Blue Eye BCN 30 Enero-Febrero 2019

EYE

BLUE BCN 30 RÀFOLS Mingo

PREMIOS GOYA . TRICICLE . ANTONIO MIRÓ . BJÖRK . ENRIC BARBA

Foto: Toño Saldaña

SUMARIO enero-febrero 2019

06 20 28 34 36 Mingo Ràfols

Premios Goya

Tebeos de nuestra infancia

Teatro: Estrenos

Enric Barba

Fotografía: Anne Geddes

Iconos: Björk

Fashion World: Antonio Miró

Viajando: Santiago de Compostela

Juan Luis Muñoz

¡Hola!

Cotilleos en papel couché

Teatro: Tricicle

Portfolio: Smoking Series

Curiositats BCN: Estimats Reis Mags

Televisión

Cine: Críticas Estrenos

Exposiciones La Librería

44 54 62 70 78

86 94 100 110 114 118 128 130 132 Comicland

EDITORIAL

Volvemos después de fiestas y reuniones familiares –obligadas o deseadas– con un nuevo año lleno de proyectos y deseos. Pero no nos engañemos: algunos, como los de ir más al gimnasio, hacer dieta, llevar una vida sana, etc., nunca los cumpliremos; otros quizá sí llegarán a buen puerto. Y, entre estos últimos, ¿por qué no desear tener más tiempo para poder ir al teatro, al cine o a cualquier espectáculo?, que como mínimo nos distraiga de los infortunios de la vida diaria. Y es que no hay nada más sano que ir al teatro para olvidarnos durante unas horas del trabajo, del jefe, de las obligaciones y de todo eso que nos da dinero, pero a veces no nos proporciona ni la felicidad ni un desarrollo personal. Uf, creo que me estoy poniendo de nuevo un tanto filosófico, será porque últimamente las obligaciones laborales –no las de hacer esta revista, sino las otras, las que me dan un sueldo para subsistir– se me han acumulado y no me dejan a penas tiempo libre. Es por eso que cada hora, cada minuto disponible intento aprovecharlo al máximo, aunque a veces la lista de tareas pendientes me desborda y necesitaría un doble para al menos poder llegar a hacer todo lo que pretendo. Así que en estas estamos, como cada vez que inicio una nueva revista: que si seguir al pie del cañón, que si hacerla cada dos meses, o qué se yo... pero esto es como una droga dura de esas de las que cuesta desengancharse; lo digo por referencias, porque de momento y que yo sepa no estoy enganchado a nada, duro o blando... Y es que en estas fechas –y no en septiembre, que parece que comienza todo– es cuando más me replanteo lo que he hecho, lo que haré, de dónde vengo y adónde voy, y la respuesta últimamente siempre es la misma: los planes, como mucho, a una semana vista y gracias; más allá de ese tiempo es un futuro incierto en el que no sé ni dónde estaré. Por cierto, no me negaréis que últimamente no tengamos en la revista entrevistas de lujo: intentaremos que el nivel no decaiga aunque tengamos que ir a buscar a los actores debajo de las piedras.

Un saludo y, por si no lo había dicho, feliz año 2019.

DIRECTOR: Guillem Medina Director Guillem Medina guillebcn@hotmail.com

Subdirector: Enric Fontvila Colaboradores: Núria Simón, Miguel Ángel Parra, Joaquim Bundó, Gemma Iglesias, Marta Calvó, Bernat Molins

Fotógrafos: Enric Fontvila, Mario Gil, Guillem Medina

MINGO RÀFOLS

«Per desgràcia, els pressupostos culturals nostres no són una prioritat i això complica la continuïtat no sols de companyies, sinó de projectes culturals»

M

EN PORTADA

és de quaranta anys sobre els escenaris són una fita de què pocs actors poden presumir, i més avui dia, però la trajectòria de Mingo Ràfols (Barcelona, 1956) sembla que no hagi decaigut ni un sol moment des que el 1976 va debutar amb l’obra Faixes, turbants i barretines. L’hem pogut veure en programes de televisió, telenovel·les de mitja tarda, còmedies musicals, drames... Al cinema ha treballat per a directors com José Antonio de la Loma, Antoni Verdaguer, Bigas Luna, Ventura Pons, Cesc Gay o Dani de la Orden, entre d’altres; tot i que el teatre continua sent la seva primera opció, on ara, a més d’actuar, també s’ha atrevit a dirigir. Parlem, doncs, amb aquest actor inquiet que no se sap estar a casa esperant que li soni el telèfon perquè li ofereixin un nou projecte.

Esteu d’estrena amb un nou espectacle. Explica’m de què va aquesta obra, amb qui la fas i com és el teu personatge. És una comèdia gamberra sobre les relacions humanes entre sexes. Es titulará DeSexperats. En quatre històries curtes veurem com reaccionem les persones davant d’una situació absurda. El text és de Rafel Barceló i Tomàs Fuentes i som tres actors els que interpretarem els diferents rols: d’home, de dona, de gai, de transgènere…

L’equip està format per Manel Piñero, Lluís Altés i jo mateix, sota la direcció de Toni Albà.

Torneu al Teatre del Raval, on ja vau fer Els Trumps amb un gran èxit. Què té aquest teatre que us agradi tant?

Finalment no tornarem a cap teatre per fer temporada amb aquesta obra, com havíem previst.

Així que la intenció és dur-la de gira.

També dirigiràs una nova versió d’El mercader de Venècia. És complicat quan t’enfrontes a un clàssic i has de donar-li un gir per fer alguna cosa nova? O és millor una obra inèdita on no tens un referent anterior?

M’ha picat el cuquet. Després de negar-me a acceptar propostes per assumir de dirigir espectacles, amb la feina d’actor em trobava satisfet. Amb la complicitat de Roger Pera a l’espectacle Quina feinada!, vaig trobar un camí per gaudir-ne, per entendre i ajudar els actors a tirar endavant la seva feina sota la meva mirada còmplice. Tot just m’han convidat a dirigir una versió d’aquest Shakespeare i en això estic, gaudint d’aquest camí.

En el teu currículum trobem diverses peces de Shakespeare: Les alegres casades de Windsor, El rei Lear, Mesura per mesura, La tempesta, Macbeth... Què tenen les obres d’aquest autor perquè, segles més tard, continuïn sent tan vigents els seus arguments?

La condició humana no ha canviat al llarg dels temps, l’ésser humà és el mateix. Shakespeare és «el pare», sap mostrar-nos tots els sentiments i els comportaments humans en diverses situacions i relacions, sap com fer-nos reflexionar, emmirallarnos-hi, per tant la seva obra continua vigent.

Hi ha un personatge que ara, amb la teva edat i experiència, et vingui de gust fer?

Evidentment i per sort continuo capacitat per enfrontar-m’hi. Però els actors depenem de les propostes que ens venen des de la direcció o la producció d’aquests projectes.

Tornant a la feina de director, tampoc és la primera vegada que t’enfrontes a aquest repte. És més fàcil per a un actor ser dirigit per algú que ha estat actor? Penses que els pots saber motivar millor?

EN PORTADA

Sols m’havia enfrontat a treballs de direcció en espectacles de dansa o de circ, tècniques que m’apassionen i que vaig tenir la sort de conèixer durant uns anys. Tot just ara m’enfronto a dirigir espectacles de text, ja ho veurem! El que sí és cert és que un actor director coneix molt clarament les necessitats dels intèrprets.

T’han dirigit nombrosos i excel·lents directors, cadascun amb un estil molt particular: Calixto Bieito, Mario Gas, Xavier Albertí, Àlex Rigola... però n’hi ha hagut algun que t’hagi marcat especialment? O que t’hagi influenciat a tu com a director?

L’oportunitat de treballar amb tots ells ha format la meva trajectòria i confio poder continuar treballant com a actor amb molts més. La complicitat amb algun d’aquests ha fet que pugui repetir sota les seves ordres i aquí sí que han sorgit les influències. L’important és compartir la mateixa mirada, és aquesta mirada comuna la que es transmet als espectacles.

El 2001 t’incorpores a la companyia del Teatre Romea, on vas estar-t’hi uns anys. Personalment penso que és una bona fórmula això de tenir companyia fixa, et permet interpretar papers molt variats i li dona una certa estabilitat econòmica a l’actor. Però avui dia diria que les coses han canviat, no només al Romea, i per empitjorar, no?

Cert, formar part d’equips artístics en una mesura de temps llarg fa que puguis crear complicitats, no sols per poder tenir una estabilitat econòmica més o menys confortable, sinó que fa que aquests equips tinguin la possibilitat de crear una nova mirada comuna sobre el fet artistic, un llenguatge i una personalitat definida: això enriqueix el teixit cultural d’una comunitat, d’una cultura, d’un país. Per desgràcia, els pres-

supostos culturals nostres no són una prioritat i això complica la continuïtat no sols de companyies, sinó de projectes culturals; trobar feina en l’ambit artístic per un mateix, avui dia, és molt complicat.

Com gestiones els temps en què no sona el telèfon per oferir-te una nova feina?

Reciclar, posar al dia l’instrument, el nostre cos.

Aprofitar aquest temps per continuar la formació personal, ja que de vegades d’un curs sorgeixen nous projectes.

El teu pas per la televisió –Nissaga de poder, El cor de la ciutat...–, al marge de donar-te una seguretat econòmica, t’ha permès invertir en el teatre i buscar nous projectes?

Sí, vaig formar companyia teatral, amb dos muntatges, amb la Blanca Pàmpols; ha plogut des d’aquell temps! He col·laborat en diversos projectes teatrals, sota mínims, gràcies a poder mantenir-me econòmicament tot solet; si no, no haurien tirat endavant.

M’imagino que si et donessin a triar entre teatre, cinema o televisió, et quedaves amb el primer, no?

He tingut l’oportunitat de treballar en tots aquests mitjans, en conec les diverses tècniques, i no sabria dir-te. Però la base és la teatral.

Tant de bo tinguéssim una producció més forta en el nostre cinema, perquè tota la resta, equips artistics i tècnics, som de primera; i el mateix en l’audiovisual i en teatre, circ, dansa, música, art!

Com veus les noves generacions d’actors que ara comencen?

Molt més ben preparades i amb una curiositat immensa. Per part meva confio en el futur de les noves generacions i n’estic esperançat.

EN PORTADA

Penses que estan tan motivats o implicats socialment com quan vau començar els de la teva generació?

Puc dir que sí, tot i que evidentment els temps són diferents de quan vàrem començar els de la meva generació.

En els darrers anys s’han tancat algunes sales de teatre –Muntaner...– i s’han buscat nous formats com el microteatre o espais alternatius efímers. Està potser en decadència la forma clàssica de veure teatre? Es busquen nous formats per arribar a la gent que normalment no va al teatre?

El teatre sempre és viu. Per això els creadors busquem nous formats per apropar-nos al públic, un públic que actualment busca nous estímuls, noves maneres de viure experiències; per això sorgeixen nous espais i nous formats on fer propostes actuals. Desgraciadament per a tots, es tanquen espais consolidats, és trist, molt trist.

Sols ens salva, a tots, l’interès humà de viure experiències en viu: el públic sap que el que veurà en una sala teatral, del format que sigui, és irrepetible, és en directe, sols per a ells; aquest és un dels valors del fet teatral, per això continua viu.

Hi ha una fórmula màgica per atreure la gent al teatre?

Que el que els oferim sigui de primera: hi ha massa mediocritat al món, massa nivell mitjà, i la gent sap si el que veu i experimenta té un valor mitjà, baix o alt. És clar, no siguem ingenus, actualment per arribar al públic fan falta molts més mitjans i estímuls, econòmics, publicitaris, etc. Si a més els arriba la informació, la bona informació, que allò que proposem és de primera –en molts sentits–, acudiran a les sales.

Fotos i text: Guillem Medina Col·laboració: Gemma Iglesias

EN PORTADA

PREMIOS GOYA

PREMIOS

L

a gala de los Premios Goya llega a su 33ª edición con los galardones otorgados de forma anual por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, con la finalidad de premiar a los mejores profesionales en cada una de las distintas especialidades del cine español. La primera edición tuvo lugar el 17 de marzo de 1987 en el Teatro Lope de Vega de Madrid, en la que se premió como mejor película El viaje a ninguna parte de Fernando Fernán Gómez. He aquí la lista de las siguientes películas que han recibido el galardón: El bosque animado de José Luis Cuerda, Mujeres al borde de un ataque de nervios de Pedro Almodóvar, El sueño del mono loco de Fernando Trueba, ¡Ay, Carmela! de Carlos Saura, Amantes de Vicente Aranda, Belle Époque de Fernando Trueba, Todos a la cárcel de Luis García Berlanga, Días contados de Imanol Uribe, Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto de Agustín Díaz Yanes, Tesis de Alejandro Amenábar, La buena estrella de Ricardo Franco, La niña de tus ojos de Fernando Trueba, Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar, El Bola de Achero Mañas, Los otros de Alejandro Amenábar, Los lunes al sol de Fernando León de Aranoa, Te doy mis ojos de Icíar Bollaín, Mar adentro de Alejandro Amenábar, La vida secreta de las palabras de Isabel Coixet, Volver de Pedro Almodóvar, La soledad de Jaime Rosales, Camino de Javier Fesser, Celda 211 de Daniel Monzón, Pa negre de Agustí Villaronga, No habrá

paz para los malvados de Enrique Urbizu, Blancanieves de Pablo Berger, Vivir es fácil con los ojos cerrados de David Trueba, La isla mínima de Alberto Rodríguez, Truman de Cesc Gay, Tarde para la ira de Raúl Arévalo y La librería de Isabel Coixet.

