Pablo López
Rossanna Huerta & Alejandro Galván
El
Victor Rivera
Green is pretty useful, too
But not as deep and dark as blue
Red like the flame that burns in you
But the hottest part of it is blue Yellow beams, its joyful power
But bite a lemon, it tastes sour
Why are humans cruel to you?
You faithful friend, you truthful blue Blue, MIKA
He esmerado mi carrera en la reescritura de la Historia del Arte y sin embargo me encuentro a mí misma escribiendo de los mismos tres hombres blancos en círculos
Tal vez, sumergirme lo más posible dentro de sus historias me permita entenderles y continuar con otras. Igualmente creo, que el reescribir consiste en voltear y reacomodar las historias de estos mismos tres hombres blancos Pablo Picasso es un personaje que me hubiera gustado evitar, sin embargo su existencia y su popularidad es real, y puedo usarla de herramienta para esta ambiciosa nueva Historia del Arte.
En junio del 2022, le dediqué un texto molesto a este artista. Hoy le dedico un texto con atención a su obra y la historia detrás de ella, en específico al famoso periodo azul.
Con mi extrema y probablemente en este caso agresiva sinceridad, los periodos de color de Pablo -azul y rosa- son lo único que vale la pena de su producción. La historia de Pablo inicia ya en un profundo entorno artístico, desde su padre quién fue su primer maestro. A sus doce años en 1892 ingresa a su primera escuela de artes en A Coruña
Tras experimentar con la pintura que seguía las marcadas tendencias impresionistas y académicas, con importante presencia del color y ligereza de la línea del siglo XIX, Pablo comienza a compartir un taller en Barcelona en 1899, en donde conoce al detonador -sin intención de hacer chistes de doble sentido- de su periodo azul, el artista Carlos Casagemas.
Ambos arrancan sus carreras como grandes amigos, viajando a París en 1900. Carlos Casagemas entonces conoce a Germaine Pichot, a quien comenzó a dedicarle una intensa devoción, sin embargo al verse rechazado por ella, toma la decisión de ir a matarla. La tarde del 17 de febrero de 1901 en el Café Hippodrome, Carlos disparó hacia Germaine fallando el tiro. El fracaso sexual, amoroso y ahora de asesinato tuvieron tal efecto en él que Casagemas dirigió la misma pistola hacia su cabeza, disparándose y muriendo en el momento. Pablo Picasso se vio profundamente afectado por el suicidien más de una ocasión intentó persuadirlo de dejar a un lado su amor por Pichot.
Tras la muerte de Casagemas, Pablo Picasso se muda definitivamente a París al estudio que compartía con Carlos, además de iniciar una relación con Germaine En su duelo comenzó un periodo de producción empapado de riqueza discursiva, técnica pictórica y profundidad psicológica, y muy probablemente un intento profundo de redención, proveniente de la adopción de la vida del difunto amigo, como propia.
El periodo azul de Pablo Picasso va del año 1901 a 1904 caracterizado -obviamente- por la obsesiva utilización del color azul, la composición de las figuras humanas en alargadas figuras delineadas con curvas extendidas, y ante todo la personificación de la desgracia, la melancolía, la pobreza en los rostros consternados de los protagonistas de cada cuadro. Durante este periodo, Pablo Picasso pintó una de sus obras que considero, contiene de las mayores riquezas de su carrera entera.
La Vida (1903) es lienzo pintado al óleo con enormes medidas (197 x 127,5 cm) ubicado actualmente en el Museo de Arte de Cleveland en Estados Unidos En él, se muestran cuatro conjuntos de personajes importantes, que podrán ser reflejo de un importante conflicto interno presente en Pablo Picasso, sin embargo, cualquier análisis verdaderamente cae en especulación, ya que el artista se negó a hablar sobre este cuadro, provocando un eterno aura de misterio. El primer conjunto será el de una mujer y un hombre apenas trazados en líneas oscuras y contrastantes ante el fondo azul, aparentemente sentados, la mujer sostiene en un abrazo al hombre que doblado por la mitad denota una terrible preocupación. Por debajo de ellos vemos otra figura femenina, sentada con las rodillas recogidas y pegadas a su pecho, dejando caer su cabeza sobre las mismas
Sin embargo, el protagonismo de la obra se lo llevan los restantes dos conjuntos de personajes, por el lado izquierdo una pareja de jóvenes de pie, una mujer
desnuda con su cuerpo a tres cuartos ante el público, sosteniéndose en un abrazo del cuello de un hombre joven semidesnudo - al cual volveremos en un momento-, que mantiene una conversación con una madre con mirada inescrutable que en sus brazos carga a un bebé.
