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Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Petite Fruit Rafael Mejía J. Amaro Bautista Silvia Ruvalcaba Siniestro Sexual Nexus6 Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras. Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

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odavía recuerdo ese 1987 en el que ese chico universitario con su copete y sus top siders (mocasines de niño fresa), su estéreo a todo volumen con canciones de Van Halen o Bruce Springsteen, todavía se emocionaba con las películas de acción; a ese niño interno que al parecer sigue dentro de mí, le encantan las películas de acción. Era ver una película de estas más de diez veces durante su estreno, si no era con los cuates, era con la familia, o era con la novia, pero se buscaba cualquier pretexto para ver una y otra vez nuestras películas de acción favoritas. En aquella ocasión quedé fascinado con este superhéroe. Un policía que sí pudiéramos decir era el policía perfecto, el padre perfecto el esposo perfecto, y de la noche a la mañana, tras sufrir un accidente, todo le cambia. Pero al parecer ese lado humano permanece dentro de este robot y es lo que lo hace una máquina perfecta, en la que una compañía 06

experta en seguridad y milicia, tras muchos experimentos con robots habían fracasado, pareciera ser que dio en el clavo y ser la solución para el futuro de la justicia americana. En esta ocasión veremos nuevamente al oficial Alex Murphy, pero encarnado por el actor Joel Kinnaman (que aunque su carrera actoral data desde los 90s no mucha gente le conoce) y de la mano del director brasileño José Padilha, de quien también puede que pocos conozcan su trabajo, pero dentro de su currículum recordamos a Tropa de Elite I y II y el documental Bus 174. ¿Qué podemos esperar de un director relativamente joven dentro del cine y un actor de no gran renombre? Quizá muchos pensemos que fue muy arriesgado el hacer un remake de esta película cuando las segunda y tercera parte fueron malas sobre todo la última en la que Robocop volaba. Pero vemos que dentro del reparto encontramos al gran Gary

Oldman, al increíble Michael Keaton y al no menos importante y muy conocido Samuel L. Jackson; y aunque dentro del reparto veremos muchas caras conocidas, me quedo con los primeros tres para ir con mayor optimismo a verla al cine. De lo que si estoy muy seguro es que será una película llena de acción muchos efectos especiales y atraerá a muchos nuevos cinéfilos amantes de las películas de acción que, por aquellas épocas del estreno de la primera película, todavía no estaban en los planes de sus padres por que nacieran. No queda más que esperar a febrero para ver qué pasa, si será un bum en taquilla o será uno más de los fracasos de traer a los antiguos héroes de acción. Ojalá y esté equivocado y ese niño interno que sigue habitando dentro de mí, bueno no tan dentro, se divierta como enano y quiera desenfundar su pistola como lo hacía el gran Alex Murphy. 07

n verdad desconocía esta película, y mucho menos que fue Theodor Dreyer quien la realizó, siendo éste uno de sus últimos films 'mudos' pese a la presencia de algunos diálogos. La película representa todo un viaje a lo desconocido, y como siempre, muy bien abordado por el genio de origen danés. Allan Grey quien es un joven aventurero y que le fascina lo 'paranormal' oye de una casa en la que, al parecer, hay vampiros. En la casa pide asilo y durante su primer noche descubre que la hija del dueño, ha sido asediada por un vampiro, pero no cualquier vampiro, sino una bruja vampiro. Al conocer quiénes son los secuaces de la bruja, el joven Grey emprende la búsqueda de esta bruja para poner fin a la maldición que cae sobre la familia, pero mientras tanto será víctima de un embrujo. A estas alturas, casi 80 años después de que se filmara este trabajo, el género ha avanzado y cambiado tanto que un Siniestro Sexualsobre @SiniestroSexual film mudo vampiros con pocos elementos de terror, pasaría inadvertido, pero el tiempo ha hecho justicia con este peculiar film, lo mismo que hiciera con grandes clásicos como Nosferatu de Marnau y Das Gabinet des Dr. Caligari de Wiene; Vampyr se ha convertido en todo un clásico y un hito de la historia del cine de terror. Pese a lo viejo que es el film, tiene muy buenas secuencias y efectos especiales dignos de apreciarse, como un baile de fantasmas, una sombra con vida propia o la ya clásica escena del espíritu de Grey andante y el clímax final donde tenemos una perspectiva interesante dentro de un ataúd. Díganme si no son razones suficientes para querer ver este gran film, que tiene los toques de suspenso necesario para atraparte y querer verlo hasta el final. Muy buena historia, sin duda alguna elevada a nivel de clásico por su director y por su montaje, así como sus efectos especiales y sobre todo por lo clásica que resulta ser la historia. Muy buena.

VAMPYR

El clásico vampírico de Dreyer

xiste una gran cantidad de lugares en los que hombres homosexuales se reúnen, se cruzan o se encuentran para tener relaciones sexuales casuales, libres de compromisos, sin una identidad que revelar y sin una relación sentimental por sembrar. La Ciudad de México es un ejemplo cercano y claro, los baños públicos, el último vagón del metro, los cuartos obscuros, los parques o el famoso camino verde de Ciudad Universitaria son algunos de los lugares de cruising en la ciudad. El cineasta francés Alain Guiraudie muestra en El desconocido del Lago un peculiar lugar de cruising en algún sitio de Francia, un lago. El lugar tiene la facha de ser una espacio para el nudismo gay pero la dinámica es otra. Los hombres llegan en sus autos a la orilla de un bosque, bajan, se introducen al bosque y descubren un lago en el cual varios hombres desnudos voltean ante la llegada de cada nuevo participante, si dos o más se gustan el bosque es el lugar destinado para el encuentro sexual. La película muestra esta curiosa dinámica que evidencia la prontitud de los encuentros sexuales entre algunos hombres homosexuales y bisexuales, pero también deja ver un sentimiento importante después de ese placer desenfrenado: el vacío que dejan esas relacio-

nes carentes de afecto; detrás de esta bien intencionada promiscuidad se esconde una búsqueda más entrañable, íntima y sentimental: el amor. Ahí es donde nuestros protagonistas Frank y Michel se encuentran, la atracción sexual que el segundo provoca en el primero los llevará a un encuentro sexual que comenzará a transformarse en un amor y obsesión al unísono. Los celos, la informalidad y la negación a un compromiso mayor llevará a Frank a una inestabilidad emocional. El asesinato de uno de los tantos amantes que acuden al lago pondrá tensión en su relación y en la que Frank tiene con Henri, un hombre cercano a los 40 años que sólo busca compañía y tranquilidad. La obsesión cegará a Frank al extremo de no visualizar el peligro que podría estar más cerca de lo que el cree. El desconocido del lago es un thriller que deja ver una realidad de la comunidad gay, la promiscuidad. Cabe destacar las imágenes casi pornográficas que muestra Guiraudie a lo largo de la historia que sin embargo se dejan de lado ya que sin ellas el impacto no sería el mismo y la obsesión del placer enmascarado y combinado con un tipo de amor no cabrían en un final demasiado inesperado.

n filme con un tema intenso, con la premisa de ser íntimo y doloroso, mas no deprimente. Es lo que nos presenta el director Hirokazu Koreeda, mundialmente conocido por cintas como Nadie sabe (Dare mo shiranai; 2004), Still Walking (Aruitemo aruitemo; 2008) y Milagro (Kiseki; 2011). Llega al punto medular de los lazos paternales, donde lo lógico y coherente no siempre es lo mejor. Así, Koreeda inicia su trama, presentándonos a un par de familias peculiares donde una es fría y acaudalada y la otra es efusiva pero limitada económicamente. La historia se centra en Ryota, un padre de familia que trabaja en exceso, para el cual lo más importante es ser exitoso en todas las áreas de su vida. No le dedica el tiempo suficiente a su esposa e hijo, él cree que el dinero brindará todo lo necesario para ser felices, además de tener problemas con la parte afectiva, pues en su familia fue educado de la misma manera. Le es muy difícil romper la cadena de lo que él aprendió cuando era niño. Ryota aprende lo largo de la trama, crece mucho como papá y como hombre, pues los niños y la vida le dan varias lecciones. Y por el lado contrario, el papá de la otra familia es despreocupado y no le tiene tanta dedicación al trabajo, tiene dos hijos más pequeños, es comerciante y su esposa también trabaja para aportar más ingreso a su casa, viven en una colonia modesta. Las familias son citadas en el hospital donde dieron a luz hace 6 años, para notificarles que sus hijos fueron intercambiados. Ante esta terrible notica, las familias quedan colapsadas y la incertidumbre se vuelca sobre ellos. ¿Qué se hace cuando se recibe un noticia de esta magnitud? ¿Qué es más fuerte... los lazos de sangre o las conexiones creadas con la convivencia diaria? Esas son las dudas que todos 12

sienten, pues por un lado se quiere al hijo que creen de ellos, al que han visto crecer, al que les ha iluminado la vida, y por el otro, el que lleva su sangre, el que tiene la herencia genética, el que día a día se parecerá mas a ellos. ¿Cómo le explicas a un niño, que a los que llama papás ya no lo serán más y que ya no vivirá con ellos, que su hogar será otro? Por ello deciden que es importante tenerlo, conocerlo e ir poco a poco conviviendo con sus padres bilógicos. El proceso inicia llevándose al hijo bilógico los fines de semana para irlo adaptando al cambio. Hay varias frases que tocan puntos medulares como la visión que se tiene de los hijos: “ahora lo entiendo todo”, dice Ryota cuando se entera que el que cree su hijo, no lo es, porque siempre le ha exigido mucho a Keita y se sentía decepcionado pues el niño no ha podido ser el mejor a pesar de esforzarse. “Debí darme cuenta” dice la madre, "pero ¿cómo saberlo?, te entregan a un bebe lindo, tierno e indefenso para que lo cuides y críes". Así se va desbordando el drama del cambio de hijos, se van aclarando las ideas sobre el concepto de familia y Ryota aprende a ser mejor padre y a aceptar las virtudes y limitaciones de su hijo. Sin duda es una película muy bien realizada, donde los niños le dan esa chispa de ternura y comicidad en los puntos coléricos, pues ayudan a sacar sin tristeza ni melancolía el filme, es una historia nada predecible y contada sin limitación, con las dudas y abatimiento que una familia viviría en una situación tan infortunada. Para mi gusto, de las mejores del 2013, así que no duden en ver un cine diferente, además podemos observar un modelo de familia japonesa que dista mucho de los afectivos modelos occidentales. Por todos lados aprendes, en la historia, lo visual y lo cultural.