Muchos han sido los actores y actrices que han recibido el preciado galardón y gracias a ello ha despegado su carrera, como Santiago Segura, Fele Martínez, Ingrid Rubio, Ana Fernández, Paz Vega, Fernando Tejero, María Valverde, Belén Rueda y tantos otros. Los Goya también han servido para premiar toda una carrera, aunque a veces el reconocimiento les haya llegado a algunos a un pie de la tumba; en la lista encontramos a José Fernández Aguayo, Rafaela Aparicio, Victoriano López García, Imperio Argentina, Emiliano Piedra, Enrique Alarcón, Manuel Mur Oti, Tony Leblanc, Federico Gutiérrez-Larraya, José María Forqué, Miguel Picazo, Rafael Azcona, Antonio Isasi-Isasmendi, José Luis Dibildos, Juan Antonio Bardem, Manuel Alexandre, José Luis López Vázquez, Héctor Alterio, Tedy Villalba, Pedro Masó, Jesús Franco, Alfredo Landa, Mario Camus, Concha Velasco, Josefina Molina, Jaime de Armiñán, Antonio Banderas, Ana Belén, Mariano Ozores y Marisa Paredes. Como se puede apreciar, una gala hecha por y para el cine español, desde Madrid –tan solo se hizo una vez en Barcelona–, que intenta reivindicar su lugar en la cinematografía mundial.

NOMINADOS 2019 Mejor película

Mejor dirección

Javier Fesser, por Campeones

Rodrigo Sorogoyen, por El reino

Isaki Lacuesta, por Entre dos aguas

Asghar Farhadi, por Todos lo saben

Mejor actriz protagonista Penélope Cruz, por Todos lo saben

Susi Sánchez, por La enfermedad de domingo

Najwa Nimri, por Quién te cantará

Lola Dueñas, por Viaje al cuarto de una madre

Mejor actor protagonista Javier Gutiérrez, por Campeones Antonio de la Torre, por El reino

Javier Bardem, por Todos lo saben José Coronado, por Tu hijo

Mejor actriz de reparto Carolina Yuste, por Carmen y Lola

Ana Wagner, por El reino

Natalia de Molina, por Quién te cantará

Anna Castillo, por Viaje al cuarto de una madre

Mejor actor de reparto Juan Margallol, por Campeones Luis Zahera, por El reino

Antonio de la Torre, por La noche de 12 años

Eduard Fernández, por Todos lo saben

Mejor actriz revelación Gloria Ramos, por Campeones

Rosy Rodríguez, por Carmen y Lola

Zaida Romero, por Carmen y Lola Eva Llorach, por Quién te cantará

Mejor actor revelación Jesús Vidal, por Campeones

Moreno Borja, por Carmen y Lola Francisco Reyes, por El reino Carlos Acosta, por Yuli

Mejor guion original Campeones El reino

Carmen y Lola

Todos lo saben

Mejor guión adaptado Jefe

La noche de doce años

Superlópez Yuli

Mejor dirección de producción Campeones

El fotógrafo de Mauthausen

El hombre que mató a Don Quijote

El reino

Mejor dirección de fotografía El reino

La sombra de la ley Quién te cantará

Yuli

Mejor montaje Campeones

El reino

Todos los saben

Viaje al cuarto de una madre

Mejor dirección artística El fotógrafo de Mauthausen

El hombre que mató a Don Quijote

La sombra de la ley

Superlópez

Mejor diseño de vestuario

El fotógrafo de Mauthausen

El hombre que mató a Don Quijote

La sombra de la ley

Quién te cantará

Mejor maquillaje y peluquería El fotógrafo de Mauthausen

El hombre que mató a Don Quijote

La sombra de la ley

Quién te cantará

Mejor sonido Campeones El reino

Quién te cantará

Yuli

Mejores efectos especiales Mejor película documental El reino

Errementari: El herrero y el diablo La sombra de la ley Superlópez

Apuntes para una película de atracos

Camarón: Flamenco y revolución El silencio de los otros

Mejor música original

Mejor película iberoamericana

En las estrellas

La noche de doce años

El reino

El ángel

La sombra de la ley

Los perros

Yuli

Mejor canción original «Este es el momento», de Campeones

«Me vas a extrañar», de Carmen y Lola

«El hombre que mató a Don Quijote», de El hombre que mató a Don Quijote

«Una de esas noches sin final», de Todos lo saben

Mejor película de animación Azahar

Bikes: The Movie

Memorias de un hombre en pijama

Un día más con vida

Roma

Mejor película europea Cold War

El hilo invisible Girl

The Party

Mejor cortometraje de ficción Nueve pasos Bailaora Cerdita

El niño que quería volar

Nuevos rostros JON ROD Lugar y fecha de nacimiento Santa Cruz de Tenerife. El 23 de abril de 1982.

Estudios de interpretación Con 15 años vine a Madrid a hacer un curso intensivo de interpretación en el Teatro Asura y desde entonces he continuado con mi formación hasta hoy. Estudié durante seis años en Elenco Actoral, una escuela privada que empezó en el Teatro Calderón y cuya formación estaba a cargo de profesores y actores del Teatro de la Abadía. He realizado múltiples seminarios y cursos de distintas disciplinas, como interpretación ante la cámara con Javier Luna y Tonucha Vidal, intensivo de Shakespeare con José Carlos Plaza, canto con José Masegosa, interpretación y casting con Rosa Estévez, o improvisación e interpretación con Denise Despeyroux, entre otros. Actualmente recibo formación de técnica corporal y danza con Elías Aguirre en el Centro Actúa.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión Muchísimos compañeros y compañeras de diferentes ramas de la profesión. Todas las personas con las que he tenido la oportunidad de compartir camino me han aportado cosas valiosas, pero fue mi maestro, Jorge Gurpegui, quien instaló en mí el rigor, cariño, esfuerzo y responsabilidad que requiere nuestra profesión.

¿Recuerdas tu primera actuación ante el público?

Sí, jajaja. Con seis años ya pertenecía a un grupo infantil de canto, era como Parchís pero a nivel local.

Recorrimos la provincia de pueblo en pueblo actuando en las fiestas. Lo recuerdo con cariño. Siendo más mayor, la primera vez fue al final del primer año de escuela, en una muestra para familiares y amigos.

Era la primera vez que mi madre me veía actuar sobre las tablas y fue emocionante.

Actores a los que admiras A muchísimos actores y actrices. Hay tanto talento.

Por nombrar algunos y algunas: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Julianne Moore... y a nivel nacional: Roberto Álamo, Bárbara Lennie o Álvaro Morte.

Sería un lista enorme de nombres.

Interpretación de la que te sientas más orgulloso. ¿Por qué?

Soy muy crítico conmigo mismo. No lo puedo evitar.

Pero, creo que porque para mí fue un reto enorme, diré que mi trabajo con Christian Bale en Éxodus: Dioses y Reyes, bajo la dirección de Ridley Scott. Cuando supe que pasé la prueba y fui elegido para una producción con nombres de tanta relevancia y a los que admiro, mi primer objetivo fue preparármelo muy bien, aplacar nervios y sobretodo disfrutar. Y lo disfruté muchísimo.

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más me gusta de mi profesión es que me permite soñar sin límite e indagar en lugares asombrosos de mi imaginario. Lo que más detesto es la inestabilidad. A veces pasas rachas sin proyectos a la vista y de golpe te ves haciendo malabares para cuadrar varios a la vez.

¿Teatro, cine o televisión?

Todo, jeje. Aunque cada uno tenga un código diferente, la base es la misma y es mi pasión. Pero reconozco que ahora mismo me apetece mucho cine y tv. ¿Tienes agente?

Sí, mi representante es Elvira Sánchez Gallo. Es maravillosa. Me cuida como si fuera parte de su familia y ella es parte de la mía.

¿Próximo proyecto?

Actualmente actúo en Desamparadas en el Teatro de las Aguas. Tengo varios proyectos de cine y televisión pero no me gusta decirlo hasta que se materializan por completo. Así que diré que hay proyectos en camino, muy bonitos y que me hacen mucha ilusión.

Nuevos rostros YOHANA COBO Lugar y fecha de nacimiento

12 de enero de 1985 en Madrid.

Estudios de interpretación

No he estado en ninguna escuela de interpretación.

Comencé en esta profesión, a los tres años, antes de

Actores a los que admiras

¡Bufff, otra larga lista! Pero te diré a Penélope Cruz,

creo que debería ser un referente para cualquier ac-

triz. Javier Bardem, Natalie Portman o Christian Bale, entre muchos más.

tener uso de razón. Los distintos trabajos que he re-

Interpretación de la que te sientas más orgullosa.

tunidad de trabajar han sido mi única escuela y mis

A todas les tengo un cariño especial, pero quizás El

alizado y los profesionales con los que he tenido oporúnicos maestros.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión

¿Por qué?

séptimo día, por ser mi primera película como prota-

gonista, y Volver, por supuesto, por haber podido trabajar con Pedro Almodóvar y con esas magníficas

Me es imposible nombrar solo a una: por suerte me

actrices y compañeras.

aconsejado y enseñado a lo largo de los años, de di-

¿Qué recuerdos tienes del Festival de Cannes

he encontrado con muchas que me han ayudado,

ferentes formas y en diferentes momentos de mi vida,

cuando las actrices de Volver ganasteis el premio

bras, risas, trucos, apoyo y ayuda. Te podría decir mu-

Recuerdo los nervios y la emoción al recibir la lla-

y de cada una conservo diferentes anécdotas, pala-

chos nombres pero seguro que me olvido de alguien

y no me gustaría dejar a ninguno fuera.

¿Recuerdas tu primera actuación ante el público?

Sinceramente, no. Empecé haciendo publicidad; ca-

a la mejor interpretación femenina?

mada, porque ninguna lo esperaba. El ir maquillándonos en el avión, el subir a recogerlo a ese escenario

junto a ellas… No podía creer lo que estaba pasando, era un sueño.

tálogos de fotos y anuncios. El primero creo que fue

¿Qué recuerdos tienes de Pedro Almodóvar como

después se lo conté rodando Volver. En televisión fue

Su sensibilidad e inteligencia al dirigir, al transmitir al

con Carmen Maura, dándole yogurt, jajajajaja, años

en la serie A su servicio, tendría unos cinco años y re-

cuerdo que una escena hubo que repetirla muchas

director y como persona?

actor lo que quiere y cómo conseguirlo de cada uno.

Recuerdo verlo escribir en su escritorio y parecía tener

veces porque no me salía decir «cocreta»; se supone

un halo de energía alrededor. Recuerdo que desde el

pre me salía «croqueta». En cine fue la película Aun-

pude sentir más cuidada y arropada. Recuerdo que

que tenía que decirlo mal pero no había manera, siem-

primer momento me trató como una más y no me

que tú no lo sepas, y en teatro, si no cuenta la función

en mi último día, en la última escena que rodé, al ter-

obra llamada El hombre del cuarto oscuro.

de que me hacía mucha ilusión tenerla.

del colegio, jajajaja, fue hace unos cinco años con una

minar me regaló la claqueta porque se había enterado

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y

¿Tienes agente?

Lo que más, los largos días de rodaje, compartir

quita Salas.

llegar cansada a casa pero feliz. Lo que menos, los

¿Próximo proyecto?

en los que parece que la profesión se haya olvidado

la película sobre el crimen de Alcàsser en el que in-

lo que más detestas?

todas esas horas con todo el equipo trabajando, el

largos períodos en los que no sale ningún proyecto, de ti como si tú te hubieras olvidado de actuar. ¿Teatro, cine o televisión?

Sí, Mabel Ordóñez de Doble-M, y por supuesto Pa-

Por el momento ninguno. Está por estrenar 75 días, terpreto a la hermana de Antonio Anglés.

¿Cómo te gustaría verte, profesionalmente ha-

Reconozco haber sido picada por el gusanillo del

blando, en diez años?

y ahora en televisión creo que se están haciendo

los nuevos proyectos que llegan y, sobre todo, pu-

teatro pero siento una debilidad especial por el cine,

proyectos muy buenos y con estilo cinematográfico.

Trabajando como loca, sin tiempo apenas para leer

diendo vivir de estar profesión.

TEBEOS DE NUESTRA

INFANCIA

DDT

El DDT apareció en mayo de 1951, tras los fracasos editoriales de El Campeón (1948-1949) y Súper Pulgarcito (1949-1951). Durante su primera etapa, en la que llevó el nombre de El DDT contra las penas, se publicaron 702 números ordinarios, varios extraordinarios y 13 almanaques.

Se inspiraba en la revista argentina Rico Tipo y estaba concebida para un público adulto, lo que, en la práctica, suponía escasas diferencias con el resto de las publicaciones de la editorial Bruguera, más orientadas hacia la infancia: la censura de la época permitía un muy estrecho margen de maniobra. Algunas desleídas alusiones eróticas, sin salirse de la mojigatería imperante, y la presencia de solterones fueron sus señas distintivas. Las portadas de las primeras entregas estaban dibujadas por Cifré y Peñarroya, aunque colaboraron en ella otros importantes autores de Bruguera.

Don Miki

Don Miki fue una revista juvenil española de los años 70 y 80 del siglo xx, inspirada en la italiana Topolino. En total se editaron 664 números en un periodo de 13 años, siendo una de las más longevas de su categoría, durando su edición semanal desde el 14 de octubre de 1976 hasta el 29 de junio de 1989. Fue inicialmente publicada por la editorial Montena, y posteriormente fue vendida a la editorial Primavera. Desde agosto del año 2014, la editorial Planeta DeAgostini realiza la reedición de algunos de sus ejemplares.

Su contenido estaba formado por historietas gráficas de Mickey Mouse y el pato Donald, junto a los personajes secundarios creados por Floyd Gottfredson en el primer caso y Carl Barks en el segundo. Entre sus páginas también se incluían informaciones de interés para la audiencia juvenil, tales como música, películas, televisión, deporte, juegos y tecnología.

