CELULOIDE DIGITAL - DICIEMBRE 2012

TOP 5 #1 THE HOBBIT: AN UNEXPECTED JOURNEY Pág. 5 #2 MOONRISE KINGDOM - Pág. 15 #3 LIFE OF PI - Pág. 19 #4 CLOUD ATLAS - Pág. 23 #5 THE IMPOSSIBLE - Pág. 27 LA CARTELERA DICIEMBRE EN LA PANTALLA GRANDE - Pág. 31

¡EXTRA, EXTRA! - Pág. 37 FLASH FORWARD | ‘THE HOBBIT’ - Pág. 39 FLASHBACK | ‘SKYFALL’ - Pág. 41 EL NIÑO QUE TODOS LLEVAMOS AL CINE: ‘LOS GUARDIANES DEL CINE INFANTIL’ Pág. 45 CRONOS| ‘EL SEÑOR DE LOS ANILLOS III” - Pág. 49 CINE DEL FIN DEL MUNDO | PARTE III - Pág. 53 PANTALLA ALTERNA: 10° FICM - Pág. 57 ESPECIAL DE PANTALLA ALTERNA: “SECCIÓN LARGOMETRAJE MEXICANO EN EL FICM” - Pág. 66 REALIDAD MATA FICCIÓN | ‘INORI’ - Pág. 78 OUT | ‘HORS LES MURS’ - Pág. 79 LATITUD 7 | ‘CHOCÓ’ - Pág. 81

NOVEDADES DE CINE EN CASA - Pág. 85 PANTALLA CHICA - Pág. 87

El 2012 llega a su fin y comienzan a llegar las cintas fuertes para el Oscar, así que aquí les hablaremos de El Hobbit, nuestra película del mes que ya tuvimos la oportunidad de ver y nos ha gustado bastante (no se pierdan nuestra reseña).

Además, también les hablamos de Moonrise Kingdom (también la vimos ya y les hablamos de ella), Cloud Atlas (la nueva cinta de los Wachowski), Life of Pi (la nueva de Ang Lee) y The Impossible (de Juan Antonio Bayona -El Orfanato-).

Continuamos también con la última entrega de los artículos especiales sobre Cine del Fin del Mundo; nuestro compañero Pablo Peñalver nos habla de El Origen de los Guardianes, la nueva cinta animada de DreamWorks de reciente estreno en México y España. Por su parte, Imelda Aguilera nos habla de Skyfall, la nueva cinta del 007 que, aunque se estrenó a principios de noviembre, sigue fuerte en la cartelera (el cierre de esta edición la cinta nuevamente se encuentra en primer lugar en los Estados Unidos).

También les traemos la cobertura completa, completísima, del Festival Internacional de Cine de Morelia, que el mes pasado festejó su primera década de vida; ahí estuvimos durante los nueve días del festival y aquí te contamos qué paso cada uno de los días. También les hablamos de las nueve cintas que compitieron en la Sección Largometraje Mexicano, además de otros estrenos que vimos como el documental Inori y los largometrajes internacionales Hors Les Murs y Chocó, de estos tres trabajos fílmicos (entre otros) nos habla nuestro compañero J. Amaro Bautista en esta edición; de las otras cintas que tuvimos oportunidad de ver les hablaremos en futuras ediciones cuando se acerquen sus fechas de estrenos, por ejemplo Anna Karenina en enero.

Y ya que les hablamos de enero, no están ustedes para saberlo pero nosotros sí para contarlo, porque celebraremos nuestras primeras 30 ediciones así que les tendremos muchas sorpresas, como nuestra película del mes: Django Unchained, de las que les hablaremos a fondo en la próxima entrega, pero mientras tanto, no dejen de leer el artículo de Pedro Arzillier sobre el cine de Tarantino que viene publicado en este volumen.

Todo esto y mucho más contenido cinematográfico en el volumen 29 de CELULOIDE DIGITAL.

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Editor: Finbar Flynn.

Colaboradores: Pedro Arzillier, Imelda Aguilera, Sweet Bloody Dreams, Mauri, J. Amaro Bautista, Rafael Mejía, Julio Nuñez Marquez, Pablo Peñalver, Cinevidente, Bent, Siniestro Sexual.

Fotografías: Distintas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras.

Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

hacer una adaptación fílmica de un famoso ejemplar literario, supongo que se debe estar consciente de que jamás se podrán cubrir de manera completa las expectativas de los acérrimos fanáticos del material impreso; a pesar de ello, en 2001 el realizador Peter Jackson nos ofreció la primera parte de la épica trilogía de El Señor de los Anillos basada en la obra homónima de J.R.R. Tolkien. La Comunidad del Anillo, primera parte del tríptico cinematográfico (así como del literario), fue solamente la punta de lanza de una de las más famosas y exitosas trilogías en toda la historia de la cinematografía y que se ganó el aplauso del público y la crítica; de hecho, El Retorno del Rey, la tercera y última entrega de la saga, ganó once premios Oscar incluyendo Mejor Película. Aunque siendo honestos, El Retorno del Rey no fue la mejor película del 2003 (la falta de nominaciones en otras categorías principales como actores y actrices -tanto principales como de reparto- son muestra de ello; es decir, ¿cómo es que se puede ser la mejor película del año si no tiene de su lado las mejores actuaciones masculinas ni femeninas?), pero los miembros de la Academia se inclinaron por premiar el épico esfuerzo de Peter Jackson por trasladar a la pantalla el legado literario de Tolkien.

Ahora, nueve años después, el mismo Peter Jackson nos lleva de regreso a la Tierra Media para compartirnos las aventuras que precedieron a los hechos ocurridos en la trilogía original mediante la adaptación del libro El Hobbit que relata la historia del joven Bilbo Bolsón y la aventura en la que se ve inmerso cuando, tras una propuesta de Gandalf, se une a una épica odisea con la que buscan reclamar del reino enano de Erebor que se encuentra bajo el dominio del feroz dragón Smaug. Así, junto a trece enanos (liderados por el guerrero Thorin) que buscan recuperar su hogar, Bilbo emprende su inesperado viaje a través de tierras salvajes infestadas de trasgos, orcos y wargos para intentar llegar a los baldíos de la Montaña Solitaria, donde se encuentra el cautivo reino de Erebor.

En el trayecto, y a las orillas de un desolado lago subterráneo, el hobbit se encuentra con Gollum, ese legendario encuentro en el que Bilbo obtuvo posesión del Anillo Único, el anillo en el que en un futuro por nosotros ya conocido, estará depositado el futuro de la Tierra Media.

El Hobbit, era un proyecto originalmente estaba planeado para convertirse en un binomio cinematográfico, cosa que parece haberse puesto de moda desde que la saga Harry Potter dividió su capítulo final en dos partes para luego ser seguido su ejemplo por la franquicia pseudovampírica Twilight y como también lo hará la nueva sensación de series fílmicas: The Hunger Games con su capítulo final; pero unos meses atrás se anunció que El Hobbit se llevaría a la pantalla grande como una trilogía, lo cual provocó reacciones no tan favorables por parte de la audiencia. Y es que dividir un libro tan breve como lo es El Hobbit en dos partes puede resultar favorable para la historia y da oportunidad de desarrollarla en pantalla con una mayor fidelidad al libro y sin perder tantos detalles (el díptico Harry Potter y las Reliquias de la Muerte son el mejor ejemplo), pero ampliar la historia en tres entregas podría resultar contraproducente para la saga pues de alguna manera se tendrían que 'rellenar' los minutos en la pantalla para lograr contar una historia en tres filmes de larga duración (un aproximado de tres horas cada una).

El extender el proyecto a una trilogía no fue el único motivo de desconfianza que generó el proyecto, pues Peter Jackson también se inclinó por filmar la nueva saga en el novedoso formato HFR 3D (High Frame Rate 3D), el cual representa un avance tecnológico que busca ofrecer una experiencia más cercana o semejante a cómo el ojo humano ve, pues la frecuencia estándar hasta ahora ha sido de 24cps (cuadros por segundo) y el HFR 3D ofrece 48cps; este formato será en el que se filmarán y se presentarán las tres cintas de El Hobbit, además de algunos futuros proyectos de James Cameron, quien ha declarado que usará el formato HFR 3D en sus próximas cintas.

Para el épico relato de El Hobbit, ya se esperaba el regreso de Ian Mackellen como Gandalf y Andy Serkis como Gollum, ambos, personajes entrañables gracias a la serie fílmica de la década pasada y a quienes muchísimos ansían volver en una nuev aventura; tiempo después también se confirmó el regreso de Elijah Wood, Cate Blanchet, Hugo Weaving y Christopher Lee como Frodo, Galadriel, Elrond y Saruman respectivamente, a pesar de que sus participaciones son brevísimas y podrían considerarse simples cameos. Por otra parte, para dar vida a los trece enanos guerreros, los elegidos fueron Richard Armitrage (Thorin), Ken Stott (Balin), Graham McTavish (Dwalin), William Kircher (Bifur), James Nesbitt (Bofur), Stephen Hunter (Bombur) Dean O'Gorman (Fili) Aidan Turner (Kili), John Callen (Oin), Peter Hambleton (Gloin), Jed Brophy (Nori), Mark Hadlow (Dori) y Adam Brown (Ori). Todos ellos acompañan a Martin Freeman quien fue seleccionado para dar vida a Bilbo Bolsón en la aventura más grande de su vida.

A pesar de las reservas con las que muchos se acercarán a esta primera precuela de El Señor de los Anillos, les podemos asegurar que Peter Jackson ha logrado un filme que abre espectacularmente lo que será otra excelente trilogía cinematográfica.

Finalmente. la espera terminó y podemos decir que Peter Jackson lo logró de nuevo. Más allá de los formatos utilizados para la realización de la trilogía, el mayor temor de la horda de fanáticos de la obra de Tolkien era la manera en que se adaptaría el libro en tres cintas distintas, y sin haber leído el libro, puedo decir que Jackson va por buen camino.

En El Hobbit: Un Viaje Inesperado, gracias a su guión escrito por Fran Walsh, Philippa Boyens y Guillermo del Toro, Jackson logra una cinta redonda que cierra muy bien la primera parte de la historia. El film comienza con un breve prólogo que establece los parámetros en los que se desarrollará la historia, tal y como lo hicieron en La Comunidad del Anillo, sólo que esta vez la narración corre a cargo de Bilbo (Ian Holm) quien recuerda su mayor aventura mientras escribe su libro de memorias dedicado a Frodo. Así, Bilbo nos cuenta cómo es que Erebor, el reino de los enanos, fue tomado por el dragón Smaug (aunque este nunca aparece completamente en la pantalla) y nos presenta al personaje de Thorin, el líder guerrero de los enanos que busca recuperar su hogar en las entrañas de la Montaña Solitaria, en donde profundamente duerme el feroz dragón.

Tras el prólogo de Bilbo, Jackson comienza con la historia de la máxima odisea que vivirá el habitante de La Comarca: Bilbo (un carismático Martin Freeman) es invitado por Gandalf (un magnífico Ian Mackellen) para unirse en la cruzada de los enanos y jugar el papel de ladrón, pues por sus carácterísticas (pequeño y experto en pasar desapercibido, como todos los hobbits) y a pesar de que al inicio se mantiene renuente a acompañar a los enanos para recuperar su hogar, el hobbit finalmente acepta la misión, "¡Me voy a una aventura!" grita jubiloso cuando sale corriendo de la Comarca para alcanzar a los enanos que recién partieron.

En el camino, se encontrarán con elfos, trolls, orcos, gigantes de piedra, un poderoso hechicero llamado Ragadast (un divertido Sylvester McCoy), y por supuesto, Bilbo conocerá a Gollum, en unas de las mejores secuencias del film, secuencias que si algo se les pudiera reclamar es que el muy famoso juego de los acertijos en el que Bilbo vence a Gollum dura relativamente poco y nos quedamos con ganas de seguir jugando con ellos.

La cinta se desarrolla con un poco más de humor que en la trilogía original, probablemente porque la fuente original también es mucho menos densa y oscura que la historia de la travesía que los hobbits emprenden para destruir el Anillo Único; los efectos especiales son extraordinarios, las secuencias de peleas en las minas están perfectamente montadas y los monstruos lucen muy reales. Ésto, aunado al excelente desempeño actoral de todo el reparto (Martin Freeman está estupendo, e Ian Mackellen, ni se diga), pone a El Hobbit: Un Viaje Inesperado en un lugar muy difícil de superar por las próximas entregas, pero así como Jackson entregó aquí un primer capítulo muy superior a la primera entrega de la trilogía original, seguramente también se superará a sí mismo con el próximo capítulo: El Hobbit: La Desolación de Smaug que se estrenará en diciembre de 2013.