Esta obra con un contenido importante simbólico aunque misterioso, se ha analizado en distintas ocasiones, sometiéndose a Rayos X, estudios y preguntas. Como dije antes Pablo Picasso se negó a hablar sobre esta, lo que nos deja en un juego de adivinanzas. Sin embargo, los estudios que se han realizado posterior a la muerte de Pablo,
arrojan una serie de datos que nos permiten tal vez, acertar algunas adivinanzas. Primero que nada, cabe mencionar que se trata de una obra para la cual hubieron 4 bocetos, lo que implica que Picasso tuvo un interés particular en los detalles de la pintura. En los anteriores bocetos, se alcanza a ver que el joven semidesnudo era un autorretrato del joven Pablo, sin embargo en su versión final y visible a nuestros ojos, se trata un retrato de su amigo Casagemas en compañía de su pareja imposible Germain Pichot. La obra funciona a manera de redención por la muerte de Carlos, permitiéndole por lo menos en un cuadro eterno permanecer con la amante compartida, viviendo
El periodo azul de Pablo Picasso es la historia de su petición de perdón. He hablado profundamente sobre la culpa en mis sesiones psicológicas últimamente, y si bien creo y trabajo en la idea de que la culpa es un constructo social con trasfondo religioso, considero que Pablo estaba cargando con una maleta de culpas pesada. El periodo azul no solo implica la melancolía y la tristeza de la pérdida de un amigo, la incertidumbre del inicio de la carrera de un artista, sino también la canalización de una muerte hacia la vida. Pablo Picasso convirtió el suicidio de Carlos Casagemas en una vida eterna a partir de sus pinturas, la manifestación interesante de un trauma, y el vehículo de un discurso psicológico importante. Veo entonces a un Picasso sin intenciones de vender la vida/muerte de su amigo, sino un Picasso en intentos de mantenerlo vivo.
Blue is a feminine color
Blue is deep and bold
Blue is like no other
As sacred as it's old
Blue like the ocean ' s water
But you ' re blue when it falls as rain
Blue for your sons not your daughters
Blue not for pleasure but pain
Blue, MIKA
Me pregunto sinceramente ¿Qué cambió en él más adelante en su carrera? ¿En dónde quedó el intento de perdón en sus inhumanos actos de su futuro? La historia de Pablo Picasso como artista y humano, he dicho que me es imposible de separar Su obra existe porque él lo hizo, junto con todas las cosas malas que pudo haber hecho también. Sin embargo, me parece ligeramente más rescatable hablar de este periodo, de su verdadera manifestación sin intento de capitalizar Aquí es en donde creo pertinente reescribir la Historia del Arte y pausar la historia de Pablo Picasso.
Miguel Jiménez
Los colores, matices encantadores que habitan el lienzo, con la capacidad de evocar emociones, trascender las barreras del idioma y tejer historias que llegan a formar culturas. En este texto sobre el mundo de los colores me propongo a profundizar en la sinfonía visual que nos generan, explorando brevemente su intrincada conexión con la psicología humana, con la naturaleza esquiva de su impacto emocional y finalmente a hablar sobre las vibrantes narrativas culturales que de ellos nacen.
La manera en que un artista mezcla colores refleja emociones que anidan en la experiencia humana. De manera análoga a como un compositor guía a los instrumentos hacia ciertos estados de ánimo, los artistas juegan con los colores como sus notas, por lo que cada matiz resuena con un acorde emocional distinto. Esta mezcla no es en absoluto arbitraria; la imagino como un entramado que se enraíza en la psicología humana, un testimonio de cómo las formas llegan a conmovernos profundamente.