El Guerrero del Antifaz

El Guerrero del Antifaz es una obra clásica de la historieta española, creada por Manuel Gago García en 1943 para la Editorial Valenciana. Junto con Roberto Alcázar y Pedrín, es la serie más popular e influyente de los años 40 del pasado siglo, y una de las de mayor duración de la historia del cómic español, con un total de 668 cuadernos publicados durante 21 años. Se editaba en cuadernillos inicialmente de 16 páginas –posteriormente fueron doce, con dibujos más reducidos–, en formato apaisado y en blanco y negro. En 1972 la obra fue reeditada en formato vertical y en color, con lo que el personaje volvió a ponerse de actualidad. Esta reedición consta de 343 números, albergando, cada uno de ellos, dos episodios completos de los antiguos facsímiles, e introduciéndonos en el último número en la aventura que correrá el protagonista en las Nuevas Aventuras del Guerrero del Antifaz (1979).

Lily

Lily fue una revista femenina publicada en España por Editorial Bruguera entre 1970 y 1985, tratándose de uno de los últimos tebeos dirigidos a las jóvenes que tuvo éxito en su mercado.

Lily vino a ocupar en la línea de tebeos de Bruguera el lugar que habían dejado las fenecidas Sissi y Blanca, hasta tal punto que su primer número fue el 444, continuando así la numeración de la primera de estas revistas, que había publicado su número 443 en 1967. Durante su primer año de vida, su difusión media alcanzaba los 42.430 ejemplares por número. En 1976, Bruguera lanzó Súper Lily. La revista tenía formato vertical y 20 páginas, vendiéndose a 5 pesetas.

Prescindía de la temática sentimental, optándose en su lugar por potenciar la acción y el humor. De esta forma, y aparte de secciones de chistes, horóscopo, música, cine y televisión y pasatiempos, contenía historietas gráficas, muchas de procedencia inglesa.

El Jabato

El Jabato es una famosa serie de historietas creada por Víctor Mora (guion) –bajo el seudónimo de R. Martín– y Francisco Darnís (dibujo) para la editorial Bruguera en 1958. Debido a sus similitudes con El Capitán Trueno, se la considera un ejemplo de autocompetencia dentro de la misma editorial. El primer cuadernillo apaisado –titulado Esclavos de Roma– se publicó el 20 de octubre de 1958 y se regaló con el número 107 de El Capitán Trueno. La colección original salió íntegramente en blanco y negro, y permaneció en los kioscos hasta 1966, alcanzando un total de 381 episodios, además de cuatro almanaques y diversos especiales de vacaciones. Fue ampliamente reeditada, como en la serie Jabato Color de los años setenta. En 2008, con motivo del 50 aniversario de la creación del personaje, Ediciones B lanzó al mercado una nueva aventura, obra de José Revilla (dibujo) y Luis Antonio Ródenas (guion).

Pumby

Pumby «el gatito feliz» es un personaje de historieta creado por José Sanchis Grau en 1954. Su serie homónima, de enorme éxito entre el público infantil, fue publicada por Editorial Valenciana entre 1955 y 1981 en revistas como Pumby, Súper Pumby, Galas Pumby o Gran Álbum Pumby. Pumby es un gato negro con hocico blanco, de grandes ojos y orejas puntiagudas. De vestimenta luce un gran cascabel y pantalones cortos, normalmente rojos, que recuerdan al Mickey de los primeros tiempos. Sus compañeros de aventuras son Blanquita, una gatita blanca, y el profesor Chivete. La primera historieta de Pumby, titulada Un perrero con mucha vista y de solo una página, apareció en el número 260 de Jaimito (segunda mitad de 1954). A partir de abril de 1955, sus aventuras vieron la luz en su propia revista, Pumby, que compartía con otros personajes de la casa. La revista Súper Pumby apareció en diciembre de 1959.

Mortadelo

Mortadelo es un personaje creado por Francisco Ibáñez en 1958 para su serie Mortadelo y Filemón, agencia de información, en la que ejerce de coprotagonista junto a su jefe Filemón en una agencia de detectives privados, que pasarán luego a trabajar para la T.I.A. Con los años, Mortadelo ha logrado mayor popularidad que su jefe, hasta el punto de dar título a las revistas Mortadelo (semanal), Especial Mortadelo (quincenal) y Súper Mortadelo (mensual), así como a los mortadelos, unos billetes que podían canjearse en diferentes promociones de la editorial. En esto ha tenido mucho que ver su condición de rey del disfraz, una habilidad que permite a Mortadelo transformarse, para asombro de todos, en cualquier animal, planta u objeto, desde un elefante hasta una campana.

Pulgarcito

De esta publicación, aparecida en 1981 de la mano de Bruguera, se llegaron a sacar 178 números y acabó su carrera en 1985. En la cabecera aparecía el personaje creado por Jan –el conocido autor de Superlópez– y durante la mayoría de números este fue el personaje estrella del tebeo, aunque también aparecian Tom y Jerry, Fix y Foxi, Lanitas, Los Pitufos, el profesor Tragacanto, D’Artacán y los tres mosqueperros y el popular Bermudillo. También se publicaron las historias de Tete Cohete, personaje creado por Ibáñez. El personaje de Pulgarcito, inspirado en el popular cuento de los hermanos Grimm, vería sus aventuras recopiladas en monográficos de la serie Olé y, posteriormente, en otros formatos. Sus aventuras junto a su gato Medianoche están llenas de fantasía y surrealismo.

Spirou Ardilla

Aunque ya conocíamos algunas series de cómic francobelga como Astérix o Tintín, gracias a la revista Spirou Ardilla acabamos de zambullirnos en este apasionante mundo con personajes como el que daba título al tebeo, Bill y Bolita, Johan y Pirluit, Los Pitufos, Quena y el Sacramus, Sofía, Gastón, Papyrus, Sammy, Jerry Spring y muchos otros. Este cómic aparece por primera vez en 1979, llegando a publicarse 67 números, primero de forma quincenal para pasar luego a ser semanal. Posteriormente se convertiría en Súper Spirou Ardilla, con más páginas e historias autoconclusivas, pero solo llegaron a publicarse ocho números. Incluso llegó a tener un spin off en el tebeo Bill y Bolita, también de corta vida. Un pena, porque en su país de origen, Bélgica, se publica desde 1938 sin interrupción.

TBO

TBO fue una revista de historietas española de periodicidad semanal que apareció en 1917 y se publicó, con interrupciones, hasta 1998. Casi desde sus inicios, y hasta 1983, fue editada por los socios Buigas, Estivill y Viña; en 1986 por Bruguera, y entre 1988 y 1998 por Ediciones B. El primer número de TBO apareció el 11 de marzo de 1917 y estaba impresa en un solo color, azul; mostraba en su diseño una gran influencia de la revista catalana En Patufet. El precio inicial era de 5 céntimos. A partir del noveno número, con la incorporación de Joaquín Buigas Garriga a la dirección de la revista, pasaron a utilizarse dos colores –rojo y negro– y se situó en la portada una historieta como ya se hiciera en Dominguín, en lugar del chiste de una sola viñeta que aparecía en los primeros números.

TEATRO ESTRENOS

Fedra Teatre Romea Del 9 al 20 de enero de 2019 Dirección: Luis Luque Autor: Paco Bezerra Reparto: Lolita Flores, Juan Fernández, Críspulo Cabezas, Eneko Sagardoy, Tina Sáinz

Fedra, la reina de la Isla del Volcán, está enferma: ni come ni habla ni duerme. Los médicos son incapaces de averiguar el origen de su sufrimiento y el país entero anda preocupado por su estado de salud. Algunos dicen que se ha vuelto loca. Otros, que las largas ausencias de su esposo, el rey de la isla, han acabado para devastar y asolar su corazón, pero nadie conoce la verdad y todos se equivocan. Y es que la gran responsable de la dolencia de Fedra no es otra que una pasión que la atormenta desde hace tiempo y que ya no puede reprimir; un erotismo inmoral e impúdico, un deseo violento e indómito, un amor prisionero e indecente.

La dansa de la venjança La Villarroel Del 8 de febrero al 17 de marzo de 2019 Dirección: Pere Riera Autor: Jordi Casanovas Reparto: Laia Marull, Pablo Derqui

Una pareja se separa después de años de matrimonio. El divorcio los obliga a resolver cómo se tienen que repartir las horas de un hijo menor de edad. Han hecho un pacto. Han llegado con serenidad hasta este pacto. Pero hoy, en la casa donde habían fundado su historia en común y apenas cuando ya se iban a despedir sin dejar más víctimas por el camino, el pacto se rompe y algo estalla. Pablo Derqui, el actor de moda que parece estar en todas las obras de teatro y las series de televisión, vuelve a los escenarios con este drama intimista muy bien acompañado por Laia Marull, que quizás no se prodiga tanto en los escenarios pero que siempre es una presencia estimulante.

L’últim acte Teatre Goya Del 12 de febrero al 24 de marzo de 2019

Broadway a cappella Onyric Teatre Condal Del 17 de diciembre de 2018 al 28 de enero de 2019

Un actor se despierta en el escenario.

El crujido de la tarima invade el espacio. Silencio. Un respiro. Los pulmones se llenan de aire y un foco ilumina su rostro. No habrá otra función, esta es su última representación. Y es plenamente consciente. Sobre el escenario, la película de su vida se empieza a proyectar y los personajes que lo han acompañado a lo largo de los años, especialmente las mujeres, aparecen ante sus ojos. Las escenas más impresionantes que ha interpretado se suceden en una última función, un último acto, la mejor de sus interpretaciones.

La más memorable, la más mágica, aquella que quedará en el recuerdo.

Dicen que la voz humana es el instrumento más poderoso, expresivo, emocionante y complejo que existe. Te invitamos a descubrirlo en Broadway a cappella, una increíble fusión de música a cappella y teatro musical para sacudir tus sentidos. Sin ningún instrumento y jugando únicamente con las voces de los actores, Broadway a cappella ofrecerá un recital de las grandes canciones de Broadway.

Dirección: Carles Alfaro Autor: Anton Chéjov Reparto: Francesc Orella, Nina, Cristina Plazas, Bàrbara Granados

Dirección y arreglos: Gerard Ibáñez Coreografia: Zuhaitz San Buenaventura Intérpretes: Víctor Arbelo, Juli Algar, Paula Costas, Raimon Ferrer, Noelia Gómez, Mikel Herzog, Raquel Jezequel, Edgar Martinez, xavi Navarro, Sara Pi, Nerea Royo, Marta Trujillo, Davebat Box Swings: Joan Mas, Katia de Toledo Producción artística: Daniel Anglès

L’ENTREVISTA

ENRIC BARBA

ÂŤDes que em vaig prejubilar vaig decidir gaudir-ho a fons i omplir el meu temps formant-me com a actorÂť

L’ENTREVISTA

E

ls darrers mesos hem pogut veure l’actor Enric Barba fent microteatre (Cartrons), als curtmetratges Gentlemen i Evil, tots dos de Joaquim Bundó, i recentment a la sala Versus Glòries amb l’obra Camins tancats. I encara que sempre d’alguna forma ha estat relacionat amb el món de la interpretació, no ha estat fins que el van acomiadar de l’entitat bancària on treballava que s’hi ha dedicat plenament. Aprofitem una pausa en la seva agenda per parlar de les seves experiències.

Aquest desembre vau estrenar Camins tancats a la sala Versus Glòries, que ja havíeu representat anteriorment a la sala Cincómonos. Quines diferències més notables hi havia entre tots dos muntatges?

Hi ha tres diferències significatives: la primera és que a Cincómonos l’obra estava representada per dues actrius, la Ivette Callís i l’Anne Lekanda.

Per motius d’agenda, l’Anne va haver de deixar el projecte i llavors la Ivette va assumir el doble paper, igual que l’Ivan, donant vida tant a la història de la Guerra Civil com a la de la guerra de Síria. El segon canvi ha estat amb l’escenografia: per anar al Versus vam apostar per una escenografia més minimalista, però alhora creiem que amb molt més impacte visual. I com a tercer canvi substancial, han estat les modificacions al text de la part siriana. Tant el dramaturg Martí Figueres com el també dramaturg i alhora director Jesús Ulises hi han treballat de valent.

Camins tancats proposa un paral·lelisme entre una situació ambientada a la guerra civil espanyola i l’èxode dels immigrants siris. Creus que totes dues situacions són comparables?

Potser no en la forma però sí en el fons. Han passat gairebé 80 anys de l’èxode de moltes fa-

mílies enfrontades per la guerra civil espanyola, famílies que van quedar trencades perquè tenien membres en bàndols diferents. Ara crec que el que està passant a Síria és molt bèstia, la gent només té dues opcions: quedar-se i morir o fugir.

La forma potser no és la mateixa, però l'essència de fins on pot arribar la maldat humana potser sí.

Creus que fan falta obres com aquesta per recordar a la gent que continuem repetint els errors del passat una vegada i una altra?

Rotundament sí. Crec que és dur però al mateix temps bo d’explicar el que està passant al món.

Sobretot és important de cara a les noves generacions, per veure si ells són capaços de canviar alguna cosa i no cometre els errors del passat.

Crec que és important explicar-ho a través de qualsevol format: nosaltres ho fem amb el teatre, que és el que ens agrada i sabem fer, però qualsevol altra fórmula és igual de vàlida i benvinguda.

Vau representar també l’obra a Madrid, al Cercle Català. Com va ser l’experiència de fer una obra en català en ple centre de Madrid?

Us feia respecte?

L’experiència a Madrid va ser molt bonica. Al Cercle Català ens van rebre amb els braços oberts i una amabilitat extraordinària, vam tenir un públic fantàstic i molt agraït, sobretot de gent catalana resident a Madrid amb moltes ganes de veure teatre en català. També vam tenir molt bona acollida d’amics de la faràndula que viuen a Madrid. Des d’aquí un agraïment molt gran al Cercle Català de Madrid. En cap moment vam sentir por en absolut, però sí que vam tenir una experiència desagradable en trobar la furgoneta que prèviament havíem llogat amb una pintada de «Viva España». Suposem que a algú no li devia agradar la propaganda de la furgoneta, on anunciava la seva pàgina web amb el domini

L’ENTREVISTA

«.cat». Però l’anècdota no va passar d’aquí. Pel que fa a la resta, tot correcte.

Penses que la situació social i política ha afectat l’afluència de la gent al teatre?

