CELULOIDE DIGITAL

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TOP 5 #1 ABRAHAM LINCOLN: VAMPIRE HUNTER - Pág. 5 #2 SUAVE PATRIA - Pág. 15 >SUAVE PATRIA | RUEDA DE PRENSA - Pág. 21 #3 TAKE THIS WALTZ - Pág. 23 #4 TED - Pág. 27 #5 THE ART OF GETTING BY - Pág. 31 LA CARTELERA MÁS OPCIONES EN SEPTIEMBRE EN LA PANTALLA GRANDE - Pág. 37

¡EXTRA, EXTRA! - Pág. 43 PREVIEWS - Pág. 45 SHOT: UN VISTAZO A | ‘LIBERTADOR’ - Pág. 47 FLASH FORWARD | ‘FRANKENWEENIE’ - Pág. 49 RECO-MENDA | ‘LAS MARGARITAS’ - Pág. 51 EL NIÑO QUE TODOS LLEVAMOS AL CINE | ‘TED/TOY STORY’ Pág. 53 GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS | PARTE VI - ACCIÓN - Pág.57 CIERTA FICCIÓN - Pág. 60 PANTALLA ALTERNA | 6° FESTIVAL DE LA MEMORIA - Pág. 62 REALIDAD MATA FICCIÓN | ‘ESPANTAPÁJAROS’ - Pág. 63 >ENTREVISTA CON RICARDO DEL CONDE - Pág. 64 OUT | ‘RABIOSO SOL RABIOSO CIELO’ - Pág. 67 LATITUD 7 | ‘PERRO MUERTO’ - Pág. 69 CINEMATOGRAFFITTI | ‘HELLBOY’ - Pág. 71 CINE DEL FIN DEL MUNDO | PARTE II - Pág. 73

NOVEDADES DE CINE EN CASA - Pág. 77 PANTALLA CHICA - Pág. 79 TELEVISIÓN | CAPADOCIA: TEMPORADA FINAL - Pág. 81 MÚSICA | ‘REVOLT’ DE NEON LION - Pág. 82

A pesar de que en nuestra portada (muy buena ¿a poco no?) aparece una figura netamente estadounidense, este mes tenemos mucho contenido mexicano, desde nuestra cobertura del estreno de Suave Patria (con rueda de prensa incluida) hasta un reportaje sobre el 6o Festival de la Memoria en Morelos, así como una reseña del cortometraje Espantapájaros y una entrevista con su director Ricardo del Conde.

También les hablamos de un estupendo filme que se ha ganado su lugar dentro de la cinematografía de la diversidad sexual y que fue galardonado en Berlín: Rabiso Sol Rabioso Cielo.

Claro, todo esto sin olvidar los estrenos internacionales como Take this Waltz, Ted y The Art of Getting By; además, les tenemos otros artículos como el de Las Margaritas, la recomendación desde la Madre Patria con nuestro colaborador Julio Nuñez y un estupendo análisis de los 'objetos de transición' a través de una revisión de Ted y la saga Toy Story a cargo de Pablo Peñalver. Además, un avance de Frankenweenie, nuestra próxima película del mes a cargo de nuestro colaborador Pedro Arzillier.

Todo esto y mucho, mucho más cine en este volumen patrio de CELULOIDE DIGITAL ¡Bienvenidos!

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celuloidedigital.wix.com/magazine Ilustración digital: http://reksdark.deviantart.com/

Diseño de portada:

Editor: Finbar Flynn.

Colaboradores: Pedro Arzillier, Imelda Aguilera, Sweet Bloody Dreams, Mauri, J. Amaro Bautista, Rox, Rafael Mejía, Julio Nuñez Marquez, Pablo Peñalver, Cinevidente, Bent, Siniestro Sexual.

Fotografías: Distintas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras.

Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

década del Siglo XXI llegaba a su fin, en las estanterías de las librerías apareció una publicación bastante fuera de lo común que mezclaba elementos de novela romántica con factores de relatos sobre muertos vivientes. La obra referida, que estaba firmada por Seth GrahameSmith y llevaba por título Orgullo y Prejuicio y Zombies, era precisamente una extraña mezcla entre la novela de Jane Austen y los no muertos que deambulan hambrientos.