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"El Hobbit: Un Viaje Inesperado" es la última película del ganador del Oscar ® Peter Jackson. Es la primera de las tres películas basadas en la obra maestra de El Hobbit, de JRR Tolkien.

La aventura se basa en el personaje principal, Bilbo Bolsón (Martin Freeman), quien comienza una expedición épica por el perdido Reino Enano de Erebor, el cual fue conquistado por el temible dragón Smaug. Gandalf el Gris (Ian McKellen) es quien invita a Bilbo a unirse a un grupo de trece enanos, dirigido por el legendario guerrero Thorin Escudo de Roble para comenzar el viaje, que lo llevará a áreas silvestres, confrontándolo con orcos y hechiceros.

Aunque su objetivo se encuentra en el este, en la Montaña Solitaria, primero deben pasar a través de los túneles de los Hombres de la Tierra, donde Bilbo conocerá un personaje que le cambiará su vida para siempre: Gollum. Yendo por el borde de un lago subterráneo, Bilbo encuentra un anillo especial con propiedades inesperadas y útiles. Un anillo que determina la vida de la Tierra Media, pero Bilbo todavía no es consciente de esto

de la década de los 60, en la pequeña isla de New Penzance de Nueva Inglaterra, un par de pre adolescentes llamados Sam Shakusky y Suzy Bishop, deciden fugarse juntos y planean todo para abandonar cada quien su respectivo nido. Él, huérfano, abandonará el grupo de los exploradores; ella, hija mayor de una invisiblemente fracturada familia a causa de la infidelidad de su madre, abandonará su casa para fugarse con 'el hombre de su vida'.

Bajo esta premisa se presenta la nueva cinta de Wes Anderson, un director que como muy pocos, puede darse el lujo de que su nombre y/o apellido sirva(n) como adjetivo calificativo para describir alguna otra película ajena a su filmografía, como Hitchcock (esa secuencia es muy hitchconiana) o Tarantino (esa película es muy tarantinesca); así que ya podemos referirnos a otras cintas como 'Wes Andersonianas', especialmente después de esta cinta que viene a definir completamente su estilo ya tan marcado.

La trama de la cinta se enfoca en el romance entre la singular pareja de jovencitos fugitivos y los intentos del grupo de adultos por dar con su paradero; mientras la cinta avanza, los momentos absurdos marca Anderson no se hacen esperar, algunos de ellos en sus muy característicos planos de larga duración y algunos otros con su también característica cámara lenta. El ritmo lento (otra señal inequívoca de que estamos presenciando una cinta de Anderson) en ningún momento aburre, y es que los personajes están tan bien delineados que se vuelven entrañables y no nos dejan más remedio que enamorarnos de ellos y permanecer ansiosos por saber qué es lo que les sucederá a continuación.

Los culpables de dicho enamoramiento, además del buen trabajo de creación de personajes, son obviamente los actores, pues el ensamble actoral de la cinta es verdaderamente envidiable, comenzando por Sam y Suzy, los dos jovencitos protagonistas (y quienes más tiempo tienen solos en pantalla) interpretados por Jared Gilman y Kara Hayward, cuya inocencia y rebeldía que emanan al mismo tiempo es verdaderamente encomiable, como lo es también el desempeño del resto del elenco que incluye a Edward Norton, Bruce Willis, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman y obviamente Bill Murray.

Con una narrativa común, pero repleta de elementos casi artesanales (ojo con los efectos especiales) que embellecen una estupenda historia de amor y rebeldía entre dos jovencitos (un tanto ingenuos pero con una seguridad y seriedad en sus acciones que los hacen más maduros que sus padres), Wes Anderson ofrece la mejor película de su todavía corta carrera que seguramente seguirá en ascenso.

P.D. Quédense a ver/escuchar todos los créditos finales.

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El síndrome de Peter Pan es una afección mental planteada en 1983 por el psicólogo Dan Kiley, que se diagnostica a pacientes que se resisten a madurar, que prefieren conservar una percepción del mundo infantil. Aún no se ha demostrado que esta sea una afección real, pero de serlo, Mr. Wes Anderson tendría todas las caráctiristicas para sufrirlas.

Muchos de los personajes de sus películas, como los protagonistas de la absurda y cándida Life Acuatic o la sorprendente Fantastic Mr Fox, reflejan a la perfección esta patología. Se trata de personajes que se resisten a dar el paso a la madurez, que ambicionan metas aparentemente irrisorias y no son capaces de analizar las situaciones desde una perspectiva racional y consecuente.

Moonrise Kingdom es sin duda la película en la que esos personajes hubieran deseado vivir. La infancia, al igual que otros tantos temas del film, es abordada desde la teatralidad, desde lo falso. Se nos presenta a niños actuando como adultos, a adultos actuando como a niños, creando un espejo deformante en el que la edad física es lo de menos.

Habrá quién vea en este tratamiento de la infancia algo repulsivo y censurable, alguna que otra escena escandalizara a los defensores del “¿Alguien por favor quiere pensar en los niños?”. Pero también puede entenderse como una mera representación, una abstracción que viene a complacer nuestros deseos Peterpanescos y quizá también a invitarnos a pensar los niños como seres emocionalmente capaces.

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galardonadas cintas Brokeback Mountain y Crouching Tiger Hidden Dragon, Ang Lee, regresa a la pantalla grande con su primera incursión en el formato de tercera dimensión.

Con base en el best-seller de Yan Martel (que ha vendido más de siete millones de ejemplares), la cinta comienza y termina en Montreal, en donde un escritor en busca de inspiración, se encuentra con la historia de Piscine Militor Patel, el Pi del título que es interpretado por Suraj Sharma en su juventud, mientras que en su edad adulta es encarnado por Irrfan Khan. Pi, criado en Pondiocherry, India, en donde tiene una vida pródiga como el hijo del dueño del zoológico; sus días transcurren entre tigres, hipopótamos, cebras, entre otras muchas criaturas exóticas y desarrollando sus propias teorías sobre la naturaleza humana (y también la animal), la esperanza y la fe. Tras un intento fallido por hacerse amigo de Richard Parker, un tigre de bengala, el joven aprende una dura lección de su padre sobre las relaciones hombre-animal: "¡Ese tigre no es tu amigo!... Los animales no piensan como nosotros; ¡la gente que olvida eso termina muerta!", palabras que impactan de manera profunda en la otrora insaciable curiosidad de Pi. Además, el mundo de Pi se ve sacudido por cambios repentinos que ocurren en su país y sus padres deciden cerrar el zoológico para emigrar hacia una vida mejor en Canadá, por lo que empacan sus pertenencias (entiéndase que también algunos animales del zoológico van incluidos) y abordan un barco carguero nipón que inesperadamente naufraga dejando, de manera milagrosa, como único sobreviviente a Pi, quien apenas puede aferrarse a un bote salvavidas entre los vestigios del barco hundido; a la deriva del Océano Pacífico, el joven se topa con otro barco salvavidas en donde encuentra a otro inesperado sobreviviente: Richard Parker.

Ahora, ambos 'naufragos', se enfrentan a retos inimaginables para poder sobrevivir, experiencia que llevará a Pi a preguntarse sobre los planes que Dios tiene para él; es un viaje de superación y autodescubrimiento en el que, al igual que lo hiciera Martin Scorsese con su Hugo el año pasado, Ang Lee utiliza la tercera dimensión como herramienta para envolver al espectador dentro del contexto de la narración y expandir la experiencia del público en la historia. “Quería que la experiencia de la película fuera tan singular como el libro de Yann Martel”, comenta el director, “y eso significaba crear el filme en otra dimensión. El 3D es un lenguaje cinematográfico nuevo,

y Life of Pi es acerca tanto de sumergir a las audiencias en la situación emocional de los personajes como lo es acerca de lo épico de la escala y las aventuras”.

“Life of Pi, a gran escala, es una historia de fe”, agrega el realizador. “De muchas maneras, es acerca de lo valioso de contar historias y de compartirlas”, historia que nos compartirá en pantalla grande a partir del 20 de diciembre cuando llegue a las salas mexicanas en los formatos 4DX, 3D, Digital y 35mm, una cinta que suena como fuerte candidata para los premios de la Academia en febrero del año próximo.

Matrix (The Matrix; 1999), sus creadores, los hermanos Andy y Lana (en ese entonces Larry) Wachowski, se convirtieron en personalidades con un gran peso dentro de la industria cinematográfica hollywoodense. En su breve filmografía, resaltan los elementos que buscan evadir el aburrimiento y buscando siempre un poderío visual que atrape la mirada del espectador, a pesar de que ello signifique sacrificar muchas veces la historia, característica que por lo regular se convierte en el talón de Aquiles de sus proyectos (sí, estoy hablando de Matrix Reloaded y Matrix Revolution). Tras la trilogía protagonizada por el inexpresivo Keanu Reeves, los Wachowski apostaron por la adaptación al cine de la serie animada Speed Racer (2008), la cual no dejó satisfechos ni al público ni a la crítica. Además, a la par de sus esporádicos proyectos como directores, se han ocupado también de producir cintas como V for Vendetta y Ninja Assassin; la primera, muy buena; la segunda, en el extremo opuesto.

Este mes, llega a las pantallas de nuestro país la nueva propuesta de los hermanos realizadores, con una trama que se sitúa en seis épocas distintas y que a lo largo del filme se entrelazan (a diferencia del libro de en el que está basada y en el que cada historia se narra de manera independiente y haciendo únicamente sutiles relaciones entre ellas de manera ocasional) para crear un relato épico sobre las decisiones que tomamos a lo largo de nuestra vida y cómo repercuten en nuestras vidas y las de otros durante muchos años, inclusive siglos.

Es así como en este mosaico fílmico que co-dirigen con Tom Twykver (Corre Lola Corre y El Perfume), podemos ser testigos de cómo un abogado (Adam Ewing, interpretado por Jim Sturgges) viaja de San Francisco a las Islas del Pacífico para encontrarse con el dueño de una plantación y donde entablará una inusual amistad con el esclavo Autua. Ya en la primera trama que se desarrolla en el Siglo XX, podemos ver cómo el compositor Robert Frobisher (Ben Whishaw) logra escapar de unos hombres que le persiguen y comienza a trabajar en el 'Sexteto Cloud Atlas' bajo la protección de un anciano músico llamado Vyvyan Ayrs (Jim Broadbent) quien resulta estar casado con una mujer muchísimo más joven que él y que es interpretada por Halle Berry. Ésta misma actriz, pero en la trama de la década de los años setenta, interpreta a Luisa Rey, una prometedora periodista que se ve envuelta en un peligroso caso que rodea a una planta nuclear y quien se verá forzada a intentar escapar (con la ayuda de Isaac Sachs, interpretado por Tom Hanks) de quienes la persiguen para evitar que la verdad salga a la luz; Hugo Weaving, Keith Davis, Xun Zhou y Doona Bae, dan vida a otros personajes en esta trama entretejida de la cinta. En la trama siguiente (cronológicamente hablando) la acción sucede en el 2012 en donde Timothy Cavendish (nuevamente Jim Broadbent) presenta el libro escrito por Dermot Hoggins (Tom Haks) y que se convertirá en toda una sensación en el mundo editorial; en esta trama, Hugh Grant encarna a Denholme Hoggins, hermano de Dermot y Ben Whishaw da vida a Georgette, la esposa de Denholme. Poco más de cien años en el futuro, en el 2144 para ser más exacto, la trama se traslada a Corea, el futurista entorno enmarca la historia de Somni-451 (Doona Bae), quien es alentada por su amiga Yoona-939 (Xun Zhou) para que comience a pensar por ella misma y quien termina uniendose a una 'revolución' al lado de Hae-Joo Chang (Jim Sturges). Una trama postapocalíptica es la que completa la cinta y en la que una civilización primitiva (de la que Zachary, personaje interpretado por Tom Hanks) adora a su diosa que resulta ser Somni; aquí, la actriz Susan Sarandon hace acto de presencia además de los ya recurridos Halle Berry, Hugo Weaving, Xun Zhou, Jim Sturgess, Ben Whishaw y Jim Broadbent.

