TOP 5 SKYFALL Pág. 5 #2 EL SANTOS VS LA TETONA MENDOZA - Pág. 15 #3 NO - Pág. 19 #4 LA VIDA PRECOZ Y BREVE DE SABINA RIVAS - Pág. 23 #5 POST TENEBRAS LUX - Pág. 27 MENCIÓN ESPECIAL | EL SUEÑO DE LÚ - Pág. 33 LA CARTELERA OCTUBRE EN LA PANTALLA GRANDE - Pág. 37
¡EXTRA, EXTRA! - Pág. 45 PREVIEWS - Pág. 47 SHOT: UN VISTAZO A | ‘RAGING BULL 2’ - Pág. 49 FLASH FORWARD | ‘THE HOBBIT’ - Pág. 51 RECO-MENDA | ‘EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN’ - Pág. 53 EL NIÑO QUE TODOS LLEVAMOS AL CINE | ‘MAMÁ... PAPÁ... TENEMOS QUE HABLAR’ Pág. 57 CRONOS| ‘EL SEÑOR DE LOS ANILLOS II” - Pág. 61 PANTALLA ALTERNA | FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MORELIA - Pág. 65 PANTALLA ALTERNA | FESTIVAL MÓRBIDO- Pág. 65 OUT | ‘DESAYUNO EN PLUTÓN’ - Pág. 69 LATITUD 7 | ‘ELEFANTE BLANCO’ - Pág. 71 CINEMATOGRAFFITTI | ‘HE WHO GETS SLAPPED ’ - Pág. 73 CINE DEL FIN DEL MUNDO | PARTE III - Pág. 75
NOVEDADES DE CINE EN CASA - Pág. 79 PANTALLA CHICA - Pág. 81 TELEVISIÓN | ARROW: NUEVA SERIE - Pág. 83 LECTURA | ‘EL SANTOS VS LA TETONA MENDOSA: EL DESMADRE DETRÁS... - Pág. 84
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lo envidian y muchas mujeres (aunque también algunos hombres) lo desean. Y es que 50 años de ser el espía por excelencia en la cinematografía mundial (sobreviviendo a misiones de extremo peligro con la ayuda de increíbles gadgets de última tecnología -sin mencionar los increíbles automóviles que maneja-, enfrentándose a los más temibles villanos y, de paso, seducir a cuanta mujer se atraviese en el camino -y cumplirles-) no es una tarea nada fácil.
Desde su primera adaptación a la pantalla grande, 007: Dr. No (Dr. No; 1962), el personaje literario creado por Ian Fleming se convirtió en un ícono de la cultura popular de inglesa, y después mundial. Sean Connery fue el elegido para dar vida a James Bond en las primeras cinco películas de la saga, y cuando se retiró de la franquicia fílmica, fue sustituido por el australiano George Lazenby, quien únicamente realizó una cinta como el agente secreto: 007: Al Servicio de Su Majestad (On Her Majesty's Secret Service, 1969). Connery accedió a darle vida al seductor personaje en una vez más, así fue como se logró la realización de 007: Los Diamantes son Eternos (Diamonds Are Forever, 1971). Roger Moore se encargó de dar vida al espía en las siguientes tres cintas realizadas: 007: Sólo para tus Ojos (For Your Eyes Only, 1981), 007: Octopussy (Octopussy, 1983) y 007: En la Mira de los Asesinos (A View to a Kill, 1985). El legado de Moore al personaje, fue quitarle un poco su característica seriedad, evitar el tabaco y precisar de Bourbon y no Martinis.
El siguiente en ponerse el smoking de James Bond fue Timothy Dalton en 007: Su nombre es Peligro (The Living Daylights, 1987) y, según afirman los asiduos lectores de los textos de Fleming, el Bond de Dalton es el más apegado al de la creación literaria del autor. El actor inglés sólo fue James Bond una vez más en 007: Con licencia para matar (License to Kill, 1989), que tuvo la particularidad de haber sido filmada parcialmente en México. Tras un sexenio de ausencia, James Bond regresó a la pantalla grande bajo la piel de Pierce Brosnan en 007: GoldenEye (GoldenEye, 1995); Brosnan encarnó al agente en tres ocasiones más: 007: El Mañana Nunca Muere (Tomorrow Never Dies, 1997), El Mundo No Basta (The World is not Enough, 1999) y Otro Día para Morir (Die Another Day, 2002). Cuando Daniel Craig fue elegido para dar vida a James Bond (superando a cerca de 200 candidatos entre los que figuraban Clive Owen y Hugh Jackman), muchos quedaron inconformes y cuestionaron la decisión final de los productores, pero tras el estreno de Casino Royal (Casino Royale, 2006) el rubio actor dejó a todos callados pues demostró ser el perfecto 007 para las nuevas generaciones, para las cuales también se revitalizó toda la franquicia manejándola con un tono más realista, más moderno y más violento (su influencia mayor, sin lugar a dudas, fue la saga de Jason Bourne protagonizada por Matt Damon). El rumbo al que llevaron la franquicia fue aplaudido por público y crítica, colocándola en los primeros lugares de taquilla y obteniendo entradas globales de casi 600mdd. Las más de 20 cintas de la franquicia la colocan como la saga cinematográfica más extensa de la historia del cine y su final no se ve muy próximo, pues Daniel Craig ya firmó para, por lo menos, un par de cintas más como el agente 007, de quien este mes, veremos en pantalla grande su más reciente y peligrosa misión.
http://www.youtube.com/watch?v=DeumyOzKqgI
De Operación Skyfall, como cualquier misión con calidad Top Secret que se precie de serlo, se sabe muy poco respecto a la trama; sabemos que la cinta comienza con una misión fallida en Estambul, en la que James Bond es presuntamente asesinado a la par que son reveladas las identidades de todos los agentes secretos del MI6 a través de internet. Tras un ataque al Servicio Secreto por parte del terrorista Raoul Silva, James Bond sorpresivamente reaparece para atrapar al villano, sin saber que ese hombre tiene una relación directa con él y con M, figura de autoridad a la que Bond ha servido desde hace años y hacia quien su lealtad se pondrá a prueba cuando al agente le sea revelada información que ponen en entredicho el profesionalismo de M. Es bajo esta premisa que el director de American Beauty se pone por primera vez al frente de un proyecto de tal magnitud y para el cual se vio directamente inspirado por The Dark Knight de Christopher Nolan, según el mismo director Sam Mendes, quien ha declarado que el cine de Nolan (y particularmente la segunda parte de la trilogía del Hombre Murciélago) ha influenciado de manera directa su trabajo y el rumbo que se tomó en esta nueva entrega del 007 que viene respaldada por la historia escrita por Neal Purvis, Robert Wade y John Logan.
http://www.youtube.com/watch?v=7Avyk9smi0Q
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Pero no sólo sobre una buena historia se edifica una producción cinematográfica, los actores que impulsan el filme son también de vital importancia y esta cinta se caracteriza por estar repleta de grandes estrellas. A los ya conocidos Daniel Craig (su tercera vez como James Bond) y Judi Dench (como M por sexta ocasión) se une el reconocido actor español Javier Bardem, quien será el responsable de los ataques al Servicio Secreto Inglés al dar vida a Raoul Silva, el villano a vencer en esta nueva entrega. Ralph Fiennes también se suma al elenco para encarnar a Mallroy, un misterioso trabajador del gobierno que dará una que otra sorpresa. Además, el famoso personaje Q aparece nuevamente en la modernizada franquicia sólo que en una versión muchísimo más joven que en los filmes previos; en esta ocasión toca el turno a Ben Whishaw (El Perfume y Bright Star) el interpretar al experto en tecnología que le proporcionará a Bond toda clase de gadgets que le serán de gran ayuda en las misiones de corte global en las que se verá envuelto. Pero como no todo en la vida son los negocios (entiéndase 'salvar al mundo') y siempre hay que darse un poco de tiempo para despejar la mente en placeres mundanos (entiéndase 'seducir mujeres' como sólo el mejor espía del mundo lo puede hacer) también se unen al elenco las actrices Naomie Harris como Eve (una agente especial que trabaja también para el Servicio Secreto) y Berenice Marlohe como Severine, ambas representan a las Chicas Bond en turno.
