CELULOIDE DIGITAL - JULIO 2013 by Celuloide Digital

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SHOT ‘Captain America’ - Pág. 07 FLASH FORWARD ‘Kick-Ass 2’ - Pág. 09 EN PANTALLA ‘World War Z’ - Pág. 11 EN PANTALLA ‘Man of Steel’ - Pág. 15 FESTIVALES ‘Distrital: Cine y Otros Mundos’ - Pág. 19 OUT ‘Turning’ - Pág. 21 VISIÓN EN 8 MILÍMETROS ‘Vidas Extrañas: El brutal surrealismo de Holy Motors’ - Pág. 23 VISIÓN EN 8 MILÍMETROS ‘A Glimpse inside the mind of Charles Swann III’ - Pág. 25 LATITUD 7 ‘Declaración de Guerra’ - Pág. 27 DIRECTORES: LUIS BUÑUEL ‘30 Años sin Surrealismo Fílmico’ - Pág. 29 DIRECTORES: LUIS BUÑUEL ‘Nazarín’ - Pág. 31 CIERTA FICCIÓN ‘Historias de Familia y del Lejano Oeste’ - Pág 33

#1 THE WOLVERINE Las (des)ventajas de ser inmortal - Pág. 35 #2 THE LONE RANGER La Leyenda cabalda de nuevo - Pág. 41 #3 PACIFIC RIM El mexicano que canceló el Apocalipsis - Pág. 45 #4 LOS AMANTES PASAJEROS Origen es Destino - Pág. 49 #5 CÉSAR DEBE MORIR Liberación Espiritual tras las rejas - Pág. 53 CARTELERA La oferta fílmica de julio - Pág. 57

CINE EN CASA Novedades en formato casero: ‘The Master’ - Pág. 63 Recomendaciones para rentar: ‘Castigo / Detention’ - Pág. 65 Material de Colección: ‘King Kong’ - Pág. 66 PANTALLA CHICA Cine en TV Pág. 67 SONIDOS DEL CELULOIDE Bernard Herrmann - Pág. 69 TEASER Avance del próximo número- Pág. 73

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Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Sweet Bloody Dreams Mauri Rafael Mejía J. Amaro Bautista Alicia Gutiérrez Eric Ortiz Julio Nuñez Marquez Pablo Peñalver Silvia Ruvalcaba Siniestro Sexual Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras. Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se

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Apenas estamos en el punto álgido del verano fílmico de este año y ya nos comienzan a bombardear con el material publicitario de lo que nos espera en la cartelera del próximo verano, temporada que al parecer comenzará desde principios de abril con el gran estreno de la secuela del Capitán América. Aquí les compartimos el cartel que nos ha llegado y la primera imagen oficial que ya tiene un buen rato rondando la red. El filme se estrenará el 4 de abril de 2014. www.facebook.com/celuloidedigital

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¿Tendrá el mismo éxito esta segunda parte de Kick-Ass?. Si recordamos la primera parte, fue una manera diferente a la que nos habían contado acerca de los superhéroes, basada también en la novela gráfica de Mark Millar, tuvo muy buen recibimiento en taquilla y buena crítica por parte del público. Kick-Ass 2, no deja de lado ningún detalle en cuanto a violencia gráfica, acompañada de un toque de humor un tanto negro. Vemos ahora a un Jim Carrey interpretando al Coronel Barras y Estrellas, un tipo muy duro y violento y a un Kick-Ass más maduro con mejor físico, para seguir aguantando las santas golpizas que siempre le ponen, acompañado de aquella niña, ahora no tan niña, Mindy (Hit-Girl). Veremos una enfrascada batalla con más superhéroes casuales, más hu-

manos, ciudadanos comunes y corrientes, por llamarlos de alguna manera. ¿Qué podemos esperar de esta segunda parte? Pues con las fuertes declaraciones hechas por Jim Carrey en cuanto a no estar de acuerdo con tanta violencia y que no la apoyará en su promoción, la lucha contra las megaproducciones, y que no sea un superhéroe o un cómic muy conocido dentro de los simples mortales, pues quizá sea modesta en su paso por cartelera, pero de seguro tendremos una tercera parte de este héroe muy especial. Para los seguidores del trabajo de Mark Millar, de los amantes de los comics y novelas gráficas, es una excelente pretexto para ir a comerse unas palomitas gigantes acompañadas de su respectiva coca-cola.

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Los zombies son lo de hoy, de ayer, del Apocalipsis, del dominio público y del temor general y ahora, incluso con arrogancia, se hace uso de ellos para diversas actividades; la cosa es, ¿qué sucedería si representaran una plaga para la sociedad? Seguro lo que les ha pasado a múltiples infestaciones pasadas: exterminio, aniquilamiento...la guerra. Marc Froster dirige la historia de aquello que sucedería si los Estados Unidos (eternos defensores del bien común y la paz mundial en este tipo de películas), tuvieran a bien involucrarse en la defensa de los humanos ante la pandemia desatada por algún virus, en alguna parte de Corea (que dicho sea de paso, si esta película se hubiese filmado en los años 70's u 80's sería la desaparecida URSS,

origen de tantos dolores de cabeza para sus opuestos occidentales), cuyo origen se pretende identificar para darle una respuesta científica-tecnológica-bélica y consolidar así la estadía del hombre en la Tierra, como criatura dominante absoluta del planeta. Curiosamente, la investigación estará en hombros de un agente de la ONU, tal como en la vida real, apoyado por el ejército y el buró estadounidense, en lo que será el reto más difícil de su vida: no sabe a lo que se enfrenta, la protección para su familia está de por medio y su integridad como ser humano debe prevalecer, a pesar de la avalancha caníbal y gestora de la subespecie que parece llevar a la destrucción de la vida como se ha conocido. www.facebook.com/celuloidedigital

Pero aún con el argumento armado desde esta perspectiva, dista de ser un film bélico; es de suspenso, es apocalíptico y...es Brad Pitt. El diseño de la imagen está muy bien cuidado: sólo la violencia necesaria, no sangre, no demasiadas palabras fuera de tono; una familia unida y amorosa, un ex-jefe consciente y empático ante las necesidades de su compañero de drama; incluso un Israel abriendo las puertas al resto del mundo, es un escenario positivo en medio del caos. No se cayó en una guerra de valores, sino en una reconstrucción en medio de la destrucción, visible desde el título propuesto de World War Z, sin más. En este entendido, el rol femenino que demuestra su fortaleza y habilidad para ser objetiva reside en Segen, una soldado bien entrenada y de extrema confianza, quien será escolta y compañera de Gerry Lane (Pitt), además del aliciente para no perder el objeto de su búsqueda: la sanación del prójimo. Nuevamente, Segen muestra su lado sensible, aunque valiente, agradecimiento, fidelidad a la causa, entrega en la misión e incluso inocencia ante el desconocimiento de la respuesta buscada. Machina pero femenina. Curiosamente, no compite ni con la esposa de Lane ni con la científica del Centro de investigación epidemiológica, quienes a su vez, se muestran inteligentes, bravas, serenas y con la esperanza de que todo se resolverá. www.facebook.com/celuloidedigital

Ahora bien, las criaturas zeke, zombies o infectados, corresponden a este prototipo del siglo XXI, que dista de aquel de los 80's en el que se movían lentamente obedeciendo a un impulso instintivo, parecían lamentarse y comían desmembrando a la víctima, mientras la sangre salpicaba la pantalla y las vísceras se esparcían por todos lados. Los nuevos zombies son inteligentes, pues cazan a su presa, su movimiento es rápido, así como su conversión; más que alimentarse del otro, le convierten sin saciarse, pareciera que tienen el estrés de la época consumista en la que vivimos, pues la competencia es mucha, pero el trabajo en equipo es insuperable, por eso atacan en manadas y ante estímulos sensoriales como el ruido, el movimiento y hasta el instinto de supervivencia (raro en un no-vivo). También hibernan, no se auto-depredan sino que se conservan en feliz grupo y también se aparecen a la luz del día emitiendo gritos y alaridos al estilo de La Llorona. El hecho de que no hubiese sangre, sino venas muy marcadas y rostros con expresiones aterradoras y carnes un tanto desgajadas, seguro ha hecho enojar a múltiples seguidores de la cultura zombiegorenonlivininfected que se ha creado desde hace dos décadas (fenómeno similar ocurrido en ciertos filmes de vampiros), pero que ofrecen una imagen limpia y que asusta más que dar asco, gracias a la edición rápida, las tomas

muy cerradas, la mayoría de las veces oscurecidas o con parcial iluminación y antecedida por la preocupación de en-contrar a los malos frente a frente. Es interesante que hayan ampliado el escenario más allá de los Estados Unidos, tratando de dar esa amplitud al problema, no sólo mencionando que ha traspasado barreras, pues hace que la historia tenga un tinte más bien dramático y pareciera que intenta hacer conciencia respecto a los abusos realizados en pos de la supervivencia humana, violentando la naturaleza, misma que ha de buscar revancha, tal como en The Happening (2008), no sin dar sutiles pistas de la solución, encerrada en ella misma.

