ARQUITECTURA
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Comenzó en el siglo XX dando rechazo a la estética tradicional e intentando ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Su gran precursor fue Antonio Sant´Elia, quien se dio el propósito de despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines del siglo XVIII, atacando a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos. El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida moderna. Sant´Elia, en sus bocetos nos mostraba edificios marcadamente verticales, con ascensores exteriores en ciertas ocasiones y bordados por calles o avenidas elevadas. Estos proyectos utópicos, así como sus exhortaciones sobre el uso de los nuevos materiales industriales, hacen que sea considerado como uno de los pioneros del movimiento moderno en la arquitectura. El problema de la arquitectura futurista no se trata de encontrar nuevas formas, nuevos perfiles de puertas y ventanas, ni de sustituir columnas y pilares, ni de marcar diferencias formales entre el edificio nuevo y el antiguo, sino de crear el futuro, de construirlo con todos los recursos de la ciencia y de la técnica, satisfacer cualquier necesidad de nuestras costumbres y de nuestro espíritu, pisotear todo lo que es pesado y antiestético creando nuevas formas, nuevas líneas, una nueva armonía de contornos y de volúmenes, una arquitectura que encuentre su justificación sólo en las condiciones especiales de la vida moderna. Esta arquitectura no puede someterse a ninguna ley de continuidad histórica, debe ser nueva.
En 1989, Francis Fukuyama planteó la muerte de las utopías esenciales de la modernidad. Puso de manifiesto ese desencuentro entre ideologías y realidad, que derrumbaba la ilimitada fe en el progreso. Sin embargo, la era digital fomentó un nuevo movimiento de arquitectos que recuperan el valor de la utopía y defienden los sueños futuristas que sí se concretaron. Una evidencia de esto es la exposición "Ciudad del futuro: experimento y utopía en la arquitectura 1956-2006", que se celebra en Londres. Ahí las ciudades construidas de Zaha Hadid, la Terminal de Yokohama diseñada por Foreign Office Architects (FOA) o el Museo Guggenheim de Frank Gehry retoman el camino de los inflables de Archigram y la Villa Rosa de Coop Himmelblau, fortaleciendo las fantasías de edificios granjas o una torre biónica para Hong Kong de 300 pisos y con capacidad para cien mil personas. En 1997, el Museo Guggenheim Bilbao de Frank Gehry, fundó una nueva etapa en la historia de la arquitectura. Fue el primer arquitecto famoso que, mediante la utilización de tecnología digital, construyó un edificio complejo con formas que antes habrían sido casi imposibles de alcanzar. En su trabajo sobre la revolución digital, el arquitecto Fredy Massad y Alicia Guerrero Yeste plantean que “Gehry rompió la monotonía y la decepción”. Las primeras pruebas construidas terminaron en fracasos o en edificios muy distantes a lo que aparecían en los gráficos digitales. Pero todos querían experimentar con las superficies onduladas y las formas deformadas. La computadora invita a fantasear y eso se nota. Esta revolución no es un acto de reacción contra modelos establecidos sino la materialización de una nueva sensibilidad. Lejos de la teoría, la investigación sobre botánica aplicada a la experimentación arquitectónica digital, en el caso de las torres granja, plantea la posibilidad de una nueva generación de estructuras cuyo desarrollo se basaría en las características de un organismo vegetal. La idea de la funcionalidad es reconsiderada por una arquitectura genética cuya forma híbrida permite no subordinar forma a función sino lograr que ambas coexistan y se redefinan mutuamente.