A tan sólo un par de días del estreno de Skyfall se reveló que John Logan (La Invención de Hugo Cabret yRango , entre otras) regresaría como guionista para la cinta número 24 de la franquicia, pues al parecer, los productores han quedado maravillados con el trabajo y enfoque que le ha dado al espía británico en esta nueva entrega. Logan será el único guionista para la próxima cinta de Bond pues los coescritores de Skyfall, Neal Purvis y Robert Wade, dejan la saga tras haber participado en las últimas cinco entregas. Con esto y el hecho de que Daniel Craig ya ha firmado para, al menos un par de cintas más como James Bond, tal parece que el personaje de Ian Fleming se niega a dejar la pantalla de plata y, por nuestra parte, no tenemos ninguna objeción en que continúe viviendo las aventuras que nosotros no podemos.
nacido de la mente de los caricaturistas políticos JIS (José Ignacio Solórzano) y Trino (José Trinidad Camacho) que ha aparecido en diversos periódicos desde las publicaciones originales en La Jornada Semanal en 1989, finalmente da el salto a la pantalla grande bajo la dirección de Alejandro Lozano y Andrés Couturier en una coproducción de Anima Studios y Peyote Films. La trama de la cinta animada se centrará en las aventuras de 'El Santos' en un México a merced de una invasión zombie a la que deberá hacer frente a la par que se topa con las amenazas de la luchadora sedienta de poder conocida como 'La Tetona Mendoza'. El Santos vs. La Tetona Mendoza representa no sólo el debut en la pantalla grande del irreverente personaje de las tiras cómicas, sino el fruto de cinco años de trabajo que se han invertido en el proyecto para finalmente ser proyectado este mes en las salas cinematográficas de todo el país con un reparto verdaderamente envidiable: Daniel Giménez Cacho como el soez enmascarado, Regina Orozco como la ‘Tetona Mendoza’, José María Yazpik como el 'Peyote Asesino', Héctor Jiménez en el papel del ‘Cabo Valdivia’ y todos los Bichir dan voz a los ‘Cerdos Guitiérrrez’; además, en el extenso reparto coestelar se encuentran Andés Bustamante, Irene Azuela, Joaquín Cosío, Julieta Venegas y la participación especial del director Guillermo del Toro. La cinta llegará a las pantallas comerciales a finales de noviembre (el 30 para ser exactos), pero se estará presentando en el marco de la décima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia que tendrá lugar del 3 al 11 de noviembre en la capital michoacana. ¡No se la pierdan!
del director Pablo Larraín (responsable de Fuga, Tony Manero y Post Mortem) se desarrolla a finales de la década de los ochenta cuando el general Augusto Pinochet, ante la presión internacional, exige un referéndum sobre su presidencia (el famoso plebiscito de 1988). Ante esta situación, los líderes de la oposición deciden actuar inmediatamente y contratan a un joven y descarado publicista de nombre René Saavedra para que participe dentro de la campaña del No, con la cual se pretende hacerle frente a la dictadura del decadente general. Centrándose en la insolente pero fresca figura del publicista, la trama aborda las tensiones dentro del equipo de la campaña del No, la cual apela a un discurso centrado en la esperanza y la alegría; ante las discrepancias del grupo opositor a la dictadura, Saavedra tiene que luchar por imponer sus ideas sobre el enfoque de la campaña (que incluye el manejo de un arcoiris como símbolo de la campaña), pues por su experiencia en campañas de corte comercial, sus detractores acusan a sus ideas de banalizaciones superficiales. Además, el publicista que realiza la campaña del No en sus tiempos libres, debe enfrentarse al entorno marcado de triunfalismo que representa su trabajo en una de las agencias publicitarias más importantes de Chile en donde su jefe colabora en la campaña del Sí a Pinochet. Para la estructuración del guión, Pedro Peirano tomó como punto de partida la obra no estrenada del escritor Antonio Skátmeta, en donde existía un único personaje que para la versión cinematográfica fue desarrollado más a profundidad y se agregaron personajes inspirados en la gente que realmente hizo la campaña del No y a la que conoció en su trabajo de investigación para la producción del filme; a su investigación personal también se agregó la realizada por la periodista Lorena Penjean y así surgió el guión de No, filme protagonizado por Gael García Bernal que fue presentado en la Quincena de Realizadores en la pasada edición del Festival de Cannes, en donde obtuvo el premio de la sección Art Cinema Award; la cinta se estrenará de manera comercial en salas nacionales este mes.
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presenciado en la pantalla grande las historias de los mexicanos indocumentados que pretenden cruzar la frontera hacia los Estados Unidos. Hemos visto retratos descarnados de todos los obstáculos que tienen que superar quienes buscan una vida mejor que aquí en México no pueden obtener (o que no la quieren buscar con los medios que les ofrece la realidad nacional); pero pocas veces se ha puesto bajo la lente las historias de los indocumentados de otras partes del continente, particularmente de Centroamérica y las condiciones político-sociales que existen en 'la otra' frontera mexicana. Es en este contexto fronterizo en donde se desarrolla la historia de La Vida Precoz y Breve de Sabina Rivas, la nueva cinta de Luis Mandoki (Cuando un Hombre ama a una Mujer de 1994 y Voces Inocentes de 2004), director que ha utilizado algunos de sus trabajos como instrumentos de denuncia política y social (como el documental Fraude Electoral 2006) y que nuevamente busca exponer las condiciones de injusticia que viven los inmigrantes que pretenden llegar a los Estados Unidos a través del territorio mexicano, un viaje que resulta mucho más peligroso de lo que podríamos imaginar y en el que los centroamericanos tienen que hacerle frente a la violencia y degradación a las que son sometidos por parte de los mexicanos. Y es que como bien indica el slogan de la cinta "El Sueño Americano es fácil, lo difícil es cruzar por México", ya que además de enfrentarse a la corrupción de las autoridades nacionales, quienes buscan llegar al 'sueño americano' también tienen que enfrentarse al acecho a los miembros de la Mara Salvatrucha que están establecidos al sur de México. El relato del filme nos presenta a una adolescente hondureña que busca llegar a la frontera México-Estados Unidos pero es atrapada por una red de prostitución y trata de personas en los límites de México y Guatemala, naciones que se encuentran divididas únicamente por el río Suchiate y en donde los sueños de llegar "al gabacho" y convertirse en cantante se desmoronan al ser obligada a prostituirse por una red de prostitución que está coludida con las autoridades de la localidad mexicana; además, la joven hondureña tiene un reencuentro con Jovany, un joven también hondureño al que tenía años sin ver y con el que casualmente se vuelve a encontrar en medio de factores adversos como la matrona del prostíbulo, el cónsul mexicano y el ejército.
Tras un periodo de 10 semanas de filmación en locaciones del DF, Veracruz y Chiapas (y tras una etapa de preproducción que tomó más de 3 años) el director Luis Mandoki construye su trabajo con los cimientos que le ofrece el guión adaptado por Diana Cardozo Benia de la novela La Mara de Rafael Ramírez Heredia y el sólido reparto conformado por los venezolanos Greisy Mena y Fernando Moreno, además de los talentos nacionales como Joaquín Cosío, Mario Zaragoza, Dagoberto Gama, Tenoch Huerta, Tito Vasconcelos, Zaide Silvia, Miguel Flores, Moisés Manzano, Asur Zagada, Beto Benites, Nick Chinlund, Julián Pastor, Tony Dalton entre varios más. La cinta es producida por el reconocido periodista mexicano Abraham Zabludovsky a través de la compañía productora Churchill y Toledo S.A. de C.V. y con la importante aportación de FIDECINE y los apoyos de diversos empresarios de la iniciativa privada; La Vida Precoz y Breve de Sabina Rivas es, en palabras del mismo Zabludovsky "...una historia de amor en un escenario de situaciones límites, reales y cotidianas, en donde el amor y la lealtad son puestas a prueba, en el contexto del fenómeno de la migración internacional. Una película que refleja las circunstancias de la geografía como destino y espejo de su tiempo". El filme se presentará en el marco de la décima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia y será estrenada de manera comercial el 9 de noviembre.
en las manos aumenta las posibilidades de recrear una realidad y hacer que esta permanezca a través del tiempo, para apreciarla una y otra vez, en busca de fortalecer la imagen en la mente o simplemente volver a vivir ese momento en específico. Para un director de cine como Carlos Reygadas, esta es la razón de ser de su cine de contemplación. El filme Post Tenebras Lux, aporta imágenes que pueden producir desesperación, cansancio, enfado…pero también algunas que hablan de esperanza, de emoción desbordada y en algunos casos de simple complicidad. El discurso, sin embargo, no es fácil, pues resulta como tratar de conectarse a una mente cuyos varios pensamientos se sobreponen o contraponen o simplemente exponen lo que va surgiendo, sin un orden lógico, pero sí con el entendimiento de quien los emula: es como hacer visual esa imagen acústica de los pensamientos que arbitrariamente llegan a converger en un momento, sin puntuación ni jerarquía. Ya lo hacía José Saramago en sus historias, ya lo expresa también Arturo Pérez-Reverte en sus novelas, sólo faltaba alguien que no quisiera ser propiamente explicativo sino más bien demostrativo visualmente en el cine, sin un relato coherente y mucho menos literario. Curiosamente y a pesar de su título, primero se aprecia un atardecer, bueno, un obscurecer que pareciera una contradicción de su título: en lugar de avanzar en la historia, pareciera que se estanca en ese momento, lentamente, con algo de temor quizás, pero de igual forma no pareciera que deseara avanzar hacia la luz. Como un velado telegrama para el público apto sólo para películas de acción o menos pensante. Pareciera que ofrece una trama familiar, su contexto, sus altibajos y hasta sus miedos u oscuros episodios que permanecen en la memoria y salen a relucir cuando el estrés de otros pensamientos exalta los nervios. A pesar de la calma enfáticamente contemplativa de las escenas, las situaciones expresadas son fuertes, descaradas, descabelladas al punto en que identificamos claramente malas intenciones, frustraciones y hasta un asesinato, un suicidio e incluso a ese demonio que se mete en la habitación de cualquier pareja, en algún punto de su matrimonio, con todo y caja de herramientas.
El uso de una lente que reverbera la imagen en los extremos de la toma, de pronto dimensiona la historia en otro lugar, en una realidad distante cuando está tan cerca (por lo menos de los provincianos) pero no es notoria: el talamontes, las historias del círculo de autoayuda masculino, los peones, los caciques, la relación entre ellos como parte de una comunidad y con alguien que busca adaptarse pero simplemente lo único en común que encuentra es el lugar donde está situada la casa. Convergencia de personalidades que en otra historia veríamos como posibles criminales, abusivos o de plano gente nada grata para convivir. Y todos hemos tenido acercamiento alguna vez con personas que fácilmente se confundirían con gente mala…cada quien habla de la feria como le va en ella.
