CELULOIDE DIGITAL - FEBRERO 2013 by Celuloide Digital

#1 HITCHCOCK | La (nueva) venganza de Tarantino - Pág. 31 #2 LES MISÉRABLES | Épica adaptación sin corazón - Pág. 37 #3 THE MASTER | El Perro y El Amo - Pág 41 #4 BEASTS OF THE SOUTHERN WILD| Un viaje entre la realidad y la fantasía - Pág. 45 #5 CUATES DE AUSTRALIA | El Éxodo y la Muerte - Pág. 49 CARTELERA | La oferta fílmica de febrero - Pág 53

CINE EN CASA | Novedades en formato casero - Pág. 59 PANTALLA CHICA | Cine en TV Pág. 61 SONIDOS DEL CELULOIDE | Jerry Goldsmith - Pág. 63

Ilustración digital: http://reksdark.deviantart.com/

Ya estamos en el segundo mes del año por lo que les tenemos preparadas dos portadas distintas de cintas altamente anticipadas, la primera correspondiente a la biopic del Maestro del Suspenso: Hitchcock; y la segunda, a la megaproducción musical basada en la novela de Víctor Hugo bajo la dirección de Tom Hooper. De ambas cintas les tenemos la reseña, ¡no se las pierdan¡ Además, les tenemos reseñas de The Master y Beasts of the Southern Wild junto con información de Cuates de Australia, documental que hemos elegido como el estreno nacional del mes. Ilustración: Fran Reza

Tadeo Jones (o Tadeo: El Explorador Perdido en México) y Metal y Hueso, son otros de los estrenos de los que tenemos reseñas en las secciones 'El Niño que todos llevamos al Cine' y 'Latitud 7’ La reseña de Hysteria -que sigue rondando la cartelera nacional y pronto llegará a formato casero-, un adelanto de Oz: The Great and Powerful y la recomendación fílmica de Following -ópera prima de Christopher Nolantambién están en este número.

Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Sweet Bloody Dreams Mauri J. Amaro Bautista Rafael Mejía Julio Nuñez Marquez Pablo Peñalver Cinevidente Bent Siniestro Sexual

Todo esto y mucho más en la nueva edición de Celuloide Digital.

¡Bienvenidos!

Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras. Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

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Con motivo del 20 Aniversario del estreno de la aventura prehistóricacontemporánea, este año se relanzará la película dirigida por Steven Spielberg en formato 3D. El próximo 30 de agosto regresarán a las pantallas Sam Neil, Laura Dern, Richard Attenborough y Jeff Goldblum acompañados por el T-Rex, los Triceratops, algunos Pterodáctilos y los temibles Velociraptors.

Recientemente se dio a conocer la alineación cinematográfica que tendrá la adaptación a la pantalla grande de la Liga de la Justicia y varios han quedado decepcionados por la decisión de excluir a varios personajes que a lo largo de los años han pertenecido al heroico grupo. Y es que históricamente hablando, sería imposible tener en la pantalla grande a todos los miembros de la Liga que han desfilado por ésta superagrupación de DC Comics. Hasta el momento, se sabe que Superman, Batman, Wonder Woman, Green Lantern y The Flash serán quienes protagonicen la película que llegará a los cines en 2015 y que cuenta con un guión escrito por Will Beall (responsable de Gangster Squad) que recientemente ha sido entregado a David S. Goyer (guionista de la próxima Man of Steel) para que revise, corrija y/o aumente el guión original de Beall. Por ahora, aún no hay director (aunque se dice que al ya mencionado David S. Goyer le han ofrecido dicho puesto) o protagonistas confirmados para el film en el que se rumora que Aquaman, Martian Manhunter y Hawkman podrían tener un cameo para establecer un poco a éstos personajes e introducirlos de lleno en la posible secuela; hay que señalar también el poco interés que han mostrado en incluir a Green Arrow dentro de la alineación (ni siquiera a modo de cameo) ¿Será porque ya tiene su propio protagónico en la serie Arrow? En cuanto al villano a vencer en este megaevento fílmico, se dice que será Darksaid, pero eso sólo el tiempo lo dirá pues para que el proyecto de la Liga de la Justicia tenga luz verde, DC Entertainment ha decidido esperar a ver los resultados en taquilla que tendrá la próxima película de Superman en junio próximo y así permitir que continúe la preparación de la superproeducción.

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Sustantivo femenino, del griego hystéra, que significa matriz. "Enfermedad nerviosa que produce cambios emocionales frecuentes y ansiedad, y en ocasiones convulsiones y alucinaciones". "Estado de excitación excesiva producido por una situación temporal anormal". "Es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de hard rock Def Leppard". "Largometraje estrenado en el año 2011 y exhibido en México hasta 2012”. Por definición, una cinta con un buen porcentaje de contenido sexual, critica social y sin grandes recaudaciones en taquilla, va a tardar en ser exhibida en México, ya saben "la moral y buenas costumbres". Si a eso le agregamos un título que no suena atractivo sino más bien cargado de tensión y enfado acumulados, el pronóstico es que no pase de una semana en cartelera. Sin embargo, Hysteria resulta una comedia romántica y pícara que alienta a investigar un poco acerca de la forma de vida en la Inglaterra del siglo XIX, cuando las mujeres bien asistían al médico para tratar los síntomas de su pade-

cimiento: ansiedad, insomnio, aumento en el apetito, entre otras y que se mitigaban con suaves masajes pélvicos semanales. Incluso una paciente necesitaba de dichos masajes para recuperar su capacidad para cantar en tonos de soprano. Como muchos inventos muy prácticos pa-ra el desarrollo tecnológico, el descubrimiento del masajeador pélvico resulta de una serendipia, una acción accidentada proveniente de un sacudidor de polvo mecánico, cuya vibración permitía relajar los músculos más atormentados. La base científica del placer no podría resultar más cómica tratándose del alivio de las necesidades femeninas más íntimas para cuyo esfuerzo se requería de auténtico sudor y preocupación médica.

Es así que Tania Wexler mezcla los estereotipos de una sociedad regida por las buenas costumbres, pero sobre todo, la apariencia de la mansedumbre femenina, aunada a la contrastante situación precaria de los menos favorecidos y la actitud conservadora con respecto a la investigación científica, todo ello para cuidar el status proveniente de una carrera intachable o bien, la procedencia de una buena familia. No es de extrañar entonces que el personaje principal de esta historia, sea un médico de ideas pujantes, basadas en los descubrimientos en favor de la cura de enfermedades, pero con alto sentido social: curar a quiénes realmente lo necesitan sin importar la apariencia o el nivel económico del paciente. No sería extraño que su benefactor fuese de familia acomodada, con igual gusto por el descubrimiento de cosas nuevas, pero con el desenfado de quien nada tiene que perder en la vida. Ambos personajes, interpretados por Hugh Dancy y Rupert Everett, aunados a su antagonista, un preocupado pero ortodoxo Jonathan Pryce, muestran el lado científico (sin que por ello deje de ser cómico) del uso de los consoladores, única y exclusivamente para evitar el sufrimiento de las mujeres histéricas, más aún, de su alivio corporal cuyo reflejo inevitable, era la tranquilidad óptima de la mujer británica del momento. Entonces llegamos al prototipo de la mujer casadera (no histérica por el momento), cuya imagen va de la mano con sus modales, vestimenta y buenas maneras: sabe regir un hogar, conoce las actividades propias como tocar el piano

o leer a la luz natural en pose perfecta sentada en la banca del parque; escucha atentamente a los hombres presentes aunque su opinión no valga en lo mínimo y, acepta la protección y buen nombre que se le ofrece apenas llegue un candidato aceptado por su padre, quien decidirá el monto de la dote basándose en dicho candidato, sin importar realmente lo que ella piense o sienta al respecto: lo asumirá como la mejor opción. Nada que ver con las mujeres histéricas: tienen ideas fuera de lo común, no duermen por estar llevando asuntos que no corresponden a su papel en la familia, hablan con aspavientos o gritan, no se dejan dominar o lo peor, tratan de dominar a otros para lograr lo que buscan...Exacto, no están enfermas, pero sí catalogadas como tal. Maggie Gyllenhaal da vida a este personaje fuera del contexto armónico del momento, pero cuya labor hace juego con el joven médico, más allá de sus creencias y búsqueda de afianciamiento en el servicio a sus pacientes.

Por supuesto, el lado feminista está presente, sin hacer mella a la armonía de la historia. Las pacientes representaban el lado silencioso de la insatisfacción o simple falta de atención de sus maridos; la progresista, cuya edad ya excede el límite para ser casadera, grita para oídos sordos lo que no se quiere escuchar. Es la antesala a la lucha por la igualdad, o por lo menos el derecho de la mujer para elegir lo que quiere, expresar lo que necesita o no le parece, así como sentirse libre y no prisionera entre los muros de su casa, en donde sus labores las determina el consenso social, acordado por hombres.

