Blue Eye BCN 32

EYE

BLUE BCN 32

Pablo

DERQUI BEÑAT OLEA . SANTÉ D’ORAZIO . COLÒNIA GÜELL . PRIME VIDEO

Foto: Santé D’Orazio

SUMARIO abril 2019

06 18 24 26 38 Pablo Derqui

10 series de Amazon Prime Video

Teatre: Estrenes

Beñat Olea

Fotografía: Santé D’Orazio

48 56 64 72 80 Iconos: Actores de Hollywood

080 Barcelona Fashion

Viatjant: La Colònia Guell

Magazine: Shangay Style

Museu: La Casa dels Entremesos

90 94 104 106 108 Televisión: El increíble Hulk

112 Freakyworld

Cine: Críticas Estrenos

Exposicions

La Librería

ComicLand

EDITORIAL Por mucho que nos lo hayan hecho creer, los 50 no son los nuevos 30 ni los nuevos 40: son los antiguos 50 o, peor aún, los nuevos 60 si nos fijamos en el mundo laboral. Ya podemos estar frescos y lozanos y llenos de vitalidad por fuera, que nuestro DNI marca una edad en la que ya «no eres apto» para según qué trabajos. Y es que hoy en día la experiencia ya no es un grado: solo eres apetecible para las empresas si representas un descuento a la hora de contratarte. ¿Y la calidad en el servicio?... Perdónenme, que todavía me estoy riendo. La cali… ¿qué? La única solución es, pues, jubilar a la que gente a los 55 y que pasen a un nuevo estadio, el mal llamado de «la tercera edad»; claro que, como hoy en día se ha alargado la expectativa de vida, deberían crear la categoría de cuarta o quinta edad. ¿Y en el mundo del espectáculo? Pues pasa lo mismo que en la vida real, que si no has sido hormiguita y ha ido guardando toda tu vida, llega el temido momento en que ya no eres apto para trabajar, y ni siquiera puedes optar a ser camarero, que todo el mundo sabe que es el segundo oficio de todo actor. Es evidente que en las obras de teatro siempre se necesitará un actor o actriz mayor para el papel de los padres o los abuelos, pero también las oportunidades se han reducido considerablemente. A mis 50 veo con verde envidia a todos aquellos a los que las empresas prejubilaron a los 55 –en las entidades bancarias eso era muy habitual– porque al menos tienen el futuro económico resuelto, pero también me dan pena los que, después de trabajar toda su vida y dar lo mejor de sí profesionalmente a una empresa ingrata, ahora no saben gestionar su tiempo libre. Demasiado joven para jugar a la petanca y sentarse en un banco tomando el sol todo el día, y demasiado mayor para iniciar una segunda carrera. Siempre hay la opción de apuntarte a cursos o estudiar una carrera universitaria, siempre y cuando tengas claro que nunca en tu vida ejercerás profesionalmente y que solo será un hobby, una acumulación de conocimientos que te llevarás a la tumba y poco más. Así, te encuentras en cursos con personal diverso: el mayor de 50 que se lo toma con sumo interés y progresa adecuadamente, y el menor de 25 que va a pasar el rato pensando que todavía tiene toda la vida por delante. De ilusión también se vive.

DIRECTOR: Guillem Medina

Director: Guillem Medina guillebcn@hotmail.com Subdirector: Enric Fontvila Colaboradores: Núria Simón, Miguel Ángel Parra, Lluís Ventura, Lídia Vilamitjana, Marta Calvó, Bernat Molins Fotógrafos: Enric Fontvila, Mario Gil, Guillem Medina

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PABLO DERQUI «Tots d’alguna forma perpetuem aquesta estructura patriarcal que hem anat generant amb els anys, els segles. Però sí que és veritat que l’estàndard acaba sent que les dones són més emocionals i els homes més cerebrals»

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embla mentida que la carrera de Pablo Derqui (Barcelona, 1976) comencés fa només setze anys, perque ens hem acostumat a veure’l habitualment a la televisió: Temps de silenci, Majoria absoluta, Porca misèria, Ventdelplà, Hispania: La leyenda, Isabel o, més recentment, La catedral del mar en són una bona mostra. I l’actor, com que està en ratxa, quan no roda està omplint teatres.

Precisament l’agafem en una pausa de l’obra La dansa de la venjança, que actualment interpreta amb la Laia Marull a La Villarroel.

S

Per què et va atreure aquesta obra, La dansa de la venjança?

L’obra és del Jordi Casanova i l’ha dirigit el Pere Riera. Quan la Tània, la meva agent, em va proposar el text, el vaig llegir i em va interessar molt; a més, hi havia l’al·licient de comptar amb la Laia Marull en el repartiment, amb qui ja ens coneixem i tenim bona química sobre l’escenari. Una altra motivació és que es tracta d’un text nou, que ningú l’havia fet abans, i això és molt suggestiu perquè ets el primer que fas aquell personatge, que el crees. Tècnicament és una obra que passa en temps real: escenifiquem una parella que discuteix, no sortim de l’escenari, no hi ha talls, i això li dona una força molt interessant.

No vas pensar en cap moment que t’oferien un tipus de paper que, d’alguna manera, ja has fet altres vegades?

Potser sí, pot recordar uns altres personatges meus però hi ha diferències: l’obra que ha escrit el Casanova explica una discussió de parella, però hi ha un punt molt teatral, de thriller fins i tot, que la diferencia de la cosa més costumista, i això m’agradava. A més, és interessant el paper de l’espectador que espia pel forat del pany tota aquesta discussió, i això és molt impúdic. L’argument està tractat d’una forma que si hi hagués una possible culpa del que passa en aquesta pa-

rella, va fluctuant entre tots dos personatges, perquè no és tot blanc i negre, i això la fa interessant.

Això també és habitual en molts dels teus personatges, que al principi semblen d’una manera fins que arriben a un punt que tenen un curtcircuit i hi apareix la part més fosca.

Això és culpa de les ments perturbades dels guionistes que escriuen aquestes coses, he he he. D’altra banda, aquests són els personatges més agraïts perquè et permeten tocar un ventall de colors més diferents del comportament humà.

Està bé fer versemblant un comportament que en principi no pensaries que fos creïble o que existís, ni en els malsons més terribles.

No sé per què, però no se’m fa gens difícil d’imaginar-m’ho en el teu cas.

Doncs suposo que això és el mèrit de la meva feina, vol dir que treballem el personatge perquè sembli que pugui existir, i fins i tot que la gent pugui arribar a empatitzar amb aquella part fosca, i això s’agraeix molt perquè no saps mai si la gent rebutjarà el personatge. Però la feina de l’actor, si aconsegueix que ressoni i empatitzi amb l’espectador aquell personatge en principi desagradable, això és un tot un gol per l’escaire.

Una cosa que ressalta el director en el programa de mà és la figura de la casa, com un lloc on en principi et sents segur, i que és un projecte de futur en comú d’una parella i que amb els anys es transforma en una altra cosa, i això també passava a la sèrie Nit i dia.

A Nit i dia el personatge que jo feia era diferent, era un psicòpata asocial, un personatge sense escrúpols incapaç d’empatitzar, per això tenia tant d’èxit a nivell professional perquè feia el que calgués per pujar, per guanyar punts. I, d’altra banda, feia el paper del marit tendre que li compra a la dona una gàbia d’or, però en el fons era una mala persona. En aquesta obra, en canvi,

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interpreto un personatge que pateix un masclisme a l’ús, que podria fins i tot semblar normal i això es va veient a mesura que li cauen les màscares, amb un comportament que tots podem reconèixer avui dia. Hi ha vegades que segons el que fa o diu el personatge la gent riu, perquè reconeixem aquest micromasclisme, aquest paternalisme cap a la figura femenina, coses que poden ser desagradables però que són molt quotidianes. En aquest cas, el personatge fosc que faig a l’obra podria ser més familiar que no el de Nit i dia.

Amb la Laia Marull teniu formes diferents d’actuar i de ficar-vos en el personatge? Com són els vostres mètodes?

Potser jo sóc més tècnic a l’hora d’encarar un personatge, però la Laia és més emocional, més volcànica, a l’hora de donar-li al personatge els colors que necessita, però sense entrar en detalls tècnics. Ella és capaç d’afinar moltíssim d’una manera molt lliure, que no és com ho faria jo, tot i que jo connecto molt bé amb aquest mètode, no es contraposen. De fet, aquesta forma d’interpretar li va molt bé al seu personatge, que és més emocional. El meu, en canvi, és més mental.

Això també és com funciona en el món real: les dones més emocionals i els homes més tècnics?

Podria ser, però això és un prejudici, no? I fins i tot té un punt masclista, però tots d’alguna forma perpetuem aquesta estructura patriarcal que hem anat generant amb els anys, els segles.

Però sí que és veritat que l’estàndard acaba sent aquest: les dones són més emocionals i els homes més cerebrals.

Parlem ara de la telesèrie Si no t’hagues conegut, on el teu personatge podia fer viatges en el temps i conèixer la seva versió juvenil.

Hi va haver algun moment en què et perdies i no sabies ben bé quin personatge estaves interpretant?

Penso que aquest argument una mica enrevessat va ser el resultat de la ment recargolada del guionista, en aquest cas el Sergi Belbel, que va desenvolupar aquest caos mental. En principi sí que tenia una escaleta mental del que passava a la sèrie i al meu personatge, però en el dia a dia ja arribava un punt que preguntava el que em tocava fer aquell dia i una cosa rere una altra.

Era un caos mental increïble, no podia pretendre abastar-ho tot. Era una feina molt embolicada, és cert, però per a mi com a intèrpret va ser un aprenentatge fort, una mili intensa, amb canvis de color continus. La veritat és que era com interpretar molts personatges a la vegada, i sobretot ho vaig notar en el cansament que arrossegava: van ser tres mesos molt intensos que em van extenuar. A més, per acabar-ho de complicar acabava de ser pare per segona vegada i es va ajuntar tot plegat, i això que ara la meva parella em fa el favor d’estar més pels nens i deixar-me una mica d’espai. De fet, ho recordo com un rodatge molt esgotador, però em va anar bé com a aprenentatge d’intentar fer tants papers diferents, i al final va sortir millor o pitjor, però la feina per a mi va tenir un resultat positiu.

Explica’m la nova sèrie on et podrem veure, La caza: Monteperdido.

Es tracta d’una adaptació de la novel·la d’Agustín Martínez que s’ha venut molt arreu. És un thriller que transcorre al Pirineu aragonès: la història explica la desaparició d’un parell de nenes d’uns deu anys que provoca un trasbals al poble, amb guerres internes entre les famílies, suspicàcies, tot queda podrit, una mica a l’estil de Puerto Urraco. La sèrie comença sis anys després de la desaparició, quan apareix de nou una de les nenes traumatitzada, que no recorda res. Jo faig el paper del pare d’aquesta nena dins una família que estava desestructurada i la trama se centra a intentar trobar l’altra nena. Serà una sèrie de vuit capítols que es passarà a TVE1. És un bon moment per als actors ara amb l’aparició de Movistar Plus i d’altres cadenes

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que aposten per series pròpies amb el segell de qualitat?

De fet hi ha moltes produccions que s’estan engegant i penso que és bo perquè hi ha més feines, les trames estan més elaborades i, a més, aquestes sèries s’estan venent a més països: per exemple, Si no t’hagués conegut s’estrena a mitjan març a Netflix, doblada al castellà, i s’ha doblat a molts altres idiomes.

Quan et proposen projectes diversos què poses al davant, la televisió o el teatre?

