CELULOIDE DIGITAL - AGOSTO 2013 by Celuloide Digital

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SHOT ‘Tom at the Farm’ - Pág. 05 FLASH FORWARD ‘Elysium’ - Pág. 07 EN PANTALLA ‘Pacific Rim’ - Pág. 09 OUT ‘I Killed My Mother’ - Pág. 13 VISIÓN EN 8 MILÍMETROS ‘Evil Dead’ - Pág. 15 DÉJÀ VU ‘¿Quién puede matar a un Niño? / Juego de Niños’ - Pág. 17 EL OTRO CINE ‘Cronos’ - Pág. 19 CRONOS: CLÁSICOS DEL CELULOIDE ‘El Acorazado Potemkin’ - Pág 21 REALIDAD MATA FICCIÓN ‘Phonography’ - Pág. 23 CIERTA FICCIÓN ‘La próxima estación’ - Pág. 25

#1 KICK-ASS 2 Qué comience el juego p#70$ - Pág. 27 #2 BEFORE MIDNIGHT El Amor según Linklater - Pág. 33 #3 ONLY GOD FORGIVES Es hora de conocer al Diablo - Pág. 37 #4 THE BLING RING La Cultura de la Obsesión - Pág. 41 #5 HELI ¿Arte vs. Violencia? - Pág. 45 CARTELERA La oferta fílmica de agosto - Pág. 49

CINE EN CASA Novedades en formato casero: ‘Stoker’ - Pág. 57 Recomendaciones para rentar: ‘Eva’ - Pág. 59 Material de Colección: ‘Operación Dragón’ - Pág. 60 PANTALLA CHICA Cine en TV Pág. 61 TEASER Avance del próximo número- Pág. 62

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Ilustración digital: http://reksdark.deviantart.com/

Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Sweet Bloody Dreams Mauri Rafael Mejía J. Amaro Bautista Alicia Gutiérrez Eric Ortiz Julio Nuñez Marquez Pablo Peñalver Silvia Ruvalcaba Siniestro Sexual Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras. Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se

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Recientemente se dio a conocer la primera imagen oficial del nuevo filme del director canadiense Xavier Dolan, así como el primer cartel con el que se promocionará la cinta en Muestra Internacional de Arte Cinematográfico en Venecia, donde tendrá su premier mundial y competirá por el premio principal de la Bienal. En esta nueva cinta, Dolan ofrece un relato que gira en torno a un hombre devastado que acude a una granja al funeral de su amante donde conoce a su familia y descubre que ésta desconocía su orientación homosexual, ya que incluso, tenía otra pareja: una mujer. www.facebook.com/celuloidedigital

o puedo iniciar el artículo de este mes sin darle mención especial a Sector 9 (District 9), aquella película del año 2009 en la que su director Neill Blomkamp nos deleitó con una historia increíble: el cómo adaptar a los alienígenas con un toque sociopolítico bien desarrollado, en el que unos seres de otro planeta llegan a la Tierra y los humanos los tienen en cautiverio para ser explotados por un grupo de mafiosos sudafricanos que les 'catafixiaban' comida de gatos por armamento alienígena. ¿Por qué empecé con Sector 9? Pues por la sencilla razón de que es el mismo director que la cinta que hoy nos ocupa; los alienígenas de su filme anterior tienen características muy similares a las de los robots que salen en Elysium; las naves también lo son y la apariencia de la Tierra es muy similar al sector donde tenían confinados a los extraterrestres.

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¿Qué podemos esperar de esta película? Pues el aspecto sociopolítico se vuelve a retomar en esta película, el sueño de ser 'elegido' para poder vivir en esta ciudad construida en el espacio en la que no existe el hambre, las guerras, ni la enfermedad; un lugar en el que sólo los privilegiados pueden estar, mientras que en la Tierra los 'no elegidos', viven en un mundo caótico, sucio y a expensas de las maquinas, trabajando jornadas largas sin recibir más que lo justo, siendo esclavos de los mismos robots que ellos mismos arman. Aquí vemos a Max (Matt Damon) un hombre rebelde, renuente a obedecer y tratando de buscar un mundo mejor, que tiene a un amigo llamado Julio (Diego Luna) que lo ayuda para poder cumplir su objetivo. Vemos a una Jodie Foster interpretando a Delacourt, una mujer dura, recia, que a cualquier costo es capaz de proteger a los habitantes de este 'Paraíso No Terrenal'. Con un presupuesto muy superior con el que conto al realizar Sector 9 y un excelente elenco, vemos un increíble trabajo de diseño de arte, más efectos especiales y una muy buena historia que nos puede crear conciencia de a lo que estamos llegando, el cómo cada vez acabamos con el planeta y el poder sólo está concentrado en manos de algunos cuantos. Como breviario cultural, y quizá es parte de lo que me duele, es necesario señalar que varias escenas de esta película fueron filmadas en México, para ser más exacto en ciudad Neza en el Bordo de Xochiaca, donde la pobreza se hace notar y no tuvieron que agregar nada más; esperemos que esas escenas no sean borradas o quieran vetar la película como le sucedió con Sector 9.

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as historias de ciencia ficción sacuden nuestra cotidianidad y hasta nuestra inteligencia, nos hacen pensar en escenarios no imaginados, en criaturas extrañas y hasta en los planes de contingencia para estos. Así es Pacific Rim de Guillermo del Toro, una historia monumental, por las dimensiones de los robots que se emplean y por la destrucción masiva que los invasores generan. No es la primera vez que un relato nos adentra a las aguas marinas para detener a los exterminadores humanos, ya conocíamos “20,000 Leguas de Viaje Submarino”, de Julio Verne y “Godzilla”, 1954; incluso “The Lost World”, 1997. Tampoco es la primera en mostrar una tecnología avanzada que busca equipararse con la de sus oponentes, para lo cual requiere de un hombre y un robot (“Mazinger Z”, 1972; “Voltron”, 1984; “Aliens”, 1986; “Matrix Revolutions”, 2005). Sin embargo, es la primera en donde los pilotos de la máquina deben someterse a un proceso de conexión neuronal que logra movimientos en el robot como si fueran de su propio cuerpo. El argumento base cuenta de monstruos alienígenas que llegan a los asentamientos humanos desde un puente dimensional, al fondo del Océano Pacífico, en busca de reconocer las debilidades de los habitantes de la Tierra, para poco a poco atacar hasta apoderarse del planeta. De ahí que se estudiara su comportamiento de ataque, sin lograr datos más concisos basados en su ADN o en algún ejemplar vivo, debido a su tamaño.

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Ciertamente los aliens a que estamos acostumbrados (excepto el Octavo Pasajero), tienen tamaños más bien adecuados para ser enfrentados, cuyas formas animales (cuando así lo son) no pasan de lucir como insectos extraños, chupacabras o humanoides. Pensar en grandes tamaños no es la costumbre y mucho menos imaginar el uso de la tecnología en enormes aparatos que pueden ser no sólo manejados, sino tripulados por humanos y hacerles ver su suerte. Por supuesto, se hace énfasis en la tecnología, tanto en los materiales como en los programas cibernéticos que podrían echar a andar los distintos modelos de robots, que si bien no lucen tan estéticos como en “Real Steel” (2011), suponen una movilidad y fuerza superiores a lo conocido, además de que sólo pueden ser manipulados desde adentro, con las habilidades propias de los militares modernos, pero más bien, concebidos como guerreros de nuestro siglo, pues también la disciplina y amor por la causa son parte integral de su personalidad. De ahí que los pilotos jaegers sean unos cuantos en todo el mundo, apenas abasto suficiente para los kaijus que emergen cada vez con más frecuencia. Estos, siguiendo un poco la cultura gojira, lucen como extrañas mezclas de dinosaurios y animales actuales, cuya ferocidad es innegable, además de su fuerza y su capacidad anfibia para andar por las calles, causando pánico y desorden.