Curiosamente, pareciera que la histeria se ve manifestada en los personajes masculinos, pues tienden a perder los estribos y a sujetarse a sus principios, con el resultado colérico y ansioso que debieran presentar las mujeres, lo cual es un excelente juego de roles en la trama victoriana, no exenta de buen humor. De hecho, las escenas contrastantes permiten hacer ese juego visual y auditivo, como el momento en que se probará el masajeador en una de las pacientes insatisfechas: las cabezas de los médicos e inventor asomadas hacia la pelvis de la mujer con auténtico interés de ver un resultado; la cara de enojo y escepticismo de la paciente que conforme avanza el masaje va quitando la rigidez para dar paso a la sorpresa y luego al gozo que culmina en una potente aria operística. A sabiendas de que tuvo que haber sucedido, es una delicia imaginar como los actores se vieron envueltos en esta doble situación: mostrarse con la propiedad adecuada de los médicos serios, haciendo lo menos serio y recatado ante los ojos de la moral y las buenas costumbres, como es introducir el dedo en una vagina, sin perder el porte. De igual forma las pacientes en su papel de señoras bien, con sus sombreros y sus vestidos hasta el cuello, permitiendo que un hombre les diese el placer que sus esposos no lograban otorgarles.

La dinámica de la historia no es tan lenta como la de otras películas de época, pero no busca la rapidez de pensamiento de las comedias románticas comerciales, puesto que hablar de consoladores, sean humanos o técnicos siempre da cabida al chiste, al morbo y en este caso, a la originalidad del discurso y de la retórica de la imagen, pues no permitieron que el trasfondo se perdiera entre el cosquilleo sensual de un aparato; o más aún, los personajes en ningún momento hicieron pensar al auditorio que habría escenas escandalosas entre largas faldas de tafetán o en el camastro del consultorio. El verdadero mensaje que deja es: mujeres, no aparenten estar bien si no exigen sus regalías. Hombres, que el dedo de un extraño no les robe la pasión de sus mujeres. Y si los consejos no funcionan, la tecnología y las sex shops tienen la solución.

Hablar de el Mundo de Oz es remontarme hasta 1939, año en el que Judy Garland interpretó a aquella niña que enfrentó un sinfín de aventuras al lado de un León, un Espantapájaros y un Hombre de Hojalata... Y cómo olvidar al pequeño Toto. Para los que no la han visto, es un musical ampliamente recomendable que les enseñará un poco del buen cine de aquellas épocas. En esta nueva historia próxima a estrenarse, dirigida por Sam Raimi, vemos quizá lo que pueda ser la precuela de aquella película, vemos a un Mago llamado Oscar, que viaja en un globo y es atrapado por un tornado en la ciudad de Kansas, de ahí es llevado a un mundo mágico en donde conoce a las brujas Theodora, Evanora y Glinda, las cuales, quizá hasta cierto punto le ayudaran a encontrar al verdadero ser humano que habita en su interior. Para los que no han visto el tráiler es ampliamente recomendable, ver la cantidad de efectos especiales bien logrados, los colores que se manejan y la recreación de este fantástico mundo, los clásicos chimpancés con alas y gorrito de botones de hotel. ¿Qué podemos esperar de esta nueva película del mundo de Oz? No sé si seguirla llamando precuela, pero de que tendremos un deleite visual lo tendremos; la ambientación increíble, una historia bien contada y muchos, pero muchos efectos especiales. Y claro cómo olvidar el taco de ojo para los hombres con Mila Kunis. Ahora nos queda una duda ¿Pretenderá Sam Raimi hacer una trilogía de ésta?, esto dependerá de la taquilla de esta fabulosa Aventura.

http://youtu.be/ZrAPtrg-gCU

Hitchcock se encontraba en medio de la adaptación de la novela The Birds de Daphne de Maurier a la pantalla grande cuando se encontró con una noticia en el diario respecto a una lluvia de gaviotas sobre las casas de la Bahía de Monterrey al sur de San Francisco durante la madrugada del 28 de agosto de 1961. Inspirándose principalmente en este misterioso suceso (que hasta 50 años después -sí, apenas en 2011- se reveló que la posible actitud suicida al más puro estilo kamikaze de las aves pudo deberse a envenenamiento) el cineasta entregó un par de años después la cinta más espectacular de su carrera y una de las más emblemáticas de su filmografía. La trama de la cinta se centra en Melanie (interpretada por Tippi Hedren), una chica adinerada de San Francisco que se enamora a primera vista del abogado Mitch Brenner (Rod Taylor) en una tienda de mascotas donde éste busca una mascota como regalo de cumpleaños para su hermana menor Cathy (Veronica Cartwright). En la tienda, Mitch trata a la joven snob de manera despectiva pues, por las publicaciones de la prensa, conoce la alocada vida que lleva; el trato descortés deja bastante irritada a la joven pues está acostumbrada a recibir trato especial. Para intentar cambiar la primera impresión que ha tenido de ella el abogado, Melanie compra un par de periquitos y decide llevarlos a la casa de los Brenner en Bodega Bay con el pretexto de regalárselos a la pequeña Cathy. Tras su llegada, comienzan a ocurrir diversos ataques de aves hacia los habitantes del lugar; mientras el tiempo pasa, los ataques son cada vez más numerosos y salvajes. Omitiendo toda explicación racional al asesino comportamiento de las aves, Hitchcock coquetea con el género del terror en su cinta más espectacular de su carrera con un final apocalíptico que se planeaba extender con la llegada de las aves hasta San Francisco. Como recordarán, la escena final del filme muestra a los protagonistas escapando en su auto-

móvil hacia San Francisco mientras son observados por centenares de pájaros que han rodeado la casa de los Benner; varias decenas de los volátiles animales se encuentran en el tierra, otros tantos posados sobre postes, los cables, las escaleras, los árboles, etc.; pero el final que el Maestro del Suspenso tenía planeado era otro más espectacular, épico: los personajes centrales llegaban a San Francisco pensando que todo había sido dejado atrás y sintiendo gran alivio, pero pronto se daban cuenta que había pájaros posados a lo largo de todo el puente Golden Gate y en los edificios de la ciudad. La carencia de recursos, tanto tecnológicos como monetarios, impidieron que se filmara esta última secuencia. El reto técnico al que Hitchcock tuvo que enfrentarse para lograr la espectacularidad en este film, no fue nada comparado con lo que sufrió su actriz protagonista, pues además de ser accidentalmente lastimada en la cabeza durante la filmación cuando se le lanzaba una gaviota falsa impulsada por un cable, Hedren tuvo que soportar el martirio psicológico del que fue víctima por parte del mismo director pues, dicen, éste se había ensañado con la actriz cuando esta rechazó las 'propuestas indecorosas' del cineasta.... Bueno, como esto ya va tomando tintes de artículo de chisme barato, mejor concluyamos este texto. The Birds, que este año celebra su 50 Aniversario, constituye una de las cinco cintas más emblemáticas de Hitchcock y en la que tuvo que utilizar todo su talento técnico y narrativo (¡y vaya que tenía!) para crear efectos visuales que le permitieran alcanzar la espectacularidad que su relato requería, gracias a ellos la cinta fue nominada al Oscar por los Mejores Efectos Especiales; además la guapísima Tippi Hedren fue reconocida con el Globo de Oro como Mejor Actriz Revelación por el papel de Melanie.

Aunque os cueste creerlo, amigos, hubo un tiempo en el que Christopher Nolan hacía películas con menos de 200 millones de dólares. Y es que todos pensamos en Nolan como en la máquina de hacer dinero en Hollywood, como el máximo exponente del cine comercial de alta gama. Sin embargo, muchas veces olvidamos que el señor Nolan es un humano más y que, como el resto de los humanos, ha tenido que empezar desde cero… ¡Y vaya comienzo! Si echamos la vista atrás, encontraremos que, tras el cortometraje Doodlebug (de apenas 3 minutos y bastante simplón), su primera película fue Following, una pequeña joya con la que os voy a dar la chapa un rato. Following es, sin duda, la película más sencilla (técnicamente) que ha realizado (y realizará jamás) Christopher Nolan. Una película de apenas 1h y 10 minutos (muy lejos quedan esas 2h 40 min de Batman), rodada durante los fines de semanas que el director y el equipo tenían libres, en 16 mm, en blanco y negro y con tan sólo $6000. En resumen, puro Nolan's style…

Sin embargo, el filme ya deja entrever los entresijos en los que se va a basar el cine del director británico. Por supuesto, y como no podía ser de otra manera con Nolan, la película parte de una idea o situación inicial cuanto menos misteriosa. Un joven escritor está preparando su ópera prima pero no encuentra la inspiración. La sequía creativa que vive le empuja a salir a la calle y a seguir a desconocidos en busca de una iluminación. Sin embargo, las reglas que el propio joven se impuso (no seguir a una persona más de un día, si averigua dónde trabaja o dónde vive debe dejar de seguir a esa persona, no seguir a mujeres cuando cae la noche…) empiezan a desvanecerse cuando su afición empieza a convertirse en obsesión. El joven empieza a seguir a un hombre que, advirtiendo que tiene compañía, se le presenta como Cobb, un ladrón en serie que, más que disfrutar irrumpiendo y robando en las casas de sus víctimas, se deleita hurgando en las pertenencias de éstas. El joven escritor, atraído por la personalidad de Cobb, se ve empujado a su estilo de vida, que éste resume en: “llévatelo y muéstrales que lo tienen”. Así pues, con estas premisas, ¿por qué recomiendo Following?