Malauradament a la tele es paga bastant millor que al teatre, tot i que personalment m’agrada més el teatre, i no m’he prodigat tant en televisió o en cinema, però de moment arriba poca cosa.

Encara que tothom et recorda pel personatge a Los ojos de Julia, on ja començava la teva «carrera delictiva», he he he.

Uf, però d’això ja fa molts anys...

I tens un altre projecte teatral imminent, Com els grecs, al Lliure, dirigida por Josep Maria Mestres, que faràs amb la Mercè Arànega, el Pep Cruz i la Sílvia Bel, oi?

Això ho hem començat a assajar just ara fa quatre dies, s’estrena a final d’abril. És un text que és una revisió diguem-ne trash punk de l’Èdip, escrita i contextualitzada als anys vuitanta al Londres de la Thatcher, on es fa una analogia entre la crisi del moment i la pesta que estava assolant Tebes. En aquest cas se n’ha fet una versió gamberra, és molt estripada, i són personatges bastant caricaturescos, tot molt farsesc.

Ara em ve al cap el que em deies abans, que amb La dansa de la venjança fas una obra nova, inèdita. Però quan t’enfrontes a un paper clàssic que ja s’ha fet, en mires els referents?

Intento no fer-ho gaire. En faig, de vegades, un tast breu, per veure quines energies respiraven els actors, però no m’ho miro gaire a fons, he

comprovat que és contraproduent. De fet, una feina bona que agrada és quan un la fa original i genuïna, de vegades sembla que sense voler acabes fent coses semblants, perquè el text és el que és i tampoc no canvia tant. El que té de maravellós el teatre és que qualsevol ànima singular s’apropi i la tradueixi des de si mateix, de forma personal. Jo et puc fer un Hamlet que et pot semblar molt semblant a un altre, però serà la meva visió particular, i això també és interessant, veure com cadascú revisita un clàssic. Per tant el millor és confiar en un mateix, i ser fidel al que va escriure l’autor i a com creus que ell ho volia explicar.

Si haguéssim de parlar del «mètode d’actuació Pablo Derqui», quin seria?

No hi crec pas, però tindria a veure amb la genuïnitat de la singularitat, per això has de tenir unes eines tècniques que s’aconsegueixen amb moltes hores de vol. Si hi ha mètode és aconseguir que cadascú s’expressi per si mateix de la manera més genuïna possible.

Nuevos rostros LLUÍS ALTÉS Lugar y fecha de nacimiento Nací una tarde lluviosa de abril de 1970, en la bella localidad de Vic. Cuando nací, mi madre no estaba y me dijo: «¡Que sea la última vez que naces solo!».

Estudios de interpretación Hice dos años en la escuela de teatro El Timbal y tres en el Estudi de l'Actor de Laura Jou. Persona que más te haya ayudado en tu profesión ¡Noèlia, mi mujer! Sin ella, no hubiera tenido el arrojo de dejarlo todo y dedicarme a la interpretación con 41 años. A nivel profesional, las personas que más me han ayudado son, sin duda, Laura Jou, Isaac Alcayde y mis repres Elena y Joana. Las dos primeras personas que he citado me han formado profesionalmente, dotándome de diferentes técnicas interpretativas, mientras que mis representantes me han orientado y han estado para lo que he necesitado.

Primera actuación ante el público Fue hace unos seis años, con la obra Culpables en el Teatre Porta 4, una pequeña sala en la que el público lo tienes a un palmo. ¡Es la mejor manera de perder el miedo escénico!

Actores a los que admiras Hay un montón: Harvey Keitel, Bardem, Sean Penn, Susan Sarandon, Denzel Washington, Toni Albà, Louis de Funès, Jean-Paul Belmondo, Rowan Atkinson, Capri...

Interpretación de la que te sientas más orgulloso. ¿Por qué?

Interpreté el personaje de Pablo en el corto El corredor dirigido por José Luis Montesinos. Con

este personaje gané el premio al mejor actor en Sevilla. Y el corto ganó el Gaudí y el Goya. Fue un año de éxitos en el que viajamos por todo el mundo presentando el cortometraje. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más me gusta es ponerme en la piel de otros y vivir otras vidas.

Lo que menos es estudiar los textos y los momentos interminables de espera en los rodajes... ¡Creo que, desde que hice COU, no estudiaba tanto! ¿Teatro, cine o televisión?

Los tres: ¡la interpretación! ¿Tienes agente?

Sí, La Troupe. Elena y Joana. ¿Próximo proyecto?

No puedo hablarte del próximo proyecto pero sí del último, que es teatral y se llama DeSEXperats, un texto de Rafel Barceló y Tomàs Fuentes que estrenamos en febrero en el Teatre del Raval, con Mingo Ràfols y Manel Piñero, dirigidos por Toni Albà. Es una comedia muy loca donde pasan cosas delirantes... ¿Cómo te gustaría verte, profesionalmente hablando, en diez años?

Trabajando como actor en teatro, en cine o en televisión, pero trabajando.

Y también como guionista, puesto que este año he empezado a hacer mis pinitos...

Pero, sobre todo, trabajando de actor, para poder demostrarle a mi hija que en esta vida es posible llegar a alcanzar tus sueños y que jamás debes rendirte.

Nuevos rostros MARTA FONS Lugar y fecha de nacimiento Barcelona, 5 de agosto de 1961.

Estudios de interpretación Cuando, con dieciséis años, les dije a mis padres que quería ir al Institut del Teatre, no les gustó para nada la idea y me lo impidieron. Nunca he asistido a ninguna escuela de interpretación. Mi mejor maestra, la vida.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión Esta no es una pregunta fácil. Si hablamos de ayudar en la profesión en cuanto a poder vivir de ella, todavía no me ha tendido esa mano nadie, y digo «todavía» con la esperanza de que eso pueda cambiar algún día. Si hablamos de personas que me han ayudado a aprender, han sido muchas, pero destacaría a Josep Dalmau, que fue la persona que volvió a llevarme a las tablas, después de que la negativa de mis padres me apartara por unos años de mi vocación, y a Albert Pueyo, director con el que he trabajado muchos años y me ha ayudado mucho a formarme como actriz.

Primera actuación ante el público La primera actuación ante el público fue con Supertot de Josep Maria Benet i Jornet, dirigida por Josep Dalmau, allá por el año 91.

Actores a los que admiras Los actores a los que admiro son los que luchan todos los días por sobrevivir en esta profesión. Si hablamos de los actores que me fascinan por sus interpretaciones, también son muchos pero destacaría sin duda a Emma Thompson en cuanto al panorama internacional y a Anna Lizaran si hablamos de nuestro país.

Interpretación de la que te sientas más orgullosa. ¿Por qué?

Siempre he dicho que el personaje que más me gusta es el que interpreto en cada momento, es el que vivo en mi presente, pero el personaje que más tiempo y en más ocasiones he interpretado es el de Bernarda Alba, fueron seis temporadas de gira por España y le tengo mucho cariño. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más me gusta de mi profesión es poder vivir tantas vidas distintas y sentir cada una de ellas como si fuera mía, y lo que más detesto son las horas de espera en los rodajes. ¿Teatro, cine o televisión?

Sin duda, teatro. El cine y la televisión son medios en los que te das a conocer más fácilmente, eso es obvio, y a nivel crematístico son mejores que el teatro, pero el teatro es mi pasión y eso no va a cambiar nunca. No podría vivir sin el teatro. ¿Tienes agente?

Estoy en búsqueda de agente, me han ofrecido un par, pero no es lo que estoy buscando, así que estoy en ello. ¿Tu último trabajo?

El proyecto en el que he trabajado recientemente es una obra de Joaquim Bundó para Microteatre Barcelona. Además, también tengo previsto ir a Madrid en junio o en octubre, está por determinar, a Microteatro por Dinero, con una obra mía que ya estrené hace un par de años en Barcelona. ¿Cómo te gustaría verte, profesionalmente hablando, en diez años?

Como la abuela de Cuéntame, jajajajajaja.

10 SERIES DE AMAZON PRIME VIDEO

Homecoming

The Romanoffs

Esta serie dramática nos cuenta la historia de Heidi Bergman, una trabajadora de una agencia secreta gubernamental, y un soldado que quiere recuperar ambiciosamente su vida de civil. La serie es una adaptación basada en el podcast del mismo nombre de Gimlet Media.

La ficción está protagonizada por Julia Roberts (The Normal Heart) y ha sido creada por Sam Esmail (Mr. Robot) con su productora Esmail Corp., que dirige este thriller psicológico en el que también participan como productores los creadores del podcast original Eli Horowitz y Micah Bloomberg, así como Alicia Van Couvering, Chris Giliberti, Alex Blumberg y Matt Lieber.

Amazon Studios dispone de los derechos globales de la emisión de las dos temporadas, compuestas de capítulos de media hora.

The Romanoffs es una serie estadounidense que gira en torno a los Romanov, la famosa dinastía que gobernó Rusia desde 1613 hasta 1917. En este último año tuvo lugar el comienzo de la Revolución Rusa. La serie se desarrolla por todo el mundo mediante ocho historias independientes con personajes actuales. Estas personas piensan que son los descendientes de la famosa dinastía. Este drama está creado y dirigido por Matthew Weiner, que creó la exitosa serie Mad Men. Además, también ejerce como productor ejecutivo junto a Semi Chellas. La producción va a cargo de Amazon y Weinstein Television. En su impresionante reparto destaca la presencia de Isabelle Huppert, Aaron Eckhart, Noah Wyle, Christina Hendricks, Jack Huston, Paul Reiser, Diane Lane, John Slattery o Amanda Peet.

Jack Ryan

A Very English Scandal

Jack Ryan es un proyecto televisivo de Paramount Television basado en el popular héroe creado por Tom Clancy y desarrollado para Amazon. Carlton Cuse y Graham Roland, productor y guionista de Lost respectivamente, son los nombres que están detrás de esta producción.

Protagonizada por John Krasinski, esta serie brinda un enfoque actual al famoso espía. Natural de Baltimore e hijo de un policía y militar veterano, Jack Ryan ingresó a una temprana edad al cuerpo de infantería de la Marina de los Estados Unidos, donde obtuvo el grado de teniente segundo. Sin embargo, su carrera se vio obstaculizada por un accidente de helicóptero en el que sufrió severas lesiones en la espalda.

La miniserie sigue la carrera política de Jeremy Thorpe. Una controvertida historia en la que el político británico se ve envuelto en un escándalo que le lleva a juicio, ya que habría mantenido relaciones sexuales con un hombre cuando la homosexualidad todavía era ilegal. Sale absuelto, pero se vuelve de nuevo protagonista de la sospecha cuando Norman Scott, su amante, aparece asesinado. Él podría haber dado la orden de matarle. La ficción está protagonizada por Hugh Grant y Ben Whishaw, que acompañan en el reparto a Alex Jennings (Victoria), Patricia Hodge (Miranda) o Monica Dolan (Appropriate Adult). La idea de la trama parte de Russell T. Davies (Doctor Who), encargado de escribir el guion, mientras que la dirección la lleva a cabo Stephen Frears.

The Marvelous Mrs. Maisel

The Expanse

Situada en la década de 1950, la trama gira en torno a Midge Maisel, una joven de 25 años de edad que vive con su marido y sus dos hijos en Nueva York. Midge es el ejemplo perfecto de mujer de la década de los 50: hija obediente y esposa que cuida de su marido, un hombre que tiene un gran trabajo en la empresa de su padre.

Un día, la vida perfecta de Midge cambia radicalmente cuando su marido la deja por otra mujer. De repente, Midge se encuentra completamente sola y perdida, y únicamente su propio ingenio será lo que la ayude a empezar de cero.