El uso de niños en las películas dramáticas siempre busca un efecto conciliador con la naturaleza humana, de modo que Post..., sin tener esta clasificación bien aprovecha la inserción de la pareja de pequeños, hijos reales de Reygadas, para enfatizar emociones, para encausar esfuerzos, para justificar acciones. De cualquier modo resultan el toque de ternura en la historia, pues incluso el equipo de rugby que se prepara en los vestidores y luego se muestra motivándose en el campo, tiene la verdad velada de la lucha por el bien que todos, en algún momento, intentamos: no dejar que otros vean nuestro miedo y aprovechar esa fortaleza contra quienes buscan nuestro mal. La imagen del cabrío rojo, animación que bien nos recuerda al diablo de Alex de la Iglesia (El Día de la Bestia, 1995), resulta un elemento inesperado luego de la franqueza presentada (que no pareciera historia ficticia sino completamente salida del vecino o el primo del amigo de la novia), un juego mental que hace pensar si efectivamente aquello que mueve nuestros pasos es el bien o es el mal y en qué dimensión. De igual modo, el hecho de que el electricista-amigo-ladrón-talamontes-asesino se arrancase la cabeza, toma por sorpresa a los espectadores. Luego de todo lo sucedido a este personaje secundario, es una salida poco honorable o estética, pero no es algo impensable, sobre todo en las personas cuyas crisis existenciales buscan ese tipo de soluciones, poco creativas pero efectivas.
Ahora bien, la desnudez apacible en la que seguramente se cree es una vorágine de pasión, como lo es el interior de un baño francés, más allá de mostrar un lado pervertido, muestra la resolución de quienes no se limitan a cierta convención sexual, sino a la desinhibida complejidad del ser humano con respecto a sus relaciones y su búsqueda de ir más allá de lo conocido o superado. No se puede hablar de una pureza del desnudo, pero la iluminación indica que no busca el morbo, sino su natural aceptación. En fin que el propio Reygadas no quiere una interpretación de sus imágenes a lo largo de esta hora y media de proyección, sino que haya algo memorable de su mosaico mental en los espectadores. A mí me queda claro que “el orden de los factores no altera el producto” y que si buscas la luz después de la obscuridad, no significa que sea un proceso lineal, sino como las nubes de las tormentas, a veces se posan en una zona, a los pocos minutos se alejan y pueden volver a cerrarse sobre el mismo lugar, sin dejar caer gota. Reygadas lo hace manifiesto en aquella feliz mañana familiar, arruinada por una perrita desobediente, pero sobre todo, con un segundo grupo familiar disfrutando de la playa, observando el sol y mostrándose serenos ante el espectáculo. El reto es alcanzar a ver la luz.
tras la muerte de un ser querido nuevamente vuelve a ser tema circunstancial en una producción nacional. El mes pasado fuimos testigos de cómo Alejandra, la protagonista de la estupenda Después de Lucía, que recién había quedado sin la figura materna tras un accidente de auto, sufría de manera silenciosa las humillaciones de las que era víctima en la escuela y sin mencionarle nada a su padre, quien vivía deprimido tras la pérdida de su esposa; ahora, este mes volvemos al tema de la pérdida y el duelo en la cinta El Sueño de Lú, en donde la protagonista (que casualmente se llama Lucía) se repone de un intento de suicidio, un punto límite en su vida al que llegó por no poder enfrentar el duelo por la pérdida de su hijo. Según el propio director Hari Sama el filme plantea, a través de la historia de la protagonista, cuestionamientos como "¿Se puede sobrevivir la muerte de un hijo?" y "¿Se puede volver a sonreír?" El Sueño de Lú es un relato en el que un encuentro inesperado y un viaje, obligarán a Lucía a enfrentar de una vez y para siempre la pérdida de su hijo para poder seguir adelante; los vínculos y los pequeños milagros le harán comprender que uno puede permanecer en esta vida a pesar del indescriptible e interminable dolor que representa la muerte de un hijo. Con un naturalismo e intimismo sobrecogedores, Sama logra retratar de manera honesta el viaje de superación ante la difícil situación de Lucía y el cómo sobrelleva el dolor (pues este jamás se irá) inefable que muchas veces impide su relación con la realidad, con ese mundo real que, más allá de los sentidos trastocados por la pérdida de su hijo, representan y le ofrecen el milagro de la vida, aunque ésta represente (y representará) siempre un proceso de pérdidas constantes, algunas de ellas, tan antinaturas como la pérdida de un hijo. A un año de merecer una Mención Especial de Largometraje Mexicano en la novena edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, este mes finalmente se estrena de manera comercial la cinta que también ha sido galardonada en el Festival de Cine de Shanghái, en donde la actriz Úrsula Pruneda recibió el premio como Mejor Actriz por su desempeño en El Sueño de Lú.
http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_octubre_2012_frankenweenie
En “La chispa de la vida” conoceremos la historia de Roberto, un publicista en paro que queda atrapado en un accidente de manera que nadie se pone de acuerdo en la manera de rescatarlo. Una situación absurda y dramática que llama la atención de los medios de comunicación, que convierten la tragedia en un espectáculo. En semejante tesitura, Roberto decide sacar partido y vender la exclusiva para solucionar para siempre los problemas económicos de su familia.
Una aventura épica que cuenta la historia de un grupo de héroes-cada uno con extraordinarias habilidades. Cuando un espíritu maligno conocido como Pitch intenta tomar el mundo los inmortales Guardianes deben unir fuerzas por primera vez para proteger las esperanzas, creencias y la imaginación de los niños en todo el mundo.
Bella concluye su transformación en vampiro y ahora debe familiarizarse con su nueva condición. Con el nacimiento de Renesmee, la familia Cullen deberá protegerse ante la amenaza de los Volturi ya que existe una ley para los vampiros que prohíbe a todos los clanes convertir a niños, pues son difíciles de controlar y pueden generar auténticas masacres que pongan en peligro la secreta existencia de los vampiros.
Para Julien el amor es una contradicción. Si bien es un consejero matrimonial brillante, su vida sentimental ha resultado catastrófica desde la infancia. Tras varios noviazgos que nunca superan las dos semanas, algunos sucesos desafortunados y el deseo de romper con la mala suerte que le acarrea a sus parejas en turno, un buen día Julien decide renunciar a la búsqueda del amor; pero conoce a Joanna, una atractiva mujer que se encuentra ante la oportunidad de su vida. La comedia romántica que ningún terapeuta dejaría ver a sus pacientes. El terapeuta que ningún paciente quisiera tener.
Las paredes hablan es un largometraje mexicano en el que la historia es narrada por el alma de una casa, Casa Espíritu, donde se vive el amor de Javier y María, un romance contario a la voluntad de sus familias, rivales por el poder político y económico del país. La trama se desarrolla durante tres períodos claves de nuestra historia, en 1810, cuando comienza la lucha por la independencia en México, 1910, al inicio de la Revolución mexicana, y en 2010, con la insurgencia del narcopoder. Una emblemática colección de arte mexicano cambiará de manos con los vaivenes de la historia. Las paredes hablan es un “Viva México” muy al estilo de nuestros tiempos, entusiasta y crítico, para celebrar y reflexionar la Celebración del Centenario de la Revolución y del Bicentenario de la Independencia.
Ralph ha sido opacado por Repara-Félix, el chico bueno de su videojuego, quien siempre logra salvar el día. Cansado de ser el malo de la historia, Ralph decide tomar el asunto por sus propias y gigantes manos, y se lanza en un viaje a través de los distintos mundos y generaciones de videojuegos para demostrarle al mundo que él también puede ser un héroe. En su recorrido, Ralph conoce a la rigurosa Sargento Calhoun, del videojuego de acción “Hero’s Duty”, y con la testaruda Vanellope von Schweetz, del videojuego de coches de carrera de caramelo, Sugar Rush, que quizás se convierta en su primera amiga verdadera. Pero todo cambia cuando irrumpe un enemigo mortal que amenaza con destruir el mundo de los videojuegos y a la propia Vanellope. Finalmente, Ralph tendrá la posibilidad de salvar el día, ¿pero podrá hacerlo a tiempo?
El film nos relata cómo el 4 de noviembre de 1979, mientras la revolución iraní alcanzaba su punto álgido, algunos militantes irrumpieron en la embajada de Estados Unidos en Teherán y tomaron cincuenta y dos prisioneros estadounidenses. Sin embargo, en mitad del caos, seis de ellos logran escapar y encuentran refugio en casa del embajador canadiense. Sabiendo que es solo cuestión de tiempo que les encuentren y, muy probablemente, les maten, un especialista de la CIA en operaciones especiales llamado Tony Mendez (Ben Affleck) urde un arriesgado plan para sacarlos del país. Un plan tan increíble que solo podría salir bien en una película.
La película retrata los últimos años de la vida de José María Morelos y Pavón (1812-1815), caudillo de la independencia mexicana quien tras burlar el cerco del Gral. Calleja en Cuautla, reorganiza sus tropas y toma la ciudad de Oaxaca; sin embargo, teniendo más de la mitad del territorio mexicano en sus manos, Morelos se empeña en tomar el puerto de Acapulco mientras las tropas realistas se reorganizan y recuperan terreno. Muestra la relación de Morelos con sus lugartenientes, su preocupación por crear instituciones propias y un ejército disciplinado capaz de hacerle frente a las tropas realistas. El film captura dos facetas indisolubles de la vida del héroe mexicano: sus contradicciones y sus pasiones.