En principi potser sí. M’explicaré: crec que sobretot després dels fets que van passar l’1 d’octubre, molta gent va quedar colpida per les agressions, les detencions, els exilis, l’article 155, etc. Tot això va ser molt dur i crec que va afectar l’humor de molta gent i no estava per gaire teatre. Ara no vull dir que s’hagi normalitzat, ja que continuem estant gairebé on érem, però potser ens hem acostumat una mica a la situació actual, i la gent ja torna a seguir els costums habituals, entre els quals anar al teatre.

Malgrat que molta gent conegui la teva obra dels darrers anys, tu ja vas fer molt teatre quan eres jove, sobretot al teu poble, Taradell.

Com et vas anar introduint en aquest món?

Tot va ser fruit de la casualitat: vaig començar bastant tard, amb 26 anys. Acabava d’arribar de Barcelona a Taradell quan em van demanar d’entrar a la comissió de festes del poble i els vaig dir que no, que algun dia si em necessitaven per fer bulto a la companyia de teatre m’avisessin. Just al cap d’una setmana m’incorporava al grup de teatre GOTTIC de Taradell, on em van acollir amb tota l’estima. Sense ells potser no hauria acabat fent teatre.

Actualment hi ha moviment artístic i cultural a Taradell?

Moltíssim. A Taradell s’hi promouen tota mena d’associacions esportives i culturals, de fet tenim diversos grups de teatre, de gòspel, corals, grallers, geganters, l’esbart, els Tonis, etc. És un exemple de poble amb promoció de la cultura i l’esport.

Però fins que no et van prejubilar anticipadament no t’hi has pogut dedicar plenament. De vegades no tens la sensació d’haver perdut un

temps de la teva vida en què no vas poder dedicar-te a la interpretació plenament?

No. La veritat és que una decisió cap a una banda o una altra et pot canviar la vida. Jo, per exemple, sempre vaig estar molt lligat al món del futbol, i un bon dia, en qüestió de pràcticament dues setmanes, m’havia de decidir si apostava per marxar fora de Catalunya a jugar a futbol o entrava a treballar al món de la banca. Vaig apostar per la segona opció. Són decisions que marquen tota una vida, i no saps mai què hauria passat si haguessis triat l’opció contrària. Al món de la interpretació, he de dir que quan treballava combinava la meva feina habitual amb alguna aparició a la televisió i fent algun anunci. Amb el teatre no hi tenia gaires problemes, ja que llavors tot era a nivell amateur.

Des que em vaig prejubilar vaig decidir gaudir-ho a fons i omplir el meu temps formant-me com a actor.

Recordes encara la primera vegada que vas pujar dalt d’un escenari? Quines sensacions tenies?

La recordo perfectament. Va ser en una comèdia de la Sumpta González, a l’obra Necessito una infermera, on hi feia el paper de boig, i potser pels nervis que tenia dins meu vaig donar el perfil adequat.

En els darrers anys has interpretat unes quantes peces de microteatre, on has treballat amb gent molt jove. Com veus els joves actors que comencen ara?

Tenen un potencial brutal, una formació que és a la frontera de l’excel·lència. Intento xuclar tant com puc d’ells i aprendre’n cada dia una mica més.

Després d’haver fet televisió, cinema i teatre, amb quin món et quedes?

Tots els mons tenen el seu encant, però si m’he de posicionar, a mi m’agrada molt el directe, i les sensacions que em proporciona el teatre són les que m’omplen més.

L’ENTREVISTA Quin paper t’agradaria fer ara amb la teva edat i experiència?

Qualsevol tipus de paper, ja que m’encanta interpretar tota mena de registres, però sempre he pensat que em faria molta il·lusió interpretar el geperut de Notre-Dame.

Acostumes a anar al teatre? Què t’agrada veure-hi?

Com es diu vulgarment, m’ho menjo tot: m’encanten les comèdies, però veure un bon drama no té preu.

Segueixes alguna rutina per tenir cura de la veu i del cos?

Sempre he fet esport, i ara, evidentment amb un altre ritme, continuo corrent i anant al gimnàs. Pel que fa a la veu, intento escalfar-la i faig servir molt de pròpolis.

Quins són els teus propers projectes professionals?

Ara mateix estem parlant per a futurs projectes de peces de Microteatre i continuarem amb la companyia La Maula fent gira de l’obra Camins tancats.

Text i fotos: Guillem Medina Localització: Parc de la Ciutadella de Barcelona

ANNE GEDDES

«Los bebés son el rostro humano de los comienzo la naturaleza está atrapada en esta corriente insi estaciones, del envejecimiento y del renacimiento que fotografío un recién nacido, incluso después años de fotografiarlos, soy consciente del milagro

os, pero toda istente de las o. Cada vez de todos estos o ante mí»

FOTOGRAFÍA

A

FOTOGRAFÍA

nne Geddes es una artista y fotógrafa australiana –nacida el 13 de septiembre de 1956 en Queensland, aunque actualmente vive en Nueva York– cuya obra capta la belleza, la pureza y la vulnerabilidad de los niños. Anne Geddes pasó su infancia en la granja de ganado de su familia en Australia. Abandonó la escuela a los 17 años y se fue de casa. Más tarde, conoció a Kel, con quien se casó, y se mudó a Hong Kong en 1983 por el trabajo de éste en la televisión.

Aprendió fotografía usando la cámara Pentax K1000 de 35 mm de su marido. Siempre había estado interesada en la fotografía, pero no tuvo ocasión de aprender en la escuela.

En 1988, después de mudarse a Auckland (Nueva Zelanda) con su esposo Kel –quien lanzó la primera cadena de televisión comercial de Nueva Zelanda–, Anne estableció su primer estudio profesional, especializado en retratos clásicos de niños y familias, continuando con este trabajo durante los primeros diez años de su carrera. En 1992 publicó y vendió su primera colección de tarjetas de felicitación de Navidad y calendarios en Nueva Zelanda. Ambos se convirtieron en un éxito instantáneo. Con el calendario de 2018 lleva 27 años realizándolos con gran éxito. La habilidad de Anne es suministrar un contenido emocional a la imagen que permite que la gente se sienta atraída. Sus mundos imaginarios de bebés abejas, mariposas, duendes, hadas, flores y otros curiosos elementos conquistan a gran parte de la población. Utiliza una imagen natural y sencilla, con una iluminación suave y muy agradable. No usa demasiado la postproducción de imagen, sino que opta por mucho atrezzo de distintos tamaños. Los protagonistas de sus imágenes suelen ser bebés de cuatro semanas a seis meses, por comodidad, normalmente en sesiones cortas por la mañana, cuando están más descansados. Sus imágenes se han materializado en tarjetas postales, sellos, muñecos, ropa

infantil, calendarios, pósters, libros, relojes, puzles, ropa de cama, bolsas de regalo, aplicaciones informáticas e, incluso, tarjetas de crédito. Tiene un gran éxito comercial a nivel internacional: sus tarjetas de felicitación, diarios para bebés y calendarios se publican en más de 50 países.

Con su marido creó su propio programa filantrópico llamado Geddes Philanthropic Trust, cuyo objetivo es concienciar sobre el abuso y las negligencias con los niños. Su programa filantrópico ha generado muchas oportunidades y ha repartido más de siete millones de dólares. Su primer libro, de 1996, Down in the Garden, un cuento de hadas narrado por medio de fotografías, fue uno de los best-sellers del New York Times.

Desde entonces, sus libros se han publicado en 83 países y se han traducido a 23 idiomas distintos. Ha vendido más de 18 millones de libros y 13 millones de calendarios. En 1997, Anne recibió una Beca Honoraria por parte del New Zealand Institute of Professional Photographers (NZIPP). En 2009, la PPA (Professional Photographers of America) le honró con su prestigioso premio Lifetime Achievement. Sus libros de gran formato –Until Now (1998), Pure (1999), Miracle (2004), Beginnings (2011)– han obtenido varios premios y han sido líderes de ventas. Sobre su propia obra, Anne ha comentado que le permite reflexionar sobre lo afortunada que es de haber tenido la oportunidad de seguir sus propios sueños y pasiones: «Mi verdadera esperanza es que, a través del proceso, haya creado un cuerpo de imágenes que tengan un efecto profundamente positivo en el futuro», concluyó.

Durante este tiempo, Anne ha tenido el honor de ser nombrada miembro del Orden del Mérito neozelandés por sus servicios a la fotografía y a la comunidad. Su fundación y ella han recibido varios premios y reconocimientos por sus trabajos a favor de los niños. En 2017 Anne fue incluida en el International Photographic Hall of Fame.

TRABAJOS

ICONOS

BJÖRK

«Cuando me despierto tengo que recrear el universo, y lo mato por la tarde»

D

efinir a Björk no es tarea fácil, y decir de ella que es ecléctica y original es quedarse muy corto.

Esta cantautora, actriz, compositora, DJ y productora islandesa lleva toda su carrera reinventándose y acaba de anunciar un nuevo y ambicioso proyecto. No es fácil prosperar en la música cuando tu carrera arranca en Islandia, en una época en la que la población de la isla apenas llegaba a las 250.000 personas. Desde una edad muy temprana bebió de la influencia de sus padres: de su madre, ecologista, la pasión por la física y las ciencias naturales; de su padrastro, un estilo de vida hippie que le hizo conocer pronto la música de Jimi Hendrix, Janis Joplin y Eric Clapton. De hecho, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles fue su primera adquisición.

A los cinco años ingresó en el conservatorio para formarse, y con solo diez grabó su primer material discográfico. Con la ayuda de su padrastro, editó un disco principalmente de versiones que gozó de una enorme popularidad en Islandia y que nunca se editó en CD, por lo que, entre coleccionistas y fans, es un objeto de culto. A pesar del éxito, Björk hizo oídos sordos a las propuestas discográficas y se centró en el punk y el rock gótico para pasar por varios grupos hasta acabar en The Sugarcubes. Sin em-

bargo, a ella le urgía la independencia musical.

Llegó en 1993, hace 25 años, cuando el grunge no podía estar más de moda y el britpop comenzaba a exportarse desde las Islas Británicas. En este contexto, con miles de propuestas, alcanza el éxito mundial con Debut y se consolida como una de las artistas más interesantes de esa turbulenta década.

A pesar de su voz, enérgica y fuerte, por la que algunos críticos han llegado a igualarla con Maria Callas por llegar a cubrir tres escalas, su obra plástica y las artes visuales con las que siempre ha acompañado a su música le han dado un gran reconocimiento a nivel mundial.

Todas sus actuaciones en directo destacan por ese mundo onírico e irreal al que consigue transportar a todo su público, como la que brindó el pasado año en el Primavera Sound.

Björk siempre ha usado las nuevas tecnologías para ponerlas al servicio de su música. Su disco Biophilia (2011) fue lanzado en formato appálbum, con un e-book con objetos 3D interactivos, películas, animaciones y diagramas basado en datos científicos reales. Es uno de sus proyectos más ambiciosos, creado a partir de sucesos meteorológicos. Además, cuenta con discos muy experimentales donde ha innovado con sonidos y formas de hacer música.

«Nunca pensé que actuaría en sitios tan grandes. Siempre he dicho no a este tipo de ofertas, porque pienso que tanto yo como mi música somos cosas muy privadas [...], para escuchar con auriculares»

«En Islandia, todo gira en torno a la naturaleza las 24 horas del día. Terremotos, tormentas de nieve, lluvias, hielo, erupciones volcánicas, géiseres [...] es muy elemental e incontrolable. Pero, por otro lado, Islandia es increíblemente moderna; todo es de alta tecnología»

FASHION WORLD

«Un pequeño placer en mi profesión es observar a alguien que lleva algo que yo he hecho y me gusta»

A

ntonio Miró es una firma de moda de Barcelona con más de 35 años de historia, nacida en 1979 de la mano del homónimo diseñador de moda, que enseguida consigue destacar en el panorama español llegando a cruzar fronteras y desfilar en París, Milán y Nueva York. Pionero, innovador y vanguardista, Antonio Miró se convierte en firma de referencia a nivel nacional e internacional. Nacido en Sabadell (Barcelona) en 1947, hijo de un sastre, abrió su primera tienda, Groc, con tan solo 20 años. En ella comercializaba diseños propios y ropa original que se alejaba mucho de la oferta existente en aquellos años. En 1976 crea el sello Antonio Miró, con ropa para hombre y mujer, que atrajo la atención de las principales pasarelas. Tiene también una línea de vestuario profesional, con la que ha diseñado las prendas de los Mossos d’Esquadra, de los empleados de Telefónica o de Port Aventura, así como el vestuario de las ceremonias de los Juegos Olímpicos de Barcelona ’92. Su expansión internacional definitiva llega en los años 90, con la colaboración de Ermenegildo Zegna. Sus desfiles tratan siempre de ser originales; fue el primero en subir a la pasarela a modelos no profesionales. En 1988 Antonio Miró fue galardonado con el premio Cristóbal Balenciaga al mejor diseñador español, en 1992 fue él quien se encargó de realizar el vestuario de las ceremonias de las Olimpiadas de Barcelona, en 1997 diseñó el nuevo telón para la reconstrucción del Gran Teatre del Liceu y en 1999 fue uno de los diez modistas que fundaron la Asociación de Creadores de Moda de España. Antonio Miró se ha relacionado con artistas de distintos ámbitos, con los que ha colaborado en sus catálogos y desfiles: John Malkovich, Ryuichi Sakamoto, Antonio Canales, Yanick Noah, Mariscal y Jordi Mollà, entre otros. También ha trabajado con fotógrafos como Toni Bernad, Steven Klein, David Lachapelle, xavi Rivera, Maria Espeus, Manuel Outumuro y Javier Vallhonrat. Su legado tiene un peso increíble en la historia de la moda española, un legado que ahora vuelve nuevamente a cobrar vida bajo la dirección creativa de Albert Villagrasa. El diseñador ha hecho del bagaje de Antonio Miró el punto de partida para las nuevas propuestas de la firma en la que tradición y modernidad se fusionan innovando con elegancia.