Así, sin saber muy bien cómo, Midge se convierte en una de las primeras mujeres en el mundo de la comedia. La serie de Amazon viene de la mano de Amy Sherman-Palladino, creadora de Las chicas Gilmore.

Dentro de doscientos años, en un sistema solar totalmente colonizado, a Miller, detective de policía nacido en el Cinturón de Asteroides, se le encarga la misión de encontrar a una joven mujer desaparecida, llamada Julie Mao. Acompañando a Miller en su misión se encuentra James Holden, anteriormente primer oficial en un carguero de hielo, que estuvo involucrado en un incidente causado por las tensas relaciones entre la Tierra, Marte y el Cinturón. Ambos no tardarán en descubrir que la mujer desaparecida es solo la punta del iceberg de una conspiración de inmensa magnitud que atentará contra la historia y la existencia de la Humanidad. La tripulación del Rocinante tiene una misión crucial: encontrar a la joven desaparecida. The Expanse es un thriller futurista de ciencia ficción.

Goliath

Mozart in the Jungle

Drama judicial centrado en la vida de Billy McBride, un importante abogado cofundador de Cooperman & McBride, la firma de abogados más prestigiosa de la ciudad. Su vida era perfecta hasta que fue despedido de su propio bufete por sus compañeros. Desde ese día, Billy se ha convertido en un abogado mediocre que pasa más tiempo bebiendo en el bar que actuando en la sala de juicios. A pesar de todo, quiere luchar contra el sistema legal estadounidense y conseguir que la justicia deje de favorecer a los ricos y poderosos. Esa oportunidad se le presenta cuando un joven abogado le ofrece un caso que no puede dejar escapar: un pleito contra Cooperman & McBride. Así comienza esta batalla legal que recuerda al pequeño David contra el gigante Goliat.

La serie cuenta lo que pasa detrás de las cortinas de la sinfonía. El sexo, las drogas y la música clásica ilustran lo que sucede tras esas cortinas y puede llegar a ser tan fascinante como lo que ocurre en el propio escenario. La historia gira en torno a Hailey, que intenta conseguir un puesto en la Sinfónica de Nueva York, y en Gustavo, el nuevo y excéntrico director de orquesta. La comedia de Amazon está basada en el libro homónimo de Blair Tindall y está protagonizada por Malcolm McDowell (El mentalista), Saffron Burrows (Troya), Bernadette Peters (Smash), Gael García Bernal (La mala educación) y Lola Kirke (Flores raras), entre otros. Además, está creada por Roman Coppola (Moonrise Kingdom), Jason Schwartzman (Viaje a Darjeeling) y Alex Timbers (Rosaline).

Patriot

You Are Wanted

La trama gira alrededor de un agente de inteligencia, John Tavner (Michael Dorman), a quien se encarga la misión de desmontar las ambiciones nucleares de Irán. Para ello, debe adoptar una identidad encubierta y hacerse pasar por un simple empleado en una empresa de tuberías industriales en Milwakee. John tiene que luchar constantemente contra su trastorno de estrés postraumático, la incompetencia del gobierno y las complejidades de mantener su trabajo, ya que todo ello pone en peligro la misión que se le ha encomendado. Dirigida por Steve Conrad (La vida secreta de Walter Mitty), la historia se centra en la familia de John, donde el padre, Tom Tavner (Terry O'Quinn), es el director de Inteligencia del Departamento de Estado de los Estados Unidos.

Esta serie de producción alemana narra la vida de Lukas Franke, un gerente de hotel, que cambia radicalmente a causa de un ataque informático llevado a cabo por un activista hacker. La presión a la que lo someten el pirateo que ha sufrido en sus redes sociales, sus datos personales y sus webs le hace incluso difícil la vida en familia, ya que ahora está sumergido en un peligro que amenaza a su estabilidad. Esta primera ficción original alemana para Amazon está dirigida y escrita por el propio protagonista, Matthias Schweighöfer, junto con Bernhard Jasper. Le acompañan en la escritura del guion Hanno Hackfort, Bob Konrad y Richard Kropf. Completan el reparto Alexandra Maria Lara (El día más hermoso), Tom Beck (Einstein) y Karoline Herfurth (SMS für Dich).

TEATRE ESTRENES

Señora de rojo sobre fondo gris Teatre Romea Del 27 de març al 12 de maig

Todas las noches de un día Teatre Goya Del 8 de maig al 9 de juny

Autor: Miguel Delibes Direcció: José Sámano So: Mariano García Disseny de vestuari: Almudena Rodríguez Huerta Escenografia: Arturo Martín Burgos Intèrpret: José Sacristán Producció: Sabre Producciones i Pentación Espectáculos

Autor: Alberto Conejero Direcció: Luis Luque Intèrprets: Carmelo Gómez i Ana Torrent

Estiu i tardor del 1975. Un pintor, amb molts anys en l’ofici, fa temps que està immers en plena crisi creativa. Des de la mort de la seva dona, que ho era tot per a ell, no ha pogut tornar a pintar. En aquest estat recorda tots aquells moments que va viure amb ella durant tota la seva vida, així com l’aparició d’una malaltia que la va conduir a una mort inesperada als 48 anys d’edat. Una nova experiència per gaudir de l’art del prestigiós actor José Sacristán sobre els escenaris.

Envoltat d’urbanitzacions, en algun lloc prop de nosaltres, sobreviu un vell jardí amb el seu hivernacle. Però ha passat molt temps des que els veïns van veure per última vegada la Silvia, la propietària de la casa. Allà només hi queda el Samuel, el jardiner, que malda per preservar aquest racó oblidat. Quan la policia es presenta a la casa per intentar descobrir on para la Silvia, comença un combat entre la vida i els records. Tot un tour de force excepcional en aquest thriller poètic en què els actors fan reals les situacions amb les seves paraules i els seus gestos, lluny d’escenografies massa elaborades. Una obra que ha tingut molt bones crítiques arreu on s’ha estrenat.

Rent Teatre Condal Del 23 de març al 26 de maig

Les noies de Mossbank Road La Villarroel Del 25 d’abril al 22 de juny

Llibret, música i lletres: Jonathan Larson Adaptació al castellà: Daniel Anglès i Marc Gómez Direcció: Daniel Anglès Coreografia: Óscar Reyes Direcció musical: Miquel Tejada Intèrprets: Àfrica Alonso, Clara Altarriba, Marc Andurell, Víctor Arbelo, Iskra Bocanegra, Nil Bofill, Albert Bolea, Júlia Bonjoch, Marc Gómez, Anna Herebia, Raquel Jezequel, Edgar Martínez, Elisabeth Molet, Iñaki Mur, Xavi Navarro, Joana Roselló

Autora: Amelia Bullmore Traducció: Roser Batalla Direcció: Sílvia Munt Escenografia: Enric Planas Il·luminació: Sam Lee Vestuari: Antonio Belart Intèrprets: Cristina Genebat, Marta Marco i Clara Segura

Rent, el musical rocker i més canyer de Broadway, inspirat en La Bohème de Puccini, ens farà emocionar una altra vegada. Coneixerem un grup de joves amb vides molts diferents i alhora molt iguals que utilitzen la seva creativitat artística per expressar-se i intentar fer-se un lloc en la societat.

Les noies de Mossbank Road és una història que ens parla d’amistat, de l’amistat que sorgeix en un espai de llibertat com és un pis d’estudiants, lluny del pes de la família. I és en aquesta casa d’estudiants, entre els 18 i els 19 anys, que les tres protagonistes faran «l’estirada» juntes, i juntes tastaran la llibertat de poder descobrir qui són, més enllà del que els pares o l’entorn han projectat damunt de cadascuna d’elles. Per a tots aquells que no van tenir l’oportunitat de veure l’obra en el seu moment, ara és la repesca.

LA ENTREVISTA

BEÑAT OLEA «Dibujar cómics puede resultar hasta terapéutico, pues inconscientemente lo que salga de uno mismo siempre llevará su marca.»

LA ENTREVISTA

ecientemente salió a la venta el cómic Ajuar funerario, publicado por la editorial Páginas de Espuma. En él, el guión de Imanol Ortiz y los dibujos de Beñat Olea daban vida a 18 historias cortas de terror del afamado Fernando Iwasaki. Una experiencia diferente de la que teníamos ganas de hablar con su dibujante.

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Explícame cómo surge la idea de dibujar un libro como Ajuar funerario.

La idea de llevar esta obra al cómic ya rondaba en la mente del guionista Imanol Ortiz cuando realizó un cortometraje de uno de los micorrelatos de Ajuar funerario, allá por el 2013, llamado «Peter Pan». Una vez que Juan Casamayor, editor de Páginas de Espuma, dio luz verde al proyecto, fueron en busca de un ilustrador. Yo vengo del mundo de la ilustración y el diseño gráfico, y publicar un cómic siempre había sido uno de mis sueños. Soy fan del género de terror desde que tengo uso de razón y me decidí a enviarles una prueba sin dudarlo. Los requisitos de la misma eran adaptar uno de los microrrelatos a una página en bitono y la verdad es que ¡me los salté casi todos!, ja ja ja. Dibujé «Halloween» en dos páginas para darle a la historia el ritmo adecuado y la teñí de unos colores oscuros que se iban tornando más rojos hacia el final de la misma. Disfruté mucho en esta primera fase en la que me encontraba ante un lienzo en blanco que podía colorear a mi antojo. Una primera pincelada que marcaría la ruta a seguir del resto de la obra: mi primer cómic publicado. ¡Qué emoción! ¿Conocías anteriormente el trabajo de Fernando Iwasaki o el de Imanol López?

La verdad es que no. Mi primer acercamiento al relato corto se había dado de la mano de Edgar

Allan Poe o Charles Baudelaire y su visión romántica y decadente. Así, yo mismo me aficioné a escribir poesías de corte gótico cuando iba a la escuela y me dedicaba a ilustrarlas. Al enfrentarme a este proyecto y descubrir los microrrelatos de Fernando, he vivido el mismo disfrute y gozo que sentía con aquellas oscuras lecturas; esta vez vestidas con unos ropajes contemporáneos y mucho más palpables y cercanos.

Tanto, que ha llegado a erizárseme la piel con relatos como «No hay que hablar con extraños», que también se encuentra en el cómic. Imanol Ortiz se encargaba de hacer la selección de historias que vemos en el cómic: un total de dieciocho de los cien microrrelatos que componen la obra original. Las leí una y otra vez en busca de la mejor manera de representarlas; dándoles nuestro toque pero siendo siempre fiel al material del que partíamos. Ha sido inevitable imaginarme cómo se verían ilustradas todas y cada una de las historias originales, pues son una delicia. ¿Te sientes cómodo en el género del terror?

Algún amigo aún me lo pregunta extrañado hoy día y me mira como si necesitase un psicólogo por disfrutar del gore, ja ja ja. Yo creo que no debemos perder el niño que llevamos dentro y yo disfruto como un chiquillo con el cine, los cómics, la literatura, la música y los videojuegos en general. Sean de terror o no. Porque nos hacen soñar y vivir sensaciones. Nos hacen sentirnos vivos. Representar el terror en el cómic ha sido un proceso muy gratificante, pues las historias de Ajuar funerario claramente se encuentran unidas por esta temática, pero también por un humor mordaz y negro. Si asustan lo suficiente o no ya dependerá de lo susceptible que sea el lector, pero sin duda es un género que me gustaría seguir explorando, igual que muchos otros.

LA ENTREVISTA

Recomiéndame tres películas de terror de todos los tiempos.

