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Organización Casa Árabe Coordinación Fundación ArtSur Comisariado Jesús M. Castaño
EXPOSICIÓN Montaje técnico José Lafuente Sonido e imagen Enfase logística para eventos Seguros Correduría de seguros Lao y Lao asociados
CATÁLOGO Diseño y maquetación Via Flavia Comunicación y Mecenazgo Imprenta Gráficas Calima Traducción y maquetación en árabe Khaled Salem Traducción en castellano Alba Zúniga
© de la edición: Casa Árabe e Instituto Internacional de Estudios Árabes y del Mundo Musulmán © de los textos: sus autores © de las fotos de las obras: Amina Benbouchta: Hafid Jender Hassan Echair, Safâa Erruas, Jamila Lamrani: Casa Árabe/Mario Parralejo Imad Mansour: Imad Mansour, Casa Árabe/Mario Parralejo Myriam Mihindou: ADAGP – París Younès Rahmoun: Younès Rahmoun, Casa Árabe/Mario Parralejo
Fecha de la edición: Diciembre 2008 ISBN:
CASA ÁRABE es un consorcio formado por:
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17 noviembre 2008 - 18 enero 2009
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ÍNDICE Romper clichés Gema Martín Muñoz. Arabista y directora general de Casa Árabe
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El Collectif 212 o la tentación de la universalidad Bernard Collet. Escritor, crítico de arte y comisario de exposiciones.
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El Collectif 212, unidos para afirmar su singularidad Mohamed Rachdi. Artista, profesor de universidad y comisario de exposiciones.
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Collectif 212. Arte Contemporáneo en Marruecos Jesús M. Castaño. Comisario de la exposición.
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Amina Benbouchta
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Hassan Echair
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Safâa Erruas
33
Jamila Lamrani
41
Imad Mansour
49
Myriam Mihindou
57
Younès Rahmoun
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ROMPER CLICHÉS
Desde el universo de lo imaginado, una exposición de artistas marroquíes podría hacer pensar que lo que se va a ver es una creación visiblemente relacionada con los elementos tradicionales del arte árabe e islámico. Sin embargo, esta exposición muestra la integración de los jóvenes creadores marroquíes, como árabes en general, en las tendencias más vanguardistas del arte contemporáneo. Entre los clichés que circulan con frecuencia con respecto al mundo árabe e islámico, encontramos la idea de que su gran aportación creativa se paró en la edad moderna. De ahí que se caiga con frecuencia en el error, aunque sea bien intencionado, de recurrir siempre al pasado cada vez que se quieren defender sus valores culturales y artísticos. Con ello, no se hace sino perpetuar el estereotipo sobre su decadencia moderna y contemporánea, uno de los conceptos más nocivos e injustos que se suele adjudicar a esa ciudadanía árabe e islámica que, sin embargo, está completamente inmersa en la modernidad y la vanguardia de las artes. La cuestión está en que puedan atravesar las fronteras virtuales de la ideología culturalista del choque de civilizaciones para mostrar con su obra que sólo es un prejuicio fácilmente rebatible. El orientalismo ha marcado de manera muy negativa la imagen de lo que se espera de árabes y musulmanes, levantando un infranqueable muro imaginario para quienes no se acomodan a los estereotipos artísticos convencionales. Por ello, Casa Árabe tiene entre sus prioridades facilitar la apertura internacional a esos jóvenes creadores, dando a conocer su obra
y su aportación a las artes contemporáneas más innovadoras. Así logramos conjuntamente dar a conocer la cara modernizadora de sus sociedades y demostrar que el discurso de la decadencia árabe es un simple envasado ideológico que bloquea de manera preocupante la comunicación transcultural entre eso que denominamos occidente y el mundo árabe e islámico. Al Collectif 212 les une su afán por romper el estereotipo, salir al exterior y aunar fuerzas para dar a conocer su innovadora creación. Objetivos que se identifican plenamente con la concepción que tiene Casa Árabe sobre su misión de facilitador transcultural. Esta es la primera exposición que el Collectif 212 realiza en el extranjero y, por tanto, es una excepcional ocasión para incluirles en el ámbito internacional y comenzar a romper clichés sobre un arte contemporáneo árabe deseoso de salir del imaginario orientalista. Gema Martín Muñoz Arabista y directora general de Casa Árabe-IEAM
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EL COLLECTIF 212 O LA TENTACIÓN DE LA UNIVERSALIDAD
La historia del arte no carece de estos ejemplos donde se construyó una alquimia muy particular y fructífera entre artistas agrupados por las casualidades de la historia, del tiempo o de un espacio geográfico dado. El París de entreguerras y la aparición del movimiento Dada, el Nueva York de los años 60, Fluxus o Cobra (acrónimo de Copenhague - Bruselas Amsterdam), aún más cerca de nosotros, los movimientos como Support-Surface, o de BMTP (Buren-Mosset-Toroni-Parmentier). Los artistas trabajan juntos, comprueban la sensación de una coherencia entre ellos, deciden actuar juntos, señalan su diferencia en la afirmación común de sus preocupaciones artísticas. Este acto voluntario es la marca a la vez de una gran libertad, en aquello que se libera de las teorías preestablecidas, las de una pluridisciplinariedad ya que las prácticas de estos artistas pueden ser totalmente diferentes, y también de una voluntad de internacionalización en el momento en que las afirmaciones identitarias son más que nunca puntos de tensión en un mundo que tiende a la unificación y donde el arte que se produce no escapa al fenómeno de la mundialización. Se impulsan así verdaderos laboratorios de experiencias artísticas que no frenan de ningún modo, al contrario, la aparición de las individualidades. Este es el caso hoy, en Marruecos, del Collectif 212. 212. Números arábigos.Un fuerte signo de identidad, que se inscribe dentro de la modernidad, cifra de acceso de comunicación de Marruecos en la red planetaria de telecomunicaciones. Señal de contacto, vínculo, precisamente conexión a una red, cuando se trata de sentirse conectado al mundo, en una transnacionalidad afirmada. Grupo 212. Siete artistas que cruzan sus recorridos y vie-
nen en resonancia: Las marroquíes Amina Benbouchta, Safâa Erruas y Jamila Lamrani, la franco-gabonesa Myriam Mihindou, los marroquíes Hassan Echair y Younès Rahmoun y el iraquí Imad Mansour. Tienen conjuntamente una doble voluntad: Afirmar la universalidad del planteamiento artístico sin rechazar una práctica inscrita en el espacio geográfico y el tiempo, y poner conjuntamente lo que los acerca a nivel formal, que no es otra cosa que explorar y definir lo que se podría llamar el minimalismo expresivo. Cuando uno se enfrenta a los trabajos de Safâa Erruas o de Jamila Lamrani, se ve afectado por la utilización de materiales simples, pobres a veces, de una trivialidad familiar. Economía de medios, buscada, inscrita en la perspectiva moderna de rechazo del consumo desenfrenado. Para decir tanto con tan poco, es necesario explorar las tensiones entre los propios materiales o la que se crea entre su soporte o su entorno. Oposiciones formales entre simetría y asimetría, equilibrio y desequilibrio, gravitación y atracción y también oposiciones subjetivas entre la suavidad y la violencia, la fuerza y la fragilidad, el miedo y la seducción, la frialdad y la emoción. Situaciones de tensión cercanas del oxímoron que es la marca de su trabajo, entre hipersensibilidad y distancia, en esta oposición que los mantiene en un equilibrio que se encuentra también en el trabajo de Amina Benbouchta, mientras que en un mismo ascetismo de los medios, la pintura expresa entonces las dualidades entre transparencia y opacidad, matidez y luminosidad. Hassan Echair o Younès Rahmoun exploran por oposición entre materiales el juego de las presencias-ausencias, las marcas del tiempo o del
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vacío. Imad Mansour reinventa un lenguaje que lo mantiene lejos de toda nostalgia de los orígenes mientras que Myriam Mihindou, en sus enfoques pluridisciplinares, intenta una conquista de lo invisible. Todos se mantienen en los sobresaltos de la época, lo más cerca posible de los interrogantes existenciales y religiosos del mundo de hoy. Minimalismo, ascetismo, economía de medios, materiales simples y frágiles, la transparencia de vidrios y sedas, búsqueda de la luz en la superficie de las cosas, inmersión en el invisible y todo aquello que los conecta en la fuerza de la esencialidad.
