Carcara #14

#14 SUMMER 2018

Cover Photo Christus Nobrega

EDITORIAL THE FUTURE OF PHOTOGRAPHIC ART IS UNCERTAIN AND WONDERFUL The possibilities in photography and photographic art are infinite. This issue of Carcara proves that. We have registered the striking realism of the “loiceira” of Taracatu, in the wilderness of Pernambuco; the surrealism of Brasilia’s multiartist Athos Bulcao; the conceptualism of Christus Nobrega, with delicate photos of plants printed with his own blood; Andre Cypriano’s photos of capoeira, which should be carefully heard; the poetry that overflows in Fernanda Chemale’s works; the sensitive body geography of Gabriel Bicho; the appropriation of images I did in the book “O Filme Perdido”, from Antonio Noronha and Guga Carvalho; the archeology which aesthetically rescues time in Jose Carlos Barretta’s (Ze Barretta) graphisms; the unusual and diaphanous impressionism of Luiz Baltar’s landscapes; the thrilling kaleidoscope of digital society created by Ricardo Vicq; the apparent simplicity of Walter Carvalho, a deep thinker of images. But still there is one more work to consider, which comes from the academy: Daniel Avila chose photography to dive in himself, going through the waters of Richard Avedon to understand his father and his own life, all presented in a graduation work called Ele. Carcara proposes to present the infinite possibilities of photography, especially in its best from an aesthetic point of view, but not limiting it to unilateral or traditional perspectives. Future is uncertain, but grand, simply because human beings overcome themselves every day. This overcoming in photographic art is what Carcara always expects to offer to its readers and spectators.

CARLO CIRENZA

BEAUTIFUL IMAGES THAT EXPOSE ENTRAILS Christus Nobrega is pure concept, pure emotion.

His work should be penetrated. Either live or in installations, drawings, collages, photography, videos or intellectually.

The contemplation or experience of one of Christus Nobrega works is about the impregnation of senses. The look is too little to experience his works. We need to live it, sometimes with eyes closed. In memory. In this series, Christus surpasses the senses to propose an exteriorization of his own body.

He shoots plants which were used in Brazilian religious traditions inherited from Africa or from Indians and uses his own blood to compose the ink which will be used for printing the photos. Even though these are beautiful images, contemplating them aesthetically is not enough. One needs to interiorize the feeling that exposes entrails. This project, named Sudario, pays homage to homosexuals who, in many countries, are forbidden to donate blood. It consists in extracting the artist’s blood, which, after chemical treatment, becomes an ink to be used in laser jet printers. Christus Nobrega is a visual artist and adjoining teacher at Instituto de Artes da Universidade de Brasilia (UnB). He has a PhD and master’s degree in Contemporary Art at UnB, where he teaches and mentors postgraduate students in Arts and Design. His works are exhibited at collections at Fondation Cartier - Paris and Museu de Arte do Rio (MAR) - Rio de Janeiro. He received awards at Programa Cultural da Petrobras (2004 and 2011) and at Museu da Casa Brasileira (2004). In 2015, he represented Brazil in China in the Program of Art Residency at Brazil’s Foreign Relations Ministry, in Central Academy of Fine Arts (CAFA).

Site: www.christusnobrega.com/

Christus Nobrega

THE REALISTIC REGISTER OF AN ANCESTRAL ART The photos in Ana Araujo’s shoot refer to mankind history.

These women have such intimacy with clay that they seem to be continuing divine work. However, they don’t shape men nor women. They create ancestral objects: pots, jars and pans, like a special one used to cook “cuscuz”. They use clay, their hands and, at times, stones, pebbles, corncobs, pieces of gourd for finishing. They have no intimacy with the potter’s lathe. Maybe that is why their pieces are mythical, mystical, because they bear the mark of the origin of a human being.

This ethnographic, realistic, striking register, makes a millenary tradition eternal, in its indigenous Pankararu origin, which used white or red clay taken from Serra de Tacaratu, in the wilderness of Pernambuco. The photos are in the book “As Loiceiras de Tacaratu - A Arte Milenar das Mulheres do Meu Sertão”, with shoots from Ana Araujo; text and photo edition by Simonetta Persichetti; and historical research by professor Bartira Ferraz Barbosa. “My authorial work is focused in my people”, says Ana Araujo. “[…] I try to show the wilderness from within […] as seen from countrymen, opposed to that old suffering because of dryness and the misery.” Ana Araujo is a photographer and a journalist, works in advertising, is an art educator and cultural producer. She was born in Tacaratu (1966) and graduated in Journalism in 1988, at Universidade Catolica de Pernambuco.

She began her career at trade union press and at Folha de Pernambuco (1987-1988). In Recife, she worked as a free-lancer for newspapers O Estado de S. Paulo and Folha de S. Paulo (1989-1991). She worked at Jornal de Brasilia (1992-1994) and at Veja magazine’s Brasilia branch (1995-2009). She received five journalism awards at Abril (1998 a 2006) and lives in Recife.

Ana Araujo

MOVEMENT, MUSIC, INQUISITIVE LOOKS These photos by Andre Cypriano should be carefully heard. It is not enough to see them and realize the movements that exist and will exist. His careful framing allows us to feel the dance of Capoeira. There are gestures standing still in the air that we can enliven. His faces, however, overflow silences. They make present concrete as if it had always been like that. And seem to question incisively. This aesthetical counterpoint, silence/ music, mobility/immobility, refer us to history, art, dance, fight, social injustice. Cypriano’s capoeira and capoeira dancers are libels, manifests. These photos are part of the book Capoeira (Editora AORI), with texts from journalists Rodrigo de Almeida and Leticia Pimenta. The work has images which were registered for 20 years and rescues capoeira’s history since its beginning in colonial Brazil to date, through Bahia, Estados Unidos, Asia, Latin America, and highlights promotion and appreciation of national culture and its function of social bundling. Cypriano was born in 1964, in Piracicaba, Sao Paulo. He has been living in the United States since 1990. He develops social and cultural projects and his photographic documentaries have been used in educative seminars and exhibited in museums and galleries in Brazil, Europe and US. He wrote the book “Rocinha” (Senac Editora, 2005), about life in a slum, and “O Caldeirao do Diabo”, with portraits of inmates (Cosac Naify, 2001).

