CELULOIDE DIGITAL - NOVIEMBRE 2013 HUNGER GAMES 2 by Celuloide Digital

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penas ha pasado un año desde que se estrenó la primera adaptación de la trilogía literaria escrita por Suzzane Collins, una de las pocas franquicias (después de Harry Potter, claro está) que exitosamente ha consolidado su paso del papel al celuloide, pues contadas son las películas basadas en best-sellers que han logrado crear una conexión con la audiencia alcanzando gran éxito taquillero y moderados comentarios respecto a la crítica. Pero antes de adentrarnos en el mundo de esta secuela, es preciso recapitular la primera entrega: En Los Juegos de Hambre (2012; Dir. Gary Ross), lo que antes fue la zona geográfica conocida como Estados Unidos, ahora es conocida como la Nación de Panem, donde la imponencia del Capitolio gobierna de manera rigurosa y dictatorial sobre los doce distritos que lo rodean. De manera anual, cada uno de los doce distritos se ve obligado a participar en los llamados 'Juegos del Hambre', donde un chico y una chica de cada distrito (a manera de tributos) participan en un evento televisado, una lucha a muerte donde sólo puede sobrevivir uno de ellos. Allí, la joven Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), perteneciente al distrito 12, se ofrece como voluntaria para tomar el lugar de su pequeña hermana en los sanguinarios juegos, logrando sobrevivir junto a Peeta Mellark (Josh Hutcherson), el otro de los tributos del distrito 12, e ideando un plan para que ambos queden con vida y sean declarados ganadores de los juegos.

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En la segunda entrega de la franquicia que hoy nos ocupa: The Hunger Games: Catching Fire -y que cabes señalar que ahora viene bajo la dirección de Francis Lawrence, responsable de Constantine (2005) y Soy Leyenda (I Am Legend; 2007-, Katniss regresa a casa con Peeta (de quien debe ser pareja -por lo menos ante los ojos del Capitolio-) tras haber sobrevivido a la 74a. edición de Los Juegos del Hambre, pero ahora debe embarcarse en el 'Tour de la Victoria' a través de los otros once distritos; en el trayecto, la joven se da cuenta que se ha convertido en un ícono y modelo a seguir en los distritos marginados, donde una rebelión a comenzado a gestarse. Mientras tanto, en el Capitolio, el presidente Snow (nuevamente encarnado por Donald Sutherland) prepara ya la edición 75 de los Juegos (a modo de El Vasallaje, evento realizado cada 25 aniversario del evento) , donde la competencia será aún más reñida pues reunirán a los ganadores de las ediciones anteriores de los Juegos del Hambre, cambiando el destino de Panem para siempre. Es así como veremos a nuevos personajes unirse al universo de Katniss, entre quienes podremos encontrar a Plutarch Heavensbee (ni más ni menos que el gran Phillip Seymor Hoffman) como el nuevo jefe de los Vigilantes del Capitolio; Finnick Odair (interpretado por Sam Claflin de Snow White and the Huntsman de2012; y Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides de 2011), el tributo ganador del Distrito 4 en los Juegos del Hambre 10 años atrás con tan sólo 14 años gracias a su extraordinario (y mortal) talento con el tridente; Finick es acompañado en el Vasallaje por su

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mentora Mags (Lynn Cohen), quien se ofreció como tributo para esta nueva edición de los Juegos y así salvar a Annie, el amor de Finnick. Johanna Mason (encarnada por Jena Malone de Sucker Punch de 2011 y Donnie Darko de 2001), es otra de las ganadoras de Los Juegos del Hambre (específicamente de la edición 71 donde obtuvo la victoria al engañar a sus oponentes al mostrarse débil, pero aprovechándose de quienes la intentaban ayudar. Enobaria y Brutus del Distrito 2; Wiress y BeeTee del Distrito 3 y Gloss y Cashmere del Distrito 1, son otros de los tributos que serán introducidos en esta secuela y cobrarán cierta importancia en los sucesos que nos guiarán hacia las siguientes entregas. Pero no únicamente el universo de la cinta será expandido, también los formatos en los que se proyectará la cinta crecerán, pues se ha decidido que la franquicia incursione en el formato IMAX, un incentivo con el que también se pretende superar las ganancias que se obtuvieron con la primera cinta (poco más de $700 mdd a nivel global) y se prevee lograr una cifra cercana a los $950mdd en la taquilla mundial. Así, son muchas las expectativas que ha creado esta cinta y el próximo 22 de noviembre seremos testigos del comienzo de esa carrera por la taquilla que se quiere alcanzar, y también veremos la emocionante continuación de la historia que nos dejó con ganas de mucho más el año pasado.

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a familia de Nikola se componía de ella, sus dos hermanos mayores y sus padres. Vivían en el Distrito 12 y tenían una vida medianamente buena: Tenían alimento suficiente para los cinco, su padre trabajaba en las minas y su madre vendía huevos y algunas hierbas, lo cual les aseguraba una vida semi-tranquila, sólo tenían que sobrevivir a la cosecha y vivirían “felices por siempre". Pero como siempre, y más comúnmente en el Distrito 12, ninguna historia podría transcurrir tranquilamente. Su hermano, Nicolai, murió en los 69° de los Juegos del Hambre. Ese año habían dejado a los tributos en el desierto, esperando que la falta de escondites dieran mas batallas y escaramuzas, su cuerpo colapsó a los cuatro días sin agua bajo el Sol intenso. La muerte de Nicolai fue de las más tortuosas y crueles a los ojos de Nikola, había bebido agua de un oasis y esta le había causado alucinaciones, estuvo varios días tirado en la arena mirando directamente al Sol. Cuando murió su cara era una masa rojiza con la piel arrugada y llena de pústulas. Sus padres intentaron ser fuertes, por sus hijos, y porque en Distrito 12 no podías detenerte a llorar o a guardar luto por mucho tiempo. El tiempo transcurría y si te detenías mucho alguien más iba a

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y si te detenías mucho alguien más iba a tomar tu fuente de ingresos. Pocos meses más tarde su padre murió en el accidente de las minas que dejó a muchas familias en la ruina. La madre de Nikola no pudo hacer mucho después de eso. Al siguiente año, durante la siguiente cosecha, los agentes de la paz concluyeron que la madre de Nikola estaba en su lecho de muerte y permitieron que no fuera al evento. Su hija sabía que tenía miedo del resultado de esa cosecha, temía que se llevaran a su último hijo: Nibal. Desde el momento que su padre murió, Nikola se dedicó a hacer las labores que su madre no podía realizar y Nibal buscaba el modo de continuar con la cría de gallinas y el jardín botánico de su madre, era un trabajo difícil para cuatro, para dos era casi imposible. Nibal sugirió varias veces pedir alimentos a cambio de teselas pero su madre le respondió con una bofetada, nunca se volvió a mencionar el tema y tal vez por lo mismo, y por el hambre, Nikola no lo mencionó cuando pidió ayuda, dejando que su nombre entrara más veces al sorteo. A la siguiente cosecha el nombre de Nikola entro 5 veces numero que fue incrementando hasta llegar a las 23 veces a los 15 años. Era cuestión de tiempo para que Effie Trinket leyera su nombre an-

te la multitud, siempre lo supo, y cuando pasó podría jurar que había escuchado su nombre antes que lo leyera con su acento extraño del Capitolio. Lo que nunca esperaba era que el siguiente nombre fuera el de Nibal. El primer pensamiento que cruzo su mente fue: ¿Qué haría su madre? Si ambos morían… Si por alguna razón corrían con suerte y uno de los vivía, no, si su hermano lograba sobrevivir todo estaría bien, pero si era ella… Estaba segura que su madre se suicidaría. “Es tu deber que él sobreviva, sabes que tu hermano merece vivir” habían sido las únicas y las últimas palabras que su madre le había dirigido. Nikola había aceptado su destino, morir como su hermano Nicolai y como su padre, esperar que Nibal ganara y volviera a casa con su madre. Eso era todo para ella, iba a morir y había hecho las paces con ello, hasta que llegó el momento. Sus instintos la llevaron a sobrevivir un ataque, luego dos, cuando se dio cuenta sólo quedaban cuatro tributos mas, los Distritos 4 y 6, su hermano y ella. Pensó en lo que su madre le había dicho y por más que lo intentara, por más que lo consideraba mas incorrecto le parecía, ella tenía derecho de vivir y si no lo lograba tenía derecho a intentarlo al menos y eso haría…

ACTION! FLASHFORWARD ‘The Hobbit: The Desolation of Smaug’ - Pág. 12 | OUT ‘Todo el Mundo tiene a alguien menos Yo’ - Pág. 14 | LATITUD 7 ‘Tabu’ - Pág. 16 | REALIDAD MATA FICCIÓN ‘Miradas Múltiples: La Máquina Loca’ - Pág. 18 | EL OTRO CINE ‘The Crying Game’ - Pág. 20 | CRONOS: CLÁSICOS DEL CELULOIDE ‘Spellbound’ - Pág 20 | PREMIERE ‘Amor a Primera Visa’ - Pág 24 | PANTALLA ALTERNA ‘Festival Internacional de Cine Fantástico, Terror y Sci-Fi FERATUM 2013’ - Pág. 26 | FERATUM RESEÑAS: ‘The Cosmonaut’ - Pág 28; ‘Big Bad Wolves’ - Pág 30; ‘Thanatomorphose’ - Pág 32 | RESEÑAS ‘Gravity’, ‘Carrie’, ‘We Are What We Are’, ‘We’re The Millers’ - Pág. 34

a la espera está por terminar. Ansioso a que sea Diciembre, para ver las nuevas aventuras a las que se enfrentaran los Enanos, Bilbo, y Gandalf, acompañados por los Elfos, para poder regresar al Reino de Erebor y los Enanos recuperen su Reino. Por lo menos en esta parte sabemos que sí veremos al Dragón Smaug, bueno así lo hemos visto en los tráilers que han salido. Ya sabemos que Bilbo tiene El Anillo, y creo que en esta segunda, y muy importante parte, veremos cómo lo empieza a utilizar para salir de apuros. Un personaje muy misterioso que todos conocemos por la trilogía del Señor de los Anillos, cobrará fuerza y ya será más clara su aparición. Aunque quizá en esta parte sólo lo conozcamos como un gran hechicero capaz de despertar a los muertos,

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de dominar a los espíritus oscuros, dándoles increíbles poderes. Para los que no han visto el último tráiler, es ampliamente recomendable, lleno de aventuras, paisajes increíbles, a los que ya nos tiene acostumbrados Peter Jackson, terroríficos Orcos, Monstruos fantásticos, Elfos, Hobbits y por supuesto Enanos. Ojalá la espera haya valido la pena, y también veamos a Smaug completito y no solo la cabeza como en el tráiler. Yo sé que Jackson no me defraudará con el Bosque Oscuro, con los efectos especiales y con esta segunda muy importante parte de la Historia. Ya será 13 de Diciembre, estaremos saliendo del cine y todavía lamentándonos de que falte un año y cuatro días para ver la tercera parte: “There and back again”.