La investigación en psicología del color nos revela que los colores tienen la habilidad de influir en nuestros pensamientos, sentimientos y comportamientos. (Elliot & Maier, 2012). En concreto, se ha descubierto que los rojos evocan emociones intensas, asociadas con la pasión y la intensidad (Mehta & Zhu, 2009). En cambio, los tonos azules nos inducen una sensación de calma y tranquilidad, invitándonos a la introspección (Palmer & Schloss, 2010). Por otro lado, los amarillos tienen una disposición radiante y soleada, levantando nuestro ánimo y generando sentimientos de felicidad (Saatcioglu & Ikiz, 2016).
Con cada pincelada, los artistas tejen una narrativa visual que toca las fibras sensibles del espectador. Así como un crescendo genera tensión en una pieza musical, un artista puede crear una obra de impacto emocional utilizando tonos llamativos y vibrantes. Es a través de una comprensión, tal vez innata, de la psicología del color que los artistas aprovechan una reserva de emociones humanas compartidas Al combinar y contrastar los colores, dan forma a nuestras emociones e infunden en sus creaciones una resonancia atemporal, capaz de hablar directamente al corazón.
Los colores poseen la habilidad de evocar emociones que desafían los intentos de descripción lingüística A pesar de la riqueza de nuestro lenguaje y nuestra capacidad de escritura, las palabras a menudo resultan insuficientes para capturar plenamente la intensidad del sonrojo de un amante o la abrazadora tranquilidad de un mar de tonos azules. En mi opinión, esto encapsula la esencia misma del arte: su capacidad para comunicar lo inefable. Los colores establecen un vínculo directo con nuestros sentidos y emociones, desencadenando respuestas viscerales e inmediatas que llegan al corazón antes de que la mente racional tenga tiempo de procesarlos
Aunque su impacto visual es universal, los colores trascienden los confines de un léxico singular; se adaptan a una gama diversa de significados mientras son transformados y a su vez transforman las culturas que entran en contacto con ellos. Este prisma, donde los colores mutan en símbolos distintos, teje un tapiz de interpretaciones que se despliega de manera única en diferentes culturas Tomemos, por ejemplo, el color blanco, un tono que encarna la pureza y los nuevos comienzos en una cultura, mientras que en otra adquiere el manto solemne del duelo y la pérdida.
Las connotaciones de los colores están arraigadas en la historia y las tradiciones culturales, moldeadas por experiencias y creencias compartidas (Ou et al., 2014). En algunas culturas, el rojo puede simbolizar suerte y prosperidad, mientras que, en otras, se relaciona con precaución o peligro (Cohen & Cohen, 2019). De manera similar, el color verde podría representar fertilidad y crecimiento en un contexto, pero evocar envidia o enfermedad en otro (Frank et al , 2013)
Cuando un artista aplica su pincel a un tono específico, se sumerge en un repertorio de significados culturales, superponiendo su obra con el intrincado tapiz del simbolismo compartido. Esto testimonia la capacidad del arte para erigirse como puente entre culturas, involucrando a los espectadores en emociones y significados que trascienden sus perspectivas individuales. A través de los colores, el arte comunica emociones que van más allá de las palabras, resonando con el núcleo de nuestra humanidad compartida.
Referencias:
Elliot, A. J. y Maier, M. A. (2012). Psicología del color: Efectos de la percepción del color en el funcionamiento psicológico de los humanos. Revisión Anual de Psicología, 63, 69-99.
Frank, M. G. y Gilovich, T. (1988). El lado oscuro del yo y la percepción social: uniformes negros y agresión en los deportes profesionales. Revista de Personalidad y Psicología Social, 54(1), 74-85.
Mehta, R. y Zhu, R. J. (2009). ¿Azul o rojo? Explorando el efecto del color en el desempeño de tareas cognitivas. Ciencia, 323(5918), 1226-1229.
Matisse, H. (1905-1906). La alegría de vivir (Óleo sobre lienzo). Fundación Barnes, Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos.
Matisse, H (1905) Mujer con sombrero (óleo sobre lienzo) Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco, California, Estados Unidos.
Matisse, H. (1905). La ventana abierta (Óleo sobre lienzo). Galería Nacional de Arte, Washington, D.C., Estados Unidos.
