Celuloide Digital - Junio 2013 by Celuloide Digital

www.facebook.com/celuloidedigital

SHOT ‘Snowpiercer.’ - Pág. 05 FLASH FORWARD ‘The Lone Ranger’ - Pág. 07 EN CARTELERA ‘Una Niña Maravillosa’ - Pág. 09 REALIDAD MATA FICCIÓN ‘Vuelve a la Vida’ - Pág. 13 VISIÓN EN 8 MILÍMETROS ‘Topo/Himizu: Desvaríos sobre una película de Sion Sono’ - Pág. 15 OUT ‘Interior. Leather Bar’ - Pág. 17 LATITUD 7 ‘La Delicadeza’ - Pág. 19 CIERTA FICCIÓN ‘La pâquerette des jours’ - Pág 21

#1 SUPERMAN: MAN OF STEEL El Hombre de Acero (Re)inicia - Pág. 24 REVIEW - Pág. 33 HENRY CAVILL EN MÉXICO - 36 #2 GINGER & ROSA Guerra Nuclear, Curiosidad intelectual y descubrimiento sexual - Pág. 37 #3 THE PLACE BEYOND THE PINES El lugar donde todo termina - Pág. 41 #4 L’ECUMES DES JOURS La Reinvención de Gondry - Pág. 45 #5 MÚSICA OCULAR ¿Sueñan los sordos con música? - Pág. 49 CARTELERA La oferta fílmica de mayo - Pág. 53

CINE EN CASA Novedades en formato casero - Pág. 59 Recomendaciones para rentar - Pág. 61 Material de Colección - Pág. 62 PANTALLA CHICA Cine en TV Pág. 63 SONIDOS DEL CELULOIDE Bernard Herrmann - Pág. 65 CÓMICS Injustice: Gods Among Us - Pág. 69

www.facebook.com/celuloidedigital

http://reksdark.deviantart.com/

Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Sweet Bloody Dreams Mauri Rafael Mejía J. Amaro Bautista Alicia Gutiérrez Eric Ortiz Julio Nuñez Marquez Pablo Peñalver Silvia Ruvalcaba Siniestro Sexual Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras. Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se

www.facebook.com/celuloidedigital

www.twitter.com/celuloidemag

revistaceluloidedigital@gmail.com

www.facebook.com/celuloidedigital

Bong Joon-ho, el director de la excelente The Host (no, no la adaptación de la novela de Stephenie Meyer) regresa con su primera película en inglés y en la que participan Song Kang-ho, Chris Evans, Song Kangho, Tilda Swinton, Jamie Bell, Octavia Spencer, Ewen Bremner, Alison Pill, John Hurt y Ed Harris. Snowpiercer es la adaptación de la novela gráfica Le Trasperceneige de Jean-Marc Rochette y Jacques Loeb, y nos muestra una historia post-apocalíptica después de una guerra mundial y una glaciación, cuyos pocos supervivientes se encuentran en el tren ‘Le Transperceneige’, el cual recorre en círculo un desierto de hielo. Mientras los pasajeros más pobres padecen el hambre y las inclemencias del desolador clima, los que viajan en primera clase (o premium) viven con toda clase de lujos, esto hasta que un día, un sobreviviente de la clase baja decide cambiar las cosas para siempre. www.facebook.com/celuloidedigital

www.facebook.com/celuloidedigital

Parece ser que los sábados de matinée en el Canal 5 me afectaron mucho; todos mis últimos comentarios de películas tienen relación con los sábados por la mañana de series. Más bien era, bueno soy, un niño en el que la televisión predomina muchísimo en mi vida. Pero retomando la película de la que hablaremos, cómo olvidar el inicio de la serie de El Llanero Solitario. Siempre con el “Hi-Yo Silver, Away” seguido de la obertura de Guillermo Tell, que pareciera que el mismísimo Rossini la hubiera compuesto para este gran héroe y no para un señor que le puso una manzana en la cabeza a su hijo y le disparo con su arco. Era una emoción increíble, estar sentado en el brazo del sillón y cabalgar al mismo tiempo que El Llanero Solitario es algo que nunca olvidaré, bueno también el que su fiel acompañante se llamaba Toro aquí en México, y cuál fue mi sorpresa que al ir de vacaciones a Estados Unidos y ver un capítulo de la serie me di cuenta que allá se llamaba Tonto, algo que me causo severos traumas existenciales cuando jugábamos en la escuela al Llanero, y me tocaba ser su fiel acompañante. Nuevamente me salí del tema. Ahora sí, hablando de esta nueva película, protagonizada por Armie Hammer en el papel principal, por Johnny Deep interpretando a Toro ( que me imagino que no le cambiarán el nombre para que chiquillos se estén bur-

lando de él durante toda la película, y yo siga siendo el único traumado cada vez que escuche su nombre, otra vez volví a salirme del tema) y dirigida por Gore Verbinski bajo la producción de Jerry Bruckheimer, podremos ver nuevamente a este gran héroe montando a su fiel caballo Plata, pero aquí veremos los inicios del Llanero Solitario, quién era él y cómo se volvió en este héroe enmascarado. Para los que no han visto los trailers de la película, son ampliamente recomendables: mucha acción y el toque de humor que no puede faltar en estas películas. Espero estar equivocado, pero el ver a Johnny Deep pintado de esa manera, me recordó a su papel en Piratas del Caribe, ojalá y nos muestre una más de sus facetas y no se encasille en Jack Sparrow. Sólo tenemos que esperar a su estreno y les aseguro que seré uno de los primeros en verla, no creo llevar antifaz y mucho menos subirme a los brazos de la butaca para cabalgar junto a estos dos grandes héroes. Y como decían en la serie de radio y la serie de televisión. “En ninguna de las páginas de la Historia se puede encontrar a un mayor campeón de la justicia. Vuelven a nosotros ahora esos emocionantes días de ayer. ¡Desde el pasado viene como un trueno el galope del gran caballo Plata!, ¡El Llanero Solitario cabalga de nuevo!” www.facebook.com/celuloidedigital

Cuando se piensa en lo salvaje, se ubican lugares completamente alejados de la civilización, en zonas que apenas se notan en un mapa y en una comunidad en donde no existen servicios o infraestructura de ningún tipo. Casi siempre se ubica en el campo. Casi nunca en el país más rico del mundo y menos aún, en las inmediaciones de una represa, cuyo muro divide al primer mundo del casi invisible. Hushpuppy (Quvenzhané Wallis) crece en un lugar así, La Bañera, que por el simple nombre lleva la paradoja de su existencia, pues no se trata de un lugar para paseo veraniego, sino un auténtico basurero, donde cada cacharro tiene uso estratégico, no por ello estético, pero que en conjunto logran algo parecido a un hogar. No es una niña solitaria, pues va a la escuela, tiene compañeros de clase, quienes en realidad son sus vecinos y viven una auténtica supervivencia comunitaria. De hecho, ese es el objetivo de ir con la maestra: aprender a sobrevivir al estilo salvaje. www.facebook.com/celuloidedigital

Con múltiples metáforas en la narración hecha por la misma niña, a modo de leyenda, se cuenta la eterna batalla por la adaptación del hombre, no sólo a una sociedad, sino a un hábitat imposible, de acuerdo con los cánones impuestos por esa misma sociedad. La explicación entonces, parte del postulado de que cada elemento o persona tiene una función en el mundo y cómo la falta de una sola pieza, significa el desequilibrio del universo. Traducida con el título de “Una niña maravillosa”, la historia presentada por Benh Zeitlin rebasa la expectativa de ese adjetivo, pues no sólo es la reacción de la pequeña ante su situación personal, es la cosmogonía de los marginados en La Bañera, cuya bandera es la resistencia, tensa, en calma, de la vida entre pantanos y cúmulos de tierra que pretenden les protejan de lo único que puede arrebatarles la existencia: la naturaleza, la misma que les provee alimento y barrera contra el resto del mundo, es el arma letal que atenta contra su vida.

www.facebook.com/celuloidedigital

Como en una larga reflexión con tintes infantiles, que igual mezcla la fantasía con la realidad sin línea divisoria, Hushpuppy desmenuza su diario vivir con su padre, en la añoranza de su madre desaparecida, entre recuerdos y momentos actuales que le hacen armar el rompecabezas en su mente, algunas veces con más sentido que otras, pero en la consecuencia clara del trato que le da su padre: como un hombre, que debe aprender de lo salvaje, convivir con ello y entonces, ser fuerte. En este caso, la figura paterna que igual demanda respeto, obediencia y osadía, muestra que un padre soltero puede ser rudo, pero no desobligado; curiosamente, marca su territorio personal en un remolque, mientras la niña tiene una habitación separada, manteniendo la privacidad desordenada de cada uno, estableciendo que son clan y cada uno ejecuta su función en la relación familiar que les mantiene juntos. Una verdad ineludible se aprecia ante las pérdidas: siempre se busca una fortaleza a la cual aferrarse para retomar el camino; se aminoran los efectos para no pensar en las consecuencias; se asoma el miedo por las bestias que acechan y eliminan todo a su paso. No permitir que el sentimiento ablande la carne y nuble la mente, pensar siempre en que se acerca lo que nos quiere debilitar, para esperarlo, a la defensiva, con la única seguridad de la lucha inminente que puede llevar hasta la muerte. Ahora bien, existen dos momentos en que las tomas se alejan del desperdicio de La Bañera y se adentran en un refugio y en un lugar www.facebook.com/celuloidedigital

de citas, cuyos ambientes permiten al espectador salir del evidente sudor pegado en la piel, los cacharros en el piso, paredes y montículos, para encontrar un ambiente menos hostil, menos limitado, menos cerrado, pero quizás igual de salvaje, en otros parámetros. De igual manera acechan las bestias. En medio de la desolación, las palabras fuertes y el desasosiego de la vida marginal, se permite la travesura natural de la niña, espontánea, con múltiples gestos, con ideas fantásticas y miedos basados en las palabras de leyenda, no tanto en la autoridad o en el desencanto del entorno. Entonces imagen y discurso transcurren en tranquila caravana hacia la madurez obligada a la que se debe enfrentar la pequeña huérfana, en donde se mezclan las tomas de La Bañera, de las bestias (que son jabalíes gigantes), de la destrucción del mundo y las reminiscencias de luminosos tiempos felices. Ahí se manifiesta la idea: hasta dónde se debe ir para ser recordado o reconocido entre los semejantes, cómo se logra la trascendencia si no es demostrando fuerza, incluso a falta de inteligencia o voluntad para abrirse camino hacia nuevos horizontes. Es una paradoja entre vivir en la conformidad marginal (porque la competencia es limitada) y al mismo tiempo en obligada lucha para enfrentar cualquier situación que se presente, provocada por uno mismo o por la imparable marcha de las bestias, pues tarde o temprano llegarán a ese punto, que bien puede provocar el desequilibrio o el orden, dependiendo de lo bien preparado que se esté para ello. Creo que por eso la niña era maravillosa.