La película entonces sí tiene zombies, sí tiene escenas de susto y sí logra que se acelere el corazón, pero es tan familiar que bien podría estar entre Monster House (2006), Fido (2007) o Paranorman (2012), pero más obscura y con tintes de conciencia mundial, la cual sí es una guerra difícil de luchar.

Seguro que dicha solución ha molestado a más de alguno, pero tiene una lógica conservadora, de regreso a las bases mismas de la investigación científica que comienza con la observación del fenómeno, sin equipo especializado y fuera de laboratorio. El repaso a ciertos acontecimientos históricos relacionados con pandemias, le dan el toque cultural a la historia e inevitablemente nos recuerda el proceso seguido en Contagion (2011), donde la búsqueda se realiza apegada al protocolo. La innovación en todo caso, reside en quién realiza la investigación, cuya perspectiva está impulsada por valores, miedos y la dignidad propia de un representante de la humanidad. www.facebook.com/celuloidedigital

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Superman, el Hombre de Acero, es una historia que conocemos desde pequeños, porque más allá del cómic, tuvimos que ver las caricaturas o las películas con el carismático Christopher Reeve; seguramente tuvimos una camiseta con la emblemática S dentro de un triángulo, o más aún, vimos a Jon Bon Jovi con ella tatuada en el brazo; reconocemos su traje azul con capa roja y el grácil bucle cayendo sobre su frente. Él es el defensor de la humanidad y ama a los demás como hermanos, aunque no es de este mundo.

Tiene una sola debilidad, al igual que otros héroes como Aquiles, Hércules o Sansón. Es fuerte e inteligente, capaz de entregar su corazón a una mujer (podía ser la Mujer Maravilla o Lois Lane, dependiendo de la versión) y ser objetivo cuando se trata de ir tras los villa-

nos. Baste decir que es de cara y cuerpo atractivos y nada le resulta imposible, pues sin ser inmoral, no se anda con pensamientos que le nublen la visibilidad para ejecutar la acción. Realmente es un super hombre. Pero, Superman es un extraterrestre, un alienígena criado entre nosotros, con espectacular capacidad para adaptarse a nuestra forma de vida y todavía ser guapo. Por esa razón, Zack Snyder nos presenta una historia de un ser de otro mundo atrapado en la Tierra, lidiando con sus sentidos super desarrollados en nuestra atmósfera saturada de estímulos sensoriales, dejándose llevar por sus instintos sobreprotectores y alejándose de las multitudes que lo señalan como un fenómeno, que por raro, podrían intentar eliminar.

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Entonces, sí es un hombre de acero en sentido estricto, pues debe lidiar con sus peculiares circunstancias en nuestro planeta, más la cotidianidad que representa ser un ciudadano del mundo, raso, sin mayor aspiración que vivir la vida bien, ser sencillo y esperar la muerte. Por supuesto que se necesita más que un forro de músculos y piel, cerebro privilegiado y un alma a prueba de balas, que no se desmorone ante las adversidades y mucho menos se enganche en cuestiones dramáticas que sólo entorpecen la solución de los problemas. Es un macho de verdad. Por estas razones, Man of Steel es bastante diferente de las varias entregas previas, que datan de 1951, 1978, 1980, 1983, 1987 y 2006 (más las quedadas en el tintero), por la simple razón de que es una historia con enfoque de ciencia ficción. De hecho, la introducción de la película se desarrolla en el agónico Krypton, cuya tecnología no alcanza para recuperar los recursos que se requieren para ser habitable y en donde la verdadera lucha se desarrolla entre el consejo y los militares. Entonces nos enteramos que hay toda una batalla en el Espacio, donde naves iluminadas al estilo de las drej (Titan AE, 2000), arremeten contra los ciudadanos que se niegan a dar un nuevo orden al planeta, con la esperanza de que no desaparezca. Así llega el pequeño Kal El a la Tierra, su nave se estrella entre ciertos cultivos y prudentemente es escondida de la vista www.facebook.com/celuloidedigital

de autoridades y curiosos en el granero familiar. Llegará el momento en que descubra los secretos de su pasado al accionar el interruptor adecuado y localizar la respuesta a sus interrogantes. No pasará mucho tiempo para que dicha información cobre factura y deba decidirse entre permanecer escondido o enfrentar a los suyos, en pos de preservar la paz del mundo. Precisamente la diferencia con esta película reside en el argumento, pues Superman se muestra ante las autoridades y los medios, una vez que lo exponen como potencial enemigo de la raza humana, con apenas la referencia del conflicto intergaláctico que podría desatarse de no responder al llamado. También encontramos otra situación: la búsqueda que realiza Lois Lane, siguiendo las pistas de situaciones increíbles y cuyo factor común es el individuo escurridizo que las hace posibles. Existe entonces una convergencia puntual entre quienes buscan y el que se deja encontrar. Nuevamente se abre una disertación: este hombre no porta una S, sino el símbolo de la esperanza en su mundo...no se autonombra Superman por la sencilla razón que se sabe uno más de su raza, cuya mejor credencial es ser hijo de un militar, parte del consejo y, poseedor de la memoria y línea genética de su pueblo. La ley del más fuerte no le interesa, puesto que se le ha encomendado buscar el bien común y conservar el hogar que se le ha asignado.

La batalla encabezada por el General Zod nos recuerda los cada vez más frecuentes encuentros bélicos en las calles de cualquier ciudad con edificios altos y vehículos de todo tipo que puedan salir proyectados para aplastar gente o destruir construcciones (Independence Day, 1996; The Avengers, 2012; Thor 2011), con impresionantes armas y un derroche de fuerza, sólo creíble en seres de otro mundo. Además, los fantásticos robots que complementan la artillería, ofuscan apenas las armaduras de los guerreros que definitivamente lucen espectaculares con sus adornos neo-medievalescifi, pero ajustadas al cuerpo como lo dicta la tendencia fit actual, además de la textura que permite pensar en una malla resistente que repele cualquier embate. Por otro lado, tanto Lois Lane como Martha Kent, nos muestran a las mujeres fuertes, hechas en el campo y el trabajo, con sus recursos bien identificados y la madurez propia de la experiencia. Sin embargo, Faora Ul se lleva las palmas como una mujer entrenada, entrona, sin problemas para destruir lo necesario, fría y despiadada, cuya única función es cumplir con las órdenes del General Zod, de modo que no se detiene ante las amenazas humanas porque conoce de antemano la superioridad del ataque kriptoniano y la debilidad que provoca el miedo en los enfrentamientos. Es alentador ver mujeres que no gritan ni chillan ni se atraviesan torpemente para ser atrapadas y rescatadas por el héroe. Y volviendo a Superman, ¡qué guapo es él! Un digno reemplazo para la imagen que en verdad popularizó a este personaje de comic y no fue otro sino Christopher Reeve, actor poco conocido en ese entonces, pero que dejaría honda huella entre el público a partir de 1978. Diría que lograron recrear las facciones y algunos gestos del señor Reeve con Henry Cavill, estéticamente probados en laboratorio para que lucieran idénticos en la pantalla. La musculatura supera a la de su antecesor, pero igualmente obedece a los cánones establecidos para los héroes de historieta, que basan su fuerza en el físico, más que en accesorios adicionales. Sus buenos modales, a pesar de ser un hombre de campo, nos refiere su buena cuna y le otorga un aire interesante al porte que presenta, con uniforme y sin él, creando el marco adecuado para la situación. Entonces, un hombre de acero hace cosas extraordinarias, es educado, de vida sencilla y con una sonrisa encantadora. Tiene una fuerza sobrehumana, pero es dócil, más por convencionalismo que por voluntad y, su consigna es que todos estemos bien. Su combustible son los rayos del sol, así que es de tendencia verde, pero usa una capa roja (a pesar de las recomendaciones de Edna Moda -The Incredibles, 2004) y vuela, como ningún otro superhéroe, para recordarnos que es un hombre del espacio. www.facebook.com/celuloidedigital

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The Punk Singer | Dir. Sini Anderson

The Punk Singer de Sini Anderson recibió el Reconocimiento ARCA a Mejor Ópera Prima

El mes pasado, del 4 al 9 para ser más precisos, se llevó a cabo en la ciudad de México la 4a edición del festival Distrital: Cine y Otros Mundos -creado por Circo 2.12- ofreciendo en las distintas sedes (Cineteca Nacional, Cine Tonalá, IFAL, Goethe-Institut Mexiko, Foro El Bicho, Teatro Fru Fru y La Faena) una propuesta de experiencia cinematográfica que acercó al Cine con los 'otros mundos' que conforman las artes audiovisuales, pero sobre todo, acercó al público con los realizadores cinematográficos.