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entro del llamado 'Cine Gay', las historias de amor lésbico son muy pocas si las comparamos con el número de producciones donde los protagonistas son dos hombres homosexuales, pues al parecer, el ver a dos mujeres en pantalla como pareja romántica central sigue siendo un tabú; ésto a pesar que en la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, el filme que se llevó el premio principal (La Palma de Oro) fue una cinta que retrata el amor de dos jóvenes mujeres: Blue is the Warmest Color (La Vie D'Adèle: Chapitre 1 & 2). Y es precisamente una historia de amor lésbico, con la que Raúl Fuentes Muñoz participó en el programa "Ópera Prima de Ficción del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos" de la UNAM, donde su película Todo Mundo tiene a Alguien Menos Yo, fue la seleccionada para ser producida en 2011. La trama de la película, filmada en blanco y negro, sigue a la treintañera Alejandra (interpretada por Andrea Portal), mujer de carácter estricto que está harta de la cotidianeidad, cuyas obsesiones y manías la han arrastrado a un mundo de soledad al hacerla fracasar en sus relaciones pasadas; ésto hasta que conoce a María (encarnada por Naian, Daeva), adolescente llena de vida pero que vive insatisfecha con su realidad. Ambas descubren, en sus diferencias, un mundo infinito de posibilidades, aunque el

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afán (auto)destructivo de Alejandra podría poner en riesgo toda la novel aventura que han comenzado en pareja. La cinta -realizada bajo la producción ejecutiva de Laura Pino y sustentada en gran medida por diálogos improvisados apoyados musicalmente por temas de bandas de Noruega, Chile, Japón, Estados Unidos, y por supuesto, México- se presentó en el marco del Festival Internacional de Cine en Guadalajara en 2012, participando en la Sección Largometraje Mexicano donde se llevó el premio a la Mejor Fotografía (a cargo de Gerónimo Rodríguez) y le fue otorgada una Mención Especial dentro de la Sección Premio Maguey, la cual se enfoca en la proyección y promoción de cintas con temáticas de diversidad sexual. Tras la realización de su ópera prima, Fuentes Muñoz también ha realizado El Miedo Secreto a estar Sola un cortometraje para la campaña Reacciona México con la que se busca erradicar la homofobia y promover el respeto hacia las personas LGBTT. Además, el director ya trabaja en su segundo largometraje, Te besaré para siempre en noches como esta, historia que tendrá como protagonista a una vampira lesbiana. Por lo pronto, nos da gusto que finalmente Todo Mundo tiene a alguien menos yo tendrá su estreno este mes; recomendamos que no se la pierdan.

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a nueva película del portugués Miguel Gomes es una aproximación a la 'saudade', un estado de ánimo tan exclusivo de la cultura portuguesa que es casi imposible de describir con total precisión, pues no existe ningún otro termino en ninguna otra lengua o idioma del planeta que pueda describir este particular estado anímico, aunque la 'melancolía' podría ser lo que más se acerque o con lo que más parecido guarde. Así, teniendo como obstáculo la imposibilidad de describir con palabras la 'saudade', Gomes se vale de las herramientas que ofrece el séptimo arte para plasmar en pantalla ese estado humano tan propio de su cultura. Conformada por dos capítulos, Tabú cuenta la historia secreta de una mujer que sale a la luz tras muerte de ésta. En el primer capítulo, 'Paraíso perdido', vemos la convivencia de dos mujeres mayores en un edificio de Lisboa en la época actual: Aurora (Laura Soveral), una adinerada mujer de carácter fuerte pero con problemas de adicción a los juegos de azar en el casino donde ha perdido una cuantiosa suma de dinero y no puede regresar a casa sola; Santa (Isabel Cardoso), mujer encargada de cuidar a Aurora; y Pilar (Teresa Madruga), su vecina, una mujer entregada a la ayuda del prójimo y quien ha significado la única amistad para Aurora. Tras la muerte de Aurora, y la posterior aparición de un hombre llamado Ventura (Henrique Es-

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pírito Santo), Pilar y Santa descubren secretos de su pasado: una historia de amor, aventura, crímenes y muerte ocurrida en lo más profundo del Continente Negro. En el segundo capítulo del filme, el más sobresaliente y llamado ahora simplemente 'Paraíso', Gomes relata con enorme maestría la historia de la juventud de Aurora (ahora interpretada por Ana Moreira) y su romance clandestino con el explorador Ventura (Carloto Cotta). El uso del blanco y negro que ya estaba presente en el primer capítulo del filme, se ve apoyado en su segunda mitad por elementos del cine silente (es decir, la ausencia total de diálogos y el énfasis en las interpretaciones de los actores), remitiendo a clásicos como los de Murneau, pero también utilizando canciones pop en pleno continente africano de la década de los años 60, por lo que no es de extrañar que también nos vengan a la mente otras propuestas silentes más recientes como El Artista de Michel Hazanavicius o Blancanieves de Pablo Berger. Tabú plantea una historia de amores prohibidos, tema recurrente en las artes (no únicamente en la cinematografía), pero es un sobresaliente ejercicio fílmico gracias a su enorme inteligencia y gran sensibilidad; es una cinta onírica sobre una parte de nuestra condición humana y sobre nuestras añoranzas por todo lo perdido. Melancólica.

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l color es el opio de los seres humanos', 'El aspecto humano no se aprende en los libros', 'Él capturó toda la esencia mexicana', 'Era como un arquitecto azteca, todo su trabajo lo construyó de su propia sociedad', 'Contó todos los aspectos de su país: cultura, arte, tradiciones, política, sociedad, etc.'. Gabriel Figueroa es considerado como uno de los mejores cinematógrafos de la historia del cine, de nacionalidad mexicana, trabajó ardua y activamente durante la 'Época de Oro del Cine Mexicano', al lado de grandes directores como Emilio 'El Indio' Fernández, Roberto Gavaldón, Luis Buñuel, Julio Bracho, entre otros. Su legado es reconocido a nivel mundial, y el documental permite escuchar de viva voz a diferentes cinematógrafos de distintas partes del mundo, cada uno detallando la influencia de Figueroa en el séptimo arte y en la cinematografía misma. Este documental me hizo sentir mucha dicha y placer, pues como amante de la 'Época de Oro del Cine Mexicano', mi mente se llenó de emoción con cada 'fotograma' que mostraban de algunas de

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las películas en las que el Sr. Figueroa participó; durante todo el documental siempre se resaltó lo fundamental de su trabajo y pieza clave para conseguir secuencias, planos, tomas, etc. simplemente excelentes. Cinematógrafos como Anthony Dod Mantle, Vittorio Storaro, Darius Khondji, Javier Aguirresarobe, Ricardo Aronovich, Larry Smith, Raoul Coutard, Janusz Kaminski, Shoji Ueda, Haskell Wexler, entre otros, hablan acerca de la importancia e influencia que tiene la cinematografía actual gracias a los trabajos de Gabriel Figueroa; el resultado es todo un oasis de puntos de vista, que englobados se complementan y resaltan la belleza y proeza que representa el trabajo de quien es uno de los mejores de todos los tiempos -en su ramo-. Un excelente documental donde podemos ver joyas del cine mexicano como: María Candelaría, El Ángel Exterminador, La Perla, Enamorada, Macario, Días de Otoño, Los Olvidados, La Malquerida, Salón México, Distinto Amanecer, Las Abandonadas, Pueblerina, etc., un deleite total.

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ody, un soldado británico, es seducido por Jude, una mujer que en realidad forma parte de la organización terrorista IRA que busca secuestrarlo y mantenerlo como rehén para entablar una negociación con el gobierno y que liberen a uno de los suyos. Durante su confinamiento, el militar entabla una singular amistad con Fergus, uno de sus captores; Jody le pide que, si lo matan, busque a su novia Dil en el pub donde trabaja -The Metro Bar- y le entregue una margarita. El rehén intenta escapar pero muere en el intento, mientras tanto, el gobierno prepara una emboscada contra los terroristas, de la cual sólo Fergus escapa con vida. Es así como da comienzo esta historia en la que el noble terrorista es arrastrado al mundo desconocido de Jody y su pareja Dil, quien trabaja como estilista además de presentarse en The Metro Bar por las noches. Fergus, ahora bajo el nombre de Jimmy, entabla una fuerte y estrecha relación con Dil, quien no sabe nada sobre su pasado con la IRA, aun-

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que hay algo de Dil que tampoco Fergus conoce. Juego de Lágrimas es una historia fascinante (escrita por el mismo Neil Jordan), llena de intriga y de la cual no es recomendable saber más sobre ella, pues el giro en la trama es crucial para el impacto del relato; pero tampoco hay que olvidar que ese 'giro' en la trama es sólo uno de los varios grandes aciertos del filme, pues el guión en general es de una factura impecable, así como la dirección de Jordan; también las actuaciones son sobresalientes por parte de todo el reparto, desde la pequeña pero contundente participación de Forest Whitaker como Jody hasta Stephen Rea como Fergus, pasando claro está, por las dos mujeres del relato: Miranda Richardson como Jude y Jaye Davidson como Dil. Amor, sexo, muerte, traición y redención se conjugan en Juego de Lágrimas, un clásico de culto cuyo visionado es, más que recomendable, obligatorio.