Ou, L C , Luo, M R , Woodcock, A y Wright, A (2014) Un estudio de la emoción del color y la preferencia de color. Parte I: Emociones de color para colores individuales. Investigación y aplicación del color, 39(3), 276-283.
Palmer, S. E. y Schloss, K. B. (2010). Una teoría de la valencia ecológica de la preferencia de color humana Actas de la Academia Nacional de Ciencias, 107(19), 8877-8882
Saatcioglu, B. e Ikiz, F. E. (2016). El efecto del color en la cognición consciente e inconsciente. Psicología actual, 35(1), 120-126.
Cada mañana pienso en el fin de la tarde, los colores de la tarde inundan la casa, y yo me pierdo en el reflejo del azulejo azul del piso De pequeño soñaba con la luz apagándose dentro de una crisálida de ajo que se asomaba por la ventana de aquella puerta de madera Misma que un día se partió y cuyo interior mostró colores que jamás había visto, aquella reflexión de luz no hizo más que causarme un momento de reflexión, ¿Cuántos colores más no he visto?, pronto el cielo fue abierto y el rosicler me enseñó que allá arriba hay colores lejanos y, sin embargo, experimentables.
La urbe nos sorprende siempre, en la grieta junto a la coladera por la que camino a diario crece un diente de león, mi propio sol dentro de una aquella abertura que no dejaba de recordarme que yo también me quiebro, pero que en esos momentos florezco.
Cada mañana pienso en el fin de la tarde, no porque quiero que el día acabe, sino porque sus colores lo inundan todo.
Pronto comprendí que no solo eran los ojos los que me permitían contemplar, un día comprendí que podía sentir con mi cuerpo.
La textura rasposa que reposa en la corteza de los árboles, los pequeños picores en las palmas después de tocar las hojas de los arbustos, la naturaleza tiene para nosotros un sin fin de enseñanzas si nos paramos un instante. Una caricia pequeña en la mano es un momento de intimidad, un descanso del dolor, las caricias de la tarde son inundadas por sus colores, el reflejo en el rostro, el brillo de los ojos, mi reflejo en los ojos, sus ojos en mis ojos.
Los colores de la tarde que nacen de aquella cuenca inundan la casa. Su reflejo en el azulejo azul del piso. Los sabores se combinan a la vez que se expresan en aquella mordía, el color de la tarde tapando cual mantel la mesa de madera, sentir los sabores, la contemplación de aquel desbordamiento de experiencia dentro un pequeño espacio y casi a manera de ley universal, el fin
Hoy puedo sentirte en la mañana, el calor del sol es tu abrazo, el frío que me hace tiritar es tu abrazo, hoy siento que te veo en el color del cielo y sé que estás en las flores que nacen en los peores lugares, florezco, te siento cada vez más cerca, con cada día escucho tus pasos danzando con el viento, en un mundo al filo del agua.
Entonces el fin que atestigua el inició, el tiempo se detuvo, todo aquello sentido desde aquella mariposa, cada sabor, textura, latido, sonido, vida, se envolvió dentro de un germen en la memoria, el cantó de un ave, el sonido armonioso cual acorde de tu respiración, la síntesis de una vida breve en la risa.
Ya lo dijo Huidobro, el mundo está amueblado por tus ojos , ya lo dijo Lope ¿Qué tengo yo que mi amistad procuras? , también lo dijo Garcilaso cuanto yo escribir de vos deseo; vos sola lo escribisteis; yo lo leo y también lo dijo Gamboa ruega por nosotros
Cada mañana pienso en el fin de la tarde, los colores de la tarde inundan la casa, y yo me pierdo en el reflejo del azulejo azul del piso. De pequeño soñaba con la luz apagándose dentro de una crisálida de ajo que se asomaba por la ventana de aquella puerta de madera.