He won several awards, like Portrait Excellence Award (1996), New Works Awards (1998), Mother Jones International Fund for Documentary Photography (1999) and Bolsa Vitae de Artes in Sao Paulo (2002). His site: www.andrecypriano.com

Andre Cypriano

CRITICAL SURREALISM IN ANTHOLOGICAL PHOTOMONTAGES Athos Bulcao, one of the most important and unknown artists in Brazil, is inextricably linked to Brasilia. An autodidact, in 1939 he left Medicine college to dedicate himself to painting. He also created photomontages, tiles, sculptures and decorated interiors, in public and private works. A mark in Brazilian architecture and urban decoration, his tiles, present in numerous buildings in Brasilia, are pure lyric concretism, exactly the opposite of this highly iconographic surrealism, which he offers in anthological photomontages. In one of them, two hippopotamus rest in a room: an anticipation of Ionesco’s Rhynoceros? These photos are part of a series produced between 1949 and 1954. They reveal an aggressive aesthetics and plastically force us to reflect about the effects of mass communication. In an interview for Carmem Moretzsohn, published in July 1998, in Jornal de Brasilia, Athos Bulcao reveals: “I made a great series of photomontages from 1952 to 1955 [...] That was a period of identity crisis. I had come back from Europe, where I had a scholarship and saw that I couldn’t live of painting. I was doing decoration and didn’t like it much.

So I felt like doing something that wasn’t neither photography nor theater or cinema. I started to cut out figures and put them side by side. It’s a framing exercise. That is something that may be linked to cinema in my head, to movement. I imagined little movies around that.” Athos Bulcao was born in Rio de Janeiro, in 1918, and died in Brasilia in 2008.

Athos Bulcao

THE LOST MOVIE “In the same way a soundtrack, composed specifically for a movie, can be enjoyed as music, imageless, photography (in a movie) can be contemplated as work.” “[…] the photographic images surpass the dialectical tension document and work explicit by the force of mimesis between still and film a continuum between presence and absence.”

Guga Carvalho This work is, at the same time, a polyvalent conceptual work and a meta-work.

But it is also a tribute work. Carcara Photo Art’s editor, Carlo Cirenza, registers details of photos by Antonio de Noronha (meta-work), published in a book (O Filme Perdido) curated by Guga Carvalho. The book has photography of the movie Adao e Eva: do Paraiso ao Consumo, shot in 1972 in Super 8, with the participation of poet Torquato Neto (the honored) in Adam’s role. The publication comprises 27 imagens from the artist.

The movie disappeared, the photos remained. Torquato Neto killed himself at 28, in 1972. Friend of Gilberto Gil, Caetano Veloso, Maria Bethania and Gal Costa, he was one of the intellectual mentors of Tropicalism and took part with two songs (Mamae, Coragem and Geleia Geral) in the album Tropicalia ou Panis et Circenses.

What to say of a movie, image in movement that exists, for now, only in photographic register? Here we have: movie, photography, memory, time and space. Before this new doing, Carlo Cirenza transfigures the concept of photography by taking a picture of a movie that doesn’t exist and by taking over it aesthetically. Carlo Cirenza is a photographer and printer of fine art; Guga Carvalho has a master’s degree in Aesthetics and History at Universidade de Sao Paulo; Antonio Noronha Filho, currently a doctor, at that time studied Philosophy at former Faculdade Catolica de Filosofia in Teresina.

TECHNICAL SHEET OF THE MOVIE MOVIE: ADÃO E EVA: DO PARAÍSO AO CONSUMO. YEAR: 1972.

SITE: TERESINA (PIAUÍ).

DIRECTION: CARLOS GALVÃO. CAST: TORQUATO NETO E CLAUDETE DIAS. SCRIPT: EDMAR OLIVEIRA, ARNALDO ALBUQUERQUE E CARLOS GALVÃO. ARGUMENT: EDMAR OLIVEIRA. STILL PHOTOS: ANTÔNIO DE NORONHA FILHO. CAMERA: ARNALDO ALBUQUERQUE. PRODUCTION: ANTÔNIO DE NORONHA FILHO. LENGTH: 8 A 10 MINUTOS. SITUATION: PERDIDO.

TECHNICAL SHEET OF THE BOOK BOOK: O FILME PERDIDO / THE LOST FILM IMAGES: ANTÔNIO DE NORONHA CURATORSHIP: GUGA CARVALHO IMAGE RESEARCH: DANILO MEDEIROS GRAPHIC DESIGN: PHILLIPE XADAI PRESENTATION: JACQUELINE MEDEIROS YEAR: 2015

Carlo Cirenza

Antonio de Noronha

Guga Carvalho

THE SEARCH FOR HIMSELF THROUGH PHOTOGRAPHY “I think I make photos of things I fear. Things I can’t handle without a camera.

My father’s death. Madness. When I was young, women. I didn’t understand them.

The camera gave me some control over the situation, because a good work was being carried out. And, by photographing what I feared or what interested me, I explored and learned, and knocked the ghost out.”

Richard Avedon “Photographing people is to violate them, see them as they never see themselves, by knowing them as they never will; it turns people into objects that can be symbolically possessed.”

Susan Sontag “It has been very important throughout my life not getting rid of stuff most people would throw in the garbage. I have to be in touch with my frailty, the man in me, the woman in me, the child in me, the grandfather in me. All those things must be kept alive.”

Richard Avedon Daniel Avila chose photography to look outside, at real, and at his inner world.

So he used a photography icon, Richard Avedon, and a vital and particular icon, his father. These looks turned into his graduation work, called “Ele”, presented at Centro Universitario Senac - Campus Santo Amaro, Sao Paulo, under the guidance of Prof.

Joao Pregnolato, in 2012. Avedon revolutionized fashion photography and portraits.

In fashion, he took models out of studios’ immobility and photographed them as if he were producing mini stories. His portraits used white background and he strived to take the character out of his or her personal refuge to reveal their interiority. Daniel Avila studied carefully his fashion works, editorial and personal portraits and his biggest project, “In the American West” to better understand the role of photography in the photographer’s expression of feelings and perceptions and the search for understanding people and the world. “This research enabled the execution of my own shoot, which goal was to meet again the image I had of my father, Daniel Cardoso Junior, before alcoholism took over”, he says. Daniel interviewed his grandparents and his father.

And photographed them in Richard Avedon’s fashion. “The camera became my shield, and photography, a tool to understand people, all around them and the attempt of reunion and reconnection with my father.” Daniel Avila is and ad and authorial photographer. He teaches photography and illumination in courses and workshops at Instituto Internacional de Fotografia, in Sao Paulo. Source: https://issuu.com/ danielavilafotografia/docs/ele_daniel_avila. To hear excerpts from the testimonials: https://vimeo.com/73401466

Daniel Avila

Homage to Martin Munkรกcsi, Richard Avedon, 1957

Martin Munkรกcsi, 1934

Richard Avedon with Twiggy, Paris Studio, April 1967

Suzy Parker and Mike Nichols, Richard Avedon, 1962

Charles Chaplin leaving America, New York, September 13, 1952

Marilyn Monroe, Actress, New York, May 6, 1957

Jacob Israel Avedon, Sarasota, Florida, May 15, 1971

The Duke and Duchess of Windsor, New York, April 16, 1957

James Kimberlin, Drifter, State Road 18, Hobbs, New Mexico, October 7, 1980 Boyd Fortin, Sweetwater, Texas, March 10, 1979

Laura Wilson, Avedon’s assistant, 1980

Rochelle Justin, Richard Avedon, 1980

Laura Wilson, 1980

Laura Wilson, 1980

Laura Wilson, 1980

Bill Curry, Richard Avedon, 1980

Laura Wilson, 1981

Laura Wilson, 1979 Ronald Fisher, Beekeper, Davis, California, May 8, 1981

With Maria de Lourdes dos Santos Cardoso, the grandmother

Maria de Lourdes dos Santos Cardoso, the grandmother, 2012

With Daniel Cardoso, the grandfather

Daniel Cardoso, the grandfather, 2012

With Daniel Cardoso Junior, the father

Daniel Cardoso Junior, the father, 2012

DENSE AND LUMINOUS POETRY BEYOND TIME AND SPACE Poetry is everywhere. We need good eyes and sensitivity to see.