A través de siete secciones (Topografías, Meridianos, Estrenos Mexicanos, Cuadrante, Archipiélagos, Distrito X y Otros Mundos -esta última consistió en talleres, exposiciones, mesas redondas y conciertos-), Distrital: Cine y Otros Mundos amplió las posibilidades de acceder al vasto panorama audiovisual con proyectos cinematográficos críticos, diversos, y sobre todo, propositivos. Destacó de manera muy particular la retrospectiva dedicada al francés Léos Carax, quien estuvo presente en las proyecciones de sus filmes para responder amablemente a las preguntas de la audiencia. Es preciso también señalar el nacimiento del premio Reconocimiento ARCA del Público a Mejor Ópera Prima, el cual consiste en un apoyo de 5 mil dólares (un aproximado

No podíamos dejar de presumirles nuestro catálogo firmado por el mismísimo Léos Carax

de 65 mil pesos) y una pieza elaborada por el artista mexicano Iván Krassoievitch. En esta, la primera ocasión que se entregó el reconocimiento, dos decenas de óperas primas eran candidatas y se encontraban en las secciones: Topografías, Meridianos, Estrenos Mexicanos y Cuadrante. “The Punk Singer” de Sini Anderson (perteneciente a la sección Cuadrante) fue la que recibió finalmente el Reconocimiento ARCA como Mejor Ópera Prima elegida por la audiencia. En las siguientes páginas podrán encontrar reseñas de algunas propuestas cinematográficas que pudimos ver en Distrital 2013, en los próximos número tendremos más artículos sobre los filmes que vimos, no se los pierdan. www.facebook.com/celuloidedigital

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Mujeres heterosexuales, lesbianas y transexuales son parte del performance que la banda estadounidense Antony and The Johnsons realizó en Europa durante su tour en 2006, mujeres que no solamente son parte de la estética queer del show sino que además tienen una historia de marginación y dolor que las llevó a conocer y ser parte de un grupo que les dio libertad, esperanza y felicidad.

vió ya sea por parte de su familia, la escuela o la sociedad misma una vez que decidieron ser lesbianas, transexuales o simplemente libres y autónomas. Las historias, las canciones y una serie de videoclips que son proyectados durante el concierto y que muestran la belleza física de las 13 mujeres a través de imágenes superpuestas de sus rostros, sus labios, sus ojos y sus cuerpos maquillados y personificados por ellas mismas, son parte del performance que realizan mientras la voz e interpretación dramática del cantante Antony se escucha durante el concierto.

De diferentes culturas, geografías, razas y edades, un grupo de 13 mujeres retratan parte de su vida en el documental musical Turning del videoartista Charles Atlas. El documental sigue una serie de conciertos con el pianista y cantante Antony Hegarty, quien reunió a estas mujeres para realizar un performance durante su concierto en torno a la feminidad, la belleza y la libertad con un eco de nostalgia y tragedia impresas a través de melodías melancólicas.

Cabe señalar que los videoclips llenos de close ups de las 13 mujeres e iluminados de vívidos colores hacen que el documental goce de una estética visual sorprendente, experimental y llena de belleza.

Canciones que hablan de un descubrimiento sexual y de identidad de género que refuerzan las anécdotas que el grupo de mujeres narra durante el documental, historias de liberación frente a los prejuicios que cada una vi-

Turning estuvo presente en la sección “Cuadrante: el cine en la música y la música en el cine” de la cuarta edición del festival Distrital, cine y otros mundos que se realizó del 4 al 9 de junio de 2013.

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Finalizó la retrospectiva de Léos Carax que organizó el Festival Distrital: cine y otros mundos, en colaboración con la Cineteca Nacional. En ella se exhibieron las cintas Boy meets girl (Francia, 1984),Mala sangre (Francia, 1986), Los amantes del Puente Nuevo (Francia, 1991), Pola X (Francia-AlemaniaSuiza-Japón, 1999) y la que es considerada por la crítica internacional, la mejor película europea en 2012, Holy motors: vidas extrañas (Francia-Alemania, 2012).

pulta al público a escenarios psicodélicos y transgresores de la lógica. La complejidad de los personajes motiva a la creación por parte del espectador sobre su pasado y futuro. El filme es acompañado por las apariciones de Eva Mendes, en el papel de una modelo que es raptada y Kylie Minogue, quien interpreta a una compañera de profesión de Óscar; ambas cumplen y se mantienen a la altura de las exigencias de la cinta.

En esta última cinta, Carax aborda la vida de Óscar y su búsqueda de la belleza del gesto y la misteriosa fuerza motora que envuelve a la vida. A lo largo del filme, Óscar se va transformando en diversos personajes que van desde un mendigo, un asesino o un enigmático personaje llamado ‘Merde’ entre otros. Céline será su chofer y acompañante en esta larga jornada que envuelve un dejo de misterio y expectación.

La obra de Carax es pretenciosa, demencial, violenta, surrealista, sucia, bella y enfermiza, sin duda es una lección del cine libre y visceral. Te envuelve desde las primeras escenas donde se proyecta una visión absoluta de Léos cuando aparece una sala de cine, que en realidad es la casa del director, y la bestialidad de la naturaleza del cine representada con un gran mastín que merodea los pasillos de la sala sin que el espectador se percate.

En Holy Motors: Vidas Extrañas, Carax trabaja nuevamente con su álter ego, Denis Lavant, quien regresa a la pantalla grande de manera brutal y demencial, el director cata-

Sin duda Holy Motors: Vidas Extrañas es una cinta diferente, si terminaste de leer esto no debes perderte la oportunidad de verla, valdrá la pena… valdrá la pena el viaje.

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www.blogvision8mm.wordpress.com Basta mencionar que Charlie Sheen regresa a la pantalla grande, con el papel protagónico en tu película para poder venderla. Basta ver los primeros tres minutos de A glimpse inside the mind of Charles Swan III de Roman Coppola para darse cuenta que dentro de la mente de Charles Swan III no encontraremos nada diferente a lo que tenemos en la de Charlie Harper o Charlie Sheen. En otras palabras, Sheen vuelve a interpretar una versión dramatizada de sí mismo, por lo que el vástago de Francis Ford Coppola, con apenas su segundo largometraje, se mantiene en territorio seguro. Todos sabemos que el público ha disfrutado por años y en demasía, las aventuras del Sheen mujeriego y alcohólico. La primera impresión es esa, más de lo mismo, aunque muy pronto se hace presente una cuestión que me recordó una de las peores cintas que he visto en mis 21 años de vida, Still smokin (Tommy Chong, 1983), una colección de sketches de Cheech y Chong con poco sentido y pocas risas. Y es que Coppola hace de A glimpse inside the mind of Charles Swan III una película casi deliberadamente fragmentada. Con el pretexto de ver qué hay en la cabeza de Charles Swan, qué es lo que se imagina, nos presenta algunos sketches cómicos, que van de lo musical (de la nada todos se ponen a cantar, muy al estilo de Family guy) a las pequeñas parodias de filmes policíacos o de vaqueros. Los sketches de Charles Swan III tratan de ser demasiado imaginativos pero al carecer de momentos hilarantes bien se pudieron haber dejado fuera, aunque nada es tan desastroso y molesto como lo de Still smokin. Y por el mismo hecho de ser tan fragmentada, hay de todo en la cinta, inclusive algunas partes divertidas y memorables. Simplemente existen mejores momentos que otros dentro de la

hora y 20 minutos; Sheen hablando en español y un Bill Murray casi improvisando, por ejemplo. Como ya saben, Roman ha escrito para Wes Anderson. Era de esperarse –bastaba mirar al reparto secundario con Murray y Jason Schwartzman– que el estilo único de Anderson se reflejaría en el trabajo de Coppola Jr. Y sí, los colores, la composición de escenas y algunos personajes nos recuerdan el peculiar mundo de Anderson. Roman tiene buen maestro, y tanto la secuencia inicial como final lucen bastante frescas, saliéndose de lo convencional. Que el estilo se parezca al de Anderson es aceptable, pero no lo es la falta de personajes memorables. Schwartzman tiene un papel que sí, luce único, gracioso, bizarro, con su afro, pero, ¿qué sucede con este personaje?, prácticamente nada, a pesar de fungir como el mejor amigo del protagonista. Incluso su brevísima aparición llena de humor absurdo, en Moonrise Kingdom (Anderson, 2012) cuenta con más cuestiones para recordar. Lo de Murray es muy breve aunque sus dos escenas principales resultan graciosas, no novedosas porque su papel es básicamente el mismo de otras cintas de Anderson como Rushmore y la misma Moonrise Kingdom, un hombre infeliz, con problemas maritales. Sin duda, todo recae en los hombros de Sheen, la historia lo pone como el bebedor y mujeriego que finalmente es “vencido” y ahora, después de que su novia lo abandonó, no es más que un “azotado”. Al ser una cinta mediana, con poca innovación, mucho de su éxito dependerá de qué tanto simpatizas con Sheen. Si has disfrutado de Two and a half men sin duda pasarás un rato divertido, aunque sea un divertimento de esos que nunca verías más de una vez.