La nueva razón utópica rescata de la historia las visiones que se hicieron realidad. El sueño de las grandes metrópolis para millones de personas dominadas por las torres se ha cumplido. Esa fascinación por la escala, los nuevos materiales y la velocidad de construcción viene de antes de la Primera Guerra, cuando los arquitectos futuristas dibujaron imágenes de un mundo de edificios de metal. Le Corbusier también propuso torres para millones de habitantes y, en 1939, Norman Bel Geddes construyó una maqueta de Futurama, la ciudad de la movilidad, proponiendo construcciones de plástico y viviendas en cápsulas flotantes que nunca se concretaron, pero eso ayudo a fortalecer las utopías de las nuevas formas y materiales, que se cumplieron con los primeros exponentes de la corriente high tech: el Pompidou de París y el Lloyds Bank de Londres. Y, desde allí, se expandieron con símbolos como el Museo Kunsthaus de Peter Cook o el Phaeno Center de Zaha Hadid. Muchos sueños sobre el año 2000 nunca se cumplieron. Grandes arquitectos imaginaban que la arquitectura sería distinta a lo que es hoy, Le Corbusier afirmó que la casa debía ser como una máquina de habitar: eficiente y funcional. Sus ideas revolucionaron la arquitectura, pero ochenta años después la gente espera que su vivienda sea cálida y acogedora. Los sueños de espacios indeterminados que pueden usarse para distintas cosas gracias a muebles transformables y paneles móviles, están lejos de convertirse en una solución para todos los problemas de viviendas. Las luces de Archigram imaginaban una fábrica en la que se hacían casas como cápsulas y se transportaban a todo el mundo, donde se enchufaban entre sí. O un futuro de ciudades caminantes en las que los edificios se podían desplazar de un lugar a otro, que nunca se concretaron. En la arquitectura actual se plasman principios de la arquitectura futurista del siglo pasado, los arquitectos del siglo XXI cuentan con herramientas y materiales tecnológicamente avanzados que les han permitido construir maravillosas y versátiles edificaciones que se adaptan perfectamente a las necesidades de los tiempos presentes.
Aalto nació el 3 de febrero de 1898 en Kuortane, Finlandia. Estudio y se graduó de la Escuela Politécnica de Helsinki, completando la educación recibida con viajes por el extranjero. Tuvo influencias de parte del gran maestro del funcionalismo, Le Corbusier, siendo Aalto un pionero de este movimiento en Finlandia. Pronto logró el reconocimiento internacional, y desde 1940 hasta 1949 fue profesor del Instituto de Tecnología de Massachussets, en Cambridge (EE UU). Sus primeros edificios famosos son las oficinas e imprenta de un periódico en Turku, llamativo por las columnas afiladas que sostienen el techo de la sala de prensa; la biblioteca de Viipuri, que se ha convertido en ejemplo de este tipo de edificios para la arquitectura moderna; y el sanatorio antituberculoso de Paimio donde, además de losavances tecnológicos, los pacientes disfrutan de
elementos arquitectónicos como los soleados balcones, abiertos hacia unas magníficas vistas. Se convirtió en modelo de la arquitectura hospitalaria internacional por el modo en cómo integra el paisaje y por la forma de las terrazas abiertas, que permiten la entrada del sol a las habitaciones. En estas obras, Aalto utilizó un material tradicional en Finlandia, la madera, consiguiendo notables resultados artísticos. Además de construir edificios, realizó también proyectos municipales y regionales, como el complejo residencial e industrial de Sunila, en las afueras de Kotka, o el proyecto urbanístico de Rovaniemi. Entre los últimos edificios que construyó en Finlandia hay que destacar el ayuntamiento de Säynätsalo, el Colegio de Pedagogía de Jyväskylä y las iglesias de Imatra y Seinäjoky.
La resolución arquitectónica de la Biblioteca Viipuri compendia las preocupaciones de Aalto. El edificio está dividido en dos bloques, uno reservado a salas de reunión y conferencias, y otro a biblioteca. El techo de esta última está perforado por cincuenta y siete lucernarios circulares que permiten una iluminación perfecta sin que los muros se vean interrumpidos por ventanas, mientras que el techo del salón de conferencias está formado por finos listones de madera que adoptan formas onduladas para resolver la acústica del recinto, a la vez que le dan una espectacularidad majestuosa y cálida. En el MIT Senior Dormitory de Cambridge en Massachusetts, Aalto rompe elegantemente la monotonía de un bloque continuo de habitaciones estandarizadas con la curvatura sinuosa de la fa-
chada que da al campus; en la parte opuesta, el prisma se quiebra mediante unos escalonados superpuestos y el añadido de una escalinata exterior. Las constantes búsquedas estilísticas, junto al acentuado dinamismo espacial con el que deforma los grandes volúmenes y el uso de materiales naturales se conjugan siempre en la arquitectura de Aalto con la eficacia funcionalista y el rigor estructural del cristal y el hormigón. Aalto sobresalió además en el diseño de muebles. Creó una línea de mobiliario muy ligero, construido en madera laminada, distribuido internacionalmente a través de la firma de interiorismo Artek, que él mismo había fundado en 1935 junto con su esposa Aino Aalto, también diseñadora de muebles. Murió el 11 de mayo de 1976, en Helsinki.