Con estas tramas (y subtramas que hay en cada una de ellas) en las que aparecen los mismos histriones dando vida a diversos personajes (algunos de ellos incluso a personajes del sexo opuesto) no resulta inaudito el saber que no cualquiera se hubiera atrevido a llevar este proyecto a la pantalla grande y mucho menos trasladarla al cine con otro director involucrado también en el filme, algo que para algunos ha resultado perjudicial para la cinta, pues hay quienes aseguran que el estilo de los Wachowski y el de Tykwer es tan distinto que la cinta carece de cohesión artística. Pero más allá de las discrepancias entre los estilos fílmicos de los Wachowski y de Tykwer, Cloud Atlas pretende abordar una historia humana sobre las consecuencias de nuestros actos y como éstas dejan huella en el espacio-tiempo y trascender más allá de nuestra humanidad, si lo logra o no, eso está por verse.

de terminada la navidad del 2004, un tsunami devastó parte de Tailandia, Indonesia y otras zonas de los alrededores. El saldo mortal de las víctimas ascendió a cerca de 300 mil personas y muchos miles más resultaron damnificados; el evento natural se ha catalogado como uno de los más letales de los que se tenga registro.

Y es una de las miles de historias de supervivencia a éste fenómeno (en particular la de una turista española que se encontraba vacacionando en la zona cuando ocurrió el desastre), la que ha servido como base para el director español Juan Antonio Bayona, responsable de El Orfanato -la primera cinta de Bayona en 2007-, y su nuevo proyecto fílmico: The Impossible.

Valiéndose de dos actores de renombre para los roles protagónicos (Naomi Watts y Ewan McGregor) y de los aún desconocidos Tom Holland, Samuel Joslin y Oaklee Pendergast para interpretar a los tres hijos de la pareja estelar que plácidamente vacaciona en un playa al sur de Asia cuando el desastre natural súbitamente hace acto de presencia, Bayona apuesta por la crudeza en su narrativa haciendo mancuerna con el guión desarrollado por Sergio G. Sánchez (también responsable del guión de la Ópera Prima de Bayona) y filmando en locaciones en la misma zona que fue afectada por el embate de la naturaleza en 2004; la cinta de Bayona sigue el viaje de reencuentro entre los miembros de la familia Owens que fue separada por la mortal corriente del tsunami.

Durante su estreno en España el pasado 12 de octubre, la cinta rompió records de recaudación en la historia de la taquilla nacional; en su primer día de exhibición, más de 400 mil almas se dieron cita para ver la cinta del director al que muchas llaman 'el nuevo Amenábar', pues a pesar de su corta edad (y sólo un par de cintas en su filmografía) ha logrado proyección internacional y su talento le augura un prometedor futuro. Para dar una idea más clara del éxito en la taquilla española, ni siquiera la nueva cinta de James Bond, Skyfall, pudo quitarle el primer lugar cuando el 007 tuvo su primera corrida comercial.

Finalmente, tras un par de meses desde su estreno en España (y hay que considerar que eso no es nada si consideramos que La Chispa de la Vida de Alex de la Iglesia apenas llegó el mes pasado a nuestra cartelera y en su país de origen se estrenó desde enero -y mejor olvidemos que Balada Trsite de Trompeta jamás llegó a nuestro país-) este mes llega a las pantallas mexicanas The Impossible, la apenas segunda cinta de Juan Antonio Bayona, un director al que debemos mantener en la mira pues seguramente tendrá una carrera arrasadora como el tsunami de su cinta.

A partir de la muerte de su madre y con su relación en crisis, Martin decide irse en busca de Lola, una mujer mexicana que actúa como stripper todas las noches. Sus vidas se encuentran y comienza el misterio y una seducción que podría ponerlos en peligro a ambos.

El legado que Bob Marley dejó a la historia de la música es único e inigualable. Además de poner a Jamaica en el mapa y al reggae en los oídos de todo el mundo, fue un líder social que difundió la cultura rastafari y se convirtió en un profeta político al conciliar posturas opuestas. A través de viejo material de archivo, presentaciones en vivo nunca antes vistas, música inédita y entrevistas reveladoras con familiares, amigos y gente cercana a él, Marley es la historia definitiva del músico, revolucionario y hombre, desde sus comienzos hasta su ascenso al reconocimiento internacional.

Artie y Diane Decker, son llamados por su hija para ayudarla a cuidar a sus tres nietos. Cuando los métodos de la vieja escuela de los padres chocan con la escuela de sus nietos que son nuevos. Artie y Diane deben emplear algunas de las tácticas inesperadas, incluyendo un estilo de crianza nuevo para sí mismos, y así ayudar a enseñar a sus nietos a actuar realmente como niños.

La familia Maynard acaba de mudarse a la casa de sus sueños, una tranquila residencia en un pueblo al norte de Inglaterra. Su vida aparentemente perfecta se ve trastornada cuando un espíritu sobrenatural acosa a su hija, Sally, y no deja en paz a la frágil familia mientras ellos sigan en la casa. Jenny y su esposo Len buscarán ayuda desesperadamente por cualquier lugar, entre otras medidas extremas, para lograr librar a su hija y a su hogar de este maligno ser.

Las paredes hablan es un largometraje mexicano en el que la historia es narrada por el alma de una casa, Casa Espíritu, donde se vive el amor de Javier y María, un romance contario a la voluntad de sus familias, rivales por el poder político y económico del país. La trama se desarrolla durante tres períodos claves de nuestra historia, en 1810, cuando comienza la lucha por la independencia en México, 1910, al inicio de la Revolución mexicana, y en 2010, con la insurgencia del narcopoder. Una emblemática colección de arte mexicano cambiará de manos con los vaivenes de la historia. Las paredes hablan es un “Viva México” muy al estilo de nuestros tiempos, entusiasta y crítico, para celebrar y reflexionar la Celebración del Centenario de la Revolución y del Bicentenario de la Independencia.

Después de haber sido rechazado por muchos otros, finalmente, Rory Jansen, un aspirante a escritor, tiene el mundo a sus pies, una hermosa mujer a su lado y el éxito abrumador de uno de los sucesos más importantes del siglo, la publicación de su primer libro; ahora él está en todos lados y se ha convertido en una estrella de las letras, pero un secreto arrollador está esperándolo. Estando en la cumbre del éxito, la vida dará una nueva vuelta y Rory se encontrará con un anciano y con una revelación de los trágicos recuerdos de su juventud en París, después de la Segunda Guerra Mundial, que dieron origen al misterioso libro. Rory no parará hasta descubrir la verdad sobre el manuscrito que lo hizo famoso, pero un viejo maletín esconde el gran secreto de su éxito y le mostrará que el precio por usurpar la historia y la vida de otro hombre puede llegar a ser muy alto.

Monsters Inc. es la mayor empresa de miedo del mundo de los monstruos y James P. Sullivan es uno de sus mejores Asustadores. Sullivan es un imponente personaje recubierto de piel azul con lunares de color violeta que luce dos cuernos, y al que sus amigos llaman Sulley. Mike Wazowski, su Ayudante Asustador, además de su mejor amigo y compañero de habitación, es un monstruo verde, testarudo, tuerto y muy divertido. Asustar a los niños no es un trabajo tan fácil ya que los monstruos creen que son altamente tóxicos y no pueden entrar en contacto con ellos de ninguna manera. El ecléctico reparto también incluye al presidente y consejero delegado de la empresa, un monstruo en forma de cangrejo llamado Henry J. Waternoose, a la recepcionista Celia, una adorable monstrua con cabeza de serpiente, y al sarcástico camaleón llamado Randall Boggs, que quiere arrebatar el título de Mejor Asustador a Sulley. Boo, una niña muy pequeña, penetra en un mundo donde ningún ser humano se había atrevido a entrar hasta ahora, y siembra el caos tras ella.

Esta es la historia de tres hombres: Luisillo, un joven talentoso que aspira a jugar futbol de manera profesional; Alvaro, quien es directivo de un equipo de primera división y mantiene una enfermedad en secreto, y David, un obrero desempleado que ha caído en la depresión y que ha descuidado a su familia. Su vida cambiará cuando “El Profe”, un enigmático taxista, aparece en sus vidas, quien les brindará apoyo y les demostrará que la vida está llena de oportunidades. Un filme basado en historias reales.

Andrés descubre que su abuelo Justino, quien creía muerto desde hace mucho tiempo, vive todavía. Justino está en España y no ha sabido nada de su hija Clara, quien se marchó a México durante el régimen Franquista huyendo por las terribles consecuencias que la situación política provocó en su núcleo familiar. Este descubrimiento desencadenará un reencuentro entre padre e hija, obligando a ambos a reconciliarse con su pasado y con ellos mismos, a la vez de regalarle la oportunidad a Andrés para encontrarse con sus raíces.

George Dryer solía ser un legendario futbolista profesional.

Ahora, olvidado, divorciado y con un hijo, consigue un trabajo entrenando a un equipo infantil de futbol, en un intento por rehacer su vida. Las madres de los niños que integran el equipo comienzan a asistir a los partidos más para ver al atractivo nuevo entrenador. Nuevas amistades y oportunidades llegarán de lugares inesperados para George, y aprenderá a ser un profesional en la vida.

El Origen de los Guardianes es una aventura mágica y épica que cuenta la historia de Santa Claus, el Conejo de Pascua, el Hada de los Dientes, el Creador y Jack Escarcha – personajes legendarios con habilidades extraordinarias hasta ahora desconocidas. Cuando un espíritu maligno mejor conocido como Pitch, decide dominar al mundo, los Guardianes inmortales deben unir sus fuerzas para proteger las esperanzas, creencias e imaginación de los niños de todo el mundo.

En el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia, el pasado 4 de noviembre se llevó a cabo la presentación oficial de la casa productora Lucía Films, la cual surgió desde 2011 a partir de la colaboración de Moisés Zonana y Michel Franco en la galardonada cinta Después de Lucía. El talento de Franco en la dirección cinematográfica y la astucia empresarial de Zonana conforman una fórmula única que ayudará a desarrollar proyectos rentables de manera comercial sin perder de vista la calidad artística que la novel casa productora buscará ofrecer al publico.

La ya mencionada Después de Lucía, primera cinta de Lucía Films, representó a México en diversas Muestras y Festivales como el prestigiado Festival de Cannes en donde obtuvo el premio correspondiente a la sección 'Un Certain Regard' y una mención especial en el Festival Internacional de Cine de San Sebastian.

Lucía Films realizará, durante el 2013, diversos proyectos con productores y directores de renombre como Michael Rowe, Tony Gatlif, Helen Olive, Gabriel Ripstein y Jorge Hernández.

“Estrella Gitana”, bajo la dirección de Tony Gatlif.Escrita por Mauri Katz y Tony Gatlif, realizada a través de una coproducción con Eurowide Film Production (Francia-México) y producida por Claudie Ossard, Chris Bolzi y Michel Franco.

“A los Ojos”, dirigida por Michel y Vicky Franco. Este proyecto constituye la tercera cinta del cineasta Michel Franco, galardonado recientemente en Cannes por Después de Lucía. “Áncora”, documental bajo la dirección de Vicky Franco.

“Hotel Garage”, serial televisivo bajo la dirección de Michael Rowe y coproducida por Michel Franco para Once TV México. La primera temporada de la serie contará con doce episodios.

“600 Millas”, será la Ópera Prima de Gabriel Ripstein.

“Los Herederos”, bajo la dirección de Jorge Hernández Aldana, venezolano radicado en México que ha participado en proyectos como El Búfalo de la Noche.

Durante las jornadas de la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) junto con Ediciones De Buena Tinta, presentaron la publicación de cinco libros que conforman la colección resultado del Taller de Altamira: Laboratorio de Dramaturgia para Cine.

La colección propone textos inéditos para el cine que han sido escritos por frescos dramaturgos y cineastas nacionales, quienes integran un concepto para la escritura de guiones a la vez que exploran el nivel de otros géneros literarios. Con esta publicación, el IMCINE busca fomentar la creación cinematográfica desde su origen, es decir, desde la escritura del guión como texto para cine.

Los títulos son: Distancias cortas de Itzel Lara, Amor y matemáticas de Adriana Pelusi de Icaza, Encuentro de Claudia Sainte-Luce, Incertidumbre de Carmen Ramos y, Ok, está bien de Roberto Andrade.

El pasado 10 de noviembre, durante la décima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA) inauguró en la capital michoacana la Escuela de Guión Cinematográfico 'Mauricio Magdaleno', la cual representa una alternativa para los escritores tanto nacionales como de Iberoamérica, ofreciendo a los estudiantes fortalezas tanto intelectuales, productivas, culturales y creativas.