hane Carruth ha regresado al mundo del celuloide después de nueve años, pues fue en 2004 cuando presentó sus muy propositiva ópera prima, Primer, en el festival de Sundance de ese ya lejano año. Ahora, en su nueva propuesta, el joven realizador vuelve a hacer de guionista, director, protagonista, productor, editor, compositor, director de fotografía, e incluso, de distribuidor, pues sus trabajos son ante todo, apuestas artísticas nada fáciles de vender para las distribuidoras que, principalmente, buscan que sus lanzamientos sean redituables y Upstream Color es todo menos complaciente y está en un punto opuesto a la cinematografía mainstream, por lo que será muy difícil que sea un éxito en taquilla. La premisa es complejamente sencilla: Existe una especie de larva que, una vez que se adentra en el cuerpo de algún incauto, puede ejercer una manipulación sobre el comportamiento de su anfitrión; es así como Kriss (interpretada por Amy Seimetz) es manipulada por un estafador que ha introducido los insectos en su organismo (vía oral mediante unas capsulas), llevándola a la ruina financiera (despojando el dinero de sus cuentas bancarias) y haciendo inclusive que pierda su trabajo y sus bienes más preciados (hipotecando su casa). Una vez que la estafa ha finalizado, la joven recurre directamente, como si de un robot programado se tratase, a un hombre (referido en los créditos de la cinta como ‘The Sampler’) que se encarga de componer armonías con los sonidos que captura de la naturaleza y que 'ayuda' a los trans-

portadores de los insectos a que estos abandonen sus cuerpos, aunque en realidad lo que hace es conectar a las víctimas de una manera sintomática con un cerdo de su granja. Tiempo después, Kriss conoce a Jeff (interpretado por el propio Carruth), un joven que, según se nos insinúa, también ha sido víctima de la enajenación larval, y con el que se crea una atípica empatía, que después descubrimos que es marcada por la relación estrecha que mantienen los lechoncitos en la granja. Como verán, la trama podría ser bastante descabellada... y sí, lo es, no lo vamos a negar, pero Carruth apuesta por una propuesta con escasos diálogos, brindando a las imágenes todo el poder expresivo del filme, al cual estructura de una manera narrativa no lineal y con secuencias vertiginosamente fragmentadas, convirtiendo a la cinta en un reto para el espectador común, quien deberá verla por lo menos un par de ocasiones para intentar, si no armar la trama (que tampoco es tan compleja), al menos comprender esos choques entre futuro y pasado que crean un presente resplandeciente en la historia de los jóvenes y alienados amantes. Upstream Color es, en cuanto a su forma, un relato atípico de ciencia ficción que huye de los estatutos que marcan cómo se debe hacer este (y cualquier) tipo de cine; y es, en cuanto a su fondo, una tesis con la que el director nos plantea reflexiones sobre nuestra tecnológicamente alienante era y la cada vez más escasa relación hombre-naturaleza. 15

a calle López del centro de la Ciudad de México es el escenario en el que se dan cita un sin fin de comerciantes, habitantes, ambulantes y en definitiva una peculiar gama de personajes que dejan ver, además de sus historias, la dinámica de la urbanidad del centro y las condiciones sociales que ahí se viven. El señor de la basura, el franelero, la pollería, la taquería, el puesto de dulces de alguna esquina y un músico, son sólo algunos de los personajes que los cinefotógrafos Gerardo Barroso y Lisa Tillinger filmaron para retratar un microcosmos de la sociedad mexicana en su ópera prima Calle López. Las imágenes en blanco y negro muestran los procesos de trabajo de cada personaje, desde que amanece hasta que anochece, y revelan que el autoempleo es algo que impera en la calle, las pequeñas oportunidades que todos aprovechan para ganar una moneda.

El ambulantaje, lavar autos en plena calle o llevar a sus hijos a vender con ellos son imágenes cotidianas en tan colorida, transitada y muchas veces caótica calle López. Imágenes que generan preguntas como ¿de dónde provienen estas personas? ¿en qué condiciones viven? ¿esos niños acuden a la escuela? ¿la mujer que lava autos es madre de familia? Quizá la respuesta más próxima sea la pobreza, las carencias económicas que muchos personajes dejan lucir; lo sorpresivo es la actitud positiva que ellos tienen y que de alguna manera narran en sincronía con la visión de los directores, quienes además presentan un documental con una fotografía extraordinaria, por su composición e iluminación, que se asemeja a la cinefotografía de la época de oro del cine mexicano. La honestidad con que es narrado este documental también lo hace nostálgico conforme conoces a estos seres humanos que muestran un todo: una clase social, un estilo de vida, y que al final forman una fotografía de la calle López.

urante la víspera de un primer aniversario luctuoso, la familia Juárez comienza a mostrar cuán frágiles son antes el enorme sentimiento de ausencia de su pilar más fuerte; su Madre. Bajo esta (aparentemente) sencillísima premisa, el director debutante Rubén Imaz Castro esconde toda una magnífica disección de una familia en un (disimulado) luto perpetuo, de una célula de la sociedad que, con su evasión respecto a la muerte de la Madre, se acerca a una feroz desintegración. A lo largo de los 132 minutos de Familia Tortuga, vemos cómo José Juárez (Dagoberto Gama), un desempleado sindicalista, aguarda que en el sindicato le 'resuelvan unos asuntos' con los que podría salir de los fuertes apuros económicos; mientras tanto, intenta desesperadamente llevar dinero al hogar por cualquier medio, incluso dedicándose a la venta de calzado femenino. Todo esto además de tener que lidiar en casa con sus dos hijos adolescentes (Omar y Ana -José Ángel Bichir y Luisa Pardo-), perdidos en esa etapa de identificación y buscando definirse. Con ellos vive también Manuel (Manuel Plata López), el muy peculiar hermano de la fallecida que 18

sólo está preocupado por atender y ayudar a su familia -eso y buscar a Rosita, una de las dos tortugas que tiene como mascotas y que ha desaparecido repentinamente-. Con un ritmo pausado y una propuesta intimista (cámara en mano que sigue a los personajes de tal manera que el espectador no sólo se convierte en testigo del relato sino como una sombra de los personajes), Familia Tortuga nos aproxima de manera equilibrada a la vida de cada uno de los personajes de la historia: La búsqueda del sustento familiar por parte de José; el hastío del ambiente familiar de Ana (así como la búsqueda de refugio en los brazos -o la cama- de su novio); la preocupación por el futuro de la familia por parte del sensible Omar (y su refugio en el futbol donde tendrá un encuentro casual con Miguel -interpretado por Leonardo Ortizgris- y un prometido reencuentro); y la devoción de Manuel por mantener unida a la familia de su difunta hermana. Y si bien el final podría ser clasificado como complaciente, la propuesta de Imaz durante toda la película es demasiado sólida y honesta, y comparado con ella, este error al final es peccata minuta.

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n Estados Unidos no se ve cine extranjero porque, simple y sencillamente, a los gringos no les gusta leer. Es bien sabido que la demanda cinematográfica estadounidense se rige por la ley del mínimo esfuerzo y buscan primordialmente productos hechos dentro de sus fronteras y, por ende, en su idioma, relegando las propuestas en lengua extranjera a cines especializados en la proyección de este tipo de cine. Pero ¿qué le vamos a hacer?, el público gringo es así y no sólo cinematográficamente, sino que a nivel cultural tampoco se preocupan por aprender otros idiomas (¿o por qué creen que todo el globo ha tenido que aprender inglés y ellos no saben otros idiomas?). Este síntoma de su complejo de superioridad podría ser una de las razones por las que se realizan tantos remakes y muy pocas cintas extranjeras tienen éxito en territorio yanqui (aunque claro, existen sus contadas excepciones que vienen a confirmar la regla: El Laberinto del Fauno (2006), Amélie (2001), El Tigre y el Dragón (2000), etc.); y es que, además de que nuestros vecinos del norte huyen de los subtítulos como si de un plaga se tratase, también rehúyen a los contextos culturales que les resultan exóticos y cuya asimilación les genera un gran conflicto (¿o cuántos gringos no se decepcionaron cuando viajaron a París y descubrieron que no era como lo pintó Jean-Pierre Jeunet en la ya citada Amélie?). Todo este rollo viene a colación puesto

que es inminente el estreno en México de Oldboy: Días de Venganza (Oldboy; 2013), una reelaboración fílmica del ya clásico de culto original de Park Chanwook que en esta ocasión viene orquestado por Spike Lee, un otrora propositivo director afroamericano que busca recontextualizar la venganza del protagonista en un entorno ahora estadounidense, por lo que ya de entrada, lleva las de perder frente a la cinta original, puesto que lo que hace grande a la cinta del norcoreano, es precisamente lo que el Spike Lee quiere cambiar (y lo hizo): el contexto de la historia, y por lo tanto, todo el significado que va implícito en ello. Oldboy: Cinco Días para Vengarse (Oldboy; 2003), la segunda entrega de la Trilogía de la Venganza maquinada por Park Chan-wook a principios de este siglo (basada en el manga escrito por Garon Tsuchiya e ilustrada por Nobuaki Minegishi), narra la historia de Oh DaeSu (interpretado por Choi Min-sik), un hombre de negocios que es secuestrado una noche y confinado a una celda por 15 años. Durante su cautiverio, donde como única compañera tuvo una televisión, el hombre se entera que su esposa ha sido asesinada y él resulta ser el principal sospechoso; cuando finalmente es liberado, tiene tan sólo cinco días para buscar a quien estuvo detrás de su encierro y del asesinato de su esposa. Esta premisa, debemos aceptarlo, no es precisamente la más original, pues mi21

ren que de historias de venganza tenemos hartos ejemplos, pero no es precisamente la historia lo más sobresaliente de la película de Chan-wook, sino el cómo está manejada su ejecución de su narrativa (es decir, la puesta en escena) y el cómo la venganza toma otros tintes muy diferentes al que tendría la historia si se tratase de una película sobre vendettas en territorio occidental (es decir, el contexto donde la venganza es también una forma de luchar por el honor y la redención). Entonces, he aquí la sencillísima (y más importante) razón por la cual el remake no igualará a su original, y mucho menos será mejor: porque la filosofía oriental es tan diferente a la occidental, que el vengativo relato trasladado a nuestras latitudes se invalida automáticamente, puesto que la expiación de las culpas al final del filme de hace una década, no tiene cabida en la versión norteamericana, ya que el protagonista de la versión estadounidense, interpretado por Josh Brolin, no se rige bajo las convenciones de los rituales orientales y es ajeno a ese mundo donde la venganza comulga también con la propia salvación. Así pues, no estoy invitando a que se pierdan este remake, por el contrario, creo que deberíamos verlo en cuanto tengamos oportunidad, pero indudablemente, la cinta de Park Chan-wook debe verse primero y cuanto antes mejor, pues es una maravillosa experiencia cinematográfica imprescindible.

Una de las sagas más exitosas regresa con una nueva aventura que se antoja épica por dos simples y sencillas (pero poderosas) razones: Primero, la trama de la cinta está basada en una de las historias más importantes del cómic, siendo incluso objeto de culto entre los fanáticos de los mutantes. Segundo, esta nueva película marca el regreso de Bryan Singer como director de la franquicia que él mismo originó y consolidó como una de las más fuertes con X-Men (2000) y X2 (2003). En la cinta, los X-Men deben evitar un acontecimiento que, de ocurrir, generaría un futuro en el que los mutantes son confinados a campos de concentración bajo la vigilancia de los robots 'Centinelas' y gran parte de los X-Men han muerto o han sido capturados. Para evitarlo, Logan viaja en el tiempo para alterar el curso de la historia y evitar el exterminio de los mutantes. X-Men: Days of Future Past será el nexo que unirá la saga original (que concluyó con la chafa X-Men: The Last Stand de Brett Ratner) con la nueva (instaurada eficazmente por Matthew Vaughn con X-Men: First Class), así que podremos ver finalmente a todo el elenco de la saga original con el de la nueva etapa de la franquicia. Simplemente un evento fílmico imprescindible. 22

Christopher Nolan se ha ganado su reputación a pulso, ahora se le considera uno de esos (tan escasos) directores de culto en la escena mainstream. Tras su trilogía del Hombre Murciélago y su gran Inception, el director regresará este año con una gran cinta sci-fi que gira en torno a unos exploradores espaciales que descubren un agujero de gusano con el que podrían conquistar vastas distancias a través de viajes interestelares. Sin duda una propuesta ambiciosa que será protagonizada por, entre otros, Matthew McConaughey, Anne Hathaway y Jessica Chastain.

