CELULOIDE DIGITAL - ENERO 2013 by Celuloide Digital

TOP 5 #1 DJANGO UNCHAINED | La (nueva) venganza de Tarantino - Pág. 43 Especial ‘Filmografía de Tarantino’ - Pág. 49 #2 AMOUR | Metafórica introspección sobre la Vida (y la Muerte) - Pág. 53 #3 KILLING THEM SOFTLY | Critica al Sistema suavemente - Pág 57 #4 LINCOLN | La esclavitud según Spielberg - Pág. 61 #5 NOS VEMOS, PAPÁ | Cuando el reloj de la Vida falla... - Pág. 65 CARTELERA | La oferta fílmica de enero - Pág 69

CINE EN CASA - Pág. 75 PANTALLA CHICA - Pág. 77 ARTE | EXPOSICIÓN GRUPO MEHRGAN - Pág. 79 SONIDOS DEL CELULOIDE | JOHN WILLIAMS - Pág. 81

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Una serie de pasajeros se tendrán que enfrentar al hecho de que el avión en el que viajan se ha averiado; como si eso no fuera suficiente, a bordo hay tres sobrecargos varones que a la menor provocación comienzan una coreografía al ritmo de I'm So Excited. Esto y mucho más delirio es lo que nos espera en el nuevo proyecto de Almodóvar que se estrenará en España en marzo próximo; esperamos que llegue pronto a México esta cinta con la que el director manchego regresa al tono de la comedia acompañado de un reparto único: Javier Cámara, Lola Dueñas, Cecilia Roth, Blanca Suárez, José María Yazpik, Antonio de la Torre, Hugo Silva, Miguel Ángel Silvestre, además de contar con colaboraciones especiales de Antonio Banderas,Penélope Cruz y Carmen Machi.

Seguramente alguna vez nos planteamos la pregunta de cómo seremos o cómo nos veremos en el futuro, pero lo que nunca siquiera pensamos es si seríamos capaces de aniquilar a nuestro “yo” futuro, por el bien de los demás, ante nuestras propias fallas u orgullo exacerbado. No; es antinatural pensar en poner fin a nuestra existencia (aún cuando los suicidas parecen abundar), pero en Looper, el director Rian Johnson plantea si en nuestra juventud tendríamos las agallas de eliminar lo que será nuestra senectud. En esta película encontramos algunas paradojas de lo que hemos aprendido como parte de nuestros valores: tomar una vida para obtener dinero en lugar de preservarla a costa de éste; la búsqueda de la felicidad en posesiones materiales visibles, en lugar de identificarla en el interior del individuo; cambios abruptos que igual pueden acercarnos o alejarnos de la línea del bien…no hay modo de saber sino hasta estar ahí. Pero el verdadero enfrentamiento sucede entre la misma persona con treinta años de diferencia y con perspectivas de la vida contrastantes. Un Bruce Willis maduro aparece en esta historia, luchando por evitar la pérdida del ser que le dio sentido a su vida adulta, regresando al pasado en un intento por prever la extinción de dicha persona. Una interpretación muy distinta a la que vimos en The Kid (2000), en donde se encuentra con él mismo a la edad de 8, aunque en ambas historias busca mejorar una etapa distinta a la que vive. Esta vez, su “yo” joven, interpretado por un Joseph Gordon-Levitt, caracterizado con una expresión facial muy distinta a la casi infantil suya, es un asesino a sueldo, un Looper, que lucha por un nivel de vida relajado, no exento de

vicios ni sinsabores, pero cómodo y de cierto estatus en su organización. Justamente esa es la razón por la cual decide enfrentarse a su “yo” maduro: no quiere dejar lo que ha logrado por una realidad ni siquiera imaginable en su entorno y momento actual. Incluso llega a retarse al decir que son vidas distintas y por lo tanto, no le importan los mismos objetivos. Con este discurso en el aire, se desenvuelven pequeños episodios que ponen a prueba la convicción del Joe para eliminar al Joe viejo, mientras que el Joe viejo está cada vez más determinado a hacer lo necesario para allanar el camino. Parecieran esos debates que suceden en las mentes altamente perfeccionistas y competitivas en las que los argumentos son válidos, pero sólo uno puede prevalecer. A pesar de tratarse de una historia futurista, logramos identificar elementos más bien contemporáneos, muy al estilo de la ciencia ficción de los años setenta, sin la necesaria intervención de naves espaciales o seres extraterrestres, sino más bien, la aparición de tecnología creada para la destrucción del mismo hombre, en pos de una mejor expectativa de vida. Un argumento contradictorio en sí, que descansa en la necesaria incógnita de si los tiempos pasados fueron mejores sólo cuando han sido manipulados en retrospectiva (el ejemplo más claro es cuando la tía o el abuelito nos cuenta su versión de algún hecho histórico, corregido y aumentado, cerrando su intervención con la frase “qué buenos tiempos aquellos”). De modo similar, la injerencia de un grupo mercenario del futuro que regresa al presente para asegurar su dominio, no es sino la demostración de los alcances de un nuevo imperialismo, más allá del económico, en el cual la vida humana resulta tan prescindible como el papel moneda para realizar transacciones y “mejorar el futuro” no significa asegurar la existencia como nos aseguraron que sería. Aquí las máquinas no suplen el pensamiento humano, sino son las herramientas bélicas para que este se realice, en pos de quienes ostentan el poder.

Se infiere que las corrientes de pensamiento no necesariamente llevan hacia un progreso, pues las mafias hacen colapsar el sistema conocido en nuestro tiempo, negocian su predominio con metales preciosos y una máquina del tiempo adecuada a sus fines. El cuestionamiento necesario radica en si efectivamente todos los avances que hemos conocido hasta el momento caerán de forma inevitable en manos de las personas menos éticas o filantrópicas de nuestro mundo…como bien se preguntó El Buki “¿A dónde vamos a parar?”. Ya en el apartado de la producción, Looper se nutre de escenarios contrastantes que van del departamento minimalista de Joe, a la electro-discoteca, a calles descuidadas de la ciudad o bien, al campo sembrado de maíz de Sara, sin contar las escenas del futuro en donde la edición nos hizo pasar treinta años de múltiple actividad en la vida de Joe. Los personajes más bien lindos (excepto por un desprolijo Abe, interpretado por Jeff Daniels), muestran que lo más atractivo no necesariamente es la telequinesis desarrollada en el 2044 y más de alguna persona habrá pensado que la escena de alcoba campirana habría mejorado bastante con un tercer Looper acudiendo a la llamada de emergencia. Dicha estética nuevamente se contrapone a lo obscuro del argumento, pues los chicos guapos, ricos y deseados, son precisamente los mercenarios que sin mayor remordimiento disparan su arma, apenas aparece el objetivo frente a ellos. La chica responsable es madre soltera, encargada de un predio heredado y con la entereza para defender lo suyo, vive en el campo, lejos de lo que debiera significarle progreso. En fin, que la inevitable conexión del pasado con el futuro, al estilo de El Efecto Mariposa (2004), muestra cómo un pequeño detalle puede cambiarlo todo y busca simular la tendencia que tenemos a cerrarnos a cierto tipo de ideas, a una línea de pensamiento, a irnos a los extremos y no considerar las opciones aledañas que podrían afectar de manera positiva el final. Es más, podría decirse que pocas veces pensamos en un final, pues siempre se evoca una larga vida y, más aún, la felicidad. Si los saltos en el tiempo llegaran a suceder (Back to the Future, 1985; Meet the Robinsons, 2007), es buen momento para pensar qué haremos cuando decidamos volver a los momentos traumáticos o difíciles para cambiarlos y hacerlos mejores… ¿será?

Los hombres blancos nos temen, nos consideran salvajes y creen que no entendemos que, sin nosotros, sus extensos campos de algodón no producirían y que sin nuestro trabajo no tendrían el poder que tienen, pero Dios, yo sí lo entiendo, mi madre no murió trabajando estas mismas tierras para criar un tonto. Son nuestras manos las que convierten en oro las semillas del algodón, son nuestras fuerzas, sudor y lagrimas lo que labra la tierra, sí Señor, somos nosotros y no sus maquinas sofisticadas a vapor ni sus inventos ingeniosos los que producen hectáreas y hectáreas de algodón puro y limpio, de alta calidad, son las manos de nuestros muchachos y nuestras hijas las primeras en tocar la fibra que luego se convertirán en los vestidos de las damas y de las esposas de los hacendados. Sus esposas y sus hijas de piel blanca como la Luna que se pasean en los jardines cuidados y podados de los alrededores de esas casas imponentes de columnas altas y firmes en los porches, esas mujeres de piel blanca que caminan bajo una sombrilla de seda ocultando sus rostros del Sol, porque, Dios no quiera, y sus pieles blancas se oscurezcan como las nuestras. Nosotros, los esclavos que quedamos en el Sur nos dedicamos a nuestras labores. Con la mirada baja y, sin cuestionar las ordenes de nuestros dueños, trabajamos la tierra sobreviviendo un día tras otro. Muchos se han resignado pero yo no, yo escuché rumores de que en el Norte nuestros hombres caminan libres entre los blancos, usando sombreros elegantes y deseándose un buen día los unos a los otros sin temor a ser golpeados. Si fuéramos libres podríamos caminar con la frente en alto, con un reloj de oro en el bolsillo y una mujer del brazo, una mujer hermosa de cabellos arreglados y sonrisa radiante, una mujer hermosa como Annabel-Lee. Los demás me podrán decir tonto e iluso pero para mí, el haber mirado a esa mujer, es como haber visto a los ángeles que mi madre me aseguró hay en el cielo. Annabel-Lee es la hija del hacendado más influyente de este lado de América y es la mujer más bella de todo el Sur del país. Con sus vestidos violáceos y esos rizos dorados, si tan sólo me atreviera a tocar su mano enguantada, acariciar esa mejilla, acariciar su cuello y presionarlo con mis manos oscuras hasta que exhale su último respiro.

No hay nada en el mundo que me daría tal satisfacción como golpear al Señor Lee, romper sus dientes de oro que relucen al Sol cuando suelta esas risotadas al golpear a los más jóvenes, los esclavos que aún no saben cómo sacar el algodón sin dañarlo, al humillar a las mujeres por no tener vestidos finos con los dobladillos limpios. Sí señor, desde hace años que estoy imaginando su muerte. Cómo quisiera tomar su mosquete y dispararlo contra él y huir, huir hasta el Norte y conseguir un empleo justo pero no, no puedo dispararle así como así. El Señor Lee siempre está siendo escoltado por varios hombres que no se separan de su lado ni por un minuto, hombres mulatos a los que a veces humilla y otras veces recompensa con licor y mujeres. —Hey tú, esclavo— Gritó uno de la escolta del señor Lee. Estaba tan ensimismado en mis pensamientos que tarde varios segundos en darme cuenta que me hablaba a mí. —Deja de estar parado como idiota mirando el cielo, nadie te compro para soñar. Todos estallaron en carcajadas, fue la última gota que derramó el vaso que ya tenía tiempo llenándose con sus injusticias. Tome una de las palas con las que trabajábamos y lo golpeé en la cabeza, tomé su mosquete y apunté; disparé y vi cómo los demás empuñaban sus armas para neutralizar el ataque, pero si iba a morir, el señor Lee también.

http://www.youtube.com/watch?v=RrRGLwAUZ0Y

Cuando se me encomendó la tarea de escribir este pequeño artículo, se me vinieron dos cosas a la mente. ¿Cómo adaptarán una de las obras de la literatura más conocidas a lo largo de todo el mundo al cine, sin caer en algo ya previamente visto?, ¿Cómo no caer en querer hacer una obra teatral y sólo llevarla al cine? Y a raíz de estas dos preguntas se me vinieron a la mente unas decenas más de preguntas. Estuve por mucho tiempo rascándome la cabeza y tratar de hallarle algo positivo a esta nueva adaptación llevada a la pantalla grande. Para empezar creo que para los amantes de los musicales, será ésta una muy buena película para salir satisfechos de la sala. Para los fans de los actores, podremos verlos en otra de sus facetas, cantando. A Hugh Jackman interpretando al protagonista de la historia, me refiero a Jean Veljean, también vemos a Anne Hathaway en el papel de Fantine y a Russell Crowe en el papel de El Inspector Javert. Mucha gente se preocupará si vale la pena ir a ver otra película de esta obra. Pero es muy interesante al ver el tráiler ver a Hathaway cantar "I Dreamed a Dream”, saber que es un excelente director, Tom Hooper (El Discurso del Rey), quien los lleva de la mano y del productor Cameron Mackintosh, que entre sus obras está Los Miserables, Miss Saigon, y El Fantasma de La Ópera. Para verla y disfrutar esta película, hay que entender que está basada en el musical, que no son unos excelentes cantantes, pero si unas muy buenas interpretaciones. Que la fotografía es increíble. Y que sabemos que es un drama y no todo es miel sobre hojuelas, y que es un retrato de las clases más bajas del la Francia del siglo XIX. La lucha por sobresalir, sacar a los seres queridos adelante a costa de lo que sea por darles una hogaza de pan.