La arquitectura de Alvar Aalto implementaba formas geométricas básicas revelando el racionalismo funcionalista del que partió en sus obras tempranas y que nunca abandonó. Sin embargo, la utilización conjunta de líneas sinuosas tiende a romper la ortogonalidad de la caja arquitectónica a la vez que acentúa la corporeidad del edificio, para cuya composición no hay fórmulas fijas .Todo ello hace que sus obras estén impreg-
nadas de una personalidad propia que las distancia de la estandarización funcionalista, ya que para Aalto la arquitectura es un juego libre de volúmenes y formas en movimiento; sobre estructuras geométricas de clara disposición superpone superficies "blandas" que restan rigidez al conjunto y le dotan de un espíritu más humano y más acorde con las formas de la naturaleza.
Charles-Édouard Jeanneret-Gris, nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds, Suiza, donde estudió artes y oficios. Fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, además de pintor, escultor y hombre de letras. Su talento le valió ser considerado uno de las figuras más destacadas de la arquitectura moderna. En el año 1922 se asocia con el ingeniero Pierre Jeanneret, adoptando para la arquitectura el seudónimo Le Corbusier (el cuervo), adaptado del apellido Lecorbésier de su bisabuela. Le Corbusier con su apariencia de hombre serio con gafas oscuras y pajarita, tenía una vida íntima muy ajetreada. Tuvo muchas aventuras amorosas durante su matrimonio y era cliente habitual de los burdeles de París. Llegó a conocer al científico Albert Einstein en 1946, cuando decidió viajar a Nueva York para presentar su proyecto arquitectónico para la sede de las Naciones Unidas. Murió de un ataque cardíaco cuando salió a nadar la mañana del 27 de agosto de 1965, con 77 años de edad. Su funeral se llevó a cabo en el patio central del Palacio del Louvre en París.
Formado por los arquitectos August Perret y Peter Behrens, Le Corbusier hizo de la arquitectura su forma de enfrentarse a la vida, su bandera de revolución. Veía realmente la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Definió la arquitectura como "el juego correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz", fundamentada en la utilización de los nuevos materiales: hormigón armado, vidrio plano en grandes dimensiones y otros productos. Una de sus mayores preocupaciones fue la necesidad de una nueva planificación urbana, por lo que la década de 1920 propuso numerosos proyectos urbanísticos y residenciales, pero sólo pudo construir una serie de villas unifamiliares cercanas a París que le sirvieron para concretar sus cinco postulados sobre la nueva arquitectura; la planta baja sobre pilotes, la planta libre, la fachada libre, la ventana alargada y la terraza-jardín. Todos ellos fueron presentados en 1927 en un documento manuscrito exponiendo con detalle cada una de estas ideas de la nueva arquitectura. Adorado por unos y criticado por otros, el artista suizo nacionalizado francés, diseñó arquitecturas tan llamativas y rompedoras como la famosa Capilla de Notre-Dame-du -Haut en Ronchamp, Francia en donde introdujo a su diseño la famosa proporción áurea. Esta capilla de culto católico, considerada uno de los ejemplos más importantes de la arquitectura religiosa del siglo XX, cuenta con una estructura es de hormigón armado y mampostería, la cubierta está parcialmente apoyada en pilares, por lo que deja pasar la luz. Unité d’habitation en Marsella, Francia fue el primer encargo que recibe del Estado francés y uno de los proyectos icónicos de Le Corbusier. Fue diseñado como una “ciudad jardín vertical” y su primera oportunidad de poner en práctica las teorías de proporción a escala que darían origen al Modulor. En la azotea diseñó una pista del atletismo de 300 metros, un gimnasio cubierto, un club, una enfermería, una guardería y un espacio social, incluso posee una azotea con mucha vida.
