CELULOIDE DIGITAL - MAYO 2013

SHOT | ‘R.I.P.D.’ - Pág. 05 FLASH FORWARD | ‘Superman: Man of Steel’ - Pág. 07 EN CARTELERA | ‘Oblivion’ - Pág. 11 EL NIÑO QUE TODOS LLEVAMOS AL CINE | ‘¿Anima-2?’ - Pág. 13 ALTO CONTRASTE | ‘Los Amantes Pasajeros y El Ayer No Termina Nunca’ - Pág. 17 RECO-MENDA | ‘El Circo’ - Pág. 21 OUT | ‘Plan B’ - Pág. 23 LATITUD 7 | ‘La Gloria de las Prostitutas’ - Pág. 25 FESTIVALES | ‘Ambulante 2013’ - Pág. 27 ‘Ai Weiwei Never Sorry’ - Pág. 29 ‘Marley’ - Pág. 31 CIERTA FICCIÓN | ‘Olvídame’ - Pág 33

#1 STAR TREK: INTO DARKNESS | Elemental mis queridos Trekkies - Pág. 35 #2 TRANCE | El hipnótico regreso de Danny Boyle - Pág. 39 #3 THE GREAT GATSBY | Fitzgerald en tercera dimensión - Pág. 45 #4 COSMOPOLIS | El Capitalismo Desnudo - Pág. 49 #5 LA DEMORA | ¿Tus hijos o tus padres? - Pág. 53 CARTELERA | La oferta fílmica de mayo - Pág. 57

CINE EN CASA | Novedades en formato casero - Pág. 63 PANTALLA CHICA | Cine en TV Pág. 65 SONIDOS DEL CELULOIDE | Bernard Herrmann - Pág. 67 LECTURA | ‘Leo... Luego existo’ y ‘Londres Después de Medianoche’ - Pág. 71 MÚSICA | ‘Holy Fire’ de Foals - Pág. 73

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Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Sweet Bloody Dreams Mauri J. Amaro Bautista Julio Nuñez Marquez Pablo Peñalver Cinevidente Silvia Ruvalcaba Siniestro Sexual Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras.

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Recientemente se revelaron las primeras imágenes oficiales de esta adaptación a la gran pantalla del cómic homónimo. En la cinta dirigida por Robert Schwentke, quien ya ha adaptado con eficacia el cómic RED, se nos presenta la historia de dos expolicías, uno recién fallecido y el otro resucitado desde hace siglos, que trabajan en el departamento policial de la muerte. Jeff Bridges y Ryan Reynolds dan vida a esta peculiar pareja de agentes de lo paranormal.

Quizá uno de los superhéroes más difíciles de llevar a la pantalla grande sea Superman. Yo crecí con las series de Superman en blanco y negro interpretado por George Reeves; quiero aclarar, no la vi cuando salió en los 50s para que no empiecen a hacer sumas, yo la vi a finales de los 60 principios de los 70s en Canal 5. Era increíble ver un capitulo de ‘El Hombre de Acero’, atravesando paredes de unicel 'estilo Chapulín Colorado', y como efecto de vuelo, se tiraba de panza en una mesa y con unos hilitos le movían la capa. Pero lo que más llamaba a atención era que era un hombre grande pero nada musculoso, podría decirse que hasta 'pasadito de tamales'. Pero todos los sábados por la mañana en la matinée, ansioso estaba por ver uno de los capítulos de este gran superhéroe desde las 7 de la mañana.

Ya en la década de los 80's, al que todos recuerdan como el mejor Superman, Christopher Reeve, lucio un superhéroe un tanto delgado, guapetón, pero llegó a ser algo cómica, sobre todo en Superman III, en la que sale Richard Pryor y decayó muchísimo nuestro querido Clark Kent. Pero ya quiero dejar de lado a los anteriores Supermanes y la muy mala

Superman Returns, para adentrarme en esta nueva película que esta por estrenarse.

Si de principio mencionamos a Zack Snyder como director, a Christopher Nolan como productor y que está escrita por David S. Goyer (para los que no lo conocen, ha escrito una infinidad de cómics de La Liga de la Justicia, y nada más y nada menos escribió, junto con Nolan, las tres últimas películas de Batman), creo sin temor a equivocarme que será una excelente película que será recordada por los amantes de las películas de superhéroes, casi asegurando que será el inicio de una nueva trilogía.

Para los que no han visto los trailers de esta nueva película, les puedo platicar que se puede esperar muchísimo de ella, se ven buenos efectos, hay muy buenos actores, y parece ir mas allá de ver a un superhéroe tradicional, aquí nos adentraremos más en la psique del héroe, cuáles son los motivos por los que se vuelve Superman, sus broncas existenciales que lleva cargando; los invito a verlos y a esperar ansiosos el estreno.

Entre las metáforas que se utilizan para describir lugares fantásticos, deplorables o simplemente olvidados, aparece Oblivion, utilizada solamente en la lengua inglesa pero que a pesar de ser título de obras literarias, canciones e incluso de grupos musicales, será más utilizada luego de la película con este nombre (ya es la tercera), basada en una historia gráfica de Joseph Kosinski (Tron: Legacy) y dirigida por él mismo. De hecho, existe un videojuego titulado Oblivion y se especulaba que había un trailer protagonizado por Nicolas Cage, basado en los personajes de dicho juego y hasta un cartel con similitudes del diseño de la película de Kosinski, pero con una escena del juego.

Con la clara referencia de que Oblivion es un lugar en el olvido, la limpieza de la imagen que se utiliza en esta película, nos mueve a la ciencia ficción de los estados imposibles de orden al margen del desorden y de la sobrevivencia humana en medio de la nada, interactuando solamente con artefactos de muy avanzada tecnología, en un ambiente basado en cánones estrictos de limpieza en los espacios y el seguimiento de una rutina propia de la misión que mantenía a un par de humanos en una Tierra deshabitada, con la esperanza de salir hacia una luna de Saturno a convivir con el resto de la humanidad.

Jack y Victoria, interpretados por Tom Cruise y Andrea Riseborough, hacen una pareja acartonada de entrenados agentes interplanetarios que se mueven ergonómicamente al interior de una torre que satisface sus necesidades básicas de hospedaje y alimentación, mientras que desde ella son monitoreados hacia una base de control de misiones. Las tomas abiertas y cerradas al interior de dicha torre, otorgan la ambientación para identificar los cálculos que ambos individuos deben seguir para moverse con suficiencia en las distintas habitaciones, como un equipo eficiente.

Incluso la indumentaria habla de la pulcritud del espacio en el que se va a utilizar, en el caso de Victoria, pues son vestidos de corte simple, muy adecuado para la decoración minimalista y de colores fríos; para Jack el uniforme implica una estilización de traje astronauta que nos permite identificar su atlética silueta y deja entrever que su actividad es de trabajo rudo. Debo mencionar que incluso cuando corre, lo cual Tom Cruise hace muy bien, le da la movilidad necesaria de un hombre de acción escapando de los peligros que implica hacer su rondín diario por su zona de vigilancia.

Los flashbacks en tonos grises contrastan con la imagen brillante del presente en la historia y le dan el toque nostálgico que el HD no puede mostrar. Más que la imagen en sí, los monólogos de Jack haciendo alusión a una mujer desconocida, le dan el toque perfecto de la narrativa literaria que pueden encerrar los relatos de ciencia ficción, que de principio son contados por seres humanos en un ambiente mecanizado y sin opciones para romper ese orden establecido, con la añoranza de encontrar sentido a su vida, en lugar de sólo seguir órdenes y cumplir misiones específicas.

Sin embargo, el verdadero mensaje que se debe rescatar, es el de la frase repetitiva de Victoria: “otro día en el paraíso”, aunque no saliera de la torre y sólo viera a través de la cámara de la nave de su compañero, que contrasta perfectamente con la de Jack: “ganamos la guerra, pero perdimos el planeta”, a pesar de haber encontrado su muy personal paraíso en medio de las dunas de arena y las zonas de alta radiación. Efectivamente, cada uno tenía su perspectiva a pesar de ser sólo clones y eso no difiere de nuestra actualidad, en la cual, aquellos que siguen el sistema establecido parecen ver todo en orden y de ma-

ravilla, mientras que las personas que se acercan a la zona de trabajo, están en la conciencia de la realidad próxima, sin engalanar en extremo lo bueno que pueden encontrar en ella.

Ahora bien, la imagen de Oblivion no podría ser impactante si la tecnología utilizada en ella estuviera fuera de lugar y en este caso, la torre misma (cuya alberca resulta impresionante y antojable), las naves, la moto, las armas, los extractores de agua, pero sobre todo las sondas de vigilancia, logran llamar la atención por su movilidad, la estilización de sus líneas y la forma esférica misma; en conjunto, inevitablemente nos remontan a las Guerras de las Galaxias de George Lucas, pero también a WallE (2008), Titán A.E. (2000), Dune (1984) e incluso a The Chronicles of Riddick (2004) con su grupo de resistencia.

La aparición de Morgan Freeman como líder no es difícil de ubicar, pero necesariamente hace pensar en un dejo racista del discurso general, puesto que incluso se inmola en pro de la salvación humana frente al dominio alien. Además, se vuelve al punto de la sabiduría de las personas mayores, por encima de los ímpetus de los jóvenes líderes en busca de resultados inmediatos, aunque no necesariamente definitivos, un tanto retrógrado, pero muy al estilo de escritores de ciencia ficción.

Habrá quienes la reduzcan a un triángulo amoroso, a una historia patriotera de los Estados Unidos, a un ensayo sobre los ángulos favorables de la cara de Tom Cruise y hasta el relato postapocalíptico del 2077, pero Oblivion se ha ganado un lugar en los largometrajes de alto impacto visual del género, que obliga a dejar de lado su flaqueza de argumento y concentrarse en que no quedará en el olvido.

Hay tópicos del cine que suelen ser excepción en el mundo de la animación infantil: Sencillo no siempre es sinónimo de simple, que dos películas compartan director rara vez es garantía de algo, etc. Pero hay uno que se cumple con creces: segundas partes nunca fueron buenas.