This is one of the main poetic lessons of Fernanda Chemale in the book ElefanteCidadeSerpente. She doesn’t register time and space. Chemale, closer to poet Joao Cabral de Mello Neto than to Carlos Drummond de Andrade, dares to illuminate our memory to expose, paradoxally, her “heres and nows”.

Her lyrical, rational aesthetic invites us to a timeless selfabsorption. Her photos, at first sight, are only sensitive our look.

So we realize we should recreate content, offer information to neurons and wait for our capacity of knowing and feeling to surface. Fernanda Chemale is a provocative artist that explodes through photography. Researcher and critic Rubens Fernandes Junior summons: “Seeing the city not always means veracity.

This is exactly the main idea that runs through Fernanda Chemale’s book. She faced the challenge of creating a collection of photos about cities nowadays, without the commitment of documenting buildings, avenues, people, in all, the sociocultural history of urban space. Her images make iconic the purest momentary and ephemerous sensation of a passerby.” Fernanda Chemale was born in Osorio, Rio Grande do Sul, in 1965.

She is a photographer, visual artist, editor and curator, graduated at Escola de Comunicacao, Artes e Design - Famecos at Pontificia Universidade Catolica do Rio Grande do Sul. Her work is at collections Pirelli/MASP de Fotografias at Museu de Arte de Sao Paulo, Museu de Arte Contemporanea at Rio Grande do Sul, Museu do Homem do Nordeste and Museu dos Descobrimentos in Portugal.

Fernanda Chemale

SKIN AS A MAP TO A SENSITIVE GEOGRAPHY OF THE BODY Gabriel Bicho is telluric. Here, in what is called Pele Sufocada, however, he is “skinuric”. He turns human beings in a sensitive space and creates a kind of body geography, represented by its most significant map, the skin, our body’s largest organ.

How many of us know how to feel in our skin the tegument totality: sets of structures that form living beings’ external cover – hair, nails, sweat and sebaceous glands, whose main function is to protect tissues around them, regulate the temperature of the cells, store nutrients and contain sensitive nerve terminations? Way beyond physical and chemical, Gabriel Bicho reflects: “what do we understand by skin? What composes this skin? After all, what is this skin? Skin that is eaten, hurts, scratches, tears, cuts, burns, bleeds, shivers, feels cold, gets sick, bites, gives and gets pleasure, is tattooed, gets old, sweats.

Skin that sensitizes and transits over other bodies. […] I merged biological and symbolic, desire and prohibition, youth and old age, profane and sacred. Skin that sells. Skin that lives. Skin that dies. […] Skin that receives stimulus, connected to external and responsible for the masterful organization of the intern. Choked skin.” Gabriel Bicho’s works are ecological, integrate nature and human condition in a realistic aesthetic which privileges life and is also complaint, concern, indignation. Gabriel Bicho, photographer from Porto Velho, Rondonia, was born in 1989.

He is a cultural agent and technician in photographic processes at Senac Sao Paulo and graduated in Visual Arts at Universidade Federal de Rondônia. His site: http://gabrielbicho.com/

Gabriel Bicho

UNUSUAL LANDSCAPES; AND WE ARE POSSESSED

BY AN IMPRESSIONIST AESTHETIC “Jose Diniz is an eternal curious boy, who uses photography to build his fables.”

Iata Cannabrava How many people can afford the luxury of choosing angles to see the world? And what does that world show us? Is that the same other people see? Jose Diniz proposes: try to see the world from my point of view. Then see it from yours. Compare. In this shoot, named Periscopio, the result is an impressionist, dark, gloomy aesthetic. But also touching. We are like possessed by these unusual landscapes. We can see and feel a dense loneliness. And we understand that the world is larger than we can imagine. But, in that smallness, we grow. All that can be felt before these landscapes by Jose Diniz. And much more.

He also teaches us that when we put ourselves in other people’s shoes we can understand them better. This self-absorption that dominates us can be extremely beneficial. By looking at Jose Diniz’s world we face our interior world. Jose Diniz was born in Niteroi, in 1954, and lives in Rio de Janeiro. He postgraduated in Photography at UCAM [Universidade Candido Mendes], took courses at MAM-Rio, at Escola de Artes Visuais do Parque Lage and at Atelie da Imagem. His photos are in private collections, at Museum of Fine Arts Houston and at MAM-Rio/Coleção Joaquim Paiva. He is the author of the books Literariamente (Sao Paulo, 2009) and Periscope (Sao Paulo, 2014). In 2011, he exposed at III International Discoveries Bienal in Houston, where curators of Fotofest Gallery chose him among 12 new photographers of 9 countries. “Periscope”, from Editora Madalena, was appointed by ICP - International Center of Photography as one of the most inspiring photobooks of 2014.

Site: www.josediniz.com

José Diniz

VIOLENCE AND CRUELTY TO REACH OUR ACCOMMODATED IMMOBILITY Each photo in this Luiz Baltar shoot brings an interrogation: why? We are before violence and cruelty. Around 2,5 million years ago, the evolution of homo genus started in Africa.

By that time, homo was already violent, as all other animals.

But we, human beings considered civilized, go beyond: we premeditate violence, hence cruelty. Some of us become torturers and still have pleasure in that. As the fighters that battle and the audience that roars also have pleasure. Baltar exposes our insanity. We have not only been violent, but cruel. He is committed to reality, mostly urban reality and its inhabitants. He doesn’t interpret it, he extracts art from daily life. And does that in a way which instigate us to question reality. It’s clear that it’s impossible to photograph reality as a whole. It is also impossible to realize its totality. But Baltar’s details fill our conscience with interrogations. Either at the ring, on the streets, or in slums, he instigates us to ponder and get out of our accommodated immobility. Luiz Baltar was born and lives in Rio de Janeiro. He is a designer graduated at Escola de Belas Artes/UFRJ and graduated in documental photography at Escola de Fotografos Populares; he is postgraduating in Photography and Images at Universidade Candido Mendes UCAM. He took part in Programa Imagens do Povo, photographic agency and documentation and research center of Mare’s slums, Rio de Janeiro. He is a member of collective Favela em Foco.