Siempre es curioso echarle un vistazo a las obras primas de los grandes directores que hoy en día son máquinas de hacer dinero y, como decía al principio, descubrir que ellos también fueron humanos y tuvieron pocos medios. Normalmente estos visionados no van más allá del mero hecho de satisfacer nuestra curiosidad; sin embargo, en Following nos encontramos con un filme muy bien construido y muy buen realizado. Un estupendo guión del propio Nolan y una efectiva dirección nos llevan hasta una obra prima atípica muy alejada del típico tópico del cine de bajo presupuesto europeo (si consideramos al Reino Unido como Europa…).

No se engañen, Following es cine comercial. De bajo presupuesto, pero comercial. Y, como todo lo que acostumbra a hacer Christopher Nolan, es cine de calidad. Memento, El truco final, la trilogía de El Caballero Oscuro, Inception… El presupuesto de sus filmes ha ido en aumento, pero la calidad es algo que siempre ha estado ahí, en mayor o menor medida. Una buena historia, desordenada con constantes flashbacks y flashforwards que descolocan al espectador, al que se le van dando poco a poco las piezas del puzle para que él también sea partícipe de esa experiencia que es el cine y que es contar una historia. Por supuesto, todo es comprensible y está muy bien explicado para que el espectador no se pierda. En resumen, entretenimiento puro y de gran calidad al menor precio. Como se suele decir: bueno, bonito y barato. Following es sin duda el germen del cine de un director que realiza, en mi humilde opinión, el cine comercial de más calidad que se hace actualmente en Hollywood.

Hay niños que sueñan, en el jardín de su casa, que se convierten en grandes exploradores y acaban trabajando en la construcción. Son los llamados a ser protagonistas de estos sueños colectivos que llamamos películas. Lo son, porque su empeño, impulsado por una fe inquebrantable en el mañana, les lleva a embarcarse en esa aventura que la vida, al menos una vez, nos brinda a todos. Y lo son, sobre todo, porque despiertan al niño que todo español parado de la construcción, todo cinéfilo, y todo ser humano, lleva dentro. Esa misma historia, la que hemos visto tantísimas veces en el cine, es la que nos presenta Tadeo Jones. Este obrero, arqueólogo de corazón, se verá involucrado en una trama de contrabando de antigüedades y sobre sus hombros recaerá la responsabilidad de salvar el tesoro de los Incas. Por el camino: una chica (siempre la hay) al más puro estilo Lara Croft, algún estereotipo cultural de dudoso gusto, mascotas dispuestas a poner los gags de humor, malos malísimos, guapos guapísimos y demás tópicos del género. Después de todo, Tadeo Jones es una película fundamentalmente de género. Antes que tacharla de predecible y lineal, me gusta pensar en ella como una iniciación, libre de pretensiones, al cine de aventuras para unas mentes, las de los más pequeños, que no han visto tanto como nosotros. La película a ese nivel funciona bien, resulta entretenida y al margen de algún guiño, no abusa del humor referencial.

La animación, sin llegar a ser espectacular, sorprende por su solvencia. Sin grandes despliegues, la película logra sus objetivos y en ningún caso declina al pastiche de cartón piedra al que las producciones no estadunidense nos tiene acostumbrados. Habría que destacar también la nada desdeñable cantidad de detalles que adornan las localizaciones que visitan los personajes. El tren, las calles, reflejan un Perú, si no excesivamente real, al menos alejado del tópico de favela brasileña con el que, por desgracia, el cine Europeo suele representar Sudamérica. Tadeo Jones es una película comercial, con un mensaje comercial. La superación de los miedos, la falsedad de las apariencias, la importancia de los sueños y el valor, conforman una amalgama almibarada de buenas intenciones que difícilmente cala en el espectador. Tampoco lo pretende, Jones no engaña a nadie, nos encontramos ante una película de acción y aventuras, que entretiene y hace reír a los más pequeños. Lo cual, si lo piensas bien, no es poco. Pero quizá la coyuntura dote de un aura especial a este patético personaje. Al menos para una España acomplejada, que soñaba con convertirse en algo grande, y que se encuentra con que es el peón de la gran Europa. La animación es, afortunadamente, una de las pocas disciplinas en las que España puede andar con la cabeza medianamente alta. Ante el gigante americano, el joven Tadeo que, por qué negarlo, toma la estética, la iconografía, la personalidad y hasta el apellido del todopoderoso Jones, se presenta sin complejos, de tú a tú. Ya habrá tiempo, espero, de contar historias más cercanas, de proponer esquemas más originales, de enseñar a los niños a estar orgullosos de ser quienes son. Llegará un día en el que no nos acomplejaremos de llamarnos Tadeo,si no, déjenme, al menos, soñarlo en mi jardín.

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Conviene señalar que Tadeo Jones ha supuesto un hito en la historia del cine español, no tanto por ser la película más taquillera en su estreno de la historia, que también, sino por los medios que le han llevado allí. El personaje nació allá por el 2001 de una pequeña productora (La fiesta PC) y de la cabeza de un gran hombre, Enrique Gato, en forma de cortometraje “Tadeo Jones”, uno de los más premiados del cine español. Pero ha sido el empeño y la fe de sus creadores, al más puro estilo Tadeo, con la realización de un segundo cortometraje, lo que ha llevado al personaje a gozar de su propio largo. La clave del éxito, al margen de la buena factura de la cinta, ha estado, sin duda, en el hecho de que Telecinco Cinema participara en el proyecto. En España, las televisiones españolas, están obligadas por ley a invertir una parte de sus beneficios en cine. Hace tiempo, Telecinco convirtió esa obligación en un negocio y, echando mano de la más absoluta comercialidad, han logrado sacar adelante proyectos, que copian mucho de los cánones yanquis, pero que arrasan en taquilla y ayudan a combatir la repulsión que todo español tiene, paradójicamente, a una película española. En este país que no ama su propio cine, por considerarlo pedante e inútil, estás películas americanizadas ayudan, por increíble que parezca, más que ninguna otra al cine patrio. Pero en este caso se combatió además otro mal endémico de nuestro cine, la falta de publicidad. En España se producen unas 400 películas al año de las que, a penas 10, llegan a oídos del gran público. El grupo de Telecinco, Mediaset, controla una gran cantidad de canales en Televisión, programadores de auténtica basura por qué no decirlo, pero rebosantes de audiencia. Y en ellos el bombardeo fue constante, machacante, casi insufrible, hasta llegar al bendito punto en el que absolutamente todo el mundo tenía ganas de ver la película. La concentración vertical, tan nefasta para la industria, es la que ahora mismo mejores resultados da en nuestro país. Como se puede observar se trata de una situación cargada de paradojas, que nos lleva, por lógica y desgracia, a preguntarnos aquellos de que el fin quizá justifique los medios.

“No se puede estar fuera de las categorías de aceptación”, dicta una especialista en una secuencia de la película, y es que vivimos en una sociedad creadora de categorías y perteneciente a las mismas, entonces qué ocurre cuando una persona o tres experimentan una situación que rompe con una de estas categorías, como la del amor entre dos personas, ¿a caso no se pueden amar mutuamente más de dos al mismo tiempo? El cineasta Tom Tykwer plantea una respuesta: Tres. Hanna y Simon son una pareja que llevan viviendo juntos 20 años, sin hijos y sin un casamiento legal, sólo ellos dos, lo necesario para crear una familia, un hogar. Su relación va cuesta abajo, las rutinas, las discusiones, los intereses distintos y el exceso de trabajo asfixian la relación; ella es conductora en un programa televisivo y él dirige un despacho para crear arte. Un tercero, Adam, aparece en la vida de ambos, como el elemento que dota de equilibrio y al mismo tiempo de escape a su relación. La pareja desconoce que la “infidelidad” que ambos realizan es con la misma persona. Adam transforma a la pareja, la fortalece y dota de una nueva etapa sexual y sentimental.