Otro director de culto del círculo mainstream de Hollywood es Darren Aronofsky, y tras la fantástica Black Swan, regresa con el más ambicioso y largamente anhelado de sus proyectos: la historia bíblica de Noé. En esta revisitación a la historia del diluvio universal podremos ver a actores como Russell Crowe, Jennifer Connelly, Ema Watson, Anthony Hopkins, Logan Lerman, entre varios más. Noah representa el primer blockbuster para el director de la mítica Pi, y claro, no faltarán las hordas de puritanos pseudointelectuales de izquierda que ante la comercial propuesta dramática/fantástica de Aronofsky se rasgarán las vestiduras gritando '¡Vendido!' Ni cómo ayudarles.

La precuela de la saga fílmica setentera fue la sorpresa del verano de 2011, aunque a México nos llegó hasta septiembre, pero ni modo. La verdad es que nadie esperaba nada de esta cinta y resultó ser una pequeña joyita y un gran homenaje a la cinta original de 1968 protagonizada por el entonces atractivo Charlton Heston. En esta nueva entrega, los personajes de James Franco y Freida Pinto ya no serán más, por lo que ahora veremos cómo protagonistas al siempre genial Gary Oldman y a la muy incapaz Keri Russell (¡qué HAL 9000 nos ampare!); Andy Serkis, por su parte, continuará dando vida al líder de la rebelión: Caesar. Otro punto que merece ser recalcado es que Rupert Wyatt ya no se encuentra en la silla de director y ha sido reemplazado por el eficaz Matt Reeves, quien hizo un trabajo decente con el remake de Let the Right One In y con la vertiginosa Cloverfield. ¡Crucemos los dedos por esta saga!

Aceptémoslo, Robert Rodriguez sólo ha hecho una buena película y esa fue Sin City; nueve años han pasado, y tras varias insufribles Spy-Kids y las ligeramente divertidas entregas de Machete, el director de ascendencia mexicana está de regreso para dar continuidad al universo de las viñetas de Frank Miller (que por cierto, igual que Derbez, se creyó director y nos entregó una bazofia llamada The Spirit hace algunos pocos años, por favor evítenla -igual que la de Derbez-) con Sin City: A Dame to Kill For, que será lanzada en Estados Unidos en agosto de este año con el regreso de algunos miembros del elenco original (Bruce Willis, Jessica Alba, Mickey Rourke, entre otros) y las adiciones al reparto de Lady Gaga, Eva Green, Joseph Gordon-Levitt y Josh Brolin.

Guillermo del Toro volvió a poner de moda los kaijus, así que toca el turno al Rey de estos bastiales seres hacer su regreso triunfal a la pantalla de plata. Godzilla llegará a las salas de cine este año bajo la dirección de Gareth Edwards (responsable de Monsters en 2010)y con Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Bryan Cranston, Juliette Binoche, Sally Hawkins y Ken Watanabe en los protagónicos.

La nueva aventura sci-fi de los hermanos Wachowski sigue a Jupiter Jones (Mila Kunis), una inmigrante rusa que posee la misma composición genética que la mismísima Reina del Universo, por lo que, sin saberlo, se convierte en una amenaza para las formas superiores de vida que nos mantienen bajo vigilancia y que envían a un cazador ex militar (Channing Tatum) para encontrarla y asesinarla. Está de sobra decir que este par terminará enamorándose, ¿verdad? Jupiter Ascending promete ser, como todos los productos Wachowski, una gran aventura envuelta en una propuesta visual repleta de efectos especiales. 23

La película de culto es revisitada por José Padilha (director de Tropa de Élite) y con Joel Kinnaman como Alex Murphy, el policía que es transformado en cyborg por OmniCorp, una vez que resulta críticamente lesionado tras sufrir un atentado. El nuevo enemigo del crimen en Detroit es mitad hombre, mitad máquina: Robocop. En la película también participan Gary Oldman, Michael Keaton, Abbie Cornish, Jackie Earle Haley y Samuel L. Jackson; su arribo esta previsto para el mes próximo.

La nueva película de Johnny Depp servirá para demostrar si sigue siendo un buen actor. Y es que, tras varios (muchos, diría yo) años seguidos haciéndole al payaso y encarnando el mismo papel pero con diferente disfraz, no estamos seguros de si sus capacidades histriónicas siguen intactas. Afortunadamente, pronto lo comprobaremos pues en Transcendence, ópera prima de Wally Pfister (prolífico director de fotografía y recurrente colaborador de Christopher Nolan), debe encarnar a un hombre que crea una supercomputadora que desarrolla una conciencia malévola. Dicen que será una mezcla entre 2001: A Space Odyssey e Inception; ansiamos ver los resultados.

Esta es una de las películas que más me emociona pero también es por la que más temo, pues a pesar de la espectacularidad de sus avances, me parece que en el camino que están tomando para plantear las bases de las futuras entregas, los productores están cayendo en los mismos errores que en la saga de Raimi: están presentando demasiados personajes y villanos que, seguramente, no serán desarrollados de manera correcta y acabará siendo una película desastrosa. Ojalá me equivoque.

Nymphomaniac de Lars von Trier

La indiscutible ganadora de la Palma de Oro en Cannes el año pasado se estrenará finalmente en México el próximo 14 de febrero, claro, eso si no vuelven a posponer su fecha, como ya lo han hecho en un par de ocasiones. El descubrimiento de su lésbica orientación sexual y el desarrollo de su vida al lado de su novia son los temas centrales en esta obra maestra del cine francés dirigida por Abdellatif Kechiche y protagonizada magistralmente por las jóvenes Adèle Exarchopoulos y Lea Seydoux. Le auguramos una excelente corrida comercial, aunque lamentablemente mucho morbo surgirá por 'esa' escena sexual de no muy breve duración a la mitad del filme.

La película mexicana más galardonada el año pasado (más de treinta reconocimientos -y contando- alrededor del planeta) también tendrá su estreno comercial en febrero próximo. La ópera prima de Diego Quemada-Díez es un descarnado relato sobre la amistad de tres indocumentados centroamericanos que buscan llegar a la tierra de las oportunidades para vivir el sueño americano, pero para lograrlo, antes deben sobrevivir a la pesadilla mexicana. Sobresalen las muy naturales actuaciones de los no profesionales chicos Brandon López, Rodolfo Domínguez y Karen Martínez.

Otro gran director, cuyas obras siempre resultan un gran fenómeno (aunque nunca en taquilla), es sin duda alguna Paul Thomas Anderson, y en esta ocasión vuelve a colocar bajo su mando a Joaquin Phoenix tras el extraordinario resultado obtenido con The Master (2012). La trama del filme está basada en la novela homónima de Thomas Pynchon que sigue a Doc Sportello, un detective privado en Los Ángeles de la década de los 60 y quien recibe la visita de su ex pareja para pedirle que encuentre a su más reciente amante: un magnate de los servicios inmobiliarios. Una novela con tintes de la clásica literatura negra trasladada al lenguaje cinematográfico, sin duda de lo más interesante del año, sobre todo por el director detrás del proyecto.

La Jaula de Oro de Diego Quemada-Díez

Lars von Trier regresa al ataque con la primera parte de un díptico psicosexual sobre una mujer ninfómana que nos narra su vida en forma de capítulos. Charlotte Gainsbourg, actriz fetiche del danés en los últimos años, lleva sobre sus hombros el rol central de la cinta, pero en ella también participan Willem Dafoe, Uma Thurman, Jamie Bell, Stellan Skarsgard, entre muchos más.

Tras el último capítulo de trilogía del Caballero de la Noche, el Rey Midas de Hollywood (también conocido como Christopher Nolan) regresa a los terrenos de la ciencia ficción con una premisa tal vez no muy original, pero sí sumamente atractiva: un grupo de exploradores descubren las enormes posibilidades de los agujeros negros (o de gusano) para conquistar finalmente los trayectos interestelares a través del tiempo y el espacio. Matthew McConaughey, Anne Hathaway y Jessica Chastain tienen los roles centrales.

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A decir verdad, este rostro no es tan nuevo en Hollywood, aunque sí resulta bastante desconocido para las masas; y es que la talentosa actriz se ha movido más en los terrenos del cine indie, destacando sus papeles en Greenberg (2010) de Noah Baumbach al lado de Ben Stiller y en To Rome With Love (2012) de Woody Allen. En su nueva película, Frances Ha (considerada por la revista especializada Sight & Sound como una de las mejores películas de 2013), vuelve a hacer mancuerna con Noah Baumbach en la que participa también como coescritora del guión, el cual gira en torno a Frances, una chica de 27 años que persigue su sueño de convertirse en bailarina en la Compañía de Danza de Nueva York. Por su desempeño en este largometraje, Gerwig ha sido nominada al Globo de Oro como Mejor Actriz en Comedia o Musical. Recientemente actuó en el performance de la banda Arcade Fire dirigido por Spike Jonze para los YouTube Awards. ¡Definitivamente no hay que perderla de vista! 26

Cuándo es tiempo de aceptar que las cosas no funcionan como deberían y dejarlas? ¿Cuándo algo está oficialmente roto y cuándo sólo está descompuesto? Cuando se es un niño los adultos tienden a hacer preguntas que consideran “inocentes” que “no harán daño a nadie” y que resultan, en su mayoría, adorables con sus respuestas simpáticas y basadas en modelos a seguir que para el ojo adulto no tiene nada de especial, pero para el ojo del infante es lo más fascinante del mundo. Debo admitir que ningún adulto encontró mi respuesta adorable, tal vez por que responder “no tengo idea” no es simpático ni da lugar a conversaciones posteriores. Al crecer, esas respuestas simpáticas van formando nuestro camino a tomar, nos ayudan a elegir una carrera y continuar por el camino laboral asociado a ésta, pero bueno ¿qué se espera de alguien que nunca tuvo idea? Tuve que elegir una carrera de la cual no tenía idea. Algunos profesores me dijeron que tenía algo de talento para escribir, algo de talento era mejor que nada y me inscribí en el Instituto de Bellas Artes y Literatura. Tener calificaciones medianamente buenas no fue difícil, digo, escribir no es tan distinto a leer, sólo que… a la inversa. Por momentos me sentí entusiasta, con las respuestas que recibían mis escritos, a ratos creía que tendría un futuro prometedor y me esforzaba. Escribía y escribía, día y noche como si no fuera a haber un mañana. ¿Falta decir que me volqué a mis trabajos sin pensar en un plan B? Dentro de las paredes de la escuela todo es fácil y bonito, nunca me puse a pensar lo que pasaría al salir, tenia veinte años en la escuela debí saber que mi vida iba a cambiar al graduarme. Nadie publicó mis libros, ni mis cuentos cortos, a nadie le parecían divertidas mis

críticas sobre películas y mucho menos mis comentarios sobre política (aunque siendo honestos, ni a mí me agradaban). Tuve que trabajar en cosas que ni siquiera estaban relacionadas a mi carrera, a lo que había descubierto ser mi pasión y mi único talento, era difícil pagar la renta y ni hablar de tener seguro medico. ¿Cuándo es tiempo de aceptar que las cosas no funcionan como deberían y dejarlas? ¿Cuándo algo está oficialmente roto y cuándo sólo está descompuesto? Siempre he tenido problemas identificando algo que no sirve de algo que puede ser reemplazado, también siempre he tenido problemas tomando decisiones. Sabía que no podía quedarme mucho tiempo donde mismo porque me conformaría con la vida sucia y deslavada que tenía pero se había vuelto cómoda, tenía que irme, tenía que dejarlo todo y comenzar de nuevo, buscar “esa” oportunidad. ¿Cuándo es tiempo de aceptar que las cosas no funcionan como deberían y dejarlas? ¿Cuándo algo está oficialmente roto y cuándo sólo está descompuesto? ¿Cómo sabes cuándo es el momento de irte de tu casa, de tu hogar? Tal vez, yo no pudiera responder esas preguntas, pero obtuve respuesta a ellas: Un día, un día nada particular, volví a casa y el gato no estaba. Lo busqué y lo llamé por el vecindario, pero nadie lo había visto. Después de unas semanas dejé de llenar su plato y de cambiar el agua del bol. Él sabía cuando debía irse, y junto con él, yo. Dejé mi empleo al día siguiente y me mudé a otra ciudad, estaba seguro que esta vez todo sería distinto y me iría como siempre había planeado pero al llegar me topé con las mismas preguntas: ¿Cuándo es tiempo de aceptar que las cosas no funcionan como deberían y dejarlas? … ¿Cuándo algo está oficialmente roto y cuándo sólo está descompuesto? 27