In April 2016 he won the award of Fundacao Conrado Wessel (FCW de Arte/Fotografia) with the shoot Fluxos. In February 2016 he was one of the winners of Premio Brasil Fotografia Luiz in Print Shoot category. His site: www.luizbaltar.com.br

Luiz Baltar

BEAUTIFUL AND TOUCHING KALEIDOSCOPE OF DIGITAL SOCIETY “It is a series of photographic collages which represent the multiple choices and decisions we have to make throughout our lives. Choices which will determine facts and events we will experience. Which will, as time passes, become no more than reflexes in our memories, confronted with consequences of each choice we make.”

Ricardo de Vicq, about this series, called Meridiano 180.

As every work of art worth of this name, these images by Ricardo de Vicq allow many more interpretations than the one the author proposes. They bring multiple understandings and interpretations. The one which sensitizes me the most is its approximation to the kaleidoscope of digital society and the polyvalent language of Robert Rauschenberg’s paintings.

Not as reporting, but as the avalanche we are exposed to.

They don’t turmoil our conscience. On the contrary, its pop plasticity doesn’t pummel us. However, it provokes the necessary critical worry to look closer to what surrounds us. Ricardo de Vicq was born in Rio de Janeiro, in 1950. He is known mainly by his work in advertising, where he specialized in cooking. But he also portraits famous and humble people; landscapes, hands and women in brilliant chiaroscuros. And these magnificent collages. In advertising, he received awards at Cannes Festival, Fundação Conrado Wessel, N.Y. Festival, London Advertising Awards, Clio Awards, The Art Directors Club, Graphis Advertising.

His authorial work in Fine Art has been exhibited in collective and individual exhibitions, national and internationally, in Rio de Janeiro, Sao Paulo, Paris, Florence, Pistoia, Los Angeles, Vermont, Fort Collins, Greenville, Dayton and Berlin.

Ricardo de Vicq

APPARENT SIMPLICITY, INFINITE TIME, BROAD SPACES, RUDE LYRICISM Deep thinker of images, intimate with them, Walter Carvalho strives to fecundate the mystery which inhabits them.

Agnaldo Farias There is something of Italian neorealism and Brazilian Cinema Novo in the first stage of Walter Carvalho’s photos. All are characterized by apparent simplicity. Very apparent. Add to the photos a rude lyricism. What is shown exists completely before the viewer. But it is possible to make numerous interpretations.

Filmmaker and photographer Walter Carvalho, author of beautiful images of iconic works in Brazilian cinema, as Lavoura Arcaica, Abril Despedacado, Madame Sata, Central do Brasil and Amarelo Manga, turns space and time in his photos.

And leave it to the audience to create a script. In the movies there is a beginning and an ending. In the photos there is infinite time and broad spaces before and after each click. In the movies, metaphors move. In the photo, metaphors emerge with each look. Walter Carvalho’s photos ask subjects to contemplate them with patient self-absorption to manage the necessary interiority that each of them deserve. Walter Carvalho, photographer and filmmaker, was born in Joao Pessoa, Paraiba, in 1947. An heir of Cinema Novo, he graduated in graphic design at Escola Superior de Desenho Industrial do Rio de Janeiro (ESDI). His route as a photographer and filmmaker is reflected in his authorial work, in which he tries to capture moments by creating “continued moments” throughout his work. He has published Contrastes simultâneos (Cosac Naify) and his works are at Museu de Arte do Rio (MAR), Maison Européenne de la Photographie (MEP), Coleção Pirelli /MASP and Instituto Moreira Salles. He is part of Photographers Encyclopaedia International, 1839 to present.

Walter Carvalho

IMAGE ARCHEOLOGY TO AESTHETICALLY DECIPHER TIME In Ze Barretta’s Paisagens Passageiras, time seems to be passing in front of our eyes. We feel time pass, sometimes as a vortex, sometimes as breeze. But in them time passes concretely.

In Transitorias Cicatrizes, time is coagulated. Ruins report our temporal human frailty. In Territorios de Resistencia, time merges in distressing space and asks to pass. But where to?

Here, humanity insists in shredding and defying time and space.

Time is raw material for Ze Barretta. In Pigmento Ancestral/ FE2O3 Uma Arqueologia da Imagem, he went further: 13.000 years ago, in the heart of the Northeast region. He went in search of almost lost time in that space. “Wouldn’t those be the first image manifestations of mankind?”, asks Ze Barretta.

He goes on: “this shoot is about a personal investigation of the remains of the first inhabitants of America in many archeological sites that exist in Northeast’s sertao [wilderness].

I am interested in questioning what would that primitive image be, one which already pervaded human imagination thousands of years ago.” The title reproduces the formula of iron oxide, a mineral which is used in the ink prepared by the first inhabitants of this region to paint rocks, an ancestral pigment.

Free-lance photographer in Sao Paulo, Barretta was born in 1973 and has been working in press and institutional industries since 2008. He is a collaborator at newspaper Folha de S.Paulo and makes portraits, events and concert photos. He was awarded a Premio Porto Seguro Fotografia 2010 in Sao Paulo category with Paisagens Passageiras and got an honorable mention at Visura Photo Grant 2016, ND Awards 2016 and AI-AP Latin America Fotografia 5 awards. Site: https://www.zecarlosbarretta.com.br/

Zé Barretta

EDITORIAL É incerto e maravilhoso o futuro da arte fotográfica São infinitas as possibilidades da fotografia e da arte fotográfica.

Esta edição de Carcara é mais uma prova disso. Registramos o realismo contundente das “loiceiras” de Tacaratu, no Sertão pernambucano; o surrealismo do multiartista brasiliense Athos Bulcão; o conceitualismo de Christus Nóbrega, com delicadas fotos de plantas impressas com seu próprio sangue; as fotos de capoeira de André Cypriano que devem ser ouvidas cuidadosamente; a poesia que transborda nos trabalhos de Fernanda Chemale; a sensível geografia corporal de Gabriel Bicho; a apropriação de imagens que realizei do livro “O Filme Perdido”, de Antônio Noronha e Guga Carvalho; as arqueologias que recuperam esteticamente o tempo nos grafismos de José Carlos Barretta (Zé Barretta); o insólito e diáfano impressionismo das paisagens de José Diniz; a violência e a crueldade no expressionismo de Luiz Baltar; o emocionante caleidoscópio da sociedade digital de Ricardo Vicq; a simplicidade aparente de Walter Carvalho, um profundo pensador das imagens. Mas ainda falta considerar um trabalho que vem da academia: Daniel Avila escolheu a fotografia para um mergulho em si mesmo, passando pelas aguas de Richard Avedon, para entender seu pai e compreender sua própria vida, tudo apresentado num trabalho de conclusão de curso intitulado Ele. Carcará se propõe a apresentar as infinitas possibilidades da fotografia, sobretudo naquilo que ela tem de melhor do ponto de vista estético, porém, não se limitando a visões unilaterais ou tradicionais. O futuro é incerto, mas grandioso, simplesmente porque o ser humano se supera a cada dia. É essa superação no campo da arte fotográfica que Carcará espera poder sempre oferecer aos seus leitores e espectadores.