FASHION WORLD

RUNAWAY SHOW 2019

SANTIAGO DE COMPOSTELA VIAJANDO

Fotos: Enric Fontvila

QUÉ VER EN

SANTIAGO DE COMPOSTELA Catedral de Santiago

El templo actual se empezó a construir en el año 1075 por orden del rey Alfonso VI en el mismo lugar donde antiguamente se encontraba una pequeña iglesia prerrománica destruida por Almanzor. Según cuenta la leyenda, la tumba del apóstol Santiago se halla en el interior, por lo que la catedral ha sido un lugar de peregrinación desde la Edad Media hasta nuestros días. En ella destaca la tumba de Santiago, el Botafumeiro, la fachada y el espectacular Pórtico de la Gloria, basado en el Apocalipsis de San Juan. Es recomendable acudir al templo cuando tiene lugar la misa de los peregrinos, todos los días festivos a las 12 del mediodía, principalmente para ver en funcionamiento el famoso Botafumeiro de 53 kilos. Se pueden visitar también las cubiertas (15 €), la tribuna (10 €) y las excavaciones (10 €), en visitas combinadas que incluyen el Museo Catedralicio.

Mercado de Abastos

Fue construido en 1937 para centralizar a todos los vendedores en un solo emplazamiento y se ha convertido en el segundo lugar más visitado de Santiago tras la catedral. El actual edificio data de 1941 y consta de cuatro grandes naves, que ocupan alrededor de 5.600 metros cuadrados. En su interior podemos encontrar todo tipo de productos procedentes directamente de los agricultores, ganaderos y pescadores; es frecuente ver en el mercado a adorables abuelitas vendiendo sus quesos artesanales. La instalación funciona de lunes a sábado desde las 7 hasta las 14 horas, excepto en festivos. Como curiosidad, cabe decir que se puede hacer la compra por teléfono o en la propia web del mercado, es posible conseguir leche en una máquina expendedora y en uno de los bares del mercado te cocinan la compra por un módico precio. Sin lugar a dudas, para los amantes de este tipo de lugares ¡es visita imprescindible!

VIAJANDO

Miradores

No hay nada mejor que ver Santiago desde un mirador. Es habitual destacar cuatro de ellos que no hay que perderse: el primero se encuentra en el Parque da Alameda, justo enfrente de la estatua de Valle Inclán, desde donde se obtiene una de las mejores vistas de la Catedral. El segundo, desde las terrazas de la Facultad de Historia y Geografía: desde aquí puede contemplarse una de las mejores panorámicas de todos los puntos turísticos de la ciudad. Para finalizar, hay dos puntos que no distan mucho entre sí desde los que también se puede ver la ciudad a vista de pájaro: uno es desde el parque del convento de San Domingos de Bonaval, y el otro desde el convento de Belvís.

Monte do Gozo

Para los que hayan hecho a pie el famoso Camino de Santiago, este es uno de los puntos desde donde es posible ver por primera vez las torres de la Catedral. Quizás para un visitante cualquiera no tenga mucho sentido darse un paseo hasta la cima, pero seguro que un buen peregrino lo apreciará.

Museos

En una ciudad como Santiago no pueden faltar los museos: quizás los más conocidos sean el de la Catedral o el Museo das Peregrinacións, aunque existen otros que merecen también una visita. Uno de los que se recomiendan para conocer la vida, la vestimenta y las tradiciones gallegas es el Museo do Pobo Galego: el ticket de entrada cuesta tan sólo 3 € y en él se puede recorrer la historia de este país a través de los objetos. Además, podemos destacar el Centro Galego de Arte Contemporánea o el Museo de Historia Natural, seguro que no defraudarán.

Parque da Alameda

Este es posiblemente uno de los parques compostelanos más visitados, ya que desde su inmejorable emplazamiento se obtiene una de las mejores vistas de la Catedral de Santiago, muy especialmente al anochecer. Data del siglo xIx y en él podemos encontrar una gran variedad de vegetación y estatuas como la de Ramón María del Valle Inclán, que se encuentra sentado en el banco al que acudía diariamente.

Praza do Obradoiro

Se puede afirmar sin lugar a dudas que nos hallamos ante el centro neurálgico de la ciudad. A esta plaza llegan cada día millares de peregrinos procedentes de todos los rincones del mundo para pisar el ansiado kilómetro cero del Camino de Santiago. Presidiendo la plaza encontramos la Catedral, justo enfrente el Pazo de Raxoi, actual Concello o ayuntamiento de la ciudad, y en uno de los laterales el famoso Parador de Santiago, el Hostal dos Reis Católicos, antiguo hospital de peregrinos.

Universidad

Con más de 500 años, la Universidad de Santiago es una de las más famosas y prestigiosas del mundo. Sus inicios se remontan al año 1495, cuando un notario llamado Lope Gómez de Marzoa crea una escuela de gramática para la gente sin recursos. Más tarde la familia de Diego de Muros consigue una bula papal para que Julio II les permita realizar estudios superiores en dicha escuela. Aunque, sin duda, el momento clave lo protagonizó Alonso III de Fonseca, quien creó un edificio en el que centralizó todos los estudios.

Hoy en día es posible realizar una visita guiada al Colexio de Fonseca y a la Facultade de xeografía e Historia por 7 €, en un recomendable itinerario por su patrimonio histórico y artístico.

LA ENTREVISTA

JUAN LUIS MUÑOZ

«Siempre que se respeten las proporciones faciales y se realice una técnica quirúrgica adecuada, no tienen por qué dejarte el rostro irreconocible»

E

LA ENTREVISTA

l mundo de la cirugía estética avanza por momentos a pasos agigantados, es la fuente de la eterna juventud, y en ella se buscan cada vez resultados más naturales en los que la intervención del bisturí sea mínima.

Series como Nip/Tuck nos ayudaron a conocer mejor este apasionante mundo, pero lejos de la ficción de Hollywood queríamos saber cómo es realmente la profesión por dentro, para lo cual hemos quedado para departir con Juan Luís Muñoz, doctor especializado en cirugía plástica de la Clínica Planas de Barcelona. ¿Por qué decides especializarte en cirugía plástica y estética?

Desde muy pequeño expresé mi interés por la medicina y el arte –concretamente la pintura– y consideré que la cirugía plástica era una especialidad que fusionaría mis dos pasiones.

¿Qué operaciones son las que practicas con más frecuencia?

La cirugía que, proporcionalmente, realizo más es el rejuvenecimiento facial o lifting. Pero las más solicitadas son las cirugías de aumento y de reducción de mamas y la liposucción.

¿Crees que la mejor operación es aquella en la que apenas se notan los resultados?

El mejor halago hacia mi trabajo es que el paciente considere que el resultado de su cirugía es muy natural.

¿Consideras que la gente todavía sigue teniendo la concepción de que la cirugía estética te hará el rostro irreconocible?

Realmente creo que muchos pacientes tienen esa idea equivocada. Quizás los casos de algunos pacientes famosos han generado la idea de que la cirugía facial cambia totalmente las facciones, pero la realidad es que siempre que se respeten las proporciones faciales y se realice una

técnica quirúrgica adecuada, no tiene por qué suceder esto.

Uno de los principales condicionantes a la hora de decirse también es el precio. ¿Toda cirugía es cara?

El tema de los precios es siempre relativo. Hay profesionales que están muy capacitados y sus honorarios no son escandalosos. Lo que es muy importante son las instalaciones donde se realice la cirugía, que deben tener las condiciones necesarias para que el paciente esté perfectamente atendido.

¿La cirugía estética siempre es un capricho o a veces es también una necesidad?

Como muchas cosas en la vida, todo se valora según el cristal con que se mire. Para una persona con una rinomegalia, es decir con la nariz muy grande, puede que sea de gran necesidad modificar esta situación, pues condiciona de manera importante su autoestima y su capacidad de relación con los demás; o situaciones que impiden desarrollarse en el desempeño laboral, en la capacidad de entablar amistades o en el ámbito afectivo. En otros casos menos frecuentes puede que sí sea un capricho o bien atender al reclamo de una moda pasajera. En estos casos debemos valorar con gran cuidado al paciente y considerar si es factible su deseo.

Creo que cada vez se tiende a realizar intervenciones más naturales que no requieran quirófano, aunque los resultados no sean tan duraderos. ¿Es preferible?

No tiene que ver para nada asociar tratamientos poco invasivos con la naturalidad. El problema es realizar una correcta indicación para cada caso.

La medicina estética ayuda a mejorar ciertas áreas faciales y corporales con resultados menos duraderos y que quizás podrían retrasar el realizar alguna cirugía. Una cirugía con un patrón estético correcto puede ser muy natural y con resultados muy duraderos en el tiempo.

LA ENTREVISTA

¿Han ayudado o perjudicado a la profesión series como Nip/Tuck y otras?

Series divertidas como Nip/Tuck han despertado el interés del público, pero sin embargo solo son una caricatura de nuestro trabajo; además, no resultan creíbles para los espectadores pues en ellas suelen exponerse situaciones realmente ridículas.

¿Estaban mostradas con rigurosidad las intervenciones en esta serie o eran muy gore?

En la primera temporada realmente me sorprendió con agrado la manera de reflejar nuestra actividad quirúrgica, pero posteriormente fueron perdiendo su cercanía con la realidad intraoperatoria.

Cuando alguien entra en tu consulta por primera vez, ¿ya sabes que es lo que va a pedirte que le soluciones con un simple vistazo?

Pues intento no preconcebir nada. Siempre lo más importante es escuchar al paciente y entender qué motivo le lleva a visitarte. Hace algunos años llegó un paciente a la sala de espera con unos auriculares muy grandes y el pelo largo, su nariz era bastante grande. Esto me hizo pensar que venía a consultar por una rinoplastia; cuando entró al despacho lo saludé y le dije: «Buenas tardes, viene a informarse sobre una rinoplastia, ¿verdad?», y él quitándose los auriculares me respondió: «Buenas tardes, doctor. Pues no, quiero que me opere las orejas». Me sentí muy incómodo en el momento por mi comentario y esto me hizo reflexionar sobre las motivaciones que puede tener cada paciente para acudir a verme. Este paciente tenía unas orejas algo grandes, pero relativamente normales, sin embargo su gran nariz no le preocupaba.

¿Has tenido que renunciar alguna vez a realizar alguna intervención porque no la encontrabas lógica o estética?

No una vez, sino muchas veces no he realizado lo que el paciente ha solicitado. En estos casos intento explicar los motivos médicos, estéticos o técnicos que me llevan a tomar esa decisión. La mayoría de las veces los pacientes lo entienden y lo agradecen; en otros casos la actitud es negativa y quizás acudan a otro cirujano para intentar que cumpla sus deseos. ¿Se está igualando el porcentaje de hombres y mujeres a la hora de recurrir a este tipo de intervenciones?

Cada día tengo un porcentaje mayor de hombres que solicitan información de cirugía o medicina estética; tanto es así, que hay días que el número de visitas masculinas supera con creces las visitas femeninas.

¿Qué es lo que más piden ellos?

Pues, dependiendo de la edad, los hombres solicitan determinados tipos de cirugía. Por ejemplo, los chicos más jóvenes, de 25 a 40 años, actualmente solicitan frecuentemente información sobre liposucción de alta definición, que consiste en un marcaje de la musculatura del tórax, el abdomen, los brazos, etc. Los pacientes entre 45 y 60 años solicitan más información sobre cirugía de párpados, cuello, trasplante capilar, bótox o relleno de surcos, entre otras.

¿El aspecto de las celebrities también influye a la hora de pedir una intervención u otra?

En algunas y algunos pacientes sí que percibo cierta influencia de las celebrities, pero realmente no son un porcentaje muy elevado de quienes asisten a mi consulta. Se inclinan más por hacer referencia a cómo se ve una amiga o un amigo, o un familiar cercano, después de haberse operado y quedar bien.

¿Eres partidario de grabar y colgar las intervenciones estéticas para que la gente vea re-

LA ENTREVISTA

almente de qué se trata y le pierda el miedo a llevarlas a cabo?

No es de mi total agrado el colgar cirugías completas en las redes sociales o en YouTube. Creo que no siempre es necesario tener que ver cirugías complejas o algo crudas para conocer la técnica quirúrgica de una determinada intervención.

Además, muchas veces es difícil de entender lo que están haciendo por la baja calidad de las grabaciones. Y hay un alto porcentaje de pacientes que comentan lo desagradable que es ver este tipo de vídeos «informativos».

¿Se considera España un buen sitio donde hacerse una operación de cirugía estética o en realidad todo depende de los cirujanos y da igual donde estén situados?

En España hay una excelente formación quirúrgica que cuenta con una larga tradición. Pero también es verdad que existen muchos países con una gran trayectoria en cirugía plástica y con profesionales muy bien capacitados. Yo creo que la base de todo esto está en revisar el currículum y la trayectoria del cirujano plástico al cual acudimos para informarnos y así poder tomar una decisión basada en la evidencia a la hora de operarnos.

Como en muchas otras cosas que pueden ser un capricho, hay gente que intenta ahorrar y hacerse las operaciones en países donde le resulte más barato. ¿Desaconsejable?

Pienso que este modo de actuar es totalmente desaconsejable. Un postoperatorio correctamente realizado y supervisado garantiza un resultado satisfactorio. Entre el 35 % y el 40 % del resultado final dependerá de los cuidados postoperatorios.

Al final, ¿tienes la sensación de que no eres solo un cirujano plástico y te acabas convir-

tiendo en confidente, psicólogo, amigo… de tus clientes?

El empatizar con nuestros pacientes es fundamental para que se encuentren relajados y a gusto en la consulta y así puedan exponer con tranquilidad sus preocupaciones, sus dudas e inquietudes, etc. Todo médico debe hacer un poco de psicólogo de sus pacientes y aconsejarles de la manera más objetiva posible ante las dudas que puedan presentárseles.

¿Por qué para la mayoría de la gente sigue siendo un tabú reconocer que se ha retocado en una clínica cuando los efectos son más que evidentes?

