CELULOIDE DIGITAL - DICIEMBRE 2014 by Celuloide Digital

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Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Petite Fruit Rafael Mejía Silvia Ruvalcaba Siniestro Sexual Montag Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras. Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

Un año más llega a su fin y para celebrarlo por todo lo alto preparamos un número cargado con buen cine para despedir este 2014 que, sorpresivamente, se caracterizó por ofrecernos mucho buen cine y esperamos que el próximo año sea aún mejor pues el panorama se ve poco promisorio (demasiados remakes, reboots (o resets) y secuelas de grandes franquicias. Pero mientras el 2015 llega con todo el séptimo arte que nos tiene preparado, aquí les dejamos nuestra edición de diciembre con la que cerramos con broche de oro y nuestra portada dedicada a la gran serie fílmica del universo de Tolkien: El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos, con la que se pone punto final a las adaptaciones de Peter Jackson y esperemos que deje por fin descansar a esta fantástica saga y explore nuevos terrenos porque extrañamos sus propuestas en otros géneros. Y sí, El Hobbit es nuestra #PelículaDelMes, pero nuestra edición #53 tiene mucho más que ofrecer: tenemos revisiones a películas como Sueño de Invierno, la ganadora de la Palma de Oro en Cannes, Relatos Salvajes, la representante de Argentina en la carrera por el Oscar, Éxodo: Dioses y Reyes, la épica (fallida) de Ridley Scott sobre la figura de Moisés, y Mapa a las Estrellas, la ácida crítica de David Cronenberg al Hollywood moderno. Y si nuestros estrenos del mes no fueran suficientes, tenemos muchos más títulos a los que hemos hecho también sus respectivas revisiones: Chicos y Guillermo, ¡A Comer!, la comedia francesa del año; Mi Vida es un rompecabezas, una interesante propuesta del pasado Tour de Cine Francés que se estrena comercialmente esta próxima Navidad; Borgman, una propuesta holandesa muy interesante sobre la burguesía; Los Juegos del Hambre: Sinsajo Parte I, la primera parte del capítulo final de la saga de Katniss; Horns, la adaptación de la novela de Joe Hill (hijo de Stephen King) que protagoniza Daniel Radcliffe; St. Vincent, el regreso del gran Bill Murray a la comedia con un rol principal. Y bueno, en realidad tenemos MUCHO más cine dentro de nuestras páginas (entrevistas, reseñas, recomendaciones, series, etc.) y no queremos detenerlos más para que entren de lleno a nuestra última edición de este año y los invitamos a que no se pierdan nuestra edición de enero con la que comenzaremos una nueva y mejor etapa de Celuloide Digital.

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rimeras imágenes oficiales de la película de Justin Kelly (producida por Gus Van Sant) basada en una polémica historia real del activista gay Michael Glatze que rechazó su homosexualidad para convertirse en pastor cristiano anti gay. La película protagonizada por James Franco, Zachary Quinto y Emma Roberts se estrenará mundialmente en el Festival de Cine de Sundance en enero próximo.

Qué tan arriesgado es volver a hacer una película basada en una biografía cuando, años atrás, Tim Burton no fue muy aplaudido por la película sobre la vida de Ed Wood? Mucha gente dirá que será de nuevo un fracaso rotundo. Puedo considerarme un mega fan de Burton todas sus películas y sus cuentos, me encantan, tiene un no sé qué, que me atrapa. En esta ocasión veremos una historia muy interesante: una gran pintora que se hizo famosa por pintar sus rostros con ojos grandes, pero que debido a su carácter introvertido, sólo se dedicaba a pintar sus cuadros mientras su marido los vendía y se hacia el llamar el autor de éstos. Todo iba muy bien hasta que ella abre los ojos , podríamos decir, y quiere tomar lo que le corresponde.

Mucho drama veremos en esta historia que no puede dejar su toque de fantasía, su tono oscuro y excelentes diálogos como nos tiene acostumbrados Tim Burton. Podríamos decir que en esta ocasión, para tristeza de muchos, no verán a Johnny Depp y tampoco a Helena Bonham Carter (esperemos que eso no le acarree problemas en casa al buen Tim ), ésto quizá hará más fresca la película. En los papeles protagónicos veremos a Amy Adams en el papel de Margaret Keane y al increíble Christoph Waltz en el papel del marido Walter Keane. ¿Qué podemos esperar de esta película? Yo creo que algo muy interesante, algo con mensaje, excelentes actuaciones y una muy buena producción. Para los que no han visto el tráiler se los recomiendo y también si pueden échenle un ojo al trabajo de esta gran pintora.

n real retrato de cuán cruel puede ser el ser humano, consigo mismo y con quiénes lo rodeen, no importa si es otros seres humanos o seres vivos. Una película sumamente cruda, realista, enigmática y desgarradora en torno a la crueldad y falta de empatía por esta. Una pequeña historia que se desarrolla en un pequeño pueblo, ahí conocemos a María y su mascota, un inocente burrito de nombre Balthazar. Por azares del destino son separados cuando ambos ya son mayores de edad. A partir de aquí, vemos cómo María y Balthazar van sufriendo por el camino de la vida, todos los desaires que les es posible encontrar, curiosamente a manos de las mismas personas que los rodean. La primera vez que la vi resultó difícil encontrar alguna explicación lógica a las imágenes que estaba viendo, algunas veces confusas y otras tantas ilógicas, pero que al final reflejan una historia triste donde uno como ser humano se siente lleno de remordimiento y desesperación por no poder hacer algo para cambiar el rumbo de estas dos historias, que aunque parecidas son muy distintas. Esto se le debe reconocer al genial director Bresson, quién nuevamente logra retratar la cruel realidad de los hombres ignorantes y lo plasma con el toque de arte necesario y sin duda, de los mejores. Una historia que no es para verse con cualquier perspectiva, uno debe abrir la mente y dejar que la historia se introduzca en ti. A mí me gustó mucho por la realidad con que los temas de maltrato y crueldad son tratados aquí. Hay que destacar mucho, los valores de la tolerancia, la fortaleza, el amor, el respeto y sobre todo, el de la esperanza. Sin duda alguna, una muy buena película. 08

l cineasta Cédric Klapisch vuelve con la tercera entrega de su saga sobre la exploración de la vida a través de las aventuras (y sobre todo desventuras) de su personaje central Xavier, interpretado por Romain Duris desde la primera cinta, El Albergue Español (L'auberge spagnole; 2002) y continuando con su secuela Las Muñecas Rusas (Les poupées russes; 2005). Ahora, en Mi Vida es un rompecabezas (Casse-tête chinois; 2013), Xavier es todo un reconocido escritor y vive aparentemente tranquilo en París al lado de su esposa Wendy (Kelly Reilly) y sus dos hijos. Sin embargo, las vueltas de la vida no dan tregua, y tras un viaje que hace Wendy a Estados Unidos donde conoce a John (Peter Hermann), ella le pide el divorcio para mudarse a Nueva York junto con sus hijos. Además, su mejor amiga Isabelle (Cécile De France) le pide como un favor especial, que él sea el donante del esperma para tener un hijo con su pareja Ju (Sandrine Hult) con la promesa de que nunca tendrá que hacerse cargo de él puesto que ellas planean irse a vivir juntas a Nueva York. La imposibilidad de soportar la situación de perder a sus hijos hace que él también se mude a Nueva York para poder estar cerca de ellos, lo cual genera una serie de situaciones tragicómicas por las que tiene que atravesar para poder conseguir desde una visa de residente y un empleo estable, a la vez que vive con la presión de entregar el borrador para su nueva entrega literaria (llamada Rompecabezas Chino, traducción literal del título original del filme), a lo cual por si fuera poco, su otrora amor Martine (Audrey Tatou) reaparece en su vida con

una llama que todavía no está completamente extinta. De una manera un tanto menos profunda que Richard Linklater con su trilogía conformada por Antes del Amanecer (Before Sunrise; 1995), Antes del Atardecer (Before Sunset; 2004) y Antes de la Medianoche (Before Midnight; 2013), y también un tanto artificiosa aunque de igual manera alejándose de las clásicas tomas postales de las cosmopolitas ciudades donde suceden los hechos (París y Nueva York), el director francés Cédric Klapsich ofrece con este tercer capítulo un atractivo y entretenido acercamiento a las relaciones humanas a través de los ya conocidos y entrañables personajes de la saga que conocimos hace poco más de una década en El Albergue Español, a quienes sus intérpretes ya conocen como las palmas de sus manos y todos se notan disfrutando el trabajo de volver a interpretarlos. Mi vida es un rompecabezas es un relato ligero, sin aspavientos de ningún tipo, es un filme sin mayores pretensiones que las de compartir algunas reflexiones sobre las relaciones interpersonales, y sobre todo, sin ejercer ningún tipo de juicio de valores sobre el (mal)comportamiento que tienen los personajes en algunas ocasiones o las contradicciones en las que caen. La vida, el amor, el desamor, la paternidad, la confusión, la amistad, la infidelidad, el compromiso y la felicidad, son algunas de las temáticas abordadas por Klapsich y su encantador conjunto actoral que harán de esta cinta una experiencia placentera que los hará salir de la sala con una sonrisa y un fuerte apego a la vida con todo y sus complicaciones, justo como le sucede a Xavier.

a comedia francesa Chicos y Guillermo, ¡A Comer! (Les garçons et Guillaume, à table!; 2013), ópera prima del comediante Guillaume Gallienne, se convirtió a finales del año pasado en todo un suceso en su país de origen y logró llevarse cinco premios César -Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Ópera Prima, Mejor Guión Adaptado y Mejor Edición-, otorgados por la Academia del Cine Francés a las mejores producciones de su nación en la edición número 39 en marzo de este año. Una colección de anécdotas de su infancia y adolescencia conforman esta película autobiográfica sobre el tardío descubrimiento de su bisexualidad. Adaptada de su propia obra teatral homónima que también protagonizó sobre los escenarios, Gallienne se interpreta a sí mismo durante su infancia y adolescencia, así como también se encarga de dar vida a su madre, con la que mantiene una cercanísima relación que lo lleva a imitarla y reproducir su completa identidad, desde sus frases, sus movimientos, su manera de andar, incluso su voz, a tal grado que es capaz de engañar a su propio padre de que éste está hablando con su mujer, cuando en realidad se trata de su hijo suplantando a su madre a manera de mero juego infantil. Esta apegada relación con su madre y su inocente juego de mimetismo causa gran alarma en la familia, la cual da por sentada la homosexualidad de Guillaume, y es tal la asimilación de su preferencia por parte de los demás, que él mismo se asume homosexual sin reparar en momento alguno sobre si realmente le gustan los chicos o las chicas.

