CELULOIDE DIGITAL - ESPECIAL FICM11 by Celuloide Digital

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osé Luis Valle, realizador de origen salvadoreño, escribe, produce y dirige Workers, una cinta que surge de una conversación con su padre donde éste le dijo: "Yo ya no puedo hacer planes a largo plazo". Partiendo de esta simple línea, el director plantea una reflexiva historia sobre la marginación de dos trabajadores mayores que de pronto se enfrentan a un futuro incierto y a las decisiones que se ven obligados a tomar y que significan una especie de rebelión personal. Workers narra la historia de dos trabajadores víctimas de la injusticia en contra de sus derechos y su dignidad. Por un lado, tenemos la historia de Lidia (Susana Salazar), una empleada doméstica que ha trabajado toda su vida para su Patrona (interpretada por Vera Talaia), quien súbitamente muere dejando toda su herencia a su perra 'Princesa', una galgo completamente mimada y tratada, literalmente, como miembro de la realeza a la que ahora deben servir todos los empleados de la casa (desde las sirvientas hasta el chofer), ésto hasta que la mascota muera de causad naturales y los empleados puedan disponer de la herencia, como bien lo marca el testamento; por otra parte, tenemos a Rafael (un impasible Jesús Padilla), un leal empleado de una fábrica de focos (Phillips),

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que tras tres décadas de ferviente de servicio hacia la empresa -sin faltar un sólo día a trabajar y sin tomar un sólo día de vacaciones-, ve sus planes de jubilación frustrados por su situación como ilegal, por lo que debe seguir laborando en la compañía. Desde la primera escena del filme, una larga secuencia en las playas del Océano Pacífico entre la frontera México-Estados Unidos, el trabajo del cinefotógrafo César Gutiérrez nos marca el pausado ritmo que imperará a lo largo de los 123 minutos de la cinta. Workers, a través de las excelentes (y muy contenidas) interpretaciones de Susana Salazar y Jesús Padilla, es una exploración a un par de personajes grises, pusilánimes, que ajenos al conocimiento sobre sus derechos, actúan por instinto para poder sobrevivir tras largas décadas de servicio hacia personas (o compañías) de quienes jamás recibirán reciprocidad alguna. El trabajo fílmico de José Luis Valle destaca por la claridad de su discurso (no se va por las ramas, es directa); es una muestra de la situación social/laboral no sólo en la zona fronteriza de nuestro país, sino de todo México, un tratado sobre la exclusión social y sobre las personas que se mueven en la periferia de la vida.

esde hace algunos años -pero particularmente desde su décima edición en 2012-, el Festival Internacional de Cine de Morelia se ha venido consolidando como el Mejor Festival de Cine de nuestro país, pues desde su nacimiento, ha mantenido al Cine Mexicano como su apuesta fuerte en sus secciones principales en competencia (Largometraje Mexicano, Cortometraje Mexicano, Cortometraje Documental Mexicano, Largometraje Documental Mexicano y la Sección Michoacana). Además, desde que el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) decidió ampliar su categoría principal de Mexicana a Iberoamericana, el FICM se coloca como el único Festival de México con su Sección principal 100% mexicana. Ahora, en esta su décimo primera edición, el FICM afianzó su superioridad al contar con una muy fuerte sección principal en competencia, donde entre la docena de películas en competencia de su Sección Largometraje Mexicano, a ninguna podría considerársele como una 'mala película'. De entre ellas destacaron Workers de José Luis Valle (ganadora de "El Ojo", premio principal del FICM como Mejor Largometraje Mexicano); La Jaula de Oro de Diego Quemada-Díez (ganadora de tres premios: Premio del Público, Premio a Mejor Ópera Prima y Premio ‘Guerrero’ de la Prensa); Los Insólitos Peces Gato de Claudia Sainte-Luce (para la cual nosotros augurábamos el Premio del Público); González de Christian Diaz Pardo (una valiente crítica hacia el fanatismo religioso y la comercialización de la fe protagonizada contundentemente por Harold Torres y Carlos Bardem, ambos ganadores del reconocimiento a Mejor Actuación Masculina, otorgado por primera vez en el FICM) y Club Sandwich de Fernando Eimbcke (una intima aproximación a la etapa de la adolescencia desde el punto de vista de la madre soltera protagonista de la cinta, interpretada con gran capacidad por María Reneé Prudencio). Manto Acuifero de Michael Rowe; A los Ojos de Michel Franco; Somos Mari Pepa de Sauel Kishi Leopo; Las Horas Muertas de Aarón Fernández, Paraíso de Mariana Chenillo, Penumbra de Eduardo Villanueva; y La Vida Después de David Pablos, terminaron por conformar una selección de las más fuertes de las que se tenga memoria durante los años que tiene de vida el festival. www.facebook.com/celuloidedigital

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En la Sección de Largometraje Documental Mexicano, las cosas no fueron muy distintas, pues también se presentaron trabajos interesantísimos como El Cuarto Desnudo, el gran trabajo ganador de manera doble con los reconocimientos a Mejor Largometraje Documental y Mejor Documental Realizado por una Mujer, otorgados a su realizadora Nuria Ibáñez; por su parte, el multigalardonado documental Quebranto de Roberto Fiesco, se llevó el Premio ‘Guerrero’ de la Prensa otorgado al Mejor Largometraje Documental. Lejanía, Oasis y Elevador, fueron otros de los trabajos de esta sección que llamaron poderosamente nuestra atención. Pero más allá de la propuesta fílmica en competencia de primera calidad; otro de los grandes atractivos del FICM ha sido el de los estrenos internacionales de los que hacen gala durante los diez días del festival. Fue así cómo el público pudo apreciar cintas como Gravity de Alfonso Cuarón (encargada de abrir el FICM con el director presente como uno de los invitados de honor), La Vie D'Adéle: Chapitre 1&2 de Abdellatif Kechiche, Joven y Bella de Francois Ozon, Inside Llewyn Davis de los Hermanos Coen, Somos lo que Hay de Jim Mickle (remake de la cinta mexicana homónima de Jorge Michel Grau), Blue Jasmine de Woody Allen, Machete Kills (con el director Robert Rodriguez y el protagonista Danny Trejo como invitados especiales quienes ofrecieron una amena charla con los medios), The Grandmaster de Wong Kar Wai, Camille Claudel, 1915 de Bruno Dumont, Gloria de Sebastián Lelio, Ida de Pawel Pawlikowski, Go For Sisters de John Sayles y La Danza de la Realidad del gran invitado de honor Alejandro Jodorowsky, quien además de presentar su película en el FICM, ofreció una Master Class con gran concurrencia del público (ahondamos más sobre esta experiencia en la reseña de La Danza de la Realidad contenida en este número en la sección de Estrenos Internacionales). Además, como si eso pareciera poco, el FICM también se caracteriza por sus actividades alternas/paralelas, sobresaliendo este año el Homenaje a Arturo de Córdoba, con una exposición fotográfica y las proyecciones de algunos de sus filmes más emblemáticos: En la Palma de tu mano, El Pirata y la Dama, Crepúsculo, etc., y el Encuentro de Realizadores Mexicanos con la presencia de experimentados directores y jóvenes promesas: José Luis Valle, Fernando Eimbcke, Eugenio Derbez (¿!?), Michel Franco, Rita Basulto y Gaz Alazraki. Con todo este universo cinematográfico concentrado en el corazón de la capital michoacana, el Festival Internacional de Cine de Morelia, comienza una nueva década de vida con el pie derecho y se confirma como la apuesta más fuerte en cuanto a festivales mexicanos se refiere. www.facebook.com/celuloidedigital

a 11a edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) cerró su edición tras presentar diez jornadas de cine de muy alto nivel; fue una de las ediciones más fuertemente competidas, gracias a la calidad de los trabajos cinematográficos presentados. Varios factores contribuyeron a lograr un excelente festival como lo son la apertura y disposición del talento y celebridades nacionales e internacionales que hicieron muy nutridas las notas y reseñas del festival y las concurridas y desbordantes alfombras rojas que lograron que el público local participara activamente; esto se veía reflejado en el lleno total de las salas, para conseguir boletos se tenían que comprar por la mañana si deseaban asegurar su entrada. Especialmente las extensas facilidades brindadas a la prensa, la fuerte infraestructura, las hermosas e históricas sedes que difícilmente otro festival podrá igualar, ya que Morelia cuenta con un centro histórico rico en grandes edificaciones perfectamente conservadas que dan un toque de tradición y misticismo al festival. En la clausura del evento se realizó la premiación, a cargo de los actores Claudia Ramírez y Daniel Giménez Cacho; la ganadora del Premio Cinecolor en el FICG28 "Workers" de José Luis Valle, se alzó con el premio principal, el de Mejor Largometraje Mexicano. “Este es un reconocimiento que dedicó a quienes hicieron posible este trabajo, del que se muestra una Tijuana no vista”, dijo el cineasta mexicano de origen salvadoreño. La otra ganadora y la más elogiada del festival fue “La jaula de oro”, tocando el tema de la migración logra recrear las lamentables vicisitudes que tres chicos guatemaltecos pasaran para cumplir el tan deseado sueño americano. Esta fue galardonada con tres premios: el Premio a Mejor Primer o Segundo Largometraje de Ficción, el Premio del Público, así como el Premio 'Guerrero' de la Prensa. El director de “La jaula de oro”, Diego Quemada-Diez, señaló que la solución a la migración no está en poner un muro, sino en abordar las causas por las cuales la gente busca una vida mejor. Agradeció a la comunidad Tzotzil que está representada por uno de los actores (Rodolfo), además espera que esta película tenga un impacto positivo para los migrantes. Asimismo recordó las palabras que le dijo un migrante: “En ningún lugar del mundo somos ilegales". “El Cuarto Desnudo” de Nuria Ibáñez, obtuvo el Premio a Mejor Largometraje Documental. Este filme también ganó el Premio a Mejor Largometraje Documental Realizado por una Mujer. La cineasta espera que la sociedad se sensibilice con su trabajo en el cual se puede observar cómo es el ambiente en un hospital infantil. En la sección de Documental Mexicano los ganadores fueron por el Premio Klic: “Atempa: Sueños a la orilla del río”, de Edson Caballero Trujillo, presentado durante “FICM en tu casa”. El Premio 'Guerrero' de la Prensa, se lo llevo el galardonado con el Premio Especial del Jurado y Premio Maguey como Mejor Película en FICG28, Quebranto, de Roberto Fiesco, este reconocimiento es otorgado por la Red de Periodistas Cinematográficos.

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“B-boy”, de Abraham Escobedo Salas, obtuvo una Mención Especial a Cortometraje Documental. “Elevador”, de Adrián Ortiz Maciel, obtuvo una Mención Especial a Largometraje Documental. En la categoría de cortometraje los ganadores fueron: en ficción, “La banqueta” de Anaïs Pareto; en animación, “La casa triste” de Sofía Carrillo; y en documental, “Las montañas invisibles” de Ángel Linares. Estos cortometrajes son candidatos para ser nominados en los premios Oscar. Aarón Fernández por “Las horas muertas” recibió una Mención Especial, la cinta relata la historia de Sebastián, un joven que administra un motel y Miranda, una mujer mayor que él, que tiene una carencia de amor real y acude constantemente al motel esperando a su amante, así inicia su relación poco común. También por “Las horas muertas” se entrego el reconocimiento por primera vez en esta edición como Mejor Actriz a Adriana Paz. El Premio para Mejor Actor, entregado por primera ocasión en esta edición, fue para Harold Torres y Carlos Bardem por su trabajo en “González” de Christian Díaz Pardo, una cinta sobre las falsas iglesias que tanto auge tienen actualmente, sobre la devoción que llegan a crear en las personas. El Premio Klic en Largometraje Mexicano se lo llevo: “La vida después” de David Pablos, presentado durante “FICM en tu casa”; es una cinta con un tema profundo, que hurga en los lazos familiares, la herencia y la posibilidad de elegir. En la sección de Morelia Lab se otorgó una mención especial al proyecto “A la sombra de los árboles” de Gincarlo Nasi Cañas. El Premio IMCINE a desarrollo de proyecto, fue entregado a Ulises Pérez Mancilla con el proyecto “La edad del Sol”. El Premio Cinépolis a desarrollo de proyecto, para la mejor presentación de los participantes latinoamericanos fue entregado a Alejandro Tovar, de Cuba, por el proyecto “El extraordinario viaje de Celeste García”. El Premio LCI Seguros, fue para Mayra Espinosa Castro, por el proyecto argentino, Yamaha 300. El Premio Labodigital, es para el proyecto cubano “El extraordinario viaje de Celeste García” de Alejandro Tovar. Las tinieblas, de Pablo Zimbrón recibió la invitación a participar en los encuentros profesionales de marzo 2014 del Festival Cinelatino Rencontres de Toulouse. En recuento, en esta edición del FICM11 se presentaron 12 largometrajes, 23 documentales, 43 cortometrajes, así como películas de estreno internacional y de la semana de la crítica de Cannes, actividades paralelas como Encuentro de Realizadores Mexicanos 2013, que reunió a jóvenes y consagrados directores, productores y distribuidores que durante cinco jornadas debatieron sus puntos de vista sobre la actualidad y el futuro del cine mexicano. Además, de contar con figuras internacionales visitaron el festival como Alejandro Jodorowsky, Robert Rodríguez, Danny Trejo, Quentin Tarantino, Bruno Dumont, Alfonso Cuarón, Kimberly Peirce, Paz Vega, John Sayles, Edward James Olmos, María Valverde, Carlos Bardem además de actores y directores mexicanos como son Diana Bracho, Giovanna Zacarías, Arcelia Ramírez, Maria Renee Prudencio, Lisa Owen, Mariana Chenillo, José María de Tavira, Diego Luna, Amat Escalante, Gaz Alazraki, Eugenio Derbez, Fernando Eimbcke, Michel y Victoria Franco, Diego Quemada-Diez entre muchos otros. Por todo esto el FICM se consolida como el mejor festival de México y se espera que gracias a la calidad de los proyectos presentados, el cine mexicano tenga gran afluencia en salas el próximo año. www.facebook.com/celuloidedigital