Tal vez para algunos sea una película aburridísima, quizá a muchos se nos muevan las tripas y se nos salgan una que otra lagrima a lo largo de los 157 minutos que dura. Que apreciemos y demos gracias por lo que tenemos y enseñemos a valorar un poco más al ser humano que cada vez se pierde más dentro de nosotros. Ya estoy sonando a que pertenezco a alguna asociación religiosa y quiero hacerlos sentar cabeza. No me queda más que invitarlos a que vean el tráiler y queden con ganas de ir a verla en su estreno. Y que no se nos olvide que está nominada a 4 globos de oro, entre los que cuentan, Mejor Película Musical, Mejor Actor Musical (Hugh Jackman), Mejor Actriz de Reparto (Anne Hathaway) y Mejor Canción Original (Suddendly).

En 1962, un año después de realizar su obra maestra, Viridiana, y tras el éxito internacional de ésta; Luis Buñuel volvió a tomar los mandos de un filme con total libertad. Precisamente debido al éxito de Viridiana y a la censura española, fue México el país elegido para llevar a cabo la realización de la película. Era la 17ª y penúltima película que Buñuel realizaba en México y posiblemente, con permiso de Los Olvidados, la mejor película del director turolense en estas tierras. Al ver la cinta, el productor del filme, Gustavo Alatriste, comentó: “No he entendido nada. Es maravilloso”. Y es que efectivamente, en El ángel exterminador la lógica brilla por su ausencia y es precisamente esto (y lo que el director quiere significar con esta ausencia de lógica) lo que la hace tan maravillosa. La película comienza con un encuentro entre unos burgueses que, después de asistir a la ópera, deciden terminar la fiesta con una buena cena en la mansión de Edmundo y Leticia Nóbile (interpretados magníficamente por Enrique Rambal y Silvia Pinal). Mientras los asistentes van llegando, los sirvientes y los cocineros sienten deseos de abandonar la mansión y se marchan. Finalmente en la casa sólo quedan un grupo de aristócratas que, al terminar la cena, se dan cuenta de que son incapaces de abandonar la habitación. No existe ningún impedimento físico ni ninguna otra razón aparente, simplemente, no pueden salir. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida escasean, los personajes enferman y la basura se acumula. A partir de ese momento, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo y los burgueses se comportan como auténticos salvajes.

Sin duda un argumento tan poderoso e incomprensible como este ya es suficiente razón para recomendar este irrepetible filme, pero El ángel exterminador es mucho más que eso. El ángel exterminador es una brillante comedia que, mediante diálogos y situaciones desbordantes de un humor negro digno del mejor Berlanga, retrata la ignominia de la clase burguesa. El surrealista Buñuel, que nunca ocultó su ideología izquierdista y anticlerical, se divierte como un niño pequeño “soltando” a una panda de burgueses en una habitación y viendo cómo se van degradando y van perdiendo las formas, como si de un experimento sociológico se tratase. Fruto de esta situación son diálogos tan surrealistas como: “-¿Piensa permanecer mucho entre nosotros?; -¿Y usted?; -No, dígalo usted antes; Yo vivo aquí; -Me lo esperaba…” o “Es preferible la muerte a este ambiente tan descuidado”. En resumen, ¿por qué recomiendo El ángel exterminador? De primeras porque cualquier producto audiovisual que lleve la marca Buñuel es digno de visionado. Sin duda, uno de los mejores y más impenetrables directores de la historia. Buñuel es todo azar y misterio. Nunca quiso dar explicaciones a sus películas y siempre negó cualquier significado que la crítica o los estudiosos se atrevían a otorgarle. Además, El ángel exterminador, como ya mencioné antes, es posiblemente la mejor película de su etapa mexicana (la etapa más lar-

ga de su carrera con 18 películas) y una de las mejores de su extensa filmografía. Aunque el director afirmó en sus memorias que “a veces he lamentado haber rodado en México El ángel exterminador. Lo imaginaba más bien en París o en Londres, con actores europeos y un cierto lujo en el vestuario y los accesorios. En México, pese a mis esfuerzos por elegir actores cuyo físico no evocara necesariamente a México, padecí una cierta pobreza en la mediocre calidad de las servilletas, por ejemplo: no pude mostrar más que una. Y esa era de la maquilladora, que me la prestó”. A pesar de que el filme no fuese realizado en Europa donde el pijo acento británico o francés siempre ayuda a retratar mejor a esa burguesía a la que Buñuel se refiere, el filme cumple perfectamente su cometido, siendo una película verdaderamente reveladora y profundamente divertida. Los apenas 95 minutos de cinta son rematados con un final de esos que te hacen aplaudir con una expresión de admiración en tu rostro. Sin duda, una inmejorable opción para quien quiera conocer mejor la historia del cine mexicano con una de sus mejores películas o, simplemente, para quien quiera pasar un buen rato. Alabado seas, señor Buñuel.

Steven es un hombre que tiene una familia, una hija y una esposa; él es un policía en Virginia Beach, toca el órgano de la iglesia como parte del coro, y curiosamente se hizo policía sólo para poder descubrir el paradero de su verdadera madre. Alcanzado este objetivo, fallido pero alcanzado, se muda a Texas para vivir “el sueño americano”. Pero hay algo que sólo él conoce de sí mismo, algo que ha sido desde siempre y lo cual “ejerce”, por decirlo de algún modo, desde siempre. El es gay. El secreto ha sido hábilmente guardado gracias a su peculiar y astuta forma de mentir, pequeñas mentiras para conseguir grandes cosas y ser feliz. Después de un fatídico suceso, Steven adquiere cierta lucidez sobre su vida, en sus palabras aquel acontecimiento fue una “epifanía”, momento en el cual decide vivir como realmente es, una vida en la que su preferencia sexual no sea un secreto, sino una realidad. Le dice a su esposa, se muda a Florida, conoce a Jimmy, y descubre que la vida de una persona gay es realmente cara, razón por la cuál hace uso de su habilidad para mentir y, algo nuevo para él: estafar. Estafa aseguradoras, tarjetas de crédito, pasaportes, y vende tomates podridos, todo para poder disfrutar junto a Jimmy de una lujosa vida gay. Claro, así como su preferencia sexual encontró la luz para ser vista, su habilidad para estafar fue alcanzada por las autoridades. Después de varios intentos fallidos por huir y por lo cual pierde a su pareja, es encarcelado. Y es aquí donde inicia nuestra historia, o al menos la divertida, irónica, satírica y hasta hermosa historia de una peculiar pareja gay.

Steven conoce en la cárcel a Phillip Morris, un hombre rubio de ojos azules muy bello que termina por cautivarlo. Ellos se conocen justo el día en que Phillip será trasladado a otra cárcel, sin embargo encuentran la forma para escribirse cartas y mandárselas a través de los mismos presos. Esta historia de amor es fantástica, Steven entrará y saldrá en repetidas ocasiones de la cárcel al igual que Phillip, disfrutarán de su amor en libertad y en prisión. Todo esto gracias a la inteligente forma que posee Steven para engañar a la gente. El guión y la edición de esta emocionante película gozan de un ritmo y una narrativa que mantienen al espectador a la espera, siempre de algo nuevo, sorprendente y muy divertido. Jim Carrey (Steven) presenta una irónica y cómica actuación de un estafador gay, que miente y roba únicamente por gozar de un sentimiento universal y humano: amar. Carrey tiene algo que hace que sus personajes se parezcan un poco y nada a la vez, al menos esta historia lo aleja un poco de sus pasadas interpretaciones, en “I Love You Phillip Morris” su actuación resulta familiar pero funciona para la vertiginosa historia que nos presentan los directores Glenn Ficarra y John Requa. Ewan McGregor ofrece una tierna, divertida y buena actuación de Phillip Morris, entrañable, inocente, noble y muy ingenuo, que fácilmente cautiva a la audiencia y por las mismas razones enamora a Steven. “I Love You Phillip Morris” esta basada en la vida real del estafador e impostor Steven Jay Russell, que en esta ocasión fue retratada en una comedia que nos inserta en una vida normal y conservadora para colocarnos sólo por un momento en el cliché de la vida gay, y después volvernos a sacar y enseñar que cualquier persona, en cualquier momento, con diferentes profesiones, diferentes formas de ser y actuar puede ser gay.

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Afirmar que un adulto abusó sexualmente de una menor es una grave acusación, que sea la menor quien lo diga supone una verdad casi innegable, que el acusado sea el mejor amigo del padre de la niña, convierte dicha afirmación en una dramática situación que termina por completo con la confianza de las partes. Lucas es un hombre de 40 años que vive solo en un poblado de Dinamarca, y es profesor en un jardín de niños mientras lucha por la custodia de su hijo. El cineasta Thomas Vinterberg muestra a un maestro que denota confianza y seguridad, un profesionista ejemplar que deposita el amor que no puede dar a su hijo en los niños de la escuela. Al jardín de niños asiste Klara, la hija menor de su mejor amigo, además de los hijos de sus amigos, con quienes tiene desde hace varias generaciones un grupo dedicado a la caza de venados. En una ocasión Klara le confiesa a la directora del jardín que Lucas le ha mostrado en alguna ocasión su pene erecto, después de que él le llamará la atención por haberlo besado en los labios; este comentario que deviene de una situación embarazosa, parece inocente para el espectador, pero conforme avanza la historia comienza a tornarse más real. Esta situación hace que se desate el rumor de que el profesor abusó sexualmente de la niña, y por consiguiente los niños del jardín también pudieron ser víctimas del profesor. Lo que provoca un aislamiento total para Lucas, por parte de la sociedad, y por parte de sus mejores amigos. Irónicamente Lucas se convierte en una especie de “fauno” al cual todos quieren cazar, en este caso encerrar en la cárcel, especialmente sus propios amigos. No sólo es orillado a perder su trabajo y a vivir encerrado en su hogar, sino además a sufrir rechazo social por parte de los pobladores, violencia física contra su persona, y hasta la prohibición de ver a su hijo. Thomas Vinterberg plantea una situación en la cual todos creen hacer lo correcto, principalmente los padres de los niños, quienes sobre todas las cosas creen en sus hijos antes que en nadie más, sin darse cuenta del daño que ocasionan al hombre acusado y su familia.

De principio a fin el cineasta va aumentando la tensión entre las partes, y por consecuente la del espectador. En todo momento va de menos a más, inclusive la últimas dos secuencias plantean una tensión en la que la violencia conformaría el mejor de los cuadros. La película es ejemplo de la pérdida de civilidad por parte de la sociedad ante la agresión sexual hacia un menor de edad, situación que toca las partes más instintivas del ser humano. En este filme los niños tiene un papel dual, son las víctimas, pero también son los demonios, los causantes de la pérdida casi total de la forma de vida de un hombre; los siempre intocables y nunca culpables, pero que en esta ocasión todo apunta a olvidar ese continuo cliché. “La Caza” (Dinamarca 2012) estuvo en la pasada edición del Festival de Cannes, y resultó ganador de la Palma de Oro el actor protagonista Mads Mikkelsen (Lucas), quién hace un trabajo estupendo, que desfigura la vida plena de un hombre transformada por la inocencia de una menor.

Con un guión propio, el director Emilio Portes ofreció en 2009, una divertida cinta sobre un mago de pacotilla (el mentado Juan Pérez) que nos narraba, de manera póstuma, la historia de cómo llegó a perder la cabeza tras un fallido acto de escapismo en una desesperada maniobra por presentar un espectáculo fresco y divertido que le garantizaría seguir siendo parte de un circo ambulante en medio de una crisis económica que se vio forzado a comenzar con un 'recorte de personal'. Con un reparto encabezado por Silverio Palacios (Juan Pérez) y Dolores Heredia (su esposa Lucía), Portes construye un relato efectivo en el que combina diversos estilos y géneros, por lo que en ocasiones nos presenta fragmentos animados (con un excelente trabajo de Sebastien D'Abrigeon) para relatarnos la historia de la legendaria guillotina que será usada en el climático espectáculo, y en otras, agrega a la historia elementos sobrenaturales, como la maldición que recae sobre el ya mencionado artefacto letal. El film resulta una rica historia con una refrescante comedia plagada de chascarrillos ingeniosos por parte de un versátil grupo de actores como José Sefami, María Aura, Carlos Cobos, Dagoberto Gama, Isela Vega, Ernesto Yañez, entre otros; los personajes, por su parte, conforman un no menos variopinto grupo circense en el que no pueden faltar los imprescindibles payasos, las guapas contorsionistas, la infalible adivina, el singular hombre fuerte o los simpáticos perritos amaestrados y su poco masculino domador; además de otros personajes como el oriental carpintero Pepechiang o el Vizconde Morge Maledeti.