www.facebook.com/celuloidedigital

En tan sólo una hora y diez minutos el documental Vuelve a la vida de Carlos Hagerman –aún en cartelera de la Cineteca Nacional–, nos hace entender la esencia de un peculiar hombre conocido como el “perro largo”, así como la del Acapulco de antaño. Ese lugar paradisiaco que tanto defeños como gringos escogían para vacacionar o incluso vivir. En tan sólo una hora y diez minutos, Vuelve a la vida también logra ofrecer una mirada a México a través de ojos estadounidenses y una gran reflexión que toca temas como la nacionalidad y define la palabra “hogar”. Es, en efecto, un documental rápido, pero sin duda permanecerá en tu memoria mucho más tiempo que prácticamente todas las ficciones nacionales de la actualidad (Lluvia de luna; Cinco de Mayo, La batalla, por ejemplo). El protagonista, un acapulqueño experto del buceo y de la preparación del “vuelve a la vida”, es omnipresente a través de las historias y recuerdos de quienes lo conocieron en vida. Dichas historias son sobre sus vivencias pero también tenemos las que él contaba, algunas totalmente ficticias pero que han traspasado la barrera del tiempo y han quedado inmortalizadas gracias al cine. En una cuestión parecida a lo que vimos en Big Fish (Tim Burton, 2003), el “perro”, al igual que Edward Bloom, contaba algunas historias fantásticas (una mantarraya al parecer estaba enamorada de él), aunque la principal y relacionada con el mar y sus grandes peces, sí la vivieron todos los entrevistados de Hagerman, una historia sobre la cacería de un gran pez (un tiburón de hecho) que amenazaba el puerto de Acapulco en tiempos de Jaws (Steven Spielberg, 1975) y Tintorera (René Cargona Jr., 1977).

El documental recae principalmente en las charlas con dos personas clave en la vida del “perro”: su esposa Robyn (una exmodelo estadounidense) y su hijastro John (quien fue también el cinefotógrafo). Ellos terminan protagonizando la otra parte del filme, esa que tiene que ver con Estados Unidos. Robyn, la bella modelo drogadicta que decidió vivir “el sueño mexicano” y trasladarse a un paraíso terrenal. Y John, el niño güero que creció lejos de casa, rodeado de morenazos, y que aprendió a hablar español como cualquier mexicano aunque ahora vive en Los Ángeles. Hagerman aunque utiliza recursos como hacer una especie de recreación de los hechos o algunos momentos musicales, logra hacer sobresalir la espontaneidad de sus personajes; el señor que cree firmemente en los extraterrestres, por ejemplo. Algo curioso es que al principio la tipografía parece anticuada, dándole un aspecto casi casero al filme, cosa que se puede olvidar gracias a un entrañable final, con la creación del árbol genealógico y los créditos que muestran lo que se necesita para un “vuelve a la vida” (se lista al equipo de producción y a las necesidades técnicas como si fuesen ingredientes: se necesitan 3 camarógrafos extras y 3 años de edición). Es el tipo de documental que te hará aceptar sus imperfecciones, Hagerman dice algo como “no importa que el ruido arruinó mi toma, la voy a usar de todos modos”. Y sin duda es bastante divertido, con una mezcla de culturas interesante que se resume cuando vemos al “perro”, acapulqueño a más no poder, y al mismo tiempo escuchamos a su hijastro interpretar un blues, estadounidense a más no poder.

www.blogvision8mm.wordpress.com www.facebook.com/celuloidedigital

www.facebook.com/celuloidedigital

No me doy cuenta de si me gusta o no, de si tiene lógica o no (algunas partes no la tienen), de si técnicamente es buena o no (yo de eso no sé nada). Sólo me doy cuenta de la avalancha de pensamientos que desencadena. Lo primero que pienso es que los protagonistas son muy jóvenes. Demasiado peso en los hombros de un par de chicos, las cosas deberían ser más fáciles. A veces el mundo puede ser terriblemente pesado, a veces no todo el que da recibe, no es un juego justo en el que se reparte por igual. Los personajes casi no ríen y llego a creer que la felicidad en realidad no existe. Trato de recordar otras películas de Sono y me doy cuenta de que sus personajes son así, el mundo de Sono no es un mundo feliz. Piensa en tu futuro, le dicen a Sumida, él lo único que quiere es ser un adulto respetable, no le interesa hacer nada fuera de lo común.

Y yo pienso que no quiero pensar en el futuro, en esa masa informe de sucesos que parecen componerlo y del que nos han vendido la idea, debe ser extraordinario. Keiko colecciona palabras, al no poder obtener nada más de Sumida, se dedica hace suyas todas sus frases. Hasta el día en que habla con él, y a pesar de todo lo que Sumida se resiste, Keiko se aferra a él como si fuera lo único verdadero. No recomendaría Topo porque es cine japonés, porque es Sion Sono –y después de Cold fish o Guilty of romance, para mí es casi garantía–, la recomendaría por la sensación extraña que deja en la boca del estómago y por los remolinos mentales que logra crear.

www.blogvision8mm.wordpress.com www.facebook.com/celuloidedigital

www.facebook.com/celuloidedigital

En 1980 la cinta Cruising del director William Friedkin sufrió los estragos de la censura de la época, 40 minutos de pietaje fueron borrados de la película, y es que para la década era escandaloso que se proyectara en las pantallas de los cines comerciales el interior de un bar gay y descubrir las pasiones de los hombres homosexuales; y si a esto le agregamos que el protagonista de esta secuencia era el actor Al Pacino, imagen de virilidad y hombría de aquellos años, suena a que ocurrió lo que tenía que ocurrir: la censura.

Por otro lado vemos el casting para los actores que estarán en el bar, la mayoría de ellos son gays, y muchos piensan que James Franco saldrá desnudo al igual que ellos. Pero aquí él es el director. Lo curioso de la película es que los directores nos confunden al trasgredir el género de la cinta, ¿estamos ante una ficción o un documental? Este último parece ser el más claro. Y es que durante el filme vemos a Val sufrir y no comprender el por qué debe presenciar las secuencias en las que otros actores tiene sexo oral por ejemplo.

Estos 40 minutos son la excusa para que James Franco y el director Travis Mathews realicen un experimento que ocupa de pretexto filmar lo que pudieron haber contenido esos 40 minutos. Pero el mediometraje va más allá, no sólo muestra lo que ocurrió dentro del bar gay, sino lo que probablemente ocurrió con un actor heterosexual, Al Pacino, al interpretar a un personaje gay y enfrentarse en el set a las pasiones que desatan los hombres homosexuales en la obscuridad.

Un experimento que sí nos muestra esos minutos borrados, reinterpretados claro está. Un bar muy sexual y libertino, en donde el sexo es el protagonista, la búsqueda de un encuentro entre dos o más hombres es el triunfo de la noche. Sin embargo nuestro protagonista, Val, sufre por no alcanzar a comprender el papel que funge él en la cinta, si en verdad están filmando la secuencia borrada o es más parecido a una cinta porno.

Desde un principio, la cinta Interior. Leather Bar deja claro que lo que vemos tiene tintes de ficción pero también de documental. La historia comienza con el actor Val Lauren, quien interpretará a Pacino en la secuencia. Franco y Mathews nos muestran la historia de Val, un actor heterosexual que tiene novia y que está nervioso por no saber que es lo que realmente sucederá al filmar en el set, lugar que está por convertirse en un bar gay; a Val solo le han dicho que debe proyectar incomodidad pero al mismo tiempo dejarse sentir. Confuso.

