Celuloide Digital - Octubre 2013 by Celuloide Digital

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ACTION! FLASHFORWARD ‘Thor’ - Pág. 04 | OUT ‘Maurice’ - Pág. 06 | LATITUD 7 ‘Paseando con Molière’ - Pág. 08 | LATITUD 7 ‘Camille Regresa’ - Pág. 10 | LATITUD 7 ‘Populaire’ - Pág. 12 | LATITUD 7 ‘En la Casa’ - Pág. 14 | CMX ‘La Jaula de Oro’ - Pág. 16 | EL OTRO CINE ‘Las Diabólicas’ - Pág. 18 | SHORTS ‘David’ - Pág. 19 | CRONOS: CLÁSICOS DEL CELULOIDE ‘La Infancia de Iván’ - Pág 20 PANTALLA ALTERNA ‘Festival Internacional de Cine Fantástico, Terror y Sci-Fi FERATUM 2013’ - Pág. 22 | RESEÑAS ‘Elysium’, ‘Kick-Ass 2’, ‘The Heat’, ‘Cazadores de Sombras’, Rush: Pasión y Gloria - Pág. 24

n el 2011, antes de que saliera a los cines la primera película de Thor, me encontraba muy escéptico. De todas las películas del Universo Marvel, sentía que era el más débil a explotar. No era uno de los superhéroes más conocidos, sobre todo en América Latina donde casi casi sólo se conocía a Superman, Batman y El Hombre Araña. Cuál fue mi sorpresa que fue una película del agrado de los simples mortales, y también de los amantes de las historietas de Marvel. Fue un éxito en taquilla -recaudó más de $65mdd en su primer fin de semana en Estados Unidos-, y fue grandioso ver a Kenneth Branagh realizar una muy excelente interpretación de este universo. Ahora a poco más de dos años de la primera parte, muchos nos encontramos ansiosos para ver esta secuela. En esta ocasión vemos a Thor luchar con uno de los más temibles seres malignos del universo: el vengativo Malekith. Veremos cómo inclusive puede sacrificar a alguien, y aliarse con su archienemigo -y hermanastro- Loki, para salvar no sólo al

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planeta Tierra sino también a todo el Universo. Como siempre les recomiendo ver el tráiler de esta nueva película, donde vemos increíbles efectos especiales, excelente fotografía y mucha pero mucha acción, aparte del toque de amor que le puede dar la relación entre Thor y Jane Foster y un ligero toque de humor podemos encontrar. ¿Qué les puedo decir de esta nueva entrega? Que quizá la ausencia de Kenneth Branagh ni se sienta; que será un éxito en taquilla y que veremos a muchos niños deambulando por la calle con su casco con alas y su martillo. Sólo queda esperar ansioso para ser de los primeros en verla en la premier, y ver en qué momento el queridísimo Stan Lee aparece en escena. Claro, y como siempre, empacarme unas palomitas extragrandes y mi vaso de refresco de cola enorme (y si sale el vasito coleccionable, pagar ese extra aunque mi queridísima esposa ya me quiera correr con todo y mis vasitos de mis películas).

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ué tan difícil es seguir un ideal, una pasión o simplemente un sueño? La mayor parte de nuestras vidas pasamos por alto aquellas cosas, -locas por momentos- pero que siempre las tendremos en mente, y que guardamos con culpa o tristeza (si no las hicimos realidad) o llenos de alegría y emoción, cuando decidimos seguir nuestra mente y sus ideas. Durante la época 'victoriana' en Inglaterra, Maurice un pre-adolescente tiene una 'típica' y necesaria conversación con su profesor, el tema central: la sexualidad; hay que tomar en cuenta lo difícil que era tocar ese tema en sus tiempos. Tras varios años, Maurice convertido en un joven adulto se enfrenta a un nuevo dilema, puesto que tras tener todo 'en orden', uno de sus compañeros de escuela parece despertar en Maurice algo totalmente incomprensible. Además de que me gusta aprender inglés, que mejor oportunidad de escucharlo que viendo películas hechas en el país monárquico, y aún mejor cuando se me presenta un trabajo del gran James Ivory, sin duda uno de los mejores ejemplos de cine 'clásico inglés'; siempre ha-

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ciendo uso de los elementos necesarios e ideales para abordar a su país en distintas épocas, ya sea en la Inglaterra de la Segunda Guerra Mundial o de la Gran Guerra, como de la época Victoriana; sin duda un gran cineasta y que nuevamente logra cumplir con su tradicional fórmula y encanta con esta 'atrevida y distinta' historia. Hugh Grant y James Wilby es la dupla protagonista de esta película con temática homosexual (ambos hacen un gran trabajo), pero, que está muy bien disfrazada con otros contextos que hacen que 'la homosexualidad' no sea el realce de la película; la película se levanta por los temas de clases sociales, ideales políticos, el papel de juez por parte de la sociedad, la inseguridad y el temor al rechazo; y al final el amor, un amor que nace puro e inocente por parte de Maurice. Sin duda una película que me dejó con una gran sonrisa, no solo por las actuaciones sino el complemento, el guión, la fotografía, la dirección y diseño. Todo un trabajo que invita a reflexionar y que dice: 'Sigue tus sueños sin importar lo que los demás digan'.

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l huraño actor Serge Tanneur (Fabrice Luchine) se ha retirado de manera definitiva del mundo del espectáculo y se ha mudado a la Isla de Ré. Tras algunos años de ausencia, su amigo -y también actor- Gauthier Valence (Lambert Wilson), lo visita para ofrecerle un papel en una obra que está produciendo: El Misántropo de Molière. Serge propone a su amigo ensayar por algunos días para, transcurrido ese tiempo, saber si desea realmente participar en la obra o no. Al paso de los días, los egos actorales y el orgullo se ven confrontados, llevándolos, de manera un tanto disimulada, a desafiarse el uno al otro, aunque a pesar de todo, parece ser que Serge participará en la obra de su amigo. Paseando con Molière (incomprensible título en México que le han colgado a la cinta cuyo título original es Alceste à bicyclette) es una divertida comedia dramática donde, al igual que en la comedia del dramaturgo francés que buscan llevar a escena en la trama del filme, se explora con cierto desagrado la naturaleza humana y las costumbres y vicios sociales actuales, que como bien demuestra la cinta, no han cambiado mucho desde 1666 cuando Molière escribió El Misántropo.

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A partir del guión escrito por el director Philipe Le Guay y el actor Fabrice Luchini, se construye un ameno, aunque agridulce relato en donde los actores Serge y Gauthier (gloriosamente interpretados por Luchini y Lambert) representan una especie de Alcestes y Filinto contemporáneos, y donde, a través de los ensayos en los que interpretan a los personajes de Molière, ofrecen su particular punto de vista sobre los vicios unidos a la naturaleza humana, estableciendo cierto 'paralelismo' planteado en las escenas donde los intérpretes leen pasajes del texto original y las situaciones personales por las que atraviesan los actores en ese momento de su vida; tanto así, que podríamos decir que Serge logra en algún momento, ser el álter ego de Alcestes (con todo y su vestimenta de la época). Y así como Molière presentó una sutil, deliciosa y mordaz crítica a la hipócrita y cínica sociedad del siglo XVII, Paseando con Molière hace lo propio con la escena teatral actual. Pero también, fuera de los preparativos de la obra que Gauthier pretende montar, el filme de Le Guay también nos habla de lo que significa ser actor -o lo que debería significar-.

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as películas francesas tienen una forma de contar historias muy diversas, pueden conjugar varios géneros a la vez o salirse de los parámetros habituales sin problema. Además de contener un discurso honesto, cosa que se agradece y se refleja en sus filmes. Esta no es la excepción, es una historia con un drama común: el llegar a una edad madura y descubrir que eres infeliz, que todo lo que soñaste no se cumplió o quizá si se cumplió pero no lo pudiste mantener, se terminó. Eso es lo que le pasa a Camille, llega a los 40 años con un problema de alcoholismo y divorciándose del amor de su vida Éric. Con la actuación y dirección de Noémie Lvovsky, nuevamente se repite el que la directora actué su propia película, fórmula que les ha funcionado muy acertadamente, pues quién mejor que ellos saben lo que quieren transmitir en sus historias. Camille Redouble cuenta con el guión a cargo de Noémie Lvovsky, Florence Seyvos, Pierre-Olivier Mattei y Maude Ameline; además de complementar el elenco con Samir Guesmi, Julia Faure, Yolande Moreau, Denis Podalydés, Michel Vuillermoz y Mathieu Amalric en una breve aparición. Camille Redouble es una comedia que nos regresa a los años de adolescencia de una mujer, es una historia, que a pesar de tratar un tema ya tocado en otros filmes, Camile Redouble se considera como remake de Peggy Sue se casó dirigida por Francis Ford Coppola en 1986, también lo podría ser de Volver al Futuro, pero esta cinta tiene un toque dramático con comedia y esto no lo hace obvia, al contrario no se sabe cómo reaccionará Camille, pues es una mujer madura viviendo aventuras de adolescentes esto logra que el film sea divertido y ocurrente. Pareciera que es la típica película “en la que regresan a la infancia” y que sabe-