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Esta es una verdadera y fuerte historia de amor, y al decir verdadera es literal pues es autobiográfica, basada en la vida de Valérie Donzelli y Jérémie Elkaïm quienes además de ser los escritores también son los actores de esta cinta, que juntos logran sumergirnos en los sentimientos que componen una relación y el cómo se deben enfrentar situaciones adversas en pareja. Ellos logran cautivar, emocionar y generar la conciencia de lo que realmente es una pareja. Esta historia cuenta con todos los matices y problemas que pueden poner en juego el amor entre dos seres que dicen amarse profundamente, pues así inicia su historia: con el flechazo o amor a primera vista y las coincidencias de la vida, en ella ser Julieta y el Romeo. La relación es de unos jóvenes, que como tal, son apasionados, divertidos y aventureros, deciden estar juntos y de ese amor nace Adam su hijo, el cual llega a su vida y pone grandes retos ya que detectan cosas inusuales en él, pues como jóvenes inexpertos, no saben que es normal o no en un bebe. Julieta y Romeo sufren los dolores de padres primerizos con un bebé que no para de llorar y que no saben cómo calmar, además que les cuesta aceptar que su desarrollo es diferente a los demás. Declaración de Guerra es un título muy acertado, por todo lo que tendrán que luchar para sacar la fuerte enfermedad de Adam, pues es diagnosticado con cáncer y además simbólicamente, el día que inician con los estudios comienza la Guerra de Irak.

fuerte relación y la comunicación que tiene para ir venciendo los obstáculos que la vida les va enfrentando. En uno de los momentos más tristes, entra una canción: “Ton grain de beauté”, que interpretan ellos y nos habla de lo que le gusta a uno del otro es divertida y dulce, lo que aligera el drama y nos recuerda que son una pareja singular. La música es muy importante en el desarrollo de la película, como cuando están en una reunión, están celebrando que van venciendo el cáncer, una amiga está cantando: “Je Ne Peux Plus Dire Je T'Aime" donde uno de los versos más fuertes dice: No puedo decir ¡Te quiero! No me preguntes ¿por qué? Usted y yo no somos los mismos Por qué ¡el amor viene y va! Pareciera que la escribieron para ellos, pues no se sabe en qué punto se desgasta la relación. Los protagonistas son muy sinceros, tienen mucha comunicación y no gastan su energía en problemas superficiales, se centran en sacar adelante a su hijo. Ellos se quieren, se hacen fuertes y no hubieran podido librar los problemas, el uno sin el otro. La película es dinámica, en ningún momento se pierde que es una comedia romántica, lo mejor de todo es que logra su objetivo y el público no sale triste a pesar del fuerte tema. ¡Una película imperdible que te hará pensar en los límites del amor y te hará razonar sobre la importancia de la comunicación en pareja!

Es de resaltar y aplaudir que la película no se centra en el sufrimiento del niño, si no en la

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La vida de Luis Buñuel comenzó a la par que la del Siglo XX, y en cierta medida, podría decirse que también nació a la par que el Cine (espectáculo inaugurado como tal apenas cinco años antes en París), en cuya historia ha quedado grabado su nombre al ser considerado como uno de los más grandes directores en los anales cinematográficos. A pesar de contar con una educación por parte de un colegio jesuita (al que asistió por siete años hasta que fue expulsado en 1915), Buñuel siempre luchó éticamente contra el dogma (y no sólo el religioso) rechazando las creencias que pretendían inculcarle para, como todo librepensador, edificar su propio código moral. Entabló una amistad entrañable con otras grandes personalidades como Salvador Dalí y Federico García Lorca, con quienes realizaba ensayos de puestas en escena basadas en Don Juan Tenorio. Su iniciación en el mundo del celuloide se dio cuando acudió al director Jean Epstein para pedirle la oportunidad de desempeñar cualquier función en sus producciones a cambio de aprender todo lo que pudiera del mundo del cine; bajo el cargo de ayudante de dirección, estuvo en el rodaje de dos filmes mudos de Epstein: Mauprat (1926) y La caída de la casa Usher (1928). Apenas un año después, en 1929, realizó su primer cortometraje:

Un Perro Andaluz (cuyo guión fue concebido en conjunto con Salvador Dalí), un mini film que, con apenas 17 minutos de duración, sirve como muestra de la tendencia onírica que inundaría su obra en años posteriores. Su obra desborda alegorías que evaden las limitaciones de los sentidos para llegar inconscientemente a la psique humana; la Burguesía y la Iglesia Católica son las instituciones a las que más críticas dedica en sus películas, El Ángel Exterminador y Viridiana, son los ejemplos más claros de estos señalamientos hacia los convencionalismos de etiqueta (El Ángel...) y el discurso doble moral de la religión (Viridiana). Su cine instiga a la autoexploración de nuestra naturaleza humana y a la aceptación de ésta; nuevamente Viridiana vuelve a ser ejemplo de esta incitación, algo parecido a lo que hiciera Lars Von Trier con su Dogville en 2003. Tan sólo un año antes de morir, editó en colaboración de Jean-Claude Carriére, un libro de sus memorias llamado Mi Último Suspiro; el realizador falleció en la Ciudad de México el 19 de julio de 1983 debido a una insuficiencia cardíaca, hepática y renal que le había provocado un cáncer. "Ahora sí que muero" fueron las últimas palabras que dijo a su esposa Jeanne.

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Gran obra maestra surrealista del genio Luis Buñuel, en la que nuevamente pone como tema central 'la susceptibilidad a perder la fe'; el tema de la fe y la creencia de cualquier religión (en el caso de esta película, la religión católica).

Un hombre cuyas convicciones rayan en la devoción total hacia su religión, se ve sumergido en una serie de pruebas totales que lo llevan a dudar o perder su fe. Una historia contada con un tinte 'bíblico', que raya como una de las mejores películas del director. Emulando a lo que hiciera en un par de ocasiones Ingmar Bergman, al cuestionar que tan fuerte es la fe en los hombres; Buñuel toma esta historia de la novela de Galdós y la lleva a un nivel diferente, contada como únicamente el director español podría hacerlo. Francisco Rabal, Rita Macedo y Marga López integran la tercia de actores que encabezan el film, es notable la entrega y profesio-

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nalismo que muestran estos y el resto del elenco al tocar un tema tan cuestionable e incluso, escandaloso, pues en México, un país con fuertes creencias religiosas a mediados de los años 50's, sin duda, resultó en todo un reto para realizar la película; tras su estreno, fue reconocida mundialmente como un gran trabajo del director y se vio cuan gran es, al recibir el premio especial del Festival de Cannes de aquel año. Una película que vale mucho la pena ver, sumamente recomendable y distinta en cuanto a lo acostumbrado en el Cine Mexicano de la Época de Oro; una joya que permite analizar mucho sobre la fe, la religión, la hipocresía, la falsedad de la gente hacia sus semejantes, la inocencia, el fanatismo, la ignorancia, entre otras cosas. Obra maestra de nuestro cine nacional premiada en el Festival de Cannes.

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Al salir de la universidad los que son muy inteligentes continúan estudiando, los que son muy emprendedores buscan iniciar una compañía con una idea hippie de amor y paz al medio ambiente que al final les de acciones multimillonarias, los que son conformistas solo buscan un empleo. Parece que cualquier egresado de una universidad tendrá un futuro brillante pero tristemente yo no era ni inteligente y un emprendedor amante del medio ambiente. Así que… Al terminar la universidad tome mi mochila, un cambio de ropa y me dirigí al aeropuerto más cercano con un puñado de billetes y el pasaporte en mano: Iría a donde me llevara el primer avión que saliera. Y así fue como pase los últimos años vagando por el mundo, la mejor etapa de mi vida. Pero era tiempo que volviera a casa algo sobre que mi madre quería saber si aun era su hijo o me había secuestrado la mafia rusa. —Este es tu sobrino. —Dijo mi hermano orgulloso de una versión miniatura de él. —¿Tengo un sobrino? —Pregunte extrañado, en verdad no tenía idea. —Sí, te llame cuando nació a tu departamento en China, me respondió un sujeto llamado Wu Fan —Ah sí… Wu Fan, nunca pasaba los mensajes y se robaba mi correo. —Recordé a mi antiguo compañero de casa— ¿Y bien, como se llama el pequeño retoño? —Leopardo. —¿Qué clase de nombre extraño es ese?— Pregunte y no pude evitar reír. Sabía que esto le generaría un trauma emocional al niño. —Hey… Emm… Leo, ¿tu papá te ha contado alguna vez que combatíamos el crimen en el lejano oeste? “No fue hace mucho tiempo, mi hermano y yo…” —Tu papá en realidad no es mi hermano Lion— Aclaré, no quería que el niño se confundiera. —Se llama Leopardo. —Corrigió mi hermano. —Eso dije… Bueno ¿Dónde iba? “No fue hace mucho tiempo mi hermano y yo estábamos cumpliendo con nuestro servicio en los rangers. Antes de eso habíamos trabajado en una mina de plata y esperábamos volver al terminar nuestro servicio al país. Fuimos emboscados por unos bandidos, mi hermano desafortunadamente murió y yo casi lo hago también pero tu papá…” www.facebook.com/celuloidedigital

