el mundo de la magia no me planteaba ser capaz de llegar al nivel de competir en estos concursos. Sin embargo empecé a presentarme a concursos un

poco más "pequeños". Empecé a conseguir premios y en un momento determinado conseguir la clasificación para ir a uno de estos concursos y decidí aprovechar y vivir la experiencia. Sin embargo una vez vivido desde dentro ves que no es una competición al uso sino una reunión de grandes magos donde cada uno muestra lo suyo. Conoces nuevos magos nuevas ideas me he llevado varios premios en varios concursos sin embargo lo más importante que me lleva de ellos nunca ha sido trofeo

En tu caso te defines como ¿Mago, mentalista, ilusionista…?

En el mundo de la magia hecho prácticamente de todo, creo que cualquier mago profesional y que se considere completo debe haber tocado todas las especialidades, al igual que el mejor escritor del mundo ha pasado por un colegio donde aprendido a hacer matemáticas. Quizás en lo que esté más centrada actualmente es en cartomagia y el mentalismo dos especialidades totalmente distintas pero que disfruto igualmente

En Barcelona, existe, una tienda El rey de la Magia, fundada en 1881 que sigue funcionando, en cambio intentaron montar un local con espectáculos en vivo y no acabó de funcionar. ¿La magia es un entretenimiento de otra época?

El rey de la magia es la tienda de magia más antigua del mundo y ha sido referencia para los mejores magos. Sin embargo no hay que decir que sea antiguo, el rey de la magia está creciendo desde 1881 tiene espectáculos que son super actuales. Mientras haya capacidad de asombro y sentimiento artístico la magia si existirá. Sin embargo la magia no transmite igual en la televisión que en directo esto es lo que provoca que no haya grandes programas de magia en televisión y la gente en general tenga la imagen de la magia que veía hace 40 años

En el mundo de la magia ¿Todo tiene truco?

En absoluto, la sensación que creamos es totalmente real. La parte de atrás del escenario tiene secretos trampas, trabajo, trabajo y trabajo. Si el mago ha hecho bien esa parte lo que debe sentir el público es auténtica magia.

Viendo los espectáculos de Mag Lari, Mago Pop, Tamariz o incluso Magic Andreu todos tienen un elemento común que es el humor. ¿Es imprescindible distraer con el humor a la hora de hacer magia?

Creo que no creo, que está muy bien usar el humor pero hay muchísimos magos que utilizan la poesía la música y que hacen realmente espectáculos que te emocionan y te sacan la lágrima, el humor es un buen argumento, pero un buen mago debe tener más y terminar usando el que mejor le vaya. En ese campo en España tenemos a Miguel Ángel Gea uno de los magos que más ha estudiado sobre el tema de las emociones y la magia

Si alguien quisiera empezar a dedicarse ahora a la magia ¿qué consejo le darías?

Primero mucha pasión, después que leyera mu-

chísimos libros, la mejor forma de aprender magia es con un libro. Cuando tú ves un mago en un vídeo, ves el resultado de muchas horas de trabajo, cuando lo lees, hay parte que no te puede transmitir con letras, su tono, sus pausas, sus énfasis y esas partes las vas a tener que rellenar tú, con lo cual tendrás tu propia personalidad. Esta es la diferencia entre un mago bueno y uno del montón. Busca luego juegos que no haga el resto de la gente, trabájalos, termina convirtiéndote en el mago que te gustaría ir a ver

Mirando la lista de magos más famosos hay pocas mujeres ¿es por qué no están interesadas en este mundo o porque es un mundo muy machista?

La magia no es un mundo machista en absoluto sin embargo entre los aficionados hay pocas mujeres. No sabría cuál es la razón al igual que no sé porque hay más hombres que juegan a las videoconsolas qué mujeres. Hay pocas mujeres pero de bastante nivel. Curiosamente hay más mujeres que hacen magia poética que cómica y me gustaría que hubiera más mujeres que se animaran a meterse en este mundo.

¿Existe una especie de código deontológico que no permite rebelar los trucos a gente profana al tema?

La verdad es que no existe un código deontológico para la magia de la misma manera que no lo existen para que un padre explice el niño cómo trabajan realmente los Reyes Magos. Sin embargo cuando empiezas a trabajar en esto te das cuenta lo fácil que es romper la ilusión de un espectador. En ese aspecto la magia es cómo hacer una grandísima pompa de jabón preciosa pero super frágil, te cuesta muchísimo trabajo crearla pero explotarlas es tan fácil como tocarlo con el dedo. Cuando realmente le pones pasión a este arte no quieres explicarle a nadie cómo romper tu pompa de jabón. Y lo mejor para el espectador es no saber hacerlo.