La Villa Savoye fue diseñada como paradigma de la vivienda como máquina de habitar, esto es, cada uno de los espacios son fundamentales para la vida de sus habitantes. La vivienda, situada en Poissy, a las afueras de París, parece colocada sobre el paisaje. Contiene, por ello, los Cinco Puntos para una nueva Arquitectura de Le Corbusier. Además diseño múltiples proyectos en Estados Unidos, pero solo uno llegó a materializarse: el Centro Carpenter para las Artes Visuales de la Universidad Harvard.
Nació el 4 de septiembre de 1913 en un pueblo de la isla de Shikoku, Japón. Cursó estudios de arquitectura e ingeniería en la Universidad de Tokio, donde llegó a ser profesor en 1946. Creó en la misma universidad el Laboratorio Tange, por cuyas aulas se formaron arquitectos de prestigio como Fumihiko Maki o Arata Isozaki. Le encargaron la reconstrucción de Hiroshima, que había quedado reducida a cenizas por la bomba atómica. En la zona más afectada por el bombardeo Tange levantó un museo y el llamado Parque de la Paz, un símbolo del pacifismo, y se convirtió en un referente internacional de la modernización de Japón. La mayoría de sus estructuras son de hormigón armado. Durante la década de 1950 proyectó edificios públicos, palacios de congresos, bibliotecas y ayuntamientos. Su estilo se consolidó en 1958 con las oficinas para la Prefectura de Kagawa en Takamatsu, un edificio de nueve plantas en el que dejó a la vista el sistema de vigas y pilares de hormigón pretensado. Para los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964 construyó dos pequeños estadios, caracterizados por la disposición de cubiertas suspendidas, siendo uno de ellos el Gimnasio Nacional Yoyogi el cual se ha convertido en un icono arquitectónico por su diseño innovador. Aquí Tangue crea am-
plias curvas que funcionan de cubierta a partir de dos grandes cables funcionando como centrales de apoyo. Su catedral católica, la Catedral de Santa María en la capital nipona mide 39,4 metros de altura y está hecha con hormigón de acero recubierta de acero inoxidable. Esta catedral está construida por ocho capas de láminas de hormigón y el punto más alto es alto 40m. No hay columnas en el interior de la catedral, creando un gran espacio abierto en el interior. Las estructuras de ocho paredes curvas son casi en ángulo recto forman una cruz grande. El brillo de los soportes de acero en el exterior significa la luz que Cristo compone de brillar en el mundo y en los corazones de los hombres. Las paredes rígidas de hormigón prefabricado evocar las palabras de la Biblia: "El Señor es mi roca y mi baluarte, mi libertador es mi Dios". El uso de la tecnología más avanzada hasta la fecha en ese momento hizo esta catedral para convertirse en destacado por su Arquitectura moderna de la Iglesia. Fue el responsable de la planificación general de la Exposición Universal de 1970 celebrada en Osaka, y a partir de este encargo dio un giro a sus planteamientos estilísticos, evolucionando hacia una arquitectura más orgánica. Kenzo Tange fallece el 22 de marzo de 2005 en su domicilio de Tokio a los 91 años.