Ahora, aún más pequeño, siento sobre mi piel aquellos tonos, mis ojos parpadearon en pares cuando inundaste con tus colores todas mis tardes
Desolado, amargado, bíblico e incluso un poco barroco, así describiría la pintura de Alejandro Galván. Incluso lo podemos comparar un poco con los jardines de las delicias del Bosco. Galván es un jóven artista mexicano que centra su plástica en la representación de lo olvidado; de la periferia de la sociedad. Hay cierto carácter dentro de su estilo que nos hace descubrir un nuevo detalle cada ocasión en la que podemos observar la pieza. Recomendamos darle varias leídas a sus obras para encontrar varios diálogos entre los elementos e imágenes presentes. Galván no sólo produce momentos para que el marginado pueda hablar dentro de la élite sino que logra que se analice sin una mirada exótica casi fetichizante
Alejandro nos presenta su nueva exposición Carne de Ataúd, una serie de dibujos que sin duda nos dejarán sin palabras:
Carne de Ataúd es una serie de dibujos de pequeño, mediano y gran formato realizados con técnica mixta sobre madera imprimada que se nutre de diversos recursos visuales tomados del cotidiano y la memoria reciente de las periferias de la Ciudad de México y otras regiones.
En esta serie, las imágenes de la nota roja nacional y otros elementos hemerográficos que aluden a tragedias locales ocasionadas por o desbordadas ante la negligencia institucional se superponen con iconografía de la catástrofe tomada de la historia reciente de occidente (el Holocausto, la Guerra Civil Española, el conflicto en Medio Oriente, Chernóbil, por mencionar algunos).Lo anterior sucede sobre un paisaje que, sin importar la latitud, es reiterativo: hacinamientos humanos de una precariedad angustiosa que fueron ignorados hasta que por una u otra razón tuvieron que explotar, porque para ciertas geografías la vida parece servir, únicamente, para contar y contabilizar la muerte.
El título de este proyecto es una referencia directa a la novela homónima del escritor mexicano Bernardo Esquinca y la guía con un ánimo similar. En la novela un periodista sigue los pasos de una bestia que atemoriza la Ciudad de México dejando tras de sí muertes incontables, anunciando una suerte de apocalipsis, el fin de una era, o la apoteosis del caos. Así, además de hacer alusión a quienes se convirtieron (y siguen convirtiendo) de cara al descuido y la ignorancia en Carne de Ataúd, el título retoma también la dimensión conceptual de la novela Aquí también lo fantástico se incorpora a lo histórico, la ficción-terror se traslapa con la realidad-horror, pues los protagonistas de estas obras son también una serie de quimeras, a medio camino entre las bestias mitológicas y los símbolos nacionalistas, que imponen su presencia en estos pasajes del trauma humano; como si dando a cada infierno un guardián, el tiempo y las vidas perdidas cobraran algo de importancia, o porque un monstruo paciente, hambriento y previsor no está nunca demás en un escenario en ebullición en el que los vivos se tornarán muy pronto en alimento. Así, los dibujos que forman parte de la serie Carne de ataúd se proponen como una suerte de flashback eterno que coloca sobre un mismo plano la historia de la tragedia, la cotidiana y la histórica, de una única raza: la humana, aquella que hizo del sacrificio el lema de la vida y de la muerte una accidental diversión.
A lo anterior se suman referencias de la cultura popular, el cine, el black metal, las historietas del Libro Vaquero, y algunos guiños a los modos en los que la información y la imagen circulan, se inscriben y se olvidan en el mundo digital
Desde el inicio de mi carrera la mezcla de la imaginería religiosa y mitológica, con la gráfica popular, y las epopeyas apocalípticas contadas mediante tiras cómicas y series animadas, a la par que recursos tomados de mi contexto inmediato (nací, crecí y sigo viviendo en Nezahualcóyotl, Estado de México) han sido un interés recurrente. El resultado de esta amalgama son algunos de los dibujos que incorporó a esta convocatoria Sin embargo, dando siempre la cara a mi realidad, hoy encuentro que la narrativa de esas obras es insuficiente.