En el cómic hacemos alusión a muchas obras del género. Nosferatu, el Drácula de Coppola o las niñas de El resplandor hacen acto de presencia en él, entre otros. Difícil escoger solo tres, y más teniendo en cuenta que dentro de las cintas de terror encontramos otros subgéneros como pueden ser el slasher o los mockumentary –falso documental– bajo los que se catalogan películas muy dispares. Veamos…

Empezaría con Perfect Blue (Satoshi Kon, 1998), una de las películas de animación japonesa que más me marcó en mi adolescencia. Es un thriller psicológico que fue adaptado años después a imagen real con Cisne negro. Cualquiera que aprecie la animación o el cine en general ¡no debería perderse la filmografía de su director!

Martyrs (Pascal Laugier, 2008) sin duda debe estar en la lista. Es dura, gore, diría que hasta desagradable. Te mantiene en tensión hasta el final, pero con un trasfondo que la salva de estar en la lista de películas que muestran sangre por el mero morbo. No es apta para estómagos sensibles.

El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920) me fascinó por su distorsionada estética de escenarios y maquillajes –muy en la línea de lo que después nos mostraría Tim Burton–, que se convirtieron en seña de identidad del cine del expresionismo alemán, haciendo uso de un dramatismo y unos juegos de luz y sombras de lo más teatrales. Me sigue enamorando cada vez que la veo. ¿Te resulta fácil trabajar con los guiones de otra persona o preferirías desarrollar tus propias ideas?

Las dos cosas me atraen y me encantan. Es cierto que desarrollar proyectos personales resulta más gratificante, porque me apasiona contar historias con mis dibujos y llegar al espec-

tador. ¿Y qué mejor manera de hacerlo que con una historia propia, que te nace de dentro?

Tengo varias escritas y abocetadas en la recámara que me encantaría que vieran la luz algún día; historias de fantasía que llevan un gran componente autobiográfico… Puede resultar hasta terapéutico, pues inconscientemente lo que salga de uno mismo siempre llevará su marca.

Cuando me llega la ocasión de ilustrar historias ajenas, me informo, me documento y me empapo de esa obra para volverla mía. El dibujante, aunque adapte una obra ajena, es parte creadora de la misma y considero que debe sentir un vínculo hacia ella. De no ser así, difícilmente va a poder transmitirla al lector. Cuando leí el libro de Ajuar funerario aún no sabía cuáles serían las dieciocho historias que tendría que ilustrar, pero yo ya iba relacionándolas con experiencias propias, dando forma a cada personaje en mi mente y haciendo una selección de las escenas preferidas sin darme cuenta.

A nivel estético, este Ajuar funerario tiene unos colores diferentes de los habituales en el género del terror. ¿Fue idea tuya?

En su momento me propusieron trabajar la obra en bitono, pero con Ajuar funerario teníamos un reto: adaptar unos microrrelatos de terror que piden una actitud activa por parte del lector, ya que son relatos breves con giros de guion y finales inesperados. Además, comparten un tono jocoso, de humor negro, que eleva el género a otro nivel. Por ello consideraba que contar con una amplia paleta de colores ayudaría a darle su propia personalidad a cada historia aun formando un mismo universo de terror. La forma de las viñetas y la composición de páginas cambia en cada una de ellas. Encontramos colores vibrantes, que en ocasiones se tornan más pastel, y las sombras y monstruos de cada relato reciben nuevos matices y tonos que creo que enriquecen la obra. Convertir Ajuar funerario en cómic es un

LA ENTREVISTA

homenaje a la obra de Fernando Iwasaki y también al propio género del horror.

Me comentabas que está todo dibujado directamente por ordenador, sin pasar anteriormente por el boceto a lápiz. ¿Te resulta más fácil este sistema?

Hace años que me pasé al entorno digital, pues aunque se pierde el valor de «obra única», resulta mucho más cómodo y te ahorras el proceso de escaneado y la pérdida de detalles que ello conlleva. Hoy en día todo material que vaya a publicarse debe digitalizarse, así que se ha vuelto mi método de trabajo más recurrente. El proceso de bocetos existió igualmente, solo que esta fase también la realicé por ordenador.

Cuando la ocasión lo requiere o simplemente me apetece cambiar de medio, vuelvo a los lápices o al bolígrafo. Tengo varios cuadernos de bocetos que voy llenando de garabatos cuando viajo o necesito tomarme un respiro. A veces las mejores ideas salen de los borrones más tontos. ¿Qué recomendación le darías a alguien que quiere iniciarse como dibujante en el mundo del cómic?

No voy a ser nada original en la respuesta, pero yo diría que no parar de dibujar. Dibujar debe tomarse como una práctica habitual pues, aparte de mejorar nuestra técnica, también nos sirve para aprender a observar. Es como el ejercicio para un deportista: no tienes la obligación de ir al gimnasio cada día, pero cuanto más entrenes más progresarás. Aparte de eso, no rendirse nunca. No es fácil abrirse paso en la industria, pero cada vez hay más espacio para el cómic y el dibujo en general. Empieza a haber muchas más editoriales –sean comerciales o underground–, más galerías online, más empresas que cuentan con creativos en su plantilla y el dibujo empieza a cobrar más relevancia en un entorno que se torna cada vez más visual. Además, las redes sociales ayudan a que podamos dar

a conocer nuestro trabajo y pueden facilitarnos el contacto con gente del gremio, como guionistas con los que colaborar o clientes que requieran de nuestros servicios. Con esfuerzo y ganas, seguro que uno es capaz de encontrar su camino. ¿Hay un buen nivel de dibujantes en España?

Claro que lo hay. Aquí tenemos a dibujantes como Emma Ríos, Enrique Fernández o David Rubín, cuyos trabajos han traspasado nuestras fronteras y trabajan también para mercados extranjeros. O fíjate en Conrad Roset, quien ha dado forma a uno de los videojuegos indie más bellos de este año con Gris. Hoy en día, gracias a internet el trabajo de uno puede hacerse más visible: es más fácil darse a conocer, aunque esto puede ser un arma de doble filo. Nuestro trabajo es muy individualista y a veces pasamos largas temporadas produciendo, encerrados en nuestra batcueva, y también es importante moverse, acudir a eventos, descubrir nuevos estímulos y hacer contactos. ¿Crees que podemos encontrar influencias de otros dibujantes en tu estilo? ¿Cuáles son tus dibujantes favoritos?

Seguro que sí. Es inevitable que el trabajo de uno acabe teniendo influencias de aquello que le gusta. Y no solo de otros dibujantes, si no de un tipo de cine o música que le inspire. A mí me relaja muchísimo dibujar mientras escucho bandas sonoras. Supongo que cuando uno empieza a dibujar copiando lo que ve o intentando parecerse a aquello que le gusta, al final surge un batiburrillo de distintas cosas que acaban formando el estilo de uno. Esto siempre es susceptible de cambios y alteraciones, si no moriríamos como creativos. No somos robots; tenemos distintas necesidades a lo largo de nuestra vida y carrera y es normal que el dibujo o las temáticas que representemos vayan mutando y evolucionando.

Yo empecé dibujando personajes de series que

veía en la tele: Los Picapiedra, Dragon Ball, XMen, Sailor Moon… En mi adolescencia me quedé fascinado con la obra de Luis Royo e hice un montón de versiones de El ángel caído, ilustración que realizó para la portada de un disco de Avalanch. Luego, durante una larga temporada, pasé a dibujar prácticamente todo en estilo manga –inspirado por autores como Rumiko Takahashi, Nobuhiro Watsuki o Kiyo Küyö–, incluso me acuerdo que esto no hizo mucha gracia a los profes de una asignatura que tenía de cómic cuando estudiaba Bellas Artes. La música de estilo gótico me influenció a la hora de crear mis propias historias. Además de una estética muy marcada, bandas como Emilie Autumn o Sopor Aeternus cuentan con un universo y un concepto realmente profundos. Muchos me dicen que mi estilo parece una mezcla de Tim Burton, Disney y el manga. Supongo que algo de todo eso hay en lo que hago, y quién sabe cómo seguirá evolucionando. Lo bueno es disfrutar del proceso.

Tu eres del País Vasco. ¿Cómo se vive allí el mundo del cómic?

Veo con ilusión que está en auge. En Gasteiz la ilustración tiene bastante peso, con eventos como Irudika o Mazoka; ya hace años que en Getxo celebran el salón del cómic y manga, y hace unos años Donostia se sumó con el suyo propio. Las viñetas empiezan a poblar cada vez más museos y es una gozada ver que poco a poco se le da más relevancia a esta manera de narrar historias. Y es que el cómic es una de las expresiones artísticas más completas, pues aunando texto e imágenes, un único autor puede crear todo un universo sin límites. ¿Cómo es el Salón del Cómic de Getxo, digamos en comparación con el de Barcelona, que es el que yo más conozco?

Digamos que es más o menos lo mismo pero a menor escala. En un inicio, el salón del cómic de Getxo y el del manga eran dos eventos distintos que acabaron convergiendo. Además de los típicos stands de tiendas y editoriales, se presenta la revista del propio evento llamada Balanzín, dando espacio también a obras locales; y se ofrecen firmas de autores, exposiciones, charlas y entrevistas variadas.

¿Eres un visitante asiduo de los salones del cómic en general? ¿Crees que están bien montados? ¿Qué les falta o qué les sobra?

Antes acudía mucho a las firmas de autores y podía pasarme horas haciendo cola, pero la verdad es que pocas veces he aprovechado este tipo de eventos para comprar cómics: suele haber muuucha gente y me agobio un poco, ja ja ja. No obstante, resulta inspirador acudir a las charlas y mesas redondas en las que escuchar de primera mano experiencias, anécdotas y procesos de trabajo de distintos autores. Las editoriales también hacen acto de presencia y en algunos eventos cuentan con un espacio para recibir y analizar porfolios de futuros autores. Por ello lo ideal es consultar el programa de cada evento con antelación y organizarse, si no uno puede llegar a perderse cosas realmente interesantes.

Otra de tus facetas quizás menos conocidas es la práctica del remo. ¿Cómo surgió esta afición?

Siempre había sentido curiosidad por este deporte –cómo no, viniendo del País Vasco–, pero no lo probé hasta llegar a Barcelona, hace algo más de tres años. Es un hobby que me ha dado mucho: aparte de conocer a gente que ahora forma parte de mi día a día, el deporte mismo se ha convertido en un estilo de vida y es una gozada salir al mar con el clima que tenemos en el Mediterráneo. Además, me ha hecho vivir experiencias que nunca antes hubiera imaginado, como competir en distintas localidades de Cataluña y Francia. ¿Cuáles serían tus próximos proyectos en el mundo del cómic?

Ahora mismo no tengo ningún proyecto de cómic cerrado. He realizado el diseño artístico de un videojuego educativo y varios encargos de ilustración que podéis ver en mi perfil @btoleaart.

Si todo va bien y el cómic de Ajuar funerario funciona, tal vez podamos trabajar en más entregas. Mientras tanto, sigo ideando y dando forma a mis propias historias y puede que dé salida a alguna en formato cómic en internet.

Fotos y texto: Guillem Medina

FOTOGRAFÍA

SANTÉ D’ORAZIO

ÂŤSiempre he sido gentil y respetuoso, sin parecer amenazador. No se establece este tipo de confianza tocando a la modelo, o diciendo las cosas equivocadas.

Es necesario ser un caballeroÂť

FOTOGRAFÍA

acido en Brooklyn en 1956, Santé D’Orazio creció en un ambiente influenciado por el mundo del arte.