¿Qué opinión te merecen programas de televisión como NadaxAquí de Cuatro?

A nivel personal pienso que le hacen mucho bien a la magia muestran una magia actual moderna,

sin embargo también pienso qué es cómo mostrar el tráiler de una película luego hay que ir al cine verla completa en el casa la magia hay que ir al teatro y disfrutarla de verdad.

¿Dónde se te puede ver actualmente haciendo magia?

Actualmente estoy en el Teatreneu presentando un espectáculo nuevo de mentalismo. Estoy muy orgulloso de mi resultado algún mentalismo blanco psicológico y la gente sale muy contenta del resultado y en un estado mejor del que entro.Invito a todos tus lectores que vengan a verlo.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

La verdad es que tengo varios proyectos en marcha pero como muy buen mago debo guardar el secreto

Texto y Fotos: Guillem Medina

Carteles d

de CIRCO

LOS CLÁSICOS

XAVIER MISERACHS La mirada cotidiana

Xavier Miserachs llegó a este mundo en Barcelona, en un momento convulso. Aquel 12 de julio de 1937 España estaba sumida en plena Guerra Civil, pero, afortunadamente, el clima decadente en el que transcurrió su infancia no impidió que desde muy joven se interesase por la fotografía. Posiblemente sus padres, el médico hematólogo Manuel Miserachs y la bibliotecaria Montserrat Ribalta, supieron crear el caldo de cultivo apropiado para despertar en él el interés por la cultura y el arte.

Su primera toma de contacto seria con la fotografía tuvo lugar en el Instituto Técnico Eulàlia, conocido habitualmente durante el régimen franquista como Centro de Estudios San Marcos.

Esta escuela destacaba ya entonces por el alto nivel de sus docentes, y pudo ejercer sobre el joven Xavier una influencia positiva que culminó cuando con 17 años asistió a la exposición «The family of man». Según el fotógrafo y amigo de la infancia Oriol Maspons, aquellas imágenes le impresionaron tanto que decidió cambiar la dirección en la que discurría su vida hasta entonces.

Posiblemente influenciado por su padre, Xavier Miserachs comenzó a estudiar la carrera de medicina. Y, de hecho, llegó lejos porque continuó su formación como médico durante cinco años.

Aun así, su auténtica pasión era la fotografía, por lo que decidió abandonar sus estudios de medicina para dedicarse en cuerpo y alma a su afición, un propósito que parecía rondarle desde que en 1952, con 15 años, se hizo miembro de la Agrupación Fotográfica de Cataluña.

Su pericia detrás del visor se hizo patente muy pronto, lo que le condujo a recibir con solo 17 años el premio I Trofeo Luis Navarro en el II Salón Nacional de Fotografía Moderna de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, y a exponer

pocos años después con Ricard Terré y Ramón Masats en la muestra Terré-Miserachs-Masats I, que se celebró tanto en Cataluña como en Madrid. En cualquier caso, con 24 años decidió abrir su propio estudio de fotografía con la intención de compaginar los encargos que le permitían ganarse la vida con proyectos fotográficos personales con una influenciada muy marcada por el neorrealismo.

De aquellos primeros proyectos fotográficos de autor nació, entre otras obras, la compilación Barcelona Blanco y Negro, un libro que recogía 400 de aquellas fotografías. En ellas Miserachs describía con una ausencia total de artificios el despertar económico que empezaba a experimentar la capital catalana en los años 60. Precisamente, esta es la principal seña de identidad de su fotografía: un realismo muy marcado que pretende mostrar el mundo tal y como es, sin nada que edulcore la percepción que tiene la persona que observa la fotografía.La marcada influencia del neorrealismo en la fotografía de Xavier Miserachs provocó que buena parte de las revistas con más repercusión en la sociedad de la época, como Actualidad Española, Triunfo, Interviú, La Gaceta Ilustrada o Magazin, entre otras, publicase sus reportajes fotográficos. También el diario La Vanguardia publicó varios reportajes suyos, lo que le permitió afianzarse con una gran solidez en la fotografía profesional.

