Blue Eye BCN Marzo 2019

EYE

BLUE BCN 31

Sílvia

SABATÉ NETFLIX . PERPINYÀ . JANDRO GONZÁLEZ . EL PAPUS . MÀRIUS SERRA

Foto: Jean-Baptiste Mondino

SUMARIO marzo 2019

06 20 32 38 40 Sílvia Sabaté

Oscars 2019

Diez series de Netflix

Teatre: Estrenes

Teatro: Rent

56 68 78 86 94 Màrius Serra

Iconos: Fotografía: Jean-Baptiste Naomi Campbell Mondino

Fashion World: TCN

Viatjant: Perpinyà

102 111 120 130 138 Jandro González

Magazine: El Papus

Museu Frederic Marès

Curiositats BCN: Saturno Park

Televisión: Lolo Rico

144 154 156 158 162 Cine: Críticas Estrenos

Exposicions

La Librería

Comicland

Freakyworld

EDITORIAL Cuando escribo esto a finales de enero, empieza la Feria de las Vanidades, un desfile de premios y más premios que se concentran en poco espacio de tiempo, ya sean los Gaudí, los Goya o los Oscar. En resumidas cuentas, la finalidad es siempre la misma: no premiar al mejor, sino darse bombo y platillo y generar publicidad en una industria que, francamente, cada año va más de capa caída. Y es que en la misma gala de los Gaudí, por poner un ejemplo, había sentadas muchas más personas que el número de público que ha visto la mayoría de las películas nominadas. Al final, la mejor ficción y las mejores interpretaciones se dan en las propias galas que congregan a actores y actrices que malviven de la profesión, pero que esa noche se pasean por la alfombra roja luciendo un modelito que vete a saber qué diseñador le ha prestado, aplauden, sonríen y al día siguiente, cual cenicienta, vuelta a la triste y fría normalidad. No hace falta mencionar aquí la lista de actores, actrices y demás profesionales del cine que, después de ganar un premio –incluso un Oscar– nunca más se supo de ellos. Y el galardón, que debería ser un aliciente en el currículum, se convierte en una losa que impide avanzar en tu carrera. No tengo la fórmula mágica para solucionar esto –y si la tuviese tampoco la expondría aquí tan alegre y gratuitamente–, pero desde luego lo que vemos hoy en día es básicamente unas ceremonias aburridas, tediosas y unas alfombras rojas que son como un escaparate de marcas donde se le pide a la actriz –o al actor– que gire sobre sí misma como una peonza para mostrar lo que le han prestado y que, al menos, así el diseñador saque provecho de ello. Recuerdo la última ceremonia a la que asistí –y me temo que también será la última a la que iré– en la que la mitad del patio de butacas estaba vacío: eso sí, la organización daba las invitaciones con cuentagotas para hacerse la interesante. Lo malo es que la otra mitad que estaba llena se cubría con blogueros/as a los que el cine como industria les importa un pito y después de hacer el paseíllo en la alfombra se fueron pitando porque se aburrían. Y esos son lospersonajes ante los que la academia se arrodilla. ¡Qué triste resulta todo a fin de cuentas!

DIRECTOR: Guillem Medina

Director: Guillem Medina guillebcn@hotmail.com Subdirector: Enric Fontvila Colaboradores: Núria Simón, Miguel Ángel Parra, Joaquim Bundó, Gemma Iglesias, Marta Calvó, Bernat Molins Fotógrafos: Enric Fontvila, Mario Gil, Guillem Medina

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SÍLVIA SABATÉ «Sembla que hi hagi un gran desconeixement i també una manca d’interès pel passat, tant sigui per la història del teatre o del cinema, com per tots els grans actors i actrius i directors o directores que ens han precedit.

I és una llàstima»

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a vam conèixer fa uns anys interpretant la Clara a la telesèrie El cor de la ciutat: d’això ja fa molts de temps, amb molts i diferents projectes. Ara, un cop passada la cinquantena, la Sílvia Sabaté (Tortosa, 1964) reivindica el protagonisme de les dones de la seva edat que, lluny de l’efímera joventut, reclamen mostrar la seva experiència i les seves vivències.

L

Ja han passat 18 anys des de la teva intervenció a El cor de la ciutat, i és curiós que la gent encara et recorda pel personatge de la Clara.

Això avui dia és una llosa? Tens ganes de passar pàgina?

Sí, ja han passat 18 anys des que va començar la sèrie i 8 anys des que jo en vaig sortir. Crec que ja he tingut temps de passar pàgina, i la gent també... Però la veritat és que és molt maco i gratificant veure que, després de tant de temps, la gent encara recorda el teu personatge. Senyal que d’alguna manera els devia agradar la teva feina! Jo en tinc un molt bon record, d’El cor de la ciutat. No, no és cap llosa, en absolut!

Drogoaddicta, delinqüent, expresidiària que havia abandonat una filla... com et vas preparar per a un paper tan complex com aquest?

Bé, la veritat és que no vaig tenir gaire temps: em van donar el paper tres dies abans de començar a gravar! Per sort, el tema de l’addicció a l'heroïna ja l’havia explorat a fons anys enrere quan vaig fer Mal viatge, del malauradament desaparegut Francesc Lucchetti, la meva primera obra de teatre. Aleshores em vaig documentar moltíssim, tant a través d’articles o de llibres sobre el tema com parlant amb exdrogoaddictes i familiars seus per saber i entendre quins eren els efectes físics i sobretot psicològics de l’addicció, així que d’alguna manera ja tenia mitja feina feta... De tota

manera, la Clara quan comença la sèrie ja està rehabilitada, de manera que tot això em va servir sobretot per construir el seu passat i també la relació tant amb el seu pare com amb en Jordi, la seva exparella i pare de la Núria, i el fort sentiment de culpa pel fet d’haver abandonat la Núria. De fet, haver-la abandonat de petita i no haver-la vist en 15 o 16 anys feia que la relació mare-filla fos pràcticament inexistent, i això, a mi que no he estat mare, em facilitava les coses. Només havia d’imaginar que era la filla que jo no he tingut mai. Jo sempre he reivindicat el fet de no tenir fills si una dona no ho vol, i és el meu cas, però l’instint maternal o digue-li com vulguis hi és, si més no parlo per mi, i és molt fàcil connectar-t’hi, és una cosa ancestral. D’altra banda, l’actor que interpretava en Jordi, en Pep Munné, era la meva exparella a la vida real, i això feia que molts aspectes de la relació ja els «portéssim de casa», per dir-ho d’alguna manera. Ens miràvem i ja hi eren.

Amb el tema de la presó sí que vaig haver de recórrer a la imaginació. Tretze anys tancada en una presó a l’altra punta del món... Recordo que li vaig comentar a l’Esteve Rovira que després de tants anys a Costa Rica per força la Clara hauria de parlar amb un accent estrany, si més no, només d’arribar, però no hi havia temps: com t’he dit, vaig tenir només tres dies per preparar el paper...

I, a més a més, vas lluir un tall de cabells radical: això també va marcar els teus personatges següents?

Sí, en la temporada en què la Clara va patir un càncer de pit, em vaig haver de rapar al tres, va ser bastant bèstia... De fet, a mi sempre m’ha agradat el cabell curt i l’he portat molt curt durant molts anys al llarg de la meva vida, i sí que és cert que et condiciona a l’hora d’optar per un personatge, però sobretot a partir d’una edat. O també en pots fer un tret diferenciador, cosa que també em sembla una opció molt vàlida i valenta. Però jo

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ja fa un temps que vaig decidir deixar-me’l créixer i també canviar de color. Per a mi ha estat una evolució lògica i que també té a veure amb la franja d’edat i el tipus de personatge que puc o m’agradaria interpretar. És fàcil, quan treballes en una telesèrie d’èxit, acostumar-te a un cert nivell de vida?

Diria que, econòmicament, en aquesta professió has de ser molt formigueta per estar preparat per a les èpoques magres...

Sí, i tant, hi has d’estar preparat perquè no saps mai quan s’acabarà la feina i quan tornarà a venir. Una sèrie així et permet fer una mica de coixí per a les èpoques de sequera. Tot i que sí, al principi és fàcil deixar-te portar i concedir-te alguns capricis. Creus que a partir d’aquell moment ja no et faltarà la feina, que ja et coneixen, etc., i no és així. És una feina molt inestable i cada cas és diferent. Però no pots donar mai res per fet.

Tot i això, aquesta no era la teva primera telesèrie: Para qué sirve un marido o Hospital Central et van donar a conèixer a tot Espanya. Vas notar gaire diferència entre rodar allà o aquí a Catalunya?

Bé, Para qué sirve un marido la vam gravar aquí, en català, i després la vam doblar al castellà. A Madrid vaig gravar El súper i Hospital Central, com tu dius. Però, per mi, la gran diferència està entre gravar una sèrie diària, com ara El cor o El súper, i una sèrie setmanal com era Hospital Central. No és el mateix gravar un capítol en un dia que un en deu dies. En una sèrie setmanal hi ha temps per assajar, per retocar els diàlegs, per il·luminar, per repetir les preses... En una sèrie diària, la primera presa ha de ser la bona, el ritme és trepidant, i això, és clar, es nota. És una qüestió de mitjans, de pres-

supost. També és veritat que aquí el tracte és més proper, ens coneixem tots, i allà potser tot és una mica més fred, més impersonal. Hi ha molta més producció i, per tant, molta més gent.

Però és indiscutible que aquí hi ha molt talent, es fan coses molt bones. I només cal veure també la quantitat d’actors i de directors catalans que treballen a Madrid.

En la teva formació hi ha hagut gent com ara Gene Feist, Bob McAndrew, Dominique De Fazio o Anatoli Vassíliev, gent de molt diversa procedència amb mètodes d’ensenyament molt diferents. Però, en el fons, quina persona ha estat la que més ha marcat la teva carrera? És cert que he estudiat diferents tècniques interpretatives. Crec que el millor és conèixer-ne com més millor i després quedar-te amb el que et funciona de cada una i fer-te el teu propi mètode, que també pot variar en funció del mitjà, de la producció en què estàs treballant, del director o la directora, etc.

Però si he d’anomenar persones que han estat significatives en la meva carrera, en el sentit que m’han despertat alguna cosa o m’han fet avançar i créixer d’alguna manera, et diria en Joan Enric Lahosa, de l’Institut del Teatre; en Gene Feist, del Roundabout Theater de Nova York, i en Bob McAndrew. I en els darreres temps, en Javier Galitó-Cava.

I ara ets tu la que t’has convertit en professora d’interpretació. Quina diferència notes entre les noves generacions i quan tu et vas llicenciar a l’Institut del Teatre de Barcelona?

Crec que ara els actors joves estan molt més preparats tècnicament. Hi ha hagut una gran proliferació d’escoles de teatre que ofereixen una formació molt àmplia en moltes disciplines:

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interpretació, cant, dansa, lluita escènica, llenguatge audiovisual, tècniques de càsting... A banda, és clar, de l’Institut del Teatre. Però al mateix temps, i parlo molt en general, sembla que hi hagi un gran desconeixement i també una manca d’interès pel passat, tant sigui per la història del teatre o del cinema, com per tots els grans actors i actrius i directors o directores que ens han precedit. I és una llàstima. Ara hi ha més productes, sobretot en l’audiovisual, que donen feina a un gran nombre d’actrius i actors molt joves que, si bé demostren tenir un talent indiscutible, poden caure en el miratge que amb això n’hi ha prou i que han d’aprofitar el moment per fer-se un lloc en la professió. També té a veure amb el culte a la joventut que fa temps que s’ha establert en tots els àmbits de la cultura. És clar que s’ha de donar pas a allò que és nou, però sense oblidar, ni molt menys menystenir o rebutjar, allò antic. Ja ho deia en Foix: «M’exalta el nou i m’enamora el vell».

Com els ha anat en general als actors de la teva promoció, professionalment parlant?

Doncs va ser una promoció sobretot d’actrius: hi havia l’Anna Azcona, la Marta Millà, la Marta Pérez, la Montse Esteve, la Maria Lucchetti...

Però de molts d’altres no et sabria dir. Així com altres promocions van fer molta pinya i fins i tot van muntar companyia quan van acabar l’Institut, la nostra va ser una promoció bastant dispersa.

A molts els vaig perdre la pista només d’acabar.

Ara que ja has passat la cinquantena, els papers per a les dones de la teva edat passen, com em va dir una actriu, per la llei de l’embut? O sigui, cada vegada s’estrenyen més les possibilitats?

Si, és cert. Hi ha molt pocs personatges femenins de més de cinquanta anys; i et diria que de

més de quaranta i tot. Afortunadament sembla que alguna cosa està canviant, sobretot a la televisió, on s’estan fent productes més arriscats i amb personatges femenins en plena maduresa.

Això es veu sobretot als Estats Units, que ens porten molts anys d’avantatge, i on moltes actrius fins i tot han fundat la seva pròpia productora per poder continuar treballant en projectes i personatges interessants. Tenim moltes històries a explicar! Aquí ja fa un parell de dècades que han sorgit un bon nombre de dramaturgues i guionistes. I hi ha moviments, com el Projecte Vaca, en les arts escèniques, o l’associació CIMA, en l’audiovisual, que lluiten i defensen una major presència femenina en tots dos àmbits, però encara ens queda molta feina a fer. I no serà fàcil: són molts anys d’una visió masculina i patriarcal de la societat i la cultura. Del món, en definitiva.

En teatre t’hem pogut veure interpretant Shakespeare (Nit de reis), Txèkhov (Ivànov, El tiet Vània, Les tres germanes) o Neil Simon (Les dones d’en Jake). Et sents més còmoda amb els clàssics o t’agrada arriscar-te amb obres inèdites d’autors novells?

La veritat és que gaudeixo tant amb els uns com amb els altres. És fantàstic endinsar-te en el món d’un autor clàssic, en la seva època, el seu llenguatge, els seus costums, etc. I veure com tot el que explica, tot el que pateixen i gaudeixen els seus personatges, les seves preocupacions, obsessions, les seves passions més íntimes, continuen essent totalment vigents i viuen dintre de cada un de nosaltres.

Però també em fascina el teatre que et parla d’avui dia, de la societat en què vivim ara i aquí, amb el llenguatge d’avui i amb personatges totalment reconeixedors. I amb noves dramatúrgies. Crec que és molt important que s’estrenin autors nous. Que puguin arriscar i confrontar la

seva obra amb el públic. I crec que el públic també necessita que el sorprenguin, que el provoquin, que el remoguin, que el sacsegin, que el facin pensar... El teatre s’escriu per ser representat, i si els autors nous no poden estrenar, doncs què? Potser acabaran escrivint tots per a la televisió?

Quin personatge és el que més t’ha marcat en la teva carrera?

Doncs no te’n sabria dir un de sol. Tots m’han aportat alguna cosa. He tingut la sort de fer sempre personatges forts, amb caràcter, que m’han permès explorar diferents aspectes de mi mateixa. M’estimo molt la Rosa, de Mal viatge. A banda que va ser el primer que vaig interpretar en teatre, suposo que dec tenir una debilitat pels personatges marginals, perdedors, castigats per la vida. I també les dones de Txèkhov, amb la seva barreja d’il·lusió, d’infelicitat, de frustració i de determinació per viure... Em quedo amb totes tres.

Recordes la primera vegada que vas pujar dalt d’un escenari? Quins sentiments et corrien pel cos?

Ho recordo perfectament. Va ser a la sala Adrià Gual, a l’antiga seu de l’Institut del Teatre. Era l’obra Mal viatge, de Francesc Lucchetti, que ja he esmentat abans, dirigida per la Lurdes Barba.

Jo ja era a escena, darrere el teló abaixat mentre entrava el públic, bastant nerviosa, i vaig sentir la meva mare parlant mentre buscaven el seient que els corresponia. Va ser curiós, però a partir d’aquell moment la resta va desaparèixer. Vaig fer la funció per ella. No podia defraudar-la.

Tinc una mica la sensació que, en general, t’han donat molts papers de dones que exte-

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riorment donen una imatge d’aparent seguretat, i fins i tot de duresa, però que a l’interior tenen els seus punts febles i fins i tot amaguen la seva tendresa. Correspon això amb la teva imatge real?

Sí, absolutament, per desgràcia. Soc conscient que, per a qui no em coneix, d’entrada puc semblar freda, distant, i fins i tot esquerpa o creguda. És pura timidesa, pura defensa. No se’m donen gens bé les relacions públiques. Abans això em preocupava, i com més volia canviar-ho, menys me’n sortia i més em torturava. A banda que és un obstacle per a la meva professió, és clar. Has de saber estar. On cal, quan cal i com cal. Però jo no me n’he sortit mai, no hi ha hagut manera.

Ara ja he acceptat que soc així, que hi farem! Qui em coneix ja sap com soc realment. És la comèdia esbojarrada la teva assignatura pendent?

Sí, sí, sens dubte. I en tinc moltes ganes. He de confessar que em fa molt de respecte, però em ve molt de gust explorar aquest camp. Treure el pallasso que tots portem a dins. I la veritat és que amb els anys aprens i tens ganes de riure’t molt més de tot. De buscar la part positiva i divertida de les coses. Potser perquè la vida ja t’ha portat prou drames.

Encara que ja n’havien fet algun, de monòleg, el 2008 t’enfrontes amb un anomenat La sutura sobre una dona amb el cos deformat que, arran d’una operació, ha d’acceptar la contradicció de ser ara una dona desitjable físicament. Com va ser aquest repte?

Recordo que quan la Teresa Devant, la directora, em va donar el text per llegir, em va atrapar moltíssim. Fins on estem disposades a arribar per tal d’encaixar en els cànons de bellesa establerts?

Fins a quin punt el físic ens condiciona la vida?

Quina importància donem a la imatge i a l’opinió que en tenen els altres? Crec que és un tema que, pam amunt pam avall, totes i tots ens hem pogut plantejar algun cop. I també el bulling, el rebuig o la marginació i l’insult i o els atacs físics a l’escola, quan som petits i absolutament vulnerables, fràgils i influenciables. Jo crec que la infància, per bé o per mal, et marca tota la vida. Va ser un treball intens i molt gratificant, tant amb la Teresa com amb l’Adrià Devant, amb qui vam fer un treball de cos exhaustiu. I amb la música de la Sofia Jernberg, que va compondre expressament i era una delícia. Era un muntatge a tres bandes, a la Biblioteca de Catalunya, i era el primer cop que actuava adreçant-me directament al públic, que el tenia a tres pams, com aquell qui diu, mirant-los directament als ulls. La connexió era brutal. Cada funció era un viatge.

El curiós del cas és que, un any o així després d’estrenar-la, va aparèixer una notícia a la premsa sobre el primer possible trasplantament de cos sencer. Era el cas d’un milionari tetraplègic que estava disposat a arriscar-se a morir en l’operació, ja que no volia continuar vivint en aquelles condicions. La veritat és que no sé si es va arribar a dur a terme o no, l’operació. Però nosaltres ens vam quedar de pedra. Ens pensàvem que havíem fet una obra de ciència-ficció!!!

Parlant del físic, com et cuides per mantenirte tan bé físicament?

Com la majoria, imagino: procuro menjar sa i fer exercici amb certa regularitat. I sobretot, procuro ser feliç!

Teatres que no paren de reposar obres que ja han tingut èxit, obres que s’allarguen a la cartellera més temps del convenient, muntatges econòmics... com veus avui dia la situació del teatre català?

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Doncs bastant fotuda, la veritat. Hi ha molt poc risc, es busca el benefici econòmic per damunt de tot, fins i tot als teatres públics. Es busca agradar, arribar al major nombre d’espectadors possible, donar espectacle, fer un tipus de teatre fàcil de digerir, que no faci pensar gaire, que diverteixi, que entretingui, i tot això està molt bé, però no pot ser que sigui l’única oferta que hi ha. És cert que fa un parell d’anys que no paren de reposar-se les mateixes obres de les temporades anteriors, i això també fa que les oportunitats de feina siguin molt més reduïdes per als actors.

D’altra banda, si vas per lliure, a les sales «petites» es fa molt difícil treure beneficis o de vegades, fins i tot, recuperar la inversió. Acabes treballant per pur amor a l’art. I el problema és que ens estem acostumant a això, que això sigui la cosa més normal del món, però és insostenible.

La ràdio folla, La mujer del anarquista, La vida empieza hoy, Murieron por encima de sus posibilidades... el cinema és encara la teva assignatura pendent on trobar un paper que li puguis treure suc?

Sí, és cert. Vaig començar a fer cinema abans que teatre, amb en Francesc Bellmunt i en Santiago Lapeira, però després la meva carrera s’ha desenvolupat bàsicament en el teatre i la televisió, tret d’alguns papers secundaris en algunes pel·lícules. M’encantaria fer un paper «sucós», com tu dius, en el cinema, és clar.

Però, com és allò que diuen? «El millor encara ha d’arribar?» Doncs això! En tot cas, cada cop estic més convençuda que les coses arriben quan han d’arribar. O quan menys t’ho esperes!

Ja ho veurem.

Has treballat també en el món del curtmetratge amb gent com l’Alicia Teba, en Manel

Raga, l’Estel Díaz, en Gerard Tusquellas Serra o en Marc Nadal, entre d’altres. Què ha de tenir un projecte perquè t'il·lusioni?

M’ha d’atrapar la història que explica, i el to en què s’explica. Si el guió m’agrada, m’hi tiro de cap. També he de tenir una bona connexió amb el director, necessito confiar en ell. M’agrada col·laborar amb gent novella. Elles i ells ón el futur. I he fet alguns curts que són una meravella. Hi ha molt talent.

Com et veus d’aquí a deu anys?

Treballant, gaudint, estimant. Vivint!