Se trata de la primera academia especializada en guionismo cinematográfico en México con nivel de posgrado y reconocimiento ante la Secretaría de Educación Púbica (SEP). La primera generación estará integrada por 10 alumnos, mientras que para la segunda generación, en 2014, se contemplan 12 estudiantes.

Los trabajos de la escuela serán coordinados por el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).

Se ofrecerán también cursos de fin de semana con aproximadamente 15 alumnos. Los programas académicos y cursos contarán con el apoyo del CONACULTA, el CCC e IMCINE.

SALT 2 Columbia Pictures ha contratado a Becky Johnston para que escriba el guión de la secuela de la desafortunada cinta protagonizada por Angelina Jolie en 2010 BOURNE Matt Damon declaró que posiblemente regrese a la franquicia del amnésico asesino gubernamental y que de hecho le ha solicitado a Jonathan Nolan que escribiera una buena historia para darle un nuevo empuje a la saga cuya última cinta estuvo protagonizada por Jeremy Renner. THE AMAZING SPIDER-MAN 2 Martin Shhen declaró que estará de regreso para la secuela del reboot arácnido que se columpió en las pantallas a mediados de este año.

FANTASTIC FOUR El reboot de la franquicia fantástica (que no es lo mismo que la fantástica franquicia) será estrenado el 6 de marzo de 2015 THE WOLVERINE Fox anunció que esta cinta (junto con otros de sus próximos proyectos como X-Men: Days of Future Past, Dawn of the Planet of the Apes y Percy Jackson: Sea of Monsters) serán convertidos a 3D durante el proceso de post producción.

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ablar un poco de este gran Director, me refiero a Quentin Tarantino, es regresarme hasta su primer película, que para muchos paso desapercibida, pero con el tiempo se volvió de culto; me refiero a Perros de Reserva (Reservoir Dogs; 1992). Gran peliculón en el que los diálogos y los aspectos psicológicos de cada uno de los personajes, se quedaron marcados en más de uno de nosotros. Cómo dejar fuera de mis comentarios a Tiempos Violentos (Pulp Fiction; 1994), la que marco el regreso y muy bien logrado de John Travolta. Una película llena de excelentes diálogos y viajes hacia adelante y atrás de la historia, todavía recuerdo a muchas personas hacer comentarios que no habían entendido y por qué si ya se había muerto uno de los personajes aparecía después. Otra de las increíbles, pues Kill Bill (2003 y 2004). Y cómo dejar fuera su gran película: Bastardos sin Gloria (Inglourious Basterds; 2009). ¿Por qué hago mención de estas películas? Pues aunque no lo crean, hemos visto aquí un genero western disfrazado, adaptado a las diferentes épocas y logrado de una manera fenomenal.

Hace ya mucho tiempo que no es llevada a la pantalla grande una película de vaqueros. Pero si como director encontramos a Tarantino, acompañado de Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson y Jamie Foxx, ésto sí será un boom.

Todavía recuerdo la primera aparición de un pequeño muchacho en una película de vaqueros; me refiero a una de las primeras películas de Leonardo DiCaprio en la que vemos a un casi polluelo sacado del cascaron, enfrentar a su padre (Gene Hackman) en un duelo de pistolas, me refiero a la película Rapida y Mortal (The Quick and the Dead; 1995).

Ya también ahora hablando de Hackman, recuerdo la ganadora del Oscar: Los Imperdonables (Unforgiven;1992) de la mano de Clint Eastwood. Película que a principios de los noventa retomó el género western.

¿Será esta la fórmula perfecta? Yo creo que sí.

En esta película vemos una historia de un esclavo que es liberado y convertido en cazador de recompensas, también vemos la venganza que ronda a lo largo de la película. ¿Qué podemos esperar?

Pues como ya es característico en los filmes de Tarantino, excelentes diálogos.

Caracteres psicológicos muy profundos de todos los personajes y acción. Para los que no han visto el tráiler de Django Sin Cadenas (Django Unchained; 2012) se los recomiendo mucho.

Ya ansioso paras su estreno y siendo superfan de Tarantino, no queda más que esperar al día de estreno y ver qué noticias salen antes de llegar a la pantalla.

http://youtu.be/cakdKJcLVjw

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in lugar a dudas, una de las franquicias cinematográficas mas rentables en Inglaterra ha sido James Bond, el espía-agente encubierto carismático, elegante, cumplido y seductor con el que las mujeres del mundo entero esperarían toparse para ser rescatadas de sus problemas, pero sobre todo, para verse protegidas por sus experimentados brazos.

A lo largo de 50 años, el agente ha sido interpretado por Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig, quienes, sobra decir, desbordaron atractivo en la pantalla grande, amén de sus habilidades en la difícil tarea de mantenerse a salvo mientras libraban al mundo de un malhechor más. Cada actor le inyectó su muy particular personalidad al agente, quien además de aparecer perfectamente planchado y peinado, lograba el cometido de enaltecer la percha inglesa. Sin embargo, sólo Daniel Craig ha aparecido junto a la Reina Isabel, máxima figura de aquel país en el evento olímpico mundial por excelencia, como su guardaespaldas.

Baste decir que James Bond es un personaje rentable al grado de que en México incluso se han hecho chistes de sus frases mas características como: "Bond...James Bond" o "melted, not shaked" (que seguramente gozan de la protección de derechos de autor), lo cual demuestra la influencia cultural que ha significado en sociedades como la nuestra, la impronta del espionaje iniciada hace 5 décadas. En contraparte,

Cantinflas personalizó al Patrullero 777 (1978) y, en Estados Unidos se creó un anti-agente cuyas habilidades van más en torno al goce de sus privilegios que a su efectividad como espía: Austin Powers (1997). ¿Pero quién es James Bond? Es el personaje creado por Ian Fleming, cuyas características y habilidades fueron retomadas de las experiencias de vida del autor, del cual también se han identificado aspectos autobigráficos (no todos comprobados), cuyos nombres aparecen como títulos, lugares, personajes o como parte del disfráz utilizado por el agente. Resalta la frialdad y precisión de Bond, puesto que la naturaleza de su personaje lo requería: ser un hombre de acción que no dejara lugar a dudas de su capacidad y, al mismo tiempo, ser el hombre atractivo a cuyos pies se rinden las mujeres más bellas, independientemente si están aliadas a la causa o al enemigo.

La formación literaria y militar de Fleming, lograron darle viveza a las acciones y situaciones de James Bond, homónimo de un ornitólogo estadounidense cuya obra fue leída por el escritor. Su objetivo de que fuese un nombre sencillo y fácil de recordar se cumplió cabalmente, pues de seguro es uno de los mas conocidos en todo el mundo, sin necesidad de mayores referencias.

Después de su muerte, otros escritores continuaron la saga, adicionando elementos modernos del mundo del espionaje, pero conservando el formato de los personajes, su movilización por los diferentes continentes y asegurando que los enemigos, las chicas y los utensilios propios de su labor, sean adecuados al formato del MI6.

Es hasta la era de Daniel Craig, que vemos a un Bond esencialmente atlético, aunque no tan alto (los anteriores no resultaban especialmente acondicionados en lo físico, sólo lo necesario para ser atractivos y dinámicos, pero de al menos 1.87m de estatura), cuyo rostro en particular es frío e imperturbable, menos seductor o simpático que sus predecesores, más apegado a la idea original de su creador, quien en Casino Royale (2008) incluso parecía más violento e indiferente a los resultados, por desastrosos que estos fueran, que los anteriores: alguien que no disfruta de su trabajo, pero no duda en hacerlo bien. La contraparte fue que nos mostró su lado humano, vulnerable, sobre todo en el aspecto emocional: sufrir el desengaño amoroso, la traición, la decepción, el dolor y el sarcasmo, que Daniel Craig puede evocar con facilidad por sus facciones duras y definidas, poco estéticas quizás en comparación con los metrosexuales y andróginos estereotipos del siglo XXI. Es justamente a partir de esa nueva versión de Casino Royale, que se buscan retomar los orígenes de la historia, en una reinversión del personaje. Luego de Quantum of Solace (2010), con la cual Craig se posiciona como un creíble James Bond, llega en 2012 Skyfall, que muestra al individuo, ciudadano del mundo, alejado de las intrigas internacionales, haciendo lo que un hombre enojado con la vida intenta: la autodestrucción. Así, se busca una zona de confort, se entrega a las bajas pasiones y el vicio, sin sentir satisfacción alguna, pero creando su muy especial espacio entre quienes lo rodean. Sin embargo, como eficiente hombre de honor, saldrá de su destierro para salvaguardar a los de su especie: el vulnerado MI6.

Resulta interesante ver a un James Bond en proceso de rehabilitación y entrenamiento, fallando en todo lo que es experto y enfrentándose al rechazo de quienes un tiempo antes, no dudarían en confiar en él. De hecho, se le nota agobiado en su primer encuentro con un muy joven y guapo Q, quien le proporciona un casi simple equipo y más aún, al toparse con el enemigo, quien le aplica dosis de sarcasmo, habituales en el propio Bond.

Más allá de su drama particular, la historia es un reflejo de lo que implica la reivindicación del personaje, que inevitablemente debe volver a sus orígenes para lograr sobrevivir, por mucho que este los rechace.

Es así como la creatividad y la pericia dejan de lado la ultra moderna tecnología, otorgando valor precisamente al lado humano de la personalidad de Bond: la entereza para hacer lo necesario y cumplir la misión con los recursos existentes, a pesar de que ello implique perderlo todo al tiempo que se renueva su seguridad y se refuerza su integridad, corroborando que el 007 no podrá ser anulado ni entre los escombros de Skyfall.

Las generaciones que han visto los filmes de James Bond, seguramente seguirán disfrutando de nuevos episodios del agente, con una perspectiva menos saturada, a pesar de los avances tecnológicos en la industria del cine, pues pertenecen a un segmento en el cual son las habilidades del individuo las que importan, definitivamente las hacedoras del personaje. Tal vez se llegue a 100 MI6, pero algunos de nosotros, no lo veremos y seguramente nadie encontrará una lápida grabada con un 007.

http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_noviembre_2012_skyfall

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ay determinadas propuestas cinematográficas que son manzanas en la cabeza de Guillermo Tell. Ideas relucientes, apetitosas, pero inestables, sin demasiada sujeción. En este tipo de proyectos, por suerte o por desgracias, la responsabilidad recae por completo en el arquero. Del pulso del tirador designado dependerá que el show sea un éxito o un saetazo a la cabeza de los niños, literal en ocasiones.

No es el caso, nos encontramos ante una diana rotunda. No es de extrañar, el artífice de este proyecto es un arquero experimentado. Willyam Joyce es un guardián de lo infantil. Autor de libros, ilustrador, creador de series para televisión, en cine participó por ejemplo en la conceptualización de películas tan fundamentales para la animación infantil como Toy Story o Bichos. Y en 2011 se llevó el Oscar al mejor cortometraje de animación con su “The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore”, una inteligente y delicada carta de amor a la literatura que nos habla del paso del tiempo, del oficio de escritor y de la magia de las historias.

Joyce es un autor, en la más polisémica definición de la palabra, con oficio. Se nota que para él el mundo de la infancia no es una excusa, o una moda pasajera que transitar en un momento de su carrera, no. Joyce es un artesano que entiende que dominar el lenguaje de los más pequeños es una cuestión de oficio, de constancia, de trabajo.

El Origen de los Guardianes bebe y mucho de este autor.

Para empezar la trama del film está basada en “The Guardians of Childhood” una serie de 15 libros de los cuales el autor americano ha publicado 3 en forma de novela y 2 libros de ilustraciones. Pero no acaba ahí la cosa. Muy acertadamente, los productores de DreamWorks decidieron contar con él a la hora de llevar la saga al cine. Y el feliz resultado de esa confianza ha sido un guión que, argumentalmente, nada tiene que ver con ninguno de los libros de la serie. Se trata de una historia completamente nueva, ambientada 200 años después del último de los libros de la saga.

Es de agradecer, en primer lugar, que al fin se deje de vivir del refrito y la copia. Ahora que está de moda estirar las adaptaciones cinematográficas de sagas de libros hasta el extremo, perdiendo en muchas ocasiones, no ya frescura, sino pulso dramático. Ahora, se agradece que alguien plantee una propuesta que no encarece en exceso los costes económicos pero evidentemente supone un sobresfuerzo imaginativo y conceptual que, como amante del cine, se agradece.

Los Guardianes de la infancia surgen de una pregunta que la hija de Joyce le hizo hace años a su padre “¿El Conejo de Pascua y Santa Claus son amigos?” Está inocente cuestión disparó la imaginación del autor, quién se dio cuenta de que los héroes infantiles tienen un imaginario realmente pobre.