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El concepto de la imagen es definitivamente actual, pero con los tonos azules y grises pareciera darle el toque futurista. Los uniformes y la ropa de entrenamiento, logran el contraste del episodio en que se encuentra el personaje: entre la tierra y el jaeger-espacio, que no es otro sino la cabina del robot y la mente compartida de su copiloto. Como en todas las películas de Guillermo del Toro, hay personajes que resaltan del común, ya sea como criatura fantástica o, como en este caso Hannibal Chau, interpretado por su colaborador desde antaño, Ron Perlman, personificando con sátira a un contrabandista más bien latino: exceso de accesorios que denotan fortuna y poder económico sin gusto alguno, pero con derroche de elementos exóticos como molduras de oro, ropa brillante de colores chillantes, las botas con piel de animales extintos y sombrero de acaudalado petrolero tejano. Por otro lado, del Toro trabaja muy bien con niños y en este caso, la historia de la pequeña Mako nos remonta a su recurso por explorar los miedos infantiles utilizados en Pan's Labyrinth, Don't be afraid of the Dark, El orfanato y Mama. De hecho, el uso del momento traumático que la llevaría a convertirse en una piloto jaeger resulta aún más emotivo que la separación de padre e hijo o entre hermanos, acaecidos en batalla. Por lo mismo, el que sea una chica tan preparada y centrada en su labor, pero al mismo tiempo vulnerable ante el recuerdo o el incipiente enamoramiento, encaja con el tipo de heroína que cada vez se afianza más en la industria fílmica mundial (un logro de “Lola la Trailera” (1983), sin duda alguna).

Por su parte, la ambientación austera a la usanza de los bodegas industriales, deja esa sensación de frialdad ante un fin del mundo cercano, pero da lugar al sarcasmo y algunos chistes que fueron incluidos en el largometraje, seguramente lo que le hace más llevadera, luego de los enfrentamientos entre monstruos y robots que verdaderamente llenan la pantalla con espectaculares movimientos tipo lucha libre, algo más que debe agradecerse: ese uso racional de las posibilidades de una máquina contra un ser vivo, independientemente de los cerebros que estén involucrados en la lucha. Una entretenida proyección de héroes, mártires, salvadores de nuestro mundo; de gigantes de acero y energía nuclear permitida; un escenario de grandes proporciones que nos recuerda lo pequeños que somos como individuos, pero al mismo tiempo valora esa chispa que nos mueve a estar vivos y que puede relucir en un acto de valentía en pos de ayudar a nuestros semejantes. Guillermo del Toro nos lo recuerda, mostrando que con un robot, es mucho más notorio.

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on tan sólo 24 años, el canadiense Xavier Dolan se ha consolidado como uno de los directores más prometedores de la escena indie canadiense; este mes, el cineasta presentará su nueva película Tom at the Farm (Tom à la ferme) en el Festival de Cine de Venecia, en donde competirá por el León de Oro junto a directores como Terry Gilliam, Hayao Miyazaki, Stephen Frears, entre otros; es por eso que nos parece la ocasión perfecta para hablar de la primera película de este jovensísimo director que ha logrado colocar todas sus propuestas cinematográficas en los festivales más renombrados a nivel mundial (sus tres cintas anteriores a Tom à la ferme fueron exhibidas en Cannes). I Killed my Mother (J'ai tué ma mère) lleva como título su ópera prima estrenada en 2009, el filme narra la historia del joven Hubert (el propio Dolan) y los conflictos que tiene con su madre (Anne Dorval) con la que vive desde que se separó de su padre hace ya algún tiempo. Desde una perspectiva semiautobiográfica, según ha confesado el canadiense, el filme explora la relación del adolescente protagonista con su madre, desde que comienza por pequeñas irritaciones hasta que, poco a poco, se va generando en él un verdadero odio visceral hacia su madre, pues todo en ella le resulta irritante y reprochable, desde su pasividad extrema, su manera de comer, su comportamiento vulgar (según él) y su horrendo gusto para vestir; la ya de por sí difícil convivencia se vuelve aún

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más tensa cuando la madre se entera que Antonin (Francois Arnaud), al que creía un simple amigo de Hubert, es en realidad su novio y cuando, para tratar de corregir el rebelde comportamiento de Hubert, decide cambiarlo de colegio. Con ideas muy claras y una creación de personajes atractivos con los que uno se puede identificar (sobre todo los adolescentes), Dolan dio muestra también de sus enormes virtudes en los terrenos técnicos con las marcadas características que han marcado su cine, pues con tan sólo 19 años -a los 16 escribió el guión- ofrece una cinta visualmente atractiva a través de secuencias en cámara lenta que remiten al cine de Gus Van Sant o Wong Kar-wai (por sus encuadres), una sobrada estética pop-melodramática-kitsch estilo Almodóvar (por la combinación de estilos visuales, colores y texturas) y una musicalización perfecta que no le pide nada a los filmes de Tarantino (porque parece que cada canción que ha elegido para musicalizar una secuencia fue ex profesamente realizada para ese fin) . Aunque dista mucho de ser perfecta, I Killed my Mother resultó una ópera prima destacable por la juventud de su artífice y provocó gran expectación en sus proyectos subsecuentes, sobre todo porque, al ser su primer filme, sobresale como una historia sobre la etapa de la adolescencia, en la que se vive con sentimientos de miedo, odio, soledad y amor.

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l esperado remake de The evil dead (Sam Raimi, 1981), indispensable obra de horror de bajo presupuesto, llegó con una sentencia escrita con letras grandes por todo el poster: “La experiencia más aterradora que vas a vivir” –aunque no lo es, dado que existen cosas como Martyrs (Pascal Laugier, 2008), en mi opinión el filme más “aterrador” del nuevo milenio. El festín gore que Fede Alvarez ofrece es una de las cintas de horror más satisfactorias de los últimos años. Como Eli Roth con sus padrinos Quentin Tarantino y Peter Jackson, el joven uruguayo Alvarez llegó con el respaldo de Raimi y Bruce Campbell (Ash en la película original) y sin mucha experiencia, Evil dead es su primer largometraje. Alvarez no es la decepción que Eli Roth fue con Cabin fever (2002) y Hostel (2005), y sin duda su próximo proyecto que al parecer es Evil dead 2, luce instantáneamente atractivo.

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Los elementos en la trama cambian, la hermana del hipotéticamente “nuevo Ash” –que resulta ser interpretado por un actor demasiado juvenil– sufre de una severa adicción a las drogas. Todo parte de su nuevo intento por rehabilitarse… en una cabaña en medio del bosque, ciertamente. La transición se siente natural y sin duda funciona: los amigos de la chica, así como su hermano, piensan que los cambios un tanto sobrenaturales que está sufriendo (ya se imaginan qué tipo de cambios) son simplemente reacciones por la abstinencia. Obviamente, nosotros sabemos qué significan esas escenas con la cámara moviéndose rápidamente entre el bosque. Parte de esa divertida vulgaridad de la original también se hace presente. Existen algunos momentos de humor negro puro, listos para ser apreciados por los fans de Raimi. Los personajes sufren y vuelven a sufrir y des-de nuestro punto de vista todo luce doloroso; es una cinta basta en mutilaciones. En la premiere hubo un par de personas que abandonaron la sala, así que la cuestión es muy simple: si te gusta el cine sangriento, Evil dead no te decepcionará por falta de gore. Es rápida, entretenida, y tiene un emblemático clímax con sangre literalmente por todos lados, obscenidades, y la clásica sierra eléctrica.

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om y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que están a la espera de su tercer hijo; con siete meses de embarazo de Evelyn, ambos llegan a la región española de Benavis con la idea de vacacionar por un par de semanas en la serena isla Almanzora, a la cual parten a la mañana siguiente y a la que Tom no visitaba en muchos años. A su llegada a la isla, son recibidos por un grupo de niños quienes los acogen amablemente e incluso les ayudan a sujetar su pequeño bote al muelle. Pero poco después, la pareja se da cuenta que algo raro sucede en la isla, pues no hay ningún rastro de algún adulto; además, las casas y pequeños comercios como restaurantes o tiendas parecen haber sido abandonadas súbitamente, pues en algunas de ellas los televisores y las maquinas para rostizar pollos parecen llevar mucho tiempo encendidas a tal punto que los pollos casi han alcanzado el punto de calcinación. Mientras Evelyn descansa en el bar, Tom investiga por los alrededores para averiguar qué ha pasado con los adultos del lugar. Pronto descubren el sangriento secreto que esconden las risas y los juegos de los niños del lugar.