Sin saberlo, ninguno de los tres, son parte de un ménage à trois, de una relación de tres, sólo sexual en un principio, que tendrá que enfrentar los prejuicios, las categorías, la aceptación y dejar fuera las ideas deterministas de la biología para poder existir. El resultado es más que una decisión es también instinto, sentimiento y placer. Y como decía la especialista del principio, “persistir en su propio ser significa, para Spinoza, no ser el mismo, sino que significa una expansión, transformación de todo lo dado”, y eso mismo es lo que probablemente tendrán que hacer este trío, expandir no sólo el amor que se tienen, sino expandir su mente y transformarla para encontrar el punto que les una y los aleje del prejuicio, el miedo y la traición. El filme plantea un mundo apartado de categorías que sólo sirven para estigmatizar, sobre todo en occidente, un mundo que esta en la mente, en los ojos de los involucrados nada más, no se nos presentan reacciones negativas de terceros, más bien sus propios miedos e incertidumbres son los fantasmas que los hacen dudar, pero será una nueva vida la determinante de sus decisiones. Tom Tykwer director de Corre Lola, Corre y El Perfume: Historia de un Asesino, presentó en 2010 Tres (Drei), una cinta que sobresale por el tratamiento de una historia poco vista, que se desarrolla en Alemania, una zona fría en su contexto que deja ver la dureza de Sophie Rois (Hanna), el desenfado de Devid Striesow (Adam), la timidez de Sebastian Schipper (Simon), y a una sociedad abierta a “nuevas” categorías.

Metal y Hueso es la historia de una mujer y un hombre que después de un cambio inesperado en sus vidas se extravían, pero a partir de su encuentro descubren un nuevo camino para volver a vivir. Ali un hombre desempleado llega con su hijo Sam a una playa en el sur de Francia en busca de trabajo, se queda vivir con su hermana Anna e intenta cuidar a su hijo, llevar dinero al hogar y divertirse. Su primer empleo es como guardia en un antro, ahí se encuentra por primera vez con Stéphanie, a quien salva después de que un hombre la golpeara. Stéphanie, delgada y delicada, es entrenadora de orcas en un parque acuático, algo que ha hecho desde hace mucho tiempo y que le apasiona. En uno de los shows de las orcas un terrible accidente sucede, una de las ballenas pierde el control y ataca a Stéphanie, la mujer despierta en el hospital y descubre que le han amputado ambas piernas. El dolor, la desesperación, la impotencia y la tristeza entran a su vida, orillándola a la soledad, la indiferencia hacia los demás y en ocasiones la aparición de deseos suicidas. Por su parte Ali, un hombre fornido y de un carácter violento e instintivo, no consigue cuidar y educar de manera adecuada a su hijo, un hombre irresponsable y que mucho de lo que hace es para encontrar un trabajo que lo haga sentir bien; desenfadado y arriesgado, se involucra en peleas de box para ganar más dinero del que le deja el ser guardia nocturno. Cada uno con sus conflictos y sus retos, cada cual con sus miedos y errores. Stéphanie recuerda que Ali le dejo su número la noche que se encontraron por vez primera, le llama, él la visita y sin conocerse mucho comienzan a tratarse. Él le impregna la seguridad y fortaleza que ella necesita para continuar con su vida y dejar las cuatro paredes en las que se mantiene a salvo.

Una amistad que no pide nada a cambio pero que sin embargo involucra sentimientos y deseos; dos personas que comienzan a apoyarse para salir adelante. Ali se equivocara varias veces, olvidará su responsabilidad de padre por momentos pero demostrará que podría perder hasta la vida con tal de protegerlo. La cinta, dirigida por Jacques Audiard, es una muestra de la humanidad de una persona hacia otra, y lo que puede provocar en esa persona para que progrese y recupere la vida que había perdido. Un guión que plantea perfectamente las situaciones y vida de cada uno de los personajes, sus motivos, sus retos y el camino que deberán recorrer para alcanzar sus metas y vencer sus miedos. Metal y Hueso protagonizada por Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts es una muestra de la habilidad histriónica de la actriz y de la increíble representación que él hace de un hombre ambivalente, al cual amarás por momentos pero odiarás en otros tantos. En cambio ella es menos instintiva y más perceptiva. Acompañados por una banda sonora de momentos discreta pero en otros casi como una antítesis de la secuencia, como cuando se escucha de fondo a Katy Perry con “Fireworks” y lo que sucede en pantalla es una tragedia. Sin dudar es una película que es fuerte por su historia y por las sorpresas constantes que presenta dentro de la cotidianeidad, una buena fotografía y excelente actuaciones por parte del reparto. Si una frase pudiera representar a la cinta sería que el apoyo del perfecto desconocido es la fortaleza para el extraviado y desahuciado. Recomendable.

http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_diciembre2012

A finales del 2010 (en diciembre para ser más exactos) se estrenó Somos lo que hay, un relato dirigido por Jorge Michel Grau (su ópera prima apoyada por el programa del CCC) en el que una familia acaba de quedar desprotegida tras la muerte del padre de estirpe, quien era el principal proveedor de alimento para su linaje; la partida del padre no sería de tal gravedad si no fuera por el hecho de que lo que esta familia se lleva a la boca es carne humana, ya que pertenecen a un clan cuya religión les marca la práctica de rituales caníbales. El peso de salvar alimenticiamente al grupo recae en Alfredo (Francisco Barreiro) el hijo mayor, un inadaptado adolescente que no está listo para el rol que le ha heredado su finado progenitor. A través de esta familia habitante del Distrito Federal, Michel Grau se olvida de la obviedad y de lo evidente que resulta la metáfora para exponer que, socialmente al menos, nosotros somos nuestros propios depredadores; la innegable alegoría se ve enmarcada -y remarcada- con encuadres dentro de encuadres que asfixian al espectador mientras en pantalla son expuestas las secuencias sórdidas que exhiben sus referencias a la obra de la fotógrafa estadounidense Nan Golding.

La primera cinta de Michel Grau destaca por el sutil camuflajeo de los violentos clímax de la historia, permitiendo al espectador ser él mismo quien, en su cabeza, subjetivamente finalice cada escena con el nivel de violencia que desee. El discreto acercamiento a la latente homosexualidad de Alfredo en una escena donde va de cacería a un antro gay (secuencia rodada en el famoso 'Cabaretito' de la Zona Rosa en el D.F.) está muy bien tratada y tan sólo dejando entrever sus impulsos homosexuales por una de sus 'víctimas'; éste es sólo un ejemplo de otros planteamientos secundarios que fortalecen Somos lo que hay, un relato que podría parecer simple pero es protagonizado por seres complejos. Tal fue su buena recepción a nivel internacional que ya se realizó un remake recién estrenado el mes pasado en el Festival de Cine de Sundance; además, el éxito de su ópera prima le ha granjeado el apoyo de productores extranjeros quienes se han acercado al cineasta mexicano para ofrecerle su apoyo en la producción de su siguiente film -es decir, financiárselo- el cual ya tiene más que planeado y llevará por nombre Calla, cinta que tocará el tema del Hombre Lobo, argumento por lo que su producción en México se antoja difícil pues no hay quien invierta en cine de terror nacional. Países como Francia, Alemania y Estados Unidos (donde tuvo gran aceptación Somos lo que hay) se han interesado en apoyar su nuevo proyecto, el cual se enfocará más en el terror psicológico dentro de la historia que gira en torno a un niño que piensa que su papá es licántropo. El cineasta señaló que aún cuando se concretara la participación de otros países para el desarrollo del proyecto, este sería filmado totalmente en México y en español.

—Decisiones, decisiones… Si yo me fuera a deshacer de una persona, no espera ¡Que tonto soy! Como si no hubiera decidido ya deshacerme de esa persona. —Me reí— ¿Cómo me deshago de ti? Frente a mi tenía una encrucijada, no podía decidirme si quería algo calculado y frio o algo espontaneo y pasional. Había gran variedad de armas y de venenos, sabía lo suficiente de artes marciales para matarlo con mis propias manos aunque a la vez había algo atractivo sobre contratar a un asesino a sueldo. Me podía ver a mi mismo esperando en la comodidad de mi casa la llamada que confirmara su muerte ¡Qué emocionante sería! —Opciones, opciones… —Podía imaginar su muerte, estaba harto de escuchar su fastidiosa vocecilla y sus estúpidos comentarios sobre mi trabajo, ¡Por la deidad imaginaria de su preferencia! Yo soy el genio aquí, sus comentarios no tenían lugar en mi trabajo ni en mi vida y estaba preparándome para solucionarlo. Era la solución más simple y nunca la había considerado, había pasado las últimas tres semanas soportando su existencia. Estaba seguro que después de llevar a cabo mi plan todo volvería a ser la simple y hermosa vida donde los únicos comentarios oportunos son lo de mí mismo, felicitándome por mi grandeza. No dejaría huellas, no habría rastros que llevaran a los investigadores (claro si alguien se interesaba en investigar su muerte) a mí, no habría testigos, me aseguraría de hacerlo en un momento ideal, cuando nadie pudiera escuchar sus gritos desesperados (o en tal caso me aseguraría de comprarlos todos y cada uno ¿Cuánto costaría con esta economía el silencio de un testigo? ¿Tendría que matarlos a todos también?)