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mos cuál será el final, pero en este caso no lo es, Camille tiene un desarrollo entretenido donde nos hace creer que tiene 16 años, por la forma en cómo se viste y comporta, además de la convivencia con sus compañeros de la edad, creo que aquí aplica el “dime con quién andas y te diré cómo eres” ya que de repente se te olvida que Camille tiene 40 años. Además de las típicas fiestas y actividades de adolescentes, también hay drama, ya que la mamá de Camille muere y ella sabe cuándo será, intenta cambiar ese evento pero no se puede, lo inevitable tiene que pasar. Pero por lo menos ella puede cambiar detalles, como pasar más tiempo con ellos, platicar con su mamá y poderle decir lo que a los 40 años le dolía no haberle dicho. La música juega en sintonía con la historia son ritmos divertidos y pegajosos entre ellas "Venus" de Bananarama y "99 Luftballons" de Nena & DJ Yoda, y otras con cierto dramatismo como "Dis quand reviendras-tu ?" de Barbara. El amor es la parte fundamental de la historia ya que al regresar a la adolescencia conoce al hombre de su vida Éric, ella cree que lo mejor es cambiar esa parte y alejarse de él para así poder cambiar el doloroso final del divorcio. Pero poco a poco se va dando cuenta que no puede contra esa atracción que se tienen, ese vinculo que los une en el presente y el futuro. Hay un dialogo que puede englobar la película: “Ten el valor para cambiar las cosas que puedes cambiar; acepta las cosas que no puedes cambiar y ten la sabiduría para saber la diferencia” Camille Redouble es una cinta que vale la pena ver, es entretenida te hará reír y pensar un poquito en las decisiones que tomas en tu vida diaria, y que afectarán tu historia futura.

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finales de la década de los años 50, la joven Rose Pamphyle (quien vive con su padre viudo y gruñón) decide rehuir de la monótona y anodina vida de ama de casa que le depara al estar comprometida (a la fuerza) con el hijo de un mecánico local; es así como, aprovechando su magistral talento como mecanógrafa, viaja a Liseaux, Normandía, para buscar trabajo como secretaria en una de las más reconocidas agencias de seguros. Allí, tras estar un tiempo a prueba, su carismático jefe Louis Echard, no le ve futuro en la empresa como secretaria, pero su 'endiablado' talento con la máquina de escribir, los llevará a competir en un concurso nacional de veloz mecanografía, lo cual podría convertir a la joven no sólo en la chica más veloz de Francia, sino del mundo entero. Con Mi historia entre tus dedos pasa algo sumamente extraordinario: Es una de esas comedias románticas en las que, a los cinco minutos de haber comenzado, ya sabemos en qué va a ter-

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minar e incluso podemos prever los giros que tomará la trama y como será su desenlace; aún así, su impecable y colorida puesta en escena, su fantástica musicalización (glorioso el 'Chachachá de la Secretaria', cuando la vean lo entenderán) y la gran química que desbordan los protagonistas (Déborah François y Romain Duris), la hacen extremadamente disfrutable. Es un placer ver una cinta que, si bien es una propuesta muy superficial, y está alejada de las recurrentes referencias y situaciones sexuales del cine estadounidense, el planteamiento director Régis Roinsard en ésta su ópera prima, apela más a un convenio con el espectador, dicho acuerdo resulta en dejarse llevar por una historia que apuesta más a la ingenuidad e inocencia; es montarse por un viaje donde ya sabemos cuál será el destino, pero como siempre en los viajes, lo que importa no es el destino sino el viaje en sí, y este viaje, por cierto lo hace uno en primera clase.

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a obra del dramaturgo Juan Mayorga (Madrid; 1965), 'El Chico de la Última Fila', es adaptada a la pantalla grande por el cineasta Francois Ozon (Tiempo de Vivir, Swimming Pool, entre muchas más). La anécdota gira en torno a Germain Germain, un veterano profesor de literatura que se encuentra profundamente hastiado y decepcionado por la torpe técnica literaria de sus nuevos alumnos en el Instituto Gustave Flaubert; ésto hasta que lee una de las tareas de Claude Garcia, un introvertido joven que siempre se sienta al fondo del salón de clase, y cuya prosa resulta sobresaliente. El agudo relato escrito por el chico, posee un gran sentido de observación y se centra en una extraña fascinación por Rapha, uno de sus compañeros y por su 'familia normal'. Incentivado por el apoyo y la ayuda del profesor, el joven comienza a escribir una especie de novela sobre esa particular familia de la clase media; pero a medida que la relación entre Claude y la familia de Rapha se va estrechando, las obsesiones de profesor y alumno comienzan a salir a flote, llevándolos a tomar decisiones que jamás se imaginaron. En la Casa, ganadora de la Concha de Oro y del Premio del Jurado al Mejor Guión en el Festival de San Sebastián el año pasado, es una gran historia so-

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bre la afición, pasión, y en ocasiones obsesión, que representa el leer y/o escribir historias; es un inquietante relato donde la fantasía literaria se va mezclando con la realidad de manera muy astuta mientras la trama avanza. Es, también, un tratado sobre el voyerismo donde el espectador se vuelve cómplice en la intrusión perpetrada por Claude en la intimidad de la familia de Rapha. Este drama psicológico (excelentemente construido) se ve sustentado por dos grandes pilares que la sostienen: en primer lugar, por el trabajadísimo guión (adaptado de la obra por el mismo Ozon) que combina eficazmente el drama y el humor negro, y en donde los diálogos se notan pulidísimos pero completamente naturales, lo cual nos lleva al segundo aspecto: las magníficas actuaciones de los protagonistas Fabrice Luchini como el profesor Germain y Ernst Umhauer, quien resulta un verdadero descubrimiento actoral al encarnar al talentoso Claude; mención aparte merece la increíble Kristin Scott Thomas en su papel de Jeanne, la esposa de Germain. En la casa es un tratado sobre la naturaleza humana que cierra de manera magnífica con un desenlace que, como bien marca el propio profesor Germain, "no se veía venir... pero no podía terminar de otra manera". Cine sobresaliente.

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uan, Sara y Samuel son tres adolescentes que dejan su natal Guatemala con la meta fija en los Estados Unidos. Son acompañados únicamente por el impulso que les brinda su anhelo de una vida mejor (y claro, algo de dinero que, suponemos, han ahorrado a costa de grandes sacrificios). Y así, como millones de indocumentados que buscan alcanzar el sueño americano año con año, los jóvenes (que ahora también viajan junto a Chauk, un indígena que se les ha unido en el trayecto) a veces tienen que negar su propia nacionalidad (pues en ocasiones las autoridades mexicanas tratan peor a los ilegales centroamericanos que la migra estadounidenses a los mexicanos indocumentados) o tratar de ocultar su condición de género (Sara en realidad viaja haciéndose pasar por hombre, autodenominándose Osvaldo). Diego Quemada-Díez, director español originario de Burgos pero afincado en México, brinda a través de su ópera prima, La Jaula de Oro (título evidentemente referencial a la canción de Los Tigres del Norte y el modo en el que ellos se refieren a los Estados Unidos), una voz a los inmigrantes centroamericanos a quienes generalmente se les criminaliza, olvidando (no sabemos si por accidente o por cínica omisión) que su paso por nuestro país resulta tanto o más brutal que las situaciones que viven ya al otro lado de la frontera México - Estados Unidos. La Jaula de Oro es un trágico poema de la realidad latinoamericana, una realidad en la que, a pesar de la adversa si-

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tuación, siempre hay lugar para la amistad y la redención que culmina por estrechar los lazos de dos desconocidos hasta convertirlos en hermanos (No, Juan; Chauk no se equivocó al llamarte 'hermano'); la cinta cuenta con una historia escrita por el propio Quemada-Díez junto con Gibrán Portela y Lucía Carreras- tras varios años de investigaciones en las comunidades originarias de los migrantes, donde se empapó de historias tan crudas y brutales que muchos las catalogarían de inverosímiles. El filme es un descarnado relato conformado por una colección de desoladoras estampas en movimiento (digno de destacar el crudo trabajo de fotografía de la uruguaya María Secco), una cuidada selección de historias reales que dan fe de la situación social sobre el fenómeno migratorio actual que requiere que se le apueste por una urgente atención y resolución. Con premios como el 'Un Certain Talent' (Un Cierto Talento), obtenido por los protagonistas Brandon López (Juan), Karen Martínez (Sara/Osvaldo) y Rodolfo Domínguez (Chauk) en la pasada edición del Festival de Cine de Cannes donde participó en la sección 'Un Certain Regard' (Una Cierta Mirada), la cinta La Jaula de Oro formará parte de la Sección Largometraje Mexicano en el 11° Festival Internacional de Cine de Morelia, a celebrarse del 18 al 27 de octubre próximo; así mismo, se busca un estreno simultáneo en México y Estados Unidos para finales de este año o principios del 2014.