La escenas son explícitas, unas más que otras, justificadas, cero agresivas y hasta algunas contienen cierto humor. Este mediometraje es exquisito, no sólo estamos ante una interpretación extraña de Pacino, ni ante la recreación de un bar gay, sino a lo que un actor heterosexual entiende y no de un fragmento de mundo homosexual. La transgresión del género ficción y documental es lo más aplaudible. Destaca el buen manejo de las escenas sexuales, y brilla la angustia constante del protagonista. Cuando tenga la oportunidad no dude en verla. www.facebook.com/celuloidedigital

www.facebook.com/celuloidedigital

Es una adaptación del libro del francés David Foenkinos que nos adentra en una comedia romántica donde se vive el amor, la pérdida y las segundas oportunidades, así como los roles que jugamos en la vida y de los múltiples cambios que se pueden suscitar, con tan sólo dejar que la persona adecuada entre a compartir tu vida. Con las actuaciones de la excelente actriz Audrey Tautou, Bruno Todeschini, Pio Marmaï y François Damiens, un guion adaptado por el mismo David Foenkinos y la codirección al lado de Stéphane Foenkinos. La historia comienza con una pareja plena, enamorada, casi perfecta: son divertidos, guapos, exitosos y felices. Ellos son Nathalie (Audrey Tautou) y François (Bruno Todeschini); su vida corre con risas, juegos y seducción. Hasta que un día una tragedia invade la vida de Nathalie, pues François sufre un accidente y pierde la vida.

senta el papel de un hombre ligero y sin complicaciones, rezagado de la sociedad, el cual gana la aceptación del público por la naturalidad con que lo representa. Pero su habitual historia comienza a cambiar cuando sucede algo inesperado, Nathalie lo besa fuerte e intensamente y, a partir de aquí, se suscitan divertidas reacciones de ambos, pues ninguno tenía la intención de que pasara. Por su parte Markus tiene miedo a que lo lastimen pues la vida no lo ha tratado muy bien y Nathalie se niega a dejarse llevar por lo que empieza a resurgir en ella. Él se da cuenta que corre peligro al estar saliendo con ella pues teme enamorarse y decide “protegerse” alejándose, motivo por el cual Nathalie voltea los papeles y ahora es ella quien busca a Markus. De repente Markus es popular y la gente quiere invitarlo a salir y preguntarle como una mujer bonita, inteligente y exitosa se puede fijar en un hombre solitario y sin mucha gracia. La respuesta es que Markus ofrece a Nathalie lo que necesitaba en ese momento, compañía y nuevas experiencia que ayuden a enterrar el pasado. Para nada se repite la Historia de Francois el amor de su vida, simplemente se deja llevar por lo que nuevamente resurge en ella y la enamora lo simple y sencilla que ve y vive la vida Makus.

A partir de aquí Nathalie se sumerge en su dolor y decide vivir sin emociones, sólo dedicándose al trabajo viviendo el día a día, esperando que rápidamente pase el tiempo y en algún momento la pérdida del ser amado no duela más. En esta parte Audrey Tautou nos demuestra el excelente nivel que tiene como actriz, pues vemos escenas largas y silenciosas las cuales sobrelleva con facilidad, en las que con sólo una mirada o expresión, transmite el dolor que permea su vida en esos momentos de gran soledad. Me atrevo a decir que, si no fuera por la actuación de Audrey Tautou, La Delicadeza podría haber obtenido un resultado muy diferente, pues Audrey entendió el sentir real de Nathalie y lo demuestra en la pantalla, desarrollando un excelente papel.

La Delicadeza nos regala casi al final de la película una escena que expone la vida de Nathalie en sus diferentes etapas, una escena mágica que te transporta y te adentra en los sentimientos encontrados de Nathalie: tristezas, risas, amor y pérdida.

Pero también hay lados divertidos como la aparición de Markus (François Damiens) quien es un compañero de trabajo, nada atractivo y poco sociable. François Damiens nos pre-

Esto engloba la historia de La Delicadeza, una comedia romántica, divertida, inesperada, con buenas actuaciones que te invitan a creer en las segundas oportunidades. www.facebook.com/celuloidedigital

—Lo siento mucho —Se disculpó el Doctor— se ha extendido hasta el corazón, tiene una fisura por donde es posible entraran. Mire la radiografía, no estaba segura que estaba viendo, no estaba segura que pasaría conmigo o si algún día estaría sana de nuevo, si podría volver a casa y continuar mi vida donde la había dejado. Y lo único que podía pensar era de donde habían llegado esas margaritas, el día que la había conocido.

podíamos vernos siempre y un ramillete era una simple pregunta “¿Cómo estuvo tu día?” a veces también significaba “espero verte pronto” o tal vez “te extraño” así que llegar a casa y no encontrarlo era decepcionante. Mire al jardín de Ana, tan bien cuidado como siempre y las luces apagadas. Esperaría al día siguiente, cuando volviera de su turno para verla y tal vez reclamarle por la ausencia de flores en mi puerta.

—Hola. — Me saludo una chica desde la puerta, debía ser la nueva vecina. —Soy Ana, la nueva vecina.

Golpecillos insistentes me despertaron, era un repartidor con un enorme ramo de flores… Margaritas y una nota. “Me voy a Paris, mi ex (el anterior de la anterior) vino anoche y no pude negarme. Lo siento por todo pero es mejor así. Ana.”

—Soy Pati. —Sonreí. Ana se había mudado a la vieja casa de al lado, no cambió mucho la apariencia de la casa ni siquiera se molesto en pintar sobre los colores sucios que tenia o arreglar la puerta que rechinaba cada que se abría.

Puse las margaritas en la mesita de noche y las observe toda la noche, cuando desperté tenía la cara entre ellas.

—Margaritas. —Murmuré al ver el único cambio en la casa que había estado abandonada por tanto tiempo.

—Tenemos que tratarla inmediatamente —Ordenó el doctor— Hay varios tratamientos que podemos probar, en casos normales tienen un alto índice de éxito pero… En su caso… Con un corazón roto es posible que vuelvan a crecer después de un tiempo.

— ¿Te gustan?— Preguntó. Al principio no localicé el origen de su voz pero al acercarme más me di cuenta que estaba arrodillada plantando mas margaritas.

—¿Cuál es el tratamiento?— Pregunte sin interés genuino, si no fuera porque mis compañeros de trabajo comenzaron a quejarse de mi tos con semillas no habría venido al consultorio médico.

—Supongo —respondí— no estoy segura. —Bueno… Eso no fue un no. —Sonrió y me dio un ramillete de las más grandes.

—Lo que hacemos es abrir una pequeña incisión en el órgano afectado por donde retiramos las semillas y arrancamos la planta —Señalo en la radiografía y comenzó a dibujar en ella— aunque no podemos asegurar que no vuelvan a crecer en su caso.

No esperaba que me agradara la vecina nueva y mucho menos enamorarme de ella, pero tenía un algo que te hacia caer de cabeza y enamorarte perdidamente. El día que correspondió a mis sentimientos podría jurar que el mundo comenzó a girar al lado contrario.

—Entonces no sirve de nada arrancar las flores si las raíces se quedaran, ¿verdad?— Pregunté y miré mis manos llenas de tierra, imaginaba el jardín lleno de margaritas para la próxima primavera.

—Nunca había visto algo así. —Declaro el doctor sacándome de mis pensamientos. — ¿Tiene alguna idea del posible origen de las margaritas? Sonreí tristemente, claro que sabía de donde provenían: después de un día largo de trabajo había llegado a casa, esperando encontrar el habitual ramillete de flores en la entrada. Ese ramillete tenía un significado especial, como Ana tomaba el turno de la noche no www.facebook.com/celuloidedigital

—No, me temo que no sería el tratamiento más apropiado, aunque tenemos tratamientos más agresivos como el uso de herbicidas y el uso de químicos. Pero… Su corazón, no soportará el procedimiento. — ¿Entonces voy a morir? —Pregunté y con suerte no tendría que preocuparme por ver las odiosas margaritas blancas en su jardín abandonado. —No, nadie muere de un corazón roto.

www.facebook.com/celuloidedigital

iete años han pasado desde que el Último Hijo de Kriptón apareció en la pantalla grande bajo la dirección de Bryan Singer con mediano éxito taquillero que no fue suficiente para continuar con su historia en el cine, por lo menos no hasta hoy con la reinvención del personaje a manos del director Zack Snyder y bajo la producción de Christopher Nolan, gran artífice de la trilogía del Caballero de la Noche. Tras el gran tropiezo que significó Superman Regresa (Superman Returns) en 2006 y al ver el estupendo acercamiento que realizó Christopher Nolan hacia la figura del Hombre Murciélago con su trilogía de Batman (que recién finalizó el año pasado con la irregular The Dark Knight Rises), Warner Bros. pidió al realizador británico involucrarse en el proyecto del Hombre de Acero y así fue

www.facebook.com/celuloidedigital

como no sólo se hizo cargo de la producción ejecutiva, sino también de escribir la historia para la película en conjunto con David S. Goyer quien realizó el guión para el filme. "El guión era muy efectivo. No era sólo la película de un superhéroe, sino que era una fabulosa hsitoria clásica. Tenía personajes muy profundos y por primera vez vi a un Superman identificable para la audiencia moderna. ¡Y era un hombre! Y lo vemos, y tiene barba, y se siente realmente dimensional. No se siente como un niño explorador plástico que siempre es muy bueno", señala Deborah Snyder, productora del filme y esposa de director Zack Snyder, el realizador que finalmente quedó al frente del proyecto y quien con gran acierto y éxito había llevado a la pantalla grande otras 'obras comiqueras' a los terrenos del celuloide como 300 (2006) y Watchmen (2009).

www.facebook.com/celuloidedigital

Con la historia y el director confirmados, el ensamble del reparto comenzó y para el rol protagónico se eligió al inglés Henry Cavill, un actor prácticamente desconocido que había tenido muy mala suerte en cuanto a sus proyectos cinematográficos, pues había audicionado para roles importantes dentro de la industria fílmica como Bruce Wayne en Batman Inicia (Batman Begins; 2005), James Bond para Casino Royal (Casino Royale; 2006) y Edward Cullen en Crepúsculo (Twilight; 2008), pero había sido rechazado por ser o muy joven (para Batman y James Bond) o muy viejo (para Edward de Crepúsculo). No fue hasta el 2010 que logró su primer protagónico en Inmortales (Immortals; 2011) del director Tarsem Singh, aunque ya había tenido pequeños papeles en películas como El Conde de Montecristo (The Count of Monte Cristo,