—Leonardo, no sé si sabes que en realidad se llama Toro, claro antes le llamábamos Tonto pero se comenzó a sentir mal por ello, en fin, es una larga historia luego te la cuento. —Eso dije— Repetí. “…tu papá cuido de mi hasta que estuve mejor y con un recorte del chaleco de mi difunto hermano hice una máscara, buscaría vengar su muerte.Una vez salve un caballo salvaje de morir y este dedico su vida a la causa, se convirtió en mi leal compañero…” —Claro tu papá también era mi compañero pero el caballo era más genial. Luego te explico el porqué Leotardo. —¿Leotardo? ¿En serio? Eso ni siquiera es un nombre. — Reclamo. —No me culpes a mí, tú le pusiste ese nombre. “…Lo llame Silver y juntos, los tres, combatimos criminales e injusticias por todo el lejano oeste. Usando balas de plata cuando era necesario y cuidando de todas las vidas. Nos levantábamos cuando despuntaba el alba y nuestro día comenzaba siempre esperando que los villanos se hubieran reivindicado claro que no era así pero ¿Qué puedo decir? Éramos soñadores en ese tiempo. Me encantaba el sonido de la arena debajo de mis botas y los cactus siempre parecían felices con ese calor infernal. Tonto, o Toro como quieras llamarlo, siempre despertaba un poco antes que yo. Preparaba nuestro desayuno y alimentaba a Silver con su ración diaria de heno, le daba un poco de agua y con eso tenía para llevarme hasta el fin del mundo…” —¡Arre, Silver, adelante!— Dije con nostalgia. Tenía la atención de Leopardo y mi hermano, suspiraba frustrado. —¿Qué? —Esa es la historia del llanero solitario —Dijo claramente molesto. — Si le vas a contar algo cuéntale algo que sea verdad. —Que amargado —me quejé — Leonardo… ¿Tu papá te conto de esa vez que me eligieron para fundir mi esqueleto con adamantium por mi alta tolerancia al dolor?

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El anhelo humano de evadir la muerte de manera infinita, originado por la conciencia de su mortalidad, ha sido un tema recurrente en diversas expresiones artísticas, y el cine no ha podido escapar de esta cuestión. Más allá de los Sueños, El Señor de los Anillos (con el personaje de Arwen, encarnado por Liv Tyler), Drácula, Highlander, Constantine, Entrevista con el vampiro y El Cuervo, son sólo algunas de las cintas que han abordado, en mayor o menor medida y desde distintas perspectivas, el tema de la vida eterna, y la cinta que hoy nos ocupa, promete abordar el tema de la 'inmortalidad' de su protagonista: el famoso Wolverine. Tras haberse enfrentado y perdido a su gran amor, Jean Grey, en la última entrega de la trilogía original de los mutantes odiados y temidos (la poco afortunada X-Men: La Batalla Final; Dir. Brett Ratner; 2006), Logan se embarca hacia Japón, donde será buscado por un antiguo conocido a quien le salvó la vida muchos años atrás en Nagasaki durante la Segunda Guerra Mundial; como pago por su he-

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roica hazaña y antes de morir, ofrece al mutante un regalo que lo liberará de su 'maldición': su mortalidad. En ese mundo, para él desconocido, y completamente vulnerable por vez primera, Logan deberá poner a prueba sus propios límites, tanto físicos y emocionales, si quiere vencer a su némesis definitivo, el implacable Silver Samurai en medio de territorio de los Yakuza. Pero además de confrontar los fantasmas de su pasado y enfrentar cara a cara la posibilidad de morir de manera definitiva, Logan se encontrará, de forma repentina, en franca huida con una misteriosa y bella heredera. “Esta historia lleva a Wolverine a un mundo que es muy diferente a cualquiera que se haya visto antes en la serie de X-Men”, comenta Hugh Jackman, quien una vez más regresa para interpretar al feroz mutante y quien también funge como productor de la película. “Es visualmente diferente y el tono es distinto. Hay muchas batallas en esta historia, pero la más grande de todas es aquella dentro de Logan; entre ser un monstruo y convertirse en ser humano”.

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Para esta segunda película en solitario de Wolverine, y tras el tropiezo que significó XMen Origins: Wolverine en 2009, la dirección recayó en manos de James Mangold, que dentro de sus filmes tiene títulos rescatables como Inocencia Interrumpida (1999) e Identidad (2003), hasta otros muy destacables como Walk The Line (2005) y 3:10 to Yuma (2007); aunque también tiene obras bastante cuestionables como la comedia romántica Kate & Leopold (2001) -donde curiosamente Hugh Jackman tiene también uno de los roles protagónicos al lado de Meg Ryan- y la relativamente nueva Knight And Day con Tom Cruise y Cameron Diaz. “Jim Mangold sabe cómo hacer una película divertida, que tenga escenas increíbles de acción y, además, brindar los elementos más finos en cuanto a la construcción de personajes y narrativa”, comenta el actor que también protagonizó Les Misérables el año pasado. “En todas las tomas, me llevó a profundizar más en el personaje, a mostrar más fiereza, más desenfreno y verme más intenso de cualquier manera posible”, señala Jackman. “Lo que me interesó acerca de Wolverine fue hacer algo muy diferente con respecto a la película estándar de superhéroes, donde se trata de detener el plan diabólico de un villano. En esta historia, la acción y el suspenso están más cimentados en el personaje, y son entretejidos en un mundo que da lugar a una experiencia completamente distinta, una que no

has visto antes” comenta el director del filme con el cual pretende romper el molde de las películas basadas en cómics, pues además, esta cinta tomará un camino muy distinto al de sus predecesora e incluso a las cintas grupales de los X-Men de Bryan Singer y Brett Ratner. “Cuando estás haciendo una película acerca de un equipo de personas como los XMen, no te puedes meter mucho en sus cabezas”, indica Mangold. “Pero esta película es capaz de realmente adentrarse en Logan, en explorar quién es y las raíces de su furia. Es alguien que ha sido utilizado por el Departamento de Defensa, por el gobierno, por enemigos, por villanos, incluso por seres queridos. Y a lo largo del tiempo, y debido a lo mismo, su ira se ha incrementado, sólo para verse multiplicada por esa característica salvaje preexistente. Sin embargo, dentro de esta historia, comienza a percatarse de cómo su furia puede ser capaz de estimularlo y darle poder” recalca el director que, además de ver la historia del filme como un audaz thriller sobre un hombre con un oscuro pasado que busca su futura identidad, ha enfatizado la encrucijada donde Logan, al principio de la historia, ya ha pasado por muchos caminos sombríos y siente que ha perdido o herido casi todo lo que ha querido, por lo que no está seguro de que exista algún camino hacia la redención, sobre todo cuando lo único que tiene a su favor es precisamente su mayor maldición: su inmortalidad.

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as aventuras de John Reid -y su álter ego- no comenzaron, como muchos piensan, en el serial televisivo protagonizado por Clayton Moore y Jay Silverheels, sino en un programa radiofónico escrito por Frank Strikee en 1933. Desde ese entonces, y hasta 1954, se transmitieron casi 3 mil episodios. A ochenta años de su nacimiento, y tras sortear varios obstáculos en la etapa de pre-producción (casi todos respecto al presupuesto), la leyenda vuelve a tomar las riendas y cabalgar, pero ahora en la pantalla de plata bajo la producción de Jerry Bruckheimer, a las órdenes de Gore Verbinski, encarnado por el guapo Armie Hammer y acompañado por uno de los actores más cotizados y redituables de la industria fílmica: Johnny Depp. En la cinta, el joven abogado John Reid (Hammer) es dejado por muerto tras una encarnizada emboscada, pero es rescatado por el indio Toro (Depp), un comanche errante que ha sido expulsado de su tribu y que, en solitario, busca a los hombres responsables de la ruina de su pueblo; juntos ponen en marcha ciertos acontecimientos que convierten al idealista abogado en El Llanero Solitario y al guerrero comanche en su fiel compañero y amigo junto al que hará frente a la corrupción y con quien llevará de nuevo la justicia al Viejo Oeste. www.facebook.com/celuloidedigital

Junto a los protagonistas Armie Hammer y Johnny Depp, podremos ver también a Helena Bonham Carter, Tom Wilkinson, William Fichtner, Ruth Wilson, Barry Pepper, James Badge Dale y el mexicano Joaquín Cosío; todos ellos dirigidos por Gore Verbinski, quien ha demostrado su capacidad para entregar cintas veraniegas de calidad como Piratas del Caribe (Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl; 2003) y su competencia para elaborar cintas un poco más adultas, aunque sean de animación, como Rango (2011). Así que le daremos el beneficio de la duda y ya veremos qué nos ofrece con el millonario presupuesto (que al final resultó ser de $250 mdd) y las áridas y espectaculares locaciones como el desierto de Mojave, la Nación Navajo y Albuquerque, por mencionar sólo algunas. www.facebook.com/celuloidedigital