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Bajo esta premisa, basada en la novela de 'El Juego de los Niños' de Juan José Plans, el director Narciso Ibáñez Serrador presentó en 1976 la cinta '¿Quién puede matar a un niño?', protagonizada por Lewis Fiander (Tom) y Prunella Ransom (Evelyn); se trata de una aterradora historia que juega y trastoca esa idea que se tiene de la inocencia de los niños, pues aquí estos torturan y asesinan a sangre fría a los adultos de la remota isla, algo muy parecido a lo que se mostró en Los Chicos del Maíz o Niños Diáblólicos (con ambos títulos se conoció en México a Children of the Corn de 1984), la adaptación a la pantalla grande del texto de Stephen King que protagonizaron Linda Hamilton y Peter Horton. Pero a diferencia de ésta cinta ochentera, en la que los asesinatos ocurrían debido a un letal culto religioso infantil que les hacía creer que todos los mayores de 18 años debían ser asesinados, la cinta española no revela los orígenes del salvaje comportamientos de los menores, aunque la secuencia de créditos inicial del filme podría ofrecer un atisbo de respuesta a su repentina y mortal rebelión contra los adultos, pues las primeras imágenes del filme son videos de archivo documental que dan fe de las guerras y hambrunas -entre otros caóticos sucesos globales creados por el hombre- que siempre han tenido como principales víctimas a los niños.

A casi 40 años de su estreno, el filme (segundo y último del ya mencionado realizador Ibáñez Serrador) es un buen ejemplo de la mezcla eficaz de los elementos del misterio, el thriller y el horror, con claras reeferencias/homenajes al cine de Hitchcock, de quien el director es profundamente admirador. '¿Quién puede matar a un niño?' es considerado un filme de culto en ciertos sectores cinéfilos, tanto así que ya se ha realizado un remake coproducido por Videocine y Canana (sí, la de Gael García y Diego Luna) y llegará a las pantallas este mes, pero claro, eso si no vuelven a mover su fecha de estreno, la cual viene cambiando desde el 2011. Esta nueva adaptación de la obra de Juan José Plans, que se distribuirá en México bajo el nombre de Juego de Niños aunque en otros países se le conoce como 'Come out and Play'-, es dirigida por un personaje llamado Makinov, quien además de ocupar la silla de director en esta su ópera prima, también ejerce como director de fotografía, productor, editor y editor de sonido. El remake es casi una calca del filme original sin ofrecer casi nada nuevo; sólo hay un par de únicas diferencias entre ésta y la versión de Ibáñez Serrador. La primera, es la omisión de la secuencia inicial donde, en la original, se mostraban las atrocidades humanas que han dejado como principales víctimas a los niños y que ya mencionamos que podría sugerir una razón por la cual los menores se revelan violentamente ante sus mayores; también se omiten muchos momentos de la pareja protagonista antes de navegar en la lancha hacia la isla en la que buscan vacacionar, dando esto como resultado que la historia se sienta apresurada. Makinov parece tener prisa por poner los turistas extranjeros en peligro mortal, pero como a nosotros, como público, no nos ha dado la oportunidad de conocerlos bien, ni sentir un poco de empatía por ellos, lo que les pase en la isla nos tiene sin cuidado. Ya en la isla, que ahora se llama 'Punta Hueca' en lugar de 'Almanzora' pues se trata de territorio mexicano y no español, el relato sigue con su rapidez inicial y no se da el tiempo de construir un buen suspenso, no hay tensión que nos mantenga al borde del asiento y las incapaces actuaciones de los protagonistas tampoco ayudan mucho a generar en nosotros una respuesta de desconcierto; en fin, nunca nos creemos su angustia. Y ya que andamos en el terreno de las actuaciones, me parece prudente señalar las

participaciones especiales de Daniel Giménez Cacho (como uno de los últimos adultos sobrevivientes en la isla antes de la llegada de los turistas protagónicos) y Gerardo Taracena (como el pescador que les presta su lancha), quienes se desenvuelven apenas de manera cumplidora con sus respectivos roles. La segunda diferencia, en contraste con la versión de 1976, es el aumento de violencia explícita en este remake, ya que si bien en aquella cinta no se mostraban gráficamente las torturas y asesinatos por parte de los niños, aquí se muestran con cautela sin llegar al nivel del gore descarado. Aquí no sólo vemos a una niña golpear a un anciano con su propio bastón, también vemos asesinarle con cuchillos, machetes y dejando car una roca sobre su cabeza (y no, no es spoiler, eso se ve en el trailer); además, y es aquí donde está uno de los pocos aportes de Makinov a su remake, el director nos muestra qué es lo que hacen los niños con los adultos que han matado, algo que se omitió en el filme original. Es así como vemos a un niño picando un ojo extirpado con una rama en medio de la iglesia, como si se tratase de un pescado muerto al lado del río; también observamos a una niña confeccionando cuidadosamente un collar con orejas de sus víctimas (posiblemente sus padres o vecinos) y regalárselo a otra niña; mientras tanto, un par de menores amputan un brazo a un cadáver y lo usan como osito de peluche; por otro lado, un grupo de niños entierran un cuerpo destazado en la playa, como si enterraran a un familiar suyo con el que vacacionan plácidamente en la costa, estas escenas levemente logran agregar un elemento espeluznante al relato, pero es mínimo. En resumen, Makinov no logra ni siquiera igualar al filme de culto, pues a pesar de sus aportes que seguramente serán apreciados por las audiencias jóvenes ávidas de material de veloz consumo (así como su historia), no cuenta con un guión sólido que pueda manejar el suspenso y el horror como sí lo hace la cinta original. Ni siquiera tiene una buena manufactura que refleje su costo de producción (12 mdp según IMDB) y se evidencia su falta de experiencia en varios terrenos como la dirección, la edición (hay unas secuencias muy chafas, los cortes se notan mucho), pero sobre todo, el guión tan flojo y poco exitoso al atrapar al espectador con la historia. www.facebook.com/celuloidedigital

ace 20 años, un tapatío sorprendió con su ópera prima: La Invención de Cronos ¿Su nombre? Guillermo del Toro, uno de los realizadores mexicanos que ahora cuenta con una de las filmografías más personales y sobresalientes a pesar del aún breve número de títulos que la conforman (ocho con la reciente y espectacular Pacific Rim). La historia de su primer largometraje (con un guión que él mismo escribió) sigue a un alquimista que, en el México colonial de 1535, ha logrado construir una pequeña maquinaria con el poder de otorgar la vida eterna a cambió de alimentarse de sangre humana; el alquimista es perseguido por la Santa Inquisición pero antes de morir logra ocultar el objeto en una reliquia que, varios siglos después, termina en la tienda de un anticua-

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rio (interpretado por Federico Luppi con quien trabajaría nuevamente años más tarde en su tercera producción: El Espinazo del Diablo), quien al descubrir el objeto, activa accidentalmente su mecanismo proveedor de la inmortalidad, viéndose obligado a someterse al ansia que le provoca la sangre humana con la que debe alimentarse si no quiere 'morir' ahora que se ha convertido, sin proponérselo, en vampiro. Con La Invención de Cronos, del Toro moderniza y reinterpreta el mito vampírico con una producción modesta en la que, si bien aún no se muestra completamente su particular estilo visual (sólo se ven atisbos de ello precisamente por lo limitado del presupuesto para crear un diseño de arte en extremo detallado y de gran calidad) sí evidencia sus toques personales en el terreno argumental, como su aproximación a los terrenos de lo sobrenatural, a la búsqueda de la inmortalidad, al vampirismo (ya incluso escribió, junto con Chuck Hogan, una trilogía vampírica -muy recomendable, por cierto-) y su gusto confeso por los insectos (el mítico artefacto creado por el alquimista es un letal bicho dorado). Con su primera cinta, del Toro deja huella en el cine, y no sólo en el nacional, al erigir una pieza fílmica clave dentro de la cinematografía vampírica postmoderna, un filme de culto que en su innegable originalidad e imaginación lleva la mayor de sus virtudes.

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or ahí leí varios comentarios de que ésta película se hizo con fines políticos-proselitistas; la verdad no sé que tanto de estas 'afirmaciones' sean ciertas, pero de ser ciertas o cercanas a la realidad quiero aprovechar para decirles que AGRADEZCO a cualquier idea o influencia para hacer este film, pues el resultado es notable, digno de ser considerado UNO DE LOS CLÁSICOS DEL CINE MUNDIAL (MUDO). La antigua Unión Soviética tiene en sus costas decenas de barcos y navíos, demostrando su poderío naval; uno de estos enormes barcos es 'el Acorazado Potemkin', sitio donde se desarrolla un motín debido a las pésimas condiciones en que trataban a los marinos, desde alimentos en estado de descomposición hasta los castigos excesivos e injustificados. El motín da como resultado la muerte de su líder, que es llevado al Puerto de Odesa, ciudad que se une a la 'causa' de los marinos y donde se propaga el furor de 'revolución'.