2002), Tristán e Isolda (Tristan + Isolde; 2006) y Stardust: El Misterio de la Estrella (Stardust; 2007), además de participar en la exitosa serie Los Tudor (The Tudors) en donde dio vida a Charles Brandon. "Henry tiene mucha responsabilidad. Extrañamente, todas las contradicciones las debe entender: es fuerte pero no es fuerte; puede volar, pero debe fingir que no puede; todas las cosas que puede hacer y que tiene que ocultar, pero que tampoco lo resiente, está bien con eso, aunque esté siendo perseguido por la raza humana aún encuentra el bien en ella. Todas esas cosas él las absorbió y le encantó, de manera que le permite a este Superman ser muy identificable" dice el director sobre el responsable de encarnar al superhéroe más grande de todos en la cinta que pretende aproximar a las nuevas generaciones al icónico personaje. www.facebook.com/celuloidedigital

Henry Cavill se verá acompañado en pantalla por Amy Adams, la hermosa y talentosa actriz a quien hemos visto en filmes como Los Muppets (The Muppets; 2011), El Peleador (The Fighter; 2010) y Encantada (Enchanted; 2007) dará vida a la reportera Lois Lane, pero no será simplemente la damisela en peligro o el interés amoroso de Superman/Clark Kent como lo fue en la saga fílmica protagonizada por Christopher Reeve y donde fue interpretada por Margot Kidder, esta vez se pretende dar más fuerza al personaje para hacerlo más compatible con la realidad social en la que se vive actualmente. "Lois siempre ha sido un personaje femenino fuerte, pero aún así Superman siempre la salvaba. Era una reportera valiente, siempre estaba haciendo lo suyo y trabajaba en un momento en el que no muchas mujeres tenían empleos poderosos igual que nuestra Lois, pero hoy, las mujeres tienen esos trabajos. Creo que la diferencia es que nuestra Lois es más proactiva, nuestra Lois no está sólo siendo rescatada o viendo lo que Superman hace. Es testaruda, aunque Super-

www.facebook.com/celuloidedigital

man le diga: '¿Sabes qué? Tal vez no deberías' o 'Quédate aquí donde estás a salvo', ella va y hace lo que necesita hacer" revela Deborah Snyder. Y como a todo gran héroe debe corresponder siempre un gran villano, se decidió enfrentar al Último Hijo de Kriptón con alguien que tuviera su mismo origen interplanetario: El General Zod. "Es un guerrero ferozmente devoto y ferozmente leal a su planeta. Kriptón está en una mala situación y él intenta encontrar qué hacer al respecto, cómo solucionar el problema, cómo evitar que Kriptón desaparezca." señala el actor Michael Shannon, responsable de encarnar al infame General kryptoniano. "Creo que para un guerrero así, que pasa tanto tiempo entrenando para ser un guerrero y obedeciendo órdenes... Cuando pierde esa estructura, cuando pierde esa sociedad, conserva el impulso. Se vuelve parte de ti ¿sabes? Hagas lo que hagas en la vida, si lo haces por tiempo suficiente ¿cómo puedes simplemente abandonarlo?"

www.facebook.com/celuloidedigital

El multiestelar reparto es completado por Russell Crowe, Ayelet Zurer, Kevin Costner y Diane Lane, todos ellos dando vida a los padres biológicos y adoptivos de Superman: Jor-El, Lara Lor-Van, Jonathan Kent y Martha Kent respectivamente; estos dos últimos, serán quienes guíen a Clark en su camino para ser el hombre que algún día, cuando descubra quién realmente es y su verdadero origen, cambiará el destino de la humanidad. "Jonathan y Martha lo criaron como una buena persona, el tradicional hombre con principios, y creo que Kevin y Diane brindaron eso a los personajes excepcionalmente bien. Kevin brindó una franqueza y una suavidad increíbles y una personalidad de padre tradicional cuando interpretó ese personaje. Fue muy fácil trabajar con eso. Y lo mismo con Diane, interpretó muy bien a la madre afectuosa. Y aún existía en ella un toque de miedo a Kal, o a Clark para ella, porque sabe de lo que es capaz. Y en nuestra interacción, cuando estaba interpretando al joven Clark, había cierto: '¿Qué va a hacer?' Eso me pareció fantástico. Cuando ya soy más grande, lo acepta totalmente, sabe que soy una persona controlada.

Y ella representó una fuerza maravillosa que es de donde Superman saca mucha de su fuerza, aunque supuestamente es genético, su crianza, su formación viene de Jonathan y Martha. Y la fuerza que Kevin y Diane brindaron a esos personajes, te facilita mucho interpretar ese tipo de fuerza." señala el actor protagonista sobre la relación del superhéroe con sus padres adoptivos. Con todo este equipo respaldando la nueva película del superhéroe, El Hombre de Acero parece ser una cinta infalible, pero aún está muy fresco el recuerdo de la fallida cinta del 2006 y el público podría no responder de manera favorable ante 'otra película de Superman', por lo que hay una gran responsabilidad en esta cinta y todos sus involucrados, pues de ella depende no sólo el futuro de Kal-El en la pantalla de plata sino también el del superequipo de La Liga de la Justicia que pretende ver la luz en 2015, por el momento sólo queda esperar y ver qué tal lo hace Superman en la taquilla cuando se estrene el próximo 14 de junio a nivel mundial.

www.facebook.com/celuloidedigital

El superhéroe más grande de la historia no ha tenido suerte en la pantalla grande desde hace mucho tiempo -30 años para ser más precisos-. Y es que desde el estreno de Superman III en 1983, la franquicia del kriptoniano ha ido en caída; el último esfuerzo por remontar el vuelo fue la fallida Superman Regresa (Superman Returns) de Bryan Singer en 2006, que lamentablemente no tuvo el éxito esperado pues no era el Superman que las masas querían ver en la actualidad. Pero ahora, siete años después del último intento, el director Zack Snyder (responsable de 300 y Watchmen) nos ofrece una reinvención del personaje con su nueva película: El Hombre de Acero. La historia de la cinta, escrita por Christopher Nolan y David S. Goyer, profundiza en la mitología kryptoniana (de hecho, los primeros 15 minutos transcurren en Kriptón, en medio de debates sobre el futuro del planeta condenado y trepidantes secuencias de acción) en donde se presenta a Jor-El, Lara LorVan, al General Zod, y por supuesto, al recién nacido Kal-El, para quien jamás había tenido tanto sentido llamarlo 'El Último Hijo de Kriptón' como lo tiene ahora en el filme donde se exhibe una sociedad que impone un control natal y que se ve 'amenazada' por el nacimiento 'natural' de un kryptoniano, considerándolo incluso una herejía.

Ya en la Tierra, se muestra un aspecto del personaje jamás explorado en las cintas previas, por ejemplo se muestra a un Clark Kent solitario, retraído y enojado por poseer tantos extraordinarios poderes pero siempre tener que ocultarlos para no ser descubierto y rechazado por la sociedad, aunque de vez en cuando no puede quedarse con las ganas de devolver el golpe. Otro aspecto interesante en la película, es la exploración divina y casi mesiánica de la figura de Superman, la cual se expone principalmente en dos breves secuencias: la primera de ellas transcurre en una pequeña iglesia a la que Clark asiste en busca de respuestas sobre lo que debe hacer con sus poderes y la segunda transcurre en el espacio cuando, al abandonar la nave del General Zod para dirigirse al rescate de la Tierra, Superman lo hace con los brazos extendidos emulando la posición de Jesucristo en la cruz, algo como lo que también ya había hecho Bryan Singer en Superman Regresa donde el héroe cae a la Tierra (tras haber expulsado de la tierra un enorme continente conformado en su mayoría por kryptonita) con la misma posición de Cristo, pero aquí resulta más evidente la referencia religiosa pues es precedida por una secuencia donde el padre del héroe le señala "Puedes salvarla (refiriéndose a Lois), puedes salvarlos a todos”.

www.facebook.com/celuloidedigital

En cuanto a la narrativa, la cinta da saltos espacio-temporales a través de flashbacks que, a la vez que se nos muestra la historia de Clark en su búsqueda por su verdadero origen y el descubrimiento-control de sus poderes, podemos también ser testigos de cómo fue su crianza durante su infancia-adolescencia en Smallville por parte de sus padres adoptivos: Jonathan y Martha Kent. Dentro de su estructura, está bien equilibrada la historia y los momentos dramáticos con las escenas de acción, las cuales están presentes durante todo el metraje de la cinta (y sobre todo en la última media hora de la cinta) y que son estupendamente complementadas por las composiciones originales de Hans Zimmer, quien se aleja diametralmente de lo hecho alguna vez por John Williams, otorgando a este nuevo Superman un mood musical épico. Dentro de lo referente al ensamble actoral, todos están en su papel y lo desarrollan de manera correcta, desde Henry Cavill como el superpoderoso pero vulnerable Superman/Clark Kent (con una extraña mezcla entre Tom Welling y Christopher Reeve) hasta Michael Shannon como el temible General Zod, quien resulta ser, gracias al correcto trabajo histriónico y a la detallada construcción del personaje desde el guión, un villano a la altura de lo que se merece enfrentar el superheroe más grande de todos; además, resulta perfecto que, para este reinicio de la historia de Superman en el cine, éste se enfrente a alguien que comparte su mismo origen, pues permite ahondar aún más en la mitología de su planeta natal. Amy Adams, por su parte, hace un trabajo estupendo y destila carisma como Lois Lane, una mujer fuerte y decidida que jamás acepta un 'No' como respuesta, aunque eso le traiga varios problemas; destaca también la química con Henry Cavill, por lo que su relación en pantalla no se ve forzada sino fluida y totalmente verosímil. www.facebook.com/celuloidedigital

