CELULOIDE DIGITAL - JULIO 2012 SPIDERMAN by Celuloide Digital

TOP 5 #1 THE AMAZING SPIDER-MAN - Pág. 5 #2 THE LADY - Pág. 15 #3 TO ROME WITH LOVE - Pág. 19 #4 A MONSTER IN PARIS - Pág. 23 #5 BRAVE - Pág. 27 LA CARTELERA MÁS OPCIONES EN JULIO EN LA PANTALLA GRANDE - Pág. 35

THE HAPPENING - Pág. 39 ROLLIN’ CAMERA - Pág. 42 PREVIEWS - Pág. 43 FLASH FORWARD - Pág. 45 RECO-MENDA - Pág. 47 GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS | PARTE IV - Pág.49 CIERTA FICCIÓN - Pág. 52 MAURICINE - Pág. 53 REVIEW | SPIDER-MAN - Pág. 55 OUT - Pág. 57 LATITUD 7 | CINE DEL MUNDO - Pág. 59

NOVEDADES DE CINE EN CASA - Pág. 63 PANTALLA CHICA - Pág. 65 TELEVISIÓN - XY: TERCERA TEMPORADA - Pág. 67 MÚSICA - COSMO JARVIS: THINK BIGGER - Pág. 68 LECTURA - LA CARABINA DE ZAPATA - Pág. 69

Este mes CELULOIDE DIGITAL festeja su segundo aniversario, y para celebrarlo qué mejor que con mucho, mucho cine: Tenemos nuevas secciones, nuevos colaboradores, nuevo diseño y hasta nueva página web (en la parte inferior de esta misma página podrán encontrar el link) Para comenzar tenemos doble portada con el protagónico y antagónico del reboot de año The Amazing Spider-Man, cinta de la cual les traemos un artículo especial y la reseña de la cinta por parte de nuestra colaboradora Imelda Aguilera; además dentro de nuestros artículos principales les traemos información sobre The Lady (Amor, Honor y Libertad), Brave (Valiente), To Rome with Love (De Roma con Amor) y Un Monstre À Paris (Un monstruo en París), de esta última nos habla nuestro nuevo colaborador Pablo Peñalver, quien desde España nos estará hablando cada mes de cine infantil y juvenil ¡Bienvenido Pablo! Además, también les traemos avances de cintas como Django Unchained, Anna Karenina y por supuesto el remake de Total Recall, de la cual nos habla nuestro colaborador Pedro Arzillier. Pero como no sólo de estrenos vive el hombre, en este número también les hablamos de películas como Canino, Laputa: El Castillo en el Aire, Paprika y Les Amours Imaginaires. Todo esto y mucho más cine en este volumen 24 de CELULOIDE DIGITAL ¡¡Bienvenidos!!

revistaceluloidedigital@gmail.com www.facebook.com/celuloidedigital www.twitter.com/celuloidemag

celuloidedigital.wix.com/magazine

http://reksdark.deviantart.com/

Editor: Finbar Flynn. Colaboradores: Pedro Arzillier, Imelda Aguilera, Sweet Bloody Dreams, Mauri, Joseph, Rafael Mejía, Julio Nuñez Marquez, Pablo Peñalver, Cinevidente, Bent, Siniestro Sexual. Fotografías: Distintas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

es uno de los tres superhéroes más reconocidos a nivel mundial (por si se habían quedado con la duda, los otros dos son Superman y Batman) y desde su creación en 1962, millones de niños alrededor del mundo se han inspirado en el personaje para protagonizar sus aventuras infantiles vestidos de rojiazul, pretendiendo ser el trepamuros. La popularidad del arácnido personaje lo ha llevado a ser adaptado a series de televisión (tanto live action como animadas) y al cine; en este último apartado es donde el personaje tuvo más éxito cuando Sam Raimi realizó una trilogía de cintas de muy buena manufactura y que tuvieron gran éxito en la taquilla mundial, aunque la tercera entrega dejó con un muy mal sabor de boca a los fans del personaje pues se había traicionado la esencia del personaje llegando incluso a convertirlo en una burla (sí, todos estamos pensando en esa escena donde un Peter Parker pseudo-darketo-emo, dominado por el ente extraterrenal que luego daría origen a Venom, baila por la calle mientras pretende ligarse a varias chicas). El éxito obtenido por la trilogía de Raimi aseguraba el seguimiento de la franquicia al menos por dos cintas más (de hecho se planeaban rodar al mismo tiempo), pero los proyectos del director y la negativa de los protagonistas a regresar a la serie fílmica si Raimi no estaba en la silla de director terminaron con el proyecto y los productores optaron por darle un nuevo giro a la historia y comenzar desde cero con una historia jamás contada; este mes, esa historia se columpiará ante nuestros ojos (y en tercera dimensión) con el estreno de The Amazing-Spiderman.

Nacido en Indiana el 31 de agosto de 1974, el director lleva más de una década trabajando en el mundo de la publicidad, además de haber realizado algunos documentales y haber dirigido algunos videos musicales para artistas como Jesse McCartney y No Doubt. También ha participado como director de algunos capítulos de series de televisión como Lone Star y The Office. Su debut como director lo realizó en 2009 con la estupenda anti-comedia romántica (500) Days of Summer, en la que se nos cuenta la relación entre Tom y Summer, pero desde el muy particular punto de vista de Tom; de manera no lineal se nos muestran todas las etapas por las que pasó la relación (que duró los 500 días del título), desde su primer encuentro, la primera vez que cruzaron palabra, pasando por los momentos de fricciones entre ambos y finalmente la ruptura. Tras su debut en el Festival de Sundance en 2009, la película sonó fuerte y las recomendaciones de boca a boca la han colocado como una de las cintas indispensables dentro de las comedias románticas, aunque esta sea una antítesis de ellas.

¿Qué atractivo tendría presenciar el origen del arácnido en la gran pantalla una vez más? Muy poco en realidad, sobre todo cuando la trilogía anterior apenas llevaba una década de haber iniciado (aunque hay que aceptar que el tiempo ya no es problema cuando hollywood decide presionar el botón reset y reiniciar sus franquicias, ahí está el ejemplo muy claro de Fantastic Four); es por eso que los productores decidieron darle un giro a la historia, contarla desde un punto de vista un tanto distinto (aunque no mucho, hay que decirlo) y modernizando al personaje. En The Amazing Spider-Man, Peter Parker es un chico que gusta del skate, es amante la ciencia, de los gadgets (no suelta su Sony Xperia por nada del mundo) y la fotografía; el chavo vive apaciblemente con sus tíos Ben y May, hasta que un día, encuentra en el sótano un portafolio que perteneció a su padre y que mantiene oculto un secreto que lo obligó a alejarse de él para protegerlo de los peligros que dicho secreto podría traerle. La búsqueda de la verdad sobre sus padres es el motor que impulsa el comienzo de la historia de esta 'nueva' aventura arácnida; esto lo lleva a buscar al Dr. Curt Connors, gran amigo de su padre y con quien trabajó en el proyecto secreto del que encontró indicios en su portafolio. Su investigación lo lleva a las Industrias Oscorp, lugar en donde trabaja el Dr. Connors (herpetólogo reconocido a nivel mundial) y donde es mordido por una araña que se encontraba en un apartado experimental, lo cual le otorga ciertas habilidades arácnidas. Como verán, la historia del origen del arácnido es la misma en esencia, pero hay ciertos detalles que se han cambiado para modificar el ángulo de la historia; por ejemplo el interés amoroso de Peter Parker: ahora es Gwen Stacy quien represente el primer amor de la identidad secreta del trepamuros, tal y como realmente ocurre en los comics y no como en la trilogía de Raimi en donde Mary Jane fue la chica principal y Gwen Stacy fue presentada hasta la tercera entrega.