Hacer una segunda parte, cuando esta no ha sido concebida desde el inicio, supone siempre un reto. Puede que el universo planteado quedara agotado en la primera película haciendo que un segundo argumento resulte lineal y predecible.

También puede suceder que los recursos empleados en una obra agraden por su novedad, pero resulten un auténtico fiasco si se vuelven a emplear copiados o empobrecidos incluso. Se pueden cometer infinidad de errores al hacer una segunda parte ¿Quieren una lista? Vean películas de animación.

Hay casos que se han convertido en auténticos chistes andantes de la cultura popular, véanse las interminables entregas de En busca del valle encantado; y casos que han salvado el charco con bastante dignidad, como varios títulos de Dreamworks. Por ejemplo, Kung Fu Panda, Happy Feet o Ice Age, cuentan con segundas partes medianamente aceptables, no tan frescas como sus primeras entregas, pero al menos entretienen.

Mención especial merecen las segundas y terceras partes de la compañía Disney. Aunque muchos no lo sepan, la gran mayoría de clásicos Disney, de La Bella y la Bestia a Pocahontas tienen segundas y terceras partes. Aconsejo desde un punto de vista médico más que cinéfilo que mantengan a sus hijos alejados de estos engrudos carentes de todo interés. Si usted se encuentra bajo los efectos del algún opiáceo y no tiene nada mejor que hacer, quizá le interese asomarse a esa colección de argumentos irrisorios, fórmulas astutamente digeridas y vomitadas y universos mancillados.

Debo confesar, que mi cinefilia infantil me llevó a un título recomendable, una cripta de Tutankamon en tan árido desierto. Me refiero, y no se asusten, al Rey León 3. Les animo a que le den una oportunidad a este título, no es necesario haber visto la segunda entrega, les aseguro que encontraran una propuesta tan postmoderna como cándida e ingeniosa. Sin más ahí dejo el guante, para el valiente que quiera recogerlo…

Pero salvo escasas excepciones, las segundas partes del cine de animación suelen ser de todo menos animadas. El problema fundamental radica en su propia razón de ser. Una segunda parte en animación suele estar motivada por un fin exclusivamente comercial. Se trata de prolongar artificialmente la vida de una determinada marca para seguir vendiendo, con máximo beneficio y mínimo riesgo de fracaso, a las nuevas generaciones lo mismo que a las anteriores.

Me duele admitirlo, quien siga esta sección sabrá por qué, pero Pixar no es aquí una excepción. La única película exclusivamente Pixar que cuenta con segunda parte es Cars.

Sin ser ni de lejos su mejor film, Cars resultaba una película sencilla, sin grandes pretensiones pero con importantes dosis de encanto y una rotunda solvencia visual y narrativa. Pero, siendo Cars una de las propiedades que, vaya usted a saber por qué, más beneficios ha generado en el merchandising, Pixar decidió sacar adelante la que hasta hora es su peor película, Cars 2. Nos encontramos ante una propuesta francamente olvidable, mejor que muchas de las basuras que se producen

anualmente, de eso no hay duda, pero con un nivel muy muy por debajo del que se espera de un Pixar.

Y así llegamos al punto clave, el inminente estreno de Monstruos SA 2. Hay motivos para la esperanza el primero que Pixar cuenta, también, con la mejor saga de animación de todos los tiempos, la gran Toy Story cuyos aciertos ya diseccionamos en el número de Septiembre del pasado año. El segundo es el material que hemos visto hasta ahora que, sin duda, escapa a las premisas de fracaso que planteamos al principio del artículo. ¿Un universo agotado? No, en absoluto, quizá Monstruos SA sea una de las películas con el universo menos explotado, personalmente tengo mucha curiosidad por saber más cosas del mundo que plantea. ¿Recursos agotados? Tampoco, a riesgo de no conocer por completo la trama, se puede suponer que distará mucho de la película original. ¿Argumentos sacados de la manga para recaudar?

Pues en principio tampoco parece que está sea la intención principal. Da la impresión de que nos encontramos ante un proyecto mimado, detalles como la hilarante y paródica web: monstersuniversity.com nos hacen esperar lo mejor.

De momento todo es especular, habrá que ver, nunca mejor dicho, para juzgar. Les prometemos estar aquí para contárselo. Por cierto ¿No les parece curioso acabar este artículo anunciando su segunda parte? En fin, cosas de la animación.

Puede que solo la perspectiva del tiempo nos permita ver con claridad los porqués de una determinada situación. Pero, más a menudo, deberíamos reprochar a quienes escriben acerca de la tormenta con el traje seco. Soy de los que aún creen que en ojo del huracán, entre la multitud atónita, temerosa y desconcertada, no puede faltar una cámara de cine. Por eso, creo que es importante señalar el valor de dos películas, urgentemente imperfectas, aparentemente intrascendentes y profundamente necesarias, Los Amantes Pasajeros de Pedro Almodóvar y Ayer no termina nunca de Isabel Coixet.

Diametralmente distantes en su estética, su género o su localización, creo que no se nos puede pasar por alto, el hecho de que dos de los directores con mayor vocación autoral de la filmografía española, decidan poner en imágenes esta crisis, no sólo económica, sino también democrática, o moral, que asola su patria. Estamos ante dos propuestas que se alejan del panfleto político y trazan un díptico de películas urgentes, con más conexiones de las que pudiera parecer.

Almodóvar vuelve a la comedia. A esa comedia irreverente y cañí que le encumbró ya desde los inicios de su carrera. Se nota que, para bien o para mal, su cine ha madurado. La comedia no resulta tan ácida y espontánea como antes, y el melodrama, género en el que ha cultivado sus propuestas más interesantes, se cuela con poco acierto en esta última película, rozando ese ridículo para el que la mirada del director manchego solía servir de absolución.

Coixet también se tambalea en la fina línea que separa el drama y la comedia no pretendida. Su película nos cuenta la historia de una pareja que se reencuentra tras cinco años de separación. De fondo, un cementerio que será expropiado para construir un casino. Un escenario desnudo, casi metafísico, en el que el preciosismo visual tiene que sostener, a veces inútilmente, un diálogo interminable que no resulta del todo creíble o fluido.

Ambas películas fallan en el guión, como si no se hubieran madurado lo suficiente. Ahí radica su principal problema, pero también su mayor virtud. Ambas películas, en apariencia olvidables, llevan en sus entrañas, en su matriz, las sombras de un país para el que la expresión tocar fondo carece de sentido.

Un país incapaz de recuperarse, quizá porque nadie ha sabido diagnosticarle a tiempo.

Almodóvar nos habla de una sociedad que pasó muchos años dormida en clase turista. De una clase media que participó de la orgía de los grandes estamentos. De poderes políticos, religiosos, mediáticos, criminales (que bien pueden considerarse todos uno) que han volado por encima de sus posibilidades y a los que el mundo exterior les da la espalda. Y en una secuencia, que debería pasar a los anales del cine nacional, se nos habla de cómo el big crash se produce en fuera de campo, sobre uno de tantos aeropuertos sin pasajeros, resaca de la borrachera triunfalista y megalómana que sufrieron quienes llevan los mando de este avión peninsular.

Y si Almodóvar nos habla de dónde venimos, Coixet nos habla de hacia dónde vamos. Su película transcurre en un futuro cercano, el año 2017. El retrato de España que hace el film resulta proféticamente desalentador: más corrupción, más recortes sociales, emigración a Alemania, más disputas sin cerrar, más jaula de grillos, más reproches, las mismas heridas abiertas, los mismos problemas sin solucionar, como si el ayer de Almodóvar no acabara nunca.

Y, casualidad o no, en ambas un mismo actor, el gran Javier Cámara. Uno de los mejores actores del circuito nacional, que nos regala dos personajes totalmente opuestos, uno festivo y alocado, otro dolido arrepentido y humillado. Es el periplo del español medio, de la excitación de la primera clase y el despertar sexual de Lola Dueñas, a la desgarrada y estéril soledad de la ausencia en la cara descompuesta de Candela Peña. ¡Ay si el talento actoral subiera el PIB de un país!

Resumiendo, este díptico nos lleva del pasado al futuro, de un avión a un cementerio, de estar en el cielo a estar bajo tierra, de los colores vivos de los azafatos a la neutralidad de la piedra herrumbrosa. Es un díptico claustrofóbico, de una localización. ¿Qué les desconcierta? ¿Que dos películas tan opuestas sean dos caras de una misma cosa? ¡Bienvenidos a España amigos! ¡¡Asómense, asómbrense, escandalícense, indígnense y ríanse si les apetece!! Pero no se olviden de visitar nuestro cine, me temo que sólo allí encontrarán finales felices.

Un grupo de estrafalarios pasajeros viaja de Madrid a Ciudad de México en un avión cuya tripulación es absolutamente esperpéntica. Durante el vuelo, una grave avería hace que los pasajeros de clase business, al verse inevitablemente al borde de la muerte, se sientan inclinados a revelar los asuntos más íntimos de su vida. Todo ello desembocará en una comedia caótica y disparatada.

En el año 2017, en una España hundida por la crisis, una pareja se reencuentra en Barcelona tras cinco años sin verse. Se habían separado después de haber perdido a su hijo por una negligencia hospitalaria fruto de los recortes. Él había emigrado a Alemania, pero ha vuelto

Este mes os recomendamos una película del que es, en mi humilde opinión, uno de los mejores cineastas de la historia: Charles Chaplin. Y es que es difícil toparse en esto del cine con un tipo tan versátil, prolífico y acertado como el cineasta británico. Piedra angular de cada una de sus películas, Chaplin siempre solía ocupar los cargos de director, guionista, actor protagonista y compositor. El resultado es una de las filmografías más personales que podemos encontrar entre todos los cineastas.

Y de entre toda la extensa y maravillosa filmografía de Chaplin, hemos elegido recomendar El Circo, por ser (injustamente) una de las grandes olvidadas de la filmografía del director. Cuando alguien piensa en las mejores películas del cineasta siempre se le vienen primero a la cabeza los mismos nombres: La quimera del oro, Luces de la ciudad, Tiempos Modernos, El Gran Dictador, Candilejas, El Chico… pero rara vez piensa uno en El Circo. Y eso es precisamente lo que quiero con este artículo, revindicar a El Circo como una de las mejores de su filmografía y animaos a todos a verla.