Es de remarcar la astucia con la que el director se las ingenia para sacar adelante la historia a pesar del limitado presupuesto, el cual queda en evidencia en algunas secuencias; un desacierto menor, aunque sigue siendo desacierto, que también estuvo presente en su siguiente film: Pastorela, en la cual también supo manejar los elementos sobrenaturales en un relato de comedia urbana contemporánea. Pero regresando a Conozca la Cabeza de Juan Pérez, otro punto débil, o por lo menos algo que le resta mérito, es el uso, a veces desmedido, de las groserías, en algunos diálogos, están manejadas con soltura y desparpajo y funcionan muy bien, pero en otras, las malas palabras parecen metidas con calzador, y hay que recordar que, a fuerza, ni los zapatos entran. En resumen, Conozca la Cabeza de Juan Pérez resulta una cinta humorísticamente fresca, visualmente es una película que retoma elementos de diversos géneros, aunque primordialmente y de manera inequívoca, la audiencia se verá remitida al cine de Álex de la Iglesia con una historia entretenida y redonda; sus aciertos son mayores que sus fallos por lo que es recomendable su visionado ahora en formato casero y seguir de cerca al director Emilio Portes, pues se perfila como uno de los directores cómicos más interesantes de nuestro país.

Sin duda la gran sorpresa de la temporada. Los estudios Laika se confirman como una de las alternativas más sólidas al oligopolio que, al menos en tema de calidad, copa esta parcela que es el cine infantil. El manejo de la técnica del Stop Motion ha trascendido el preciosismo y la perfección para dar lugar a un estilo propio. Paranorman vuelve a transitar los terrenos del gótico infantil pero lo hace con una soltura superior a la de sus predecesoras. Huyendo del universo Bartoniano, Paranorman logra encontrar nuevo referentes, el cine de zombies más clásico, el terror de la Warner, la serie B, etc. y lo actualiza con revitalizantes resultados. El rosa y el verde fosforito logran crear una estética tenebrosa pero no macabra, tensa pero no escalofriante, una fórmula ideal para iniciar a los más pequeños en el género. Y por si la renovación estética fuera poco, la originalidad temática no se queda atrás. Pareciera que el miedo al otro es el único tema que trata el cine infantil, y podría sonarnos a más de lo mismo, pero no es el caso. La subversión y puesta en duda de las convenciones sociales es total y tremendamente original en esta película. Desde la puesta en duda de los pilares históricos y morales de todo un imperio a una tímida pero firme apertura a la libertad sexual. Paranorman es un film original en su estética, su contenido y su estructura narrativa. Habrá quienes lo tachen de complejo y atolondrado. Pero para mí es una muestra de cómo hablar a los niños en su idioma y de tú a tú, considerándoles cinéfilos en potencia, inteligentes y despiertos.

Probablemente esta sea la mejor película de animación del año, pero cabe preguntarnos hasta qué punto Burton se dirige a los niños o al niño que sus adultos seguidores llevan dentro. Sea como fuere, desde el punto de vista de los más jóvenes la peli no deja de ser fascinante. En primer lugar porque siempre es de agradecer que alguien tenga el valor, o el poder, de hacer una película en blanco y negro para Disney. Familiarizar a los más pequeños con esta estética es sin duda una empresa destacable. Romper prejuicios en las mentes infantiles siempre ha sido la especialidad de Burton. Personalmente me gusta destacar el papel que la ciencia toma en la película, creo que es un tema muy poco explorado en el cine y aun menos en el infantil. Las películas suelen criminalizar lo científico conservando ese tufo a guerra fría que impregna nuestro imaginario social. Burton vuelve a caricaturizar una comunidad variopinta y físicamente estridente. Y sin embargo resulta más fácil reconocerse en esas caricaturas esperpénticas que en la argamasa uniforme que habita los barrios residenciales del cine infantil de animación convencional. El protagonista de Frankenweenie es el enésimo altere de un Burton, que a muchos les servirá para reconocerse y aceptar, a otros para explorar regiones de su personalidad reprimida y todos nos devuelve la esperanza de que el genial director, entre tropiezo y tropiezo, sigue guardando bajo la manga obras maestras.

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No es la mejor película de Pixar, sin duda, pero el hecho de que las expectativas superaran el resultado final no debe cegarnos. A pesar de tener algunos fallos en la trama, que resulta en ocasiones muy densa para estar dirigida a los niños, la película conserva las mejores características de un Pixar. El metraje se desarrolla ajeno a los tópicos narrativos y cuenta con una riqueza simbólica muy muy importante. El film cuenta con buenos detalles de humor sin caer en la manida referencialidad al mundo adulto. Además, temáticamente la película plantea dos temas de gran vigencia. Por un lado la verdadera independización de la mujer, que casi un siglo después de que empezara, parece haberse estancado. De nada sirve presentar heroínas independientes y cargadas de inteligencia emocional si al final el amor heterosexual se va convirtiendo en eje de la trama y sobre todo del desenlace. Digamos simplemente que Brave lo evita con una agilidad tan natural como necesaria. Por otro lado aborda las complejas relaciones padre-hijo actuales, que ya abordamos en esta misma sección en el número de Noviembre.

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Poco queda por decir de esta película que no remarcáramos ya en el número anterior. Recordemos simplemente que nos encontramos quizá ante el producto más claramente dirigido a los niños del año. Cabe preguntarse hasta qué punto la obra puede funcionar como una saga y no perderse en el sombrío bosque sin retornos que son las secuelas. Saber explotar el riquísimo y sorprendente universo que plantea o deja entrever esta primera entrega es uno de los retos para el panorama de la animación en el futuro. Como nos sugiere el film, tendremos esperanza.

Puede que Hotel Transilvania parta de una premisa mejor… Puede que ¡Piratas! fuera mucho más divertida… Puede que la supere infinitamente en la calidad de la animación. Pero ya sea porque viene de un estudio pequeño o, por qué no decirlo, porque viene de mi tierra, creo que Tadeo bien merece una mención. La película ha logrado ser una de las más taquilleras en España lo cual, si bien es producto de una campaña publicitaria muy bien construida, también dirá algo del film. Debo reconocer que soy fan de la saga desde los primeros cortos de la misma, creo que sus creadores han hecho muy bien las cosas, y sobre todo han trabajado mucho, hasta llegar dónde han llegado. La película funciona muy bien como artefacto de entretenimiento, es divertida y entretenida, lo más pequeños disfrutarán con una trama asequible y unos personajes muy carismáticos. Tiene varios fallos, no es perfecta, pero supone un empujón para la industria audiovisual española. Y quizá sea el cuento de la lechera, pero, una industria nacional es necesariamente el primer paso para un cine de animación nacional, aunque ahora solo sepamos imitar el modelo predominante estadounidense, quizá en un futuro seamos capaces de educar cinematográficamente a nuestras generaciones sin depender del celuloide yanqui.

http://vimeo.com/56045260#

1. Moonrise Kingdom (Wes Anderson): sin lugar a dudas, la mejor película del año. Un maravilloso cuento en dos dimensiones. En una época donde impera el 3D y se empieza a rodar en 48 fotogramas por segundo, Wes Anderson lleva a cabo esta locura sesentera donde no existen ni diagonales, ni profundidad, ni (apenas) movimientos de cámara. Con una simetría casi matemática, cada plano está milimétricamente pensado y estudiado. Un impecable elenco de actores completan esta magnífica obra de un Wes Anderson que no sólo no decepciona, sino que realiza el mejor filme de su carrera y una de las mejores películas infantiles de la última década. 2. Frankenweenie (Tim Burton): de películas infantiles parece que va la cosa. Tim Burton is back por fin. Después de varios filmes titubeantes, el director californiano nos regala una burtoniana y divertidísima joya en la vuelta a sus orígenes. Una emotiva y cariñosa (sin llegar a ser empalagosa, y eso es importante) historia de amor entre un niño y su perro. Como la gran mayoría de sus filmes, tiene algo de autobiográfico, un halo extraño y tenebroso reflejo de ese niño asocial y oscuro pero de gran corazón y mente brillante. 3. Prometheus (Ridley Scott): sé que pocas personas estarán de acuerdo con este tercer puesto y muchas me odiarán por ello, pero la revisión de su obra maestra (con permiso de Blade Runner) por parte del británico Ridley Scott me parece un acierto pleno. Muchos la tildarán de típica americanada, sobre todo por la tripulación. Sí, ¿y qué? Yo prefiero ver una película tremendamente interesante plagada de preguntas que te hacen reflexionar sobre nuestro origen. Una asombrosa unión entre religión y ciencia cargada de referencias. Ciertamente gran parte del éxito de Prometheus depende de que su segunda parte responda de manera convincente a las preguntas que plantea ésta, pero yo confío en usted Mr. Scott! 4. [REC]³ Génesis (Paco Plaza): otra arriesgada apuesta en el puesto cuatro que defenderé hasta la muerte. Muchos dirán que traiciona a sus predecesoras y termina con la esencia de la saga (ese estilo visual tan característico y posteriormente tan imitado que ya casi se aborrece). Sin embargo, la patada (literal) a la cámara que le da Paco Plaza es realmente un compromiso con el espectador, una intención de no timarle. Pero por encima de todo, [REC]³ Génesis es una película tremendamente divertida y maravillosamente rodada por un Paco Plaza que representa a la perfección la nueva (y gran) generación de cineasta españoles que se están haciendo un hueco en el panorama nacional e internacional. Toda una delicia. 5. Argo (Ben Affleck): me ha costado decidirme entre ésta y Killing them softly, pero finalmente me decanto por la tercera película de un Ben Affleck que, con sólo tres filmes en su casillero, ya ha demostrado que se le da mucho mejor estar detrás de las cámaras que delante. Un gran guión de Chris Terrio dirigido de manera elegantísima por Ben Affleck, con un estilo no muy diferente al de George Clooney. Una historia trepidante con tintes políticos y polémicos que sólo se ve algo enturbiada con un final un tanto atropellado muy al estilo Con Air. De todos modos, justa favorita para los Globos de Oro y los Óscar.

1. Lorax: en busca de la trúfula perdida (Chris Renaud): no es muy justo considerarla una decepción porque tampoco esperaba nada de esta película, pero se merece el primer puesto por ser la peor película que he visto en este año. Una fábula ecológica para parvularios llena de clichés, de personajes planos, previsible durante todo su metraje; que queda rematadamente hundida por unos horroroso números musicales.

2. The Amazing Spider-Man (Mark Webb): una revisión de la historia del súper héroe que no aporta absolutamente nada. Vuelve a contarte los inicios de un Peter Parker que bien podría haber seguido siendo Tobey Maguire. El perfecto síntoma de la neurosis de un Hollywood empeñado en refundar franquicias. Una revisión que se antoja innecesaria y que ni salva su “continuará” final, más bien al contrario.

3. Looper (Rian Johnson): lejos de ser una mala película, sí que es un filme decepcionante en tanto que el guión es bastante bueno. Una gran idea inicial que se ve un tanto truncada por una dirección bastante deficiente. El planteamiento del filme no puede ser mejor, pero se pierde a lo largo del metraje y se enreda en una historia de amor que no aporta nada a la trama. El colofón final es, sencillamente, ridículo. Sin embargo, sus intenciones son buenas y tiene ideas muy interesantes. Clásico ejemplo de buen guión que se le va de las manos al director.

1. Moonrise Kingdom: Wes Anderson se consagra como uno de los grandes realizadores del momento, al menos, como el más osado dentro del círculo comercial. Moonrise Kingdom es una hermosa carta de amor, escrita con letra de niño, y con pegatinas vivientes sobre las páginas de un cuento que apetece que nos lean una y otra vez. 2. En la casa: La francesa En la casa, basada en una obra de teatro del catán Juan Mayorga fue la justa ganadora del festival de San Sebastián. Esta película tensa y cerebral nos habla del lado oscuro de esta afición, aparentemente inocente, que es contar, leer o ver historias. Una propuesta sugerente y perturbadora, sin duda, la sorpresa del año. 3. Profesor Lazhar: Esta película canadiense se dirige sin reparos a una sociedad, la occidental, que camina más perdida de lo que cree. Es el momento de poner en cuestión muchas de las verdades que hemos sentado como definitivas e irrevocables. Deje entrar a Monsieur Lazhar en su videoteca si sospecha que necesita volver a aprender lo que significa ser humano. 4. Mátalos Suavemente: Los americanos no saben hacer autocrítica, no, no saben. A lo más que llegan es a esta estética elegante y sexy que pone en duda un sistema utilizando sus mismos códigos. Autocrítica no, pero cine… joder, cine saben hacer como nadie. Merece la pena acercarse a esta bofetada instagrameada cuyo final no tiene precio. 5. Blancanieves (Pablo Berger): Uff… Tercera versión del cuento en un año. ¡Uff! El año pasado ya hubo una película que rompió moldes por ser muda… Ya, pero Blancanieves, que empezó a gestarse mucho antes que cualquiera de las otras, tiene algo único. No sólo reactualiza a la vez que homenajea los códigos del cine mudo. Además hereda e, irónicamente, actualiza toda una tradición cinematográfica del cine Español. Sin duda una aventura remarcable.