Para darle la frescura juvenil y el lado humano que necesitaba la nueva cinta del ícono de Marvel, los productores pensaron en Marc Webb, un director que si bien no tiene tanta experiencia en el terreno cinematográfico (aunque lleva más de diez años en el mundo de la publicidad), demostró su talento para contar historias muy humanas con la anti comedia romántica 500 Days of Summer, esa cinta protagonizada por Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel que ha marcado ya a una generación. Pero no toda la responsabilidad de este reboot hay que adjudicárselo al director, el reparto es una parte también de gran importancia, es por eso que causó gran desconcierto cuando el desconocido (en ese entonces) Andrew Garfield fue elegido para encarnar al trepamuros; pero no sólo la prensa internacional se encontró sorprendida cuando se anunció quien llevaría el traje rojiazul para el reinicio de la franquicia, el mismo Garfield lucía sorprendido cuando, hace un par de años, tuvo que aparecer ante la prensa tan sólo minutos después de que a él mismo le habían dado la buena noticia de su protagónico del muy esperado blockbuster. Emma Stone también generó cierta sorpresa y desconfianza al ser elegida como la nueva Gwen Stacy, pues la talentosa actriz no se caracteriza por su blonda cabellera (gracias a Dios por los tintes); pero su trabajo en cintas como Easy A y The Help reafirmó que no sólo era una cara bonita sino que también sabía actuar... y muy bien. Para hacerle la vida de cuadritos al superhéroe de las telarañas está Lizard, un temible lagarto-humanoide-gigante en el que se transforma el herpetólogo Dr. Curt Connors cuando experimenta consigo mismo una fórmula para regenerar su brazo derecho que ha perdido; el especialista en reptiles es encarnado por Rhys Ifans (papá de Luna Lovegood en la saga Potteriana), quien cuando le tocaba actuar como la criatura de sangre fría en la que se transforma tras el experimento fallido, tuvo que usar un traje especial de motion capture para crear después de manera computarizada el modelo del reptil antagónico de la cinta. Para las figuras paternas de Peter Parker, es decir sus tíos Ben y May, se recurrió a dos grandes histriones ya consolidados: Martin Sheen y Sally Field; además, Denis Leary, da vida al Capitán de la Policía de Nueva York, quien además de querer atrapar al vigilante enmascarado conocido como El Hombre Araña (pues lo considera una amenaza pública) deberá lidiar con la idea de que Peter comience a salir con su hija Gwen.

Con 28 años de edad, Andrew Garfield se ha colocado en la mira del público con gran rapidez, ya que si bien es cierto que es hasta ahora cuando el público general lo ubica como el nuevo Hombre Araña, las audiencias cinéfilas seguramente ya habrán notado sus dotes histriónicas en cintas como la independiente Boy A, la onírica The Imaginarium of Dr. Parnassuss, la extraordinaria The Social Network o la emotiva Never Let Me Go.

Emma Stone combate zombies y la discriminación racial por igual; claro que todo esto lo hace dentro del mundo del celuloide en cintas como la hilarante Zombieland o la reconocida The Help. Y aunque también ha provocado rumores sobre su promiscua vida sexual (en la cinta Easy A), este mes se le verá columpiándose entre los edificios neoyorquinos junto a un enmascarado (The Amazing Spider-Man). Se dice que la veremos a finales de año junto a la Mafia de la Costa Este (en la cinta Gangster Squad)

Una historia comprobada, un director prometedor, un reparto talentoso, un villano conocido y 'querido' por los fans y un equipo de efectos especiales envidiable ¿Qué podría salir mal? Tal vez sólo el hecho de que la trilogía de Raimi está aún muy fresca en la memoria del público y este pueda dejarse llevar por la entrañable saga, ya que muy a pesar de sus defectos, Raimi logró crear una franquicia sólida que sentó las bases para que esta nueva trilogía que se pretende iniciar con este reboot pueda ver la luz. En estos momentos se habla ya de una secuela, pero es muy pronto para saber a ciencia cierta si el director regresará para la segunda parte, el regreso del elenco sería más probable aunque nada está escrito; mientras tanto este mes podremos ver de nuevo al enmascarado columpiarse y defender a lo inocente con el incentivo de que lo veremos por primera vez en tercera dimensión.

ubicada al sur de China, es una nación que a lo largo de su historia ha estado inmersa en un interminable conflicto armado que inició en 1948 y que al día de hoy no ha culminado por completo. Este conflicto se refiere a la violencia interna que bulle en aquel país por motivos políticos y étnicos entre diversos grupos armados y el gobierno. Aung San Suu Kyi fue una de las oponentes principales de la Junta Militar, la cual surge tras el golpe de estado denominado Levantamiento 8888 y en el que Aung San emerge como referente político. Después de ganar las elecciones convocadas por la Junta Militar en 1990, permaneció bajo arresto domiciliario por más de quince años, en los cuáles no dejo de luchar por ver llegar la democracia a su país. En ese periodo, Aung San Suu Kyi, tuvo que enfrentar no solo la perdida de su libertad y sus derechos, sino además fue alejada de su esposo e hijos, a los cuales, después de 10 años logró ver una vez que fue liberada; pero a su esposo no volvió a verlo jamás. Es bajo este contexto que surge el interés de la escritora Rebecca Frayn de reconstruir por vez primera la historia de esta gran mujer, sobre todo esa historia que muchas veces no es mostrada: el sufrimiento y la desesperación de perder a las personas que ella amaba por un lado, y por otro, la indignación de ver a su pueblo en la pobreza, bajo la tortura y violación militar, con el anhelo de que su sacrificio pronto cosechara algún fruto. Para poder realizar el guión, Rebecca Fryan entrevistó a personas clave que estuvieron alrededor de Aung San Suu Kyi y tres años después lo presentó a la actriz Michelle Yeoh (El Tigre y el Dragón, Memorias de una geisha) y al cineasta Luc Besson (El Quinto Elemento), quienes de inmediato aceptaron realizar la historia, “Cuando recibí el guion de Rebecca Frayn en el 2007, pensé que no sólo era una historia profundamente conmovedora de amor y sacrificio, sino que también me estaba ofreciendo un papel que no podía rechazar” explica Michelle Yeoh.

La actriz relata que interpretar a Aung San representó un reto bastante desafiante, ya que la ganadora del Premio Nobel de la Paz de 1990 pasó por diversas etapas mientras se encontraba arrestada, y lo fue más cuando en un día tenía que interpretar a la Aung San de 1988, 1995 y 1989. Sin duda será uno de los motivos para ver está cinta, y comprobar si Michelle Yeoh logra salir de pie ante este reto. Otro de los elementos a destacar es la actuación de David Thewlis, quien interpreta al esposo de Aung San y su gemelo, sin duda un gran reto, ya que el actor no logró obtener mucha información de ambos, realizando una interpretación en base a lo que la guionista logró investigar y como el imagino que serían sus personajes. La fotografía de Thierry Arbogast

fue elogiada por David Rooney de The Hollywood Reporter quien dijo que la cinematografía mostraba “imágenes hermosas, los paisajes del sur de Asia muy bien en contraste con las estructuras de piedra gris de Oxford”. Es notable que Amor, Honor y Libertad promete mostrarnos la vida de una gran mujer que recogió en el mes de junio de este año el Premio Nobel de la Paz que le fue otorgado en 1990, sin duda la nación de Birmania se encuentra en una situación distinta a la de hace más de 20 años, no por eso mejor, pero la perdida de la libertad de muchas personas a valido la pena, y que mejor que ir al cine y ver solo un poco de lo que se sufre en otras latitudes y con ello valorar y exigir a nuestro gobierno lo que nos debe por obligación.

Woody Allen sorprendió como hace mucho no lo hacía, y no es de extrañarse pues lo que el director nos mostró en Midnight in Paris era puro y genuino cine; una joya que, a través de una historia 'sencilla' pero encantadoramente entrañable logró cautivarnos y que nos identificáramos con Gil, el personaje principal que, después de andar saltando en el tiempo durante las medias noches parisinas, comprendió un poco más esa perpetua inconformidad, característica que nos identifica como seres humanos. Este mes, el neoyorkino nos trae una cinta que recurre nuevamente a los parajes europeos para mostrarnos una serie de historias que se verán entrelazadas en la hermosa capital italiana, en donde en medio de los monolitos (vestigios de una gran civilización) se puede experimentar también la vida cosmopolita de una gran y sofisticada ciudad; “Gran parte de la acción y de la actividad de Roma sucede en el exterior, en sus cafés y sus calles”, señala el director de Vicky Cristina Barcelona. Ahí, entre la tradición y el modernismo, tendrán lugar cuatro románticos relatos, dos de ellos protagonizadas por turistas estadounidenses y el otro par por habitantes locales. “Sentí que la ciudad de Roma se prestaba para diversas historias”, dice el cineasta. “Tenía una gran variedad de posibilidades. Si detienes a cualquier romano en la calle te dirá: 'Yo soy de la ciudad, la conozco bien y podría contarle un millón de historias'”. Pero, de entre ese millón de relatos que podríamos escuchar en las calles romanas, Allen se ha enfocado en cuatro de ellos (todos y cada uno marcados de alguna u otra forma por el concepto de la celebridad): el de un reconocido arquitecto estadounidense que pretende volver a vivir su juventud; el de un habitante local de clase media que, de la noche a la mañana, se convierte en la celebridad más grande de la capital; el de una pareja provincial que tienen diversos y románticos encuentros y el de un director de ópera que intenta poner a un cantante sepulturero en los escenarios.