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laS Diabolicas Suspense casi perfecto

o mejor de esta película es que tiene todos los elementos 'clave' del género 'suspense', todos y cada uno de estos muy bien empleados, diría yo, casi perfectos. Aparte de que el guión ayuda demasiado a contarnos una historia, que al parecer no tiene fin, la historia te atrapa desde el inicio y no te permite apartar tu vista. A eso le llamo una ‘gran película’. El director de un colegio -para varonesallá por la Francia de los años 50, contrata a una nueva profesora. Al

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transcurrir los días, el profesor saca a relucir los sentimientos 'amorosos' que tiene con la profesora, pese a que en la misma escuela, vive la esposa de éste. El giro inesperado es cuando ambas mujeres 'hacen sus rencores a un lado' y se unen para matar al hombre que las ha engañado. Quiero hacer una mención especial a esta película, que junto con 'The Innocents' y 'Psycho', utilizan el terror psicológico como base principal, algo que es poco común en ese género cinemato-

gráfico, y eso es un acierto extraordinario. La obra de Clouzot al tener este estilo particular de narrativa en el género sigue trascendiendo generaciones, colocando el film como de culto. Un par de brillantes y soberbias actuaciones (nuestras protagonistas), una fotografía y montaje 'de miedo', escenas desconcertantes, y obvio, la historia que llega al nivel ya mencionado. no se me ocurre otra cosa más que invitarlos a ver esta joya francesa, y disfrutar de un excelente film de terror clásico.

avid se ha salado las clases -o eso suponemos, pues lleva el uniforme que lo delata- y deambula por las calles del D.F.; por esas mismas calles que deambula José, un hombre desempleado que no consigue encontrar una nueva y estable fuente de ingresos -ya lleva varios anuncios de su periódico tachados, no ha tenido suerte-. Sus caminos se cruzan cuando el adolescente le pide el periódico al poco afortunado desempleado para ver las opciones que la cartelera ofrece; a partir de ese punto comienzan a conocerse tanto como les permite la limitación lingüística

de David, pues éste es mudo. El hombre intenta varias tácticas burdas para comunicarse con el adolescente (le dice que no tiene cara de mudo y le habla fuerte como si también tuviera problemas auditivos), pero ésto al joven sólo le causa gracia; pronto, el intercambio de mensajes escritos, orales y sensoriales (David 'escribe' las letras de su nombre con su dedo en la palma de la mano de José cuando éste le pregunta cómo se llama) dan pie a juegos en los que descubren en el otro algo que ninguno se hubiera imaginado. David, es un cortometraje dirigido por

Roberto Fiesco que en el 2005 ganó el premio a Mejor Cortometraje de Ficción en el 3er Festival Internacional de Cine de Morelia y que vale la pena destacar pues es uno de los pocos donde se aborda la homosexualidad en personas con alguna limitante física; pero también, más allá de este gran acierto, David es una breve historia donde un encuentro fortuito entre dos hombres es el camino en el que se descubren mutuamente y a sí mismos; donde los sentimientos no ocupan de ninguno de los sentidos, pues tienen su propia forma de expresión, su propio lenguaje. www.facebook.com/celuloidedigital

l retrato de la infancia siempre es un arma de doble filo, puede ser usado con un excelente propósito o con un fin pretencioso. Lo mejor del cine ruso (y en general el europeo), es la madurez y profesionalismo con que se trabaja al lado de un niño. Esta obra maestra del cine y, clásica obra de Tarkovsky es un claro ejemplo de cómo se debe dirigir a un niño. Entre una mezcla de sueños maravillosos y triste realidad, vemos lo que parece ser la vida de Iván (de 12 años), antes y después de iniciada la Segunda Guerra Mundial. Tras la muerte de su madre en un bombardeo aéreo, Iván toma el rol de 'informante' sobre planes y tácticas de tropas alemanas, para el ejército soviético. Pese a su buen desempeño, sus 'jefes' pretenden enviarlo a una escuela del ejército, idea que rechaza el niño y, aferrado se queda en el frente con los oficiales soviéticos. Donde su infancia cambiará por completo. Andrei Tarkovsky ha sido toda una revelación para mi, jamás pensé que su trabajo fuera de tal magnitud, pues la

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Andrei Tarkovsky ha sido toda una revelación para mi, jamás pensé que su trabajo fuera de tal magnitud, pues la película logró atraparme desde la primer secuencia ('Iván volando hacia su madre'), pues logra un perfecto equilibrio entre realidad y fantasía, haciendo de ésta última una maravilla, con tomas y efectos fantásticos. Como factor adicional, tenemos a la 'perfecta' y poderosa fotografía que tiene el film, las escenas de noche y las del bosque blanco, son dignas de un cuadro (un lienzo). Dolor, tristeza, desesperación, espanto, alegría, diversión, inocencia, son algunos de los retratos que el niño manifiesta con tal naturaleza, que demuestra un trabajo muy profesional, ayudado claro de su director quien, en mi opinión se lleva la mención mayor, pues ha creado una de las mejores y 'desgarradoras' cintas del cine bélico que he visto. Toda una joya del cine, que retrata la valentía y ruptura del alma de un niño, con la seriedad y arte apropiado que resaltan aún más a esta película. Simplemente excelente.

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ras reunir a más de 15 mil espectadores el año pasado, la segunda edición del Festival Internacional de Cine Fantástico, Terror y Sci-Fi, Feratum, ya está lista para presentarse del 3 al 6 de octubre próximo en el Pueblo Mágico de Tlalpujahua en el estado de Michoacán, sede donde, ahora con más solidez, busca posicionarse como el único evento fílmico en México que ofrece lo mejor de la cinematografía mundial en los géneros de fantasía, ciencia ficción y terror, duplicando su oferta cinematográfica y realizando alianzas con el Centro Cultural España en México y la Cineteca Nacional donde también se llevarán a cabo actividades. Como invitado de honor, el festival contará con la presencia del aclamado y controvertido director brasileño José Mojica Marins, mejor conocido como Zé do Caixão (o Coffin Joe), a quien se rendirá un homenaje por su trayectoria y por su aportación al cine fantástico mundial, la mayor fama de José Mojica se debe al personaje que inmortalizó a los dos en uno solo, es decir Persona/personaje. Zé do Caixão, interpretado por el propio José Mojica, protagonista de la trilogía satánica: A Media Noche Tomaré Tu Alma, Esta Noche Tomaré Tu Cuerpo y Encarnación Del Demonio, todas obras censuradas, hoy de culto.

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Además, rendirá homenaje al cineasta mexicano Ismael Rodríguez Jr., por su aportación al cine nacional y su carrera cinematográfica, su cine de denuncia y violencia lo convierten en un cine riguroso para los amantes del género, se proyectaran tres importantes películas de su filmografía: Masacre en el río Tula, La Hiena Humana y Pandilleros. También se tiene confirmada la visita Rodrigo Gudiño, realizador y presidente de la revista canadiense más importante de cine de horror en el mundo Rue Morgue; Gudiño ha dirigido una serie de películas que han conquistado el circuito cinematográfico, hasta su aclamadísima opera prima The Last Will and Testament of Rosalind Leigh. Dentro de la programación, se proyectarán 52 largometrajes y 63 cortometrajes, tanto nacionales como internacionales; la mayoría de ellos dentro de la competencia oficial en las categorías de: Largometraje de ficción, Largometraje de Documental, Cortometraje mexicano, cortometraje internacional y cortometraje de animación. Los trabajos recibidos provenientes de 21 países, destacan títulos como: Thanatomorphose (Canadá 2012), Apio Verde (Chile 2013), Cannibal Dinner (Alemania 2012), Gut (Estados Unidos 2012), Exorcismo documentado (Guatemala 2013), Visceral (Chile 2103), La Gravedad del Púgil (chile 2013), Rewind this (Estados Unidos 2013) Polos, (México 2013), entre otras, todas las películas en su mayoría son estrenos en Latinoamérica; como por ejemplo, destaca el estreno en Latinoamérica de Birth of the Living Dead, producida por Larry Fessesen y protagonizada por George Romero, ganadora de múltiples premios internacionales incluyendo el NYSCA y Taligrass Film Fest como Mejor Documental, el cual será presentado aquí por Gary Pullin, reconocido artista gráfico (quien cambió la cara de Cine de Horror) creador del cartel, y quien presentará su colección por primera vez en México. Fuera de competencia también se contará con estrenos de primer nivel, como Big Bad Wolves (Israel 2013), la película favorita del año a nivel internacional, la cual tuvo una ovación de pie de 15 minutos, ganadora de Mejor Película en Fantasia, Canadá, y será su estreno en Latinoamérica. OXV: The Manual (Australia 2013), ganadora de Mejor Película Innovadora en Fantasia, Canadá, tendrá su exclusiva premier para Latinoamérica. The Rambler, una original y desconcertante cinta con rasgos del cine