La malabárica entrega física y emocional de Guilleume Gallienne en su doble papel (madre-hijo) y la honestidad con la que nos comparte sus recuerdos más divertidos y vergonzosos, son las principales bazas que hacen de este filme uno de las mejores comedias francesas que nos han llegado en muchos años. Sobresaliente resulta también la puesta en escena que rescata el espíritu teatral y juega maravillosamente con los sets y los decorados, aunque nunca renuncia completamente al lenguaje cinematográfico sino que combina ambos universos para crear una propuesta bastante auténtica. Gallienne hace uso de un humor fino y elegante a la vez que ofrece un discurso crítico, inteligente y profundamente reflexivo respecto a la condición sexual humana impuesta y condicionada por la mirada de la familia y el descubrimiento tardío de la propia sexualidad alejada diametralmente de la que fue asignada por la sociedad. La parodia y la ironía sirven como herramientas catárticas para que el director se exorcice de los demonios personales que se alojaron en él a través de los años de confusión y confrontación entre su verdadera orientación sexual y la que él creía tener. Chicos y Guillermo, ¡A Comer! es una hilarante comedia tras cuyo humor se esconde una profunda y mordaz mirada hacia un delicado y raro complejo de Edipo, una comedia-dramática-psicológica que todo mundo debería ver para comenzar a conocerse a sí mismo y preguntarse si el rol que desempeñan en la sociedad es realmente por elección y no por imposición.

lásicas piezas se hacen escuchar con los cambios de escena, Beethoven y Dvorak hacen su presencia en los frágiles recuerdos de una mujer. Un columpio lo detona todo, el rechinido de sus cadenas y la imagen de una anciana desnudan la peculiar personalidad de esta joven, Sybil.

Sybil (1976) es un filme dramático que formó parte de la nueva era del cine estadounidense a mediados de los años 70s, el suspenso y las crudas historias basadas en argumentos psicológicos fueron reflejadas en la pantalla cinematográfica. La cinta envuelve la historia de una mujer llamada Sybil Dorsett que a causa de los recuerdos sobre los abusos en su infancia, padece trastornos de personalidad múltiple e inquietantes lapsos de pérdida de memoria que le impiden desenvolverse socialmente. Peggy, nombre que le da a una de sus personalidades, intenta escapar y rompe el vidrio de su apartamento provocando una cortadura en su muñeca; es así como llega a conocer a la Dra. Wilbur, psiquiatra

que la acompañara en la búsqueda de sus recuerdos y su recuperación. La película dirigida por Daniel Petrie cuenta con retrospectivas simbolizadas por el manejo de cámara y difuminaciones en colores blanquecinos para dar la apariencia de recuerdos. La actuación principal corre a cargo de la ganadora del Oscar a mejor actriz Sally Field, quien logra interpretar a las 16 personalidades de Sybil. El filme causó una controversia mayor, ya que no sólo su narración fue polémica, sino también rompió con los mitos de la no existencia de la personalidad múltiple, tema que aún en día sigue en debate por especialistas. La narrativa de la cinta está basada en el caso clínico de Shirley Ardell Mason, quien fue una paciente psiquiátrica y artista comercial estadounidense. Su vida fue documentada en 1973 en la novela “Sybil” por su médico, Flora Rheta Schreiber.

n personaje con apariencia de mendigo vive en un hábitat subterráneo en medio de algún bosque, tras percatarse de la presencia en la superficie de tres hombres (ojo, entre ellos hay un cura, algo se nos quiere decir desde este punto) que se aproximan rastreando el subsuelo para dar con su paradero, el hombre se ve obligado a abandonar su hogar y advertir a otros dos hombres, Ludwig (encarnado por el director del filme en persona Alex van Warmerdam) y Pascal (Tom Dewispelaere), que se alojan en viviendas similares. Cada uno de ellos huye por su lado, aunque la trama, por lo menos en su primera parte, sólo nos permite acompañar al primero de ellos, Camiel Borgman (Jan Bijvoet), quien en su huída termina en el chalet de una familia acomodada, un hogar al cual logra entrar con artimañas emocionales y establecer una estrecha relación con los miembros de la familia. Borgman es un hombre revestido con harapos que, luego, logra cambiar tanto su apariencia que consigue irrumpir en la casa y la vida de una familia de clase alta, cuya cotidianidad se ve alterada con la llegada de este reservado y seductor hombre, el cual ha logrado quedarse incluso con el empleo de jardinero tras haber matado al anterior plantador, ayudado por los dos hombres que alertó en el bosque y que se han infiltrado en la casa llegando convertidos en perros, y por dos misteriosas mujeres que no tienen el menor escrúpulo a la hora de quitar vidas y desaparecer con gran ingenio y astucia los cuerpos delatores. Pero... ¿Quién es en realidad Borgman? La respuesta nunca queda del todo clara, y es precisamente esta ambigüedad lo que hace muy interesante es-

ta propuesta holandesa escrita y dirigida por Alex van Warmerdam ¿Es Borgman un demonio? ¿Qué significa "Y descendieron a la tierra para reforzar sus filas", las líneas con las que abre el filme? ¿Es la tentación pecaminosa hacia esta 'pulcra' familia? ¿Es una revuelta social? ¿Es una alegoría de los personajes habitantes de la periferia social que arremeten contra la clase burguesa? ¿O es simplemente una representación gráfica más que nos ofrece el cine de los miedos y deseos inherentes a nuestra naturaleza? Borgman es una pieza fílmica compleja, crítica y mordaz, es un ejercicio que, como otros thrillers de reciente estreno, como por ejemplo Los Canallas de Claire Denis, demanda la completa participación del espectador, necesita y exige una audiencia activa; es una especie de fábula surrealista con situaciones que nos evocan inmediatamente a Haneke (de hecho la premisa es muy similar a su Funny Games) y oníricas secuencias que nos remiten invariablemente al cine de Buñuel (especialmente los primeros cinco minutos que son un claro y fantástico homenaje al universo 'buñuelesco') que también juega con la decadencia de la moral. Un relato hipnótico que resulta muy bien logrado tanto en el fondo como en la forma, pues es poseedor de una estupenda fotografía, cámara fija y mucha luminosidad (contrario a lo que se esperaría de un oscuro relato como este), además de contar con un desempeño actoral de primer nivel que ayuda al filme a conservar esa potencia espeluznante que brinda el guión cargado de un sofisticado humor negro imperante a lo largo de la cinta. Borgman es una alternativa cinematográfica que vale mucho la pena explorar.

aniel Radcliffe continúa experimentando con roles alejados lo más posible de aquel famoso niño mago que lo catapultó a la fama internacional. Hace un par de años lo vimos en una producción de los legendarios estudios Hammer, La Dama de Negro (The Woman in Black; 2012), con resultados muy interesantes para el género del horror; luego, el año pasado lo vimos en la cinta Kill your darlings (2013) donde interpretó a Allen Ginsberg, poeta emblemático de la generación beat (aquí las interpretaciones no estuvieron nada mal -también participaron Dane DeHaan y Michael C. Hall- pero la aproximación que se hizo a la ideología contracultural de la generación beat fue bastante desafortunada); y finalmente, hace unos meses lo vimos al lado de Zoe Kazan en la comedia romántica Sólo Amigos? (What if; 2014) con resultados más que agradables. Ahora, el actor se ha puesto bajo las órdenes de Alexandre Aja (responsable de Haute Tension; 2003 y The Hills have eyes; 2006, entre otras) para presentar Cuernos (Horns; 2013), una adaptación de la novela homónima del escritor estadounidense Joe Hill (hijo de Stephen King) donde se mezclan el thriller sobrenatural, la comedia negra y el romance. Cuernos cuenta la retorcida historia de Ig Perrish (Radcliffe), un joven que es el principal (y único) sospechoso del asesinato de su novia Merrin Williams (Juno Temple) en un misterioso crimen perpetrado en el bosque de un pequeño pueblo en Estados Unidos. Previo al primer aniversario del asesinato de Merrin, Ig pasa la noche con una chica, bebiendo hasta más no poder; a la mañana siguiente, además de la inevitable cruda (moral y física), descubre que le están creciendo dos cuernos en la frente. Al buscar la ayuda de sus familiares, amigos y de un doctor que le extirpe las desagradables protuberancias, se da cuenta que además de su incipiente cornamenta, ha despertado con una nueva 'habilidad': nadie puede mentir en su presencia, de hecho, cuando él está cerca, las personas comienzan a actuar de una manera extraña, como si las normas de conducta social repentinamente se desvanecieran, revelándole sus más oscuros secretos y sus más reprimidos deseos. Su vida se convierte repentinamente en un infierno casi de manera literal, pero esta macabra nueva habilidad se convierte en su única herramienta para encontrar al asesino del amor de su vida. 18