Fotos i text: Guillem Medina Vestuari: José Rivero Maquillatge i perruqueria: Yaqueline Quispe

CINEMA

OSCARS 2019 U

n año más, ocho películas competían por ser la favorita del año, ocho films totalmente diferentes entre ellos que nada tenían que ver en cuanto a temática, contenido ni presupuesto y, a pesar de todo, competían por un único premio. ¿Qué criterio siguió el jurado? ¿Motivarse por un drama político como El vicio del poder, decantarse por otro dramón pero ambientado en la Inglaterra del siglo XVIII en La favorita, o darle sus votos a una película de superhéroes como Black Panther, que no es mejor ni peor que otra de la misma temática pero en la que aparecen muchos actores negros?

Este año en la terna también han encajado dos películas musicales: una es un remake llamado Ha nacido una estrella, y la otra una biografía pseudofantasiosa del grupo musical Queen al que han titulado Bohemian Rhapsody. El problema del racismo en los Estados Unidos estuvo también presente en Green Book y, sobre todo, en Infiltrado en el KKKlan, y acabamos con la cuota hispana representada por el film Roma, que no debemos confundir con el film del mismo título de Fellini. En el apartado de nominadas a la mejor actriz, una clásica en estas competiciones era Glenn Close, que con esta suma ya siete nominaciones y ningún premio, aunque la Academia si por algo se caracteriza es por olvidar a grandes actores y actrices a lo largo de toda su trayectoria, dándoles al final de su vida un premio honorífico que la mayoría por dignidad deberían

rechazar en plan despecho. Y otra de las que partía con muchos puntos a favor era Lady Gaga, que aparte de salir a cara lavada en el film también ha demostrado que puede ser una actriz muy convincente, no como la absurda de Madonna, que solo brilló en Evita pero cuya filmografía restante es para olvidar. Curiosamente, en cuanto a actrices las tres protagonistas de La favorita –Olivia Coldman, Emma Stone y Rachel Weisz– estaban nominadas, lo cual nunca es buen augurio pues una elimina a las otras. En lo relativo a los actores, la cosa estaba reñida: ¿decidirían premiar los académicos la transformación de Christian Bale, el alcoholismo de Bradley Cooper, la locura de Wiliem Dafoe en su papel de Van Gogh, o de Rami Malek como Freddie Mercury? Para la mejor película extranjera, España quedó fuera de las cinco finalistas –¡oh, qué novedad!– y partían como favoritas la mexicana Roma de Cuarón y la polaca Cold War, difícil decisión. Y me gusta resaltar las nominaciones a mejor film de animación, donde la Disney intenta colocar como sea cada año siempre sus productos, este año con la horrorosa Los Increíbles 2 y la entretenida Ralph rompe Internet. El estudio ha colocado también sus «rollículas» de superhéroes e incluso le ha caído alguna nominación a Solo: A Star Wars Story, un film que ha fracasado en taquilla y no le ha gustado ni a los más frikis de la saga galáctica. En las páginas siguientes os mostramos los nominados y ganadores de esta edición.

MEJOR PELÍCULA • Black Panther • Green Book • Roma • Ha nacido una estrella • El vicio del poder • La favorita • Bohemian Rhapsody • Infiltrado en el KKKlan

MEJOR DIRECCIÓN • Spike Lee, por Infiltrado en el KKKlan • Paweł Pawlikowski, por Cold War • Yorgos Lánthimos, por La favorita • Alfonso Cuarón, por Roma • Adam McKay, por El vicio del poder

MEJOR ACTRIZ • Yalitza Aparicio, por Roma • Glenn Close, por La buena esposa • Olivia Colman, por La favorita • Lady Gaga, por Ha nacido una estrella • Melissa McCarthy, por ¿Podrás perdonarme algún día?

MEJOR ACTOR • Christian Bale, por El vicio del poder • Bradley Cooper, por Ha nacido una estrella • Willem Dafoe, por Van Gogh: A las puertas de la eternidad • Rami Malek, por Bohemian Rhapsody • Viggo Mortensen, por Green Book

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA • Amy Adams, por El vicio del poder • Marina de Tavira, por Roma • Regina King, por El blues de Beale Street • Emma Stone, por La favorita • Rachel Weisz, por La favorita

MEJOR ACTOR SECUNDARIO • Mahershala Ali, por Green Book • Adam Driver, por Infiltrado en el KKKlan

• Sam Elliott, por Ha nacido una estrella • Richard E. Grant, por ¿Podrás perdonarme algún día?

• Sam Rockwell, por El vicio del poder

MEJOR GUION ADAPTADO • La balada de Buster Scruggs (Joel y Ethan Coen) • Infiltrado en el KKKlan (Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott y Spike Lee) • ¿Podrás perdonarme algún día? (Nicole Holofcener y Jeff Whitty).

• El blues de Beale Street (Barry Jenkins) • Ha nacido una estrella (Eric Roth, Bradley Cooper, Will Fetters)

MEJOR GUION ORIGINAL • El reverendo (Paul Schrader) • Green Book (Nick Vallelonga, Brian Currie y Peter Farrelly) • Roma (Alfonso Cuarón) • La favorita (Deborah Davis y Tony McNamara) • El vicio del poder (Adam McKay)

MEJOR PELÍCULA DE HABLA EXTRANJERA • Cafarnaúm (Líbano), de Nadine Labaki • Cold War (Polonia), de Paweł Pawlikowski • La sombra del pasado (Alemania), de Florian Henckel von Donnersmarck • Roma (México), de Alfonso Cuarón • Un asunto de familia (Japón), de Hirokazu Kore-eda

MEJOR PELÍCULA ANIMADA • Los Increíbles 2, de Brad Bird • Isla de perros, de Wes Anderson • Mirai, mi hermana pequeña, de Mamoru Hosoda • Ralph rompe Internet, de Rich Moore y Phil Johnston • Spider-Man: Un nuevo universo, de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman

MEJOR FOTOGRAFÍA • Cold War, de Łukasz Żal • La favorita, de Robbie Ryan • La sombra del pasado, de Caleb Deschanel • Roma, de Alfonso Cuarón • Ha nacido una estrella, de Matthew Libatique

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN • Black Panther, de Hannah Beachler • La favorita, de Fiona Crombie y Alice Felton • First Man, de Nathan Crowley y Kathy Lucas • El regreso de Mary Poppins, de John Myhre y Gordon Sim • Roma, de Eugenio Caballero y Bárbara Enrı́quez

MEJOR VESTUARIO • La balada de Buster Scruggs, de Mary Zophres • Black Panther, de Ruth E. Carter • La favorita, de Sandy Powell • El regreso de Mary Poppins, de Sandy Powell • María, reina de Escocia, de Alexandra Byrne

MEJOR MONTAJE • Infiltrado en el KKKlan, de Barry Alexander Brown • Bohemian Rhapsody, de John Ottman • Green Book, de Patrick J. Don Vito • La favorita, de Yorgos Mavropsaridis • El vicio del poder, de Hank Corwin

MEJORES EFECTOS ESPECIALES • Vengadores: Infinity War, de Dan DeLeeuw, Kelly Port, Russell Earl y Daniel Sudick • Christopher Robin, de Chris Lawrence, Mike Eames, Theo Jones y Chris Corbould • First Man, de Paul Lambert, Ian Hunter, Tristan Myles y J.D. Schwalm • Ready Player One, de Roger Guyett, Grady Cofer, Matthew E. Butler y David Shirk • Solo: A Star Wars Story, de Rob Bredow, Patrick Tubach, Neal Scanlan y Dominic Tuohy

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA • Border, de Göran Lundström y Pamela Goldammer • María, reina de Escocia, de Jenny Shircore, Marc Pilcher yJessica Brooks • El vicio del poder, de Greg Cannom, Kate Biscoe y Patricia DeHaney

MEJOR MONTAJE DE SONIDO • Un lugar tranquilo, de Ethan Van der Ryn y Erik Aadahl • Black Panther, de Benjamin A. Burtt y Steve Boeddeker • Bohemian Rhapsody, de John Warhurst • First Man, de Ai-Ling Lee y Mildred Iatrou Morgan • Roma, de Sergio Díaz, Skip Lievsay

MEJOR MEZCLA DE SONIDO • Black Panther, de Steve Boeddeker, Brandon Proctor yPeter J. Devlin • Bohemian Rhapsody, de Paul Massey, Tim Cavagin y John Casali • First Man, de Jon Taylor, Frank A. Montaño, Ai-Ling Lee yMary H. Ellis • Roma, de Skip Lievsay, Craig Henighan y José Antonio García • Ha nacido una estrella, de Tom Ozanich, Dean A. Zupancic, Jason Ruder y Steven Morrow

MEJOR BANDA SONORA • Black Panther, de Ludwig Goransson • Infiltrado en el KKKlan, de Terence Blanchard • El blues de Beale Street, de Nicholas Britell.

• Isla de perros, de Alexandre Desplat.

• El regreso de Mary Poppins, de Marc Shaiman y Scott Wittman

MEJOR CANCIÓN • «All The Stars», de Black Panther • «I’ll Fight», de RBG. • «Shallow», de Ha nacido una estrella • «The Place Where Lost Things Go», de El regreso de Mary Poppins • «When A Cowboy Trades His Spurs For Wings», de La balada de Buster Scruggs

MEJOR DOCUMENTAL • Free Solo, de Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi • Hale County This Morning, This Evening, de RaMell Ross • Minding the Gap, de Bing Liu • De padres e hijos, de Talal Derki • RBG, de Betsy West y Julie Cohen

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL • Ovejas asesinas, de Ed Perkins • End Game, de Rob Epstein y Jeffrey Friedman • Lifeboat, de Skye Fitzgerald • A Night at the Garden, de Marshall Curry • Period: End of Sentence, de Rayka Zehtabchi

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN • Detainment, de Vincent Lambe • Fauve, de Jeremy Comte • Marguerite, de Marianne Farley • Madre, de Rodrigo Sorogoyen • Skin, de Guy Nattiv

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO • Animal Behaviour, de Alison Snowden y D. Fine • Bao, de Domee Shi • Late Afternoon, de Louise Bagnall • One Small Step, de Andrew Chesworth y Bobby Pontillas • Weekends, de Trevor Jimenez

Nuevos rostros NÚRIA SANMARTÍ Lugar y fecha de nacimiento Barcelona, 8 de julio de 1981.

Estudios de interpretación Me he formado en el CECC (Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya) y en Eòlia. Además, he realizado estudios de doblaje en MK3 y varios cursos de entrenamiento actoral impartidos por Àlex Rigola, Txiqui Berraondo, Pep Armengol o Sergi Belbel, entre otros.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión En primer lugar, una de las profesoras que tuve en la escuela de cine, María Escalona, una brillante y apasionada docente que me dio mis primeras herramientas para el mundo de la interpretación. También me han ayudado todas aquellas personas que han confiado en mí a lo largo de mi carrera, dentro y fuera de la profesión, personas que me han dado fuerza para seguir luchando pese a las dificultades que te vas encontrando por el camino. ¿Recuerdas tu primera actuación ante el público?

Yo tenía once años y hacía de Antígona. Era una representación que realizábamos en el cole para otros alumnos. Imposible olvidarlo. Obviamente, no entendía la profundidad del personaje, pero esa obra fue mi primer flechazo con el teatro. Es cuando decidí que quería ser actriz.

Actores a los que admiras Muchísimas y muchísimos: Gena Rowlands es una de mis favoritas, junto a la maravillosa Isabelle Huppert. Marlon Brando, Robert De Niro, Juliette Binoche, Meryl Streep, Marion Cotillard, Michel Piccoli… y, barriendo para casa: Núria

Espert, Pol López, Pablo Derqui, Javier Bardem, Carmen Maura, Luis Tosar… La lista sería interminable y siempre surgen nuevos talentos que se van sumando, como por ejemplo la jovencísima Elisabet Casanovas.

Interpretación de la que te sientas más orgullosa. ¿Por qué?

Me resulta muy complicado elegir uno de los personajes que he interpretado a lo largo de mi carrera profesional. Todos y cada uno de ellos me han enseñado alguna cosa, no solo en lo que se refiere a la interpretación, sino sobre mí misma como persona. Quizás los que me hacen sentir más orgullosa son los que me suponen mayores retos, los que de entrada me cuesta encontrar pero que finalmente aparecen de manera orgánica. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión y lo que más detestas?

Supongo que lo que más me gusta de la interpretación es poder explorar otras partes de mí, permitirme ser otras personas, sin juzgarme, tener otras vidas que dan lugar a nuevas formas de pensar, de ver el mundo.

Lo que más detesto es la precariedad laboral en la que nos encontramos en nuestro país, la dificultad que muchísimos actores tenemos muchas veces de poder vivir exclusivamente de la interpretación. Aun así, no desistimos ni desistiremos. ¿Teatro, cine o televisión?

No tengo preferencias por lo que respecta al formato, pero sí al contenido. Todo depende del proyecto, del guion, del equipo humano que hay detrás de cada historia, pero sobretodo de la necesidad que sientas, o no, de ser partícipe de aquello que se quiere contar.

Por otro lado cada formato ofrece cosas maravillosas: del teatro me encanta que cada función es efímera e irrepetible, la magia que se crea al tener público, la continuidad del espectáculo, que no tienes en el cine. Del cine me gusta poder trabajar el primer plano, olvidarte de proyectar, poder susurrar. La televisión te aporta visibilidad y creo que es un entrenamiento brutal para los actores, ya que tienes que ser resolutivo en el menor tiempo posible.

¿Próximo proyecto?

Ahora mismo estoy trabajando en tres proyectos simultáneamente. Estoy ensayando para dos obras de teatro: La trobada de Eva Losada, que estrenaremos en la Barts en diciembre, y 3 Lorcas de Félix Herzog,que estrenamos a finales de enero. Además, formo parte del laboratorio Peripècies, coordinado por Sergi Belbel, con el que estamos preparando un nuevo espectáculo para junio de 2019.

¿Tienes agente?

Actualmente no.

¿Cómo te gustaría verte, profesionalmente hablando, en diez años?

Trabajando, sin parar de trabajar.

Nuevos rostros ELISABETH BONJOUR Lugar y fecha de nacimiento París, 29 de octubre de 1960.

Estudios de interpretación Graduada en el Programa de Técnica Meisner con Javier Galitó-Cava.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión Josep Maria Riera, mi descubridor, y Javier Galitó-Cava, mi maestro. ¿Recuerdas tu primera actuación ante el público?

Perfectamente, en el Teatre de la Massa de Vilassar de Dalt, en la versión 2.0 de La Cenicienta con la compañía amateur a la que pertenecía. Ahí supe lo que quería hacer el resto de mi vida.

Actores a los que admiras.

Meryl Streep por encima de todo, Robin Williams, Annette Bening… y Kevin Spacey, hasta que su vida personal ha dinamitado la profesional.

Interpretación de la que te sientas más orgullosa. ¿Por qué?

Quizás la señora Slowsky en Aquel cabaret de Berlín por la complejidad del personaje: una polaca con demencia senil que debe lidiar con una enfermedad y que se debate a cada momento entre la amnesia y los recuerdos. El personaje toca las emociones más profundas y gracias a él tuve la posibilidad de actuar por primera vez con mi hija de 20 años.

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión y lo que más detestas?

Me encanta poder ser tantas personas diferentes a ti. Te abre la mente a otros yoes y a comprender mejor al ser humano. Adoro la capacidad de hacerte olvidar por completo la realidad. Solo existe el aquí y el ahora de lo que estás viviendo en ese momento. El mundo queda momentáneamente en foto fija. Lo malo es el poco valor que se le concede a nuestro trabajo en este país, la poca inversión, y en consecuencia el enorme paro que esto genera entre los actores. ¿Teatro, cine o televisión?

Teatro por el corazón, cine por el romanticismo y televisión por la repercusión. ¿Tienes agente?

No, tengo agencia y estoy en búsqueda de representante. ¿Próximo proyecto?

El mejor proyecto para un actor es tener siempre un próximo proyecto. En este caso, una nueva obra para Microteatre Barcelona. ¿Cómo te gustaría verte, profesionalmente hablando, en diez años?

Combinando el teatro –siempre– con algún personaje fijo en una serie de televisión y con un Goya a la mejor actriz revelación. Por pedir...

DIEZ SERIES DE NETFLIX

Black MIrror

Arrested Development

Black Mirror es la serie británica de la década de 2010, una década plenamente sumida en la era de la tecnología, esta era en la que ya hemos acabado de asumir nuestra dependencia de Internet, en la que se nos hace raro salir de casa sin un smartphone en el bolsillo y en la era en que tener menos de tres de estos «espejos negros» –móvil, TV y PC, como mínimo– en nuestras vidas está fuera de lugar para cualquier ciudadano medio. Estas son las circunstancias de su llegada a la programación. Creada por Charlie Brooker, cada capítulo nos perturbará con sus problemas porque ya estamos acostumbrados, y los espectadores somos conscientes de ello. Sin embargo, no todo es temor al ver la serie. Sus capítulos nos pueden dejar también una cierta esperanza, implícita en el argumento o en forma de reflexión. El camino de la ciencia ficción es un itinerario que vamos a recorrer, somos seres humanos y debemos satisfacer nuestra curiosidad y saciar nuestra sed de superioridad, pero quizá esta serie nos ayude a ver de qué forma es mejor no hacer las cosas. Se han podido ver 19 capítulos en cuatro temporadas.

Michael Bluth (Jason Bateman) es un viudo que solo desea ser un buen padre para su hijo adolescente George Michael (Michael Cera). Pero cuando Michael se entera de que su padre George Bluth Sr. (Jeffrey Tambor) ha sido arrestado por prácticas financieras irregulares, se verá obligado a ayudar a su excéntrica familia a que no se desmorone. Esta es una sitcom estadounidense alrededor de los personajes de una familia disfuncional con problemas económicos, una singular telecomedia que rompió con los modelos clásicos de las comedias de situación ofreciendo un modelo nuevo, una mezcla del estilo de The Real Life y The Osbornes de MTV, con cámara al hombro que filma de forma subjetiva y en formato semidocumental a lo reality show.

Sorprendente ganadora del Emmy a la mejor serie en 2004, está producida por el famoso director Ron Howard y el productor Brian Grazer.

Según la crítica de The Guardian, se trata de «una farsa de tal ingenio y tal deslumbrante originalidad, que sin duda debe marcar el comienzo de una nueva era en la comedia». Cuenta con cinco temporadas y 91 episodios.

House of Cards

Orange Is the New Black

Esta serie estadounidense, que cuenta con seis temporadas, fue emitida entre 2013 y 2018. En ella, el implacable y manipulador congresista Francis Underwood (Kevin Spacey), con la complicidad de su calculadora mujer (Robin Wright), maneja con gran destreza los hilos del poder en Washington. Su intención es ocupar la Secretaría de Estado del nuevo gobierno. Sabe muy bien que los medios de comunicación son vitales para conseguir su propósito, por lo que decide convertirse en la «garganta profunda» de la joven y ambiciosa periodista Zoe Barnes (Kate Mara), a la que ofrece exclusivas para desestabilizar y hundir a sus adversarios políticos. Nueva adaptación de la novela homónima de Michael Dobbs, en la que se basó una miniserie británica de 1990.

En su última temporada, despedido Kevin Spacey, la trama se centra en su esposa como nueva presidenta de los Estados Unidos.

La protagonista de esta serie estadounidense, que está en antena desde 2013, es Piper Chapman (Taylor Schiling), una mujer de Connecticut con una vida estable, a punto de casarse, que es detenida a raíz de un delito de drogas que cometió hace una década: en aquellos días llevó un maletín con droga para Alex Vause (Laura Prepon), una traficante y antigua amante de Piper. Tras el juicio, es enviada a la prisión de mujeres de Litchfield (Nueva York). Allí convivirá con un grupo variopinto de internas. La serie está basada en las vivencias reales de Piper Kerman, cuya experiencia entre rejas le sirvió para escribir el autobiográfico Orange Is the New Black: My Year in a Women's Prison. A medio camino entre el drama y la comedia, esta aclamada serie aborda temas como el sistema penitenciario norteamericano, el lesbianismo, la represión sexual, el abuso de poder o la corrupción policial.

Daredevil

Jessica Jones

Daredevil (2015-2018) es una serie estadounidense que sigue la acción del superhéroe ciego creado por Stan Lee y Bill Everett en 1964. En la ficción televisiva, Charlie Cox interpreta a Matt Murdock, y protagoniza la serie junto a Deborah Ann Woll como Karen Page y Elden Henson como Foggy Nelson. Mientras Murdock y Nelson abren su propia firma legal defendiendo la justicia, Murdock se convierte en un vigilante con increíbles habilidades por las noches. En su lucha contra el crimen y la corrupción que envuelve al barrio neoyorquino de Hell’s Kitchen, Murdock se encuentra con las mafias china, rusa y japonesa, que están detrás de todos los asuntos turbios y en donde un misterioso hombre mueve invisiblemente las cuerdas: Wilson Fisk. Daredevil fue la primera serie que hizo posible el trato entre Netflix y Marvel para que la primera explotase la licencia televisiva de varios de los personajes de la segunda.

Jessica Jones está basada en los cómics de Marvel del mismo nombre y se emite desde 2015 en la plataforma estadounidense Netflix. La ficción televisiva se centra en la investigadora privada Jessica Jones, quien, además de andar tras los casos de sus clientes, cuenta con increíbles habilidades relacionadas con el poder de la fuerza.

Sin embargo, Jessica prefiere pasar desapercibida y esconde un oscuro pasado que intenta olvidar. Pero cuando vuelve Kilgrave, un oscuro villano capaz de controlar la mente humana, el mundo de la heroína se vendrá abajo y tendrá que decidir entre quedarse para ayudar a las nuevas víctimas del villano o huir. Finalmente, perseguida por su pasado traumático, la detective usará sus poderes para encontrar a su torturador e impedir que lastime a más gente. Krysten Ritten da vida a la protagonista de la serie, que comparte reparto con el británico David Tennant, quien se pone en la piel del despiadado Kilgrave.