Estaba seguro que una vez que decidiera cómo y cuándo, todo sería más fácil pero es que ¡Las opciones! No me importa lo que el resto de la humanidad crea, yo, soy un genio y como tal puedo decidir sobre quién es imprescindible. La humanidad no lo extrañaría y ciertamente a mí no me haría falta. Mi vida volvería a su tranquilidad habitual, sin su vocecilla chillona, su cabello espeso y desordenado y su horrible, horroso, espantoso cuello gordo. Sí, en mi mente el ruido que hace una persona al existir es motivo para morir, a mis manos. —Decides cosas de vida o muerte todos los días —Me dije a mi mismo— Sólo elige tu método favorito y llévalo a cabo. Respiré profundo, tenía que decidir. El lunes se veía extrañamente positivo para alguien que es crónicamente negativo, tenía unas ganas inusuales de ir a trabajar, no me molestaría nada, nadie arruinaría este día. Sonreí al pensar en la comodidad de mi oficina. —¿Quién se supone que eres tú?— Pregunte a un desconocido que estaba de pie con una caja de cartón. —Soy el empleado temporal, el reemplazo— Respondió y comenzó a poner sus objetos personales sobre el escritorio. —¿Reemplazo? —Sí, ¿no lo supo? —Pregunto inclinándose hacia mí, como quien va a contar un buen chisme— Encontraron un cadáver hace dos días, al parecer… Víctima de un homicidio, probablemente alguna pandilla. Sonreí, todo era perfecto ahora y con suerte el reemplazo sabría guardarse sus comentarios.

on base en la novela Psycho de Robert Bloch (inspirada a su vez en los crímenes perpetrados por Ed Gein), en 1960 el mundo conoció la obra más polémica y representativa (aunque no la mejor) de la filmografía del realizador conocido como el Maestro del Suspenso. La trama de la cinta de culto sigue a la secretaria Marion Crane (interpretada por Janet Leigh) quien se refugia en un apartado motel de carretera una vez que huye con una cuantiosa suma de dinero que un cliente de la empresa para la que trabaja le había encomendado depositar en una cuenta bancaria; el motel al que llega es manejado por el amable joven Norman Bates (un fantástico Anthony Perkins) que resulta ser un trastornado psicópata emocionalmente dañado por la autoritaria figura de su Madre. Considerada como una de las cintas de suspenso más efectivas, Psicosis ha alcanzado en nivel de filme legendario y pieza clave en la historia de la cinematografía mundial, por lo que no es casualidad que sobre ella se hayan realizado ya numerosas imitaciones, homenajes, parodias y hasta un muy poco afortunado remake por parte del director Gus Van Sant, quien en 1998 se atrevió a reelaborar la cinta de manera casi idéntica al filme de Hitchcock. Y es precisamente en torno a la realización de este filme de Alfred Hitchcock, que gira la cinta que lleva como título el apellido de este gran realizador inglés; de alguna manera, Hitchcock (basada en el libro Alfred Hitchcock and The Making of Psycho, de Stephen Rebello) podría apreciarse como un minucioso making-off de la mítica obra del cineasta, aunque por otra parte, el filme también explora (y de manera un tanto más profunda) la relación del director con Alma Reville, su colaboradora, compañera, esposa y amor de su vida con la que compartió, desde que se conocieron a principios de la década de los 60, el resto de sus días.

Para algunos resultará un tanto decepcionante que la ópera prima de Sacha Gervasi (tras su documentalAnvil: The Story of Anvil) se centre más en la historia de amor Hitchcock-Reville y deje un tanto de lado la aproximación a la elaboración de Psicosis, pero es claro que el director no quería entregar una película así, sino mostrar el punto humano de la producción del mítico filme: “Siempre sentí que la esencia de Hitchcock debía ser la historia de amor entre Alfred y Alma”, comenta el director, “...Tenían esta relación dinámica, compleja, contradictoria, bella y dolorosa, que no fue simplemente un matrimonio, sino una auténtica colaboración creativa. Estaba realmente interesado en cómo estas dos personas muy decididas vivían y creaban juntas, y eso le aportó una perspectiva totalmente nueva a la historia de cómo se realizó Psicosis. Sin Alma a su lado, Hitchcock no hubiera sido tan brillante, o no hubiera podido sacar adelante Psicosis”. Gervasi, apoyándose en el guión de John J. McLaughlin, buscó ofrecer otra perspectiva a una película que pudo ser similar a un extenso'behind the scenes' que hubiera contenido el blu-ray de la cinta si hubiera existido tal tecnología de proyección casera en ese entonces. Los desempeños histriónicos de Anthony Hopkins y Hellen Mirren (ambos ya ganadores del premio de la Academia) como el afamado cineasta y su compañera de vida, son sobresalientes, no así el del resto del reparto femenino principal, como

Jessica Biel y Scarlett Johansson, quienes cumplen a cabalidad con su trabajo pero de manera anodina; caso aparte es el de James D'Arcy quien como el actor Anthony Perkins ofrece una buena creación e interpretación del personaje que alguna vez encarnara al delirante Norman Bates. Otro de los elementos fuertes a destacar es la magnífica fotografía a cargo de Jeff Cronenweth, quien recurrentemente ha trabajado con David Fincher como en The Fight Club, The Social Network y más recientemente en The Girl with the Dragon Tattoo; sobresale su ya conocida paleta de colores utilizada con cierta elegancia que decoran sus ya clásicos encuadres y sus sabias decisiones sobre el lugar exacto en donde colocar la cámara para conseguir una composición que nos obligue a ver lo que quiere que veamos. Si bien Hitchcock está muy lejos de ser una gran película, resulta interesante y plausible el homenaje a modo de una aproximación más íntima sobre Maestreo del Suspenso; las referencias al interés de Hitchcock por el asesino Ed Gain, la adaptación de la novela de Robert Bloch, el casting de Janet Leigh y Anthony Perkins, la complicada realización de la legendaria escena de la regadera y la lucha del director contra los censores hollywoodenses, son sólo algunos de los elementos que enriquecen de manera histórica este cuento de amor de uno de los más grandes realizadores de la historia del cine que ha dejado un legado inmortal. Vale la pena verla.

es Misérables, así como Beasts of Southern Wild', vuelve a demostrar que el cine para que nos enamore debe tener más que una buena producción, lastimosamente, lo hace del modo contrario. Así como el año pasado con War Horse intentaba ganar el Oscar al mejor film con una producción impecable, este año la adaptación musical de la novela de Víctor Hugo dirigida por Tom Hooper hace el intento, pero se olvida de un factor importantísimo (si no es el más importante) en las películas: su alma. En 1815, Jean Valjean consigue su libertad condicional tras casi 20 años de prisión por robar pan para su hambrienta sobrina. En su busqueda por un refugio llega a un iglesia, donde un sacerdote le ofrece estadía. Jean, ya corrompido por los años de cárcel roba objetos valiosos de la iglesia pero es atrapado por los guardias. En su bondad, el sacerdote les explica a los guardias que el decidió regalarle dichos objetos, por lo que sueltan a Valjean. Ante este increíble acto de solidaridad, Jean vuelve a creer en la generosidad humana y en la redención, por lo que decide cambiar su destino convirtiéndose en un hombre de bien.

Pasan los años y Jean consigue un puesto respetable en otra ciudad de Francia bajo un nombre falso. En uno de sus negocios trabaja Fantine, una mujer que trabaja para dar de comer a su hija, pero pierde su trabajo por la falta de interés de Valjean; debido a esto se convierte en una ramera. Fantine cae bajo el manto de una enfermedad y vuelve a ver aValjean, explicándole que debe ayudar a su hija, Cosette. Jean toma a la niña y forma una nueva vida criándola como si fuera su hija. Pero su vida se ve interrumpida ante la famosa Rebelión de Junio, donde su destino cambia para siempre. Adaptaciones de la famosa obra de Víctor Hugo sobran, pero una producción a cargo de Tom Hooper y con un elenco admirable parecía una justificación razonable para la creación de esta obra. La mirada de Hooper a este musical fue acertado pero sin mucho sentimiento y no, no es para nada culpa de los actores (porque todos estuvieron excelentes). La primera hora