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n lustro ha pasado desde que vimos en la pantalla grande la última película de Guillermo Del Toro (Hellboy II: The Golden Army) y entre proyectos que no cuajaron del todo (la ahora trilogía de The Hobbit que finalmente dirigió Peter Jackson) y producciones apadrinadas por el mexicano (Mama, Don't Be Afraid of the Dark, entre muchas más), éste ha logrando engendrar otra pieza fílmica originada, como ya es costumbre, en lo más profundo de su muy creativa imaginación. Titanes del Pacífico es como conoceremos en México la nueva propuesta de Guillermo Del Toro, un filme sci-fi que promete ser 'la película de monstruos más grande jamás vista', algo que puede sonar un poco presuntuoso pero que no dudamos que nuestro compatriota pueda alcanzar. Y es que tras El Laberinto del Fauno, ¿hay algo que Del Toro no pueda lograr?. Charlie Hunnam, Idris Elba, Charlie Day, Rinko Kikuchi, Max Martini, Willem Dafoe, Clifton Collins Jr. y Ron Perlman son los protagonistas de esta apocalíptica cinta en la que unas gigantescas criaturas denominadas 'kaiju', provenientes de las profundidades de la Tierra -vía un portal en el fondo del Océano Pacífico-, han surgido para dominarla, y para evitarlo, los humanos nos hemos visto forzados a crear robots de tamaño similar, nombrados 'jeagers'. Cada uno de ellos, que tiene su propio nombre y distintas características físicas y de combate, es controlado por un par de pilotos especialmente capacitawww.facebook.com/celuloidedigital

dos para la tarea, como por ejemplo 'Gipsy Danger', el jeager estadounidense pilotado por Raleigh (Charlie Hunnam) y Marko (Rinko Kiluchi), que se distingue por su modo de pelea bastante semejante al de un boxeador; o como Cherno Alpha, el jeager ruso que es pilotado por Sasha y Alexis Kaidanovsky (Heather Doerksen y Robert Maillet) que se caracteriza por su rudeza, pues a pesar de ser una máquina algo lenta (pues pesa más de 2,400 toneladas), tiene en su cabeza un puerto de energía y un martillo cargado eléctricamente como puño. ‘Coyote Tango’, por su parte, es un jeager japonés totalmente opuesto a su contraparte rusa, éste robot (tripulado por un solo piloto -Stacker Pentecost, interpretado por Idris Elba-) es muy ligero y diseñado, más que para el combate (a pesar de tener dos potentes cañones que sobresalen por sus hombros), para crear distracciones y sorprender al enemigo. El jeager chino, ‘Crimson Tuphoon’, es el único pilotado por tres personas: los trillizos Wei (interpretados por los hermanos Luu: Lance, Charles y Mark) y las artes marciales son las que han inspirado su estilo de combate. Finalmente, desde Australia se presenta ‘Striker Eureka’, el jeager tripulado por padre e hijo (Herc y Chuck Hansen -encarnados por Max Martini y Robert Kazinski-) tiene el récord de más kaijus derrotados; como armas tiene una espada retráctil con la que es capaz de canalizar energía térmica y un lanzador de misiles Y es así, con batallas épicas de kaijus contra jeagers, un reparto internacional y un presupuesto de $180 mdd, que Del Toro se ha dado a la tarea de crear la cinta de monstruos más grande de la historia, sí lo logra o no, lo descubriremos el 12 de julio cuando llegue a las pantallas mexicanas. www.facebook.com/celuloidedigital

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er el director español vivo más famoso a nivel mundial no siempre resulta agradable, sobre todo si las expectativas que generan tus películas son tan altas que difícilmente podrían ser cubiertas, pues nunca podrás dejar satisfecho a todo el mundo. Esto es algo que le pasa a Pedro Almodóvar, un director cuya fama (bien merecida) opaca muchas veces sus obras; basta señalar su anterior entrega fílmica (La Piel que Habito; 2011) para demostrar que no todos quedaron complacidos con su (muy) libre adaptación de la novela Tarántula de Thierry Jonquet, a pesar de que demostró su total capacidad para reelaborar relatos ajenos, manteniendo su esencia, pero traduciéndolos a su propio universo almodovariano (el personaje del Hombre Tigre es sublime). www.facebook.com/celuloidedigital

Ahora, con su nueva propuesta cinematográfica, las altas expectativas no podrían ser más arrolladoras, pues desde que anunció que Los Amantes Pasajeros sería una comedia (genero con el que inició su carrera y que no había visitado en poco más de dos décadas), todo mundo quería volver a ver ese humor ácido de Almodóvar y su crítica hacia la doble moral ética y religiosa (la cual imperaba en la España post franquista, época en la que comenzó su ya numerosa filmografía). Pero al parecer no ha sido así, muchos dicen que es la peor cinta del manchego, pues al parecer no han encontrado en ella lo que tanto esperaban, aunque cabe señalar que Almodóvar jamás les prometió que sería una comedia al estilo Mujeres al borde de un ataque de nervios, él sólo dijo que sería una comedia. Si el público y la crítica se llenaron de falsas esperanzas sobre lo que 'iba' a ser Los Amantes Pasajeros, esa es otra historia ajena al cineasta. Y a todo esto... ¿De qué va Los Amantes Pasajeros? La trama gira en torno a los versátiles pasajeros y miembros de la tripulación del vuelo 2549 de la aerolínea Ibérica (que parte de Madrid hacia el México D.F.) quienes sufren una severa crisis existencial cuando se enteran que el avión está presentando fallas técnicas (por llamarle de algún modo) que podrían hacer peligrar sus vidas; para sobrellevar la situación, tres sobrecargos gays intentarán "hacerles pasar el vuelo lo más agradable posible". Así, bajo esta premisa, Almodóvar vuelve a pisar los terrenos de la comedia que tenía ya muy olvidada, y el cineasta se ha reodeado de un reparto envidiable para este proyecto tan especial: Javier Cámara, Carlos Areces, Raúl Arévalo, Lola Dueñas, Cecilia Roth, Antonio de la Torre, Miguel Ángel Silvestre, Hugo Silva, Guillermo Toledo, José Luis Torrijo, José María Yazpik, Penélope Cruz, Antonio Banderas, Paz Vega, Laya Martí, Blanca Suárez y Carmen Machi. Este mes finalmente llegará a las pantallas comerciales de México para poder corroborar si la película es tan mala como dicen, o si sólo ha sido producto de las altísimas expectativas que el nombre de Almodóvar suele generar. www.facebook.com/celuloidedigital

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a tragedia Julio César de William Shakespeare sirve como pretexto perfecto para que los hermanos Vittorio y Paolo Taviani realicen una profunda reflexión sobre los crímenes políticos y las traiciones en un entorno sumamente insospechado dentro de las puestas en escena teatrales: una cárcel de alta seguridad. La cinta documental, filmada con un carácter intimista en un blanco y negro, se enfoca en los meses previos al estreno de la obra dirigida por Fabio Cavalli en la prisión de alta seguridad 'La Rebibbia', donde los realizadores toman ventaja del hecho que los protagonistas de la puesta en escena sean un conjunto de presidiarios y aprovechan de éstos su conocimiento y experiencia criminal (pues es información de primera mano, nadie se los platicó) para ir más allá del escenario y construir una crítica a la naturaleza humana dentro de la violenta y traicionera política contemporánea. www.facebook.com/celuloidedigital

Pero más allá de los evidentes tintes de políticos dentro de su crítica y ser una reinterpretación audaz del texto original inglés (pues los prisioneros 'aportan' a la obra ciertas expresiones propias de su léxico callejero), lo que sobresale en el filme es la enorme transformación (en todo sentido) de los presidiarios, ahora interpretes shakesperianos, tras su contacto con el arte. Desde la etapa del casting, donde se designan los personajes desde Julio César hasta Marco Bruto, hasta la presentación final de la obra, pasando por los ensayos y las improvisaciones, los reos-actores pueden degustar su vivir en libertad aunque sea por unos instantes, todo ello gracias al carácter liberador de la creación artística teatral y que tiene un impacto tal en los protagonistas, que su regreso al confinamiento, lo viven de una manera más dramática, pues la liberación que han logrado saborear efímeramente a través de la expresión teatral no es física, sino espiritual.

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Amanda tiene un problema; si está sola no puede dormir. Sus días transcurren de manera tranquila y ordenada; sus noches las llena de amantes que la ayudan a pasar las horas. De un día para otro su universo se ve transgredido cuando tiene que hacerse cargo de su vieja y alcohólica abuela, Dolores, una actriz retirada que ahora vive de los recuerdos de sus glorias pasadas. www.facebook.com/celuloidedigital

Gru ha dejado atrás la vida de súper villano para dedicarse a educar y cuidar a sus nuevas hijas: Margo, Edith y Agnes; ahora su inseparable científico y amigo Dr. Nefario y él tendrán mucho tiempo libre, pues ha pasado de ser un villano favorito a un padre favorito. Pronto una organización ultra secreta, dedicada a combatir el mal, toca a su puerta. La agente Lucy convencerá a Gru a unirse a ellos y atrapar a un temido villano que quiere acabar con el mundo. Después de todo, ¡Nadie mejor que un ex villano, sabe cómo piensa uno de ellos! El sospechoso número uno es: Floyd Eagle-San, quien es propietario de una tienda de pelucas en el Centro Comercial Paraíso. ¿Pero acaso será este indefenso oriental el ‘temido villano’ a quién buscan?