Narcos

Sense8

Narcos (2015-2017) muestra la lucha de las autoridades de EEUU y Colombia por dar caza al cártel de Medellín y su máximo representante Pablo Escobar (Wagner Moura), el traficante de drogas más peligroso, que sembró el pánico en su país y cuya fama se extendió al resto del mundo. Ambientada en la década de los 80, la historia se narra desde el punto de vista de Steve Murphy (Boyd Holbrook), un agente especial de la DEA, enviado a Colombia para frenar el auge del narcotráfico en el país sudamericano.

Murphy tendrá como compañero al agente Peña (Pedro Pascal) y juntos formarán el equipo perfecto para terminar con el tráfico de cocaína.

También contarán con la ayuda de la policía y el ejército colombianos, así como del Gobierno. Sin embargo, las alianzas de Escobar son innumerables, ya que, de lo contrario, sus vidas y las de sus familias estarán condenadas a la política de «plata o plomo» del capo.

Sense8 se centra en ocho personajes que viven en distintas ciudades alrededor del mundo y experimentan una misma visión que los conecta mentalmente. De pronto son capaces de conocer los secretos de los otros siete, verse y conversar como si estuvieran en el mismo lugar.

Estas ocho personas deberán adaptarse a sus nuevas circunstancias mientras intentan averiguar qué sucedió, qué impacto tienen en el futuro de la humanidad y escapar de la persecución de una organización que busca capturarlos, matarlos o experimentar con ellos. Producida por Netflix, esta serie de ciencia ficción con numerosos guiños al colectivo LGTB fue creada en 2015 por las hermanas Wachowski y el capítulo final se emitió en 2018. Entre el reparto, donde destaca la figura de Miguel Ángel Silvestre, se encuentran nombres de la talla de Daryl Hannah, Naveen Andrews, Brian J. Smith, Tuppence Middleton, Aml Ameen o Freema Agyeman.

Unbreakable Kimmy Schmidt

Stranger Things

Prisionera del líder de una secta desde que era adolescente, la risueña Kimmy es liberada después de 15 años, y lo primero que decide hacer es mudarse a Nueva York en busca de una nueva vida. Esta es la premisa de Unbreakable Kimmy Schmidt (2015-2019), la hilarante comedia liderada por la nominada al premio Emmy a la mejor actriz Ellie Kemper. Con el optimismo por bandera, la protagonista encontrará una nueva familia de la mano de Lillian y Titus, sus extravagantes compañeros de piso, y Jacqueline, una millonaria sin escrúpulos que muy pronto pasará a convertirse en una de sus mejores amigas. Bajo la batuta de Tina Fey y Robert Carlock, precursores de otros fenómenos del humor como la serie 30 Rock o el programa de sketches en directo Saturday Night Live.

Como invitado especial, y encarnando al retorcido reverendo Wayne, destaca la presencia de Jon Hamm, protagonista de la mítica Mad Men.

Stranger Things es una serie de acción y misterio creada y dirigida por los hermanos Matt y Ross Duffer. La serie está ambientada en Indiana a principios de los años 80 y es un homenaje a las películas de la época. Protagonizada por Winona Ryder, David Harbour, Finn Wolfhard, Millie Bobby Brown, Gaten Matarazzo y Caleb McLaughlin, Stranger Things se ha convertido ya en una serie de culto. La historia comienza en noviembre de 1983 en la pequeña ciudad de Hawkings, cuando el joven Will Byers desaparece de manera misteriosa. Joyce, su preocupada madre, inicia su búsqueda mientras que el jefe de policía Jim Hopper y sus tres amigos –Dustin, Mike y Lucas– emprenden una investigación paralela para intentar encontrarlo.

Los más jóvenes se encuentran en la búsqueda con 011, una chica misteriosa con poderes de telequinesis que asegura saber dónde está Will.

Estrenada en 2016, la serie está aun en emisión.

TEATRE ESTRENES

El desguace de las musas Teatre Romea Del 6 al 24 de març de 2019

A.K.A. (Also Known As) La Villarroel De l’1 al 31 de març de 2019

Direcció: Paco de La Zaranda Autor: Eusebio Calonge Repartiment: Gabino Diego, Inma Barrionuevo, Mª Ángeles Pérez-Muñoz, Francisco Sánchez, Gaspar Campuzano, Enrique Bustos

Direcció: Montse Rodríguez Clusella Autor: Daniel J. Meyer Repartiment: Albert Salazar

S’obre el teló. El vell cortinatge grana desprèn tuf de suor i de desinfectants.

Les notes musicals es dispersen per la penombra mal ventilada, abans de diluirse en el fons dels gots. Sota els focus que projecten blava nit, el delmat cor de cantants assaja una rudimentària coreografia. Mandra de barnussos, xandalls i malles apedaçades, amanit amb boes plomades, brillants quincalles i acoblaments de micròfon. Carns rígides que amaguen tants desitjos, mirades nues que saben de tants ocasos. La ganyota de la mort oculta darrere del maquillatge barat.

El Carlos és un adolescent que es troba en un moment en el qual trontollen tots els seus fonaments, les seves arrels, la seva identitat. I és que sap que és adoptat... i la mirada dels altres li fa plantejar-se qui és realment. Perquè, som qui sentim que som, o qui la gent creu que som? El protagonista Albert Salazar el vam poder veure en curtmetratges com ara Castidermia, Alter ego, Castigo o Con la boca cerrada. Però sobretot se’l recorda pel seu paper d’en Marçal a La Riera. Properament el podrem veure també a Los pájaros no vuelan de noche, dirigida per Albert Sansabrià i Pau Sansabrià.

Aladdin: The Pop Musical Teatre Condal Del 3 de març al 21 d’abril

Afanys d’amors perduts TNC Del 17 de gener a 24 de febrer

Direcció: Dani Cherta Música i lletres: Keco Pujol Direcció musical: Manel García Escenografia: Víctor Peralta Vestuari: Antonio Harillo Coreografies: Meri Bonet Repartiment: Nerea Rodríguez, Miguel Ángel Sánchez, Víctor Gómez, Júlia Bonjoch, Roger Sahuquillo, Jordi González, Anna Cartoixà

Autor: William Shakespeare Direcció: Pere Planella Traducció: Salvador Oliva Adaptació: Roger Cònsul i Pere Planella Repartiment: David Anguera, Maria Calvet, Queralt Casassayas, Sara Espígul, Sílvia Forns, Oriol Genís, Carles Martínez, Aleix Melé, Pep Anton Muñoz, Laura Pau, Arnau Puig, Mima Riera, Peter Vives

El grup musical Top Flash es presenta a un concurs televisiu per obtenir una gira i l’enregistrament del seu primer disc. Però la guitarra de l’Aladdin, un dels components, es trenca i el jove no es pot permetre de comprar-ne una de nova. Gràcies a un llum màgic i al poder del geni que la custodia, l’Aladdin obtindrà tres desitjos. Sabrà triar-ne els adequats i poder fer realitat el seu somni?

El rei de Navarra i tres dels seus cavallers han jurat allunyar-se dels plaers mundans durant tres anys, per dedicar-se exclusivament a l’estudi. Fins i tot han prohibit que s’acosti cap dona a menys de mil milles de la cort. Però aviat els visitarà una ambaixada de la princesa de França, i tres de les seves dames, amb l’objectiu de recuperar uns territoris en litigi a l’Aquitània.

TEATRO

RENT El musical que triunfรณ en los noventa vuelve al escenario del Onyric Teatre Condal con un reparto muy joven, ansioso de darlo todo

JÚLIA BONJOCH (Mimi)

Explícame tu papel en la obra Rent.

Mi papel es el de Mimi, una chica de 19 años que es una superviviente de su propia vida. Ha tenido muchos problemas, de todo tipo, y esto hace que busque ayuda en las drogas. Son la solución rápida a sus conflictos. También es una luchadora nata y es la primera persona en todo el musical que planta el lema de toda la obra: «No hay más que hoy». Mimi es fugaz, es fuego, enérgica, rabiosa, valiente, madura y, además, frágil. Es la que nos recuerda que tenemos que vivir el presente y olvidarnos de los problemas del ayer o del futuro.

Rent triunfó hace 20 años en el off-Broadway y se ha convertido en un clásico de los musicales. ¿Qué tiene esta obra para seguir tan vigente a pesar del tiempo pasado?

Según mi opinión, Rent es vigente por dos factores: la música rock y el mensaje. La música –como dice nuestro director musical Miquel Tejada– es el vehículo que nos transporta al mismo estado, una música que nos habla de pasiones, de amor, del miedo, de la incertidumbre de qué va a pasar mañana…

La música en sí ya lleva el mensaje de Rent.

Vivir el presente, pase lo que pase, aunque estemos enfermos, o tengamos pasados inciertos, o duros de recordar. Tener que afrontar la vida y medirla con amor. Rent es amor. Es una historia de esperanza para todas aquellas personas que han sufrido o las personas que han visto a un ser querido sufriendo.

La obra habla del amor, de la amistad, las expectativas profesionales… en los tiempos del sida. ¿Cees que hoy en día los jóvenes le dan a la enfermedad la importancia que tiene?

Me gustaría responderte que espero que sí que le den importancia a estas enfermedades. En todas las escuelas y institutos se hacen cursos y charlas sobre sexualidad. Creo que esto es muy

importante. Porque la mayoría de enfermedades de transmisión sexual (ETS) se pueden evitar si usamos las medidas correspondientes. Y creo que los jóvenes y los no jóvenes lo tenemos que tener presente, porque una ETS no es un resfriado pasajero. Puede traer consecuencias perjudiciales tanto para la persona que la contrae como para la gente de su entorno.

Recomiéndame al menos tres musicales de cualquier época o temática que para ti sea imprescindible verlos. ¡¿Solo tres?! Pues aquí tienes algunos: Billy Elliot, Wicked, Sweeny Todd, Hamilton, Everybody’s Talking About Jamie, Company, Kinky Boots, Matilda, El Fantasma de la Ópera, Into the Woods... Todos son necesarios y muy distintos, e imprescindibles de ver... ¿Recuerdas tu primera vez sobre un escenario? ¿Qué sentiste?

Recuerdo la primera Festa dels Súpers, que hacíamos en el estadio Lluís Companys. Y había medio estadio lleno y me acuerdo mucho de que sonaba una cuenta atrás y que todo el público chillaba los números... Yo estaba muy nerviosa y me acuerdo de haberle preguntado a un compañero mío: «¿Qué hago si me asusto de toda la gente que hay?» y él me dijo: «Tú chilla». La gente gritó: «¡Zero!» y salimos del escenario gritando al ver toda la gente que había.

Lo que sentí fue euforia, alegría, temblores y vergüenza al mismo tiempo. Es una mezcla de emociones siempre. ¿De qué interpretación te sientes más orgullosa?

La verdad es que no lo sé... Me gusta cuidar las interpretaciones que hago de los personajes y los quiero mucho y me siento orgullosa de ellos. Por ejemplo, estoy orgullosa de hacer El Petit Príncep porque veo que a la gente le emociona y

esto es bonito, porque es un trabajo que te has preparado con amor y perseverancia. Y que llegue a grandes y pequeños siempre te llena.

Si pudieses, ¿qué papel de teatro musical te gustaría interpretar? ¡Uf! ¡Muchísimos! Por ejemplo, a Zoe Murphy de Dear Evan Hansen, o a Pritti Pasha de Everybody’s Talking About Jamie.

Si fuera mayor, a Margaret New, también de Everybody’s Talking About Jamie; o a la madre o la abuela de Billy Elliot; o a la señora Lovett en Sweeney Todd. Si fuera niña, pues Matilda, sin duda. Y si fuera un chico, Lola de Kinky Boots, o Judas de Jesucristo Superstar, o Billy Elliot. ¿Eres de las que estás al día sobre los musicales que se representan, viajando periódicamente a Londres o Nueva York para seguir la programación?

Lo intento... Pero es complicado a nivel económico y de agenda… Me encantaría responderte un sí rotundo. ¿En algún momento te planteaste dar el salto y trabajar en Madrid o en el extranjero?

Sí... Aunque aún no se ha dado la ocasión.

A pesar de que cada vez hay más musicales y el público está más receptivo a ellos, ¿no crees que hay demasiados actores y actrices de musical para tan pocas obras?

Creo que la pregunta está mal formulada. No es que seamos muchos. Es que no hay suficientes producciones y no hay ni tantos musicales ni tanto público como en un principio parece. Se tiene que educar a la población a consumir cultura, solamente así existirán más producciones teatrales y todo estará más equilibrado. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más me gusta es el aprendizaje constante que te da esta profesión. Me gusta mucho ensayar, porque es donde encuentras, descubres y

creas con el equipo todo lo que va a suceder posteriormente en el escenario. Jugar con el compañero de escena y que finalmente te entiendas con una sola mirada... Hacer función y ensayar es aprender. Y creo que es muy necesario en nuestro oficio.

Lo que más detesto son las frases de moda: «Lo hago por amor al arte», «Estos ensayos no los vas a cobrar», o «Vamos a ir a taquilla»: lo nuestro no es un hobby, es un trabajo: dile a un mecánico que te arregle el coche «por amor al motor». Tenemos que tener un trabajo remunerado en condiciones. O las frases del tipo «No eres el perfil», «Buscamos chica joven, guapa, atractiva, bla bla bla». Tenemos que evolucionar, no todo es el físico, hay mucho más: la persona, su interpretación, su voz, su expresión, su talento, sus ojos...

Te hemos podido ver en numerosos musicales infantiles como El Petit Príncep, Aladdin: The Pop Musical, Alícia al País de les Meravelles o Geronimo Stilton i els Fantàstics. ¿El público infantil es más fácil o más complejo de contentar?

Creo que lo difícil es captar su atención, pero una vez están dentro de la historia, ellos disfrutan. Son exigentes como el público adulto. No les puedes engañar. Y lo bonito del público infantil es que se dejan sorprender, y esto es mágico. ¿Cine, teatro o televisión? ¿Con cuál te quedas y qué te aporta cada uno?

Me quedo con el teatro. Me enamora. Pasar nervios no me gusta, pero después, una vez te olvidas y estás dentro del personaje, es maravilloso porque me lo paso realmente bien y lo disfruto como una niña pequeña. De hecho, ya de pequeña me enamoré del teatro. Creo que es un trabajo efímero, que cada función es distinta y por eso es tan bonito. Por la euforia que te regala cada noche al pisar el escenario. Sí, me aporta mucha euforia. Pero el cine y la televisión también me enamoran. El cine y la televisión me aportan técnica y emoción rápida. Tienes que estar en ese momento que se te pide en tres segundos y el me-

canismo para llegar a eso es complicado. Es un grandísimo reto. Pero después ves el resultado y ves, como sin hacer nada, lo que le pasa a tu personaje. Con una simple mirada puedes verlo todo.

Has estudiado violonchelo, piano, claqué, clown, esgrima... ¿La vida del actor es una continua formación?

Sí, siempre tienes que formarte. Es un oficio que te pide mucho y en el que debes saber hacer de todo. Igualmente soy muy afortunada de haber nacido en una familia donde la cultura, el arte, el teatro, la música, la expresión y la danza son las bases del saber. Mis padres de pequeña me llevaron a ver teatro, circo, danza, conciertos de música... y empecé a soñar en ser actriz. Y les tengo que agradecer que invirtieran dinero y

tiempo y ganas en todas las actividades que ahora son básicas en mi profesión.

Has trabajado con Oriol Broggi, Marta Buchaca, Àngel Llàcer, Carla Torres o Joan Maria Segura, entre otros directores, pero ¿qué persona ha influido más en tu carrera?

De todos el aprendizaje es inmenso. Y eso influye. Pero, sin duda, Àngel Llàcer. Es un gran director y amigo, y te cuida, te deja jugar, y lo que me gusta más de él es que es muy concreto. Porque sabe muy bien lo que quiere de ese personaje, de la escena y del actor. Te concreta el pensamiento y hace que tu personaje sea aún más rico en emociones. Es maravilloso, porque además genera muy buen ambiente de trabajo y convierte a todo el equipo en una gran familia. Lo admiro muchisimo.

VÍCTOR ARBELO (Roger) Explícame tu papel en la obra Rent.

Mi personaje, Roger Davis, es un rockero de los años 90 que contrae el VIH y, a diferencia de otros personajes de la obra, se siente culpable por ello. Se obsesiona con escribir una canción que sea su legado en este mundo para cuando ya no esté, pero con esta historia llamada Rent aprende que el amor es más importante que cualquier otra cosa.

Ya formaste parte de la obra en el montaje en catalán que se representó hace un par de años en el Casino de l’Aliança del Poble Nou. Al margen del cambio de idioma, ¿habrá muchas modificaciones en la obra que veremos en Onyric?

Por supuesto. La producción se adaptará a las dimensiones del Condal creando una nueva escenografía a partir de la producción de 2016, y también hay cambios en el reparto. Eso hará que la función alcance una nueva vida.

Rent triunfó hace 20 años en el off-Broadway y se ha convertido en un clásico de los musicales. ¿Qué tiene esta obra para seguir tan vigente a pesar del tiempo pasado?

Yo creo que lo más importante que tiene esta función y lo que ha hecho que sea un clásico es que representa a una generación de jóvenes con ganas de hacerse un hueco en el mundo defendiendo sus ideales de cómo vivir. Esto hace que sea algo generacional y que cada generación que viene tiene un lazo que la une a esta energía, y se puede sentir identificada con ello.

La obra habla del amor, de la amistad, las expectativas profesionales… en los tiempos del sida. ¿Cees que hoy en día los jóvenes le dan a la enfermedad la importancia que tiene?

Yo creo que sí, pero no lo suficiente. En los 90 era una enfermedad mortal sin cura, y eso hacía que el hecho de padecer la enfermedad fuera más grave que en la actualidad, en que hay más recursos para combatirla. Yo creo que esto hace

que, por desgracia, no todo el mundo tenga el respeto que debería sobre como enfocarlo.

Te hemos podido ver anteriormente en musicales como Mar i cel o Los miserables. ¿Está pasando un buen momento el teatro musical en este país?

En Madrid es un gran momento, está lleno de musicales, pero Barcelona necesita volver a coger carrerilla, se está quedando atrás. Esto hace que funciones como Rent sean necesarias para volver a cautivar al público joven, que será el público del futuro.

Recomiéndame al menos tres musicales de cualquier época o temática que para ti sea imprescindible verlos.

Para mí, son imprescindibles Jesucristo Superstar, un clásico con una de las partituras más increíbles; Legally Blonde, que me parece el musical más divertido jamás escrito, con unas canciones apoteósicas; y también Dear Evan Hansen, que es la representación del nuevo rumbo que está orientando el musical del futuro.

Aunque eres muy joven, tú ahora también das clases en la escuela Aules. ¿Notas diferencia entre los jóvenes que empiezan ahora y tú cuando eras alumno?

Mucha. Creo que cada vez hay más gente joven interesada en el ámbito artístico y cada vez tienen más referentes en todos los sentidos. ¿Recuerdas tu primera vez sobre un escenario? ¿Qué sentiste?

Mi primera vez fue vertiginosa. La recuerdo con una mezcla de adrenalina y nervios. Cuando sientes eso por primera vez y te gusta, ya no lo puedes dejar. Por eso me dedico a esto. ¿De qué interpretación te sientes más orgulloso?

Pues es una pregunta un poco compleja. Yo creo que eso es algo que debe opinar el público, pero

para mí fue muy especial hacer de Osman en Mar i cel.

Judas o Jesucristo, Valjean en Los miserables, Emmet en Legally Blonde…

¿Que tu pareja también se dedique al mundo musical resulta más fácil o acaba siendo un problema porque en casa siempre se acaba hablando de lo mismo?

Es fácil porque te entiende y es también un problema porque en casa hay que buscar otros temas que no sean el trabajo. Hay otras cosas aparte del trabajo que sin duda son mucho más importantes.

¿Eres de los que estás al día sobre los musicales que se representan, viajando periódicamente a Londres o Nueva York para seguir la programación?

Sí, lo intento.

Hace unos años presentaste tu primer disco en solitario. Explícame la experiencia.

Fue una experiencia increíble. Intensa, porque fue un proyecto autoproducido y fue un esfuerzo grande para mí en todos los sentidos, pero me hizo valorar y aprender muchas cosas como artista.

Si pudieses, ¿qué papel de teatro musical te gustaría interpretar?

¿En algún momento te planteaste dar el salto y trabajar en Madrid o en el extranjero?

Alguna vez me lo he planteado, pero no es algo que me obsesione. Me gusta mucho Barcelona y soy muy feliz aquí. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más, el reto constante que supone dedicarte a esto; lo que menos, la parte más oscura que obviamente tiene, pero como todas las profesiones. Yo me alejo de lo que no me interesa para seguir teniendo una relación sana con mi profesión, para mí es lo más importante.

IÑAKI MUR (Mark)

Explícame tu papel en la obra Rent.

Interpreto a Mark Cohen, que es uno de los protagonistas y el narrador de la función. Es un cineasta judío que huye de su bienestar familiar para luchar por un determinado estilo de vida en el que cree. En el momento en el que empieza la función, Mark está en plena búsqueda de su identidad artística. Su viaje emocional a lo largo de la pieza va estrechamente ligado a eso. Es un chico idealista, noble, entusiasta, divertido, creativo y algo freak.

Rent triunfó hace 20 años en el off-Broadway y se ha convertido en un clásico de los musicales. ¿Qué tiene esta obra para seguir tan vigente a pesar del tiempo pasado?

Rent no deja a nadie indiferente. Tanto si lo representas como si lo disfrutas como espectador, logra penetrarte y cambiarte para siempre. Se trata de una ópera rock que a partir de la música y el optimismo consigue contar la realidad de un grupo de jóvenes artistas en el Nueva York de los 90 de manera cercana e icónica. Significó un antes y un después en la historia de Broadway.

Consiguió poner en el mapa de la programación teatral la realidad de un colectivo que hasta entonces había estado artísticamente marginado.

Es la perfecta combinación de música, emoción y crítica social, entre muchas otras cosas… sería imposible enumerarlas todas. Su compositor y creador se vació por dentro para crearlo y eso se percibe. Rent tiene duende.