1. Los Juegos del Hambre: Cuando uno va a ver, a menudo por compromiso, este tipo de películas espera un bodrio argumental cargado de personajes estereotipados y diálogos empalagosos, pero… Esto es mucho peor ¡Encima está mal dirigida! El uso inexplicable del plano hipercorto y la cámara en mano en los momentos más innecesario me hicieron pensar en el hambre… de palomitas. 2. Chronicle: Derroche de originalidad, una película filmada cámara en mano, como si se tratara de una cinta grabada desde varios dispositivos, lo nunca visto, si usted murió a principios de siglo… Pero para colmo, la falta de originalidad, se salta sus propias reglas, apura la premisa hasta niveles irrisorios y cuando no puede más, se la salta, con ese desparpajo bobalicón del que hacen gala sus tres insultos y mojigatos protagonistas. 3. Manolete: Eligieron a Adrian Brody porque se parecía en el físico al torero Español… Pero de torero tiene lo que yo de actor de Hollybood. En España tenemos un dicho: “Manolete, si no sabes torear, pa' qué te metes”. La película no supera el nivel del telefilme, cargada de tópicos, de clichés, de vacío conceptual. Nos preguntábamos por qué tardaban tanto en estrenarla, ahora nos preguntamos… ¿Por qué no tardaron más?

1. Holy Motors (Leos Carax) A través de una serie de momentos y personajes el director muestra situaciones relacionadas con la vida no cotidiana precisamente, pero si de cuestiones universales: pobreza, belleza, sexo, amor, familia, locura, violencia y mentira. Es a través de un solo personaje que interpreta a muchos otros, que Leos Carax muestra su visión del mundo: una serie de mentiras y representaciones actorales para que la vida tenga un equilibrio, un curso y un motivo. Podría parecer un guión confuso, pero es más bien metafórico, paradójico y satírico, que refleja a la humanidad misma, se burla de ella y la celebra también. Sin duda alguna una de las mejores películas que he visto. Mención especial al “entre acto” de la película: un Denis Lavant (camaleónico) que toca junto a un grupo de músicos, dentro de una catedral, una melódica y estrepitosa pieza musical a base de acordeones, cover de RL Burnside “Let My Baby Ride”. Trois, Douze, Merde!!! 2. La Caza (Thomas Vinterberg) Excelente película danesa que proyecta la parte más animal e instintiva de una comunidad hacia un hombre inocente, que es masacrado moralmente debido a la inocente mentira de una niña. Una historia sobre un tema ya visto en el cine, el abuso sexual de menores, pero narrada desde un punto de vista distinto, aquí la inocencia de un hombre no puede ser demostrada, la perdida de civilidad, tolerancia y solidaridad es echada por la borda, lo único que importa es defender a una menor de edad y castigar al presunto culpable. El guión, la fotografía, el reparto y la dirección son brillantes. Vinterberg vuelve a retratar una historia sobre un abuso sexual que ya contó en una de las películas que inició el Dogma 85, Festen (La Celebración, 1998). Sin dudar la película que más me cautivo y estremeció en 2012. 3. Chocó (Jhonny Hendrix Hinestroza) Sé que quizá muy pocos conozcamos esta película que estuvo en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia (ver Celuloide Digital, Volumen 29) y ha estado en prestigiados festivales de cine en varias partes del mundo. Es una historia sobre una mujer que permite ser marginada, violada y humillada por otros hombres con tal de ver felices a sus hijos. Ubicada en una comunidad muy pobre de Colombia, la historia nos muestra la grandeza y belleza de un ser humano y anteponer su integridad por la de otros seres humanos. La historia sucede en un lugar específico, pero es universal porque muchas mujeres sufren día a día el maltrato y la desesperanza, la violencia y la indignación, y sin embargo ven la forma de salir de esas situaciones y volver a empezar. Tan real que es casi un documental. Bella y muy recomendable. 4. Las Ventajas de Ser Invisible (Stephen Chbosky) Una adaptación increíble de una novela increíble. Un reparto joven, bien enlazado y con gran talento actoral encabeza está divertida, triste y educativa historia. Tres jóvenes se conocen en la preparatoria después de que uno de ellos (Charlie) fuera drogado en una fiesta. Se hacen mejores amigos, se enamoran, se pelean, y uno de ellos revelará un secreto que tiene que ver con una tía suya y un accidente automovilístico. La película trata sobre el descubrimiento del primer amor, de la tolerancia ante la diversidad sexual y de la hermandad que nace entre los amigos cuando se es sincero, honesto y solidario. Logan Lerman, Emma Watson y Ezra Miller realizan un performance espectacular. Watson se aleja claramente de la película del mago. Una historia juvenil que cautiva a más de una generación, principalmente a los que ya pasaron esas etapas.

5. Moonrise Kingdom (Wes Anderson) He de confesar que no es una de mis películas favoritas, sin embargo sé reconocer cuando una película goza de un guión creativo y original, de una buena y cálida fotografía, una historia que deja brillar a los nuevos jóvenes actores y da frescura a los grandes interpretes: Frances McDormand, Tilda Swinton, Edward Norton, Bruce Willis y Bill Murray. Wes Anderson demuestra la inventiva visual y narrativa que posee para regalarnos uno de sus mejores trabajos a la fecha Shame, La Chica del Dragón Tatuado y Tenemos que hablar de Kevin, son películas de 2011 que tuvieron su estreno en México en 2012, de no haber sido por eso estarían incluidas en mi lista que sería TOP-8 porque no quitaría ninguna.

Frankenweenie: Desde que comenzó la realización de esta película y durante su campaña publicitaria se nos repitió hasta el cansancio lo más emocionante de la cinta, cuando el perro Frankenweenie resucita al estilo Frankenstein en manos de su dueño, lo emocionante era ver como desarrollaría Tim Burton esta enigmática escena y lo hizo muy bien, pero llegar a ese momento y lo sucedido después resulto ser más predecible que una película de princesas de Disney, una cinta monótona, con una historia que pudo ser increíble pero resultó aburrida, superada en cuestiones de guión por el cortometraje que la inspiró, eso sí, la animación es muy buena. Nota: El 2012 fue un año en el que traté de no ver películas mediocres o malas, sin embargo vi algunas que no mencionaré, la única decepción que viví fue la de Tim Burton, pero eso no significa que la cinta sea mediocre, tampoco es una joya, simplemente esperaba algo que me cautivara más, sobretodo porque provenía de una mente muy creativa.

1. La Chica del Dragón Tatuado 2. Hugo 3. La Era del Rock 4. Los Vengadores 5. El Asombroso Hombre Araña

1. El Lorax... 2. Battleship, aunque me reí mucho con las frases altamente patriotas, jajajaja

1. Drive (Nicolas Winding Refn) 2. Looper (Rian Johnson) 3. The Hobbit (Peter Jackson) 4. Tenemos que hablar de Kevin (Lynne Ramsay) 5. The Dark Knight Rises (Christoper Nolan) / Prometheus (Ridley Scott)

The Raven: (James McTeigue) Un gran autor, un buen actor... ¡Y un desperdicio de historia!

#1 L'Age Atomique Un retrato honesto y sin pretensiones sobre la adolescencia contemporánea. La amistad y el amor son abordados con extrema sinceridad y musicalizados de manera extraordinaria en este trabajo de la directora Héléna Klutz quien se ve secundada por las naturales interpretaciones de Dominik Wojcik, y sobre todo, la de Eliot Paquet.

#2 Amour Lo que en algunas circunstancias se considerarían actos monstruosos, bajo la perspectiva de Michael Haneke y las condiciones a las que se enfrentan los septuagenarios protagonistas, dichos actos toman otra dimensión en este devastador relato sobre la vida y la muerte.

#3 The Master Humano acercamiento a la figura central de la Cienciología (aunque sabiamente, jamás se hace referencia directa); en manos de otro director, la película hubiera sido sensacionalista, pero Paul Thomas Anderson ofrece un enfoque íntimo y neutral de la figura del líder de esta 'religión' interpretado por Philip Seymour Hoffman y su relación con el dañado ser humano interpretado de manera sublime por Joaquin Phoenix. Mención aparte merece Amy Adams pues en sus breves apariciones se muestra a la altura de los monstruos histriónicos que representan los experimentados Hoffman y Phoenix.

#4 Moonrise Kingdom Nunca antes la ñoñez había sido tan cool como en este entrañable relato de amorío infantil en medio de los minimalistas excesos visuales (sí, acabo de crear ese término) típicos de la filmografía de Wes Anderson. El trabajo coral del multiestelar reparto es pocas veces tan bien logrado como en esta cinta.

#5 Halley Íntimo y minimalista retrato de la condición humana a través de un Guardia de Seguridad que súbitamente contrae una rara condición que provoca la putrefacción de su cuerpo en vida. Referencias diversas al primer cine de Cronenberg es lo que ofrece Sebastián Hofmann en esta su Ópera Prima estrenada en el pasado Festival de Cine de Morelia y que pretende llegar a las salas comerciales durante el primer trimestre de este año.

1. Anna Karenina Excelente puesta en escena (pues aparenta ser una obra de teatro filmada) pero con las actuaciones centrales imposibles de levantar Aquí, no hay amor, por lo menos no entre los protagonistas.

2. Espejito Espejito Cinta de Tarsem con calidad no superior a la de cualquier película de Hallmark Channel que pretende revisitar el cuento de Blanca Nieves vistiendo al elenco con la extraordinaria imaginación textil de la ahora difunta Eiko Ishioka. El humor bobalicón (del Principe más guapo -interpretado por Armie Hammer- pero más tonto que he visto en la pantalla grande) se lleva de calle al delicioso cinismo de la antagonista (Julia Roberts). ¿La protagonista? ¿Había protagonista? No la noté. Ésto es casi peor que el Pinocchio de Roberto Benigni en 2002.

3. Suave Patria Vergonzoza cinta nacional donde los más cómicos (si digo que me reí tres veces durante toda la película estoy exagerando) resultan ser los ‘malos’ de la película y los ‘héroes’ del relato siempre están en segundo termino. Ni las tablas de los protagonistas en el terreno de la comedia pueden sacar a flote una cinta con tantos hoyos en un guión tan mal escrito. La trama se resuelve absurdamente y, de nuevo, no es por algo que los dos protagonistas hayan hecho, son meros espectadores de las acciones de todos los actores secundarios.

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http://youtu.be/6wfDLORUC3c

El más grande de los superhéroes regresa a la pantalla de plata bajo la dirección de Zack Snyder y bajo la producción de Christopher Nolan. Con los avances que nos han mostrado hasta el momento (que algunos dicen que parecen trailers de filmes de Terrence Malick), en la audiencia se han generado grandes expectativas por ver una historia del Hombre de Acero muy distinta a lo que hasta ahora conocemos y con un enfoque más realista. En el reparto encontramos a grandes estrellas como Kevin Costner, Diane Lane, Russell Crowe y Laurence Fishbourne como Jonathan Kent, Martha Kent, Jor-El y Perry White respectivamente; por otra parte, los roles centrales recaen en Michael Shannon, Amy Adams y Henry Cavill como el General Zod, Lois Lane y Superman.

La sencilla historia gira en torno a un grupo de pasajeros en un avión (donde se desarrolla la mayor parte de la trama) junto con un particular equipo de sobrecargo (tres hombres que bailan al ritmo de I'm so excited! en pleno vuelo) con los que vivirán diversas y divertidas anécdotas, cuando en pleno vuelo se anuncia que el avión se ha averiado. Almodóvar parece regresar a sus orígenes con una cinta que recuerda, por su humor, a aquellos primeros títulos de su filmografía como Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios.

http://youtu.be/Y0fTdUj0dzM

Con una más que aceptable adaptación a la pantalla grande, la nueva y exitosa saga fílmica llega este año con la segunda entrega con importantes adiciones al elenco como Philip Seymour Hofmann, Jena Malone, Elizabeth Banks y Sam Claflin como Finnick, un personaje vital en la historia, como ya sabrán los que han leído la trilogía de Suzanne Collins.