Así, Carne de Ataúd se vuelve una serie pertinente dentro de mi cuerpo de obra pues responde a la necesidad personal de encontrar, reformular y dimensionar con justicia los medios de representación a los que creador y espectador tienen acceso desde un espacio periférico como el que habito ¿Cómo podemos incorporar en la narrativa global los episodios más propios y singulares de nuestra historia? ¿Cómo podemos, a partir de ahí, darnos cuenta que nuestros traumas y sufrimientos son comunes, y que quizá la solución y superación de los mismos es también un camino que hacer en conjunto?
grupo de gente con “otra” historia, una que se parece mucho, en esencia, a la de otros en otras geografías, e incluso a la de otros tiempos. Ninguna historia debe ser perdida, ignorada, ni tampoco ser un recurso para la autoinmolación, la lástima y el pobre agenciamiento político. Esta serie responde también a una época global de crisis en donde creo que el artista, devorador visual por excelencia, debe volver a mirar lo que hemos visto mil veces y apuntar hacia el punto ciego de la imagen, a lo que se esconde como un secreto bien guardado... Tal vez así, los episodios que dieron origen a esta serie no vuelvan a suceder. Lo que olvidamos no se olvida. Nos persigue. Por eso todas las historias deben ser contadas Revisadas. Todos los traumas deben ser tratados. Atendidos. Todos los infiernos deben brotar y en las llamas quizá algún oráculo en algún tiempo vislumbrará una respuesta.
No somos ni “los olvidados”, ni “los marginados” de ningún lugar, somos un
Por otro lado, pareciera que para ciertos individuos el dolor, la muerte y la desgracia fueran el único medio para que su carne quede inserta en una narrativa que se inscriba en la “historia”. A diario los periódicos mexicanos se infestan de imágenes que fetichizan el sufrimiento y la violencia sin darle su justa importancia, a veces ni siquiera queda espacio para entender el dolor del que está unos kilómetros más lejos. El trauma aparece aislado, se vuelve trivial. ¿Y mañana? Otrx(s) muertx(s). Así, esta serie presenta también un cuestionamiento relevante respecto al tratamiento que se le da a este tipo de imágenes en los medios de comunicación impresos y digitales, a los modos de consumo y capitalización de la miseria y la tragedia propias y ajenas. ¿Cómo podemos, todos, “responsabilizarnos” de estos hechos, y cuidar que no sucedan? Las instituciones quizá no tienen las respuestas, pero es peor que los ciudadanos no generemos preguntas. A esta serie la guía un cuestionamiento principal: ¿Qué sucede con las heridas abiertas de un pueblo que de por sí pasa el día lamiendo sus costras?
¿Quién es Alejandro?
Alejandro Galván (México, 1990). Egresado de la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado ENPEG La Esmeralda, su práctica se centra en el dibujo y la pintura, amalgamando paisajes de desolación, deterioro y descuido de la periferia de la Ciudad de México y otros márgenes globales, con la padecería gráfica recolectada de la nota roja, retratos de su familia y vecinos, los fantasmas invocados de la pintura de caza del barroco, bestiarios medievales, el realismo norteamericano del siglo XX y la imaginería católica.
Todo esto se funde para crear una nueva narrativa a partir de las imágenes recolectadas, donde presente y pasado son redimensionados.
Su obra tiene algo de bíblico, de apocalíptico, de anhelo de nuevo mundo, de muestrario del fracaso de éste. Es un testimonio vivencial que, convertido en obsesión, conforma un imaginario alterno constituido por el abismo que reina en las periferias de la ciudad
Esta mirada también ha conducido su búsqueda participando directamente dentro de estas latitudes, a través de programas de identidad y fomento cultural dirigidos a niños en situación de vulnerabilidad, impartiendo talleres en el Estado de México.Ha participado en diversas exposiciones colectivas como “Diálogo abierto: San Carlos/ La Esmeralda”, “Desplazamientos”, “Megalópolis” en la galería Pablo Goebel, “Crater” en Galeria Secreta, “Reject” en Gama Galería, “Carne de ataúd” en PRPG, entre otras. Su obra ha estado presente en espacios como el Centro Nacional de las Artes y la biblioteca Vasconcelos y en distintos lugares de la república.
Formó parte del programa Jóvenes Creadores del FONCA 2020-2021, también forma parte de la selección Young Mexican Prize 2020 promovido por UK Mexican Art Society en Londres Inglaterra En 2021 es invitado por No Man ś Art Gallery a realizar una residencia en Ámsterdam, Países Bajos, culminando su estancia con su primer solo show “Lejano de todas partes” dentro del Amsterdam Art Week 2022. Ha sido invitado para participar en distintas ferias de arte dentro de la Semana del Arte en México como la 9na edición de Salón ACME 2022 y Zona Maco 2023, nombrado en ambos eventos como una de las mejores propuestas según ARTNews.