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iovanna Zacarías una mujer comprometida con su carrera, con papeles sobresalientes que hace honor a las actrices mexicanas, cuando ella está en pantalla, se sabe será un papel intenso. Su trayectoria es extensa ha incursionado en el cine y televisión en proyectos tanto mexicanos como estadunidenses, entre ellos: Puerto Vallarta Squeeze con Harvey Keitel, Adan y Eva (Todavía) de Iván Ávila, Las Vueltas del Citrillo de Felipe Cazals, la miniserie Zapata junto a Demián Bichir y el largometraje La Leyenda del Zorro junto a Antonio Banderas y Catherine Zeta-Jones, la película 2000 metros sobre el nivel del mar de Marcelo Tobar, con Monica Huarte. Déficit, de Gael Garcia Bernal, con Ana Serradilla, Diego Luna y Camila Sodi. Interpreta el papel de una Diosa en la pelicula de Julián Hernández, Rabioso Sol, Rabioso Cielo, De la Infancia, con Damián Alcazar. Así, su filmografía es ya larga y productiva, pero ella va por más, es una mujer sencilla que busca su desarrollo y se prepara constantemente ama al cine mexicano y no rechazaría una oferta para representarlo. ¿En qué película estás trabajando este año? Este año filme La fórmula del Doctor Funes de Pepe Buil, es una película infantil, una comedia, soy la mamá del niño protagonista con Martin Altomaro, soy la mamá pollo. Después hice Estatuas que se presenta aquí en el festival de Roberto Fiesco que es un corto muy bello acerca de una mujer, que quiere que su hijo recite un poema enfrente del presidente municipal de donde vive para pedirle pues más apoyo, quieren una vida mejor para el lugar en donde viven. Filme la segunda película de Armando Casas como protagonista que se llama Familia Gang y es una comedia negra, como muy absurda estamos Elpidia Carillo, Rafael Inclán, Humberto Busto y yo, salgo de ladrona pero con pasado teibolero, pero un poco tontona, pero divertida. Luego estuve en Cantinflas de Sebastián del Almo hice, de la esposa de Jorge Negrete, de Gloria Marín. Luego otra participación chiquita en también, en Estrella solitaria, la opera prima de Fernando Urdipalleta. ¿Qué vienes a presentar al FMC11? Vine a presentar estatuas que es un corto de IMCINE del año pasado 2012 que dirige Roberto Fiesco es un corto muy bello, es como un homenaje a Bellisima y a estas actrices de Italianas como Anna Magnani que yo soy fanática total. De los trabajos que llevas ¿cuáles ha sido el que más te haya gustado? Pues me han gustado muchas, porque hay muchas que han sido muy padres. Por supuesto la primera película que haces siempre te marca y yo mi debut fue con Jaime Humberto Hermosillo, en Escrito en el Cuerpo de la Noche le tengo un cariño muy especial aunque no siento que mi desempeño como actriz era muy malo, no me gusta ahora que lo veo siento como que no lo hice bien, pero bueno uno va aprendiendo con los años. De un trabajo que si estoy muy orgullosa por el director y por todo el equipo por los compañero de trabajo es La infancia de Carlos Carrera es un trabajo que engloba un director ideal con un visión ideal con un fotógrafo ideal con un compañero de actuación ideal con un personaje que te permite hacer un registro muy muy amplio y es una película ideal. Esa es una de mis películas que mas me han gustado. Y otra que me agrado mi trabajo ahí también con el maestro Cazals en Las vueltas del Citrillo, pero la que engloba todo sí sería De la Infancia.

¿Ya se estrenó “De la infancia”? De la infancia de Carlos Carrera no, sólo ha estado en el Festival de Guadalajara en el año 2010 y ganó Mejor Guión, creo o Mejor Director, no recuerdo bien. ¿Cuál te ha costado más trabajo, o te pareció más complicada actoralmente? La que más trabajo me ah costado….ahorita vas a decir que presumida creo que ninguna a no si ya recuerdo. Bueno es que más bien era muy escabrosa hice Borden Run en Estados Unidos con Sharon Stone, me fui a filmar a Kansas , era un papel muy obscuro yo nunca había hecho un papel que fuera yo la asesina, donde pateo a una mujer embarazada, el personaje es muy oscuro y muy retorcido, no es que me costara actuarlo pero era un ambiente muy hostil, tienes que crear un personaje, y debo de aceptar, después de ahí sí me deprimí unos dos, tres meses y me pegó muy fuete, no es agradable hacer esos personajes, yo que estudio me empapo del personaje, información, imágenes, leer; sí fue algo fuerte. A veces los proyectos te dan una satisfacción profesional, pero en el área personal se te filtran cosas, te quedas con cosas negativas, entonces es una película que me costó, me deprimió, fue difícil. ¿Cómo eliges a tus personajes? Es un honor cuando te invitan, jamás le he dicho que no a una cinta mexicana, me siento honrada cuando me hablan para una película, hasta el momento no he rechazado ninguna, si te invitan es un priviligio. Transmites una personalidad muy fuerte en pantalla ¿realmente eres así? Antes era muy intensa cuando estaba más chavita como de 20, ahora que me voy conociendo, voy tratando de reeducarme, de ver que no me gusta de mí, para tratar de cambiarlo, soy una persona que voy a psicoanálisis, yo soy mi material de trabajo, conozco mis lados cojos, soy una persona sentimental, afectiva, me gusta tener a mis amigos decirles que los quiero, parece que soy muy fuerte, pero la verdad es que no. El león no es como lo pintan. ¿En que estas trabajando actualmente? Gané cortometraje del IMCINE 2013, dirigí mi primer corto:Ramona; como actriz estoy con una adaptación de mi amiga Ana Diaz Sesma, ya lo filmé con el reparto de Columba Domínguez, Roberto Sosa (papá) y Mónica del Carmen, es mi debut como directora y guionista, es mi primer hijo me salga bonito o feo yo lo voy a amar. Es una historia que habla sobre una ancianita que ha decidido que llegado la hora de morir y se prepara para esto. Es una comedia, no es triste, es un cuento para que te la pases bien. Si en este país abunda algo son las buenas actrices y Capadocia les hace honor a todas ellas. Yo participe en la primera temporada. Así terminó la pequeña entrevista que Giovanna Zacarias una mujer fuertemente sensible que muy amablemente nos brindó unos minutos, agradecemos la accesibilidad y la apertura.

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avid Pablos presentó La vida después, una cinta que hurga en los lazos familiares, la relación fraternal y la elección de romper con el patrón trazado por la herencia. Un filme intenso que genera reflexión, donde la perfecta mancuerna del sonido y la imagen, nos adentran en los estados de ánimo que están representados categóricamente. ¿Por qué elegir el tema de la familia desde un punto desolador? Creo que todo nace desde la necesidad de hablar de las relaciones, y para mí era importante hablar de la crisis, a partir de las crisis uno toma decisiones, está esta situación con los dos hermanos y la madre, y a partir de este entorno que le tocó vivir. No necesariamente el nacer en este contexto te hace seguir un patrón, para mí la película tiene que ver con la elección y la posibilidad de la ruptura, por eso es que se aborda de esa manera, sin embargo creo que no necesariamente es una película desoladora, al final es crudo, pero depende como cada quien lo quiera ver, podría ser es esperanzador. ¿Por qué María Reneé Prudencio como la madre? La verdad siempre tuve a María Renée en la mente y es porque creo que es una muy buena actriz; dos, porque a pesar de que es una actriz reconocida, tiene mucho tiempo fuera de las cámaras, me gusta su rostro, creo que tiene mucha frescura, tenía todas las características necesarias para el papel Acerca del casting ¿cómo conseguiste a los chicos? Fue un proceso de casting largo, mi directora fue a varias escuelas; hubo tres etapas, primero se les hacían una entrevista y se grababan, sobre eso ya los que nos parecían interesantes, se les hablaba para una segunda etapa, Américo desde un principio lo vi y sabía que era él, uno tiene la certeza de los que está buscando y cuando lo encuentra ni siquiera los duda. Empezamos a hacer parejas para ver como trabajaban juntos, Rodrigo ya había trabajado hace años conmigo, tiene una gran fuerza actoral, además lo vi crecer, madurar como actor, así que cuando los juntamos, dijimos 'ahí están, son los hermanos', el mismo Rodrigo tenía algo que de alguna manera intimidaba a Américo como que su energía es muy fuerte, así que ya estaba ahí la relación. Los niños fue muy rápido, ya que teníamos a los adolescentes, buscábamos los niños que tuvieran rasgos físicos similares a los grandes, y fue una gran suerte, los encontramos juntos porque ya eran amigos y fue muy fácil trabajar con ellos. ¿Desde el principio ya tenías pensado en final? Lo primero que empezó esta película fue el final, esta película va a terminar así, originalmente tenía un pequeño epílogo pero decidimos cortarlo, porque creo que, al no obtener ese epílogo, la película se te queda en la cabeza, le das vueltas a los porqués, te quedas pensando qué va a pasar, eso para mí es muy importante y me pareció mejor hacerlo así. ¿La música? La música también estaba en el guión desde el principio, había dos cosas, una pista de Mozart, que aparece en tres momentos distintos, es la canción que escucha Silvia contantemente y

se grabó una versión sólo para soprano y me gusta mucho cómo funciona, me gusto más que la original. También se utilizó armónica de cristal, aparece en varios momentos, era un instrumento muy raro es muy similar a las copas de cristal, es un sonido muy agudo, genera una sensación extraña, es envolvente, a mí me gusta mucho fue muy popular en la época de Mozart y se dejó de usar porque se decía que estar expuesto a ese instrumentó podría ocasionar locura; manejo una parte conceptual detrás de la idea del instrumento. Además, del sonido, estoy muy orgulloso de mi compositor, él trabajo desde el principio con el guión y logró el matrimonio de la imagen y la música, creo que la música crece mucho con la imagen y la imagen con la música, por separado no tienen la fuerza que logran juntas. ¿Por qué apostar a una historia más trabajada y no a algo más contemplativo? Yo en lo personal nunca he conectado demasiado en ese tipo de cine minimalista, creo que son gustos. Hubo un momento que se generalizó esta tendencia en el Cine Mexicano, pero para hacerlo bien hay que dominarlo, la estructura, la narrativa; dentro de todo, creo es una película accesible que se puede leer, al final creo que el cine es esto, contar una historia y aquí sí hubo un trabajo minucioso para contar la historia. ¿Cómo nace la historia, tiene que ver algo contigo? Totalmente, siempre lo he dicho, no es mi vida pero sí tiene que ver con mi propia historia, nace de mi propia relación con mi hermano, a partir de inquietudes y reflexiones sobre quién es él y quién soy yo, el por qué ha sido esta nuestra relación así; de alguna manera es una reflexión propia. El título “La vida después” La película narra dos momentos, la infancia y la dolencia, narra dos momentos que marcan el futuro de los personajes, de alguna manera momentos que marcan sus vidas, y hace noción de lo que viene después de estos dos momentos. La imagen del cartel... El poster se trabajó minuciosamente, creo que encapsula la esencia de la película. Es curioso que aparece desnuda en el poster, pero en la película no hay desnudos, sólo cuando está en el mar, para mí es una imagen muy poética, representa libertad, ver a María Reneé en ese momento tan entrañable que sucede en el mar con los chicos, va ser una especie de símbolo, la madre en el mar. ¿Qué esperas que la gente tome de la película? Espero generar una reflexión, sobre la familia y la posibilidad de una ruptura, el de que se nace en este contexto, pero no necesariamente se tiene que seguir con esta trayectoria, aparentemente marcada, tiene la posibilidad de romper con ese esquema. ¿Qué viene para ti? Filmo una colaboración con Canana el próximo año

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omos Mari Pepa, una cinta 100% tapatía que nos habla de los adolescentes de clase media en México, compartiéndonos el sentir, el ímpetu de las aventuras, las pérdidas y peleas que generalmente transitan en esta etapa, del impacto que es crecer e identificarse con los adultos, que en muchas ocasiones no son un ejemplo a seguir, de la hermandad y el ciclo normal de la vida.

aprovechamos para hablar del crecimiento de los chicos y su inminente separación por la novia, el trabajo, los estudios...; el personaje se va dando cuenta que hay que crecer e ir perdiendo cosas. Pero es una muy película accesible para todo el público.

¿De dónde nace Somos Mari Pepa? El origen de una banda de punk rock de la secundaria, en la que mi hermano tocaba, más adelante notros teníamos una banda los 'Juanito Cuervos', también fracasada; de ahí empezamos a juntar anécdotas de las bandas, a la par mi abuelita acaba de enfermar muy gravemente y tenía que sacar de alguna manera estas dos experiencias y salió el cortometraje, al cual le fue muy bien en la ruta festivalera se vendió a algunos canales de tv y ganó algunos premios, y me di cuenta que se quedaron muchas cosas fuera, y de ahí hicimos el largo.

Sobre el casting... La mayoría no son actores profesionales, los conocí desde el cortometraje, un día los vi en la calle platiqué con ellos y me dieron chance de grabarlos. Conforme iba conociendo a los demás amigos, fui haciendo los personajes, todavía no tenía protagonista y lanzamos una convocatoria por Facebook; llegaron varios, y cuando vi a Alex, lo primero que le pregunté fue "¿Cuáles son tus grupos favoritos?", a lo que respondió: los “Beatles" y los "Rolling Stones”. Con 14 años fue muy extraño, inmediatamente dije "es el personaje". Curiosamente, todos los chicos viven cerca de mi casa e iban a la misma secundaria.