Con este misterioso relato queda demostrado nuevamente el talento de Alexandre Aja, pues gracias a su cabal comprensión del género de horror (su fuerte) sabe cómo integrar oscuros elementos a una trama con humor negro y romance de una manera acertada. Radcliffe por su parte, se entrega completamente para deshacerse de una vez por todas del papel del niño mago, rol del cual se despoja aquí gracias un trabajo de gran desfachatez, pues es un personaje que se va oscureciendo conforme avanza la trama a pesar de que hay drásticos y muy marcados cambios de tono a lo largo de la película y en los cuales no parece querer quedarse en ninguno de ellos. Terror, Gore, Fantasía, Romance, Sátira, todos ellos se condensan de una manera muy bien lograda en esta interesante propuesta; esta insólita mezcla funciona bastante bien durante gran parte de la cinta, con un gran arranque y desarrollo que alcanza momentos conmovedores, salvajes e hilarantes; hay romance, discursos políticamente incorrectos, sátiras hacia los medios de comunicación amarillistas y mucha crítica a la doble moral del ser humano. No obstante, al entrar al tercer acto el ritmo del filme decae, la historia comienza a sentirse un tanto forzada y por breves momentos se siente incluso absurda, y no, no estoy hablando en el buen sentido. Hay un punto en la trama donde varios secretos quedan al descubierto y la historia da un giro inesperado; es un factor sorpresa que funciona para volverla impredecible, es verdad, pero la anécdota se vuelve floja, trivial, sin el impacto ni la fuerza que tenía en un principio, incluso los cambios de tono (antes tan marcados) se difuminan y dan paso a una historia despojada de algún género en específico o de una combinación de éstos bien manejada. Ya no sabemos si estamos ante una sátira terrorífica o una fantasía romántica o algún otro híbrido extraño; los elementos particulares de los géneros se entremeten en una serie de escenas que no logran una cohesión satisfactoria. Cuernos es una cinta de muy buenas intenciones que, lamentablemente, sólo se queda en eso, en una idea bien planteada y desarrollada de una manera descarada y demencial que por momentos recuerda al sobrenatural misterio de Twin Peaks de David Lynch (guardando sus distancias, claro está), pero que resulta irregular al estar pobremente rematada con una solución bastante endeble

as adaptaciones cinematográficas de la saga de Suzanne Collins tienen una personalidad propia con la que se han ganado su lugar en la industria del cine y han destacado entre las otras series de fantasía y/o sci-fi de sociedades distópicas que, en los últimos años, han acaparado tanto las estanterías como las pantallas en un afán de obtener un poco del enorme éxito alcanzado por las sagas de Harry Potter y El Señor de los Anillos; entre ellas encontramos a Crespúsculo, Cazadores de Sombras, Divergente, The Maze Runner, El Dador de Recuerdos, y un largo etcétera. Los Juegos del Hambre: Sinsajo Parte I (The Hunger Games: Mockingjay - Part I; 2014) representa la tercera entrega de la exitosa franquicia y la primera de las dos últimas partes en las que, como ya es costumbre, fue dividida el último capítulo literario en su traslación al cine. Y si la segunda parte ya nos había sorprendido con una muy notable mejoría en todos los sentidos respecto a la cinta original, esta nueva cinta viene a superar a ambas con una historia por demás interesante, un tono completamente distinto y bien construido nuevamente por su artífice Francis Lawrence. Al final de Los Juegos del Hambre: En Llamas (The Hunger Games: Catching Fire; 2013), vimos a Katniss (Jennifer Lawrence) ser rescatada de la arena y ser llevada al Distrito 13, el lugar que, contrario a lo que se creía, sólo había sido completamente destruido en la superficie durante la última rebelión 75 años atrás, pero parte de sus habitantes lograron sobrevivir en el subsuelo; ahí le revelan que el Capitolio, tras su pequeño acto insurrector en la arena, bombardeó el Distrito 12 reduciéndolo a cenizas. Esta nueva entrega, no repara en el recuento de los sucesos, sino que entra de lleno a la continuidad de la trama, mos-

trando a la comunidad militar subterránea del décimo tercer distrito; para ellos, la guerra jamás terminó y ahora, bajo el mando de la Presidenta Alma Coin (Julianne Moore), buscan sembrar el espíritu rebelde en los doce distritos y alzarse irreversiblemente contra el Presidente Coriolanus Snow (Donald Sutherland). El tono de Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte I se vuelve un poco más sombrío, más adulto, deja de lado la aventura y la lucha por la supervivencia, dando prioridad a los primeros brotes insurgentes en muchos distritos y a la estrategia del distrito militar para fraguar la revolución contra el sistema totalitario, dentro de lo cual se incluye la producción de 'propos', es decir, clips propagandísticos con Katniss como figura protagónica e incitando a la rebelión. El filme se convierte en un enfrentamiento de estrategas, desdoblándose como un tablero donde los rebeldes y el Capitolio colocan y mueven cautelosamente sus piezas para comenzar la batalla que, como era de esperarse, no cobrará mayor fuerza sino hasta la última entrega. En medio de los ataques y contraataques, vemos a Katniss queriendo rescatar a Peeta (Josh Hutcherson), Johanna (Jena Malone) y Annie (Stef Dawson), quienes fueron tomados como prisioneros tras el dramático desenlace del Vasallaje de los 25; a la vez que la vemos debatirse entre ser o no el símbolo -el Sinsajo- que se precisa para unificar el espíritu de insurrección en los doce distritos. Con sus secuencias melodramáticas dosificadas a lo largo del filme, el desarrollo de los personajes también crece un poco y se explora brevemente al personaje de Primrose (Willow Shields), hermana de Katniss con quien siempre ha mantenido un fuerte lazo emocional y ha funcionado a manera de

confidente y motivo para continuar con la lucha, a la vez que la ha mantenido con la mente en la realidad y no ha permitido que pierda los estribos; también, el triángulo amoroso central de Katniss, Peeta y Gale se tambalea, la ausencia de Peeta y la compasión por Gale, mueven en Katniss sentimientos confusos. La película funciona perfectamente como un puente entre la segunda parte y la entrega final -en cines hasta el 20 de noviembre de 2015-, pero más allá de esta unión, también es interesante ver el rumbo que toma la historia, ahora con referencias a los regímenes totalitarios con una producción de filmes propagandísticos al más puro estilo de Leni Reifenstahl -con la fuerza e importancia de la imagen- y con los medios de comunicación como mecanismos de control de las masas; también con las reminiscencias de los experimentos en humanos por parte del régimen para convertir a los prisioneros en simples marionetas propagandísticas a favor del sistema y/o en armas contra los disidentes, utilizando el miedo para transformar su naturaleza, adiestrándolos bajo una nueva norma y poder vulnerar las defensas emocionales del enemigo. Los Juegos del Hambre: Sinsajo Parte I, a diferencia de sus predecesoras, es más un drama bélico que una película de aventuras, aunque al igual que la entrega anterior, el final un tanto abrupto crea expectativa y nos deja con ansia de ver qué es lo que pasará con Katnis, la rebelde mejor vestida de la historia: ¿se convertirá en la heroína victoriosa de la rebelión en Panem o morirá para convertirse en mártir y figura mítica que de igual manera atizará el fuego de la disidencia?

n prominente actor que va abriéndose camino en la escena fílmica nacional; sensible y preocupado por brindar un trabajo de calidad, demostrando que el talento mexicano tiene mucho que ofrecer ya sea en producciones nacionales o extranjeras.

¿Cómo eliges en qué película participar? Es muy complicado, hoy puedo decidir "no", pero quizá en unos días necesite dinero y lo tendría que hacer, depende de muchas variantes, el cine que me gusta hacer es el cine de autor, por lo general con tendencias estéticas diferentes, de preferencia llegar a proyectos que me entusiasmen, que me llamen. Pero ya lo que me genera cierto conflicto es repetir personajes, yo tuve la fortuna que en algún momento al principio de la carrera me llamaban para personajes de malos, pero después empezaron a salir personas que ya me llaman otros personajes.

¿Cómo fueron tus inicios en la actuación? Soy de Toluca, desde chico quise ser músico pero no tuve el chance económico para estudiar en México, para entrar al conservatorio que era lo que quería. Tuve un problema en la pierna, me tuvieron que operar y eso me hizo regresar a vivir con mis papas para que me ayudaran, pues no podía trabajar. La única condición de ellos fue que estudiara algo “normal” y acepté. Empecé a estudiar Ciencias de la Comunicación pero al segundo semestre, a pesar de que me gustaba, sentí que algo no me estaba gustando mucho y empecé a tomar muchos cursos en Toluca, uno de poesía con el finado Guillermo Fernández, y así me fui desarrollando hasta que llegó Sandra Félix, una directora importante de teatro de la Ciudad de México donde tomé un curso con ella y además le pregunté si podría mantenerme de eso, me dijo que sí y le tomé la palabra, me aconsejó que fuera a hacer un examen al CUT (Centro Universitario de Teatro) en la UNAM. No entendía la magnitud, fui a hacer el examen, me gustó mucho el nivel de la adrenalina y vi mucha gente muy emocionada, y pues, me quedé. Poco a poco entendí la magnitud de entrar ahí, por su nivel, pues de ahí han salido Gustavo Sánchez Parra, Humberto Zurita, Lisa Owen, Arcelia Ramírez, muchos grandes compañeros actores. En segundo año me invitaron por medio de Gabino Rodríguez a hacer cortometrajes, de ahí empecé y me gusta el teatro, pero el cine me apasiona totalmente, las películas que veo y que hago me llegan totalmente . Mi momento llegó en 2007, fue mi primera película, Cómo no te voy a querer , y de ahí en adelante. Para mí es una carrera bastante enriquecedora.

¿Cuál es el personaje que más te ha gustado? Todos en alguna medida u otra, no tengo uno en especial. Ahorita en esta, Plan Sexenal, me sentí muy a gusto en el rodaje, hubo un proceso muy interesante , tenía muchas cosas que para mí son muy importantes tener en un rodaje. En Crónica de Castas también fue un personaje que me gustó; al contrario, son pocos los que no me han gustado. ¿Te gustaría trabajar con algún director? Muchos directores, mexicanos: Eimbcke, Escalante, Reygadas (sé que no trabaja con actores pero me gusta su trabajo), Bernardo Arellano, Nico Pereda, muchos; y al contrario, son contados con los que no me gustaría. ¿Admiras o tienes algún Icono en la actuación? Muchos, pero no porque quiera ser como ellos, son mis ídolos. Klaus Kinski por su fuerza y energía, en uno u toro sentido. Hay actores muy actores, tiene un nivel de energía que en donde los veas dices "ese es actor", y eso es lo contrario a mí, yo soy un actor mas introvertido, y se refleja en pantalla por mi forma de hablar de actuar, es un reto para mí. Y mexicano, para mí el mejor es Daniel Giménez Cacho. Gael García Bernal influenció una generación, fue un impulsor, no es que queramos ser como él, lo que nos dimos cuenta que si él pudo, también nosotros podemos lograrlo.

¿En cuántas películas has participado ? No las tengo bien contadas pero más de veinte, y como estelares son cuatro: La Cebra, Norteado, González y Plan sexenal.

¿Tienes inclinación por trabajar en algún género en especial? No. La Cebra era una comedia, Norteado era drama con otra temática, González es thriller, Crónica de Castas es algo más social. No prefiero algo especifico, lo enriquecedor es que trabajes en cosas opuestas o diferentes porque así te regeneras, si trabajas siempre con el mismo humor creo que llega el momento en que te aburres.