Este punto de vista es un poco relativo: dependerá un poco del país, del poder adquisitivo de los pacientes, entre otras cosas. En determinados países es un símbolo de estatus social el estar operado, con lo cual a veces se establece una pequeña competencia para ver quién ha quedado con mejor resultado. Para la mayoría de las personas públicas –actores, políticos, famosos en general– sí que es cierto que hay un poco de secretismo a la hora de comunicar que se han hecho algún retoque quirúrgico o de medicina estética. Los pacientes que vienen habitualmente a mi consulta no suelen tener este tipo de tabúes a la hora de hacerse un retoque.

¿Cómo será la cirugía del futuro o cómo te gustaría que fuese?

En los procedimientos del futuro creo que el componente «regenerativo» será el protagonista; la grasa, las células madres y sus aplicaciones marcarán los avances en el rejuvenecimiento y la remodelación facial y corporal. Espero que los resultados sean más armónicos y naturales.

Texto y fotos: Guillem Medina

ยกHOLA!

COTILLEOS EN PAPEL COUCHÉ

MAGAZINE

S

i hablamos de revistas del corazón de publicación semanal, ¡Hola! es la segunda más vendida en España después de Pronto. La revista fue fundada y dirigida por Antonio Sánchez Gómez (1911-1984), quien procedía del diario vespertino La Prensa de Barcelona. En la portada de su primer número, en 1944, podía verse una ilustración muy veraniega de una jovencita junto al mar con un perrito al lado. El logotipo de la revista, al principio con la bola del mundo sustituyendo a la letra O, pronto sería modificado por una caligrafía de tipo más convencional. La revista aparece inicialmente en blanco y negro con algunos destacados en rojo y en la portada solían aparecer actores y actrices de Hollywood de la talla de Elizabeth Taylor, Ava Gardner, Rita Hayworth, Robert Taylor, Bette Davis, Clark Gable o Lana Turner. Aunque poco a poco también fueron ocupando la portada las monarquías, sus bodas y romances, que servían como espejo en el que podían contemplarse embobadas las jóvenes de la época.

Hasta los años sesenta la revista siguió apareciendo con portada en blanco y negro o en bitono azulado, protagonizadas en aquella ocasión por la nueva princesa Gracia de Mónaco, la reina Fabiola de Bélgica o las consortes del Sha de Persia, como Soraya, la desdichada emperatriz repudiada por ser estéril, o su nueva esposa Farah Diva. La siguiente década verá aparecer nuevos ídolos autóctonos que permanecerán en portadas durante años, como Julio Iglesias, que se casa con una desconocida Isabel Preysler; el cantante Raphael y su matrimonio con Natalia Figueroa; o Ana de Inglaterra, que dará que hablar en su ju-

ventud. La revista ha sido en muchas ocasiones el álbum fotográfico oficial de los grandes enlaces, como en la boda de Carolina de Mónaco y Philippe Junot o la de Carlos de Inglaterra con Lady Diana Spencer; o de cuando falleció Grace Kelly a raíz de un accidente de tráfico. La revista también ha sido testigo de hechos más trascendentes como el asesinato de Kennedy, la llegada del hombre a la Luna, la guerra del Vietnam, la muerte del dictador Franco y la restauración de la monarquía en la figura de Juan Carlos I, la caída del Muro de Berlín, etc.

Desde 1984, fecha de la muerte de su fundador, fue su hijo, Eduardo Sánchez Junco, quien le sucedió en la dirección hasta su fallecimiento, el 14 de julio de 2010, tras una larga enfermedad. En 1989 se lanzó la versión inglesa del semanario en el Reino Unido con el título de Hello!; y en 1998 también se editó una versión francesa, OhLa!, que sólo existió durante seis años. Actualmente existen también las versiones mexicana (¡Hola! México) y venezolana (¡Hola! Venezuela), así como la canadiense, la rusa y la griega, llamadas todas ellas también Hello! Las últimas ediciones en llegar al mercado han sido las de Brasil, Indonesia, la República Dominicana, Argentina, Bulgaria, Perú, Venezuela y Chile. En la actualidad, la distribución del semanario se realiza en 70 países y, en España, tiene una difusión de 470.000 ejemplares, según datos de la Oficina de Justificación de la Difusión.

En 2013 la revista presentó su edición en Filipinas. También se publican ediciones locales en Perú, El Salvador, Chile y Guatemala. ¡Hola! tambien dispone de una versión digital.

ESTRELLAS DE HOLLYWOOD

THE ROYALTIES

TRICICLE

«Hits», el colofón a toda una carrera sobre los escenarios

TEATRO

T

ricicle es una compañía de teatro gestual en la que el humor es la base fundamental de todos sus espectáculos. Lo componen tres actores fundadores: Joan Gràcia, Carles Sans y Paco Mir. La compañía, creada el primer día de noviembre de 1979 en Barcelona, empezó a representar pequeños sketches en las calles y en espacios alternativos.

En aquel momento, cada uno de los tres componentes de Tricicle eran alumnos del Institut del Teatre barcelonés, en las secciones de pantomima y arte dramático. Después de varias temporadas actuando en salas alternativas, en 1982 dan el salto al circuito profesional, estrenando en la Sala Villarroel de Barcelona un espectáculo compuesto de sketches de géneros muy distintos que habían sido creados a lo largo de su etapa en cafés teatro. El espectáculo lo titularon Manicomic y fue un sonado éxito de crítica y público: con él obtendrían un premio en el Festival Internacional de Sitges de aquel año. Fue el crisol de su aprendizaje, donde cada sketch correspondía a una influencia provocada por un artista diferente y el conjunto de todos ellos dio como resultado la fórmula que inconscientemente aplicaron a sus espectáculos posteriores. Hablar de Manicomic es hablar de una mezcla indiscriminada de técnicas como la máscara, la pantomina, el gag y el clown, combinadas con una innata predisposición al ritmo. Todo un debut como actores de mimo y clown.

Una sorprendente aparición en un programa televisivo de aquel momento les supuso el reconocimiento a nivel estatal, lo que provocó su debut en la Sala Cadarso de Madrid. En 1984 estrenan su nuevo espectáculo, Exit, con el que conseguirán sus primeros llenazos. Este es su primer espectáculo monotemático, donde la acción se desarrolla en el hall de un aeropuerto y en el interior de un avión; dos únicos ambientes por los

que transitan incesantemente más de treinta personajes –pilotos, turistas, azafatas, ejecutivos, pensionistas...–, interpretados por solo tres actores. Superando las previsiones más escépticas, el espectáculo no solo giró por las principales ciudades españolas, sino que permitió a la compañía salir por primera vez de España, invitados a representar la obra en distintos países. Con Exit salen por primera vez de las fronteras estatales y Tricicle empieza a hacerse un lugar en el panorama teatral europeo.

La consolidación definitiva llegó en 1986 con Slastic, una sucesión de cómicas situaciones sobre el mundo del deporte con la que consiguieron, por espacio de varios años, llenar los teatros en los que actuaron, tanto de España como de Europa. A Slastic le siguió Terrrific!, un show en el cual la compañía propone un divertido recorrido por una casa del terror, con distintos gags protagonizados por seres terroríficos y estancias encantadas, y más tarde EntreTres, con el que llegarán a cumplir 20 años de existencia profesional. En el espectáculo, Tricicle vuelve a su propia esencia, representando distintos sketches que son independientes unos de otros. Entre otros, aquí se hizo famoso el gag donde Joan Gràcia hace una parodia del ciclista navarro Miguel Induráin. En su nueva propuesta, Tricicle 20 (1999), la compañía catalana realizó una antología de los mejores gags de sus diferentes espectáculos hasta la fecha, con la que conmemoraron su vigésimo aniversario. En Tricicle 20 era el propio público el que podía elegir qué números quería ver cada noche en el escenario, a través de una selección de más de 40 que habían propuesto los propios autores.

Ya en el siglo xxI, Tricicle estrenará tres nuevos espectáculos: Sit (2002), Garrick (2007) y Bits (2012). Sit fue una colección de cómicas situaciones en torno a un objeto tan común y universal como es una silla. Tricicle ya había utilizado este

objeto como protagonista de numerosos sketches de sus anteriores espectáculos como Slastic, Exit o EntreTres.

En el año 2007, Tricicle presenta su octavo espectáculo, Garrick, en el que homenajea al humorista británico David Garrick, un reconocido actor inglés del siglo xVIII. El peculiar personaje estaba tan extraordinariamente dotado para la comedia que los médicos de la época recomendaban sus actuaciones como una especie de remedio mágico, capaz de sanar cualquier pena del alma. De algún modo, Garrick, sin saberlo, fue el primer especialista en risoterapia de la historia.

En 2016 estrenan el espectáculo con el que pretenden despedirse de los escenarios. Hits –el nombre no engaña– contiene lo mejor de lo mejor de Tricicle, o casi, porque el trío de cómicos han tenido que dejar de lado sketches que seguro que alguien echará de menos, aunque sea el más largo de todos los espectáculos que hayan realizado jamás: cien minutos llenos de gags que todo el mundo tiene en su memoria. Hits –acrónimo de Humor Inteligente, Trepidante y Sorprendente– reúne doce sketches mínimamente reducidos y un amplio resumen, compuesto de gags cortísi-

mos, que cierra el espectáculo y deja al público a punto del colapso respiratorio. Casi todos aparecen tal y como se estrenaron, ya que el paso del tiempo –salvo en aspectos tecnológicos que se han obviado o variado– no les ha afectado en absoluto.

SMOKING SERIES PORTFOLIO

Fotos: Guillem Medina

Quim Capdevila

Francesc Mestre

Xavi Soler

Carlos Serra

Ivรกn Hidalgo

Onofre Rojo

Miguel Ă ngel Parra

JosĂŠ Manuel Serrano

David Hidalgo

CURIOSITATS BCN

Estimats Reis Mags: El futbolí

S

egons el diccionari, el futbolí es defineix com «un joc de taula amb un caixó que simula un camp de futbol i fileres de bitlles representant futbolistes, encaixades en eixos que poden ser accionats per un mànec».

El 1936, Alejandro Campos Ramírez era un jove anarquista compromès amb la defensa de Madrid, davant del setge imposat per l’exèrcit franquista sublevat el 18 de juliol d’aquell mateix any. Tenia 17 anys, treballava de paleta, escrivia poesia i havia adoptat com a pseudònim el nom de la seva vila natal, Finisterre, situada a l’extrem occidental de Galícia, prop de la Corunya. Seria conegut, doncs, per Alejandro Finisterre o a vegades també per la seva versió gallega, Alexandre de Fisterra. Era un noi especialment actiu en el vessant cultural, col·laborava a la revista Paso a la Juventud i havia organitzat el primer recital del poeta León Felipe durant la Guerra Civil. El mes de novembre d’aquell any, però, Finisterre era a casa quan estigué a punt de morir sota les bombes franquistes. Greument ferit i sepultat pels enderrocs, pogué ser rescatat pels serveis de socors, que l’evacuaren posteriorment a València. Des d’allà fou traslladat a Catalunya fins a la Colònia Puig, un antic centre de vacances proper a Montserrat, convertit per la Generalitat republicana en un centre de recuperació de víctimes civils, especialment ancians i nens. Finisterre s’anà recuperant de les ferides i el seu

caràcter inquiet el dugué a organitzar una escola per als interns infantils, d’acord amb els mètodes pedagògics promoguts per Ferrer i Guàrdia, fins i tot amb classes d’esperanto. S’adonà, però, que allò que feia més feliços els nens era jugar a futbol, una activitat a l’aire lliure que esdevenia impossible quan feia mal temps i que, a més, era inaccessible per als que patien ferides o mutilacions. Ell mateix es veia impossibilitat de practicar el seu esport preferit, ja que a conseqüència de les lesions havia quedat coix, i pensà que si existia el tennis de taula, també hi podia haver una versió similar del futbol. Finisterre desplegà

CURIOSITATS BCN

tota la seva inventiva i, amb la col·laboració d’un fuster basc també refugiat, Francisco Javier Altuna, creà un joc de futbol de taula, amb petits jugadors de fusta fixats en barres d’acer que comprà a Barcelona. Havia inventat el futbolí, un aparell lúdic que obtingué un èxit immediat entre la colònia infantil. Joan Busquets, líder de la CNT de Monistrol, animà Finisterre a patentar l’invent, cosa que féu a Barcelona a començament de 1937. Val a dir que ja hi havia precedents dels jocs de futbol de taula, entre els quals el desenvolupat per l’anglès Harold Searles Thornton, que el 1923 obtingué la patent d’un joc de futbol d’interior, amb els jugadors fets d’un sol bloc, mentre que els de Finisterre tenien les dues cames separades, una circumstància que proporciona una dinàmica de joc molt diferent.

Cap al final de la guerra, Finisterre, com tants altres republicans, travessà la frontera de França per evitar la repressió franquista. Dins el sarró hi portava només dos llibres, una llauna de sardines i la patent del futbolí, el seu bé més preuat, però deu dies de pluges intenses van acabar per malmetre el document, que es perdé per sempre.

«Caldria anar a buscar-lo a l’Arxiu de Salamanca», comentaria molts anys després amb ironia. El 1948, passada la Segona Guerra Mundial, Finisterre era a París quan sabé que Magí Muntaner, un company del POUM que havia conegut a l’hospital, havia patentat el futbolí a Perpinyà.

Muntaner havia intentat comunicar-li-ho, però no ho aconseguí i després morí mentre era al maquis. Finisterre reivindicà la seva autoria davant de l’empresa francesa Marée, que els comercialitzava amb gran èxit, de la qual obtingué prou diners per anar-se’n a l’Equador, on fundà la revista 0º, 0’, 0’’. Fou en la presentació d’aquesta publicació on conegué l’ambaixador de Guatemala, que el convencé de fabricar futbolins al seu país. S’hi instal·là el 1952 i hi començà la producció, amb uns exemplars d’una qualitat extraordinària, fets amb barres d’acer suec i taules de caoba finament treballades per la població indí-

gena. Finisterre freqüentava el Centro Republicano Español guatemalenc, on tingué ocasió de jugar un bon nombre de partides amb Ernesto Che Guevara, que conegué gràcies a l’amistat que unia la seva germana i la companya del Che.