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Quiero resaltar el brillante y arriesgado trabajo que tomó Eisenstein al rodar en mar abierto, pues aporta el elemento de realismo que un film bélico-político (como éste) necesitaba para ser más creíble; además de las estupendas tomas desde los mástiles y desde el mismo Potemkin al resto de los navíos -durante la noche-, todo eso se lo debemos a este gran director. El guión y la situación social del momento, son bien armados y expuestos, pues en ningún momento se abusa del idealismo de la Unión Soviética, pero tampoco hace 'caso omiso' a los sucesos que ahí se desarrollaron. Hay que destacar los trabajos del montaje, que están muy bien realizados. Lo que terminó de atraparme fue el GRAN TRABAJO de la Orquesta, es decir, la música que acompaña al film, de inicio a fin, esta logra su trabajo y aparte, resalta mucho los momentos clave de la película, y sin duda 'La Escalera de Odesa' se lleva el premio mayor (en todos los aspectos). Un trabajo extraordinario, con un mensaje claro (la opresión de las clases altas hacia el pueblo) y que, quien quiera verlo es bienvenido. EXCELENTE PELÍCULA y de mis favoritas del género.

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areciera increíble el tan sólo imaginar que existe un artista musical que tiene en su discografía más de 400 álbumes, pero el documental Phonography: The Technical Difficulties of R. Stevie Moore no únicamente saca a la luz este sorprendente dato, sino que también escarba en la vida y obra de la leyenda musical Robert Stevie Moore, un hombre autocatalogado como huraño- que se ha movido en los terrenos musicales underground de Estados Unidos y que a pesar de no ser tan conocido, cuenta con su vasta cantidad de seguidores, quienes consideran, a su persona y a su música, como objetos de culto. La idea de que tenga en su haber más de cuatro centenares de álbum ya no suena tan inverosímil si se toma en cuenta que estos son realizados y distribuidos por él mismo desde la habitación de su hogar, aunque el número de discos no deja de sorprendernos: ¡400 álbumes! Pero más allá de este asombroso testimonio, el documental de Jon Demiglio -que toma su nombre del álbum en vinil con el que el artista debutara allá por 1976- se enfoca más en la figura de su creador, es una aproximación que, en 90 minutos intenta desenmarañar la caótica y extremadamente creativa de R. Stevie, quien nunca ha buscado la fama ni el reconocimiento, aunque acepta que le agrawww.facebook.com/celuloidedigital

da que haya gente que con mayor frecuencia conozca y acepte su música, la cual no piensa dejar de crear pues tiene un inagotable deseo de componer, aunque se siente confiado de tener tanto 'material de respaldo' (como le llama a su monumental discografía) y no sentirse presionado por 'hacer música nueva'. Más allá de mostrarnos sus influencias musicales y la inspiración que ha suscitado en las nuevas generaciones de músicos, el documental -que como la obra que retrata se aleja de los convencionalismos del género evitando las entrevistas a terceros para referirse al protagonista del documento- se centra en las particularidades del hermético artista, como su gran ego, sus ironías y contradicciones; es un trabajo intimista en el que se nos muestra a R. Stevie como lo que es: un hombre como cualquier otro ser humano, sólo que con la peculiaridad de ser un maniático de la creación sonora, una manía que ha generado un gran legado musical a través de videos, viniles, cassettes, cds, y hasta un -confuso- sitio web. R. Steve es, como él mismo se autodenomina, un verdadero original, siempre inspirado por la máxima 'Do it yourself' y con el permanente rechazo hacia los estándares de la industria discográfica. Es una figura a la que vale mucho la pena acercarse, y éste documental es una perfecta oportunidad para iniciar la aproximación a este prolífico artista nacido en Nashville, Tennessee en 1952.

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eis años en el mismo trabajo sin posibilidades de avanzar, estancado en mi carrera, viendo como otros empleados, más jóvenes e inexpertos, recibían promociones y mejores empleos. Todos llegaban y se iban, me pasaban de lado sin siquiera intentarlo. Tres años en la misma relación, mi novia comenzaba a hablar de matrimonio y de visitar a sus padres, hablaba de hijos y de casas con jardines y piscinas. —Cuando nos casemos podremos mudarnos —Dijo una vez, ella ni siquiera dudaba que nos casaríamos, en su mente solo necesitábamos poner una fecha y elegir el vestido. A esta altura ni siquiera sabía qué sentía por ella. Me preguntaba que había pasado con nuestros ideales, con la idea de “vivir el momento”, de no arrepentirse. Me preguntaba qué había pasado con todas esas cosas buenas que se suponía nos iban a pasar, con la vida que iba a vivir. No me gustaba viajar en tren, odiaba el hecho de sentarme al lado de una persona por un viaje de varias horas y tener que escuchar su parloteo sobre sus problemas, odiaba el hecho de conocer completamente la vida de alguien a quien no volvería a ver nunca más y sobre todo odiaba el hecho de tener que fingir interés en sus palabras. Tomé mi maleta y la empujé en el compartimento correspondiente a mi asiento, sonreí al ver que nadie se sentaba a mi lado, hasta que un chico se acerco y subió sus cosas. —No lo tome a mal, pero no quiero saber nada de su vida. —Dijo el chico que se sentó a mi lado. Por un momento dudé si me hablaba a mí. — Odio viajar en tren. —Murmuró sin levar la vista de su tablet. —Igual aquí. —Respondí y me busque algo que hacer, leí los panfletos que encontré en el fondo de mi maletín, un envoltorio de dulce y uno de una barra de chocolate. Era sorprende la cantidad de calorías que se consumen con un solo chocolate. —¿Sabe a qué hora abrirán el vagón restaurant?— Preguntó el chico. —Ni idea. —Respondí y por primera vez en varias horas tuve la oportunidad de analizarlo. Joven y atractivo, seguro creía que tenía el mundo a sus pies si no ahora que lo tendría, sonreí, eso llegué a creer yo. —Bueno… ¿Sabe dónde puedo fumar?— Preguntó y volví a negar. —¿Lo dejó o nunca lo ha hecho?— Se acercó un poco a mí con curiosidad, al parecer yo no era el único que sentía curiosidad por el otro. —Nunca lo he hecho. —Lo miré y recordé haber imaginado mi yo del futuro, con un cigarrillo entre los dedos en un bar, viviendo la vida de una estrella de rock, irresponsable y espontáneamente. ¿Cuándo había sido espontaneo en mi vida? —No sabe de lo que se pierde. —Respondió con una sonrisa guardando la cajetilla en el bolsillo de su abrigo. —Y… ¿Qué haces aquí? —Pregunté. —Viajo. —Respondió, me maldije mentalmente por preguntar algo tan obvio. —¿A dónde vas? —Por ahora a ningún lado. —Sonrió— a donde sea, no quiero quedarme varado mucho tiempo en un solo lugar. www.facebook.com/celuloidedigital

—Por favor, háblame de tú —Sonreí, era un chico interesante— ¿Estás vagando? —Algo así, —se acerco más— tengo miedo de establecerme en un solo lugar y vivir una vida aburrida con una esposa y un trabajo sin futuro. Sonreí, estaba describiendo mi vida. —Sólo se necesita una decisión para salir del aburrimiento. —Sonrió, regalándome una sonrisa torcida que estaba seguro significaba algo más. —¿Una sola? —Pregunté y antes de darme cuenta lo que había decidido lo estaba besando. Sus labios eran suaves, con suave dejo a tabaco y tal vez… Menta. Debería dejar de fumar. En ese momento me reí de mis pensamientos, me parecían incoherentes e hilarantes. Me preocupaba más que fumara al hecho de que estaba engañando mi novia. —¿Cuál es tu nombre? —Pregunté. —Sin nombres. —Respondió y me volvió a besar. Sin nombres... —¿Tu edad? —Lo mire, su rostro era un poco aniñado pero ningún niño se comportaría así, no con un extraño. — ¿No iré a prisión o sí? —Depende de la jurisdicción. —Rió y negó con la cabeza— No, no iras a prisión. El resto de las tres horas de viaje hablamos sobre mi vida, sobre las cosas que cambiaria si pudiera y sobre las cosas que esperaba que pasaran pero que nunca intenté alcanzar, nos besamos la mayoría del tiempo y antes de llegar a la estación nos escabullimos a un compartimento vacio. —¿Te bajas aquí? —Preguntó ligeramente decepcionado, yo asentí, debía tomar un autobús. —¿Quieres intercambiar números? —Pregunté sintiéndome un poco extraño al decirle eso a un chico, no sólo por que era más joven que yo sino por el hecho que estaba dispuesto a volver a verle, esperaba volver a verlo. —No, no quiero tu número y no, antes de que lo pidas no te daré el mío. —¿Nos volveremos a ver? —Pregunté, ahora era yo el decepcionado. —Tal vez. —Me regaló otra sonrisa torcida y un par de besos. Mientras el tren se iba pensé en las posibilidades ¿y si me hubiera quedado en el tren? El próximo año, a las cuatro, en la estación donde ambos abordamos. Nos volveríamos a ver. A veces pensaba en ese día y en el arrepentimiento que había sentido después que aborde el autobús, era un adulto, no podía comportarme de manera tan irracional pero ahora, un año después me encuentro a mí mismo haciendo la maleta, preparándome para salir a la estación y esperar al chico sin nombre. En verdad espero que recuerde nuestra cita.