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M m

ucha gente conoce mi 'enorme' gusto por el cine de Hitchcock, y no es para menos, pues con el paso de los años se ha consolidado como "Mi Director Favorito Número 1". La gran capacidad del director inglés para atraerme y 'meterme' de lleno a sus películas, es lo que me ha impactado y maravillado, tramas llenas de detalles y suspenso extraordinariamente bien hechas. Ingrid Bergman toma el rol de una psicoanalista que junto con otros ejerce en Hospital Mental de Vermont. El director del Hospital debe retirarse y dar paso a un nuevo 'director', en este caso el Dr. Edwardes. Tras un par de días, la relación entre la Dra. Constance y el Dr. Edwardes pasa de lo profesional a lo sentimental, pero al mismo tiempo van aconteciendo cambios en la personalidad y físico del Dr. Edwardes, que hacen entrar en duda acerca de la salud mental del mismo, lo que lleva a descubrir un pasado y personalidad dudosos y tormentosos.

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Una de las películas que me ha resultado conseguir era precisamente Spellbound (aquí en México: Cuéntame tu Vida), y ahora, me da gusto decir que voy completando la filmografía de Hitchcock, anoche finalmente pude ver esta Obra Maestra. Indudablemente la película resultó un manjar total, pues está llena de elementos que la elevan a algo distinto que pocas veces he visto. Una excelente banda sonora (de Miklós Rósza), una fotografía estupenda (destacando esa escena de las 'mil puertas'), una dirección soberbia (como siempre), un par de actuaciones maravillosas, empezando por Ingrid Bergman, le sigue un joven y casi desconocido Gregory Peck; qué decir del guión y del diseño del set (surrealista, hecho por Salvador Dalí). En resumen, otra gran película que hay que ver, llena de los clásicos toques 'hitchcocknianos' (suspenso, amor, y ahora psicológicos y mentales).

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l pasado 4 de octubre, en Estados Unidos fue estrenada la cinta Pullings Strings; ahora los mexicanos podrán disfrutarla. Presentando el estreno oficial el viernes 8 de noviembre, Leonardo Zimbrón productor de este film, nos presentó en rueda de prensa el elenco de la película Amor a Primera Visa protagonizada por la actriz estadounidense Laura Ramsey, a quien podremos ver como Rachel Simons, una mujer inteligente, pero mostrando frialdad trabajando como cónsul en la embajada de los E.U.A. en la Cd. de México, y la cual, con el tiempo, se enamora de Alejandro Fernández, interpretado por el actor Jaime Camil, quien le muestra un México brillante en cultura, comida, música y gente; un hombre entregado a su hija y que busca conseguir la visa y poderla enviar con sus abuelos. María, su hija, es interpretada por la pequeña Renata Ybarra. Es así como se desencadena esta historia de amor, una trama que arranca cuando el personaje encarnado por Ca-

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mil desea obtener la visa, la cual rechaza Rachel, pero tras una noche de tragos en sus últimos días por la ciudad antes de partir a Londres, en ella ve la oportunidad de obtenerla, pero sin contar que a partir de eso surgiría el amor inesperado. Acompañando siempre a esta pareja está 'El Canicas', compadre y gran amigo de Alejandro, y que es personificado por el actor y comediante Omar Chaparro, que le da ese toque único a esta cinta. Chaparro confiesa que Amor a Primera Visa le ha dado la oportunidad de improvisar y atreverse a realizar una mezcla de personajes como Pedro Infante, Piporro y su mismo padre, dejando esos personajes que podemos ver en TV; se muestra como un mariachi galán, positivo y con frases que sacará risas a los espectadores, considerándose como un entretenedor, por lo cual argumentó sentirse motivado y feliz para salir de los estigmas y demostrarnos al actor que con constancia y disciplina nos muestra en la pantalla grande y con próximos proyectos en Hollywood.

Por su parte, el director Pitipol Ybarra destacó hacer un homenaje a México, al mariachi, a la familia, al amor; elementos que reúne el film para cautivar al público con el Cine de la Época de Oro, especificando ser una historia universal cuya situación puede surgir en cualquier parte del mundo por los elementos por los que está formada. Es así como Jaime Camil, Laura Ramsay, Omar Chaparro, Aurora Papile, Renata Ybarra, Leonardo Zimbrón y Pitipol Ybarra, hacen la más cordial invitación a asistir al cine el primer fin de semana del estreno, ya que es el más importante para que la cinta se mantenga en cartelera. Amor a Primera Visa es una historia que reúne elementos de amor y comedia, mostrando un México diferente, sin violencia y presumiendo un México con valores por parte de la gente que lo conforma; así que no te pierdas esta historia que promete enamorar pero al mismo tiempo provocar una carcajada por el timing que maneja la cinta porque para el Amor. .. No hay trámites.

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Nuestra llegada al Pueblo Mágico de Tlalpujahua fue alrededor de las 2 de la tarde; tras instalarnos en el hotel y buscar algo para comer nos dirigimos a nuestro primer visionado en el Teatro Obrero: In The House of Flies (programada para las 15:00 hrs.), pero sorpresivamente lo que comenzó ante nuestros ojos -varios minutos después- fue La Era de Hielo 3 y momentos después, uno de los miembros del staff del festival anunció que no les había llegado la copia del filme canadiense, así que no se proyectaría. Tras la primera decepción, salimos a recorrer el pueblo, y entre otras cosas, entramos al Museo Rayón para la exposición "Gallery of Horrors". ¡Magnífica!. Más tarde regresamos a presenciar la película inaugural (a las 9:15 p.m.); al llegar nos dijeron que ya no había lugares disponibles (segunda decepción del primer día); tras buscar algo para cenar, regresamos al teatro poco antes de las 23:00 para averiguar si ya había lugares disponibles para la siguiente proyección (el cortometraje Caminando por las noches de Cristina Esquerra, programado para las 23:00), pero nos dijeron que ya había comenzado la última proyección de la noche (?); extrañados, entramos al Teatro para descubrir que ya había comenzado la proyección de Junkie de Adam Mason (programada para comenzar hasta las 11:30), así que en ese primer día sólo pudimos apreciar poco más de la mitad de esta entretenida propuesta.

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La segunda jornada de Festival mejoró en muchos sentidos: desde la mañana comenzaron puntuales los cortometrajes de animación programados a las 11:00 hrs., para dar paso al interesante trabajo de Alejandro Iglesias, Contrafábula de una Niña Disecada, y después la entretenida El Vuelo de los Cuervos de Cristian Toledo. Poco después de las 15:00 hrs. presenciamos la irregular Polos de Alan Coton, quien se presentó con parte del equipo de producción (incluida la protagonista Aline Marrero), quienes respondieron algunas preguntas de la audiencia. Tras la comida -y un breve descanso en el hotel- el grupo se dividió para asistir, unos, a la “Marcha de las Bestias", y otros, a la serie de Cortos Internacionales. Ambas actividades, con sus contratiempos en cuanto sus horarios de inicio, descontrolaron nuevamente nuestra agenda: la "Marcha..." comenzó una hora después de lo programado y los cortometrajes (donde pudimos ver grandes joyas como Leñador y la Mujer América y La Ciudad de Gao-Feng) se extendieron más de lo debido -algunos se repetían más de dos veces- y no se proyectaron las funciones siguientes: Regina de Javier Ávila (programada para las 21:00 hrs.) y La Sagrada Familia de Alfonso Virués (a las 23:00 hrs.).

Asistimos a la proyección de Cortometrajes internacionales donde pudimos apreciar interesantes trabajos como Walkie Talkie, Titre Indertermine (divertidísimo y original corto) y Vienna waits for you / Spitzendeckchen; después estuvimos en la excelente presentación del libro '200 Alternative Horror Films You Need to See' y la presentación del DVD The Last Will and Testament of Rosalind de Rodrigo Gudiño. Más tarde, y después de comer, asistimos a la Master Class con José Mojica, Gary Pullin y Rodrigo Gudiño (que cambió su sede del Museo Rayón a la Capilla Cofradía), para finalizar nuestra velada con la Dark Carpet en el Teatro Obrero donde presenciamos una de las mejores películas del año (por lo menos para quien esto suscribe): Big Bad Wolves, después se presentó el mordaz corto "La Sagrada Familia de Alfonso Virués (que no se proyectó la noche anterior en la Capilla Cofradía) y la no tan agradable Thanatomorphose, de la cual adelantaron su proyección un par de horas (de hecho terminó a la 01:00 del domingo, hora a la que, según el programa, daría inicio la función).

Mejor Largometraje “The Cosmonaut”, Nicolás Alcalá, España Mención Especial Largometraje “Necros”, Tonatihu Loza, México Mejor guión: “El malcriado” de José Miguel Núñez Macías, México Mejores cortometrajes de animación A) Primer lugar : ¿Qué es la guerra?, Luis Beltrán, México B) Segundo lugar: “Bendito Machine”, Jossie Malis, España C) Tercer Lugar: “Pandemonium Virus NZ1, Jorge Bonilla Fuchis, México Mejor Corto Nacional “Viajero Eventual “, Xavier Velasco, México Mejor corto de Terror “Nos vemos en Viena” , Dominick Hartle, Austria-Chile Mejor corto Internacional “La ciudad de Gao-Feng”, Oril Martínez, España Mejor Documental “The Birth of the living dead”, Rob Kuhns, USA Mejor Largometraje de Fantasía y Ciencia Ficción “Buscando la esfera del poder”, Tetsuo Lumiere, Argentina Premio Xtreme “Visceral, Entre la cuerdas de la locura”, Felipe Eluti, Chile.