de David Lynch o Alejandro Jodorowsky, y que fue estrenada en la pasada edición de Sundance, también tendrá su estreno en Latinoamérica en esta segunda edición de Feratum. También habrá Muestras de Cine fantástico de India y Nigeria, se hará reconocimiento a estas industrias en el marco del festival, se tiene confirmada la presencia del embajador de Nigeria, Excmo. Khiri James Gana, y el realizador Niyi Akinmolayan, se tendrán los estrenos en América de la películas: La mosca (India 2013), Kayola (Nigeria 2013), ambas de ciencia ficción. Dentro de las actividades alternas destaca la “Master Horror´s”, impartida por José Mojica (Coffin Joe), Rodrigo Gudiño y Gary Pullin. Rodrigo Gudiño presentará su libro sobre las películas del género más menospreciadas de la historia: “200 Alternative Horror Films You Need to See”, también incluye la presentación del DVD de su premiada película The Last Will and Testament of Rosalind. "Cine fantástico de Nigeria e India", impartida por Jorge Grajales, “Colombia Psicotrópica ingenua y salvaje”, impartido por el director de ZinemaZombieFest de Colombia, Rodrigo Duarte. Presentación del libro: "¡Quiero ver sangre! Historia ilustrada del cine de luchadores", segunda edición corregida y aumentada de José Xavier Návar. “Literatura de terror en México” por Iván Frías. "Licantropía y Nahuales" impartida por Antonio Zamudio, "El cine de terror y el heavy metal", impartido por Alejandro Ramírez, subdirector de la revista Terrorifilo. Una de las actividades alternas más esperadas es "La Marcha de las Bestias", caminata nocturna donde todo el público va disfrazado de alguna bestia culminado en la icónica Torre del Carmen donde se podrá disfrutar de un espectáculo multimedia en medio del bosque, presentado por el productor musical Dr. Kontra, Carlos XI y Big Jumps, además se ofrecerá un concierto de rock con las bandas: Trágico Ballet, Akuma, Tinieblas y Annapura.

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ubo una vez un director, que con sólo $30 mdd, logró crear Sector 9 (District 9), una de las mejores cintas sci-fi de la primera década de este -aún- nuevo milenio. Neil Blomkamp, director de dicha cinta -la cual representó su ópera prima bajo el padrinazgo de Peter Jackson-, alguna vez mencionó que él no soñaba con tener grandes presupuestos para sus películas, pues mientras mayor era el presupuesto de la cinta, el que control que el director tenía sobre el proyecto era inversamente proporcional. Dicho esto, resulta un tanto sorprendente que para su segundo proyecto, la cinta que hoy nos ocupa: Elysium, el presupuesto haya ascendido a más de $100 mdd ($115 mdd, pare ser exactos); y si su declaración hecha allá por el 2009 sobre los elevados presupuestos y la falta de control sobre los proyectos resulta cierta (y lo es), entonces no debería de sorprender el hecho de que el filme protagonizado por Matt Damon resulte en un blockbuster (con un estreno tardío en México) en donde las ideas anti-elitistas se disuelven en medio de grandilocuentes escenas de acción (excelentemente ejecutadas, eso sí), las cuales predominan a lo largo del filme. Elysium se desarrolla en el año 2154, donde las diferencias entre las clases sociales son más marcadas que nunca: Los muy ricos habitan en una aséptica estación espacial -la Elysium del títuloen la que gozan toda clase de privilegios y sin preocupaciones por guerras o enfermedades; mientras tanto, el resto de la humanidad vive en las ruinas del planeta Tierra apenas luchando por sobrevivir. Allí, en este hostil entorno, vive Max (Damon) -un hombre que fue criado en un orfanato católico de Los Ángeles (que en realidad es el Bordo de Xochiaca en el Estado de México) y manejado por monjas mexicanas- se gana la vida ensamblando robots (esos mismos 'droi-

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des' que mantienen oprimida a la humanidad), pero que repentinamente se encuentra acorralado y sin oportunidades de supervivencia tras ser sometido accidentalmente a mortales dosis de radiación (aunque indirectamente fue a causa del abuso de poder ejercido por su 'jefe directo' al obligarlo a hacer cierta tarea riesgosa), es entonces cuando decide participar en una misión que podría no sólo salvar su vida, sino la de millones de personas en la Tierra y devolverle a ésta la igualdad entre los habitantes de ambos mundos. A pesar de no estar exenta de maniqueísmos -los buenos (los pobres indefensos de la Tierra) son más buenos que el Osito Bimbo y los malos (los que controlan la estación espacial) son más malos que pegarle a Jesucristo en Semana Santa-, ni de apagados gritos de protesta contra las marcadísimas diferencias de clases en la actualidad -que distan muchísimo de su alegoría al apartheid realizada con su filme anterior-, la película funciona perfecto como vehículo de entretenimiento debido a su entretenida historia (a pesar de ser en exceso predecible), su ágil ritmo, el carisma de sus protagonistas (Matt Damon y Jodie Foster sobresalen; él como el hombre convertido en todo un héroe de acción papel que ya ha demostrado saber interpretar- y ella como la inmutable gobernante de Elysium) y su destacable manufactura, ofreciendo en ocasiones grandes secuencias que valen mucho la pena su visionado (como toda la secuencia previa al primer encuentro entre Max con el villano Kruger (Sharlto Copley) donde se hace uso de la cámara lenta y después una especie de difuminado de las siluetas en medio de una secuencia de fuego cruzado-, así como el enfrentamiento final). Ah y yo agradecí mucho esa violencia cuasi-gráfica y explícita. ¿Qué puedo decir? Soy sanguinario.

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ick-Ass: Un superhéroe sin superpoderes (Kick-Ass; 2010) fue una verdadera grata sorpresa en el verano del 2010; la adaptación del cómic de Mark Millar y John Romita Jr. fue una bocanada de aire fresco al cada vez más mancillado subgénero del cine de superhéroes. El casting excelso, la historia atractiva y divertida cargada de violencia y la estupenda dirección de Matthew Vaughn, la convirtieron en una cinta de culto entre los amantes de las adaptaciones fílmicas de novelas gráficas. En la secuela -que justo ahora se encuentra en las salas cinematográficas de México-, Mindy/Hit-Girl (Chloë Grace Moretz) busca llevar una vida típica de cualquier adolescente, alentada por la figura de su tutor, el Detective Marcus Williams, quien busca solamente protegerla, así como se lo prometió a su padre Big Daddy. Kick-Ass, por su parte, sigue en su lucha por la justicia y se une a un grupo de héroes que son comandados por el Coronel Stars and Stripes (encarnado por Jim Carrey); mientras tanto Chris D'Amico (Christopher Mintz-Plasse) sigue con sus planes de vengarse por la muerte de su padre, pero ahora bajo la identidad de The Motherfucker y con una nueva banda de villanos, para los que ha disfrutado elegir sus racistas apodos: Black Death, Mother Russia, The Tumor y Genghis Carnage. Y así, en premisa, suena bastante bien; el problema es que en la dirección ahora se encuentra Jeff Wadlow, responsable de la infame Cry Wolf (2005) y la soportable (sólo por sus protagonistas

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Sean Faris y Cam Gigandet) Never Back Down (2008), y queda claro que el proyecto es demasiado para él, pues la secuela ha perdido toda la frescura que tenía la primera, dejando a un lado el humor inteligente con referencias a la cultura popular estadounidense, para encarrilarse hacia un humor más irreverente que en ocasiones funciona- y escatológico -que queda fuera de lugar (la escena vómito/diarrea, cuando la vean lo entenderán)-. La historia del propio Kick-Ass se ve opacada por otras subtramas como la de Mindy/Hit-Girl en la preparatoria o el resurgimiento y consolidación criminal de Chris D'Amico/The Motherfucker. Y en lo que a Hit-Girl se refiere, ésta ya no tiene el impacto que tuvo en la cinta original, ésto por el simple hecho que ya no es una niñita la que cercena miembros y habla como carretonero, por lo que lamentablemente le resta también puntos a la película. Incluso la tan mencionada y promocionada participación de Jim Carrey como el Coronel Stars and Stripes resulta muy desaprovechada, como también lo son las incursiones de los compinches de The Motherfucher (Mother Russia se salva, pero los demás resultan prescindibles). En resumen, Kick-Ass 2 pudo ser mucho más de lo que terminó siendo; es una cinta mediana que entretiene pero no divierte ni emociona tanto como su antecesora. Los fans de hueso colorado seguramente no la desaprovarán, pero es innegable que quedó muy lejos del filme original.