Tras el buen comienzo de la nueva saga de Peter Jackson con The Hobbit: An Unexpected Journey, la segunda precuela de El Señor de los Anillos llegará a finales de este año bajo el título The Hobbit: The Desolation of Smaug, en la que finalmente podremos ver al mítico y feroz dragón que resguarda el reino de Erebor.

http://youtu.be/Q08W9X647wo

La nueva cinta de Terrence Malick llegará con Ben Afleck y Rachel McAdams en los roles protagónicos, además de que estarán Javier Bardem y Olga Kurylenko como coprotagonistas. Después de haber ganado la Palma de Oro en 2011 con su trabajo anterior, todos esperan ver lo que esta vez ofrecerá el también realizador de La Delgada Línea Roja.

http://youtu.be/HJCz3lMa4Xw

La nueva adaptación del clásico de Fitzgerald bajo la visión de Bazz Luhrmann y con Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Tobey Maguire en los roles centrales es sin duda alguna un proyecto que hay que tener en la mira. El prometedor uso de la tercera dimensión (como con Hugo o Life of Pi), así como el particular estilo de Luhrmann, obligan a estar atentos al proyecto pues se ha convertido en un proyecto muy esperado.

http://youtu.be/AcgMP6SfxgE

La precuela del clásico musical (a su vez basado en el libro infantil de Lynan Frank Baum) viene bajo la dirección de Sam Raimi, quien con un reparto envidiable (James Franco, Rachel Weisz, Michell Williams y Mila Kunis) se ha dado a la tarea de contarnos cómo es que el Mago de Oz llegó a convertirse en el legendario personaje que conocimos en la cinta original de 1939.

La segunda cinta en solitario del más amado de los mutantes tendrá lugar en Tokio y los eventos de la trama tendrán lugar después de los sucesos de X-Men: La Batalla Final (X-Men: The Last Stand; 2005) y no después del desastroso spin-off del 2008, esto según lo ha declarado el mismo protagonista recientemente. La duda aquí es si un director como James Mangold podrá con este proyecto, pues complacer a fans y crítica será una tarea casi imposible, recuerden que ni Gavin Hood pudo hacerlo.

El director de District 9 vuelve a trabajar con Sharlto Copley quien esta vez encarna al villano de la historia que tiene como protagonistas a Matt Damon y Jodie Foster. La trama gira en torno a una sociedad en donde sólo existen dos clases de personas: los muy (muy) ricos que viven en la pulcra zona conocida como Eliseo y los pobres que viven en un sobrepoblado planeta Tierra en ruinas; algunos, como el personaje de Jodie Foster, se encargan de hacer cumplir las leyes anti-inmigrantes y con ello preservar el estilo de vida de los habitantes de Elysium; mientras tanto, otros, como el personaje de Matt Damon, buscan la igualdad.

Tras un accidente espacial que los deja solos a la deriva, un par de astronautas intentan regresar a la Tierra; de esto se trata la nueva cinta de Alfonso Cuarón en la que los roles principales pertenecen a George Clooney y Sandra Bullock quienes sustituyeron a Robert Downey Jr. y Angelina Jolie, quienes originalmente estarían al frente de este ambicioso proyecto cuyos primeros minutos estarán conformados por un muy largo plano secuencia que, dicen, será legendario, aunque después de ver las capacidades de Cuarón en Children of Men, no dudamos que así será.

http://youtu.be/T7vRutKOblI

Otra esperadísima película es de nuestro también compatriota Guillermo Del Toro, quien esta vez prometió entregar la cinta de Monstruos más grande de la historia. Este relato de gigantescas criaturas a las que la humanidad debe combatir con maquinarias robóticas de iguales magnitudes, es protagonizada por Charlie Hunnam (de la serie Queer As Folk), Idris Elba (Prometheus), Ron Perlman (Hellboy) y Rinko Kikuchi (Babel).

http://youtu.be/MXaanQkzrXU

Una mujer comienza a desarrollar una rara condición que le provoca el crecimiento de una flor en sus pulmones; con esa trama, no podemos estar frente a otra cosa que no sea una película de Michel Gondry (aunque en realidad es un remake de una cinta sesentera basada en la novela de Boris Vian de 1947 -que a su vez es una libre adaptación del libro Los Camaradas de Erich Maria Remarque-), cineasta reconocido por sus historias con tintes de fantasía; en los roles protagónicos podemos encontrar a Audrey Tatou, Omar Sy y Romain Duris.

El hecho de que se trate de la nueva cinta de Park Chan-wook ya es suficiente razón para que esté en la lista, y si a eso le agregamos que es su primera cinta de habla inglesa y dentro de un marco hollywoodense pues entonces era imposible que quedara fuera del listado. Además, Nicole Kidman, Mathew Goode y Mia Wasikowska en los roles centrales son un gran aliciente ¿no?

ajo la inspiración de la cinta italiana Django (1966; Dir. Sergio Corbucci), Quentin Tarantino utiliza a un personaje del mismo nombre (a manera de homenaje a la cinta protagonizada por Franco Nero), para construir una anécdota y hablar de la esclavitud en los Estados Unidos; esto, a través de la reubicación de la trama a las fronteras espaciales y temporales de la Guerra Civil estadounidense, justo el territorio en el que primordialmente se buscó estrenar la cinta en la Navidad pasada debido a que, según el mismo Tarantino, es una época de reflexión, a la cual busca acercarse mediante esta historia sobre un esclavo liberado por un cazarecompensas que le ofrecerá las herramientas necesarias para buscar venganza.

Como protagonistas de este sangriento y vengativo relato tenemos a Django (interpretado por Jamie Foxx una vez que Will Smith declinó la oferta que se le hizo para proagonizar el western), un esclavo que es liberado por el Dr. King Schultz (el grandioso Christoph Waltz) quien en realidad resulta ser un mercenario que se hace pasar por dentista y que busca en Django la ayuda para una misión personal, a cambio de la cual, el recién liberado obtendrá una preparación que le permitirá obtener su sangrienta venganza y recuperar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington), quien vive esclavizada por Calvin Candie (encarnado por Leonardo DiCaprio). Con Django Sin Cadenas, Tarantino se adentra de lleno en el spaghetti western, subgénero fílmico que lo inspiró de manera contundente y del que ya dio señales claras en sus anteriores cintas, particularmente en la segunda parte del también vengativo binomio estelarizado por La Novia: Kill Bill (2003 y 2004) en donde algunas secuencias podrían considerarse como westerns en toda forma. A través de este nuevo proyecto, Tarantino vuelve a cambiar la historia (por lo menos en la pantalla grande) y empodera a los grupos históricamente desfavorecidos para que cobren venganza; ya lo hizo antes con Bastardos Sin Gloria (Inglourious Basterds; 2008) al otorgar la venganza judía contra Hitler en una hiperviolenta masacre nazi en una premier cinematográfica a la que atendió el mismísimo Führer; ahora hará lo mismo con los esclavos norteamericanos, quienes tomarán el poder en sus manos para vengarse de los opresores, es decir, la abolición de la esclavitud según Tarantino. Y no será la última vez que lo haga, pues el director de Death Proof declaró recientemente, en una entrevista para The Root, que en su próxima cinta (que por el momento lleva el título tentativo de Killer Crow), volverá a abordar el tema de la Segunda Guerra Mundial pero desde la perspectiva de un grupo de soldados negros. “Mi idea original para Bastardos sin Gloria era una gran historia que incluía lo que vieron en el filme, pero también seguía a un grupo de tropas de negros que han sido molestados por la milicia estadounidense y por ello desaparecen”, señaló el director; “...Siempre fue parte de la historia, lo iba a convertir en un miniserie y sería una de las historias principales. Cuando decidí volverlo película fue una sección que removí para consolidar todo el material. Tengo la mayor parte escrita, ya está lista, sólo necesito la segunda parte” añadió Tarantino dando a entender que este nuevo proyecto sería una especie de secuela o historia paralela a su filme anterior protagonizado por Brad Pitt.

Como toda cinta de Tarantino, esta ha provocado reacciones encontradas; así, podemos encontrar desde los comentarios alabadores hacia la nueva obra del director, hasta comentarios de detractores que han señalado que la cinta es una falta de respeto a la comunidad afroamericana, tal y como lo aseguró el también realizador Spike Lee, quien aseguró que jamás vería Django Sin Cadenas pues supondría una falta de respeto para sus ancestros. Y así, entre halagos y reproches, el pasado 25 de diciembre llegó a las salas de cine en Estados Unidos en donde, al cierre de esta edición, se encontraba en el 2° puesto de la taquilla, apenas por debajo de El Hobbit. Con estas referencias, además de las cinco nominaciones a los Globos de Oro (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión y Mejor Actor de Reparto (-en esta última categoría, Christoph Waltz y Leonardo DiCaprio están nominados-) lo más nuevo de Tarantino llegará este mes a las pantallas mexicanas.

omo todo gran cineasta, antes de ser realizador, se debe ser cinéfilo, y Quentin Tarantino (bautizado así por su madre como un homenaje a Quint, el personaje del serial televisivo La Ley del Revólver (Gunsmoke) a quien dio vida Burt Reynolds -uno de los confesos actores favoritos del director-) no solamente es un devorador de documentos fílmicos de todos los géneros y todas las latitudes del globo, es también un melómano, un junkie musical que sabe combinar a la perfección los elementos fílmicos y musicales ya existentes que ha consumido a lo largo de toda su vida y crear legados cinematográficos originales (aunque este último término esté abierto a discusión). Así, su filmografía transita entre los peligrosos caminos de las influencias y los homenajes que algunos puristas insisten en llamar 'plagio'; nunca faltan los que señalan, de manera inquisidora, que el director originario de Knoxville, Tennessee, ha copiado de manera vil (y barata) algunos elementos del cine bélico, del oriental, o del western, dependiendo qué película estén tratando de reprobar.

Obsesionado con la cultura pop, amante de Ennio Morricone y eterno enamorado del spaghetti western (género presente, en mayor o menor medida, en todas sus cintas), Tarantino, quien creció entre problemas de aprendizaje, mala actitud (incluso llegando a la agresividad) y pésima ortografía (hasta la fecha), abandonó la escuela a los quince años para adentrarse en una institución que le brindó ciertas nociones de interpretación mientras se desempeñaba en distintos empleos (en los que nunca duró mucho) hasta que encontró, gracias a sus conocimientos fílmicos, un trabajo en un cineclub, en donde sus conocimientos se ampliaron aún más. Un par de años después de celebrar sus primeras dos décadas de vida, Tarantino comenzó con su primer proyecto fílmco: una inconclusa cinta llamada El Cumpleaños de mi Mejor Amigo (My Best Friend's Birthday; 1987), además de realizar algunos guiones, que en años posteriores se convirtieron en filmes de culto como True Romance, Asesinos por Naturaleza y Perros de Reserva, su ópera prima. Desde ahí, la marca Tarantino en el cine llegó para quedarse; varios han tratado de hacer cine a su estilo, particularmente sus amigos como Robert Rodriguez (El Mariachi) y Eli Roth (Hostel), o más recientemente, su amigo RZA (compositor del score para Kill Bill), quien apenas unos meses atrás ofreció una nada destacable cinta llamada El Hombre con los Puños de Hierro (The Man with the Iron Fists; 2012), dejando claro que para hacer cine 'tarantinesco', sólo Tarantino es el indicado para el trabajo. Es un cine que no busca entrar a los terrenos del cine de arte (aunque lo hace sin querer y en el Blockbuster lo encuentres en esa sección -¿o sólo en el videoclub mi ciudad pasa eso?-), busca entretener, busca el mero espectáculo; pero dentro de la espectacularidad (Kill Bill el mejor ejemplo) y la banalidad de la que frecuentemente se le acusa (como esa ya legendaria escena inicial de la discusión sobre las propinas en Perros de Reserva), Tarantino habla del ser humano, de los códigos morales y éticos, de la violencia inherente a él, desmenuzando los más oscuros deseos e impulsos de nuestra especie; así, su cine es también narcisismo y egolatría cinematográfica, es un cine construido con ladrillos hechos con el celuloide que ha engullido durante su vida, ese cine que él ha visto como devoto cinéfilo y, también, realizando cada proyecto con la idea en mente de que ese es el cine que, nuevamente como cinéfilo, a él le gustaría ver, es puro y auténtico cine de autor para su propio disfrute, que nosotros también lo disfrutemos, es meramente un plus.