Durante la última jornada en Tlalpujahua, asistimos a las proyecciones de OXV: The Manual (una compleja pero sorprendente cinta 'romanticofilosoficocientífica' que nos dejó con un gran sabor de boca) y de la irregular The Cosmonaut (que durante la premiación celebrada la noche anterior, se había llevado el premio principal del Festival). Y así fue como culminó nuestra experiencia en una irregular segunda edición de Feratum donde la gran desorganización logró, por momentos, decepcionarnos en gran medida; no obstante, es plausible el gran esfuerzo de todo el equipo y esperamos que en futuras ediciones estos problemas se vayan solucionando. www.facebook.com/celuloidedigital

l Cosmonauta es un peculiar proyecto cinematográfico español financiado netamente a través de crowdfunding; es decir, a través de la contribución económica del público para la producción de la película. El proyecto, liderado por Nicolás Alcalá (el joven director), surgió en 2008 cuando se decidió hacer un largometraje partiendo de un corto ya existente. A casi un lustro de haber dado marcha al proyecto, el filme ya pudo ser estrenado en cines, de manera online (puede verse gratuitamente en su página web) y en otros medios alternativos de difusión. La trama sigue a un triángulo amoroso perteneciente a las fuerzas espaciales de la Unión Soviética que continúan en la carrera espacial contra los Estados Unidos y buscan realizar un alunizaje. Stas, Andrei y Yulia conforman el trío protagónico; los dos primeros son dos mejores amigos que terminan enamorándose de la joven, aunque por respeto a su amistad, ninguno de ellos hace un movimiento para ganarse su amor. Tras un accidente en las instalaciones espaciales de la U.R.S.S., Andrei ve destrozadas sus esperanzas para realizar un viaje espacial; finalmente, Stas resulta ser el elegido para la misión. El cosmonauta se pierde en el espacio, y a su regreso a la Tierra, éste la encuentra completamente deshabitada. Mientras tanto, Yulia y Andrei, quienes ya han comenzado una relación afectiva mucho más íntima, siguen a la espera del regreso de Stas, de quien sólo tiene noticias a través de fantasmales mensajes radiofónicos que esporádicamente logran captar y donde da fe de un mundo desolador. El Cosmonauta es una (casi completamente) placentera sorpresa fílmica indie en la que claramente se notan las in-

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fluencias de grandes directores: en el fondo se muestran obvias referencias al cine de Andréi Tarkovsky (planteamientos existenciales, por ejemplo); y en la forma, la preciosista imagen recuerda al cine de Terrence Malick , claro, guardando sus respectivas distancias pues los encuadres aquí obviamente no son los de Lubezki. Sobresale su cuidado y detallado diseño de producción y algunas escenas verdaderamente sorprendentes -si se toma en cuenta que se trata de un proyecto levantado de la nada a través de crowdfunding, claro está. Lamentablemente, el mismo cuidado que tuvieron en el área técnica no se nota en el área narrativa, pues a pesar de las buenas intenciones del planteamiento al estilo Tarkovsky -de quien se nota son grandes fans-, la fragmentación y disposición no cronológica de las secuencias hacen que la película pierda fuerza y profundidad en su premisa y en sus personajes. Los primeros veinte minutos son bastante bien logrados en todo sentido, pero tras ese lapso, y tras una serie de escenas irrelevantes que no dicen nada acerca de los protagonistas, la conexión con el público se pierde. En la última media hora, la cinta vuelve a levantarse logrando nuevamente atraer la atención del público por la historia (pues ahora sí están contando algo 'relevante'), pero el abrupto -y nada contundente- final, podría parecer para muchos una tomadura de pelo, un engaño yo todavía no lo decido. Así, los tropiezos de El Cosmonauta la hacen una cinta irregular, pero de la cual recomiendo su visionado desde la perspectiva de un experimento social generado de la necesidad vital de hacer cine en tiempos de crisis como los que ahora corren.

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ras su ópera prima (Rabbies / Kalevet; 2010), la dupla conformada por los israelíes Aharon Keshales y Navot Papushado presentan ahora una brutal historia que sigue a dos hombres sedientos de venganza y justicia. En Big Bad Wolves (Mi mefahed mezeev hara; 2013), Miki (encarnado Lior Ashkenazi) es un ex policía que trabaja ahora fuera de los límites de la ley, y Gidi (interpretado por Tazahi Grad) es el padre de la última víctima de un asesino serial y pederasta; juntos capturan a Dror (Rotem Keinan), el principal sospechoso de las violaciones y asesinatos de pequeñas niñas y que ha sido puesto en libertad por falta de pruebas, para interrogarlo y saber el paradero de los restos de las jovencitas. Partiendo de esta premisa, los directores ofrecen un ejercicio cinematográfico de altos vuelos, pues más allá de su eficaz y cuidadísimo estilo visual (una fotografía magistral acompañada de una partitura salvaje), así como de las impecables interpretaciones de todo el elenco (destaca Tazahi Grad como el padre sediento de venganza), lo que verdaderamente sobresale de Big Bad Wolves es su guión, pues es un thriller en el cual se entremezclan acertadamente ciertos elementos del cine de horror con grandes dosis de comedia negra (muy negra, casi macabra) y con una audaz estructura narrativa llena de giros y vueltas de tuerca que hacen imposible predecir exactamente el final de la película. Si bien es cierto que la trama tarda un poco en arrancar y los primeros minutos podrían ser algo 'pesados' para los espectadores, tras este lapso la historia fluye con soltura y el público se ve inmerso en una historia a contrarreloj donde las sorpresas no se harán esperar y la historia inteligente y crítica hacia la moral terminará con un final contundente. Una joyita israelí galardonada en el Fantasia International Film Festival y presentada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine Fantástico, Terror y Sci-Fi: Feratum. Su visionado es altamente recomendable.

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a guapa joven escultora Laura parece que ha mantenido una larga relación con su novio (un patán mamón, borracho y mezquino) y ha comenzado a sentir cierto desapego emocional hacia él; a tal grado que ya no está segura de querer continuar con la relación e incluso se ha cuestionado si quiere seguir con sus creaciones artísticas (lleva mucho tiempo con una escultura inconclusa). Podríamos decir que Laura ha comenzado a morirse por dentro, hasta que inesperadamente también comienza a morir (en vida) por fuera hasta un punto en que su cuerpo alcanza niveles extremos de podredumbre (con larvas entre su carne incluidas). La película Thanatomorphose toma para su título una palabra de origen francés que hace referencia al estado de descomposición que presentan los cuerpos tras su muerte; y con ella, supongo, el director quiere plasmar una metáfora sobre la muerte interior y la descomposición del exterior que hasta cierto punto funciona y me parece que será más del agrado de los amantes del cine gore extremo del cual, quien esto suscribe, no es particularmente fan. Aunque para ser justo y sincero, no creo que la película sea mala o pueda considerársele como tal, per se, sino que es un cine de nicho, es un cine que tiene ya su grupo de seguidores a quienes les gusta este sanguinario lenguaje cinematográfico por lo que es comprensible que a mucha gente (a la mayoría) no le guste. La película cuenta con una protagonista sobresaliente, la actriz Kayden Rose, quien verdaderamente está en su papel durante toda la película y sobrelleva dignamente el dificilísimo rol que evoluciona tanto física como emocional y mentalmente. El diseño de arte, la fotografía y

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el diseño de sonido son de los puntos sobresalientes, pues además de presentar en su mayoría tomas cerradas, encuadres o close ups que sí transmiten una sensación claustrofóbica, hay también ciertas secuencias oníricas que son potenciadas por el perturbador score. Y ya que terminé de enumerar las virtudes que le he encontrado, pasemos al único y gran error que, desde mi perspectiva como un NO fan del género, tiene la película: la duración. Si bien es cierto la película dura apenas 100 minutos, se siente como de más de dos horas, pues la última media hora es reiterativa y la historia es alargada al extremo; y es que si desde varios minutos antes ya se nos ha dejado claro lo que pasa, no veo la necesidad de hacer énfasis en querer mostrar el deterioro detalladísimo del cuerpo de Laura, así que creo que se pudo haber contado la misma historia con una duración de, por lo menos, algunos 20 minutos menos; aunque supongo que los amantes del gore habrán quedado extasiados y con ganas de más, cuestión de gustos insisto -tal vez por eso sea considerada una obra de culto en Europa donde fue proyectada en Sitges del año pasado-. Durante toda la proyección, no pude evitar recordar Halley de Sebastián Hofmann, y cómo con mayor elegancia (y una menor duración, pues dura sólo 84 minutos) se puede lograr una historia completa que prácticamente presenta la misma premisa (un hombre comienza a ver cómo su cuerpo se descompone en vida), aunque las metáforas y alegorías que buscan son muy distintas. Así que en resumen, si les gusta el festín gore con sangre y otros fluidos corporales, ésta seguramente es su tipo de cinta; si no, aléjense. Advertidos están.