La obra habla del amor, de la amistad, las expectativas profesionales… en los tiempos del sida. ¿Cees que hoy en día los jóvenes le dan a la enfermedad la importancia que tiene?

Han cambiado muchas cosas. Se ha avanzado muchísimo en la investigación de su cura y, a día de hoy, aunque la mayoría de mi generación estamos muy informados y sensibilizados con el tema, el estigma hacia la gente que lo sufre sigue siendo real.

Recomiéndame al menos tres musicales de cualquier época o temática que para ti sea imprescindible verlos.

Wicked, Spring Awakening y Billy Elliot. ¿Recuerdas tu primera vez sobre un escenario? ¿Qué sentiste?

Era muy pequeño –tenía unos cuatro años, en el festival de final de curso de mi escuela– y yo era un pizzero que cantaba a los cuatro vientos: «Come and buy a hottie pizza». Recuérdo pasármelo pipa y sentir que las tablas eran mi casa. ¿De qué interpretación te sientes más orgulloso?

De una que aún no ha visto la luz. He tenido la suerte de protagonizar una película independiente llamada El sitio de Otto de la que aún no puedo dar demasiados detalles. En ella interpreto a un personaje muy alejado a mí y el cual supuso un reto muy importante. Tengo muchas ganas de compartirlo con el mundo. Aunque mentiría si dijera que mi personaje de Oliver en Merlí no fue especial.

Si pudieses, ¿qué papel de teatro musical te gustaría interpretar?

Pues, lo creas o no, a Mark Cohen en Rent.

Siempre ha sido mi «personaje» de musical favorito. Moritz de Spring Awakening le sigue de cerca. Aunque mucha gente me ha dicho que debo ver Dear Evan Hansen, musical que tengo pendiente, porque me ven mucho en él. ¿Eres de los que estás al día sobre los musicales que se representan, viajando periódicamente a Londres o Nueva York para seguir la programación?

He tenido épocas en que estaba más al día sobre la programación del West End y de Broadway. La última vez que estuve en Nueva York me centré más en obras de texto que no en musicales. ¡¡¡Hay tanto por ver!!!

¿En algún momento te planteaste dar el salto y trabajar en Madrid o en el extranjero?

Ya he trabajado en Madrid. Hice una serie allí durante nueve meses y tuve que mudarme. Y he trabajado en producciones extranjeras pero que he rodado aquí, así que nunca se sabe. De momento tengo representante en el extranjero, veremos si la siembra da sus frutos… ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más me gusta es conseguir que una persona totalmente desconocida sienta, al verte trabajar, que estás contando su propia historia, aunque esta no tenga nada que ver. El arte es un arma de cambio social y sentir que tu trabajo pueda inspirar a terceros me parece realmente bonito y poderoso. También me enamora el hecho de que un personaje pueda llegar a enseñarte tanto sobre ti mismo y hacerte evolucionar como individuo.

Si hablamos contigo, lógicamente tiene que salir el tema de la teleserie Merlí, que, a pesar de que no era tu primer trabajo en televisión, te dio a conocer a nivel nacional. ¿Cómo fue tu elección para este papel?

Pues muy aleatoria. Hice una prueba que no fue fácil de conseguir, me fue muy bien y me llamaron. Siempre llevaré a Merlí y a Oliver conmigo. ¿Realmente hubo tan buen rollo y camaradería durante los rodajes y después de acabar la serie? Porque en esta profesión cuando los actores trabajan juntos en un proyecto se vuelven inseparables, pero luego es difícil volver a coincidir en la vida. Éramos muchos, pero sí, la química fue real entre todos nosotros. Después, como es normal, la vida te une más con unos que con otros, pero solo nosotros sabemos lo especial de lo que vi-

vimos. Fue algo muy intenso que nos cambió la vida a todos. ¿Te ha resultado fácil llevar el peso de la fama o en algún momento te has arrepentido y te gustaría volver a ser más anónimo?

Nunca me arrepiento de los pasos que doy o las decisiones que tomo, porque en su momento sentí que era lo que tenía que hacer. Y si volviera atrás volvería a pisar el mismo camino. Yo personalmente no he llevado demasiado bien el tema de la fama. Es muy difícil de gestionar y nadie te acompaña en ese viaje. Es un aprendizaje que tienes que hacer tú mismo y a mí se me hizo algo duro. Aunque estoy muy agradecido por haber tenido la suerte de formar parte de algo tan especial. ¿Volver a retomar tus estudios de diseño era una forma de recuperar de nuevo la normalidad?

Soy muy inquieto y me gusta sentir que evoluciono. El diseño no es más que otra disciplina artística más. Y sentir que me estimulo creativamente y que aprendo y adquiero herramientas me gusta y me motiva.

Interpretar, cantar, bailar, diseñar... ¿te quedas con alguna disciplina o con todas?

Mmmmmm, difícil... Quizás me quedo con interpretar. Es la disciplina en la que más cómodo me siento y en la que más experiencia siento que tengo. Pero me encantan los retos.

Y cuando no aparecen nuevos proyectos, ¿eres de los que están buscando la forma de llevar a cabo nuevos retos profesionales?

Sin duda. Ya he producido audiovisual y espectáculos teatrales anteriormente. Y es lo que me hace sentir más artísticamente saciado. Ser capaz de «generar» me parece brutal.

ANNA HEREBIA (Maureen)

Explícame tu papel en la obra Rent.

Interpreto a Maureen, que es la ex novia de Mark; ella le dejó para estar con una mujer abogada, Johanne. Maureen es un personaje que aporta humor y distensión a la historia. Es una mujer muy creativa, con unas ideas políticas muy subversivas y que vive su sexualidad de un modo que para algunas personas puede resultar incómodo.

Rent triunfó hace 20 años en el off-Broadway y se ha convertido en un clásico de los musicales. ¿Qué tiene esta obra para seguir tan vigente a pesar del tiempo pasado?

Creo que Rent sabe plasmar muy bien sentimientos complejos: el viaje emocional de los personajes está extremadamente bien explicado. Gran parte de que esto suceda es gracias a la música, que nos toca el alma de una manera que solo el texto no podría. A su vez, intelectualmente es una obra muy rica, llena de referentes de la época, es ingeniosa y muy inspirada. Y sobre todo el hecho de que la mayoría de protagonistas sean artistas, muchos de ellos no pueden pagar el alquiler, hay dos parejas homosexuales, y hay varios personajes que tienen el sida; en definitiva, nos habla de personas que por varias razones se encuentran discriminadas y fuera de la sociedad, y eso es aplicable a todas las épocas y parece especialmente adecuado para el momento presente.

A pesar de las desgracias que suceden en la historia, Rent no deja de ser una celebración de la vida. Es muy necesario, porque manda un mensaje de esperanza.

La obra habla del amor, de la amistad, las expectativas profesionales… en los tiempos del sida. ¿Cees que hoy en día los jóvenes le dan a la enfermedad la importancia que tiene?

Creo que a pesar de que hoy en día –en el mundo occidental, evidentemente– el sida ya no representa la sentencia de muerte que significaba en los años noventa, sí que sigue trayendo con-

sigo una lacra social muy fuerte y te puede cambiar la vida en un segundo, generando además mucha culpabilidad en la persona contagiada.

Creo que los adolescentes sí que están muy concienciados de ello, lo que pienso es que hay mucha desinformación, sobre todo para la gente mayor que aún lo ve como algo misterioso y terrible como en los noventa.

Recomiéndame al menos tres musicales de cualquier época o temática que para ti sea imprescindible verlos.

West Side Story, Los miserables y Rent. ¿Recuerdas tu primera vez sobre un escenario? ¿Qué sentiste?

Era muy pequeña, tenía siete años: participé en un espectáculo presentado por Judit Mascó el día de los Derechos Humanos en el Moll de la Fusta.

Encima del escenario me sentí como en casa, muy feliz. Conservo fotos de ese día y realmente era una personita en miniatura, pero yo me sentía enorme, ¡jajaja! ¿De qué interpretación te sientes más orgullosa?

Qué difícil… estoy a gusto con todo lo que he hecho, pero ahora mismo lo que tengo más reciente es Maureen.

Si pudieses, ¿qué papel de teatro musical te gustaría interpretar?

La Dama del Lago, de Spamalot. ¿Eres de las que estás al día sobre los musicales que se representan, viajando periódicamente a Londres o Nueva York para seguir la programación?

Sí y no… soy bastante friki de musicales, y cuando uno me gusta me vuelvo muy fan. Sí que he ido varias veces a Londres –a Nueva York todavía no–, pero no necesariamente a ver novedades. Aún así, mi círculo de amigos mas íntimo

se encarga de ponerme al día, ¡jajaja! ¡No he visto ni Dear Evan Hansen ni Hamilton!

la base del teatro musical en nuestro país.

Bueno, es mi humilde opinión.

¿En algún momento te planteaste dar el salto y trabajar en Madrid o en el extranjero?

Cuando tenía 18 años estuve pensando en ir a Londres a estudiar, pero entonces entré en el Institut del Teatre y ya me quedé aquí. Me gustaría vivir una temporada en Madrid porque me encanta la ciudad, el ambiente, la gente... pero todavía no se ha dado la oportunidad. Por otro lado me encanta Barcelona, ¡creo que es la mejor ciudad del mundo!

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Creo que lo que más me gusta y lo que más detesto es lo mismo: los cambios de vida repentinos, la ausencia de rutina, los viajes, los bolos, la variedad de materiales, conocer gente nueva… eso me da la vida. La incertidumbre no me gusta tanto, ja ja, ¡pero son dos caras de la misma moneda!

A pesar de que cada vez hay más musicales y el público está más receptivo a ellos, ¿no crees que hay demasiados actores y actrices de musical para tan pocas obras?

Sí, hay un descalabro importante ahí, y algunos lo sufrimos mucho. Creo que el secreto sería encontrar cuál es el musical que solo podemos hacer nosotros, con historias nuestras y música nuestra. Las franquicias están muy bien, y tienen que seguir existiendo, pero no deberían ser

Ya habías coincidido anteriormente con Dani Anglès en 2014 en el musical Per sobre de totes les coses. ¿Cómo recuerdas aquella experiencia?

Intensa, esa es la palabra. Ahí conocí a personas que se convirtieron en amigos íntimos hasta día de hoy, y Per sobre de totes les coses nos cambió la vida a todos. En mi relación con Daniel Anglès hubo un antes y un después de esa obra… supimos que seguiríamos trabajando juntos de una manera u otra.

¿Cómo has cambiado tú en estos cuatro años y cómo ha cambiado Dani?

Yo he cambiado mucho en los últimos dos años, me he hecho mayor, yo lo noto y creo que él también. Yo a Dani lo veo igual que siempre, quizá más tranquilo y más feliz… pero hay una cosa que le define mucho y que no ha cambiado: y es que sigue siendo un ave fénix.

Explícame la experiencia de trabajar en la compañía Dei Furbi.

Es increíble. No tiene nada que ver con la manera estándar de hacer un musical. Es difícil de explicar cómo se monta o se ensaya un espectáculo de Dei Furbi… Normalmente Gemma Beltran tiene una idea y los actores se implican al máximo físicamente, vocalmente e interpretativamente para «crear» escenas. Hay mucha improvisación en los ensayos, y después en la función todo debe ir como un complejo engranaje cronometrado. Con Dei Furbi he viajado por España, a Berlín y a Palermo, he conocido a personas maravillosas de las que además he aprendido muchísimo. Es muy especial para mí.

Has tenido profesores de la talla de Francesca Masclans, Helen Rowson o Joan Vázquez.

Pero ¿quién consideras que ha sido la persona que más ha marcado tu carrera profesional?

De las personas que has mencionado, Cesca fue la primera que me enseñó técnica vocal. Helen fue con la primera con la que oí hablar del voice craft; además, Helen es una pasada, fueron pocas clases pero aprendí muchísimo. Y a Joan Vázquez lo conocí haciendo un taller de Rent precisamente, y creo que fue un personaje clave para la evolución de mi voz. Sin embargo, si tengo que decir una persona que haya marcado mi carrera profesional, esta es sin duda Daniel Anglès. ¿Te agobias pensando en los próximos proyectos una vez acaben las funciones de Rent o eres más de esas personas que viven el momento y consideran ya tendrán tiempo para preocuparse más tarde?

Soy totaaaalmente de las segundas. No day but today!

L’ENTREVISTA

MÀRIUS SERRA «L’única perspectiva possible per no banalitzar el dolor és contraposar-lo amb la joia, amb el plaer, i observar-ne el gran contrast»

L’ENTREVISTA

L

a novel·la Quiet, publicada a Empúries el 2008, torna a estar d’actualitat perquè ha servit de referència per al muntatge teatral dirigit per Joan Arqué i interpretat per Judit Farrés, Roger Julià i Òscar Muñoz que es podrà veure al Teatre Lliure. En algun moment et vas imaginar que es pogués fer un muntatge teatral del teu llibre?

Sí. El 14 de juny de 2009, pocs mesos després de publicar el llibre vaig organitzar un concert solidari a la sala gran de l’Auditori que es va dir Mou-te pels Quiets i va aplegar 1.500 persones.

La voluntat era contraposar capacitats i discapacitats, i aconseguir fons econòmics per a les fundacions Nexe i Guimbarda. Consistia en lectures de fragments de Quiet i actuacions musicals o teatrals. En van llegir fragments amics com Carles Capdevila, Matthew Tree, Bruno Oro, Queco Novell, Jordi Martínez, Sergi López, Marta Angelat, Oriol Izquierdo... I hi van actuar els Gossos, Nina, Quimi Portet, Joan Miquel Oliver, Lluís Gavaldà, Pau Riba... Molts dels actors que hi van participar em deien que allò tenia molta força dramàtica. Suposo que van plantar la llavor del que ha estat l’obra de teatre. El Llullu va morir cinc setmanes després d’aquell concert. Després del dol, ja vaig començar a triar escenes del llibre i a mirar de reescriure-les per a l’escena. I així fins ara.

Com va sorgir el projecte i com s’ha anat adaptant el text per fer-lo més teatral? Fins a quin punt t’has implicat en aquest nou muntatge?

Vaig anar fent versions de l’obra. La donava a llegir a amics professionals de la dramatúrgia de la meva generació, com Jordi Galceran, Sergi Belbel o Toni Casares. Jo anava recollint els seus comentaris i mirava d’aplicar-los a l’obra.

També s’ho va llegir gent de teatre tan variada

com Lluís Homar, Julio Manrique o Paco Mir. Jo ja sabia què movia l’obra i cap on anava, però anava posant i traient escenes, mirant d’imaginar-me-les amb els tres actors que m’havia imposat des de la primera versió que en vaig escriure. A final de 2017 en Toni Casares em va oferir la possibilitat de fer-ne una lectura dramatitzada a la Sala Beckett i m’hi vaig llançar de cap. Dirigits per l’Israel Solà, amb la Laia Alsina i en Jordi Centelles ens vam posar a assajar la lectura, que vam teatralitzar una mica. Després de cinc sessions d’assaig de cinc hores, la vam llegir a final de gener del 2018 a la Sala de Baix de la Beckett, plena de públic. Va ser una experiència intensa, que em fa valorar molt la feina dels actors, i emocionalment em va trasbalsar força més del que em pensava. Després d’allò, va venir el regal. El productor Carles Manrique em va dir que en volia fer un muntatge. Aquests mesos preparatoris també han estat intensos, però molt més plaents, perquè de seguida ens vam entendre amb en Joan Arqué, que n’és el director, i vaig sintonitzar amb les decisions que anava prenent. Vaig començar assistint a la lectura de l’obra, em va semblar fantàstic que tots tres actors prenguessin la veu del pare en algun moment i a partir d’aquí he xalat veient com la sensibilitat artística i musical de la Judit Farrés, en Roger Julià i l’Òscar Muñoz feien créixer l’obra. Fins a l’últim moment hi he anat fent retocs, també de text, i el resultat és magnífic.

L’obra de teatre reflecteix el que s’explica a la novel·la, que podria haver estat molt dura i dramàtica, però sempre hi apareix una mirada optimista i tocs d’humor que treuen ferro a la situació. Vas trigar molt a poder veure la situació amb aquesta perspectiva?

Vitalment vaig trigar set anys a saber com podia escriure sobre una situació emocionalment tan ambivalent. Però la propietària d’un restaurant

L’ENTREVISTA

de Gènova me’n va donar la clau. Quan el Llullu tenia set anys hi vam viure una situació tragicòmica, en què ella gairebé ens volia fotre fora del seu restaurant i, en canvi, el seu marit es posava de part nostra. Aquella mena de vodevil que vam viure em va empènyer a escriure, aquella mateixa nit, a l’hotel, la crònica del que havia passat. I em va marcar el camí. També a l’obra de teatre és un gran moment. L’única perspectiva possible per no banalitzar el dolor és contraposar-lo amb la joia, amb el plaer, i observar-ne el gran contrast. Negre damunt negre no contrasta. Entre dotze sota zero i setze sota zero no hi ha cap diferència de sensació de fred. L’humor és la motxilla imprescindible per encara la vida, en general, i els moments amargs que ens depara, en particular.

En el llibre també apareixen al·lusions a la teva dona i la teva filla. Des del començament van estar totalment d’acord a aparèixer-hi i a «patir» aquesta atenció mediàtica a la qual tu, per la teva professió, estàs més acostumat?

Aquest era un dels punts més delicats. La gestió de la intimitat compartida. Des del primer moment els vaig donar a llegir el text, tant a la Mercè com a la Carla, que llavors tenia dotze anys. Totes dues hi van dir la seva i hi van estar d’acord. En el llibre, el narrador-pare és omnipresent. Per fortuna, en el muntatge teatral, la decisió del director de repartir la seva veu entre els tres actors fa el relat més coral.

A hores d’ara, sabeu del cert quina és la causa de la malaltia de paràlisi cerebral que li van diagnosticar al Llullu?

Sí. Ho hem sabut post mortem. El doctor Macaya, el neuropediatre que va portar el cas del Llullu, ens va extreure mostres d’ADN a tots tres: mare, pare i fill. Un parell d’anys després de la seva mort, una d’aquelles mostres va formar part d’un estudi d’uns investigadors britànics que van publicar les conclusions en una revista científica. I allà s’explica de manera detallada allò que va pro-

vocar que el Llullu no progressés adequadament.

Vam ser incapaços d’entendre-ho i, per tant, soc del tot incapaç d’explicar-ho, però guardem l’article científic com un tresor. Sobretot perquè, i això sí que ho vam entendre, descartava que l’afecció tingués un origen genètic i, doncs, alliberava sa germana Carla de la por de tenir un embaràs de risc en el futur.

En quin moment contactes amb la Fundació Nexe? En què et van ajudar?

Vam tenir molta sort. La doctora Mireia del Toro, de l’equip de la Vall d’Hebron de què formava part el doctor Macaya, de seguida ens va adreçar a la Fundació Nexe. El nostre cas és excepcional, perquè no vam haver de passar per un diagnòstic precoç i ens vam estalviar moltes incerteses. A les cinc setmanes de vida gairebé sabíem que el Llullu no progressaria adequadament. Amb un any ja anava a escola. A Nexe. Ja havíem desmedicalitzat el dia a dia i l’havíem escolaritzat.

Les bates havien passat de ser llises a ser de coloraines i estampats. Això ens va ajudar molt a intentar reconstruir la nostra vida quotidiana, que rep un sotrac molt bèstia quan es veu bombardejada per una notícia d’aquesta magnitud.

Penses que està prou valorada i sustentada econòmicament la tasca d’entitats com aquesta?

No. El tercer sector és a la cua de totes les prioritats. Fa molta ràbia, però els desvalguts continuen viatjant en el furgó de cua. És un afer pendent de totes les administracions.

A l’obra també hi ha episodis desagradables, com el de Gènova que deies, quan la mestressa d’un restaurant us va atendre de mala gana perquè la imatge del nen podia «molestar» els altres clients. La visibilitat és un dels prejudicis contra els quals s’ha de lluitar? És un prejudici compartit amb tots els col·lectius de gent no majoritaris en la societat. En general,

L’ENTREVISTA

la visibilitat de la diferència és força enriquidora, i amagar el que no resulta glamurós, com per exemple un nen que baveja, és una pèssima estratègia. La millor manera d’aproximar-se a la discapacitat és des de la naturalitat.

Una cosa que queda clara és que, malgrat la malaltia del Llullu, mai no vau deixar, més o menys, de fer vida normal, i fins i tot de viatjar. Com és què vau tenir aquesta reacció en comptes d’estar-vos resignats a casa, com manen els cànons?

Perquè a nosaltres ja ens agradava viatjar abans de tenir fills, i quan només havíem tingut sa germana. No és que volguéssim fer coses noves ni demostrar res, sinó que la nostra màxima aspiració era continuar vivint tal com fèiem abans de rebre la notícia de la malaltia del Llullu. Naturalment, el tipus de viatges o la manera de viatjar es va adaptar al fet de fer-ho amb un noi tan especial com ell, però no volíem deixar de fer-ho.

De fet, com menys quilograms pesava, més quilòmetres vam fer: Canadà, Hawaii...

Un moment clau va ser la famosa sessió fotogràfica de Jordi Ribó que va obrar el miracle de fer córrer el Llullu, i que a l’obra de teatre va encara més enllà. Què va significar per a tu aquesta agradable ficció?

Se’m va acudir al taulell de la llibreria Laie de Barcelona. Anava a pagar uns llibres i vaig trobar una col·lecció de foliscopis que es deia Cine de mano.

Hi havia la bufetada de la Gilda, l’ull tallat d’Un chien andalou de Buñuel... Se’m va acudir que podíem fer un foliscopi que ens permetés veure córrer el Llullu, i vaig trucar a en Jordi aquell mateix dia. Ell va trobar la manera de fer-ho possible. No cal dir que quan el vaig tenir a les mans, perquè això passava un parell d’anys abans de publicar el llibre, em passava hores fullejant-lo per veure’l córrer.