CARLO CIRENZA

CHRISTUS NOBREGA Belas imagens que expõem entranhas Christus Nobrega é puro conceito, pura emoção. Sua obra deve ser penetrada. Seja ao vivo, em instalações, desenhos, colagens, fotografias, vídeos, ou intelectualmente. A contemplação e/ ou vivência de uma obra de Christus Nobrega passa pela impregnação dos sentidos. O olhar é pouco para experimentar seus trabalhos. Precisamos vive-los, às vezes, de olhos fechados.

Memorialmente. Nesta série, Christus ultrapassa os sentidos para propor uma exteriorização de seu próprio corpo.

Ele fotografa plantas utilizadas nas tradições religiosas brasileiras de matrizes africana e/ou indígena, e utiliza seu próprio sangue na composição da tinta que vai imprimilas. Mesmo constituindo belas imagens, contemplá-las esteticamente é pouco. É preciso interiorizar o sentimento que expõe entranhas. Este projeto, intitulado Sudário, presta uma homenagem aos homossexuais que, em muitos países são impedidos de doarem sangue. Ele consiste na extração de sangue do artista que, após processo químico, transforma-se em tinta para ser usada em impressora jato de tinta. Christus Nobrega é artista plástico e Professor Adjunto do Departamento de Artes Visuais, do Instituto de Artes da Universidade de Brasília (UnB). Doutor e Mestre em Arte Contemporânea pela UnB, onde leciona e orienta nos cursos de pós-graduação em Artes e Design. Tem obras em acervos como: Fondation Cartier - Paris e Museu de Arte do Rio (MAR) - Rio de Janeiro.

Foi premiado pelo Programa Cultural da Petrobras (2004 e 2011) e pelo Museu da Casa Brasileira (2004). Em 2015, representou o Brasil na China pelo Programa de Residência Artística do Ministério das Relações Exteriores do Brasil, na universidade chinesa Central Academy of Fine Arts (CAFA).

Site: www.christusnobrega.com/

ANA ARAUJO O registro realista de uma arte ancestral As fotos deste ensaio de Ana Araujo remetem à história da humanidade. Estas mulheres têm tal intimidade com o barro que parecem continuar um trabalho divino. Porém, não moldam homens nem mulheres. Elas criam objetos ancestrais: potes, panelas, jarros, tachos, cuscuzeiras. Usam o barro, suas mãos e por vezes, pedras, seixos, sabugos de milho, pedaços de cabaça para os acabamentos. Não têm intimidade com o torno dos oleiros. Talvez, por isso, suas peças sejam míticas, místicas, porque trazem a marca da origem do ser humano. Este registro etnográfico, realista, contundente, eterniza uma tradição milenar, de origem indígena Pankararu, que utilizavam barro branco ou vermelho, retirado da Serra de Tacaratu, no Sertão de Pernambuco. As fotos estão no livro “As Loiceiras de Tacaratu – A arte milenar das mulheres do meu Sertão”, com fotos de Ana Araujo; texto e edição de fotos de Simonetta Persichetti; e pesquisa histórica da Professora Bartira Ferraz Barbosa. “Meu trabalho autoral é focado no meu povo,” diz Ana Araujo. “[...] busco mostrar o sertão de dentro [...] visto por um olhar conterrâneo, num contraponto àquele velho conhecido, o sofrimento da seca, a miséria.” Ana Araujo é fotógrafa, jornalista, publicitária, arte-educadora, produtora cultural. Nasceu em Tacaratu (1966) Formou-se, em Jornalismo, em 1988, pela Universidade Católica de Pernambuco. Iniciou a carreira na imprensa sindical e na Folha de Pernambuco (1987-1988). No Recife, fez freelances para os jornais O Estado de S. Paulo e Folha de S. Paulo (1989-1991). Trabalhou no Jornal de Brasília (1992-1994) e na sucursal de Brasília da revista Veja (1995-2009). Recebeu cinco prêmios Abril de Jornalismo (1998 a 2006). Reside no Recife.

ANDRÉ CYPRIANO Movimento, música, olhares inquisidores Estas fotos de André Cypriano devem ser ouvidas cuidadosamente. Não basta vê-las e perceber que os movimentos existiram e existirão. O seu cuidadoso enquadramento nos possibilita sentir a dança da Capoeira.

Há gestos parados no ar que conseguimos avivar. Seus rostos, no entanto, transbordam silêncios. Eles concretizam um presente, como se sempre tivessem sido assim. E parecem nos questionar incisivamente. Esse estético contraponto, silêncio/ música, mobilidade/imobilidade, nos remete a história, arte, dança, luta, injustiça social. Capoeira e capoeiristas de Cypriano são libelos, manifestos. Estas fotos fazem parte do livro Capoeira (Editora AORI), com textos dos jornalistas Rodrigo de Almeida e Letícia Pimenta. A obra traz imagens registradas durante 20 anos e resgata a história da capoeira, desde seu surgimento no Brasil Colonial até hoje, passando pela Bahia, Estados Unidos, Ásia, América Latina, e ressalta a promoção e valorização da cultura nacional e sua função de agregação social. Cypriano nasceu em 1964, em Piracicaba, São Paulo. Vive nos Estados Unidos desde 1990. Desenvolve projetos sociais e culturais e tem seus documentários fotográficos utilizados em seminários educativos e expostos em galerias e museus do Brasil, Europa e EUA. É autor do livro “Rocinha” (Senac Editora, 2005), sobre a vida numa favela, e “O Caldeirão do Diabo”, retratos de presidiários (Cosac Naify, 2001). Ganhou diversos prêmios, como o Portrait Excellence Award (1996), o New Works Awards (1998), o Mother Jones International Fund for Documentary Photography (1999) e o Bolsa Vitae de Artes em São Paulo (2002).

Seu site: www.andrecypriano.com

CARLO CIRENZA, ANTÔNIO DE NORONHA E GUGA CARVALHO O filme perdido

ATHOS BULCÃO Surrealismo crítico em fotomontagens antológicas Athos Bulcão, um dos mais importantes e desconhecidos artistas plásticos do Brasil, está indissociavelmente ligado a Brasília. Autodidata, em 1939, deixou o curso de Medicina para dedicar-se à pintura. Também criou fotomontagens, decoração de interiores, azulejos e esculturas, em obras públicas e privadas. Marco na arquitetura brasileira e na decoração urbanística, seus azulejos, que estão em inúmeros prédios brasilienses, são de um concretismo lírico, exatamente o oposto deste surrealismo altamente iconográfico, que ele nos oferece nestas fotomontagens antológicas. Numa delas, dois hipopótamos descansam numa sala: uma antecipação do Rinoceronte de Ionesco? Estas fotos fazem parte de uma série produzida entre 1949 e 1954. Revelam uma estética agressiva e plasticamente nos obriga a refletir sobre os efeitos da comunicação de massa. Em entrevista concedida a Carmem Moretzsohn, publicada em 2 de julho de 1998, no Jornal de Brasília, Athos Bulcão revela: “Eu fiz uma série grande de fotomontagem, de 1952 até 1955 [...] Aquele foi um período no qual eu estava em crise de identidade. Eu tinha voltado da Europa, onde fui bolsista, e vi que não podia viver de pintura. Estava fazendo decoração de interiores e não gostava muito. Aí me deu vontade de fazer uma coisa que não fosse nem fotografia, nem teatro, nem cinema. Comecei a recortar figuras e colocar uma ao lado da outra. É um exercício de enquadramento. Aquilo é uma coisa que talvez esteja ligada a cinema na minha cabeça, ao movimento. Eu imaginava filmezinhos em torno daquilo.” Athos Bulcão nasceu no Rio de Janeiro, em 1918, e morreu em Brasília, em 2008.