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a obsesión de Martin Scorsese (Nueva York; 1942) por el universo cinematográfico, nació durante su infancia cuando se refugiaba en los cines ante la imposibilidad, marcada por su asma, de jugar al aire libre como todos los otros niños. Su educación, con base en el catolicismo, lo marcó de tal manera, que su obra se ha visto repercutida por ella, por eso no es extraño encontrar en sus filmes claras referencias a la religión, la culpa y la búsqueda de redención, ya sea en la iglesia o en las calles, que han sido también exploradas como un entorno hostil en muchas de sus cintas, como las que marcaron su irrupción en los terrenos cinematográficos de las grandes ligas a finales de la década de los sesentas y durante la primera mitad de la década de los setentas, filmes violentos y sin concesiones a la hora de plasmar en las pantalla las contradicciones de la sociedad estadounidense, así como algunos de sus más oscuros pasajes en su historia: ¿Quien toca a mi puerta? (Who's that knocking at my door; 1967), El Tren de Bertha (Boxcar Bertha; 1972) y Calles Peligrosas (Mean Streets; 1973). Y posiblemente sea esa my particular irónica visión de los Estados Unidos, lo que lo ha llevado a ser ignorado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en no pocas ocasiones, al omitir sus obras (y sobre todo a él como director) al momento de conceder las nominaciones a los premios Oscar. El caso más evidente de esas omisiones sea el de Taxi Driver (1976), filme que tan sólo

fue nominado en 1977 en los rubros de Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Actriz de Reparto y Mejor Banda Sonora, sin brindarle al director si quiera una nominación en el apartado de Dirección, a pesar que ya se había llevado la Palma de Oro en Cannes un año antes. Scorsese siempre se ha caracterizado por ser un cineasta arriesgado que se ha atrevido a explorar distintos géneros, como el musical, en su muy personal visión del clásico New York, New York (1978), y hace tan sólo un par de años también se atrevió a explorar el formato de la tercera dimensión con el infantil relato La Invención de Hugo Cabret (Hugo; 2011), donde utilizó el muy socorrido formato para, al igual que otros grandes directores como Werner Herzog, Alfonso Cuarón y Ang Lee, potenciar exponencialmente el alcance del relato y convertirlo en una experiencia audiovisual, más que en una simple película, que constituyó también su carta de amor al Cine). Este mes marca el regreso del genio neoyorquino y también vuelve a abordar figuras polémicas como Howard Hughes, el Dalai Lama y el propio Jesucristo; en esta ocasión, la figura que ha colocado bajo su lente es el corredor de bolsa Jordan Belfort, quien terminó envuelto en crímenes de corrupción en la década de los setentas y que será la figura que diseccionará en El Lobo de Wall Street, filme que podría llevarlo a ser nominado en la próxima entrega de los Oscar en marzo próximo.

ea "The family" o sea "Malavita", las referencias hacia la subcultura de la mafia italiana con estas palabras, son inevitables. Si a ello le aunamos a Robert De Niro en el papel protagónico, resulta casi una redundancia, aunque al mismo tiempo, una interrogante: ¿qué puede hacer este hombre, vestido de mafioso, que no haya hecho antes (The Godfather, Goodfellas, The untouchables, Analyze this, Shark Tale)? Lo primero a tomar en consideración es la imagen, la cátedra actoral previa, la inevitable llegada de la edad. Y entonces surge el nombre del director para aumentar expectativas: Luc Besson. El punto de partida para esta historia es lo que no vemos, cuando incluyen en el programa de protección a testigos a un ex líder de la mafia en Brooklyn, quien delató a sus compañeros de negocios y de familia. Tal programa los lleva a un lugar poco conocido de Francia (paradójicamente aquel donde desembarcaron las fuerzas armadas estadounidenses para concluir la Segunda Guerra Mundial y que es sinónimo de libertad), en donde puedan asentarse, luego de una vida errante a causa de las continuas persecuciones de sus ex colegas. Con extrema sencillez, vemos a un hombre en bata casera, barba de varios meses, melena que no ha conocido peine o cepillo, actitud de jubilado, pero con zapatos italianos, asomarse a la calle bajando el escalón del pórtico, para asegurarse de que aquella tranquilidad no corresponde a su cotidiano vivir, sino a su difícil supervivencia. La estampa no implica un drama absoluto o que falten escenas clásicas del Sr. Blake luciendo sus trajes a la medida y conviviendo a la usanza de los años felices como parte de la familia. Se encuentra este en un punto de coyuntura, en el cual no puede ser quien era pero tampoco puede ser alguien distinto, hasta que se alía con una

máquina de escribir y decide convertirse al oficio de escritor. No, el título no corresponde a una familia de la mafia, sino a la esposa e hijos del señor Blake y sus vicisitudes para llevar una convivencia fuera de su país de origen y las costumbres adquiridas en su anterior estilo de vida, su intento por adaptarse al entorno, pero sobre todo, por mantenerse unidos ante las circunstancias, como la clásica familia funcional-disfuncional: la esposa que no es mala pero no tiene amigas y no es un ama de casa común; el hijo que mueve sus habilidades para obtener ventajas en la escuela y, la hija, que no requiere ser la más popular (por ser la nueva llama la atención) pero busca sus aventuras amorosas como toda adolescente. El discurso definitivamente retoma decires populares en diferentes escenas, que mucho mueven a la risa: que en Europa no quieren a los gringos, que las jóvenes americanas son fáciles para tener sexo, que los gringos resuelven todo con abogados, que las mujeres italianas cocinan excelentes pastas, que los policías pueden bajar la guardia, que los mafiosos buscan la salida más fácil y rápida, que si no se resuelve el problema, lo tomarán en sus manos hasta obtener una respuesta satisfactoria...que la gente "mala" tiene su lado inocente. Eso entre tomas, ya que en el discurso verbal, el joven Warren Blake hace un rápido breviario comunicativo de la palabra "fuck" con las múltiples acepciones y usos que hace su padre con ella (definitivamente es una situación similar con algunas frases muy utilizadas en nuestro español mexicano, de las cuales no hablaremos hoy), pero que curiosamente es en un entorno francés como sale a relucir en las charlas coloquiales de los personajes, logrando, luego de la interpretación, darle un sentido extra a la expresión cada vez que se utiliza.

Ahora bien, el papel del agente protector Robert Stansfield, interpretado por Tommy Lee Jones, personifica al hombre rudo, inalterable en sus juicios y cuyo único propósito en la vida es cumplir con su misión, que no es otra sino mantener con vida a los ocultos familiares Blake. No hubo mayor problema en elaborar su imagen de US Marshall: traje de centro comercial, un poco arrugado por la faena, expresión ruda, entre aflicción, frustración y determinación en conjunto. Las arrugas de la cara fortalecen dicha imagen, así como la voz cansada pero firme y los comentarios sarcásticos propios de la labor policial. Resulta un contraste genial cuando se encuentra ante el carácter bonachón del mafioso, quien busca mantenerse ecuánime pero sin disciplina, mientras su contraparte hace lo posible por mantenerlo a raya. Por su lado, Maggie Blake, como mujer de un hombre importante, busca ser reconocida como linda persona, buena vecina y excelente esposa y madre, características apenas celebradas por los agentes escolta que les mantienen vigilados y son los rostros familiares que les han seguido a todos sus refugios. Definitivamente no tolera las injusticias y, como ama de casa, requiere que los servicios del hogar funcionen adecuadamente, pidiéndole amablemente a su marido que le ayude a resolver los problemas que se presenten, a cambio de mantener la tranquilidad hogareña. A tan infortunados personajes les agregamos la cándida imagen de los hijos, quienes no tienen inconveniencia en cambiar de escuela cada tres meses, con tal de lograr mantenerse a flote entre sus compañeros. Warren por su parte, no es alto, ni atlético o siquiera carismático, pero su capacidad de análisis le permite hacerse de aliados y cómplices para mantener a los abusivos a raya e incluso, generarse una pequeña fortuna. Mientras que Bella sigue sus instintos a lo femme fatale, ingeniándosela para estar cerca del chico más deseado de sus compañeras y entregarse a él en busca de mantenerlo a su lado, con resultados muy a la europea. Así las cosas, en lugar de encontrarnos ante un drama de acción de cine negro, nos topamos con una hilarante comedia que comienza por romper algunos estereotipos y afianzar otros, en un escenario tan apacible como el de cualquier vecindario de provincia y con tanto movimiento como unos individuos en busca de adaptarse pueden proveer: golpes, explosiones, peleas, torturas y

policías degustando pasta en lugar de café con donas. Los secretos salen a la luz y las mentiras provocan situaciones difíciles por afrontar, pero con la posibilidad de una salida airosa, muy a lo Besson. En el apartado de realidad refleja, se identifica la reacción lógica del comportamiento ante las situaciones: violencia, doble moral, amor indiscutible por la familia, misma que debe ser intocable para los demás. La relación entre hermanos que igual tiene complicidad que discusiones respecto a la toma decisiones que importan, pero sobre todo la madurez que parece existir entre ellos para sobrellevar la situación que viven sus padres. El matrimonio por supuesto, mantiene su nexo sin demasiado acercamiento, sino más bien dando espacio a las necesidades de cada uno y asumiendo su rol frente a los demás, sin dar demasiada importancia a los detalles que debieran fortalecer su unión y crecimiento, pero sí en busca de mantener el bienestar de los otros, sin molestarse demasiado, claro. No es de extrañar entonces el título, sea el original o el asignado, pues de ahí se derivan las acciones de la historia: una familia de mafiosos fuera de la mafia pero con todas las actitudes propias de dicho quehacer, o bien, Malavita, cuya traducción del italiano corresponde a mala vida, la misma que han llevado después de hacer un bien a la sociedad, aunque no les haya dado la tranquilidad esperada el hecho de alejarse de la maldad, ya asentada en ellos. La metáfora reside en que Malavita es el nombre de un perro y, bueno, hay quienes dicen tener vida de perro por mala o tortuosa y ese nombre sería, nuevamente, una redundancia. A pesar de tratarse de un grupo, la cinta nos refiere a un hombre solo, en torno al cual gira toda la dinámica y hace de Robert De Niro, la reinvención de un personaje ya colmado en su filmografía, pero con la dignidad suficiente para quedar entre las cintas de comedia y acción mejor logradas, con elementos sencillos, trama simple y talento acumulado, que brinda una limpia historia para reír, sin meterse en problemas con la academia ni el culto mismo del cine negro. La moraleja sería: en familia, la vida no siempre es mala o la mala vida no siempre la causa la familia.