Recordo que, quan vaig llegir el llibre en el seu moment, em va causar una certa incomo-

ditat pel fet de mostrar tan públicament un fet que considerava molt íntim, però amb el temps he après que precisament aquesta exposició pot ser terapèutica. Com va ser la tria a l’hora de narrar unes vivències o unes altres i com es mesura en una balança això per no fer «pornografia sentimental», que sembla que està tant de moda avui dia?

La gestió de la intimitat és molt delicada. Ja he explicat que la manera d’explicar la història del Llullu va venir marcada per un episodi tragicòmic a Gènova. En realitat, és la història d’un ésser que ningú no sap com pensa, potser perquè no té pensament articulat. El seu cervell és un full en blanc, i això fa que la resta siguem mers observadors. No és la història de la «meva» malaltia sinó la d’ell. Nosaltres, al seu voltant, érem actors secundaris. Finalment, la clau és que el Llullu actuava com un mirall per a tothom qui s’hi acostava. Potser quan t’hi vas acostar, en llegir el llibre per primera vegada, et va incomodar el que reflectia.

El Llullu va morir als nou anys: era un fet que t’esperes i a què et vas acostumant, o en algun moment penses que hi pot haver alguna esperança de millora?

Va ser un fet inesperat. Alguns companys de classe del Llullu, que ara tindria dinou anys, encara viuen. La seva malaltia no era degenerativa i, per tant, hauria pogut viure molts anys. L’important era el seu benestar. La qualitat de vida que tingués. Una de les pors era que ens pogués sobreviure, per exemple, tot i que mai no la vam veure a prop perquè va morir molt aviat. Sempre és aviat per morir. De tota manera, encara que ho haguéssim esperat, ningú no et prepara per a la mort d’un fill.

Un amic em va comentar que, quan la seva mare va patir un càncer, van buscar totes les cures i remeis «alternatius» possibles, encara que els haguessin dit de matar una gallina.

Em va semblar absurd en aquell moment,

però ara penso que quan s’esgoten tots els recursos «lògics» i la medicina no pot arribar més enllà, proves el que sigui. Et va passar això en algun moment?

Cert. Els familiars de qualsevol malalt són molt vulnerables, perquè el que més desitges és que deixi d’estar malalt. Totes les esperances, per més vanes que siguin, són sempre benvingudes i cal respectar el desig d’esgotar totes les possibilitats que sovint acompanya la desesperació.

En el nostre cas, tal com apareix al llibre i se subratlla també a l’obra de teatre, en vam provar alguna, com la magnetoteràpia, he de reconèixer que amb més escepticisme per part meva que no pas per part de la Mercè. Hi ha molt de farsant, en aquest àmbit. Cal anar molt en compte, però en darrer terme el meu criteri seria provar tot el que no vagi en contra del que indica la medicina científica.

Escriure llibres, col·laborar en programes de televisió i de ràdio, als diaris... com vas haver

de modificar el teu ritme de feina quan hi havia el Llullu?

Vam adaptar-nos-hi com vam poder. La Mercè va estar de baixa els primers mesos però després es va reincorporar a la seva feina de mestra de preescolar. Jo potser vaig fer més feines des de casa de les que faig ara. De fet, els vuit anys de col·laboració setmanal al programa Divendres de TV3, que em feien viatjar pel país un dia a la setmana, van començar just després de la mort del Llullu.

De fet, més o menys aquest ritme trepidant era el que explicaves a l’obra D’on trec el temps, i fins i tot en vas fer promoció fent les teves activitats professionals habituals des de l’aparador d’una botiga, perquè tothom ho pogués contemplar. Em resulten sorprenents aquestes tècniques de màrqueting, va ser idea teva?

Sí, va ser una idea meva, inspirat en un muntatge teatral que m’havia agradat molt els anys vui-

tanta, L’home urbà d’Albert Vidal, que va muntar una oficina en una instal·lació –buida– per a animals del zoo de Barcelona. Jo soc fill de botiguers, els pares tenien una sabateria a la plaça Virrei Amat, i de ben petit em vaig posar a fer els aparadors, de manera que m’hi havia passat hores i hores, dins de l’aparador. A banda, la propietària de les Metal·listeries Bolíbar és una bona amiga i s’hi va avenir de bon grat.

La teva darrera obra publicada, La novel·la de Sant Jordi, era una obra negra, de misteri, amb els tocs d’humor habituals en la teva narrativa, ambientada en un dia assenyalat i on surten reflectides diverses personalitats del món literari. T’ha creat amics o enemics dins de la professió?

La veritat és que no ho sé. Ja fa molts anys que la majoria dels meus amics no tenen gaire relació amb la professió. No saps mai com cotitza el rabiòmetre, que era com en dèiem abans de Twitter i de tot aquest fenomen tan pornogràfic dels ha-

ters. Cada gremi és igual. Si haguéssim de mesurar la nostra felicitat pel que pensen de nosaltres els altres, malament rai!

Has insinuat que la novel·la tindrà una continuació i que tornarem a tenir l’Oriol Comas com a protagonista. Pots avançar-nos per on aniran els trets?

El proper setembre sortirà el segon lliurament de la sèrie Comas de novel·la negra. De moment, només puc dir que continuem passant-nos-ho molt bé, que creem jocs expressament per a cada novel·la i que, en aquest cas, hi ha una part de l’acció que passa a Lisboa.

Text i fotos: Guillem Medina Localització: Turó Park (Barcelona)

QUI ETS? L’escriptor Màrius Serra s’ha posat el barret de dramaturg per fer realitat un dels seus somnis: convertir la seva novel·la Quiet en una obra de teatre. No en un drama, sinó en un espectacle ple de llum. El director Joan Arqué encapçala un equip artístic que ha donat una nova mirada al text, l’ha allunyat de l’autobiografia i l’ha posat en un context molt més ampli. Sobre l’escenari, el cas particular del Llullu –el fill pluridiscapacitat d’en Màrius Serra que va morir nou mesos després de la publicació del llibre– s’ha convertit en un cas universal.

Encarnant la paternitat hi veurem els actors Roger Julià, Òscar Muñoz i també l’actriu Judit Farrés, que es desdoblen en el narrador omnipresent que un dia va ser en Màrius Serra. Amb ells, la música en directe ha agafat un paper molt important i crea una muntanya russa emocional que tant pot portar l’espectador prop del plor com fer-lo petar de riure al cap d’un moment. El paper del fill, en canvi, no serà interpretat per ningú i alhora serà interpretat per tothom. «El regal més preuat de la seva absència és la seva presència», sentencia Joan Arqué.

Qui ets? vol ser un mirall de la condició humana, una síntesi d'allò que en Màrius Serra experimentava quan passejava amb el seu fill: «Quan anaves darrere la cadira de rodes, tu eres un observador i el Llullu atreia l’atenció de tothom, i el que veies a les cares era por, joia, inquietud, de vegades fàstic...». Una interpel·lació a l’espectador que es demana: qui ets?

Text: Màrius Serra Direcció: Joan Arqué Intèrprets: Judit Farrés, Roger Julià i Òscar Muñoz Escenografia: Roger Orra Vestuari: Rosa Lugo Il·luminació : Sylvia Kuchinow Música i so: Judit Farrés i Roger Julià Direcció tècnica: Xavier Xipell «Xipi» Realització de vídeo: Erol Ileri

JEAN-BAPTISTE MONDINO «La naturaleza humana no acepta el cambio fácilmente. El cambio es perturbador. Por esto a mucha gente no le gusta lo fashion, porque es algo que cambia, que se mueve, a todas horas»

FOTOGRAFÍA

FOTOGRAFÍA

ean-Baptiste Mondino es un músico, fotógrafo de moda y director de vídeos musicales francés –nacido en Aubervilliers en 1949, vive en París–, famoso principalmente por sus videoclips de Madonna, aunque seria muy injusto limitar su talento solo a los trabajos que ha hecho para la diva de la música pop. Inicia su carrera en Londres como pinchadiscos y compositor. En la década de 1970 trabaja como director artístico en la agencia de publicidad francesa Publicis. A comienzos de los ochenta, empezó a diseñar carátulas de álbumes musicales junto a su amigo Gerard Rufin. Más tarde se aproxima al mundo del arte y de la fotografía, trabajando autónomamente como fotógrafo y director de videoclips y anuncios publicitarios. Ha dirigido videos para Madonna, David Bowie, Sting, Chris Isaak y Björk, entre otros. El video de la canción «The Boys of Summer», de Don Henley, fue galardonado con cuatro MTV Video Music Awards en 1985, en las categorías de mejor vídeo, mejor dirección, mejor dirección artística y mejor cinematografía. Sus fotos son publicadas por varias revistas, tales como Vogue, Numéro, The Face, Arena, Vanity Fair o Interview. Ha fotografiado a muchísimas celebridades de la música contemporánea, del cine y de la moda. Además de las editoriales de moda, Mondino ha fotografiado campañas publicitarias para diversas marcas como Kodak, Visa, Peugeot, Citroën y Lavazza, siendo en esta última el encargado del calendario del año 2003. En 1983 lanzó el single La danse des mots, cuyo vídeo dirigió él mismo. Dos años más tarde, publicó el sencillo Petit tout petit con la colaboración de Michel Gay y Jean-Marie Salaun. En 1985 fue nominado al premio César, en la categoría «Mejor película publicitaria», por la campaña para la sopa Chinoise de Maggi. En 1987 recibió el premio 7 d’Or por el comercial de Kodak Les voleurs de couleurs. Dos año más tarde fundó la compañía productora Bandits. En 1995 colaboró con Madonna

J

en su video «Human Nature». En el año 2003, Mondino dirigió el video de la canción «Hollywood», de Madonna. En la obra se recreaban las célebres fotografías del artista francés Guy Bourdin, lo que ocasionó la demanda por plagio del hijo de Bourdin, Samuel, en la que se llegó a un acuerdo extrajudicial.

Ha publicado los libros Déjà vu (1999), Two Much (2003) y, en 2006, Guitar Eros.

«Están los que todavía piensan que las imágenes no deben ser manipuladas, esos fotógrafos deben hacer imágenes “realistas” muy puras.

La naturaleza humana no acepta el cambio fácilmente.

El cambio es perturbador. Por esto a mucha gente no le gusta lo “fashion”, porque es algo que cambia, que se mueve, a todas horas. Así pues, para ellos, es más fácil pegarse al pasado. Especialmente en nuestra cultura.

La cultura europea es la peor, porque el pasado tiene una influencia muy fuerte en nosotros»

TRABAJOS

ICONOS

NAOMI CAMPBELL «La ira es una manifestación de un problema más profundo, y éste, para mí, se basa en la inseguridad, la autoestima y la soledad»

aomi Campbell tiene el mérito de que, aunque no sea la primera modelo negra del mundo, ni la primera en ocupar realmente una portada, al menos fue la primera que dio visibilidad a las chicas de color que hasta el momento parecían marginadas: el caso de Beverly Johnson o Iman eran excepciones a la regla. Nacida en Londres en 1970, tiene orígenes jamaicanos, africanos e incluso chinos. En un principio sus pasos iban encaminados hacia el ballet, pero un día es descubierta por la calle por una cazatalentos de la agencia Elite Model Management y no duda en colgar las zapatillas de baile para calzarse los taconazos de 20 cm y ponerse a desfilar. La suerte de la Campbell es que llegó justo en el momento en que se creó la categoría de las supermodelos, top models o como se las quiera llamar, y junto a Linda Evangelista y Christy Turlington formó lo que se denominó la «Trinidad». En los noventa no había desfile, campaña de moda o videoclip donde no aparecieran. Pudimos verla en el videoclip «Freedom» de George Michael, o en «In the Closet» de Michael Jackson. La chica creyó que también podría hacer carrera en el mundo de la música y en 1994 lanza el disco Baby Woman, que vendió un millón de copias en Japón –donde parece que debe de tener unos fans muy fieles– y fue un total

N

fracaso en el resto del planeta. También probó suerte como escritora –o al menos pusieron su nombre en la portada del libro como si lo hubiese escrito ella– y la novela se llamó Swan. Y también quiso jugar a ser empresaria restauradora abriendo junto con Elle Macpherson y Claudia Schiffer el Fashion Café en Nueva York, a imitación de los famosos Hard Rock Café, pero en esta ocasión colgaban fotos y vestidos usados por las modelos en las paredes. Incluso en Barcelona abrieron uno de esos restaurantes. Al cabo de unos años ya no quedaba ni uno en funcionamiento. La Campbell también ha probado suerte como actriz en films como Frío como el hielo, La noche que nunca tuvimos, Prêt-à-porter, Miami, Girl 6, Acoso a la intimidad, Zoolander 2 o ¡Qué guapa soy!, sin que sus papeles sean nada del otro mundo. Su vida sentimental también ha dado mucho que hablar; en su larga lista de conquistas, reales o inventadas por la prensa, están Robert De Niro, Mike Tyson, Adam Clayton del grupo U2, Sergio Marone, Flavio Briatore, Usher, Terrence Howard, Eric Clapton, Guy Laliberté y Lenny Kravitz, entre otros. Su fuerte carácter –por no decir que es una caprichosa y una maleducada– la ha llevado ser denunciada por malos tratos, como cuando le tiró un móvil a una de sus trabajadoras. En compensación, es muy amiga de Nelson Mandela y del Dalái Lama.

«Mira, tienes que cometer errores.

Así es cómo se aprende y así es como funciona el mundo»

ÂŤTodos tenemos un temperamento.

Un temperamento es una emociĂłnÂť

FASHION WORLD

TCN «A nosotros lo que más nos preocupa es crear una pieza que siga siendo atractiva pero no que necesites leer el nombre en la etiqueta para reconocerla. Esto para nosotros es la prioridad»

otón Comella (Arenys de Mar, 1962) ha estado en contacto con el sector textil desde su infancia, gracias a la relación con el negocio familiar en Saint-Tropez.

Totón empezó a diseñar después de que un empresario del sector la retara a crear una colección de baño. Era 1984 y Comella apostó por la mezcla de lycra y algodón. El éxito de la colección la llevó a crear TCN en un piso de Barcelona. Siete años después, fue la primera diseñadora en conseguir una categoría propia dentro de los desfiles de la Pasarela Gaudí de Barcelona. En 1992 estrena una nueva línea de baño, Choff, y tres años después lanza una línea de lencería, donde la sensualidad será un factor muy presente. Inaugura su primera tienda en 2001, en Barcelona, a la que siguen otras tantas a lo largo del territorio español. Hoy en día, la diseñadora catalana comparte el liderazgo de su compañía con su marido, Josep Maria Donat. Comella ha sido galardonada con numerosas distinciones, entre las que destacan dos premios Laus de publicidad, o el de creatividad otorgado por la FIDEM. También ha

T

colaborado en colecciones de baño de marcas importantes, como Armand Bassi, Pepe Jeans, Prenatal o Victorio & Lucchino. Como ya hemos comentado, en 2001 la marca TCN abre su primera tienda, situada en la ciudad condal, y desde entonces su marca no ha parado de crecer, abriendo numerosos establecimientos en ciudades importantes de la península.

La calidad, la sencillez y la comodidad son los tres elementos que crean su universo y que implanta a sus prendas. Unas características que quedan reflejadas en su encuentro con Generación Natura, donde ha querido exponer su punto de vista sobre el mundo de la moda y la sostenibilidad. Totón ha querido que GN entrara con la cámara en su mundo particular, sus diseños hechos a mano, sus colecciones privadas, sus hilos, estanterías, fotos, las reuniones con su equipo... su mundo, en suma, para sincerarse sobre su apuesta personal con el medio ambiente. Una labor desde las pequeñas cosas de cada día, que intenta desarrollar dentro de su propio hogar.

FASHION WORLD

RUNAWAY SHOW 2019

VIATJANT

PERPINYÀ Fotos: Enric Fontvila

QUÈ HI HEM DE VEURE? * El Castellet El Castellet és l’antiga porta d’entrada al centre històric de Perpinyà i el detall arquitectònic que destaca quan arribes a la ciutat. Sens dubte, serà el nostre punt orientatiu i estratègic. La major part dels hotels queden de portes enfora i el canal que travessa la ciutat hi passa per davant. Un cop traspassat el portal ja sereu al cor de la ciutat.

Aquest edifici de tons vermellosos va ser la primera porta de la ciutat i data del segle XIV. Antigament va funcionar com a presó i avui dia alberga el Museu Català de les Arts i les Tradicions Populars. De nit el veureu il·luminat amb unes curioses llums vermelles i grogues, els colors de la senyera, que donen un toc singular a l’edifici.

* La catedral de Sant Joan Baptista Edificada al començament del segle XIV, aquesta església es va construir en forma de tres naus

que es van acabar remodelant en una de sola durant el segle XV. Es troba a l’extrem d’una de les places més boniques de Perpinyà, la plaça Gambetta, on només hi trobaríem a faltar un cafè amb una bona terrassa per gaudir de la tranquil·litat que ofrereix la plaça, amb una vista immillorable a la bella porta principal de la catedral.

* El palau dels Reis de Mallorca El palau dels Reis de Mallorca ofereix aquella noblesa tan particular que un gran edifici és capaç d’atorgar a una ciutat. El palau és un bon exemple d’arquitectura civil i militar de l’edat mitjana a la Catalunya Nord. Es va aixecar durant el regnat de Jaume II al final del segle XIII i des dels seus jardins obtindrem unes vistes precioses de la ciutat de Perpinyà i del pic nevat del Canigó, a la serralada dels Pirineus. Sens dubte, és un dels llocs més representatius per comprovar in situ el fort vent de tramuntana que assola aquesta regió nordpirinenca.

VIATJANT

* La casa Xanxo

* La plaça de la Llotja

La casa rep el nom del seu primer propietari, en Bernat Xanxo, un ric empresari del sèctor tèxtil que va viure a Perpinyà durant el segle XVI. Es tracta d’un bon exemple de casa gòtica amb tot d’ornamentacions escultòriques a la façana que representen els set pecats capitals l’infern. Avui dia, la casa Xanxo és de propietat municipal i és un bon compendi de la història de l’art en aquesta ciutat. Hi podreu entrar de franc i la trobareu en ple centre de Perpinyà, al carrer de la Mà de Ferro.

Aquesta plaça tan animada és el centre de Perpinyà des de l’edat mitjana. Hi trobarem els tres edificis ja esmentats del palau de la Diputació –l’antiga seu de la de delegació de la Generalitat catalana–, la Casa de la Ciutat i la Llotja.

* La Casa de la Ciutat L’Ajuntament perpinyanès se situa en un edifici representatiu del gòtic civil català, entre l’antic palau de la Diputació –avui part també de l’Ajuntament– i la Llotja de Mar, seu del Consolat de Mar, que governava el comerç marítim d’èpoques pretèrites. L’edifici ha estat objecte de diverses remodelacions, que es poden observar en els diversos estils artístics, des del segle XIII fins al XVII.

* La plaça de la República Si bé el Castellet és la porta d’entrada al cor de Perpinyà, el centre neuràlgic de la ciutat es desenvolupa principalment al voltant de la plaça de la República. Es tracta d’una àmplia plaça amb tot de bars i restaurants on podem gaudir del bon temps prenent-nos una cerveseta en alguna de les terrasses. Durant els caps de setmana hi fan mercat i tot al voltant hi trobareu una bona quantitat de botigues: us hi podeu passar gran part del dia contemplant el quefer d’una ciutat del sud de França que, per la seva predilecció pels espais a l’aire lliure, sembla més a prop dels veïns del sud que no de la metròpolis parisenca.

* El Teatre de l’Arxipèlag Curiosament, i entremig de tota aquesta arquitectura clàssica, podem ensopegar amb un edifici bastant avantguardista que ens pot fer recordar la famosa Cloud Gate de Chicago. Es tracta del Teatre de l’Arxipèlag, on hi destaca un edifici vermellós en forma de mongeta o de dònut gegant sense forat –cadascú hi veu el que vol–, obra del prestigiós arquitecte Jean Nouvel.

* La casa Pams Aquest palauet ostentós del final del segle XIX destaca per les seves luxoses ornamentacions de marbre i or. La casa no és oberta al públic: només es pot visitar durant algunes celebracions, en tours privats o quan s’hi fan portes obertes.

* El cementiri El cementiri perpinyanès, conegut com el Campo Santo, és a quatre passes de la Catedral, en un claustre funerari que es va començar a construir el segle XIV. Hi podem passejar sota els arcs i visitar-ne la petita capella amb vitralls, que són nous, obra de de l’artista nord-americana Shirley Jaffe i del mestre vidrier francès Jean Mauret. El Campo Santo també serveix com a escenari per a grans actuacions com ara concerts i espectacles de renom. Durant la temporada alta, el cementiri està tancat.

LA ENTREVISTA

JANDRO GONZÁLEZ «Somos una sociedad cada vez más egoísta que mira siempre al momento presente y en casos de urgencia al futuro, pero casi nunca al pasado”

LA ENTREVISTA

o conocimos gracias al cómic La vampira de Barcelona, de Norma, realizado junto a Miguel Ángel Parra e Iván Ledesma, pero Jandro González (Valencia, 1985) no se ha dormido en los laureles y ya está trabajando para el mercado francés, a la vez que ha sacado un artbook donde ha recopilado lo bue-no y mejor de su carrera hasta el momento. Es por eso que la ocasión merecía una entrevista para conocer sus próximos proyectos.

L

Hace un tiempo hablamos con motivo de la aparición de La vampira de Barcelona de Norma Cómics realizado con Iván Ledesma y Miguel Angel Parra. ¿Qué balance haces de la repercusión del libro casi un año después?

La verdad es que el balance ha sido muy positivo debido a la buena acogida y los buenos números que ha cosechado el libro. A mí personalmente, me ha dado bastante visibilidad tanto en el mercado español como en el francés. Me ha supuesto un aumento de encargos y una nominación al premio de autor revelación en el 36 Salón del Cómic de Barcelona, que, de alguna manera, también ha reforzado esa visibilidad que comentaba. Estamos muy contentos de cómo ha funcionado La vampira de Barcelona.