“Da mesma maneira que uma trilha sonora, composta especificamente para um filme, pode ser fruída como música, sem imagens, as fotografias (de um filme) podem ser contempladas como obra.” “[...] as imagens fotográficas ultrapassam a tensão dialética documento e obra e explicitam pela força da mimese entre still e película um continuum entre presença e ausência.”

Guga Carvalho Este trabalho é, ao mesmo tempo, uma obra conceitual polivalente e uma metaobra. Mas é também uma obra -homenagem. O editor de Carcará Photo Art, Carlo Cirenza, registra detalhes de fotos de Antônio de Noronha (meta-obra), publicadas num livro (O Filme Perdido) com a curadoria de Guga Carvalho.

O livro traz fotografias das gravações do filme Adão e Eva: do Paraíso ao Consumo, rodado em 1972 em Super 8, que teve participação do poeta Torquato Neto (o homenageado) no papel de Adão. A publicação reúne 27 imagens do artista. O filme desapareceu, ficaram as fotos. Torquato Neto suicidou-se aos 28 anos, em 1972. Amigo de Gilberto Gil, Caetano Veloso, Maria Berthânia e Gal Costa, foi um dos mentores intelectuais do movimento tropicalista, tendo participado com duas canções (Mamãe, Coragem e Geleia Geral) no disco Tropicália ou Panis et Circenses. O que dizer de um filme, imagem em movimento que existe, por enquanto, apenas num registro fotográfico? Aqui temos: filme, fotografia, memória, tempo, espaço. Diante deste novo fazer, Carlo Cirenza transfigura o conceito de fotografia ao fotografar a foto de um filme que não existe e se apropriar dele esteticamente. Carlo Cirenza é fotógrafo e impressor de fine art; Guga Carvalho é mestre em Estética e História da Arte pela Universidade de São Paulo; Antônio Noronha Filho, hoje médico, à época cursava Filosofia na antiga Faculdade Católica de Filosofia em Terezina.

FICHA TÉCNICA DO FILME FILME: ADÃO E EVA: DO PARAÍSO AO CONSUMO. ANO: 1972.

LOCAL: TERESINA (PIAUÍ).

DIREÇÃO: CARLOS GALVÃO. ELENCO: TORQUATO NETO E CLAUDETE DIAS. ROTEIRO: EDMAR OLIVEIRA, ARNALDO ALBUQUERQUE E CARLOS GALVÃO. ARGUMENTO: EDMAR OLIVEIRA. FOTOS DE STILL: ANTÔNIO DE NORONHA FILHO. CÂMERA: ARNALDO ALBUQUERQUE. PRODUÇÃO: ANTÔNIO DE NORONHA FILHO. DURAÇÃO: 8 A 10 MINUTOS. SITUAÇÃO: PERDIDO.

FICHA TÉCNICA DO LIVRO LIVRO: O FILME PERDIDO IMAGENS: ANTÔNIO DE NORONHA CURADORIA: GUGA CARVALHO PESQUISA DE IMAGEM: DANILO MEDEIROS PROJETO GRÁFICO: PHILLIPE XADAI APRESENTAÇÃO: JACQUELINE MEDEIROS ANO: 2015

DANIEL AVILA A busca de si mesmo pela fotografia “Eu acho que faço fotografias de coisas que eu temo. Coisas com as quais eu não consigo lidar sem uma câmera. A morte de meu pai. Loucura. Quando eu era jovem, mulheres.

Eu não as entendia. A câmera me dava um certo controle sobre a situação, porque um bom trabalho estava sendo feito. E ao fotografar aquilo que eu temia ou o que estava interessado, eu explorava e aprendia, e derrubava o fantasma.”

Richard Avedon “Fotografar pessoas é violá-las, ao vê-las como elas nunca se veem, ao ter delas um conhecimento que elas nunca podem ter; transforma as pessoas em objetos que podem ser simbolicamente possuídos.”

Susan Sontag “Tem sido muito importante para mim por toda a vida, não me livrar das coisas que a maioria das pessoas jogaria no lixo. Eu tenho que estar em contato com a minha fragilidade, com o homem em mim, a mulher em mim, a criança em mim, o avô em mim.

Todas essas coisas devem ser mantidas vivas.”

Richard Avedon Daniel Avila escolheu a fotografia para olhar para fora, para o real, e olhar para seu mundo interior. Para isso, usou um ícone da fotografia, Richard Avedon, e um ícone vital e particular, seu pai. Esses olhares se transformaram no seu TCC - trabalho de conclusão de curso -, intitulado “Ele”, apresentado ao Centro Universitário Senac – Campus Santo Amaro, São Paulo, sob a orientação do Prof. João Pregnolato, em 2012.

Avedon revolucionou a fotografia de moda e de retratos. Na moda, tirava os modelos da imobilidade do estúdio e os fotografava como se estivesse produzindo miniestórias.

Seus retratos utilizavam um fundo branco e ele procurava tirar a personagem de seu refúgio pessoal, buscando revelar uma interioridade. Daniel Avila estudou cuidadosamente seus trabalhos de moda, retratos editoriais e pessoais e seu maior projeto “In the American West”, para compreender melhor papel que a fotografia pode exercer para expressão dos sentimentos, percepções do fotógrafo e compreensão das pessoas e do mundo. “Através dessa pesquisa foi possível a execução do meu próprio ensaio, onde o objetivo principal era o reencontro com a imagem que tinha do meu pai, Daniel Cardoso Junior, antes de o alcoolismo tomar conta.” Daniel entrevistou seus avós e seu pai.

E os fotografou à maneira de Avedon. “A câmera passou a ser o escudo e a fotografia, a ferramenta para entender as pessoas, tudo que as rodeiam e a tentativa de reencontro e reconexão com meu pai.” Daniel Avila é fotógrafo publicitário e autoral. Ministra cursos e workshops sobre fotografia e iluminação no Instituto Internacional de Fotografia, em São Paulo. Fonte: https://issuu.com/danielavilafotografia/docs/ele_daniel_avila / Para ouvir trechos dos depoimentos: https://vimeo.com/73401466

FERNANDA CHEMALE Uma poesia densa e luminosa para além de tempo e espaço A poesia está em todos os lugares. Há que se ter bons olhos e sensibilidade para ver. Essa é uma das principais lições poéticas de Fernanda Chemale, no seu livro ElefanteCidadeSerpente.