Además, su trabajo para los medios de comunicación permitió a Miserachs recorrer no solo Europa, sino también Estados Unidos, algunos países de África y una parte del sudeste asiático.

Pero su ambición artística y su polivalencia le incitaron a experimentar con otras formas de expresión, por lo que decidió probar fortuna en el mundo del cine. Ejerció como cámara y director

de fotografía en dos películas underground dirigidas por sus amigos Enric Vila Matas y Emma Cohen, y se encargó de la foto fija en la película «Juguetes rotos», de Manuel Summers, en 1966. Incluso produjo y dirigió un cortometraje propio titulado «AMÉN historieta muda», aunque su experiencia en el mundo del cine quedó ahí.

Además de su gran interés en la experimentación fotográfica, Miserachs tenía una vocación didáctica muy acentuada. Esto fue lo que le animó a cofundar en 1967 la escuela EINA, en la que ejerció como uno de sus primeros profesores de fotografía. Pero esta no fue la única forma en la que dio salida a su interés por la divulgación y la enseñanza. También escribió tres libros de texto que aún hoy son considerados

auténticos clásicos. Uno de ellos, el titulado «Fulls de contactes. Memòries», editado por Edicions 62 en 1998, fue galardonado con el II Premio Gaziel de Biografías y Memorias. Incluso llegó a ilustrar varias obras de otros autores.

Desafortunadamente, Xavier Miserachs nos dejó demasiado pronto. Un cáncer de pulmón acabó con su vida en 1998, cuando tenía solo 61 años. Poco antes había recibido la Cruz de San Jordi que otorga la Generalitat de Cataluña. Él ya no está, pero su obra perdurará y siempre formará parte del legado que nos han transmitido los fotógrafos españoles que han contribuido a hacer de esta forma de expresión el arte que es.

BIBLIOGRAFÍA

TELEVISIÓN

De Sicilia a St. Olaf: un paseo por Las chicas de oro El 14 de septiembre de 1985, los telespectadores estadounidenses pueden escuchar por primera vez en sus hogares la famosa cabecera Thank You for Being a Friend que daba paso a la emisión de Las chicas de oro (The Golden Girls, 1985-1992), una de las series más recordadas y rompedoras de la década de los ochenta y que sorprendentemente fue producida por The Walt Disney Company para su sello Touchstone Television.

Pero no nos avancemos, para llegar a ese día los directores de casting han de realizar una difícil tarea: reunir a las protagonistas de un variopinto reparto que haga justicia a los magníficos personajes creados por Susan Harris en el guion del capítulo piloto. A excepción del de Estelle Getty, de la que los productores quedan prendados tras ver su interpretación en la obra teatral The Torch Song Trilogy —que fue el debut tardío de la actriz—, el resto de papeles fueron saltando de mano en mano casi hasta el último momento. Tras fichar a Getty para dar vida a la pizpireta Sophia, los productores echan el ojo a Betty White y a Rue McClanahan, famosas en aquel momento por sus respectivos papeles de reparto en La chica de la tele (The Mary Tyler Moore Show, 1970-1977) y Maude (1972-1978); esta última protagonizada por Bea Arthur. En ellas, White interpreta a la ninfómana Sue Ann Nivens y McClanahan a la inocentona Vivian Harmon. ¿Os recuerdan a alguien?

Aunque White y McClanahan están decididas a firmar sus contratos, mucho más suculentos que los de sus anteriores trabajos, a ambas les aterroriza la idea de quedar encasilladas en ese tipo de personaje para siempre a ojos del público. Sin conocer la preocupación de las actrices, Jay Sandrich, el director del piloto, llega a la misma conclusión y busca una solución para evitar que esos personajes sean una fotocopia de sus an-

Por Miguel Ángel Parra

teriores interpretaciones. Para solucionar el entuerto, Sandrich da en la diana y les sugiere intercambiar los roles de Rose y Blanche, papeles por los que ahora son mundialmente conocidas.

El reclutamiento de Bea Arthur iba a ser mucho más complicado: cuando Susan Harris crea a Dorothy en sus primeros apuntes para la Biblia de la serie, esta define al personaje en sus notas como: “tipo Bea Arhur”. Harris, que ni siquiera había empezado a escribir el primer guion, intenta persuadir a Bea para que haga una prueba para el piloto, oferta que la actriz declina amablemente al ser evidente que el personaje era una versión solterona de algunos de los que había interpretado con anterioridad.