de esta aventura de 157 minutos está llena de fuerza emocional, pero parece ser que con la muerte de Fantine comienza a perderse dicha fuerza, tanto así, que llega un punto en que la sigues viendo solo por la mega producción y para poder terminarla. Pero más allá del fallo sentimental de Hooper, la cinta está llena de aciertos. Comenzando por un Jean Valjean interpretado por un impresionante Hugh Jackman. Muchos pensarían que el trabajo de este actor sólo servía para las películas de XMen y Wolverine, pero aquí calla a cualquier incrédulo. No solo por ser el mejor cantante de toda la película, sino porque realmente se mete en el personaje y, de no ser por Daniel Day-Lewis, hubiese ganado eseOscar. Pero no sólo Hugh Jackman está excelente, sino todo el reparto. La primera que debemos nombrar es Anne Hathaway, que con menos de 15 minutos en pantalla se lleva por delante toda la cinta. Su ausencia se siente a todo momento y, su interpretación de 'I Dreamed a Dream' es simplemente perfecta. Russell Crowe, interpreta a nuestro antagonista Javert de una forma muy humana y creíble, el único problema es que no es un cantante y, a diferencia de Hathaway, su actuación no oculta el hecho que no sepa cantar. El resto del reparto acompaña de forma más que digna al film, pero la que tiene su momento brillante es Samantha Barks, con una interpretación de 'On My Own' que deja piel de gallina. De más está decir que estamos ante una de las mayores producciones del año. Debido a esto no podemos esperar menos que una fotografía envolvente. El diseño de producción, aunque no sea necesariamente el mejor del año, también sorprende, la recreación de Francia por los años 1830 es sorprendente sin ser demasiado exagerado, inclusive se “siente” que estamos viendo un musical solamente por la escenografía. Un dato muy interesante que da un valor agregado a este largometraje es que las canciones no se grabaron apartadas, sino a medida que se filmaban las escenas. Aunque Les Misérables carezca de emotividad, pero posee una producción sorprendente que intenta desesperadamente tapar esta carencia y unos actores que tienen momentos más que brillantes.

reer, ha sido siempre la necesidad elemental de la humanidad (aunque hay quien a eso le llama 'la falla humana esencial) y es precisamente esa necesidad de creer, esa búsqueda espiritual, la que aborda la nueva película de Paul Thomas Anderson, un director tan propositivo como polémico. Y es que sólo hace falta recordar Boogie Nights, Magnolia o Petróleo Sangriento, para confirmar que el cineasta californiano es experto en explorar y cuestionar la naturaleza humana con personajes multidimensionales y complejísimos, por ejemplo Daniel DayLewis en Petróleo Sangriento como el referente más actual dentro de su filmogafía. Ahora, con The Master, Paul Thomas Anderson trabaja junto a Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman y Amy Adams para ahondar en el tema de la búsqueda humana por algo o alguien que nos ayude a que nuestra vida no sea o se sienta como una simple existencia sobre este planeta y lo hace a través de diversos simbolismos y reflexiones metafóricas en la nada convencional relación 'amorosa' (hay distintos tipos de amor, no se me espanten, esto no es Brokeback Mountain) de los dos protagonistas masculinos.

The Master sigue la vida de Freddie Quell, un soldado psicológicamente dañado por su experiencia bélica durante la Segunda Guerra Mundial; tras regresar a los Estados Unidos, sus problemas de alcoholismo, así como su inestable y voluble temperamento, le acarrean la imposibilidad de mantener un trabajo estable (ojo a la escena donde se agarra a golpes con un cliente en el centro departamental donde trabaja como fotógrafo familiar); y a pesar de haber logrado establecer una relación relativamente (y sorprendentemente) estable -hasta cierto punto- con una chica llamada Doris Solstad, Quell termina como polizón en un barco donde casualmente se encuentra con Lancaster Dodd, un carismático e inteligente hombre que es el líder de un movimiento denominado 'La Causa' y al que todos conocen como 'El Maestro'. A partir de este punto, a través la deconstrucción del personaje que encarna Phoenix (Quell) por parte del personaje de Hoffman (Dodd) gracias a la 'ayuda' que éste le brinda, el director establece una serie de relaciones entre ellos; algunas veces se aproxima a la reciprocidad de maestro-alumno, otras

tantas similares a las de un perro con su amo, pero en todas ellas se oculta una relación de co-dependencia entre Freddie y Lancaster. A este juego de poder se suma, Peggy Dodd, la esposa de Lancaster (interpretada de manera magistral por Amy Adams -ojo a una escena que transcurre en el baño junto a Seymour Hoffman-), quien no sólo se ha convertido en 'la esposa del Maestro' o 'miembro de La Causa', sino que es una pieza fundamental en ella y en la vida del 'Maestro' también es determinante su presencia. Apoyado en la sobria fotografía de Mihai Malaimare Jr. y en el score plagado de blues, Anderson presenta de manera pausada una analogía a la figura de L. Ron Hubbard, el líder y fundador de la Cienciología fallecido en 1986; en la cinta, el cineasta expone, de manera evidente pero muy sutil, la débilmente sustanciosa filosofía de La Causa y cómo ésta se sostiene en gran medida por el abrumador carisma de su 'Maestro'. Sin querer hacer una crítica a este 'movimiento' -exponer sus puntos débiles no es criticar-, Anderson lo utiliza para hablar de algo más que de las incoherencias de éste, lo utiliza pa-

ra elaborar un rompecabezas fílmico en donde expone la manera en que las personas buscan complementar a otras y complementarse a sí mismas con las relaciones que establece; en algunas ocasiones logran integrarse, en otros casos no son tan afortunados. El visionado de la cinta no es fácil, además de su larga duración, es tan densa como lo fue Petróleo Sangriento y se necesita verla más de una vez para poder apreciar y digerir la mayor parte de todo lo que nos propone Anderson en este tratado sobre la búsqueda de uno mismo en los demás.

a magia del cine va más allá de lo académicamente correcto. Es decir, una película puede ser tildada de “buena” o “mala” a través de los aspectos tangibles establecidos: dirección, guion, actuación, fotografía, etc. Pero existen otros elementos intangibles, muy difíciles de identificar, que en gran medida definen que tanto nos gusta un film: la honestidad del guion, la época en que se desarrolla, el insight que logra en nosotros o sencillamente algo indeterminable que nos fascina. Es por estos factores invisibles que una cinta “técnicamente perfecta” puede parecernos mala o una “normalcita” puede parecernos sorprendente. Pero claro, también están las que fascinan y a la vez son técnicamente muy buenas, como es el caso de Beasts of the Southern Wild. La historia tiene como protagonista a Hushpuppy, una niña de 6 años que vive en Bathtub, una comunidad prácticamente aislada del resto del mundo, llevando una vida difícil pero a la vez feliz, evadiendo las reglas “comunes” en las sociedades. Su padre, Wink, se encarga de enseñarle todo lo necesario para que sea una niña fuerte e independiente, aunque el destino de Hushpuppy cambia con la inundación de Bathtub y la enfermedad de su padre.

Primero que nada centrémosnos en la dirección de Benh Zeitlin. El director hace un excelente trabajo para transmitir esa locura del Bathtub, pero así también consigue añardir emotividad en los momentos precisos, acompañando perfectamente al guion. Uno de los aspectos “técnicos” más resaltantes de la película es justamente su guion; preciso pero a la vez ligero y honesto, logrando que uno pueda ser parte de esta aventura. En cuanto a actuaciones, Quvenzhané Wallis es la indiscutible estrella. Teniendo tan solo 5 años en la época que se desarrollaba el casting para esta película y unos 7 durante la filmación, esta pequeña dio una de las mejores actuaciones infantiles (que de infantil no tiene nada), logrando una perfomance muy sutil pero efectiva, teniendo control total de la escena solamente con los ojos. Y por supuesto, el padre de Hushpuppy tampoco es fácil de ignorar (aunque opacado por la pequeña Wallis), Dwight Henry da un personaje fuerte y decidido, que rompe el corazón de cualquiera. Los demás aspectos técnicos también son bastante buenos, siempre y cuando tenemos en cuenta que estamos ante una película independiente. La fotografía acompaña correctamente al desarrollo del film, así también como una ambientación muy acertada. Ahora si, la música sobresale sin lugar a dudas. La banda sonora compuesta por el mismo director y Dan Romer nos ubica geográficamente de manera perfecta y no solo logra eso, también transmiten la felicidad del Bathtub, sin olvidar, por supuesto, que nuestra protagonista es una niña, agregando detalles que añaden “ternura” a esta banda sonora que sin dudas está entre las mejores del 2012. Beasts of the Southern Wild es una película que, además de entenderla, debemos sentirla y dejarnos llevar. La belleza del film no solo reside en los aspectos técnicos, sino también, en esas cosas que nos cuentan identificar pero aun así nos fascinan. Una de las cosas más valiosas de este largometraje es que, a mi parecer, puede demostrarte lo que significa “la magia del cine”.