El resto del elenco funciona como sustento y motor para las historias secundarias, todos se desenvuelven muy bien en panalla: Russell Crowe como un guía espiritual para su hijo; Kevin Costner como un guía moral y ético para el niño/adolescente que se esfuerza por encajar en la sociedad; Diane Lane como la cariñosa e incondicional madre para Clark; Ayelet Zurer como la madre biológica de Kal-El; Laurence Fishbourne como el incorruptible editor del Daily Planet, Antje Traue como la despiadada mano derecha de Zod; Christopher Meloni como el escéptico y visceral Coronel Nathan Hardy; Harry Lennix como el General Swanwick y Richard Schiff como el Dr. Emil Hamilton. En resumen, El Hombre de Acero es la mezcla perfecta entre historia y espectáculo veraniego; un buen guión que se ve potenciado por el aspecto visionario de su director. Es un espectáculo audiovisual que lo mismo ofrece maravillosos paisajes y secuencias de otros mundos (Kriptón) como también perspectivas completamente terrenales y casi tangibles con las que nos podemos identificar y crear una conexión con la historia. El Hombre de Acero es la película que el más grande de los superhéroes ya se merecía desde hace mucho tiempo.

El pasado viernes 7 de junio, el protagonista de El Hombre de Acero, Henry Cavill (Reino Unido; 1983) ofreció una rueda de prensa para responder las preguntas de la prensa mexicana. Con amabilidad hacia los periodistas, cuando se le preguntó si creía que El Hombre de Acero estaba destinada para él, dijo no saber si cree o no en el destino, pero sí cree que esta es una maravillosa oportunidad y está muy agradecido por estar involucrado en película tan maravillosa con tanta gente talentosa. El actor reveló que cuando tenía 16 años tuvo la oportunidad de saludar a Russell Crowe cuando trabajaba como extra en una filmación y jamás imaginó que 13 años después estarían trabajando juntos, por lo cual dijo sentirse muy feliz y emocionado. Recalcó que lo importante de esta película es que han hecho un Superman para la era moderna y quieren que el público reaccione ahora como lo hizo en la era pasada con la primera aparición del Superman clásico, por eso han evolucionado al personaje, para buscar el mismo efecto. Además, el actor habló sobre el enfoque del personaje, una nueva perspectiva sobre el kriptoniano nunca antes vista: "Con Superman, creo, hay mucho en los comics, en la fuente original, que no hemos visto en cine, hay una inocencia genuina del personaje, nunca ha sido capaz de poder expresarse del todo, si pudieras imaginarte como sería tu vida sin poder abrazar a alguien muy fuerte porque podrías aplastarlo, el problema con Superman es que él de hecho sí los aplastaría, por lo que nunca ha tenido esa conexión humana, y sí esa sensación de alejamiento, pérdida y soledad en el personaje." Cavill señaló estar completamente convencido que El Hombre de Acero cambiará la forma en que las personas ven al personaje: "Algo que está presente en los cómics es su humanidad, lo que lo hace muy especial es que a pesar de ser un extraterrestre es muy humano al mismo tiempo, y trajimos eso para atraer la atención de la audiencia." Al preguntarle su opinión sobre la 'Maldición de Superman', el actor respondió en tono casi bromista: "Bueno, Dean Cain, Tom Welling y Brandon Routh parecen estar en buen estado de salud; así que no tengo ninguna preocupación". La Muerte de Superman, El Regreso de Superman, Superman: Red Son y la serie Superman/Batman: Search for Kryptonite son los títulos mencionados por Henry Cavill como sus favoritos dentro de las historias de Superman en los comics; además reveló que le encantaría trabajar con Guillermo Del Toro, pues le parece un director excepcional. www.facebook.com/celuloidedigital

www.facebook.com/celuloidedigital

imbólicamente, el título de este filme ya representa una unión: Ginger & Rosa, y es que en la historia ellas son dos adolescentes inseparables, amigas desde su nacimiento, las mejores amigas que ellas tienen en su memoria, pero la situación política, la forma distinta en que cada una comienza a concebir la vida, intereses distintos y una traición, son algunos factores que cambiarán las cosas entre ellas. La cinta inicia con imágenes de Hiroshima en 1945, muestra del poder destructivo de las armas nucleares, en ese mismo año, Natalie (Christina Hendricks) y Anoushka (Jodhi May) dan a luz, una a lado de la otra en un hospital de Londres, a sus dos hijas, Ginger y Rosa , mientras sus parejas esperan en los pasillos del hospital. Después de esta secuencia visceral y metafórica que muestra la vida y la muerte al mismo tiempo, presenciamos como ambas madres tomas rumbos distintos. El esposo de Anoushka la abandona y deja con ello la responsabilidad de criar sola a Rosa. La madre de Ginger, sigue casada pero su marido Roland (Alessandro Nivola), resulta ser un hombre pasional e intelectual que después de una infidelidad con una adolescente se aleja del matrimonio pero no de su hija Ginger. www.facebook.com/celuloidedigital

Esta cinta es una de las más atractivas y más digeribles de la cineasta Sally Potter, quien construye una historia convincente en un entorno pasado y muy importante en la historia mundial que seguramente tendrá eco en el público de hoy.

Ginger (Elle Fanning) es una adolescente obsesionada con la noticia en boga de 1962, que en Cuba había misiles nucleares rusos, razón por la que otras naciones acopiaron esa misma clase de armas. Ginger expresa su preocupación a sus padres, Natalie y Roland, su padre un escritor que era un objetor de conciencia durante la Segunda Guerra Mundial, apoya su deseo de protestar contra la bomba atómica y la alienta a tener un “pensamiento autónomo”; Natalie, quien abandonó el arte para ser madre y esposa tiene preocupaciones más terrenales y cercanas al hogar, a pesar de que ella ama a su hija, ésta a menudo es simplista y sarcástica con ella.

Además de las niñas y sus padres, Sally Potter ofrece una familia alternativa. El padrino de Ginger, Mark (Timothy Spall) y su pareja Mark Two (Oliver Platt), además de su amiga activista y feminista Bella (Annette Bening). Son como un coro griego que sabe todo del liberalismo y sabiduría, se siente un tanto artificial, sin embargo desdibujan esta impresión gracias a sus buenas actuaciones. Y hablando de grandes actuaciones, la de Elle Fanning es brillante. Sally Potter muestra una historia dramática que invita a la reflexión y que además es una oportunidad de ver un ensamble sensacional de actores y actuaciones. Vale la pena verla.

Rosa (Alice Englert, hija de la directora Jane Campion), discute constantemente con su madre, Anoushka, debido al abandono de su padre. Ella escucha las preocupaciones y sueños de Ginger, pero en realidad no los entiende. Ella cree que la guerra está "en manos de Dios," a pesar de que va con Ginger a las reuniones de simpatizantes que quieren un desarme nuclear en Inglaterra. Rosa se centra en su incipiente sexualidad, buscando encuentros con adolescentes y un adulto que cambiará las cosas y las volverá complicadas en relación con Ginger. Ginger & Rosa es una mirada adulta por parte de dos adolescentes, un ejemplo de cómo la situación política de una nación y del mundo en conjunto con el descubrimiento sexual afectan la vida de los jóvenes. www.issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_diciembre2012

www.facebook.com/celuloidedigital

llá por el 2010, la cinta Triste San Valentín (Blue Valentine) sorprendió por su honesta y cruda historia de amor entre Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams), quienes conformaron la disfuncional pareja protagónica de tan melancólico film; ahora, dos años después, su director Derek Cianfrance vuelve a echar mano de Ryan Gosling para protagonizar su nueva cinta: El Lugar donde todo termina (The Place Beyond the Pines). La película, cuyo guión fue escrito por el mismo director junto a Ben Coccio y Darius Marder, sigue a Luke Glanton, un motociclista que trabaja en el espectáculo de la 'Esfera de la Muerte' en una feria ambulante y quien, tras buscar desesperadamente a su antigua novia Romina, descubre que esta acaba de dar a luz, en secreto, a su hijo Jason. Con el fin de mantener a su 'nueva familia', el otrora motorista deja su trabajo en la feria y comienza a realizar atracos bancarios utilizando su gran habilidad sobre ruedas. La vida de Luke da un giro cuando se cruza con Avery Cross, un novato y ambicioso oficial de policía que quiere ascender velozmente en su departamento policial plagado de corruptela y que también acaba de tener un hijo. Las decisiones de los padres que se convierten en legados para los hijos son el tema principal que Cianfrance quiere abordar esta su segunda película con Ryan Gosling, quien es acompañado por Eva Mendes y Bradley Cooper como Romina y Avery Cross respectivamente; además, a estas ya reconocidas figuras hollywoodenses se unen los jóvenes Dane DeHaan (Chronicle) y Emory Cohen (Leo Houston en la serie SMASH) como los hijos ya adolescentes de Luke y Avery. Una cinta prometedora por donde se le vea, y que finalmente llegará a México este mes, tras un gran retraso desde su fecha de estreno original, no la dejen pasar. www.facebook.com/celuloidedigital