Así, en la saga, Joyce se esfuerza en atribuir toda una mitología, un pasado, unos deseos, una estética, etc. a los grandes héroes de nuestra infancia, o de la infancia americana, mejor dicho: Santa Claus, El Conejo de Pascua, El Hada de los Dientes y Sandman.

El Origen de los Guardianes retoma a los personajes de los libros y les pone al servicio de una nueva historia, la de Jack Escarcha (o Jack Frost), un espíritu joven y travieso al que los niños no hacen mucho caso. Un malote enternecedor que tratará de redimirse formando parte del equipo de los Guardianes, que velan por mantener la ilusión de los niños. En este film, la misión de estos “Avengers” para niños será enfrentarse al Coco, un villano dispuesto a convertir los sueños infantiles en pesadillas, a llevar el miedo al subconsciente de los más pequeños.

Como decíamos al principio, la premisa es cuanto menos resbaladiza. Teniendo en cuenta la montaña de celuloide absolutamente vomitivo que se ha producido a lo largo de la historia sobre estos personajes: películas navideñas oportunistas, retratos almibarados hasta la nausea, etc. La mezcolanza de todos ellos podría ser un lamentable despropósito. No es así.

El Origen de los Guardianes es una película ágil y bien estructurada, con un guión solvente, entretenida y trepidante. No cae en tópico de buscar la complicidad con el espectador adulto, esta es una película de y para niños.

En el terreno visual el film se reafirma en todo lo anterior. Resulta conmovedor prestar atención al meticuloso imaginario diseñado para la trama. En muchas ocasiones, el detalle extremo de la animación sólo sirve para ocultar un vacío conceptual o argumental, pero vuelve a no ser el caso. El Origen de los Guardianes cuenta con auténticos y sutiles hallazgos visuales. Del escenario con arquitectura a los Escher de la guarida del Coco, a la cuidada ambientación del vestuario de los personajes nos revela un poderoso background, una sólida roca, el imaginario de Joyce, sobre la que se sustenta el filme.

A la película se le puede reclamar quizá una falta de profundidad en el mensaje.

Sí bien hablar de la irracionalidad del miedo por el miedo y la importancia de la esperanza a las nuevas generaciones nunca está de más, se echa en falta un discurso algo más elaborado sobre los conflictos reales del mundo infantil actual. No se puede tener todo.

Pero nos encontramos sin duda ante una gran película para niños, no tan magistral como los mejores Pixar, pero que demuestra que DreamWorks tiene mucho que decir y pone sobre la mesa alternativas de calidad al monopolio de los dibujantes del flexo. Ahora que todo producto ha de funcionar para toda la familia, nunca está de más que vuelvan los guardianes de la infancia, los autores con oficio, y hagan películas para mantener viva la ilusión de los niños. Que nosotros los adultos la recuperemos, siento decirles, es absolutamente secundario.

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os años después de que diera comienzo una de las mayores sagas del nuevo milenio, Peter Jackson ofreció El Retorno del Rey. Basada en la homónima tercera entrega literaria de El Señor de los Anillos, el film contó con un presupuesto de aproximadamente $94mdd y fue la más taquillera de la trilogía alcanzando ganancias en la taquilla global por $1,119,929,521mdd, permaneciendo en ese entonces por debajo únicamente de Titanic; hasta el momento, el film de Jackson ha sido superado por Avatar con$2.782 mdd, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte II con $1.328mdd, The Avengers con $1.210mdd y Transformers: Dark of the Moon con $1.123mdd.

Además, logró llevarse a casa todos los premios Oscar a los que estuvo nominada (once), empatando así con Titanic y Ben Hur, los únicos dos filmes que han logrado llevarse también el mismo número de estatuillas doradas; además logró el mismo récord de películas como Gigi y El Último Emperador, las dos cintas que han logrado llevarse también todas las cintas a las que han estado nominadas en los Premios del Academia.

La cinta continuó con la historia de Frodo y Sam viajando hacia el Monte del Destino para destruir el Anillo Único y guiados por Gollum hacia las puertas de Mordor. Mientras tanto, los miembros de la Comunidad del Anillo que habían quedado diseminados se vuelven a reunir; Gandalf parte hacia las Minas Tirith para advertirles del inminente ataque de Sauron, quien ya prepara un ataque decisivo sobre Gondor, el último reducto de los hombres, cuyo trono está por ser reclamado por Aragorn; el tiempo se agota y la única esperanza es que Frodo logre llegar al Monte del Destino y destruya el Anillo Único.

Considerada por muchos como la mejor de la trilogía, las más de nueve horas de historia de fantasía y aventura cerraron de manera correcta las líneas argumentales abiertas durante las primeras entregas apoyadas por fantásticos efectos especiales, épicas batallas, locaciones impresionantes y paisajes asombrosos; la trilogía del anillo finalmente se puede decir que está completa y en donde cada personaje se encontró con su propio destino acompañados del tema ‘Into The West’, interpretado por Annie Lenox que ganó el Oscar por Mejor Canción Original.

Pocos directores han logrado lo que Peter Jackson logró con su trilogía basada en la obra de J.R.R. Tolkien; y es que trasladar a la pantalla grande una épica obra como la de Tolkien es una labor titánica y más si se asume el reto de filmar las tres películas al mismo tiempo en las difíciles tierras de Nueva Zelanda y mantener siempre un nivel de calidad (en todos los aspectos) que no todos logran alcanzar. Por eso y mucho más, la trilogía de El Señor de los Anillos conforman un todo que constituye una de las mejores trilogías fílmicas.

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os colores de los que está compuesto el mundo vienen del taller de un elfo. Un elfo más bajito de la media y más gruñón que cualquiera, un elfo que colecta los colores en pequeños viales de cristal.

Para encontrar la fuente de origen de los colores se necesita un ojo especial y Pierre sin duda lo tiene, Pierre es el nombre del elfo bajito, y su talento le ha dado cierta fama y reputación y tal vez sus compañeros no lo saben pero siempre se esfuerza por encontrar colores más brillantes y extraños siempre buscando en lugares más lejanos y peligrosos.

—Vamos pato. — Llamo a su fiel ayudante, no, el ayudante no se llama Pato sino es un pato descolorido y pesimista.

—No me importa si no quieres ir, he dicho que vamos al bosque y si lo he dicho vamos. — El pato comenzó a caminar con la cabeza gacha y en el pico arrastrando la mochila del elfo.

—No sé de qué te quejas los pigmentos que encontramos pagan tus golosinas favoritas. — Reclamo Pierre y apretó el paso mismo que el pato descolorido alcanzó.

—Hey tú —Dijo una vocecilla chillona desde algún lugar entre los arboles— vete de aquí.

—Aléjate vocecilla fastidiosa. — Pierre continúo su camino sin tomarle importancia.

—He dicho que te vayas —Una ninfa salió de un arbusto de bayas rojas como la sangre de un humano— no sé qué quieres pero debes irte, este bosque es mío.

La ninfa lanzo un puñado de bayas que atinaron al pato descolorido manchándolo de todos los tonos de rojo y morado existentes.

El elfo y la ninfa comenzaron a reír y a burlarse del pato que intentaba quitarse los restos de colores que pudieran afectar su estilo gris triste.

—Tu ayudante es gracioso —La ninfa se acercó y observo al pato— para ser un recolector de colores es muy monocromático.

—Qué colores tan hermosos —Exclamo Pierre y comenzó a colectar las bayas, las usaría más tarde— ¿esas son moras?

La ninfa fastidiosa asintió y se acercó a Pierre.

—Son mías, soy Frutita.

—Hola Frutita, soy Pierre y vine a robarme los colores de tus bayas y tal vez a comer unas. — Saludó Pierre.

—No puedes tocarlas, las debo cuidar hasta que estén grandes y luego las cosecharé para…

—No me interesa realmente lo que dices pero puedes continuar y yo seguiré cortándolas. —Dijo cortantemente el elfo gruñón.

Frutita siguió a Pierre todo el día, molestándolo con preguntas sobre colores y pigmentos y si no fuera porque la ninfa fastidiosa conocía el bosque Pierre no habría soportado su presencia mucho tiempo. Cuando tuvo en su mochila frutillas suficientes para fabricar cantidades excesivas de pigmentos, y cuando su estómago estuvo lleno, se dio cuenta que no sería tan fácil deshacerse de la ninfa.

—Pato —Susurro al animal— tengo una golosina para ti.

El elfo apretó a la ninfa en su mano e hizo un nudo sobre sus alas usando un cordón de su zapato.

—Sé que no es lo mismo que un hada del invernadero pero es orgánica, sin químicos ni pesticidas.

Bueno, igual y si son igual de malos que como los imaginabas de pequeños pero oye al menos se preocupan por que sus alimentos sean verdes, supongo que… Eso los hace… ¿Menos malos?

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a humanidad le dio a las máquinas total perfección, rápidamente éstas tomaron ventaja y nos utilizaron como baterías humanas sumergidas en un sueño perpetuo inducido para poder subsistir con el alimento que representa nuestra energía vital; este futuro apocalíptico es el que plantean los hermanos Andy y Lana Wachowski en la cinta Matrix (The Matrix; 1999) de la que se desprendieron dos lamentables secuelas y unos muy destacables spin-offs en los que se dan más detalles de la revolución maquinaria que llevaron a la humanidad al borde de la extinción.

Años antes, décadas incluso, James Cameron ya había planteado una rebelión de las máquinas con su Exterminador (The Terminator; 1984), en donde un bélico robot igualito a Arnold Schwarzenegger viajaba del futuro para eliminar de la faz de la Tierra a Sarah Connors, la futura madre de John Connors, próximo líder de la Resistencia, un grupo de humanos organizados que, en el futuro, han logrado impedir que el planeta quede bajo el completo dominio de las máquinas. Es un clásico de la ciencia ficción que hasta el momento ha generado tres secuelas, sólamente la primera de ellas (Terminator 2: El Día del Juicio Final / Terminator 2: Judgement Day; 1991) ha llegado al nivel de la original e incluso superándola en todo sentido (guión, dirección, efectos especiales, música, etc.)

La experimentación genética ha provisto a los humanos de múltiples beneficios para combatir enfermedades, pero en manos equivocadas, el veloz avance médico-científico se ha salido de control cuando ha sido manejado de manera errónea o impertinente, tal y como sucedió en El Planeta de los Simios (R)Evolución (Rise of the Planet of the Apes; 2011), donde el científico Will Rodman busca una cura para el Alzheimer que padece su padre mediante experimentos con toda clase de simios, lo que produce inesperados efectos en la capacidad cognitiva de los especímenes, lo que los ha llevado a desarrollar inteligencia superior a las de sus congéneres en estado salvaje; ésto, sumado a un virus (generado también por el incorrecto uso de los avances médico-científicos) que comienza a diezmar la población global, pone a los simios en el punto más alto de la cadena evolutiva, ahora ellos, bajo el liderazgo de Caesar, gobiernan el mundo.

Nuestra sobre explotación de los recursos de nuestro planeta podría ser también causal de nuestro exterminio o por lo menos así lo plantearon en la cinta Cuando el Destino nos alcance (Soylent Green; 1973), en donde corre el año 2022 y los ya casi nulos recursos naturales han obligado a la población a consumir unas curiosas galletitas llamadas Soylent Green, cuyo ingrediente secreto es ni más ni menos que otros seres humanos que han sido persuadidos para 'bien morir' y posteriormente ser utilizados para alimentar nutritivamente a la población restante del planeta.

Pero bueno, tal vez no tengamos que recurrir a medidas tan drásticas como comernos los unos a los otros (aunque las galletitas estén deliciosas), posiblemente, como en Wall-E (2008), sólo tengamos que abandonar nuestro planeta porque lo hemos dejado inhabitable y tengamos que vivir en una gigantesca nave que servirá como un Arca que resguardará el futuro de nuestra especie, aunque ésta esté ya compuesta solamente por personas obesas acostumbradas a la inanición que conlleva el no requerir hacer absolutamente nada para satisfacer sus necesidades básicas pues ya todo está listo para el consumo (ya ni es necesario masticar).

Y como en esta última cinta, la humanidad ahora tiene la oportunidad de recapacitar sobre lo que está haciendo con su entorno, porque más allá del fin del mundo hollywoodense, está el fin del mundo personal, ese al que nos estamos acercando cada día más con nuestro egoísmo e indiferencia, aspectos humanos que nada tienen que ver con las patrañas proféticas con las que nos bombardean en todos los medios.