Desde muy joven hizo incursiones en la pintura, interesándose particularmente por el retrato, decidido a obtener el mayor realismo posible. Estudió artes plásticas en el Brooklyn College y, posteriormente, volcó su trabajo hacia la fotografía. En sus inicios fue asistente del prestigiado fotógrafo Lou Berenstein. Su primer trabajo como fotógrafo de moda fue para la revista Vogue Italia en 1981 y a partir de ese momento su carrera despegó, convirtiéndose en un icono internacional en el mundo de la moda. Ha sido el fotógrafo de innumerables personalidades y ha publicado su trabajo en revistas como Elle, Allure, Vogue, GQ y Playboy. Las fotos de Santé D'Orazio, al igual que los modelos que vemos en ellas, marcan una época y son reflejo de la difusión mundial de la cultura pop americana durante los años ochenta y noventa. Un aspecto destacable y constante de la obra de Santé D'Orazio es el nivel de confianza que logra con sus modelos, situación que se ve reflejada, a lo largo de su trabajo, en la sensualidad y el erotismo de las imágenes que genera. Una de sus últimas exposiciones llevaba el título de El Jardín de las Delicias, donde se podían ver modelos del ideal estético que aún hoy marca los cánones de belleza contemporáneos. Las imágenes del rostro de Penélope Cruz, el torso desnudo de Axl Rose, los senos de una modelo anónima... fotografías cargadas de erotismo, sublimadas a través de una técnica impecable. La referencia al cuadro del Bosco resulta evidente: el paraíso invadido por los cuerpos etéreos que se reflejan en la lente del artista. El Jardín de las Delicias, espacio donde conviven el placer y lo prohibido, fuente del deseo que se esconde entre las piernas, se desdobla en las miradas y recae en los paisajes. Imágenes que despiertan la libido, orillando al espectador a la añoranza

N

física... La primera vez que aparece un reportaje fotográfico suyo en Playboy es en 1992 con la modelo Rachel Williams; hasta el momento, las llamadas top models se negaban a aparecer totalmente desnudas en una publicación de este estilo, pero el resultado fue sensual, elegante, sin resultar obsceno ni vulgar. Un año más tarde será la modelo Stephanie Seymour quien confía en el arte del fotógrafo para realizar su segundo desnudo para Playboy; el primero lo había hecho con el fotógrafo Herb Ritts. Alternando el blanco y negro y los rojos cálidos, fue también un trabajo memorable. Entre los libros que ha publicado destacan: A Private View (1998), Gianni and Donatella (2002) Pam: American Icon (2005), Barely Private (2009) o Polaroids (2016).

TRABAJOS

ICONOS

ACTORES DE HOLLYWOOD Cary Grant, Clark Gable, Gary Cooper o Robert Taylor marcaron un estilo de vestir, de peinarse y de vivir... Pero ¿hasta qué punto fueron ellos mismos o simplemente no fue más que la creación de los grandes estudios de Hollywood? El glamour era esa cualidad tan artificial como necesaria.

n los años dorados de los grandes estudios de Hollywood, estos eran como una fábrica de crear ilusiones, y una de sus principales funciones era crear mitos inalcanzables. Sus dioses del Olimpo eran simples mortales a los que la varita mágica del estudio había repulido, enseñado a peinarse, a vestirse e, incluso, había creado una vida privada cuando convenía: no hace falta recordar los casos de Rock Hudson, Sal Mineo, Tab Hunter, Montgomery Clift y otros muchos actores homosexuales a los que se les buscaron parejas monísimas pero muy poco probables. Una vez creado el producto era preciso fotografiarlo en poses elegantes y rudas, con todos los estereotipos masculinos del momento, y después darles películas que siguiesen manteniendo el mito. No es extraño, pues, que muchos de estos actores sirvieran de modelo para la población masculina de la época, que imitaron sus peinados, su bigote y su forma de vestir. Una de las primeras grandes estrellas masculinas fue Rodolfo Valentino, el galán de los años 20, el cual visto hoy en día resulta demasiado amanerado y afectado, pero que en su momento volvía locas a las mujeres. Y es que estudios como Metro Goldwyn Mayer ofrecían los seductores más grandes, como Robert Taylor –que en su madurez se recicló al cine de aventuras con gran éxito–, Clark Gable –al cual dieron un año el tí-

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tulo de «El rey de Hollywood» y el epíteto se le quedó para toda la vida, y que lógicamente siempre será recordado como Rhett Butler en Lo que el viento se llevó–, y en su misma línea Ronald Colman. La elegancia en los años 40 estuvo representada por Cary Grant, Gary Cooper, James Stewart, Henry Fonda, Tyrone Power o Gregory Peck, con el inconveniente de que sus personajes siempre estaban cortados más o menos por el mismo patrón y no se les permitía alejarse demasiado del estereotipo que se les había creado. Otros actores fueron encasillados en el género negro y eso les ofrecía mayor amplitud de registros, como en el caso de James Cagney, Humphrey Bogart, Burt Lancaster o Kirk Douglas. También había los expertos en el musical, como Fred Astaire, Gene Kelly o Frank Sinatra. A partir de los 50 aparecen nuevos ídolos con los que la juventud podía sentirse identificada: así, Marlon Brando, James Dean o Elvis Presley podían lucir un traje pero también unos tejanos y una cazadora de cuero sin perder su personalidad. Y es que el cine creó mitos y estéticas, pero en otros casos ha sido la moda y la calle las que han influido en el cine para modificar sus gustos. Son como dos mundos que se alimentan mutuamente. A partir de los años 60 se desmorona el sistema de los estudios cinematográficos y los iconos pasan a ser otro tipo de actores, digamos, no tan inalcanzables.

«Algunas veces los críticos me han echado en cara que en las películas siempre hago de mí mismo. Pero ser uno mismo es mucho más difícil de lo que algunos creen.» (Cary Grant)

«Ningún intérprete alcanza la fama solo por su talento.

A los actores los moldean fuerzas ajenas a ellos.»

(Gary Cooper)

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LA COLÒNIA GÜELL Fotos: Enric Fontvila

QUÈ HEM DE VEURE a la Colònia Güell El recorregut per la colònia industrial d’origen modernista captiva els visitants pel seu encant i per la tranquil·litat del seu entorn, que transmet l’atmosfera del segle XIX que encara és present en els seus carrers i que la fa tan especial. A la Colònia Güell s’hi conserva un important patrimoni històric i artístic.

El visitant hi pot passejar i observar-hi edificis singulars i de gran bellesa, creats pels arquitectes modernistes de l’època, i hi trobarem els trets més característics d’aquest moviment. D’una banda, la utilització del maó vist com a reivindicació d’una arquitectura popular i tradicional catalana, i la incorporació de noves tècniques i nous materials constructius com ara el ferro o el trencadís de ceràmica.

de paraboloides hiperbòlics. Al mateix esperit integrador es deuen el tractament dinàmic i fluid de l’espai interior o els mecanismes de fusió de l’edifici amb el mitjà natural. Els diferents nivells de les naus s’adapten al pendent del turó i els materials són de colors i textures similars als del sòl i la vegetació. Totes aquestes aportacions constitueixen solucions originals que responen a la voluntat de síntesi entre plantejament estructural, tècniques constructives i formes arquitectòniques, però que també s’enriqueixen amb el valor estètic i simbòlic dels elements ornamentals.

L’església de la colònia inclou també nombrosos exemples del domini de les arts aplicades per part de Gaudí, tant pel que fa als elements del mobiliari com als purament ornamentals.

Aquí en teniu els edificis més singulars:

* L’església de Gaudí A l’església hi trobem els arcs de catenària que, alhora que simplifiquen el problema de les càrregues, determinen l’ús de murs exteriors en forma

* Ca l’Ordal Obra de Francesc Berenguer i Joan Rubió, és l’únic edifici d’habitatges de la colònia construït recordant les antigues masies. Hi habitaven els agricultors que treballaven els camps.

VIATJANT

* Ca l’Espinal Aquest edifici, obra de Joan Rubió i Bellver, s’anomena així pel senyor Espinal, l’encarregat de l’administració de l’empresa. És l’habitatge de més qualitat de la colònia.

* Can Soler de la Torre Antic mas del segle XVII, utilitzat com a residència dels Güell abans de construir la colònia, presenta elements típics de les masies catalanes com són el rellotge de sol, el portal adovellat o la galeria, encara que la coberta és a quatre aigües. Adossada al mas hi ha una capella dedicada a la Mare de Déu dels Dolors, amb campanar de cadireta típicament barroc. L’interior va ser rehabilitat per l’arquitecte Francesc Berenguer.

* La casa del Secretari Habitatge de l’administrador de la Colònia Güell, que presenta unes característiques constructives diferencials respecte a d’altres edificis. Aquest és fet de totxo arrebossat, tot imitant els carreus de pedra. Destaca l’entrada a la casa fent xamfrà, damunt de la qual s’obre una balconada o tribuna oberta, decorada a la part baixa amb escuts de Catalunya que flanquegen un escut amb la creu de Sant Jordi, uns elements que es repeteixen a la cornisa.

nestres, mentre que la casa del mestre destaca per la seva torrassa coronada per un pinacle cònic neomedieval i per la finestra cantonera.

* Ateneu Unió Situat a la plaça principal, allà hi havia el saló bar, la biblioteca i el billar i hi assajava la coral La Maquinista.

* Teatre Fontova En aquest edifici s’hi feien tota mena de representacions lúdiques i culturals.

* La Cooperativa La Cooperativa, obra de Francesc Berenguer i Joan Rubió, amb l’ús del maó com a element decoratiu a les barbacanes dels balcons, era on els habitants de la colònia compraven els queviures, que pagaven al final de la setmana quan cobraven de la fàbrica.

* Centre parroquial Sant Lluís Antiga seu del Patronat Obrer de la Sagrada Família, oferia activitats per a la quitxalla: jocs, gimnàstica, representacions teatrals i catequesi.

* L’escola i la casa del mestre

* El convent de les Monges

L’escola ocupa la part esquerra, amb un tractament de lloses de pedra a les façanes i grans fi-

Residència de les carmelites, on tenien cura dels malalts i vigilaven els nadons dels treballadors.