‘Un lugar más allá de los pinos', exactamente es ahí donde comienza esta historia; tal pareciera el inicio de un cuento o una novela, emulando la típica frase -en un reino muy lejanoaparece en escena Luke, un joven despreocupado de la vida, cuya profesión es ser motociclista dentro del show de la ‘Rueda de la Muerte en una feria ambulante. Todo 'pinta' perfecto hasta que descubre que tiene un hijo con la que fuera su novia un año atrás; aquí da inicio la película. Investigando un poco, la película al parecer es catalogada como independiente pero, créanme cuando les digo que de independiente no tiene nada, la película cuenta con una estupenda producción digna de cualquier película 'hollywoodense'; de ahí que sean los elementos técnicos los que resalten mucho, por ejemplo, la maravillosa y bien realizada fotografía; el estupendo trabajo de montaje tanto de vídeo como de sonido, y no puedo pasar por alto el soundtrack de la película. Ahora vamos al primer plano, el director Derek Cianfrance, quien ya nos trajo una joyita como lo es 'Blue Valentine', trae ahora una gran película, y consigo, una mejora en su estilo como director 'independiente', su mayor logro es la película completa; el guión también realizado por Derek, está tan bien escrito que las dos horas que dura la película, tiene tu total atención, cada mini-historia que tiene la película está bien contada, con sus tiempos y momentos. Acompañado a todo esto, lo mejor (a mi parecer) son las actuaciones, empezando por nuestro par de protagonistas: Ryan Gosling y Bradley Cooper, ambos han llevado sus carreras a lo máximo y estoy seguro que lo seguirán haciendo; aquí hacen unos grandes papeles, uno complementa al otro, y para no olvidarme de nadie, puedo decir que el resto del reparto está muy bien, incluyendo el par de chavos del último tercio de la película. Justicia, Corrupción, Amor, Respeto, Tolerancia, Amistad, Familia, y más, son los tópicos de esta excelente película que, ha conseguido ser una de mis favoritas en lo que va del año. www.facebook.com/celuloidedigital

www.facebook.com/celuloidedigital

a novela de culto supuestamente imposible de filmar La espuma de los días de Boris Vian es adaptada a la gran pantalla por la inventiva y creatividad fílmica del cineasta Michel Gondry. La cinta, llamada en México Amor Índigo, es protagonizada por Audrey Tautou y Romain Duris, interpretes con los que se espera la novela adquiera un giro más fresco. Después de El Avispón Verde (2011) y The We and the I (2012) Michel Gondry toma un rumbo distinto y más arriesgado. La historia central se centra en Colin (Duris), hombre que vive en un fabuloso apartamento en una azotea con vistas a París, y lo comparte con Nicolás (Omar Sy), su chef y abogado. En una fiesta, Colin se reúne con Chloe (Audrey Tautou), una chica de la que queda completamente enamorado. Sus primeros encuentros, un baile en la fiesta, una visita a una pista de hielo y un viaje a través de París en una cápsula con forma de nube, nos muestra el enamoramiento veloz de la pareja y también que estamos ante un Gondry más interesado en el desafío técnico que en la elaboración de secuencias imaginativas. www.facebook.com/celuloidedigital

El amor de la pareja crece y se consuma, pero todo la felicidad se ve truncada cuando un lirio de agua empieza a crecer en uno de los pulmones de Chloe. Ella tiene que estar rodeada continuamente por flores frescas para evitar el marchitamiento de sí misma; y por otro lado un marido impotente que tiene que buscar trabajo para cubrir os escandalosos gastos florales. Estamos frente a una historia con tintes muy surrealistas, una mezcla de animación stop-motion, grandes efectos especiales digitales y efectos mecánicos que prometen una divertida, novedosa y entrañable historia que veremos en cines muy pronto, momento en el cual valoraremos si el trabajo de Gondry logrará consumarse o permanecerá como un gran intento de hacer algo diferente.

www.facebook.com/celuloidedigital

a desaparición del cine silente acabó con la carrera de muchas de sus estrellas que no supieron (o no pudieron) adaptarse a los nuevos tiempos donde el cine sonoro representó la gran novedad, una novedad que, para desgracia de muchos, llegó para quedarse; como ejemplo de esto, sólo hace falta mencionar la cinta El Artista (The Artist, 2011) en la que vemos el declive de una estrella del cine silente (George Valentin Jean Dujardin-) y el ascenso de una joven bailarina (Peppy Miller -Bérénice Bejo-) hacia el estrellato a través de la novel industria sonora. Pero con la muerte del cine mudo murió también cierto carácter ensoñador del séptimo arte, un carácter que el director José Antonio Cordero quiere rescatar a través de la realización de la primera película mexicana realizada completamente con lenguaje de señas, pero que no únicamente está dirigida a personas con discapacidades auditivas sino también para el público oyente y que este pueda disfrutar de una experiencia audiovisual única de manera paralela a la de los sordos. www.facebook.com/celuloidedigital

www.issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_diciembre2012

El director José Antonio Cordero señaló que la primera persona sorda que conoció fue precisamente Eric, el protagonista del documental, y que él lo inspiró a la realización del documental cuando, en una playa de Oaxaca, el joven sordo se acercó con mucha seguridad para comunicarse con él; ante la imposibilidad de entenderse, el realizador se dio cuenta que la discapacidad no era solamente de Eric, sino también suya.

Con esa idea en mente, a Eric ,un joven sordomudo de Oaxaca, se le propone que, junto con sus amigos y partiendo de sus sueños, realicen una película en lenguaje de señas; así, mientras vemos a Eric y sus compañeros ver películas y decidir qué historias/sueños se deciden a filmar, el documental expone la cultura íntegramente visual en la que se desarrollan de manera cotidiana, se presentan sus deseos, sus sueños y también sus decepciones, que no son pocas. El director José Antonio Cordero, señaló en una pequeña sesión de preguntas y respuestas al finalizar la proyección de su trabajo en el Festival Internacional de Cine de Morelia, que la primera persona sorda que conoció fue precisamente Eric, el protagonista del documental, y que él lo inspiró a la realización del documental cuando, en una playa de Oaxaca, el joven sordo se acercó con mucha seguridad para comunicarse con él, ante la imposibilidad de entenderse, el realizador se dio cuenta que la discapacidad no era solamente de Eric, sino también suya. Es por eso que el documental Música Ocular no sólo representa la primera película íntegramente en lenguaje de señas en nuestro país, supone también la cimentación fílmica de un sueño colectivo por parte de una minoría, un legado fílmico donde el cine silente se une a la música para sordos, un proyecto que busca responder la cuestión ¿sueñan los sordos con música? La respuesta estará en los cines a partir del 14 de junio. www.facebook.com/celuloidedigital

1862: El invencible ejército francés de Napoleón III invade México para instaurar una monarquía junto con los conservadores mexicanos, y con la finalidad de invadir Estados Unidos para unirse al Ejército Confederado del Sur en la Guerra Civil Norteamericana. El General Ignacio Zaragoza prepara la defensa de la patria en la ciudad de Puebla, al mando de un ejército inexperto, inferior en número y pobremente armado. Durante los meses previos a la batalla decisiva surge el amor entre Juan y Citlali, dos humildes mexicanos que se unen a la defensa, una misión que parece imposible… www.facebook.com/celuloidedigital

Alex Wright es un joven que se encuentra investigando los extraños acontecimientos que vimos en la primera parte y por tanto, la desaparición del protagonista de aquella Sean Rogerson. Un día recibe un misterioso vídeo de un bloguero que firman con el pseudónimo de "DeathAwaits666". En ella puede ver como Sean Rogerson sigue vivo pero continúa atrapado en el hospital psiquiátrico Collingwood. Alex y sus amigos deciden quedar con el bloguero para tratar de obtener nueva información y de este modo descubrir qué ha sucedido realmente. Sin embargo, pronto se verán enfrentándose cara a cara con un mal que no puede definirse con palabras. Ahora, deberán ser más listos e inteligentes que lo que fueron Rogerson y sus amigos, y deberán hacer lo posible por salir del hospital antes de que sea demasiado tarde.

En Qué paso Ayer? 3, Phil (Bradley Cooper), Stu (Ed Helms) y Doug (Justin Bartha) viven una vida tranquila y feliz. Han pasado dos años. Ya no tienen tatuajes ni cuentas pendientes. La última vez que oyeron hablar de Leslie Chow, un imán de los desastres, le habían encerrado en una cárcel de Tailandia y, gracias a ello, empezaban a recuperarse de sus noches locas en Las Vegas y de los raptos, disparos y persecuciones a cargo de los traficantes y mafiosos de Bangkok. El único miembro de la manada que no está satisfecho es Alan. La oveja negra del grupo sigue sin propósitos personales, ha abandonado su medicación y se deja llevar por sus impulsos, lo que para él significa no tener barreras, ni filtros, ni juicio. Pero finalmente una crisis personal le obliga a buscar la ayuda que necesita. ¿Y quién mejor que sus tres mejores amigos para ayudarle a dar el primer paso? Esta vez no hay boda, no hay fiesta de despedida de soltero, ¿Qué desastre podría ocurrir entonces? Pero cuando el grupo vuelve a viajar, cualquier cosa puede pasar.

Para algunos, la vida es una fiesta, en la que queremos disfrutar, bailar, gritar y amar. “Sobre Ella” es justo eso: una fotografía llena de color, luz y textura de cómo aprendemos a entender las coincidencias del destino, los lazos de amistad, la pasión de amar y la emoción de despertar día a día. Conoce a Ana, Daniel, Christian y Pía, un grupo de amigos –seguramente parecido al tuyo –que jugará en este inmenso tablero que se llama VIDA.

www.facebook.com/celuloidedigital

En 1968, en un bar de Detroit, dos productores fueron encantados por un carismático compositor de ascendencia mexicana: Rodríguez. Pensando que habían encontrado a un héroe de la música folk en este artista marginal que recordaba al talento de Bob Dylan, produjeron dos discos con él. A pesar de las buenas críticas obtenidas por Cold Fact, el primero de ellos, el disco fue un desastre comercial y marcó el fin de su carrera discográfica. Rodríguez se hundió en la obscuridad sin saber que a miles de kilómetros de distancia, en Sudáfrica, su música e influencia política abanderaban una revolución.