La película tiene, como no podía ser de otra manera, a Charlot como protagonista. Al archiconocido y entrañable vagabundo esta vez le han confundido con un carterista y, al huir de la policía, acaba colándose accidentalmente en un decadente circo ambulante. Los espectadores, que se encuentran muy aburridos hasta la entrada del vagabundo, empiezan a reírse y a pasárselo en grande cuando éste entra en acción intentando librarse del policía. Las carcajadas van en aumento y llaman la atención del director del circo, que decide contratar a Charlot por su graciosa torpeza. En el circo le esperarán un sinfín de situaciones hilarantes y Merna, una mujer jinete de la que se enamorará a pesar de que ella esté enamorada de Rex, un musculoso trapecista.

El Circo fue la última película enteramente muda de Chaplin y una de las últimas en las que se caracterizó como Charlot. Aunque el sonido sincrónico ya había aparecido en el cine un año antes con El cantor de jazz, Chaplin fue uno de los muchos cineastas que puso resistencia al avance del sonoro. De hecho, sus siguientes dos películas (Luces de la Ciudad y Tiempos Modernos) son también prácticamente mudas en su totalidad: la primera tiene algún efecto sonoro y la segunda toda una actuación musical, pero los diálogos se siguen representando con intertítulos. No fue hasta 1940, 13 años después de la llegada del sonoro, cuando el director se aventuró con una película totalmente sonora (aunque el humor seguía siendo el humor físico característico del cine mudo): El Gran Dictador, que consagró el fin del Chaplin mudo y, con él, su alter ego Charlot.

Pero, a fin de cuentas, ¿por qué recomiendo El Circo?

Solamente el hecho de que es una película de Chaplin me valdría como argumento. Un filme del cineasta británico siempre es sinónimo de una película con corazón, con alma, que te entretiene, te divierte, te hace reír… en definitiva, Chaplin es sinónimo de cine de primer nivel.

En una obra de Chaplin nunca pueden faltar esos detalles que hacen del amor desinteresado una bandera, y que hacen de los sinsabores y descalabros un puente agridulce hacia la capacidad de levantarse una y otra vez de las caídas. De seguir adelante con la conciencia tranquila y el alma tal vez herida, pero no derribada.

El Circo es, pues, una película ideal para disfrutar en cualquier momento. Los apenas 70 minutos de filme, son ideales para ver tanto en esos días que estás de buen humor como en esos días que crees que el mundo se te viene encima.

Chaplin siempre sabrá cómo sacarte una sonrisa.

El plan de Bruno era simplemente recuperar a su ex novia, pero al fracasar opta por un nuevo plan, el B: decide enamorar a Pablo, la nueva pareja de Laura para después volver con ella.

que uno hiciera algo con el otro y viceversa.

Pero el plan perverso de Bruno comienza a salirse de sus manos, su amistad se va afianzando al descubrir que ambos se sienten cómodos, el uno con el otro.

Pocos hombres harían algo así por una mujer pero, en ocasiones el orgullo hace que los humanos actúen de manera perversa y alevosa sin medir las consecuencias aunque después teman enfrentarse a sentimientos que no habían experimentado.

El plan sigue su marcha, las fiestas, los besos robados entre el alcohol y las apuestas juveniles, a pesar de que ambos pasen de los 28 años. La situación se sale de las manos y los sentimientos de Bruno y Pablo comienzan a experimentar reacciones y deseos desconocidos.

En una tarde Bruno descubre que su ex novia Laura ha recuperado su vida sentimental y sexual a lado de otro hombre, Pablo, un fotógrafo y deportista muy atractivo. Bruno consigue recuperar a Laura pero sólo en el ámbito sexual, ya que ella se encuentra bien con la compañía de Pablo.

Después de ese encuentro pasional y tras el rumor de que Pablo ya había tenido encuentros con otros hombres, Bruno decide llevar a cabo su plan B; acude al mismo gimnasio que su víctima y logra intercambiar miradas confusas, insistentes y pasionales, sin embargo lo que surge es una amistad, se podría decir que común entre dos hombres, pero con un ligero nerviosismo en cada encuentro, que cada vez se hace más próximo.

Una amistad que coincide en gustos televisivos, el fútbol, fumar, pasar el tiempo juntos, tiempos muy silentes, como si esperaran a

Una película intimista y minimalista del argentino Marco Berger, que muestra como dos desconocidos van sintiendo afecto el uno por el otro, dos hombres que no saben expresar sus sentimientos y cariño pero, que lo van demostrando lentamente, como dos niños que dejan que los sentimientos surjan, los degustan y, como en este caso no son niños, los confunden.

Los rumores, los engaños inocentes y perversos, los sentimientos y deseos confusos, hacen de Plan B un filme para deleitar narrativamente hablando. Es una historia de amor, donde los bajos instintos están pero son poco mostrados, la esencia son los momentos de silencio, pensamiento, filosofía y análisis que cada mente pareciera gritar pero que lo callan con la compañía común y sincera de ambos hombres: Bruno y Pablo.

“¿Por qué sufrimos tanto las mujeres? ¿Acaso no hay otro camino para nosotras?” se pregunta una jovencita de no más de 18 años que se prostituye en una zona marginal de Bangladesh, interrogante que genera otra ¿realmente existe una gloria para las prostitutas?

Por otro lado la visión de los hombres que contratan a estas mujeres es muy distinta en cada país, en Tailandia las buscan para hacer lo que no pueden hacer con sus esposas, pero dejan claro que buscan a las prostitutas sólo por placer, las compañeras de su vida son sus esposas.

Tres naciones con tres formas distintas de ver el mundo, con culturas, razas y religiones diferentes se entrelazan a través de un oficio milenario: la prostitución.

En Bangladesh las prostitutas son vistas como las controladoras de las pasiones de los hombres, sin ellas los hombres tendrían relaciones sexuales con las mujeres de otros o con otras especies. Y en México los hombres las buscan por que el sexo que encuentran con ellas es más diverso, más sucio, más inseguro, más bestial, carnal y denigrante.

A través de tres zonas rojas, El Acuario en Bangkok, Tailandia; La ciudad del gozo en Faridpur, Bangladesh; y La zona en Reynosa, México, el documentalista austriaco Michael Glawoger muestra los aspectos en los que coinciden estos lugares pero que son concebidos y realizados de manera diferente en cada lugar: el rito de belleza, el religioso, el proceso de selección y la visión de los hombres que pagan por los servicios de estas mujeres.

La belleza es la parte primordial de las prostitutas, en ‘El Acuario’, hay un salón dedicado exclusivamente para embellecer a todas las trabajadoras, para después ingresar a una es-pecie de vitral en el cual las mujeres se sientan a esperar que algún cliente las elija. En este bar de Tailandia los rostros de las mujeres no son de angustia, al contrario, la impresión que dan es de gozo, su angustia más grande es la competencia sobre todo para aquellas mujeres maduras.

En Bangladesh las prostitutas viven en una zona marginal, unos edificios deteriorados llenos de pasillos. Los hombres caminan por ellos para elegir a una mujer, aunque muchas veces ellos son los escogidos. Las trabajadoras de ‘La ciudad del gozo’ mantienen arraigadas sus tradiciones culturales en su vestimenta y religión, no son las mujeres provocativas de faldas cortas y pechos descubiertos que conocemos, Faridpur es de las tres zonas la más marginal, dónde es clara la explotación sexual e infantil.

‘La zona’ de México es el lugar más desalentador de los tres, no hay un compañerismo entre las trabajadoras como en los casos anteriores, tiene más excesos, son más desinhibidas, pero al mismo tiempo son más autónomas, se podría decir que más libres. En esta zona de Reynosa los hombres llegan en sus camionetas o autos para elegir a una prostituta, ellas viven en una especie pequeños departamentos que dan a la calle, se colocan en la entrada de sus habitaciones y esperan al cliente para negociar.

Las mujeres de estos tres países son muy distintas, unas sufren más que otras por falta de trabajo, por escasez de dinero, porque alguien más las vendió y algunas por gusto, porque disfrutan del sexo con extraños.

La gloria de las prostitutas es el testimonio de los gozos y las angustias de las mujeres dedicadas al trabajo sexual; de la mecánica clandestina de cada lugar para contratar estos servicios; de los sueños no alcanzados y las vidas perdidas. Película que impacta por su honestidad pero trasciende por la crudeza de una realidad inacabable.

Los documentales fueron los inicios del cine y hoy en día son un medio de difusión real y verídico en el cual los protagonistas pueden ser las personas comunes, aquí no hay un actor interpretando un papel ya establecido, sino una persona común a la que las circunstancias la hacen protagonista de una historia importante, trascendente o memorable para una comunidad, sector o grupo social. El documental busca informar a partir de difundir la conciencia de un hecho o actividad y así lograr la discusión o entendimiento.

Por eso es importante darle la oportunidad a los documentales y asistir a los festivales y cines que los presentan. En esta ocasión, la octava edición del FESTIVAL AMBULANTE 2013, que como cada año realiza la gira en México, la cual recorre 11 estados y 30 municipios del 8 de febrero al 9 de mayo: D.F. y área metropolitana (Distrito Federal y Naucalpan de Juárez), del 8 al 21 de febrero; Guerrero (Acapulco, Chilpancingo y Taxco de Alarcón), del 22 al 28 de febrero; Puebla (Puebla y Cholula), del 1 al 7 de marzo; Veracruz (Xalapa), del 8 al 14 de marzo; Baja California (Tijuana, Ensenada y Mexicali), del 15 al 21 de marzo; Nuevo León (Monterrey y San Pedro Garza García), del 29 de marzo al 4 de abril; Coahuila (Saltillo, Monclova, Parras de la Fuente y Torreón), del 5 al 11 de abril; Jalisco (Guadalajara y Zapopan), del 12 al 18 de

abril; Michoacán (Morelia), del 19 al 25 de abril; Chiapas (San Cristóbal de las Casas, Tuxtla Gutiérrez y Comitán de Domínguez), del 26 de abril al 2 de mayo; y Oaxaca (Oaxaca, San Francisco Lachigoló, Guelatao de Juárez, Teotitlán del Valle y San Jerónimo Tlacochahuaya) del 3 al 9 de mayo. Además, habrá una extensión de varias proyecciones en Puerto Escondido y Huatulco del 10 al 12 de mayo.