El sábado 3 de noviembre, la alegría cinéfila se hizo presente desde cerca del medio día con la proyección de Le Courbeau de Henri-Georges Clouzot, aunque los eventos principales comenzaron alrededor de las 15:00 con la develación de la placa de la décima edición del festival con la presencia de Gael García Bernal, Pablo Larraín, Sally Potter, Abbas Kiarostami y Thierry Frémaux, quienes a pesar de la lluvia (que no se decidía entre seguir cayendo o dar tregua al público cinéfilo) se congregaron para agradecer al público que ha seguido al festival desde sus inicios en 2003; la jornada continuó con una conferencia de prensa sobre la cinta que más tarde inauguraría el festival: No. Debido a la temática del filme chileno, la conferencia tomó un rumbo político en el que se hizo hincapié en las similitudes y el cierto paralelismo (aunque con varias décadas de diferencia) entre la situación expuesta en la película de Pablo Larraín y la situación política en nuestro país.

Tras la conferencia, las celebridades nacionales (entre las que se encontraban Luis Felipe Tovar, Irene Azuela, Cecilia Suárez, Juan Manuel Bernal, Mónica Duarte, Miguel Rodarte y un largo etcétera) e internacionales (Sally Potter, Edgar Ramírez, Abbas Kiarostami, entre otros) se dieron cita en el Centro de Convenciones para desfilar por la alfombra roja de la función de inauguración, evento en el cual Cuauhtémoc Cárdenas Batel recibió una gran ovación (parte del público de pie) por su carga positiva contenida en su discurso frente al micrófono, una participación simbólica y lleno de emotividad en donde, además de citar a Salvador Allende, definió al festival como "una herramienta cultural contra la violencia", la cual había tomado a la ciudad apenas unos días antes de que diera inicio esta fiesta cinematográfica anual en la capital michoacana.

Así, con los ánimos por los aires y con promesas de tiempos mejores, dió inicio la función de inauguración con No de Pablo Larraín, que dio por terminada la primera jornada del festival, durante la cual, la oferta en cartelera incluía títulos como The Master de Paul Thomas Anderson, La Caza de Thomas Vinterberg, Declaración de Guerra de Valérie Donzelli y Cosmopolis de David Cronenberg.

Durante la segunda jornada del festival, el director Michel Franco (Daniel & Ana y Después de Lucía) hizo el anuncio oficial, a través de una rueda de prensa en el Teatro José Rubén Romero, de la creación de su productora Lucía Films, que pretende convertirse en "la casa productora más importante de México" (más información sobre este evento en nuestra sección de noticias en la página 41).

Sally Potter, invitada de honor junto con el realizador iraní Abbas Kiarostami, presentó su más reciente trabajo: Ginger & Rosa, película con la cual consolida su carrera como una hábil narradora de historias, pero más que nada, de exploradora intimista de personajes complejos (nótese la complejidad de algunos personajes centrales en la cinta protagonizada por Elle Faning cuya trama se desarrolla en medio de la crisis de los misiles); la realizadora también sostuvo una interesante plática con Nick Roddick (periodista del periódico inglés The Guardian) y atendió amablemente a las preguntas de la audiencia.

A lo largo del día, otros eventos como la presentación de El Norte de Gregory Nava y la presentación de la estupenda exposición fotográfica "Homenaje a Jorge Ortiz Ramos", se llevaron a cabo mientras la cartelera ofrecía títulos como Après Mai de Olivier Assayas, Saluda al Diablo de mi parte de Juan Felipe Orozco, El Ingeniero de Alejandro Lubezki, y por supuesto, Amour de Michael Heneke; además, este día comenzó la programación de las cintas en competencia de la Sección de Largometraje Mexicano, la primera en proyectarse fue Táu de Daniel Castro Zimbrón, protagonizada por Brontis Jodorowsky.

La tercera jornada sin duda alguna fue recordada por el estreno de la nueva cinta de Luis Mandoki, y no podía ser menos, pues además de ofrecer una conferencia de prensa sobre la cinta que se desarrolla en la frontera sur de México con Guatemala, se realizó también una alfombra roja, que a pesar de ser breve, deslumbró con el elenco de la cinta e invitados especiales. Así, comenzaron a desfilar desde el director Luis Mandoki y los protagonistas Greisy Mena, Angelina Pelaez, Fernando Moreno y Beto Benitez hasta Joaquín Cosío, el famoso 'Cochiloco' que robó cámara.

Durante este día, también se entregó el Premio Cuervo a Michel Franco en el Teatro José Rubén Romero y el director iraní Abbas Kiarostami recibió la Medalla de la Filmoteca UNAM por su destacada trayectoria; además, el director de Copia Fiel sostuvo una amena charla de casi dos horas de duración con Geoff Andrew, a quien reveló que su primer premio como director lo recibió en nuestro país en 1975 y que es el único que ha conservado, pues todos sus reconocimientos posteriores los ha donado.

El realizador francés Olivier Assayas estuvo también presente en esta jornada para mantener una conversación con Édouard Waintrop, Delegado General de la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y Charles Tesson, Delegado de la Semana de la Crítica del mismo festival francés. En la charla, el director señaló sobre su nuevo trabajo Après Mai, que sintió la necesitad de mirar hacia atrás, retratar a una generación (la trama se sitúa en la década de los 70) y tender un puente que conecte con la juventud contemporánea.

En esta jornada, cientos de cinéfilos se apoderaron de las salas en donde la oferta fílmica les ofrecía, entre otras otras, Beyond the Hills de Cristian Mongiu (con la presencia de las actrices protagonistas Cosmina Stratan y Cristina Flutur -arriba en la foto-), Barbara de Christian Petzold, Cuates de Australia de Everardo Gonzalez, La Sirga de William Vega, Flor en Otomí de Luisa Riley y Copia Fiel de Abbas Kiarostami; además la competencia en la Sección Largometraje Mexicano continuó con No Quiero Dormir Sola de Natalia Beristain, quien en conferencia de prensa aseguró que "ser viejo está pasado de moda" y que no se aprecia la sabiduría de los mayores.

Carlos Reygadas estrenó en nuestro país la cinta por la que ganó el premio a Mejor Director en la pasada edición del festival de Cannes, Post Tenebras Lux, por lo que además de ofrecer una rueda de prensa para hablar sobre su filme junto a los protagonistas de la cinta (Nathalia Acevedo, Adolfo Jiménez Castro y Willebaldo Torres), se realizó una alfombra roja previa a la función de gala en donde el público tuvo oportunidad de platicar con el realizador de "la mejor película mexicana de 2012", según lo aseguró Daniela Michel.

Durante este día, se llevó a cabo la presentación del libro El Ojo y sus Narrativas: El Cine Surrealista desde México, en ella estuvieron presentes Jean-Christophe Berjon, Volker Rivinius, Víctor Mantilla, Javier Espada y Carlos Bonfil como presentador. El libro, editado por el Consejo Nacional de las Bellas Artes y el Instituto Mexicano de Cinematografía, es un compendio de seis ensayos sobre el impacto del surrealismo francés en el cine nacional desde la década de los veinte hasta nuestros días.

La competencia en la Sección Largometraje Mexicano continuó con las proyecciones de Fogo de Yulene Olaizola y Las Lágrimas de Pablo Delgado; además la oferta fílmica en cartelera incluía títulos como Argo de Ben Affleck, El Alcalde de Diego Enrique Osorno, Carlos F. Rossini y Emiliano Altuna, La revolución de los alcatraces de Luciana Kaplan, Anna Karenina de Joe Wright y Cielo Negro de Manuel Mur Oti.

A poco más de 44 años, los movimientos estudiantiles del 68 siguen generando material artístico, como Tlatelolco: Verano del 68, cinta dirigida por Carlos Bolado que tuvo su estreno en México durante la quinta jornada del festival, en donde se ofreció una conferencia de prensa con el director y parte del elenco de la cinta; además se realizó una alfombra roja previa a la función de gala por la que desfilaron, entre otros, Cassandra Ciangherotti, Claudette Maillé y Juan Manuel Bernal.

Paula Markovitch, ganadora el año pasado por su largometraje El Premio, estuvo presente en Morelia para presentar el libro Taller Altamira: Laboratorio de Dramaturgia para Cine (más información sobre este evento en nuestra sección de noticias en la página 42; por su parte, Lupita Peckinpah fue invitada para presentar la que considera la mejor película de su padre, Sam Peckinpah: La Pandilla Salvaje (The Wild Bunch, 1969).

Las actrices, Cosmina Stratan y Cristina Flutur protagonistas de Beyond the Hills de Cristian Mungiu, cinta merecedora del premio a Mejor Guión en Cannes 2012 y del premio a Mejor Actriz en el Festival de Cannes para ambas actrices, sostuvieron una plática con Nick Roddick, en la que señalaron, entre otras cosas, lo sorprendidas que estuvieron cuando se enteraron que Mungiu las quería a ellas para encarnar a las amigas que entran en conflicto tras sus opuestas circunstancias en las que se encuentran cada una tras un tiempo de no verse.

La cinta Halley de Sebastián Hofmann se presentó en competencia en la Sección de Largometraje Mexicano; en conferencia de prensa, el director señaló a los primeros trabajos de Cronenberg como influencia directa para esta cinta que se centra en la figura de un guardia de seguridad de un gimnasio que padece de una condición que lo está convirtiendo lenta y literalmente en un muerto viviente. En cartelera, el público podía optar por ver Augustine de Alice Wiocour, Los Salvajes de Alejandro Fadel, Fantasmas de Christian Petzold, El Paciente Interno de Alejandro Solar Luna, Close Up de Abbas Kiarostami, entre muchas más.

El antihéroe creado por Jis y Trino se apoderó del festival en donde los moneros ofrecieron una conferencia de prensa para hablar sobre la cinta El Santos vs. La Tetona Mendoza dirigida por Alejandro Lozano y después la presentación del film en donde estuvieron presentes, además del director y los creadores del personaje central, varios miembros del elenco que dieron vida a través de sus voces a tan mexicanísimos personajes, como Daniel Gimenez Cacho, quien interpreta al Santos.

En el Aula Mater, se llevó a cabo la ceremonia de premiación de cortometrajes que forma parte del certamen mundial de cortometraje "Cortando Fronteras 2 de la Secretaría de Relaciones Exteriores; también se realizó la premiación del concurso de guión "Cinescribir no hay Cine", proyecto convocado por Universal como parte del festejo Cien Años de Universal Pictures en el teatro José Rubén Romero, en donde estuvieron presentes Oscar Uriel y Berenice González. Ya por la noche, el director argentino Alejandro Fadel presentó su cinta Los salvajes, que estuvo presente como parte del programa especial de la Semana de la Crítica de Cannes este año.

En esta jornada, dos películas de la Sección Largometraje Mexicano tuvieron sus proyecciones de competencia: I Hate Love de Humberto Hinojosa y Restos de Alfonso Pineda; ambas películas representan para sus directores su segundo trabajo cinematográfico, luego que en 2009 se estrenaran sus respectivas ópera primas: Oveja Negra de Humberto Hinojosa (también protagonizada por Christian Vázquez) y Amor, Dolor y Viceversa de Alfonso Pineda (curiosamente también protagonizada por Leonardo Sbaraglia). La cartelera ofreció también otras opciones como: Metal y Hueso de Jaques Audiard, Carrière 250 metros de Juan Carlos Rulfo junto a Natalia Gil Torner, La Huída de Sam Peckinpah y Música Ocular de José Antonio Cordero.

El director Antonio Serrano (Sexo, Pudor y Lágrimas e Hidalgo) presentó su nueva cinta, que al igual que su anterior proyecto, retoma la figura de un pilar en la lucha de independencia mexicana: Morelos. Con una conferencia de prensa y una alfombra roja previa a la función de gala, tanto director como parte del elenco, se dieron cita para presentar y hablar sobre este patriótico filme.

Alejandro Pelayo presentó en el Aula Mater su película La Víspera, filme que justamente cumple 30 años; después, el director se trasladó al Teatro José Rubén Romero en donde presentó su libro La generación de la crisis: El Cine Independiente Mexicano de los años ochenta, que cuenta con un prólogo del crítico cinematográfico Rafael Aviña. Un trabajo de gran valor histórico que contiene diversos testimonios de quienes hicieron cine en esa cada vez más lejana década.