Cuéntanos un poco del largometraje... El largo se enfoca más a un contenido social, sigue enfocándose en Alex quien vive con su abuela y cierto contenido social. Alex lo único que quiere es que su banda de Rock-Punk entre a un concurso de bandas y para esto necesita otra canción original, sólo tienen una: “I wanna cum in your face”, y componen una más: “No te vuelvo a acompañar a misa si no me las vas a dar” (ríe), así se llaman. Con este detonante,

De la Música... La música es casi 100% original, mi hermano se aventó el score de la película, desde los boleros, como no teníamos presupuesto para pagar los derechos de “Los Panchos", de "Los Tres Ases,” una canción de ellos es muy cara, se aventó la música y la letra junto con mi abuelito. El tema principal que se llama “Soledad”; yo me avente otra: “Mi última batalla”, y conseguimos un grupo muy bueno que se llama "Los Flamingos",

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ellos compusieron otra, muy buenos. Así emulamos los boleros de los años 40s-50s. Mi hermano se aventó un grupo de Punk: "Enjoy División", hasta hay un reggaeton por ahí, y un grupo de banda nos donó dos canciones. Toda esta parte fue muy guerrero y muy artesana, fue un proceso de mucha colaboración, era un proyecto que inicio con 10 personas y terminamos en grupos de 40; la gente se interesó y se entregaron a la historia, sin ellos no hubiera sido posible. Es un producto tapatío... 100% tapatía, con mucho apoyo de la UDG, de distintas carreras, especialmente de 'imagen y sonido', y eso está padre. Una de las cosas era que queríamos una película profesional, era un acto grupal, queríamos hacer algo de calidad para seguir haciendo más películas. ¿Qué parte fue la más difícil? El guión y la realización me gustaron mucho y lo disfruté. Ahorita nos estamos dando el tiro, es el momento de moverlo a festivales, hasta la creación de la cinta para que se exhiba en las salas, el mercadeo, eso no ha sido muy disfrutable para mí. En el set me siento a gusto, ya en esta etapa no tanto. Apoyos... Tuvimos apoyos de familiares y amigos, pequeños apoyos de préstamo de equipo, el departamento de 'imagen y sonido' de UDG; iniciativa privada o gobierno, no hubo mucho interés.

Fue muy difícil porque nos tocó en año electoral, aun así nos la aventamos, espero que la siguiente vez sea más fácil conseguir apoyos y si no, no hay problema, lo hacemos porque nos gusta, y buscaremos la manera de hacerlo. En los apoyos hay que demostrar que podemos hacer las cosas y que ellos encontraran un beneficio, no sólo extender la mano y pedir, esto tiene que ser recíproco. Sobre la distribución... Ya firmamos con Figa Films y estamos viendo la distribución nacional, en noviembre sigue en Festivales. ¿Cuál es tu director favorito? Kaurismaki, él hace neorrealismo y me gusta mucho, los temas, el cómo trata los personajes, esta onda social con realismo me gusta mucho; con cierto toque del sentido del humor, la vida es jodida pero hay cosas chidas, con claroscuros, hay momentos de luz, de encuentro, amor, de amistad, es lo padre de la complejidad como seres humanos. ¿Por qué ir a ver Somos Mari Pepa? Van a pasar un buen momento, se van a reír, espero que más de uno se vea reflejado, es una película que intenta retratar a los jóvenes de clase media mexicana, que somos la mayoría, igual tenemos para el taco, pero es una chinga juntar para la renta, trabajando con productos milagrosos, estamos en constante esfuerzo y lucha, somos todos, “Somos Mari Pepa”. www.facebook.com/celuloidedigital

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uan, Sara y Samuel son tres adolescentes que dejan su natal Guatemala con la meta fija en los Estados Unidos. Son acompañados únicamente por el impulso que les brinda su anhelo de una vida mejor (y claro, algo de dinero que, suponemos, han ahorrado a costa de grandes sacrificios). Y así, como millones de indocumentados que buscan alcanzar el sueño americano año con año, los jóvenes (que ahora también viajan junto a Chauk, un indígena que se les ha unido en el trayecto) a veces tienen que negar su propia nacionalidad (pues en ocasiones las autoridades mexicanas tratan peor a los ilegales centroamericanos que la migra estadounidenses a los mexicanos indocumentados) o tratar de ocultar su condición de género (Sara en realidad viaja haciéndose pasar por hombre, autodenominándose Osvaldo). Diego Quemada-Díez, director español originario de Burgos pero afincado en México, brinda a través de su ópera prima, La Jaula de Oro (título evidentemente referencial a la canción de Los Tigres del Norte y el modo en el que ellos se refieren a los Estados Unidos), una voz a los inmigrantes centroamericanos a quienes generalmente se les criminaliza, olvidando (no sabemos si por accidente o por cínica omisión) que su paso por nuestro país resulta tanto o más brutal que las situaciones que viven ya al otro lado de la frontera México - Estados Unidos. La Jaula de Oro es un trágico poema de la realidad latinoamericana, una realidad en la que, a pesar de la adversa si-

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tuación, siempre hay lugar para la amistad y la redención que culmina por estrechar los lazos de dos desconocidos hasta convertirlos en hermanos (No, Juan; Chauk no se equivocó al llamarte 'hermano'); la cinta cuenta con una historia escrita por el propio Quemada-Díez junto con Gibrán Portela y Lucía Carreras- tras varios años de investigaciones en las comunidades originarias de los migrantes, donde se empapó de historias tan crudas y brutales que muchos las catalogarían de inverosímiles. El filme es un descarnado relato conformado por una colección de desoladoras estampas en movimiento (digno de destacar el crudo trabajo de fotografía de la uruguaya María Secco), una cuidada selección de historias reales que dan fe de la situación social sobre el fenómeno migratorio actual que requiere que se le apueste por una urgente atención y resolución. Con premios como el 'Un Certain Talent' (Un Cierto Talento), obtenido por los protagonistas Brandon López (Juan), Karen Martínez (Sara/Osvaldo) y Rodolfo Domínguez (Chauk) en la pasada edición del Festival de Cine de Cannes donde participó en la sección 'Un Certain Regard' (Una Cierta Mirada), la cinta La Jaula de Oro formará parte de la Sección Largometraje Mexicano en el 11° Festival Internacional de Cine de Morelia, a celebrarse del 18 al 27 de octubre próximo; así mismo, se busca un estreno simultáneo en México y Estados Unidos para finales de este año o principios del 2014.

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n su ópera prima, Christian Díaz Pardo se aventura a abordar el tema del fanatismo religioso y la comercialización de la fe, a través de una historia ficticia que surge de una anécdota verdadera que le platicó alguna vez una de sus compañeras en la carrera de Cine; esto originó el desarrollo del proyecto original como un documental sobre el lucro de la fe, pero se transformó en un relato de ficción producido por Harold Torres junto a Laura Pino. La trama sigue a González González, un hombre golpeado (como muchos) por la crisis económica en México y que ja contraído una fuerte deuda con el banco, aparte de deber varios meses de renta de su departamento y tener que mantener a su madre. Su condición de desempleado y crítica situación financiera, lo

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obligan a solicitar empleo en un Call Center de una iglesia cristiana, lugar donde descubre un mundo oscuro, denso y perturbador, donde se comercializa con la fe del pueblo necesitado. El dilema al que se enfrenta se ve remarcado cuando conoce al Pastor Elías (un Carlos Bardem con un excelente acento brasileño), el hombre con mayor po-der (y dinero obviamente) dentro de la organización religiosa; y a Betsabé (interpretada por Olga Segura), una compañera del Call Center (y verdadera fanática del culto) de la que se ha enamorado perdidamente. González, a pesar de su ritmo inicial pausado que podría alejar al cinéfilo promedio y de una que otra inconsistencia en el guión (sobre todo en el tercer acto y un final un tanto forzado) destaca por las solventes interpretaciones del

trío protagónico: Torres, Bardem y Segura (aunque sobresale la pareja masculina -Torres/Bardem-, llevándose, por cierto, el Premio a Mejor Actuación Masculina en la Sección Largometraje Mexicano, otorgado por primera vez en el FICM) y por la eficaz mezcla del trabajo fotográfico y sonoro (cuyos merecidos honores recaen en Juan Pablo Ramírez y Carlos Durán, respectivamente). Sobresale también el uso de la ficticia premisa para hacer una fuerte y mordaz crítica a la comercialización de la fe por parte de estas 'nuevas religiones' que tan de moda se han puesto en nuestro México (si cuando la vean se sienten aludidos, lo siento mucho) y a la cínica sociedad mexicana, cuyo muy cuestionable comportamiento ha sido muchas veces provocado por la ya insostenible situación económica del país.

unto a una playa solitaria de Veracruz se encuentra un pequeño motel que recibe por igual a novios enamorados que a apasionados amantes. Sebastián, un joven de 17 años se queda a cargo por un tiempo del motel de su tío, durante este periodo el joven conoce a Miranda, una mujer que con frecuencia visita el lugar para encontrarse con Mario, su amante, quien siempre la deja esperando. En esos momentos de espera, durante las horas muertas, Sebastián y Miranda inician más que una simple amistad. El cineasta Aarón Fernández presentó en Morelia, y previamente en el Festival de San Sebastián, su más reciente película Las horas muertas, con la cual muestra por una parte el despertar sexual de un joven que ocupa sus horas li-

bres en limpiar el motel, y por otro lado, el más sólido, la soledad de una mujer que espera en un cuarto del motel al hombre que cree amar. La soledad y el deseo sexual se mezcla entre la amistad que empiezan a entablar Sebastián y Miranda, lo cual traerá sorpresivos momentos para los personajes y el espectador. El relato de Las horas muertas es sencillo pero eficaz, una historia entre dos solitarios que intentan ocupar sus oras libres, y entre ese encuentro se manifiestan sus deseos y miedos, sin embargo la historia tarda en mostrar lo inevitable y por momentos predecible. No hay grandes conflictos ni mucho menos tragedias, es el pasar del tiempo con humor y espontaneidad, una película de momentos divertida a pesar de que

prolonga su desenlace. Cabe mencionar el sorpresivo desempeño actoral de ambos protagonistas, por una parte está Kristyan Ferrer a quien hemos visto últimamente en interesantes y prometedoras producciones como Guten tag, Ramón de Jorge Ramírez-Suárez. Y por el otro está una sobria y sensual Adriana Paz que entrega una buena actuación que sin embargo no demanda un reto histriónico; resultó ganadora como Mejor Actriz de Largometraje Mexicano en Morelia. Las horas muertas sigue cosechando una serie de reconocimientos importantes, por el momento podrás encontrarla en la 55 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.

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l silencio de las montañas está cargado de discretos y singulares sonidos, la luz que proviene del sol, la luna y las estrellas ilumina sus pasos, el alimento lo obtiene de la naturaleza, mientras que la soledad permanece a pesar de la enorme cantidad de animales y quizá espíritus que rodean a Adelelmo Jímenez, un hombre viejo pero muy fuerte que mantiene un singular y mágico diálogo con la naturaleza. Este es solo un resumen de lo que expresan las imágenes de Penumbra, la nueva película del cineasta Eduardo Villanueva, imágenes contemplativas que me recuerdan al documental Inori de Pedro González-Rubio, y curiosamente ambos trabajos coinciden en un mismo tema: la soledad. Villanueva retrata la soledad de un hombre viejo y su mujer, quienes perdieron a su único hijo y vi-

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ven con naturalidad esa soledad, mientras que González-Rubio mostraba la soledad de un pueblo japonés. Adelelmo vive en algún punto entre Colima y Jalisco, realiza largos viajes por el bosque en los cuales espera encontrar y cazar al venado que le dará de comer y además un poco de dinero. Mientras tanto, su esposa Dolores lo espera en casa lavando la ropa y preparando la comida. Ambos personajes viven día a día una misma rutina, una misma vida: despertar, cazar, cocinar, comer, como si solo estuvieran esperando la muerte. Dolores espera el aniversario luctuoso de Emiliano, su único hijo, mientras que Adelelmo busca la forma de, a través de diversos rituales, cazar un venado; en el camino de sus vidas uno espera que algo suceda, que algo los modifique, sin

embargo Villanueva nos muestra simplemente su presente: la contemplación de la vida. Penumbra tiene imágenes hermosas, planos abiertos de las montañas, el volcán y el bosque, pero su debilidad es la historia, muy plana, en la cual no suceden grandes conflictos ni grandes cambios. Por otro lado están los actores no profesionales que si bien le dan naturalidad al contexto, lo hacen parecer más como al planteamiento de un interesante documental. Como una película contemplativa y en cierto grado cargada de metáforas y destellos filosóficos, es hermosa, cumple con ese objetivo, pero como una película que compite con historias más elaboradas y complejas, hacen que Penumbra luzca desangelada y perdida, entre la penumbra.