Las doce secciones de la Gira de Documentales 2013 son: Reflector, Pulsos, Observatorio, Dictator's Cut, Injerto, Sonidero, Ambulantito, Retrospectiva, Enfoque: cine sobre cine, Imperdibles, Ambulante Más Allá (AMA) y Reflexiones. La retrospectiva de este año está dedicada a la figura del cineasta, documentalista, escritor y fotógrafo francés Chris Marker, fallecido en París en julio de 2012 a los 91 años. AMBULANTE quiere recuperar el legado de un artista interdisciplinario cuya obra se extiende a lo largo de más de seis décadas.

Además de contar con proyecciones al Aire libre, si AMBULANTE todavía no llega a tu ciudad, no lo dudes y acude a las proyecciones, la gran mayoría de ellas son sin costo, te aseguro que te dejara un muy buen sabor de boca.

Este documental realmente es muy informativo; debo confesar que jamás había escuchado de Ai Weiwei, para no sentirme tan mal culpo a la distancia, me es cómodo pensar que hoy en día los mexicanos no nos enteramos de cosas que suceden en nuestro propio país, así que saber qué sucede en China suena un poco más complejo, pero me alegra darme cuenta que éste es el poder de un documental, que te puede informar y entretener de manera excepcional con temas actuales y contrastantes como en este caso es el arte y la política, el saber la historia de viva voz del protagonista Ai Weiwei, quien es el artista plástico más famoso y prominente en la escena internacional pero además el disidente más combativo de China al cual se le ha acusado de no pagar impuestos, difundir pornografía por posar junto a varias mujeres desnudas y ser un bígamo por haber tenido un hijo fuera de su matrimonio.

En este documental la directora Alison Klayman combina de manera muy acertada la balanza de la vida de Ai Weiwei, quien es una figura prominente en la escena artística internacional, un habitual en los museos y bienales, fue consultor en el diseño del "Nido de Pájaro", el Estadio Nacional Olímpico de Pekín, recibió un chino Arte Contemporáneo "Lifetime Achievement Award" en 2008, sin dudarlo un orgullo chino y por otro lado el fuerte disidente, defensor de las voces individuales frente a la autoridad China, todo esto engloba el documental que nos deja ver una persona sensible al arte y a la problemática de su país. Y algo que sin duda fue un parte aguas de su fricción con el gobierno fue el resultado de su "investigación ciudadana" de víctimas del terremoto de 2008 en Sichuan, donde miles de estudiantes perdieron la vida al ser aplastados por los edificios. El número oficial de muertos se sitúa en 5,335, según datos ofrecidos por el Gobierno. Él, junto a varios voluntarios, recaudaron y publicaron listas con información como nombre, edad, género, centro educativo y clase de los fallecidos; fue un acto que le valió el repudio y molestia del

gobierno ya que Ai Weiwei culpa al gobierno por la mala edificación de las escuelas, él defiende que hubo pro-blemas y mala planeación en la estructura y construcción de dichos los edificios.

Una vez más vemos el poder de las redes sociales como medio de información en temas muy delicados, como es la muerte de tantas personas y los grandes abusos de autoridades, Ai Weiwei difundía noticias sobre los avances de su investigación y temas controversiales del gobierno Japonés a través de su blog, el cual fue cancelado. Hoy en día publica por Twitter.

Pero aún hay más historia... ¿Quieres saber qué hizo el gobierno en su contra? Pues busca el documental para que obtengas los detalles, espero esto de una probadita de toda la información que tiene es te documental Ai Weiwei Nunca Se Arrepiente. Altamente recomendable, de los que debes ver.

Si eres fan de Bob Marley o simplemente te gusta su música, debes de conocer la historia de este gran ídolo de la música jamaiquina. Entérate de muchos detalles de su vida que a lo largo de la historia se han convertido en mitos, entenderás porqué lo consideraban el artista más influyente de la segunda mitad del siglo XX. Las canciones que hoy en día son himnos para la cultura rastafari, lo fueron desde sus inicios para todos sus seguidores, por las letras de paz y amor que siempre proclamaba en cada una de ellas, como su canción “One love” que fue elegida como la canción del milenio por BBC o “Exodus”, nombrado el mejor álbum del siglo XX. Se convirtió en portavoz de paz de Jamaica, en los momentos de más violencia en su país. Por todo esto Bob Marley es considerado un símbolo de la lucha pacífica y la libertad.

Debido a sus raíces, conocía los peligros de las calles y las necesidades de la gente, era muy sensible a los problemas sociales, cuestiones que le ayudaban a expresar en sus letras, inicialmente experimento con el ska pero pronto descubrió el reggae aportación a la música que Bob nos dejó. “El reggae es música del pueblo, el reggae son noticas sobre ti y la historia” frase de Bob. En sus inicios, The Wailers fue su primer grupo, llenos de carencias, tocando con instrumentos prestados grababan sus discos y los vendían a las productoras que abusaban de ellos pues por lo general había un pago mínimo por su música. Bob era un músico muy comprometido, el primero que llegaba y el último en salir del estudio, como demostraba el compromiso y la decisión; Bob Marley fue elegido como líder del grupo. El primer disco de The Wailers fue un hit “Simmer Down” grabada 1963.

En 1966 a los 21 años Bob se convierte en rastafari, un movimiento de conciencia negra de origen jamaiquino que busca cambiar la lucha física y armada por la lucha espiritual.

Con este cambio, su vida da un giro, pues entra en una etapa espiritual, en la cual logra armonizar su vida y su música.

A lo largo del documental encontramos entrevistas con gente que vivió muy de cerca la vida de Bob Marley desde su infancia hasta sus últimos días, como Rita Marley su única esposa, Cindy Breakspeare Miss Mundo 1976 (una de sus novias), Michael Witter (escritor), Bunny Livingston (iniciadores de The Wailers), Peter Tosh (iniciadores de The Wailers), Al Anderson (guitarrista de Wailers), Cedella Marley (hija) y Ziggi Marley entre otros. Así, todos estos personajes que estuvieron presente en la vida de Bob, nos van contando cómo fue un solitario, no le pertenecía a nadie sólo a él; era desconfiado, no tuvo mejores amigos, sino compañeros que lo ayudaron a crecer.

Rita fue la única esposa ante la ley, pero Bob sostuvo con siete mujeres relaciones en las cuales, procreó once hijos. Es complejo para la cultura occidental entender cómo Rita, siendo su esposa y parte del grupo, aceptaba o pasaba por alto el que Bob tuviera relaciones sentimentales con otras mujeres. Bob decía que no estaba casado, ya que no creía en las reglas occidentales, decía no pertenecer a ninguna mujer, que sólo le era fiel a él.

Sus hijos lo recuerdan como un padre poco cariñoso y muy duro, siempre les inculcó el deporte, le gustaba jugar carreras con ellos, sufrieron racismo pues siendo hijos de Bob Marley las personas creían que sus hijos eran mala influencia para los demás niños de su edad.

En 1974 Bob organizó una nueva alineación de The Wailers que incluía a las coristas The I-Threes; esta decisión fue un éxito ya que le dio un sonido especial a la música. También nos detalla lo que sucedía en Kingston en el 56 Hope Road, la residencia, casa de ensayos y centro del universo de Bob, pues en esa casa se tomaban decisiones importantes en el ámbito político de Jamaica.

Otra pasión de Bob fue el futbol, en sus ratos libres las calles de Hope Road se convertían en estadios para sus partidos y practicándolo fue cuando se lastimó el dedo del pie, motivo por el que su salud se empezó a deteriorar. Entre muchos sucesos sobresalientes, sufrió un ataque en uno de sus ensayos, trataron de matarlo, pero asombrosamente la bala sólo rozo cerca de él sin lograr el objetivo de matarlo. Cuando le preguntaron sobre el tiroteo y si tenía miedo a que lo intentaran de nuevo, el contesto “lo que deba ser, será”, muestra de que no le preocupaba. Esto ocurrió por el gran poder político que tenía ya que fue previo a un concierto masivo cercano a elecciones en Jamaica.

Con un gran camino recorrido lleno de limitaciones, racismo, tropiezos, amor, fama y reconocimiento a lo largo de su vida, Bob Marley nos demuestra porque es la figura más importante de Jamaica y del Reggae, un conciliador político y generador de masa, un ejemplo de superación y un estandarte de paz.

Los recuerdos nos acompañan siempre por eso debemos pensar seriamente sobre nuestras acciones del presente, una vez hechas estarán en nuestros recuerdos por siempre, pero si tuviéramos la capacidad de olvidar algo, a alguien a voluntad dejando un hueco la memoria… ¿Lo harías?

Cualquiera puede robar arte y dinero, las pinturas dejan de gustarnos después de verlas colgadas en nuestras paredes todos los días y el dinero se acaba tarde o temprano, pero las joyas, el oro y los diamantes son para siempre. Los puedes vender por partes sin afectar su valor al contrario de un cuadro ¿Quién querría la mitad de un Monnet?

—Vamos cariño. —Dijo Alexis riendo, tomándome del brazo como si fuéramos una pareja felizmente casada. — Vi unos pendientes de rubíes que me encantaron, debo tenerlos.

—¿Debes tenerlos? —Pregunté haciendo énfasis en “deber”, abrí la puerta y entre después de ella a la joyería. Siempre me había parecido graciosa la manera en que los empleados analizan a los clientes, un vistazo a la ropa y a los zapatos, la marca del bolso y el tipo de auto en el que llegan les puede decir en cuestión de segundos si sólo perderán en tiempo o si ganaran la comisión de la semana.

Alex saludó a una de las empleadas y le pidió unos pendientes grandes de rubíes o esmeraldas, no estaba segura cuáles quería.