ras haberse presentado en las ediciones del 2012 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (en donde se llevó la presea a Mejor Documental) y del Festival Internacional de Cine de Morelia (en donde estuvo en competencia en la Sección Documental Mexicano), finalmente llega a la cartelera comercial el más reciente trabajo cinematográfico de Everardo González: Cuates de Australia. Con producciones anteriores como El Cielo Abierto (2011), Los Ladrones Viejos (2008) y La Canción del Pulque (2003), el realizador egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) ha colaborado con su trabajo para lograr una apertura al género documental en México; ahora, aborda la particular problemática social de Cuates de Australia, una comunidad ejidal del estado de Chihuahua en donde, año con año, sus habitantes realizan un éxodo para buscar agua; y así es como hombres, mujeres, niños y ancianos abandonan su tierra natal para escapar de la muerte y esperar de manera parsimoniosa las primeras gotas de lluvia para regresar a sus hogares. Cuates de Australia es el trabajo resultante de tres años de filmación en los que el documentalista, al ver la situación límite que enfrentan los habitantes de la marginal comunidad año con año, se cuestionó muchas veces la razón por la que se

quedaban en esa zona llana pudiendo emigrar de manera definitiva en busca de una vida más digna. Pero el director no ofrece un retrato lastimero de la marginalidad en la extrema zona (hostil pero hermosa) de Chihuahua, sino que por el contrario, el documental es una íntima aproximación a la comunidad emigrante de las tierras llanas y da testimonio de la gente que sabe disfrutar de la vida a pesar de las adversidades climáticas tan extremas, de la solidaridad entre los habitantes, de la vida familiar y de las ilusiones infantiles por querer ser vaqueros a pesar de crecer en las tierras desoladas pero llenas de vida. Además de haber participado en los Festivales en un principio señalados, Cuates de Australia ha sido galardonado como Mejor Documental en el 16° Festival de Cine de Lima, en el 18° Festival Internacional de Cine de Los Ángeles y también resultó ganador en la sección Tiempo de Historia, en la Semana Internacional de Cine de Valladolid, todos ellos en 2012. Este mes se estrenará en el Distrito Federal en la Cineteca Nacional y en los complejos cinematográficos comerciales con tan sólo 15 copias, y tras su permanencia en la cartelera capitalina, el documental hará un recorrido por otras 30 pantallas de la provincia mexicana. No pierdan de vista este gran trabajo documental.

Guillermo del Toro presenta esta cinta de terror protagonizada por la nominada al Oscar, Jessica Chastain. En esta cinta, Annabel y Lucas deberán hacerse cargo de sus dos sobrinas, dos pequeñas que desaparecieron en el bosque el mismo día que su mare fue asesinada. Años después empiezan una nueva vida pero descubren que alguien o algo sigue queriendo arroparlas por la noche; por lo que tal vez nunca estuvieron solas.

Thriller sobre la operación militar que acabó con la vida de Osama Bin Laden, líder de Al Quaeda. El título original, Zero Dark Thirty hace referencia a la hora: las 00:30 de la madrugada del 1 de mayo de 2011, momento en que el comando SEAL de los marines penetró en la residencia de Bin Laden en Pakistán para eliminar al hombre más buscado de la historia.

De nuevo el policía John McClane se encuentra en el lugar equivocado en el momento equivocado, al viajar a Moscú donde se encuentra su hijo Jack. Con los peores elementos de los bajos fondos rusos tras ellos y luchando contrarreloj para evitar una guerra, los dos McClane descubren que sus métodos opuestos les convierten en unos héroes imparables.

Whip Whitaker (Denzel Washington) es un experimentado piloto de avión que consigue realizar un milagroso aterrizaje forzoso salvando a casi todos los pasajeros de un vuelo. Después del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero según se va desarrollando la investigación, van surgiendo muchas preguntas sobre lo que sucedió exactamente.

Ceci, una niña de siete años, tiene que mantener un gran secreto, pero ella no entiende completamente lo que es este secreto. La vida de su familia depende de su silencio. Pero, ¿qué tiene que callar? Ceci y su mamá viven ocultas de la represión militar en Argentina. Ceci se pregunta: ¿Qué tiene que decir? ¿Qué debe realmente creer y hacer para merecer el amor de su madre y los demás?

Jimmy Bobo, un sicario profesional y de gran trayectoria, ve morir a su compañero ante las manos del asesino Keegan. Con la ayuda del detective Taylor Kwon, quien busca desmantelar la organización que controla a Keegan, Jimmy se embarcará en una investigación clandestina desde el bajo mundo hasta las altas esferas del poder de Nueva Orleans, en la búsqueda de una venganza personal.

Cuando Malcolm permite a su novia Keisha mudarse a su casa, rápidamente tiene la sensación de que no están solos. Grabando una serie de sucesos paranormales, Malcolm se sorprende al descubrir el amor de su vida lleva más que su equipaje: está poseída por el demonio por un espíritu maligno. Malcolm cuenta con la ayuda de un sacerdote/ex-convicto el Padre Williams para exorcizar el demonio de su novia antes de que arruine su relación... Y su vida sexual.

Historia de la familia mafiosa Corleone. Don Vito Corleone es un capo mafioso de Nueva York que controla el juego, la prostitución y tiene buena relación con la policía y los jueces. Sus problemas empiezan cuando Sollozzo, un gángster protegido por la familia Barcini, le anuncia su intención de iniciar la venta de drogas por toda la ciudad, y le ofrece participar en el negocio. Corleone se niega rotundamente a entrar en dicho negocio, cosa que enfurecerá a Sollozzo, quien secuestrará al 'consillere' de los Corleone, Tom Hagen, e intentará asesinar a Don Vito.

Iván es un niño de once años que va a jugar contra los campeones más importantes del mundo de fútbol y a vivir su primer gran historia de amor. Será la primera vez que un equipo de estrellas, que congrega a millones de personas delante de la televisión, jugará contra una Selección Mundial de niños. El objetivo de esta aventura será recaudar fondos y ayudar a las víctimas de un terremoto ocurrido en África.

Alex, detective de la policía y psicólogo, está investigando las extrañas muertes de los miembros de una banda criminal. Todo parece indicar que se trata de un ajuste de cuentas entre gángsters, pero a medida que se van conociendo los detalles, los crímenes se empiezan a parecer sospechosamente a otras muertes anteriores atribuidas a un asesino en serie llamado Sullivan. Alex deberá utilizar todos los métodos que estén a su alcance para atrapar a Sullivan antes de que sea demasiado tarde.

Un trío de guapas jóvenes, la dinámica líder Violet y sus leales amigas Rose y Heather, deciden revolucionar la vida en su deprimente universidad. También incluyen a Lily, la estudiante de intercambio, a su grupo que intenta ayudar a estudiantes deprimidos con un programa de buena higiene y números de danza. Las chicas se involucran románticamente con una serie de hombres, como el ingenioso Charlie, el atractivo Xavier y la loca pandilla de Frank y Thor, que amenazan su amistad y su salud mental.

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Tras haber sido galardonada en Cannes en la sección 'Un Certain Regard' y una buena corrida comercial en nuestro país, la película de Michel Franco finalmente se edita en formato casero. El acertado acercamiento del director hacia el tema del bullying (aproximación que muchos opinaron que era exagerada -las víctimas de acoso escolar discreparían en cuanto a esta sentencia-) y la magistral cinematografía hacen de esta obra nacional una imprescindible pieza en la videoteca de los amantes del cine nacional.

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Desde hace ya unos meses se editó en formato casero de alta definición la ópera prima de Christopher Nolan protagonizada por Jeremy Theobald, Alex Haw y Lucy Russell en la que se nos muestra, en tan solo 70 minutos, la historia de un escritor en crisis creativa que, para encontrar algo de inspiración, comienza a seguir a desconocidos durante un día; la trama se complica cuando uno de sus elegidos resulta ser un ladrón. Entre el numeroso material extra especial que contiene esta edición de lujo (por parte de Criterion Collection) se encuentra una entrevista de media hora realizada en 2010 en la que explica cómo éste, su primer film, influenció su trilogía de El Caballero de la Noche. Además, el disco contiene una edición diferente a la de la cinta original en la que se encuentran las escenas en orden cronológico, al contrario de la puesta en escena original la cual es no lineal. Para conocer más de las virtudes de este interesantísimo film, favor de referirse al artículo de nuestro compañero Julio Núñez en la sección Reco-Menda en esta edición (Pág. 25)

En los barrios bajos de Yakarta existe un edificio que sirve de refugio para el crimen organizado de Indonesia, una fortaleza que se ha convertido en una legendaria construcción en la que las fuerzas policiacas no se atreven a entrar. Cuando un pequeño grupo de élite decide adentrarse para desmembrar a las organizaciones criminales lideradas por un hombre conocido como Tama, la operación se sale de control y los policías quedan atrapados en las entrañas del edificio, quedando rodeados por los peores y más peligrosos delincuentes que no piensan dejarlos salir con vida. El director Gareth Evans (responsable también del guión) ofrece una cinta cargada de adrenalina y tensión en medio de grandes escenas de acción con hiperviolentas peleas perfectamente coreografiadas musicalizadas por Mike Shinoda (miembro de Linkin Park); claro, todo esto sin descuidar la historia central sobre la amistad, la familia y la redención. A pesar de que en México nos hemos quedado con ganas de verla en la pantalla grande -pues fue enviada directo a los videoclubes- The Raid ha tenido una gran recepción tanto en crítica con en recaudación; de hecho, ya se prepara una secuela que llevará por nombre Berandal y los acontecimientos en ésta nueva entraga tendrán lugar dos horas después de lo sucedido en la cinta original de la cual les recomendamos su visionado.