John (encarnado por Alec Baldwin) es un arquitecto que se encuentra vacacionando en Roma y donde vivió cuando era joven; al regresar a lo que alguna vez fue su vecindario se topa con un joven muy parecido a sí mismo (Jack, interpretado por Jesse Eisenberg); y mientras este va demostrando gran entusiasmo por Monica (la siempre agradable Ellen Page), una interesantemente coqueta amiga de su novia (Sally, a quien da vida Greta Gerwig, el arquitecto revive lo que fue uno de lo más dolorosos episodios de su juventud. Leopoldo Pisanello (Roberto Benigni), un tipo común y corriente de clase media, se despierta una mañana para encontrarse con la situación de que, sin saber cómo ni por qué, ha llegado a ser uno de los hombres más famosos de toda Italia. Entre el acoso de los paparazzi y los cuestionamientos sobre qué tipo de ropa interior utiliza, Leopoldo se acostumbra a la vida bajo los reflectores, pero poco a poco se dará cuenta que la fama tiene un costo. Jerry, un director de ópera jubilado interpretado por el mismo Woody Allen, viaje junto con su esposa Phyllis (Judy Davis) para encontrarse con Michelangelo (Flavio Parenti), el prometido de su hija Hayley (encarnada por Alison Pill); el retirado director se asombra al escuchar a Giancarlo (el famoso tenor Fabio Armiliato), el padre de Michelangelo que trabaja como sepulturero. El rejuvenecer su carrera y promover el prodigioso talento del sepulturero, son oportunidades que Jerry no dejará pasar.

Antonio (Alessandro Tiberi) pretende impresionar a su estricta familia con su nueva y encantadora esposa Milly (Alessandra Mastronardi), con esto también espera poder subir uno que otro peldaño profesional en la capital; pero debido a un malentendido, la pareja se separa durante el día y él termina con una escort de nombre Anna (Penélope Cruz), y mientras esta e muestra como su esposa, Milly comienza un romance con una leyenda de la actuación de nombre Luca Salta (Antonio Albanese) El deseo de ser apreciados es algo que comparten varios de los personajes de To Rome with Love; sentirse especial e importante es prácticamente una necesidad fundamental, es parte de la naturaleza humana ¿Podría servir esto como una base para la explicación del por qué las personas están ansiosas por ser famosas? “Vivimos en una sociedad donde la fama es muy apreciada y venerada”, señala Ellen Page, “incluso cuando es evidente que no es una estilo de vida sano y que puede incluso ser muy desgastante, la gente piensa 'esto va a hacerme feliz; esto va a hacerme sentir importante; esto va a hacer que me sienta centrado, seguro y poderoso.' La ironía está en que eso que la gente quiere 'llenar' es finalmente lo que los hace sentirse vacíos.” ¿Y tú también estás ansioso por ser famoso?

de A monster in Paris salta, con la ligereza de una pulga, de un universo a otro, entre el París de principio de siglo, el cine y los sueños. Lugares, todos ellos, de sobra conocidos por todo cinéfilo de la animación. La ciudad del amor ha sido animada en multitud de ocasiones, desde la versión más burguesa que canalla de los Aristogatos, hasta el hiperrealismo bohemio dónde se cocinó Ratatouille, pasando por retratos más oscuros como los de la recomendable Une vie de chat. El cine, por su parte, parece haberse convertido en el centro de atracción de las más exitosas producciones contemporáneas: La invención de Hugo, The Artist. Como si en los tiempos del digital y las nuevas plataformas alguien quisiera recordarnos que la originalidad, paradójicamente, puede estar en el origen. Y por último los sueños, un mundo cuyos elementos nos son siempre conocidos, familiares, pero en el que nada es lo que parece y todo tiene un toque exótico, distinto, esa es la fórmula de esta pócima llamada A monster in Paris. El director Bibo Bergeron vuelve a su patria tras

haberse labrado un nombre en el cine de animación con títulos no tan brillantes como su título, La Ruta hacia El Dorado, y otros quizá más recomendables como El espantatiburones. Arrastra, por desgracia, tics de este tipo de producciones: persecuciones interminables y prescindibles números musicales que llegan a cansar y ralentizan el ritmo del fin más que hacerlo atractivo. Pero corre, sin embargo, algún que otro riesgo estilístico que, sin llegar a la osadía de sus compatriotas Sylvain Chomet o Michel Ocelot, da un toque embriagador al fin. Porque, todos hemos visitado en la gran pantalla las calles de París, pero nunca a saltos delirantes, de azotea en azotea, con mirada atónita y causando el pánico, es decir, con los ojos de un monstruo. Es este uno de los hallazgos fundamentales del film, ponernos en la piel del engendro, para que pensemos quién es el verdadero monstruo. Imposible no pensar en muchas películas infantiles, como, por ejemplo, El Jorobado de Notre Dame, que dicho sea de paso, también transcurría en París. Aceptar al diferente sin dejarnos llevar por

las apariencias puede parecer un mensaje recurrente hasta la saciedad en el cine infantil. Pero nunca está de más recordar a las nuevas generaciones que la cultura del miedo es el arma más poderosa de un capitalismo voraz, que encuentra en el temor a lo diferente su mejor solución de continuidad. Que se empeña en menospreciar al débil, al desfavorecido. Al hablar de la humanidad de las pulgas resulta imposible no pensar en ese otro monstruo, mucho más real, que un cuarto de siglo después sí se pasearía por París. Y lo demás por desgracia son sombras en la ciudad de las luces. Los personajes resultan demasiado unidimensionales incluso para una película infantil. El guión cuenta con pocas sorpresas y pierde interés a medida que avanza el metraje. No obstante, nunca está de más darle una oportunidad a estas producciones pequeñas, quizá algo feúchas, pero que esconden agradables sorpresas en su interior. Porque hasta las pulgas pueden cantar y porque, aunque ya lo hayan dado alguna vez, ¿Quién es capaz de rechazar un paseo por París?

un estudio de animación que había entregado joyas fílmicas dentro de su rubro en el que era experto, tales como Wall-E y la trilogía de Toy Story. Gracias a su magia, cuando las audiencias presenciaban sus historias, estas eran transportadas a mundos habitados por entrañables vehículos, pececillos olvidadizos, familias superpoderosas, monstruos que salían del armario por las noches, roedores con un exquisito gusto culinario, bichos que se unían a circos itinerantes o viejitos amargados que escondían una gran tristeza en su corazón. Un día (ya a unos años de distancia), en Pixar, nombre del mágico recinto de animación, comenzó a gestarse una idea sobre una cinta con una princesa como protagonista. La historia representaba no solamente la incursión de los estudios en los terrenos de los relatos de prin-cesas, sino la primera de sus películas en tener a una mujer como protagonista y también a una mujer como directora. Tomando como base su relación con su hija -de cuatro años en aquel entonces-, la directora Brenda Chapman (El Príncipe de Egipto) se imaginó una historia sobre una madre con una hija tan testaruda que era prácticamente imposible de controlar. Pero como en todos los relatos hay obstáculos que hay que sortear y enemigos a vencer, en el caso de Valiente, no podía haber una excepción y las diferencias creativas no se hicieron esperar, obligando con esto a que la directora abandonara el proyecto. Mark Andrews (quien había desempeñado distintos trabajos en anteriores obras de Pixar) quedó a cargo del proyecto y terminó lo que su amiga Brenda había comenzado.

Mérida, llevaba por nombre de la princesa protagonista de la nueva apuesta de los estudios Pixar, una joven de cabello tan rebelde como su personalidad, que gustaba de extrañas actividades (extrañas para una chica de su abolengo) como el tiro al blanco, montar a caballo y deleitarse los oídos con los épicos relatos que le contaba su padre. Pero cuando los primogénitos de diversos reinos fueron convocados para competir por la mano de la princesa de tan peculiarmente encendida cabellera, esta decidió tomar las riendas de su destino y competir para ganar su propia mano y ejercer el control sobre su vida, aunque eso significaba ir

contra las tradiciones ancestrales de su familia. Ante la oposición de su madre, la doncella decidió ir en busca de un hechizo que le permitiera cambiar su destino. Mientras que junio marcó la llegada de la pelirroja protagonista a los cines de los Estados Unidos (logrando el quinto mejor estreno para una cinta de Pixar en su fin de semana de estreno con $66.7 mdd), en México tendremos que esperar hasta el 20 de julio para disfrutar de la aventura y el humor de la nueva cinta de los estudios que han revolucionado la manera de hacer cine animado.

Bachir Lazhar es un inmigrante argelino contratado para sustituir a una profesora de Primaria que se suicidó en el aula. Mientras la clase atraviesa un largo proceso de aceptación, nadie es consciente de la dolorosa vida anterior de Bachir, ni de que pueden deportarlo en cualquier momento.

Terror en Chernóbil una historia original de Oren Peli quien horrorizó a la audiencia con el thriller “Actividad Paranormal” es la historia de seis viajeros quienes contratan un guía de turismo extremo quien los lleva a la ciudad abandonada de Pripyat, antigua casa de los trabajadores del reactor nuclear en Chernóbil. Durante la visita, descubren que no están solos…..