Nació el 27 de marzo de 1886 en Aachen, Alemania. Hijo del maestro albañil, Maria Ludwig Michael Mies, propietario de un pequeño taller de picapedrero, no estudió arquitectura. Ni siquiera se sacó el bachillerato. Comenzó a trabajar a los quince años haciendo florituras para un fabricante de cornisas. Desde 1905 hasta 1907 fue delineante en el estudio berlinés de Bruno Paul, y en los siguientes cinco años en el de Peter Behrens. En el año 1912 abrió su estudio en Berlín. El 10 de Abril de 1913 contrajo matrimonio con Ada Bruhn, con quien tuvo tres hijas. Su arquitectura se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales. En su obra se aprecia la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales. Dirigió la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la evolución del movimiento moderno. Realizo el pabellón alemán para la Exposición Universal de Barcelona de 1929. El pabellón es considerado por muchos su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX, con su enorme simplicidad y la continuidad de los espacios, parecen no tener comienzo ni final, son parte de sus cualidades más admiradas. La casa Tugendhat en República Checa, donde utilizó una estructura de pequeños pilares metálicos cruciformes que liberaban el área de la planta, compuesta por espacios que fluyen entre ligeros paneles de ónice, mármol o madera de ébano, delimitados por grandes cristaleras que ocupan toda su altura. En 1937 emigró a Estados Unidos, donde fue director de la Escuela de Arquitectura del Illinois Institute of Technology. Entre sus obras más emblemáticas destaca el Seagram Building, el cual cuenta con 39 pi-
sos en 157 metros de altura siendo un símbolo del mundo industrial contemporáneo, asimismo refleja el famoso lema del arquitecto alemán: “Menos es más”. Antes realizó su obra maestra estadounidense, la casa Farnsworth en Plano, Illinois, un pequeño refugio delimitado por un muro-cortina de vidrio plano, que se ha convertido en una de las residencias más estudiadas de la arquitectura del siglo XX. La casa, construida en acero y vidrio, es una muestra del arquitecto alemán por la sencillez arquitectónica y la perfección en los detalles constructivos. Mies van der Rohe falleció el 17 de agosto de 1969 en Chicago.
Santiago Calatrava Valls; Considerado como uno de los arquitectos más creativos del momento, los diseños de Calatrava se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que destacan sus puentes, muchos de ellos célebres. Nació en 1951 en Valencia, en el barrio de Benimamet. A los ocho años, ingresó en una escuela de arte para aprender dibujo y pintura, actividad que compaginó con sus estudios escolares. Tras asistir a clases nocturnas en la Escuela de
Bellas Artes y Oficios de Burjasot, Santiago Calatrava inició en 1969 la carrera de Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia, donde se graduó en 1973 y contando también con un postgrado en Urbanismo. Al poco tiempo se trasladó a Suiza, para estudiar Ingeniería civil en la célebre Escuela Politécnica Federal de Zúrich, considerada una de las mejores universidades científico-tecnológicas del mundo. Entre 1979 y 1981 se doctoró allí en Ciencias Técnicas con la tesis Acerca de la plegabilidad de las estructuras y ejerció asimismo como docente auxiliar en el Instituto Federal de Tecnología.
Comenzó a trabajar en pequeños encargos y poco a poco fue participando en concursos de nuevos proyectos. En 1983 le fue adjudicado uno de sus primeros proyectos importantes, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen, situada junto al centro de Zúrich. Esta obra sigue un trazado curvado, pues las columnas se inclinan para acercarse a las líneas de carga para recordar las arquitecturas subterráneas. Este proyecto muestra además que uno de sus recursos básicos será el diseño en sección, y por ello la estación posee la forma de una columna vertebral infinita. La ligereza de estructuras y el uso de formas aerodinámicas que surgen de la ingeniería tecnológica y de la aerodinámica de los años 50. Los elementos más significativos de la obra son el paseomirador, la marquesina de las vías y la galería comercial subterránea, que se encuentra bajo las vías. Para la Exposición Universal de Sevilla ´92, Calatrava levanta el Puente del Alamillo. Se trata de un mástil o torre inclinada hacia atrás de la que parten los tirantes que sujetan la plataforma. En el mismo recinto de La Cartuja realiza el Pabellón de Kuwait, un edificio de gran limpieza espacial y estructural. Se divide en una planta inferior para exposiciones, una superior, que es la plaza pública y una simbólica cubierta móvil que se abre al Universo. Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra viva donde todas las partes que la componen están relacionadas dando mayor importancia a al efecto dinámico, al hormigón y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza y en los esqueletos humanos mostrando como la arquitectura y la ingenie-