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La creación del grupo no tiene por objeto inscribirse en un movimiento contextual, en el cual los artistas desaparecerían en una clase de anonimato que vendría a sustituir un “contexto” estético, social o político, sino que está orientada hacia la afirmación de las individualidades, aunque no sería inocente constatar aproximaciones evidentes entre varios artistas del grupo, con una formación artística común para algunos, práctica ya probada de exposiciones colectivas en las cuales su trabajo se mostró en Marruecos o en el extranjero. Lo más importante es la voluntad común que se manifiesta de adosar su práctica artística a una poética de lo sensible en la cual la relación con el mundo se contemplaría en preeminencia de lo humano, de sus preguntas más íntimas, acerca de su fragilidad o de la angustia respecto al paso del tiempo. Estas cuestiones trascienden cualquier época, pero no deja de ser interesante ver surgir en esta región del mundo y en este principio de siglo enloquecido, un grupo de jóvenes artistas plásticos fuertemente decididos a reafirmar una forma de universalidad del arte. Mientras
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que el arte de hoy tiende hacia lo numérico, lo interactivo y lo multimedia, la aplicación de este minimalismo expresivo que dice lo mismo con tan pocos medios, aparece como eminentemente político, y el trabajo del grupo 212 no podría aparecer de otra forma que particularmente moderno. Bernard Collet Escritor, crítico de arte y comisario de exposiciones
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EL COLLECTIF 212, UNIDOS PARA AFIRMAR SU SINGULARIDAD
Desde la independencia del país hasta los años 80, la creación artística marroquí estuvo dominada por preocupaciones identitarias 1. No obstante, nuevas necesidades y aspiraciones llevaron a algunos artistas a abandonar una situación intelectual saturada por preocupaciones exclusivamente marroquíes y árabes, para explorar nuevas vías. Estos artistas empiezan entonces a reivindicar menos su pertenencia a una misma comunidad, cultura o nación, para afirmar su individualidad y su libertad de desarrollar una práctica artística singular. Sin embargo, después de haber intentado algunos tímidos, y muchas veces superficiales, experimentos contemporáneos (particularmente instalaciones, pero casi ninguna performance, y nunca videoarte, arte numérico o nuevas tecnologías), la generación de artistas marroquíes de los años 80 se vio reducida rápidamente al campo pictórico, muy probablemente por comodidad comercial 2. La dinámica de apertura y de audaz exploración contemporánea no empieza a reaparecer, y amplificarse seriamente, hasta las generaciones del último decenio del siglo XX-principios del siglo XXI. Si bien la diáspora artística es la principal impulsora de esta perspectiva 3 , también la Escuela Superior de Bellas Artes de Tetuán ha formado jóvenes artistas, algunos de los cuales fueron impulsados, sino propul-
sados, por el año de Marruecos en Francia, 1999. Gracias a la mundialización, la escena marroquí empieza a ver aparecer jóvenes artistas con nuevas aspiraciones y con la preocupación de estar juntos para organizar mejor sus acciones y optimizar el impacto de sus distintas propuestas artísticas. Dos colectivos emergen particularmente y comparten la misma preocupación de inscribir sus pasos dentro de una exploración creadora decididamente contemporánea: La Source du Lion en Casablanca, creada en 1995 por iniciativa de Florence Renault y Hassan Darsi 4; y el Collectif 212 que fue iniciado 10 años más tarde, en 2005, por Hassan Echair e Imad Mansour, y que cuenta hoy con un total de siete miembros, cuatro mujeres y tres hombres: Amina Benbouchta, Safâa Erruas, Jamila Lamrani, Myriam Mihindou y Younès Rahmoun, además de los previamente mencionados. La Source du Lion reivindica un compromiso manifiestamente ciudadano, desarrollando acciones de sensibilización en la ciudad como, por ejemplo, el “Projet de la Maquette” construido por este colectivo para denunciar el abandono de uno de los pocos pulmones del mega-polo industrial marroquí -El “Parc de l’Hermitage” en Casablanca – y sensibilizar a la opinión pública sobre la necesidad y la urgencia de su rehabilitación 5. A diferencia del
1
M’rabet, Khalil, Peinture et Identité – l’expérience marocaine, éd. L’Harmattan, París, 1987 (tesis de doctorado adaptada a la edición).
2
Rachdi, Mohamed, L’art comtemporain au Maroc et le Maroc de l’art contemporain, artículo en dos partes en la revista Comtemporary Practice, El Cairo, 2007-2008.
3
Rachdi, Mohamed, Interférences – références marocaines de l’art contemporain, ed. Le RARE, Amiens, 2005. Un díptico, catálogo y coloquio alrededor de una exposición que reunió en el verano 2004 a jóvenes artistas procedentes de la inmigración marroquí y que evolucionan en Europa.
4
Para más información ver http://www.lasourcedulion.org
5
Algunos proyectos de La Source du Lion están acompañados, a título individual, por algunos de los miembros del Collectif 212. Amina Benbouchta participa al mismo tiempo en los dos colectivos.
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primero, El Collectif 212 no reivindica abiertamente compromiso ciudadano alguno. Si hay militancia, es en primer lugar para activar el reconocimiento de la proposición artística contemporánea, del estatus del artista y de su gestión individual.