ras su nominación al Oscar con La Mujer que Cantaba (Incendies; 2010) en la categoría a Mejor Película Extranjera, nos llega uno de los dos nuevos proyectos del director canadiense Denis Villeneuve*: Intriga (Prisoners; 2012), protagonizada por Hugh Jackman y con Jake Gyllenhaal como coprotagónico. El primero interpreta a Keller Dover, un padre de familia que se ve enfrentado a su peor pesadilla: la desaparición de su hija Anna de seis años, quien fue abducida mientras se encontraban en una cena de acción de gracias en casa de la familia Birch, sus amigos del vecindario y cuya hija menor (Joy) también desaparece esa noche. Gyllenhaal, por su parte, da vida al Detective Loki, encargado del caso de la desaparición de las menores y las investigaciones que apuntan hacia Alex, un joven con desordenes mentales y emocionales (interpretado por Paul Dano) que resulta ser el principal sospechoso. La premisa podría resultar bastante común, y de hecho lo es, pero lo que re-

sulta sorprendente es la manera en que el guión logra crear las atmósferas necesarias para atrapar al espectador desde el comienzo en un juego de enredos y pistas falsas que nos van arrastrando, junto con los personajes, hacia un abismo laberíntico, devastador y desesperanzador, donde la falta de resultados obligan a Keller Dover a tomar medidas desesperadas: secuestrar a Alex y torturarlo hasta que confiese el paradero de las menores. Paralelamente, la trama también presenta las acciones/situaciones de los otros implicados en el caso: las investigaciones en solitario de Loki (quien ha encontrado a otro posible sospechoso), la depresión de Grace Dover (esposa de Keller y que es interpretada por Maria Bello) y la parcial complicidad de la familia Birch (interpretados por Terrence Howard y Viola Davis) en el secuestro (y tortura) del joven sospechoso. Intriga es una de las mejores cintas de suspenso de los últimos años cuya mayor virtud se encuentra principalmente en el sobresaliente trabajo de su guión enmarañado y plagado de estupendos 34

diálogos de personajes bien trazados, por lo que también vale la pena resaltar el soberbio trabajo actoral de todo el reparto, especialmente de Gyllenhaal, Jackman y Dano. Además, la película plantea fuertes cuestionamientos morales y éticos sobre nuestras acciones en hipotéticos casos como este. Y tú, ¿hasta donde llegarías para salvar a tu hijo? En este rompecabezas cinematográfico tendrás bastante tiempo para meditarlo a medida que la trama se resuelve y las acciones de los protagonistas se vuelven cada vez más cuestionables. Una joyita que no se deben perder. *En caso de que se lo preguntarán, el segundo proyecto (mencionado al inicio del texto) de Denis Villeneuve este año es Enemy, en la que participa nuevamente Jake Gyllenhaal y de la que esperamos pronto tener noticias sobre su estreno en México.

a novela Hitpartzut X de Edna Mazya sirve como inspiración para Una Joven y Bella Esposa, filme enfocado en una pareja conformada por Ilan Ben Natan (Yossi Pollak), un brillante científico que trabaja como profesor de astrofísica en la Universidad de Huife, y Naomi (Melanie Peres), su joven y bella esposa trofeo, de la que el profesor ha comenzado a sospechar una posible infidelidad. Cuando sus sospechas son confirmadas y descubre a su esposa con su amante Oded (Rami Heuberger), Ilan recurre a su madre (Orna Porat) para pedir consejo, pero ésta le aconseja no hacer absolutamente nada respecto a ello; sin embargo, impulsivamente, el profesor decide encarar al amante, llegando a tal punto, que las vidas de los cuatro involucrados darán un giro inesperado.

La infidelidad, los celos patológicos, el tormento de la culpa y el miedo a la soledad, son algunos aspectos retratados en esta cinta cuyo guión fue escrito por la misma autora de la novela original y bajo la dirección de Eitan Tzur, quien con más de 15 años de dirección televisiva en varias series israelíes, ha decidido probar suerte en la gran pantalla. Un casi idílico matrimonio se ve envuelto en un triángulo amoroso que es diseccionado con paciencia por el director y siempre desde la perspectiva del hombre carcomido en un principio por los enfermizos celos y después por la ominosa presencia de la culpa. Una Joven y Bella Esposa es una cinta que cuenta con solventes actuaciones y que recurre en gran medida al cine negro, tomando elementos de las tragedias griegas y en momentos se ve salpicada 35

con algunos tintes filosóficos. Es un thriller psicológico en el que el realizador muestra su carácter enteramente competente para poder construir el suspenso necesario y el correcto análisis de la psique de los personajes, aunque el punto débil del filme podría, para algunos, ser un final un tanto 'sacado de la manga', un giro imprevisto que aunque le quita fuerza al relato, mantiene el trasfondo discursivo de la cinta y resulta una buena propuesta de thriller israelí.

xtrañamente, el comienzo de esta secuela no nos coloca en el punto exacto donde nos dejó Un Viaje Inesperado; La Desolación de Smaug comienza con una secuencia ocurrida un año antes de que comenzara la épica odisea de los enanos para recuperar el Reino perdido de Erebor, en ella se plantea el primer encuentro entre Gandalf y Thorin y donde el gran mago ofrece su ayuda al heredero para recuperar lo que le pertenece. Una vez terminada esta (innecesaria) secuencia, Jackson (quien hace un sorpresivo cameo) nos transporta, ahora sí, a la continuación de la segunda parte del relato: la Compañía de Thorin Escudo de Roble continúa su camino hacia la Montaña Solitaria y su inevitable enfrentamiento con el Dragon Smaug. La Desolación de Smaug resulta más entretenida que Un Viaje Inesperado y algunas inclusiones de personajes de la trilogía original (como Legolas) funcionan para dar una mayor cohesión a toda la saga y presentarla como una sola historia en seis capítulos y no como dos trilogías independientes. La historia atiende tres frentes, relatando tres historias en paralelo y demostrando la capacidad narrativa innegable del director, pero

también es cierto que no todas las subtramas de la historia funcionan de la misma manera, y una en especial, le resta agilidad al filme, pues sólo funciona para extender la historia (la película dura ni más ni menos que 161 minutos) pero no para profundizar en ella, como en el caso particular del amor prohibido entre el enano Kili y la elfa Tauriel y que deja entrever que habrá un triángulo amoroso (complementado por Legolas) que se abordará el siguiente episodio. La subtrama de Gandalf en la búsqueda de respuestas sobre el probable regreso del enemigo (el Nigromante, Sauron) es estupendamente planteada, pues Jackson juega mucho con los ángulos de las tomas, es un poco más arriesgado y resulta más que emocionante cuando finalmente se encuentra ante la Oscuridad que amenaza la Tierra Media. Pero indudablemente, la historia de la Compañía de Thorin y el Mediano en la Montaña Solitaria es el punto fuerte de la cinta, no sólo por dicha subtrama es duela del clímax del filme sino por ser el mejor manejado en cuanto a los personajes (explorando un poco más las características de Bilbo y Thorin) y en cuanto a la propuesta visual. La majestuosidad en la parte técnica junto con la 36

vocal interpretación de Benedict Cumberbatch hacen de Smaug una obra maestra digital tanto en su diseño como en su animación (a través de motioncapture del mismo Cumberbatch), es un deleite (audio)visual que nos mantiene sorprendidos durante el último tramo de la cinta. La Desolación de Smaug tiene momentos que casi logran alcanzar a lo que logró hace poco más de una década en El Señor de los Anillos, pero la decisión de extender la historia a una trilogía sigue jugando en contra del relato y es evidente que Jackson está luchando por 'rellenar' la historia para alcanzar a formar la nueva trilogía con un relato original que destaca por su brevedad y ligereza. Deja un sabor de boca más agradable que el primer capítulo, pero sigue sin justificar (y creo que nunca justificará) la decisión de hacerla en tres películas, y aunque no es tediosa ni aburrida (¿será porque soy fan?), creo que veinte minutos menos le hubieran caído muy bien.

en Stiller ha elegido el relato corto La Vida Secreta de Walter Mitty (The Secret Life of Walter Mitty) del estadounidense James Thurber para su nuevo trabajo tras las cámaras. Con algunos cambios significativos respecto a la anécdota publicada originalmente en 1942, la película sigue al Walter Mitty (interpretado por el mismo Stiller) del título, un extremadamente tímido empleado del departamento de retoque fotográfico de la revista 'Life', que se ha enamorado de su compañera de trabajo Cheryl Melhof (la divertida Kristen Wiig), y es cuando la revista impresa ve sus días contados para dar paso su versión enteramente digital, que Walter debe sumergirse en una verdadera aventura para encontrar un negativo fotográfico perdido que es imprescindible para la última edición impresa de la revista, pues se trata de la fotografía que tendrá la publicación como portada. La Increíble vida de Walter Mitty es una divertida y emotiva fábula surrealista sobre disfrutar nuestra vida al momento y al máximo; es una cinta que muestra a

un Ben Stiller alejado de sus bromistas personajes y él demuestra que puede manejar eficazmente niveles emocionalmente muy valiosos a través de momentos introspectivos combinados con humor. Además de la bien librada combinación de géneros con situaciones dramáticas, cómicas y musicales (como la que involucra a Space Oddity del gran David Bowie pero interpretada parcialmente por Kristen Wiig), de su guión también cabe destacar la muy buena adaptación y contextualización del relato original, colocando la historia en el universo editorial de una de las revistas más importantes a nivel mundial como lo es 'Life', y cómo nos muestra que el avance de la tecnología en los medios de comunicación no siempre resulta benéfico para el público, solamente para los empresarios que quieren ver incrementadas sus ganancias a través de un mayor alcance de "consumidores de contenido" y ya no de "verdaderos lectores". Sin duda alguna, esta nueva apuesta de Ben Stiller tras las cámaras es la feel 37

good movie del año; podrá distar mucho de ser perfecta y bien podría considerarse como una oportunidad perdida para hacer una exploración a la vida de una manera más metafórica y/o metafísica (aunque lo intenta), pero debemos recordar que el director es Ben Stiller y no Terrence Malick. Así las cosas, La Increíble Vida de Walter Mitty queda como una evidencia definitiva del talento y potencial de Stiller a la hora de abordar otro tipo de historias a las que nos tiene acostumbrados; es un filme completamente disfrutable con una fotografía preciosista y un soundtrack lleno de energía esperanzadora e ideal para estas épocas de comienzos de año, pues muy probablemente animará a muchos a despertar de su letargo y comenzar, por fin, a vivir.

Creo que debería empezar por El Hobbit: La Desolación de Smaug. Excelente continuación de la primera parte de El Hobbit en la que vemos una historia muy bien acoplada y equilibrada en acción, fotografía y efectos especiales, dejándonos impacientes por ver el cierre de la trilogía. En segundo lugar podría decir que me quedo con Gravity. Quizá porque el director es mexicano y salga uno de mis actores favoritos: George Clooney. Además de los muy buenos efectos especiales y que en 3D es espectacular.

Otra que me agrado mucho fue Capitán Phillips, en la que otro de mis actores favoritos participa, Tom Hanks, y un excelente director, Paul Greengrass, es el encargado de llevarla a la pantalla. Una película basada en una historia verdadera, muy bien llevada. También para ponerla en cuarto lugar me quedo con otra historia, supuestamente basada en hechos reales, me refiero a El Conjuro, excelente película de terror que en varias ocasiones me hizo soltar uno que otro brinco y unas cuantas maldiciones. En quinto, y no menos importante, me quedo con Mi villano Favorito 2, excelente película que los minions se la llevan completita. Muy divertida y una excelente animación.