Un grupo de asaltantes, bajo la previa promesa de no revelar ningún dato personal que pueda vincularlos en caso de ser atrapados, roba una joyería; entre ellos se encuentra un elemento de la policía que trabaja encubierto y que funciona como detonante para el resto de la historia en la que el tiempo lineal brilla por su ausencia; caso contrario a lo que sucede con sus ingeniosos diálogos referentes a la cultura pop estadounidense, son brillantes líneas que van desde las referencias a Like a Virgin de Madonna, hasta un debate sobre las propinas a las camareras. Además, sobre sale el uso magistral de la música transmitida a través de la estación ficticia K-Billy's Super Sounds of the Seventies y a través de la cual todos los personajes escuchan sus piezas favoritas; la banda sonora va desde Little Green Bag de George Baker hasta Coconut de Harry Nilson, aunque sin duda alguna, la más emblemática escena musicalizada es la protagonizada por Michael Madsen quien baila al ritmo de Stuck in the Middle with You momentos antes de terminar con un oficial de policía utilizando una navaja de afeitar.

Su gran obra, la consiguió con apenas su segunda película, logro reconocido en Cannes donde se llevó la Palma de Oro en 1994. Con música de Urge Overkill, Flowers on the Wall, Bustin' Surfboards, entre muchos más, Tarantino nos cuenta, a través de varios capítulos, la historia de los asesinos a sueldo Vincent Vega y Jules Winnfield, quienes trabajan para Marsellus Wallace. Previo a encargarse de un 'trabajito', Vincent le confiesa a Jules que Marsellus le ha pedido que cuide a su mujer Mia; tras la advertencia de Jules hacia Vincent sobre los peligros de pasarse de la línea con la mujer del jefe, los matones se ponen manos a la obra para recuperar un maletín con un misterioso contenido. Además de ser la cinta que le otorgó el premio principal en Cannes, este filme es recordado por haber resucitado la carrera de John Travolta (Vincent) quien comparte con Uma Thurman (Mia) la escena más memorable de la cinta: ambos sobre la pista de baile y moviéndose al ritmo de You Never Can Tell de Chuck Berry. Aquí los personajes son cómo él (¿o son él?), melómanos, adictos musicales que comparten ese interés con él realizador que crea un universo donde hay más personas con quienes compartir su música, y a la vez, compartirla con nosotros a través de ellos.

Para muchos, el gran tropiezo en la carrera del cineasta lo conformó esta historia de una mujer afroamericana que busca, a cambio de su libertad, entregar al matón para el que trabaja como traficante de armas a través de los beneficios que le otorga su empleo como aeromoza en una decadente aerolínea mexicana. Si bien está lejos de ser una mala película, los fanáticos del director reprochan que no tiene su estilo fílmico particular; aunque en defensa del cineasta, se debe señalar que la historia del film no fue escrita por él, como en todos sus otros filmes, sino que se trata de una adaptación (muy apegada, según cuentan) a la novela Rum Punch de Elmore Leonard. La película más impersonal Tarantino resulta ser también la más tradicional, en la que se siente como pez fuera del agua; ún así, hay ciertos elementos tarantinescos que están presentes, ya sea de manera velada o de manera muy evidente, tal es el caso del soberbio uso de la música como, por ejemplo, la secuencia inicial en la que la protagonista (Pam Grier en el papel de su vida) hace un recorrido por el aeropuerto acompañada únicamente por Across 110th Street de Bobby Womack; eso, eso y nada más ya es Tarantino puro.

Una novia embarazada, durante el ensayo de su boda, es brutalmente asaltada por sus antiguos compañeros del grupo de asesinos al que ella pertenecía (el Deadly Viper Assassination Squad -o DIVAS-) y del cual pretendía huir para alejar a su futuro bebé de ese violento entorno; la masacre de todos los invitados al ensayo del evento formal termina con la ensangrentada novia fulminada por un disparo en la cabeza. Bill, el jefe de la banda de asesinos (y padre del bebé que La Novia lleva en su vientre), es quien jala el gatillo y deja por muerta a la rubia asesina que cuatro años después despierta del coma con una insaciable sed de sangre y venganza contra aquellos que destrozaron su vida. Este díptico cinematográfico, homenaje al género japonés y hongkones (principalmente Kinji Fukasaku y los hermanos Shaw), a Bruce Lee, a toda la cultura pop urbana y sin duda al spaghetti western, encontró su punto débil en la decisión de dividirla en dos películas tras su estreno en Cannes, en donde se presentó con un corte de alrededor de cuatro horas de duración; ésto derivó en que la primera entrega se sintiera mermada en su calidad dramática aunque sorprendiendo con su deslumbrante estilo visual; en la segunda parte de esta sangrienta venganza, brilló ahora sí su complejidad dramática con los inigualables diálogos del director (el discurso acerca de Superman por parte de Bill es una delicia). En este, su cuarto largometraje, Tarantino encarga por primera vez en su carrera, composiciones originales para el soundtrack a sus amigos RZA y Robert Rodriguez, además de utilizar canciones como Bang Bang de Nancy Sinatra, el ya muy socorrido silbido de la película Twisted Nerve de 1968 o la pieza L'arena de Ennio Morricone. Injusto sería calificar a esta obra tomándola como dos cintas distintas, es mejor abordarla como el director la concibió, como un extenso tratado sobre la venganza de la otrora asesina ahora redimida por el amor filial.

Un juego, es así como podemos describir este trabajo que formó parte del extraño dúo fílmico que significó Grindhouse en 2007 (la otra mitad fue Planeta Terror (Planet Terror) de Robert Rodriguez). Una historia que raya en lo absurdo (¿y qué cinta de Tarantino no lo hace?) al mostrar cómo el doble de riesgo conocido como 'Stuntman Mike' seduce a hermosas mujeres para llevárselas en su demoledor Chevy 70, tan solo para poco después, provocar accidentes que terminen con la vida de las damas, mientras él, resguardado en su asiento gracias a las modificaciones que le ha hecho a su auto para convertirlo en un vehículo 'a prueba de muerte', salva su vida para continuar buscando jovencitas. En este homenaje a las cintas 'exploitation' (esos films de muy bajo presupuesto -así como de intenciones artísticas- de la década de los 70 que estaban cargados de violencia, terror y sexo), Tarantino aparece como Warren, el bartender del bar en donde la rockola (suya en la vida real) está conformada por una curaduría musical (con discos que también le pertenecen) en la que encontramos desde temas de Willi Deville hasta Down To Mexico, pasando también por Chick Habit. Sexo, violencia, un poquito de terror y mucha buena música es lo que ofrece cínicamente Tarantino en este imprescindible título.

Dentro de la carrera de cada director, debería existir un filme que respresente su 'carta de amor' hacia el séptimo arte. Apenas el año pasado Martin Scorsese realizó la suya con La Invención de Hugo Cabret (Hugo) y en 2008, Tarantino hizo lo propio con sus bastardos liderados por un excelente Brad Pitt como el teniente Aldo Raine, quien comanda una misión para asesinar a Hitler mientras éste presencia, en un cine, la primera proyección de un filme pro nazi estelarizado por un detestable soldado alemán. Con un increíble reparto (el ya mencionado Brad Pitt acompañado por Melanie Laurent, Christoph Waltz, Michael Fassbender, Eli Roth, Til Schweiger, Diane Kruger, Daniel Brühl, etc...), Tarantino reimagina la historia del final de la Segunda Guerra Mundial; aquí, el derrocamiento nazi comienza con un Hitler acribillado en una premier cinematográfica por parte de unos soldados estadounidenses judíos y el incendio del cine (con todos los nazis en la función de gala) por parte de Shosanna Dreyfus, una joven judía que perdió a toda su familia a manos del Coronel Hans Landa. Pasándose la historia oficial por el Arco del Triunfo, Tarantino se construye su propia historia; parafraseando a Alfonso Arau cuando estrenó su desafortunada visión de Emiliano Zapata, podríamos decir que Tarantino violó a la historia, pero le hizo un hijo muy bonito. Violenta y llena de humor negro, aquí ofrece una brillante cinta bélica. Ácida, lúcida, audaz y mordaz.

na escena toma súbitamente la pantalla: la policía irrumpe en un hermoso apartamento parisino para descubrir, en la cama de la habitación principal, el cuerpo sin vida de una anciana con la cabeza rodeada de flores. La imagen parece sacada de un ritual ceremonioso en la que los intrusos llevan puestas máscaras antigases para protegerse de algo tóxico que está en el ambiente; puertas y ventanas de la habitación están completamente selladas por una resistente cinta adhesiva que impide al cuerpo policial dejar correr el aire que ha estado encerrado por, lo que suponemos, han sido ya varias semanas. Otra escena conquista la pantalla de manera inadvertida: la palabra 'Amour' llena nuestro campo visual anunciando el comienzo del film que prosigue con un profundo flashback mostrándonos los últimos meses de la finada mujer, la historia, ahora sí, comienza por presentarnos a la pareja de ancianos Georges y Anne, quienes sentados en la cuarta fila de la sala de un teatro se deleitan con su asistencia a un concierto de piano; tras esta primera secuencia, en la que no vemos nada más excepto al público asistente al recital, todas las escenas se desarrollan en el apartamento de la pareja.

Cuando regresan a casa esa noche, descubren que alguien ha irrumpido en su hogar, pues la chapa de la puerta ha sido violada; en el hogar no falta nada, todo está donde debe estar, pero sin duda hay algo nuevo que reside ahí desde ese momento, algo invisible y frío. A la mañana siguiente, después que Anne le ha servido un huevo cocido a su esposo, esta se queda congelada, no responde, no reacciona ante estimulo alguno, pasan algunos minutos para que ella 'despierte' de nuevo pero sin memoria alguna de lo que sucedió, y lo que Georges piensa que es una broma, en realidad ha sido una especie de ataque que le deja parcialmente paralizado su lado derecho, por lo que ahora debe recibir cuidados especiales como ser transportada en una silla de ruedas o ser atendida en su cama. Anne y Georges intentan continuar con sus vidas normales, o al menos tanto como su nueva condición se los permite; pero el estado de Anne se deteriora rápidamente , su voz ya no es entendible, su concentración se desvanece, tiene alucinaciones, se niega a comer, escupe los bocados que tiernamente le ofrece Georges, quien ante sus ojos ve cómo su esposa va perdiendo la posibilidad de una vida digna, mientras la imagina nuevamente saludable, tocando el piano o preguntándole dónde está el álbum de fotos.

Amour es un devastador tratado sobre la vida y la muerte que tiene como pilares a los actores Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, quienes con sus sutiles interpretaciones sostienen toda la carga dramática y metafórica del film de Micheal Haneke, quien nos ofrece un recorrido por el laberinto mental del ser humano en el que el Amor es lo único que puede salvarnos de la vida cuando a ésta ya no podemos llamarla así . Amour, es una introspección al alma, ese único elemento único que no ha sido trastocado por el extraño invasor que no te ha dejado más opción que seguir tus instintos; es una exploración a las emociones de impotencia y desesperación ante la lenta y dolorosa partida de quien alguna vez fue el compañero de tu vida.

on base en la novela Cogan's Trade de George V. Higgins publicada en 1974, el realizador neozelandés Andrew Dominik (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford; 2007), nos sitúa en la ciudad de Nueva Orleans donde seguimos al asesino profesional llamado Jackie Cogan, recientemente contratado para encontrar y eliminar a dos chicos responsables de un atraco a una casa de apuestas ilegales que está bajo el control de la mafia. En este drama criminal, que recorre los caminos de Buenos Muchachos (Goodfellas; 1990), Sin Lugar para los Débiles (No Country for Old Men; 2007), Los Soprano (The Sopranos, 1999-2007) e incluso Tiempos Violentos (Pulp Fiction; 1994), Brad Pitt encarna de manera inmejorable a Cogan, el personaje central que, bajo las órdenes del personaje de Richard Jenkins, busca a Frankie y Russel (interpretados por Scoot McNairy y Ben Mendelsohn) dos imberbes que, bajo el comando de un personaje de mediana astucia, tuvieron la osadía de robarle a la mafia y pretendieron incriminar al organizador de la partida, Markie Trattman (un esplendido Ray Liotta). Con la trama situada en el contexto político-económico de la víspera de las elecciones estadounidenses del 2008 y utilizando el recurso del relato pausado que ya utilizó en su filme anterior, Dominik pretende otorgar una crítica mordaz a la sociedad pero se queda a la mitad del camino y limitándose a mostrarnos videos de Obama como noticias que se transmiten en los televisores de los bares donde interactúan los personajes. El virtuosismo técnico de la cinta (donde cabe resaltar las extraordinarias y violentas escenas gráficamente explícitas de los asesinatos) y las excelentes interpretaciones del elenco, no la salvan de ser una propuesta tibia que no se atreve a la mordaz crítica del sistema.

n múltiples ocasiones hemos visto a los ex presidentes de Estados Unidos retratados como héroes intachables y muchas veces son justificadas sus acciones. En una sociedad y gobierno que presume de ser democrático, es por decirlo de algún modo, “antidemocrático” retratar siempre al mismo ex presidente, Richard Nixon, e ignorar a los demás. Han sido pocas las ocasiones en las que un ex presidente ha sido retratado de manera sincera, real y humana, y Lincoln parece ser una de ellas, o al menos a eso apuntan las primeras impresiones de la crítica estadounidense. Lincoln, de Steven Spielberg, inicia de forma brutal y cinética, dos btallones de enfrentan cuerpo a cuerpo inundados de agua y barro, una masacre humana, como bestias luchando por sobrevivir, escena que evoca a la apertura de Rescatando al Soldado Ryan, también Spielberg. Después de eso vemos a Abraham Lincoln, interpretado por un brillante Daniel Day-Lewis, que se ve tan cómodo en el papel como si lo hubiera encarnado por años. La gala de actores que comienzan a rodear la interpretación de Day-Lewis son muestra del gran reparto que acompaña a la cinta: Sally Field, Tommy Lee Jones y David Strathairn.