Uno de los motivos para sacar este artbook era que la gente no solo te conozca por La vampira, pero ¿qué se podrá encontrar el lector en este libro?

En el artbook no hay más que una selección de todos los trabajos que he realizado desde que me mudé a Barcelona, algunos publicados y otros no, pero todos pertenecientes al mismo período de siete años. Hay encargos editoriales, publicitarios, cartelería, diseño de personajes, colaboraciones en fanzines y otro tipo de ilustraciones. ¿Cuál fue el criterio de selección a la hora de componer el libro y escoger los dibujos?

Bueno, el criterio fue principalmente utilizar ilustraciones de las que me sintiera más o menos orgulloso y que me permitieran mostrar distintas técnicas y materiales sin perder la unidad y la interrelación entre las imágenes. ¿Cómo ha sido la acogida de este libro?

La acogida ha sido buena, la verdad: se trataba de una edición limitada de 50 ejemplares que se ha agotado en poco menos de un mes. Debido a la demanda pondremos en marcha una segunda edición que, esta vez, sí que se podrá encontrar en algunas tiendas especializadas de Barcelona como Norma, Freaks o Gigamesh.

En el libro hay curiosamente muchos dinosaurios. ¿De dónde te viene esta afición?

Si mal no recuerdo, una de las primeras películas, si no la primera, que vi en el cine fue The Land Before Time allá por el año 1989: creo que allí empezó mi afición. Más tarde me arrolló la «dinomanía» con el estreno de Jurassic Park y desde ese momento ya fui fan incondicional, tanto fue así que con 20 años me instalé un par de veranos en Teruel para sacarme una diplomatura en paleontología y los dos años siguientes trabajé de guía en la sala de los dinosaurios de un museo. Creo que desde siempre han estado presentes en mi imaginario.

En estos momentos estás enfrascado en tu siguiente álbum, que aparecerá en el mercado francés para la editorial Glénat. ¿Qué puedes contarnos del argumento?

Pues no puedo comentar casi nada sobre esto, pero bueno, básicamente es una historia que orbita alrededor del partido comunista mexicano en el que militaban Frida Kahlo, Diego Rivera y compañía. ¿Te resulta más fácil trabajar con un guionista que a partir de ideas propias?

La verdad es que en el ámbito profesional siempre he trabajado con guionista, así que no sabría

LA ENTREVISTA

qué contestarte. Claro que he dibujado alguna vez historias y proyectos propios, pero nunca con la finalidad de publicar y vender, así que más adelante si tengo la suerte de poder hacerlo, tal vez pueda comparar. ¿Son muy diferentes las condiciones de trabajo entre España y Francia?

Las condiciones de trabajo entre Francia y España son completamente diferentes: allí gozan de una industria fuerte, aunque en los últimos años las ventas estén en descenso, y eso se nota. A mí me da la sensación de que en Francia son más exigentes, pero también arriesgan más dinero, así que es lógico que lo sean. En España vivir exclusivamente del cómic es una utopía.

Tu estilo es muy francés: de hecho, tu profesor fue Jordi Lafebre, que ahora triunfa en Francia con un estilo de dibujo muy concreto al cual el tuyo podría recordar. ¿Te molesta esta similitud o ha sido algo consciente y buscado?

No me molesta en absoluto. Lafebre fue parte de mi vida en un momento muy concreto y por supuesto que identifico mi trabajo con el suyo, creo que es inevitable quedarte con recursos estilísticos de tus maestros. También noto que puedo tener algo de Paco Roca y mucho también del manga, que durante años fue lo que más consumí. Al final, conscientemente o no, uno es un batiburrillo de todo lo que le ha influido.

Me comentabas que ahora para poder cumplir con los plazos de entrega has cogido una ayudante para colorear tus viñetas. ¿Te da miedo que en algún momento pierdas el punto artesanal para convertirte en una fábrica de cómics?

A día de hoy ya me siento como una fábrica de cómics: en parte, desde Francia nos contratan para ser un poco mano de obra de sus proyectos

y de las historias de sus guionistas. Ojalá en el futuro me pueda permitir volver a hacer las cosas de manera más pausada y artesanal.

En estos momentos combinas tu trabajo con dar clases en la escuela Joso. ¿Con qué tipo de alumnos te estás encontrando?

Bueno, los alumnos son tan variados como tipos de persona hay en el mundo. Normalmente son gente que acaban el bachillerato y viene con las expectativas de poder dedicarse al mundo del cómic, la ilustración y los videojuegos. Suelen conseguirlo los que tienen una actitud más constante y centrada. ¿Qué recomendación principal les darías a los que se quieran dedicar a este mundo?

Pues precisamente lo que comentaba: ser muy constantes y muy pesados, llamar a todas las puertas posibles y trabajar sobre algún proyecto en el que creas y con el que te sientas identificado. Tener formación y buenas bases plásticas siempre ayuda, así que animo a la gente a que estudien. ¿Crees que hay un buen nivel de dibujo aquí en Cataluña?

En Cataluña concretamente hay muy buen nivel: algunos de los mejores dibujantes que trabajan para Francia, Bélgica o Estados Unidos son de aquí, los editores extranjeros lo saben y por eso vienen aquí a buscarlos para que trabajen con ellos. Cataluña posee una gran tradición, no olvidemos que Bruguera estaba aquí, Roger Ibáñez es de aquí. ¡Claro que hay un buen nivel!

Tú eres de Valencia, me comentabas que un buen número de dibujantes que ahora están triunfando han llegado de allí. ¿Es porque es mejor la enseñanza, porque se promueve más el talento artístico o ha sido por pura casualidad?

LA ENTREVISTA

No creo, por los menos en los años en los que yo viví en Valencia, que se promoviera demasiado el talento artístico. En ese sentido en Cataluña nos llevaban ventaja y, en general, no creo que la enseñanza fuese mejor, pero hay una cosa indiscutible: Valencia es tierra de artistas y lo ha sido durante siglos, yo no sé muy bien por qué, pero hay algo en Valencia que hace que la calidad de sus creativos sea increíble, no sé si es por que crecimos viendo monumentos falleros o que la calidad de vida allí es propicia para la creatividad, pero así es, es tierra de músicos, pintores y dibujantes. Además, por lo que tengo entendido, en los últimos años se ha vivido allí un resurgir cultural: un ejemplo es en el ámbito de la ilustración, que ahora mismo vive un momento álgido en Valencia.

Pocos saben que tienes también una nominación a los Goya por un corto de animación.

Cuéntame, ¿cómo fue la experiencia?

Bueno, yo me saqué un título propio en animación stop-motion mientras estudiaba Bellas Artes.

El título concluía con unas prácticas en algún estudio profesional –que en Valencia abundaban– donde te acababas de formar y con suerte terminaban por contratarte: así fue como me ocurrió. Entré a trabajar en Conflictivos Productions del gran Sam Ortiz, que por aquel entonces preparaba su nuevo cortometraje Vicenta; Sam ya había sido nominado a los Goya en otras ocasiones, y esta fue una más de ellas. En realidad, el mérito de la nominación es de su equipo, yo solamente tuve la fortuna de pasar por allí en el momento indicado. Siempre añado este dato en mi biografía porque de alguna manera queda guay, y el propio Sam me ha asegurado que no le importa que lo haga.

También ilustraste dos libros para el escritor Fernando Gómez: Secretos de Barcelona y Memorias de Barcelona. ¿Cómo surgió esta oportunidad?

A Fernando lo conocía por su colaboración con el programa Cuarto milenio y sobre todo por su libro El misterio de la calle Poniente, que narra la historia de Enriqueta Martí: fue uno de los libros que más me ayudaron a documentarme cuando me empecé a interesar por hacer un cómic y a estructurarme los hechos de una manera inteligible en la cabeza. Tuve la suerte de conocerlo en persona un día que me entrevistaban en Rac1 y desde ese momento surgió una gran amistad: fue una de las primeras personas que confió en mí para que hiciera los trabajos de ilustración en un libro y me propuso un tema que los dos amábamos, la Barcelona antigua. La primera parte, Secretos de Barcelona, funcionó muy bien y por eso nos pusimos a trabajar en Memorias de Barcelona, una segunda parte que, a día de hoy, sigue teniendo algunas de las que considero mis mejores ilustraciones. ¿Cómo te enfrentas al proceso de empaparte de referencias cuando preparas un libro? ¿Crees que la gente de tu edad desconoce muchas cosas y hechos del pasado que deberían tener en cuenta en este sentido?

Siempre lo digo: la documentación es uno de los momentos más felices para mí en mi trabajo, si por mi fuese solo me documentaría y no dibujaría. Es el momento en el que descubres cosas nuevas, lees, te culturizas, atas cabos y ves la historia y sus sucesos con perspectiva. A mí me encanta perderme en hemerotecas y archivos históricos, así como visitar los lugares reales que voy a plasmar luego en las historias. No creo que la gente de mi edad desconozca demasiadas cosas, pero sí que veo que el pasado interesa cada vez menos, sobre todo a los más jóvenes. Somos una sociedad cada vez más egoísta que mira siempre al momento presente y en casos de urgencia al futuro, pero casi nunca al pasado.

Pienso que en conocer el pasado están las claves de lo que hemos sido, de dónde venimos y de qué fallos no debemos volver a cometer.

¿Qué ilustradores admiras?

Me gusta mucho Pierre Alary, Liz Climo, Laura Pérez, Ricard Efa, Josep Homs, Mike Mignola, Sergio Mora, Natacha Bustos, Juanjo Guarnido, Belén Ortega, Carla Fuentes, Maria Herreros, Akira Toriyama... Podría seguir hasta mañana, ¡la lista es interminable! ¿Habrá nuevo proyecto con Norma y con el equipo que hicisteis La vampira?

No me cierro nunca a nada. ¡Tal vez!

Texto y fotos: Guillem Medina

LA ENTREVISTA

EL PAPUS

Revista satírica y neurasténica

MAGAZINE

quell diabló negre, obès, lleig i somrient, que mostrava la seva espectacular dentadura a la portada del número 1, ja era un símptoma de les dentegades crítiques que donaria la revista. Era la mascota –creada per Joan Barjau– d’El Papus, la «revista satírica y neurasténica» que marcaria un punt i a part en l’humor gràfic crític a Espanya. El Papus va aparèixer el 20 d’octubre de 1973, inspirada, per un costat, per l’èxit d’una altra revista satírica, Barrabás, concentrada en els esports, i, per un altre, en la filosofia mordaç de publicacions franceses com Hara-Kiri i Charlie Hebdo i alguns dels seus autors de referència, com Wolinski o Reiser.

A

El Papus es va posar en marxa comandat per la mateixa editorial i equip directiu de Barrabás –Elf Ediciones, Xavier de Echarri, Óscar i Ivà–, amb una tirada de 100.000 exemplars, fins que, a partir del número 45 (1974), la capçalera va passar a ser editada per Ediciones Amaika. El Papus és història viva de la Transició democràtica espanyola, un referent tant pel seu contingut periodístic com per la contundència de la seva crítica social, cultural i política del país durant els anys setanta i vuitanta. Espanya es transformava a ulls vista molt ràpidament i El Papus exercia de notari d’aquells canvis. Provocadora, estripadora i càustica, la revista arremetia contra l’església, els polítics, el cinema, la televisió i els costums de l’època en una barreja entre crítica costumista i social. En el seu si es van donar cita periodistes i humoristes joves d’una generació que agafava el toro per les banyes per denunciar les misèries del país, com Joan de Sagarra, Maruja Torres, Carlos Giménez, Jaume Figueras, Claudio Montaña, Julián Guardiola, etc. El Papus també va introduir des del principi l’element eròtic en el seu contin-

gut, present tant a les seves portades, tires, acudits i historietes com en la famosa secció «La Papunovela», una fotonovel·la de trets paròdics. El seu esperit demolidor i iconoclasta li va costar diverses sancions administratives, suspensions temporals i vora 200 judicis. El 20 de setembre de 1977, la redacció d’El Papus va patir un salvatge atemptat amb bomba reivindicat pel grup d’extrema dreta La Triple A, que li va costar la vida a Juan Peñalver, el porter de la finca, i va produir ferides a disset col·laboradors del setmanari. Com a resposta, setanta-tres editorials es van unir per publicar el llibre Solidaridad con El Papus, en què van col·laborar més de 100 periodistes, guionistes, dibuixants i humoristes. Aquest atemptat va ser analitzat en el documental El Papus, anatomía de un atentado, dirigit per David Fernández de Castro l’any 2010. El Papus va guanyar el premi a la millor revista internacional al Saló del Còmic de Lucca (Itàlia) l’any 1978. Va ser la revista satírica més important dels anys setanta, i un referent per a futures capçaleres humorístiques.

El 1981, Ediciones Amaika va publicar Colección El Papus: deu llibres que recopilaven material de col·laboradors de la revista com Killian, Ventura i Nieto, Adolfo Usero, Joma, Óscar, Ja, Ivà, Gin, Manel Ferrer o Vázquez. El 1984, alguns dels col·laboradors d’El Papus van fundar la revista El Pupas, publicada per Ediciones Cumbre, i el 1985 El Pulpo, també editada per Cumbre; entre totes dues no se’n van publicar més de tretze números.

L’any 2013, a la web www.elpapus.es, es va publicar un número especial en homenatge al 40 aniversari de la revista, amb textos, fotografies, acudits i historietes noves i d’altres de reeditades per a l’ocasió.La revista es no va deixar d'editar fins al 1987, quan les vendes havien baixat molt. És, en certa manera, la instigadora d'El Jueves.

MUSEU

MUSEU FREDERIC MARÈS

Es compleixen 70 anys de la creació d’aquest museu particular, ple d’objectes de tota mena que l’escultor Frederic Marès va col·leccionar al llarg de la seva vida

MUSEU

na mica amagat en ple Barri Gòtic de Barcelona, al costat mateix de la Catedral i darrere la plaça del Rei, hi trobem un museu singular. La idea del museu va néixer el 1944, quan l’escultor Frederic Marès (Portbou, 1893 – Barcelona, 1991) va fer una exposició de gran part de la seva col·lecció a la seu de l'actual Arxiu Històric de la Ciutat de Barcelona. La mostra incloïa diversos objectes, com ara llibres incunables o mostres d’escultures medievals. Marès va prometre llavors donar la seva col·lecció a la ciutat.

En aquell moment, Frederic Marès tenia cinquanta-un anys. El 1946 es va inaugurar la primera seu del museu, instal·lat al primer pis d’un edifici del carrer dels Comtes de Barcelona.

U

El museu va ser inaugurat de forma oficial el 1948, inicialment constava només de quatre sales i estava situat en una part de l'antic Palau Reial dels comtes de Barcelona, al cor del Barri Gòtic. Marès no va abandonar mai la seva passió pel col·leccionisme i l’edifici s’amplià amb noves sales fins al 1970, any en què el museu adquireix el seu volum actual. A partir del moment en què el Museu ja no es pot engrandir més per manca d’espai, Marès inicia una política que podríem anomenar descentralitzadora. Fa donacions a altres museus o bé en crea de nous.

Entre les donacions, cal considerar les que fa al Museu de l’Empordà de Figueres, al Museu d’Història de Sabadell i al Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid. I, pel que fa a la creació de nous centres museogràfics, s’han d’esmentar el Museu Frederic Marès de Montblanc, el Museu d’Arenys de Mar i el Museu del Llibre Frederic Marès, a la Biblioteca de Catalunya de Barcelona. El 1997, s’elaborà des del mateix Museu un projecte museogràfic per adequar-lo a les necessitats del segle XXI. Les obres de la primera fase de remodelatge, que afectaren la planta baixa destinada a l’escultura i comportaren l’obertura d’una sala d’exposicions temporals fins aleshores inexistent,

s’inauguraren l’abril del 1999. Durant la segona fase, finalitzada el 2001, es va remodelar la sala d’escultura en pedra, situada a la planta soterrània. En la tercera fase d’aquest projecte museogràfic, finalitzada l'any 2011, es remodelà la planta primera, tot completant la presentació de les col·leccions d’escultura i els principals elements arquitectònics de connexió entre les diferents plantes del Museu.

L’Ajuntament de Barcelona, recollint la voluntat de Marès, acordà crear el Museu i emplaçar-lo al Barri Gòtic. El 1946 se n’obria la primera sala i el 1948 s’inaugurava el centre oficialment. El Museu es disposà aprofitant una sèrie d'edificis que ocupaven una part dels espais del que havia estat el Palau Reial Major, seu dels comtes de Barcelona i reis de la Corona catalanoaragonesa a l'època medieval. La restauració en clau medieval d’algunes de les dependències del nou centre museogràfic, coincidint amb les campanyes de rehabilitació del Barri Gòtic, dotaren les col·leccions d’un entorn particular. Actualment s’accedeix al Museu pel pati, el jardí de l’esmentat Palau Reial Major, des de la plaça de Sant Iu, al costat de la Catedral. Un cop obert el Museu, Frederic Marès no abandona la passió per col·leccionar i continua adquirint peces que li permeten augmentar i arrodonir col·leccions ja exposades, o bé iniciar-ne de noves. Aquest fet, juntament amb les donacions de particulars o d’institucions públiques o privades, obliga a dur a terme diverses ampliacions de l’edifici. A les acaballes del 1948 va tenir lloc la inauguració oficial de quatre sales que ocupaven el primer edifici, al qual s’entrava pel carrer dels Comtes de Barcelona. Les obres d’ampliació i de condicionament van continuar fins al 1970, any en què el Museu adquireix el volum arquitectònic actual. Durant les obres d’ampliació del museu es va recuperar part de la muralla de Barcelona, en concret la Torre Diana.

Podeu consultar més informació sobre el museu al seu web: http://www.museumares.bcn.cat/

MUSEU

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CURIOSITATS BCN

SATURNO PARK (1911-1926) l 28 de juliol de 1910, l’empresari Ramon Bargués i Bargués, juntament amb dos socis, els senyors Prades i Vázquez, aconseguí de l’Ajuntament de Barcelona la concessió per instal·lar i explotar un parc d’atraccions a la plaça d’Armes del parc de la Ciutadella, espai públic que havia acollit la part més substancial de l’Exposició Universal de 1888. De seguida s’alçaren veus que la concessió no havia estat acordada pel ple municipal, sinó decidida arbitràriament pels regidors del lerrouxista Partit Radical, que disposaven de majoria absoluta al consistori i maniobraven al seu gust. El període era caracteritzat per tot un seguit d’escandaloses corrupteles, vinculades majoritàriament a la concessió de privilegis a personatges afins. L’11 de maig de 1911, els regidors radicals es limitaren a refermar la validesa de la concessió, mentre al parc les obres avançaven a un ritme frenètic.

E

Deu dies després, tot era llest per obrir les portes del rutilant establiment, que fou batejat com a Saturno Park. El nom era una derivació de l’emblemàtic Luna Park, el primer parc d’atraccions modern, obert el 1903 a Coney Island (Brooklyn, Nova York). Amb una inigualable col·lecció de ginys mecànics i una decoració enlluernadora, el Luna Park novaiorquès esdevingué l’exemple a seguir arreu del món, de manera que alguns parcs van adoptar-ne directament el nom –com a París i Sydney–, mentre que altres van triar variants que, a més del terme anglès park, inclo-

guessin alguna paraula que en suggerís la relació. En tractar-se d’un cos celest, Saturno Park resultava idoni, tot i que generalment apareixia escrit com a Saturno Parque, fins i tot en els anuncis de la mateixa empresa.

El Saturno Park fou inaugurat la nit del dimecres 24 de maig de 1911, acte en què van participar muchas distinguidas familias, concejales, diputados y periodistas, siendo después obsequiados con un espléndido «lunch», segons informava La Vanguardia dos dies després. Sempre disposats a fer barrila, també hi assistiren els redactors del setmanari satíric Papitu, experiència que seria recollida en l’edició del 31 de maig:

El dimecres varem anar a una cosa que han instalat al Park, y que s’en diu a can Saturn, y aont llògicament se faràn saturnals, del que’ns felicitem. De moment el que s’hi fa son tombarelles, relliscades y caigudes. Ademés, s’hi poden tirar pilotes a uns ninots y divertirse amb altres coses per l’istil. El «menú» fou ben servit.

La referència a les saturnals –orgies que els romans celebraven en honor del déu Saturn– era inevitable, tenint en compte el nom de l’establiment, la situació política i el caràcter de la publicació. La inauguració resultà lluïda i l’èxit de públic molt remarcable, però res d’això féu minvar la polèmica. Els regidors de l’oposició –republicans i regionalistes– seguiren amb l’exigència d’explicacions, més encara després de comprovar que el recinte havia estat completament envoltat per una tanca, que es feien pagar deu cèntims per entrar-hi i que no es respectaven els horaris.

El 13 de juny hi hagué una sessió moguda al consistori barceloní, quan diversos regidors de l’oposició presentaren una proposta per depurar

responsabilitats respecte de la concessió del parc, proposta que fou rebutjada per vint-i-tres vots a deu. Aquest resultat donà peu a noves queixes, aquest cop dels empresaris teatrals, que se sentien perjudicats, i també a moltes sol·licituds d’obertura de negocis a la Ciutadella, sistemàticament denegades. El setmanari satíric ¡Cu-Cut! reflectí aquesta situació i en delatà el responsable, conegut de tothom, en la seva edició del 28 de juny: Lo del Saturno Parque, segueix donant joch.

Cada día plouen noves peticions a l’Ajuntament demanant permisos pera establir en el Parch tota mena d’instalacions: l’un demana posarni una botiga de quincaller, un altre un estanch, un altre una carbonería, etc., etc.

Però tot això no’ls amohina gaire als fresquíssims radicals, perque denegant els permisos estàn llestos.

Lo que’ls mareja es un ofici d’un senyor que’s diu Joan Mestres, el qual, en nom dels empresaris de cines y teatres, demana copia certificada de l’acort municipal que autorisa a l’amo de les atraccions del Parch pera tancar la

plassa d’Armes y fer pagar 10 cèntims d’entrada.