Abandonados en el escalón de entrada de un convento, Larry, Curly y Moe crecieron picándose los ojos, haciendo sonidos de nyuk-nyuk y llegando hasta niveles inexplorados de desventuras descabelladas. Decididos a salvar el hogar de su infancia, sólo Los Tres Chiflados podían enredarse en un excéntrico complot de asesinato... y al mismo tiempo convertirse sin querer en los protagonistas de un programa reality de televisión fenomenalmente exitoso.

Michael es un joven austriaco de 35 años que tiene una vida bastante común y monótona. Sus días pasan mecánicamente, y sus acciones parecen regirse por la más primitiva rutina… Pero Michael guarda un secreto, oscuro y perturbador: en el sótano de su casa, recluido del mundo, vive un pequeño de 10 años, de nombre Wolfgang. Esta es la historia de los últimos 5 meses que Michael mantuvo en cautiverio a Wolfgang, en una relación obsesiva y escalofriante.

Cuando aún era adolescente, Donny tuvo un hijo, Todd, y lo crió como padre soltero hasta que Todd cumplió los 18 años. Ahora, después de no verse durante años, el mundo de Todd colapsa en la víspera de su boda, cuando, a pesar de no ser requerido, Donny aparece repentinamente. Intentando desesperadamente reconectarse con su hijo, Donny se ve obligado a lidiar con las repercusiones de sus malas aptitudes como padre.

Dos jóvenes emprendedores de Laguna Beach, Ben (Aaron Johnson), un budista pacífico, y su mejor amigo Chon (Taylor Kitsch), ex miembro de las fuerzas especiales de la Marina estadounidense y ex mercenario, han montado un lucrativo negocio casero: cultivar y vender una de las mejores plantas de marihuana que jamás se ha obtenido. También comparten un amor único con la bella Ophelia (Blake Lively). Llevan una vida tranquila en este pueblecito del sur de California… hasta que se instala un cártel mexicano de Baja California y exige que el trío se asocie con ellos. Pero la despiadada jefa del cártel (Salma Hayek) y su brutal matón Lado (Benicio Del Toro) no toman en cuenta la fuerza del vínculo que une a los tres amigos. Ben y Chon, con la ayuda que les proporciona a regañadientes un corrupto y escurridizo agente de la DEA (John Travolta), deciden librar una guerra imposible contra el cártel. Así empieza una serie de maniobras y estratagemas cada vez más salvajes en un enfrentamiento donde ambas partes se la juegan.

En La Casa Silenciosa, Sarah, junto con su tío y su padre, preparan su casa de verano familiar para venta, recientemente destruida por ocupantes ilegales. Pero ventanas rotas y grietas en el yeso son el menor de sus problemas cuando descubren que no están solos, y que algo más se oculta en las paredes. A lo largo de 85 angustiosos minutos, su idílico retiro aislado es transformado en un sitio de horror mientras el pasado de la familia regresa para burlarse de ellos y aterrorizarlos, exponiendo una historia oculta..

Ambientada en el arriesgado mundo de las altas finanzas, Margin Call es un drama que compromete a las figuras clave de un banco de inversión durante las turbulentas 24 horas previas al inicio de la crisis financiera de 2008. Peter Sullivan, un analista junior, descubre información que predice la caída de la empresa por el exceso de activos basura con los que está generando sus beneficios, y origina una toma de decisiones en cadena tanto morales como financieras que producen un terremoto en las vidas de los implicados en el inminente desastre

Elena y Vladímir se casaron siendo mayores. Cada uno tiene hijos de su matrimonio anterior. Cuando Vladímir sufre un infarto comienza a valorar sus últimos días de modo distinto, se acerca a su hija, Katerina, y decide dejarle todos sus bienes. Para Elena, que tiene orígenes humildes y un hijo, Serguéi, desempleado y con familia propia que le pide dinero constantemente, la noticia resulta muy sombría. Motivada por su descendencia, decide dejar de ser una esposa sumisa para dejarles algo a los suyos.

El director Walter Hill ha firmado para escribir el guión y dirigir el remake de la cinta clásica de 1962 que protagonizaran Bette Davis y Joan Crawford bajo la dirección de Robert Aldrich. La trama gira en torno a dos hermanas ex actrices que viven aisladas (y en una no muy sana relación) en una vieja mansión de Hollywood desde que una de ellas tuvo un misterioso accidente automovilístico que la deja en silla de ruedas. La más reciente cinta de Hill (Bullet to the Head protagonizada por Sylvester Stallone) llegará a las pantallas en febrero del próximo año y marca el regreso del director después de una década tras su último trabajo (Undisputed de 2002).

El director Eli Roth prepara su regreso tras las cámaras con una reinvención del personaje de Drácula. En un principio, sería Jaume ColletSerra quien estaría al frente del proyecto de Warner Bros. que se centra en la figura de Jonathan Harker, detective de Scotland Yard y su búsqueda desesperada por ese espectral ser al que llaman Drácula. Por el momento, Roth se encuentra en negociaciones para tomar las riendas del proyecto que contará con la participación de Russel Crowe como el más famoso chupasangre de la historia. Este rol agregaría otra icónica figura a sus roles en la gran pantalla, pues en los próximos años lo podremos ver en Les Miserables (2012), Superman: Man of Steel (2013) y Noah (2014).

El actor de G.I. Joe se encuentra en negociaciones para producir y protagonizar la biopic del stuntman Evel Knievel, quien lograra la fama durante la década de los 70 con sus arriesgados saltos en motocicleta y siempre utilizando un traje de cuero (y una con los colores azul, rojo y blanco. La cinta estará basada en la biografía del stuntman Life of Evel de Stuart Barker.

Se dice que Christian Bale y Nicolas Cage están en conversaciones para protagonizar la biopic sobre Nikola Tesla; si las negociaciones prosperan, Bale dará vida a Tesla, mientras que Cage encarnará a Thomas Edison; ambos bajo la dirección de Mike Newell, quien en estos momentos se encuentra terminando su propia versión de Great Expectations que será estrenada a finales de este año.

Ha sido el director de cintas como Black Swan y Requiem for a Dream (a través de su cuenta de twitter @DarrenAronofsky) quien ha revelado esta fotografía de la construcción de su monumental arca para su no menos colosal cinta Noah. Junto con la fotografía, el director ha adjuntado el texto “I dreamt about this since I was 13. And now it's a reality. Genesis 6:14? La cinta llegará a las pantallas hasta el año 2014 y será protagonizada por Russell Crowe, quien estará acompañado por Jennifer Connelly, la cual dará vida a Naamah, esposa de Noah; Logan Lerman y Douglas Booth darán vida a los hijos de la bíblica pareja. Ray Winstone será el villano de la cinta y Anthony Hopkins participará como Methuselah.

La secuela de Machete ya está en marcha, y ha sido la misma Jessica Alba la encargada de revelar algunas nuevas imágenes desde el set de filmación. La nueva entrega de Robert Rodriguez con Danny Trejo repitiendo rol central también contará con la participación de Edward James Olmos, Sofia Vergara, Amber Heard, Demián Bichir, Michelle Rodriguez y Mel Gibson.

Tan épica como la obra de Tolstoi, es así como nos imaginamos esta cinta con tal sólo ver el primer cartel promocional de la adaptación del clásico literario a cargo de Joe Wright (responsable de "Pride & Prejudice", "Atonement" y "Hanna") y protagonizado por Keira Knightley, Jude Law y Aaron Johnson. http://youtu.be/rPGLRO3fZnQ

http://youtu.be/eUdM9vrCbow

No hay mucho que decir cuando se trata del cinde de Tarantino, sólo basta decir que finalmente ha salido a la luz el avance de su más reciente proyecto protagonizado por Jamie Foxx, Christoph Waltz y Leonardo DiCaprio...