Margaret Suckley, recibe una llamada de su primo lejano, el presidente Franklin D. Roosevelt, invitándola a pasar el fin de semana con él en su residencia de Nueva York, junto con el Rey Jorge VI y su esposa, en un histórico evento, donde por primera vez un rey inglés ha visitado Estados Unidos. Todos estos personajes interactuarán de tal manera que lograrán mucho para ambas naciones, quizá sin darse cuenta, en un sólo fin de semana.

www.facebook.com/celuloidedigital

Ben Logan es un expatriado trabajando en una agencia de sistemas de seguridad en Amberes, Bélgica, y lidiando con arreglar su relación con su única hija, Amy. Sin embargo, Ben descubre un día que la oficina donde ha trabajado por los pasados meses, ha desparecido. Investigando más a fondo, Ben descubre que está siendo perseguido, junto con su hija, por una poderosa organización, en la que está involucrada su antigua colaboradora, Anna Brandt. En su lucha por sobrevivir y para explicar lo que está pasando, Ben deberá revelar a Amy su oscuro pasado.

Jeff Chang es un brillante estudiante que está a punto de cumplir 21 años. En la noche previa a una importante entrevista con una facultad de medicina donde Jeff quiere estudiar, dos amigos suyos lo llevan a tomar una cerveza, pero la noche no terminará como esperaban.

Magda, una escritora de clase media alta emplea a una mujer mayor y solitaria, Emerence, para ser su ama de llaves. Hungría vive afectada por los acontecimientos externos, los cuales influyen en la relación entre las dos mujeres que viven en lados opuestos de la misma calle. Sin duda, hay cosas que se perdieron en un público no familiarizado con el entorno, pero podemos comprender claramente la sombra de la II Guerra Mundial, el Holocausto y la post-guerra de Hungría en un régimen comunista que se cierne sobre ellas.

Un aterrizaje de emergencia deja al adolescente Kitai Raige y a su legendario padre Cypher varados en la Tierra 1,000 años después de que la humanidad se vio obligada a escapar de ahí debido a terribles cataclismos. Cypher queda malherido y es necesario que Kitai emprenda un peligroso viaje para pedir ayuda en el cual afrontará un terreno desconocido, animales evolucionados que ahora gobiernan el planeta y una imbatible criatura alienígena que escapó durante el aterrizaje. Padre e hijo deben aprender a trabajar juntos y confiar uno en el otro si desean cualquier oportunidad de regresar a su hogar. www.facebook.com/celuloidedigital

www.facebook.com/celuloidedigital

Un par de años antes de la Guerra Civil estadounidense y en algún lugar de Texas, el caza recompensas King Schultz (bajo la identidad de un médico dentista) realiza una sangrienta transacción con dos comerciantes de esclavos y libera a Django -uno de los cinco vejados afroamericanos que transportaban- con la finalidad de que éste le ayude a encontrar a tres matones para asesinarlos y cobrar la recompensa que se ofrece por ellos. Una vez cumplida esta misión, Schultz se compadece del otrora tiranizado personaje (al que ahora llama Django Freeman -Hombre Libre-) y le ofrece, a cambio de trabajar para él durante los meses de invierno -y darle una tercera parte de las recompensas, claro está-, ayudarlo a rescatar a su mujer Broomhilda, quien es mantenida cautiva por el despreciable Calvin Candie. Bajo esta premisa, Quentin Tarantino ofrece su primer western en forma dentro de su filmografía y viene a consolidar su estilo que ha pulido desde el sangriento binomio protagonizado por Uma Thurman en 2003 y 2004. Como recordarán, Kill Bill originalmente iba a ser una sola cinta (y de hecho lo es, a pesar de que por cuestiones comerciales se haya decidido ofrecerla al público en dos entregas) y sí la tomamos así, podemos ver que desde ese entonces el realizador se ha establecido en un estilo ya más definido, en el que ofrece dos ritmos distintos dentro del mismo filme. La primera parte de Kill Bill fue un espectáculo audiovisual en el que muchos de sus fans extrañaron los clásicos largos parlamentos y los míticos monólogos ofrecidos por los actores (Michael Madsen antes de matar al policía con la navaja de afeitar en Perros de Reserva, Samuel L. Jackson y su cuarto de libra con queso en Pulp Fiction y el discurso de David Carradine sobre la verdadera naturaleza de Superman/Clark Kent en Kill Bill Vol.2 son tan sólo algunos ejemplos), pero para la segunda entrega de la venganza de La Novia, Tarantino estaba de regreso, o eso dijeron quienes no comprendieron que una obra, al ser concebida en una sola pieza pero que eventualmente terminó dividida en dos, sufriría consecuencias en su contenido de manera inevitable. Pero nuevamente, tomando Kill Bill como un solo film -perdonarán mi insistencia con este film pero no encuentro ejemplo mejor-, es el principal modelo de cómo utiliza Tarantino la gramática cinematográfica y divide sus películas en dos aunque sea una sola; recordemos cómo también A Prueba de Muerte parecía dos películas distintas, en la primera mitad somos testigos de los 'diálogos marca Tarantino' y en la segunda mitad nos introduce vertiginosamente en el mundo de las chicas acosadas por el asesino poseedor del letal automóvil para terminar con una persecución llena de adrenalina y un final muy girl-power. Con Bastardos sin Gloria ocurrió lo mismo, tras un intenso inicio donde establece los roles que cada quien jugará en la historia, el director da paso a sus largas conversaciones entre los también típicos personajes 'tarantinescos' (¡cómo olvidar la escena del bar y su mortífero desenlace!).

Con estas dos vertientes narrativas en la misma cinta, Tarantino utiliza al personaje de Django como perfecto pretexto para hablar de un tema cinematográficamente olvidado como es el de la esclavitud en los Estados Unidos (aunque no se sabe si ese olvido ha sido por descuido o porque se quiera borrar de la memoria colectiva) y mostrando con toda crudeza las vejaciones padecidas por los aprisionados a manos de los yanquis (incluso con una escena en la que Tarantino intenta emular al Ku Klux Klan); claro, todo esto hasta que llega Django, el ahora hombre libre al que el cineasta ha empoderado (incluso de manera musical con un hip hop de fondo que sirve como premonición de la oscura revolución que pronto llegará) y que, ya sea con pistola o látigo en mano, cobra justicia por su cuenta en medio de escenas que inmediatamente nos remiten a la batalla de La Novia contra los Crazy 88's en Kill Bill Vol.1 ¿Recuerdan cuando Beatrix Kiddo permite irse a los sobrevivientes -exceptuando a Sophie- de la masacre en la anteriormente alegre discoteca? Pues hay una escena idéntica en el desenlace de Django Sin Cadenas, aunque no es la única secuencia que nos remite al título homenaje de Tarantino hacia el cine oriental, pero eso es mejor que lo descubran por su cuenta. En resumen, Tarantino nuevamente ofrece su característico cine con este poco ortodoxo pero muy sangriento western que homenajea al subgénero ítalo español de películas del oeste -con un cameo incluido de Franco Nero, el Django original de las cintas italianas- y principalmente a las de Sergio Leone. Con un reparto de primer nivel, Tarantino ofrece una cinta explosiva que se coloca al mismo nivel que Tiempos Violentos y Bastardos sin Gloria, además de que nuevamente hace justicia a los sectores sociales menos afortunados, históricamente hablando, tal y como ya lo hizo con la venganza judía contra el Führer en su cinta anterior; esta vez ofrece a los afroamericanos la oportunidad de cobrarse sanguinariamente todo lo que los 'blancos' les hicieron pasar. Tarantino juega el papel de libertador, pero no a través de la defensa de los derechos humanos con base en la legislación prohibitiva de la esclavitud como Abraham Lincoln, sino a manera de la ley del ojo por ojo; Tarantino es un Lincoln menos dogmático ¿será también más eficaz?