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l nombre lo indica: gravedad, algo que está en la naturaleza y al mismo tiempo, inherente al hombre. No puedes andar por la vida sin ella, pero también puedes obviarla y no sentir necesidad alguna de cuestionarla, porque ahí está. Hace perfecto juego de palabras con el eslogan “Never let go”, aunque en la película, la recomendación es aprender a soltarse. Alguien le preguntó a Alfonso Cuarón, director de esta película, si se trataba de un filme narrativo, a lo que él contestó que las imágenes hablaban por sí mismas. En realidad, la narrativa existe, su cinta, a veces diálogo, a veces monólogo; al principio relajado, en seguida, francamente desesperado y derrotista. Muy femenino, al estilo “me tiro a la depresión pero hay algo que no me permite hacerlo libremente”, ese gen de responsabilidad hacia el universo mismo que no le permite a la mujer autodestruirse, al menos no al cien por ciento. Historia de ciencia ficción que narra un episodio nada cotidiano de una lluvia de desechos convertidos en proyectiles capaces de destruir la base espacial de una misión de mantenimiento. El asunto sería completamente fuera de contexto si no escucháramos las voces hablando de situaciones terrenales a las que igual se enfrentan quienes suben al espacio. Tan humanos unos como otros. Volvemos a la narrativa: la voz de un hombre contando casual el descubrimiento de la infidelidad de su esposa, mientras la estresada compañera de trabajo no puede terminar de entender la afable charla en medio de una actividad seria y desafiante. Es la primera película sci fi de este año que se desarrolla prácticamente en su totalidad, sólo en el espacio (Man of Steel, Avalon, After Earth, Elysium), sin

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necesidad de más personajes ni mayor destrucción masiva para entender el impacto y magnitud de un montón de cacharros flotando por ahí, dejando varados a los únicos humanos de los que tuvimos noticia desde el principio. En un sub discurso podríamos preguntarnos si toda la chatarra que las distintas misiones han dejado pululando sin rumbo, realmente se desintegra en algún momento o ya está formando un basurero intergaláctico a la espera de que el hombre salga de la Tierra en busca de otro ecosistema compatible. Entonces, el sueño de ir al espacio y ver el planeta Tierra como una enorme esfera azul, la luna y el sol como los satélites o cuerpos celestes que generan igual luz o sombra, pero desde una perspectiva más limpia y cercana, realmente se rompe al enfrascarnos en una realidad mucho más intensa, desesperante e incluso sofocante, pues no se piensa en andar flotando en completa desorientación, encerrado en un traje cuyo peso debería ser benéfico para la estadía y que en seguida se convierte en lo único que protege realmente a la persona de lo que hay alrededor: la nada. Creo que se jugó muy bien con esa parte de inestabilidad, tanto física como emocional, pues en ningún momento se puede estar completamente ajeno de la situación. Flotar, aferrarse, protegerse, cubrirse, soltarse…todos parecen verbos propios de una lectura de autoayuda, en donde te exponen los errores comunes para luego explicar que lo mejor por hacer en casos desesperados es dejarse llevar. Pero no perder la objetividad, por lo que se quiere lograr o lo deseable, sobre todo si no existe una salida clara o esta parece demasiado lejana a las posibilidades presentes.

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¿Seguimos hablando de una historia de ciencia ficción? Y muy al caso, de acuerdo con los tiempos desenfrenados que vivimos, la repercusión lógica de las acciones en un plano terrenal, deben llegar hasta universos paralelos; es más, el hecho de las voces que se quedan grabadas por si alguien las escucha en algún punto de la obscura lontananza, me recuerda aquél primer acuerdo “ser impecable con las palabras”. Visualmente las metáforas eran bastante evidentes, gracias a lo limpio de la imagen y la claridad del 3D: algo en apariencia normal, controlado, de rutina. Llega un exabrupto que lo cambia todo, de hecho la necedad asoma con la soberbia de que no hay nada más importante que lo llevado a cabo hasta ese momento, porque no hay nada más urgente que lo propio. De igual modo, la ironía de ir flotando en el espacio sin poder ubicar un punto, cuando lo único que la chica reflejaba con su personalidad era “estar centrada”, mareos incluidos, por el cambio drástico de la fijación al suelo al continuo movimiento. Respecto al diseño de los interiores de las cápsulas, es muy raro encontrar todo fuera de lugar, flotando, con señales de alarma encendidas, en caos total, pues no resulta un escenario al cual estemos acostumbrados si no hay alienígenas correteando por ahí o alguna extraña enfermedad entre los tripulantes. De hecho, tenemos más la imagen de sobriedad, limpieza y orden como para pensar en que podría encontrarse una botella de vodka entre las pertenencias de los rusos. Más aún, la paradoja: es el lugar “seguro” y en realidad resulta un polvorín. La flotación continua del personaje interpretado por Sandra Bullock, deja

esa sensación de sufrir un desajuste en la percepción de la historia, pues nunca está del todo vertical u horizontal o con un eje firme al cual afianzarse, excepto en el asiento de la cabina que, se sabe no es del todo seguro y llegará el momento en que deba dejarlo libre. En este punto, me parece que habrá ahora técnicos simuladores o simuladoristas, pues seguro que luego de este reto antigravedad que dejó nuevas técnicas de grabación y composición, se recurrirá a ellos para nuevas experiencias visuales. Por otro lado y sin dejar de ser importante, el hecho de conocer el comportamiento de los cuerpos en el espacio, las leyes de la física y el entorno de la historia (que se cuenta entre conversaciones y órdenes), hace más sencillo comprender el inexorable desatino de un simple mortal ante aquellas leyes que son poderosas e infalibles. El continuo movimiento no permite pensar con la claridad adecuada, pero se sabe que todo es factible en la situación planteada, excepto por supuesto, el hecho de que un visitante llegue y abra la escotilla de una cabina despresurizada y entre en ella como si fuera cualquier habitación de una casa. No se puede dejar de mencionar el buen sentido del humor, a veces sarcástico, otras más simple, pero que permite sentir un poco de relajamiento ante el vaivén de imágenes angustiosas entre las cuales el espectador seguramente se cuestionó si llegarían seres de otro mundo al rescate o si enviarían de la Tierra una nueva misión para encontrar a los desaparecidos. Estamos acostumbrados a equipos grandes de personas en pantalla para este tipo de historias y creo que con Gravity, se cambiarán algunos paradigmas de la ciencia ficción no tan alejada de nuestros tiempos.

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odrigo Gudiño, fundador de la revista Rue Morgue, señaló en la presentación de su libro '200 Alternative Horror Films You Need To See' durante la pasada edición del festival Feratum en Tlalpujahua, que si se pretendía hacer un remake, se debería elegir 'rehacer' una película que no fuera perfecta, pues de lo contrario, la 'reelaboración' sería una pérdida de tiempo. Entonces, con esta gran aseveración en mente, no podemos dejar de preguntarnos: ¿por qué hacer un remake de Carrie? Todos sabemos que la versión de Brian DePalma es un clásico de culto en el Cine de Horror estadounidense y una de las mejores adaptaciones del material de Stephen King a la gran pantalla, por lo que sorprende que alguien se haya aventurado a la realización de una modernización del clásico; y resulta aún más sorprendente que ese 'alguien' sea ni más ni menos que Kimberly Peirce, quien en 1999 entregó la magnífica Los Muchachos No Lloran (Boys don't cry); un drama rural protagonizado por Hilary Swank (y por el cual recibió su primer Oscar) sobre una joven transexual que se hace pasar por hombre y cuyo secreto al descubierto le acarrea fatales consecuencias. Para esta nueva versión de la retraída adolescente que se descubre poseedora de asombrosos poderes telequinéticos, el rol principal ha recaído en Chloë

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Grace Moretz (Kick-Ass y Let Me In otro remake, por cierto-); mientras que para interpretar a su madre y fanática religiosa, la actriz elegida fue ni más ni menos que Julianne Moore (The Hours y The Kids Are Alright). En ambas recae casi todo el peso de la cinta, pues son las escenas que comparten (la malsana relación madre-hija bajo las estrictas reglas religiosas de la trastornada Margaret White) las que resultan más interesantes de todo el filme, y donde se muestra una gran química entre ellas como intérpretes, pero son muy pocas las escenas que comparten en pantalla, por lo que el resto del metraje se antoja débil y sin mucho interés para el público, por lo que más que nada, el principal problema del remake es el cómo está contada la historia cuando no se trata de la relación madre-hija. La exploración del significado de la sangre al convertirse en mujer (la primera regla de Carrie o cuando Margaret da a luz -en una primera secuencia bien lograda-) y su relación con el descubrimiento (y manipulación) de los poderes de la joven, resultan bastante desaprovechados, se toman muy a la ligera; y el tiempo que pudo habérsele dedicado a una más profunda exploración, se otorga a la no mejor lograda subtrama del bullying sufrido por la apocada adolescente, aunque la utilización de celulares y redes sociales (en especial YouTube) para la humillación de la joven, resulta

en un acertado detalla para la modernización de la historia, pero nada más. Además, aquí no se da el tiempo para construir el suspenso o la atmósfera de horror que se necesitaba para el climático tercer acto y las acciones de los otros personajes resultan precipitadas y sin sentido. ¿Recuerdan aquellas escenas en cámara lenta que precedían la sanguinaria broma a la ingenua protagonista que desataba su furia contra toda la comunidad estudiantil? Pues aquí son sustituidas por un montaje común que nos aleja diametralmente de ese ambiente de suspenso en el que nos mantenía la versión protagonizada por Sissy Spacek, a la que extrañamos enormemente con su actuación en la escena climática, pues aquí, Grace Moretz peca de sobreactuación en esa crucial secuencia con una exacerbada teatralidad, donde además, los efectos por computadora resultan un tanto obvios, y algunas escenas -ahora sí, en cámara lenta, sobre todo donde pretenden 'arrollar' a Carrie-, se sienten fuera de lugar. Carrie, pues, termina siendo una pérdida de tiempo, pues no ofrece nada nuevo respecto a la primera adaptación de la novela de King (de hecho, ni siquiera podríamos considerarla como una película de terror) y tampoco mejora ninguno de los aspectos que hicieron de aquella una gran obra de culto, a la que es mejor recurrir cuando de adaptaciones del papel al celuloide se trate.

ace tres años, el cineasta Jorge Michel Grau sorprendió con una historia sobre canibalismo en la gran urbe de la capital mexicana. Somos lo que hay, la ópera prima del realizador mexicano, presentaba a una familia de clase baja que quedaba bajo el desamparo tras la muerte del padre; el resto de los miembros (la madre y sus tres hijos dos hombres y una mujer-) tenían que sobrellevar la situación lo más rápido posible pues era preciso conseguir alimento para subsistir, lo cual no sería tan difícil si la familia no profesara cierto tipo de religión cuyos rituales les marcaran la ingesta de carne humana en determinada fecha (que casualmente coincide con la de la muerte del padre). Ante la buena recepción de la cinta en el extranjero, se generó un gran interés por realizar una nueva versión del filme mexicano; finalmente, y tras estrenarse en la pasada edición de Sundance en enero pasado, se estrena en México la versión dirigida por Jim Mickle, quien ofreció hace un par de años la eficaz Stake Land. Esta nueva versión, que mantiene el título original con el que el filme de nuestro compatriota se comercializó en el extranjero -We Are What We Are-, guarda muy pocas similitudes con la original, de hecho podríamos decir que lo único que tienen en común es el tema del canibalismo y la pérdida de uno de los padres, en todo lo demás es muy diferente: Aquí, la que muere es la madre de familia