na comedia romántica honesta y agradable, que no habla de golpes, tragedias o asesinatos, sino del amor y satisfacción personal y de pareja que la mayoría deseamos tener. Escrita y dirigida por Mariana Chenillo (directora que en su primer largometraje, Cinco Días sin Nora (2008), recibió 20 premios entre nacionales e internacionales), cuenta con las actuaciones de Andrés Almeida (Alfredo), quien a ha participado en 10 películas incluyendo Y Tu Mamá También, La Otra Familia, El Lenguaje de los Machetes y recientemente en TV con la serie Los Héroes del Norte y de Daniela Rincón (Carmen), para ella es su primer estelar, y con una actuación muy natural, logra conectar muy fácilmente con personaje en esta cinta bajo la producción de Pablo Cruz, basada en cuento de Julieta Arévalo. Paraíso es una divertida película que genera risa y conciencia sobre el amor y la ironía de la vida. La historia inicia con un matrimonio tranquilo, cordial y amoroso donde los dos padecen del mal que aqueja a muchos en nuestro país: el sobrepeso. Alfredo recibe una importante

oferta de trabajo, por lo cual deben cambiar de residencia; su vida era color de rosa, se complementaban y aceptaban sin problema alguno, hasta que tienen que dejar su espacio de confort el lugar donde todos los conocen, y contaban con la cercanía de sus familiares. Aquí se desbordan los problemas, una variación en sus vidas logra romper con la tranquilidad de años. La vulnerabilidad personal y amor en pareja se ven afectados. Ya en el nuevo cambio de geografía, Carmen siente que algo no está bien, siente que debe de cambiar para encajar en el nuevo entorno y decide que es hora de hacer ejercicio y ponerse a dieta, por lo que convence a Alfredo para que lo hagan juntos. Transcurren los días y surge un pequeño problema: Carmen no ve resultados y Alfredo ya logro bajar notablemente de peso. En este lapso tiene una pequeñísima aparición el (últimamente) ajonjolí de todos los moles, Luis Gerardo Méndez, como motivador para hacer bajar de peso a Carmen: “¡Vamos, la sucursal de Coapa no nos puede ganar!”, es una de sus frases de guerra. Carmen representa las preocupacio-

nes de un gran número de mujeres como son: el cumplir con labores del hogar, el estar bella para tu amado, sentirte satisfecha en tu vida diaria y sentir que tu llevas el control de tu vida y no la vida te lleva a ti. Ella tiene miedo al cambio, se siente ajena a su nueva vida y su felicidad gira en torno a Alfredo, cree que si su esposo es feliz ella lo será y como en la vida real, está equivocada así que lentamente tiene que darse cuenta que primero se logra la satisfacción personal. ¿Qué pasa cuando se cree que la pareja es un espejo y este se rompe? Es una de las premisas que podrá contestar es filme, cuenta con triángulos amorosos, las tentaciones que nunca nos faltan a los mortales, y por ende, los errores que nos harán sufrir por algún tiempo. Pero todo es transitorio y tiene que pasar, cuando llega la calma se podrán poner las cartas sobre la mesa, para elegir cómo y con quien se quiere compartir la vida. Paraíso es un filme nada pretensioso y divertido que podrá disfrutar toda la familia, nos deja la moraleja de la aceptación personal y la construcción del 'Paraíso' que cada uno quiere vivir. www.facebook.com/celuloidedigital

on un guión y dirección de Claudia Sainte-Luce, la producción de Geminiano Pineda, la producción ejecutiva de Ruby Castillo, Christian Kregel y Geminiano Pineda y las actuaciones de Ximena Ayala, (Claudia) Lisa Owen (Martha), Sonia Franco (Alejandra), Wendy Guillén (Wendy), Andrea Baeza y Alejandro Ramírez Muñóz, llega una historia con un nutrido paquete de emociones. Tiene una trama difícil de plasmar en pantalla por la emotividad, pero sin caer en lo cursi o exagerado, por el contrario, manejado muy ágilmente, donde de la risa puedes pasar al llanto en cuestión de minutos. Claudia es solitaria y trabaja en un supermercado, un día va a dar al hospital por una apendicitis, ahí conoce a su vecina de cama, Martha, quien tiene una familia muy peculiar compuesta por cuatro hijos, de los cuales, todos acuden a visitarla todos los días. Son tres hijas y un niño con roles muy marcados: Alejandra, la mayor, encar-

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gada de administrar y mantener el orden en la familia; Wendy, un poco desubicada y profundamente honesta y los pequeños Mariana y Armando en su etapa de adolescentes. Todos con personalidades muy diversas pero con mucho amor entre ellos. Claudia interactúa con la familia de manera cordial, pensando en situaciones pasajeras, pero a partir de este encuentro, su vida cambiará, ya que a la familia la integran de manera veloz, contrario a la quietud y soledad que Claudia vivía sus días antes de conocerlos. Inicia entonces una gran complicidad entre Claudia y Martha, esta última es amorosa, cálida y divertida, sabe que su enfermedad es terminal y en poco tiempo dejará solos a sus hijos; ella trata de disfrutar al máximo el tiempo restante e intenta que su familia también lo haga para que así su partida sea más ligera. Claudia por su parte trata de que en los momentos de conflicto familiar se aminore el problema, es su forma de contribuir a la nueva vida, que le permite estar en el

seno de una familia con los líos habituales de todos miembros, cosa que Claudia no había vivido antes. Wendy es parte importante de la historia, ya que ella interpreta su propio papel, cosa muy complicada, por el choque real de vivir de nuevo situaciones tan dolorosas como la pérdida. Pero ella logra una frescura y un realismo con su manera desenfadada de ver al mundo, aligera la carga dramática de la cinta. La directora sentía que todos los integrantes de la familia eran únicos en su especie, como justo dice un recorte que parece en una pecera: “Los insólitos peces gato”, por eso el título del filme. Una historia de pérdida, de amor y de conexión, donde la pérdida es irremediable, el amor infinito y la conexión es darle luz y vida a una alma que transitaba sin rumbo ni dirección; una excelente película, con un guión dinámico, y buenas actuaciones. ¡Es Divertidamente Conmovedora!

ichel y Virginia Franco nos presentan A los ojos un filme que toca un tema polémico para la sociedad mexicana, como lo es la problemática de los niños en situación de calle y de los abusos que pueden ser víctimas. La idea nace del cortometraje que realizo Michel llamado Entre dos; para la realización del guion, los hermanos unen visiones, logrando un filme delator y crudo. Victoria trabajo en la calle, pues se encargó de la parte documental que fue medular para la dirección de la película, ya que no existía un guion, sino una línea de lo que querían presentar, la película se estructuro a partir de la investigación que se encontraba en la calle. Esto genera que sea una historia desoladora; Michel tiene una línea como director con películas como Después de Lucia o Daniel y Ana con temáticas intensas, que tengan que ver con la realidad de México, películas que ayuden a entendernos como sociedad. El género de la cinta se puede clasificar como ficcióndocumental, la parte filmada en la calle es real, tanto de los chicos de la calle, como del personaje Benjamín. El título A los ojos es porque generalmente no se quiere ver la problemática, y

ellos la presentan directo al espectador para que si no lo sabe se entere y provoque una conciencia. Para familiarizarse sobre el tema fue necesario el apoyo de Sofía Almazán, directora de Casa Alianza, un hogar que ayuda a la población vulnerable, en especial, a los niños que sufren abandono. Mónica salió con casa alianza a involucrarse y entender el vivir de estos niños. El trabajo actoral lo realizan Mónica del Carmen (Mónica madre soltera) quien es la única actriz profesional a quien hemos visto en Año bisiesto donde logro varios reconocimientos. Omar Moreno (Omar de 9 años) que representa a su hijo, Benjamin Espinoza (Benjamín de 16 años) y Jacobo Danoy (el doctor). Benjamín representa su propia historia, ya que es un chico en situación de calle adicto a las drogas, que tiene un potencial muy grande y altas capacidades, según palabras de Vicky por eso se eligió para el papel. Tuvo un proceso verídico filmando dos meses con él en la calle, obteniendo escenas donde da testimonio de lo complicado que es dejar las drogas y esto fue parte de su proceso real de desintoxicación. Monica es una trabajadora social dedicada a rehabilitar niños que viven en las calles de la ciudad

de México, ella tiene un hijo, Omar de nueve años, el cual tiene un problema visual que cada día empeora considerablemente, pues es una enfermedad degenerativa. La enfermedad de Omar hace que ella entre en una desesperación, por ayudar a su hijo, su desempeño en la escuela es mínimo, tiene menos relación con niños de su edad, además de pasarse largo tiempo encerrado en casa esperando que su mama regrese de sus jornadas laborales. Mónica conoce a Benjamín y decide llevarlo a vivir a la azotea de su casa para ayudarlo en su problema de adicción. Omar convive y conoce más a fondo a Benjamín, ellos entablan una bonita amistad pues cada uno en su mundo habían estado solos. Monica toma una decisión de cambiara el rumbo de sus vidas. Es una película realmente conmovedora, que logra sacudir sentimientos, que pretende mostrar una realidad que muchos queremos ignorar, pero que existe y se sigue multiplicando. A los ojos es de esas películas provocadoras, creadoras de conciencia.

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n hotel modesto y solitario, cercano a la playa, es el escenario en el que una madre y su hijo de 14 años ven trastocadas sus vacaciones después de que una adolescente de 16 años llega a hospedarse con sus padres al mismo hotel. Paloma y Héctor acostumbran a ir a ese hotel como años anteriores, se broncean y toman el sol a la orilla de la alberca que está en el hotel, comen club sándwich o solo sándwich acompañado de una cerveza. Paloma y su hijo disfrutan de su espontaneidad y soledad, se divierten jugando piedra, papel o tijera, exprimiendo barros y escuchando música. Vacaciones tranquilas y solitarias que se transforma tras la llegada de Jazmín, una chica que llega con su padre y madrastra casi por coincidencia, Héctor experimentará sus primeras experiencias sexuales, por lo cual perderá un poco el

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interés por la cotidianeidad de sus vacaciones con su madre y dará la mano a una manera distinta de vivirlas. Club Sándwich es el tercer largometraje del cineasta Fernando Eimbcke, que antes de presentar su trabajo en Morelia resultó ganador de la Concha de Plata al Mejor Director en el Festival de San Sebastián, y como en sus anteriores trabajos el tema central es la adolescencia y las vertientes que devienen con su llegada. En esta producción explora además los sentimientos de una madre soltera que ve trastocada la relación con su único hijo tras la llegada de una segunda mujer a la vida de él, llegada que provoca en Héctor preguntas que la madre difícilmente puede contestar pero que contesta. Una madre muy alivianada, que a pesar de que expresa dificultad y cierto do-

lor en ver crecer a su hijo, deja que éste viva y experimente lo que ella misma hizo en su adolescencia. María Renée Prudencio, quien personifica a Paloma, entrega una actuación muy convincente y cargada de naturalidad, con los matices que le otorga su personaje al entrar en el conflicto natural de ser madre. Lucio Giménez Cacho Goded y Danae Reynaud, Héctor y Jazmín respectivamente, participan en la que es su primera película, no cabe duda que lo hacen bien y que el transcurso de los años les otorgará solidez. Una película de ritmo lento pero con atinados destellos de humor que hacen de la historia un momento agradable, divertido y reflexivo para el espectador. Estén al pendiente porque dentro de poco será proyectada en el marco de la 55 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.

amuel Isamu Kishi Leopo, un joven tapatío egresado de la UDG, nos presenta su primer largometraje, 100% tapatío: Somos Mari Pepa, el cual es una ampliación de la historia presentada en su corto Mari Pepa, ganador del premio Ariel, y en el 2011 como Mejor Corto de Ficción en el FICM. El elenco lo conforman Alejandro Gallardo, Arnold Ramírez, Rafael Andrade Muñoz, Moisés Galindo, Jaime Miranda, y Petra Iñiguez Robles, quienes son amateur en esta línea de la actuación, lo que brinda frescura y realismo. Ellos son vecinos de la misma colonia, la música es original y corrió a cargo de Kenji Kishi Leopo, quien compuso muy acertadamente desde boleros hasta rock. Samuel presenta en su cinta un homenaje al barrio donde nació en Guadalajara y Zapopan, además de a una figura importante en su vida, su Abuela, y a su fallida banda de rock. Alex un chavo de 16 años que quiere entrar en un concurso de bandas, pero también está deseoso de tener su primer encuentro sexual, cosa que sólo conoce por las pláticas con los amigos; además de ir en búsqueda de su primer empleo.

Alex vive con su abuela, una viejita que casi no habla, pero que no necesita hacerlo, sus acciones transmiten lo que su voz no emite. Por las mañana despierta a su nieto con sus canciones de “boleros” a todo volumen, al medio día escucha Kaliman y por la noche Los Radio Fantasmas, programas de radio de tradición en la zona de Jalisco. Muchos de los que vivimos en esta zona recordaremos a nuestros abuelos o padres escuchando estos entrañables programas. Alex se dará cuenta de que la vida tiene un ciclo y su abuela lo representa, entenderá que hay responsabilidades que te tocan, sin pedirlas y que el crecer trae consigo separaciones naturales que son inevitables. Somos Mary Pepa es un retrato de la frescura de los jóvenes, refleja el sentir del adolescente, sus miedos, sus necesidades, sus códigos de identidad, la amistad y la hermandad que tan fuertemente crece en esta etapa. Es una cinta muy honesta que utiliza el lenguaje real, relata la brecha que hay entre sus padres escuchando boleros y ellos con el punk, rock o lo que esté de moda, con una leve sátira a los fresas o poperos (¿Se saben una de One Direction?), o banda o norteña que otros escuchan.

Además hay una crítica a los adultos de la película, de los cuales ninguno es un ejemplo a seguir. Nos adentra en la incertidumbre de crecer y como se ven reflejados los adolescentes en los adultos. Los empleos para estos chicos sólo pueden ser trabajar en comercios como “paleterias” o entrarle a ventas piramidales como el “Herba Power”. Somos Mari Pepa nos sumerge en la vida de los adolescentes que gustan hacer alarde de su virilidad y su humor en ocasiones machista: “No seas joto”; “pásame a tu hermana”. Además del mensaje puntual sobre el abandono de los padres y la falta de comunicación en una etapa realmente importante para su formación. A pesar de ser una película de poco presupuesto y apoyos, Somos Mari Pepa es una cinta divertida, muy digerible y digna, que ha superado las expectativas al ser también bien recibida en los Festivales, una película que deberían ver muchos padres de familia, quizá no les ayude a entenderlos pero si a tener un punto de encuentro y reírse con ellos.