Esta es la historia de tres hombres: Luisillo, un joven talentoso que aspira a jugar futbol de manera profesional; Alvaro, quien es directivo de un equipo de primera división y mantiene una enfermedad en secreto, y David, un obrero desempleado que ha caído en la depresión y que ha descuidado a su familia. Su vida cambiará cuando “El Profe”, un enigmático taxista, aparece en sus vidas, quien les brindará apoyo y les demostrará que la vida está llena de oportunidades. Un filme basado en historias reales.
Gus Lobel (Clint Eastwood) ha sido uno de los mejores cazadores de talentos de beisbol de la industria, sin embargo su edad ya le está pesando y se niega a ser enviado a la banca para retirarse de su carrera. Gus encuentra ayuda en su hija Mickey (Amy Adams) quien es socia de un bufete de abogados de Atlanta que podría ser la solución a la carrera de su padre, quien no fue muy buen papá tras la muerte de su mujer. Padre e hija que no pasan mucho tiempo juntos se esfuerzan y se unen para descubrir la realidad de su presente y cambiar su futuro. Por otra parte, Johnny Flanagan (Justin Timberlake), es un cazador de talentos de beisbol, rival de Gus que tiene en la mira su carrera pero también el amor de Mickey.
Magic Mike lleva años dominando el escenario del Club Xquisite con su original estilo y sus imponentes movimientos. Un día Mike se fija en un jóven llamado The Kid al que decide apadrinar y enseñar todos los secretos de las fiestas, las mujeres y el dinero fácil. Mientras aparece Brooke, la cautivadora hermana de The Kid, que resulta ser una oportunidad para Mike, alguien a quien conocer mejor... hasta que su modo de vida se cruce en su camino.
http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_julio_2012_spidey
Un Monstruo en Paris nos situará en la capital francesa en el año 1910, donde el pánico se ha apoderado de la ciudad ¡El rio se desborda y un monstruo anda suelto! El formidable comisario Maynott y sus hombres le intentan dar caza día y noche, pero sin ningún resultado. Podría ser que estar al frente en el The Rare Bird, un cabaret de Montmartre donde la bella Lucille es la atracción estrella, no sea un mal lugar para ocultarse después de todo.
CONACULTA (Consejo Nacional para la Cultura y las Artes) ha anunciado la reapertura de la Cineteca Nacional de la Ciudad de México y revelado el programa de actividades que se realizarán en las renovadas instalaciones (entre las que destacan: foro al aire libre, áreas verdes, renovación de salas ya existentes y cuatro nuevas completamente equipadas con tecnología de punta, Museo del Cine y un Laboratorio de Restauración Digital -el primero en Latinoamérica-). Dentro de las actividades destaca la proyección de Devoción, una pieza creada en conjunto por el compositor Michael Nyman y el realizador mexicano Emilio Maillé; el trabajo es un conjunto de emblemáticas imágenes que será presentada en con la participación en vivo de la Orquesta Juvenil Carlos Chávez el día miércoles 7 de noviembre a las 19:00 hrs. También resalta la inauguración de la 54 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, que en esta ocasión presentará veinte largos provenientes de todas partes del mundo y que han sido galardonados en diversos e importantes Festivales Internacionales. La Muestra será inaugurada con la proyección de la versión restaurada de la cinta mexicana Macario de Roberto Gavaldón. Con estas y muchísimas actividades más, la Cineteca Nacional (que cabe señalar que es una de la más visitadas en el mundo) se consolida como el recinto fílmico más vanguardista y completo de Iberoamérica.
http://www.cinetecanacional.net/
Ya hay una nueva obra literaria (ya que ahora todos los libros son 'obras literarias' o por lo menos así los manejan) que coquetea con ser llevada a los terrenos cinematográficos es la historia escrita por Elizabeth Richards que se sitúa en una ciudad en donde los Darklings y los humanos viven divididos por un gigantesco muro originado de una guerra sangrienta; en este entorno, un mestizo adolescente llamado Ash Fisher conoce a una joven humana de nombre Natalie Buchanan y se enamoran. El libro saldrá a la venta este mes y Screen Gems ya está en busca de un escritor para que se encargue de la adaptación del papel al celuloide.
Se dice que Joe Wright (Anna Karenina) está en negociaciones con Lionsgate para quedar al frente del proyecto de la biopic del artista del escapismo Harry Houdini, que se basará en l biografía The Secret Life of Houdini: The Making of America's First Superhero escrita por William Kalush y Larry Sloman; además, probablemente la adaptación a la pantalla grande correrá a cargo de Noah Oppenheim (The Maze Runner).
JACK THE GIANT SLYER La nueva cinta de Bryan Singer (protagonizada por Nicholas Hoult, Stanley Tucci y Ewan McGregor) cambia de nombre (antes se llamaba Jack The Giant Killer) y será estrenada el 1° de marzo de 2013. POLTERGEIST Se rumora que Sam Raimi podría quedar en la silla del director para rodar el remake de la cinta ochentera de culto. MASTERS OF THE UNIVERSE Todo parece indicar que el director Jon Chu (responsable de Step Up 2: The Streets) se encargará finalmente del remake del filme ochentero dirigido por Gary Goddard (cabe destacar que fue su único largometraje en su carrera); esta nueva versión contará con un guión de Richard Wenk (The Expandables 2). TRUE SKIN Warner Bros. desarrollará un filme basado en el cortometraje True Skin, trabajo que les presentamos hace unas semanas a través de nuestro facebook, si no lo checaron, aquí les dejamos nuevamente el link... http://vimeo.com/51138699
http://youtu.be/RaHzUMq8iaM
Nuevamente (como en Kick-Ass y Let Me In) vemos a una sangrienta Chloe Moretz en el remake de la cinta de culto ochentera dirigida por Brian De Palma y que protagonizó la gran Sissy Spacek. En este avance gráfico, un efectivo simplismo de manejo tipográfico amenaza con la sentencia de que conoceremos su nombre. La nueva versión de la novela de Stephen King está protagonizada también por Julianne Moore como la madre fanática religiosa.
http://youtu.be/MXaanQkzrXU
El esperado avance de la tercera entrega del superh茅roe que privatiz贸 la paz mundial finalmente fue lanzado causando una gran expectativa y comentarios por lo mostrado en el avance (sobre todo el villano interpretado por Ben Kingsley)
Primer avance de la cinta que ya se ha presentado en Festivales como los de Nueva York, Cannes y el Fantastic Fest 2012.
http://youtu.be/yQJrVEgOPRk
Primer avance de la cinta protagonizada por Lindsay Lohan y la estrella del cine porno James Deen.
http://youtu.be/VPowakhqVVQ
R
ecuerdo que cuando era pequeño, los fines de semana, mi Abuela Paterna me contaba historias sobre enanos, dragones y unos seres con las orejas puntiagudas. Yo, con mi cobija amarrada al cuello y mi espada de plástico, brincaba de cama a cama jugando a atacar a esos enormes dragones de los que me hablaba. Buenos momentos fueron los de mi infancia, no sólo por que aprendí a cocinar y a tener un poco mas despierta mi imaginación, no sólo por las historias que me contaba ella, sino por los libros viejos a los que una que otra vez les eché una hojeada. Cada fin de semana era dibujar, escribir, jugar con mis luchadores que me compraba en el mercado de Mixcoac, y hasta pizzas hacer. Creo que ya me salí un poco de tema, pero si esperamos tanto tiempo para que la historia del Hobbit fuera llevada a la pantalla, qué más da que les haga una breve descripción de parte mi infancia. Como bien se sabe, El Hobbit ha tenido una cantidad enorme de retrasos, desde que el presupuesto era mucho, que Peter Jackson ya no la haría, se habló que Guillermo del Toro sería quien dirigiera la película, que también David Yates, hasta de Sam Raimi se hablaba; que los problemas financieros de MGM, que siempre sí la dirigía Peter Jackson; problemas con los actores en Nueva Zelanda, que hubo un incendio en el set de la película, que Peter Jackson se enferma. Bueno, una cantidad de cosas que han pasado que hasta se podría pensar que estaba “maldita”. Pero ya cada vez estamos más cerca de estar sentados gozando esta gran película, que por cierto en un principio se hablaba de dos películas y que ahora son tres partes. Para los que no conozcan mucho la historia, esta es anterior a El Señor de los Anillos, y habla acerca del tesoro y el reino del que fueron despojados Los Enanos por el Dragón Smaug, que espero sea impresionante su aparición. Gandalf, en compañía de Los Enanos, visitan a Bilbo Baggins para invitarle a esta increíble y dura travesía. Du-
rante el camino tendrán muchos problemas y veremos en qué parte de la historia la cortan para dejarnos picados y esperar ansioso por lo menos un año más para ver la segunda parte. ¿Qué podemos esperar de esta nueva trilogía?, pues para los amantes de la literatura fantástica será un viaje increíble, lleno de acción y una excelente historia adaptada por Peter Jackson, Frank Walsh, Philippa Boyens y Guillermo del Toro. Para los que no han visto el tráiler, se los recomiendo ampliamente, donde vemos excelentes efectos especiales, seres fantásticos increíbles, personajes ya conocidos por nosotros, mucha acción y hasta un toque de humor. No queda más que esperar ansiosos al estreno en Diciembre y ver si durante la premier de la película no se sienta al lado de nosotros un elfo, un enano, un hobbit o quizá hasta un orco. Y una gran pregunta ¿podremos ver por fin al Dragon Smaug en pantalla, o será hasta la próxima?