L’aventura guatemalenca s’acabà també amb un cop d’estat, protagonitzat pel general Carlos Castillo Armas. Per la seva coneguda militància, a més de la competència que feia al monopoli estatal de les màquines escurabutxaques, les noves autoritats obligaren Finisterre a pujar a un avió rumb a Madrid, on l’esperava la policia franquista.

Per evitar-ho, amenaçà que faria explotar l’avió amb una bomba simulada, feta amb sabó i embolicada amb paper de plata. Aquest fet el convertí, com a ell mateix li agradava de recordar, en el primer segrestador aeri de la història. Finisterre tingué l’ocasió d’introduir el seu invent als Estats Units, però ho rebutjà perquè l’obligava a arribar a acords amb la màfia, que controlava el negoci del joc. El 1956 s’instal·là a Mèxic, però no pogué retenir els drets del seu joc, que acabà piratejat per diversos fabricants. Fou aleshores quan decidí dedicar-se a l’edició de llibres d’art i de poesia d’autors espanyols exiliats, una activitat que el portà a retrobar-se amb León Felipe. El 1975, en retornar a l’Estat espanyol, Finisterre descobrí atònit que pràcticament a cada bar, a cada centre recreatiu, a les presons, a les parròquies i a les casernes hi havia un futbolí, convertit en el joc de la postguerra per excel·lència. La configuració, però, havia canviat. Fabricats principalment a València, els jugadors de fusta i la pilota de suro inicials —que proporcionaven un joc suau i silenciós— s’havien convertit en jugadors de ferro i bola de marmolina, fins a esdevenir una activitat dura i sorollosa, basada més en la potència que en l’habilitat. Eren, segons les seves pròpies paraules, jugadors fosos amb un metall que havia segat la vida de més d’un espanyol; tenien alguna cosa de soldadet de plom que colpejaven aquelles boles compactes com bales de canó. Tot i així, conservava les seves principals virtuts com

a joc compartit, amb capacitat de fomentar l’amistat i la companyonia, a més de la coordinació dels moviments de la mà dreta i l’esquerra. El fort vessant competitiu, unit a la utilització del futbol com a esport emblemàtic de l’Espanya franquista, van proporcionar al futbolí un popularitat immensa.

Tant a l’Estat espanyol, tret de Madrid i alguna altra zona, com a la majoria de països sud-americans, hi predomina el model amb jugadors de dues cames, conegut universalment com a català, mentre que a la resta del món és hegemònic el de les figures d’un sol bloc, l’únic admès en les competicions internacionals. Generalment, en aquest futbolí –denominat francès– els jugadors estan distribuïts en dos defenses, cinc centrals i tres davanters, mentre en el futbolí català la disposició és de tres defenses, tres centrals i quatre davanters, a banda del porter.

Accionats amb monedes, els futbolins de gran format són els més apreciats pels jugadors, però les seves grans proporcions i l’elevat preu en fan un objecte inabastable per a les economies domèstiques. Per aquest motiu, han sovintejat els models de joguina, de diferents mides i prestacions, de cartró o de plàstic els més petits de sobretaula i de fusta i metall els més grans, que també disposen de potes, sovint plegables. El primer a patentar un futbolí de joguina fou el fabricant Jaume Figueres, el 1942, i la producció es concentrà primerament a les empreses de joguines tradicionals d’Osona, ubicades principalment a Vic i a Torelló, per estendre’s després a una gran quantitat de productors. Al Museu de Joguets i Autòmats de Verdú (Urgell), Manuel Mayoral hi conservava una extraordinària collecció de futbolins i d’altres joguines relacionades amb el món del futbol.

Actualment, persisteix fortament arrelada la pràctica del futbolí, tant en el vessant lúdic com en el competitiu. Entre les versions de joguina,

el 2009 causà sensació l’aparició del primer futbolí específicament femení, creat per Chloé Ruchon amb la col·laboració de Mattel, amb nines Barbie en lloc dels jugadors habituals.

Ròmul Brotons

Capítol del llibre Estimats Reis Mags: 35 jocs i joguines per recordar

Enllaç de la fitxa del llibre: https://albertieditor.cat/index.php?route=pr oduct/product&path=89&product_id=58

TELEVISIÓN

Miguel Ángel Parra

«El Cuentacuentos», historias al calor del fuego

A

mediados de los ochenta, Jim Henson, que por aquel entonces ya era conocido en todo el mundo por sus numerosos proyectos en el cine y la televisión, crea junto a su hija una nueva serie que, casi instantáneamente, se convierte en una programa de culto para los pequeños telespectadores de España y otros países europeos: El Cuentacuentos (The StoryTeller, 1987).

Henson, justo antes de finalizar la producción de la cuarta y última temporada de Los Fráguel (Fraggle Rock, 1983-1987), decide embarcarse en nuevo proyecto infantil, pero, esta vez, con un trasfondo mucho más serio. Para ello cuenta con la ayuda de su hija Lisa, con la que ya había colaborado anteriormente creando el complejo universo de criaturas fantásticas de Cristal oscuro (The Dark Crystal, 1981).

Lisa, graduada en folclore y mitología en la Universidad de Harvard, sugiere a su padre una serie basada en antiguas fábulas en la que se recupere la desaparecida figura de los legendarios cuentistas. Cautivado por la idea, ambos empiezan a dar forma al proyecto inspirándose en nueve relatos clásicos del folclore europeo: El soldado y la muerte, Juan sin miedo, El niño afortunado, Cuando me faltó un cuento, Hans, mi pequeño erizo, Los tres cuervos, La Cenicienta, El gigante sin corazón y La verdadera novia.

Una vez pautada la guía de estilo del programa y habiendo seleccionado las historias, los Henson encargan la labor de adaptar esos cuentos a Anthony Minghella –guionista y director de la

premiada El paciente inglés (The English Patient, 1996)–, que tarda aproximadamente dos años en documentarse convenientemente en diferentes culturas y tradiciones para la escritura de cada uno de los capítulos de la serie. En ellos, sentado en su butaca frente a la chimenea y acompañado por su quisquilloso perro, se encuentra el anciano Cuentacuentos interpretado por John Hurt. Al calor del fuego, la voz del actor poco a poco transporta a la audiencia a una serie de historias un tanto oscuras y crueles, interrumpidas de vez en cuando por las impertinentes preguntas del chucho, encargado de dar voz a los espectadores con sus dudas y de aliviar la tensión del momento con algo de humor.

Originalmente la idea de Henson es que el personaje de John Hurt sea interpretado por un animatronic, pero el famoso escultor hiperrealista Ron Mueck, que por aquel entonces trabaja en la compañía, le hace cambiar de idea grabando en vídeo unas pruebas con maquillaje prostético que convencen a Jim de lo contrario. Gracias a la sugerencia de Mueck, Hurt se une finalmente a la larga lista de grandes actores británicos que forman el reparto de la serie.

El primero de esos nueve capítulos se emite el 31 de enero de 1987 en la NBC, pero solo cuatro lo hacen de forma independiente en los Estados Unidos. La complicada producción del programa hace imposible su emisión semanal y por ese motivo la serie no tiene la oportunidad de ganarse un público fijo que la siga. En otros países como España o el Reino Unido, la temporada se difunde con éxito en su totalidad, pero los espectadores estadounidenses tendrán que esperar a

la llegada del programa contenedor The Jim Henson Hour (1989) para ver el resto. Aun así, la acogida de su piloto, Hans, mi pequeño erizo, es muy buena y gana el premio Emmy al mejor programa infantil de 1987.

A pesar de la agridulce experiencia, en julio de 1989, durante la charla de An Evening with Jim Henson and Frank Oz, un evento de Puppeteers of America celebrado en el MIT de Boston, Henson anuncia la próxima producción de la compañía, un spin-off de El Cuentacuentos titulado El narrador de historias: Mitos griegos (The StoryTeller: Greek Myths, 1990).

En El narrador de historias: Mitos griegos, el viejo sabueso, manipulado e interpretado de nuevo por Brian Henson, vuelve a esta segunda entrega del programa, pero no para acompañar a John Hurt, como avanzó Jim Henson en el MIT,

sino a otro actor británico: Michael Gambon. El narrador de la serie es ahora un ladronzuelo atrapado junto a su perro en el laberinto de Cnosos, hogar del terrible Minotauro de Creta.

Desde su cautiverio, Gambon utiliza como excusa narrativa las distintas piezas del tesoro que iban a ser su botín, relatando al espectador sus diferentes historias; cuatro mitos griegos elegidos por el creador de la miniserie Anthony Minghella y escritos por el guionista Nigel Williams: Teseo y el Minotauro, Perseo y la Gorgona, Orfeo y Eurídice y Dédalo e Ícaro.

La factura de El narrador de historias: Mitos griegos, como en el caso de su predecesora, es sin duda impecable, pero, lamentablemente, no logró calar tan hondo en la memoria de los espectadores como ese anciano Cuentacuentos que, junto a su perro, nos narraba historias al calor del fuego de su chimenea.

CINE / LA CRÍTICA ANIMALES FANTÁSTICOS: LOS CRÍMENES DE GRINDELWALD

Vuelve la magia, más enrevesada que nunca

Si eres muy fan de Harry Potter como yo, y has visto recientemente la primera de Animales fantásticos, estás de enhorabuena. Si no, te vas a hacer un lío importante.

Este film sigue las aventuras de Newt Scamander (Eddie Redmayne), pero introduciéndolo en un contexto muchísimo más complejo y enrevesado. Casi se podría decir que el personaje pasa a un segundo plano, pues la trama de la película se ve engullida por los misterios sobre la procedencia de Credence (Ezra Miller), por el extraño pasado de Leta (Zoë Kravitz), por los malvados fines de Grindelwald (Johnny Depp) y por la curiosidad que nos despierta su pasado con Dumbledore (Jude Law), que, si bien en los libros ya se insinuaba tal «amistad», en los films nos viene de nuevo. Excelente la forma en que se trata esta relación entre dos hombres, sutil pero evidente a la vez. A nivel interpretativo cabe destacar a Jude Law: su actuación en la escena del espejo de Oesed es brutal, lo dice todo con su mirada. Dumbledore es una mina de oro como personaje.

Johnny Depp nos trae un personaje muy diferente a lo que estamos acostumbrados. Promete mucho. Un aplauso también para el libreto, que tal vez no sea el mejor guión de cine de la historia, pero está escrito casi en exclusiva para fans acérrimos de la saga y, sobretodo, de los libros. J.K. Rowling sabe bien lo que se hace, pues no pretende atrapar a un público nuevo con este film: es consciente que le preceden otros nueve, y si llegas ahora a la saga, lo siento, ponte a la cola y visiónala en su orden correcto. Es la única manera de disfrutar de la historia. Lo dicho: te intrigará, te interesará y te dará un final con un cliffhanger enorme para coger ganas de que llegue la próxima película. Pero repito, si eres seguidor; si no, te dedicarás a contar palomitas.

Mi opinión: Para los fans, que somos muchos, que creemos en la magia. No apta para mugles.

Joaquim Bundó

RALPH ROMPE INTERNET

Un homenaje a la amistad, aunque Ralph siempre pringa

Rompe Ralph trataba de aceptarse a uno mismo, aunque fueras el malo de la historia. O también a resignarse con lo que a uno le toca. En el primer film, Ralph demostraba ser un buenazo que, buscando su propio sueño: ser un héroe en vez de un villano, acababa por ayudar a la pequeña Vanellope a cumplir el suyo, transformándose ambos en amigos inseparables. Eso sí, resignándose él a seguir siendo el malo, pero feliz por tener una amiga. En esta secuela, Ralph pringa de nuevo. No quiero hacer spoiler, así que si no la has visto deja de leer.

Lejos de aprovechar la película para cambiar las tornas y hacer realidad los anhelos del grandullón protagonista, es Vanellope la que vuelve a dominar la trama. Sus sueños crecen y Ralph parece no estar a la altura de ellos, ya que solo le pide a la vida paz, tranquilidad y estar con su amiga. Pero ni eso le dejan al pobre. Si bien el film está cargado de momentos tiernos, e hilarantes también, nos deja cierto regusto amargo, pues parece que Ralph está destinado a ser el héroe más sufrido de Disney, que jamás obtiene lo que desea, por humilde que sea el deseo. Se trata de una buena película que te toca la fibra, pero que pide a gritos una tercera parte en la que Ralph tenga sueños nuevos con su final feliz, de una vez por todas, en vez de tener que resignarse constantemente. El guión es excelente y consigue que empatices con ambos personajes, que quieren cosas muy diferentes, por lo que es obvio que uno de los dos deberá renunciar a algo.

Logrado, muy logrado, el trayecto emocional de ambos. A destacar los momentos con las princesas y otros guiños, que son muy divertidos y autoparódicos. En definitiva, Ralph rompe internet es tierna, cruel, paródica, informal, divertida, triste y muy pero que muy emocional.

Mi opinión: Te hará llorar.

CINE ESTRENOS

Astérix: El secreto de la poción mágica

Dirección: Alexandre Astier, Louis Clichy Guion: Alexandre Astier Música: Philippe Rombi Dirección artística: Alexandre de Broca Voces originales: Christian Clavier, Guillaume Briat, Bernard Alane, Daniel Mesguich

Cuando Panorámix se cae de un árbol mientras intentaba coger muérdago y se rompe las piernas, decide que debe buscar a un sucesor. Con Astérix y Obélix a su lado, se embarca en un viaje a través de la Galia para encontrar a un druida. Un druida al que pueda entrenar y que sea digno de heredar la receta de la poción mágica... La película parte de una idea original de Astier inspirada en los cómics creados por los franceses René Goscinny y Albert Uderzo. Clichy aporta su arte como animador en el parisino estudio Mikros Image.