Ela não registra tempo e espaço. Chemale, mais próxima de João Cabral de Mello Neto do que Carlos Drummond de Andrade, ousa iluminar nossa memória para expor, paradoxalmente, seus “aquis e agoras”. Sua estética lírica, racional, nos convida a um ensimesmamento atemporal. Suas fotos, à primeira vista, apenas sensibilizam nosso olhar. Então nos damos conta de que devemos recriar conteúdos, oferecer informações aos neurônios e esperar que nossa capacidade de conhecer e sentir aflore. Fernanda Chemale é uma artista plástica provocadora que explode por meio da fotografia. O pesquisador e crítico de fotografia Rubens Fernandes Junior resume: “Ver a cidade nem sempre significa veracidade. É exatamente essa a principal ideia que perpassa no livro [...] de Fernanda Chemale, que encarou o desafio de criar uma coleção de fotografias sobre as cidades hoje, sem o compromisso de documentar os edifícios, as avenidas, as pessoas, enfim, a história sociocultural do espaço urbano. Suas imagens iconizam a mais pura sensação momentânea e efêmera de um passeante.” Fernanda Chemale (nasceu em Osório, Rio Grande do Sul, em 1965) é fotógrafa, artista visual, editora e curadora, formada pela Escola de Comunicação, Artes e Design – Famecos da Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul. Suas obras estão nas coleções Pirelli/MASP de Fotografias do Museu de Arte de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, Museu do Homem do Nordeste e Museu dos Descobrimentos em Portugal.

GABRIEL BICHO A pele, como mapa para uma Geografia sensível do corpo Gabriel Bicho é telúrico. Porém, aqui, no que intitula Pele Sufocada, ele é “pelúrico”. Transforma o ser humano num espaço sensível e cria uma espécie de Geografia do corpo, representada pelo seu mapa mais tematicamente significativo, a pele, o maior órgão do corpo humano. Quantos de nós sabemos sentir a pele na sua totalidade tegumentar: conjunto de estruturas que formam o revestimento externo dos seres vivos - cabelo e pelos, unhas, glândulas sudoríparas e sebáceas - que tem por principais funções a proteção dos tecidos subjacentes, regulação da temperatura somática, reserva de nutrientes e ainda conter terminações nervosas sensitivas? Para muito além do físico químico, Gabriel Bicho reflete: “O que se entende por pele? Do que é feita a pele? O que compõe esta pele? Afinal, que pele é essa? Pele que se come, dói, coça, rasga, corta, arde, sangra, arrepia-se, queima, sente frio, adoece, morde, dá e recebe prazer, tatua-se, envelhece, sua. Pele que se sensibiliza e transita sobre outros corpos. [...] fundi o biológico e o simbólico, o desejo e o proibido, a juventude e a velhice, o profano e o sagrado. Pele que se vende. Pele que vive. Pele que morre. [...]

Pele receptora de estímulos, conectada ao externo e responsável pela magistral organização do interno. Pele sufocada.” Os trabalhos de Gabriel Bicho são ecológicos, integram natureza e condição humana, numa estética realista que privilegia a vida e é também denúncia, inquietação, indignação. Gabriel Bicho, fotógrafo de Porto Velho, Rondônia, nasceu em 1989. É agente cultural e técnico em processos fotográficos, pelo Senac São Paulo, e formado em Artes Visuais pela Universidade Federal de Rondônia. Seu site: http://gabrielbicho.com/

JOSÉ DINIZ Insólitas paisagens; e somos possuídos por uma estética impressionista “José Diniz é um eterno menino curioso, que usa a fotografia para construir suas fábulas” Iatã Cannabrava Quantas pessoas se dão ao luxo de escolher ângulos para ver o mundo? E o que nos mostra esse mundo? É o mesmo que outras pessoas veem? José Diniz propõe: tentem ver o mundo do meu ponto de vista. Depois, vejam do seu ponto de vista.

Comparem. Neste ensaio, intitulado Periscópio, o resultado é uma estética impressionista, sombria, lúgubre. Mas também emocionante. Somos como que possuídos por estas insólitas paisagens. Podemos vislumbrar e sentir uma densa solidão.

E constatamos que o mundo é muito maior do que podemos imaginar. Mas nessa pequenez, nós crescemos. Tudo isso pode ser sentido diante destas paisagens de José Diniz. E muito mais.

Ele nos ensina também que quando nos colocamos no lugar do outro, podemos compreendê-lo melhor. Esse ensimesmamento que nos domina pode ser extremamente benéfico. Ao olharmos o mundo de José Diniz damos de cara com o nosso mundo interior.

José Diniz nasceu em Niterói, em 1954, e mora no Rio de Janeiro. Fez pós-graduação em Fotografia na UCAM [Universidade Cândido Mendes], cursos no MAM-Rio, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e no Ateliê da Imagem.

Tem fotografias em coleções privadas, no Museu de Fine Arts Houston, e no MAM-Rio/Coleção Joaquim Paiva. É autor dos livros Literariamente (São Paulo, 2009) e Periscope (São Paulo, 2014). Em 2011, expôs no III International Discoveries Bienal em Houston, onde os curadores do Fotofest Gallery o escolheram entre 12 novos fotógrafos de 9 países. “Periscope”, da Editora Madalena, foi apontado pelo ICP – International Center of Photography como um dos dez fotolivros mais inspiradores de 2014. Site: www.josediniz.com

LUIZ BALTAR Violência e crueldade para atingir nossa acomodada imobilidade Cada uma das fotos deste ensaio de Luiz Baltar traz uma interrogação: por que? Estamos diante da violência e da crueldade. Há cerca de 2,5 milhões de anos, começou a evolução do gênero homo na África. Já nessa época esse homo era violento, como todos os outros animais. Mas nós, seres humanos ditos civilizados, vamos além: premeditamos a violência, daí a crueldade. Alguns de nós nos tornamos torturadores e ainda temos prazer nisso. Como têm prazer os lutadores que se digladiam e a plateia que ulula. Baltar expõe nossa insanidade. Temos sido não apenas violentos, mas cruéis. Ele tem um compromisso com a realidade, sobretudo a realidade urbana e seus habitantes. Ele não a interpreta, extrai arte do cotidiano. Mas o faz de uma maneira que nos instiga a questionar a realidade. Está claro que é impossível fotografar a realidade como um todo. Também é impossível percebê-la na totalidade. Mas os detalhes de Baltar nos enchem a consciência de interrogações. Seja no ringue, nas ruas, nas favelas, ele nos instiga a refletir e sair de nossa imobilidade acomodada. Luiz Baltar nasceu e mora no Rio de Janeiro. É designer pela Escola de Belas Artes/UFRJ; formado em fotografia documental pela Escola de Fotógrafos Populares; e pós graduando em Fotografia e Imagens pela Universidade Cândido Mendes – UCAM. Participou do Programa Imagens do Povo, agência fotográfica e centro de documentação e pesquisa do conjunto de favelas da Maré, Rio de Janeiro. É integrante do coletivo Favela em Foco. Em abril de 2016, foi o vencedor do prêmio da Fundação Conrado Wessel (FCW de Arte/Fotografia) com o ensaio Fluxos. Em fevereiro de 2016, foi um dos ganhadores do Prêmio Brasil Fotografia Luiz na categoria Ensaio Impresso. Seu site: www.luizbaltar.com.br