Contacto:
glvnalejandro@gmail com
@galvanalejandroart
Mi problema con cada texto que escribí fueron los diálogos, me parecían absurdos, nunca suficientes. Me presenté en todos los recintos como Alejandro Vallarta, compositor, narrador, cronista, director y escritor para cualquier expresión artística que se conociera hasta la fecha. Yo fui todo lo que mi generación esperaba: aquel que portó la pluma y el cuaderno de grandes cartógrafos literarios, el lente de insuperables matemáticos cineastas y la voz cantante de estrambóticos genios musicales. Fui yo, en resumen, el pionero de una nueva utopía de genios.
A los seis años terminé mi primer poemario, una reinterpretación de las estaciones del año a través de los estudios sobre la música de Vivaldi. Increíble cómo algo que realicé como respuesta a las absurdas enseñanzas de la imberbe profesora Leticia me facilitaron una beca para ingresar al instituto Miroslav Schweinsteiger, la academia alemana más prestigiosa en México. Por supuesto, me convertí en el alumno más joven en ingresar.
Para la secundaria, me di cuenta de que podía hacer todo lo que yo quería. Tenía un talento innato para dejar que mis obras hablaran por sí solas, podía pintar un cuadro, el que fuera, a una velocidad impresionante. Nadie en el instituto tocaba los minuetos de Bach en el clavecín de una manera tan perfecta que el propio Johann Sebastian se hubiese sentido humillado.
No obstante, a los diecisiete años supe que, de hecho, sí había algo que no podía lograr. Mi familia hasta ahora no había hecho falta mencionarla , que poco entendía sobre mí y mis aptitudes artísticas, era una distracción para mí. Cuando debía estudiar, me llevaban a la casa de mis abuelos en León, Guanajuato. Como todo el que ha vivido ahí sabrá que no hay mucho por hacer y,
o confieso, si no fuese por mi insuperable capacidad de retención de información habría olvidado cada minuto que pasé en esa casa.
La noche del 23 de agosto del 2023, mi abuela me preguntó qué tipo de obras estaba escribiendo recientemente y yo, a sabiendas de que jamás podría entender la complejidad de mis textos, le comenté sobre mi intención de homenajear la obra de Beckett, explorando la complejidad del ser humano y su necesidad por arraigarse a la idea de trascendencia por medio de un ente superior, le comenté que mi obra partía desde el solipsismo y se afianzaba a la idea de que la muerte no es el fin, pues incluso nosotros no podíamos afirmar que estábamos vivos, comiendo en esa mesa, por lo que la premisa de que había un punto de partida quedaba inmediatamente descartada.
Como era costumbre, las personas con las que me sentía atado debido al parentesco sanguíneo fingieron haber captado la esencia de mis palabras y como si alguna vez hubieran encontrado la belleza que hallé a los cuatro años leyendo el soliloquio de Segismundo. Así, con la mayor ignorancia, con la inocencia de un niño que descubre sus primeros pasos, mi abuela me preguntó algo que a la postre significó mi ruina:
—Mijito, ¿por qué en tus obras nunca platica la gente? —Dijo.
Solté mi cuchara, me quedé helado. Me dejó desarmado.
Porque… Dije sin saber cómo completar la frase.
Sí, es cierto, Alex, ¿por qué en tus cuentos tampoco hablan los personajes entre sí? Agregó mi prima Juliana.
No podía creerlo. La persona que había parido a mi madre, como toda una estratega, me arrinconó, me lanzó un dardo envenenado y, precisa, dio justo en mi talón. Me hallé solo frente a mi audiencia, desarmado, sin saber qué contestar. Yo, que hasta el momento había tenido todas las respuestas, que nunca había sido cuestionado por nada, tenía ganas de llorar.
Luego de unos días, me convencí de que componía todo pensando en un “ yo ” , debido a que la mayoría de las personas no sería capaz de entender lo que decía si agregaba más personajes a mis textos. Entonces todo lo que yo escribía se basaba en un camino solitario, en un encuentro consigo mismo, con relaciones superficiales que obedecían a un hombre que estaba solo en el mundo, no por elección, sino por su incapacidad de comprender su entorno.