—Tal vez deberías buscar un collar que fuera bien con esos pendientes. —Dije y sonreí; la empleada, imaginando el dinero que obtendría de la venta, comenzó a sacar collares de precios ridículos.

Alex se los probó todos, mirándose al espejo, acomodando su cabello y riendo. Cualquiera podría haber pensado que estaba decidiendo si combinaban o no cuando en realidad estaba calculando el momento preciso para salir. Había un guardia de seguridad en la puerta, armado y dos empleadas, cámaras de seguridad y un sistema estándar.

—Mujeres, no se puede vivir con ellas ni sin ellas. — Dije al guardia de seguridad, ambos reímos. No sería difícil desarmarlo, era un arma de bajo calibre y a juzgar por su barriga sus reflejos no eran los mejores.

— ¡Los quiero todos! — Decidió Alex, las empleadas me miraron y yo asentí con una sonrisa, como si supieran que yo iba a pagar por todo comenzaron a empacar las joyas en sus estuches y a ponerlo en bolsos llenos de papel dorado.

—Quiero llevar estos puestos. —Pidió a las empleadas quienes asintieron y cortaron las etiquetas.

—El total seria…

—No me interesa —dijo cortantemente Alex— de eso se encarga Oner.

—¿Es todo? —Pregunté mirándola, ella asintió y me lanzó un beso, odiaba cuando hacia esas cosas tan exageradas. Inmovilice al guardia y tomé su arma antes que pudiera darse cuenta de lo que pasaba.

—¡Todos al suelo! — las empleadas no obedecieron y quite el seguro del arma— Al suelo, dije.

El guardia se recostó boca abajo en el suelo y las empleadas lo imitaron, liberé el cartucho y tire todas las balas al piso, deje el arma en el mostrador.

—Me encanta salir de compras. — Sonrió Alex y tomó el arma, disparó al guardia. — Olvidaste la recamara y no queremos accidentes.

Todos tenemos nuestros principios sin importar cuán en contra vayamos de las reglas, de las normas establecidas, tenemos nuestros propios límites y cuando cruzamos esos límites o cuando nos obligan a cruzarlos nos encontramos ante lo desconocido, sin saber donde detenernos y sin poder hacerlo.

—Te dije que no quería ningún herido mucho menos… — Ahora no había vuelta atrás no podía confiar en ella sin importar lo que hiciera había cruzado el único límite que tenía marcado. —Ningún objeto, sin importar su costo, vale una vida humana. — Murmuré, los ojos de Alexis estaban fijos en mí, inmóviles, su mirada se perdía en el infinito. La muerte del guardia estaba en sus manos y la suya en las mías.

Más tarde decidiría olvidarla, borrar todo rastro de su existencia de mi vida, continuar sin mirar atrás ni recordar su nombre. Jure guardar su recuerdo en una jaula y perder la llave de la cerradura de modo que nunca pudiera abrirse, que su memoria nunca pudiera acosarme ni volar libre.

ablar de Star Trek es hacer referencia a una de las franquicias más populares y longevas de la cultura popular norteamericana que ha traspasado fronteras y cosechado ejércitos de fans (o trekkies como ellos mismos se denominan) de manera global.

A través de series, películas, comics y toda clase de memorabilia que uno se pudiera imaginar, la fuerza de los seguidores de Star Trek es equiparable a la que poseen los seguidores de la otra gran saga de la ciencia ficción y aventura cinematográfica: Star Wars; es por eso que cuando se decidió hacer un reboot de la entrañable franquicia, muchos se opusieron y le auguraban un total fracaso. Pero J.J. Abrams no sólo logró ganarse el respeto de los trekkies, pues quedaron complacidos con la precuela que supuso la cinta, sino que la crítica también la consideró como una de los mejores blockbusters en la pantalla veraniega del 2009 con lo que se pensó inmediatamente en una secuela, aunque tardó cuatro años más en llegar.

En Star Trek, Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Anton Yelchin y John Cho dieron vida a las versiones jóvenes de los ya conocidos y entrañables Capitán Kirk, Spock, Uhura, Bones, Chekov e Hikaro Sulu. Así, J.J. Abrams relató en pantalla los orígenes de la tripulación de la nave espacial Enterprise que tuvo que enfrentarse a Nerón, quien buscaba venganza tras la destrucción de su planeta Rómulo, supuestamente a manos del Capitán Spock.

Para la secuela que ahora nos ocupa, J.J. Abrams repite como comandante del proyecto al que han regresado todos los miembros del elenco original para dar vida nuevamente a la ecléctica tripulación del Enterprise que esta vez se verá amenazada por una oscura fuerza que podría destruir la Tierra. ¿Su nombre? John Harrison, un terrorista y brillante estratega con extraordinarias dotes de manipulación. Cabe señalar que este personaje es inexistente en el universo previo de Star Trek, por lo que se le considera un personaje creado exclusivamente para la nueva era de la saga, aunque muchos sospechan que en realidad se trata del villano Kahn, un superhumano creado a través de eugenesia -mejora de los rasgos hereditarios humanos a través de diversas formas de intervención manipulada y de métodos selectivos de humanos, el origen de esta denominada 'filosofía social' está fuertemente arraigado al surgimiento del darwinismo social a finales del siglo XIX- y la ingeniería genética.

Así que mientras descubrimos en la gran pantalla los enigmas que encierra Star Trek: Into Darkness, no queda más que esperar pacientemente su estreno programado en México para el 10 de mayo, una semana antes de su arribo a las salas estadounidenses. Esperemos que Benedict Cumberbatch encarne a un villano -sea Khan o no- que esté a la altura que la saga se merece, aunque por sus trabajos previos (basta como ejemplo la serie Sherlock) estamos seguros que así será.

Larga vida y prosperidad para la saga Star Trek.

on dos características las que especialmente podrían definir al cineasta británico responsable de La Vida en el Abismo (Trainspotting; 1996): versatilidad y eficiencia. Y es que el director originario de Manchester ha recorrido con su filmografía casi todos los géneros cinematográficos y en todos ellos ha salido bien librado (aunque en unos más que en otros, claro está).

Con apenas una decena de filmes en su carrera (aunque ha hecho otras tantas para la televisión), ha ido desde la comedia romántica hasta la ciencia ficción pasando por el terror y el drama, en todas ellas ha salido victorioso al respetar las reglas del género que visita pero también ha logrado dejar su sello particular en cada uno de sus proyectos; quizá por eso haya sido el candidato ideal para la dirección de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de 2012.

En esta ocasión, el nuevo film de Danny Boyle es un thriller psicológico que gira en torno a Simon, un subastador de arte que se alía con una banda de criminales para robar una pieza artística valuada en no pocos millones de dólares; durante el atraco, Simon recibe un fuerte golpe en la cabeza que lo deja inconsciente, al despertar descubre que ha olvidado donde escondió la cotizada pintura. Después de amenazas y torturas inútiles que no logran hacerlo recordar el lugar donde ha guardado el peculiar botín, Franck, el líder de la banda criminal decide utilizar a Elizabeth, una terapeuta en hipnosis para que se sumerja en la mente de Simon y descubra la localización de la pintura. Lo que no saben, es que mientras más se adentran en el dañado subconsciente de Simon, los riesgos se vuelven cada vez mayores y las líneas que marcan la realidad y la sugestión hipnótica se desdibujan hasta desaparecer.

Como ya lo hizo en sus anteriores cintas, Boyle buscó dejar su huella en la pantalla con este thriller protagonizado por James McAvoy (Simon), Rosario Dawson (Elizabeth) y Vincent Cassell (Franck). “Quería intentar actualizar la idea del noir (cine negro) pero no quería hacer algo que fuera muy referencial o que se viera como algo ya visto. Quería habitar ese mundo, pero hacerlo dentro de un contexto moderno”, comenta el director de Exterminio (28 Days Later, 2002), el filme que vino a refrescar el subgénero de los muertos vivientes en la gran pantalla. “Cuando digo actualizar, también me refiero a hacerlo desde un punto de vista emocional. Cualquiera de estos personajes no tiene a nadie a quien recurrir, no hay sistemas, no hay una cadena de comando, y no hay parientes, o estructuras de apoyo”, comenta Boyle. “Están solos. Esta es la razón por la cual este tipo de filmes siempre están ligados al crimen, porque siempre tratan de personas que se valen por sí mismas, fuera de la ley”.

Y precisamente esa idea de “actualizar la idea del noir” fue lo que llamó la atención de su protagonista, James McAvoy. “Cuando leí el guión por primera vez, quedé impactado con esta alucinante, innovadora y psicológica película de robos”, comenta el actor que se encuentra en estos momentos en pleno rodaje de la secuela a X-Men: First Class, en la que encarnó a la joven versión del Profesor Charles Xavier. “Me parece que cada película que Danny ha hecho siempre ha sido osada e intrépida, y siento que no se atiene a los confines del género. Así que si está dentro de un género en específico, lucha por intentar llevar sus límites al máximo y, en ocasiones, hacer que se entrelacen varios géneros...", comenta el actor nominado al Globo de Oro como Mejor Actor en Drama por su papel en Expiación, Deseo y Pecado (Atonement).

Seguramente Trance sorprenderá gracias al talento de Boyle para construir eficazmente relatos cinematográficos destacables a partir de una premisa que pudiera parecer que no tiene mucha tela de donde cortar -sí, sí estoy pensando en el estupendo trabajo que realizó con 127 Horas (127 Hours; 2010)- y finalmente este mes podremos ver la nueva propuesta de este talentoso director británico.

a filmografía del ecléctico cineasta Baz Luhrmann se ha caracterizado por su innegable imaginación y su gusto recargado en detalles, sólo basta con ver su 'Red Courtain Trilogy' conformada por sus tres primeras películas: Strictly Ballroom (1992), Romeo + Juliet (1996) y Moulin Rouge! (2001)- para darse cuenta de que es un visionario dentro de la industria hollywoodense, aunque es precisamente su estilo lleno de detalles, de colorido y musicalmente vibrante, lo que le ha ganado bastantes detractores.