http://youtu.be/FlSLFUhVOKc
Y
es que gracias a Murnau y a su filme El Último (Der Letzte Mann, 1924), el lenguaje cinematográfico al que hacíamos referencia en el número anterior toma forma definitivamente y echa a andar (más bien a correr) con fuerza y ganas. Griffith nos había dejado las herramientas necesarias para contar una historia. Pues bien, ahora Murnau nos suma una gran multitud de mecanismos que darán a los directores la posibilidad de darle a esa historia una mayor dimensión y complejidad. Esos mecanismos no son otros que los movimientos de cámaras. El Último está considerado históricamente como el primer filme que explota estos movimientos y todo un clásico del cine mudo y del expresionismo alemán. Pero no sólo eso, lo que realmente hace del filme una cinta francamente interesante es la apuesta de Murnau por el cine como lenguaje en sí mismo que no necesita recurrir a la literatura para reafirmarse. Aquí es donde radica la importancia de la película: la desaparición de todo intertítulo posible en favor de un lenguaje cinematográfico que ya es suficientemente poderoso como para expresarse por sí mismo, a pesar ser un filme mudo. Un ejemplo de la apuesta clara de Murnau es el comienzo de la cinta: sin apenas títulos de crédito (tan sólo un intertítulo con el nombre de la película, del director y del protagonista) y cuyos dos primeros planos son dos travellings.
La película narra la decadencia de un portero de un lujoso hotel, magníficamente interpretado por Emil Jannings, que ya es demasiado mayor como para estar cargando baúles y maletas a los ajetreados turistas. Así, el orgulloso y respetado anciano, va perdiendo su verticalidad y es bruscamente degradado a mozo de los lavabos donde perderá el respeto de sus jefes y sus vecinos. Privado de su antiguo trabajo y del uniforme que le identifica, el anciano intenta ocultar su nueva condición, pero su vida se desintegra lentamente. El Último es un filme cargado de simbolismos y muy crítico con una sociedad que vive en la fachada y que degrada a los individuos que no son de una apariencia social digna. Son muy evidentes las metáforas creadas con el uniforme, que representa las vinculaciones históricas con la derrota germana de la Primera Guerra Mundial. También merece mención aparte la gran puerta giratoria del lujoso hotel que representa un mundo y una sociedad en constante cambio, donde tan pronto eres el rey como, al igual que nuestro protagonista, te ves relegado a secarle las manos a quienes pasan por el baño que regentas. La película está llena de puertas, ventanas y espejos que cobran gran importancia en este mismo sentido. Finalmente, resulta impactante y sorprendente desde el punto de vista formal (incluso para un espectador moderno) el final de la historia. Cuando parece que el filme ha terminado de manera trágica con el protagonista muriendo en los lavabos, un intertítulo nos sorprende advirtiéndonos que “aquí nuestra historia debería terminar, porque en la vida real al desgraciado anciano poco le quedaría que esperar excepto la muerte. Sin embargo, el autor se apiadó de él y le proporcionó un muy improbable epílogo”. A continuación vemos un cómico epílogo de 15 minutos en el que nuestro protagonista, no sólo no ha muerto, sino que vive de lujo entre comilonas, risas y puros en el lujoso hotel. Un final (impuesto por la productora) que muchos opinan que echa por tierra el discurso anterior del filme pero que, si lo miramos con perspectiva, está cargado de una ironía tal que más que un “happy ending” resulta una parodia crítica con los valores prioritarios en esta sociedad capitalista: el consumismo y las apariencias.
En conclusión, ¿por qué recomiendo El Último? Posiblemente las razones sean parecidas a las que di el mes pasado al recomendar El Nacimiento de una Nación, es decir, es una de las películas más importantes en la historia del cine y de obligado visionado para todo cinéfilo que se preste. La explotación significativa de los movimientos de cámara y la apuesta de Murnau por la expresividad y autosuficiencia del lenguaje cinematográfico convierten a El último en un filme totalmente imprescindible para comprender la historia del cine y la evolución de dicho lenguaje. Un lenguaje que, apenas tres años después, iba a sufrir un gran revés con la llegada del sonoro. Y es que la llegada del sonoro abrió la boca a los actores y se la cerró a los directores. La aparatosa caja metálica en la que se metía la cámara de cine para que no se registrase el sonido que ésta producía, provocó una limitación a la hora de realizar movimientos de cámara y, por ende, una limitación creativa para los directores. Muchos creadores murieron con el sonoro. Entre ellos, los propios Murnau y Griffith. Es lo que provocó que el cine retrocediese a la tonta adolescencia una vez se había hecho ya adulto. Al menos, hasta entonces nos había dejado joyas magistrales como El Último.
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n ocasiones, la tiranía de la actualidad nos ciega a los que vemos y, sobre todo, pensamos el cine. A veces, la dinámica de constantes estrenos nos impulsa a abordar los films sin tener tiempo a rumiarlos, a mirarlos con una perspectiva más general. Por eso, resulta interesante hacer un alto en el camino y revisitar el tratamiento de determinados temas en nuestro celuloide más contemporáneo. Para que los árboles no nos impidan ver el bosque y para encontrarnos en ese espejo gigante que es el cine. Y este año, dos títulos han venido a confirmar una tendencia que se ha acentuado durante el último lustro. Nos referimos a la última joya de la factoría Pixar, Brave, y a una comedia cuanto menos sorprendente, Hotel Transilvania. Y el nexo que une a ambas películas y a muchas otras producidas durante los últimos años es su particular forma de afrontar las relaciones entre padre e hijo. Nos referimos a cintas como How to train your Dragon, Rapunzel y Despicable Me, todas del 2010, o incluso más alejada en el tiempo, Finding Nemo que en 2003 iniciaba esta tendencia. Sorprende lo poco y mal que había sido puesta en pantalla la relación que en principio es más importante en los primeros años de vida. A menudo, los padres de los protagonistas del cine infantil han sido una carga en la historia. La muerte o apartamiento de los progenitores solía ser el key point que ponía en marcha el relato de madurez, uno de los esquemas más explorado no ya en el cine, sino en la literatura infantil.
Aunque los posibles discursos que parten de esta premisa pueden ser totalmente válidos e interesantísimos para niños y adultos, el esquema esconde o diluye conflictos difíciles de afrontar. El progenitor rara vez era entendido como una autoridad cuestionable y el hijo pocas veces tenía voz activa en la negociación diaria de la convivencia. Pero los modelos sociales han cambiado. Aquellos niños, que crecieron en la disciplina de una figura paterna estricta y omnipotente, fueron los jóvenes que se rebelaron contra el sistema a lo largo de las últimas décadas del siglo XX, y son adultos que saben como “no quieren educar a sus hijos” y se están viendo forzados a inventar una nueva relación. Hotel Transilvania nos cuenta la historia de un Conde Drácula culto y aficionado a la sangre light, que aborrece a los bárbaros humanos. Por ese motivo construye el hotel, en el que da cobijo a todos sus colegas monstruos, y sobre todo a su hija de tan sólo 118 años. La película funciona muy notablemente como comedia, algunos de sus gags son realmente agudos, no obstante, se pierde en ocasiones en el efectismo y chascarrillo explícito. Pero, lo que más nos interesa en este artículo es que pone sobre la mesa la compleja relación entre una adolescente y un padre soltero. Resulta curioso comprobar cómo en muchos de los títulos antes citados la monoparentalidad era la tónica común. Los padres solteros de Nemo e Hipo, el protagonista de la muy recomendable How to train yor Dragon, encontraban también en la sobreprotección, la solución más sencilla al conflicto intergeneracional. Esta protección, también era el motor de la malvada, soltera e impostora madre de Rapunzel, que trataba de proyectar sus frustrados deseos en la joven y aventurera hija. En los tres casos, la necesidad de los niños por explorar el mundo, era el motor que ponía en marcha la historia.