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n 2010, la película Kick-Ass sorprendió no sólo por su alto contenido de violencia gráfica y lenguaje un tanto soez, sino por romper con una formula ya gastada dentro del subgénero del cine de superhéroes. La película, dirigida por Matthew Vaughn, se trataba de una libre adaptación de la novela gráfica de Mark Millar y John Romita Jr. que seguía a Dave Lizewski (Aaron Johnson), un adolescente amante de los cómics que un buen día, y tras llevar tiempo preguntándose "¿Por qué nadie había intentado ser un superhéroe como los de los cómics?", decide convertirse en uno de ellos. Y aunque en su primer enfrentamiento con el crimen (el cual lo manda directo al hospital) se da cuenta que un par de macanas y un traje de buzo color verde con adornos amarillos no

son suficientes para hacerle frente a la realidad, el joven decide continuar con su heroica labor comunitaria y tras enfrentarse a una pandilla que golpeaba brutalmente a un joven, su alter ego Kick-Ass se convierte en todo un fenómeno en las redes, lo cual llama la atención de otros 'verdaderos' superhéroes: Big Daddy (bajo la identidad de Damon Macready e interpretado estupendamente por Nicolas Cage) y Hit-Girl (bajo la identidad de la inocente Mindy Macready de apenas once años, encarnada de manera sobresaliente por Chloë Grace Moretz), quienes aunque tampoco tienen superpoderes, tienen el entrenamiento (y armamento) suficiente para enfrentarse al crimen organizado, particularmente a Frank D'Amico (Mark Strong), el jefe de la mafia neoyorquina con quien mantienen una guerra por 'cuestiones personales'.

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A tres años de esta fantástica cinta que logró hacerse de un lugar de culto entre los amantes de las adaptaciones de comics al cine, la secuela finalmente está a punto de llegar a las pantallas para dar continuidad a las poco comunes vidas de Dave y Mindy como los justicieros que intentan seguir con la cotidianidad de la vida asistiendo al colegio mientras no están pateando los criminales traseros de la ciudad; además, un grupo de ciudadanos comunes, liderados por un problemático hombre que se hace llamar Coronel Satrs and Stripes (a quien da vida el mismísimo Jim Carrey), se ha visto 'inspirado' por las acciones de Kick-Ass y Hit-Girl y quieren unirse a ellos para combatir el crimen como cruzados enmascarados bajo el

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nombre de Justice Forever; ésto a la par que el villano Red Mist, hijo de Frank D'Amico y que ahora se hace llamar The Mother Fucker, idea un plan para vengar la muerte de su padre formando su propia Liga de la Maldad. Y es así como, bajo esta premisa, se estrenará una de las más anticipadas películas por parte los amantes de los comics, un filme que promete mucha acción y extrema violencia, tanto así que el mismo Jim Carrey decidió retirarse de la campaña de promoción de la cinta debido a su alto contenido violento. ¿Será en realidad el filme tan violento como opina Jim Carrey o sólo será un manejo de marketing para promover la cinta? Sólo habrá una forma de averiguarlo.

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ace 18 años el estadounidense Jesse (Ethan Hawke) y la parisina Celine (Julie Delpy) se conocieron en un tren con destino a París; ella regresaba a su ciudad natal mientras que Jesse tenía que descender en Viena para tomar un avión de regreso a los Estados Unidos la mañana siguiente. Como respuesta a un acto impulsivo provocado por la instantánea atracción, Jesse invita a Celine a bajarse con él en la capital austriaca para conocerse mejor; la respuesta de la chica ante la inusual propuesta del tierno desconocido dio pie a una de las trilogías cinematográficas mejor logradas en la historia del cine. ‘Antes del amanecer' es el título del filme que relata lo sucedido tras el casual encuentro en el tren y que se convirtió en un clásico del cine indie debido a la gran honestidad de su sencilla propuesta y a la autenticidad de su historia repleta de diálogos naturales con los que una generación quedó identificada. Filosofías de vida, miedos, deseos, sueños y expectativas fueron, entre otras cosas, los tópicos que marcaron la pauta de las largas conversaciones que, durante una tarde y una noche, sostuvieron los dos jóvenes idealistas; y fue tal vez ese idealismo lo que los llevó a tomar una decisión a la hora de la despedida: no intercambiar direcciones, ni teléfonos, vaya, ni siquiera su apellido. Sólo les bastó la promesa de volverse a ver seis meses después en la misma estación de Viena, dejando una sensación agridulce en el espectador que no pudo hacer otra cosa más que inventar como había sido el reencuentro de los amantes seis meses después. Nueve años tuvieron que pasar para que el público pudiera ver de nueva cuenta a la pareja y enterarse que el encuentro en Viena jamás ocurrió, que Jesse se había casado, había tenido un niño, que se había convertido en escritor y que estaba en París para promocionar su primer libro, el cual giraba en torno a una chica con la que había pasado una sola noche muchos años atrás. Una pequeña librería parisina fue el escenario del reencuentro entre los ya no tan jóvenes y no tan idealistas protagonistas; un café, los callejones, el Sena y un 'waltz' con dedicatoria especial, fueron algunos de los elementos que acompañaron las conversaciones de la pareja que ahora giraban en torno al desencanto, a la frustración y el arrepentimiento por las malas decisiones; porque muchas de las cosas que quisieron ser ya no lo serán, lo cual sin duda, siempre acarrea un gran montón de impotencia. Aquí, en 'Antes del atardecer', acompañamos a Jesse y Celine por 90 minutos, tiempo en el cual se desarrolla la cinta en tiempo real y que, a pesar de estar rodada en París, se aleja de los clichés del cine romántico y da una creíble continuidad a una real historia de amor contemporáneo en donde no hay cabida para diálogos melosos ni cursilerías de ningún tipo; el final, volvió a dejarnos la vía libre para interpretaciones sobre el futuro de la pareja recién reencontrada.