Com que aquest acort no existeix, els dependents del municipi no saben com ferho pera lliurar el certificat que’s demana.

Si’m volen creure a mi, que li donguin copia certificada de certes cartes enviades pel «caudillo» als seus prohoms de l’Ajuntament, y’s veurà que l’autorisació es ferma. ¡Com que va firmada pel mateix «D. Alejandro»!

Sota la protecció del cap suprem dels radicals, el demagog Alejandro Lerroux, el màxim que s’aconseguí fou una revisió de la concessió, per incrementar la contribució a cinquanta pessetes diàries, a més de la tercera part dels beneficis.

També quedà prohibit el subarrendament d’espais sense el consentiment de l’Ajuntament i foren detallades les atraccions autoritzades.

D’entre les proposades, només en foren prohibides dues, el Juego Marítimo i la Tómbola, perquè s’hi jugaven diners. D’aquesta manera, les autoritats municipals consideraren que el parc quedava perfectament legalitzat i podien seguir amb normalitat les seves activitats.

Anem, doncs, al Saturno Park. Com ja s’ha dit, era situat a la plaça d’Armes del parc de la Ciutadella, davant l’edifici de l’antic Arsenal, en el sector confrontat amb el Parc Zoològic, fundat el 1892 a partir d’una col·lecció d’animals que l’empresari arruïnat Lluís Martí i Codolar tenia en una finca d’Horta.

Tot el recinte del parc d’atraccions fou delimitat per una tanca, des d’on els curiosos que no volien –o no podien– pagar els deu cèntims provaven d’entreveure’n l’interior.

A l’estiu s’hi feien dues sessions: una de les tres a les vuit de la tarda i una altra de les nou del vespre a la una de la matinada, fet que permetia buidar el recinte i obligava a tornar a pagar si l’usuari volia allargar la visita. A la tardor, l’activitat quedava reduïda solament a l’horari de tarda.

Després de passar per taquilla i travessar l’entrada, el visitant es trobava amb un parterre amb pretensions artístiques i, darrere mateix, el cafè, amb les taules arrenglerades sota un co-

bert sostingut per columnes. L’establiment també comptava amb un teatre, un escenari a l’aire lliure i dos quioscos, un per a la venda de dolços i l’altre de diaris i tabac. Les atraccions més convencionals consistien en una pista de patinatge –Patines Siglo XX– i uns cavallets –Carroussel Eléctrico Circular–, a més dels habituals salons de tir i diverses instal·lacions menors. Però el que realment li atorgava la condició de parc americà era un conjunt format per tres grans estructures provinents de l’Exposició Regional de València de 1909. La primera i la més espectacular eren Los Urales, unes muntanyes russes que, segons asseguraven, eren les més grans d’Europa. A les pàgines del Papitu eren descrites de la manera següent: A dintre’l Park uns simpàtics senyors hi han aixecat uns soports; per sobre els soports hi han extès plataformes desnivellades; per sobre les plataformes víes y per sobre les víes hi fan correr vagonetes elèctriques. D’això se’n diu montanyes russes y sino Urals, que a la cap y a la fi també són montanyes russes riques en mines de platí, or y pedrería.

El recorregut dels Urals era relativament senzill, amb diverses baixades i pujades, una de les quals coberta per un túnel –decorat com si fos un drac– per tal d’intensificar, amb la foscor, la sensació de vertigen. A les vagonetes, amb capacitat per a vuit persones, s’hi accedia des del punt més alt d’una gran torre equipada amb ascensor.

A l’interior de l’òval format per les muntanyes russes, era emplaçada la segona atracció destacada, anomenada Water Chute –tobogan d’aigua–, presentada com a lanzamiento al agua, el deporte más moderno y de mayor éxito. Es tractava d’una rampa molt pronunciada, disposada des de la part intermèdia de la mateixa torre de les muntanyes russes, fins a una piscina situada a l’altre extrem. Només calia pujar en una vagoneta amb forma de barca i deixar-se caure a tota velocitat fins l’aigua. Aquest tipus d’atracció, d’origen americà, havia aparegut per primer cop a Europa amb motiu de l’Exposició de Milà de 1894.

En aquella ocasió, La Vanguardia en féu una explicació molt acurada:

Consisten en un plano inclinado de quince grados, setenta metros de largo y cinco y medio de ancho, en el cual se apoyan unos carriles ó «rieles», continuados dentro de un estanque ó lago de sesenta metros de largo por veinte y ocho de ancho.

Se asciende á la plataforma colocada en la parte superior del plano inclinado, á diez y siete metros de altura, por un ascensor sistema Stigler ó por una rampa paralela al expresado plano; se colocan los «dilettanti» ó curiosos en la barquilla, donde pueden ir seis personas y el barquillero, y... ¡al agua patos! Cuando llega la barquilla á la superficie del agua, se oye generalmente un grito de espanto y se vé levantar una columna del líquido elemento que solamente salpica el rostro y vestidos de los atrevidos «sportmen».

Luego la barquilla continúa por el lago con gran velocidad inicial, que va perdiendo lentamente, y se dirige á la escalerilla desembarcadero, de donde salen los viajeros alegres, riendo y enjuagándose las gotas de agua que han refrescado su rostro.

La barquilla sube por un ascensor... y vuelta á empezar.

Atraccions tan espectaculars com aquesta s’havien fet esperar, però el 1911 n’aparegueren dues: la que ens ocupa i la del Casino de l’Arrabassada, que obriria pocs mesos després. Potser per aquesta coincidència, aquesta atracció seria aviat eliminada i substituïda per una altra de més moderna.

Ben a la vora de totes dues instal·lacions, destacava encara la tercera gran atracció, el Tobogan, una torre cilíndrica també provista d’ascensor, d’on descendien tres canals entrellaçats, amb múltiples girs i baixades pronunciades. Aquestes tres atraccions –qualificades d’sports moderns–, a més de la gran terrassa del cafè, constituïen el nucli central del complex, sempre acompanyat de les incessants marxes militars, la cridòria, els xiscles i l’animació.

El lema elegit per l’establiment –lloc de reunió del món elegant–, però, sembla que no s’ajustava gaire a la realitat. Segons tots els indicis, inicialment el Saturno fou ben acollit per la burgesia, però la seva situació, tan propera a la ciutat vella, el féu particularment atractiu entre la nom-

CURIOSITATS BCN brosa menestralia de la ciutat, que no sempre es comportava com alguns haurien desitjat. S’hi referia Joan Taxidó a La Vanguardia, quan el 7 d’agost de 1911 cridava l’atenció sobre l’estat de la neteja del recinte, que brilla por su ausencia, i la pràctica d’utilizar los antes dichos parterres para llevarse la «cena» algunas familias y acostarse en tierra como si fuera en la montaña. ¡Qué instantánea para un extranjero! Era el vell costum de la fontada –pícnic, en diríem ara–, fortament arrelat entre les classes populars, traslladat al centre de la ciutat.

Més comprensiu es mostrà el corresponsal del Papitu un mes abans, el 7 de juny de 1911, en fer la següent descripció: Ara la vida ens ve per el Parc, amb això que diuen, ignorem perquè, «Saturno-Parque». Hi van els burgesos, les burgeses, les cocottes, els «corridos», y les criatures. Que un puja als Urals? Un ja sent a una senyora que diu: «Tantes baixades, me fan mal». Que s’agafa la barca aquella tan engrescadora? Doncs un bon senyor se queixa de lo mateix: «An a mí, aqueixes baixades tan ràpides, m’emocionen massa». Que anem al tir? Sentim, immediatament: «Jo n’he colocades quatre. Jo cinc. Jo –pobret!– cap».

Fins hi ha un Cabaret de la Mort, en el qual, per 30 cèntims, un se torna calavera. No hi ha més que una cosa, que vagi malament, que es el Tobogan. Com que s’ensenyen les soles de les sabates y un té de portarles sense foradar, perque si no la gent se n’adona y fan vistes.

Per cert, que corrido era la denominació popular del barrilaire, el que fa gresca i xerinola sense mirar prim, mentre que el terme francès cocotte, més conegut, vol dir literalment prostituta, encara que es refereix més aviat a noies alegres i despreocupades.

El panorama descrit, doncs, dibuixa un indret interclassista, amb l’única exclusió de l’alta burgesia i l’aristocràcia, que ja disposaven de prou oferta.

Trist final Rere l’afany de rendibilitzar la inversió, el 1917 l’empresa explotadora de les atraccions arribà a l’extrem d’eliminar els bancs públics del recinte, per tal d’estimular la visita al cafè, i d’instal·lar anuncis lluminosos a la cascada, iniciatives que causaren reaccions irades entre el públic i la reprovació municipal. També era molt deficient la neteja i conservació dels jardins i altres elements inclosos dins de la seva àrea de concessió, especialment del llac i la cascada, serveis a què estava obligada l’empresa segons l’acord establert amb el municipi.

Es provà fortuna amb noves atraccions, com l’Ola Giratoria, però el 1918 els fou denegat el permís d’instal·lació de noves atraccions, alhora que les relacions amb l’Ajuntament es deterioraven a mesura que passaven les temporades. L’octubre de 1923 el consistori decidí imposar la màxima multa possible a la Sociedad de Recreos y Atracciones, per incompliment reiterat i greu de les condicions de la contrata. El 1925 se’ls féu retirar les Grutas Misteriosas que havien col·locat dins de l’estructura de la cascada, on hi havia d’anar un aquàrium municipal.

Al començament de 1926, el deteriorament de les instal·lacions era de tal magnitud que l’Ajuntament amenaçà de tancar el parc d’atraccions si els propietaris es negaven a fer-ne les obres necessàries de manteniment, reparació i repintat, alhora que advertia de l’incompliment en qüestions com ara la seguretat nocturna i la conservació de l’enjardinat. El juny, el gerent de l’empresa explotadora intentà un nou acord, però ja no hi hauria més pròrrogues ni concessions.

En vistes al gran esdeveniment que s’aproximava, l’Exposició Internacional de 1929, l’Ajuntament havia decidit reformar el parc de la Ciutadella i convertir-lo en un gran jardí urbà, projecte que encarregà a Nicolau Maria Rubió i Tudurí, deixeble avantatjat de Jean-Claude Nicolas Forestier, autor dels jardins de la plaça d’Armes

inaugurats el 1916. El parc d’atraccions s’havia convertit, simplement, en una nosa, un anacronisme que calia ser eliminat.

Acabada la temporada d’estiu de 1926, el Saturno Park tancà les portes per no tornar a obrirles mai més.

El 16 d’abril de 1927 fou inaugurada la reforma del Parc de la Ciutadella, amb la inclusió del Parc Zoològic i la configuració que bàsicament encara conserva. L’única construcció supervivent del parc d’atraccions, el Gran Casino, fou enderrocada el 1964.

Ròmul Brotons Extret de Parcs d’atraccions de Barcelona: Des de 1853 a l’actualitat. Enllaç fitxa del llibre: https://albertieditor.cat/index.php?route= product/product&path=89

TELEVISIÓN

por Miguel Ángel Parra

Entrevista a Lolo Rico, directora de «La bola de cristal» an pasado treinta y cinco años desde el estreno en televisión de La bola de cristal, programa mítico que marcó a toda una generación de pequeños y jóvenes espectadores. Su creadora y directora, Lolo Rico, fallecida el pasado veinte de enero, empezó su carrera en el mundo artístico escribiendo cuentos infantiles y trabajando en Radio Nacional de España y Televisión Española, cadena para la que escribe los guiones de La casa del reloj y Un globo, dos globos, tres globos.

H

En 1981, tres años antes de la llegada de La bola de cristal, se convierte en la primera mujer que dirige un programa en TVE gracias a La cometa blanca, espacio que da inicio a una larga y premiada trayectoria que intentaremos descubrir en la siguiente entrevista, una de las últimas concedidas por la realizadora.

Al contemplar a la generación de jóvenes que creció con tus programas, ¿tienes la sensación de haber fallado en tu intento o crees que aún hay esperanza?

Cuando miro a los jóvenes me siento muy orgullosa y segura de que hay esperanza y estoy convencida de que todos estos jóvenes van a cambiar el mundo. El otro día un chaval de unos veinte años, que no podía haber visto La bola de cristal, asomó la cabeza por la ventanilla de su taxi y me dijo: «¡Ánimo, Lolo, que tenemos que evitar la Tercera Guerra Mundial!» Y yo comprendí que lo estaba diciendo en serio. Yo animo a todos aquellos con los que hablo, vivo, veo, siento… y quiero, que se sientan tan orgullosos de sí mismos como yo me siento de ellos. ¿Qué opinión crees que tendrán las nuevas generaciones al ver La bola de cristal en DVD o por Internet?

Actualmente hay niños de cinco, de diez, de quince años que les gusta el programa y que piden que les pongan el disco de La bola de cristal cuando van en el coche con sus padres. No puedo saber hasta qué punto están influidos por un padre, por una madre o por un hermano mayor… pero yo pienso que sigue siendo insólito: esos muñecos tan malos, esa bruja tan horrible pero tan próxima, Alaska; Pedro [Reyes], Pablo [Carbonell]... Los contenidos creo que siguen siendo muy raros por lo inhabituales y eso les gusta a los niños. ¿El libro de La bola de cristal surgió por necesidad, por nostalgia o a raíz del aniversario del programa?

Por necesidad, pero por necesidad de unas generaciones que lo requerían y que lo pedían. Esa necesidad la recogió meses antes de la publicación la exposición del programa que hizo la Universidad de Alcalá de Henares… y meses después la que se hizo en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Supongo que también habrá un porcentaje de nostalgia, pero lo del aniversario yo creo que no influyó, por lo menos en un principio, porque faltaba más de un año.

La primera tirada se agotó en veinticuatro horas y poco después se vendieron más de 30.000 ejemplares. ¿Esperabas está reacción de tus espectadores veinte años después?

Esperaba que tuvieran interés por tener un libro que hablara de La bola de cristal, que tuvieran interés por recuperar canciones en un disco, pero lo que no esperaba era toda esta onda de comunicación y de cariño que recibí, eso no lo esperaba y me parece un milagro, un milagro que agradezco mucho.

Jim Henson, el creador los famosos Teleñecos, reconoció que le hubiera gustado crear un programa como el tuyo. ¿Qué fórmula se-

TELEVISIÓN creta tenía La bola de cristal que no tuvieran los demás programas?

Fórmula, ninguna: lo que le llamó la atención y lo que le gustó fue la idea de los duendes de la electrónica. Cuando yo le conté el programa en Múnich, después de una de sus clases, él me dijo: «What a pity, what a pity...» y yo le pregunté que por qué lo decía y me contestó que porque le hubiera gustado inventarlo a él. Posiblemente solo fuera una broma amable, pero a mí me hizo mucha ilusión. ¿Era un programa político para niños o un programa con libertad de expresión para todos?

Era un programa político para niños, era un programa con libertad de expresión para todos y era un programa de niños para políticos. ¿Conservas algún fetiche del programa en tu casa?

El más importante de todos: la bola de cristal que me regaló Televisión Española.

Tu hijo, Santiago Alba, dijo muy acertadamente que La bola de cristal nació en la edad moderna para anunciar la edad de piedra. ¿Qué crees que hemos hecho mal para que nuestro país se haya convertido en una mala parodia de la República Electrovoltaica de Tetrodia?

Supongo que hacer caso a la Bruja Avería, que, actualmente, se esconde más viva que nunca bajo sombreros tejanos, bigotes, televisiones privadas... utiliza muchos disfraces y tiene muchos amigos. Está rodeada de amigos, apoyada, protegida, y así va el mundo bajo su férrea dirección al mando de los Estados Fundidos de Anódica.

En la última década, a Amperio Felón le han salido duros competidores con ministros que hablan de «hilillos de plastilina sin importancia» o gobiernos que destruyen países buscando armas de destrucción masiva inexistentes. ¿La realidad supera siempre a la ficción?

Sí, la realidad supera a la ficción, pero Amperio Felón sigue estando presente en todo ello, junto a Avería y sus amigos, y sigue obteniendo sus beneficios. En realidad el que manda es Amperio Felón. ¿Alguna vez has tenido la sensación de pertenecer a algún tipo de lista negra del medio audiovisual? ¿La sensación? He tenido la certeza. ¿Crees que programas como Los Simpson han cogido el testigo de tu programa o piensas que realmente detrás de ellos se esconde un trasfondo moralista que los convierte en todo lo contrario?

Se esconde un trasfondo moralista que los convierte en lo contrario. Con todo lo que aparenta, es un canto a la familia y el padre es el típico padre «tonto-listo», pero sin embargo el programa está bien hecho, es muy bueno y tiene unos estupendos guiones. ¿Crees que otros, como Los Teletubbies, tratan con respeto a los niños?

A mí no me interesan nada Los Teletubbies y lo que no interesa a un adulto tampoco interesa a los niños. ¿Qué programas actuales dirigidos a un público más o menos joven crees realmente dignos?

Dirigidos a un público joven no conozco ninguno, no hay ningún programa infantil o juvenil en las televisiones de ámbito estatal… así que, dirigido a jóvenes y que además sea un programa que tenga cierta dignidad, no conozco ninguno.

A principios de los noventa intentaste recuperar el espíritu de La bola por un breve periodo de tiempo con un programa de similares características. ¿Qué ocurrió con él?

Cuando dirigí el área de programas infantiles y juveniles de Televisión Española de 1991 a 1992, hice una programación completa. La base de este era un programa que se llamaba Pasando, en el que antes había un pequeño espacio dedi-

TELEVISIÓN

cado a Los Bus, unas marionetas con un espíritu muy diferente al de Los Electroduendes. No eran brujas, no eran hadas, no pertenecían al mundo de la electrónica, no se sabía qué eran exactamente. Los Bus eran una especie de animalitos con ciertas características que los hacían especiales: uno se comía los sonidos, otro las palabras... no lo recuerdo muy bien. El programa no es que durara poco; la que duró poco fui yo dirigiendo el área. Estuve tan solo ocho meses y eso que tardamos seis o siete en hacer la programación, pero cuando me fui se acabó. Los Bus no sé si hubieran dado resultado o no, quizá hubieran llegado a darlo con un poco de tiempo, porque los niños, y ese sí que era un programa infantil, se tienen que acostumbrar a la presencia, a la manera de hablar, a las voces, y no dio tiempo. Pasando era un buen programa, aunque a nadie le gustaba... de la dirección, claro. Me dijeron que tendría toda la libertad y que iba a

tener seis meses de emisión para enseñar otros hábitos diferentes de los que los niños tenían en esos momentos, acostumbrados a ver aquellas «cosas» que las privadas les daban. Pero como no me dieron ni los seis meses, ni la libertad, me marché.

Dos libros que te fascinaron de niña son Hija de la China y La familia de los Robinsones suizos. ¿Qué libros te fascinan ahora?

En mi niñez me fascinó también El viento en los sauces, era mi libro favorito y casi sigue siéndolo. En estos momentos mis autores favoritos actuales son John Berger, me encanta Peter Handke, soy una gran apasionada de Roland Barthes y me interesa profundamente Hannah Arendt, como mujer y como autora, es a la que más releo. También me gusta leer teatro y estoy esperando como loca a que editen unas obritas de Peter Handke inéditas.

¿Qué opinión tienes del fenómeno Harry Potter?

Creo que son buenos libros. Se puso de moda leerlos, y ahora, por ser más papista que el papa, se ha puesto de moda decir que son malos y eso no es cierto. Conjugan dos cosas que a mí me parecen muy importantes, que son el cuento de hadas clásico y la tradición educativa en Inglaterra que se mantiene hasta nuestros días, fundiendo lo más tradicional del cuento popular con la vida moderna. Es un cuento de hadas de hoy y eso no tiene precedentes, no hay otro cuento de hadas de hoy que yo conozca. Por otra parte están bien escritos, correctamente escritos. No peor que la mayoría de los libros infantiles que hay en el mercado actual, salvo algunas excepciones, que las hay y muy positivas; de ellas quiero escribir un pequeño libro. De autores para adultos que escriben para niños, actualmente hay una docena de libros fantásticos. Pero Harry Potter tiene una cosa estupenda y es que aficiona a la lectura. El niño que lee Harry Potter lee el segundo, lee el tercero y, después de Harry Potter, cuando ha adquirido velocidad lectora y ha pasado de ser un lector que sabe leer las palabras pero no las interpreta a ser una persona alfabetizada, pasa a leer otros libros y eso me parece una gran función. Me alegro de que esa mujer se haya hecho millonaria escribiéndolos.

De hecho, esa era tu intención cuando escribiste Cómo hacer que tus hijos lean.

Sí, Cómo hacer que tus hijos lean está publicado dentro de la colección «A mí me funcionó» de la editorial Alfaguara y en él doy una serie de consejos para aficionar a los niños a la lectura siguiendo las pautas que yo he seguido en mi propia familia. Tengo siete hijos, algunos de ellos lectores y escritores apasionados. En este libro recomiendo lo que los padres pueden hacer para incitar, animar y estimular al niño su posible vocación lectora.

Aunque últimamente te has dedicado casi en exclusiva a la literatura, más de una vez has dicho que te sientes una mujer del espectáculo.

Lo cierto es que soy un nudo de contradicciones porque cada día me siento más cerca del libro y, siendo muy tradicional en muchas cosas, me gusta escribir con pluma estilográfica, por ejemplo, pero no puedo vivir sin ordenador, y lo mismo me ocurre con el libro y el espectáculo.

En realidad me gusta todo, porque el libro también tiene mucho de espectáculo, un espectáculo sin límites, sin límites de medios, de producción, de dinero, de nada. ¿Qué opinas de Internet?

Lo uso para el correo electrónico y para buscar cosas, aunque a veces me da pereza encender el dichoso aparato. Es como una mala pareja de la que se tiene dependencia y de la que no se puede prescindir. Alguno de sus contenidos no son santo de mi devoción, pero no se puede culpar al medio. Es como si decimos que la televisión es un medio espantoso porque programan cosas horribles. No tengo ningún prejuicio respecto a todos los avances de la técnica siempre que el hombre los domine.