Pareciera que el modelo más extendido a la hora de educar a las nuevas generaciones surge de la mera negación sistemática de los valores estrictos y despreocupados del padre tradicional. La sobreprotección no es más que la proyección del miedo de unos padres que se enfrentan a la redefinición del concepto de familia en nuevos escenarios. Este conflicto, plasmado magistralmente por películas como Kramer vs. Kramer entre muchas otras, no había sido puesto de relieve en el cine dirigido a los principales afectados del conflicto. Brave por su parte, sin ser la mejor película de la factoría Pixar, resulta brillante en muchísimos sentidos. El guión flojea como historia de aventuras, y no logra mantener el interés durante toda la película. Pero la calidad de la imagen, la genialidad a la hora de buscar recursos expresivos autóctonos del cine de animación y sobre todo la sutileza a la hora de abordar ciertos temas mediante el simbolismo, hacen de ésta, una película más que recomendable. En esta ocasión, Mérida, la hija mayor de una familia Vikinga, luchará también por reclamar independencia. Pero un inesperado acontecimiento le llevará a realizar un viaje de autodescubrimiento con su madre. En esta ocasión el tirabuzón es doble porque, aunque resulta muy interesante plasmar, como hacían las anteriores películas, el surgimiento de nuevos modelos de familia, el hecho de eliminar un progenitor de la relación facilita el abordaje del conflicto. Pero, en Brave, el trián-
gulo formado por padre, madre e hija encuentra un sorprendente equilibrio narrativo. Brave resulta mucho más enriquecedora que las anteriores, porque el debate no se restringe sólo al concepto de desobediencia frente a sobreprotección para llegar a un almibarado punto medio. El film no omite las complejidades de la relación sino que funciona como un catalizador que anima el debate. La comunicación es constantemente bidireccional y el adulto es capaz no sólo de escuchar, sino de dar valor al punto de vista de su hija, primer paso para ser capaz de comunicarse. Educar no es negociar. Por definición, cuando se enseña tiene que haber una distancia intelectual o moral entre educador y educado. Pero esa distancia no puede ser el eje sobre el que se mantenga la relación, se necesita un espacio común en el que ambas partes sean capaces de expresarse. Educar es comunicar. Un niño sólo es capaz de tomar en consideración la opinión del adulto que esté dispuesto a tomarle a él como un interlocutor válido, errado quizá, pero digno de ser entendido. Me gustaría pensar que este formato de comedia de animación que gusta a padres e hijos no es sólo una planeada estrategia de marketing. Me alegraría saber, que el cine sirve, no para enseñar a educar, sino para construir ese espacio común en el que padres e hijos encuentren unos referentes comunes. Que, al salir del cine se escuche “Papá, mamá… tenemos que hablar”.
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a Comunidad del Anillo se ha disuelto, Boromir ha sido asesinado por los Orcos tras intentar salvar a los Hobbits Meriadoc Brandigamo y Peregrin Tuk mientras que Frodo y Sam logaron escapar de las salvajes bestias para emprender solos el camino hacia Mordor y destruir el Anillo Único; Aragorn, acompañado de Legolas y Gimli, persigue a los Orcos para liberar a los Hobbits que lograron capturar. Así fue como terminó la primera entrega de la trilogía de Peter Jackson basada en el segundo volumen de la trilogía de El Señor de los Anillos y desde ese punto continuó la cinta estrenada el 18 de diciembre de 2002 y recaudando 42mdd a nivel mundial en su primer día de proyecciones. El Señor de los Anillos: Las Dos Torres presentó por vez primera a diversos personajes que se integraron para dar continuidad a la historia que comenzara un año antes con El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo. Por mencionar sólo algunos, tenemos al Rey Théoden, el gobernante del Reino de Rohan que ha sucumbido ante una maligna fuerza que lo tiene bajo su influencia; Éowyn, sobrina del Rey Theoden, una valiente y apasionada mujer que además es una hábil y fiera comba-
tiente (aunque la prueba definitia de ello, la tuvimos hasta la tercera entrega); Grima 'Lengua de Serpiente', consejero del Rey Théoden, en realidad es un infiltrado del Mago Saruman para controlar al Monarca de Rohan. Pero si duda, los nuevos personajes que más sobresalieron, fueron Bárbol y Gollum. El primero de ellos apareció a lo largo de la cinta en una subtrama que también involucró a los Hobbits Merry y Pippin, Bárbol es el líder de los Ents, una de las especies de la Tierra Media más antiguas. Gollum por su parte, fue un personaje crucial en la historia (pues fue el antiguo poseedor del Anillo Único), éste fue generado por computadora a través de la técnica motion capture con base en los movimientos del actor Andy Serkis. Este logro técnico fue comparado directamente con el de la creación de Dobby, el elfo de la cinta Harry Potter y la Cámara Secreta (Harry Potter and the Chamber of Secrets; 2002). Contando nuevamente con la música compuesta por Howard Shore, El señor de los Anillos: Las Dos Torres envolvió a la audiencia en medio de una aventura épica sin igual a través de batallas estupendamente filmadas (particularmente la Batalla del Abismo de Helm) y logros técnicos ejemplares (aunque algunos otros eran aún perfectibles), impulsando así la historia de cuyo final fuimos testigos un año después.
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ste año, el Festival Internacional de Cine de Morelia celebra su primera década de vida y lo festejará ofreciendo lo mejor de la cinematografía nacional e internacional a través de sus secciones en competencia y de sus diversos programas especiales que ofrecerán grandes títulos que difícilmente podrán ser nuevamente apreciados en pantalla grande. El pasado 22 de octubre asistimos a la conferencia de prensa ofrecida en la capital michoacana en la que se dio a conocer parte importante del enorme contenido que este año ofrecerá el evento cinematográfico que se ha ganado uno de los lugares principales dentro de los acontecimientos fílmicos nacionales: Como cada año, la parte medular del Festival la constituyen las diversas secciones en competencia: Cortometraje Mexicano, Documental Mexicano, Sección Michoacana y Largometraje Mexicano. En esta edición, la participación será de 45 cortometrajes, 25 documentales, 12 obras michoacanas y 9 largometrajes de cineastas de distintos estados de la República Mexicana. Cabe señalar que, en el caso de los cortometrajes de ficción y animación, como ya se ha hecho a partir del año 2008, el ganador será considerado como elegible para la nominación al Oscar®. Este año la Sección de Largometraje Mexicano estará conformada por: Fogo de Yulene Olaizola, Halley de Sebastian Hofmann, I Hate Love de Humberto Hinojosa, Las lágrimas de Pablo Delgado Sánchez, No hay nadie allá afuera de Haroldo Fajardo, No quiero dormir sola de Natalia Beristain Egurrola, Restos de Alfonso Pineda Ulloa, Rezeta de Luis Fernando Frías de la Parra, y Táu de Daniel Castro Zimbrón. Entre los programas especiales de la edición número diez del Festival, figurará de manera estelar, la presentación de películas de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2012: Aquí y allá de Antonio Méndez Esparza, Augustine de Alice Wincour, God's Neighbors de Meni Yaesh, Beyond the Walls de David Lambert, Maddened by His Absence de Sandrine Bonnaire, Sofia's Last Ambulance de Ilian Metev, y Los Salvajes de Alejandro Fadel.
Las Lágrimas
I Hate Love
Halley
Como cada año se celebrará a una figura importante del cine mexicano nacida en Michoacán. En esta edición, se rendirá tributo al cinefotógrafo José Ortiz Ramos, que trabajó en más de 200 películas al lado de directores como Luis Buñuel, Ismael Rodríguez y Alejandro Galindo. Este año se proyectará una muestra integrada con una selección de alrededor de 40 estrenos de lo mejor de la cinematografía nacional e internacional, entre los que destacan: “Los mejores temas” de Nicolás Pereda, “Morelos” de Antonio Serrano, “Post Tenebras Lux” de Carlos Reygadas, “La vida precoz y breve de Sabina Rivas” de Luis Mandoki, “El Santos vs. la Tetona Mendoza” de Alejandro Lozano y Andrés Couturier y “Tlatelolco, verano del 68” de Carlos Bolado. “Anna Karenina” de Joe Wright, “Cosmopolis” de David Cronenberg, “La caza” de Thomas Vinterberg, “The Master” de Paul Thomas Anderson, “Paradise: Love” de Ulrich Seidl, “Amour” de Michael Haneke, ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes 2012 y “Argo” de Ben Affleck. Dentro del marco del Festival se tendrá el programa especial Premio Jean Vigo, conformado por cintas ganadoras del prestigioso premio, que este año incluye “L'Âge atomique” de Héléna Klotz, realizadora francesa que estará presente en la capital del estado durante el evento cinematográfico. Para celebrar los 100 Años de Universal Pictures, se presentará un programa muy particular con funciones especiales de “El gato negro” de Edgar G. Ulmer, “Frankenstein” de James Whale y “Magnificent Obsession” de Douglas Sirk, entre otros filmes. Los invitados especiales de esta edición serán el director iraní Abbas Kiarostami y a la directora inglesa Sally Potter. El cineasta presentará una muestra de su trabajo, con funciones especiales de “Close-Up”, “Copia certificada” y “El sabor de las cerezas”, cinta ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Por su parte, Sally Potter presentará el estreno en México de su aclamada nueva película “Ginger & Rosa”. La décima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia estará dedicada a la memoria de Jaime Ramírez Villalón y de Joaquín Rodríguez, pilar fundamental del Festival. Todo esto y muchísimo (y en serio es muchísimo) más estará sucediendo en la capital michoacana del 3 al 11 de noviembre; así que no pueden perderse este evento cinematográfico que celebra su primera década de vida y se ha consolidado como el más importantes a nivel nacional. Además, la asistencia a eventos como el FICM ayudará a tranquilizar las tristezas que se han provocado en semanas pasadas en la capital michoacana y otros puntos del estado por la oleada de violencia, una situación que, según se expresó en la conferencia de prensa, no afectará en ninguna medida al Festival.
Bernard Payen Coordinador de la Comisión de Cortometraje de la Semana de la Crítica de Cannes y programador en la Cineteca Francesa. Rachel Rosen Directora de Programación de la Asociación de Cine de San Francisco. Lynda Myles Renombrada productora y programadora escocesa y exdirectora del Festival Internacional de Cine de Edimburgo. Josetxo Cerdán Los Arcos Director artístico del festival español Punto de Vista Naomi Uman Reconocida artista visual estadounidense Juan Francisco Urrusti Director de tvCiudadana y artes.docs Lisandro Alonso Aclamado realizador argentino Nick James Editor de la revista inglesa Sight & Sound Juan Diego Botto Reconocido actor argentino Elena Fortes Directora General de Ambulante A.C. Leticia Huijara Renombrada actriz mexicana David Wilson Director del Festival de Cine True/False en Estados Unidos.