Para más inri, Brandon Tartikoff, presidente de la NBC, se niega a incluirla en el reparto, al parecerle una intérprete poco adecuada para el público familiar, debido a su popularidad entre las feministas por su papel de la libertina ama de casa, Maude. Tras dar a Arthur por imposible y hacer casting a todas las mujeres de habla inglesa que pudieran encajar con las características del personaje, los productores se ponen en contacto con la célebre, pero no menos complicada estrella de Broadway, Elaine Stritch. Quién iba a imaginar que la genial y tozuda actriz iba a sabotearse a sí misma —pese a haber sido advertida previamente por los directores de casting de Disney—, al intentar intercalar la palabra "fuck" durante su lectura del texto. En palabras de la propia Stritch: «La cagué. La cagué. No conseguí el trabajo. Jajaja, la cagué. Tiré a la basura treinta y cinco, cuarenta o puede que incluso cincuenta mil dólares por episodio durante las trece primeras semanas... y después de eso quién sabe.»

Llegados a este punto, Susan Harris, que había querido a Arthur desde el principio, pide a la actriz Rue McClanahan, amiga y compañera de re-

parto en Maude, que intente mediar para convencerla. Según McClanahan: «Susan Harris me preguntó por teléfono si podía hacerles un favor, llamar a Bea Arthur e intentar convencerla para que interpretara a Dorothy. Así que la llamé y le pregunté por qué estaba rechazando el mejor guion que iba a llegar a sus manos en toda su vida. A lo que ella contestó: “Rue, no tengo ningún interés de interpretar a Maude y Vivian, conocen a Sue Ann Nivens.” Le dije que esa no era la manera en la que íbamos a hacerlo, que yo iba interpretar el papel tipo Sue Ann Nivens y que Betty iba a interpretar el de Vivian. A lo que contestó: “Eso es muy interesante...”.»

A pesar del sarcasmo, Rue McClanahan consigue convencerla y Susan Harris se lleva el gato al agua, consiguiendo el reparto que había imaginado desde el principio: Bea Arthur como Dorothy Zbornak (una gruñona profesora sustituta de Brooklyn), Betty White como Rose Nylund (una inocentona campesina de St. Olaf), Rue McClanahan, como Blanche Deveraux (una devora hombres sureña), y la casi debutante Estelle Getty como Sophia Petrillo (una deslenguada octogenaria siciliana), que curiosamente era la más joven de las cuatro. Tras conseguir reunir al cuarteto de actrices, el resto es historia: Las chicas de oro se convierte en un éxito mucho antes de su primera emisión, consiguiendo que los ejecutivos de NBC dediquen una ovación en pie al equipo al finalizar la proyección del capítulo piloto para las altas esferas de la cadena. Tras el pase del episodio, los responsables de NBC encargan doce nuevas entregas, a las que les siguen ciento sesenta y siete más. Tras tratar numerosos temas controvertidos para la época, como el SIDA, la homosexualidad o las relaciones interraciales, conseguir una larga lista de premios entre los que destacan dos Emmys a mejor serie de comedia y cuatro Emmys a mejor actriz de comedia para cada una de las intérpretes e incluso actuar frente a la mismísima reina de Inglaterra en un sketch para el Royal Variety Performance, el programa llega a su fin en 1992 —su séptima

temporada— cuando Bea Arthur decide abandonar la serie preocupada por el encasillamiento y la calidad de los guiones, que, hasta el momento, habían sido excelentes pero algo repetitivos en sus dos últimos años.

Las diferencias profesionales con Betty White — su temperamento positivo y jovial irritan en las grabaciones a la gruñona Arthur—, también ayudan a la actriz a tomar esta decisión para sorpresa de sus compañeras de reparto, que no entienden que abandone una serie que aún goza de una enorme popularidad entre los espectadores... o tal vez fuera por las tartas de queso, Arthur las odiaba y durante los siete años en los que la serie se mantuvo en antena, sus personajes consumieron más de cien, según sus productores. Los guionistas, para salir del paso, deciden que en su último capítulo, de una hora de duración, Dorothy abandone Miami y a sus compañeras para contraer matrimonio con Lucas, el hermano más joven del padre de Blanche, interpretado por Leslie Nielsen.