Por último, ¿será algún día la humanidad palmípeda y todos haremos cuá-cuá?

Yo creo que está muy cerca de serlo. Hay grandes sectores que ya sólo hacen cuá-cuá y, si es lo que desean, me parece bien aunque a mí me parezca horrible. Ni siquiera es bueno para ellos aunque lo deseen, porque desear es difícil y hace falta tener un cerebro. Querer es también difícil; querer de voluntad, no de corazón. Yo creo que es malo para todos.

Gracias por desenseñarnos a desaprender cómo se deshacen las cosas.

Gracias por haber aprendido.

Fotos: Miguel Á. Chazo

CINE / LA CRÍTICA

EL REGRESO DE MARY POPPINS ¿Un retorno muy esperado?

La pregunta que todo el mundo se hace una vez visto el film es si era necesario volver otra vez a ver nuevas aventuras de Mary Poppins. Ya el señor Walt Disney en 1964 cuando hizo su versión de la niñera mágica, quiso hacer una segunda y tercera y cuarta parte, pero la escritora y autora de Mary Poppins Pamela Travers se negó en redondo porque no le había gustado nada la película de Disney y sobre todo no le había gustado incluir escenas de animación en el film, porque lo infantilizaba en exceso. Pues todas estas cosas que Travers odiaba del film son las que en esta nueva versión se han incluido multiplicadas a la infinita potencia. Y es que esta nueva versión, en lugar de explorar nuevos caminos, acaba siendo una copia bastante calcada del original: aquí también aparece una familia desesperada; en este caso el hijo de la familia Banks original ha crecido, se casó, tuvo dos hijos y se ha quedado viudo teniendo que lidiar él solo con su prole. Mary Poppins, con el rostro sereno de Emily Blunt, vuelve con más o menos los mismos trucos de la versión original, esta vez acompañada no de un deshollinador sino de un farolero, interpretado por el inexpresivo Lin-Manuel Miranda. En esta nueva versión también tendremos canciones –que no resultan tan significativas ni recordadas como las de la primera versión–, tendremos también secuencia de animación con los personajes vestidos de fiesta y también aparece por allí Dick Van Dyke, que en esta ocasión no ha requerido de mucho maquillaje para interpretar a un viejo banquero cascarrabias. Y también aparece Meryl Streep, transformada en un personaje excéntrico. En fin, nunca segundas versiones fueron mejores.

Mi opinión: Antes de ver esta versión, vean la primera y juzguen ustedes mismos.

por Bernat Salvat

AQUAMAN Más divertida que pasar el día en un aquapark

Para desgracia de muchos, el género de los superhéroes cinematográficos ha llegado para quedarse y todavía dará muchos más films, tantos como personajes o muñequitos de Marvel y DC puedan generarse. Y es una pena, porque muchos de estos films son realmente aburridos, a pesar de la gran cantidad de efectos especiales desplegados y las tramas supuestamente interesantes. En el caso de Aquaman –personaje creado en 1941 por Mort Weisinger y Paul Norris para la DC Comics– se ha tardado varios años en encontrarle un film a su altura; de hecho, frente a otros superhéroes de la casa como Superman, Batman o Wonder Woman, Aquaman es un superhéroe de segunda categoría del que se han hecho pocas versiones y nunca le han sabido encontrar la gracia. Hasta ahora, que le han canviado totalmente el look dándole un aire de surfero caribeño eternamente emporrado, repleto de tatuajes y con una sonrisa y una mirada irónica que luce perfectamente el actor Jason Momoa, que ya había encarnado a otro héroe de cómic, Conan el bárbaro, pero con menos gracia. El film no deja de ser un drama shakespeariano de dos hermanos enfrentados por el poder de los fondos marinos; además de los orígenes de Aquaman, hijo de un terrestre y una habitante marina –encarnada por la siempre extralisa de casa Nicole Kidman–, destinados a vivir eternamente separados. Ver Aquaman ha sido, para alguien que no disfruta especialmente de los cómics de superhéroes, un entretenimiento visual bastante potente y esto, hoy en día, ya es suficiente para pasar un buen rato en el cine.

Mi opinión: Las adaptaciones de superhéroes deberían ser menos envaradas y solemnes y más cachondas, como esta versión.

CINE ESTRENOS

Escape Room

El niño que pudo ser rey

Dirección: Adam Robitel Guion: Maria Melnik, Bragi F. Schut Música: John Carey, Brian Tyler Fotografía: Marc Spicer Reparto: Taylor Russell, Deborah Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, Jay Ellis, Nik Dodani, Adam Robitel, Kenneth Fok, Jessica Sutton, Vere Tindale, Cornelius Geaney Jr.

Dirección: Joe Cornish Guion: Joe Cornish Fotografía: Bill Pope Reparto: Louis Ashbourne Serkis, Denise Gough, Dean Chaumoo, Tom Taylor, Rhianna Dorris, Angus Imrie, Rebecca Ferguson, Patrick Stewart, Noma Dumezweni

Seis extraños reciben una misteriosa invitación para participar en una escape room. Todos ellos desconocen las condiciones del juego. Lo único que saben es que el ganador obtendrá un premio en metálico de un millón de dólares.

Cuando los seis extraños aceptan participar en este inusual juego, se dan cuenta de que han cometido un grave error. En realidad, se encuentran en circunstancias que sobrepasan su control: el juego es más real de lo que esperaban. En apariencia, parecen juegos de mesa a escala real. Ahora, deben usar su ingenio para sobrevivir y escapar.

Se trata de una historia de fantasía y aventuras guiada por un grupo de niños que se embarcan en una aventura épica, digna de las epopeyas de héroes de la antigüedad. En ella conoceremos la historia del joven Alex, que, a pesar de su vida normal y corriente en la escuela, ahora tiene un secreto que salvaguardar: ha encontrado la legendaria espada Excalibur. Con ella en su poder, Alex y su grupo de amigos deberán embarcarse en esta aventura medieval llena de monstruos y enfrentarse a la peligrosa hechicera Morgana, que está destrozando el mundo por completo con el fin de controlarlo.

El emperador de París Dirección: Jean-François Richet Guion: Eric Besnard, Jean-F. Richet Música: Marco Beltrami, M. Trumpp Fotografía: Manuel Dacosse Reparto: Vincent Cassel, Patrick Chesnais, August Diehl, Olga Kurylenko, Denis Lavant, Freya Mavor, Denis Ménochet, Jérôme Pouly, James Thiérrée, Fabrice Luchini, Vladimir Ostermann Bajo el imperio de Napoleón, François Vidocq, el único hombre que ha conseguido escapar de las más grandes penitenciarías del país, es una leyenda de los bajos fondos parisinos. Dado por muerto tras su última gran evasión, el ex presidiario intenta pasar desapercibido tras el disfraz de un simple comerciante.

Sin embargo, su pasado lo persigue y, después de ser acusado de un asesinato que no ha cometido, propone un trato al jefe de policía: se une a ellos para combatir a la mafia, a cambio de su libertad.

Godzilla: Rey de los monstruos Dirección: Michael Dougherty Guion: Michael Dougherty, Max Borenstein, Zach Shields Fotografia: Lawrence Sher Reparto: Millie Bobby Brown, Kyle Chandler, Vera Farmiga, Bradley Whitford, Charles Dance, Thomas Middleditch, Sally Hawkins, Aisha Hinds, David Strathairn, Anthony Ramos, Ziyi Zhang Godzilla: Rey de los monstruos sigue los heroicos esfuerzos de los criptozoólogos de la agencia Monarch mientras tratan de enfrentrarse contra un grupo de enormes monstruos, incluyendo al propio Godzilla. Entre todos intentan resistir a las embestidas de Mothra, Rodan o del último némesis de la humanidad: King Ghidorah.

Estas ancianas criaturas harán todo lo posible por sobrevivir, poniendo en riesgo la existencia del ser humano en el planeta.

CINE ESTRENOS

La espía roja

Jefa por accidente

Dirección: Trevor Nunn Guion: Lindsay Shapero Fotografía: Zac Nicholson Reparto: Judi Dench, Sophie Cookson, Tom Hughes, Tereza Srbova, Kevin Fuller, Laurence Spellman, Robin Soans, Simon Ludders, Steven Hillman, Phill Langhorne, Adrian Wheeler

Dirección: Peter Segal Guion: Justin Zackham, Elaine Goldsmith-Thomas Fotografía: Ueli Steiger Música: Michael Andrews Reparto: Jennifer Lopez, Vanessa Hudgens, Leah Remini, Freddie Stroma, Milo Ventimiglia, Treat Williams, Charlyne Yi, Dave Foley, Annaleigh Ashford

Año 2000. Joan Stanley disfruta de su retiro en un barrio residencial. Su apacible vida se ve súbitamente trastornada cuando es arrestada por el MI5, acusada de proporcionar información a la Rusia comunista. Pasamos a 1938, cuando Joan es una estudiante de física en Cambridge que se enamora del joven comunista Leo Galich y, a través de él, comienza a ver el mundo de un modo diferente. Película basada en la vida de Melita Norwood –Joan Stanley en el film–, la espía británica que estuvo más tiempo al servicio de la KGB.

Maya Davilla (Jennifer Lopez) es una mujer inteligente que ha trabajado diligentemente en una tienda local, solo para que un puesto directivo le sea negado por falta de un título universitario.

Después de un caso de identidad equivocada, Maya impresiona al CEO de una de las mayores corporaciones en Nueva York y consigue un trabajo en su compañía. Ante la increíble oportunidad de tener la carrera y el estilo de vida que siempre soñó, debe demostrar que su inteligencia puede ser tan valiosa como un título universitario.

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Basque Selfie

Trinta lumes

Dirección: Joaquín Calderón Guion: Joaquín Calderón, Izaskun Iturri Fotografía: Aritz Gorostiaga Música: Agus Barandiaran, Korrontzi Reparto: Agus Barandiaran, Itziar Ituño, Itziar Aizpuru, Kandido Uranga, Aizpea Goenaga, Aitor Merino, Félix Linares, Alberto Santana, Edorta Jiménez

Dirección: Diana Toucedo Música: Sergio Moure de Oteyza Fotografía: Lara Vilanova Documental

Agus Barandiaran, embajador de la música y la danza tradicional vasca por todo el mundo, se enfrenta a la peor pesadilla para un un vasco: la demolición de su baserri –caserío familiar– de 1540 para dar paso a una nueva carretera.

Agus deberá luchar contra los acontecimientos para intentar proteger sus raíces. Porque, en la cultura vasca, etxea significa mucho más que cuatro paredes.

Un relato entre el documental y la ficción que transcurre en una aldea de Galicia donde «la vida no se acaba, sino que se transforma en otra cosa».

El film acompaña a los habitantes de una aldea en la sierra de O Courel (Lugo) en sus rutinas diarias, intentando, al mismo tiempo, captar lo imperceptible para el ojo humano en un lugar donde los muertos están entre los vivos y, a veces, es posible que los vivos desaparezcan. El espectador se adentra en un mundo con fronteras difuminadas entre la realidad y la ficción, entre el mundo de los vivos y de los muertos, y la cámara la acompaña en su exploración del «otro lado».

Feedback

70 binladens

Dirección: Pedro C. Alonso Guion: Pedro C. Alonso, Alberto Marini Fotografía: Ángel Iguácel Música: Sergio Moure de Oteyza Reparto: Eddie Marsan, Alana Boden, Paul Anderson, Ivana Baquero, Richard Brake, Alexis Rodney, Oliver Coopersmith

Dirección: Koldo Serra Guion: Javier Félix Echániz, Asier Guerricaechevarría, Juan Antonio Gil Bengoa Reparto: Emma Suárez, Nathalie Poza, Hugo Silva, Bárbara Goenaga, Daniel Pérez Prada, Kandido Uranga, Susana Abaitua

Jarvis Dolan es el periodista estrella del exitoso late night radiofónico londinense The Grim Reality [La cruda realidad]. Al comienzo de su programa, unos macabros encapuchados irrumpen en el estudio, tomando el control a punta de pistola. Están allí para sacar a la luz un escándalo que podría suponer el final de Jarvis. Obligado a continuar con el programa siguiendo el guion de los asaltantes, la noche se convertirá en una pesadilla.

Raquel (Emma Suárez) es una mujer con una complicada situación personal que le lleva a necesitar conseguir con urgencia, en 24 horas, 35.000 euros, conocidos coloquialmente como 70 binladens. Su última esperanza es un préstamo bancario. La irrupción de dos atracadores –Nathalie Poza y Hugo Silva– cuando está a punto de cerrar la transacción complica aún más su situación, pero Raquel sabe que no tiene otra opción que salir de allí con el dinero, al precio que sea.

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Onyx: Los reyes del grial

Lo dejo cuando quiera

Dirección: Roberto Girault Guion: Luis Fernandez Reneo, Roberto Girault, Margarita Torres Música: Eduardo Ortega Fotografía: Rafael Bolaños Reparto: Jim Caviezel, Maria de Medeiros, Anthony Howell, Maarten Dannenberg, Iñigo Galiano, Jaime Adalid, Ricard Sales, Tania Watson, Saturnino García, Lucas Fuica, Carlos Olalla

Dirección: Carlos Therón Guion: Cristóbal Garrido, Adolfo Valor Fotografía: Ángel Iguacel Música: Claudia Montero Reparto: David Verdaguer, Ernesto Alterio, Ernesto Sevilla, Carlos Santos, Cristina Castaño

Este documental presenta de manera detallada la investigación llevada a cabo por Margarita Torres y José Miguel Ortega, la que se cuenta en el escrito Los reyes del grial. En esta tarea sale a la luz el cáliz de doña Urraca y el muy deseado Grial de Cristo. Roberto Girault dirige Onyx: Los reyes del grial, que cuenta con un reparto conformado por Jim Caviezel (Plan de escape), Maria de Medeiros (Pulp Fiction) y Anthony Howell (La dama de oro).

Amigos desde la facultad y sobradamente preparados, Pedro, Arturo y Eligio son tres profesores universitarios a los que la crisis ha dejado sin trabajo.

Cansados y sin blanca, encuentran accidentalmente la solución a sus problemas en el proyecto de investigación en el que Pedro lleva años trabajando: un complejo vitamínico que ofrece, para su sorpresa, desfase a tope sin efectos secundarios. Los tres profesores, con el apoyo de Anabel, una abogada reconvertida en empleada de gasolinera, y de Jota, una alumna más interesada en la juerga que en los estudios, se lanzarán al mundo de la noche y de los negocios turbios.

EXPOSICIONS

Max Beckmann Feta en col·laboració amb el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, la mostra planteja un recorregut temàtic per l’obra de Max Beckmann (Leipzig, 1884 – Nova York, 1950), dividit en dues seccions. La primera cobreix l’etapa a Alemanya des dels anys anteriors a la Primera Guerra Mundial, quan va començar a ser conegut, fins a l’ascens del feixisme a la dècada de 1930, quan és expulsat de l’escola d’art de Frankfurt i li impedeixen exposar les seves obres.

La segona part se centra en els anys a Amsterdam i als Estats Units, i s’estructura al voltant de quatre metàfores relacionades amb l’exili com una condició existencial de l’home modern: «Màscares», sobre la pèrdua d’identitat de l’exiliat; «Babilònia elèctrica», sobre la ciutat moderna; «El llarg adeu», sobre l’exili i la mort, i «El mar», com a metàfora de l’infinit i la nostàlgia.

CaixaForum Barcelona Av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8, Barcelona Tel. 93 476 86 00 Del 21 de febrer al 26 de maig de 2019

Liberxina. Pop i noves pràctiques artístiques, 1966-1971 Liberxina –que pren el títol d’un film de Carlos Duran censurat als anys 60, sobre un gas incitador de la revolució– vol dignificar la producció d’aquell període. Perquè fa mig segle, en plena dictadura, uns artistes, influïts per corrents internacionals de llibertat i ruptura –política, cultural i estètica–, es van manifestar des del pop, la nova figuració i la psicodèlia. Pràctiques que es van fusionar amb el disseny, el còmic i el cine experimental, per abordar qüestions com el feminisme, l’oposició al règim o l’anticapitalisme.

Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) Parc de Montjuïc, s/n, Barcelona Tel. 93 622 03 60 Del 22 de gener al 21 d’abril de 2019

Maridatges XXII: Autobiografies El cicle Maridatges arriba a la 22a edició amb l’exposició Autobiografies, una selecció d’autors que utilitzen la fotografia com a eina per narrar la seva experiència.

Aquesta exposició reuneix una selecció d’autors per als quals la fotografia és una eina essencial per narrar la pròpia experiència. A diferència de la fotografia documental i l’intent de representar la realitat externa, els fotògrafs que formen part d’aquesta mostra ens proposen una mirada molt més intimista i poètica, que demostra com les fotografies que parteixen d’allò personal poden ser un mitjà per alliberar la imaginació de qui les observa.

D’aquesta manera trobem una selecció d’obres de Vari Caramés que, amb un llenguatge aparentment fugaç, ens remet a ambients que ens poden arribar a resultar estranyament propers. Del reconegut fotògraf portuguès Jorge Molder, qui ha construït la seva obra al voltant de si mateix, mostrem imatges de la seva sèrie Un món petit, on el

l’artista mateix acaba sent el protagonista de les seves fotografies. En el cas de Juan Manuel Castro Prieto, les fotografies exposades remeten al seu entorn més proper per mostrar el que l’autor considera «el més profund de nosaltres mateixos».

Foto Colectania Passeig de Picasso, 14, Barcelona Tel. 93 217 16 26 Del 21 de desembre de 2018 al 14 de juliol de 2019

LA LIBRERÍA

El fabuloso mundo de la canción infantil Jorge Lérida 22,75 € (Amazon)

El perro de los Baskerville Richard Unglik 21,75 € (Amazon)

Filmish: Un viaje gráfico por el cine Edward Ross 21,96 € (Amazon)

¿Quieres un chicle?

Vicente Pizarro 22,75 € (Amazon)

Telemuñecos: Marionetas y muñegotes de la historia de la televisión Miguel Herrero 22,75 € (Amazon)

Un, dos, tres, responda otra vez Miguel Herrero 22,75 € (Amazon)

Sinopsis de cine – 2 Ángel Sanchidrián 14,25 € (Amazon)

Vestidas de papel – 2: Recortables norteamericanos Guillem Medina 24,65 € (Amazon)

COMICLAND

Las grandes batalles navales – 3: Chesapeake Denis Béchu, Jean-Yves Delitte 16,15 €

Las serpientes ciegas Bartolome Seguí, Felipe Hernández Cava 18,53 €

Sola Denis Lapière, Ricard Efa 18,95 €

Jughead – 3 Derek Charm, Ian Flynn, Mark Waid, Ryan North 17,10 €

La guia pop-up de Hogwarts Jody Revenson, Kevin M. Wilson, Matthew Reinhart 61,75 €

Ekho – 7: Swinging London Alessandro Barbucci, Christophe Arleston 14,25 €

Creada por el guionista belga Jean-Michel Charlier (1924-1989) tras un viaje por el sudeste de Estados Unidos, el primer ciclo de cinco álbumes de El teniente Blueberry, editados entre 1966 y 1968, narra las aventuras de un teniente de la caballería estadounidense de origen sudista, inmerso en una revuelta de las tribus apaches poco tiempo después de finalizada la Guerra de Secesión. Los dibujos son de Jean Giraud, Gir (1938-2012), conocido posteriormente por sus relatos fantásticos firmados con el seudónimo Moebius, un discípulo del ilustrador Joseph Gillain, Jijé (1914-1980), que en principio había sido el elegido por Charlier como dibujante y que, de hecho, firmará la portada del primer álbum y realizará gran parte del segundo. Los álbumes originales del teniente Blueberry serían reeditados de nuevo en 2006 y 2007, ahora por Norma Editorial, incluyendo diversos integrales recopilatorios de las diferentes historias por ciclos, y en la que se ha basado la última edición hasta el presente. Blueberry es un cómic representativo de una época en la que se desarrollaba una nueva visión sobre los nativos americanos y las guerras indias.

COMICLAND

Siguiendo el estilo gráfico-minimalista pero muy contundente de Sin City de Frank Miller, nos llega la novela gráfica Polar, creada por el dibujante y guionista Víctor Santos (Valencia, 1977). La historieta, que inicialmente empezó siendo publicada en formato webcómic, acabó captando la atención de la editorial estadounidense Dark Horse para más tarde llegar a España de la mano de Norma Editorial. El cómic está dibujado con solo tres colores: negro, blanco y rojo, y deja patente el estilo minimalista desde la portada. El ilustrador valenciano juega con el contraste de tonos, con la posición de las viñetas e incluso con la perspectiva, para sorprender al lector con cada nueva página. La mayoría de ellas ni siquiera necesitan diálogos, solo encuadres insertos a mitad de la hoja que hacen en el cómic lo que el plano detalle en el cine: centran la mirada en un objeto concreto.Y ahora, después de ser reconocida a nivel mundial por su ritmo frenético y por su creatividad para bañar de rojo cada viñeta, esta da el salto al gigante del streaming gracias a una serie para Netflix. En este caso, la trama cuenta cómo el asesino a sueldo Duncan Vizla –también llamado Black Kaiser–, interpretado por Mad Mikkelsen, es obligado a retirarse debido a la política de la compañía de la empresa, que prohíbe tener a agentes mayores de 50 años. No obstante, Blut –Matt Lucas, al cual recordamos como uno de los protagonistas de la divertida Little Britain–, el jefe de la empresa, decide que matar a sus antiguos empleados resulta más rentable que pagarles y opta por contratar a una panda de jóvenes sanguinarios para eliminar a cada uno de ellos. Lo interesante es que, en realidad, bajo esta capa surrealista se esconde una crítica de cómo algunas corporaciones de los Estados Unidos obligan a la jubilación anticipada y automáticamente cambian la vieja mano de obra por otra nueva.

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y en el próximo número...

PABLO DERQUI

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