ría se funden a tal punto que resulta imposible dividirlas. Las obras de este arquitecto valenciano sintetizan el pensamiento del escultor, del arquitecto y del ingeniero, lo cual viene de una completa formación. Su arquitectura se fundamenta en la ingeniería del siglo XIX y en la experimentación con formas y estructuras del siglo XX, abriendo un camino nuevo en la arquitectura contemporánea. Su cualidad, de ser a la vez artista, arquitecto e ingeniero le lleva a defender que sea posible construir una obra de arte global, por ello en su arquitectura se encuentran diversas connotaciones. Combina la idea de obra de arte total con un cientifismo naturalista que se convierte en forma, remitiendo así a aspectos del positivismo del siglo XVIII, que se inspiraba en la anatomía, la cristalografía y la botánica. En sus obras se dan dos cuestiones básicas: buscar la belleza en estructuras en equilibrio, como los puentes, y sugerir los aspectos misteriosos, fantasiosos, e imaginativos que no se encuentran en el cálculo. Sus primeras obras, de principios de los años ochenta, eran generalmente de dimensiones reducidas, no llegaban a la monumentalidad que se da en sus obras de madurez dedicándose también a toda clase de tipologías. En el extraordinario auge creativo que vive la arquitectura española en el último cuarto de siglo, no hay duda de que la figura de Calatrava sobresale de forma particularmente relevante.
Uno de los más renombrados arquitectos de nuestro presente, ganador de un premio Pritzker en 1995, cuyos edificios han dejado una indiscutible huella en la historia de la arquitectura contemporánea con obras que establecen un diálogo entre sus propias ideas y los requerimientos del entorno natural, las costumbres y los programas de necesidades de nuestras sociedades modernas. Nacido en 1941 en Minato-ku, Osaka, Japón, Tadao Ando se desarrolló como conductor de camiones y boxeador antes de decidirse por la arquitectura, a pesar de nunca haber tenido una formación profesional en el campo. Tadao asistió a clases nocturnas para aprender dibujo, además tomó cursos de diseño interior por correspondencia. Su aprendizaje fue autodidacta y proviene de la lectura y de sus numerosos viajes formativos por Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa. Sus viajes por estos continentes lo llevaron a ver las obras de los grandes maestros, del mismo modo que el aprender a dibujar por cuenta propia le permitió visibilizar las sensaciones que percibía en los espacios para convertirlas en diseños concretos y tangibles. El concepto de arquitectura de Tadao Ando se forja a través de los viajes que realiza, a lo largo de las diferentes culturas y lenguajes arquitectónicos, analizando desde su particular visión insular la ineludible relación entre el hombre, la arquitectura y la naturaleza. Más de 40 años de trayectoria y estudios adquiridos de forma autodidacta sitúan al arquitecto japonés como uno de los mejores del mundo. Para Tadao, la falta de estudios formales no es una desventaja; a sus 71 años una de sus mayores obsesiones es seguir estudiando.
Su obra es una arquitectura tranquila y armoniosa con la que hace hincapié en la nada y el espacio vacío para representar la belleza de la simplicidad. Su divisa parece clara: la armonía entre naturaleza y arquitectura es innegociable, una suerte de imperativo espiritual. Señala que la arquitectura es algo que cambia la vida por las emociones que genera y los recuerdos que puede ayudar a construir. Sus diseños lo reafirman al reflejar esa sensibilidad artística e intelectual mezclando nacionalismos, valores globales y tendencias internacionales. Se pensando en las costumbres y la historia de los lugares donde se construye cada obra. El joven arquitecto empezó a diseñar pequeñas casas y construcciones en su país, como la sencilla Casa Azuma. En aquella casa, de fuerte geometría minimalista, Ando creó un tranquilo mundo interior al que se accedía por una puerta que era una franja en la fachada rompiendo con la idea
tradicional de residencial nipona, la cual se caracterizaba por centrar el enfoque en la madera y el papel. Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, la propuesta de Ando creaba un espacio interior cerrado, no abierto. Utilizaba paredes austeras de hormigón sin ventanas para definir los límites de estos espacios, y lo hacía basándose en criterios humanos, de forma que las personas percibiesen esos espacios como apropiados y cómodos. Las paredes separaban el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que estaba diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás. Por otro lado, en el uso de un hormigón al desnudo, un hormigón liso al natural, se podía observar ya la profunda relación que existía entre la volumetría generadora y la entrada de la luz natural salvando la tradición de la propia cultura nipona.