l nombre de Paul Feig comenzó a sobresalir en la industria cinematográfica cuando dio el salto de la TV al celuloide con su película Damas en Guerra (Bridesmaids), la cual sorprendió al público y crítica como una de las mejores comedias del 2011. Éste acierto lo logró al tomar todos los elementos de la típica comedia romántica pero mezclándolos con los ingredientes de los 'buddy films' (la trilogía The Hangover como ejemplo más reciente); así, el resultado fue una sorprendente aventura femenina plagada de un lenguaje guarro y un humor subidito de tono e incluso escatológico (aunque nunca de mal gusto). Ahora, dos años después, el director vuelve con otra comedia y, nuevamente, con elementos femeninos como protagonistas: Sandra Bullock y Melissa McCarthy, a quienes sitúa nuevamente en medio de situaciones que son completamente parte de los 'buddy films', añadiendo en esta ocasión, características de las cintas policiales sobre 'parejas disparejas', como la exitosa franquicia de Arma Mortal con Mel Gibson y Danny Glover . La trama de Chicas Armadas y Peligrosas (The Heat) sigue a Sarah Ashburn (Bullock), una arrogante agente del FBI que, para lograr el ascenso que tanto desea, debe trabajar con una impulsiva y mentalmente inestable

agente de Boston llamada Shannon Mullins (McCarthy) y lograr así la captura de un peligroso criminal. Y así, sin pretender encontrar el hilo negro de los filmes policiales con protagonistas de caracteres diametralmente opuestos, Feig ofrece una comedia por demás efectiva que, en la química y encanto de las actrices centrales, encuentra su mayor virtud. Melissa McCarthy nos tiene ya acostumbrados a sus grandes y divertidas actuaciones, por lo que es Sandra Bullock la que realmente se luce como la buena actriz cómica que alguna vez demostró ser en la primera Miss Simpatía (Miss Congeniality; 2000), y tras algunas cintas verdaderamente lamentables (¿alguien dijo All About Steve?), parece ser que la tenemos de vuelta. Chicas Armadas y Peligrosas podría ser el cliché de las cintas sobre 'parejas disparejas', pero la cantidad de gags que te matan de risa es superior al de sus clichés, lo que sin duda la convierte en una de las películas más disfrutables de todo el año y consolida a Paul Feig como un conocedor del género; lo que le falta en cuanto a ambiciones artísticas se refiere, lo compensa con un estupendo ritmo (los 117 minutos no se sienten pasar) y diversión de calidad, evasión efectiva. No apta para amargados. www.facebook.com/celuloidedigital

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ras los éxitos mundiales como Harry Potter y Crepúsculo, algunas sagas literarias siguen dando el salto a la pantalla grande con el afán de convertirse también en fenómenos globales. Eragon y The Golden Compass fueron dos proyectos ambiciosos que sucumbieron ante la pobre respuesta del público hace ya unos años, y este año, Hermosas Criaturas sufrió el mismo destino. Cazadores de Sombras: Ciudad de Hueso es la nueva apuesta de los estudios por llenar el hueco que dejó en la industria cinematográfica la desaparición de los niños magos y los (eternos) jóvenes vampiros con apariencias de dudosas orientaciones sexuales. La protagonista de esta 'nueva' historia es Clary Fray, una joven de Nueva York que se descubre descendiente de un linaje de cazadores de sombras (mitad humana/mitad ángel) que durante siglos se han dedicado a cazar demonios que habitan entre los humanos y que sólo pueden ser vistos como tales por los cazadores de sombras. Cazadores de Sombras no ofrece nada nuevo, es una historia ya vista en

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repetidas ocasiones pero en medio de una mitología que se podría presentar como novedosa ante las nuevas generaciones (aunque es muy vasta, eso sí); enfocada al público juvenil que gustó también de la franquicia vampírica, el filme ofrece la misma melcocha romantico -cursi, sólo que en un entorno más oscuro y con el acierto de incluir a un par de personajes abiertamente homosexuales (o por lo menos uno que no lo trata de ocultar). Sin haber leído el material fuente, podríamos decir que la cinta no supo aprovechar todo el 'material' que contiene la novela, pues ciertas partes de antojan incompletas e inconexas por consecuencia; las actuaciones no destacan y la que sale mejor librada es la propia protagonista, Lily Collins, superando por mucho a su protagonista masculino (sí es hombre ¿verdad?) Jamie Bower Campbell y al antagonista central encarnado por Jonathan Rhys Meyers. En resumen, si te gustó Crepúsculo, esta nueva saga es para ti y seguramente esperarás con ansia la segunda parte que ya se está cocinando.

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a vida es para disfrutarla' y 'Las reglas son para respetarlas', dos puntos de vista contrastantes y verídicos, ambas perspectivas llegan a enfrentarse pero sin darnos cuenta, llega un punto en donde convergerán y se volverá una sola idea. Así va la rivalidad entre James Hunt y Niki Lauda. James Hunt y Niki Lauda coinciden en una competencia de la Fórmula 3, ambos como amateurs y anhelando un lugar en la reconocida Fórmula 1, durante la carrera tienen un percance en el que Lauda termina derrotado, surgiendo así una rivalidad sana entre Lauda y Hunt. Dicha rivalidad es llevada hasta los más altos niveles, durante su paso por la Fórmula 1, su rivalidad (y a veces enemistad) los llevó a cometer actos de locura. En su ascenso hacia la fama, tanto Niki como James exponen al otro sus puntos de vista del deporte, encontrando que ambos difieren demasiado, uno usa la razón y el otro la pasión. Cuando vi el tráiler de esta película terminé emocionado, de inmediato me surgieron las ganas de verla a como dé lugar, y finalmente he logrado mi cometido y me alegra decir que he visto una de las

mejores películas de este año y del género, dando un aire fresco al clásico género de deportes (box, baseball, etc.) y destacándose por mucho en varios aspectos. Desde mi punto de vista, Ron Howard es un excelente director -muchas de sus películas son de mis favoritas-, él junto con su equipo han logrado un trabajo admirable, sobre todo durante las carreras (ahí el trabajo de cámara es de reconocerse). Las actuaciones me fascinaron, ambos personajes te dan puntos de vista interesantes sobre algo que les gusta, cada uno tiene razón y a la vez no la tiene, eso es lo emocionante de la trama pues simpatizas y difieres con cada uno (el guión es estupendo), Chris y Daniel han acertado al escoger esta película (Daniel Brühl tiene posibilidades de llegar a los Oscar); el sonido y el montaje son excelentes, en serio parece que estás en la pista de carreras. Hans Zimmer termina por completar la tensión con su excelente trabajo. Sin duda una de mis películas favoritas (del género y del año), sumamente recomendable y sin duda, será un clásico con el paso de los años.

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TOP 5 - GRAVITY: Revolucionando el Cine Espacial - Pág. 32 | CARRIE: Extraños presentimientos sobre remakes de culto - Pág. 40 TERCERA LLAMADA: Cuando el Cine Homenajea al Teatro - Pág. 46 | DON JON: El Amor, el Sexo y la Pornografía según Joseph Gordon-Levitt - Pág. 50 | LOVELACE: - Pág. 54

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oco más de dos décadas han pasado desde el estreno de la ópera prima de Alfonso Cuarón (la estupenda Sólo con tu Pareja) y siete años desde que tuvimos oportunidad de ver su último largometraje en la pantalla grande (la apocalíptica Children of Men); ahora con Gravity, su séptimo largometraje (y el quinto dentro de los territorios hollywoodenses), el mexicano apuesta por su proyecto más ambicioso: una experiencia cinematográfica que ocurre completamente en el espacio exterior donde la novata astronauta Ryan Stone, y su experimentado compañero Matt Kowalski, quedan a la deriva tras sufrir el impacto de diversos restos de un satélite ruso que destruyen la estación espacial en la que se encontraban haciendo reparaciones rutinarias. Además, por si fuera poca cosa la ambición de rodar una película cuya trama completa se desenvuelve en un ambiente de gravedad cero, la cinta abrirá con un plano secuencia de 17 minutos, es decir, sin cortes.