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ebido a su rápido crecimiento y posicionamiento dentro de mundo de los Festivales mexicanos, Mórbido, el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror cambia de sede, del mágico territorio de Tlalpujahua al no menos místico pueblo de Pátzcuaro. Su cambio de localización viene también acompañado de un movimiento de fechas, pues se llevará a cabo del 15 al 18 de noviembre. Muestra de su rápido crecimiento, es que desde hace un par de años se ha convertido en un proyecto ambulante que no únicamente se celebra en Michoacán, sino también en otros puntos de la república mexicana; además, desde la edición anterior se llevó a cabo una 'edición internacional' en Costa Rica y para el 2013 se planea extender el fenómeno a más puntos de Centroamérica, a los Estados Unidos y Europa. 'Los Vampiros' (dado que se conmemora el aniversario luctuoso de Bram Stoker) será el centro temático de este año en torno al cual girará todo el festival que se ha consolidado como un punto de encuentro entre los cinéfilos amantes de la fantasía y el terror y los cineastas creadores de producciones de estos géneros. Las sedes del Festival estarán conformadas por el Teatro Emperador Caltzontzin, el Antiguo Colegio Jesuita y la Plaza Vasco de Quiroga. Las categorías que premiará el festival son: La Calavera Dorada (premio del público hacia los largometrajes) y La Calavera de Sangre (entregada por los directores para los largometrajes). Además, se agregarán a la lista tres categorías en las que se reconocerá a los cortometrajes; esta son: La Calaverita Dorada (reconocimiento otorgado por la audiencia a los cortometrajes); La Calaverita Plateada (entregado por el Festival Mórbido a los cortometrajes) y La Calaverita Plateada (reconocimiento especial YouTube del público.) Durante las cuatro ediciones anteriores del Festival, entre los invitados especiales que nos han acompañado al evento, se encuentran per-
sonalidades como Charlie Gore, René Cardona III, Adrián García Bogliano, Tim Luna, Sergio Blasco, José Manuel Schmill, Julio César Estrada, Rigoberto Castañeda, Peter Koller, Roberto Coria, Carlos Miller, Arturo Anaya, Christian Bach, Humberto Zurita, Pepe Alonso, Sebastián Zurita, Emiliano Zurita, Laisha Wilkins, Mireya Sánchez, Aarón Soto, Emilio Portes, Rodrigo Ordóñez, Humberto Bustos, Iyari Huerta, Pepe Romay, Viviana García Besné, Jorge Michel Grau, Raúl Pérez Gámez, Miguel Gómez, Andreas Prochaska, Nacho Vigalondo, Julián Villagrán, Daniel Birman, Sergio Arau, Armando Vega-Gil, Adán Jodorowsky, Rafa Lara, Ilean Almaguer, Angélica Aragón, Ulises Guzmán, Agustín “Oso” Tapia, Rodrigo Aragão, Carles Torrens, Richard Elfman, Paulina Lavista, Eduardo Ruiz Saviñón, Sasha Montenegro, Nabila, Amra, Pablo Holman; y los integrantes de los grupos Los Rayo Backs, Ruido Rosa y Bengala. Así que, ya lo saben, los amantes del Terror tenemos una cita del 15 al 18 de noviembre en Pátzcuaro, Michocán, para el Mórbido Film Fest.
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bandonado por su madre en la parroquia de un pueblo irlandés y educado por una familia profundamente católica, Patrick Kitten vive desde pequeño un duelo por descubrir y definir su identidad de género, sin embargo, su constante optimismo e inteligente actitud –provocativa, audaz y a veces absurda— ante los prejuicios de la sociedad irlandesa y londinense hacen que viva con desenfado las divertidas, trágicas y denigrantes personalidades que decide, y no, ser: desde cantante travesti de un grupo de rock a ayudante en actos de magia, terrorista “travestido” y trabajadora sexual, muchas veces víctima de homofobia y transfobia. Es su condición, y la autenticidad de su persona, irreverente y equívoca ante los ojos conservadores, pero autentica y segura ante los más abietos, lo que la orillan en ocasiones a emplearse en ese tipo de trabajos par poder subsistir, como bien lo dice Saint Kitten: “no soy una empleda ideal”. Paralelamente busca incasablemente en la ciudad de Londres a “Phantom Lady”, su madre, una mujer imborrable pero jamás vista, parecida a Mitzi Gaynor, o eso le dijeron. Camino que la vuelve fuerte, siendo su fragilidad su más grande fortaleza. La historia está basada en la novela de Patrick McCabe, ambientada en los años 60 y 70; es un retrato de los hombres que deciden vivir a través del género distinto al biológico, no necesariamente es leiv motiv en todos los casos, pero ciertamente es una situación muy recurrente, que sin dudar, en muchas ocasiones sobrepasa a la ficción. Desayuno en Plutón llama, de la manera más dinámica, cómica y en ocasiones absurda, a respetar las vidas y decisiones de las personas que piensan, sienten y viven de manera diferente respecto a los parámetros “consensuados” tradicionalmente por la sociedad.
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n gigantesco hospital en obra negra y abandonado, se eleva en medio de la Ciudad Oculta, una villa argentina, un barrio de chabolas, un sector de la población abandonado por el gobierno de aquel país, sector social que desde su “creación” en 1978 ha vivido envuelto por la violencia y la ilegalidad; son los que hacen el trabajo que nadie quiere hacer, los que limpian las casas de gente con una mejor economía, los obreros que levantan construcciones, los que se mueven en la ilegalidad a falta de empleo, los olvidados. Elefante Blanco es como llaman al hospital y como el cineasta argentino Pablo Trapero nombró a su nuevo filme, que se desarrolla en este contexto social. La historia inicia cundo militares atacan una comunidad en medio de la selva, en el que un cura belga logra sobrevivir, después llega a la Ciudad Oculta, donde el padre Julián (Ricardo Darín) realiza una labor social par ayudar a la gente de la villa. Allí el cura belga, Nicolás, enfrentará sus miedos y comenzará a cuestionar sus creencias; el triangulo actoral se cierra con una trabajadora que trata de transmitir esperanza a los pobladores de la villa, Luciana (Martina Gusman). Ellos se verán inmersos en un conflicto social que surge en la Ciudad Oculta, conflicto en el que la iglesia no querrá tomar cartas en el asunto y ayudar a calmar la ola de violencia que se vive en la villa. Elefante Blanco formó parte de la sección Una Cierta Mirada en el pasado Festival de Cannes, y en este mes se presenta en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Es un homenaje al Padre Mugica, sacerdote argentino perteneciente al Movimiento de Sacerdotes para el Tercer Mundo en los años 60 y 70, en el cual se inspiraron para hacer el personaje que interpreta Ricardo Darín. La cinta además de ser un símbolo de la dejación política argentina, y la impotencia estatal, es una enseñanza de vida, muestra como muchas veces el individualismo es tal que olvidamos que junto a nosotros hay seres humanos que necesitan nuestro apoyo, y esa indiferencia hace que las personas de esa zona sigan olvidadas.
http://youtu.be/GDfnKUl6BPI
O
tra de las posibilidades que Hollywood ha explorado de manera muy recurrente es la del virus mortal que arrasa casi por completo con la raza humana en cuestión de días o semanas; el ejemplo más claro de ello (por ser el más reciente) es la cinta Contagio, que respaldada por un gran reparto, muestra cómo se disemina una mortal toxina de manera irrefrenable por todo el planeta y la ineptitud de las autoridades globales ante una epidemia incontrolable. Aunque la cinta en realidad tiene un tono más parecido al de un programa especial de National Geographic y no tanto el de una película apocalíptica (aunque lo es a toda regla), no se debe pasar por alto el buen desempeño actoral del envidiable elenco (Kate Winslet, Jude Law, Matt Damon, Marion Cotillard, Gwyneth Paltrow, Lawrence Fishbourne, entre muchos más) y la excelente dirección de Steven Sodeebergh. No es lo que muchos esperaban pero es una cinta obligadamente referencial cuando hablamos de virus mortales en el cine (amén de todo el discurso anti-instituciones gubernamentales que es toda una delicia) A finales del siglo pasado, el director Wolfgang Petersen nos entregó Epidemia (Outbreak, 1995), en la que Dustin Hoffman la hacía de héroe global en el papel de un científico que tiene la misión de examinar un virus originado en el viejo continente que es capaz de matar a las personas en menos de 72 horas. Además de Hoffman, entre el reparto se encuentra Morgan Freeman, Rene Russo, Donald Sutherland, Patrick Dempsey, Kevin Spacey, Cuba Gooding Jr., entre otros. Actoralmente, podría catalogarse como la Contagio del milenio pasado. Pero no sólo la ficción cinematográfica se ha apoyado de la teoría de los virus para terminar con nosotros, hace tan solo un par de años, el documental Outbreak: Anatomy of a Plague (basado en el bestseller Plague: How Smallpox Devastated Montreal) ofrece una mirada histórica sobre las epidemias globales a partir del estudio del brote de viruela surgido en Montreal en 1885. "¿Cómo reaccionaría Montreal actualmente si tuviera que enfrentarse nuevamente a un brote de viruela o a alguna otra enfermedad mortal?" es el cuestionamiento que plantea el documental coproducido por NFB, Discovery Canada y Radio-Canada. La mirada histórica sobre los efectos de las pandemias y los muy posibles brotes futuros de enfermedades letales, la hacen más escalofriante que cualquier ficción fílmica.