¿Cómo crees que se podría aumentar la afluencia al Cine Mexicano? No es algo sencillo, no se puede atacar a un solo punto; el primero, legislar un poquito en beneficio de las películas mexicanas como dejar más tiempo las películas en exhibición, generar más público, aunque el público por la educación de la TV por lo general es más comercial, por ejemplo nuestra gran tradición: Lucha Libre, actualmente nuestras nuevas generaciones están mas interesados en ver la Lucha Libre gringa, cuando la de nosotros es buenísima y la pasan en los canales no estelares y eso lo impulsa la TV, es un tema muy amplio y hay muchos lugares para atacar este tema. Ahora hay películas de todo tipo, yo los invitaría a darle la oportunidad de verlas, después juzgarlas pero primero verlas. Hay varios temas tabú en el cine mexicano, como el de las escenas de sexo. Para mí, el sexo en el cine no es moral, los desnudos son necesarios pues te muestran el tipo de relación que tienen los personajes, pero para mí es lo de menos, lo importante es lo que hay de fondo, ante la sociedad quizá es un tabú pero es parte de la educación de nuestro país. Te puedo decir que en otros países, con una apertura de sus culturas que tienen, se ven películas con sexo y no pasa nada y aquí sí causan polémica.

¿Estás dedicado a la actuación al 100%? Sí, en diferentes líneas, he hecho series de TV, en teatro llevo dos obras profesionales, una que se llama Los Perros, una de Elena Garro y una obra en París, ahí estuve un ratito, ahorita estoy empezando a producir con Laura Pino con Chacal Films. El tiempo no me da para hacer todo lo que quiero y es uno de los problemas que tengo, no me da el tiempo y la energía, envidio a las personas que pueden dormir a las 2:00 a.m. y despertar a las 5:00 a.m. yo no puedo, yo necesito dormir bien. ¿En qué estás trabajando actualmente? Vengo de la promoción de González del año pasado, estuvimos Chicago, Francia, Chile y yo estoy cerrando algunos proyectos y terminé una serie, Texas Rising, para History Channel.

Plan Sexenal... ¿por qué participaste? Leí el guión en una hora, decidí que sí porque me gustó mucho, hay películas donde no te dan todo por resolver, no es muy explícita y ésa es la intención, esta película es un juego metafórico, donde hay una crítica de la sociedad pero no me critico a mí, hay una serie de cuestiones del cómo funciona nuestra sociedad, yo encuentro una propuesta estética de Santiago el director muy interesante y pues con Flor Eduarda una excelente actriz, no lo dude.

¿Cuándo se presenta en México la película González? Se sigue presentando en festivales, estamos esperando que se estrene para principios de 2015, entramos con Cine Caníbal y estamos checando la mejor fecha para estrenarla. ¿Cómo ves al cine mexicano en la actualidad? Creo que es un buen momento, no solamente por el éxito en taquillas, que es muy importante, creo que es un momento, para reflexionar y pensar lo que se está haciendo bien y mal, creo que todavía no es una industria pues hay mucha problemática tanto para el actor como para el director, pero estamos en muy buen momento estamos haciendo más de cien películas al año. Plan sexenal y Los Bañistas son películas independientes y eso te da un buen sabor de boca, es otra forma de hacer cine.

¿Por qué la gente tendría que ver Plan Sexenal? Se van a encontrar una súper actuación de Flor Eduarda con una película poco común, con un thriller psicológico, van a ver a su país reflejado, tiene una propuesta muy interesante y creo que les va a gustar.

Lo que La Ñora ofrece: -La distribución por un año de un cortometraje en diversos festivales, con la opción de que el cliente amplíe a un segundo año de distribución. -Además, desean promover el trabajo hecho en las escuelas de cine y la apuesta realizada por productoras que llevan a cabo más de un cortometraje al año, han diseñado unas tarifas especiales si son de escuela o una productora que quiere distribuir varios cortos con ellos. -Mantienen una comunicación mes a mes de las selecciones y premios obtenidos. -Visibilidad en la página de La Ñora aparecera la información actualizada y material promocional del corto: tráiler, póster, equipo técnico y artístico, año de producción, selecciones en festivales, premio. Además, redes sociales se publicitará cada paso que dé el cortometraje y se generaran notas de prensa para los medios de comunicación. -También cuentan con un servicio de ventas para cortometrajes que ya han terminado su recorrido por festivales y desean exprimir al máximo las posibilidades de su trabajo. Es importante subrayar que La Ñora Distribuye sólo recibe la cuota mensual, no se beneficia de los premios obtenidos por el cortometraje. La Ñora Distribuye viene a apoyar esa parte de la industria cinematográfica que, lamentablemente, carece de espacios y medios para la distribución, pues a diferencia de los largometrajes muchos de estos cortos difícilmente llegan a verse masivamente, por ello se espera que la alianza que se genere entre el corto y La Ñora genere una gran visibilidad y reconocimiento del trabajo del realizador.

n el marco del 12° Festival Internacional de Cine de Morelia, conocimos a La Ñora, un grupo de conocedores y hacedores de cine en sus diversas fases, enfocados a darle visibilidad a la industria de los cortometrajes. Gracias a que ellos son miembros activos del medio, saben que el camino de la distribución es un tema quizá tormentoso y desconocido para muchos, que genera estrés o desgaste innecesario, pues el desgaste tendría que ser realizarlo, no distribuirlo. Por esto nace la idea de apoyar a los realizadores para que concursen en los festivales de acuerdo a su temática, obtenga los reconocimientos que se merezca, y lo más importante, que realmente sea visto. La Ñora Distribuye es la primera distribuidora de cortometrajes de México. Sus socios, Mariana Martínez, Sonia Sánchez, Llanos Gómez, Vanesa Vera, Sam Baixauli y Martín Román, tienen una larga experiencia en el mundo del cine: escribiendo, dirigiendo, produciendo, editando y actuando. Conocen bien esa sensación de “¡Bravo, ya tengo acabado el corto que quería! ¿Ahora qué?” “Creemos en el cortometraje como forma de expresión artística y como elemento fundamental de la industria cinematográfica. Nacemos con la intención de contribuir en la difusión del cortometraje latinoamericano a nivel nacional e internacional“

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a ópera prima de Dan Gilroy ha resultado una de las mayores sorpresas del año, pues se trata de un incisivo discurso crítico sobre la actual obsesión por la violencia y las imágenes 'informativas' extremadamente gráficas explotadas descaradamente por los programas noticiosos, así como un análisis de los hipócritas dobles estándares morales y éticos de la sociedad contemporánea. Tenemos en Primicia Mortal (Nightcrawler; 2014) la historia de Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), un joven apasionado, decidido y arriesgado que se gana la vida a través de pequeños hurtos, obteniendo mercancía de cualquier índole para luego revenderla como materia prima a pequeñas empresas a las que no duda en pedirles trabajo; pero tras comprarle la mercancía robada, le niegan la oportunidad laboral con el pretexto de contar con una ética que les impide contratar a ladrones. Una noche, Lou es testigo de un accidente de tráfico y así descubre el mundo periodístico de nota roja gracias a los llamados 'Nightcrawlers', reporteros 'freelance' que se dedican a 'merodear' la ciudad durante la noche para cazar las más funestas imágenes de accidentes, crímenes o cualquier otro suceso que pueda vender a los canales de noticias para sus secciones de nota roja. La decisión de Lou de convertirse en un 'merodeador' detona la trama de esta mordaz crítica a la putrefacción ética y moral de la sociedad cimentada en un sobresaliente trabajo de guión (autoría del mismo Gilroy) que, a la vez que desmenuza cuidadosamente los tejes y manejes de las televisoras en pos de altos niveles de audiencia (y altos puestos de trabajo para los directivos del programa), también ofrece una exploración profunda a la retorcida psique de Lou, la cual se logra en gran medida al soberbio trabajo de Gyllenhaal. En él encontramos a esta especie de antihéroe amoral con reminiscencias de los icónicos Travis Bickle (Robert De Niro) de Taxi Driver (Martin Scorsese; 1976) y del conductor anónimo (Ryan Gosling) en Drive (Nicolas Winding Refn; 2011), combinando las habilidades al volante de éste último con los trastornos psicológicos del 'hombre solitario de Dios' -como se autoproclama el personaje de la obra maestra de Scorsese. 29

La muy afortunada propuesta del director debutante da muestras de unos medios de comunicación carentes de la menor ética y moral, de manera cínica transmiten imágenes 'informativas' (que son rematadas con comentarios amarillistas del más bajo nivel para causar un mayor impacto) que resultan la delicia de una corrompida, enfermiza e insaciable audiencia. Es el retrato de la perpetua explotación de la miseria humana y del morboso deleite del público ante la desgracia ajena. Pero detrás de toda esta maquinaria de telebasura (que también vimos muy recientemente en la excelente Gone Girl (2014) de David Fincher) está el reportero que lo filma todo. Lou es un personaje obsesionado con el éxito y el reconocimiento, una característica patológica que exhibe la enfermedad en la que se está hundiendo la sociedad occidental: la cultura del éxito, ésa de la que ya nos hablaban Jonathan Dayton y Valerie Faris de una manera ácida pero divertida en Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine; 2006) a través de Richard Hoover (Greg Kinnear), el patético padre de familia que estaba dispuesto a todo (incluso a pasar sobre su familia) para saborear las mieles del éxito. Sin embargo el discurso de Gilroy utiliza un humor mucho más oscuro y este impecable ejercicio se enfoca en explorar esa patológica perversidad del ser humano a través a través del perturbador Lou, quien al igual que el padre de la pequeña Olive, está dispuesto a pasar sobre todo y todos para lograr esa toma que lo consolidará como un gran reportero y que lo colocará en un lugar más alto de la pirámide profesional de la televisora para la que ahora trabaja casi de forma exclusiva en mancuerna con Nina (Rene Russo), una de las productoras de la cadena de televisión. Primicia Mortal es un filme que resulta inquietante y perturbador por su poderoso discurso y no por lo gráfico de sus secuencias; coherente con sus críticas sociales, Gilroy opta por contenerse en cuanto a la cantidad y calidad de violencia mostrada en el filme, y se decanta, al contrario, por incomodar al público retratando descarada y cínicamente a una sociedad doble moralina y mojigata. Apoyado por las extraordinarias postales logradas por el cinefotógrafo recurrente de Paul Thomas Anderson, Robert Elswit (ganador del Oscar por There Will Be Blood en 2008 que aquí retrata de manera sublime el lado oscuro de Los Ángeles como nadie lo había hecho) y la atinada partitura compuesta por James Newton Howard, Gilroy consigue con esta obra un fascinante thriller atmosféricamente oscuro y difuso que por momentos se desborda para darle breves espacios a la parodia y la sátira colmada de grandes dosis de humor negro, rayando peligrosamente en la inverosimilitud, pero que alcanza a salvarse por la sorpresiva audacia narrativa del novato Gilroy, cuya ópera prima se vuelve no sólo recomendable, sino imprescindible. 30