Jonás Cuarón Pero antes de hablar de los prodigios cinematográficos que nuestro compatriota se ha propuesto alcanzar con Gravity, remontémonos alguno años al pasado, cuando Alfonso Cuarón, al leer un guión en el que su hijo Jonás estaba trabajando, pidió a éste ayuda para escribir uno con ciertas características muy similares en cuanto al tratamiento de su historia. "Básicamente la idea era crear una narrativa que, por un lado, te mantuviera sujeto por noventa minutos, acción emocionante sin parar y que te hiciera morderte las uñas; pero al mismo tiempo manejar temas más grandes, casi como poner a la audiencia en un viaje emocional, y por varias razones personales quisimos hablar de las adversidades, pues creemos que son algo muy humano, y lo padre de la historia es el cómo a través de las adversidades podemos crecer y casi renacer.", señala Jonás Cuarón, también realizador de quien ya hemos podido ver la atípica cinta Año Uña en 2007 y quien está a punto de comenzar la filmación de su próximo largometraje: Desierto. Desde ese momento, hasta ahora con la inminente fecha de su estreno, han pasado aproximadamente cuatro años y medio y han tenido que sortear una cantidad de obstáculos inimaginable: Primero, la dupla estelar en el que Cuarón había pensado para dar vida a los astronautas protagónicos, Angelina Jolie y Robert Downey Jr., rechazaron el proyecto por conflictos con sus agendas de trabajo; luego, Natalie Portman, quien sustituiría a Jolie, abandonó el proyecto. Fue así como finalmente Sandra Bullock y George Clooney obtuvieron sus roles. www.facebook.com/celuloidedigital

Una vez resueltos los problemas de casting, las cosas no fueron nada fáciles, pues la historia que sucede en el espacio exterior y completamente en gravedad cero, requería una tecnología tal que no existía en el ambiente cinematográfico. "Cuando comenzamos a coreografiar los movimientos, nos dimos cuenta que el mayor obstáculo era la falta de gravedad", señaló el director en conferencia de prensa en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Toronto junto a Sandra Bullock, su hijo Jonás y el productor David Heyman, "porque uno está acostumbrado a trabajar con horizontes y con pesos -continuó-, y aquí no tenías ninguno de ellos; no hay arriba, no hay abajo. Y otro reto era que todo estaba en constante movimiento, y cuando querías tomar a uno de los actores, y después mover la cámara con los demás actores para finalmente regresar con el primero, te encontrabas con sus pies; o de pronto te encontrabas con que el actor ya no estaba en el mismo lugar. Así que hubo mucha y muy cuidada planeación respecto a eso. Primero fue la coreografía, pero una vez que estuvo lista la coreografía, ahora fue '¿Cómo vamos a filmarla?', y esa fue la peor pesadilla porque no existía la tecnología para hacer la filmación así que tuvimos que inventar una nueva serie de herramientas para hacerlo. Y luego, el reto más grande después fue 'ya que tenemos las herramientas necesarias, ¿cómo van a trabajar los actores con esas herramientas?' Y no sólo porque iban a ser tomas muy, muy largas, sino porque iban a ser en posiciones realmente incómodas; así que el crédito realmente es para Sandra y George, porque ellos fueron los que le dieron todo el realismo a toda la filmación", finalizó Cuarón. "Fue algo completamente nuevo, era como ser parte del Cirque Du Soleil", señaló Bullock.

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Pero para lograr ese viaje emocional que propone Jonás Cuarón en el guión que ha coescrito con su padre, las nuevas tecnologías desarrolladas exclusivamente para la película no son suficientes, por eso nuevamente se buscó a Emmanuel ‘Chivo’ Lubezki, director de fotografía de cabecera del cineasta y con quien ha trabajado en seis de sus siete películas (Harry Potter y el Prisionero de Azkaban ha sido el único filme donde no han trabajado juntos), cuyo preciosista trabajo se ha visto reforzado en esta ocasión por el score compuesto por Steven Price. "Es un compositor muy talentoso, entendió que no íbamos a utilizar sonido, pues no hay sonido en el espacio, pero al mismo tiempo queríamos ser capaces de transmitir ciertas energías; no queríamos escuchar explosiones, pero queríamos tener energías en ciertos momentos de equivalencia musical. Y luego decidimos que queríamos trabajar con todo el sistema surround del sonido de la sala, pues usualmente la música viene de la derecha e izquierda de la pantalla y aquí hicimos un experimento en el que la música se va moviendo de lugar alrededor de la audiencia, era una experiencia muy dinámica y había una sensación de inmersión en eso; y aunado a esto queríamos ofrecer la experiencia de un punto de vista similar al de un tercer astronauta que los acompaña, queríamos que la audiencia tuviera esa sensación de estar flotando ahí. Y así fue como Steve compuso toda la música que viene de distintos puntos de la sala; a veces hay una armonía que se mueve de un lado a otro y se junta con una segunda armonía que se convierten en una tercera armonía cuando se conectan. Musicalmente es muy complejo lo que hizo, además de que le puse una gran limitante pues le dije 'sin percusiones'. No quería percusiones por dos razones: primero porque hoy en día son un cliché en las películas de acción; y segundo porque las percusiones sonaría como si estuviéramos haciendo trampa en el espacio." reveló el cineasta mexicano. La cinta, que seguramente marcará un parte aguas en los terrenos de la tecnología utilizada en la industria cinematográfica, ya ha sido presentada en diversos festivales alrededor del mundo donde ha tenido una maravillosa acogida, tanto por parte de la prensa, como de la audiencia en general; en México se estrenará el próximo 18 de octubre, cuando sea la encargada de abrir el 11° Festival Internacional de Cine de Morelia.

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tephen Edwin King es uno de los escritores más prolíficos y reconocidos de Estados Unidos dentro del género del terror, a pesar de que también ha escrito numerosas obras bastante alejadas de dicho género. Y a pesar de que su calidad literaria es bastante cuestionable (pues cuenta con gran cantidad de seguidores, así como de detractores), con gran regularidad sus libros logran alcanzar el estatus de best-sellers, y en no menor número de ocasiones, han sido adaptados a la gran pantalla. Filmes como Cujo (Cujo; 1983), Carrie: Extraño Presentimiento (Carrie; 1976), Cristina (Christine; 1983), Eso (It; 1980), El Resplandor (The Shining; 1980), Cuenta Conmigo (Stand By Me; 1986), Milagros Inesperados (The Green Mile; 1999), Sueños de Libertad (The Shawshank Redemption; 1994), Miseria (Misery; 1990), El Aprendiz (Apt Pupil; 1998) o Sobre-Natural (The Mist; 2007) son sólo algunos ejemplos de adaptaciones fílmicas (algunas mejor libradas que otras) que se han basado en las novelas del escritor originario de Portland, siendo algunas de ellas dirigidas incluso por algunos de los mejores directores de cine, como Stanley Kubrick con El Resplandor, cinta protagonizada por Jack Nicholson y considerada como una de las mejores adaptaciones de una obra literaria a la gran pantalla.

Pero fue cuatro años antes que Kubrick asombrara con su cinematográfica versión de El Resplandor, cuando el también talentoso director Brian De Palma (responsable de Scarface 1983- y Los Intocables -1987-) se encargara de dirigir la versión fílmica de Carrie, la primera novela publicada(que no escrita) por Stephen King en 1974. El filme nos cuenta la historia de Carrie White, una tímida chica de 17 años en el pequeño pueblo de Chamberlain, Maine, que se descubre poseedora de poderes telequinéticos, y además de tener que soportar la extrema sobreprotección de su madre (una desequilibrada fanática religiosa), también tiene que lidiar el acoso escolar por parte de sus compañeros de preparatoria. En la noche de graduación, la adolescente es llevada al límite y desata el terror en el pequeño poblado de los Estados Unidos.

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Ahora, a casi cuatro décadas de su estreno, Carrie es considerada una de las mejores películas de terror en el cine estadounidense, no sólo gracias a la magistral dirección de De Palma, sino también a la estremecedora participación de Sissy Spacek como la introvertida adolescente que estalla de ira ante las humillaciones de sus compañeros y el maltrato psicológico de su madre, interpretada de maravilla por Piper Laurie. El éxito conseguido por la cinta (recaudando casi $40 mdd tan sólo en Estados Unidos con un presupuesto que apenas llegó a los $1.8mdd) dio lugar a una infame secuela (The Rage: Carrie 2; 1999) y a una versión televisiva estrenada en 2002. Este mes, una nueva versión de la novela verá la luz en la pantalla grande; una reelaboración que luchará contra la icónica y todavía muy fresca imagen que tenemos de Sissy Spacek cubierta de sangre mientras y se prepara para cobrar venganza. Pero no nos apresuremos a juzgarla, tenemos que darle el beneficio de la duda, pues el proyecto cuenta con elementos que podrían hacer de él un buen remake o por lo menos una aceptable modernización del clásico de terror. Para comenzar, la adaptación de la novela original de King para esta nueva versión en cine, ha corrido a cargo de Roberto Aguirre-Sacasa, quien ha participado como escritor en series como Glee y Big Love; mientras que en la silla de director se encuentra Kimberly Peirce, la realizadora de la estupenda Los Muchachos No Lloran (Boys Don't Cry; 1999) por la que Hilary Swank ganó el Oscar como Mejor Actriz al dar vida a una adolescente transgénero que prefería la identidad masculina a pesar de haber nacido biológicamente como mujer; y aunque es verdad que la directora no ha podido repetir lo que ocurrió con Los Muchachos No Lloran, su talento para abordar temáticas sobre la marginación adolescente está más que demostrada. Además, para los roles centrales, se ha recurrido a dos estrellas que han demostrado su plena competencia en el campo actoral, pues en esta ocasión, la tímida chica será encarnada por la talentosa Chloë Grace Moretz, quien saltó a la fama hace tres años con el papel de HitGirl en Kick-Ass: Un Superhéroe sin Superpoderes (Kick-Ass; Dir. Vince Vaughn) y a la que hemos visto también en el rescatable remake Déjame Entrar (Let Me In; Dir. Matt Reeves), la versión gringa de Let The Right One In (Låt den rätte

komma in; 2008) del director Tomas Alfredson, y en la maravillosa La Invención de Hugo Cabret (Hugo; 2011) de Martin Scorsese. Y como su desequilibrada progenitora, ahora veremos a la gran Julianne Moore, por lo que podemos esperar una actuación por lo menos decente por parte de la multinominada al Oscar. Con estas credenciales, la llegada de la nueva Carrie es inminente. Una nueva versión del clásico que promete ser más sanguinaria que su antecesora (será clasificación R y no PG-13 en Estados Unidos) y ser más apegada al libro, pues en la versión de Brian De Palma se tomaron ciertas libertades al momento de la adaptación que no dejaron muy contentos a algunos fans del material original. ¿Estaremos ante una reelaboración fílmica que supere a la original?, posiblemente no, la verdad esa hazaña parece casi imposible, pero posiblemente estemos ante una actualización de la historia más que decente, aunque eso sólo el tiempo (y la sangre derramada en la pantalla) lo dirá.