En el lugar número tres pondría a Titanes del Pacífico. Otro mexicano a la cabeza y una super historia. Mucha acción, muchos robots, muchos monstruos, excelente fotografía, increíbles efectos especiales. 40

¿Qué son más importantes... los lazos sanguíneos o los creados por la convivencia diaria? Esa es la premisa de este filme que lleva una perfecta dosis de drama con puntadas de humor que logran una película intensa sin ser deprimente. Tocando el tema de la migración, La Jaula de Oro logra recrear todas las vicisitudes que tres chicos guatemaltecos pasaran para cumplir el sueño americano. Para la realización de la película fue necesario realizar un importante trabajo documental, cuestión fundamental para que la película refleje la denigrante realidad de los migrantes en nuestro país.

Una historia cruda, que retrata la vida de unos adultos insatisfechos y de unos jóvenes de preparatoria en decadencia, con la incomprensión del mundo en el que les tocó vivir y la falta de atención de los padres, razones que pueden llevar al suicidio como su única salida, insatisfechos por su contexto social, pero demostrando que no podemos ser indiferentes con los problemas que aquejan en nuestro entorno. Sin duda reflexiva de principio a fin.

Es una historia llena de simbolismos y fantasía combinada con la realidad de una niña, la cual está preparando su padre para enfrentar los peligros de la vida sin él, donde la niña rebasa al padre, pues ella entiende perfectamente el sentir y la dirección en que él la está llevando. En los años 70, un chico con síndrome de down se encuentra solo y sin protección, pero es ayudado por una pareja homosexual, llega a ser tanto el cariño por el chico que deciden adoptarlo, él es feliz, ellos son felices, pero la sociedad no, razón suficiente para cambiar el rumbo de esta historia.

La más reciente cinta del infravalorado Steve McQueen demuestra una realidad pocas veces vista acerca de la esclavitud. Majestuosidad de principio a fin, ayudada en gran parte por sus excelentes interpretaciones, destacando a Chiwetel Ejiofor y Michael Fassbender.

El thriller no había sido tan bien explotado como se hace en esta cinta, una historia que se escucha cada vez más seguido, pero con el toque adecuado de suspenso y drama familiar la película se torna en un clásico instantáneo.

Cinta danesa que explota un tema poco visto en el cine, aunque sea de la manera errónea, el acoso sexual hacía los niños. Una cinta con carácter y que posee una brillante actuación principal, una gran fotografía y digna de ser de las mejores.

Dirigida por Sorrentino, nos trae una historia bizarra y surrealista, pero al mismo tiempo sencilla y común acerca de la vida y el cómo cada ser está en busca de 'algo' que marque su vida, ese algo puede ser lo más bello que podamos conocer, que tal vez esté más cerca de lo que nos damos cuenta.

El estrafalario David O.Russell repite la fórmula de Silver Linings Playbook ahora con un descabellado thriller político. Entretenida, fluida, vivaz, divertida y llena de suspenso por los giros que tiene, es sin duda la mejor del director. Un gran acierto el reunir al cuarteto de actores estelares. 42

Guillermo del Toro casi nunca decepciona; las únicas veces que nos ha dejado con agridulce sabor fue cuando hizo cintas por encargo como Blade II, pero eso le sirvió para obtener el suficiente poder en Hollywood como para hacer las películas que él quiere hacer y no las que le piden que haga. Con Titanes del Pacífico el mexicano logró crear una de las historias veraniegas más redondas y donde la emocionante anécdota sobre gigantescos robots defienden a la Tierra de mastodónticas bestias interplanetarias funcionó como mero pretexto para hablar de nuestra bestial naturaleza humana y nuestro tenaz instinto de supervivencia. ¡Eres grande Guillermo... Grande!

J.J. Abrams vuelve a demostrar el porqué es considerado uno de los mejores directores del cine de entretenimiento de la actualidad ¿O por qué creen que lo llamaron para la saga Star Wars?. Con esta secuela el director nos mantuvo en la fila de la butaca con una gran y emocionante historia, unos sorprendentes efectos especiales, los personajes continuaron entrañables y la presentación de uno de los más queridos villanos de la franquicia fue simplemente soberbia. ¡Aplausos!

Lo mejor de esta película de Richard Curtis es la manera tan certera (y por ende efectiva) de poder utilizar el género de comedia romántica con ciertos toques de sci-fi. El único pero que le pongo a la película es su insolencia al atreverse a revelar la manera en que los 'viajeros' atravesamos el tiempo y el espacio a voluntad. Sí, así es como viajamos en el tiempo, aunque no necesariamente tenemos que encerrarnos en un clóset (esa puntada estuvo buena por parte de Curtis).

Peter Jackson ha demostrado una vez más su gran capacidad como narrador del género fantástico. Con la segunda parte de la trilogía precuela a LOTR, el realizador vuelve a maravillarnos durante tres horas y construye un sólido puente entre Un Viaje Inesperado y De Ida y Vuelta, la última parte por la cual ya estamos salivando.

Francis Lawrence logró lo que pocas se veces se logra: que la segunda parte sea mejor que la primera... ¡Y por mucho! Los Juegos del Hambre: En Llamas tiene una historia sólida, muy emocionante y mucho más inteligente que la de otras sagas juveniles (entiéndase Crepúsculo); en ella, hay crecimiento y desarrollo de los personajes, y por si fuera poco, este segundo capítulo no se siente sólo como 'acontecimientos que pasan entre la primera y la tercera película', sino que estos sucesos realmente son necesarios y tendrán gran repercusión en las dos últimas partes. En Llamas, sin duda, fue la sorpresa del año.

BALANCE2013 Las favoritas (y no tanto) de la redacción.

Una excelente manera de abordar la naturaleza humana y preguntarnos qué es eso que nos hace hombres o mujeres (independientemente del sexo biológico con el que hayamos nacido)

Una gran cinta sobre las relaciones interpersonales en la época moderna. Honesta hasta la médula, mayor sinceridad en una cinta sobre parejas con casi diez años de matrimonio es imposible.

Una retorcida historia sobre la familia y que demuestra que, para bien o para mal, la sangre siempre llama.

Valiente propuesta española que apuesta por el lenguaje silente y el blanco y negro en su puesta en escena, para demostrar que la originalidad existe aún en las nuevas versiones de grandes clásicos.

Un entrañable relato sobre la adolescencia, el primer amor y nuestro primer corazón roto; me hizo querer tener diez años menos. 44

BALANCE2013 Las favoritas (y no tanto) de la redacción.

A pesar de contar con un guión deficiente en cuanto a la historia y el desarrollo de los personajes (defecto que se evidencia sobre todo en la parte donde el personaje de Sandra Bullock habla de su fallecida hija), Gravedad es una clase magistral de cómo hacer Cine y saber sortear los detalles de un guión flojo. La cinta es una montaña rusa de emociones que atrapa al espectador desde el minuto uno y no lo suelta hasta que los créditos comienzan a correr, además es una de las mayores hazañas técnicas de las que se tenga memoria en la historia del celuloide, técnicamente es perfecta. Lo realmente importante de esta película es la manera tan honesta de acercarse a la historia de un primer amor lésbico adolescente: sin morbo, sin juicios, sin pena. Es una maravillosa historia de amor y de autodescubrimiento no sólo en el terreno sexual, sino también en el emocional. Además, de esto, está magistralmente realizada, desde el contundente guión que transforma una historia ordinaria en una íntima epopeya, hasta las arrolladoras interpretaciones de las dos protagonistas, pasando también por el constante uso de close ups para brindar un retrato intimista de la pareja.

Quentin Tarantino atacó nuevamente y nos ofreció una cruel mirada a la época de la esclavitud en lo profundo de los Estados Unidos. Su visión fue mucho más certera y contundente que la de su colega Steven Spielberg, quien con su Lincoln evitó el tema escabroso de la esclavitud y se dedicó a santificar a la figura del gran libertador gringo en una cinta que pareció una adaptación cinematográfica de una monografía de la vida del presidente más querido en nuestro vecino país del Norte. Un extraordinario guión original (hasta un Oscar se llevó) plagado de diálogos tan pulidos y filosos como una katana de Hattori Hanzo y unas soberbias actuaciones de todo el elenco (destacando el maravilloso Christoph Waltz -que también se llevó su Oscar- y Leonardo DiCaprio) la convierten en una de las mejores propuestas del cine gringo que nos llegó muy a principios de 2013. La historia de Fernando García 'Pinolito', un gran ídolo infantil (actor e imitador) ahora olvidado tras su radical cambio de género (llamado ahora Coral Bonelli), es relatada de manera paralela a la historia de su madre (también actriz) Doña Lilia Ortega. Quebranto es memoria y testimonio nostálgico de una vida llena de penurias, pero a la vez con muchas alegrías. Es también un canto a la plenitud asumiendo con gran temple su integridad genérica, a la seguridad de haber hecho lo correcto para no seguirse traicionando a sí mismo, y sobre todo, sin arrepentimientos. ¡La Mejor Película Mexicana del 2013 sin duda alguna! 46

Una cinta portuguesa que demostró que no se necesitan grandes despliegues técnicos y tecnológicos para hacer una cinta innovadora, pues siendo una película en blanco y negro y parcialmente muda, es más propositiva que el 95% de la producción mundial. Una conmovedora historia de amor imposible es relatada en dos actos en los que los movimientos de cámara, los encuadres, la iluminación, las actuaciones y la ausencia de diálogos en gran parte del filme, expusieron claramente que el cine tradicional aún no ha sido del todo explorado, teniendo aún mucho que ofrecernos y con qué sorprendernos.

Se perfilaba como una película mala, pero jamás imaginé que a tal nivel. Muy buen 3D, pero esta película ni para entretenimiento sirve. Bien actuada pero pretenciosa con diálogos y situaciones inverosímiles.