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Ahora, nueve años después, Jesse y Celine están de regreso en la última parte de la trilogía: 'Antes de la Medianoche', en la que la pareja no ha podido escapar al paso del tiempo y los estragos que este causa (monotonía, hastío, etc.). El filme abre con una secuencia donde vemos a Jesse despedirse de su hijo Hank, quien ha pasado con él las vacaciones de verano en Grecia pero debe regresar a los Estados Unidos junto a su madre. Tras la emotiva escena, Jesse se reúne en su auto con Celine fuera del aeropuerto, ahí descubrimos que ambos son ahora padres de unas adorables gemelas. La pareja se dirige hacia la región del Peloponeso para pasar juntos el último día de vacaciones antes de regresar a París; y es durante este día que la pareja se replantea su vida juntos tras las charlas con amigos o en solitario. ¿Es posible vivir enamorado para siempre? La respuesta, un rotundo 'No', parece ser unánime en la mesa donde se ha reunido la pareja con sus amigos de la región griega; pero así como todos concuerdan en la caducidad del amor, coinciden también en que sus parejas han sido lo mejor que les ha pasado en sus vidas y que para seguir con alguien (por el tiempo que sea) se requiere de un gran compromiso para mantener el enamoramiento en la pareja y que ésta siga viva. Pero a veces el compromiso no es lo suficientemente fuerte, o si lo es, éste se ve opacado y minimizado por la rutina, los celos y la desconfianza, elementos que pueden provocar que en las discusiones de pareja a veces no se juegue limpio: "No eres ningún Henry Miller" advierte una histérica Celine al hastiado Jesse. "Si tan sólo invirtieras la mitad de la energía que gastas en quejarte e insultar, en otras cosas más importantes, todo sería muy distinto" responde Jesse ante las interminables quejas de Celine. Y así como estos diálogos lastiman a los personajes, también lo hacen a la audiencia, pues es imposible no sentirse conectados a ellos, a ambos, porque más allá del género, todos somos un poco Celine y un poco Jesse al mismo tiempo, pues todos somos humanos y hemos pasado por alguna relación igual o similar y sabemos lo que se siente. Y es así como también sabemos que los reproches y las discusiones de nivel monumental no siempre significan que el amor se haya terminado, sabemos que la gente en esencia no cambia y que si alguna vez Jesse enamoró a Celine por su personalidad, y viceversa, ese Jesse y esa Celine siguen siendo los mismos que se bajaron del tren en Viena, pero que las responsabilidades, los compromisos y la rutina han distorsionado la imagen de su pareja; el reto, según el artífice de la trilogía Richard Linklater, es encontrar ese vínculo que se estableció en su primer encuentro y que es indestructible. www.facebook.com/celuloidedigital

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ras el sorpresivo éxito de Drive y su (merecido) lugar como filme de culto, junto a la figura del antihéroe del nuevo milenio en la que se convirtió el conductor protagonista, la nueva mancuerna entre el director Nicolas Winding Refn y Ryan Gosling no podría ser más anticipada y controvertida. Estrenada en la pasada edición de Cannes, el filme dividió a la crítica; mientras unos la han alabado, otros la han destrozado ferozmente, posiblemente porque esperaban otra pieza similar a Drive y se han topado con una obra más mística, en cierto sentido, y mucho más violenta. En el filme, Julian y Billy son dos hermanos que dirigen un gimnasio de thai-boxing en la ciudad de Bangkok, aunque en realidad el deportivo recinto es una tapadera para su verdadero oficio: el tráfico de droga. Una noche, Billy viola y asesina a una prostituta; el joven es acorralado en la habitación del hotel donde cometió el crimen y el agente (supuestamente retirado) Chang, concede al padre (y padrote) de la víctima la ocasión perfecta para vengar su muerte; las cosas se complican cuando la madre de Billy, una poderosa jefa del crimen organizado en Estados Unidos, llega a recoger el cuerpo de su hijo y pide a Julian que vengue la muerte de su hermano. A partir de ese punto, la trama se convierte en un espiral de violencia y venganza; un juego de ojo por ojo en el que nadie, excepto Dios según el título, perdonará a los involucrados. www.facebook.com/celuloidedigital

Only God Forgives se une a la lista de filmes sobre la venganza en el oriente, como la trilogía de Park Chan-wook, pero el filme de Refn destaca por utilizar la violencia gráfica de forma conceptual, todo tiene un porqué. Las amputaciones de miembros, los castigos físicos y la manera de las ejecuciones con katana, están llenos de significados ocultos que revisten al filme con un misticismo que recuerda en cierta medida al cine de Jodorowsky (especialmente a El Topo); no es entonces una sorpresa el ver en los créditos finales la dedicatoria del filme al mítico artista originario de Chile.

Cabe señalar que, aunque en la publicidad del filme sea Ryan Gosling quien siempre aparezca mostrado su rostro (el normal o el desfigurado tras la brutal golpiza que recibe en la cinta), a quien verdaderamente se tiene que destacar es a Vithaya Pansringarm, como el agente Chang, también conocido como 'El Ángel de la Venganza', quien resulta verdaderamente un personaje macabro pero lleno de matices de bondad y ternura; es sorprendente su desempeño ante la cámara al poder interpretar a un personaje tan multidimensional, pues con la misma tranquilidad con la que lo vemos cantar en un karaoke y cuidar de su pequeña niña, es con la que también amputa manos, corta gargantas y rebana los tórax de los criminales. También hay que resaltar el fabuloso desempeño de Kristin Scott Thomas como la peligrosa y manipuladora madre de Julian; la actriz realiza un gran trabajo, además que su personaje permite, a través de sus fantásticos diálogos, conocer más al personaje de Ryan Gosling, pues es a través de ella que nos enteramos de las razones por las que Julian no vive en Estados Unidos sino en Hong Kong y de la (supuesta) eterna rivalidad y envidia que sentía por su hermano mayor; amén de algunos guiños que señalan un velado complejo de Edipo en la trama. Y es precisamente Gosling el punto débil del filme, no es que su trabajo sea malo, es muy bueno y entrega una actuación contenida (de manera intencional, claro está), pero parece que Julian es una faceta más del conductor que interpretó en Drive; no sorprendería si se revelara que el automovilista de dicha película viajó a Bangkok y montó un gimnasio de thaiboxing junto con su hermano. Pero a pesar de esta evidente similitud con el personaje anónimo de su filme anterior, Refn provee a Julian de una psicología que es explorada a través de sus sueños/visiones con pasajes oníricos y premonitorios que destacan por la perfección de su lenguaje cinematográfico. Only God Forgives no es un filme para todo público, contiene altas dosis de violencia (aunque bellamente filmadas) que mucha gente podría no soportar (audiencias impresionables, aléjense). La cinta se gana a pulso su lugar entre las mejores películas sobre la venganza y demuestra la gran capacidad del director para maquinar historias en extremo sencillas que, en manos de algún otro realizador, podría haber resultado en un mero ejercicio gore sobre vendettas sin sentido. En extremo recomendable.

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ofia Carmina Coppola no es alguien que decidió pertenecer al mundo de la fama cuando sus inquietudes artísticas la obligaron a adentrarse en ese entorno, ella nació dentro del mundo del show bussines debutando, sin proponérselo, cuando apenas era una bebé en el filme El Padrino (The Godfather ; 1972), realizado por su propio padre, el maestro Francis Ford Coppola; pero a pesar de haber participado en varios filmes que su progenitor ha dirigido, ha sido el papel de Mary Corleone, en El Padrino Parte III (The Godfather Part III; 1990), el que ha resultado más conocido. Con estos antecedentes, no es raro entonces observar que buena parte de los pocos títulos que conforman su filmografía (cinco, contando la que hoy nos ocupa) hayan abordado, de alguna u otra manera, el mundo de la fama (Lost in Translation, Marie Antoinette y Somewhere) y los pros y contras que le son inherentes a ésta; además de agregar, en ciertas ocasiones, uno que otro guiño autobiográfico.

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Con Ladrones de la Fama, la directora neoyorquina vuelve a utilizar la fama como punto central del relato, pero no desde el punto de vista del que la vive y goza (o padece), sino del que la desea. Es así como el filme sigue a un grupo de amigos -cuatro mujeres y un hombre-, quienes obsesionados con el mundo de la fama, el dinero y la moda en la ciudad de Los Ángeles, deciden realizar 'juergas delictivas' y entrar a las casas de los famosos para hacerse de los objetos personales de las celebridades como joyas, zapatos, vestidos, etc. Teniendo como base los eventos reales ocurridos en Los Ángeles, donde un grupo de adolescentes -autodenominados 'The Bling Ring', como el título original del filme- irrumpieron a las casas de varios famosos (entre

quienes se encontraban Paris Hilton, Lindsay Lohan y Orlando Bloom) para sustraer sus pertenencias, Coppola pretende retratar a un sector de la sociedad estadounidense que vive entre las obsesiones por 'ser alguien' que cobre notoriedad en su comunidad, y para hacer una radiografía de estos jóvenes, el reparto ha sido conformado de la siguiente manera: Marc (Israel Broussard), Rebecca (Katie Chang), Chloe (Claire Julien), Nicki (Emma Watson) y Sam (Taissa Farmiga). “Pienso que mira a fondo a nuestra cultura hoy, y el fenómeno de televisión de realidad, el cómo eso ha afectado a este grupo de niños y yo he tratado de decir la historia de una manera que se pueda entrar desde el punto de vista de los chicos, para ver cómo puede llegar a ser divertido, excitante e incluso esperanzador el tener una perspectiva distinta y llevarla al extremo. Así que espero que no estar juzgándolos demasiado, pero también los miro definitivamente de lejos - hay un aspecto crítico a ello. Siento que puedes quedar atrapado en el lado

juvenil/divertido/de mal comportamiento dentro de la idea, así que espero no estar haciendo glamorosa una mala conducta. Creo que hay una mezcla de glamour y crítica en la película, pero al final, le dará al público algo en que pensar”, señala la directora del filme que fue seleccionado para abrir la sección 'Un Certain Regard' en el prestigioso Festival de Cannes y que finalmente llegará a las pantallas mexicanas a partir del 26 de julio, así que como todo proyecto de Sofia Coppola, habrá que tenerlo en la mira.