Shangay

Style

MAGAZINE

n los últimos años han aparecido numerosas publicaciones dedicadas al culto al cuerpo y a la imagen exclusivas del público masculino; total, solo hace cientos de años que existen las dedicadas a las mujeres, así que tampoco llevamos tanto retraso. Algunas con una visión más hetero –si por ello se entiende hablar de mujeres, coches y fútbol, que parece que son las únicas pasiones de los machos alfa– y otras, digamos, más abiertas de mente. La revista Shangay, especializada en el mundo del espectáculo pero con un cierto toque gay –aunque nunca se haya posicionado claramente como una revista homosexual–, creada hace ya 25 años, decidió hace diez crear una «hermana pequeña» dedicada al culto al cuerpo y la imagen. Una forma de dar cabida a todos esos anunciantes de ropa, perfumes, complementos y marcas de belleza que en la revista matriz no tenían mucho sentido. Así nació Shangay Style, que al margen de ser un catálogo de productos, nos ofrece interesantes reportajes fotográficos con los rostros masculinos más apetecibles del panorama cinematográfico, la televisión o la música actuales. Así, en sus páginas hemos podido ver al actor Mario Suárez, fotografiado en la bañera por Bernardo Doral; al tenista Feliciano López, captado en la sauna por Jaume de la Iguana; al torero José Mari Manzanares, en medio de un teatro, con imágenes también de La Iguana; al futbolista Sergio Ramos, inmortalizado por Pepe Botella con la boca cerrada, que es como mejor está; al cómico Dani Rovira en plan granjero buenorro, con fotografias de Valero Rioja; al seriote de Luis Tosar, posando como un modelo experimentado mostrando las últimas tendencias bajo la atenta mirada de Sergi Jasanada; al actor Yon González simu-

E

lando mostrar su parte intelectual –gafas incluidas–, posando para Jesús Alonso; al actor Rodolfo Sancho abriéndose la camisa –por fin– y mostrando su lado sexy a la cámara de Joan Alsina; al cachas de Mario Casas, que curiosamente no mostraba abdominales en todas las fotos que le hizo Tiago Prisco; al presentador Jaime Cantizano, disfrazado de psicópata pervertido por Paco Peregrín; al actor Quim Gutiérrez, que mostraba pectorales y lo que haga falta –para variar– ante el objetivo de Sebastián Troncoso; al chef Jordi Cruz, que abandona un rato los fogones para posar de nuevo ante Tiago Prisco; al actor Hugo Silva, que lucía las tendencias de otoño 2013 ante la cámara de Gorka Postigo; al actor Álex González, que volvía a mostrar su larga melena a Sebastián Troncoso; y a José Coronado, que enseñaba que a los sesenta todavía se puede ser un madurito interesante, sobre todo si te fotografía Vicent Urbani. En la portada también hemos podido disfrutar del piragüista Saúl Craviotto, con unos ojos azules que deslumbraban la cámara de Chesco López, y otro que está acostumbrado a mostrar su imagen es el mediático cocinero Dabiz Muñoz, esta vez bajo la cámara de Danniel Rojas. Este mismo fotógrafo ha captado también los bellos rostros de los actores Leonargo Sbaraglia y Chino Darín, dos aportaciones latinas al cine español. Y no podían faltar en este catálogo de bellezas tres «oficiales» de estas listas: el actor Miguel Ángel Silvestre, que siempre está mejor con poca ropa que tapado, en esta ocasión fotografiado por el ya citado Bernardo Doral; Eduardo Noriega, que a sus 45 años luce radiante ante la cámara de Alberto Saguars; y los impresionantes ojos de Rubén Cortada para el objetivo de Juanjo Molina. Todos marcando style.

LA CASA DELS ENTREMESOS Gegants, bestiari i nans en un museu que és un homenatge a la festa tradicional catalana

MUSEU

MUSEU

a riquesa de la cultura popular catalana d’arrel tradicional és tan gran i tan diversa que la Coordinadora de Colles de Gegants i Bestiari de Ciutat Vella ha creat un espai específic com a centre de producció i divulgació d’aquesta matèria.

Es tracta de la Casa dels Entremesos, un repte que posa al servei del ciutadà des de la imatgeria festiva –gegants, nans, bestiari– fins al món del foc –diables, malabars, bestiari de foc–, sense oblidar les danses i la música tradicional catalanes. Aquesta proposta cultural, situada a la plaça de les Beates número 2 de Barcelona, pren el nom de l’allotjament que el 1439 es va instaurar per reial decret per al manteniment i la conservació de les figures dels gegants de les festes de Barcelona. Moltíssims segles després, la nova Casa dels Entremesos ofereix des de tallers i cursos fins a conferències, concerts, exposicions temàtiques, biblioteca i moltes altres activitats programades durant tot l’any amb l’objectiu de recuperar i apropar a la ciutadania una de les tradicions més singulars del nostre país. Hi podem trobar, per exemple, els Gegants de la Barceloneta, que representen uns personatges típics del tradicional barri mariner de la ciutat. Ella és una peixatera del mercat i ell un pescador de xarxa.

Segons la seva llegenda –coneguda per tot el barri–, la Maria la Néta és una geganta caribenya néta del Gegant de la Ciutat, i ell, en Pep, és un pescador de l’Atlàntida portat a la Barceloneta a bord del submarí Ictíneo per Narcís Monturiol. O els Gegants de Sant Jaume, dels quals les primeres referències documentades sobre aquesta parella daten del segle XIX en fulls de rengle i cròniques diverses; hi podem identificar el gegant amb indumentària pròpia d’un noble centreeuropeu o balcànic, i la geganta amb vestits segons els costums de l’època, tal com era habitual entre les figures femenines del moment. Uns altres gegants ben antics són els Gegants de Sant Pere, que represeten en Pere II el Gran i la Constança de Sicília, que van ser construïts per El Ingenio per als membres de la parròquia de Sant Pere de

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les Puel·les, al barri barceloní de Sant Pere, cap a mitjan segle XX, i van fer cercaviles durant la dècada dels anys cinquanta i al començament dels seixanta; van arribar a participar en la processó del Corpus que organitzava la parròquia i, per motius que es desconeixen, al final dels anys seixanta els van tancar, cosa que va impossibilitar durant anys la seva restauració, malgrat la voluntat de diverses colles de geganters del barri i de tot Barcelona per poder-los tornar a fer ballar per la ciutat. En Mustafà i l’Elisenda són els Gegants del Pi, els quals daten, almenys, del 1601, quan ell anava vestit de guerrer cristià i ella marcava la moda, com la resta dels gegants. Són coneguts arreu per la seva popular cançó, nascuda pel Corpus de 1799 amb motiu de la reforma de la Rambla i després de divuit anys sense participar-hi; els altres gegants de la cançó, els de la Ciutat, s’exposen al palau de la Virreina. El 1772 neixen els gegants actuals i el 1870 són abandonats juntament amb els gegants petits. Recuperats el 12 de juny de 1960 gràcies a la voluntat dels barcelonins, representen un noble moro i una dama cristiana. El 1985 es bategen com a Elisenda i Mustafà. Als anys vuitanta se’n presenten les còpies actuals, per tal de preservar-ne les valuoses peces originals. A l’exposició permanent també hi trobareu els Gegants de Santa Maria del Mar, els del Casc Antic, els Gegants Nous de la Casa de la Caritat o de Corpus, els de la plaça Nova, els Gegants Petits de Sant Pere, els del carrer Vallespir i els Gegants Vells de la plaça Nova, entre d’altres. També hi ha un espai dedicat al bestiari, amb l’Àliga de la Ciutat, l’Arpella del Barri Gòtic, el Bou, el Dofí del Casc Antic, el Drac de Ciutat Vella, el Lleó, la Mulassa, la Tarasca, la Víbria o el Falcó Niku, la mascota de la colla dels Falcons de Barcelona.

Hi trobareu també nans, gegantons i una part dedicada al món dels titelles, a més a més de les interessants exposicions temporals que hi tenen lloc. I el millor de tot és que l’entrada és gratuïta, encara que si us ha agradat molt sempre podeu deixar-hi la voluntat. Us ho agrairan de tot cor.

els Gegants de Santa Maria del Mar

els Gegants de Sant Pere

MUSEU

els Gegants del Raval

MUSEU

els Gegants del carrer Vallespir

el DofĂ­ de Barcelona

els Gegants Petits del Pi

el gegantet Pippo

la Carassa

el nan Cu-Cut

el nan Manolito

el gegantรณ Perot lo Lladre

TELEVISIÓN

por Miguel Ángel Parra

El increíble Hulk: ¡Qué verde era mi Masa!

El 4 de noviembre de 1977, la serie de culto El increíble Hulk (The Incredible Hulk, 19771982), protagonizada por Bill Bixby y el mítico Lou Ferrigno, llega a las pantallas estadounidenses de la mano de Kenneth Johnson, creador y productor de otras series legendarias de la televisión como La mujer biónica (The Bionic Woman, 1976-1978), V (1983-1985) o Alien Nation (1989-1990). La cadena CBS, que había quedado muy satisfecha con el trabajo de Johnson, apuesta fuerte por su nueva producción y decide emitir el capítulo piloto de dos horas de duración dentro de la programación de la noche del viernes, la más importante de la semana. En ella, nuestra querida Masa −nombre por el que, en aquellos momentos, se conoce a Hulk en España− comparte parrilla junto a otras series de éxito del momento como El sheriff chiflado (The Dukes of Hazzard, 1979-1985) o Dallas (1978-1991).

Afortunadamente, gracias a Kenneth Johnson, la creación de Lee y Kirby iba tener mucho más suerte que en The Marvel Super Heroes, pero para que esta nueva encarnación catódica pudiera llevarse a cabo, antes, a petición del creativo, el personaje debía sufrir algunos cambios.

La cadena le ofrece a Johnson, productor ejecutivo del programa, la posibilidad de convertir a uno de los personajes del universo Marvel en una serie de televisión. En un principio, este rechaza la idea, pero poco después, tras la insistencia de los ejecutivos, elige a regañadientes el personaje de Hulk y desarrolla el proyecto como un encargo, pero no sin antes poner una serie de condiciones. El creador de V no estaba dispuesto a respetar ciertos aspectos del cómic que consideraba ridículos y decide que es necesario realizar cambios que considera indispensables para que la serie sea creíble para el público del momento.

Para fortuna de Johnson y su equipo, los ejecutivos de la CBS no fueron los únicos en ver con buenos ojos esta adaptación televisiva: la idea es muy bien recibida por parte del público y a ese piloto le siguen setenta y nueve episodios más y cinco telefilms. Alguno de ellos, como el mencionado piloto, estrenados en España y otras partes de Europa como película en salas comerciales antes de su emisión en televisión.

Aunque al telespectador medio probablemente se le pasara por alto, esa no era la primera vez que el gigante esmeralda, creado por Stan Lee y Jack Kirby para Marvel Comics, protagonizaba una serie televisiva. Anteriormente había aparecido en The Marvel Super Heroes (1966), una serie de animación −muy poco animada− de bajísimo presupuesto, en la que compartía pantalla con otros personajes de la compañía como Namor, Thor, Iron Man o el Capitán América.

Las modificaciones más significativas llevadas a cabo por Johnson fueron: el nombre del protagonista, que pasó a llamarse David Banner −por algún motivo Bruce Banner le parecía un nombre muy gay−; su origen atómico, que pasó a ser un experimento fallido en un laboratorio; la pérdida de habla de Hulk, ya que a partir de entonces el monstruo sería mudo, y su color, que iba a pasar de verde a ser rojo... color, que según el guionista, era mucho más realista. Stan Lee y los ejecutivos de Marvel pasan por el aro de todas sus exigencias, pero deciden no dar su brazo a torcer en lo que respecta al color del personaje, una de las características que han convertido a Hulk en un icono del mundo del cómic. Como hemos comentado, Johnson no veía los cómics de Hulk, ni ningún otro, con muy buenos ojos, e intenta distanciar su serie de televisión lo máximo posible del material original,

TELEVISIÓN

dejando atrás los argumentos superheroicos, para usar la idea del personaje como una excusa para basarse principalmente en la huida de Jean Valjean de Los miserables, libro de Victor Hugo que el creativo había leído hacía poco.

Si Valjean iba a ser la inspiración para el protagonista de su versión, estaba claro que en la historia debía aparecer un trasunto del oficial de policía Javert, y este iba a ser Jack McGee (Jack Colvin), un periodista que persigue a Hulk, creyéndole responsable de la muerte del desaparecido doctor Banner. Un enfoque, dentro de los parámetros de la ciencia ficción, mucho más cercano y realista al que nos habían tenido acostumbrados hasta el momento en otras series televisivas como el Superman de George Reeves, el Batman de Adam West o la Wonder Woman de Linda Carter, todas ellas versiones encantadoras de los personajes pero mucho menos creíbles. Una vez escrito el borrador del piloto, Johnson tuvo clara la elección para el papel de David Banner, el actor Bill Bixby. Sin embargo, encontrar a alguien adecuado para interpretar a su irascible mitad verde fue una hazaña mucho más ardua. Para el papel de Hulk se presentaron culturistas de todo tipo, que, si bien reunían las condiciones físicas, carecían de dotes interpretativas. Entre los muchos aspirantes se encontraba un joven Arnold Schwarzenegger, que en aquellos momentos estaba a punto de recibir de nuevo el título de Mister Olympia −Schwarzenegger fue ganador del certamen en siete ocasiones entre 1970 y 1980−, al que rechazaron debido a su estatura, o Richard Kiel, conocido por su interpretación del villano Tiburón en la saga cinematográfica de James Bond.