(Emma Parker, interpretada por Kassie DePaiva) y no el padre (encarnado aquí por Bill Sage), quien queda al frente del feroz clan, conformado por las dos jóvenes adolescentes (Rose y Iris Parker bajo las solventes interpretaciones de Ambyr Childers y Julia Gardner) y el pequeño Rory Parker (Jack Gore). Mickle se inclina por una puesta en escena más refinada, con una fotografía más elegante y sobria, incluso bella podríamos decir; pero lejos está aquella grandiosa sordidez del filme original que era uno de sus mayores aciertos. Aquí no existe el tema de los niños de la calle o las prostitutas asediadas por los caníbales ante la desesperación por conseguir alimento, tampoco se encuentra la insinuada tendencia homosexual de Alfredo (Francisco Barreiro), el mayor de los vástagos de la familia, quien intenta ligarse a otro chavo (Gustavo, interpretado por Miguel Ángel Hoppe) en un antro (el famoso "Cabaretito" del D.F.) para llevarlo como presa al sanguinario rito. De hecho, el rito ha sido también 'suavizado', pues en esta versión no vemos a los miembros del grupo preparar el cuerpo de la víctima o comérsela directamente (como cuando el personaje de Paulina Gaytán comienza a devorar el muslo del taxista que ha llevado su madre a casa en la versión de Grau), sino que ésta es cocinada y consumida en la mesa familiar en un platillo combinado con una especie de aluvias, es decir, co-

mo un platillo común y corriente durante la cena. En la trama de esta reelaboración se ahonda más en el origen de la bizarra costumbre de la familia y se dan más datos sobre el rito, a través de la -no siempre eficaz- recreación de los pasajes de un libro que ha pasado de generación en generación y que ahora ha recaído en las manos de Rose, la mayor de las hermanas, a la que por cierto, también se la ha dado un interés romántico dentro de la historia, a través de su relación con un joven oficial del pequeño condado de Nueva York donde transcurre la historia. We are what we are presenta demasiados cambios respecto al filme mexicano y no todos resultan para bien, pues aunque técnicamente está mucho mejor realizada (el presupuesto obviamente influyó), es en su fondo donde encuentra su punto débil al tratar de explorar (a veces en exceso) la extraña costumbre de la no menos bizarra familia y tratar de explicar el porqué de dicha práctica; vaya, hasta la muerte de la madre es explicada y relacionada con el consumo de carne humana. Y es que si en algo acertaba la cinta de Grau, era en no revelar demasiada información sobre el clan y el rito, manteniendo una atmósfera opresiva y desconcertante, donde cada espectador tenía que completar subjetivamente la historia; la versión de Mickle, en cambio, es poco arriesgada y muy condescendiente. www.facebook.com/celuloidedigital

avid Clark, un traficante de marihuana de poca monta, debe convertirse en contrabandista para llevar un último envío a su jefe Brad desde México. Para ello, contrata la ayuda de sus vecinos: Rose, una cínica stripper y Kenny, un ingenuo y atolondrado adolescente; a ellos se une una exasperante adolescente callejera llamada Casey. Así, David diseña un plan increíble que no podría salir mal: Bajo la apariencia de ser una típica familia estadounidense de vacaciones, cruzarán la frontera en una enorme casa rodante y recogerán el cargamento. Bajo esta premisa se desarrolla We're The Millers, bajo la dirección de Rawson Marshall Thurber. La cinta se sostiene básicamente de los divertidísimos gags con humor irreverente y subidito de tono a lo largo de toda la cinta y del encomiable trabajo cómico por parte del grupo protagonista: Jason Sudeikis (David), Jennifer Aniston (Rose), Emma Roberts (Casey) y Will Poulter (Kenny), quienes son secundados ocasionalmente a lo largo de la trama por Ed Helms (el despreciable jefe de David), Luis Guzmán (extraordinario en su papel de poli-

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cía mexicano gay), y sobre todo la hilarante pareja conformada por Nick Offerman y Kathryn Hahn como Los Fitzgerald. La película mantiene el tono humorístico cínico durante casi toda la cinta, con bromas hacia los inmigrantes, las minorías raciales y el 'american way of life'; además cuenta con geniales bromas como en la frontera con la migra y un hippie con un porro, Jennifer Anniston cargando un paquete de marihuana y haciéndolo pasar por un bebé, o el besuqueo entre Rose, Casey y Kenny; incluso en los créditos finales Sudeikis y Anniston se dan el lujo de 'pedir' una nominación al Oscar. Desafortunadamente es en el desenlace donde la irreverencia y la trasgresión son echadas por la borda y el filme se torna un tanto moralino; sin embargo, los cien minutos previos de la historia nos han hecho reír tanto (varias veces a carcajadas) que lo predecible del final (obviamente crean lazos afectivos y se convierten en una 'verdadera' familia) puede pasarse por alto. Recomendable para un miércoles 2x1 o un domingo para pasar el rato.

Carrie

TOP 5 - THOR: THE DARK WORLD: Espextáculo impersonal en Asgard (y en otros Mundos) - Pág. 42 | BLUE JASMINE: Una crítica a la gurguesía neoyorquina - Pág. 46 | METEGOL: La Pasión pambolera según Campanella - Pág. 50 | THE COUNSELOR: El Oscuro pero insustancial regreso de Ridley Scott - Pág. 54 | MACHETE KILLS: Machete Don’t Die! - Pág. 58

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a segunda película de la Fase Dos de Marvel -que nos guiarán hacia la segunda parte de Avengers en 2015finalmente ha llegado a las pantallas. Thor: The Dark World gira en torno a una milenaria raza de elfos oscuros liderados por el vengativo villano Malekith, quien con su regreso pretende encontrar el 'aether', una poderosa sustancia con la que podría hundir en la Oscuridad a los Nueve Reinos del Universo -Asgard y la Tierra incluidos, claro está-. Toca entonces a Thor y compañía hacer frente a esta poderosa amenaza ante la cual el mismo Odín podría no salir bien librado; y para eso, el Dios del Trueno deberá aliarse con su peor enemigo (y hermanastro), Loki, a la vez que en su odisea se reencontrará con la científica Jane Foster. Thor: The Dark World, ahora sin Kenneth Branagh en la silla del director y con Alan Taylor sustituyéndolo, resulta (sorpresivamente) una cinta bastante irregular donde se trata de disfrazar una historia por demás sencilla -si alguien la llamara simplona no objetaría- con subtramas débiles que sólo hacen que la historia, en un principio, se vuelva tediosa (la película tarda en arrancar y se siente larga a pesar de durar apenas 112 minutos) sin aportar algo verdaderamente valioso al desarrollo de la historia, la cual, después de la primera media hora, es briosa, y por momentos, llena de energía, un espectáculo visual bien logrado pero carente de personalidad, algo raro si tomamos en cuenta que Alan Taylor ha estado sumergido en este tipo de mundos fantásticos como los de los seriales Game of Thrones o Rome, para los cuales dirigió varios capítulos; aquí, su trabajo sólo podría considerársele como 'correcto', pero nada más.

Por su parte, el villano Malekith (intentando ser interpretado por el talentoso inglés Christopher Eccleston bajo diez kilos de maquillaje) resulta no ser tan poderoso, incluso necesita siempre de un 'guardaespaldas', pues hasta Frigga madre de Thor, interpretada por Rene Russo- puede vencerlo sin mayor dificultad en una riña a la mitad de la película, haciendo que la figura antagónica de esta secuela no esté a la altura del héroe titular, quien por cierto, nuevamente se ve opacado por la bromista figura de su muy querido hermanastro Loki. El resto del elenco cumple a secas con su trabajo: Natalie Portman como la damisela en peligro y Kat Dennings como el 'comic relieve' que siempre aligera la situación (ahora con galán despistado incluido -encarnado por Jonathan Howard-). Caso aparte es el de Stellan Skarsgård, cuya participación como Erik Selvig podría incluso considerársele como un mero cameo (amén de que sus intervenciones son de lo más denigrantes para el tamaño de actor que es el señor). En resumen, Thor: The Dark World resulta ser un pequeño retroceso en la franquicia que logró colocar correctamente Kenneth Branagh hace un par de años (aunque tampoco era una gran cinta, cabe aclarar); es una película entretenida, sobre todo después de los primeros 30 minutos, que seguramente complacerá a los fans del Dios del Trueno y del Universo Marvel que esperan ansiosos el reencuentro de los Vengadores en 2015. P.D. Recuerden quedarse a la escena post-créditos ¿Una pista? Benicio Del Toro.