Pero el negocio es el negocio y, contra todo pronóstico, Sophia decide quedarse con Rose y Blanche con la intención de abrir un negocio hotelero, que servirá de excusa para The Golden Palace (1992-1993), un surrealista spin-off de escasa vida televisiva. Por desgracia, a pesar de intentar recuperar a la audiencia perdida con un capítulo que cuenta con Bea Arthur como artista invitada, la serie nunca consigue acercarse ni de lejos a la popularidad de su predecesora. Al margen de The Golden Palace, estas princesas Disney de mediana edad, también han aparecido como invitadas en otros dos spin-offs creados por Susan Harris para NBC: Nido vacío (Empty Nest, 1988-1995) y Nurses (1991-1994), en los que las cuatro actrices realizan diversas apariciones recuperando a sus famosos personajes.

La popularidad de la serie en España hace que TVE se aventure/atreva en dos ocasiones con la producción de unas versiones autóctonas muy

poco acertadas, como suele ocurrir casi siempre en estos casos. En 1996 se estrena Juntas pero no revueltas, protagonizada por Mercedes Sampietro, Mónica Randall, Kiti Mamber y Amparo Baró, y, en 2010, Las chicas de oro, con Concha Velasco, Carmen Maura, Lola Herrera y Alicia Hermida, esta vez producida por José Luis Moreno.

A pesar de que los guiones de ambas versiones eran traducciones casi literales de los originales, — como había ocurrido anteriormente con otros “remakes” españoles como Matrimonio con hijos (2006-2007) o Saturday Night Live (2009) (que aquí

se emitía los jueves... sic)—, el timing de los gags no funciona lo más mínimo en boca de las actrices, y no solo porque transmitir ese tipo de humor es complicado si no eres estadounidense: el problema principal está en estirar los veintidós minutos de la duración habitual de una sitcom americana a los cincuenta habituales de las series de humor emitidas en España.

Está claro que, por mucho que se intente, nunca veremos nuevos capítulos de Las chicas de oro como los que dieron origen a la serie, así que tan solo nos queda el recuerdo e imaginar... Sicilia, 1922...

LA CRÍTICA AVENGERS INFINITY WAR Marvel se supera

Marvel ha redefinido el concepto de saga y ha logrado hacer el equivalente de una serie de televisión en formato cine.

Todo lo visto hasta ahora se reúne en este capitulo.

Su ritmo es trepidante, con un argumento y unas escenas de acción bien dosificados, todos los personajes tienen su momento, los actores están en su salsa, contrastados y definidos, su villano es imponente y tiene un desenlace, si es que se le puede llamar así, épico que nos advierte de una continuación directa.

Marvel ha demostrado que después de tantos films y tantos superhéroes no solo no ha perdido la frescura, sino que todo estaba planeado y se ha ido hilvanando con paciencia para llegar a este momento.

Poco se puede decir de este peliculón sin hacer spoiler, pero si quiero dejar claro que para disfrutarlo debes haber visto los anteriores films y haber conocido por separado cada uno de estos superhéroes.

Es de un mérito increíble hacer una película de tanto interés cuando no tiene una introducción propia, ya que su premisa empezó en Thor Ragnarok y su trama no se soluciona. Lo dicho, un capitulo que ya es consciente de lo que es, parte de una historia larga que viene preparándose desde que Iron Man apareció en solitario en la gran pantalla y que abre puertas para muchas más aventuras y una resolución de la historia aquí presentada.

Mi opinión: Increíble. Marvel sabe entretener y enganchar como pocos.

Por Joaquim Bundó

UN LUGAR TRANQUILO Escalofriante

Con un metraje corto, una premisa sencilla, pocos diálogos y cuatro protagonistas, este film consigue entretener, asustar y enternecer a partes iguales.

Terror en estado puro bajo el contexto de una familia que no puede hacer ruidos ni hablar sin que tenga consecuencias letales. Una invasión o aparición, no queda claro ni falta que hace, de unos seres peligrosos y agresivos que responden al sonido son la causa de todo, pero no los protagonistas. Ni se abusa de su presencia, ni de los fx, ni de la acción.

Lo más utilizado son las relaciones personales, los afectos, las culpabilidades, el silencio y la tensión, mucha tensión que se incrementa y llega a su punto cumbre en la segunda mitad de la película, que ya habiendo situado al espectador lo mantiene en vilo durante el resto del metraje sin pausa.

Otro de los aciertos es la inclusión de un personaje sordomudo, que naturaliza la facilidad de los protagonistas para comunicarse por lenguaje de señas en ese marco tan propicio para hacerlo.