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a filmografía del genio Martin Scorsese podríamos dividirla principalmente en dos vertientes temáticas: la primera, la que retrata de una manera insuperable esos obscuros y muy secretos episodios en la historia estadounidense, como en Pandillas de Nueva York, por poner un claro ejemplo; y la segunda, la que pone bajo la lupa a personajes tan polémicos e icónicos como boxeadores violentos tanto dentro como fuera del cuadrilátero, mafiosos, asesinos y psicópatas, como en Toro Salvaje, Taxi Driver, Buenos Muchachos, entre otras, o inclusive a los ilustres Dalai Lama y Jesucristo, como lo hizo en Kundun y La Última Tentación de Cristo, respectivamente; pero lo que caracteriza el retrato particular de estos personajes bajo la perspectiva del neoyorquino, es que los despoja de su condición mítica o legendaria, y por el contrario, encamina todos sus esfuerzos a relatar historias de hombres comunes ante situaciones muy poco (o nada) ordinarias. Y es precisamente en esta vertiente donde podemos ubicar su más reciente propuesta, El Lobo de Wall Street, ya que aquí, el incansable Marty, quien también se ha destacado como gran promotor de la restauración de grandes clásicos del celuloide (y no sólo del estadounidense), pone bajo la lupa a la controvertida figura de Jordan Belfort, un corredor de bolsa envuelto en escándalos criminales que luego se convirtió en un famoso orador. Con esta cinta, basada en la novela homónima y autobiográfica escrita por el mismo Jordan Belfort (quien por cierto, tiene un cameo en una escena al final del filme) y adaptada a la gran pantalla por Terrence Winter, Scorsese vuelve a poner el bajo la mira el excesivo estilo de vida estadounidense a través de esta muy particular historia: el ascenso de Belfort como exitoso corredor de bolsa en su propia compañía de compra y venta de acciones (Stratton Oakmont), su gran vida como millonario (que incluían obviamente yates, aviones, helicópteros, drogas, mujeres y orgías al por ma-

yor) a la edad de 31 años, hasta su caída como delincuente de cuello blanco envuelto en un entorno criminal de fraude a miles de inversionistas, convenciéndolos de comprar acciones que ya estaban destinadas al fracaso); el lavado de dinero y la corrupción, fueron otras de las razones por las cuales fue arrestado por el FBI en 1998 y sentenciado a cuatro años de prisión (aunque apenas cumplió 22 meses y fue liberado) para convertirse finalmente en un afamado orador motivacional. Leonardo DiCaprio, actor fetiche del genio neoyorquino desde su primera colaboración en El Aviador del 2004 -y que casualmente se trató de otra biopic sobre una no menos controvertida figura: Howard Hughes-, es el responsable de dar vida al controvertido Belfort en El Lobo de Wall Street, y con esta mancuerna marcaron ya su quinto trabajo en conjunto. Jonah Hill, Margot Robbie, Matthew McConaughey, Kyle Chandler, Rob Reiner, Jon Favreau y Jean Dujardin, son algunos otros de los actores que también participan en este filme, que como tantos otros del también prolífico documentalista, seguramente brillará por la honestidad de su discurso para hablar, entre otras cosas, del corrupto sistema estadounidense, de esa podrida montaña rusa de excesos y ambiciones capitalistas tan propias del american way of life, esos temas tan escabrosos que le incomodan tanto a la Academia, y por los cuales, omitieron muchas veces al director a la hora de concederle nominaciones por sus obras (¿pensaron en Taxi Driver y su valiente discurso sobre los jóvenes enviados como carne de cañón a las guerras, así como sus descarnadas consecuencias psicológicas y de cómo en los premios Oscar de 1975 fue ninguneada? Sí, yo también estaba pensando en ella). Así pues, seguramente estaremos ante otra irónica y ácida crítica política del buen Marty, y que cabe señalar que cuenta con el trabajo de fotografía del mexicano Rodrigo Prieto; una historia sobre el insaciable deseo de riqueza y la ambición que ha llegado a niveles inimaginables.

loria está en la recta final de su quinta década de vida; divorciada y sin mucho contacto con sus hijos, tras sus actividades en su trabajo busca llenar un vacío (y un poquito de amor) a través de fiestas para adultos solteros, donde comúnmente se pierde en aventuras casuales sin sentido, las cuales momentáneamente, le brindan un poquito de felicidad. Esto cambia cuando conoce a Rodolfo, un hombre con algunos años más que ella, y con el que comienza una agradable e íntima relación, pero que se ve trastocada por el reciente divorcio de Rodolfo y de una enfermiza relación de codependencia que aún mantiene el sexagenario con su ex esposa y sus muy peculiares hijas. Con Gloria, el director Sebastián Lelio ofrece un audaz relato sobre la soltería durante la madurez femenina, sustentado por un maravilloso guión (escrito por el mismo Lelio junto a Gonzalo Maza) repleto de diálogos con gran honestidad y frescura, y con imágenes llenas de arrojo y valentía que dibujan una historia desbordante de humanidad sobre la vida de una mujer mayor en busca de su plenitud; todo ello complementado con una selecta banda sonora con grandes éxitos del ayer de grandes exponentes mu-

sicales latinoamericanos como Miriam Hernández, Paloma San Basilio, Massiel, y por supuesto Umberto Tozzi. Pero sin duda alguna, el gran soporte de la película, y su mayor acierto, sea el sublime trabajo ofrecido por la gran actriz Paulina García (un papel pensado y escrito ex profeso para ella, según ha revelado el director), en lo que representa su primer protagónico; la actriz se entrega completamente en pantalla para dar vida a Gloria, en un trabajo actoral que no ofrece condescendencias de ningún tipo, demostrando con ello el porqué se vio reconocida con el premio Oso de Plata a la Mejor Actriz en la pasada edición del Festival de Cine de Berlín. Gloria es una tragicomedia arrolladora sumamente emocional que no cae en sentimentalismos baratos, su enorme empatía con el público (los cálidos aplausos al final de la función fueron prueba de ello) es gracias a su honestidad y a que apela a una claridad y transparencia en su discurso que busca plasmar una de las etapas más difíciles de la naturaleza femenina, con un tratado fílmico sobresaliente y de gran respeto, en el que destaca esa magistral y exquisita secuencia final. ¡Gloriosa!

a nueva película del sobresaliente realizador Wong Kar Wai ha sido incansablemente promocionada como una biopic sobre Ip Man, el famoso maestro del legendario Bruce Lee, pero en realidad es una cinta que primordialmente se enfoca en otros tantos aspectos, antes que adentrarse en la vida del mítico personaje, y lo utiliza como un mero vehículo para hablar de una era en la historia de China. La historia de The Grandmaster transcurre en Foshan, al norte de la políticamente agitada China de la década de los '30s, donde el retiro del gran maestro Gong Baosen (Wang Qingxiang) es inminente, y tras el reto lanzado por el mismo Baosen a Ma San (Zhang Jin), éste termina por convertirse en sucesor. Ahí llega también Gong Er (Ziyi Zhang), hija de Gong Baosen y exclusiva heredera de la letal técnica de las '64 manos' (dentro del estilo conocido como 'Bagua'), encontrándose con Ip Man (apasionado por el estilo 'Wing Chun' encarnado por el actor fetiche del realizador, Tony Leung) y con el único y claro objetivo de rescatar el honor de las artes marciales. Wong Kar Wai nos ofrece un relato épico/histórico sobre el honor y la venganza en la China convulsionada, y dando mayor peso al personaje de Gong Er y en segundo lugar a Ip Man, pero dotando de una gran fuerza a la relación entre ellos, una relación que, por impedimentos éticos (él está casado) o por soberbia (ella es demasiado orgullosa para admitir su atracción), jamás llega a con-

sumarse, y nuevamente ofreciéndonos con ello una historia de amor imposible al más puro estilo de Deseando Amar o Happy Together donde los rechazos, las pérdidas y los romanticismos frustrados son una constante, añadiendo aquí también la importancia del arrepentimiento: "Imagina lo aburrida que sería la vida si no nos arrepintiéramos de nada", señala Gong Er casi al final del filme. No obstante la interesante propuesta del director por ofrecer un retablo de una específica era en la historia de China, la cinta no termina por convencer completamente en cuanto a su historia, pues carece de la profundidad tan característica de los filmes del realizador chino; el superficial relato se ve opacado por la inmaculada puesta en escena, desde las peleas perfectamente coreografiadas por Yuen Wo Ping (coreógrafo también de las secuencias de acción en The Matrix y Kill Bill, entre otras), hasta el soberbio trabajo de fotografía de Philipe Le Sourd, bajo la cual destaca aún más el cuidadísimo trabajo de dirección artística a cargo de William Chang Suk Ping y Alfred Yau Wai Ming. The Grandmaster es un ejercicio fílmico técnicamente impecable con el estilo reconocible de su artífice, aunque esta vez se ha alejado de su cine contemplativo para compartirnos una interesante experiencia de gran precisión visual y con poderosa fuerza expresiva; una película poderosamente formal pero un tanto raquítica en su fondo, ampliamente recomendable aún así.

l nuevo trabajo del director bicéfalo (es decir, los hermanos Coen) se establece en la incipiente década de los años sesenta, para realizar una aproximación a la escena musical en Greenwich Village a través de la historia de un joven cantante de folk, el Llewyn Davis del título, quien lucha por ganarse la vida como músico, haciendo frente a varios obstáculos que la vida le presenta o que el mismo se crea. El talentoso (aunque poco afortunado) cantautor sobrevive gracias a sus amigos más cercanos o a los trabajos musicales que ofrece a personajes que le son casi desconocidos (¿a quién conocemos verdaderamente en este mundo?); sus andares lo llevan (con compañía felina incluida) a recorrer distintos estados de la unión americana buscando, en clubes y cafés, esa 'oportunidad dorada', incluso llegando a tener la oportunidad de audicionar para Bud Grossman (F. Murray Abraham), uno de los grandes dentro de la industria musical. A través del complejísimo personaje central (a veces es difícil generar empatía hacia él), interpretado extraordinariamente por Oscar Isaac, y del relato cíclico escrito por ellos mismos, los Coen vuelven a ofrecer un tratado sobre la

condición humana, sólo que aquí lo hacen con una melancolía y elegancia brutales. El intimismo de la historia, la extraordinaria ambientación y manejo de atmósferas, la deliciosa música, así como las interpretaciones del elenco (sobresaliendo Carey Mulligan y Garret Hedlund en breves participaciones) la hacen una cinta verdaderamente sobresaliente; un filme con los clásicos elementos del cine artístico de los Coen (humor negro, salvaje ironía, corrosiva crítica social) pero llena de gran sensibilidad y con un gran corazón, como pocas veces visto en el cine de estos originarios de Minnesota. Inside Llewyn Davis por momentos es cruel y llega a ser hilarante poco después (si no, no sería de los Coen), pero no se le puede reprochar el hecho de siempre ser profunda y honesta; es una propuesta auténtica, intensa y emocionante sobre esos personajes que, aunque lo intentan, sólo pueden quedarse en el mismo lugar y ver como los demás se mueven, emigran, mejoran, etc.; sobre esos 'perdedores' que no logran 'hacerla en grande' y que casi no tienen nada ni a nadie, aunque eso no los hace menos grandes a ellos.

l nombre del realizador David O. Russell comenzó a sonar muy fuerte hace tres años cuando su tercera película El Peleador (The Fighter; 2010) hizo bastante ruido en los circuitos de premios, incluyendo varias nominaciones a los premios de la Academia y llevándose a casa los galardones correspondientes a Mejor Actor de Reparto para un soberbio -y muy delgadoChristian Bale y Mejor Actriz de Reparto para la sensacional Melissa Leo. El año pasado, O. Russell nos ofreció su nueva película y repitió la hazaña de colarse entre los nominados al Oscar en diversas categorías, alzándose con el premio a Mejor Actriz para la deslumbrante Jennifer Lawrence por su desempeño en Los Juegos del Destino (Silver Linings Playbook; 2012), una feel good movie que, al igual que en su cinta previa, aborda sin artificios o sentimentalismos la vida de la clase media estadounidense, sólo que cambia el ambiente del drama pugilístico de El Peleador, por el de las comedias románticas con temas como las enfermedades y trastornos mentales de dos deschavetados que se encuentran para complementarse el uno al otro. En la anécdota de su nueva propuesta, el director neoyorquino cambia su tono para compartirnos una historia inspirada muy levemente (como bien lo señala su advertencia al inicio de la cinta: "Algo de esto realmente pasó") en el caso Abscam, una investigación del FBI durante los últimos años de la década de los años 70 y comienzos de los 80s, que terminó con un gran escándalo sobre corrupción federal. Para llevar a la pantalla grande esta polémica historia, O. Russell se ha rodeado principalmente de actores con los que ya ha participado en sus dos trabajos anteriores: los ya mencionados Christian Bale, Bradley Cooper, Amy Adams y Jennifer Lawrence. En la película, Irving Rosenfeld, personaje inspirado en el estafador Mel Weinberg de Long Island y que es encarnado por un barrigón y alopésico Christian Bale, es un habilidoso estafador que es atrapado en una de sus timos y convencido por el agente Richie DiMaso (Bradley Cooper) para que colabore con la como informante para el FBI. Irving está