Capitana Marvel

Dirección: Anna Boden, Ryan Fleck Guion: Nicole Perlman, Meg LeFauve Música: Pinar Toprak Fotografía: Ben Davis Reparto: Brie Larson, Jude Law, Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Gemma Chan, Lee Pace, Mckenna Grace, Clark Gregg, Djimon Hounsou, Kenneth Mitchell, Annette Bening, Lashana Lynch, Rune Temte, Damon O'Daniel, Algenis Pérez Soto, Colin Ford, Robert Kazinsky, Connor Ryan

La historia sigue a Carol Danvers mientras se convierte en uno de los héroes más poderosos del universo cuando la Tierra se encuentra atrapada en medio de una guerra galáctica entre dos razas alienígenas. Situada en los años 90, Capitana Marvel es una historia nueva de un período de tiempo nunca antes visto en la historia del universo cinematográfico de Marvel.

Dumbo

Como entrenar a tu dragón – 3

Holt una vez fue una estrella de circo, pero, tras volver de la guerra, su vida se ve alterada terriblemente. El dueño del circo Max Medici (Danny DeVito) lo contrata para cuidar a Dumbo, un elefante recién nacido, cuyas enormes orejas lo convierten en el hazmerreír de la compañía de circo. Pero cuando los hijos de Holt descubren que Dumbo puede volar, el empresario V.A. Vendevere (Michael Keaton) y la artista de acrobacias Colette Marchant (Eva Green) entran en acción para convertir al pequeño elefante en una estrella.

Lo que comenzó como la inesperada amistad entre un joven vikingo y un temible dragón Furia Nocturna se ha convertido en una épica trilogía que ha recorrido sus vidas. Hipo ha conseguido dar forma a la utopia que soñaba, en la que dragones y vikingos viven en perfecta armonía, pero todo se malogra cuando nuevas amenazas se acercan a la isla Mema de la mano del villano Grimmel. En esta nueva entrega, Hipo y Desdentao descubrirán finalmente su verdadero destino: para uno, gobernar la isla Mema junto a Astrid; para el otro, ser el líder de su especie. Pero, por el camino, deberán poner a prueba los lazos que les unen.

Dirección: Tim Burton Guion: Ehren Kruger Música: Danny Elfman Fotografía: Ben Davis Reparto: Colin Farrell, Eva Green, Michael Keaton, Danny DeVito, Alan Arkin, Joseph Gatt, Suan-Li Ong, Douglas Reith, Roshan Seth, Sharon Rooney, Deobia Oparei

Dirección: Dean DeBlois Guion: Dean DeBlois Música: John Powell Voces originales: Jay Baruchel, Cate Blanchett, Craig Ferguson, America Ferrera, Christopher Mintz-Plasse, Jonah Hill

CINE ESTRENOS

Stan & Ollie

El candidato

La película cuenta la historia desconocida de las vidas del dúo cómico Laurel y Hardy, conocidos como el Gordo y el Flaco, mientras hacen su última gira por el Reino Unido e Irlanda antes de su retirada de los escenarios tras una carrera plagada de fama y de éxitos. El film muestra la cara oculta de estos personajes entrañables en la que había más sombras que luces, a pesar de contar con el apoyo de sus respectivas esposas y el cariño del público.

El candidato narra la campaña presidencial del senador estadounidense Gary Hart, que tuvo lugar en 1988, momento en el que los medios de comunicación difundieron un escandaloso romance extramatrimonial del político. Tras perder la candidatura democrática contra Walter Mondale en 1984, Gary Hart hizo un regreso triunfal a la candidatura a presidente en 1987, en un momento en el que su partido estaba desesperado por arrebatarle el poder a los republicanos.

Dirección: Jon S. Baird Guion: Jeff Pope Fotografía: Laurie Rose Música: Clint Mansell Reparto: John C. Reilly, Steve Coogan, Bentley Kalu, Nina Arianda, Danny Huston, Shirley Henderson, Rufus Jones, Susy Kane, Stephanie Hyam, Charles Walters, Ella Kenion, Joseph Balderrama, Sophie Wardlow, Michael Haydon

Dirección: Jason Reitman Guion: Jason Reitman, Matt Bai, Jay Carson Fotografía: Eric Steelberg Música: Rob Simonsen Reparto: Hugh Jackman, Vera Farmiga, J.K. Simmons, Kaitlyn Dever, Ari Graynor, Molly Ephraim, Sara Paxton, Josh Brener, Mike Judge, Toby Huss, Kevin Pollak, Tommy Dewey, Mamoudou Athie

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Qué será de nosotros cuando las chicas dejen de bailar

Dirección: Gonzalo Visedo Guion: Antonio Dyaz, Coque Malla, Gonzalo Visedo Fotografía: Cristina Laguna Reparto: Coque Malla, Ángela Molina, Leonor Watling, Jeannette

Esta es la historia real del músico español que lideró el mítico grupo Los Ronaldos, Coque Malla, y el proceso creativo seguido en la elaboración de un nuevo disco. Malla, nacido en 1970 en Madrid, queda con varias mujeres artistas en esta aventura y se inspira en ellas, mujeres de la talla de Leonor Watling o Ángela Molina. El artista, autor de uno de los himnos de la música española, «No puedo vivir sin ti», terminará grabando en directo su álbum Mujeres a través de sus escritos íntimos, sus confesiones y su pasión por la música. El álbum es un viaje por la vida del artista y de las muchas mujeres que protagonizan su historia.

4 latas

Dirección: Gerardo Olivares Guion: Gerardo Olivares, María Jesús Petrement, Chema Rodríguez Música: Pascal Gaigne Fotografía: Gonzaga Manso Reparto: Jean Reno, Hovik Keuchkerian, Francesc Garrido, Enrique San Francisco, Arturo Valls, Susana Abaitua, Juan Dos Santos, Morad Azzaaoui, Daniel Asencio

Al saber que su amigo Joseba está enfermo, Tocho y Jean-Pierre deciden ir a visitarle a Mali. Recordando los viajes que hicieron los tres juntos en los años 80 del siglo pasado, cruzando África en coches que luego vendían en Mali y Níger, se aventuran a atravesar el Sáhara con un cuatro latas que aún conserva su hija Ely. Será una aventura repleta de emociones y de divertidos encuentros, que cambiará la vida de todos ellos para siempre.

Yuli

Tiempo después

Film sobre el bailarín cubano Carlos Acosta, un viaje temporal a través de la vida de la leyenda de la danza y primer bailarín negro en interpretar algunos de los papeles más famosos del ballet, originariamente escritos para blancos, en compañías como el Houston Ballet o el Royal Ballet de Londres, donde ha sido primer bailarín durante más de 15 años.

Se nos cuenta desde su dura infancia hasta su madurez, etapa que será protagonizada por el propio bailarín, quien, pese a su éxito y reconocimiento internacional, nunca olvidó sus orígenes.

En el 9177, mil años arriba, mil años abajo –que tampoco hay que pillarse los dedos con estas minucias–, el mundo entero –y según algunos, también el universo– se ha visto reducido a un solo Edificio Representativo y a unas afueras cochambrosas habitadas por todos los parados y hambrientos del cosmos. Entre todos estos desgraciados está José María, un tipo que decide que, salvando ciertas dificultades, y mediante la venta en el Edificio Representativo de una riquísima limonada que él mismo manufactura, otro mundo es posible.

Dirección: Icíar Bollaín Guion: Paul Laverty Música: Alberto Iglesias Fotografía: Álex Catalán Reparto: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Keyvin Martínez, Edison Manuel Olvera, Laura de la Uz, Yerlin Pérez, Mario Elías, Andrea Doimeadiós, Carlos Enrique Almirante, Cesar Domínguez

Dirección: José Luis Cuerda Guion: José Luis Cuerda Música: Lucio Godoy Fotografía: Pau Esteve Birba Reparto: Blanca Suárez, Roberto Álamo, Arturo Valls, Miguel Rellán, Carlos Areces, Antonio de la Torre, Joaquín Reyes, Raúl Cimas, Berto Romero, Nerea Camacho

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Memorias de un hombre en pijama

Dirección: Carlos Fernández de Vigo Guion: Ángel de la Cruz, Diana López Varela, Paco Roca Música: Love of Lesbian Voces: Raúl Arévalo, María Castro

Esta película española de animación dirigida por Carlos Fernández de Vigo cuenta la historia de Paco, un soltero de 40 años que consigue cumplir su sueño de infancia: trabajar desde su casa sin tener que quitarse el pijama.

No obstante, en el culmen de la felicidad, el protagonista, al que presta la voz Raúl Arévalo, hará un encuentro que dará un giro imprevisto a su vida.

Conoce a Jilguero, interpretada por María Castro, una chica de la que se enamora. La película relata los obstáculos del día a día a los que tiene que enfrentarse la pareja, mientras Paco se niega a renunciar a su objetivo de quedarse en casa en pijama.

Todos los caminos

Dirección: Paola García Costas Guion: Paola García Costas Música: Pablo Cervantes, Júlia Benach, Leo Dolgan Fotografía: Juanjo Ordorica, Dario García García, Marc Blasco Reparto: Dani Rovira, Clara Lago, Francisco Santiago, Germán Torres, Martina Santiago, Daniela Santiago, Marina Maldonado, Martín Giacchetta

Se trata de un documental que busca dar visibilidad al síndrome de Rett, una enfermedad rara. El actor Dani Rovira está acompañado, durante un recorrido en bicicleta, de Paco –padre de Marina, una niña que padece la enfermedad–, Germán –un bombero– y Martín –un entrenador personal–, durante los 1.500 km que separan Barcelona del Vaticano. Junto a ellos también aparece la actriz Clara Lago, pareja del actor, que aportará su granito de arena a la causa.

EXPOSICIONES

Velázquez i el Segle d’Or L'obra de Diego Velázquez (1599-1660) s'inscriu en un ampli context a causa del caràcter global de la monarquia espanyola, que regnava a la Península Ibèrica però també a Flandes, a territoris d'Itàlia i en algunes zones d'Amèrica i Àsia, com a les Filipines. Aquest cosmopolitisme es reflectia en les col·leccions del rei, molt riques en pintures d'artistes d'aquests territoris. És dins d'aquest marc internacional on s'entén millor l'art de Velázquez.

La mostra ens acosta a aquest món de Velázquez a través de set obres del mestre sevillà i cinquanta obres més de grans artistes relacionades amb ell mateix. Obres d'artistes internacionals contemporanis al pintor espanyol ordenades seguint un criteri expositiu temàtic que permet entendre millor l'originalitat de Velázquez com a narrador. Alhora, la mostra possibilita que a cada secció es barregin artistes de procedències diverses, de manera que es trenca, efectivament, la barrera de les escoles nacionals.

Caixa Fòrum Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8, Barcelona Tel. 93 476 86 00 Del 16 de novembre del 2018 al 3 de març de 2019

Mira per aprendre a viure

Esperanza Urdeix és mestra de la tècnica Alexander i l'aplica a la seva pràctica fotogràfica. Segons aquesta tècnica ens hauríem de donar el temps per prendre decisions. Per Urdeix, l'observació del que l'envolta en la seva vida quotidiana li permet fer aquestes pauses per prendre consciència de com es troba ella mateixa durant un procés de convalescència.

Fundació Joan Miró Parc de Montjuïc Tel. 93 443 94 70 Del 2 d’octubre del 2018 al 27 de gener del 2019

Estructures d’identitat: The Walther Collection

Foto Colectània presenta una exposició que reuneix una selecció d'obres fotogràfiques de la famosa col·lecció germanoamericana, amb més d'un centenar d'imatges de grans mestres com August Sander, Richard Avedon o Seydou Keïta, al costat de fotògrafs contemporanis com Samuel Fosso, Zanele Muholi o Zhang Huan.

La mostra explica com els fotògrafs, a través de diferents cultures i períodes històrics, han utilitzat el retrat per explorar la noció de gènere o d’identitat. Aquesta exposició planteja com els fotògrafs de diferents cultures i períodes històrics han utilitzat el poder del retrat per afirmar o qüestionar els estereotips socials creats al voltant de temes de gènere, classe social i nacionalitat. Estructures d'identitat ens convida a reflexionar sobre com la fotografia de retrat ha evolucionat i ens fa visualitzar els factors polítics i culturals que modelen les subjectivitats individuals i col·lectives, amb un enfocament particular en la relació entre l’autorepresentació i la identitat social.

Foto Colectània Passeig de Picasso, 14, Barcelona Tel. 93 217 16 26 Del 14 de novembre del 2018 al 17 de febrer del 2019

LA LIBRERÍA

007 James Bond: De espía a icono Doc Pastor 19,18 € (Amazon)

James Bond: Al servicio secreto de su majestad Ian Fleming 18 € (Amazon)

James Bond: Biografía no autorizada Joaquín Rodriguez Burgos 11,40 € (Amazon)

James Bond: Enciclopedia John Cork, Collin Stutz 42,75 € (Amazon)

James Bond: The Man and His World Henry Chancellor 17,77 € (Amazon)

Las chicas de Bond Varios autores 17,05 € (Amazon)

El libro de Bond Varios autores 17,05 € (Amazon)

Su nombre es Bond, James Bond Juan Tejero 29,45 € (Amazon)

COMICLAND

Blueberry: Edicion integral – 6 Charlier, Giraud 32,30 €

Sempré en Nueva York Marc Lecarpentier, Sempé 37,95 €

H.G. Wells: El hombre invisible Dobbs, Regnault 23,75 €

Hellboy: Krampusnacht Mike Mignola, Adam Hughes 3,75 €

Blacksad Integral Díaz Canales, Guarnido 46,55 €

Doble 7 Yann, Juillard 76,41 €

Shi – 3: Revenge Zidrou, Homs 37,05 €

Operación Overlord – 4: Comando Kieffer Bruno Falba, Davide Fabbri 52,97 €

y en el próximo número...

SÍLVIA SABATÉ

www.diaboloediciones.com