Dirigida e interpretada magistralmente por todo su reparto, en especial por los niños. Destacar que John Krasinski protagoniza y dirige el film y forma parte del grupo de guionistas.

Lo mejor que se ha hecho en cine de terror y ciencia ficción desde hace mucho.

Mi opinión: Magistral, te atrapa y no te deja ir hasta el final.

EXPOSICIONES

DISNEY: el arte de contar historias

CaixaForum Barcelona acoge una atractiva exposición para todos los públicos tras su paso por otras ciudades: Disney. El arte de contar historias. A través de dibujos, acuarelas, impresiones digitales, notas de producción y 'storyboards', entre otros materiales, la muestra destaca los orígenes literarios y las reinterpretaciones llevadas a cabo por el padre creativo de Mickey Mouse, Walt Disney (Estados Unidos, 1901 1966), y por sus sucesores equipos.

Este gran artista, director, productor y guionista fue pionero en la adaptación cinematográfica de los cuentos clásicos a un estilo mucho más acceible al público actual mediante una narrativa moderna. Hoy en día, su compañía de comunicación y entretenimiento es líder entre las productoras dedicadas a la animación.

Caixa Forum Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8, Barcelona Tel. 93 476 86 00 Desde 23 de marzo de 2018 hasta 24 de junio de 2018

Paseos de Nobel

Paseos de Nobel es un proyecto desarrollado por el fotógrafo Kim Manresa y el periodista Xavi Ayén.

Desde 2005, ambos han recorrido diversos países entrevistando a los premios Nobel de Literatura en sus lugares de residencia o en escenarios de sus obras.

Reconocido por la Academia Sueca, el proyecto nos muestra a veintitrés autores retratados por la cámara de Manresa. Ahora, y por primera vez, 96 fotografías de esos encuentros se ven juntas en la exposición organizada por la Obra Social "la Caixa" en CaixaForum Barcelona.

Caixa Forum Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8, Barcelona Tel. 93 476 86 00 Desde 16 de abril hasta 02 de septiembre de 2018

World Press Photo 2018 Este año, de nuevo, Barcelona vuelve a ser una de las primeras ciudades del mundo en mostrar las fotografías ganadoras del prestigioso premio de fotoperiodismo World Press Photo y de las pocas ciudades que exponen los trabajos ganadores del concurso de Narrativa Digital. En total, se han seleccionado 137 fotografías ganadoras, escogidas entre un total de 73.044 imágenes que se han presentado a concurso, realizadas por 4.548 fotógrafos de 125 países. España ha sido el cuarto país del mundo después de China, Estados Unidos e Italia que más fotógrafos ha presentado con 229 candidaturas.

Organizada por la Fundación Photographic Social Vision, la catorceava edición de esta exposición internacional se presenta bajo el lema #verparaentender y va acompañada de un completo programa de actividades paralelas y visitas comentadas.

Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) Montealegre, 5, Barcelona Tel. 93 217 16 26 Desde 28 de abril hasta 27 de mayo de 2018

LA LIBRERÍA

Frida Sebastien Pérez Benjamin Lacombe 27,07 € (Amazon)

Cuentos Macabros Edgar Allan Poe Benjamin Lacombe 27,07€ (Amazon)

Nuestra Señora de París Victor Hugo Benjamin Lacombe 27,07€ (Amazon)

Carmen Prosper Mérimé Benjamin Lacombe 28,40€ (Amazon)

Swinging Christmas Benjamin Lacombe 20,80€ (Amazon)

Retratos Gatunos Sebastien Pérez Benjamin Lacombe 17,00€ (Amazon)

Los amantes mariposa Benjamin Lacombe 20,80 € (Amazon)

LA LIBRERÍA

Alice Inspiration Carolina Amell Monsa 18,90 € (Amazon)

David Bowie Tribute Carolina Amell Monsa 18,90 â‚Ź (Amazon)

COMIC

Millenium Saga Belén Ortega, Sylvain Runberg 17,10 €

El ejército de la sombra Olivier Speltens 20,90 €

Arthus Trivium: La joven cautiva Juan Luis Landa, Raule 15,20 €

El fotógrafo de Mathausen Aintsane Landa, Pedro J. Colombo, Salva Rubio 25,65€

Sara Lone 3: Sniper Lady David Morancho, Erik Arnoux 15,20 €

Katanga 01: Diamantes Fabien Nury, Sylvain Vallée 17,10 €

y en el próximo número...

especial ÉLÉGANCE