Kiel incluso llega a rodar algunas escenas del piloto; pero, al ver el resultado, los productores deciden substituirlo por otro de los candidatos: el culturista Lou Ferrigno. Al contrario que Schwarzenegger, Kiel tenía una altura considerable −dos metros y diecisiete centímetros−,

pero muy poca masa muscular. Tras su debut televisivo, El increíble Hulk se mantiene en antena durante cuatro temporadas y media −esta última inacabada debido a una huelga de la industria cinematográfica−, para continuar su andadura comercial en una serie de telefilms en los que Banner llega a encontrarse con otros personajes de Marvel Comics como Thor (Steve Levitt), Daredevil (Rex Smith) o Wilson Fisk, alias Kingpin (John Rhys-Davies). Ni que decir tiene que estas apariciones tuvieron lugar tras la marcha de Kenneth Johnson de la franquicia.

A pesar del título del quinto telefilm, La muerte del increíble Hulk (The Death of the Incredible Hulk, 1990), otra nueva entrega empieza a preprararse para continuar las aventuras del doctor Banner: Revenge of the Incredible Hulk, pero la repentina muerte del actor y productor ejecutivo Bill Bixby hace que el proyecto se abandone definitivamente. Otras adaptaciones del personaje llegaron después de la serie de Kenneth Johnson, pero su versión de El increíble Hulk sigue estando muy viva en la memoria de los espectadores, tanto como la frase que David Banner repetía en todos los capítulos: «Le aseguro que no le gustaría verme enfadado».

CINE / LA CRÍTICA

ALITA, ÁNGEL DE COMBATE Cuando los norteamericanos deciden adaptar mangas

¿Saben el dicho aquel de zapatero a tus zapatos?

Pues eso mismo deberían aplicarse los estadounidenses cuando tienen la «genial» idea de adaptar cómics de manga japonés a su industria. GUNNM, conocido en español como Alita, ángel de combate, fue un manga creado por Yukito Kishiro entre 1991 y 1995 y publicado en la revista Business Jump. En 1993 ya se hizo una versión anime –que, para qué negarlo, tampoco estaba a la altura del genial manga– y ahora nos llega este pastiche en el que se mezclan argumentos, se suavizan personajes y se hace una versión light, apta para todos los públicos. Alita es una especie de robot justiciero –entre Frankenstein y Robin Hood– con aspecto de adolescente hipervitaminada que poco a poco irá adquiriendo características humanas; eso así, las dosis de violencia y explosiones están garantizadas.

El personaje principal está interpretado –es un decir, porque la mayoría de planos son digitales– por Rosa Salazar, a la cual le han puesto unos ojos gigantescos para que el personaje parezca más de manga; es el único, porque el resto, sean humanos o cyborgs, lucen como personas. Sorprende que en el papel del particular «Geppetto» hayan puesto al actor Christoph Waltz, últimamente especializado en papeles de villano, por lo que aunque aquí su papel sea positivo siempre piensas que guarda un as oscuro en la manga. Por el film también deambulan Jennifer Connelly y otros que poco tienen que hacer frente a los superpoderes de este robot enclenque. El film cae en lo lacrimógeno cuando intentan crearle una historia romántica al personaje, y la muestran como una adolescente rebelde. ¡Uf!, para eso ya tenemos unas cuantas teleseries...

Mi opinión: Mejor volver a releer el manga y olvidarse de productos ajenos.

por Bernat Salvat

MARÍA, REINA DE ESCOCIA Dos reinas son demasiado para un solo país La historia está llena de monarcas que han subido al trono gracias al asesinato, a la eliminación de posibles rivales –aunque sean de su propia familia– y a la ambición loca que les mueve y que parece que nunca tienen suficiente. El caso de Isabel I de Inglaterra –la «reina virgen»– no es una excepción: hija de Ana Bolena y de Enrique VIII, cuando sus padres se divorciaron y su madre ejecutada, fue declarada ilegítima (!), Eso no fue impedimento para que, después de eliminar a sus hermanos Eduardo y María, reinase tan ricamente. Esta película narra, pues, el enfrentamiento entre dos hermanas, dos reinas, que en lugar de conformarse con un pedazo del pastel lo quieren todo. Y como existen libros de historia, no hacemos ningún spoiler diciendo que la que ganó fue Isabel, y María fue declarada culpable de conspirar para asesinar a la reina y decapitada al año siguiente. María ya fue encarnada en el cine por la gran Katharine Hepburn en 1936, en una versión romántica al estilo del Hollywood clásico; más realista resultó la versión de 1971, en la que a la gran Vanessa Redgrave le tocaba lidiar con Glenda Jackson en el papel de Isabel. En esta ocasión los papeles principales se los reparten Saoirse Ronan, que poco a poco se está convirtiendo en una actriz de culto, y Margot Robbie, que saltó a la fama con la serie Pan Am para ir escalando puestos e incluso estar nominada por Yo, Tonya, donde hacía el papel de una patinadora muy chunga. En este duelo de actrices las dos están a la altura de las circunstancias, en un film de época de ritmo lento pero en el que la fotografía, la ambientación o el vestuario son dignos de admiración. Muy recomendable si se tiene una sensibilidad especial por estos detalles.

Mi opinión: Hay muchos espectadores que, injustamente, le tienen alergia a los films de época como si fuesen una lección de historia obligatoria.

CINE ESTRENOS

Asher

Identidad borrada

Dirección: Michael Caton-Jones Guion: Jay Zaretsky Música: Simon Boswell Fotografía: Denis Crossan Reparto: Ron Perlman, Famke Janssen, Richard Dreyfuss, Peter Facinelli, Jacqueline Bisset, Guy Burnet, Marta Milans, Jay Hieron, Blake Perlman, David Wohl

Dirección: Joel Edgerton Guion: Joel Edgerton, basado en la autobiografía de Garrard Conley Fotografía: Eduard Grau Reparto: Lucas Hedges, Nicole Kidman, Russell Crowe, Joel Edgerton, Xavier Dolan, Emily Hinkler, Ron Clinton Smith, Jesse Malinowski, Troye Sivan

Asher es un antiguo miembro del Mossad que se ha convertido en asesino a sueldo, viviendo de manera austera en un Brookyn en perpetua transformación.

Llegando al final de su carrera y quizá de su vida, Asher rompe una promesa que hizo de joven cuando conoce a Sophie en un trabajito que se tuerce.

Para convertirse en el hombre que desea ser, no le quedará más remedio que matar al hombre que fue. El director mezcla con habilidad historias de violencia y traición en el mundo de los gangsters judíos con un drama doméstico.

El hijo de un predicador baptista de una pequeña ciudad de Arkansas se ve obligado a participar en un programa para «curar» su homosexualidad, apoyado por la Iglesia. Cuando, a los 19 años, Jared cuenta a sus padres –Nancy y Marshall Eamons– que es gay, el joven comienza a ser presionado para que asista a un programa de terapia de conversión gay, o de lo contrario será rechazado por su familia, su amigos y la Iglesia. Dentro del programa, Jared entrará en conflicto con el terapeuta jefe Victor Sykes.

Si solo pudiera imaginar

Cementerio de animales

Dirección: Andrew Erwin, Jon Erwin Guion: Jon Erwin y Brent McCorkle, sobre una historia de Alex Cramer, Jon Erwin y Brent McCorkle Música: Brent McCorkle Fotografía: Kristopher Kimlin Reparto: J. Michael Finley, Dennis Quaid, Cloris Leachman, Madeline Carroll, Trace Adkins, Brody Rose

Dirección: Dennis Widmyer, Kevin Kolsch Guion: Dave Kajganich y Jeff Buhler, sobre una novela de Stephen King Fotografia: Laurie Rose Reparto: Jason Clarke, John Lithgow, Amy Seimetz, Hugo Lavoie, Lucas Lavoie, Jeté Laurence

La verdadera historia de la canción de tema cristiano «I Can Only Imagine».

Persiguiendo un sueño mientras huía de la relación tormentosa con su padre, Bart Millard sale a la carretera en un viejo y decrépito autobús con su nueva banda MercyMe. Con la guía de un veterano de la industria de la música, la banda comienza un viaje que ninguno de ellos pudo haber imaginado. Un conmovedor recordatorio del poder del perdón. Nos encontramos ante una road movie con trasfondo musical que despierta los sentimientos.

El doctor Louis Creed (Jason Clarke) se muda con su mujer Rachel (Amy Seimetz) y sus dos hijos pequeños de Boston a un pueblecito de Maine; cerca del nuevo hogar, la familia descubrirá un terreno misterioso escondido entre los árboles. Cuando llega la tragedia, Louis hablará con su nuevo vecino, Jud Crandall (John Lithgow), desencadenando una peligrosa reacción en cadena que desatará un mal de horribles consecuencias. Segunda versión al cine de la novela de Stephen King: la anterior era de 1989, que tuvo una continuación en 1992.

CINE ESTRENOS

Shazam!

La importancia de llamarse Oscar Wilde

Dirección: David F. Sandberg Guion: Henry Gayden, C.C. Beck, Bill Parker Fotografía: Maxime Alexandre Música: Benjamin Wallfisch Reparto: Zachary Levi, Jack Dylan Grazer, Mark Strong, Asher Angel, Grace Fulton, David J. MacNeil, Michelle Borth, Djimon Hounsou

Dirección: Rupert Everett Guion: Rupert Everett Fotografía: John Conroy Música: Gabriel Yared Reparto: Rupert Everett, Colin Firth, Emily Watson, Edwin Thomas, Colin Morgan, Miranda Richardson, Anna Chancellor, Julian Wadham,

Todos llevamos un superhéroe dentro, solo se necesita un poco de magia para sacarlo a la luz. Cuando Billy Batson (Asher Angel), un niño de acogida de 14 años que ha crecido en las calles, grita la palabra «Shazam!» se convierte en el superhéroe adulto Shazam (Zachary Levi), por cortesía de un antiguo mago. Dentro de un cuerpo musculoso y divino, Shazam esconde un corazón de niño. Pero lo mejor es que en la versión adulta logra realizar todo lo que le apetecería hacer a cualquier adolescente con superpoderes.

Biopic centrado en los últimos tres años del gran poeta Oscar Wilde (1897-1900). Wilde (Rupert Everett), recluido en un hotel de Francia con sus amigos (Edwin Thomas y Colin Firth), decide atravesar Europa, presa de impulsos contradictorios: ir a ver a su mujer (Emily Watson) o a su amante, Sir Alfred Douglas, conocido como Bosie (Colin Morgan). El personaje ya fue interpretado por Stephen Fry en el film Wilde en 1997, donde también aparecía Jude Law interpretando el papel de Bosie.

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

7 raons per fugir (de la societat)

Soinujolearen semea (El hijo del acordeonista)

Dirección: Gerard Quinto, Esteve Soler, David Torras Guion: Esteve Soler Fotografía: Gabriel Campoy Reparto: Emma Suárez, Sergi López, David Verdaguer, Jordi Sánchez, Alain Hernández, Francesc Orella, Manolo Solo, Núria Gago, Aina Clotet, Pepe Viyuela, Vicky Peña, Pol López, Borja Espinosa, Ramon Fontserè

Dirección: Fernando Bernués Guion: Patxo Tellería, sobre una novela de Bernardo Atxaga Música: Fernando Velázquez Fotografía: Gonzalo Fernández-Berridi Reparto: Eneko Sagardoy, Frida Palsson, Xabier Perurena, Joseba Apaolaza, Miren Arrieta, Aitor Beltrán

Comedia negra que lleva a la pantalla los textos teatrales, representados por todo el mundo –la Trilogía de la Indignación: Contra el progreso, Contra el amor y Contra la democracia–, escritos por Esteve Soler: son siete historias –que llevan los títulos de «Familia», «Propiedad», «Compromiso», «Orden», «Trabajo», «Solidaridad» y «Progreso– que combinan el humor y el horror.