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escubrir que la riqueza de tu esposo proviene de un sinfín de estafas puede ser una noticia decepcionante, pero saberlo y ser cómplice silenciosa es una decisión que Jazmín estuvo dispuesta a efectuar. Pero el conflicto no es saberlo y callarlo, sino que un tercero lo descubra, y una vez descubierto inicia el verdadero problema que Jazmín debe enfrentar: una nueva vida sin familia y sin lo más importante para ella, el dinero. Después de llevar una vida muy cómoda en una zona exclusiva de Nueva York, llena de lujos, fiestas, viajes, dinero, y en cierta medida amor, Jazmín debe irse a vivir a un barrio de clase media en un lugar de San Francisco en Estados Unidos, después de que su esposo fuera arrestado por fraude y ella quedara en la ruina. Ginger, su hermana adoptiva, la recibe en su modesto departamento en el cual vive con sus dos pequeños hijos. Jazmín debe acoplarse a su nuevo estilo de vida, el cual incluye el desempleo, tolerar a sus sobrinos, y criticar constantemente a la pareja sentimental de su hermana, que eso más bien es un favor, o al menos así lo ve ella. Un nuevo hombre adinerado aparecerá en su vida, con la promesa de un nuevo comienzo, pero el pasado, las estafas de su marido, sus crisis nerviosas, y su concepción banal de la vida pondrán a prueba su objetivo. Jazmín Azul, dirigida por el cineasta Woody Allen, está narrada en dos tiempos, por un lado el presente, en el cual Jazmín enfrenta su nueva vida, y por otro el pasado, momento en que el cineasta critica con humor la vida de la burguesía de Nueva York, rodeada de fal-

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sos rostros, amistades por conveniencia, infidelidades y un amor por interés, una vida feliz en la superficie. Woody Allen hace un trabajo esplendido en muchos sen-tidos, por una parte, la más sólida, el guión y la construcción de los personajes, que se complementan y cuentan con humor la tragedia de una mujer que ha quedado en la ruina financiera. Una vez más Allen recurre a los momentos más dramáticos para soltar destellos ácidos de humor, muy característicos en su filmografía. Si Medianoche en París fue una muestra de la madurez del cineasta, Jazmín Azul demuestra con maestría que puede volver sin ningún problema a mostrar un cine similar al de su mejor época, Annie Hall (1977) o Manhattan (1979) sin que esto signifique un retroceso, al contrario, es la muestra de una habilidad por contar nuevas historias usando recursos creados por el mismo. Mención aparte para la brillante actuación de Cate Blanchett como Jazmín, podría decir que camaleónica, de la mesura a la exaltación, de la neurosis a la locura, y de la comodidad a la tragedia. Sin duda gran parte del éxito de la historia de debe a ella, sin olvidar lo bien que lo hacen sus compañeros de reparto, mención a Sally Hawkins, el lado blanco de la historia. Woody Allen sorprende a más de a uno con esta nueva, trágica y divertida historia, la cual estará presente en más de una ocasión en la tan esperada temporada de premios a lo mejor del cine en Hollywood. Por el momento puedes encontrar Jazmín Azul en la 55 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, consulta horarios: http://www.cinetecanacional.net/micrositios/muestra55/

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uatro años después de habernos ofrecido la magnífica El Secreto de sus Ojos (con la que por cierto se llevó el Oscar a Mejor Película Extranjera y de la cual ya llevan años preparando un remake en territorio yanki), el director Juan José Campanella regresa a la pantalla grande con un ambicioso proyecto: Metegol, su primer largometraje animado, con el que no únicamente pretende demostrar la pasión que mueve al futbol, sino también la pasión que lo mueve a él en el séptimo arte.

Metegol, inspirada en el cuento "Memorias de un wing derecho" del argentino Roberto Fontarrosa (y adaptado para la pantalla grande por el mismo Campanella y Eduardo Sacheri -también coguionista de El Secreto de sus Ojos-), presenta la historia de Amadeo, un virtuoso (aunque muy tímido) chico pambolero que debe derrotar a el Crack, su más terrible enemigo sobre la cancha; para tal misión, Amadeo tendrá la ayuda de los jugadores del 'futbolito' -al que juega día y noche- quienes sorpresivamente han cobrado vida. Es así como conoce a el Wing, el líder (y extremo derecho) de los diminutos jugadores, quienes le ayudarán al chico en su gran aventura donde, teniendo al mundo futbolístico como contexto, encontrará el amor, la amistad, el respeto, pero sobre todo... la pasión. Con un presupuesto de $9mdd (una coproducción entre la productora de Campanella, 100 Bares -en sociedad con Catmandú-, y la española Antena 3 Films), Metegol supone la primera película animada en 3D de Argentina y, dicen, no tiene nada que envidiarle a las producciones de Pixar o DreamWorks ¿Será? Pronto lo descubriremos.

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he Counselor es un filme oscuro, que simplemente con ver el cartel, mucha gente elegirá verla. Otros tantos lo harán al enterarse cómo se complementa el filme, que va desde un reconocido director, un buen escritor y un grupo de actores de renombre. Es dirigida por Ridley Scott, basada en un guión del escritor Cormac McCarthy, autor de Sin lugar para los débiles. Además de tener reconocidos y taquilleros actores en el reparto como son Brad Pitt, Natalie Dormer, Michael Fassbender, Javier Bardem, Penélope Cruz, Cameron Diaz, John Leguizamo, Goran Visnjic, Bruno Ganz, Rosie Pérez y Rubén Bla. El Abogado del Crimen, título que llevará en nuestro país, nos narra la historia de un prestigiado abogado que se introduce en el mundo del tráfico de drogas, como asesor legal de un poderoso capo del narcotráfico. Él cree que puede conseguir cuantiosas sumas de dinero, sin verse afectado por la violencia y riesgos que conllevan entrar al crimen organizado. Retrata las consecuencias de la avaricia en un mundo donde no existen reglas ni fronteras. La historia gira en torno al abogado que encarna Michael Fassbender, quien al parecer lo tiene todo: Es un exitoso en su profesión, cuenta con un buen estatus económico y además está enamorado de una bella mujer, Penélope Cruz. La primera escena de la película tiene gran contenido erótico, aparecen entre sabanas blancas, con diálogos divertidos propios de una pareja enamorada, planeando su vida amorosa; ellos son el abogado y su novia, Laura. Ella es una mujer buena, tradicionalista y religiosa sin vínculos en el nar-

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cotráfico hasta que su novio entra en ese mundo. El abogado ya tiene asuntos con el capo del narcotráfico Reiner, el papel de Javier Bardem, un hombre con gran poder, con varios años en el negocio y por ende numerosos contactos en el mundo del hampa. Él lleva una vida de lujos y exageraciones como los capos de la droga saben hacerlo, desde el vestir estrafalario, las casas, los autos y no pueden faltar los animales exóticos. Además, Reiner posee algo muy importante y parte medular de la historia, una mujer fatal, su compañera Malkina, que cabe resaltar es un papel muy bien encarnado por Cameron Diaz. Ella, con quien comparte su ostentosa vida, es una mujer materialista, altamente sexual, fría y codiciosa en todos los sentidos; tiene mucho poder sin él saberlo, pero para ella nunca es suficiente. Entre ellos también aparece un misterioso hombre de negocios con contactos en el mundo de la droga llamado Westray, que encarna Brad Pitt. Él trata de advertir al abogado que el mundo del narcotráfico no es sólo dinero y que debe tener una estrategia y formas de desaparecer si fuera necesario. Aún así, el abogado entra al negocio y decide correr los riesgos. La acción comienza en la frontera con México con un cargamento que tiene que cruzar a Estados Unidos y el sinnúmero de contratiempos que surgirán. El Abogado del Crimen es un thriller oscuro e inquietante, contiene mucha acción, violencia y asesinatos, que entretiene y son válidos en este género, pero que no terminan de atraparte con la historia, rescatándole únicamente el buen reparto y las interpretaciones.

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l año en que México celebró el Bicentenario de su Independencia y el Centenario de su Revolución, diversos eventos cinematográficos fueron planeados para celebrarlo en la gran pantalla, pero sólo uno de ellos, El Infierno de Luis Estrada, no sucumbió ante el falso espíritu patriotero y presentó una realidad nacional que demostró, como bien marcaba su slogan promocional, que no había nada que celebrar. Un poco en la misma línea trasgresora, pero con un tono muy diferente, también se estrenó ese año Machete, la película dirigida por Robert Rodriguez en la que seguía al personaje encarnado por Danny Trejo en la franquicia de Spy Kids (también de Rodriguez) y hacía una extensión del falso trailer que acompañó al díptico Grindhouse (conformado por Death Proof de Tarantino y Planet Terror de Rodriguez). En Machete se exploraron las circunstancias que obligaron al antihéroe mexicano a dejar su país y refugiarse en los Estados Unidos desde donde planeo su venganza contra quienes lo traicionaron. Robert De Niro, Jessica Alba, Steven Seagal, Michelle Rodríguez, Cheech Marin, Don Johnson y Lindsay Lohan fueron sólo algunas de las estrellas que acompañaron a Danny Trejo en su historia de origen plagada de críticas hacia el tema de la inmigración, en medio de violencia, sangre, corrupciones, asesinatos y traiciones. A tres años de su estreno, Rodriguez da continuidad a la historia del ex judicial en Machete Kills, una secuela mucho más exagerada en todo sentido: desde el absurdo guión, que nos cuenta cómo

Machete es contratado por el mismísimo presidente de Estados Unidos -Charlie Sheen interpretándose a sí mismo por enésima vez- para acabar con un poderoso traficante de armas conocido como Luther Voz (encarnado por Mel Gibson) que planea aniquilar al mundo vía una poderosa arma espacial, hasta los caricaturescos personajes entre los que destacan los de Demián Bichir (El Loco Méndez, un exlíder narcotraficante cuyo repentino padecimiento de múltiple personalidad lo convierte esporádicamente en un guerrillero defensor del pueblo), Sofía Vergara (Desdemona, una devoradora de hombres -literalmente hablando- que lidera un escuadrón de mortales prostitutas en Acapulco) y Lady Gaga (La Camaleón -ya con el sobrenombre se entiende todo-). Machete Kills es -obviamente con toda intención- más mala que la primera y, por ende, es más disfrutable si se va con la idea clara de lo que uno va a ver: lo absurdo en su máxima expresión... Y con cada escena que transcurre, más absurdo se va volviendo todo. Humor negro con referencias más que obvias a clásicos cinematográficos como Star Wars, el cine del 007 y el cine mexicano de Lucha Libre (obviamente los homenajes al Santo no podían faltar). Machete Kills es un mero pretexto para divertirse con la fórmula del personaje, la cual se antoja ya un poco gastada, por lo que esperamos que se le dé un buen final con la tercera entrega, Machete Kills Again.. In Space, la cual ya nos anuncian desde el comienzo de ésta (con todo y trailer), y sí, parece que será aún más absurda. La esperamos con ansías.