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Mientras La Source du Lion acaba de abrir un espacio en Casablanca (junio de 2008) en el que se pueda trabajar, reunirse con artistas de diferentes orígenes con la intención de intercambiar, reflexionar y desarrollar proyectos conjuntos, los miembros del Collectif 212 no comparten un mismo espacio físico de producción o de difusión. Si bien la pareja Safâa Erruas y Hassan Echair abre su taller para acoger a jóvenes artistas que el Collectif 212 apoya con becas, el único sitio que comparten verdaderamente hoy en día es un territorio virtual: su blog http://collectif212.blogspirit.com, creado para existir en la red y extender la difusión de sus diferentes acciones, que no son necesariamente comunes. Aunque la proclamación del Collectif se hizo con una exposición colectiva en el espacio Le Cube, del Centro Cultural Austriaco de Rabat, las obras presentadas por los artistas no mostraban ninguna preocupación por tener las mismas inquietudes artísticas. Presentando esta exposición, Florence Deniel anotó: “Le Cube acoge desde el 16 de noviembre de 2005 un grupo de siete artistas representativos de la creación contemporánea de este reino, reunido bajo el prefijo-guiño de Collectif 212, que presenta pinturas, y también instalaciones efímeras, videoarte, performances…, esta nueva comunidad de expresión nos invita a través de sus pasos a descubrir y apreciar toda la riqueza nacida de la diversidad, aumentando a la vez nuestra percepción estética y el campo infinito de nuestra sensibilidad”. (ver más arriba el blog del Collectif 212) Desde un principio, no apuntan a una voluntad de construir proyectos en común, sino a la presentación de la diversidad de las acciones en el campo del arte que empiezan a afirmarse en un contexto artístico y cultural de un Marruecos todavía reticente a acogerlas. De hecho, las actividades que desarrollan los miembros del Collectif 212 están realizadas a imagen y semejanza de la producción artísti-
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ca contemporánea en la era de la mundialización. Sus prácticas se despliegan, en efecto, en una pluridisciplinidad característica de la diversidad de la producción artística contemporánea a escala internacional: pinturas, instalaciones, fotografías, dispositivos video, performances… Si el desarrollo de las prácticas permanece diverso y manifiestamente singular, ¿por qué reagruparse entonces en colectivo? ¿Existiría algún proyecto en común que federara a estos artistas tan innovadores? Podemos encontrar aquí y allá connivencias entre tal y cual artista del colectivo, señalar afinidades, complicidades artísticas, amistosas, incluso conyugales. Pero, sin lugar a dudas, únicamente la preocupación de constituir una fuerza de propuestas decididamente contemporáneas capaz de desarrollarse desafiando un contexto dominado por un conformismo artístico y cultural, parece verdaderamente orientar su lucha como colectivo… Efectivamente, los artistas no se preocupan de poner en evidencia lo que hay en común de sus prácticas, sino más bien de respaldarse para tener una mayor presencia, y afirmar cada uno la singularidad de su obra en un mundo cada vez más uniforme. Sin embargo, los miembros del Collectif 212 no hacen obra colectiva, si no que aspiran sencillamente a acordar sus fuerzas y cruzar sus diferentes redes para optimizar el impacto de sus distintas acciones. Esto no excluye de ninguna manera la posibilidad de trabajar juntos puntualmente para un proyecto común. Por tanto, el Collectif 212 no busca la instauración de un movimiento artístico que conlleve las mismas ideas o ideologías. Lo que reúne fundamentalmente a sus miembros, es la misma lucha para afirmarse como artistas decididamente contemporáneos en el seno de un entorno que si bien no es hostil a la audacia de la creación contemporánea, por lo menos no está preparado para acoger nuevas propuestas artísticas, es decir, las de la creación innovadora que obra para dar cuerpo a nuestra percepción y aguzar nuestra sensibilidad mas allá de las prácticas caducas. Mohamed Rachdi Artista, profesor universitario y comisario de exposiciones
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COLLECTIF 212. Arte Contemporáneo en Marruecos
En el clima de tensiones raciales y problemas económicos que origina la emigración magrebí hacia Europa, su paso intermedio y a veces definitivo por España aporta una vía de expansión espiritual hacia el continente africano. A través del arte y la síntesis del pensamiento que representa la manifestación artística reforzamos y alimentamos esta relación particular. Aparentemente el viaje iniciático del europeo hacia esas tierras se debate entre el conflicto y la confusión, arrollado por una simbólica oscuridad que no ha sido sino nuestro desconocimiento de esa fuerza insondable que es Marruecos, donde el color, la línea y la familia se trenzan en una unidad que es ética dentro de la estética. Las bases de la antropología son cultura de vida en Marruecos. El arte y la vida se abrazan en una unión religiosa. Es esta vitalidad la que debemos ver con humildad, en un mundo donde la razón occidental nos ha llevado a separar, en la vitrina del museo, arte y espectador. Dado que los occidentales nos sentimos, desde hace siglos, superiores al resto del mundo, también hemos venido dispensando al arte de estas zonas un trato distinto al nuestro, y todo basado en el desconocimiento. Todo eso ya es parte de nuestra conciencia del arte, siendo en cierto modo un paso gigantesco en relación a la pesada losa que caía sobre los hombros del titán, fuese éste pintor, escultor, músico o poeta. La hora de los titanes ha pasado; y la de toda conciencia prometéica o fáustica. En relación a esta mirada hacia otra cultura, todas nuestras nociones del arte o relativas a la otredad deben ser elevadas una grada en el nivel de reflexión que nuestro tiempo requiere. Y es que en ella se recupera algo últimamente olvidado:
que el arte es, como la belleza, según Kant, un “símbolo moral”, proceda de donde proceda. Esto importa tanto o más que los celebrados significantes de nuestros maestros de la modernidad. Y son sobre todo éticos, morales y cívicos; o directamente políticos. Hablan de cosas que nos incumben o importan, como la guerra y la paz, el exterminio y el horror, el dolor improductivo, el sufrimiento estéril; plantean problemas de alta filosofía y teología. Todo esto supone repensar el argumento de nuestra historia, un reto y un envite inesperado, pero letal, una forma de comprender el arte. La muestra que ahora podemos admirar engloba dos vertientes generales en el arte marroquí contemporáneo: una nacida de la continuidad transformadora que toma como punto de referencia inicial el arte tradicional; la otra netamente innovadora que busca su idioma dentro de la radicalidad de una aventura creadora personal. Los artistas que engloban Collectif 212 (Amina Benbouchta, Safâa Erruas, Jamila Lamrani, Myriam Mihindou, Hassan Echair, Younès Rahmoun e Imad Mansour) no representan a los distintos centros culturales, pero no podemos olvidar el contexto en que han nacido sus obras. Éstas afirman la especificidad de las culturas al igual que se oponen a ciertas mentalidades. Aunque a veces encontremos similitudes, son arbitrarias y fortuitas. Las obras presentadas aquí, todas ellas recientes, no son banderas, han nacido del pensamiento, de la vida de unos individuos relativamente aislados, con los cuales he intercambiado costumbres fugazmente. Prácticamente en todo Marruecos es posible encontrar a cientos de creadores que viven y trabajan, pero elegimos a Collec-