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avid Pablos presenta La Vida Después, un filme que hurga en los lazos familiares, la herencia y la posibilidad de elegir; se adentra en la relación fraternal y la disfunción familiar. El filme inicia con los momentos memorables de los hermanos Rodrigo y Samuel disfrutando de la playa al lado de su madre. Su infancia es común: los niños juegan, la mamá trabaja; de niños la vida es simple pues no es necesario entenderla, todo es juego y diversión puedes ser invisible y el universo sigue girando. Así es como trascurre su infancia. Pero ella tiene un cierto tono de soledad o amargura, pareciera que se pierde en sí misma, conforme transcurre su vida y los niños crecen se percibe la separación de las relaciones, desde los hermanos entre sí, hasta la madre, hay un evidente quiebre que se va acrecentan-

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do con el paso del tiempo. Por fin llegan a la adolescencia, y con ella, un fuerte suceso, su madre (María Reneé Prudencio) decide alejarse de ellos dejando una escueta nota: “Tuve que salir. Mamá”. El más afectado es Samuel (Américo Hollander), por ser el más joven y sensible, Rodrigo (Rodrigo Azuela) es frio y distante, ya que él se reconoce en su madre y entiende lo que está pasando. Ellos deciden salir en su búsqueda. En este viaje se desencadenan las rupturas más notables en su relación fraternal, es vital la personalidad de cada uno y la forma en que reaccionan de acuerdo a sus experiencias en un seno familiar con carencias, una nula comunicación. Se genera una fuerte pelea entre ellos que marca un clímax decisivo para enfrentar lo que viene. La narración está bien enfocada, combinando el cordial matrimonio de la músi-

ca con las imágenes. La acertada fotografía de José de la Torre recorre los paisajes de Sonora, los cuales nos van adentrando al sentir de los personajes. Entre la brevedad de los diálogos y la calidad de las secuencias, con notables silencios por parte de los personajes, pero con gran comunicación visual y sonora que nos adentra en los estados de ánimo. Buen filme, desolador, con papeles muy bien logrados y representados categóricamente desde los infantiles hasta la madre. La Vida Después nos evoca esas decisiones que debemos de tomar, como lo es renunciar al patrón trazado por la herencia, fracturas que por darse en la familia son más difíciles aún, pero necesarias para definir y elegir vivir feliz nuestra propia historia.

espués de obtener la Cámara de Oro en el Festival de Cannes por su película Año Bisiesto, el cineasta Michael Rowe regresa con el largometraje Manto acuífero que aborda desde la mirada de una niña el divorcio de sus padres, el cambio de hogar, un padre nuevo y el descubrimiento de un jardín que le ayuda a lidiar con el abandono y la soledad. Caro, una niña de ocho años, se muda con su madre y padrastro a un nuevo hogar luego de que sus padres se separaran. La niña no comprende el por qué su madre le dice constantemente que no volverá a ver a su padre biológico, y por qué debe llamar padre al nuevo hombre que está con su madre, ella escucha e intenta entender, pero comprende poco,

su universo se ha modificado y parece que ningún adulto se da cuenta. Mientras su madre lidia con sus propios cambios, Caro descubre un jardín en la parte trasera de su casa y en él un pozo vacío, ahí encuentra un refugio para ocultar los recuerdos de su padre y de su vida anterior. Caro comienza un contacto poco usual con la naturaleza, un diálogo que su imaginación le permite llevar más allá. Sin embargo descubrir ciertos secretos de sus padres biológicos la llevarán a actuar en contra de su amiga en la soledad, la naturaleza misma. Manto Acuífero cuenta una historia poco contada, la mirada de los niños durante el divorcio, y también refleja el contacto perdido del hombre con la naturaleza,

sobresale la buena fotografía y la actuación de la niña, pero fallan los diálogos de los personajes adultos, diálogos que caen en lugares comunes y que le restan fuerza a la historia. Cabe mencionar que gran parte de la película recae en Sofía Macías, la niña que personifica a Caro, quien hace un buen trabajo, y que habla de una buena dirección por parte de Rowe. Esta producción es la segunda parte de tres que el cineasta de origen australiano, y naturalizado mexicano, realiza sobre la soledad. El guión de la tercera parte está en desarrollo y hablará sobre una persona mayor, de la cual aún no revela detalles.

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s difícil decidir si una historia de vida es mejor que otra, hacerlo sería sumamente subjetivo, entonces, ¿cómo saber si un documental es brillante y trascendental o simplemente plano y olvidable? Creo que la respuesta está en la forma en que es narrada esa historia y en la novedad de la misma, por más que ésta llegue sola. Este año, el Festival Internacional de Cine de Morelia presentó una gran diversidad de historias no sólo por lo que narran sino también por las formas en que estos fueron contados, por una parte estuvieron los más convencionales en los que la fuerza de la historia recaía principalmente en los testimonios, como fue el caso de Los años de Fierro, Oasis, El cuarto desnudo y Lejanía. Estaban los que además de los testimonios incluían una gran cantidad de archivos filmográficos, hemerográficos y de más, como sucedía con Rosario y El hombre detrás de la máscara, lo cual les otorgaba más dinamismo. Por otro lado hubo dos documentales que recurrieron a la ficción como Quebranto y Atempa, sueños a orillas del río, uno con más suerte que otro. Y finalmente un contraste, el más contemplativo pero accidentado que fue Tochi y el más dinámico, Elevador, por sus encuadres, movimientos de cámara y cambio de testimonios con una misma historia. Pero hablemos del que resultó ganador en esta décimo primera edición, El cuarto desnudo de Nuria Ibáñez. Un documental más bien convencional que no arriesga mucho pero que sin embargo cuenta un historia por demás interesante, que es el proceso que varios niños con problemas psiquiátricos deben pasar antes de ingresar al hospital, la idea se queda a medio camino, en el ingreso, pero sin embargo es muy reveladora la forma en que estos niños piensan y actúan.

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Elevador de Adrián Ortiz Maciel recibió una Mención Especial; este documental narra la historia de las personas que trabajan en un elevador de un condominio de la Ciudad de México, como llegaron ahí, lo bueno y los difícil de su trabajo, y sobre todo como lidian con las horas de soledad a pesar de ver pasar por el elevador a decenas de personas. Finalmente Quebranto de Roberto Fiesco, documental que recibió el Premio ‘Guerrero’ de la Prensa, es uno de los tres documentales que este año abordaron el tema de la diversidad sexual, los otros son Oasis de Alejandro Cárdenas y Atempa, sueños a orillas del río de Edson Caballero Trujillo. Quebranto es un documental que habla sobre una actriz transgénero que fue actor infantil en la década de los setenta, y que ve modificada su vida como persona y actor una vez que decide ser mujer, un documental entrañable y crítico, que toca un temá tabú dentro de la comunidad gay: la población transgénero. Estos fueron los tres largometrajes documentales que obtuvieron los premios más relevantes en la Sección Documental Mexicano, sin embargo es preciso mencionar uno que en lo personal me sorprendió mucho, hablo de Lejanía de Pablo Tamez Sierra, un documental que habla sobre el asesinato de la madre de tres hijos por parte de un miembro de la misma familia, una historia que parece muy particular pero que sorprende por la intriga que rodea a la historia y al descubrimiento del asesino por parte del espectador. Como cada año la selección de los documentales es un deleite por su diversidad y calidad, este año no fue la excepción, y muestra de ello es la diversidad que hubo entre los ganadores, hay gustos para todo público.

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s una pantalla en negro la que nos da la bienvenida al primer Largometraje Michoacano en la historia: Enero, la ópera prima de Adrián González Camargo; una pantalla vacía que nos impide ver la violenta trasgresión que detona la trama la cinta: una historia sobre crímenes pasionales, el insostenible peso de la culpa y las relaciones co-dependientes y autodestructivas. Horacio (Ernesto Hernández Dolas) es un hombre maduro que, tras ser descubierto en (adultera) acción, asesina a su esposa y huye con su amante Lucrecia (Sheyila A. Rodríguez Romero) hacia una cabaña abandonada en las afueras de la ciudad; bajo esta premisa, el director (también responsable del guión) establece una narrativa lenta y pausada que llevan de la mano al espectador (como acompañante y no sólo como mero testigo) hacia la cada vez más deteriorada relación donde la culpa, las inseguridades y los miedos terminarán por fracturar a la pareja. Resulta claro y evidente el conocimiento cinematográfico que posee el equipo técnico detrás de Enero, pues sobresalen los recursos visuales utilizados (distintos ángulos en algunas secuencias, como cuando Lucrecia hurga en las cajas y rompe los discos de vinil de Horacio) y la cuidada fotografía, a cargo de Anna Soler Cepriá, quien tanto en interiores como en exteriores, logra construir las atmósferas necesarias para re-

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forzar la historia, logrando un trabajo muy conveniente para la película (los paisajes naturales michoacanos son incomparables y se les saca mucho provecho). Lamentablemente, la película no llega más allá de un buen intento, un bien intencionado ejercicio cinematográfico que resulta en un filme con pocos arrojos, donde la banda sonora se siente fuera de lugar (amén del sonido que se escucha 'sucio' en algunas secuencias), donde el trabajo de edición termina por ser bastante irregular, y sobre todo, donde el muy mediano trabajo actoral de los protagonistas sólo logra apartarnos de la propuesta, y sus inverosímiles actuaciones nos impiden tomarnos en serio la película, y por ende, crear la más mínima empatía hacia la compleja pareja central. Se aplaude el gran esfuerzo de todo el equipo para levantar el proyecto Enero, pero los fallos son tan evidentes (y algunos muy graves) que no se pueden pasar por alto, lo cual la convierte en una película bien intencionada pero carente de fuerza, de bríos, lo cual hace que la propuesta se quede a medio camino. Pero también, resulta gratificante que, seguramente (o por lo menos eso esperamos), abrirá las puertas a otros proyectos en territorio michoacano que permitirán que comience a desarrollarse una industria para la producción de más largometrajes en este nuestro querido estado.

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on Gravity, el mexicano Alfonso Cuarón alcanza uno de los logros técnicos más grandes en la historia del Cine (sí, ese que se escribe con mayúsculas) y replantea el uso del lenguaje cinematográfico en el cine de acción. Partiendo de una premisa en extremo sencilla y más que conocida por todos aquellos que han visto el trailer -un par de astronautas queda a la deriva tras ser impactados por los restos de un satélite ruso que ha sido destruido-, Cuarón apuesta por los planos secuencia (el primero de más de 15 minutos es apabullante) para plasmar en pantalla el relato de supervivencia que coescribió con su hijo Jonás. A través de las extensas secuencias 'sin cortes', se apela principalmente a la propagación de esa sensación de miedo, angustia y claustrofobia por la que atraviesan los astronautas, sobre todo la novata Dra. Ryan Stone (es decir Sandra Bullock), pues en su primera misión espacial tiene que enfrentarse a la mayor de las pesadillas de un astronauta. Y es que a lo largo de las secuencias, el cineasta mexicano se inclina más hacia el uso de las distintas herramientas que ofrece la gramática cinematográfica (en la misma escena se va de los encuadres, a los close ups, al plano subjetivo, pasando por diversos ángulos de las tomas, etc.) para sumergirnos en una 'experiencia cinematográfica' que se ve complementada a la perfección por la preciosista fotografía de Emmanuel 'Chivo' Lubezki, por el extraordinario diseño sonoro y por el más que justificado uso del formato 3D, planteando con ello una nueva manera de hacer cine de acción, igual de dinámico, igual de trepi-

dante (incluso más, tal vez), pero sin la necesidad de hacer decenas de cortes en una escena de escasos minutos. Gravity es cine poderoso, honesto y humano, sin trampas sensibleras y cargado de alegorías sobre el renacimiento del ser humano (Bullock flotando en posición fetal o dando sus 'primeros torpes pasos' -cuando la vean lo entenderán-) tras un evento catártico (aquí tal vez muy extremo) y la fuerza vital que nos lleva a intentar sobrevivir a como dé lugar; y si bien es cierto que las alegorías podrían llegar a ser bastante obvias (ok, sí, lo son), no implica que sean menos efectivas. Es una cinta de acción espectacular (todo en el aspecto técnico es impecable) salpicada de breves momentos dramáticos que ayudan a la audiencia a conectar exitosamente con la historia y sus personajes. George Clooney interpreta correctamente (y no esperábamos menos de este carismático histrión) al experimentado Matt Kowalski, aunque la verdadera estrella es, sin duda alguna, Sandra Bullock, pues en su personaje recae toda la acción del filme, resolviéndolo con un trabajo por demás sobresaliente, aunque bajo mi humilde juicio, no es como para el Oscar (como han señalado muchos). Gravity es una experiencia cinematográfica que no da un minuto de respiro, no sólo por la trepidante premisa, sino porque visualmente es majestuosa (no hay ningún plano que no sea simplemente hermoso); una cinta que, a diferencia de otras, se debe presenciar en 3D, pues es parte esencial para que se experimente cabalmente. Cine de alta calidad, y sin duda alguna, de lo mejor que ha producido la industria hollywoodense este año. www.facebook.com/celuloidedigital

a película La vida de Adele (La vie d'Adèle: Chapitre 1 & 2, 2013) del tunecino Abdellatif Kechiche, llega con la Palma de Oro en la mano y con centenares de elogios recibidos en cuanto festival o evento cinematográfico se ha presentado. La historia, adaptada de la novela gráfica "Le bleu est une couleur chaude" de Julie Maroh por el mismo Kechiche junto a Ghalia Lacroix, relata el despertar sexual (lésbico) de Adèle (aunque en el material fuente lleva por nombre Clémentine), interpretada por Adèle Exarchopoulos, una chica amante de la literatura que no está completamente segura de su orientación sexual y descubrirá en Emma, encarnada por Léa Seydoux, al primer amor de su vida. Adèle, de 16 años, vive en conflicto interno por no estar completamente definida en cuanto a sus gustos sexuales; además de ser presionada por su grupo de amigas (o por lo menos dicen serlo) para que salga con Thomas (Jérémie Laheurte), un chico que muestra un obvio interés hacia ella. Adèle, más a fuerza que de ganas, acepta salir con el chico, se conocen, y a pesar de tener muy poco en común (a él no le gusta leer y la música que escuchan es diametralmente opuesta), ella accede a dar el siguiente paso en la relación, pero descubre que los chicos definitivamente no son lo suyo, por lo que decide no seguir adelante con la incipiente relación. Un día, mientras camina por las concurridas calles parisinas, se cruza en su camino una joven de cabello azul con la que intercambia miradas, pero ninguna se detiene para dar pie a lo que, obviamente, fue una atracción a primera vista. Deprimida y aún más confundida, acepta ir a un antro gay para acompañar a su mejor amigo; ahí, se encuentra nuevamente con la chica del cabello teñido y estudiante de bellas artes, con la que entabla una plática que con el tiempo se convierte en una poderosa relación que tiene que sortear no sólo los conflictos típicos de cualquier pareja, sino también los obstáculos que suponen los prejuicios sociales de aquellos a quienes consideraba sus mejores amigas.