Primer avance de la cinta escrita, dirigida y portagonizada por RZA, quien comparte créditos con Russell Crowe y Lucy Liu. Si piensan que tiene un look muy 'tarantinesco' es porque el director de Kill Bill ha fungido como productor y ha sido co-escrita por Eli Roth http://youtu.be/6FyGHAUpSIQ

http://youtu.be/EiFqT5-6JQg

Primer avance de la cinta estrenada en la pasada edición del Festival de Cine de Sundance y que se sitúa en un futuro cercano en donde Frank, un viejo cascarrabias, apasionado por los libros recibe un robot que se encargará de cuidarlo, esto muy a pesar de no estar para nada de acuerdo con ello.

a pasaron 22 años de que se estreno la primera película, que aquí en México se llamó El Vengador del Futuro; en aquel entonces era un chiquillo, bueno, no tanto. Cuando supe que en México se filmaría esta, yo estaba emocionadísimo al ir a verla, no tanto porque en aquella ocasión fuera una de las películas que más dinero se le había metido para producirla. Si no más bien por ver si identificaba algunas partes donde se había filmado. Por suerte, llegué a la conclusión un día que pase por afuera del edificio del Infonavit, se veían lámparas enormes, cámaras acomodadas por todas partes, carros de policía y un gential que nada más estaban de mirones, eran parte de esta película. Cuando la película empezó yo estaba ansioso por tratar de reconocer los lugares donde se había filmado. El que más recuerdo es la glorieta del metro Insurgentes, donde podemos ver en una de las tomas un anunciote de Farmacias El Feníx y otro de Coca Cola. Mis preguntas fueron en ese momento seguidas de una risa: ¿Cómo es que Farmacias El Fénix había sido un negocio tan prospero que en 94 años en el futuro seguía existiendo?, de Coca Cola no tenía duda pero de esta Farmacia, fue increíble. Ya analizando la situación, un poco sabiendo que era un super presupuesto con el que contaban y no se les ocurriera poner un anuncio encima de esos, quizá un poquito más futurista. Bueno, ahora hablando de esta nueva película, el papel protagónico será de Colin Farrell interpretando a Douglas Quaid; y será el que viva esta historia en el dilema de no saber qué es realidad y qué es un sueño implantado. En el tráiler de este nuevo remake vemos unos increíbles vehículos futuristas, y espero no ofender a más de uno, pero quizá la ambientación me recordó a algo de Blade Runner. Los efectos especiales están al por mayor y las escenas de acción se ven increíbles. Nada mas esperemos que la película no nos defraude con un letrero de Farmacias El Fénix y que no se les olvide sacar a la marciana de tres chichis, que fue algo de lo que también me viene mucho a la mente cuando mencionan El Vengador del Futuro. Para los aficionados de las películas de acción, con un toque futurista, y que no han visto todavía el tráiler, se los recomiendo ampliamente.

http://youtu.be/sWMhADqlPYg

os padres mantienen a sus tres hijos alejados de la sociedad, encerrados en una mansión a las afueras de la ciudad. Desde su nacimiento se han criado de espaldas al resto del mundo sin salir de su mansión. Manipulados y coartados por sus padres, creen que ese es el mundo donde les ha tocado vivir y lo aceptan como tal. Para ellos, los aviones que pasan volando son juguetes, “mar” es un tipo de sofá con brazos, “autopista” es un viento muy fuerte y “excursión” es un material muy resistente. Su único contacto con el mundo exterior es Christine, una guardia de seguridad que trabaja en la fábrica del padre y sirve como trofeo sexual para el ganador de los juegos que les plantean sus padres.

Esa es la carta de presentación de Canino (Kynodontas), el segundo filme del controvertido director griego Giorgos Lanthimos, que recientemente ha estrenado en México su nuevo filme (Alps). Si no han oído antes hablar de la película posiblemente piensen: “Qué rara, ¿no?”. Sí, efectivamente. Rara. Muy rara. Y es que Canino es una película difícil de ver. Puedes dar mil vueltas en el asiento a lo largo de los 90 minutos de metraje buscando el ángulo perfecto para entender semejante monstruosidad. Es una película para ver en esos días que te sientes capaz de todo. Y sus rarezas no se hallan solo en el argumento. La propia dirección de Lanthimos hace de Canino una cinta incómoda de ver. El abundante uso del plano secuencia estático que nos muestra una acción cuando el centro de atención está en otro punto, la inexistencia de la corrección en el encuadre que nos da como resultado planos en los que los protagonistas tienen las cabezas cortadas, los pocos movimientos de cámara… son todas características que no estamos acostumbrados a ver en el cine comercial y que abundan en este filme, convirtiéndolo en algo genuinamente diferente. Pero, por encima de esa rareza; o más bien, gracias a esa rareza, Canino es una película fascinante. Un filme que te golpea como un puñetazo en el estómago, que te hace revolverte en tu asiento y en el que nunca sabes si debes reír, impresionarte o llorar (porque al final acabas haciendo todo a la vez). Durante todo el metraje reina una aparente e incómoda calma que se ve truncada cuando una de las hijas tiene un ligero contacto con el mundo exterior, lo que lleva a tres momentos de violencia bestiales que, literalmente, te hacen moverte en tu asiento. Canino es una película totalmente inclasificable. Sirva como ejemplo que la web española Filmaffinity la clasifica como “Drama. Comedia | Comedia dramática. Comedia negra. Drama psicológico. Familia. Adolescencia” o la conocida base de datos IMDB prefiere lavarse las manos y otorgarle el genérico estatus de “Drama”. ¿Comedia? ¿Comedia negra? Es cierto que te puedes reír con la película, pero habría que inventarse otro color inexistente para por clasificarla como un tipo de comedia. Inclasificable como género como inclasificables son muchos de los diálogos. He aquí un ejemplo: Mamá, ¿qué es un coño?; -Coño es una gran luz. Por ejemplo: “En el salón se apagó el coño y nos quedamos a oscuras”. Uno sólo puede imaginarse a los guionistas del filme (Efthymis Filippou y el

propio director, Giorgos Lanthimos) partiéndose de risa en su sillón. Además, por si alguien es amante de la filosofía o de buscarle significados ocultos a lo que ocurre en las películas, con Canino tiene para aburrirse. Y es que si nos da por ponernos místicos (algo que no soy muy dado a hacer), podemos ver la película como una versión audiovisual de la crítica al lenguaje de Nietzsche (el filósofo alemán consideraba el lenguaje como algo arbitrario del mismo modo que es arbitrario llamar “lámpara” a un objeto que sirve para iluminar, en lugar de llamarlo “coño”). También podemos ver en Canino una crítica al control de los grandes poderes de la sociedad (más aún si tenemos en cuenta la nacionalidad griega de la cinta). O incluso una nueva visión del mito de la caverna de Platón (en la caverna de Platón, uno sólo ve sombras -proyecciones de la realidad- del mismo modo que los hijos de la familia no conocen la realidad, sólo las proyecciones de ésta -sombras- que sus padres les ofrecen). Pero como digo, yo prefiero no fijarme en esos posibles y turbios segundos significados. Prefiero ver Canino como una película muy diferente, una película que te machaca desde el principio hasta el final y una película de esas que dejan poso, de esas que se empiezan a apreciar más una vez terminadas. Hay que verla, salir a tomar el aire un rato para sacudirse todo el mal cuerpo y empezar a digerir lo que se ha visto. Terminé mi recomendación del mes pasado de La Huella haciéndome responsable si veían la película y no les gustaba. Lo siento, con Canino no puedo hacer lo mismo. Lo que sí les puedo asegurar, es que no dejará indiferente a nadie.

l género musical sin duda alguna es uno de los más viejos (junto con el de comedia), y al decir viejo no quiero decir 'aburrido' o algo por el estilo, me refiero a su 'edad'. Hoy en día las películas musicales y del western se consideran en cierta parte iguales, puesto que ambas tuvieron su mayor apogeo en los años 30's, 40's y 50's. Si bien es cierto que en las siguientes décadas intentaron 'regresar' o mantenerse, la verdad fue otra; en el caso del western fue un género casi muerto, mientras que los musicales si tuvieron cierto renombre y lograron dejar clásicos como West Side Story, Mary Poppins, The Music Man, The Sound of Music, Hello Dolly!, My Fair Lady, entre otras. GÉNERO MUSICAL: es aquel en donde sobresalen y prevalecen las canciones, interpretadas por uno, dos o todo un conjunto de personas; estos 'cantos' sirven para introducir, explicar o simplemente llevar la historia. Por lo regular las canciones van acompañadas de ostentosos, a veces largos y maravillosos bailes. Bailes que sin duda alguna han marcado este género, un elemento único e indispensable. Algo que se debe destacar es que durante estos 'famosos' bailes, se hace uso especial de los grandes escenarios que son necesarios para las coreografías; además de que permiten el libre desplazamiento del bailarín o de los bailarines. Y además, permite el uso adecuado –muy conocidomovimientos de cámaras característicos de estas películas. Para hablar de este género es obligatorio hablar del primer film sonoro que trajo toda esta 'magia' del musical, me refiero a The Jazz Singer (1927) que es la primera película totalmente sonora (hablada), comenzando así la era de los actores y actrices 'parlantes' y que marca el decline de la era del cine mudo. Y fue así como comenzó el auge del cine musical, incluso en 1929 la película The Broadway Melody se convirtió en la primera película en ganar el Oscar a Mejor Película. Viendo estos resultados las principales compañías productoras de cine pusieron 'manos a la obra', y comenzó la producción masiva de películas que contenían números musicales. Al público les gustaba y respondían favorablemente; una de las ideas por las cuales se cree que estas películas tuvieron éxito, fue porque los temas que mencionaban estaban relacionados a las situaciones que ocurrían en el mundo, por ejemplo: The Broadway Melody se estrenó durante La Gran Depresión y mucha gente perdió todo lo que tenía y no tenían dinero, entonces la película proyectó si-