ara la primera adaptación por parte de Disney de un cómic original de Marvel tras haber adquirido la compañía en 2009, la casa de animación echó mano de una publicación muy poco conocida por las grandes masas: Big Hero 6, un manga con personajes creados en 1998 por Steven T. Seagle y Duncan Rouleau y desarrollados luego por Scott Lobdell y Gus Vásquez. Sin embargo, el nombre de esta adaptación animada es lo único en común con el original impreso, pues se cambiaron por completo a los personajes que conforman a esta sui géneris agrupación de superhéroes. En Grandes Héroes (Big Hero 6; 2014), la película dirigida por Don Hall y Chris Williams que se desarrolla en San Frantokio, una metropoli ficticia originada del sincretismo cultural entre San Francisco y Tokio, tenemos como personaje central a Hiro (¿Hero?), que vive con su hermano universitario Tadashi y su tía Cass que es dueña de un restaurante/café. Hiro es un adolescente de 14 años poseedor del coeficiente intelectual de un genio, pero sus habilidades las utiliza para apostar en peleas clandestinas con robots construidos con tecnología diseñada por él mismo. Una noche, tras 'rescatarlo' de una noche de pelas clandestinas que se salió de contol, Tadashi lleva a su hermano a la universidad para mostrarle el invento en el que está trabajando: un robot inflable llamado Baymax, creado específicamente para salvar vidas a través de su avanzado conocimiento y aplicación de primeros auxilios. El genio adolescente conoce entonces a los amigos de su hermano 33

mayor: Fred, Wasabi-No-Ginger, Honey Lemon y GoGo Tomago, todos trabajando en asombrosas creaciones científicas, y al darse cuenta del microcosmos de asombrosos experimentos que tiene lugar ahí, decide que ese es el mundo al que quiere pertenecer y resuelve intentar ganarse un pase de entrada a la universidad a través de una demostración científica para el que crea una colección de nanobots que dirige a través de neurotransmisores. Hiro gana su pase a la Universidad pero esa noche se suscita un incendio que arrasa con los inventos presentados y su hermano muere tratando de rescatar a su profesor que quedó atrapado en el edificio. Tiempo después Hiro se encuentra casualmente con Baymax, el robot en el que su hermano seguía experimentando y que había guardado en casa. La reaparición del robot suscita en Hiro un cambio anímico, y gracias a la programada naturaleza siempre protectora Baymax, se entera que los nanobots no sólo no fueron destruidos en el incendio, sino que fueron llevados a una bodega abandonada (acondicionada ahora como un laboratorio secreto) por un misterioso personaje llamado Yokai que ha logrado manipular a los nanobots con la tecnología de neurotransmisores creados por Hiro, quien entonces decide investigar a fondo para dar con el responsable del incendio que no sólo robó su invención sino que es el responsable de la muerte de su hermano, por lo que pide ayuda a los amigos de Tadashi y junto con sus conocimientos científicos crean indumentarias y armamento para derrotar a Yokai.

Tanto el contexto superheroico del impreso homónimo de Marvel como la animación por computadora de Disney permiten que este proyecto vea la luz y resulta sorprendente que, aún cambiando toda la esencia del material original, el resultado en pantalla sea francamente asombroso. Disney apuesta aquí por una historia realmente entrañable dejando que la acción esté al servicio de una historia interesante, un relato donde el profundo amor fraternal que se ve trastocado por el duelo y la pérdida puede generar sentimientos como el deseo de venganza, es lo que sostiene esta historia de vertiginosas aventuras. Aquí no hay un héroe maniqueo que sea completamente bondadoso, ya que primero vemos a Hiro como un peleador clandestino de robots al que las ideas de moral y ética no le dicen mucho, y luego lo vemos como un chico disipado por el dolor ante la pérdida de su hermano, descubriendo más tarde la rabia frente a las verdaderas causas que provocaron su muerte, despertando en él una especie de ira que incluso mueven instintos asesinos en él. Por su parte, el villano del filme tampoco es el clásico antagonista, puesto que sus motivaciones para hacerse de los nanobots y fraguar su plan tienen un origen en sentimientos de pérdida y duelo que también lo han guiado hacia la rabia incontrolable, avivando también en él los deseos de venganza. Así, héroe y villano se ven reflejados y emocionalmente emparentados ante un sentimiento en común: la pérdida de un ser amado. Y acompañando al héroe tenemos a un grupo de superhéroes sin superpoderes pero con mucha inventiva, y es preciso señalar la cuidada personalidad que se les brindó a cada uno de los personajes, aunque sospechosamente los roles femeninos del grupo se sienten menos importantes que los masculinos (si no nada más revisen la cantidad de líneas que tienen Honey Lemon o GoGo Tomago y compárenlas con las de Fred o Wasabi-No-Ginger), pero como este no es un texto que busque polémica de conflicto de géneros, mejor sigamos analizando el filme... Y es así como llegamos al tercer personaje en importancia de Grandes Héroes (aunque el primero en popularidad y encanto): Baymax, el robot creado por Tadashi que resulta profundamente adorable, y de la misma manera que Wall·E conquistó a millones hace poco más de un lustro, Baymax se gana el corazón de todo el público con una personalidad encantadora e inocente. Grandes Héroes es una gran cinta animada con formidables secuencias de acción que rescatan el espíritu aventurero de los superhéroes (algo tenían que aprender de Marvel, ¿no?) y a la vez tiene un trasfondo emocional que conecta invariablemente con la audiencia. Un filme muy cuidado en cuanto a su historia y su producción (visualmente es asombrosa, con una estética que reúne el estilo oriental con la animación estadounidense), ofreciendo humor, emoción y acción a partes iguales; un filme que posee todos los elementos para convertirse (y seguramente así será) en la próxima gran franquicia de superhéroes de Marvel... y en la primera de Disney. 34

os zombies clásicos de lento andar consolidados de George A. Romero en desde finales de los años 60s fueron revitalizados por la frenética visión de Danny Boyle en Exterminio (28 Days Later; 2002), estableciendo los nuevos parámetros bajo los que, desde entonces, se han guiado la intempestiva serie de filmes alrededor del mundo que han tenido como protagonista a esta particular criatura que llegó para hacerle competencia al monstruo del cine por antonomasia: el vampiro. Una de las cintas que formó parte de la oleada del 'nuevo cine de zombies' fue la española [Rec] (2007), dirigida por la dupla Paco Plaza y Jaume Balagueró, y su gran acierto fue explotar el subgénero mezclándolo con otro que se encontraba en pleno auge: el found footage, con el cual se emula un material verídico sobre una reportera (Ángela Vidal, es decir, Manuela Velasco) que se ve inmersa en un caso de infección viral en un edificio departamental en España donde los infectados se convierten rápidamente en seres veloces y ultraviolentos. Plaza y Balagueró, a través de un vertiginoso montaje y una historia angustiante, lograron mantener al espectador al filo de la butaca gracias a la eficaz atmósfera de suspenso claustrofóbico que se benefició de ya mencionado subgénero del 'pietaje encontrado' que mantiene la cámara siempre en estado esquizofrénico. El éxito del filme fue tal, que se realizó un (infame) remake en Estados Unidos bajo el nombre de Cuarentena (Quarantine; 2008), y una secuela, [Rec]2 (2009), que no resultó tan afortunada por la ambición de querer repetir el éxito de la propuesta pero exagerando exponencialmente todos sus elementos: más zombies, más sangre, más gore... y más clichés. Posteriormente se decidió extender el universo de la saga con dos películas más, una precuela y una secuela, con cada uno de los directores haciéndose cargo de una respectiva cinta.

Es así como en 2012 pudimos ver [Rec]3, precuela donde Paco Plaza dejó de lado el subgénero found footage que caracterizó a la saga en un principio, para enfocarse ahora en una narrativa más convencional pero retomando la violenta pandemia en una boda ocurrida en una villa apartada de la ciudad y poco antes de los sucesos en el edificio infectado; la cinta resultó una bocanada de aire fresco para la franquicia pues aunque se alejó de la esencia de la saga, le dio nuevos bríos al colocarla dentro de la comedia negra donde el absurdo era su mayor atractivo (esa insólita y muy sangrienta secuencia final quedará para los anales de la historia fílmica del género en español). Ahora, dos años después, llega la propuesta de Jaume Balagueró, [Rec]4: Apocalipsis, la última entrega con la que se pretende poner punto final a la historia de este extraño virus paranormal, dándole seguimiento a la historia de Ángela Vidal, a quien al final de la segunda entrega vimos ser infectada por el huésped que se aloja en ella, terminando por ser la nueva portadora de la viscosa entidad que poseía a la famosa Niña Medeiros. Esta nueva entrega, comienza justo con el operativo de rescate en donde ponen a salvo a Ángela y la trasladan a un barco en altamar para ponerla en cuarentena junto con dos elementos militares que formaron parte del operativo y una sobreviviente de la sanguinaria boda del filme de Plaza. La trama de [Rec]4: Apocalipsis se desata (literalmente) cuando un mono con el que experimentaban y pretendían encontrar la vacuna que permitiera combatir al virus, queda suelto a bordo de la embarcación que se encuentra incomunicada y a punto de encontrarse con una intensa tormenta, comenzando una micropandemia en altamar que pronto infecta a la gran mayoría de los pasajeros (tripulación, científicos, militares y sobrevivientes de la pandemia en tierra). Pero en este afán por repetir el proceso pandémico en un espacio reducido como la embarcación en mar abierto, no hace sino reforzar los clichés y los obvios paralelismos ante la obra de Ridley Scott, Alien: El octavo pasajero (Alien; 1979), pero cambiando el Nostromo por el barco petrolero Zaratustra, y pretendiendo (por si fuera poco) hacer de Ángela Vidal una nueva Ripley (¿hace falta decir que resulta un fracaso?). Con [Rec]4: Apocalipsis, Balagueró no alcanza la construcción efectiva de atmósferas angustiantes o claustrofóbicas que hicieron a la original [Rec] el fenómeno del horror español de la década pasada (aquí las dosis de tensión son mínimas), ésto es tan sólo más material de una fórmula ya muy gastada. Aquí sólo tenemos la más endeble de las premisas de la serie, la más estruendosa, exagerada, absurda y predecible (sabíamos que alguien 'soltaría' la plaga en el barco, sabíamos que el filipino -por ser minoría- iba a morir/infectarse primero, también que Lucas -(Críspulo Cabezas)- iba a intentar redimirse al hacerse el héroe queriendo rescatar a la anciana, quien obviamente- también iba a resultar infectada porque siempre tiene que haber una 'mujer mayor' convertida en un iracundo zombie), pero es también, la menos fresca, original, efectiva y coherente. Como dirían mis amigos españoles: ¡[Rec]4 es un coñazo! 39