Después de que un inesperado accidente milagrosamente le da el poder de la súper-velocidad, Turbo mete sus sueños en sobre marcha y se embarca en un extraordinario viaje para alcanzar algo aparentemente imposible: competir contra el afamado piloto de carreras Goyo Ganador. Con la ayuda del muy bien equipado y avispado equipo de Turbo, este extraordinario caracol que lleva todas las de perder arriesga su corazón y su concha para probar que no hay sueño demasiado grande ni soñador demasiado pequeño.

La clásica obra de William Shakespeare recibe una actualización única y diferente en "Mucho Ruido y Pocas Nueces", la nueva película de Joss Whedon. Usando el texto original, Whedon nos presenta la historia de los enamorados Beatrice y Benedick, en un vistazo oscuro, sexy, entretenido y original al intrincado juego del amor... Leonato, gobernador de Messina, recibe la visita de su amigo Don Pedro, quien viene de regreso tras enfrentar victoriosamente a su hermano rebelde, Don John. Acompañando al buen Don Pedro vienen dos de sus socios, Benedick y Claudio. Claudio se enamora de la hija del Leonato, Hero, mientras Benedick comienza a cortejar a la bella Beatrice, sobrina del gobernador. Una serie de trágicos, inesperados y entretenidos sucesos evitarán continuamente que las parejas encuentren la felicidad... ¿Será posible que el amor, como en toda buena comedia de Shakespeare, prevalezca al final?

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Encerrado y vigilado en un cuarto de tres por uno, Lázaro se enfrenta a un aislamiento absoluto y por un tiempo totalmente indefinido. Entre la esperanza de ser liberado y la constante amenaza de ser ejecutado, la mente de Lázaro es puesta a prueba cada día. En este camino al filo del abismo, aparentemente no tiene nada, absolutamente nada a lo que sujetarse. Sin embargo, desde la pérdida, la privación y la cercanía con la muerte, Lázaro, a través de la aceptación de esta nueva realidad, con imaginación, y recordando sus sueños y recuerdos, encontrará respuestas, amor y libertad en lo único que le queda: el espacio interior.

Margaret Suckley, recibe una llamada de su primo lejano, el presidente Franklin D. Roosevelt, invitándola a pasar el fin de semana con él en su residencia de Nueva York, junto con el Rey Jorge VI y su esposa, en un histórico evento, donde por primera vez un rey inglés ha visitado Estados Unidos. Todos estos personajes interactuarán de tal manera que lograrán mucho para ambas naciones, quizá sin darse cuenta, en un sólo fin de semana.

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El apacible pueblo costero de Claridge, en la Bahía de Chesapeake, vive del mar, es el sustento de la comunidad. Cuando dos investigadores biológicos franceses descubren un nivel asombroso de toxicidad en el agua, intentan advertir al alcalde, pero éste se niega a provocar el pánico en el tranquilo pueblo. Como consecuencia, se desata una letal plaga que infecta a los habitantes de Claridge con una variedad mutante de parásitos capaces de controlar sus mentes y, en última instancia, sus cuerpos.

Alejandro y Missy están a punto de casarse y el amor se siente en el aire... pero no todo siempre es lo que parece. Tras diez años, Ellie Griffin (Diane Keaton) vuelve a su hogar en Connecticut desde que su marido Don Griffin la engañara con su mejor amiga, Bebe McBride. Con todo planeado para la gran boda, Alejandro le anuncia a sus padres adoptivos, Ellie y Don, que su madre biológica, Madonna Soto, asistirá a la celebración, pero debido a sus extrañas y conservadoras creencias religiosas ella no tiene idea del divorcio de ellos. Por el bien de la boda, Ellie y Don se verán obligados a actuar como una pareja felizmente casada y mientras... Bebe tendrá que desaparecer del mapa por un tiempo. Con todos los invitados esperando, los Griffin se verán forzados a fingir durante un fin de semana de locos a ser una familia feliz... evitando matarse en el proceso.

Versión libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos Grimm, que ha sido ambientada en España durante los años 20. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de Enanos Toreros.

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THE MASTER

The Master Dir: Paul Thomas Anderson

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Creer, ha sido siempre la necesidad elemental de la humanidad (aunque hay quien a eso le llama 'la falla humana esencial) y es precisamente esa necesidad de creer, esa búsqueda espiritual, la que aborda la nueva película de Paul Thomas Anderson, un director tan propositivo como polémico. Y es que sólo hace falta recordar "Boogie Nights", "Magnolia" o "Petróleo Sangriento", para confirmar que el cineasta californiano es experto en explorar y cuestionar la naturaleza humana con personajes multidimensionales y complejísimos, por ejemplo Daniel Day-Lewis en Petróleo Sangriento como el referente más actual dentro de su filmogafía. Ahora, con "The Master", Paul Thomas Anderson trabaja junto a Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman y Amy Adams para ahondar en el tema de la búsqueda humana por algo o alguien que nos ayude a que nuestra vida no sea o se sienta como una simple existencia sobre este planeta y lo hace a través de diversos simbolismos y reflexiones metafóricas en la nada convencional relación 'amorosa' (hay distintos tipos de amor, no se me espanten, esto no es "Brokeback Mountain") de los dos protagonistas masculinos. "The Master" sigue la vida de Freddie Quell, un soldado psicológicamente dañado por su experiencia bélica durante la Segunda Guerra Mundial; tras regresar a los Estados Unidos, sus problemas de alcoholismo, así como su inestable y voluble temperamento, le acarrean la imposibilidad de mantener un trabajo estable (ojo a la escena donde se agarra a golpes con un cliente en el centro departamental donde trabaja como fotógrafo familiar); y a pesar de haber logrado establecer una relación relativa y sorprendentemente estable, hasta cierto punto, con una chica llamada Doris Solstad, Quell termina como polizón en un barco donde casualmente se encuentra con Lancaster Dodd, un carismático e inteligente hombre que es el líder de un movimiento denominado 'La Causa' y al que todos conocen como 'El Maestro'.

A partir de este punto, a través la deconstrucción del personaje que encarna Phoenix (Quell) por parte del personaje de Hoffman (Dodd) gracias a la 'ayuda' que éste le brinda, el director establece una serie de relaciones entre ellos; algunas veces se aproxima a la reciprocidad de maestro-alumno, otras tantas similares a las de un perro con su amo, pero en todas ellas se oculta una relación de codependencia entre Freddie y Lancaster. A este juego de poder se suma, Peggy Dodd, la esposa de Lancaster (interpretada de manera magistral por Amy Adams -ojo a una escena que transcurre en el baño junto a Seymour Hoffman-), quien no sólo se ha convertido en 'la esposa del Maestro' o 'miembro de La Causa', sino que es una pieza fundamental en ella y en la vida del 'Maestro' también es determinante su presencia. Apoyado en la sobria fotografía de Mihai Malaimare Jr. y en el score plagado de blues, Anderson presenta de manera pausada una analogía a la figura de L. Ron Hubbard, el líder y fundador de la Cienciología fallecido en 1986; en la cinta, el cineasta expone, de manera evidente pero muy sutil, la débilmente sustanciosa filosofía de La Causa y cómo ésta se sostiene en gran medida por el abrumador carisma de su 'Maestro'. Sin querer hacer una crítica a este 'movimiento' -exponer sus puntos débiles no es criticar-, Anderson lo utiliza para hablar de algo más que de las incoherencias de éste, lo utiliza para elaborar un rompecabezas fílmico en donde expone la manera en que las personas buscan complementar a otras y complementarse a sí mismas con las relaciones que establece; en algunas ocasiones logran integrarse, en otros casos no son tan afortunados. El visionado de la cinta no es fácil, además de su larga duración, es tan densa como lo fue "Petróleo Sangriento" y se necesita verla más de una vez para poder apreciar y digerir la mayor parte de todo lo que nos propone Anderson en este tratado sobre la búsqueda de uno mismo en los demás.