tuaciones alegres, románticas e incluso cómicas, algo como para levantar el ánimo y el autoestima. Para ese entonces las principales compañías productoras eran la MGM y la Warner Brothers, sin embargo el exceso de producciones musicales produjo un descontento por parte del público, por lo que se vieron forzados a reducir el número de películas y en éstas el número de secuencias musicales. Tiempo después entraría en competencia la RKO Pictures, quien tenía a sus dos estrellas Fred Astaire y Ginger Rogers quienes harían varias de las películas clásicas del género: Top Hat, Swing Time, Shall We Dance, The Gay Divorcee, entre otras. Después vendrían representantes importantes del género como James Cagney (famoso por su rol de gánster), quien interpretaría a George M. Cohan en la reconocida y clásica película Yankee Doodle Dandy. Y como olvidar a la famosa Judy Garland en películas como A Star is Born, Meet Me in St. Louise y obvio en The Wizard of Oz; también a Gene Kelly famoso por su seriedad a la hora de los ensayos, él aparece en películas como Singin' in the Rain, An American in Paris y On the Town. Entre otros representantes del género se pueden mencionar a Mickey Rooney, Ann Miller, Jane Powell, Cyd Charisse, entre otros. Es bien sabido que después de los 60's muy pocas películas del género musical llegaron a sobresalir, pero de que las hubo las hubo. No se puede pasar por alto a películas como: The Rocky Horror Picture Show, Grease, Hair, Victor Victoria, Fame, entre otros pocos. En los 90's no hubo buenos trabajos 'reales', es decir, actuados por personas; esa década se caracterizó por ser la segunda época dorada de Disney (la casa de los dibujos animados del 'Ratón'). Disney trajo películas que son consideradas 'musicales' y lo son, tales como: The Little Mermaid, Aladdin, The Hunchback of Notre Dame, Pocahontas, Beauty and the Beast y The Lion King. También hubo películas como The Nightmare Before Christmas, The Prince of Egypt, Anastasia, South Park: Bigger, Longer and Uncut. Para la década de 2000 hubo algunas películas que regresaron el género a la popularidad como: Almost Famous, Dancer in the Dark, Moulin Rouge!, Chicago, Dreamgirls, Sweeny Todd y The Princess and the Frog. El género tiene muchas exponentes más sin embargo aquí he presentado algunos de los más importantes o más representativos. Música, bailes, secuencias llenas de color, pasión, movimiento y demás.

odos tenemos cicatrices y todos tenemos una familia rara. Queramos o no, nuestras familias tienden a ser extrañas y a avergonzarnos algunas más que otras y todas tienen sus cosas. Por ejemplo la mía, mi familia tiene un problema con los superhéroes. Cuando tenía ocho años, hace un par de decenas de años, tenía una ligeramente insana obsesión con el alter-ego de Peter Parker. Como todo niño pretendía que de mis muñecas salían telarañas que pegaba en las paredes para elevarme en las alturas luchando contra los malhechores y salvando inocentes; usaba la máscara de Spider-Man que me habían obsequiado en mi cumpleaños y me colgaba de las cortinas aunque a mi madre no le parecía tan buena idea. —Bájate— Dijo mi madre desde la puerta, podía notar que estaba molesta—No eres Spider-Man y las cortinas no son telarañas. Cuando se fue, salté de mi cama al escritorio derribando una lámpara, cuando cayó al suelo se hizo añicos y mi madre no tardo en regresar. —Por favor, Toño, deja de saltar. A regañadientes lo hice, me tiré al piso y comencé a arrastrarme debajo de la cama y choqué contra la pared. Grité y mi madre entró a la habitación, escuché su taconear molesto. Salí en reversa y la mire a través de los paneles de la máscara. —No te arrastres debajo de la cama —Dijo revisando mi cabeza— Es por tu bien. Me dejó una marca de un beso en la mejilla y salió de la habitación nuevamente, borré el labial con el dor-

so de la mano y volví a colocarme la máscara. Intenté hacer menos ruido esta vez. Pude jugar un rato a salvar inocentes hasta que, como todo humano, me dió hambre. Salí de la habitación aún con la máscara puesta y pisé una bola de pelos, suave y cálida. Se levantó inmediatamente con algo similar a un aullido y corrió, tirándome al piso. Los paneles de la máscara impedían que pudiera calcular la distancia al piso y me caí; pero no sólo eso, mi cabeza se estrelló contra un escalón. Hubo sangre, lágrimas, muchos regaños y puntadas. Es una cicatriz de guerra pero no está tan mal como la de mi hermano, creía que era Superman y se lanzó de un árbol. Sí, con capa y todo; los doctores dicen que tuvo suerte que cayó en el pasto. ¿Mi primo? Más bien Aquaman, sus padres creyeron que tener una piscina era buena idea, después que la llenara de peces e intentara controlarlos se dieron cuenta que no, eso o que todos los peces murieron con el cloro. Creerás que esto es muy extraño porque nunca la menciona mi familia, pero tuve una hermana la cuestión es que mi hermana... Ella no estaba con todo lo de los superhéroes sino con lo de los villanos, en esta familia eso es algo que no se tolera. Ahora está en una montaña viviendo en el exilio. En una familia de súper héroes no se toleran los villanos.

entro de la temática de filmes animados, generalmente las películas más nombradas son los famosos títulos de Pixar (cualquiera de su modesta pero increíble colección), o bien se hablan de títulos como Blancanieves, Bambi o La Bella y la Bestia” y por ultimo (aunque no necesariamente olvidados) encontramos a las producciones de Dreamworks. ¿Pero qué pasa de las animaciones japonesas? ¿Están destinadas al olvido por su lenguaje natal o su inapropiada distrubución por países de occidente? Sea cual sea la respuesta a esas interrogantes, es casi seguro que la calidad de las cintas no es el problema y un ejemplo claro de esto es Paprika. La trama de la película se desarrolla en un futuro no tan distante en donde unos dispositivos llamados “mini DC” están causando estragos. La finalidad de este aparato es poder tratar a pacientes con determinadas enfermedades a través de la exploración de sueños (literalmente los que utilizan el dispositivo entran en el sueño del otro). Los problemas empiezan cuando 3 dispositivos son robados y utilizados para matar a personas, ya que el dispositivo hace sentir al sueño como un evento real. Satoshi Kon, ya desde mucho antes de esta película, demostraba su capacidad como director de animaciones. Con títulos como Tokio Godfathers, Perfect Blue o Millenium Actress ya su nombre es más que reconocido en el mundo de la animación nipona. No quisiera arriesgarme en decir que Paprika ha sido su mejor trabajo, ni tampoco que sobresale sobre el resto. Esto se debe a que

la mayoría de las películas de este director llegan a un nivel de excelencia muy elevado, por lo que decidir cual es “mejor” ya es mera cuestión personal, ya que ténicamente todas son impecables. Una de las mayores fortalezas de esta película es que, aún siendo una película animada, logra generar un suspenso muy grande en el espectador. La mezcla increíble entre tecnología futurista y los elementos detectivezcos son una mezcla perfecta para el entretenimiento. Sin embargo, otro aspecto que da un valor agregado al filme es que posee un diseño de producción increíble, creando una mezcla suprema y delgada entre el miedo y la inocencia. Así también, como en la mayoría de los filmes de grandes aspiraciones, posee una banda sonora alucinante. Logra acompañar perfectamente a los acotecimientos sucedidos a lo largo del desarrollo de la trama. Además pasa lo que yo suelo considerar algo muy valioso en las bandas sonoras, logra funcionar perfectamente si lo aislamos de la película, es decir, sigue generando emociones si la escuchas sin haber visto la cinta. En definitiva Paprika es una de esas películas que uno en lo posible debe ver. Más allá de su increíble diseño y animación, la historia llena de giros y misterio da un toque diferente a la cinta. Además, el mensaje que transmite la película es realmente complejo y da mucho que pensar con respecto a los avances tecnológicos y el cómo inciden en nuestras vidas. Es una pena que películas animadas tan buenas como esta no lleguen con tanta fuerza en occidente.