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tif 212 no de cara a ofrecer una imagen exhaustiva y definitiva del arte de un país con una historia compleja. Esta decisión obedece al compromiso y a la complicidad. He dejado a mi memoria la tarea de escoger las imágenes. Es una memoria occidental, desde luego, pero se ha esforzado por olvidar su espejo en una Europa cegada por la sagrada alucinación que domina por doquier su arte, encerrado en el narcisismo, es también una mirada contaminada por la celeridad de la comunicación de nuestros días y un etnocentrismo denostado. Convendrán conmigo en afirmar que en Marruecos se está desarrollando un vocabulario visual que está directamente vinculado a los productos de la generación de artistas occidentales más jóvenes, dando la impresión de que se puede ir hablando de un lenguaje visual único para todo el mundo. Las vías de comunicación entre los continentes se han contraído de una manera antes desconocida, al tiempo que no deja de crecer la dependencia mutua. El arte occidental se abre a los impulsos refrescantes venidos del exterior; sus obras producen una peculiar seducción. Collectif 212 está dotando de identidad y personalidad el arte de nuestro tiempo; los nombres de sus componentes empiezan a aparecer reiteradamente en el panorama creativo internacional, incluyendo sus trabajos en exposiciones colectivas y bienales internacionales, aportando una mayor visibilidad al arte de su país de origen. Se trata de un grupo donde todos se benefician de esa fructífera unión, que, sin lugar a dudas, se convertirá en modelo y punto de referencia para generaciones posteriores. Contemplando la obra de estos artistas se impone la evidencia no sólo de que no todos ni en todas las ocasiones pueden ser adscritos a las manifestaciones de arte más contemporáneo, sino de que es dudoso que se influyan entre sí. En el grupo, aunque no predomina una tendencia determinada, se podría hablar de la existencia de unas coincidencias entre ellos que no pueden ser juzgadas como casuales por la sencilla razón de que sean generacionales y, de forma más específica y concreta, de grupo, hasta convertirse en definitorias. Hablamos, según describe Bernard Collet, de un “minimalismo expresivo” utilizado por todos
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ellos en el desarrollo de su conciencia crítica y expresado a través de diferentes pronunciamientos. Collectif 212 está abierto a todas las manifestaciones artísticas y una de sus pretensiones es la de agregar esfuerzos para evadir el arte marroquí de la época de limitación y el adocenamiento que vienen impuestos por el pesimismo de la situación social, política y económica; nos encontramos ante representantes de la nueva generación de artistas marroquíes que desarrollan, cuestionan y dialogan con su cultura. Cuando contemplamos sus obras, destacaríamos de inmediato las realizadas desde muy diversos medios y siguiendo distintos procedimientos, diferentes lenguajes, con la capacidad de transmitir una suerte de energía que enlaza directamente con la vida de hoy y que se proyectará en la de mañana: la obra artística como una vida peculiar –y singular- que viene a conectar tanto con otro género de vida individual -la de espectador- como con lo que se entiende como vida colectiva o social. En este contexto Gombrich aseguraba que “en este mundo del arte lo que cuenta es la búsqueda, la constante puesta a prueba, el asumir riesgos en la experimentación”. La creatividad necesita emprender la aventura de lo todavía ignoto, lo que supone empujar el mundo hacia delante, sin que ello signifique tener que perder forzosamente de vista el pasado. A lo largo de la historia del arte se ha podido trazar una red de hilos conductores como puntos de referencia con respecto a nuestra propia identidad, nuestras creencias, nuestras dudas y nuestros sueños. El arte se adelanta a su tiempo porque es capaz de ver más allá de lo que percibe la mayoría de los seres en sociedad, porque posee una agudeza energética que, lo veamos o no, abre caminos para la posteridad. Un viaje que lleva consigo la singularidad de la visión del propio artista; un viaje particular donde cada artista lleva su propio equipaje; un equipaje lleno de su experiencia vital, de un afán de renovación, de las experiencias recibidas de fuera, de las actividades compartidas, de la amistad o de las lecturas. Un viaje en el que la soledad es el ambiente en el que cada artista crea dialogando consigo mismo, con su cultura, sus recuerdos, sus contradicciones, sus sentimientos o sus dotes interpretativas. De ahí la riqueza de situaciones que
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se desgranan de la contemplación de esta muestra colectiva, una muestra donde el universo de la técnica, la ciencia y la tecnología se suman al mundo de las disciplinas tradicionales del género de la pintura y la escultura a modo de renovación de los horizontes de la percepción. Al margen de la calidad artística de sus componentes, Collectif 212 quiere ser un movimiento de raíces éticas y una actividad destinada a convulsionar la creación en Marruecos, imponiéndole nuevos y más prometedores rumbos. Si la altura de quienes forman parte del mismo no necesita prueba alguna, mucho menos el hecho de que estos artistas son coautores, en un grado elevadísimo, del giro que se impone en Marruecos. Nos quieren transmitir el mensaje primordial de que siempre será posible la renovación artística con el esfuerzo colectivo de quienes estén dispuestos a compartir experiencias y abrir nuevos caminos. Y esta filosofía estuvo ya presente en formaciones españolas que me vienen a la memoria y que fueron de gran transcendencia en nuestra historia: me refiero a Dau al Set, El Paso, Equipo 57, etc. Los artistas de Collectif 212 poseen una formación muy variada. Unos han pasado por las escuelas de Bellas Artes, otros han estudiado al lado de maestros y también los hay autodidactas. Unos ya han expuesto en el exterior, otros han residido en el extranjero, donde han podido conocer mucho y muy nuevo e incluso algunos ya tienen una temprana promoción en galerías de arte. Los incentivos para una evolución en sentido vanguardista pueden ser varios, pero en todos los casos desde muy pronto estuvieron abiertos a ellos. Los buenos amantes del arte, que gustan el contacto con las muestras más características de las expresiones artísticas, tendrán ocasión de contemplar los nexos que unen a los miembros de Collectif 212 y también podrán captar la personalidad y carácter de cada uno de ellos. La diversidad de los materiales empleados en las expresiones plásticas que tenemos ocasión de contemplar y el aire de libertad que se respira en las obras expuestas bien merecen un detenido examen. El arte, según Marcel Duchamp, es un secreto que hay que compartir y transmitir como un mensaje entre conspiradores. Quisiera creer que
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las obras de estos artistas, una vez contempladas, quizás puedan añadir un poco más de inextricabilidad al universo, pero es necesario apostar por la posibilidad de desenmarañarlo. Pensar en otra cosa no tendría sentido. Espero que esta exposición contribuya a consolidar el lugar dentro del mundo internacional del arte de tantos artistas de Marruecos, y a abrir un nuevo espacio de diálogo con el país vecino, provocando en nuestra sociedad una reflexión sobre el privilegiado lugar que podrá tener en el futuro como pantalla difusora del arte y la espiritualidad marroquí, un diálogo con fines de entendimiento entre hermanos, que trate de buscar una nueva línea de expansión a través del arte que rompe las fronteras y subsana los excesos de la Historia. Jesús M. Castaño Comisario de la exposición
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Amina Benbouchta
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Amina Benbouchta (Marruecos, 1963). Se formó en grabado, litografía y dibujo en París, Francia. Principales exposiciones: Galería Damasco, Edimburg, Gran Bretaña | Disney Hall, Orlando, EE.UU. | Galería Nikki Diana Marquart, París, Francia | “National Museum of Women and the Arts”, Washington D.C., EE.UU. | Museo de Kerava, Finlandia | Galería El Manar, Casablanca, Marruecos | Galería Winance-Sabbe, Bruselas, Bélgica | Galería Arcane, Rabat, Marruecos | Centro Cultural Francés, Casablanca, Marruecos | Espacio “au 9”. CIL, Casablanca, Marruecos | ARIAP, Lille, Francia | Salle Maurice Denis, St Germain en Laye, Francia | Bienal de El Cairo, Egipto.