La cinta esta contextualizada durante la Guerra Civil, guerra que Lincoln intenta terminar a pesar de los peligros que eso representaba en su momento, y muestra la lucha política que mantuvo para conseguir la aprobación de la Enmienda 13 para abolir permanentemente la esclavitud, momentos históricos para aquella nación, un verdadero acto de valentía nacional que le darán el titulo de leyenda en la historia. Spielberg ofrece un análisis de los momentos más peligrosos y reveladores del líder estadounidense, principalmente su lucha por conseguir el bienestar y el progreso de la humanidad y de su nación. Escrita por el ganador del Premio Pulitzer, Tony Kushner, la visión humana de Spielberg y las muy sonadas excelentes actuaciones de Daniel Day-Lewis y Sally Field, Lincoln parece ser una de las películas mejor logradas de un ex presidente gringo, que sin dudar cautivará aquella nación, pero que ofrece una prometedora y gran historia al resto del mundo.

n los últimos meses, la oferta fílmica nacional ha ofrecido un par de cintas que abordan el tema de la pérdida: la laureada en Cannes Después de Lucía de Michel Franco y la no menos celebrada El Sueño de Lú de Hari Sama; este mes, finalmente llega a la cartelera comercial una cinta que también pone bajo la lupa el tema del duelo tras la muerte de un familiar muy cercano, en este caso el padre de familia, y que compartió espacio de proyección con la ya mencionada cinta de Hari Sama en la 9a edición del Festival Internacional de Cine de Morelia en 2011 donde formó parte de la Sección Largometraje Mexicano. Me refiero a Nos Vemos, Papá, cinta protagonizada por Cecilia Suárez, actriz a quien acompañan Gabriela de la Garza, Marcelo D'Andrea, Arturo Barba, Verónica Langer y Moisés Arizmendi, todos ellos bajo la novel dirección de Lucía Carreras quien de la película comenta: "Nos Vemos, Papá es una píeza íntima, un drama contemporáneo que habla del amor, la pérdida y la soledad; una historia en la que viajamos por lo agridulce de la muerte y la forma de lidiar con ella. Me gusta pensar que Nos Vemos, Papá, también es una exploración de la irracionalidad, una historia que deja abierta la puerta a considerar lo imaginario como una forma de vida que puede resultar maravillosa, que obliga al espectador a preguntarse si el mundo racional, como lo conocemos, es el mejor lugar para estar y ser feliz.”

La trama se centra en Pilar, una mujer que tras la repentina muerte de su padre, desafía a la realidad que la ha separado de su progenitor y comienza a vivir su vida con su padre como un ser imaginario, las líneas entre lo real del mundo racional y lo ficticio de su extraña fantasía donde su padre aún vive, se desdibujan, dejando así que el pasado y el presente se reúnan y la arrastren a un mundo supuesto, un lugar donde vuelve a tener sentido su propia existencia, pues solamente ahí se tiene la presencia de la persona que le otorga significado a su vida. "Nos Vemos, Papá, aborda desde una perspectiva actual el Complejo de Electra, un polémico tema que ha sido poco tratado en la cinematografía mexicana y latinoamericana, y cuyo tratamiento desvela la posibilidad de trascender la muerte a través del más profundo amor", añade la directora que debutó con este proyecto para el cual también escribió el guión y que se ha desempeñado con participaciones como co-escritora del film Año Bisiesto (2010; Dir. Michael Rowe) que en 2010 recibió el reconocimiento Cámara de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes y una nominación como Mejor Guión Original en los Premios Ariel. La ópera prima de Carreras surgió del miedo de la directora hacia el dolor que puede causar la muerte y al no entender la manera en la que ella podría sobrevivir al duelo de la muerte de algún familiar cercano o de algún amigo entrañable; se originó de una necesitad de explorar diversas alternativas de sobrellevar la pérdida y de darle cabida a la irracionalidad como una forma de vida para no sufir.

Casados desde hace siete años, Audrey y Alain han caído en el pozo de la rutina. El matrimonio tiene una pequeña hija llamada Camilla, ambos trabajan, y la rutina diaria ha apagado el deseo. Audrey se ha vuelto escueta y rígida, mientras que Alain se dedica secretamente a navegar en la red en busca de pornografía. Preocupado por la pareja, consulta a un amigo terapeuta sexual (Claude), quien le aconseja que explore todas sus fantasías y experimente todos los juegos eróticos con los que ha soñado, pero con su esposa. Dudoso al principio, Alain zambulle a Audrey en un mundo erótico de intercambio de parejas, voyeurismo, sex shops y tercias sexuales. Cautelosa y desconfiada al principio, Audrey se deja llevar, pero es Alain quien pronto se verá superado por los acontecimientos.

Cuando un asesito toma cinco vidas con seis disparos toda la evidencia apunta a su guardia. En el interrogatorio el sospechoso ofrece una sola nota: “¡Traigan a Jack Reacher!”. Así empieza una extraordinaria búsqueda de la verdad enfrentando a Jack Reacher ante un inesperado enemigo con una habilidad especial hacia la violencia y un secreto por guardar.

Para Julien el amor es una contradicción. Si bien es un consejero matrimonial brillante, su vida sentimental ha resultado catastrófica desde la infancia. Tras varios noviazgos que nunca superan las dos semanas, algunos sucesos desafortunados y el deseo de romper con la mala suerte que le acarrea a sus parejas en turno, un buen día Julien decide renunciar a la búsqueda del amor; pero conoce a Joanna, una atractiva mujer que se encuentra ante la oportunidad de su vida. La comedia romántica que ningún terapeuta dejaría ver a sus pacientes. El terapeuta que ningún paciente quisiera tener.

Martín González es un niño de clase baja que descubre el mundo del tráfico de drogas como forma de ascenso social, fundamentalmente para ganar el amor de Sofía, una buena pero inalcanzable chica, su amor de infancia. Su audacia, inconsciencia e influencias lo llevan a convertirse en parte activa y vital del peligroso Cartel del Norte del Valle, una organización criminal que se define como un dispositivo poderoso y sanguinario que superó el Cartel de Cali en influencia, astucia militar y poder económico . Varios años de tráfico de drogas y malas amistades llevan a Martín a ascender posiciones y conseguir la atención de Sofía. ¿Será suficiente el poder y el dinero para ganar su amor?

Una comedia romántica que cuenta los avatares de una pareja para sostener el matrimonio cuando la luna de miel con su conejo insaciable es cosa del pasado. ¡La mayoría solo duran siete años! ¿Según quién? ¿Es un fetiche o en realidad es el círculo de la vida? Cada siete años todo se renueva. Las células de tu cuerpo cambian, biológicamente somos nuevas personas; te cambia la letra, el gusto y … se pierde el interés genético. Alberto ama profundamente a Ana y cree que las relaciones de pareja están basadas en el respeto pero Pepe, su mejor amigo, opina que están basadas en los diamantes y el viagra.

Un grupo de delincuentes es contratado para recuperar una cinta de video que se encuentra en una misteriosa casa en medio de la nada. Sin embargo, pronto se darán cuenta que no sera un trabajo fácil, como ellos pensaban. Al iniciar su búsqueda, se encontrarán con un cuerpo sin vida rodeado de cintas VHS, todas ellas repletas de videos espeluznantes, cada uno más extraño que el anterior.

Sarah y Scott son un matrimonio que se dedica al estudio de los tiburones blancos. Tienen dos hijos gemelos de 5 años. En una de sus expediciones, Sarah está a punto de ser devorada por un tiburón. Scott, que puede disparar al tiburón se niega a hacerlo, aunque Sarah se salva milagrosamente, decide separarse de Scott. Medio año después y ante la precariedad económica en la que vive (Scott lleva 5 meses en una expedición y no le pasa dinero), Sarah acepta la oferta de un multimillonario sexagenario (Brady) y su hijo Nate para ver los tiburones blancos. A pesar de que el clima hace desaconsejable el viaje, los tres se embarcan y viven una trágica aventura.

Un thriller de policías sobre un joven policía quien es asignado a una comisaría en el barrio de Queens donde creció. Para poder proveer para su esposa y su hija enferma, debe trabajar duro para llevar su vida por buen camino. Pero esta vida se ve amenazada cuando un oscuro secreto sale a la superficie. Una fuente anónima revela nueva información sobre el pasado asesinato sin resolver de dos hombres y sobre un posible encubrimiento de parte de la policía, desencadenando una serie de eventos que sacuden al vecindario.

En la Revolución Mexicana, Leandro y Odón quieren ser obregonistas y van al norte en una cebra - que encontraron en un circo diezmado creyendo que es un caballo “gringo”. Durante su viaje, tienen diversas aventuras: escapan de mujeres que los esclavizaron; conocen al general Quesada que quiere fundar una República nueva; se pierden en el desierto, etc. Al llegar con tropas de obregonistas, un coronel cree que son espías villistas, y les pide una prueba de fidelidad a Obregón, que cambiará su destino.

Un grupo de jóvenes sordos de la costa de Oaxaca reciben una propuesta inaudita: hacer una película a partir de sus sueños. Mientras Eric y sus amigos ven películas y discuten las historias que se habrán de filmar, conocemos sus peculiares vidas cotidianas llenas tanto de deseos como de decepciones. Música ocular es una reflexión sobre el carácter ensoñador del cine silente y su entrecruzamiento con otro lenguaje 100% visual: la lengua de señas, la percepción y la cultura de sordos.

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La acción de Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas, transcurre 15 años después de los hechos narrados en el popular cuento de hadas de los Hermanos Grimm. En ella Hansel y Gretel se ganan la vida cazando y aniquilando brujas de forma violenta.

El reconocido escritor Charles Faulque, sumergido en una crisis de alcoholismo y falta de inspiración desde que fue abandonado por su mujer e hijo, recibe cierta mañana una peculiar visita. A su puerta, un hombre de apariencia extraña le dice: “Hola, soy tu cáncer, pensé que sería bueno conocernos”.

Todo comienza al Norte de Francia. Ali repentinamente se encuentra con su hijo Sam, que apenas conoce, en sus manos. Sin hogar, sin dinero y sin amigos, Ali se refugia con su hermana en Antibes. Ella los aloja y acoge al niño. Ali conoce a Stephanie en un club nocturno. Al llevarla a casa le da su número telefónico. Él es pobre, ella es hermosa y segura de sí misma: lo contrario a él. Stephanie entrena orcas en Marineland. Después de que un show termina en tragedia, una llamada nocturna los reúne de nuevo. Cuando Ali la ve, ella está confinada a una silla de ruedas: ha perdido sus piernas y un gran número de ilusiones. Él la ayuda, no por compasión ni lástima, y ella vuelve a la vida.

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En un sotì ano oscuro, Norma escucha su voz y la de Everio en una vieja grabadora Ampex. Cada que elì vuelve a bajar la detiene. Han estado platicándose sus vidas, varias veces las conversaciones grabadas terminan coincidiendo con las charlas que ellos sostienen. Lo que le preocupa a Norma es que hasta ese dia ì no conocia ì a Everio y lo ultimo que escucho fue que elì la ahorcaba.

Luego de un sórdido pasado como policía, Billy Taggart se gana la vida como detective privado. Su trabajo más importante resulta ser el que le encarga el alcalde de Nueva York mismo, Nicolas Hostetler. Su misión será seguir a la esposa del alcalde, y descubrir su infidelidad. Desafortunadamente, esa es sólo la punta del iceberg, con un escándalo mucho mayor, en el que Billy se verá inevitablemente atrapado.