ceptémoslo: en los 70's El Asombroso Hombre Araña era la caricatura favorita de los niños, Peter Parker no era sino otro chavo regular, buen sobrino y trabajador confiable con el que había una identidad inevitable. No era extraterrestre, ni vivía en un volcán o bajo el agua…sus poderes los obtuvo de una inquilina casi común en el entorno y lo más problemático era lidiar con los gritos de su jefe. Sí, Spiderman no era el chico más atractivo, ni el más atlético, pero salvaba a la gente en problemas y aún debía trabajar para obtener sustento, pues la tía May no podía con los gastos de ambos. Era un buen ejemplo a seguir en aquél momento, pues de sobra se sabía que el trabajo era lo más importante para hacer avanzar a un país. Pero en pleno 2012, The Amazing Spider-Man nos llega como un reboot muy actualizado, aún más que el presentado en 2002 con Tobey Maguire, que en aquél momento realizó un re-trato fiel del personaje mejor conocido como Peter Parker. Sin embargo, Andrew Garfield, representa a un Peter Parker

más joven, adolescente, que si bien no descarta la parte menos sociable del que ya conocíamos, por lo menos retrata a un chico más atlético pues resulta ser un skater, no emo, que además gusta de la fotografía y, aunque no le cuesta trabajo, es flojito en la escuela. Aún así mantiene una relación estable con sus tíos y trata de no meterse en problemas. Justamente, el punto argumental de la película será ese clásico momento de hastío, de venganza, de seguridad inflada gracias a un pequeño incidente: un piquete de araña que le hará desarrollar fuerza, reflejos y afinar los sentidos básicos. También la oportunidad de ver valor en su persona y libertad de acción gracias a sus manos y pies adheribles a cualquier superficie. La forma de resolver sus nuevas situaciones y la gestualidad del Peter jovencito, recrea a un muchacho muy actual, pendiente de su smartphone, su patineta y hasta el glamour, al decidirse por usar micas obscuras para su traje. También muestra su inventiva y habilidad manual para crear mecanismos propios de sus necesidades. Esta condición hace cambiar, por supuesto, a la chica de la cual se enamora Peter, que no es la niña más guapa ni más popular de la escuela, sin embargo es estudiosa y un tanto ruda, a pesar de provenir de una buena familia. Así, Gwen Stacy le roba el corazón a Peter, luego de que le salva de una paliza y le cubre en una visita guiada. De hecho, en una escena clave de su relación, que es una soberana cantinfleada, realmente reflejan el momento histórico que viven sus personajes y eso los hace realmente atractivos para todos aquéllos jovencitos que nacieron después de 1985, pues ya no hay frases de ligue estereotipadas para un par de casi antisociales. También cuidaron mucho la parte de la presunción, el show off de Spider-Man al tener público, volvemos a la personalidad del adolescente que no tenía mucho por mostrar y parece haber ganado la lotería. Para todos aquéllos que han seguido fielmente la historia, esto les puede parecer totalmente opuesto a la imagen ya establecida del joven super héroe; sin embargo, deja un excelente sabor de boca pues la actuación es muy buena y la actitud de este nuevo personaje convence y resulta atractivo casi de inmediato. De igual forma fueron cuidadosos en los efectos, si bien es cierto que en la pasada trilogía hubo partes en que era más que evidente la animación, en esta ocasión procuraron hacerla más humana, menos ficticia (si cabe decirlo), pues apre-

ciábamos movimientos bien ensayados, con la silueta clara e incluso peso y densidad en ella. Gracias al 3D, el espectador fue llevado de la mano a balancearse de un edificio a otro, como hubiesen querido en los 70's, sintiendo casi el vértigo del movimiento corporal. En lo que concierne a la historia, nuevamente se centra en la ciencia-casi-ficción, en donde encontramos a un laureado investigador en busca del algoritmo adecuado para lograr lo nunca antes visto y que en su afán, pierde de vista el objetivo primario de su investigación. Existe un vínculo con Peter Parker (igual que en las anteriores), pero esta vez pretende contextualizar la razón de su orfandad, misma que no es del todo descubierta y seguro se explicará en la siguiente entrega. Al igual que las nuevas cintas de otros superhéroes, The Amazing Spider-Man contiene sorprendentes efectos, una historia renovada, humor (que no sarcasmo como en los comics) bien intercalado y peripecias propias del lado humano del personaje, algo que marca la nueva tendencia para aceptar lo inexplicable en personajes ficticios pero que forman parte de nuestra cotidianidad desde hace ya más de 30 años, son casi los mejores amigos de muchos, pero he aquí, que se encuentran en una etapa de reconocimiento de su nueva personalidad…si todos cambiamos a través de los años, ¿por qué los héroes no? De cualquier modo, no se sorprendan de escuchar a otros espectadores tratando de explicar que eso no era así, que el traje es distinto, que la araña está modificada o que Peter no reaccionaría de esa forma. Déjense llevar por la proyección y disfrútenla, para luego comprar el videojuego o la nueva publicación y estar más familiarizados, sin esperar que aparezca en escena J.J. Jameson con habano en boca gritando: “¡¡¡Parker!!!”.

a vida de todo ser humano posee infinidad de momentos imaginarios: cosas, sensaciones y situaciones que vive pero que sólo suceden en su mente; son aquellos momentos en los que la mirada se pierde en algún horizonte llamado infinito y la mente crea situaciones maravillosas, perversas... utópicas en el último de los casos, las cuales alimentan aquellos vacíos o sueños que los seres humanos no han logrado consumar y en muchos casos no podrán realizar, debido a lo irreales que pueden llegar a ser. Pero imaginar no tiene nada de malo, al contrario, es una actividad que hace feliz al hombre, hace que se plantee metas y sueños; el problema inicia cuando la imaginación hace ver situaciones y sentimientos que no están sucediendo en la realidad, confundiendo y haciendo actuar de manera a veces absurda a aquella persona que lo vive. Eso es lo que le sucede a Marie y Francis cuando Nicolás, estudiante de literatura, llega a Montreal y hace despertar, en ese par de amigos, sentimientos y sensaciones confusos, provocando que emerja en ellos el delirio, la envidia y la locura. En un principio ambos amigos fingen un desinterés hacia Nicolás, pero todo cambia cuando el les invita a salir en diversas ocasiones, es ahí cuando Marie y Francis inician una especie de competencia por llamar su atención; lo que los confunde es que Nicolás tiene suficiente atención para ambos amigos, eso provoca que la rivalidad entre Marie y Francis exceda los límites que una amistad puede llegar a permitir. Lo que sucede después es algo que el lector debe descubrir al ver el filme. Así como se lee puede parecer una historia simple y hasta podría sonar a cliché, pero lo que hace que la historia se vuelva realmente genuina, novedosa y fresca, son toda una serie de elementos cinematográficos que el director, Xavier Dolan, y su equipo utilizan. Narrativamente la historia está dividida en una especie de tres actos, los cuales son ocupados por monólogos de tres o cuatro personajes que narran el tipo de relación amorosa que tuvieron con su última pareja; a veces es un amor enfermizo, obsesivo, superficial, de costumbre, de distancia… pero todos convergen en una sensación: el delirio, un claro y perturbador delirio hacia esos viejos amores. Estos actos van ligados parcialmente con los sucesos que Marie, Francis y Nicolás viven al transcurrir la historia. El ritmo adecuado de la historia se debe a la correcta y atinada edición de los encuadres y secuencias, sobre todo porque se resaltan los deta-

lles de las acciones de los protagonistas, close ups e inserts, que ayudan a perfeccionar las sobresalientes actuaciones de Monica Chokri (Marie) y Xavier Dolan (Francis), lo que habla de buenos actores, buen casting, y una excelente dirección de cámara y fotografía. Stéphanie Anne Weber Biron, quien se encarga de la cinematografía de Los amores imaginarios (Les amours imaginaires), hace un buen uso de la luz natural, aprovechando y resaltando los diferentes paisajes que captura. Cabe destacar el contraste de colores que imprimen dinamismo y espontaneidad al filme. Un último elemento que hace de esta cinta algo realmente novedoso y fresco es la selección musical que va desde The Knife e Indochine hasta Bach y Richard Wagner, destaca el leitmotiv musical y cinematográfico: secuencias en cámara lenta donde Marie y Francis hacen notar sus talentos físicos para, de alguna forma, lograr seducir a Nicolás con un oportuno e irónico Bang Bang interpretado por la francesa Dalida. Los amores imaginarios, cinta que participó en la categoría Un Certain Regard en la 63 edición del Festival de Cannes en 20120, es parte de ese cine que podría considerarse de diversidad sexual, pero en este caso el filme no aborda ese tema necesariamente, simplemente uno de los personajes es gay, pero los protagonistas de esta historia son los sentimientos que pueden llevar al delirio y la locura, no la preferencia sexual de los personajes. Finalizo invitándole a explorar la filmografía de Xavier Dolan, que si bien es corta y nueva, está llena de sorpresas y mucho talento.