Con su anterior cinta, Australia (2008), el director se alejó un poco de su acostumbrada carga visual en el diseño de producción para dar paso a una historia que transcurre en el país de Oceanía de donde son originarios tanto el cineasta como sus dos actores protagonistas: Hugh Jackman y Nicole Kidman. Tras este homenaje a su tierra natal, el director regresa con una adaptación del clásico de F. Scott Fitzgerald donde nuevamente la fastuosidad visual y su versatilidad musical servirán para reinterpretar la novela publicada en 1925.

La versión de Luhrmann supone la cuarta adaptación al cine de la obra de Fitzgerald -además de una versión que se hizo exclusivamente para la televisión- y también el reencuentro del director con Leonardo DiCaprio, con quien trabajó en Romeo + Julieta. El actor a quien recientemente vimos en Django Unchained (2012) de Quentin Tarantino, encarna aquí al personaje central de la historia, Jay Gatsby, un misterioso y millonario joven sin ningún nexo con la sociedad y con un pasado incierto, pues nadie sabe cómo consiguió su fortuna -aunque algunos rumores dicen que lo ganó vendiendo alcohol de manera ilegal, mientras que otros apuntan que hizo su fortuna como asesino a sueldo-. La trama sigue también a Nick Carraway (encarnado por Tobey Maguire), un aspirante a escritor que al mudarse de la región central de los Estados Unidos a Nueva York, termina siendo vecino del joven millonario. Daisy (Carrey Mulligan), prima de Carraway, vive al otro lado de la bahía con su mujeriego esposo, el aristócrata Tom Buchanan (Joel Edgerton); así, el ingenuo Nick entra al mundo de los millonarios y escribe una historia de amores imposibles, incorruptibles sueños y grandes tragedias.

The Great Gatsby marca también la incursión del director a los terrenos de la tercera dimensión, pues la película fue filmada en ese formato que han utilizado otros directores como Martin Scorsese o Ang Lee para ofrecer al espectador una experiencia cinematográfica más profunda y no sólo como un elemento que busca atraer público a las salas, como ya lo han hecho otras cintas que han sido convertidas a 3D ya en la postproducción y que no ofrecen una experiencia tridimensional completa.

Y como ninguna película del director australiano podría estar completa sin su particular manejo de la música, la banda sonora de la cinta cuenta con Jay Z como principal artífice y productor ejecutivo del soundtrack. El cantante trabajó los últimos dos años al lado del director para traducir lo sensible de la era del jazz de F. Scott Fitzgerald en piezas musicales para nuestra época, mezclando el jazz tradicional, el hip-hop y ciertas texturas musicales contemporaneas. “El Gran Gatsby es esa clásica historia americana en la que te toca conocer la extravagancia, la decadencia y la ilusión. Es perfecto para experimentar y está puesto para ser reinterpretado con un giro más moderno. La imaginación con la que Baz hizo Moulin Rouge: Amor en Rojo, la convirtió en una obra maestra, y la banda sonora de Romeo + Julieta no era algo que se escuchara sólo como fondo, sino que la música misma se convertía en un personaje más. Esta visión y dirección de la película la convierten en una experiencia épica”, dijo Jay Z. Si a todo esto le sumamos que dentro del soundtrack también hay colaboraciones de Florence Welch, Florence + The Machine, The XX, Beyoncé, André 3000, Fergie, Q Tip, GoonRock, Coco O. de Quadron, Gotye, Nero, Sia y muchos más, sin duda la experiencia audiovisual que nos espera en The Great Gatsby será más que disfrutable.

Con ayuda de la preciosista fotografía de Peter Suschizky, David Cronenberg regresa a sus mundos surreales como los de El Almuerzo Desnudo (Naked Lunch) o Videodromo (Videodrome; 1983) y nos bombardea sin parar con veloces y mordaces diálogos enviados al subconsciente para despertarlo de su letargo. Como la mayoría de sus películas, Cosmopolis no es de fácil visionado, hay que verla más de un par de veces para descubrir buena parte -aunque no la totalidad- de la profundidad de los significados que se esconden tras los crípticos diálogos.

Eric Packer es un joven multimillonario de veintiocho años que se dedica a la asesoría de inversiones; durante un día de abril del año 2000, decide cruzar la ciudad de punta a punta para... cortarse el pelo. Durante todo el trayecto, queda atorado en el tráfico que ha traído consigo la visita del Presidente a la ciudad y las múltiples protestas en contra de la presencia del mandatario. A lo largo del camino, Packer se encuentra con varios personajes dentro de la pulcra -y un tanto futurista- limusina en la que se transpota por las atestadas calles; así conocemos a su agente administrativo Michael, a su experto en los terrenos de la tecnología de punta Shiner, a su esposa Elise, a su amante, a su guardaespaldas Torval y a un subordinado que fue despedido de la empresa del millonario y que ahora busca venganza.

A grandes rasgos, esta es la premisa de Cosmopolis, la nueva película de David Cronenberg, una especie de road movie de lento avance cuya acción transcurre en un solo día y con la que construye una analogía/crítica a la sociedad capitalista en decadencia a través del personaje central y los otros con los que interactúa dentro y fuera de su lujoso medio de transporte. La constante -por no decir perpetua- paranoia de Packer ante la situación económica tras la caída del yen chino no es más que la misma demencia de la sociedad occidental estadounidense en plena crisis (y no sólo económica).

Con Cosmopolis, David Cronenberg vuelve a demostrar que para él no hay un texto que sea imposible de filmar, ya lo hizo alguna vez con la adaptación a la pantalla grande de El Almuerzo Desnudo de William Burroughs; ahora lo vuelve a hacer con el traslado al cine de la historia original del estadounidense Don DeLillo, una novela descrita como 'imposible de filmar'. Cosmopolis es una cinta bizarra, surreal, erótica y violenta con la que el director complacerá a quienes lo acusaban de haberse traicionado a sí mismo tras haber dejado de lado sus películas más experimentales como ExistenZ (1998) o Crash: Extraños Placeres (Crash, 1996) e incluso sorprenderá por la cumplidora actuación de Robert Pattinson como el yuppie neoyorkino, créanme, aquí no es un pseudo vampiro cubierto de brillo, aquí se desempeña de manera correcta al dar vida a Erick Packer.

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a Demora, largometraje producido por Uruguay, México y Francia, antecedida por La zona (2007) y Desierto Adentro (2008). Es la tercera película del cineasta uruguayo Rodrigo Plá con las excelentes actuaciones de la actriz uruguaya Roxana Blanco (María) quien realiza un trabajo estupendo, ya que durante la trama las emociones nos trasladan a vivir la sobriedad de la rutina María y Agustín (Carlos Vallarino), un anciano encantador, algo terco, que enternece y le da un toque especial a toda la trama con historia y guión de Laura Santullo, eso es lo que presenta La demora.

Es una película conmovedora que logra trasmitir sentimientos de nostalgia, incertidumbre y amor, ya que vemos una historia cada vez más común y real en nuestros días: una mujer sola que no cuenta con nada, ni al menos trabajo estable, pero sí con la angustia e insatisfacción económica, ya que lucha día a día por sacar a sus tres hijos adelante, además de cuidar a su padre, un anciano de 80 años que está perdiendo la memoria. Pero todo esto lo puede hacer por el gran amor que le tiene a su familia.

La Demora, desde la primera escena, logra transmitir el cansancio y la rutina de Maria y la dependencia, que con la edad va adquiriendo Agustín, al no poder realizar las actividades básicas, para su vida diaria.

Agustín un viejito tierno y algo terco que vive entre la realidad de la vida y el pasado de sus recuerdos. -Inicia la escena con el fuerte ruido del agua cayendo sobre el cuerpo de Agustín, su hija María está tallando su espalda y el permanece quieto dejándose bañar por ella- Es una escena larga que nos introduce a la problemática familiar que ellos viven.

María, sin preocuparse de su persona y con la expresión de hartazgo en el rostro, no tiene el apoyo de su pareja, ni tampoco el de su familia, ya que por azares del destino, María es la encargada de su padre, pues su hermana se deslinda de esta responsabilidad. Aquí cabe la incógnita del porque en una familia con varios integrantes, sólo en uno de ellos recae esta responsabilidad, no es algo que ella solicitó, ¿por qué para los otros miembros les es fácil decir 'no puedo' cuando a Maria le es tan difícil hacerlo, y sin embargo, lo acepta en la medida de lo posible sacrificando todo con la única finalidad de que su familia esté bien?

Ella es la única encargada de aportar sustento al hogar, pero tiene un gran impedimento, no puede buscar un trabajo estable, ya que no debe dejar a Agustín, su padre, solo; él está en una etapa difícil, tiene lapsos de pérdida de memoria, y como dicen en los ancianos, regresando a la niñez, se le ocurre tratar de buscar sus recuerdos, visitar la casa donde vivió muy felizmente con su esposa años atrás. Sale continuamente de su casa sin pensar en los peligros de la calle y sumándole que, en el trayecto, se olvida el camino de regreso, así que en repetidas ocasiones María tiene que salir a buscarlo tratando de adivinar donde se le ocurrió ir en esa ocasión.

Dentro de su vejez, Agustín es consciente del gran esfuerzo que hace María para sostener su hogar y decide apoyarla accediendo a ingresar en un asilo de ancianos, acción que se ve truncada pues no es aceptado en los asilos públicos.

Ella se siente entre la espada y la pared, por una parte cada día son más las necesidades de los hijos (dos niños y una adolescente), y por la otra, la impotencia de no poder darle una mejor calidad de vida a su padre, motivo por el cual toma una decisión muy difícil precipitada y dolorosa para ella, pues tiene un gran amor por su familia, pero las vicisitudes del acontecer diario la hacen tomar decisiones erróneas, creyendo en el momento que el resultado sería lo mejor para todos.

La Demora nos maneja la disyuntiva de la elección de los afectos más importantes de la vida: ¿Tú a quién le darías prioridad, a tus hijos o tus padres?