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“Mi trabajo como artista cuestiona la práctica de la pintura, la tradición y sus maestros, intentando llegar a su más depurada expresión. Someto al espectador a una búsqueda de referencias sibilinas porque me parece que lo sugerente tiene una gran fuerza. La presencia de objetos sugiere una narración presente pero discreta, como una especie de hilo conductor. Indago sobre el espacio con perspectivas que a su vez crean reflejos y otras dimensiones que cuestionan la “representación” y su problemática contemporánea. Elegí presentar grandes lonas sin soportes, que son, en realidad, trozos de jaimas; como fragmentos, soportes de recuerdos, para reconciliar mi herencia europea y marroquí. Es la primera vez que enseño este trabajo y la elección del lugar, en pleno centro de Madrid, no es casual, es un retorno. Un retorno hacia esa herencia europea vivida desde otra cultura.” Amina Benbouchta
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En la obra de Amina Benbouchta se puede hablar de un saludable distanciamiento entre el entorno y la persona. Las situaciones aparecen en suspenso e impiden que la escena pueda leerse de un modo único; remiten a la presencia del imaginario y son el punto de partida de historias cuyo arranque, sin embargo, queda incierto. El acontecer, delimitado a unos pocos elementos visuales, aparece en una estética de los fragmentos y de la reducción que se entiende como una clara actitud de negación frente a aquellos trepidantes “mundos encantados” que a diario se reinstalan en nuestra consciencia. El pasado es presente; lo arcaico genera una comunicación entre generaciones, tradiciones y épocas. Lo nuevo y lo viejo son funcionalmente orgánicos, como si estuvieran unidos por venas a través de las que el pasado fluye hacia el futuro para alimentarlo. Un trabajo gestual que es, al mismo tiempo, pensamiento y experiencia en forma de manifestaciones espirituales. En su trabajo, se da una forma estricta que favorece el contraste y que abstrae la realidad como expresión consecuente del deseo de la abstracción. J.M.C.
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«SIN TÍTULO» | Acrílico sobre lona | 1,65 x 2,60 m | 2007
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«ÉPIPHANIE» | Acrílico sobre lona | 1,70 x 2 m | 2007
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«GRANDE TÊTE » | Acrílico sobre lona | 1,74 x 2,65 m | 2007
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«LES SIRÈNES» | Acrílico sobre lona | 1,50 x 2,50 m | 2008
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Hassan Echair
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Hassan Echair (Marruecos, 1964). Se diplomó en el Instituto Nacional de Bellas-Artes de Tetuán, Marruecos, en infografía y videoarte en la Escuela Regional de Bellas-Artes de Amiens, Francia y en Expresión Plástica en la Escuela Regional de Bellas-Artes de Angers, Francia. Principales exposiciones: Galería Bernanos, París, Francia | Saïda, Líbano | Palacio de la UNESCO, Beirut, Líbano | Galería Mohamed El Fassi, Rabat, Marruecos | Galería Delacroix, Tánger, Marruecos | Galería Dar Essanaâ, Tetuán, Marruecos | Galería del Instituto Cervantes, Tánger, Marruecos | Fundación Antonio Pérez, Cuenca, España | Palacio de Sintra, Portugal | Instituto Francés de Meknes, Marruecos | Instituto Francés de Rabat, Marruecos | Instituto Francés de Casablanca, Marruecos | Galería del ARIAP, Lille, Francia | Goethe Instituto, Casablanca, Marruecos | Goethe Instituto, Rabat, Marruecos | Festival de Videoarte de Tánger, Marruecos | Festival de Vidéoarte de Casablanca, Marruecos. Residencias: Cité Internationale des Arts de la Ville de Paris, Francia.
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“Los ejes de mi actividad artística se definen primero por la simplificación de los medios y su sencillez, dos colores y tres o cuatro elementos de características heterogéneas, y luego crear lazos entre los elementos para buscar un equilibrio, a menudo tenue, que evoca la fragilidad del ser, del otro, de uno mismo, del tiempo, del espacio y de la identidad. Variar las proposiciones con los mismos elementos es como cavar en el mismo lugar: de lejos es el mismo hoyo, pero de cerca es un hoyo cada vez más profundo que el anterior. Por supuesto, no descuido la identidad de los elementos que constituyen mi trabajo, su metáfora, su plasticidad, su identidad y también sus mutaciones. La obra que presento en Casa Árabe es un trabajo constituido por tres elementos: las piedras repintadas en negro o carbonizadas, estructuras metálicas tendidas en forma de arco para evocar un desequilibrio y una inestabilidad, y sal repartida sobre el suelo. Dos elementos originarios de la tierra: la piedra bruta y el metal formado por el fuego, y un elemento del mar. De hecho es un trabajo anecdótico, es un tipo de homenaje a los muertos del Mediterráneo. Es como si el Mediterráneo se secara y en el fondo encontráramos armazones de almas y de espíritus carbonizados y restos de pateras en la sal”. Hassan Echair
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En el trabajo de Hassan Echair, intachable defensor de la fuerza comunicativa de la instalación, el arte, la naturaleza y el devenir del hombre se entrelazan de forma inextricable. En el punto culminante del dramatismo plasma el encuentro de la naturaleza y el paso del hombre por ella, de modo que los atributos de una van al encuentro de los de la otra hasta llegar a asociarse entre sí. Pretende dar testimonio del mundo de una forma honesta y sutil, sin renunciar a un cierto distanciamiento. El paisaje adopta rasgos de la regularidad humana, de la brutalidad política y de la artificialidad. También resulta al mismo tiempo sagrado y profano. Sin pasar por alto los pequeños detalles, crea un mensaje: en este mundo ambiguo, los hechos logrados de forma artificiosa funcionan como realidades naturales, mientras que la naturaleza asume los atributos de la cultura. Sus historias serán contadas como por un silencio observador de paso, fugaz, historias que reflejan su estado interior, sus sentimientos, sus experiencias emocionales. La aparente ligereza y sencillez de las equilibradas composiciones de Echair se alcanzan mediante una mezcla bien calculada de distintos elementos. Para él el arte representa una correspondencia simbólica de la capacidad humana más profunda y más marcada: casi de igual importancia resulta el hecho de que la visión tenga que ser comunicada con el espíritu del mayor respeto posible, tanto ante lo representado como ante los materiales con los que será elaborado. J.M.C.