La luz ha sido uno de los sellos distintivos de su arquitectura a lo largo de toda su carrera. El diseño de la Casa Koshino, organizada en dos cuerpos paralelos unidos por un pasillo subterráneo, Ando radicalizaba esta variable de la luz en un contexto menos urbano, más paisajístico, creando un verdadero laberinto de luces y sombras sumamente originales. A falta de elementos decorativos, era la luz la que ponía de relieve la textura del hormigón, y ambos elementos, aunados, funcionaban como única ornamentación. La luz dota de vida a esta vivienda, transformando cada uno de los diferentes espacios y otorgando emoción y belleza a los mismos. Un aspecto decisivo que caracteriza la originalidad y consistencia de las propuestas más conocidas de Ando es su dimensión espiritual. Prueba de ello es una serie de conocidos proyectos religiosos en Japón, entre los que deben destacarse la Iglesia en el Agua, donde se manifiesta la im-
portancia del cielo como elemento integrador del espacio interior, precisamente en la medida en que los bancos de meditación y reposo se orientan hacia un lago artificial exterior del que surge una silenciosa cruz de hormigón. La Iglesia de la Luz la cual posee una sobrecogedora pero bella austeridad del hormigón interactuando con las cualidades elementales de la luz a través de una simple abertura con forma de cruz. La presencia de Ando en Latinoamérica se muestra con el espectacular edificio de la escuela de diseño llamado Centro Roberto Garza. La estética de este edificio está inspirada en la poderosa cordillera montañosa que se encuentra al fondo del paisaje, una agresividad que sin embargo se ve suavizada por la transparencia y el carácter colaborativo de sus funcionales instalaciones estudiantiles, no menos que por sus espacio comunes, entre los cuales destaca la magnífica escalera de corte piranesiano.
En líneas generales, la propuesta de Ando guarda una estrecha relación con la arquitectura tradicional, la cultura y la historia japonesas, de donde extrae la simplicidad y la pureza de lo nativo, de lo artesanal, al mismo tiempo que dialoga críticamente con el canon arquitectónico del movimiento moderno de Corbusier, Lloyd Wright, van der Rohe o Kahn, horizonte ciertamente irrenunciable para seguir experimentando con los límites de la materialidad y espacialidad de la cartografía geométrica del futuro.
Norman Foster considerado uno de los arquitectos más influyentes en la actualidad. Reconocido por obras hechas de acero y vidrio, de grandes dimensiones en las que utiliza la última tecnología y con un elevado presupuesto son su mayor sello, sin embargo, el camino que ha recorrido este famoso arquitecto para alcanzar la cima no fue fácil desde el primer momento. Nació en Manchester en Junio de 1935, hijo de una camarera y del dueño de una tienda de empeño, donde era inconforme con la vida que podrían permitirle sus padres trabajando en cualquier oficio en Inglaterra. Sus deseos eran comenzar una nueva vida en América, un lugar ideal para las nuevas oportunidades, un lugar donde Foster confiaba en que sólo importase su talento. Estudió arquitectura en la universidad de Manchester y obtuvo después una beca para proseguir sus estudios en la Universidad de Yale. A su vuelta a Inglaterra, se casó con su primera mujer Wendy Foster, con la que inició un estudio de arquitectura llamado Team 4, que más tarde pasaría a llamarse Foster Associates, el cual, actualmente se conoce como Foster + Partners. Un año después de fallecer su mujer Wendy, recibe el título de Sir en la celebración del cumpleaños de la Reina Isabel II, la cual le entregó también más tarde el título nobiliario vitalicio de Barón Foster de Thames Bank. En 1996 se casó con Elena Ochoa, una psicóloga española famosa por presentar un programa de televisión sobre sexo y con la que tiene dos hijos. Los primeros proyectos de Foster se caracterizan por un estilo “high-tech” muy pronunciado, influido también por los criterios de su socio Rogers. Más adelante las líneas de sus edificios se suavizan y desaparece en buena parte ese carácter técnico llevado al extremo. En todo caso, los proyectos de Foster y sus socios llevan un marcado sello industrial, en el sentido de que emplean en los edificios elementos que se repiten multitud de veces, por lo que son fabricados en lugares alejados de la obra. Frecuentemente se diseñan componentes para un edifico ex profeso, reflejando con ello un estilo de buena manufactura.