pesar de no dejar de trabajar, hacía tiempo que el gran actor Bill Murray no tenía un papel protagónico, pero este mes está de regreso con el personaje central de Sn. Vincent (St. Vincent; 2014), una comedia ligera escrita y dirigida por Theodore Melfi que se centra en un hombre de mediana edad (el Vincent del título, por supuesto) de carácter difícil (por no decir que imposible) que establece una improbable relación de amistad con Oliver (Jaeden Lieberher), el hijo preadolescente de su nueva y recién divorciada vecina Maggie (Melissa McCarthy), quien tiene que tomar largos turnos en el hospital donde trabaja para poder mantenerse tras la complicada separación. La relación entre Vincent (veterano de guerra, apostador, alcohólico, hedonista y misántropo) y Oliver (tímido, retraído y tratando de sobrellevar la separación de sus padres) se suscita cuando a éste le roban el teléfono celular y las llaves de su casa en su nuevo colegio católico, por lo que debe pedir la ayuda de su intragable vecino para llamar a su madre y esperar en su casa para que ésta lo recoja tras terminar su turno en el hospital. Necesitado de dinero para pagar fuertes cantidades de dinero que ha perdido en el hipódromo, Vincent se ofrece como niñero para cuidar a Oliver todas las tardes después del colegio hasta que su madre salga de trabajar, pero, sorpresivamente, entre ambos comienza a surgir una rara amistad que se va fortaleciendo hasta convertirse en una relación alumnomentor, mejorando las situaciones de ambos en modos que jamás imaginaron. No hay duda alguna que la principal baza de esta comedia dramática de cor41

te familiar es la improbable relación que se crea entre los personajes de Bill Murray y Jaeden Lieberher, pues se logra una química y complicidad en pantalla de una manera fenomenal, como pocas veces se puede ver en el cine de hoy en día. El resto del reparto ofrece también actuaciones bastante sólidas y es muy agradable ver a dos actrices trabajar en tonos en los que casi no se desenvuelven. Aquí encontramos a Melissa McCarthy en un papel más dramático y contenido, un tanto alejado a los de sus muy comunes personajes cómicos, y también a Naomi Watts como una stripper rusa y amante en turno de Vincent, este gruñón que queda perfecto para el sexagenario actor y que nadie excepto que él podría haber dado vida de una manera tan lograda a este tan pendenciero, desfachatado y cínico antihéroe. Y es que no obstante la excesiva previsibilidad que nos permite anticiparnos a todas y cada una de las situaciones que aparecen a lo largo de la trama, de caer en un profundo y grave sentimentalismo barato en el último tramo de la película y de resultar un mero vehículo de lucimiento para un Bill Murray en verdadero estado de gracia, Sn. Vincent es una tragicomedia bastante refrescante que logra separarse de los filmes convencionales del género por el desempeño del conjunto actoral, por dar muestras del talento como director de actores de Theodore Melfi y de una pericia narrativa que, aunque no está exenta de una gran carga de clichés y situaciones ya muchas veces vistas, logra contar una historia redonda que entretiene y divierte a las grandes audiencias y nos presenta a un nuevo antihéroe de la comedia.

a película Quiero matar a mi Jefe (Horrible Bosses; 2011), de Seth Gordon, nos presentó a Nick, Kurt y Dale (Jason Bateman, Jason Suedekis y Charlie Day, respecticamente), un trío de individuos que vivían sumidos en la miseria laboral bajo las órdenes de sus despreciables jefes; su nivel de frustración profesional era de tal nivel, que planearon el asesinato de sus superiores con la 'ayuda' de los consejos de Dean 'Motherfucker' Jones (Jamie Foxx), un estafador que los asesoró para consumar los crímenes y quedar libres de toda sospecha. La comedia de enredos y lenguaje soez tuvo una cálida recepción en la taquilla y considerable consentimiento por parte de la crítica, por lo que la secuela no tardó en prepararse muy a pesar de que era más que evidente que la anécdota de la primera parte ya no daba para más. En esta ocasión, y tras los aleccionadores sucesos ocurridos en la primera parte, los tres amigos deciden dejar atrás la dependencia de los jefes y emprenden juntos un ambicioso negocio a través de la creación de un invento para la ducha que ahorrará tiempo y esfuerzo a la hora de tomarse un baño (shower buddy); su invento llama la atención del inversor Bert Hanson (Christoph Waltz) y les pide que realicen una producción a gran escala para distribuirla internacionalmente, pero cuando son engañados y Bert se echa para atrás con el trato, los

desesperados amigos idean un plan para secuestrar a su hijo Rex (Chris Pine) buscando salvar su negocio con el dinero del rescate. Quiero Matar a mi Jefe 2 tiene varios momentos divertidos pero ninguno logra ser hilarante como ocurría en varias ocasiones en la primera entrega; y es que, como era de esperarse, a pesar que los actores siguen manteniendo una excelente química y su humor posee cierta frescura, la trama es bastante débil y no justifica la existencia de esta secuela, además que los personajes secundarios del filme original, son insertados con calzador en una trama en donde no había cabida para ellos desde un principio; de hecho, ya ni siquiera hay 'jefes' propiamente dentro de la 'historia', por lo que hasta el título es ya obsoleto. Estamos solamente ante una historia de un secuestro mal planeado que deriva en ciertas situaciones cómicas, pero la falta de astucia en el guión escrito por el mismo director Sean Anders junto a John Morrisque (quienes insisten en querer alargar una historia que desde la entrega anterior ya estaba terminada) hace imposible que se pueda ofrecer una continuación digna. Si son fans del trío protagónico como ensamble actoral y de su humor sexual y torpe, podría llegar a satisfacer sus demandas de entretenimiento, pero si la primera entrega no los convenció del todo, es mejor que ni se acerquen a esta secuela. 42

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ace dos años comenzaba a materializarse en pantalla el (entonces) díptico precuela de la trilogía de El Señor de los Anillos con El Hobbit: Un viaje inesperado (The Hobbit: An Unexpected Journey; 2012). Luego vino la gran noticia: no sería un díptico sino una nueva trilogía lo que su artífice, Peter Jackson, nos ofrecería para ampliar el universo cinematográfico de Tolkien. Así, el año pasado acompañamos nuevamente a los trece enanos -liderados por el heredero al trono: Thorin (Richard Armitage)-, el Mediano Bilbo (Martin Freeman) y el mago Gandalf (Ian McKellen), en la odisea por recuperar el Antiguo Reino de Erebor en las entrañas de la Montaña Solitaria, ahora bajo el dominio del dragón Smaug 'El Terrible' en El Hobbit: La Desolación de Smaug (The Hobbit: The Desolation of Smaug; 2013). Finalmente, El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos (The Hobbit: The Battle of the Five Armies; 2014), el capítulo desenlace de la trilogía, llega a las pantallas y es, casi en su totalidad, una cinta de repleta de aventuras que termina con una épica batalla a las faldas de la Montaña Solitaria en busca del trono y el tesoro que se oculta en su interior el reino de los enanos. El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos nos da muy pocos momentos de descanso, pues desde su rabioso inicio con Smaug destrozando Esgaroth (la ciudad del Lago), la historia se mantiene siempre vertiginosa, la acción desbordada nos lleva a las entrañas de la batalla entre los hombres, los enanos, los elfos y los orcos, quienes por distintas razones (poder, riqueza, estrategia, etc.) quieren tomar el control de la Montaña Solitaria. No obstante, entre la espectacularidad de las batallas, los muy equilibrados momentos de respiro permiten una exploración más profunda y compleja de los personajes centrales. Nos adentramos de esta manera, por ejemplo, a la psique de Thorin, trastornado por el poder y la avaricia, perdiendo la razón dentro del Reino de Erebor, sospechando de sus propios amigos 49

sobre la legitimidad de su lealtad: "...No me hables como si fuera tan sólo Thorin Escudo de Roble... ¡Yo soy tu Rey!", grita al borde de la locura cuando uno de los enanos de la compañía le cuestiona sobre su falta de acción en la batalla que se gesta a las afueras de su reino. Legolas (Orlando Bloom), Tauriel (Evangeline Lilly) y Kili (Aiden Turner), el triángulo amoroso creado exprofeso para ésta trilogía fílmica y que es inexistente en la obra original de Tolkien, también se desarrolla más a fondo, y su conclusión logra hacer eco y permite una inmediata conexión emocional con cierta reminiscencia a otro par de personajes con romántica historia de la trilogía original de la década pasada, como también sucede con las breves apariciones de los personajes secundarios Galadriel (Cate Blanchett), Saruman (Christopher Lee) y Elrond (Hugo Weaving) y su enfrentamiento con el Nigromante en Dol Guldur, con lo que marcan la pauta para la historia de la guerra por el anillo único en contra de Saurón, narrada en El Señor de los Anillos. El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos, es una épica cinematográfica que presenta, a diferencia de sus predecesoras, un desarrollo narrativo bastante más acertado (y breve, pues tan sólo posee 144 minutos de metraje), así como una conclusión de sus arcos narrativos que resulta por demás satisfactoria, logrando con ello una cinta completamente redonda que ata todos los cabos sueltos y que se hilvana perfectamente con el inicio de El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring; 2001) y el reencuentro del cumpleañero Bilbo (ahora Ian Holm) con su gran amigo Gandalf. Un gran final que entretiene, emociona y conmueve a partes iguales, un broche de oro para una trilogía que, a pesar de sus irregularidades, logró salir avante y entregar una serie cinematográfica más que bien lograda y digna de la trilogía original, inscrita ya en los anales del séptimo arte.