1862: El invencible ejército francés de Napoleón III invade México para instaurar una monarquía junto con los conservadores mexicanos, y con la finalidad de invadir Estados Unidos para unirse al Ejército Confederado del Sur en la Guerra Civil Norteamericana. El General Ignacio Zaragoza prepara la defensa de la patria en la ciudad de Puebla, al mando de un ejército inexperto, inferior en número y pobremente armado. Durante los meses previos a la batalla decisiva surge el amor entre Juan y Citlali, dos humildes mexicanos que se unen a la defensa, una misión que parece imposible…

Diana tiene todo lo que siempre soñó, el único problema es ¡que todo es robado!. Jason Bateman (Si fueras yo) y Melissa McCarthy (Damas en Guerra) protagonizan esta comedia, en la que un hombre de negocios se da cuenta que una estafadora profesional ha robado su identidad y decide ir a atraparla. Con tan sólo una semana, él deberá hacer todo lo que esté a su alcance para capturar a la “indefensa y dulce” mujer que le ha visto la cara de tonto.

Katie Feldman, llegará a vivir a un pequeño pueblo costero en Carolina del Norte donde planea no relacionarse con nadie y pasar desapercibida. A pesar de las barreras emocionales casi impenetrables que ha construido para proteger su corazón, Katie conocerá a Alex, un viudo con dos pequeños hijos, que le enseñará a creer de nuevo en el amor y a experimentar la alegría de ese sentimiento. Pero nada es tan sencillo, ni como en los cuentos de hadas, la nueva felicidad de Katie se ve amenazada por los terribles secretos de un pasado que la persigue... un misterioso hombre llegará a hacer preguntas sobre su pasado y pondrá en riesgo su nueva vida. Katie deberá elegir entre una vida sin mayor riesgo, pero sin ninguna recompensa o una vida donde el amor es la única esperanza y en donde en un momento difícil, el amor es el único lugar para sobrevivir.

Alberto tiene un problema y ya no puede ocultarlo más. El maquillaje y el perfume no pueden contener la rápida decadencia de su cuerpo.

Consternado, decide retirarse del mundo, pero antes de rendirse a su muerte en vida, Alberto entablará una peculiar amistad con Luly, la manager del gimnasio de 24 horas en el que trabaja como vigilante nocturno.

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Cuenta la historia de una batalla épica que sucede en las profundidades de un bosque, entre las fuerzas del bien y las fuerzas del mal. Cuando una joven adolescente se ve mágicamente transportada a este universo secreto, deberá unirse al grupo integrado por divertidos y extravagantes personajes, para salvar el mundo de ellos… y el nuestro.

De Stephenie Meyer, la creadora de la famosa saga Crepúsculo, llega una nueva y emocionante historia de amor. En un futuro post apocalítpico en donde está en juego la humanidad, la Tierra ha sido invadida por seres que se hospedan en cuerpos humanos tomando el control de sus cerebros y almas. Después de ser capturada, Melanie Stryder se ve obligada a dar asilo en su cuerpo a un nuevo ser llamado Wanderer, quien ha tomado el control de su mente... pero no de su alma. Melanie se niega a desaparecer completamente de este mundo y utilizará lo poco que queda de ella para persuadir a este ser de ayudarla a reencontrarse con Jared, el amor de su vida. Los intensos recuerdos de un viejo amor no dejarán a Wanderer hospedarse por más tiempo dentro de esta fuerte alma que inundará de fuertes emociones al nuevo ser invasor, quien, incapaz de controlar los deseos de su nuevo cuerpo, anhela a un hombre al que jamás ha visto. Ahora, Wanderer y Melanie se convertirán en una misma y partirán en la búsqueda del hombre al que ambas almas aman...

Un joven reprimido de un pequeño pueblo norteamericano atrapado en una vida sin futuro decide escaparse a Guadalajara para convertirse en mariachero. MARIACHI GRINGO explora a través de la música la búsqueda de un sueño a pesar de los obstáculos culturales, personales, sociales y hasta los límites geográficos.

Nell Sweetzer, confundida y asustada, es encontrada vagando sola en las afueras de Lousiana, pero un grupo de sacerdotes intentará ayudarla a recuperar su vida y la llevarán de vuelta a la relativa tranquilidad de Nueva Orleans. Tras mudarse a Davreaux, una casa hogar para mujeres, Nell no puede recordar nada sobre los últimos seis meses de su vida, ni de aquel ritual al que fue sometida... sólo sabe que está sola y que su familia ha desaparecido, pero además, ella sabe que algo no está bien y que cosas extrañas están sucediendo. Nell comenzará a sufrir otra vez por el poder que alguna vez la poseyó... el demonio la quiere de vuelta... el primer exorcismo fue sólo un ensayo del terrible mal que está por venir.

Margaret Suckley (Laura Linney), recibe una llamada de su primo lejano, el presidente Franklin D. Roosevelt (Bill Murray), invitándola a pasar el fin de semana con él en su residencia de Nueva York, junto con el Rey Jorge VI y su esposa, en un histórico evento, donde por primera vez un rey inglés ha visitado Estados Unidos.

Todos estos personajes interactuarán de tal manera que lograrán mucho para ambas naciones, quizá sin darse cuenta, en un sólo fin de semana.

Un hombre que escapa de las garras crueles de un asesino en serie conocido como "The Collector" es chantajeado para rescatar a una niña inocente desde el almacén que es la trampa del asesino.

Un honesto relato a la adolescencia por parte del director Stephen Chbosky, que fue también el responsable de escribir el guión basándose en su propia novela en la que nos cuenta la historia del marginado joven Charlie y sus aventuras preparatorianas al conocer a un par de jóvenes tan segregados como él.

En la cinta, el protagonista Logan Lerman encarna a la perfección al preparatoriano deprimido por la muerte de su mejor amigo y con miras a convertirse en escritor (incluso hace que olvidemos lo mal que estuvo en Percy Jackson), mientras que Emma Watson y Ezra Miller vuelven a demostrar que ellos pueden ofrecer registros actorales muy distintos a los que ya nos revelaron como Hermione en la saga Harry Potter o como Kevin en la excelsa Tenemos que hablar de Kevin.

Una cinta muy recomendable en todos los sentidos, particularmente recomendamos prestar atención al soundtrack.

http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_marzo2013

Ya en su momento la recomendamos en esta misma sección (cuando cumplió 70 años de su estreno -revisar Celuloide Digital de Octubre 2011 en la que la aboramos más ampliamente en nuestra sección ‘Cronos’-), pero nunca está de más volver a poner en la mira este legado fílmico que nos ofreció Orson Welles en 1941, mucho menos ahora que se conmemoran los 98 años del nacimiento de su artífice.

Ciudadano Kane supuso la obra más exitosa de Welles y se ganó por mucho tiempo el título de ‘La Mejor Película de la Historia’ (recientemente fue destronada por Vertigo de Alfred Hitchcock, según la revista del Instituto de Cine Británico (BFI) Sight & Sound tras dar a conocer los resultados de la encuesta que realiza cada diez años).

Pero esté o no en el lugar de honor de la lista de Sight & Sound, su calidad como documento cinematográfico es innegable, por eso es importante su visionado y recomendamos la adquisición de esta edición especial que contiene, entre otras cosas, la versión remasterizada del filme y una versión con comentarios del reconocido crítico de cine (y recientemente fallecido) Roger Ebert; el documental ‘American Experience: The Battle Over Citizen Kane’, comentarios, entrevistas, imágenes exclusivas y mucho más de este GRAN clásico del celuloide.

Un neumático inanimado cobra vida de manera súbita, y tras dar sus primeros 'pasos', pronto se descubre poseedor de destructivos poderes telepáticos; así, pone en su punto de mira a un pequeño poblado estadounidense, y particularmente, a una misteriosa y joven mujer que se ha convertido en su obsesión desde que tuvo con ella un encuentro fallido en la carretera. ¿Qué más se puede decir de esta cinta que cuenta con esta absurda premisa? Pues se puede agregar que es un homenaje a 'ninguna razón' -aunque 'sin razón' sería una mejor traducción- , como bien nos advierte un personaje al comienzo del film.

Rubber: La Llanta Asesina representó para el músico y director de videoclips francés Quentin Dupieux su tercer largometraje, en el que el neumático telepata comienza a reventar las cabezas (literalmente) de todo aquel que se le ponga enfrente, mientras que un grupo de 'espectadores' contemplan, desde la seguridad que les ofrece la lejanía de sus 'asientos', el desastroso espectáculo del neumático. Dupieux realiza una crítica al sistema hollywoodense a través del público que sigue pendiente el sangriento recorrido del protagonista y con un final glorioso -que involucra a Hollywood directamene-.

Sí, es incoherente (los mismos personajes lo señalan en repetidas ocasiones), es absurda, es incluso estúpida en ciertas ocasiones, pero Hollywood nos receta cosas igual de absurdas (nada más chequen la cartelera, creo que por ahí todavía anda G.I. Joe: El Contraataque) con la única diferencia de que en esas cintas nadie, ningún personaje, se cuestiona las incoherencias o el nivel de absurdo de la cinta en la que habita.

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Este compositor es el responsable del tema (en mi opinión) más conocido / usado / parodiado / prostituido de la historia del cine, pero parece ser que nadie sabe (o quiere saber) su nombre. Por más que para muchos haya caído en un olvido inmerecido (me incluyo), lo cierto es que no podemos negar su maestría a la hora de componer. Llega como quinto compositor a este especial el mayor colaborador de Alfred Hitchcock, el maestro de las cuerdas Bernard Herrmann.

Tal cual dije anteriormente, el maestro de las cuerdas. Cuesta bastante imaginar que un tema del porte de “Psycho” solo esté conformado por violines, violas, violonchelos y contrabajos. La maestría de este compositor con las cuerdas queda más que demostrada en este tema, su magia envolvente es innegable y abrumadora. Ya desde el principio nos sentimos atrapados en el tema, que nos transmite desesperación total.

Mientras que los violines se encargan de dar movimientos cortantes, los violonchelos de fondo marcan un movimiento casi imperceptible. Es al final del primer minuto cuando escuchamos un violín algo relajante, para luego volver a desesperarnos, sumándole a todo el uso de los contrabajos, que dan un efecto de percusión al tema, haciéndolo tan único. Finalmente cierra el tema con todas las cuerdas al ataque y un golpe de contrabajo.