casado con Rosalyn (Jennifer Lawrence), pero mantiene un no tan secreto affair con Sydney Prosser (Amy Adams) quien le ayuda a realizar los desfalcos, por lo que a la trama de las tretas económicas se suma también la de los enredos amorosos de este peculiar cuarteto, al cual se une en esta ocasión, el no menos talentoso Jeremy Renner, quien trabaja por primera vez bajo las ordenes de O. Russell y completa el envidiable reparto dando vida a Carmine Polito, un político idealista que desafortunadamente se encontrará en el momento y lugar equivocados. Escándalo Americano cuenta con un sorprendente diseño de arte y es técnicamente deslumbrante, pues es evidente que desde la música, encuadres, vestuario, escenografías, ambientaciones de locaciones, y otros muchos aspectos, se han cuidado minuciosamente y son verdaderamente fantásticos (especial atención al vestuario glamoroso setentero y la vibrante banda sonora). Es un drama criminal dirigido con gran maestría y al cual también se le han añadido ciertos toques de comedia, encargándose de aligerar la trama pero no de hacerla menos seria, de hecho, hay ciertos momentos que nos recuerdan al cine criminal de Scorsese (y no únicamente lo estoy diciendo por la breve aparición de Robert De Niro como un importante mafioso). Los personajes están perfectamente trazados y construidos de una manera muy humana, con múltiples defectos y no pocas contradicciones, enfrentándose así a diversos cuestionamientos ya no morales sino éticos al tratar de sobrevivir a su propia idea del 'American Dream'; de sus intérpretes sólo podemos elogiarlos ya que todos están sensacionales, aunque sobresalen Bale, Adams y Lawrence. El nuevo trabajo de O. Russell tiene una gran historia que es magníficamente confeccionada desde el guión y sostenida por grandes actuaciones, y si es que llega a colocarse entre las más nominadas a los premios de la Academia este año, no sería sorpresa, pues por su calidad en esos apartados, Escándalo Americano merece ser considerada como de lo mejor del cine hollywoodense del año pasado.

l amor nos convierte en uno, yo en ti, tú en mi. Iré a donde vayas”, es la frase que resume perfectamente el tema de la nueva película del cineasta estadounidense Terrence Malick. Es la historia de una pareja profundamente enamorada, un amor lleno de pasión y afecto que crece, pero que inevitablemente comienza a morir una vez que se descubren instalados en una vida que no esperaban y que no quieren. Marina, mujer parisina con un hija de unos diez años se enamora de Neil, un hombre estadounidense, se conocen en París y después de un tiempo deciden mudarse a Oklahoma en Estados Unidos. Un nuevo hogar, un nuevo mundo, una nueva vida para las dos mujeres francesas. El proceso de adaptación es lo que deteriora y desequilibra emocionalmente a Marina. El amor y la locura comienzan a acercarse en la vida de la pareja. Neil encontrará a alguien más, otra mujer. Una prueba de que el amor puede estar en dos personas al mismo tiempo, descubrir a dos seres humanos y amarlos. Sin embargo ellas no podrán entender a Neil, y entonces los desencuentros comienzan a surgir. La aparición de un sacerdote español funge como el guía para entender las vicisitudes del amor. Un cinta con pocos diálogos, lo que prevalece es la voz en off del pensamiento de cada uno de los personajes

principales, más que un diálogo son estrofas poéticas que acompañan y dirigen la historia al mismo tiempo que se ejemplifican, contrastan y confluyen junto con las brillantes imágenes del filme. Una fotografía perfecta, metafórica y con una excelente composición hacen de la película una poesía visual, narrativa y sobre todo sensorial. Para algunos podría ser un exceso, un alargamiento de la cinta, pero más bien se trata de disfrutar los elementos artísticos y técnicos que posee To The Wonder: Deberás Amar. No hay que comparar la película anterior de Malick, The Tree of Life, con este nuevo material, la forma de contarlas es muy similar, pero las historias son diferentes. La metáfora visual prevalece, y el talento del cinefotógrafo mexicano Emmanuel Lubezki vuelve a impactar la mirada del espectador, sin duda. Las actuaciones de Ben Affleck, Olga Kurylenko, Rachel McAdams y Javier Bardem fluyen al compas de las imágenes, de los pensamientos y de la historia misma, momentos cumbre son resueltos con silencios y una banda sonora melancólica muy potente; el trabajo de Hanan Townshend es espléndido. La crítica internacional no ha tratado muy bien a la película, sin embargo enamorará a más de a uno porque el tema que aborda es el más universal que puede haber, o eso pienso yo, en la vida del 70

l aclamado realizador brasileño Fernando Meirelles (responsable de El Jardinero Fiel y Ciudad de Dios) presentó en 2011 una historia de varias vidas interrelacionadas entre sí en 360, un filme adaptado libremente de La Ronda, del escritor austriaco Arthur Schnitzler. La historia comienza con una chica eslovaca (interpretada por Lucia Siposová) que se inicia en el mundo de la prostitución selecta en Viena a pesar de los reproches de su hermana Anna (Gabriela Marcinkova). Blanka, como se hace llamar la incipiente sexoservidora, es el punto de partida para los encuentros y desencuentros de los no pocos personajes del relato, entre quienes encontramos a su primera 'cita', un ejecutivo londinense llamado Michael Daly (Jude Law) que se encuentra en la ciudad en un viaje de negocios, mientras que su esposa Rose (interpretada por Rachel Weisz) se ha quedado en Londres para cuidar de su pequeña hija y para atender el secreto amorío que mantiene con Rui (Juliano Cazarré), un fotógrafo de 25

años que es abandonado por su novia Laura (Maria Flor) al descubrir que le es infiel. La joven despechada decide regresar nuevamente a su natal Rio de Janeiro, y en el vuelo hacia América conoce a John (Anthony Hopkins), un hombre que viaja a los Estados Unidos para reconocer el cuerpo de una joven que podría ser su hija desaparecida hace ya varios años. En el aeropuerto, Laura también conoce a Tyler (Ben Foster), un hombre recién liberado de prisión tras haber cumplido sentencia por crímenes de abuso sexual y que lucha por no volver a ceder ante sus vicios y reintegrarse a la sociedad una vez readaptado gracias a la terapia de varios años. Por otra parte, en el aeropuerto también conocemos a Valentina (Dinara Drukarova), una mujer de origen ruso que se ha enamorado de su jefe (Jamel Debbouze) y que ha tomado la decisión de dejar a su marido, Sergei (Vladimir Vdovichenkov), un chofer y guardaespaldas de un cínico mafioso (encarnado por Mark Ivanir) amante de las prostitutas de categoría en la ciudad de Viena; y así es como 72

un día lluvioso, mientras Sergei espera a su jefe y Anna a su hermana, ambos se conocen y deciden tomar esas bifurcaciones que aparecen cotidianamente en nuestras vidas y que la mayoría de las veces optamos por ignorarlas. 360 es un relato eficazmente hilvanado (acierto del guionista Peter Morgan al adaptar la historia original de Schnitzler) sobre el amor, la pérdida y el poder del destino; si bien es cierto que por momentos recuerda a Amores Perros o a Babel (de la mancuerna Iñárritu-Arriaga) la cinta de Meirelles está rodada de una manera más limpia, sin sordidez y sin tanta parafernalia, además es interpretada sin aspavientos por los actores que ofrecen un trabajo contenido pero de manera determinante para sus roles. No se trata de uno de los mejores trabajos del realizador brasileño y posiblemente le falta garra y fuerza, atreverse un poco más, pero ya que no tuvo corrida comercial en México, vale la pena darle una revisada y rescatarla de los anaqueles de los videoclubes.

os motivos me llevan a escribir estas líneas: el primero, es que la fría temporada invernal resulta el marco perfecto para recomendar esta historia de vampiros llamada 30 Days of Night; el segundo es que está siendo reeditada en México por Bruguera Comic Books y es la oportunidad perfecta para aproximarse a esta gran serie impresa que ya tuvo su (buena) versión en cine en 2007 bajo la producción de Sam Raimi y la dirección de David Slade. 30 Days of Night, publicada originalmente en 2001, transcurre en la comunidad ubicada más al norte de toda América: Barrow, Alaska; por su proximidad al círculo polar ártico, la población no ve desaparecer el Sol en varios meses (del 10 de mayo al 2 de agosto) y se sumerge en la total oscuridad durante un mes entero (del 18 de noviembre al 17 de diciembre). Y es precisamente esta oscura temporada la que propicia el entorno idóneo para que un clan vampírico se apodere del lugar sin que nada pueda detenerlos. Y es preciso que me detenga aquí, pues no es conveniente revelar más detalles de la estupenda trama escrita por Steve Niles, quien por varios años trató de llevar a cabo el proyecto como una película, pero ante el rechazo de los estudios, decidió realizarlo a manera de comic (si les interesa conocer más de él, también pueden consultar entonces Criminal Macabre y Freaks of the Heartland); sólo queda recalcar el gran trabajo del ilustrador australiano Ben Templesmith y su enorme talento para crear visualmente unas estupendas atmósferas sombrías, agresivas, delirantes y desoladoras donde la nieve se tiñe de sangre. 73

LOOKING (Estreno) | Domingo 19 | 11:30pm | HBO

a hace tiempo que en la televisión no tenemos propuestas netamente gays que aborden el mundo homosexual de manera seria y comprometida (que no solemne) y no como un sketch de media hora como The New Normal; atrás ya quedaron los tiempos de Queer as Folk (la británica, no la mafufada americana) y The L Word, por lo que resulta inmensamente reconfortante el que se vaya a estrenar una nueva serie queer. Inspirada en su propio cortometraje, Lorimer, el creador Michael Lannan nos lleva de la mano para conocer la vida de tres amigos gays en San Francisco, una de las capitales del mundo gay en los Es-

tados Unidos, y sus avatares particulares, desde lo difícil que es para uno de ellos mantener la fidelidad, hasta las crisis de mediana edad, pasando por esos tragos amargos que suponen las noticias como que tu ex novio contraerá nupcias. Looking promete ser un fiel retrato de las relaciones humanas homosexuales en esta etapa del relativamente nuevo milenio, y por los avances, podemos esperar un humor punzante y ácido, ese que tanto caracteriza a nuestra comunidad, pero con una carga sumamente emotiva porque también somos humanos, ¿saben? 74

TRUE DETECTIVE (Estreno) | Domingo 12 | 10:00pm | HBO

s muy común que las personalidades de la televisión emigren a la gran pantalla para probar suerte, pero es muy raro ver que grandes estrellas del celuloide pasen a formar parte de un proyecto para la televisión. Es por eso que el hecho de que dos grandes estrellas del cine como Woody Harrelson y Matthew McConaughey protagonicen un serial televisivo es verdaderamente atractivo, pues eso habla de que estaremos ante una propuesta de calidad argumental.

La trama gira en torno a un par de detectives (Cohle y Hart) en Luisiana, Estados Unidos, que se ven perseguidos por los fantasmas del pasado cuando tienen que trabajar nuevamente en un caso de un feroz asesino en serie que investigaron durante los años 90. True Detective es dirigida por Cary Fukunaga, responsable de Sin Nombre y Jane Eyre, y sin duda alguna será una de las propuestas más interesantes de este año en cuanto a seriales televisivos se refiere. 75