natolia vuelve a ser el escenario natural donde el director turco Nuri Bilge Ceylan (Tres Monos; 2008) coloca a los personajes en su más reciente filme, Sueño de Invierno (Winter Sleep / Kis uykusu; 2014), producción que le mereció la Palma de Oro en la más reciente edición del Festival Internacional de Cine de Cannes tras casi dos décadas de haber debutado en el festival con su cortometraje Koza (1995). Con Sueño de Invierno, Ceylan nos comparte una serie de personales y crudas reflexiones con fuerte carga existencial a través de esta adaptación de varias historias de Antón Chéjov (realizada junto con su esposa Ebru Ceylan), creando un entramado de relatos que comparten un personaje central, Aydin (Halik Bilginer), un actor teatral retirado de los escenarios (y orgulloso de jamás haber participado en ninguna telenovela) que ahora vive gracias a la regencia de varias propiedades logradas gracias a una herencia familiar y de la administración de un cálido hotel (Hotel Othello) en la estepa de Anatolia junto con su joven mujer Nihal (Melisa Sözen) y su hermana recién divorciada Necla (Demet Akbag). La religión, los celos, la lucha de clases, la culpa, el rencor, la creación artística, la naturaleza de la mujer y su lugar sociocultural, son sólo algunos de los asuntos que tienen pendientes por resolver los personajes de este introspectivo cuento que supera las tres horas de duración (196 minutos), un cuento casi netamente conversacional y de espíritu teatral, pues el filme prácticamente se sostiene a través de los diálogos en pantalla y evita casi por completo las acciones físicas para desarrollar las historias de Aydin y el resto de los personajes; como por ejemplo, la del enfriamiento sentimental en su matrimonio, situación que se ha vuelto casi insostenible para su esposa Nihal que busca un poco de refugio emocional dedicándose a causas de caridad; o la de su conflictiva relación con su hermana con quien se reprochan constantemente sus errores personales a pesar de compartir, sin percatarse, las mismas debilidades; o la del no menos cortés trato con una familia de inquilinos a los que les renta uno de sus inmuebles. 52

Ceylan prefiere mantener casi todo el tiempo a los personajes encerrados en salas, cocinas, habitaciones, estudios, coches, etc., limitando con ello sus movimientos como si se tratara de la filmación de un trabajo actoral sobre el escenario de un teatro y confiriendo a los diálogos todo el peso de la obra, obteniendo con ello uno de los mayor logros del filme, pues sostener una propuesta con un metraje tan dilatado a través de los diálogos casi de manera exclusiva, no es una tarea sencilla. Pero la arriesgada labor la realiza no sólo con gran aplomo sino también obteniendo un excelente resultado, en donde no sobra ni falta nada, todo es exacto, preciso, esto a pesar de contar con un arranque pausado y tomarse su tiempo para plasmar detalladamente el contexto y establecer las personalidades y relaciones de los personajes, pues llegado este punto, la trama consigue un ritmo que resulta imposible de parar hasta que final e inevitablemente nos golpea con un pesimista desenlace. En Sueño de Invierno nos vemos ante un gran número de líneas profundas y existenciales sobre los múltiples tópicos colocados ingeniosamente a lo largo de la trama para ser desarrollados con sorprendente soltura y naturalidad por un guión que se nota pulidísimo; los temas, que principalmente se relacionan con la integridad, la ética y lo cuestionable de la moral del ser humano, son insertados en las subtramas de la cinta de tal manera que resultan despojados de todo artificio, remontándonos inmediatamente (y guardando todas las distancias, debo aclarar) a la manera en que Richard Linklater también delegó todo el peso de su trilogía del amor (Antes del Amanecer, Antes del Atardecer y Antes de la Medianoche) al fantástico y naturalista trabajo actoral de sus protagonistas (Ethan Hawke y Julie Delpy) y sus conversaciones fluidas y sin aspavientos de ningún tipo. Nuri Bilge Ceylan nos estrega una lección de cine y un clásico instantáneo del cine europeo, un notable y profundo análisis sobre la oscuridad y contrariedad de la condición humana que se apoya principalmente en un cuidadísimo trabajo de guión y ataviado con la fascinante fotografía de Gökhan Tiryaki. Sueño de Invierno es una inteligente, arrebatadora y vibrante obra maestra que nadie se debe perder. 55

a sociedad actual está para sacar de quicio a cualquiera. Día a día nos encontramos con situaciones que nos llenan de angustia y estrés, situaciones que no están en nuestras manos controlar pero que afectan por completo nuestros vida, la complican. Nuestro empleo, la familia, los problemas con los vecinos, el tráfico, la economía, la corrupción, la inseguridad, etc.; todos esos elementos son como piedritas que van directo al riñón, pero qué se le va a hacer sino tratar de sobrellevarlo, aunque por dentro estés que te mueres de coraje y quisieras mandar todo al carajo, pero en fin... ¿Qué le vamos a hacer? Un grupo de pasajeros en un avión, una mesera que se encuentra con un hombre de su pasado, una simple discusión de carretera que alcanza niveles insólitos, un hombre promedio al cual parece que la gran ciudad tiene algo personal en contra de él, un costoso acuerdo para ocultar un crimen, y una pareja que festeja su muy peculiar boda. Relatos Salvajes (2014) trata de esto, de personaje comunes y corrientes que se dejan llevar por la furia y la sed de venganza, explotando violentamente. Son historias diferentes que cuentan con un común

denominador: la ira. Se trata de una comedia con grandes dosis de violencia y humor negro en dosis iguales; la cinta completa es una galería de los más oscuros y perversos sentimientos del ser humano, que los tenemos ahí ocultos pero hay veces que sólo es necesario una pequeña chispa para que estalle y se salga de nuestras manos. Es así como el director Damián Szifrón vuelve a poner al cine argentino en la mira del mundo, con un gran recibimiento en festivales de todo el mundo y rompiendo records de taquilla en su país. ¿Y es que acaso nadie se ha topado con este tipo de problemas en la vida diaria? Aquí nos damos cuenta que éstos no son exclusivos de nuestro país, sino de toda Latinoamérica, y probablemente, la mayor parte del mundo también pasa por esto, lo que hace a la cinta aún más universal. En Relatos Salvajes, uno no puede evitar el ponerse en los zapatos de los protagonistas, y te hace pensar como actuaríamos en su lugar, ¿haríamos lo mismo? Esa es la clave del tremendo éxito de la cinta, todos somos salvajes por naturaleza, todos somos 'bombita'.

n marzo de este año el director Darren Aronofsky nos presentó su muy particular visión sobre el personaje bíblico de Noé a través de una superproducción que, aunque irregular en su conjunto, alcanzó momentos de gran inspiración tanto audiovisual como discursivamente. Ahora, otro director de las grandes ligas, Ridley Scott, presenta su personal versión de otro mito bíblico: Moisés, encarnado en esta ocasión por Christian Bale quien, curiosamente, iba a ser el protagonista original del filme de Aronofsky pero por cuestiones de agenda tuvo que abandonar el proyecto. La casi por todos conocida historia del hebreo criado como miembro de la familia del faraón la hemos visto ya en cine en varias ocasiones, siendo Los Diez Mandamientos (The Ten Commandments; 1956), dirigida por Cecil B. DeMille y protagonizada por el gran Charlton Heston, la más celebrada versión, aunque la adaptación animada de DreamWorks, El Príncipe de Egipto (The Prince of Egypt; 1998) de Brenda Chapman, Steve Hickner y Simon Wells, se ganó su lugar en el mundo del cine animado. La versión de Scott busca alejarse completamente de cualquier otra cinta sobre su personaje central y nos presenta a un Moisés ya adulto, criado como primo del heredero Ramsés (Joel Edgerton) y general del ejército egipcio del faraón Seti I (John Turturro), al enterarse de su verdadero origen hebreo, Moisés se rebela contra el faraón buscando la libertad de su pueblo en un éxodo masivo buscando la Tierra Prometida de Israel. Contrario a lo hecho por Aronofsky, esta reinterpretación carece del arrojo para contarnos una historia contestataria que realmente ofrezca una nueva visión muy distinta a la que se establece en el Antiguo Testamento. Y es que si bien los personajes de Noé y Moisés comparten no pocas similitudes (para empezar, ambos son los 'elegidos' por Dios para salvar a una fracción de la raza humana, pero también podrían ser dos simples dementes que creen hablar con su Creador), las propuestas toman caminos muy distintos. Así, mientras en Noé (Noah; 2014) veíamos a un personaje atormentado por los conflictos causados por los designios encomendados por Dios, en Éxodo: Dioses y Reyes (Exodus: Gods and Kings; 2014) seguimos a un personaje cuyo tormento psicológico originado por el choque de identidad racial y de ideales políticos (causado 63

también por los designios encomendados por Dios) se diluye en medio de una fastuosa puesta en escena donde los decorados, las batallas y la aparatosidad tienen el lugar privilegiado, relegando el drama personal del personaje a un segundo o tercer plano. Si acaso se arriesga a mostrar una personalidad distinta de Moisés, un hombre duro y sarcástico sobre los dioses egipcios y sus cuestionables milagros, y como un aguerrido y audaz general de las fuerzas armadas egipcias, presentándolo más como un héroe de acción bíblico (un Batman del Nilo) que como un profeta o líder espiritual del pueblo hebrero. Pero es lo único en lo que éste personaje se diferencia de sus otras versiones en cine, puesto que Scott no se atreve (ni siquiera un poco) a cuestionar, a través de su protagonista, la posibilidad de que las religiones puedan ser el resultado de las alucinaciones más aberrantes e irracionales de un solo hombre que, simple y sencillamente se encontró en el lugar y momento indicados. Éxodo: Dioses y Reyes se queda en un espectáculo épico que recuerda a los grandes clásicos del género (Cleopatra, Ben-Hur, la ya mencionada Los Diez Mandamientos, etc.) pero que ni por equivocación alcanza el mínimo asomo de misticismo que poseían las películas de corte bíblico de la época dorada de Hollywood. Su principal fallo radica en el endeble guión (escrito a cuatro manos por Adam Cooper, Bill Collage, Jeffrey Caine y Steven Zaillian) y su narrativa escasamente rigurosa; no logra la cohesión de la sucesión de escenas escasamente interesantes (aunque excelentemente fotografiadas) que conforman la película y que resultan estar atropelladamente conectadas. Ni siquiera el numeroso grupo de celebridades que desfilan por la pantalla (los ya mencionados Bale, Edgerton y Turturro, junto a Ben Kingsley, Sigourney Weaver, Aaron Paul -que ni habla y sólo pone cara de preocupado-, María Valverde, entre otros) logran sacar a flote una historia tediosa que es puesta al servicio de los efectos especiales (que se antojan demasiado digitalizados en muchas ocasiones, sobre todo la secuencia del Mar Rojo) y no al contrario; un filme hollywoodense tradicionalista y casi genérico que no posee la impronta de su otrora visionario director, una inofensiva y olvidable nueva versión del mito bíblico al que es mejor seguir recurriendo en los clásicos.