Foster en recibe reconocimiento internacional con el Centro de Sainsbury para las Artes Visuales en Norwich, Inglaterra, un cobertizo amplio y ventilado con paneles de vidrio y metal, y el Sede de la Corporación Bancaria de Hong Kong y Shanghai en Hong Kong, un futurista edificio de oficinas de acero y vidrio con un perfil escalonado. En estas comisiones, se estableció como uno de los líderes mundiales en diseño de alta tecnología: para este último edificio, por ejemplo, movió elementos ingeniosamente, como ascensores, al exterior del edificio, donde se les podía reparar fácilmente, y así se crearon planes abiertos en el centro de los espacios. El Commerzbank Tower en Fráncfort del Meno , Alemania, utilizó espacios verdes, o mini-atrios, que fueron diseñados para permitir una cantidad máxima de luz natural en las oficinas. De esta manera, Foster creó una relación más fluida entre los espacios interiores y exteriores y se esforzó por impartir un sentido de humanidad en un entorno de oficina que de otro modo sería futurista. Como piloto y veterano de la Royal Air Force, también aplicó su preferencia por los planes abiertos y la iluminación natural en aeropuertos como Stansted en las afueras de Londres y Chek Lap Kok, en Hong Kong y el expresivamente simple American Air Museum en el aeródromo de Duxford, Inglaterra. En el cambio de siglo XXI, Foster extendió sus ideas a los monumentos mundiales. Él reconstruyó el Reichstag en Berlín después de la reunificación de Alemania, añadiendo una nueva cúpula de acero y vidrio que rodea una plataforma de observación en espiral, y encerró la corte del British Museum en Londres bajo un techo de acero y vidrio, creando una plaza urbana cerrada dentro de este famoso edificio de museo. El afamado arquitecto británico ha llegado a los 80 años con una vida llena de éxitos y premios gracias a sus magníficas creaciones. Gano el premio Pritzker y el premio Príncipe de Asturias, convirtiendo sus 40 años de trayectoria en uno de los más reconocidos arquitectos de la actualidad. Actualmente colabora en la creación del Nuevo Aeropuerto de la Ciudad de México junto al arquitecto Fernando Romero.
Un rascacielos de 180 metros de altura, de aspecto totalmente vanguardista con su estructura curva y recubierto en cristal. Es sin duda uno de los edificios más emblemáticos de la ciudad británica y fue diseñada por foster en conjunto con el arquitecto Ken Shuttleworth para terminar de ser construido en 2003. Está ubicado en el distrito financiero de Londres
La torre de 46 pisos y 182 metros de altura está construida sobre un edificio de 1928, del cuál sólo se conserva la fachada. Fue el primer rascacielos en construirse después de los ataques del 11 de Septiembre y es el primero en considerarse un “rascacielos verde”, gracias a la utilización del 80% de acero reciclado y la utilización del 25% menos de energía que los requisitos de la ciudad.
Un edificio de aspecto dinámico y estructura curveada que fue creado en el año 2002. Su forma sigue a una importa importante función, la de ahorrar energía, además gracias a su transparencia se disminuye el consumo de luz.
Esta biblioteca es ideal para incentivar un buen flujo de ideas. Posee techos blancos, pisos grises y muebles rojos, es bello sin convertirse en una distracción. El diseño se adapta brillantemente a su entorno y durante el día los paneles del techo difuminan la luz natural para crear un ambiente cálido y ligero, los diferentes niveles están divididos por formas ondulantes que se adaptan a la peculiar arquitectura del edificio y que ofrecen una fluidez tan eficiente como vivida.