na Fortaleza Flotante (aeronave) surca por los cielos iluminados por una luna llena, dentro de la fortaleza se encuentra una joven, Sheeta, acompañada por un general. Una segunda nave, llena de malhechores, ataca con unas pequeñas naves que asemejan unas libélulas la fortaleza, buscan a Sheeta para quitarle la piedra que cuelga de su cuello, esa piedra es la llave que los conducirá a encontrar y descifrar los misterios que guarda una isla flotante llamada Laputa. Laputa había sido, muchos años atrás, una antigua y poderosa ciudad flotante conformada por grandes y majestuosas islas que flotaban por los cielos. Sheeta y su amigo Pazu tendrán que encontrar la isla antes de que Dola y los malhechores o el general Muska y el gobierno lo hagan y pongan en peligro al mundo entero. El Castillo en el Cielo es una cinta poco conocida en México, al menos para los que no son seguidores del manga, anime o del director, ya que desde hace años que un sector del público mexicano sigue de cerca cada uno de los trabajos del director Hayao Miyazaki. Miyazaki es un destacado director de cine de animación que ha cautivado a la crítica y audiencia internacional por el impecable trabajo que hace en cada uno de sus filmes. Desde los setenta se encuentra trabajando en la animación, pero fue hasta 1984 cuando comenzó a adquirir reconocimiento en su país después de realizar Nausicaä del Valle del Viento. Dos años más tarde presentó una nueva cinta bajo el título de Laputa, el Castillo en el Cielo. La película tiene 94% de frescura en la reconocida página Rotten Tomatoes, además de poseer cualidades que la hacen una excelente cinta animada. Cuenta con un guión estable, novedoso y fresco, las melodías compuestas por Joe Hisaishi presentan un sonido cálido y asombroso, además de una animación que sigue siendo sorprendente por momentos a pesar de los años que han pasado. Sin dudarlo Laputa, el Castillo en el Cielo es una de las mejores películas del maestro Hayao Miyazaki, me atrevo a decir que mucho mejor a su última cinta animada. Ahora solo me queda invitarte a que descubras o redescubras esta mágica y asombrosa cinta que no necesariamente es exclusiva para niños, los adultos también podrán disfrutarla y sobre todo apreciarla.

http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_febrero_2012

Un stunt que realiza escenas de acción tras el volante durante el día y ayuda a criminales a escapar de la policía durante las noches, es la sencilla premisa de esta cinta de culto que no sólo nos ofrece la mejor actuación de Ryan Gosling hasta la fecha, sino que convierte a su personaje (Driver) en uno de los mejore antihéroes de la década. Con un elegante manejo de la violencia y unas actuaciones contenidas, pero no por ello menos intensas, la cinta se convierte en una más que recomendable opción para engrosar tu colección de películas en formato casero de alta definición.

Una familia debe buscar el sustento tras la trágica e inesperada muerte del padre de familia, principal proveedor de alimento en la casa; la familia no se vería envuelta en tan delicada situación si lo que se llevan a la boca no fuera carne humana, pues pertenecen a un clan cuyos rituales los obligan a cometer canibalismo. Bajo esta premisa cargada de crítica social llega la ópera prima de Jorge Michel Grau, quien ya prepara su segundo largometraje (Calla) en el que abordará la figura del hombre lobo a través de la figura de un niño esquizofrénico que cree que su padre es un licántropo. Somos lo que hay no es un filme de fácil consumo, pero su alta calidad en todos los aspectos han provocado que ya se haya filmado una versión estadounidense de la cinta (es la primera película mexicana en lograr una reelaboración fílmica gringa). Muy recomendable en su edición especial con un libro incluido.

La premisa de la más reciente cinta de Almodóvar es mejor tenerla reservada pues las sorpresas que se van revelando durante el metraje de la trama son más que deliciosas. Criticada y alabada por partes iguales (como suele suceder con cada evento fílmico del director manchego), la cinta es una adaptación (muy libre, hay que aclararlo) de la novela Tarántula de Thierry Jonquet; la trama básica se mantiene, pero tanto los personajes y la historia toman rumbos distintos a los de su referente literario; a pesar de esto, Almodovar logra realizar una película que se defiende muy bien por sí sola y que se erige como obra 'independiente' de su material fuente. Una cinta incomprendida pero que se ha vuelto (por lo menos para mí) indispensable dentro de su filmografía.

Incomprensiblemente esta cinta se fue directo a formato casero, siendo que su calidad es tal que sonaba muy fuerte para varias categorías de los Premios de la Academia en su pasada edición. La historia gira en torno a una joven que ha logrado escapar de una secta a la que pertenecía y busca refugio con su hermana y el novio de esta; a pesar de sentirse un poco a salvo, aún es incapaz de revelar qué es lo que le ha sucedido, además de que está convencida de que el líder de la secta la persigue. Las actuaciones son el punto fuerte de esta cinta independiente que ha dado mucho de qué hablar.

Consulta la programación del mes en:

http://tnt.mexico.amoelcine.com/programacion

Christian Bale y el director Christopher Nolan vuelven a trabajar juntos después del éxito de Batman Inicia. Esta vez, Heath Ledger se une al elenco como The Joker y Aaron Eckhart como Harvey Dent en una nueva aventura de El Caballero Oscuro. Con la ayuda del Teniente Gordon (Gary Oldman) y del nuevo Fiscal de Distrito, Harvey Dent (Eckhart, Thank You for Smoking), Batman debe destruir al crimen organizado en Ciudad Gótica de una vez por todas. Los tres logran anotarse un éxito al principio, pero muy pronto se verán persiguiendo a una nueva mente criminal conocida como The Joker (Ledger, Brokeback Mountain), quien sume a Ciudad Gótica en la anarquía, forzando a Batman a cruzar la línea entre ser un héroe y un vigilante.

Consulta la programaci贸n del mes en: http://www.goldenla.tv/

Consulta la programaci贸n del mes en: http://www.hbomax.tv/cinemax/programacion.aspx

http://youtu.be/_XSTwfdFwIY

Consulta la programaci贸n del mes en: http://www.canal22.org.mx/cinema22/index.html

Consulta la programaci贸n del mes en:

http://oncetv-ipn.net/cine/mensual.htm

La mejor serie hecha en México fue cortada tajantemente por presiones gubernamentales (¿alguién más dijo 'censura'?) y su salida fue patéticamente disfrazada bajo argumentos como los de "la serie ya había cumplido su ciclo". La tercera y última temporada estuvo constituida por solamente siete episodios en los que un par de las resoluciones de las múltiples tramas de los personajes centrales (5 hombres de distintas edades desde los veintes hasta los sesenta años) se sintieron algo apresuradas y un poco inverosímiles. Aún así, la serie se mantuvo fiel a sí misma hasta el final y lograron un cierre definitivo decente. Este mes, Once TV México retransmite la última temporada en el horario habitual de transmisión (los miércoles a las 10:30 pm) mientras esperamos su edición en DVD que probablemente (y tomando como referencia las ediciones anteriores en formato casero) tardará un poquito en ver la luz.

Con 22 años y una película -Naughty Room- próxima estrenarse en el Reino Unido (donde ha vivido casi toda su vida a pesar de haber nacido en Nueva Jersey), Cosmo Jarvis estrena su tercer material discográfico llamado Think Bigger, en el que una vez más demuestra su talento para alterar los estados de ánimo de cualquiera que escuche una sola de sus canciones; puede que la ames y te pondrá de buenas, puede que la odies y te pondrás de malas, pero no quedarás indiferente. Si la mezcla de géneros era algo con lo que ya había experimentado en sus dos primeros trabajos musicales, en esta tercera entrega explota aún más la versatilidad de dichas combinaciones; desde el country hasta el pop, pasando a veces por el rock duro o por una extraña mezcla de folk y country-rock (como en el track Sunshine), Jarvis sigue manteniendo como pilares del disco las letras de las canciones: El tema Lacie, por ejemplo, habla de un disco duro extraíble –de marcaLacie– de 1.5 TB. “Soy incapaz de expresar cuán agradecido estoy de que, mientras duermo, el contenido de mi cabeza esté siendo protegido”, señala el cantante en la descripción de la canción en youtube. Pero no sólo en hardware de alta capacidad están inspiradas sus canciones, sino también en sueños, películas y relatos ficticios; también en dilemas personales, emociones y todas las ramificaciones de la condición humana.

http://youtu.be/fvTQIjHatIc

Ganadora del Premio de Literatura Juvenil Gran Angular en el 2004, La Carabina de Zapata resulta un relato breve y ameno de un adolescente argentino recién llegado a México, por causa de un golpe de Estado en su país. Este joven y su familia, deben adaptarse a la forma de vida de mexicana, desde el habla hasta el comportamiento. Los diálogos fantasiosos y las situaciones con toque de aventura policiaca, hacen un deleite a la hora de imaginar los movimientos de los personajes, varios de ellos adolescentes, en una historia donde Emiliano Zapata y Porfirio Díaz, son el pretexto de una confrontación entre sus descendientes, donde el “argenmex” funge como intérprete, investigador y salvador del momento, a quién por supuesto, le toca besar a la chica. De lectura rápida aunque con vericuetos, es la historia de episodios muy personales que seguro hubiéramos querido escribir alguna vez.