RICARDO DE VICQ Belo e emocionante caleidoscópio da sociedade digital “É uma série de colagens fotográficas que representam as múltiplas escolhas e decisões que temos que tomar ao longo de nossas vidas. Escolhas que irão determinar fatos e eventos que vivenciaremos. Que irão, com o passar do tempo, se tornar não mais do que reflexos em nossas memórias, confrontados com as consequências de cada escolha feita.”

Ricardo de Vicq, sobre está série intitulada Meridiano 180.

Como toda obra de arte digna desse nome, estas imagens de Ricardo de Vicq se prestam a muitas mais interpretações do que aquela que seu autor propõe. Elas trazem múltiplas leituras e interpretações. O que mais me sensibiliza e emociona é a sua aproximação com o caleidoscópio da sociedade digital e com a linguagem polivalente dos quadros de Robert Rauschenberg.

Não como denúncia e sim como a avalanche a que estamos expostos. Elas não turbilhonam nossa consciência. Ao contrário, sua plasticidade pop não nos agride. Porém, nos provoca a necessária inquietação crítica para olharmos com mais acuidade para o nosso redor. Ricardo de Vicq nasceu no Rio de Janeiro, em 1950. É conhecido principalmente pelo seu trabalho em publicidade, onde se especializou em culinária.

Mas também faz pessoas famosas e pessoas humildes; paisagens, marinhas, mãos e mulheres em brilhantes chiaroscuros. E estas magníficas colagens. Em publicidade, recebeu prêmios no Festival de Cannes, Fundação Conrado Wessel, N.Y. Festival, London Advertising Awards, Clio Awards, The Art Directors Club, Graphis Advertising. Seu trabalho autoral em Fine-Art tem sido exibido em exposições coletivas e individuais, nacionais e internacionais, no Rio de Janeiro, São Paulo, Paris, Florença, Pistoia, Los Angeles, Vermont, Fort Collins, Greenville, Dayton e Berlim.

WALTER CARVALHO Simplicidade aparente, tempo infinito, amplos espaços, lirismo rude “Pensador profundo das imagens, íntimo delas, Walter Carvalho empenha-se em fecundar o mistério que as habita”.

Agnaldo Farias Há algo de neorrealismo italiano e cinema novo brasileiro na sua primeira fase nas fotos de Walter Carvalho. Todos se caracterizam por uma aparente simplicidade. Bem aparente.

Acrescente-se às fotos, um lirismo rude. Aquilo que é mostrado existe inteiramente na frente do espectador. Mas é passível de inúmeras leituras e releituras. O cineasta e fotógrafo Walter Carvalho, responsável pelas belas imagens de obras icônicas da filmografia brasileira, como Lavoura Arcaica, Abril Despedaçado, Madame Satã, Central do Brasil e Amarelo Manga, transmuta tempo e espaço nas suas fotos. E deixa para o espectador a criação de um roteiro. Nos filmes, há começo, meio e fim.

Nas fotos há tempo infinito e amplos espaços, antes e depois de cada clique. Nos filmes, as metáforas se movimentam.

Nas fotos, as metáforas emergem com cada olhar. As fotos de Walter Carvalho pedem aos sujeitos que as contemplam um ensimesmamento paciente para administrar a necessária interioridade que cada foto merece. Walter Carvalho, fotógrafo e cineasta brasileiro, nasceram em João Pessoa, Paraíba, em1947.

Herdeiro do Cinema Novo, formou-se em design gráfico pela Escola Superior de Desenho Industrial do Rio de Janeiro (ESDI).

Seu percurso de fotógrafo e cineasta se reflete em seu trabalho autoral, no qual tenta captar momentos e criando “instantes continuados” por toda sua obra. Publicou Contrastes simultâneos (Cosac Naify) e tem obras no Museu de Arte do Rio (MAR), na Maison Européenne de la Photographie (MEP), Coleção Pirelli /MASP e Instituto Moreira Salles. Integra a Photographers Encyclopaedia International, 1839 to present.

ZÉ BARRETTA Arqueologias da imagem para decifrar esteticamente o tempo Nas Paisagens Passageiras de Zé Barretta, o tempo parece estar passando à nossa frente. Sentimos o tempo passar, às vezes, como vórtice, às vezes, como brisa. Mas nelas, o tempo passa concretamente. Nas Transitórias Cicatrizes, o tempo está coagulado. Os escombros denunciam nossa humana fragilidade temporal. Nos Territórios da Resistência, o tempo se funde num espaço agônico e pede passagem. Mas para onde? Aqui, há uma humanidade que teima em desfiar e desafiar tempo e espaço. O tempo é matéria prima de Zé Barretta. Em Pigmento Ancestral/ Fe2O3 Uma Arqueologia da Imagem, ele foi bem mais longe: 13.000 anos atrás, no interior do Nordeste. Foi em busca do tempo quase perdido naquele espaço. “Não seriam essas as primeiras manifestações imagéticas da humanidade?” pergunta Zé Barretta. E continua: “Este ensaio trata de uma investigação pessoal acerca dos vestígios dos primeiros habitantes das Américas em diversos sítios arqueológicos existentes no sertão nordestino. [...] Meu interesse se dá pelo questionamento do que seria essa imagem primitiva que já permeava o imaginário humano há milhares de anos.” O título reproduz a fórmula química do óxido de ferro, mineral usado nas tintas preparadas pelos primeiros habitantes da região para pintar sobre a rocha, o pigmento ancestral. Fotógrafo free-lancer com base em São Paulo, Barretta nasceu em 1973 e desde 2008, atende ao mercado jornalístico e institucional. Colabora com o jornal Folha de São Paulo, faz retratos e coberturas de eventos e shows.

Recebeu o Prêmio Porto Seguro Fotografia 2010 na categoria São Paulo com o ensaio Paisagens Passageiras e Menção honrosa nos prêmios Visura Photo Grant 2016, ND Awards 2016 e AI-AP Latin America Fotografia 5. Site: https://www.zecarlosbarretta.com.br/

Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Design: Marcelo Pallotta Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgment: Adriana Filardi Braga, Fundação Athos Bulcão, Solon Ribeiro and Vitor Borisow.

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