Con un sólido y muy divertido guión, los Estudios Laika ofrecieron un refrescante título que es capaz de combatir de frente a otras producciones animadas de Pixar o DreamWorks; así, combinando la casi artesanal animación stopmotion con efectos computarizados con tecnología de punta, nos sumergieron en un viaje de autodescubrimiento junto al pequeño Norman, quien posee la peculiar la 'habilidad' de poder ver y hablar con los muertos, lo cual lo convierte en la única esperanza de un pequeño pueblo que repentínamente es asolado por un grupo de zombies que han sido despertados de su sueño eterno por una malvada bruja que quiere cobrar venganza de uno que otro iletrado habitante del pequeño pueblo.

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Como parte de la celebración por los primeros veinte años de carrera cinematográfica (y los últimos si el director cumple su sentencia de retirarse tras filmar su décimo y último largometraje), finalmente se ponen a la venta todos los títulos del director en formato de alta definición en un solo y exclusivo paquete que, además de sus siete películas realizadas hasta la fecha (Django Unchained no entra en el conteo), contiene el film True Romance para el que Tarantino realizó el guión. Reservoir Dogs, True Romance, Pulp Fiction. Jackie Brown, Kill Bill: Vol. 1, Kill Bill: Vol. 2, Death Proof (parte del díptico experimental Grindhouse que realizó con Robert Rodriguez), Inglourious Basterds y dos discos con material adicional exclusivo conforman esta colección de uno de los directores escenciales en la cultura popular estadounidense y mundial.

En la misma línea que Kick-Ass (2010) o Griff The Invisible (2010), esta cinta gira en torno a Frank Darrbo, un sujeto común y corriente que trabaja como cocinero en un anodino restaurante y que decide convertirse en superhéroe, sólo que, a diferencia de las cintas mencionadas, la decisión de convertirse en defensor del bien obedece primordialmente a señales divinas, o por lo menos así lo cree el protagonista (interpretado por Rainn Wilson) cuando, una noche, tiene una visión en la que es, literalmente, tocado por el dedo de Dios, acto que, según él, es el indicativo de que ha sido seleccionado como uno de 'los elegidos' para combatir el crimen. Es así como comienzan las andanzas de ‘The Crimson Bolt’, el alter ego del cocinero que se enfunda en un mal confeccionado traje rojo para combatir al mal, armado con una llave Stillson, y es así como vemos la manera en que, torpemente, se enfrenta a dealers, pederastas y ladronzuelos de poca monta; el problema viene cuando llega el momento de enfrentar al traficante de drogas (uno verdadero y peligroso interpretado por Kevin Bacon) con el que huyó su esposa Sarah (Liv Tyler), por lo que deberá hacerse de un aliado: 'Boltie', una chica experta en cómics de superhéroes y fascinada con la idea de que una persona común pueda convertirse en un superhéroe (encarnada por Ellen Page). La cinta resulta muy divertida y bizarra, los elementos místico-religiosos le dan cierto toque original y diferente a los de otras cintas indie de superhéroes sin superpoderes; una extraña secuencia animada al principio de la cinta nos advierte de qué va esto, lo absurdo y lo ridículo son aspectos que permean durante sus violentos 96 minutos de puro humor negro.

Después que una tregua ancestral entre la humanidad y los hijos originales de la Tierra se rompe, el caos está a punto de desencadenarse. Ahora, sólo Hellboy puede detener a Nuada y su ejército.

www.thefilmzone.tv/programacion/

www.canal22.org.mx/cinema22/index.html

http://oncetv-ipn.net/index.php

El Grupo Mehrgan, del Taller de Artes Plásticas del Maestro Sccidel, fundado desde 1998 en Uruapan, dedica su quinta exposición colectiva a la figura de Doña Bundy Illsley, representante de su familia, que ha apoyado y protegido al grupo que, de manera intensa y profunda, ha tenido actividad en el campo de los movimientos artísticos más importantes del Siglo XX. Tras siete años desde su primera exposición colectiva en 2005, el Grupo Mehrgan, conformado por una docena de jóvenes artistas plásticos, exponen sus trabajos que abordan estilos que van desde el fauvismo, hasta el cubismo, pasando también por el impresionismo. Todos ellos enmarcados por el mágico espacio que ofrece la Fábrica de San Pedro para que los artistas se expongan a sí mismos a través de lo plasmado en sus obras.

www.elrincondelgeek.com

John Williams ha de ser uno de los pocos (si no es el único) compositores de cine que es conocido por personas no muy familiarizadas con el séptimo arte. Esto se debe a que a lo largo de su carrera nos ha entregado temas que se quedan grabados en nuestra memoria y muy difícilmente saldrán de ahí. Si bien hay muchas personas que ignoran su nombre, veo muy poco probable que desconozcan su trabajo. Con el fin de rememorar esos temas que nunca dejarán de sonar en nuestra cabeza, se abre esta serie de posts dedicados a los genios de la música, comenzando por quien posiblemente haya sido el culpable de agregar tanta emoción a la niñez de muchos de nosotros. Antes de comenzar con los 10 temas que “resumen” el trabajo de Williams (cosa que es muy difícil), es mejor que hablemos de quién exactamente es él, pues quizá no todos lo conocen. John Williams es un compositor de música de películas, el más reconocido de su época, es como el Max Steiner o Alfred Newman de nuestra época. Como la mayoría de los compositores, comenzó trabajando para otros maestros como Henry Mancini (Compositor del tema de “The Pink Panther”). Posteriormente, se abrió camino componiendo para series de TV, hasta que finalmente llegó al cine y sorprendió a muchos. Partituras como las de “E.T” o “Star Wars” son algunas de las tantas composiciones que le dieron renombre. Se preguntarán “¿Qué será que tienen sus composiciones para ser tan memorables?”, esa es una pregunta difícil de responder. Lo cierto es que recurre a una técnica bastante peculiar, el “leitmotiv”. Este término se aplica cuando a un movimiento (generalmente el central) de la música se le añade un contenido, además de repetirse varias veces durante la película. Por dar un ejemplo más fácil de entender, siempre que escuchamos el tema de “Jaws” nos imaginamos (por lo menos algunos) la aleta del tiburón sobresaliendo sobre el mar. Eso es gracias a que cada vez que en la película salía la condenada aletita del tiburón, sonaba el tema principal. Eso es el leitmotiv, es cuando el tema se adjudica de una escena determinada o viceversa, lo que hace que sea más memorable, pues asociamos la música a algo. John Williams ha usado esta técnica en varias de sus obras, algunas de las cuales veremos en esta lista que rinde homenaje a uno de los genios de la música.

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Gracias a este score Williams obtuvo su segundo Oscar. “Jaws” es el primer soundtrack donde aplica la técnica del leitmotiv y, en mi opinión, es uno de los que más fuerza tiene. La música en principio nos transmite incertidumbre, pero, a medida que avanza la pieza, la adrenalina se apodera de nuestro torrente sanguíneo, transmitiendo desesperación total. Ya desde aquí Williams nos muestra su preferencia por los instrumentos de viento, insertándolos de una forma bastante sutil en principio, hasta que llega el momento donde muestran todo su potencial, hacia la segunda mitad del tema. Nuevamente, hacia el final se va al lado de la “tranquilidad” y el suspenso, dejándonos con la incógnita de qué pasará.

Con unos coros algo espeluznantes llega “Duel of the Fates” a nuestra lista. Comenzando con estas voces bastante estremecedoras comienza un tema que, a mi parecer, es el tema perfecto para cualquier batalla. La emoción y adrenalina que transmite Williams en él es indescriptible. Al igual que en la mayoría de sus composiciones, Williams sabe darnos un descanso, no todo es adrenalina. Nuevamente nos encontramos con momentos de calma, esta vez más prolongados, quizá preparándonos para lo bueno que se vendría tanto en el score como en el film en ese momento. En casi todo momento aparecen estas voces transmitiendo desesperación, que contrastan bastante con la instrumentación. Ya hacia el final, las voces dan su último golpe de desesperación y los instrumentos finalmente cierran esta pieza de una forma perfecta.

Comenzando con cierta lentitud, este tema toma vuelo rápidamente. John Williams en esta entrega nos emociona. Este tema transmite algo muy interesante, cuando uno escucha el tema, dan ganas de “volar” como Superman, con capa y todo. Es realmente misterioso como hace Williams esto, pero lo logra. Al igual que “Imperial March”, no todo es emoción y poder, tiene su momento (pequeño, pero tiene) calmado, logrando nuevamente darnos un respiro a tanta emoción. Pero siempre los instrumentos de cuerda marcan el movimiento característico. Ya hacia el final de la obra, con mucha mayor instrumentación, logra transmitir aun más emoción y, aunque esto parecía imposible, lo logra, cerrando de una manera magnífica, como solo él puede hacerlo.

Este tema es otro buen uso del leivmotiv. Pero más que eso, Williams nuevamente nos transmite emoción, al igual que en “Superman”, nos transmite esas ganas de querer ser “valiente” y “explorar”. Si bien existe una predominancia de los instrumentos de viento, Williams sabe como deleitarnos con las cuerdas, añandiendo ese “algo” extra al tema. Si bien existe un momento en el cual el tema parece terminar, no es así, John vuelve a utilizar el movimiento principal, pero de una manera más simple, pues casi no nos dio respiro a lo largo del tema. Sigue con esta tranquilidad hasta cerrar la pieza, dando una sensación de tranquilidad y calma tras tanta emoción.

Este ha de ser uno de los temas más “mágicos” de John Williams. Con sonidos que nos recuerdan bastante a composiciones de Alfred Newman, pero con más “feeling”, más emoción, más sentimientos. Este tema nos demuestra lo clásico que puede llegar a ser Williams. Al igual que en la mayoría de sus composiciones, existe una predominancia de los instrumentos de viento, pero aquí se mezclan aun mejor los demás tipos de instrumentos. Hasta la percusión toma un rol sumamente importante, en especial en el final, donde recuerdan bastante al tema épico que se usó en el opening de “2001: A Space Odyssey”, añadiendo más emoción al final y dándole una terminación más interesante.

Tengo que admitir que nunca me dejé seducir por el mundo de J. K. Rowling, pero lo cierto es que que la música principal de la primera película es una obra maestra. Realmente es un misterio cómo hace Williams para transmitir lo que tiene que transmitir, uno se siente en un lugar “encantado” cuando escucha este tema. Comienza como cuando haces sonar la cajita de una bailarina, dándole un toque espeluznante a la pieza, hasta que comienzan los movimientos a lo Tchaikosvky y, más adelante, ya se sienten los instrumentos de viento lentamente apoderándose del tema. A medida que el tema se va desenvolviendo, se escucha de varias formas el movimiento característico de esta película. Quien diga que este tema es solo “disfrutable” para los admiradores de la saga creo que está en un error, pues me parece una de las piezas más interesantes de parte de Williams y, sin dudas, cualquier admirador suyo le encontrará lo mágico.

Esta es otra de las composiciones más icónicas de Williams. Este tema transmite perfectamente ese “aire navideño” en el ambiente. Además, por más raro que parezca en John, si bien los instrumentos de viento juegan un rol importantísimo, no son tan “fuertes”, son mucho más sutiles, dando un toque más “elegante” a la pieza. El tema comienza al más clásico estilo musical de Williams, emocionando. Pero luego toma un aire mucho más “esperanzador”, sigue transmitiendo emoción, pero es diferente. Esta emoción esperanzadora se reafirma cuando entran los violines en juego y llega a su punto máximo con el coro, dándonos una de las canciones más memorables de esta época.

Quizá uno de los temas más “emotivos” de John Williams. Tengo que decir que “Jurassic Park” no sería lo mismo sin este score, sencillamente es asombroso. Tan simple, tan completo, tan emocionante. Comienza de una forma bastante humilde con los instrumentos de viento, luego logra “ambientarnos” en la película. Después ya va creciendo la potencia de los instrumentos, hasta llegar al movimiento principal. Luego de enamorarnos con ese movimiento único, se viene lo mejor. Hacia el final se siente como las voces de fondo a lo Elfman toman fuerza, dando aún más potencia, haciendo que este tema sea… inolvidable.

Finalmente, lo que considero el trabajo más “icónico” que logro John Williams a lo largo de su carrera. La música que acompaña el Opening de la primera película de “Star Wars”. Este tema es peculiarmente exquisito. Si bien está colmado de instrumentos, todos están perfectamente armados, lo que hace que uno pueda disfrutar de ellos sin empalagarse. No hay mucho que decir de este tema, sencillamente escucharlo y dejarse transportar.