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odo el cine mexicano es sobre sexo, violencia y drogas', dicen quienes reniegan del cine nacional con el pretexto de que ellos no ven el cine hecho en México porque ya tienen bastante con lo que los periódicos y noticieros muestran, como para todavía ver más violencia en el cine al que acuden únicamente como mero entretenimiento y diversión. Éste bien podría ser un argumento válido, pero también esconde en gran medida la excusa perfecta para no querer darse cuenta, o negarse a sí mismos, que la situación del país es mucho peor que la que ofrecen los medios de difusión. La situación del país es por demás preocupante, es un México que muere lentamente desangrado por la enajenación y la indiferencia del mexicano ante su propia realidad, una realidad que no va a cambiar si el pueblo mismo no se incomoda lo suficiente con su propia situación como para abandonar el letargo de la indiferencia (o peor aún, el de la costumbre) y querer cambiar de rumbo.

Así, con esta brutal realidad como entorno cotidiano, el realizador guanajuatense Amat Escalante ofrece su tercer largometraje que cuenta lo que podría ser una de las tantas historias del México actual. Heli (encarnado por Armando Espitia) tiene 24 años y vive tranquilo con su esposa, su recién nacida bebita y con Estela, su hermana de doce años interpretada por Andrea Vergara; las cosas súbitamente complican cuando el novio de Estela, un joven cadete encarnado por Juan Eduardo Palacios, idea un plan para casarse con ella: fugarse. Buscando su sueño, entonces, Estela se ve inmersa en la violencia que azota la región del Bajío, arrastrando con ella a su familia. Este filme le mereció a su realizador la Palma de Oro como Mejor Director en la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, donde causó gran polémica por la crudeza de las imágenes con las que retrata la actual situación de la república mexicana. Sin duda alguna no será del agrado de todo el público, pues hay quienes ya la han tachado de 'traición a la patria' sin siquiera haberla visto (como el Sr. Carlos Mota de 'El Financiero', quien por cierto es periodista especializado en negocios, economía y finanzas, nada que ver con el cine), entonces es necesario advertir que si se es amante del cine light, ésta es la película que se debe evitar a toda costa; si por el contrario se es fan del cine un tanto propositivo y reflexivo, esta es la película a la que se le debe dar oportunidad, tal vez por lo menos consiga incomodarnos a un grado tal que no nos genere indiferencia la violenta situación del país, que indudablemente, es mucho más cruda, terrible y feroz que cualquier ficción. www.facebook.com/celuloidedigital

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Versión libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos Grimm, que ha sido ambientada en España durante los años 20. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de Enanos Toreros.

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En esta secuela el malvado brujo Gargamel crea una pareja de criaturas revoltosas, una copia de los Pitufos, llamados los Malotes y que espera le permitan aprovecharse de la poderosa y mágica esencia de los Pitufos. Gargamel secuestra a Pitufina y la lleva a París, Francia, lugar donde se ha ganado la adoración de millones de seguidores que lo consideran como el hechicero más grande del mundo. Por lo que está en manos de Papá Pitufo, Torpe,Gruñón y Vanidoso regresar a nuestro mundo, y reunirse con sus amigos humanos Patrick y Grace Winslow, ¡y rescatarla! ¿Puede ser que Pitufina, que siempre se ha sentido diferente de los demás pitufos, halle una conexión especial con los Malotes, Vexy y Hackus? ¿Y podrán Los Pitufos convencerla de que el amor que sienten por ella es auténtico?

Alejandro y Missy están a punto de casarse y el amor se siente en el aire... pero no todo siempre es lo que parece. Tras diez años, Ellie Griffin (Diane Keaton) vuelve a su hogar en Connecticut desde que su marido Don Griffin la engañara con su mejor amiga, Bebe McBride. Con todo planeado para la gran boda, Alejandro le anuncia a sus padres adoptivos, Ellie y Don, que su madre biológica, Madonna Soto, asistirá a la celebración, pero debido a sus extrañas y conservadoras creencias religiosas ella no tiene idea del divorcio de ellos. Por el bien de la boda, Ellie y Don se verán obligados a actuar como una pareja felizmente casada y mientras... Bebe tendrá que desaparecer del mapa por un tiempo. Con todos los invitados esperando, los Griffin se verán forzados a fingir durante un fin de semana de locos a ser una familia feliz... evitando matarse en el proceso.

Un grupo de magos conocido como ‘Los Cuatro Jinetes’ llevan a cabo delicados robos contra empresas corruptas durante sus negocios, para luego hacer llover parte del botín para el delirio de los asistentes. Sin embargo, no deja de ser una táctica evasiva para conseguir escapar con el resto el dinero. El problema es que todo esto llega a oídos del FBI, donde van a hacer todo lo que esté en su mano para acabar con ellos, pero los magos tienen planeado un último gran golpe.

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Basada en el best seller ‘Percy Jackson y el Mar de los Monstruos’, continua el viaje épico del joven semidios en busca de su destino. Para salvar su mundo, Percy Jackson y sus amigos deben encontrar el Vellocino de Oro. Embarcándose en una peligrosa odisea por las aguas del Mar de los Monstruos (conocido por los humanos como el Triángulo de las Bermudas) lucharán contra terribles criaturas, un ejército de zombies y el Demonio definitivo.

Situada en la contemporánea ciudad de Nueva York, una adolecente aparentemente normal, Clary Fray (Lily Collins), descubre que es la descendiente de una línea de Cazadores de Sombras, un grupo secreto de jóvenes guerreros mitad ángel comprometidos en una batalla ancestral para proteger nuestro mundo de los demonios. Después de la desaparición de su madre (Lena Headey), Clary debe de unirse al grupo de Cazadores de Sombras, quienes la llevan a una peligrosa Nueva York alterna llamada Submundo, llena de demonios, brujos, vampiros, hombres lobo y otras criaturas mortales. Esta película está basada en los libros Best-Seller en todo el mundo.

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Un inventor ha diseñado un robot especializado en la búsqueda y rescate de personas. Cuando su inventor descubre las intenciones de los Laboratorios Kinetech (usar al robot con fines bélicos) lo programa para huir. Más tarde, el robot será encontrado por un niño, que lo arreglará y le pondrá el nombre de Cody. Juntos vivirán una increíble aventura.

Todo comienza cuando el abuelo Yólotl desaparece. Matías, Claudio, Pato, Katy y el fiel perro Duke descubrirán señales que los conducirán hacia una gran aventura, donde enfrentarán creaturas inimaginables, asombrosos personajes de una antigua civilización y un par de rufianes cazadores de tesoros. La promesa de su abuelo será la fuerza que guiará a estos héroes, dispuestos a todo, con tal de mantenerse siempre juntos y descubrir el Secreto del Medallón de Jade.

La vida de la viuda Ramona se desequilibra cuando desaparece Osvaldo, su único hijo. Su búsqueda le lleva a pensar que Genaro, un patético multiusos que colecciona la nota roja y con quien se ha topado en el servicio forense, está relacionado con la desaparición de su hijo, pero la llegada de la atractiva y joven vecina Mariana, quien parece huir de algo, la dirige a nuevas pistas.

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En medio del caos de la ciudad de México, en un edificio, viven Julia y Lucas, Aarón y Nora y por ultimo Lola. Estos viven vidas de sueños destrozados y aplastados, pero viven en paz. Todo cambia cuando Félix se muda al departamento vacante. Este trata de conocer a sus vecinos y esto cambia la dinámica de las vidas de nuestros personajes. Los vecinos que previamente no se conocían comienzan a perderse en enredos, mentiras e infidelidades.

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Mica es un chico perfectamente normal. Si no fuera porque vive en la casa museo de Guillermo Garibai, vieja gloria de la canción mexicana. Y porque huele a pescado. Por eso no es de extrañar que las chicas sean para Mica habitantes de un planeta muy lejano al que le resulta imposible viajar. Hasta que un día, Laura aparece en su vida.