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La cinta, que tiene tres horas de duración, cuenta con un sobresaliente, sólido y fluido guión con diálogos de gran frescura y honestidad; además, recurre frecuentemente al uso de close ups como parte de la propuesta visual de Sofian El Fani -que se ve decorada con una gran carga de tonalidades azules-. Las magistrales actuaciones de la pareja central (destacando Adèle Exarchopoulos, una joven que emana ingenuidad, inocencia, frescura y vitalidad, ofreciendo una interpretación avasalladora y resultando en un gran descubrimiento), sirven para que Kechiche ofrezca un retrato intimista del amanecer sexual de una joven, incluida esa larga secuencia de sexo explícito que supone el primer encuentro sexual de Adèle y Emma, una secuencia plagada de encuadres y long shots de una belleza sobresaliente que quedarán entre las mejores secuencias eróticas jamás filmadas. Desde la primera media hora del filme, donde se nos muestra la confusión, la angustia y los conflictos internos por los que atraviesa la protagonista, hasta la última media hora de la cinta, donde se abordan los no tan buenos resultados de los altibajos de la relación entre Adèle y Emma, la cámara somete a la pareja central al escrutinio del espectador para narrar, de manera contundente, la epopeya íntima y cruda sobre el primer amor en dos capítulos (esos a los que se hace referencia en el subtítulo original: Chapitre 1&2), y a los que corresponden las etapas por las que atraviesa la protagonista en la cinta: la primera, la de su iniciación en el mundo sexual lésbico; y la segunda, la de su aprendizaje en el terreno de las relaciones interpersonales. La Vida de Adèle es una trágica historia sobre el despertar sexual, así como de la búsqueda de nuestra libertad y felicidad en terceras personas, que sobresale por su magistral manufactura en todos los ámbitos: el guión, las interpretaciones y la dirección, cuya conjunción perfecta hacen de esta película (cuya premisa podría ser ordinaria) una obra maestra del cine contemporáneo muy alejada de un discurso pro gay.

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escubrir que la riqueza de tu esposo proviene de un sinfín de estafas puede ser una noticia decepcionante, pero saberlo y ser cómplice silenciosa es una decisión que Jazmín estuvo dispuesta a efectuar. Pero el conflicto no es saberlo y callarlo, sino que un tercero lo descubra, y una vez descubierto inicia el verdadero problema que Jazmín debe enfrentar: una nueva vida sin familia y sin lo más importante para ella, el dinero. Después de llevar una vida muy cómoda en una zona exclusiva de Nueva York, llena de lujos, fiestas, viajes, dinero, y en cierta medida amor, Jazmín debe irse a vivir a un barrio de clase media en un lugar de San Francisco en Estados Unidos, después de que su esposo fuera arrestado por fraude y ella quedara en la ruina. Ginger, su hermana adoptiva, la recibe en su modesto departamento en el cual vive con sus dos pequeños hijos. Jazmín debe acoplarse a su nuevo estilo de vida, el cual incluye el desempleo, tolerar a sus sobrinos, y criticar constantemente a la pareja sentimental de su hermana, que eso más bien es un favor, o al menos así lo ve ella. Un nuevo hombre adinerado aparecerá en su vida, con la promesa de un nuevo comienzo, pero el pasado, las estafas de su marido, sus crisis nerviosas, y su concepción banal de la vida pondrán a prueba su objetivo. Jazmín Azul, dirigida por el cineasta Woody Allen, está narrada en dos tiempos, por un lado el presente, en el cual Jazmín enfrenta su nueva vida, y por otro el pasado, momento en que el cineasta critica con humor la vida de la burguesía de Nueva York, rodeada de falsos rostros, amistades por convenien-

cia, infidelidades y un amor por interés, una vida feliz en la superficie. Woody Allen hace un trabajo esplendido en muchos sen-tidos, por una parte, la más sólida, el guión y la construcción de los personajes, que se complementan y cuentan con humor la tragedia de una mujer que ha quedado en la ruina financiera. Una vez más Allen recurre a los momentos más dramáticos para soltar destellos ácidos de humor, muy característicos en su filmografía. Si Medianoche en París fue una muestra de la madurez del cineasta, Jazmín Azul demuestra con maestría que puede volver sin ningún problema a mostrar un cine similar al de su mejor época, Annie Hall (1977) o Manhattan (1979) sin que esto signifique un retroceso, al contrario, es la muestra de una habilidad por contar nuevas historias usando recursos creados por el mismo. Mención aparte para la brillante actuación de Cate Blanchett como Jazmín, podría decir que camaleónica, de la mesura a la exaltación, de la neurosis a la locura, y de la comodidad a la tragedia. Sin duda gran parte del éxito de la historia de debe a ella, sin olvidar lo bien que lo hacen sus compañeros de reparto, mención a Sally Hawkins, el lado blanco de la historia. Woody Allen sorprende a más de a uno con esta nueva, trágica y divertida historia, la cual estará presente en más de una ocasión en la tan esperada temporada de premios a lo mejor del cine en Hollywood. Por el momento puedes encontrar Jazmín Azul en la 55 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, consulta horarios: http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra55/

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l nuevo trabajo del director bicéfalo (es decir, los hermanos Coen) se establece en la incipiente década de los años sesenta, para realizar una aproximación a la escena musical en Greenwich Village a través de la historia de un joven cantante de folk, el Llewyn Davis del título, quien lucha por ganarse la vida como músico, haciendo frente a varios obstáculos que la vida le presenta o que el mismo se crea. El talentoso (aunque poco afortunado) cantautor sobrevive gracias a sus amigos más cercanos o a los trabajos musicales que ofrece a personajes que le son casi desconocidos (¿a quién conocemos verdaderamente en este mundo?); sus andares lo llevan (con compañía felina incluida) a recorrer distintos estados de la unión americana buscando, en clubes y cafés, esa 'oportunidad dorada', incluso llegando a tener la oportunidad de audicionar para Bud Grossman (F. Murray Abraham), uno de los grandes dentro de la industria musical. A través del complejísimo personaje central (a veces es difícil generar empatía hacia él), interpretado extraordinariamente por Oscar Isaac, y del relato cíclico escrito por ellos mismos, los Coen vuelven a ofrecer un tratado sobre la

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condición humana, sólo que aquí lo hacen con una melancolía y elegancia brutales. El intimismo de la historia, la extraordinaria ambientación y manejo de atmósferas, la deliciosa música, así como las interpretaciones del elenco (sobresaliendo Carey Mulligan y Garret Hedlund en breves participaciones) la hacen una cinta verdaderamente sobresaliente; un filme con los clásicos elementos del cine artístico de los Coen (humor negro, salvaje ironía, corrosiva crítica social) pero llena de gran sensibilidad y con un gran corazón, como pocas veces visto en el cine de estos originarios de Minnesota. Inside Llewyn Davis por momentos es cruel y llega a ser hilarante poco después (si no, no sería de los Coen), pero no se le puede reprochar el hecho de siempre ser profunda y honesta; es una propuesta auténtica, intensa y emocionante sobre esos personajes que, aunque lo intentan, sólo pueden quedarse en el mismo lugar y ver como los demás se mueven, emigran, mejoran, etc.; sobre esos 'perdedores' que no logran 'hacerla en grande' y que casi no tienen nada ni a nadie, aunque eso no los hace menos grandes a ellos.

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odrigo Gudiño, fundador de la revista Rue Morgue, señaló en la presentación de su libro '200 Alternative Horror Films You Need To See' durante la pasada edición del festival Feratum en Tlalpujahua, que si se pretendía hacer un remake, se debería elegir 'rehacer' una película que no fuera perfecta, pues de lo contrario, la 'reelaboración' sería una pérdida de tiempo. Entonces, con esta gran aseveración en mente, no podemos dejar de preguntarnos: ¿por qué hacer un remake de Carrie? Todos sabemos que la versión de Brian DePalma es un clásico de culto en el Cine de Horror estadounidense y una de las mejores adaptaciones del material de Stephen King a la gran pantalla, por lo que sorprende que alguien se haya aventurado a la realización de una modernización del clásico; y resulta aún más sorprendente que ese 'alguien' sea ni más ni menos que Kimberly Peirce, quien en 1999 entregó la magnífica Los Muchachos No Lloran (Boys don't cry); un drama rural protagonizado por Hilary Swank (y por el cual recibió su primer Oscar) sobre una joven transexual que se hace pasar por hombre y cuyo secreto al descubierto le acarrea fatales consecuencias. Para esta nueva versión de la retraída adolescente que se descubre poseedora de asombrosos poderes telequinéticos, el rol principal ha recaído en Chloë Grace Moretz (Kick-Ass y Let Me In otro remake, por cierto-); mientras que para interpretar a su madre y fanática religiosa, la actriz elegida fue ni más ni menos que Julianne Moore (The Hours y The Kids Are Alright). En ambas recae casi todo el peso de la cinta, pues son las escenas que comparten (la malsana relación madre-hija bajo las estrictas reglas religiosas de la trastornada Margaret White) las que resultan más interesantes de todo el filme, y donde se muestra una gran química entre ellas como intérpretes, pero son muy pocas las escenas que comparten en pantalla, por lo que el resto del metraje se antoja débil y sin mucho interés para el público, por lo que más que nada, el principal problema del

remake es el cómo está contada la historia cuando no se trata de la relación madre-hija. La exploración del significado de la sangre al convertirse en mujer (la primera regla de Carrie o cuando Margaret da a luz -en una primera secuencia bien lograda-) y su relación con el descubrimiento (y manipulación) de los poderes de la joven, resultan bastante desaprovechados, se toman muy a la ligera; y el tiempo que pudo habérsele dedicado a una más profunda exploración, se otorga a la no mejor lograda subtrama del bullying sufrido por la apocada adolescente, aunque la utilización de celulares y redes sociales (en especial YouTube) para la humillación de la joven, resulta en un acertado detalla para la modernización de la historia, pero nada más. Además, aquí no se da el tiempo para construir el suspenso o la atmósfera de horror que se necesitaba para el climático tercer acto y las acciones de los otros personajes resultan precipitadas y sin sentido. ¿Recuerdan aquellas escenas en cámara lenta que precedían la sanguinaria broma a la ingenua protagonista que desataba su furia contra toda la comunidad estudiantil? Pues aquí son sustituidas por un montaje común que nos aleja diametralmente de ese ambiente de suspenso en el que nos mantenía la versión protagonizada por Sissy Spacek, a la que extrañamos enormemente con su actuación en la escena climática, pues aquí, Grace Moretz peca de sobreactuación en esa crucial secuencia con una exacerbada teatralidad, donde además, los efectos por computadora resultan un tanto obvios, y algunas escenas -ahora sí, en cámara lenta, sobre todo donde pretenden 'arrollar' a Carrie-, se sienten fuera de lugar. Carrie, pues, termina siendo una pérdida de tiempo, pues no ofrece nada nuevo respecto a la primera adaptación de la novela de King (de hecho, ni siquiera podríamos considerarla como una película de terror) y tampoco mejora ninguno de los aspectos que hicieron de aquella una gran obra de culto, a la que es mejor recurrir cuando de adaptaciones del papel al celuloide se trate. www.facebook.com/celuloidedigital

ras su exitosa adaptación de la obra El Chico de la Última Fila (original de Juan Mayorga) bajo el título En La Casa (Dans La Maison; 2012), el realizador parisino François Ozon, está de regreso con una sugerente mirada al despertar y descubrir sexual de una joven de 17 años. Dividida en cuatro capítulos, correspondientes a las estaciones del año pero también a los estados de ánimo por los que atraviesa la protagonista (comenzando por el caluroso verano y culminando con la esperanzadora primavera), Joven y Bella (Jeune & Jolie; 2013) sigue a Isabelle (Marine Vacth), una joven que tras perder torpemente la virginidad con Félix (Lucas Prisor), pierde toda idea romántica sobre la sexualidad y decide iniciarse en la 'prostitución selecta' para encontrar, por lo menos, un poco de emoción y excitación en esos encuentros clandestinos. Dentro del guión, escrito por el mismo Ozon, encontramos diálogos -sin inhibición alguna- que mantienen una profunda y directa relación con sus aventuras sexuales actuales (aunque estos diálogos tengan lugar con sus compañeros de escuela o con los miembros de su familia), esos encuentros casuales que pronto se con-

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vierten en lo más importante en la vida de la joven y con los que intenta llenar su vacío existencial tras la decepción de su 'primera vez'. A la vez, también se abordan de manera esporádica, algunos tópicos que desvían la historia principal (la historia sexual de la protagonista) hacia la disfuncionalidad familiar (su relación con su padrastro -Frédéric Pierrot- y la infidelidad hacia éste por parte de su madre -Géraldine Pailhas-), haciéndola perder un poco de fuerza y contundencia. La modelo Marine Vacth sorprende al ofrecer una digna actuación como la desilusionada Isabelle y por su excelente trabajo en las escenas de alto contenido erótico que requerían de su total entrega. Y ya que hablamos de las escenas eróticas, cabe señalar que ninguna de ellas resulta gratuita, al contrario, todas están presentadas por Ozon con gran elegancia que retratan con gran honestidad el descubrir sexual de la protagonista. Joven y Bella no alcanza el nivel de su filme anterior, y resulta no ser tan contundente, pero logra ser un elegante, sugerente y pasional relato sobre el descubrir de la sexualidad en la última etapa de la adolescencia cuyo visionado vale mucho la pena.