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NOVEDADES EN BLU-RAY: ‘Superman; Man of Steel’ - Pág. 64 DESDE EL VIDEOCLUB: ‘Win Win’ - Pág. 66 WEB SERIES: ‘91.Miedo’ - Pág. 68 TEASER: ‘The Hobbit: The Desolation of Smaug’ - Pág 70

l superhéroe más grande de la historia no ha tenido suerte en la pantalla grande desde hace mucho tiempo -30 años para ser más precisos-. Y es que desde el estreno de Superman III en 1983, la franquicia del kryptoniano ha ido en caída; el último esfuerzo por remontar el vuelo fue la fallida Superman Regresa (Superman Returns) de Bryan Singer en 2006, que lamentablemente no tuvo el éxito esperado pues no era el Superman que las masas querían ver en la actualidad. Pero ahora, siete años después del último intento, el director Zack Snyder (responsable de 300 y Watchmen) nos ofrece una reinvención del personaje con su nueva película: El Hombre de Acero. La historia de la cinta, escrita por Christopher Nolan y David S. Goyer, profundiza en la mitología kryptoniana (de hecho, los primeros 15 minutos transcurren en Kriptón, en medio de debates sobre el futuro del planeta condenado y trepidantes secuencias de acción) en donde se presenta a Jor-El, Lara Lor-Van, al General Zod, y por supuesto, al recién nacido Kal-El, para quien jamás había tenido tanto sentido llamarlo 'El Último Hijo de Kriptón' como lo tiene ahora en el filme donde se exhibe una sociedad que impone un control natal y que se ve 'amenazada' por el nacimiento 'natural' de un kryptoniano, considerándolo incluso una herejía. Ya en la Tierra, se muestra un aspecto del personaje jamás explorado en las cintas previas, por ejemplo se muestra a un Clark Kent solitario, retraído y enojado por poseer tantos extraordinarios poderes pero siempre tener que ocultarlos para no ser descubierto y rechazado por la sociedad, aunque de vez en cuando no puede quedarse con las ganas de devolver el golpe. Otro aspecto interesante en la película, es la exploración divina y casi mesiánica de la figura de Superman, la cual se expone principalmente en dos breves secuencias: la primera de ellas transcurre en una pequeña iglesia a la que Clark asiste en busca de res-

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puestas sobre lo que debe hacer con sus poderes y la segunda transcurre en el espacio cuando, al abandonar la nave del General Zod para dirigirse al rescate de la Tierra, Superman lo hace con los brazos extendidos emulando la posición de Jesucristo en la cruz, algo como lo que también ya había hecho Bryan Singer en Superman Regresa donde el héroe cae a la Tierra (tras haber expulsado de la tierra un enorme continente conformado en su mayoría por kryptonita) con la misma posición de Cristo, pero aquí resulta más evidente la referencia pues es precedida por una secuencia donde el padre del héroe le señala "Puedes salvarla (refiriéndose a Lois), puedes salvarlos a todos". En cuanto a la narrativa, la cinta da saltos espacio-temporales a través de flashbacks que, a la vez que se nos muestra la historia de Clark en su búsqueda por su verdadero origen y el descubrimiento-control de sus poderes, podemos también ser testigos de cómo fue su crianza durante su infancia-adolescencia en Smallville por parte de sus padres adoptivos: Jonathan y Martha Kent. Dentro de su estructura, está bien equilibrada la historia y los momentos dramáticos con las escenas de acción, las cuales están presentes durante todo el metraje de la cinta (y sobre todo en la última media hora de la cinta) y que son estupendamente complementadas por las composiciones originales de Hans Zimmer, quien se aleja diametralmente de lo hecho alguna vez por John Williams, otorgando a este nuevo Superman un mood musical épico. Dentro de lo referente al ensamble actoral, todos están en su papel y lo desarrollan de manera correcta, desde Henry Cavill como el superpoderoso pero vulnerable Superman/Clark Kent (con una extraña mezcla entre Tom Welling y Christopher Reeve) hasta Michael Shannon como el temible General Zod, quien resulta ser, gracias al correcto trabajo histriónico y a la detallada construcción del personaje desde el guión, un vi-

llano a la altura de lo que se merece enfrentar el superheroe más grande de todos; además, resulta perfecto que, para este reinicio de la historia de Superman en el cine, éste se enfrente a alguien que comparte su mismo origen, pues permite ahondar aún más en la mitología de su planeta natal. Amy Adams, por su parte, hace un trabajo estupendo y destila carisma como Lois Lane, una mujer fuerte y decidida que jamás acepta un 'No' como respuesta, aunque eso le traiga varios problemas; destaca también la química con Henry Cavill, por lo que su relación en pantalla no se ve forzada sino fluida y totalmente verosímil. El resto del elenco funciona como sustento y motor para las historias secundarias, todos se desenvuelven muy bien en panalla: Russell Crowe como un guía espiritual para su hijo; Kevin Costner como un guía moral y ético para el niño/adolescente que se esfuerza por encajar en la sociedad; Diane Lane como la cariñosa e incondicional madre para Clark; Ayelet Zurer como la madre biológica de Kal-El; Laurence Fishbourne como el incorruptible editor del Daily Planet, Antje Traue como la despiadada mano derecha de Zod; Christopher Meloni como el escéptico y visceral Coronel Nathan Hardy; Harry Lennix como el General Swanwick y Richard Schiff como el Dr. Emil Hamilton. En resumen, El Hombre de Acero es la mezcla perfecta entre historia y espectáculo veraniego; un buen guión que se ve potenciado por el aspecto visionario de su director. Es un espectáculo audiovisual que lo mismo ofrece maravillosos paisajes y secuencias de otros mundos (Kryptón) como también perspectivas completamente terrenales y casi tangibles con las que nos podemos identificar y crear una conexión con la historia. El Hombre de Acero es la película que el más grande de los superhéroes ya se merecía desde hace mucho tiempo.

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ike Flaherty, un abogado que dedica su tiempo libre a entrenar jóvenes en clase de lucha grecorromana, no ha tenido mucha suerte con su empleo en los últimos meses; por eso, cuando se le presenta la oportunidad de acabar con sus graves problemas económicos a través de la defensa de Leo, un acaudalado cliente con problemas de demencia senil, no duda en aceptar ser su tutor y así recibir sus honorarios de $1,500 dólares mensuales. Para no tener que lidiar con las atenciones hacia Leo, Mike decide trasladarlo a una casa de retiro donde lo visitará de vez en cuando, pero las cosas dan un giro cuando el nieto de Leo, Kyle -quien resulta ser un deportista bastante talentoso y prometedor-, aparece y quiere vivir con él tras haber huido de su casa y de su madre drogadicta. Al igual que en su estupenda ópera prima (The Station Agent; 2003), el director Thomas McCarthy vuelve a lograr que ciertas situaciones que son tan comunes en nuestra vida sean plasmadas de una

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manera fresca y sinceramente divertida a través de un guión honesto (escrito por el mismo McCarthy, sin trampas, sin sensiblería barata) que presenta una premisa muy entretenida, que si bien no es completamente original (y es un tanto predecible con su puesta en escena es bastante convencional), tiene personajes entrañables bien delineados e interpretados (Paul Giamatti vuelve a demostrar su enorme talento actoral y el joven Alex Shaffer da muestras de un prometedor futuro) con los que logra cierta autenticidad que la rescatan de la mediocridad en la que el 'cine indie' ha caído en los últimos años. Y al igual que en la ya mencionada The Station Agent (donde la vida de tres personajes se cruzan para dar como resultado la conformación de una atípica familia), McCarthy logra que conectemos con esos personajes solitarios, esos sujetos desconocidos, que por azar o destino, convergen en una situación que los hace convertirse en una familia no consanguínea.

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¿Quién produce la serie? Butaca Films.

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¿De dónde surgió el proyecto? Somos un proyecto de historias de suspenso y terror que inicio con la idea de dar a conocer leyendas mexicanas, pero que se fue ampliando a medida que nos fuimos empapando del tema y las historias han ido creciendo y alimentándose con historias reales que nos ha enviado gente de distintos lugares a nuestra cuenta de twitter: @91PuntoMiedo. ¿Cuál es la propuesta de la serie? Queremos rescatar un poco la esencia del cine mexicano antiguo, con tonalidades en blanco y negro, con un manejo de suspenso llevado por la música, las actuaciones, la atmósfera del lugar etc., sin sobrecargarlo de efectos como se usa actualmente. Nos inspiramos en películas como: El Escapulario, Mas Negro que la Noche, El Libro de Piedra, Hasta el Viento tiene Miedo, entre otras que marcaron en nosotros una pauta que queremos seguir. Sabemos que la mente humana es una maquina de pensamientos e imágenes que puede llevarte a sentir y experimentar cosas atreves de la sugestión, el miedo en este caso y es ahí donde buscamos llegar al espectador.

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¿De cuantos capítulos consta la primera temporada? Serán 15 capítulos a cargo de varios directores ¿Quiénes la protagonizan? Talia Bonilla (Ana) @TaliaVela_; Patricia Zepeda (Melissa) @Patricia_Zepeda ; Dania (Paula) @Dania_mina y Jordy Ávila (Marcos) @JordyAvil. La serie será transmitida por medio de este canal en YouTube: http://www.youtube.com/channel/UCAz S2eQUaIXIzIkLkx0Rp_w Aquí les compartimos también el tráiler: http://www.youtube.com/watch?v=ZMfD tlqN-8w También es importante mencionar que, a través de la cuenta en twitter @91PuntoMiedo se cuentan las leyendas e historias que nos hace legar gente de distintos países al mismo twitter o bien al correo de: butacafilms@yahoo.com

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La Ley del Deseo (1987)