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Un pequeño grupo de estudiantes de la Grizzly Lake High School son castigados y confinados al salón de detención el día del baile de graduación por ser sospechosos del asesinato de una de las alumnas del colegio; pero eso no parece detener los asesinatos, pues se siguen presentando más muertes a manos de una asesina serial llamada Cinderhella, ícono de diversos filmes del subgénero slasher, que presuntamente ha cobrado vida en la realidad, destazando a los adolescentes del instituto. Bajo esta premisa el director Joseph Kahn presentó hace un par de años esta película que mezcla de manera efectiva el slasher, la comedia y hasta un poco de ciencia ficción (sí, hay viajes en el tiempo). Es una cinta que seguramente disfrutarán los adolescentes amantes de los filmes de serie B sobre asesinatos seriales (Viernes 13, Halloween e incluso Scream) ya que combina todos los elementos particulares de este tipo de filmes con una ágil edición muy del estilo de Scott Pilgrim vs. The World, una característica que podría causar un poco de confusión al principio del filme ya que dificulta seguirle el paso, pues apenas estamos asimilando un ingenioso diálogo cuando sorpresivamente ya estamos a mitad de la secuencia siguiente; probablemente tomará unos quince minutos tomarle el ritmo a la película (e incluso recurrir al botón 'rewind' en una par de ocasiones para no perderse detalle), pero una vez que se hayan adaptado la película fluirá y será más disfrutable. www.facebook.com/celuloidedigital

Castigo no es precisamente una joya indie, aunque tampoco es un bodrio pues está muy bien realizada y actuada de manera atinada por el reparto (el cual incluye a Josh Hutcherson, Alison Woods, Shanley Caswell, Aaron David Johnson, Dane Cook, etc). Es una película que va dirigida a un público específico: adolescentes amantes de la sangre y los asesinatos pero con toque actual e incluso absurdo (a veces me recordó al filme Rubber -reseñada en esta misma sección en la edición de mayo-). Si no les gustan este tipo de cintas, ni se acerquen, si por el contrario son amantes del subgénero slasher, no duden en conseguirla en su videoclub más cercano.

King Kong, la legendaria creatura de la Isla Calavera, también conocida como la octava maravilla del mundo moderno, ya cumplió ocho décadas de vida y qué mejor manera de celebrarlo que con esta edición especial en formato casero de alta definición, que además de contener el gran clásico de la cinematografía del descomunal gorila, viene acompañado de numerosos extras entre los que destacan los comentarios de los veteranos de los efectos visuales Ray Harryhaussen y Ken Ralston; un documental de siete partes sobre la creación del filme; una secuencia perdida con una gigantesca araña y el trailer de cine del filme. Por si fuera poco, esta edición viene acompañada de un pequeño libro de 34 páginas con información y fotografías exclusivas de este clásico del celuloide.

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¿QUIÉN DIABLOS ES JULIETTE? Jueves 25 | 22:00 Hrs. | Canal 22

Fundado con objeto de organizar el proyecto cinematográfico de Uruapan, Michoacán, fomentando la integración del público y la participación de los actores culturales para fomento de la cultura a través del cine.

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Aunque John Williams, es el compositor “más conocido” por la gente no muy asociada al mundo de los scores, no podemos negar que Danny Elfman se ha ganado su espacio. Además de su talento a la hora de componer, no fue solo eso lo que lo hizo “famoso” sino también los títulos para los que ha compuesto. Edward Scissorhands, Batman o The Simpsons son algunos de los temas que nunca olvidaremos de este compositor y que han “marcado” a más de una generación. Danny Elfman tiene un estilo bastante marcado aunque, dentro de todo, es muy versátil. Los coros, a los que de cariño llamo “voces elf-

mánicas”, son comunes en sus composiciones y también los violines. Algo que no suele usar demasiado (aunque a toda regla hay excepciones) son las percusiones con demasiado protagonismo. Un factor muy importante que ayudó a este compositor a ser conocido, fue su alianza con Tim Burton. Realmente es difícil de afirmar pero, en mi opinión personal, las películas de este director no hubiesen tenido la “magia” que tienen si tenían a otro compositor. Sin demasiadas vueltas que dar, les dejo los 10 temas más recomendados de Elfman.

Aunque este tema no sea uno de los más conocidos de Elfman, llegó al puesto 10 porque tiene todas las características de los temas. Abriendo con unas cuerdas increíbles para luego dar paso a las tan comunes “vocecitas elfmánicas”, este tema se apodera de uno rápidamente. Los vientos juegan un papel muy importante, dando mucha fuerza en momentos determinantes. Aunque Elfman en muchos de sus temas usa las vocecitas, creo que es en este tema donde tienen más protagonismo y más se las siente.

Por más que todos digan que esta película fue un verdadero desastre (yo ni la vi, la verdad), no puedo negar que su score es buenísimo. La percusión juega un papel protagónico, ambientándonos totalmente, así como ha hecho Jerry Goldsmith en la original. El sentido de que estamos siendo perseguidos se siente desde un principio. Lo que realmente me gusta mucho de este tema, es que escapa mucho a lo que suele hacer Elfman, la instrumentación del tema es súper interesante, además, la emoción que transmite es bastante real.

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Al puesto 8 llega otra película que no he visto, pero sin duda me he enamorado del score, en especial, de este tema. Se abre de la forma más simple y “tierna” posible, para luego ya escuchar el típico violín envolvente de Elfman. Es por los 0:50 donde escuchamos ese movimiento que hace tan mágico al tema, transportándonos totalmente. Luego abundan los soniditos que parecen provenir de una cajita musical, hasta que en el 1:42 comienza nuevamente la magia con ese movimiento tan melancólico y envolvente, para luego finalmente cerrar de una forma fina y elegante.

Un compositor del calibre de Elfman no solo compone soundtracks instrumentales y este tema, demuestra perfectamente lo flexible que puede llegar a ser Danny. Seguimos escuchando los violines característicos de Elfman, pero cuando llegan las voces es cuando todo se pone “creepy”, es como una alegría que asusta, difícil de explicar lo que transmite el tema realmente. La diversidad entre las voces es en parte lo que da su magia al tema, haciendo que sea totalmente variado aunque, obviamente, el trabajo de Elfman también tiene muchísimo que ver.

Este es otro tema que se escapa un poco de lo que suele hacer Elfman. Es realmente interesante cómo juega con los sonidos “ambientales”. Es para el 0:56 donde escuchamos el movimiento TAN característico de la serie, pero no es solo ese movimiento lo mágico del tema, sino todo. Es sorprende la versatilidad de Elfman a la hora de componer.

Para este tema Elfman tuvo una clara inspiración de Bernard Herrmann en “The Day the Earth Stood Still”, con esos soniditos tan envolventes que parecen hasta hipnóticos. Pero realmente lo que me llama la atención de este tema es la forma en la que usa las voces de fondo, todo normal hasta 1:33 donde escuchamos unos grititos bastante raros, además, el sonido de los “rastreadores” dan un valor agregado al score. Ya hacia el final todo se acelera para finalmente cerrar de una forma contundente.

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Otro score llenísimo de emoción es el tema principal de Spider-Man. Aunque comience algo melancólico con ese violín, rápidamente este soundtrack vuela. Aunque los sonidos jueguen un papel principal, lo cierto es que no podemos menospreciar las cuerdas de fondo. Por el 1:47 podemos escuchar el movimiento que da tanta fuerza a este tema, volviéndolo súper memorable.

¿Qué sería de Batman sin este tema? Yo, la verdad, no tengo ni idea. Este tema marcó toda una generación (y puede que a más de una), es realmente increíble lo que puede llegar a hacer un solo score. Sin desameritar el trabajo de Hans Zimmer en las nuevas bandas sonoras de las películas de Nolan, creo que es este tema el que tiene la “escencia”. El tema comienza con mucha tranquilidad, para luego transmitirnos pura emoción. Es por los 0:47 donde empieza el movimiento que hizo tan conocido a esta banda sonora. Este movimiento se repetirá varias veces durante el tema, pero cada vez está diferentemente instrumentada, haciendo que no nos canse de escucharla (aunque yo la verdad no me cansaría). Finalmente cierra tras mucha emoción de una forma abrupta.

Este tema es increíble, en lo personal, puedo decir que me transporta totalmente. Los soniditos envolventes del tema, más la maestría de Elfman al usar los vientos es increíble. En este tema nos demuestra que los vientos no solo pueden usarse como los usa Williams, sino también pueden transmitirnos alegría y locura. Es por los 0:57 donde empieza ese movimiento tan hipnotizante del tema, dura bastante poco, pero es cautivante. En 1:49 vuelve nuevamente la locura, ya acercándonos al final, para cerrar de una forma simple.

Realmente no sé qué puedo decirles de este tema. Este score (me refiero a todos los temas de esta banda sonora) se llevan por delante al largometraje, no porque la cinta sea mala, sino porque el score es tan pero tan bueno que hace que uno se olvide completamente del mundo que lo rodea. Comenzando con unos simples toques de piano, este tema poco a poco se va abriendo y a la vez, transportándonos a este increíble mundo que tiene Elfman preparado para nosotros. Si tendría que resumir el trabajo de Elfman en un tema, posiblemente sea este. El uso del coro es increíble, compenetra perfectamente con los instrumentos, lo mismo puede decirse de los vientos, tan armónicos con el resto de lo que suena. Es desde 1:50 que el tema no nos deja respirar, abrumándonos con tantos sonidos envolventes.