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ace tres años, el cineasta Jorge Michel Grau sorprendió con una historia sobre canibalismo en la gran urbe de la capital mexicana. Somos lo que hay, la ópera prima del realizador mexicano, presentaba a una familia de clase baja que quedaba bajo el desamparo tras la muerte del padre; el resto de los miembros (la madre y sus tres hijos dos hombres y una mujer-) tenían que sobrellevar la situación lo más rápido posible pues era preciso conseguir alimento para subsistir, lo cual no sería tan difícil si la familia no profesara cierto tipo de religión cuyos rituales les marcaran la ingesta de carne humana en determinada fecha (que casualmente coincide con la de la muerte del padre). Ante la buena recepción de la cinta en el extranjero, se generó un gran interés por realizar una nueva versión del filme mexicano; finalmente, y tras estrenarse en la pasada edición de Sundance en enero pasado, se estrena en México la versión dirigida por Jim Mickle, quien ofreció hace un par de años la eficaz Stake Land. Esta nueva versión, que mantiene el título original con el que el filme de nuestro compatriota se comercializó en el extranjero -We Are What We Are-, guarda muy pocas similitudes con la original, de hecho podríamos decir que lo único que tienen en común es el tema del canibalismo y la pérdida de uno de los padres, en todo lo demás es muy diferente: Aquí, la que muere es la madre de familia (Emma Parker, interpretada por Kassie DePaiva) y no el padre (encarnado aquí por Bill Sage), quien queda al frente del feroz clan, conformado por las dos jóvenes adolescentes (Rose y Iris Parker bajo las solventes interpretaciones de Ambyr Childers y Julia Gardner) y el pequeño Rory Parker (Jack Gore). Mickle se inclina por una puesta en escena más refinada, con una fotografía más elegante y sobria, incluso bella podríamos decir; pero lejos está aquella grandiosa sordidez del filme original que era uno de sus mayores aciertos. Aquí no existe el tema de los niños de la calle o las prostitutas asediadas por los caníbales ante la desesperación por conseguir alimento, tampoco se encuentra la

insinuada tendencia homosexual de Alfredo (Francisco Barreiro), el mayor de los vástagos de la familia, quien intenta ligarse a otro chavo (Gustavo, interpretado por Miguel Ángel Hoppe) en un antro (el famoso "Cabaretito" del D.F.) para llevarlo como presa al sanguinario rito. De hecho, el rito ha sido también 'suavizado', pues en esta versión no vemos a los miembros del grupo preparar el cuerpo de la víctima o comérsela directamente (como cuando el personaje de Paulina Gaytán comienza a devorar el muslo del taxista que ha llevado su madre a casa en la versión de Grau), sino que ésta es cocinada y consumida en la mesa familiar en un platillo combinado con una especie de aluvias, es decir, como un platillo común y corriente durante la cena. En la trama de esta reelaboración se ahonda más en el origen de la bizarra costumbre de la familia y se dan más datos sobre el rito, a través de la -no siempre eficaz- recreación de los pasajes de un libro que ha pasado de generación en generación y que ahora ha recaído en las manos de Rose, la mayor de las hermanas, a la que por cierto, también se la ha dado un interés romántico dentro de la historia, a través de su relación con un joven oficial del pequeño condado de Nueva York donde transcurre la historia. We are what we are presenta demasiados cambios respecto al filme mexicano y no todos resultan para bien, pues aunque técnicamente está mucho mejor realizada (el presupuesto obviamente influyó), es en su fondo donde encuentra su punto débil al tratar de explorar (a veces en exceso) la extraña costumbre de la no menos bizarra familia y tratar de explicar el porqué de dicha práctica; vaya, hasta la muerte de la madre es explicada y relacionada con el consumo de carne humana. Y es que si en algo acertaba la cinta de Grau, era en no revelar demasiada información sobre el clan y el rito, manteniendo una atmósfera opresiva y desconcertante, donde cada espectador tenía que completar subjetivamente la historia; la versión de Mickle, en cambio, es poco arriesgada y muy condescendiente. www.facebook.com/celuloidedigital

artiendo de la novela de Boris Vian, L'ecumes des jouurs (La Espuma de los Días), el cineasta Michel Gondry presenta, en una muy libre adaptación, la mágica/trágica historia de Chloe y Collin, una pareja de casados a la que su vida da un terrible vuelco cuando a ella le es diagnosticado un extraño padecimiento: un lirio acuático ha comenzado a crecer en uno de sus pulmones. En Mood Indigo, Gondry nos presenta un agridulce poema sobre el amor en dos capítulos que, si bien narrativamente no nos son señalados, son por demás identificables; todo esto a través de sus clásico y muy reconocible estilo surrealista. La primera parte del filme se enfoca en el idílico encuentro y posterior romance de la pareja central (Collin, un acaudalado y excéntrico creativo interpretado por Romain Duris; y Chloe, una elegante mujer con la que coincide en una fiesta y que es encarnada por Audrey Tatou) que culmina en una boda por demás entrañable; la segunda parte del filme se orienta al diagnóstico del extraño padecimiento de la joven y de las peculiares

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consecuencias en la vida de la pareja (él teniendo que trabajar de manera ardua y en absurdas condiciones para poder costear los elevados recibos del excesivo tratamiento; sus amigos envejeciendo diez veces más rápido de lo normal por estar el pendiente de ella). A partir de una estética que apuesta más por un look de fábula que de relato con tintes fantásticos, Gondry construye un mundo en exceso surrealista (llamémosle "barroco-surrealista"), lo cual impide que el público conecte fácilmente con la historia y con los personajes. Estamos tan distraídos por la forma (tanta parafernalia técnica y excesiva imaginería visual) que el fondo pasa a segundo plano. Mood Indigo podría ser una mezcla de dos de sus cintas previas: Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos y La Ciencia del Sueño, teniendo lo mejor de una y lo peor de otra. La genialidad de Gondry de Eterno Resplandor... está también aquí, pero al igual que en La Ciencia del Sueño, torpemente maneja el sentido emocional, por lo que a pesar de la química entre Tatou y Duris, al final no convence del todo.

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a nueva película del sobresaliente realizador Wong Kar Wai ha sido incansablemente promocionada como una biopic sobre Ip Man, el famoso maestro del legendario Bruce Lee, pero en realidad es una cinta que primordialmente se enfoca en otros tantos aspectos, antes que adentrarse en la vida del mítico personaje, y lo utiliza como un mero vehículo para hablar de una era en la historia de China. La historia de The Grandmaster transcurre en Foshan, al norte de la políticamente agitada China de la década de los '30s, donde el retiro del gran maestro Gong Baosen (Wang Qingxiang) es inminente, y tras el reto lanzado por el mismo Baosen a Ma San (Zhang Jin), éste termina por convertirse en sucesor. Ahí llega también Gong Er (Ziyi Zhang), hija de Gong Baosen y exclusiva heredera de la letal técnica de las '64 manos' (dentro del estilo conocido como 'Bagua'), encontrándose con Ip Man (apasionado por el estilo 'Wing Chun' encarnado por el actor fetiche del realizador, Tony Leung) y con el único y claro objetivo de rescatar el honor de las artes marciales. Wong Kar Wai nos ofrece un relato épico/histórico sobre el honor y la venganza en la China convulsionada, y dando mayor peso al personaje de Gong Er y en segundo lugar a Ip Man, pero dotando de una gran fuerza a la relación entre ellos, una relación que, por impedimentos éticos (él está casado) o por soberbia (ella es demasiado orgullosa para admitir su atracción), jamás llega a con-

sumarse, y nuevamente ofreciéndonos con ello una historia de amor imposible al más puro estilo de Deseando Amar o Happy Together donde los rechazos, las pérdidas y los romanticismos frustrados son una constante, añadiendo aquí también la importancia del arrepentimiento: "Imagina lo aburrida que sería la vida si no nos arrepintiéramos de nada", señala Gong Er casi al final del filme. No obstante la interesante propuesta del director por ofrecer un retablo de una específica era en la historia de China, la cinta no termina por convencer completamente en cuanto a su historia, pues carece de la profundidad tan característica de los filmes del realizador chino; el superficial relato se ve opacado por la inmaculada puesta en escena, desde las peleas perfectamente coreografiadas por Yuen Wo Ping (coreógrafo también de las secuencias de acción en The Matrix y Kill Bill, entre otras), hasta el soberbio trabajo de fotografía de Philipe Le Sourd, bajo la cual destaca aún más el cuidadísimo trabajo de dirección artística a cargo de William Chang Suk Ping y Alfred Yau Wai Ming. The Grandmaster es un ejercicio fílmico técnicamente impecable con el estilo reconocible de su artífice, aunque esta vez se ha alejado de su cine contemplativo para compartirnos una interesante experiencia de gran precisión visual y con poderosa fuerza expresiva; una película poderosamente formal pero un tanto raquítica en su fondo, ampliamente recomendable aún así. www.facebook.com/celuloidedigital

a obra del multidisciplinario (o todólogo) realizador chileno Alejandro Jodorowsky siempre se ha caracterizado por ser provocativa, desde su ya mítica ópera prima Fando y Lis (1968) hasta The Rainbow Thief (1990), que representó su gran inmersión en los terrenos hollywoodenses con grandes presupuestos tras el fallido intento de adaptación de Dune de Frank Herbert, así como la última película en la que trabajó como director hasta hoy, 23 años después, cuando ha regresado para presentar La Danza de la Realidad, una adaptación fílmica de un fragmento de autobiografía homónima editada en 2010. Su contundente filmografía (con apenas siete largometrajes, ya tomando en cuenta la que hoy nos ocupa) y las más de dos décadas en las que permaneció alejado del entorno cinematográfico, lo han convertido en una figura de culto -literalmente hablando-. Su lugar dentro de la historia artística (no sólo dentro de la cinematográfica) es incuestionable, lo que sí lo es, es su nueva propuesta tanto como figura mediática, como artista cinematográfico. Dentro del marco de la décimo primera edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, Alejandro Jodorowsky ofreció una conferencia magistral en la que pudimos ser testigos de la gran cantidad de 'fanáticos' (en toda la extensión de la palabra) que posee. Y es que no únicamente por la enérgica participación del público asistente (quienes gritaban eufóricos a la menor orden comandada por el chileno) se pudo observar el poder abrumador de convocatoria, sino también por la enorme cantidad de personas que se quedaron afuera del Teatro Morelos sin poder tener acceso por falta de lugares; no obstante, la multitud se abrió paso entre los miembros de seguridad y entraron por la fuerza al lu-

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gar del evento. Mientras tanto, Jodorowsky proseguía en el escenario con su acto de hipnotismo, de seducción, de convencimiento; un acto por demás tramposo, pues aunque al final el 'Maestro' ofreció una firma de autógrafos, estos eran condicionados por la adquisición de su autobiografía La Danza de la Realidad, así que si no poseías su autobiografía impresa, te quedarías sin su valiosa firma. Y es que con este 'nuevo' Jodorowsky pasa lo mismo que cuando compras un artículo de marca: Compras el nombre y el prestigio que (en apariencia) te otorga a ti como usuario/consumidor, no pagas el producto en sí, pagas la marca. Y fue así como NO pagamos por ver en La Danza de la Realidad una obra cinematográfica, pagamos por un producto marca Jodorowsky que fue verdaderamente decepcionante, un producto de un artista otrora provocador devenido a una especie de Paulo Coelho para hipsters. La cinta, valorándola exclusivamente como ejercicio fílmico, es pobre en más de un sentido, pero en lo que resulta más evidente, es en su guión por demás vanidoso y egoísta, aunque sobre todo, pretencioso -y mucho-. La historia de La Danza de la Realidad es la de su turbulenta infancia en Chile, pero es montada de una manera paupérrima, aunque no por lo limitado del presupuesto (que se calcula en $4mdd, reunidos entre aportaciones de sus seguidores y capital de productores franceses y mexicanos), sino por la nula propuesta cinematográfica del director. Las actuaciones son irregulares y algunos de sus protagonistas apenas se salvan de caer en lo ridículo, entre ellos Brontis Jodorowsky, interpretando a su abuelo Jaime Jodorowsky, o Pamela Flores en el rol de Sara, madre del director; mientras que al pequeño Jere-

mias Herskovits, quien interpreta a Alejandro en su infancia, se le nota la inexperiencia, pero también su gran esfuerzo por salir adelante en cuanto a las demandas del director. Además, al bastante irregular trabajo actoral del reparto, hay que agregar las apariciones del mismo director (vestido completamente de negro, claro está) a manera de 'conciencia' del pequeño Alejandro, rescatándolo alguna vez del suicidio inminente en un acantilado y recitando 'versitos' pseudo poéticos que se sienten tan fuera de lugar, tan forzados y tan superficiales, que rayan en lo absurdo. La Danza de la Realidad, según las palabras del propio director "No se parece a nada, no se parece a nada de lo que tú hayas visto", y ésta aseveración podría ser cierta si fuera la única película del mundo, pero para desgracia del director, la película no es ni novedosa ni distinta a su filmografía, pues mantiene su estilo extraño y sobrecargado, su personajes extravagantes entre los que se encuentran los tullidos, los deformes, los enanos y todos aquellos con los que se pueda provocar al espectador y manifestar una crítica hacia la religión o los estereotipos sociales contemporáneos. Así, más que una cinta 'novedosa', La Danza de la Realidad es repetitiva en cuanto a los esquemas que siempre han caracterizado al autor, la película es un capricho cinematográfico malhecho de un director reconocido alguna vez por su carácter propositivo y trasgresor, que ahora se dedica a predicar cosas que ni él mismo pone en práctica; un director que a la menor provocación despotrica contra el cine comercial y de consumo, pero condiciona su firma y 'obliga' a la adquisición de su libro, comercializando así de manera cínica, tanto o más que ese cine hollywoodense que tanto y tan efusivamente critica.