Las proyecciones de competencia culminaron débilmente este día con las presentaciones de la desafortunada No Hay Nadie Allá Afuera de Haroldo Fajardo y la rescatable Rezeta de Luis Fernando Frías de la Parra; más atractiva resultaba la cartelera con trabajos como Hors Les Murs de David Lambert, los documentales El Árbol e Inori, Gebo y la Sombra de Manoel de Oliveira y Susana (carne y demonio) de Luis Buñuel.

Daniela Michel, Alejandro Ramírez, Natalia Gil Torner y Juan Carlos

s Rulfo

Muy temprano, la actriz Geraldine Chaplin sostuvo una amena charla con Jean Christophe en el Teatro Rubén Romero; también durante la mañana, se realizó un emotivo homenaje a Joaquín Rodríguez por parte de la directora del festival Daniela Michel. En la breve ceremonia, el productor Roberto Fiesco dedicó unas palabras a su entrañable amigo y se develó una placa que permanecerá, desde ese momento, en el complejo cinematográfico Cinépolis Centro de la capital michoacana, en donde además, una sala, la más importante del recinto que conforma el corazón del festival, llevará el nombre de Joaquín Rodríguez.

Jorge Michel Grau, Magdalena Acosta y Gastón García estuvieron presentes para la función especial de Chalan y Tras Rivelino que se proyectaron en la Sala 2 de Cinépolis Centro.

Cerca de las 17:00 hrs., los invitados a la Ceremonia de Clausura se dieron cita para la premiación en la que No Quiero Dormir Sola de Natalia Beristain se alzaría con el Premio a Mejor Largometraje Mexicano y I Hate Love de Humberto Hinojosa se llevó a casa el Premio del Público. Además, Pueblo silente, de Adriaìn Alfonso Gonzaìlez Camargo, ganó el Concurso Michoacano de Guioìn de Cortometraje; Epilepsia, de Salvador Tinajero Ponce, triunfó en la Seccioìn Michoacana; Para armar un helicoìptero, de Izabel Acevedo, ganó el Premio al Mejor Cortometraje de Ficcioìn; Las tardes de Tintico, de Alejandro Garciìa Caballero, recibió el Premio a Mejor Cortometraje de Animacioìn; Paradero Norte, de Daniel Ulacia, ganó como Mejor Cortometraje Documental; y por último, Inori, de Pedro Gonzaìlez-Rubio, se llevó el reconocimiento como Mejor Documental Mexicano.

Tras la ceremonia, la función de Clausura tuvo a bien presentar la nueva cinta de Wes Anderson: Moonrise Kingdom, filme que se presentó en tres salas adicionales a la función para prensa, y para las cuales se agotaron las entradas de manera impresionante... ¡Y con justa razón! pues la película es el trabajo mejor logrado del realizador, y eso no es decir poco. En la penúltima jornada, la cartelera ofreció Los Sufragistas de Ana Cruz, Chicas en Conflicto de Whit Stillman, Paraíso: Amor de Ulrich Seidl, La Noche del Cazador de Charles Laughton, entre muchas más.

En la jornada más calurosa del festival, las actividades fueron reemplazadas con funciones especialmente elegidas por el festival: Cosmopolis, La Sirga, La caza, Moonrise Kingdom, Hors Les Murs, entre muchas cintas más compartieron la cartelera con las proyecciones especiales de los ganadores de la décima edición del festival cinematográfico más importante de México.

El celuloide, las catrinas cineastas, las charlas y las celebridades le dieron paso a la cotidianidad de la ciudad, esto hasta que el próximo año, la capital michoacana se aliste para recibir a actores, productores, directores, y sobre todo, a los amantes del séptimo arte que convertirán nuevamente a Morelia, en una mini Meca del Cine en la decimoprimera edición del Festival Internacional de Cine de Morelia

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D

esde un punto de vista lógico, llegar a la vejez significaría gozar de plenitud en la mayoría de los aspectos de la vida, pero el retrato de la vejez de una actriz retirada, alcohólica y con perdida de la memoria, muestra una realidad distinta del adulto mayor. No la única, pero si una ocasional.

No quiero dormir sola, de Natalia Beristain, premiada como Mejor Largometraje Mexicano en el Festival Internacional de Cine de Morelia, cuenta la historia de dos mujeres, una abuela y su nieta unidas por la soledad que se ha instalado en su vida.

Una mañana, Amanda, mujer de unos 30 años de edad que vive sola en la casa de su padre, recibe una llamada en la que le informan que su abuela está sola y desde hace días los vecinos no la ven salir de su hogar. Dolores, la abuela, cercana a los 80 años, es descubierta por la nieta en estado de ebriedad; por el aspecto de la casa: desordenada, sucia y obscura, se puede notar que lleva días encerrada en su recamara, bebiendo y escuchando música.

Lola, como la nieta le dice a la abuela, consume cantidades de alcohol para poder conciliar el sueño, acto que denigra su aspecto, su salud, su vida. Amanda, desempleada y sin dinero, traslada a su abuela, con el dinero de su padre cineasta, a un asilo de actores en el que recibe los cuidados que su hijo y nieta no pueden brindarle. Ahí comienza a vivir a través de sus glorias pasadas como actriz.

Si antes conciliaba el sueño con el alcohol, ahora lo hace con pastillas; la compañía ocasional de su nieta, que al igual que ella no logra conciliar el sueño, le hacen menos difícil el abandono porque disfruta lo poco que tiene de una persona para sobrevivir con ello los largos tiempos de ausencia.

Tanto abuela y nieta se descubren y unen sus soledades para hacerse compañía, situación que las lleva a alcanzar cierta paz cuando están juntas, como la del sueño.

La cinta es un retrato de muchos adultos mayores y de actores también, dejados al olvido por sus familias, por los hijos principalmente, haciéndose cómplices de la soledad y el silencio, esperando que llegue el final, porque como suele suceder, esa soledad difícilmente es reemplazada por el afecto y amor de los familiares.

Natalia Beristain, que hace un homenaje a su finada abuela, la actriz Dolores Beristain, logra cautivar con la realización de un guión redondo, en el que concluye de manera inesperada y controversial. Las ejemplares actuaciones de Adriana Roel (Dolores) y Mariana Gajá (Amanda) hacen que la historia cobre fuerza y dinamismo con el ritmo de momentos lento pero eficaz del filme.

D

icen que el amor te vuelve ciego, ¿pero habías oído que el amor hace que escuches? Pues eso es lo que sucede en I Hate Love de Humberto Hinojosa, filme acreedor al Premio de Público en el Festival Internacional de Cine de Morelia. La historia narra como un joven recupera el sentido del oído a través de la voz de una mujer.

Después de sufrir un grave accidente en el mar, Robo pierde casi por completo el sentido del oído, tiempo después conoce a Eve, una joven estadounidense que acaba de mudarse a la ciudad; él comienza a enamorarse de ella pero la diferencia de idiomas y la falta de escucha hacen casi imposible la comunicación entre ambos, sin embargo al estar junto a ella descubre que se le abren los oídos, que vuelve a escuchar los sonidos de alrededor, que puede escucharla.

Eve llega a vivir a la casa del mejor amigo de Robo, quién se dice ser el novio de ella, pero que en realidad no son nada. Un viaje a la playa será el que cambie la vida de estos jóvenes, cuando se mezclan el amor, la amistad y la muerte.

El filme retrata una historia romántica, pero muy fresca y con un guión novedoso en el sentido que la sordera se vuelve lo más interesante del asunto. Los jóvenes actores hacen un buen trabajo, sin embargo se puede notar que están iniciando su carrera. La historia que pudiera parecer poco creíble se mantiene en todo momento verosímil y muy divertida en todo momento.

Hablada en ingles y español, la cinta fue del agrado del público en Morelia, quienes no paraban de reír y divertirse en una sala en la que los escalones se convirtieron en los asientos de muchos, y los aplausos en los votos que terminarían premiándola.

Humberto Hinojosa ya tenía en mente esta historia mucho antes de su opera prima Oveja Negra, y narró en conferencia de prensa que el proceso de dirección fue similar al de su anterior largometraje “Nos apegamos mucho a la historia que había escrito pero con ellos empezamos a armar muchas de las secuencias y darles un toque de realidad y sobre todo a la historia de amor, darle esa naturalidad”.

A

lberto, un guardia de seguridad nocturno de un gimnasio, se ve enfrentado de manera súbita a una extraña condición que provoca que su cuerpo comience a descomponerse en vida.

Con esta original premisa, el director Sebastián Hofmann presentó su Ópera Prima en la que nos hace testigos de la exhaustiva lucha de Beto (un estupendo Alberto Trujillo) por aferrarse a su humanidad y de una extraña relación que establece con Luly, la gerente del gimnasio en el que trabaja y que es interpretada por Lourdes Trueba.

La cinta no es de fácil visionado, las imágenes de la lenta transformación de Alberto en un muerto viviente son realmente perturbadoras (un par de chicas se salieron de la sala de proyección) y a pesar de que a la mitad de la cinta ésta parece no ir a ningún lado, en las secuencias finales de la cinta (en donde interactúan más los personajes de Beto y Luly) Hofmann logra dotar de gran humanidad al relato sobre este personaje que la va perdiendo cada vez más.

El debut cinematográfico de Hofmann, es verdaderamente destacable y con influencias claras de David Cronenberg, como bien lo destacó el mismo director en conferencia de prensa. Es un tratado sobre la angustia ante la pérdida de control sobre nuestro cuerpo, sobre el cual pensamos siempre tendremos control y cómo podemos volvernos prisioneros de nuestro propio organismo en el que habitamos. Hoffman habla de la temporalidad del cuerpo y nuestra humanidad contrapunteando situaciones completamente opuestas: la descomposición en vida del cuerpo de Beto frente a los infomerciales que éste mira en la tv y los fisicoculturistas autopresumiéndose su cuerpo frente al espejo.

Un par de secuencias totalmente opuestas entre sí (una shockeante autoestimulación y una completamente tranquilizadora escena ártica) conforman el final de la cinta, un desenlace completamente abierto a las interpretaciones de la audiencia.

G

abriel vive en un hogar fracturado e inundado por el permanente enojo de su hermano Fer y la tristeza de su madre quien pasa el día encerrada en su cuarto fumando y lamentándose el abandono de su marido.

Con una cuidada fotografía por parte de Juan Pablo Ramírez Ibañez, interpretaciones honestas (particularmente de Fernando Álvarez Rebeil y Gabriel Santoyo) y diálogos construidos casi completamente a través de la improvisación, Pablo Delgado ofrece en su Ópera Prima, un relato bien contado y mostrando de manera convincente el proceso de cambio de los personajes centrales: Fer y Gabriel; el final, sin embargo, resulta un poco precipitado, súbito; la repentina solución familiar pudiera parecer inverosímil, aunque no logra echar por tierra todo el buen trabajo que ya mostró en pantalla.

L

a desolación climática en la isla de Fogo (Canadá), así como las consecuencias en las vidas de sus ya escasos habitantes, es retratada por Yulene Olaizola con la ayuda de su director de fotografía Diego García, quien con tan sólo utilizar luz natural (como también lo hizo en la también competidora Táu) logra mostrar, con tomas asombrosas, los impresionantes paisajes gélidos en los que la comunidad debe enfrentarse a la decisión de abandonar sus tierras y reubicarse en zonas menos hostiles (climáticamente hablando) o permanecer ahí haciendo frente a las consecuencias de un futuro, que a toda vista, está condenado.

Los nada escasos momentos con tomas contemplativas de la región de la tundra en la que se ha convertido la isla, a veces hacen parecer al filme como un proyecto turístico que busca resaltar las características de la zona y demeritan un tanto los objetivos de la realizadora: mostrar los deterioros en las vidas de los aún habitantes de la isla.

E

l caótico primer acto de esta cinta parecía augurarnos otro desafortunado trabajo fílmico, pero conforme la trama sobre una modelo nacida en Kozovo llega a México y comienza una relación con Alex, un chavo rockero que se encarga de limpiar un tráiler en una de las filmaciones donde ella participa, avanza al segundo acto, el director Luis Fernando Frías de la Parra dota de cierta frescura al filme (una mezcla rara pero efectiva entre drama y comedia) con la ayuda de diálogos y situaciones improvisadas, así como de las naturales actuaciones de sus protagonistas: Rezeta y Roger Mendoza.

Además, el filme se atreve a optar por un desenlace muy alejado del happy ending que parecía evidente; abordando el tema de los celos en la relación entre Rezeta y Alex, el director no sólo no entrega un final feliz, sino que ofrece dos cosas importantes: por un lado, una disección del cliché y los estereotipos de la modelo extranjera y exponiéndola como lo que es, una chica común y corriente; por otra parte, pone en evidencia al típico macho con una mentalidad retrograda y una personalidad insegura por parte del rockero, factores completamente decisivos para el malogrado romance.