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«SIN TÍTULO» | Hierro, madera y piedra carbonizada, sal | Medidas variables | 2008
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Safâa Erruas
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Safâa Erruas (Marruecos, 1976). Se diplomó en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán, Marruecos. Principales exposiciones: Oslo Kunstforeininig, Oslo, Noruega | Espace Sala 1, Roma, Italia | Museo MAMA, Argel, Argelia | Galería Delacroix, Tánger, Marruecos | Le Cube, Rabat, Marruecos | MAMAC, Lieja, Bélgica | Faulconner Gallery, Grinnell College, EE.UU. | Instituto Francés de Barcelona, España | Museo Muhka, Amberes, Bélgica | Deuscher Kunstlerbund, Berlín, Alemania | Centro Cultural de la Embajada de Marruecos en Berlín, Alemania | Instituto Goethe, Galería Bab El Kebir, Rabat, Marruecos | Fondation Jean Paul Blachère, Apt, Francia | Galería Majke Husteege, s’Hertogenbosch, Holanda | Fundación Horcynus Orca, Mesina, Sicilia | Museo de las Artes del Mundo, Rotterdam, Holanda | Fundación Antonio Pérez, Cuenca, España | Museo de las Artes Decorativas, París, Francia | Museo Dahlem, Berlín, Alemania | Espacio Camouflage, Bruselas, Bélgica | Galería Delacroix, Instituto Francés de Tánger, Marruecos | Bienal de Arte Africano Contemporáneo DAK’ART, Dakar, Senegal | Bienal de Jóvenes Creadores Europeos y Mediterráneos de Nápoles, Italia | Festival “Voix de Femmes”, Lieja, Bruselas, Bélgica | Festival de Vídeoarte de Casablanca, Marruecos | Pasarela Artística, Casablanca, Marruecos. Residencias: Centro Europeo de Cerámica ekwc, s’Hertogenbosch, Holanda | Cité Internationale des Arts de la Ville de Paris, Francia.
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“Se trata de una instalación formada por cuchillos de porcelana instalados de forma circular en el suelo. En cuanto a los lienzos, me resulta difícil hablar de ellos antes de terminar la obra, pues trabajo a partir de impulsos que no son fáciles de racionalizar. Al mismo tiempo, me gusta aventurarme para ver surgir algo desconocido. En este caso, utilizo auténticos cuchillos de metal sobre lienzos blancos, cosidos con un hilo plateado. Atados. Sus hojas cubiertas de encaje blanco traslúcido denotan una presencia inquietante, comunican una verdad emocional, dejando total libertad para imaginar lo que vemos”. Safâa Erruas
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Casi sin darnos cuenta, la capacidad poética de Safâa Erruas consigue llevarse la banalidad de los trabajos que nos muestra. Nunca vacila en su entrega a la expresión creativa y la perfección técnica. Sus elaboradas composiciones se distinguen por una encantadora y delicada belleza, por una fuerza y una chispa muy vivas. Nosotros sabemos que cada uno de sus trabajos resulta de un lento proceso de búsqueda del punto de vista correcto hasta que poco a poco el lugar se convierte en la figura central del acontecer; de un acontecer que el ojo de la artista pone finalmente en el centro creador de una compleja red de proporcional armonía. Su obra sorprende por una tranquila y autoconsciente modernidad, nada desdeñable. Ella es una observadora de las formas de vida y una buscadora que deja constancia de la cultura que está en consonancia con la naturaleza En la búsqueda de una forma de representación en la que el significado del contenido y las reflexiones formales se engranen con fuerza, la artista encuentra una estética visual propia que ha definido su trabajo hasta hoy. Safâa parece haberse retirado de las modas sólo para reencontrarse mejor con ellas. J.M.C.
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«CUCHILLOS» | Instalación. Cerámica | Diámetro 2 m | 2006
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«SERIE MAADEN» | Técnica mixta sobre lienzo | 1,5 x 1,5 m | 2008 39
«SERIE MAADEN» | Técnica mixta sobre lienzo | 1,5 x 1,5 m | 2008
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«SERIE MAADEN» | Técnica mixta sobre lienzo | 1,5 x 1,5 m | 2008 40
«SERIE MAADEN» | Técnica mixta sobre lienzo | 1,5 x 1,5 m | 2008
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Jamila Lamrani
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Jamila Lamrani (Marruecos, 1972) se diplomó en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán, Marruecos. Principales exposiciones: Galería de la Embajada del Reino de Marruecos en Berlín y en Dusseldorf, Alemania | Galería Majke Husstege enn Den Bosch, Holanda | Dietro,c'è la passione, Castel Sant’Elmo, Napoli, Italia | Museo de Marrakech, Marruecos | Castell de Denia, España | Le Cube, Centro de Arte, Rabat, Marruecos | Instituto Francés de Barcelona, España | L'Atelier 1410 « Quatorze Dix », Galería 121 del Instituto Francés, Casablanca, Marruecos | “L’Art au Feminin”, MAMA (Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo) de Argel, Argelia | Bienal de Dak’Art, Dakar, Senegal | Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y del Mediterráneo. Residencias: European Ceramic Work Center.ekwc de SG’s, Hertogenbosch, Holanda | Cité Internationale des Arts de la Ville de Paris, Francia.