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he Act of Killing representa el segundo largometraje documental de la pareja estadounidense conformada por Joshua Oppenheimer y Christine Cynn, quienes hace diez años presentaron The Globalisation Tapes, que significó una exploración a la historia que ha llevado a la globalización actual (o de ese entonces, mejor dicho), y al cómo se puede luchar de manera unida contra la explotación obrera que se realiza mediante el militarismo y la represión en aras de construir una 'economía global'. Para este nuevo testamento histórico fílmico, a la pareja de realizadores se ha unido un nuevo director indonesio, el cual ha preferido mantener su identidad oculta. Y es que no es hasta que vemos The Act of Killing, que podemos cabalmente comprender la decisión del cineasta de mantener su anonimato, pues lo mostrado en pantalla es brutal. A mediados de la década de los sesenta, se realizó un militarizado golpe de estado en Indonesia, tras el cual, el General Suharto asumió el poder, y con esto, tuvo lugar uno de los peores (aunque menos conocidos) genocidios en la historia de la humanidad: Varios miles de 'comunistas' (que en realidad sólo eran personas que estaban en contra del régimen de Suharto) fueron aniquilados por los escuadrones de la muerte. Y son precisamente tres líderes de estas mortales agrupaciones, quienes dan testimonio de sus -según ellos- heroicas acciones. Anwar Congo, Herman Koto y Adi Zulkadry son los tres líderes militares que, con -mucho- gusto y -aún más- orgullo, hablan sobre las 'medidas' que tomaron para aniquilar a los 'comunistas', e incluso aceptan hacer recreaciones de los sucesos. Es así como podemos ver

al trío principal re visitar los lugares de las masacres o las bodegas donde se perpetraban las ejecuciones; a la vez, Congo no duda en demostrarnos la manera en que 'ejecutaba' a los 'comunistas' con tan sólo un poste y un alambre. O podemos ver también una violenta 'dramatización' de los momentos en los que una aldea entera es arrasada por las fuerzas militares. The Act of Killing es un testimonio perturbador, un escalofriante cuento relatado por los mismos ejecutores que perpetraron los crímenes; aunque aún más espeluznante resulta el hecho que, actualmente, estos deplorables personajes sean considerados casi héroes nacionales y gocen aún de un considerable poder en Indonesia, pues tanto el gobierno, funcionarios públicos, grandes empresarios, medios de comunicación, reputados periodistas y gran parte de la población, ven en ellos a grandes figuras a las que agradecen haberles otorgado la libertad y deshacerse de los 'comunistas'. Y para cuando comienzan los créditos finales, uno se pregunta si el mantener su identidad oculta le será suficiente al anónimo tercer realizador para mantener íntegra su seguridad, pues ante lo mostrado en pantalla y la manera en que deja parados a los tres líderes militares, no dudamos, ni por un segundo, que su cabeza ya tenga precio. The Act of Killing es un documental ampliamente recomendable (debería ser obligatorio, si me preguntan) que plantea una nueva forma en la que se aprecia la realidad y una nueva concepción de la Maldad; aunque seguramente, cuando hayan finalizado su visionado (si es que lo terminan, pues es difícil de ver -por lo denso, no por violento-) no querrán volver a verlo.

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l año en que México celebró el Bicentenario de su Independencia y el Centenario de su Revolución, diversos eventos cinematográficos fueron planeados para celebrarlo en la gran pantalla, pero sólo uno de ellos, El Infierno de Luis Estrada, no sucumbió ante el falso espíritu patriotero y presentó una realidad nacional que demostró, como bien marcaba su slogan promocional, que no había nada que celebrar. Un poco en la misma línea trasgresora, pero con un tono muy diferente, también se estrenó ese año Machete, la película dirigida por Robert Rodriguez en la que seguía al personaje encarnado por Danny Trejo en la franquicia de Spy Kids (también de Rodriguez) y hacía una extensión del falso trailer que acompañó al díptico Grindhouse (conformado por Death Proof de Tarantino y Planet Terror de Rodriguez). En Machete se exploraron las circunstancias que obligaron al antihéroe mexicano a dejar su país y refugiarse en los Estados Unidos desde donde planeo su venganza contra quienes lo traicionaron. Robert De Niro, Jessica Alba, Steven Seagal, Michelle Rodríguez, Cheech Marin, Don Johnson y Lindsay Lohan fueron sólo algunas de las estrellas que acompañaron a Danny Trejo en su historia de origen plagada de críticas hacia el tema de la inmigración, en medio de violencia, sangre, corrupciones, asesinatos y traiciones. A tres años de su estreno, Rodriguez da continuidad a la historia del ex judicial en Machete Kills, una secuela mucho más exagerada en todo sentido: desde el absurdo guión, que nos cuenta cómo

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Machete es contratado por el mismísimo presidente de Estados Unidos -Charlie Sheen interpretándose a sí mismo por enésima vez- para acabar con un poderoso traficante de armas conocido como Luther Voz (encarnado por Mel Gibson) que planea aniquilar al mundo vía una poderosa arma espacial, hasta los caricaturescos personajes entre los que destacan los de Demián Bichir (El Loco Méndez, un exlíder narcotraficante cuyo repentino padecimiento de múltiple personalidad lo convierte esporádicamente en un guerrillero defensor del pueblo), Sofía Vergara (Desdemona, una devoradora de hombres -literalmente hablando- que lidera un escuadrón de mortales prostitutas en Acapulco) y Lady Gaga (La Camaleón -ya con el sobrenombre se entiende todo-). Machete Kills es -obviamente con toda intención- más mala que la primera y, por ende, es más disfrutable si se va con la idea clara de lo que uno va a ver: lo absurdo en su máxima expresión... Y con cada escena que transcurre, más absurdo se va volviendo todo. Humor negro con referencias más que obvias a clásicos cinematográficos como Star Wars, el cine del 007 y el cine mexicano de Lucha Libre (obviamente los homenajes al Santo no podían faltar). Machete Kills es un mero pretexto para divertirse con la fórmula del personaje, la cual se antoja ya un poco gastada, por lo que esperamos que se le dé un buen final con la tercera entrega, Machete Kills Again.. In Space, la cual ya nos anuncian desde el comienzo de ésta (con todo y trailer), y sí, parece que será aún más absurda. La esperamos con ansías.

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Quién no ha deseado, alguna vez, poder regresar el tiempo, hacer las cosas de manera distinta, y con ello, mejorar su vida? Pues el director Richard Curtis, quien con una muy breve filmografía como director pero con un muy amplio currículum como escritor ha cambiado la historia de la comedia romántica en el viejo continente -sobre todo después de la magistral Cuatro Bodas y un Funeral (Four Weddings and a Funeral, 1994; Dir. Mike Newell)-, nos lleva de la mano por un fantástico relato sobre la posibilidad de poder viajar al pasado para corregir nuestros errores... Con todo y lo que esas alteraciones conllevan. Una cuestión de tiempo (About Time, apenas su tercer, y según él mismo ha asegurado, su último largometraje como realizador) sigue a Tim (interpretado por Domhnall Gleeson, o Bill Weasley en la saga Harry Potter para una mejor referencia), un joven retraído sin mucha suerte con las mujeres, que en su vigésimo primer cumpleaños le es revelado por su padre (el siempre fantástico Bill Nighy) un familiar secreto ancestral: los hombres de su familia tienen la capacidad de viajar en el tiempo. Así, tras una divertida verificación de que el secreto revelado por su progenitor no es 'puro choro', el joven decide emplear sus 'poderes' de teletransportación espaciotemporales para hacer de su mundo un lugar mejor (entiéndase conseguirse una novia). Tras un desastroso intento por ligarse a la mejor amiga de su her-

mana (con todo y viajes en el tiempo y creyendo que hace los movimientos correctos -y donde tenemos la primera gran lección de la cinta: "Ni todos los viajes en el tiempo pueden hacer que alguien te ame"), el desilusionado joven se muda a Londres donde conoce a Mary (Rachel McAdams), la cual se convertirá en el amor de su vida y tomará cierta ventaja de sus habilidades para conquistarla. Y mientras Tim intenta llevar su vida lo mejor que puede y echando mano de sus esporádicos saltos en el tiempo, la vida le enseña que no todo se puede resolver viajando al pasado y alterando sus acciones, pues de la suma de todas nuestras decisiones es que estamos hechos, ya sea para bien o para mal. Y para demostrar su teoría, Richard Curtis inserta ágil y hábilmente una serie de episodios familiares a lo largo de la cinta (el 'incidente' de la hermana y su novio o el del padre de Tim), alejándose de los terrenos de la comedia romántica para tomar caminos inesperados que hacen del filme un viaje introspectivo del personaje (al que obviamente siempre acompañamos) donde descubrirá que lo crucial de vivir el presente y sin la necesidad de saltar en el tiempo para valorar la vida. About Time brilla por su dirección y honestidad en su propuesta; un relato que en otras manos hubiera terminado por convertirse en una película no apta para diabéticos, aquí en las manos de Curtis es una entrañable cinta sobre sacarle todo el jugo posible a la vida... Y sin la necesidad de viajar en el tiempo. www.facebook.com/celuloidedigital

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loria está en la recta final de su quinta década de vida; divorciada y sin mucho contacto con sus hijos, tras sus actividades en su trabajo busca llenar un vacío (y un poquito de amor) a través de fiestas para adultos solteros, donde comúnmente se pierde en aventuras casuales sin sentido, las cuales momentáneamente, le brindan un poquito de felicidad. Esto cambia cuando conoce a Rodolfo, un hombre con algunos años más que ella, y con el que comienza una agradable e íntima relación, pero que se ve trastocada por el reciente divorcio de Rodolfo y de una enfermiza relación de codependencia que aún mantiene el sexagenario con su ex esposa y sus muy peculiares hijas. Con Gloria, el director Sebastián Lelio ofrece un audaz relato sobre la soltería durante la madurez femenina, sustentado por un maravilloso guión (escrito por el mismo Lelio junto a Gonzalo Maza) repleto de diálogos con gran honestidad y frescura, y con imágenes llenas de arrojo y valentía que dibujan una historia desbordante de humanidad sobre la vida de una mujer mayor en busca de su plenitud; todo ello complementado con una selecta banda sonora con grandes éxitos del ayer de grandes exponentes mu-

sicales latinoamericanos como Miriam Hernández, Paloma San Basilio, Massiel, y por supuesto Umberto Tozzi. Pero sin duda alguna, el gran soporte de la película, y su mayor acierto, sea el sublime trabajo ofrecido por la gran actriz Paulina García (un papel pensado y escrito ex profeso para ella, según ha revelado el director), en lo que representa su primer protagónico; la actriz se entrega completamente en pantalla para dar vida a Gloria, en un trabajo actoral que no ofrece condescendencias de ningún tipo, demostrando con ello el porqué se vio reconocida con el premio Oso de Plata a la Mejor Actriz en la pasada edición del Festival de Cine de Berlín. Gloria es una tragicomedia arrolladora sumamente emocional que no cae en sentimentalismos baratos, su enorme empatía con el público (los cálidos aplausos al final de la función fueron prueba de ello) es gracias a su honestidad y a que apela a una claridad y transparencia en su discurso que busca plasmar una de las etapas más difíciles de la naturaleza femenina, con un tratado fílmico sobresaliente y de gran respeto, en el que destaca esa magistral y exquisita secuencia final. ¡Gloriosa! www.facebook.com/celuloidedigital

he Counselor es un filme oscuro, que simplemente con ver el cartel, mucha gente elegirá verla. Otros tantos lo harán al enterarse cómo se complementa el filme, que va desde un reconocido director, un buen escritor y un grupo de actores de renombre. Es dirigida por Ridley Scott, basada en un guión del escritor Cormac McCarthy, autor de Sin lugar para los débiles. Además de tener reconocidos y taquilleros actores en el reparto como son Brad Pitt, Natalie Dormer, Michael Fassbender, Javier Bardem, Penélope Cruz, Cameron Diaz, John Leguizamo, Goran Visnjic, Bruno Ganz, Rosie Pérez y Rubén Bla. El Abogado del Crimen, título que llevará en nuestro país, nos narra la historia de un prestigiado abogado que se introduce en el mundo del tráfico de drogas, como asesor legal de un poderoso capo del narcotráfico. Él cree que puede conseguir cuantiosas sumas de dinero, sin verse afectado por la violencia y riesgos que conllevan entrar al crimen organizado. Retrata las consecuencias de la avaricia en un mundo donde no existen reglas ni fronteras. La historia gira en torno al abogado que encarna Michael Fassbender, quien al parecer lo tiene todo: Es un exitoso en su profesión, cuenta con un buen estatus económico y además está enamorado de una bella mujer, Penélope Cruz. La primera escena de la película tiene gran contenido erótico, aparecen entre sabanas blancas, con diálogos divertidos propios de una pareja enamorada, planeando su vida amorosa; ellos son el abogado y su novia, Laura. Ella es una mujer buena, tradicionalista y religiosa sin vínculos en el nar-

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cotráfico hasta que su novio entra en ese mundo. El abogado ya tiene asuntos con el capo del narcotráfico Reiner, el papel de Javier Bardem, un hombre con gran poder, con varios años en el negocio y por ende numerosos contactos en el mundo del hampa. Él lleva una vida de lujos y exageraciones como los capos de la droga saben hacerlo, desde el vestir estrafalario, las casas, los autos y no pueden faltar los animales exóticos. Además, Reiner posee algo muy importante y parte medular de la historia, una mujer fatal, su compañera Malkina, que cabe resaltar es un papel muy bien encarnado por Cameron Diaz. Ella, con quien comparte su ostentosa vida, es una mujer materialista, altamente sexual, fría y codiciosa en todos los sentidos; tiene mucho poder sin él saberlo, pero para ella nunca es suficiente. Entre ellos también aparece un misterioso hombre de negocios con contactos en el mundo de la droga llamado Westray, que encarna Brad Pitt. Él trata de advertir al abogado que el mundo del narcotráfico no es sólo dinero y que debe tener una estrategia y formas de desaparecer si fuera necesario. Aún así, el abogado entra al negocio y decide correr los riesgos. La acción comienza en la frontera con México con un cargamento que tiene que cruzar a Estados Unidos y el sinnúmero de contratiempos que surgirán. El Abogado del Crimen es un thriller oscuro e inquietante, contiene mucha acción, violencia y asesinatos, que entretiene y son válidos en este género, pero que no terminan de atraparte con la historia, rescatándole únicamente el buen reparto y las interpretaciones.