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l prolífico director de teatro y televisión, Francisco Franco, presentó en el 2007 su ópera prima: Quemar las Naves, un relato escrito por el propio director junto a María Reneé Prudencio, ubicado en la provincia mexicana donde un par de hermanos adolescentes (Sebastián y Helena) viven con su madre agonizante en una casona que se está cayendo a pedazos; ahí, la realidad de los hermanos, que hasta ese momento habían construido una relación codependiente y casi simbiótica, se ve trastocada por la llegada de un chico nuevo, enfrentando a Sebastián con el descubrimiento del amor y su sexualidad. El filme protagonizado por Irene Azuela, Ángel Onésimo Nevares y Bernardo Benitez (además de contar con participaciones de Juan Carlos Barreto, Claudette Maillé, Ricardo Blume, Diana Bracho, entre muchos más) tuvo su estreno nacional en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia de 2007 donde se llevó el Premio del Público. Ahora, seis años después, Francisco Franco regresa con su nueva propuesta cinematográfica: Tercera Llamada, una historia con la que rinde homenaje a su gran pasión: El Teatro. Con base en una obra teatral escrita por el mismo Francisco Franco junto al colombiano Ignacio Guzmán hace casi dos décadas, el realizador se apoya nuevamente en María Reneé Prudencio (coguionista también de Quemar las Naves) para adaptar a la pantalla grande esta anéc-dota sobre una directora teatral que, a pocas semanas del estreno de su obra, decide recontextualizarla por completo; una decisión que le costará la salida del actor principal de la puesta en escena y el descontento de no pocos integrantes de la compañía teatral. Tercera Llamada es una cinta que destaca no sólo por estar muy bien escrita,

con ciertos toques de dramatismo en medio de mucha comedia (de la buena, no de la basada en groserías y albures), sino por ser un homenaje al mundo del Teatro a través de un ensamble actoral francamente envidiable y como pocas veces se ha visto en la cinematografía nacional. De esta manera, encontramos en el reparto central a Karina Gidi, Irene Azuela, Moisés Arizmendi, Rebecca Jones, Fernando Luján, Ricardo Blume, Alfonso Dosal, Jorge Poza y Mariana Treviño, quienes son acompañados (en mayor o menor medida a lo largo del filme, algunos son sólo cameos) por Ana Claudia Talancón, Ilse Salas, Regina Orozco, Alejandra Bogue, Ana Ofelia Murguía, Paloma Woolrich, Cecilia Suárez, Mauricio García Lozano, Jorge Adrián Espíndola, Eduardo España, Krystian Ferrer, Víctor García, Anabel Ferreira y Martín Altomaro, todos ellos complementan esta cinta coral bien estructurada con personajes centrales bien delineados que se volverán entrañables para el espectador (algunas participaciones de Mariana Treviño son gloriosas) y con participaciones especiales que rematan la trama de manera certera (la brevísima aparición de Silvia Pinal es muy disfrutable). El resultado final de la cinta es completamente satisfactorio y muy recomendable, pues abandona todo tipo de pretensiones y se enfoca únicamente en un entretenido relato que cuenta con todos los elementos para ser un éxito comercial en nuestro país cuando se estrene este mes en salas y tras su paso por el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, donde la recepción de los asistentes a la película fue más que positiva y donde se llevó el Premio del Público y el de Mejor Actriz, que en esta ocasión fue compartido por todo el reparto femenino de la cinta.

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sus 32 años, Joseph Gordon-Levitt se ha convertido en uno de los actores más importantes en la industria del cine con papeles en cintas independientes como Mysterious Skin, The Lookout, (500) Days of Summer y 50/50, y en grandes producciones de la talla de Inception y The Dark Knight Rises (ambas de Christopher Nolan). Así, la fama del actor californiano ha subido como la espuma en los últimos tres años, lapso en el que ha participando en ocho películas -en cuatro de ellas es protagonista y es productor de una de ellas (Looper)-, llevándolo ahora a probarse como realizador con su ópera prima: Don Jon. La historia, escrita y protagonizada por el mismo Gordon-Levitt, sigue a Jon Martello (apodado como Don Jon -Don Juan- por sus amigos debido a su habilidad para conseguir mujeres de categoría 10 cada fin de semana), un joven de Nueva Jersey con la tendencia a 'deshumanizar' todos los acontecimientos en su vida, pues para él sólo existen su automóvil, su departamento, su iglesia, su familia, y claro está, sus mujeres provisionales de cada fin de semana. Su nivel de 'deshumanización' llega a tal nivel, que ni siquiera sus ligues semanales le brindan la satisfacción que encuentra en sus momentos más íntimos, viendo pornografía en su computadora; pero las cosas cambian cuando conoce a Barbara Sugarman (Scarlett Johansson), una chica hermosa con una visión del mundo no menos trastocada por los me-

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dios, pues ha crecido formada por las películas románticas de Hollywood y está determinada a encontrar a su príncipe azul. Es entonces cuando Don buscará cambiar su forma de vivir, e insatisfecho de su situación, buscar una vida sexual más gratificante con Barbara y no con su laptop y los sitios web porno que frecuenta. A través de la comedia en Don Jon, Gordon-Levitt no sólo busca hablar de las adicciones de carácter sexual (como a la pornografía en este caso específico), sino que también busca poner bajo la lupa el tema de la cultura de la deshumanización, una cultura mediática que crea erróneas expectativas del sexo opuesto y provee falsas fantasías sobre lo que debe ser una pareja y lo que nos debe importar en ella, lo cual ha ido modificando (¿eliminando sería más correcto?) todas las capacidades humanas para una alcanzar una conexión íntima verdadera con otros seres humanos, ya no digamos nuestra pareja. La película, en la que también participan Julianne Moore y Tony Danza dando vida a los padres de Jon, se estrenó en enero pasado durante el Festival de Cine de Sundance, donde tuvo muy buena acogida por parte de la crítica, y tras su estreno en Estados Unidos a finales del mes de septiembre, este mes podremos verla en salas mexicanas, sin duda alguna habrá que mantenerla en la mira, no sólo por la temática que aborda, sino por ser el primer trabajo como director de uno de los actores más importantes del cine estadounidense hoy en día.

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ovelace es una película sobre una mujer que alcanza el éxito como símbolo sexual y estrella de cine porno, éxito que no pudo disfrutar debido al abuso físico y psicológico por parte de su primer marido, quien la obligaba a prostituirse mientras el disfrutaba del dinero que ella ganaba. La producción esta inspirada en la autobiografía de Linda Boreman, protagonista de la famosa película porno Garganta Profunda. Lanzada en junio de 1972 en un teatro de Times Square, esta película sexual de una hora se convirtió en una sensación y en una desgracia para muchos, la película proporcionó un amplio material para los talk shows nocturnos, quienes no paraban de hacer bromas y chistes en alusión al nombre tan sugerente de la película y de las habilidades de la actriz. Sin embargo nadie se preguntaba sobre la vida detrás de la pantalla de la protagonista Linda Boreman. En la primera mitad de la película vemos a una ingenua y joven Linda, interpretada modestamente por la actriz Amanda Seyfried, que se deja llevar por el amor que tiene hacia un hombre unos años mayor que ella, Chuck (Peter Sarsgaard). Él es quién la lleva hacia el mundo de la fama, lo único que ella no sabía era que sería como actriz porno. Sin embargo los directores de Lovelace, Rob Epstein y Jeffrey Friedman, no hacen creer que la vida de Linda realmente es envidiable, dinero, fama, sexo,

amiga de celebridades, pero en la segunda mitad nos cuenta lo que había detrás de toda esa imagen de felicidad, hábilmente disfrazada en pantalla. La película está bien contada, pero es menos de lo que promete. Por una parte los directores se ven muy “santos” al no mostrar en absoluto escenas sexuales que muestren lo que sí mostraba Garganta Profunda, sabemos que no es la esencia de la esta nueva producción, pero fue por lo que Linda y la película siguen presentes en la historia. Por otra parte no es tan violenta a pesar de contar algo tremendamente humillante, como lo es el abuso sexual que muchos hombres le hicieron a Linda, la manera en que Chuck la obligaba a prostituirse y la forma en que la iba denigrando. Sin embargo es una historia que funciona por la forma en que nos hace creer que todo es felicidad y de pronto nos muestra la realidad de las cosas, las actuaciones de Seyfried y Sharon Stone (su madre en la película) cumplen, pero la que sobresale es la de Peter Sarsgaard, como un hombre ambicioso y sin escrúpulos. En la película también participan Adam Brody, James Franco y Chris Noth. La actriz Amanda Seyfried dijo para alguna revista que temía que esta película terminara con su carrera, pero la verdad no veo por qué, en todo caso sirve para darnos cuenta que con más trabajo puede lograr mejores actuaciones, como la de Linda Lovelace.