a más reciente cinta del maestro David Cronenberg llega a manera de sátira del mundo de Hollywood del Siglo XXI y muestra sin concesiones las viciadas costumbres, la estupidez humana, el patetismo, la superficialidad y las más retorcidas obsesiones de la estela de famosos y de los aspirantes a habitantes de la Meca del Cine, ese psicótico lugar donde un dorado galardón antropomórfico (clara alusión al Oscar) sirve para que un humano pueda destruir el cráneo de su desafortunado congénere o donde te alegras de la muerte del hijo de una colega pues ese trágico suceso te ha dejado el camino libre para que tú te quedes con el proyecto que tenía en puerta. Presentada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, el filme dividió opiniones pero obtuvo el merecidísimo Premio a Mejor Actriz para la (casi) siempre excelsa Julianne Moore. Esta brutal crítica por parte del director de Crash: Extraños Placeres (Crash; 1996) hacia el Hollywood moderno se presenta vía el seguimiento cercano de las vidas de seis personajes principales: Stafford Weiss (John Cusack), padre de familia, terapeuta físico y guía espiritual que ha construido un imperio literario de numerosos textos de autoayuda; su abnegada esposa Christina Weiss (Olivia Williams), madre sobreprotectora y manager de su hijo Benjie (Evan Bird), un actor adolescente protagonista de la exitosa serie Mal Niñero (Bad Babysitter) que acaba de salir de rehabilitación por consumo de drogas; Agatha Weiss (Mia Wasikowska), hija despreciada de Stafford y Cristina, es una chica desfigurada por un incendio provocado por ella misma cuando era muy pequeña, por lo que fue internada en un hospital psiquiátrico en Florida del que recientemente fue dada de alta al haber cumplido ya la mayoría de edad y busca entrar en el ambiente fílmico a través de un guión semi-autobiográfico en el que podrían salir a la luz varios secretos de su familia. A los miembros de esta bizarra familia se unen un chofer de limusinas (Robert Pattinson) que alterna su profesión sobre elegantes y brillantes ruedas con la de actor secundario (eufemismo para extra) y la de aspirante a es-

critor de cine, y Havana Segrand (Julianne Moore en estado de gracia), una actriz en decadencia que vive bajo la sombra de su madre, una actriz reconocida en el Hollywood de antaño; Havana busca revivir su carrera a través de un remake de la película que consagró a su madre y quiere interpretar el mismo papel que la lanzó a la fama durante la década de los 60. Maps to the Stars es una oscura fábula perversamente divertida en la que el Hollywood moderno es puesto bajo la lente del Cronenberg más cáustico que no duda en hablar sin tapujos de la industria cinematográfica estadounidense y señalar sus obsesiones con nombres y apellidos. El canadiense vuelve a dejar de lado sus películas en las que experimenta con el cuerpo humano y con la psique humana, para nuevamente centrarse en la crítica hacia la cultura occidental como ya lo hizo con su filme anterior, Cosmópolis (Cosmopolis; 2012). Aquí presenta un estudio detallado de esas oscuras y retorcidas mentecillas consumistas de las estrellas del cine industrial y la enfermiza obsesión social hacia la cultura de las celebridades en la que no faltan las referencias a figuras como Emma Watson y Ryan Gosling, así como las apariciones de famosos como la de la mismísima Carrie Fisher. El guión, a cargo del estadounidense Bruce Wagner, toma a los personajes y los enfrenta (literalmente) con los fantasmas de su pasado en situaciones que van de lo oscuro a lo cómico y en ocasiones hasta lo absurdo, por lo tanto algunas interpretaciones, como la de John Cusack se sienten excedidas. El presenciar la idiosincrasia de la nobleza hollywoodense es una experiencia que resulta incómoda, pues si es verdad que la realidad supera a la ficción, resulta perturbador imaginar las posibles situaciones e historias que ocurren bajo las deslumbrantes luces de la Meca del Cine. Maps to the Stars es una oscura, violenta y despiadada muestra de lo que se ha convertido la industria del entretenimiento; es tan retorcida, fascinante y perturbadora que jamás veremos una película 'made in Hollywood' o a alguna estrella de su firmamento de la misma manera. 66

on la escena post-créditos de Thor: Un Mundo Oscuro (Thor: The Dark World; 2013), Marvel colocó la primera pieza para la expansión de su universo cinematográfico con Los Guardianes de la Galaxia (Guardians of the Galaxy; 2014), la adaptación del cómic homónimo publicado en 2008 (una modernización del original publicado en 1969 con otros personajes) bajo la batuta de James Gunn, director responsable de esa violenta mirada al mundo de los superhéroes sin superpoderes en la incomprendida pequeña joya llamada Super (2010), protagonizada por Rainn Wilson, Ellen Page y Liv Tyler, y que fue estrenada directo en DVD en nuestro país. Ahora que finalmente se ha estrenado la nueva película de Marvel, hemos de decir que nos encontramos con un refrescante blockbuster hecho al pie de la letra y que se mantiene con una personalidad propia aún a pesar de pertenecer al universo Marvel. Los Guardianes de la Galaxia presenta la historia de un grupo de marginados que se ven obligados a participar en conjunto para salvar su vida y las de los planetas de la galaxia entera. Ellos son Peter Quill -a.k.a. Star-Lord- (Chris Pratt), un temerario y aventurero piloto estadounidense por el que se ofrece una gran recompensa tras haber robado una misteriosa esfera en cuyo interior reside una poderosa arma buscada por Ronan (Lee Pace), vasallo del poderoso Thanos (Josh Brolin); Gamora (Zoe Saldana), una enigmática -y verde- asesina; el dúo de cazarrecompensas conformado por el mapache Rocket (voz de Bradley Cooper) y el árbol antropomorfo Groot (voz de Vin Diesel); y finalmente, Drax 'El Destuctor' (Dave Bautista), un maniático y vengativo asesino.

Esta aventura del quinteto de inadaptados representa, si bien no una reinvención completa, sí una bocanada de aire fresco (y hasta cierto punto original) para el subgénero de superhéroes en la pantalla grande, convirtiéndose en un filme con personalidad propia y distinguiéndose de otras adaptaciones del montón debido a la digna construcción de su propio microuniverso con características muy personales, conservándolas y siendo fiel a ellas durante las dos horas de metraje. Los Guardianes de la Galaxia es una película con fortaleza propia que no depende de las otras películas de Marvel (aunque no faltan las referencias a ellas); es un espectáculo colorido y saturado con una extraordinaria selección musical de grandes éxitos de los años 70s y 80s (sobresaliendo "Hooked by a feeling" de Blue Swede -que ya pudimos escuchar desde aquel primer teaser presentado hace ya unos meses-, "Cherry Bomb" de The Runaways y "Ain't No Mountain High Enough" de Marvin Gaye y Tammi Terrell) que conforman su muy peculiar soundtrack, el cual también es complementado por el consistente score con las partituras compuestas por Tyler Bates, las cuales logran crear las atmósferas cósmicas adecuadas para el relato de esta odisea espacial de ciencia ficción protagonizada exclusivamente por antihéroes. Los Guardianes de la Galaxia es un fantástico suceso cinematográfico cargado de acción, es insolente, entrañable, divertida y emocionante, un espectacular evento pirotécnico con fabulosas secuencias de acción, es ideal para quien busca ir cerrando apropiadamente este verano cinematográfico con cine industrial de alta calidad.

raíz de un asesinato ocurrido en su edificio sin una causa clara o alguna relación directa aparente, la apacible vida de la joven Dolores (Susana Zabaleta) y su esposo Andrés (Alejandro Tommasi) se convierte en una pesadilla poblada por extraños personajes. Algunos de ellos parecen querer ayudar a Dolores, como una hechicera llamada Madame Endor (Delia Casanova) y el muy peculiar Dr. Riojas (Ricardo Blume), pero la verdad es que la joven ya no puede confiar en nada ni en nadie. Sobrenatural, ópera prima de Daniel Gruener, es un desconcertante y estimulante filme sobre la fractura matrimonial causada por las obsesiones; una interesante cinta que deambula entre el thriller psicológico y el horror con elementos de brujería, vudú y reminiscencias a El bebé de Rosemary (Rosemary's Baby; 1968), todo bajo la siempre excelsa fotografía a cargo de Rodrigo Prieto, el recurrente cinefotógrafo de Alejandro González Iñárritu.

n muy poco tiempo, Netflix se ha convertido no sólo en el servicio de streaming más prestigiado, sino también en una de las compañías productoras de contenido más importantes -tan sólo recordemos House of Cards (que justo ahora que se escriben estas líneas se acaba de anunciar la fecha de estreno de la tercera temporada: 27 de febrero de 2015), Orange is the New Black, Hemlock Grove o la animada BoJack Horseman. Sin embargo, es hasta este mes que nos llega su proyecto más ambicioso: Marco Polo, una serie que se antoja épica puesto que retrata -de manera muy libremente ficcionada, claro está- la vida del explorador italiano que da nombre al programa. Marco Polo representa para Netflix su proyecto más caro -$90mdd, superando por mucho a Game of Thrones, la serie más popular de corte épico cuyas temporadas rondan los $60mdd cada una- y el más celosamente cuidado. Y no es para menos, pues detrás del proyecto se encuentran nombres como los de el legendario productor Harvey Weinstein, y los directores noruegos Joachim Rønnig y Espen Sandberg, cuya ambiciosa cinta Kon-Tiki (2012) -nominada como Mejor Película Extranjera- también se centraba en la vida de un explorador de la vida real: su compatriota Thor Heyerdahl. La primera temporada de Marco Polo contará con diez episodios y se centrará en las aventuras del explorador -encarnado por el debutante (y muy atractivo) Lorenzo Richelmy- en la corte de Kublai Khan -Benedict Wong- en la China del Siglo XIII. Todos los episodios estarán disponibles a partir del próximo viernes 12 de diciembre, fecha en la que atestiguaremos si Netflix logra consolidarse también como una competente productora de épicas seriales y cambiar el mundo de la internet.

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