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“Mi idea es estructurar el vacío reservado para mi intervención. Se trata de una instalación; varios cubos pequeños (más de 384 cubos de 33cmx33cm de tejido transparente negro) quedan suspendidos del techo con el fin de crear un espacio en el espacio, elevar una estructura, trazar límites y definir un territorio de intervención; esta arquitectura-escultura es mi obra. Lleva el nombre de "Mémoire”. En el centro de esta estructura, sobre una superficie de 2mx3m, se sitúan algunos cubos directamente en el suelo, acompañando a los que están suspendidos, creando un juego de vacío-lleno entre el techo y este patio de cubos. El espectador está invitado a infiltrarse en la obra, a implicarse físicamente en ella, deambular, desplazarse, moverse en la instalación, dar vida a este espacio, a este vacío. La curiosidad que despierta la instalación lleva a querer descubrir, ver la obra de cerca y capturar un momento de silencio y de reflexión en su interior”. Jamila Lamrani
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Jamila Lamrani trabaja con composiciones claras, con estructuras y conceptos inequívocos. Como artista, ha desarrollado una sensibilidad instintiva para las formas creativas que se pueden analizar a su vez a partir de las estrictas reglas de la lógica. A través de sus principios, se ha convertido en la gramática de un lenguaje abstracto que, en su sencillez, será entendido por su rotunda poesía, por la magia que sus instalaciones encierran. Instalaciones, en las que forma y contenido se aúnan en un equilibrio armonioso. No debemos dejarnos seducir tan sólo por el hechizo del primer plano, pues por detrás, se oculta un segundo plano y luego siguen otros más. Una obra que está enmarcada por la honradez, la delicadeza y el respeto ante los temas representados. Utiliza numerosos materiales como la tela, seda, papel y aplica todos estos materiales a “escenarios” o a “historias”. Cuanto más tiempo lleve con su trabajo, más difícil resultará distinguir su selección creadora de la cotidianeidad; los objetos y las experiencias de ésta, de la fantasía, del recuerdo, la cultura y la historia. La lucha de los muchos elementos en la obra de Jamila no tiene vencedor ni perdedor, pues ella se ocupa, al mismo tiempo, de cada uno de ellos. Y así crea como fin último un proyecto global que abarca la historia entera del arte; y este proyecto remite enérgicamente de un lado a las corrientes de la vanguardia y, del otro, al arte clásico. J.M.C.
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«MÉMOIRE» | Instalación. Tul | 2,4 x 4 x 6 m | 2008
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Imad Mansour
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Imad Mansour (Iraq, 1964). Se diplomó en dirección de cine en la Escuela de Bellas Artes de Bagdad, Iraq, en la Escuela Internacional de Teatro Jacques Lecoq, París, Francia, en el Laboratorio de Estudio del Movimiento, París, Francia. Principales exposiciones: Le Cube, Rabat, Marruecos | Villa des Arts, Casablanca, Marruecos | Galería Kibele, París, Francia | Le Baron Perché, París, Francia | In-Tussen, Willebroek, Bornem, Amberes, Bélgica | “Art et Culture sous embargo”, ayuntamiento de Lille, Francia | Museo “des Métiers de Mercure”, Rochefort, Francia | Artes Plásticas Contemporáneas Iraquíes, Berlin, Alemania | Uberfliegen, Cottbus, Alemania | Festival Internacional de las Artes Plásticas, Bagdad, Iraq | Bienal Frederick Schtad, Noruega | Bienal de Miniaturas, Corea del Sur. Performances: Composición 21, Casablanca y Rabat, Marruecos | Déchets, París, Francia | Takwin1, Bornem, Bélgica | Takwin 2, Willebroek, Bélgica | Salut Kafka, Dijon, Francia | Nobody, Dijon, Francia.
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“Mi creación se llama Sandouk al Dounia. Es una caja cúbica totalmente neutra con un solo agujero provisto de un objetivo, un "ojo de buey", por el cual se descubrirá una obra escondida en el interior. Ésta es revelada gracias a una luz, también oculta en el interior, y deformada por el objetivo. Me gustó mucho este lado voyeur que va unido al descubrimiento de lo invisible. El Sandouk al Dounia, que significa "caja del universo" u "ojo mágico", ya existía antaño, mucho antes que el cine. Me recuerda a mi infancia, en el momento del Aïd y otras fiestas, en las que se representaban imágenes animadas manualmente. Las imágenes concretas se me escapan, pero me acuerdo de la sensación, del deseo de acercarme para robar el instante mágico de una mirada a través de este pequeño agujero. Cuando en el seno del colectivo decidimos presentar una obra, lo primero que se impuso en mi espíritu fue realizar una obra que me volviera a sumergir en esa nostalgia de mi infancia, cuando miraba por el pequeño agujero... Porque realmente adoraba en esos momentos el sentimiento de estar aislado del mundo, totalmente absorbido por ese universo de la imagen. Es la emoción de estos recuerdos lo que deseo compartir con el público”. Imad Mansour 52
Imad Mansour, con su personal elección de los temas, parece buscar siempre lo difícil, el desafío. En la visión del otro, en nuestra visión como observadores; en sus vídeos, los seres humanos pueblan un escenario que a veces tiene algo de teatral. La ventana y el óculo, metáforas recurrentes en su trabajo, refuerzan la impresión de lo “misterioso”. El mundo como perspectiva, como mirada de través, como reflejo. Sus vídeos arrojan dudas en lo referente a la oposición entre dentro y fuera, de cara o de espaldas, entre la realidad y su reproducción, entre la comunicación y el silencio, entre el hombre y la mujer. La mezcla de las conceptualizaciones tradicionales hace posible una comunicación entre opuestos que finalmente se resuelve en sí misma. Mansour deja a sus personajes un derecho sobre su propia apariencia; los coloca en la luz correcta y los deja lucir su propio sentido mientras expone la complejidad del rasgo característico de cada una de ellas. Ello le lleva a la esencia de lo que quiere mostrar a través del filtro de la mirada propia, descubridora, y seduce al observador para ver lo conocido como nuevo y como otro. J.M.C.
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«BAQAYA»
«GODOT ATTEND»
«LE BANC»
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«BAQAYA» | Vídeo/Fotogramas | 6 minutos, 13 segundos | 2007
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«GODOT ATTEND» | Vídeo/Fotogramas | 6 minutos, 25 segundos | 2006-2007
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«LE BANC» | Vídeo/Fotogramas | 13 minutos | 2006-2007
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Myriam Mihindou
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Myriam Mihindou (Gabón, 1964). Principales exposiciones: Galerie GM, Montpellier, Francia | Le Cube, Rabat, Marruecos | Woman’s building, San Francisco, EE.UU. | Museo Dapper, París, Francia | Galería Trafic, Ivry, Francia | C.C.F de Alejandría, Egipto | F.R.A.C Réunion, St-Paul, Francia | Galería Art’Senik, La Reunión, Francia | Casa África, Las Palmas de Gran Canaria, España | Feria de Arte Contemporáneo de Johannesburgo, Sudáfrica | Galería Peter Hermann, Berlín, Alemania | Feria de Arte Contemporáneo de Estrasburgo, Francia | Contemporary Art of a Continent, Lesotho, Durbán, Ciudad del Cabo, Sudáfrica | Slick, Feria de Arte Contemporáneo, París, Francia | Espacio Jeumon, La Reunión, Francia | Fête de l'Humanité, París, Francia | La Source du Lion, Passerelle Artistique, Casablanca, Marruecos | MOAD, San Francisco, EE.UU. | Bienal de Arte Africano Contemporáneo, Dakar, Senegal | Feria de Arte Contemporáneo Stark, Estrasburgo, Francia | Mori Art Museum, Tokio, Japón | Centro Georges Pompidou, París, Francia | Centro Cultural Francés de Nablus, Palestina | Centro Cultural Niavaran, Teherán, Irán | Wereldmuseum, Rótterdam, Hollanda | Hayward Gallery, Londres, Inglaterra | Arc en Rêve, Centro de Arquitectura, Burdeos, Francia. Residencias: Woman’s Building, San Francisco, EE.UU. | Workshop, CCF Gabon, Libreville, Gabon | Association Marseillaise Actes, Khartoum, Sudán | Hospital Caroline, Île du Frioul, Marsella, Francia | Association Face à Face y Huit facettes, Joal-Fadiouth, Senegal.