David Imaz tuvo que huir del País Vasco a mediados de los setenta, repudiado por los suyos, acusado de traición. A pesar de encontrar la felicidad en California, su pasado le sigue pesando y el sentimiento de culpa no le permite afrontar con serenidad sus últimos días de vida. Joseba Altuna, su amigo de la infancia, acude a despedirse de él y, de paso, a ajustar cuentas pendientes. Han pasado mucho tiempo sin verse, pero llegó la hora de enfrentarse a la verdad.

Buñuel en el laberinto de las tortugas

¿Qué te juegas?

Dirección: Salvador Simó Busom Guion: Eligio R. Montero y Salvador Simó Busom, a partir de un cómic de Fermín Solís Música: Arturo Cardelús Animación

Dirección: Inés de León Guion: Astrid Gil-Casares, Rafa Russo, Breixo Corral, Pablo Alén Música: Alfonso González Aguilar Fotografía: Miguel P. Gilaberte Reparto: Leticia Dolera, Amaia Salamanca, Javier Rey, Mariam Hernández, Daniel Pérez Prada

Basada en el cómic homónimo, cuenta lo acontecido durante el rodaje de Las Hurdes, el polémico documental que permitió a Luis Buñuel levantar cabeza después del fracaso con el estreno de La edad de oro. Durante el rodaje, la dureza de Las Hurdes y la extrema miseria de sus gentes afectan profundamente a Buñuel. Realidad, sueños, recuerdos de su infancia y de Salvador Dalí se entremezclan en su mente, poniendo en peligro no solo la producción sino su amistad con Ramón. De allí surgirá el Buñuel del futuro.

Roberto (Javier Rey) y Daniela (Amaia Salamanca) son dos hermanos que viven en un mundo de riqueza y glamur gracias a la naviera heredada de papá.

Ambos comparten la dirección de la empresa, aunque tienen una actitud totalmente opuesta ante la vida: Daniela es minuciosa y perfeccionista; Roberto, en cambio, es un genio visionario que odia la meticulosidad de su hermana. Sin embargo, ambos encuentran la salida a sus desavenencias cuando se enamoran de la misma mujer.

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Boi

Taxi a Gibraltar

Dirección: Jorge M. Fontana Guion: Jorge M. Fontana Música: Pablo Díaz-Reixa Fotografía: Nilo Zimmerman Reparto: Bernat Quintana, Adrian Pang, Andrew Lua, Macarena Gómez, Jean-Claude Ricquebourg

Dirección: Alejo Flah Guion: Alejo Flah, Fernando Navarro Fotografía: Gris Jordana Reparto: Dani Rovira, Joaquín Furriel, Ingrid García Jonsson, Mona Martínez, José Manuel Poga, José Troncoso

Boi es un joven que se inicia como conductor privado. Mientras espera con nervios la decisión que ha tomado su novia sobre un asunto que puede cambiarles la vida, deberá acompañar a sus primeros clientes: Michael y Gordon, dos empresarios de origen asiático que han venido a Barcelona con el objetivo de cerrar en menos de 48 horas un acuerdo de vital importancia. Una nueva oportunidad de gozar de la maestría del joven Bernat Quintana, al que hemos podido ver en series de televisión como El cor de la ciutat, Com si fos ahir o, más recientemente, La fossa. Tiene pendiente de estreno Barcelona 1714.

León es un taxista acosado por las deudas. Diego es un argentino tan encantador como embaucador que acaba de salir de la cárcel y a quien nadie ha echado de menos. De repente, un día las vidas de estos dos hombres se cruzan llevándolos a una locura de viaje hacia Gibraltar. A lo largo del camino se toparán con Sandra, una mujer que escapa de su despedida de soltera sin mirar atrás, espantada del horror de vida que lleva. Tres vidas sin rumbo que, desesperadas, se embarcarán en la mayor aventura de sus vidas: encontrar el cargamento de oro escondido por los ingleses durante la Segunda Guerra Mundial en los túneles de Gibraltar.

EXPOSICIONS

Construint nous mons 1914-1945 Amb obres dels artistes més destacats de la seva època, la col·lecció de l’Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) és un referent espanyol i europeu en l’art de les avantguardes del segle xx.

Aquesta exposició proposa una nova lectura sobre el desenvolupament dels moviments artístics de les primeres dècades del segle passat, que en subratlla la llibertat, el misteri i la utopia. Aplegada al voltant del llegat de l’escultor Julio González (1876-1942), la col·lecció de l’IVAM posseeix un dels patrimonis més singulars d’Espanya del període històric de les avantguardes (1914-1945). Té un nombre molt important de peces vinculades als diferents moviments artístics d’aquells anys, fetes pels artistes més influents del seu temps.

Caixa Forum Barcelona Av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8 Tel. 93 476 86 00 Del 12 de juny al 15 de setembre de 2019

Un segle breu: Col·lecció MACBA El MACBA ensenya un tastet de la seva vasta col·lecció formada per més de 5.000 obres. Un recorregut cronològic que comença el 1929 amb l’Exposició Internacional de Barcelona i que transita pels diversos esdeveniments polítics, culturals i socials dels darrers decennis fins a l’actualitat: la Guerra Civil Espanyola, les revoltes del Maig del 1968, els processos de gentrificació a les grans ciutats, la lluita feminista, els debats entorn del postcolonialisme i la crítica al neoliberalisme i a la globalització.

MACBA Plaça dels Àngels, 1 Tel. 93 481 33 68 Fins al dilluns 30 de setembre de 2019

Laia Abril: On Abortion La mostra On Abortion és el primer capítol d’un projecte a llarg termini de la fotògrafa titulat A History of Misogyny, una recerca visual sobre la misogínia realitzada a través de comparacions històriques i contemporànies. En aquest capítol que presenta a Foto Colectania, Laia Abril documenta i conceptualitza els perills i els danys causats a les dones per la seva falta d’accés a l’avortament de forma legal, segura i gratuïta. Amb una meticulosa metodologia d’investigació, Abril recorre al passat per ressaltar la llarga i contínua erosió dels drets reproductius de les dones fins als nostres dies. La seva col·lecció d’evidències visuals, auditives i textuals teixeix una xarxa de preguntes sobre ètica i moralitat, i revela una sorprenent sèrie de desencadenants socials, estigmes i tabús sobre l’avortament que han estat invisibles fins ara. Tal com diu la mateixa Laia Abril: «El projecte de l’avortament agrupa més de mig centenar d’històries. És un mapa conceptual de les repercussions de no tenir accés a l’avortament al món.

La fotografia és la base; i jo entenc per fotografia qualsevol tipus d’imatge: des d’un retrat, una foto

vernacular, foto científica o forènsica, un mapa; però, a més, va sempre acompanyada de text, ja sigui entrevista o part de la meva investigació, així com d’instal·lacions d’àudio i/o vídeo. L’avortament és un tema tan visceral que havia de treballar amb el blanc i negre perquè el reportatge fos dur sense imatges evidents».

Foto Colectania Passeig de Picasso, 14 Tel. 93 217 16 26 Del 28 de març al 9 de juny de 2019

LA LIBRERÍA

¿Quién mató a J.R.?

Guillem Medina 18,95 € (Amazon)

El viaje de Chihiro Álvaro López Martín 22,75 € (Amazon)

¡Dame tu fuerza, Pegaso!

Miguel Martínez, Néstor Rubio 22,76 € (Amazon)

Hanna Barbera, la animación en serie C. Delgado Sánchez, P. Delgado Cavilla 18,95 € (Amazon)

a

El universo de Makoto Shinkai Álvaro López Martín 24,65 € (Amazon)

¡Eso es todo, amigos!

Cruz Delgado Sánchez, Alfons Moliné 22,75 € (Amazon)

¿Quién mató a Laura Palmer?

Guillem Medina 18,95 € (Amazon)

Mi vecino Miyazaki Álvaro López Martín, Marta García Villar 22,75 € (Amazon)

COMICLAND

Caravaggio: 2. La gracia Milo Manara 18 €

Blake y Mortimer: El valle de los inmortales P. van Dongen, T. Berserik, Y. Sente 17 €

Historias de Edgar Allan Poe Stacy King 18 €

Ataque a los titanes: 12. Antes de la caída H. Isayama, R. Suzukaze, S. Shiki 8€

Negalyod Vincent Perriot 23 €

Riverdale: Volumen 2 Varios autores 18 €

The Umbrella Academy es la adaptación televisiva del cómic del cantante de My Chemichal Romance. La ficción de acción real sigue a una familia disfuncional de superhéroes que trabajan para averiguar la misteriosa muerte de su padre. Mientras, tendrán que lidiar con las personalidades y habilidades tan dispares que posee cada uno. Cada miembro de este grupo especial de superhéroes fue adoptado por el inventor Reginald Hargreeves y está compuesto por Monóculo, Spaceboy, Kraken, Rumor, Séance, Number Five, Horror y Violín Blanco. La serie, que parte de la idea original del artista Gerard Way y el diseño de Gabriel Bá, está adaptada por el escritor Jeremy Slater (Death Note). Universal Cable Productions y Dark Horse Entertainment han adaptado el cómic para Netflix, con guion de Steve Blackman (Fargo). De momento Norma Editorial ha publicado dos volúmenes del cómic: Suite apocaliptica y ahora, como novedad, este último titulado Dallas. No hay duda de que la emisión por Netflix ayudará a crear nuevos seguidores de la saga.

COMICLAND

Rapaces, la serie de historietas publicada en cuatro álbumes, escrita por Jean Dufaux y dibujada por Enrico Marini, ha sido uno de los grandes éxitos de la bande desinée de la última década. Es una obra cuya perfección no se debe al azar, sino al encuentro de dos autores completamente maduros que, en cierto sentido, remozan el longevo género de vampiros partiendo de la vertiente sensual del vampirismo. Esta vertiente, que arranca por lo menos del cine de terror de los años setenta, se ha popularizado en las últimas dos décadas gracias a artistas como Francis Coppola (Drácula, 1992), Anne Rice –su novela Entrevista con el vampiro tuvo una relevante versión cinematográfica– o Joss Whedon con la teleserie Buffy Cazavampiros (1997-2003), que, si bien comenzó como un cruce entre comedia, terror y melodrama adolescente, fue evolucionando a medida que lo hacían el público y los personajes hacia posicionamientos más dramáticos, cargados de fatalismo, tristeza y sensualidad.

Rapaces es una serie brillante por los distintos niveles de complejidad que existen entre los personajes que desfilan por sus páginas. Si a esto añadimos a un Enrico Marini en estado de gracia, capaz de reflejarnos Nueva York con una magnificencia y esplendor más que encomiables, tenemos, en conclusión, una de esas series estrella, arrebatadoras y sugestivas como aparecen pocas de tiempo en tiempo. Los lectores desean un pronto regreso de estos personajes en un nuevo arco argumental para que los nuevos rapaces se enfrenten con lujuria y arrojo a los nuevos peligros de la noche de sus almas.

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y en el próximo número...

JORDI CADELLANS

www.diaboloediciones.com