Django Sin Cadenas viene a reafirmar este estilo ya más maduro del cineasta, la primera parte está repleta de acción en donde Django y Schultz (maravillosa pareja conformada por Jamie Foxx y Christoph Waltz -recientemente galardonado con un Globo de Oro por este papel-) cumplen su misión como cazadores de criminales en medio de hermosos paisajes invernales conformados por las blancas montañas salpicadas de sangre; en la segunda mitad deja hablar a los personajes y estos se explayan de lo lindo con monólogos como el de Calvin Candie (DiCaprio en el papel de su carrera) quien, con un martillo y un cráneo en sus manos, explica el supuesto porqué de la inferioridad de la raza negra. www.facebook.com/celuloidedigital

Basada en la tercera novela de Anthony McCarten -publicada en 2006-, esta película estrenada en 2011 se centra en Donald, un joven de 15 años con cáncer terminal que dibuja -y vive- historias de un superhéroe inmortal (Miracle Man) a la par que trata de luchar contra su propia mortalidad. Protagonizada por Thomas Brodie-Sangster y Andy Serkis, quien interpreta al psicólogo especialista en tanatología de la escuela a la que asiste Donald, la película aborda eficazmente el miedo a la muerte y otras cuestiones típicas de cualquier adolescente como el sexo y la obsesiva idea de morir siendo virgen... ok, ésta última tal vez no sea una cuestión 'típica de cualquier adolescente', pero si se sabe moribundo, el adolescente sí pensaría en eso en más de una ocasión al día ¿o no? A pesar de tocar temas ya antes mostrados en la gran pantalla, el relato funciona por el buen manejo del melodrama (sin chantajes emocionales que opten por el llanto fácil, al igual que en 50/50 de Jonathan Levine) y las excelentes actuaciones tanto del reparto central como de los actores de reparto; el trabajo en conjunto de actores poco conocidos hace que la película se sienta aún más real. La actuación y caracterización de Thomas Brodie-Sangster como el adolescente en etapa terminal hacen que sea casi imposible reconocerlo y pensar que es el mismo joven que hemos visto en Love Actually, Nanny McPhee. o más recientemente, en el estupendo serial televisivo Game of Thrones. Por su parte, el trabajo de Andy Serkis resulta también sobresaliente y nos hace cuestionarnos el porqué no aparece tanto en la gran pantalla dando vida a personajes de carne y hueso y no a King Kong, Gollum o el Capitán Haddock en The Adventures of Tintin. www.facebook.com/celuloidedigital

La Muerte de un Superhéroe es un drama heroico que no descubre el hilo negro de las películas con personajes terminales, ni de quienes se refugian en la fantasía para evadir un poco la atroz realidad; es un filme que no presenta nada nuevo pero que se sostiene de las actuaciones tan honestas de todo su reparto y la hacen un material digno de ser rescatado de los anaqueles de los videoclubes a los que fue a parar tras no haber sido estrenada en cines. Recomendable para los amantes de los cómics y el cine bien ejecutado.

Esta colección del Hombre de Acero en alta definición fue lanzada junto con el estreno en formato casero de Superman Regresa (también incluida en la antología) en la fallida cinta de Bryan Singer con la que pretendía resucitar la saga del kryptoniano en el celuloide. Además de esta cinta, la colección incluye las cinco películas de Superman protagonizadas por Christopher Reeve, es decir, las cuatro versiones que se estrenaron en cine y la versión del director Richard Donner de Superman II. Además, un cuantioso y absolutamente nada despreciable material extra con documentales y entrevistas; sin duda un superelemento que no puede faltar en cualquier colección que se precie de ser 'super'.

www.facebook.com/celuloidedigital

Con motivo del estreno de la nueva pel铆cula de El Hombre de Acero en la gran pantalla, Cinemax tiene preparada una proyecci贸n especial con tres de las cuatro cintas protagonizadas por Christopher Reeve: Superman: The Movie, Superman II y Superman IV: The Quest for Peace.

http://www.hbomax.tv/cinemax/programacion.aspx

www.facebook.com/celuloidedigital

www.elrincondelgeek.com

Newman por aquí, Newman por allá, Newman por acá. En el pequeño (o no tanto) mundo de los compositores de cine, el apellido Newman es un apellido que se conoce desde el siglo pasado. Alfred Newman (compositor de la tan famosa intro de Fox) comenzaría este mini-reinado por parte de esta prestigiosa familia de compositores. Pero hoy no nos centraremos en el ya fallecido Don Newman ni tampoco del tan famoso Randy Newman por sus composiciones para Pixar, como por ejemplo “Toy Story” o “Monsters Inc.”. Esta vez toca ver los mejores temas que ha compuesto el hijo de Alfred y primo de Randy, Thomas Newman.

Aunque Thomas tenga un muy marcado estilo compositivo, lo cierto es que sabe variar bastante, tanto así que muchas veces ni se siente que es él el compositor. Este compositor es bastante aclamado por sus composiciones “minimalistas”, como las llaman algunos. Yo, en lo personal, creo que más que minimalistas, son poco convencionales, logrando que su música sea bastante ambiental. Pareciera ser que muchas veces sus músicas se forman a partir de sonidos cotidianos y no grandes orquestas. Pero creo que para entenderlo mejor hay que escuchar sus temas, así que les dejo la lista de lo que consideo los mejores trabajos de Thomas.

En 1994 Thomas Newman conseguiría su primera nominación a los Oscar, pero no solo una nominación, sino una doble, tanto por este score como por el de “Little Woman”. Este tema es realmente sorprendente, nos demuestra (nuevamente) el poder de las cuerdas. Comenzando con un violonchelo de una manera muy fría este tema va avanzando hasta que llegan las demás cuerdas a animarlo, dando un tono melancólico pero a la vez reconfortante. Luego, ya entran los instrumentos de viento para aumentar los sentimientos transmitidos, pero siempre con las cuerdas predominando por sobre todo. Ya hacia el final, del tema cambia de carácter volviéndose algo sospechoso para, finalmente, ser revelador.

Si bien este tema tiene el típico feeling de los temas de Newman, entra un factor sorpresa: las vocesitas de fondo, que generalmente no utiliza este compositor. Como en la mayoría de sus temas, el piano toma un papel crucial, al igual que el violín. Ya hacia el segundo tercio de la música se logra escuchar al tan característico violonchelo newmánico. Finalmente el tema cierra de una forma ingenua, con tonos simples pero, a la vez, consistentes.

www.facebook.com/celuloidedigital

¿Les gustaría sentirse como peces nadando por el mar? Bueno, si la respuesta es sí, los primeros segundos de este tema son la respuesta que buscan. Más allá de la sensación de flotar en el aire, uno siente que realmente está bajo el agua, logrando que el score, además de funcionar increíblemente como parte de la ambientanción de “Finding Nemo”, funcione perfectamente cuando necesitamos relajarnos. Pero, obviamente, no todo es calma. Este tema también tiene su momento de emoción, con unos violonchelos y violines que marcan un movimiento bastante movido para luego volver a dejarnos en la tranquilidad total.

Muchas veces me he preguntado qué tiene el piano que lo hace tan especial. Hasta ahora no encuentro una respuesta y, escuchando temas como este, sigue sorprendiéndome cómo un instrumento puede transmitir tanto. Es muy cierto que el piano en este tema tiene un protagonismo crucial al comienzo para luego dejar dicho protagonismo a las cuerdas, pero esos primeros segundos con el piano, son mágicos. Las cuerdas también tienen una gran importancia en este tema, transmitiendo “esperanza” o, por lo menos, eso es lo que me transmiten a mi. Finalmente, el tema cierra con unos sonidos que nos dejan en el desconcierto total.

Con este tema, Thomas nos demuestra claramente que el uso de cuerdas y pianos en sus temas están por gusto suyo y no porque está limitado a dichos instrumentos. En este tema se puede escuchar como Newman hace disposición de varios instrumentos para generar un tema lleno de emoción. Además de transmitir pura emoción, el movimiento que logra por los 1:10 hace que uno realmente sienta que está cabalgando.

Este tema comienza transmitiendo mucho misterio, intriga pura. Luego, con ese piano típico de Newman, sigue la sospecha y misterio, pero ya de una forma más melancólica. De a poco se va sintiendo a los violonchelos ganando lentamente presencia. Por los 1:40 suena el movimiento tan característico de esta película. Los sonidos que escuchamos en este tema creo que explican por qué me refiero a su trabajo como poco convencional, pues utiliza sonidos algo… raros. Por los 3 minutos es donde el tema toma fuerza, tanto por el lado instrumental como por el lado sentimental en sí, transmitiendo “desesperación” para sentir una liberación muy esperada. Finalmente, nos relaja con su piano y unos violines suaves.

www.facebook.com/celuloidedigital

Nuevamente, un tema no muy típico de Newman, con una excelente instrumentación (como siempre) pero esta vez con muchos más instrumentos de lo que acostumbra. El comienzo del tema tiene reminiscencias de ” The Horse Whisperer” pero igual se siente claramente la diferencia. Un tema con muchos aires navideños, transmitiendo emoción y alegría por nuestras venas.

Si existe un tema que represente a cabalidad a Thomas Newman, ese ha de ser el tema principal de “American Beauty”, también uno de los temas más aclamados de su carrera. La simpleza de este tema es asombrosa, pero a la vez, majestuosa. Transmitiendo tantos sentimientos en tan pocas notas y tan pocos instrumentos, este tema es, sinceramente, una obra maestra.

Mi amor por Thomas comenzó con este tema, además, siendo sinceros, creo que este es otro tema que demuestra lo poco convencional de sus composiciones. Este tema parece estar compuesto por sonidos bastante ambientales, obviamente no el movimiento principal, sino los sonidos de fondo, que dan ese plus tan exquisito al tema. Uno se siente parte de una selva al escuchar este tema, por lo menos, esa es la sensación que yo tengo al escucharlo.

Otro tema que es para flotar pero, además de flotar, este tema nos invita a explorar. Esos sonidos súper suaves que utiliza Newman son simples, sí, pero, a la vez, transmiten con mucha calidez sentimientos de curiosidad e ingenuidad. Además, si pensamos en la escena de este tema nos daremos cuenta que esa parte de la película no hubiese tenido la misma magia de no ser por esta obra maestra.

www.facebook.com/celuloidedigital

Como precuela al videojuego del mismo nombre en el que los villanos y héroes del universo de DC Comics se enfrentan unos contra otros, este mes se edita finalmente en México la serie mensual Injustice: Gods Among Us escrtita por Jeremy Raapak y Tom Taylor que gira en torno al gobierno totalitario que Superman establece sobre la Tierra cuando el héroe queda devastado tras el asesinato de Lois Lane mientras se encontraba embarazada su primogénito. Así, el Hombre Murciélago se ve obligado a reunir a un grupo de aliados para combatir el régimen totalitario impuesto por su otrora amigo; la historia, que estará dividida en cuatro entregas, terminará justo en el punto en el que da inicio el videojuego.