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NOVEDADES EN BLU-RAY: ‘Pacific Rim’ - Pág. 60 DESDE EL VIDEOCLUB: ‘Take Shelter’ - Pág. 62 PUESTAS EN ESCENA: ‘Un Corazón Normal’ - Pág. 63 TEASER: ‘The Hunger Games: Catching Fire’ - Pág 64

l enorme talento de Del Toro como cuentista fantástico es innegable y para demostrarlo sólo hace falta mencionar dos títulos: La Invención de Cronos (su ópera prima de 1993 en la que también mezcla elementos de terror y misterio) y El Laberinto del Fauno (2006). Ahora, después de estas y muchas otras películas con temáticas diversas (desde el horror/sci-fi de Mimic hasta Blade II, sin olvidar, claro está, el binomio de Hellboy y la maravillosa El Espinazo del Diablo), el cineasta tapatío está de regreso con una historia que retoma algunas figuras características del cine de horror y ciencia ficción nipón: los kaiju (palabra japonesa que significa 'bestia extraña'), seres de descomunal tamaño que han protagonizado/antagonizado gran cantidad de cintas de ciencia ficción en la cinematografía oriental, siendo Godzilla su mayor representante. En Pacific Rim, del fondo del Océano comienzan a emerger enormes criaturas provenientes de otra dimensión a través de un portal que se ha abierto al fondo del Pacífico. La humanidad comienza a defenderse y a contraatacar a las bestias; con mucha dificultad éstas son derrotadas, pero las apariciones de las criaturas son cada vez más comunes y más devastadoras. Con el tiempo se cae en cuenta que los 'kaiju' no se detendrán y para defenderse de los monstruos, el hombre crea sus propios monstruos: robots gigantes llamados 'jaegers' (proveniente del alemán que significa 'guerreros') que son controlados por dos pilotos, cada uno controlando un hemisferio de la inmensa máquina de ataque. Y así, con esta premisa como telón de fondo, Guillermo Del Toro construye uno de los mejores (tal vez el mejor, apenas estoy procesándola) blockbusters de esta temporada. Con un prólogo que explica todo el origen de los feroces 'kaiju' y el plan de defensa global a través de los 'jaegers', el cineasta planta las bases de una historia que habla completamente de la condición humana (sí, la monstruosidad no es exclusiva de los 'kaiju' y así lo demuestran los políticos y trafican-

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tes de los restos de los 'kaiju' derrotados). En ella, concede el mayor protagonismo no a las máquinas de guerra, sino a sus tripulantes y sus conflictos (tanto internos como externos) y a un par de científicos (de personalidades opuestas pero complementarias) que estudian a los seres interdimensionales, cada quien a su manera claro está, para encontrar sus puntos débiles y encontrar una manera de acabar con ellos de una vez por todas. Pero no crean que porque Del Toro ha dado mayor protagonismo a las cuestiones humanas de la historia -como es costumbre en su filmografía-, éste deja del lado las secuencias de acción, porque las hay, hay muchas y de muy buena manufactura. Los mastodónticos enfrentamientos son francamente espectaculares (el 3D ayuda en ocasiones pues es muy bueno no como World War Z) y destacan los extraordinarios diseños de arte, desde los sets, el diseño de los 'jaegers' (cada uno con su identificable estructura física y con su marcado estilo de pelea -ambas características correspondientes al país que representan-), y obviamente, de los 'kaiju' (temibles, tenebrosos, verdaderamente amenazantes y aterradores); en todos ellos se nota la influencia innegable del director. Y así, Guillermo Del Toro entrega una película esperanzadoramente apocalíptica en la que 132 minutos le son suficientes tanto para evidenciar algunas anomalías de la naturaleza humana, como para hablar también de las virtudes de la misma; pero a la vez, entrega un blockbuster en toda regla que emociona y recuerda la esencia de que el cine, como parte de la industria del entretenimiento, puede muchas veces transportarnos a universos inimaginables y que es un espectáculo que, cuando está bien hecho, vale la pena verlo en cine. Y mucho más si tiene también el sello autoral y de calidad de uno de los mejores directores de la industria hollywoodense actual que ha logrado, por lo menos en esta cinta, cancelar el apocalipsis.

Guillermo Del Toro entrega una película esperanzadoramente apocalíptica en la que 132 minutos le son suficientes tanto para evidenciar algunas anomalías de la naturaleza humana, como para hablar también de las virtudes de la misma

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urtis LaForche, de 35 años, vive con su familia (Samantha, su mujer, y Hanna, su pequeña hija de seis años que padece sordera) en LaGrange, una pequeña población de Ohio; un día, comienza a padecer de apocalípticas alucinaciones y perturbadores sueños. Curtis piensa que podría tratarse de algún desorden psicológico hereditario, pues su madre fue diagnosticada con un severo trastorno mental cuando ésta tenía apenas 30 años y desde entonces vive en una casa habilitada de retiro; mientras se encarga de averiguar si las alucinaciones son causadas por un desorden mental o verdaderas premoniciones, Curtis decide reestructurar su pequeño refugio anti-tornados en una instalación segura para refugiarse de alguna catástrofe apocalíptica.

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Jeff Nichols ofrece, en esta su segunda película, un drama familiar que retrata, de manera pausada pero efectiva, algunas de las inquietudes que sobrelleva la clase media en el 'american way of life' (desempleo, falta de oportunidades, problemas económicos, la presión social que 'obliga' a tener una 'buena vida' -lo que sea que eso signifique-, etc.) a la vez que lo conjuga con toques de un estupendo thriller psicológico, sustentado por la sobresaliente actuación de Michael Shannon como el joven padre de familia y la sutileza de Jessica Chastain como la incondicional esposa. Take Shelter es un magnífico ejercicio de cine de autor, una exploración a un Apocalipsis tan íntimo como desolador; cine que deja destrozado pero se disfruta.

penas comenzaba la década de los ochenta cuando cientos de homosexuales comenzaron a morir de una extraña, y en ese entonces, desconocida enfermedad; al considerársele limitada al ámbito gay, las autoridades se negaban a indagar respecto a ese padecimiento anónimo, a tal grado que tanto el gobierno del presidente Ronald Reagan como el Diario ‘The New York Times’ bloquearon toda información referente a lo que ahora conocemos como SIDA, propiciando con ello una epidemia que terminó con la vida de miles de personas. Larry Kramer, quien fue afectado personalmente por la 'plaga' cuando ésta le arrebató a muchos de sus amigos, escribió en 1985 la obra The Normal Heart, en donde el protagonista Ned Weeks -alter ego del mismo autor-, es testigo del origen de la epidemia en Nueva York y ve como ésta comienza a reclamar a algunos de sus mejores amigos de la comunidad gay, hecho que lo obliga a comenzar una investigación sobre el extraño padecimiento que también termina por arrebatarle a su pareja.

Al tiempo que la obra muestra el drama vivido por la comunidad homosexual de la Gran Manzana, también plantea una dura crítica hacia individuos e instituciones responsables que ignoraron o trataron de ocultar los casos de infectados que iban en aumento, favoreciendo con ello el esparcimiento de la plaga no sólo a nivel nacional sino global. La obra fue galardonada con el Premio Tony en el año 2011 y ha sido montada en diversas partes del globo; incluso se prepara ya una película para la televisión dirigida por Ryan Murphy (creador de Glee, Nip Tuck y American Horror Story) y bajo la producción de HBO con Mark Ruffalo, Matt Bomer y Julia Roberts en los papeles protagónicos. Este mes, se estrena en México la adaptación de la obra bajo la dirección de Ricardo Ramírez Carnero y con la producción de Horacio Villalobos y Pilar Boliver, quienes también forman parte del reparto junto a Hernán Mendoza, Juan Ríos, Eduardo Arroyuelo, Claudio Lafarga, Carlo Guerra y Edgar Vivar.