Regresando a los terrenos de la ficción, una característica de los virus hollywoodenses, es que muchas veces no matan a las personas sino que las transforman en horribles criaturas sedientas de sangre o hambrientos de carne humana. En este rubro, un título por demás obligado es Extermnio (28 Days Later, 2002) la primera parte del díptico que también conforma la película Exterminio 2 (28 Days Later, 2005). La primera entrega fue dirigida por Danny Boyle y se convirtió en un clásico de culto que se centra en la figura de un joven (interpretado por Cillian Murphy) que despierta en un hospital tras un largo coma tan sólo para ser testigo de un Londres desolado por un extraño virus que transforma a los infectados en voraces depredadores de sus congéneres. El éxito del filme orilló a los productores a realizar una secuela que seguía la historia de la expansión del virus, y aunque no alcanzó el nivel del filme de Boyle, el director Juan Carlos Fresnadillo entregó una más que aceptable segunda parte que rompe la regla que señala: 'segundas partes nunca fueron buenas'. Además, cabe destacar la participación de Jeremy Renner en un papel crucial de la trama y mucho antes de que saltara a la fama como el action hero que es hoy en día. Portadores (Carriers, 2009) tiene la particularidad de que llegó a México tan sólo unos meses después de la epidemia de influenza tipo H1N1 desatada en México hace tres años, pero ni el morbo logró que tuviera éxito. Y es que cuando se trata de una cinta cuya estructura (que no es lo mismo que la trama) es muy MUY similar a la de la ya citada Exterminio, pues realmente preferimos la cinta de Danny Boyle y no esta cinta protagonizada por Chris Pine y Piper Perabo, aunque destaca la participación de Lou Taylor Pucci y el final esperanzador muy bien logrado por parte de los directores Álex y David Pastor. El Último Hombre sobre la Tierra (The Last Man on Earth, 1964), La Última Esperanza (The Omega Man, 1971) y Soy Leyenda (I Am Legend, 2007) son tres cintas basadas en el mismo relato de Richard Matheson y que enfrentan al protagonista de la historia (encarnados por Vincent Price, Charlton Heston y Will Smith en sus respectivas versiones) a una plaga infectados que comparten ciertas características con los vampiros. Se dice que el guión original para la primera versión (la protagonizada por Price en 1964) fue escrito por el mismo Matheson, pero después de varias reescrituras pidió que se quitara su nombre de los créditos; si el autor siguiera vivo, se alegraría de que ninguna de las versiones hechas hasta ahora ha podido igualar a su obra literaria, pero como ya no está entre nosotros, posiblemente se encuentre revolcándose en su tumba por la versión más reciente con Will Smith. Alejándose de las producciones hollywodenses, el cine latino también ha planteado pandemias como la de la muy reciente cinta Juan de los Muertos (Juan of the Dead, 2012) en la que abruptamente, la población cubana comienza a sucumbir ante un virus que los transforma en muertos vivientes, y mientras el gobierno dice que son disidentes pagados por los Estados Unidos, el Juan del título decide montarse su negocio junto con sus amigos y, bajo el lema "Juan de los Muertos: Nos deshacemos de sus seres queridos", comienzan eliminando a los cadáveres ambulantes de las calles de la Habana. Para terminar la lista, remitámonos a un punto geográficamente más cercano: el interior de la república mexicana, en donde un grupo de personas han decidido internarse para buscar un refugio apartado de un brote infeccioso a nivel global que ha convertido a las personas en violentos seres sanguinarios; ésto en la película para internet Los Infectados (2011), en la que los 77 minutos del metraje de esta producción mexicana confirman que sólo hace falta talento y ganas de hacer las cosas para lograr sacar un proyecto adelante.
El reboot de la franquicia arácnida que Sam Raimi adaptó a principios de la década pasada fue más que aceptable a pesar de que la historia que nos habían prometido en los avances (la incansable búsqueda de Peter sobre el verdadero paradero de sus padres) se diluyó a la mitad de la cinta y se enfocó en su relación con Gwen Stacy y su amistad/enemistad con el Dr. Curt Connors. La escena post-créditos asegura que en la secuela (para la que ya fueron confirmados los regresos de Marc Webb y Andrew Garfield como director y protagonista respectivamente) finalmente sabremos qué sucedió con los padres del héroe; ahora sólo queda esperar que cumplan su palabra.
http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_julio_2012_spidey http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_julio_2012_lizard
Con 23 cintas ya estrenadas en salas cinematográficas, finalmente sale a la venta el compendio en alta definición de todas las cintas del agente secreto mas famoso de la literatura y la cinematografía. El set incluye las 22 cintas en formato casero HD y un lugar reservado para que Skyfall pueda ser colocada cuando salga a la venta (durante el primer trimestre de 2013) y poseer así la colección definitiva de James Bond que celebra los 50 años de haber dado el salto del papel al celuloide.
Desigual relato que a veces ofrece entretenimiento puro y en ocasiones pretende dar clases de historia (entre realidad y ficción) sobre el presidente más querido de los Estados Unidos. La mezcla no resulta efectiva por lo que la cinta se queda a medias: no es el gran churro (aunque por la disparatada premisa parecía destinado a serlo) pero tampoco pasará a la historia; se quedará en el limbo pronto caerá el olvido. Tal vez algún lejano día se vuelva de culto como Gánsters contra Charros.
Efectiva nueva adaptación de la novela de Susan Hill a la pantalla; el acertado uso del terror psicológico y el evitar casi por completo los sustos fáciles con efectos sonoros lograron crear atmósferas verdaderamente tétricas e incómodas. Si bien en el aspecto actoral no hay nada que reprochar, pues todos hacen un trabajo satisfactorio, se siente que a Daniel Radcliffe le hicieron falta algunos años para este rol, pues a pesar de que es capaz de llevar casi él solo toda la película, su cara de niño no acaba por convencernos de que se trata de un abogado viudo y con un hijo.
Marv es un luchador gigante y desea vengar la muerte de su amor; Dwigth es un investigador que intenta dejar sus problemas; y Hartigan es encarcelado siendo inocente. Sus historias se entretejen por terribles crímenes en una ciudad minada de pecados. Basado en el popular comic de Frank Miller, quien además dirige el filme junto a Roberto Rodríguez y Quentin Tarantino. También cuenta con las actuaciones de Bruce Willis, Jessica Alba, Mickey Rourke, Rosario Dawson, Elijah Wood, Maria Bello, Benicio Del Toro, Alexis Bledel, Michael Clarke Duncan, Carla Gugino, Josh Hartnett, Michael Madsen, Jaime King, Brittany Murphy, Clive Owen, Nick Stahl, Rutger Hauer.
Consulta la programación del mes en:
http://www.hbomax.tv/cinemax/programacion.aspx
En noviembre, Cine del Once nos tiene preparamos un escalofriante Ciclo de Terror con cuatro inquietantes títulos que nos quitarán el sueño y las ganas de salir. “LOS POSEÍDOS” de Kim Jee-woon “DÉJAME ENTRAR” de Tomas Alfredson “VIENE POR TI” de Sopon Sukdapisit “ESTÁN ENTRE NOSOTROS” de Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom.
Consulta la programación del mes en:
http://oncetv-ipn.net/cine/mensual.htm
A estas alturas, ya nadie puede sentenciar lo que es normal y lo que no; esto ya ha quedado claro con la serie Modern Family y al parecer quedará más que comprobado con The New Normal, la nueva serie que estrenará Fox, mismo canal que transmite la ya mencionada Modern Family y que recientemente se vio multigalardonada en la pasada edición de los Premios Emmy. The New Normal se centra en la vida en Los Angeles de una pareja de homosexuales que buscan, de manera desesperada, el convertirse en padres. Para ello, deciden ofrecer 35 mil dólares a Goldie, una madre soltera recién desempacada de Ohio para que les alquile su vientre, pero la susodicha no viene sola, sino que es acompañada por su pequeña hija de nueve años y por su madre ultraconservadora (está demás decir que es racista y, por supuesto, homofóbica ¿verdad?). Al igual que en Modern Family, este grupo de personas con perspectivas y enfoques tan disímiles, tendrán que convivir y conformarán otro tipo de 'familia moderna'. http://youtu.be/nJfBZxUlzhY
Previo al lanzamiento de El Santos vs. la Tetona Mendoza en los cines el próximo 30 de noviembre, Tusquets Editores edita este cómic que revela el proceso de transición por el que ha pasado el famoso personaje desde sus primeras apariciones hasta la cinta que se estrena este mes. Entre el material inédito que incluye esta edición especial, se encuentra una entrevista realizada a los caricaturistas por Mónica Maristain, comentarios de los directores de arte y animación, diseño de personajes con bocetos originales de JIS y Trino, creación de escenarios, técnicas para colorear, sombrear e iluminar tanto las locaciones creadas como a los personajes que en ellos se desenvuelven, fotogramas inéditos y fotografías que muestran el trabajo de los músicos participantes en el soundtrack de la cinta como Botellita de Jeréz o Moderatto, así como de quienes dieron vida a los personajes a través de sus voces: Daniel Giménez Cacho, Regina Orozco, Héctor Jiménez, José María Yazpik y toooooodos los Bichir.