Basada en una historia real, "El Conjuro" cuenta la historia horrorosa de cómo los investigadores de renombre mundial de fenómenos paranormales, Ed y Lorraine Warren, fueron llamados para ayudar a una familia aterrorizada por una presencia oscura en una granja aislada. Obligados a enfrentarse a una poderosa entidad demoníaca, los Warren se encuentran atrapados en el caso más terrible de sus vidas.

Un guardia de seguridad de la morgue huye y es atropellado. En el depósito de cadáveres, la policía descubre que la puerta de una de las congeladoras está abierta y el cadáver de una mujer ha desaparecido. El inspector de policía encargado de la investigación cuenta con la colaboración del marido de la difunta, aunque no descarta la posibilidad de que esté relacionado con el asunto.

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a pérdida de un ser humano inevitablemente trasgrede la vida de aquellos que lo amaron de verdad, y más si el vínculo afectivo con éste era el de padre e hija. India Stoker, quien cumplía 18 años de edad, debe acudir al funeral de la única persona que entendía sus profundos y obscuros sentimientos: su padre; tras su muerte, la vida apacible de India se destroza y se trasforma; transformación que deja ver en pequeñas dosis su lado más siniestro. A simple vista India es una mujer de una sensibilidad profunda, callada y tímida, casi inexpresiva, pero en el fondo oculta una parte más perversa y violenta, parte que sale a la luz con la llegada de Charlie, hermano de su padre. Este hombre permaneció alejado de la familia Stoker desde la infancia, ya que fue internado en un clínica mental después de haber cometido un acto violento en contra de otra persona. Charlie llegará a inquietar la vida aislada que tenían India y su madre Evie, dos mujeres que permanecen encerradas en sus propios mundos, en una mansión de grandes dimensiones que en lugar de proyectar la hospitalidad de un hogar da la sensación de ser una prisión de sentimientos, deseos y pasiones sexuales. El desconsuelo de Evie será la puerta de entrada para Charlie, quien será más que un hombro de fortaleza para ella, y por otro lado utilizará su belleza para obtener algo más que amistad de su sobrina. La complicidad que con cautela India tiene con su tío harán que sus deseos sexuales hacia él la confundan y la lleven a cometer actos violentos contra aquellos que la han dañado o pretenden dañarla. Lazos Perversos (Stoker) es un thriller psicológico que retrata la perturbadora vida de una familia norteamericana que tras un trágico suceso ve transformada su estabilidad. Incluso el título del filme (en ingles, “Stoker”) hace una alusión metafó-

rica al mal, al invocar el nombre de Bram Stoker, autor de Dracula, cuya innovadora novela es tanto acerca de un oportunista que acecha a gente inocente como lo es de un mundo sobrenatural de vampiros. La cinta funciona y estremece gracias a el guión, que de manera pausada va contando la creación inocente y audaz de una mente siniestra, situación que se ve reforzada por la imagen misma, ya que la ausencia de diálogos dan mayor fuerza a los momentos de tensión y a las actuaciones mismas. Cabe señalar que los tres actores principales, Mia Wasikowska, Matthew Goode y Nicole Kidman, hacen una terna que se complementa y cautiva por el perfecto, y a la vez tan dispar, enlace que personifican. Los personajes, principalmente India, deben lidiar entre lo que creen es lo correcto e incorrecto y la frontera que las separa, y plantea cuestiones acerca de la clase social, la ética, la moral y la religión. Todo esto retratado con elegancia que plasma a través de la cámara y la fotografía, una imagen omnisciente y metafórica visualmente, bajo una atmósfera narrativa onírica y erótica con una elegancia poco formal y sutil. Sumado a esto una perturbadora y evocadora banda sonora, compuesta por Clint Mansell (El Cisne Negro), hacen que este thriller psicológico sea un deleite visual, sonoro y narrativo. Dirigida por Park Chan-wook, cineasta coreano ganador en el 2003 del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes por Oldboy y del Premio del Jurado en el 2009 por Thirst, quien es reconocido en todo el mundo por sus elegantes representaciones de la crueldad, destrucción y venganza, así como por sus imágenes radiantes y estremecedoras.

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n un futuro cercano, la humanidad vive acompañada de mecánicas criaturas que la ayudan con diversas tareas o simplemente sirven como compañía; en esta realidad, Álex (Daniel Brühl), un reconocido ingeniero, es contactado por la Facultad de Robótica para pedirle que, tras diez años de ausencia, regrese para terminar con una labor que dejó inconclusa: la creación de un niño robot. Al regresar a su ciudad natal, Álex se entera que su hermano David (Alberto Ammann) y su antigua ex novia Lana (Marta Etura) se han casado y han tenido una hija: Eva (Claudia Vega). Bajo esta premisa central se desarrolla esta interesante propuesta española que cuenta con los elementos de la ciencia ficción más elegante y propositiva; 'Eva' está más cerca de los cuentos de Asimov que del mainstream hollywoodense. El director Kike Maíllo ofrece una historia sumamente humana y conmovedora en medio de máquinas imitadoras de emociones, por lo que el filme nos remite irremediablemente a cintas como Blade Runner (Blade Runner; 1982 de Ridley Scott), Inteligencia Artificial (Artificial Intelligence: AI; 2001 de Steven Spielberg) o Yo, Robot (I, Robot; 2004 de Alex Proyas). La película es una (mecánica) fábula que se aleja de los convencionalismos narrativos y argumentales de la ciencia ficción moderna y busca inspiración en la cinematografía clásica de este género, algo parecido a lo que hizo el director Duncan Jones con su filme En la Luna (Moon; 2009), cinta que posiblemente sirvió de inspiración para 'Eva' y tal vez sea precisamente por ello que hay un homenaje al padre del director de dicha cinta (el gran David Bowie) con la inclusión de 'Space Oddity' en una escena por demás crucial en la trama. www.facebook.com/celuloidedigital

Si bien es cierto que 'Eva' no logra esquivar ciertos clichés y resulta un tanto previsible su desenlace, es una muestra de que se puede hacer un cine diferente y sin concesiones para las masas consumidoras de cine light, es por eso que merece su rescate de los anaqueles de los videoclubes, lugar al que se le envió directamente en México sin tener corrida comercial en cines. ¡A rentarla ya!

Recientemente se cumplieron 40 años de la muerte del artista marcial Bruce Lee (20 de julio de 1973), acontecimiento que resultó casi simultáneo al estreno de su última y más importante cinta: Operación Dragón (Enter the Dragon, Dir. Robert Clouse), la cual sigue a un experto en artes marciales (Lee) mientras se infiltra en una operación antidrogas durante el Gran Torneo Hank, un evento de combate realizado cada tres años que promueve un jefe de la mafia en su propia isla. Con Operación Dragón, Bruce Lee alcanzó una fama póstuma sin precedentes en occidente; además, el filme es el responsable de desatar el furor que se vivió por los filmes de artes marciales en Estados Unidos durante la década de los 70s y 80; con el paso de los años, al cine de acción (no sólo en Estados Unidos) se fueron integrando elementos de las artes marciales y de ahí han surgido figuras como Jackie Chan, Jet Li, Jean Claude Van Damme, Steven Seagal, Jason Statham. Tal es la relevancia de Operación Dragón en el celuloide, que Quentin Tarantino le rindió un homenaje con la primera parte de su sangriento díptico Kill Bill, en cuya climática secuencia, el personaje central, La Novia -interpretada por Uma Thurman-, pelea contra los Crazy 88, contra Gogo Yubari y contra O-Ren Ishii enfundada en un entallado traje amarillo idéntico al de Bruce Lee en el mítico filme que hoy abordamos. Cabe señalar que el director Sion Sono, también rinde su propio y particular homenaje a esta cinta en su nueva producción Why Don't You Play in Hell?, pero de ello ya hablaremos cuando se estrene en México (si es que llega algún día, aunque sea a la Cineteca), por el momento es preciso señalar que ya se encuentra editada en formato de alta definición esta mítica pieza fílmica que no puede faltar en cualquier colección de amantes de las artes marciales y de Bruce Lee.

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Fundado con objeto de organizar el proyecto cinematográfico de Uruapan, Michoacán, fomentando la integración del público y la participación de los actores culturales para fomento de la cultura a través del cine.