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“Dejando atrás Rabat, yendo hacia Uagadugú, me reencontraba, de este lado de la África nómada y semi nómada (frontera con Mali, Costa de Marfil, Gana y Benin), con los que llamamos aquí ciudadanos “sedentarios nómadas”. En Marruecos, o desde este lado del Mediterráneo, los llamamos “azzia” (negros), clandestinos. L’Ange de Mélilla (El ángel de Melilla) vio la luz tras un mes de rodaje, cegados por el Harmattan, con la colaboración de Idrissa Sawadogo, un joven burkinés responsable de un centro de acogida para los niños de la calle. Cuatro mujeres en bicicleta pasan a gran velocidad en medio de la circulación infernal de la ciudad. Llevan en sus espaldas a sus recién nacidos, con todo el peligro que esto implica. Destino cruel. Estos niños crecen sin porvenir. Más tarde, atraviesan el desierto hasta Melilla para morir o sobrevivir con el objetivo de alimentar a su familia, que se quedó al otro lado del desierto. L’Ange de Mélilla es una denuncia cínica de la mundialización y del neoliberalismo. Europa es responsable de la creación del tercer mundo. No podemos tirar al bebe del diamante, del petróleo, de la seda, del oro y del algodón por la borda. El tercer mundo está abandonado y condenado a la regresión por inmoralidad. ¿Puede vivir sin proyección? “… asistiremos a mutilaciones psicológicas extremadamente graves. Gente sin orilla, sin límite, sin color, apátridas, desarraigados, ángeles.” (Fanon, Frantz. Los malditos de la tierra)” Dedico este trabajo a mi madre, Claude Guibert. 60
Myriam Mihindou
El trabajo de Myriam Mihindou hace siempre visible la fugacidad de un encuentro al que probablemente nunca se llegará. Se permite todos los formatos; en la exposición llega a los límites de una explosión de luz, juega con la ralentización, con motivos movidos, detalles descentrados y composiciones fluctuantes. Su meta suprema es reproducir la intensidad de una emoción con medios visuales. Como joven talento de hoy, asume todos los riesgos; echa por tierra el vídeo arte, la fotografía y sus reglas y sacude con ello nuestras algo embotadas costumbres visuales hasta despertarlas. Imágenes compuestas con tanto refinamiento, que en un nivel resultan una penetrante sociología y, en otro, un cuadro generalizador de los valores vitales básicos y de las cosas que los amenazan. Sus imágenes son cuidadosas aproximaciones a lugares y espacios, a paisajes, a estructuras urbanas y sus habitantes. La cuerda floja entre la proximidad y la distancia es una condición de su trabajo; una condición previa para darle un nuevo significado a lo aparentemente íntimo y a las percepciones cotidianas. J.M.C.
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«SOBRE» | Fotografía | 40x60 cm | 2008
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«L’ANGE DE MÉLILLA» | Vídeo/Fotograma | 11 minutos | 2008
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«L’ANGE DE MÉLILLA» | Vídeo/Fotograma | 11 minutos | 2008
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«L’ANGE DE MÉLILLA» | Vídeo/Fotograma | 11 minutos | 2008
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Younès Rahmoun
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Younès Rahmoun (Marruecos, 1975), se diplomó en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán, Marruecos. Principales exposiciones: Museo de las Murallas Reales de Ceuta, España | Galería Talmart, París, Francia | L’appartement 22, Rabat, Marruecos | Espai d’Art A. Lambert, Xàbia, España | Ermita de Beneixida (Valencia), España | Espacio del Instituto Francés de Fez, Marruecos | Passage de l’Art, Marsella, Francia | MuHKA, Amberes, Bélgica | Galería Majke Hüsstege, Den Bosch, Holanda | La Briqueterie, Ciry-Le-Noble, Francia | Centro Cultural De Warande, Turnhout, Bélgica | Frac Franche-Comté, Francia | Musée des Beaux-Arts, Dole, Francia | Vídeo y Música Contemporánea, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España | Musée des Arts Décoratifs, París, Francia | Bienal de Pontevedra, España | Bienal de Canarias, España | Bienal de Singapur | Exposición Internacional, Dakar, Senegal.
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“Mi vídeo-animación Badhra consiste en un dibujo de una semilla que crece, al que se le unen varias líneas de color verde en su interior, y otras líneas de color blanco de diferentes espesores que salen de la semilla hasta llegar a un nivel formando todos un círculo. El dibujo gira en el sentido contrario de la agujas del reloj y termina el giro completo en 7 minutos. Todo ello en alusión al cosmos y a todo lo que tiene vida, en fin, a la naturaleza. El color verde se utiliza como metáfora del concepto de vida, de lo que es orgánico.” “Los dibujos son un desarrollo del tema anterior, pero esta vez la semilla en pleno crecimiento no florecerá. La técnica utilizada es tinta china y acrílico sobre tabla.” Younès Rahmoun
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La vida sin descanso y su ansia indomable de experimentación se perciben en el amplio espectro de sus trabajos en diferentes disciplinas. La obra de Younès es, en su complejidad, una exploración no sólo de la mostrabilidad de la realidad, sino también de su perceptibilidad. El momento narrativo resulta por tanto no sólo de lo que nosotros somos capaces de reconocer en las imágenes o sobre ellas, sino de la forma específica en que ellas constituyen el sentido de la vista para el observador. Mezcla la estructura habitual de la realidad que se percibe, tanto para desorientar al observador con trucos ópticos, como también para imponerle la confrontación de la cuestión esencial de otra disposición de la constelación correspondiente. Dota a sus fuentes de una dimensión nueva, la temporal, y, les añade, además, movimiento, aunque tan ralentizado y pausado que los vídeos no pierden la perspectiva pictórica en la que están basados. De esa manera, nos ofrece la posibilidad de otra forma de observación del mundo que nos rodea. La libertad, la suerte de ser libre, de llegar a ser libre, se extiende como un leit motiv por todo el trabajo creativo de Younès Rahmoun. J.M.C.
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«BADHRA» | Vídeo/Fotograma. Música: Esden, Emiter | 7 minutos | 2007
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«BADHRA» | Técnica mixta sobre tabla | 2,5 x 1,5 m | 2008
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«BADHRA» | Técnica mixta sobre tabla | 2,5 x 1,5 m | 2008
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«BADHRA» | Técnica mixta sobre tabla | 2,5 x 1,5 m | 2008
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