Si el tema no fuese de 1966 juraría que fue robado de Danny Elfman. Si bien no tiene vocecitas a lo Elfman, igual conserva esa inocencia omnipresente a lo largo del tema. Al principio sentimos que descubrimos un nuevo mundo, como que el tema nos transporta totalmente a algún lugar lejano.

Nuevamente las cuerdas dominan el tema. El arpa de fondo marca un movimiento envolvente y a la vez sublime. Finalmente el tema va perdiendo fuerza paulatinamente hasta quedar en el silencio absoluto.

Comenzando con percusiones este tema va ganando rápidamente fuerza, convirtiéndose realmente en una obra maestra. Conserva perfectamente el feeling de la época en la que fue compuesta. Al más puro estilo de Tchaikovsky, con exceso de romanticismo este tema se va reproduciendo dándonos un manjar auditivo. El tema va desarrollando el movimiento principal repetidas veces, pero es hacia el final donde lo sentimos con más fuerza, para cerrar de una manera predecible pero, a la vez, correcta.

Antes de ser colaborador del maestro del suspense, Bernard trabajó con Orson Welles.Curiosamente, compuso la música de la que muchos consideran la mejor película de todos los tiempos. Sea cierta o no esa afirmación, lo cierto es que no podemos negar la majestuosidad de su banda sonora. En este tema nos muestra nuevamente que no solo sabe usar las cuerdas y pone a toda la orquesta en movimiento. El tema comienza ya con muchísima fuerza. Yo no sé por qué, pero lo cierto es que me recuerda bastante a Tom y Jerry pero, ignorando eso, el tema se va desarrollando de una manera bastante cargada, pero aún así es bastante disfrutable. Es por los 1:30 que sentimos que escuchamos partes de “El lago de los cisnes” dando una magia única al tema.

Recuerdo cuando miraba un episodio de “American Horror Story”, si mal no recuerdo era el segundo, lo que sí, se quemaba una casa. Como la serie no me estaba convenciendo del todo, no le estaba prestando demasiada atención hasta que, de repente, salté por la tele, para escuchar más de cerca la música de fondo. Mis ojos salieron de sus órbitas cuando descubrí que, efectivamente, era este tema el que estaba sonando, cosa que me molesto bastante porque no me parecía que la serie esté a nivel de usar algo de Herrmann y menos, este tema. Hablando sobre el tema puedo decir que transmite exactamente lo mismo que el cartel, esa sensación de caer lentamente, de ser atrapado. Si bien empieza de una forma simple, es por los 0:40 donde empieza uno a sentirse asfixiado. Ya por los 0:50 nos vemos totalmente sumergidos dentro del tema y es para los 1:09 donde suena mi movimiento favorito del tema, con unos instrumentos de cuerda que parecen cortar. Ya pasada la desesperación, viene un arpa sublime a refrescarnos el día, para finalmente cerrar con unas cuerdas que van tomando fuerza pero se ven interrumpidas abruptamente.

Sentimos al comienzo que se nos caerá un misil. Rápidamente cambia el sentido de esto cuando escuchamos ese movimiento tan característico que es el leitmotif de los extraterrestres. Nuevamente, de fondo se escucha un arpa envolvente. Luego un piano nos da un movimiento bastante interesante pero a la vez muy movido que contrasta bastante con lo que escuchábamos anteriormente.

Al más puro estilo Vertigo comienza este tema increíble. Su movimiento principal es sorprendente, nuevamente, bastante cargado, pero a la vez super disfrutable. A los 0:20 se siente un movimiento no tan brusco y mucho más romántico para darnos algo de respiro. Ese romanticismo se va manteniendo a lo largo de todo el tema con el uso tan característico de las cuerdas. Luego volvemos a escuchar el movimiento que abre el tema, pero esta vez, con intenciones de acabarlo.

Siempre, pero siempre me preguntaba por qué la gente dice que el Jazz es un estilo que se asocia con la seducción… bueno, me preguntaba eso hasta escuchar este tema. Al escucharlo, todo quedo clarísimo. Escucho este tema y ya me imagino las miradas lascivas de los personajes, con tonos cálidos en medio de una cena romántica o en el cuarto de un motel. ¿Tanta sensualidad puede transmitir un tema?

Pues sí, este tema es el claro ejemplo de que sí y con él Bernard demuestra que no necesita valerse de las cuerdas para hacer algo bueno, dándonos uno de los mejores temas de su carrera con un saxofón y un piano bastante tímido.

Seguro conocen este tema… estoy seguro que alguna vez en su vida lo habrán escuchado. La mayoría posiblemente lo conozca por “Kill Bill”, pero qué tal si escuchamos la versión original. Comienza con ese movimiento tan conocido gracias a las sangrientas películas de Tarantino, movimientos suaves de fondo acompañan a este tema, pero es por los 0:37 donde empieza la verdadera magia, envolviéndonos totalmente. Luego ya se viene el movimiento principal de una forma mucho más bruta y menos amigable, pero más adelante son los vientos lo que marcan este movimiento, haciéndolo mucho más digerible y amigable. Por los 3:34 se repite el movimiento principal con otros instrumentos. Mucho más “melodramático” es esta vez, para luego dejarnos de la misma forma que comenzó el tema, repitiendo el movimiento principal.

No sé ustedes, pero yo no logro encontrar un tema tan conocido, prostituido e icónico del cine como este. Lo usan en programas de radio, de televisión y muchos otros medios. Muchos dicen que es por la escena (que también es una de las más icónicas del cine) pero, en lo personal, creo que se debe a la forma en la que está compuesto, aunque, obviamente, la escena aportó un plus al tema y viceversa, una simbiosis perfecta.

Hablando sobre lo que es el tema en sí, Bernard Herrmann nos demuestra nuevamente que su fuerte son los instrumentos de cuerda. Al igual que el tema 10 de nuestro especial, este score está compuesto totalmente por instrumentos de cuerda. Los violines y violonchelos al comienzo nos dan un movimiento que da esa sensación de “corte”. De tan bruscos que son ni siquiera parecen instrumentos de cuerda. Luego nos dan un merecido descanso, con una “percusión” de parte de los contrabajos.

El actor Luis Gerardo Méndez se presentó en la ciudad de Uruapan, Michoacán como parte del programa 'Leo... Luego Existo'. En el Día Internacional del Libro, el actor al que actualmente podemos ver en la exitosa comedia mexicana Nosotros los Nobles, estuvo presente en la recién renovada Casa de la Cultura de esta ciudad para la lectura en voz alta de cuentos breves y poemas entre los que destacaron los del autor José Antonio Alvarado.

La lectura comenzó con 'Niños Héroes', relato contenido en la obra 'Azul Rey, Azul Reina' de la autora Rebeca Orozco (hermana de la actriz Regina Orozco), que narra la preparación y realización de un peculiar concurso de belleza donde dos mujeres compiten por convertirse en la Reina de la Primavera en el pueblo de Tlapixco.

El actor continuó con un extracto de 'El Profeta' del libanés Gibran Khalil Gibran, en la que destacó al trabajo como la actividad más virtuosa del ser humano que no sólo mejora la calidad de vida, sino también enriquece espiritualmente al hombre al sentirse útil.

El actor finalizó con la lectura de diversos poemas de José Antonio Alvarado (originario de Zacapu, Michoacán) compilados en 'Para la hora del té' y con la invitación a la audiencia para acercarse a la lectura como una actividad de recreación, no como obligación, destacando también que la cultura, a través de la educación, es el camino único para rescatar a México.

Londres Después de Medianoche es el título de esta novela que toma prestado su nombre del mítico film homónimo de 1927 protagonizado por el célebre Lon Chaney y dirigido por Tod Browning. La trama de este trabajo literario firmado por el mexcano Augusto Cruz García-Mora lleva a un agente retirado del FBI a la exhaustiva y peligrosa investigación para encontrar ‘la película más buscada de la historia’.

Así, el otrora agente recorrerá distintos puntos de Estados Unidos y México (entre ellos, Monterrey, Tampico -de donde es originario el autor- y el D.F.) y se verá envuelto en una historia de maldiciones y leyendas que parecen rodear la existencia de la última copia de Londres Después de Medianoche, una cinta que tal vez, como señala un personaje de la novela, no quiera ser encontrada.

La novela que combina datos y situaciones reales con la ficción es un honesto y eficaz homenaje no sólo al cine de terror, fantasía, suspenso y ciencia ficción, sino a todo lo que encierra el término 'séptimo arte'.

Una novela que disfrutará todo cinéfilo que se precie de serlo, pero particularmente será una gran experiencia literaria para los que sean amantes de la época inicial del cine hollywodense, de Tod Browning y/o Lon Chaney.

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Casi tres años separan el más reciente material discográfico de la banda inglesa Foals de su última placa, Total Life Forever, editada en 2010.

Holy Fire, su nuevo disco, representa la definición completa de su estilo junto a la maduración musical, tanto en forma como en fondo. Sus ideas son mejor aterrizadas en letras directas y concisas, sin tantos rodeos; atrás quedaron los felices ritmos como los de la juguetona pieza 'Cassius' de su primer disco Antidotes, lanzado en 2008, y ahora ofrecen melodías anárquicas como en 'Inhaler', aunque los ritmos bailables no desaparecen del todo y se dejan escuchar en tracks como 'My Number'. Las muestras de evolución musical que ya habían mostrado desde el ya mencionado Total Life Forever (particularmente en las excelentes 'Blue Blood' y 'Spanish Sahara') aquí dan un paso extra y van más allá, hacia la madurez sonora de la agrupación.

Cabe señalar la participación de Alan Moulder y Flood como productores del disco; ambos son reconocidos por su experiencia dentro del mundo de la producción y han estado detrás del sonido de bandas como Smashing Pumpkins, New Order, The Killers, U2, Depeche Mode, Nine Inch Nails, entre otros. El trabajo de la dupla de productores en Holy Fire es evidente y sobresaliente por lograr una homogeneidad en la esencia del álbum, y a pesar de que puede parecer que los temas son muy distintos entre sí, todos suenan a Foals. Un disco sobresaliente.