http://oncetv-ipn.net/index.php

www.canal22.org.mx/cinema22/index.html

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10 temas extraídos de nuestros sueños y pesadillas debería ser el título, ya queJerry Goldsmith es el siguiente compositor que llega a este especial. Muy a diferencia de John Williams, Goldsmith no es tan conocido, muy pocas personas conocen su nombre, quizá se deba a que sus composiciones son “poco ortodoxas”, ya entenderán una vez que escuchen sus temas. Otra de las razones por la cual Goldsmith no es tan conocido es quizá, por que los scores que realiza no son precisamente “emocionales” ni “emocionantes”, a diferencia de Williams, su trabajo siempre estuvo más ligado al terror, a lo desconocido. Si Williams fue el encargado de darnos tanta emoción en la niñez, Goldsmith fue el culpable de que no queramos ir al baño por las noches. A lo largo de su carrera, como ya dije arriba, fue más para el terror. Gracias a esto, obtuvo su único Oscar, por el score de “The Omen”, que también fue nominado a mejor música por “Ave Satani”. Pero, como todo compositor, no puede producir partituras únicamente terroríficas, y eso también lo ha demostrado, pues composiciones como las de “Mulan” o “Chinatown” demuestran que el terror no es su único fuerte. Sin más preámbulos, les dejo la lista de los mejores temas de Jerry Goldsmith… aunque nuevamente 10 es un número pequeño. Al igual que a John Williams, creo que a Jerry Goldsmith le queda chico el número 10, existen demasiados temas entrañables de este compositor y, por más que no sean tan conocidos, no son de menor calidad. Lastimosamente, este compositor falleció en 2004, pero su legado es inolvidable. Casi todos los compositores de músicas de terror hoy en día se inspiran en este genio, que, sin dudas, no será olvidado con facilidad.

Esta ha de ser la música más espeluznante que alguna vez haya sido nominada al Oscar a mejor canción. Comenzando con una voces gregorianas algo inquietantes comienza Ave Satani, luego el piano aumenta la incomodidad que uno siente al escuchar el tema. Finalmente las voces y los instrumentos toman fuerza, con un canto en latín estremecedor, que si conocieran la traducción, les aseguro, tendrían una nueva definición de lo que es una “música satánica”. Sin dudas esta es la música que más me incomoda al escuchar,inclusive mis hermanitas cuando escuchan el tema sonar en mi pieza se alejan. Es realmente una obra maestra.

Este ha de ser uno de los pocos temas que no son tan emocionantes ni sorprendentes, pero aun así, uno disfruta escuchando. Creo que con este tema entenderán por qué digo que las composiciones de Goldsmith son tan poco “ortodoxas”, es por eso que se lo considera un “revolucionario” en cuanto a música. Otro elemento bastante peculiar que tiene este tema, es que se funde perfectamente con el film, cuando uno lo escucha, perfectamente se imagina a los simios, es algo realmente raro que logra este genio.

Quizá este no sea uno de los trabajos más reconocidos de Goldsmith, pero es uno de los mejores temas que ha compuesto. Comenzando de una forma bastante simple con instrumentos de viento, Goldsmith nos invita a danzar con este hermoso vals. A medida que avanza el tema, se va repitiendo el movimiento principal, pero cada vez más instrumentado, dando una sensación de que el tema va cobrando fuerza. Ya por la mitad, sentimos como los instrumentos de viento toman fuerza e importancia en la pieza. Y para terminar, lo hace tal cual empezó, dando un toque nostálgico.

¿Una música puede seducirte? Si tu respuesta es no, posiblemente cambie al escuchar este tema. El tema principal de “Basic Instinct” transmite seducción y misterio, una combinación alucinante para un score. Comienza de una manera bastante simple, con sonidos bastante ochentosos, pero a medida que avanza, la suavidad de los vientos y las cuerdas nos seduce. Es como si te arrastraran a un vórtice, el tema te consume. Al escucharlo, sabrán a qué me refiero.

Otro tema lleno de misterio y seducción. El tema comienza siendo bastante seductor y mantiene el ritmo hasta que aparecen los violines y rompen tanto empalago. Pero no lo hacen para mal, los violines dan un respiro al oyente luego de tanto saxofón. Finalmente tras los violines, el saxo vuelve, pero el tema se cierra con unos teclados del piano, sencillamente genial.

Cuando me enteré que él compuso el tema de “Mulan”, tengo que admitir que me quedé algo desconcertado y, más que nada, desconfiado. No estaba seguro de que el genio del terror y el suspenso en cuanto a scores pudiese llevar a cabo una tarea como esta. Muy grata fue la sorpresa que me llevé a al escuchar el soundtrack esta película animada. Comienza de una manera fuerte, pero al instante lo “clásico” y “calmado” se apoderan del score. El viento nos señala el movimiento principal al más puro estilo oriental, luego ya vienen los demás instrumentos para destruir esa calma y transmitirnos emoción. Cerca de los 3 minutos, Goldsmith se encarga de decirnos “Yo también puedo transmitir emoción”, reconfortándonos con un tono esperanzador y lleno de alegría que termina con unos violines algo tristes para dar paso a tonos más orientales y no tan instrumentados. Hacia el final, los instrumentos toman fuerza con la nostalgia apoderándose de todo, hasta que llegan al final, donde todos los instrumentos se juntan y nos dan un cierre alucinante.

Los primeros minutos sí parecen ser de una película de terror, pero a medida que avanza la música, nos preguntamos cómo es que este score, terminó siendo parte del soundtrack de “Poltergeist”. Después de unos minutos desconcertantes, hacia la mitad del tema, comienza a sonar una música parecida a una canción de cuna pero sin voces, que “enamora” al oyente, nos engaña. Despista bastante este tema, porque si escucháramos sólo este tema, diríamos que trata de aventura, pero no es así. A los tres minutos y medio, la emoción fluye por las venas con esos movimientos de los violines tan únicos, posteriormente las cuerdas se encargan de hacernos sentir como si estuviésemos volando, terminando de una manera abrupta. Les recomiendo que no se dejen engañar por este tema, el score se vuelve mucho más espeluznante cuando escuchan el resto del soundtrack.

¿En serio hay mucho que decir de este tema? No lo creo. Es sencillamente genial, transmite tanta emoción y “ganas de explorar” que es medio indescriptible. Nos sentimos “parte” de la película al escucharlo. El tema casi no da respiros, al igual que Williams, deja que los instrumentos de viento hagan de las suyas, transportándonos a este increíble mundo de una manera única. Si bien el tema repite varias veces el movimiento principal, cada vez lo hace de diferentes maneras, ya hacia el final, se agregan unos triángulos de fondo, lo que da un toque más “mágico”, para, finalmente cerrarlo con percusiones que dan un tono más “militar”.

Jerry Goldsmith es responsable de lo que yo creo es de las mejores músicas para películas de terror que alguna vez se hayan hecho, estas son “The Omen” y “Alien”, ambas son de terror, pero son polos apuestos. Mientras “The Omen” es la desesperación total, “Alien” juega con lo desconocido y, en ambos casos, Goldsmith demostró su calidad como compositor. El tema principal de “Alien” es una obra maestra, nos invita a descubrir lo desconocido. La música repite pocas veces el movimiento principal, por que se dedica más a incomodarnos con los sonidos “ambientales”, y ese “zumbido” tan característico de las músicas de terror. Finalmente cuando recurre al movimiento principal por última vez, uno siente que ha “descubierto” algo, pero cierra su obra maestra casi en el silencio, dejándonos con la incógnita de lo que pasará.

Con este score creo que entenderán perfectamente a que me refiero con “poco ortodoxo” al referirme a algunas de las composiciones de Goldsmith. Este tema es uno de los más reconocidos de este compositor, más allá de lo arriesgado que es presentar un tema así, creo que su reconocimiento se debe a que capta perfectamente la esencia de la época. Los 80, los sintetizadores, la forma en la que está compuesta, todo, todo nos recuerda a la época en la que fue compuesta. El tema comienza con sonidos algo parecidos al tema principal de “Poltergeist”, los violines de nuevo dan un tono bastante nostálgico, hasta que llegamos al final del primer minuto, en ese momento nos preguntamos “¿Qué carajos?” Lo que escuchamos desencaja totalmente de lo que veníamos escuchando, pero a la vez, va perfecto. Todos los acordes electrónicos, los sintetizadores hacen del tema una obra maestra, sin olvidar el grito del gato de fondo, que da un toque bastante espeluznante de repente.