G

us se adentra en el desierto de Wirikuta con el aparente objetivo de buscar plantas para su estudio, aunque en realidad, la desértica zona le ofrece un refugio natural en el que pretende superar la muerte de su esposa Ana, ocurrida unos años atrás, experiencia dolorosa que intenta mitigar con tequila cada noche.

A través de las alucinaciones del personaje y la destacada actuación de Brontis Jodorowsky como el inconsolable Gus, el director Daniel Castro Zimbrón nos sumerge en el dolor del protagonista y nos hace pasajeros en un viaje de autodescubrimiento en medio de brujas, fantasmas de esposas y chamanes Huicholes. El guión, que el director escribió de manera conjunta con Marcos Castro, pierde potencia a la mitad del filme y éste, al igual que su perturbado protagonista, vaga sin rumbo fijo y no llega a ningún lado; no sabemos si fue porque no sabe cómo llegar a su destino o porque el director no quiso llevarlo a uno en particular.

U

n sonámbulo y una mujer golpeada en su luna de miel entablan una extraña relación', con esta premisa 'oficial' se presenta la nueva cinta de Alfonso Pineda Ulloa y que resultó una de las mas desafortunadas contendientes por el Premio de la sección de competencia de Largometraje Mexicano.

Y es que si desde el principio uno no conecta con los personajes mal trazados, verdaderamente a uno le da igual cómo los personajes van a terminar. Además, desde que 'el sonámbulo' y la 'mujer golpeada' se encuentran por primera vez, uno adivina el final de manera inmediata.

Las actuaciones son apenas correctas pero el guión es muy muy flojo, cosa que sorprende pues el director entregó hace unos años Amor, Dolor y Viceversa'su primera cinta que, sin llegar a ser un gran obra, destacaba por estar atinadamente escrita y sin dejar muchos cabos sueltos.

U

na película sobre la angustia adolescente. Gerardo deja que pasen los días mientras ensaya con su banda de rock, vaga por las calles buscando con quien encontrarse, evade la inevitable confesión de su amor hacia Andrea al mismo tiempo que evita el encierro en su casa, que hace tiempo no es un hogar. Porque como todo el tiempo y como en todas partes, no hay nadie allá afuera y aquí no pasa nada."

Como bien lo explica esta sinopsis oficial, en la película no pasa nada, parece ser un ejercicio fílmico preparatoriano sobre un grupo de chavitos que ensayan con su banda de rock Sin-Ismos (con letras tan simplistas como la de aquella canción que repite una y otra vez "siéntate en ésta... siéntate en ésta") en medio de otras secuencias intrascendentes actuadas con torpeza (aunque no sean actores profesionales es imperdonable que haya una escena donde el actor voltea momentáneamente a la cámara, se ponga nervioso y ponga en evidencia que se está aguantando la risa de los nervios, particularmente si es el único personaje en la toma). Si hay algo rescatable, diríamos que la fotografía no es mala.

M

e gustaría ver más gente por aquí, está muy desierto… solía haber niños… los oías gritar” relata pausadamente y con añoranza un habitante de Kannogawa, una pequeña comunidad al suroeste de Japón que ha ido deshabitándose poco a poco, a tal grado que la población presente está conformada en su mayoría por adultos mayores.

Inori, del documentalista mexicano Pedro González-Rubio, relata en voz de unos cuantos pobladores de Kannogawa el abandono que ha sufrido paulatinamente la comunidad por parte de las nuevas generaciones que han migrado a Tokio, “solían vivir hasta tres generaciones juntas” cuenta un hombre de más de 50 años.

Y lo que sucede es lo mismo que pasa en casi todas las poblaciones que migran, no hay trabajo, “los jóvenes se fueron, si hubiera volverían” es la voz de una mujer de avanzada edad que narra el estado en que se encuentra la comunidad: salones vacíos, escuelas cerradas, calles desangeladas, soledad.

Esta comunidad se encuentra cerca de un río y en medio de un profundo bosque, la zona es fría y muy silente, los que hablan son la flora, la fauna, el viento y el silencio. Las actividades económicas son el cultivo, la pesca y lo que producen algunos negocios locales.

A través de los relatos, la gente de Kannogawa deja ver más que el abandono, muestran sus creencias, su forma de vida: longeva y lenta, sus más íntimos recuerdos, el culto a sus muertos; viven a través de su pasado porque es el presente que quisieran para ellos y su comunidad.

Un hombre pregunta, “¿a dónde podemos ir?”, y es que a su edad, migrar no es una de sus opciones, “todos se irán, sólo quedará la montaña”; y es una paradoja ver como esta comunidad se desvanece dentro de una nación sobrepoblada.

Al inicio del documental se ve a un animal en agonía, similitud que mantiene con Kannogawa, el animal finalmente muere, como quizá suceda con la comunidad, o al menos esa es la visión de Gonzalez-Rubio, que sin embargo plantea un amanecer onírico al final.

U

na historia de amor con un argumento que se parece a muchos pero que el cineasta David Lambert dota de frescura, el drama necesario, y una vuelta de tuerca a la típica historia de dos hombres gay que se enamoran y después su romance parece no ser tan fuerte como lo hacían parecer. ¿Qué novedad hay aquí?: la forma de contarlo y los momentos dramáticos de momento casi cómicos que reflejan algunas situaciones en la que muchos gays se verán graciosamente reflejados.

Hors les murs narra la historia de Paulo, un joven estudiante de piano que termina borracho en un bar; Ilir, un hombre más maduro que el primero trabaja en el bar, al terminar la noche se lleva a Paulo cargándolo en su hombro, uno intuye que lo siguiente es una noche de sexo, pero no, duermen juntos, desayunan y entonces sí, comienzan a enamorarse.

Paulo se muda al departamento de Ilir, una mudanza no consentida por el segundo pero obligada porque la novia de Paulo lo corre de su departamento al darse cuenta que ha vuelto a tener encuentros con otros hombres. Una incomoda visita, un inquilino infantil que demanda mucha atención, ingenuo y espontaneo pero que termina por cautivar al serio pero no menos divertido y ocurrente Ilir.

Una pareja que plantea algunas de las situaciones que muchos gays viven, y que por lo tanto las secuencias resultan ser momentos de gracia para muchos que indudablemente se reconocerán en pantalla. Todo parece marchar a la perfección pero algo que nadie advierte sucede y cambia el sentido de la historia.

Ilir sale de viaje, del cual no vuelve porque ha sido encarcelado por un delito que resulta simple pero es muy grave, delito que con un poco de lógica no hubiera sucedido. La separación de la pareja plantea un reto para ambos, al que se suma la aparición de un tercer hombre, la distancia, el orgullo y la soledad.

La cinta es protagonizada por Guillaume Gouix y David Salles, dos actores que imprimen frescura al drama, actuaciones que cumplen y un guión que funciona, que además muestra una versión renovada a lo que pudo convertirse en una historia de amor más.

Hors les murs estuvo presente en la Semana de la Crítica en el pasado Festival de Cannes, y en México formó parte del Festival Internacional de Cine de Morelia. Esperemos que pronto se presente en nuevos foros del país.

http://youtu.be/dw7fq_sp4jY

C

hocó es una mujer afrocolombiana de 27 años que vive en uno de los departamentos (municipios) más pobres de Colombia, una zona marginada y olvidada por el Estado, en el que suceden continuos desplazamientos humanos debido al alto grado de violencia; ella traba-ja prácticamente todo el día y hará lo impensable para darle una torta (pastel) a su hija en su cumpleaños.

Este lugar se llama igual que la protagonista de la historia: Chocó.

Ella es madre de una niña y un niño, a los cuales mantiene casi milagrosamente; por las mañanas trabaja buscando oro en un río y por las tardes lava ropa para poder alimentar y educar a sus hijos.

Su esposo, Everlides, es una carga extra, lo único que él hace es beber viche y jugar dominó mientras ella trabaja, además de la violencia sexual y física que ejerce sobre ella cada noche que llega alcoholizado.

Para el cumpleaños de su hija, Chocó le quiere regalar un pastel, pero los que vende el tendero de la comunidad están fuera de sus posibilidades. Sin embargo conseguirá un nuevo trabajo y se verá orillada a denigrar su persona con tal de hacer feliz a su hija.

“Chocó” es una historia que no es exclusiva de Colombia, es una historia universal, en la que muchas mujeres se verán reflejadas, mujeres que trabajan por mantener sus hogares, que sufren violencia por parte de su pareja y que toleran esa calidad de vida al no tener otras posibilidades.

La cinta es casi un documental, la única actriz de profesión es la protagonista, Karent Hinestroza, quién hace un interpretación muy natural para el contexto, y da la sensación de ser una habitante más de la comunidad, como sucede con todos los personajes que salen en la película que sí son habitantes de Chocó.

La cinta realizada por Johnny Hendrix Hinestroza obtuvo el Premio del Público en la 52 edición del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, y estuvo presente en el Festival Internacional de Cine de Berlín y en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

La productora, Maritza Rincón, estuvo en la proyección que se mostró en el FICM, y relató como fue la reacción de los habitantes al verse en pantalla; fue emoción, fue cómico, sobre todo porque para ellos la violencia que vive Chocó, la pobreza y la marginación son parte de su cotidianidad, de su cultura; lo que para nosotros es indignante para ellos es su realidad, el latir de todos los días.

Este filme es de una calidad sobresaliente; estamos ante un trozo de realidad de Colombia, ante una ficción casi documental que si bien no sobresale por las actuaciones de los habitantes, si por la naturalidad de sus acciones; una cinta que muestra las dificultades que vive un pueblo pero que son aminoradas por la belleza de su ser que hace de ese mundo el más bello para ellos.

El Caballero de la Noche asciende a la alta definici贸n

P谩g. 86

La cinta que Francia ha seleccionado como su representante fílmica en la competencia por una nominación a Mejor Película Extranjera en la próxima entrega de los Premios de la Academia finalmente se edita en nuestro país en alta definición.

A pesar de que es considerada como ´la favorita’ para llevarse la estatuilla a casa, aquí consideramos que cintas como Amour de Michael Haneke, Después de Lucía de Michel Franco, Beyond The Hills de Christian Mungiu o No de Pablo Larraín (todas compitiendo por una nominación a la misma categoría) son muy superiores (ojo, no quiere decir que el film sea malo) a esta cinta dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano sobre un tetrapléjico que entabla una inusual amistad con su nuevo e impulsivo asistente personal; no obstante recomendamos ampliamente el visionado de la cinta pues se trata de una pequeña joyita del cine francés, pero de eso a que se merezca el Oscar, es muy distinto.

La conclusión de la trilogía del Batman de Nolan no dejó a todos satisfechos; y es que si se tiene un guión flojo y algunas veces hasta incoherente, ni siquiera la habilidad directiva de Nolan puede sacar a flote la cinta más desafortunada de la trilogía. A pesar de la larga duración del filme (2:40) esta no aburre y mantiene atento al espectador, mismo que ya podrá disfrutar de la última cinta del Hombre Murciélago en HD y llevarse a casa la máscara fragmentada del superhéroe, icónico elemento de la caída del héroe.

Palomera cinta de ciencia ficción cuyo factor más favorable son los excelentes efectos especiales y la maravillosa dirección artística que logra por momentos recordar a la clásica Blade Runner; lamentablemente, sólo en apariencia guarda similitud con la cinta de Ridley Scott ya que ésta sólo es una colección de persecuciones, enfrentamientos armados y peleas a puño limpio (todo excelentemente montado, cabe señalar) que dejan en segundo plano la historia original de Philip K. Dick en la que está ligeramente basada. Exclusiva para pasar el rato.

Un excelente (y diferente) relato navideño llega finalmente al formato casero HD; los Estudios Aardman reemplazan (como ya lo hicieron con Lo Que El Agua Se Llevó) la animación stopmotion por personajes generados por computadora (aunque conservando su clásico estilo casi artesanal) para contarnos esta entrañable historia del Hijo de Santa quien buscará evitar que, por error, una niña se quede sin su regalo de Navidad. ¡Todo un clásico navideño y del cine de animación!

Cuando una pareja y un guardia son encontrados muertos, Marge comienza a juntar las pistas de un caso que involucra a dos secuestradores, Carl y Gaear. Ellos fueron contratados por Jerry Lundegaard, un vendedor de autos bajo el mando de su suegro.

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