Me dio asco pensar que fabriqué, durante años, textos que obedecían al pie de la letra al Modelo Actancial de Greimas Sí, había cocinado cuentos que hablaban sobre cómo escribir más cuentos. Puestas en escena que no alcanzaban la
experiencia catártica. Me parecía que esa palabra, “catártica”, comenzaba a remitirme a su uso médico de “acelerar la defecación”. Apúrate con el texto Me decía para mis adentros.
Este encuentro conmigo fue un parteaguas, pues pronto me fue alejando de los cuentos, las novelas y de cualquier cosa que no representara un desafío para mi maestría. Luego también me fui alejando de la música, porque tampoco se podía usar la palabra hablada salvo para la vulgar y chocarrera música que escuchaban otros de mi edad No valía la pena desperdiciar mi talento en drammas giocosos que nadie aquí apreciaría. Después lo fui dejando todo y para los veintisiete años me seguí presentando en los recintos como el mejor compositor, narrador, cronista, director y escritor, músico y cineasta de mi generación. No obstante, cuando me pedían un trabajo, les decía que el teatro se había convertido en el único reto que me quedaba. Lo irónico es que, cuando me pedían una obra con diálogos, siempre ocurría la misma cosa: que no me entendían.
Es que, ¿por qué si tu personaje es un cartero utilizaría palabras como arisco, tumefacto, vesania y languidecer en la misma oración? Me dijo el tipo ese de aquella puesta en escena en Coyoacán. Él, pobre, ¿qué sabía de la vida si venía de una familia acomodada cuyo capricho del mes fue formar una compañía, jugarle al productor, convencer a los de aquella marca de jugos para patrocinar el showcito, que para colmo el público eran sus mismos amigos, conocidos que querían su dinero y, por supuesto, familiares de los actores, que también vivían de otra cosa?
Así, luego de haberme cruzado con todos los ineptos del medio, decidí colgar la pluma y retirarme dignamente, como el mejor que mis contemporáneos han conocido. Lo cierto es que nunca se me ha dado el reconocimiento que merecía, pero a mis treinta y ocho años, aún me dedico de cierta forma al arte. Logré convencer a otro de esos imbéciles que trabaja para una televisora que anteriormente era del gobierno. Bastó con recitar de memoria “Amor constante, más allá de la muerte”, para que él mismo me ofreciera trabajar conmigo. Mi horario de trabajo se resume en salir cuatro horas en televisión todos los domingos. Me dedico a criticar las actuaciones de un grupo de veinte ilusos competidores y a recitarles mi breve trayectoria semana a semana. Sin embargo, el otro día me preguntaron qué pensaba sobre la composición en los diálogos entre dos de los participantes Me quedé frío y por supuesto, llegué a escribir esto. Mañana mismo presento mi renuncia.
Si te interesa participar en la revista deberás tomar en cuenta los siguientes lineamientos :
Todos los manuscritos u obras deberán ser enviadas al correo oficial de Catártica, con su traducción correspondiente al inglés o al español
Todos los trabajos recibidos serán sometidos a revisión por parte de los miembros de Catártica para su selección y publicación.
Si el editor lo cree pertinente podrá realizar cambios y correcciones en la redacción y el estilo de los manuscritos.
El archivo deberá seguir el siguiente formato:
Microsoft Word
Tipo de letra Arial
Tamaño de letra en doce puntos
Los márgenes superior e inferior deberán ser 2 5 centímetros y 3 centímetros el izquierdo y el derecho.
El interlineado deberá ser de 1.5
Las imágenes e ilustraciones deberán estar citadas en formato APA y además de enviarlas en el archivo, adjuntarlas en formato JPG, PNG o PDF
1.@catarticarevista
catarticarevista@gmail.com
Dirección General María Inés Flores Nachón maines flores@live com
Subdirección y Diseño de Portada Antonella Guagnelli Cuspinera antonella guagnelli@gmail com
Publicidad y Relaciones Públicas Joselin Santos Portilla
Diseño Editorial Junuen Caballero Soto junuen caballero@gmail com Sara Valeria Puch Ramos valeriapramos2106@gmail com