El libro de Grahame-Smith causó un boom literario y generó diversas publicaciones con una fórmula literaria similar que pretendieron emular tal fenómeno. De esta manera surgieron ediciones como Sensatez y Sentimientos y Monstruos Marinos, Android Karenina, y la que tal vez se asemeje más a la cinta que hoy nos ocupa, Reina Victoria: Cazadora de Demonios.

A la vida de uno de los presidentes más amados por los estadounidenses, Grahame-Smith agregó elementos vampíricos para crear la historia que hoy llega adaptada a la gran pantalla; una historia del decimosexto mandatario de los Estados Unidos que, además de luchar por abolir la esclavitud a través de las herramientas que ofrece el mundo de la política, nocturnamente se enfrentaba a las fuerzas del mal para erradicar el vampirismo.

Imagen tomada de: http://www.berlinale.de/media/60_jubilaeum_1/starportraits/2007-0108TimourBekmanbetov_IMG_x800.jpg

Timur Nuruakhitovich Bekmambetov, nacido el 25 de junio de 1965 en la Unión Soviética, ha sido responsable de los mayores éxitos cinematográficos en Rusia y precisamente han sido con proyectos relacionados con el vampirismo: Guardianes de la Noche y su secuela Guardianes del Día. Tras el éxito obtenido con el díptico vampírico en su natal nación, Bekmambetov llegó a Hollywood en 2008 con la dirección de Wanted protagonizada por James McAvoy, Angelina Jolie y Morgan Freeman y produciendo la cinta animada Nueve (9, Dir. Shane Acker, 2009). Tras un breve regreso a su país durante el cual realizó las cintas Yolki y Yolki 2, el director está de regreso en Hollywood y con un filme protagonizado por el gobernante más querido por los estadounidenses.

Cuando en febrero de 2009 se celebraba el bicentenario del nacimiento de Lincoln, las librerías continuaban siendo abarrotadas por las hordas de fanáticas de los ejemplares de la saga Crepúsculo (cuya primera novela fue adaptada en 2008). La combinación de los elementos históricos de la vida de Lincoln más la mitología vampírica dio origen a Abraham Lincoln: Vampire Hunter, novela que relata cómo es que el Emancipador del vecino país del norte llegó a convertirse no sólo en presidente de la nación, sino en uno de los más hábiles cazadores de vampiros.

Desde su infancia, en la que los vampiros le arrebataron a su madre, hasta los episodios politico-sociales que devinieron en la abolición de la esclavitud, pasando por su entrenamiento como cazavampiros en busca de venganza contra aquellos que le quitaron lo que más quería, son abordados en la cinta bajo la dirección de Timur Bekmambetov y la producción de Tim Burton.

Para dar vida en la pantalla grande al protagonista de este atípico relato sobre el mandatario cazavampiros, el elegido fue Benjamin Walker, un actor de 30 años que ha tenido solamente breves apariciones en el cine hollywoodense, como en Kinsey (interpretando Alfred Kinsey cuando este tenía 19 años) y Flags of our Fathers, una de las dos partes del díptico bélico de Clint Eastwood del 2006, pero que se ha hecho ya de una trayectoria en teatro, destacando su rol protagónico en la obra musical Bloody Bloody Andrew Jackson.

Pero como ningún hombre se vuelve en un talentoso combatiente de las fuerzas del mal de la noche a la mañana (ni siquiera Batman como bien lo demostraron en la primera cinta de la trilogía que recientemente llegó a si fin), durante su juventud, Abraham Lincoln tuvo como mentor a Henry Sturges, personaje que guarda un secreto sobre sus verdaderas intenciones al entrenar al joven Lincoln y que es interpretado por Dominic Cooper, a quien vimos brevemente el año pasado en First Avenger: Captain America como el padre de Tony Stark y a quien actualmente podemos ver en cartelera como protagonista de Devil's Double.

Y como dicen que detrás de cada gran hombre hay una gran mujer, el presidente Lincoln tuvo a su esposa Mary Todd Lincoln, encarnada por Mary ElizabethWinstead, quien ha participado en cintas como Final Destination 3 o en Live Free or Die Hard en la que dio vida a Lucy Gennaro McClane, hija del héroe de la franquicia que es igualito a Bruce Willis; si aún no la ubican no se preocupen, seguramente lo harán si les digo que interpretó también a Ramona Flowers en la adaptación a la gran pantalla de la novela gráfica Scott Pilgrim vs. The World.

Y ya que hablamos de más adaptaciones a la pantalla grande, queda claro que en toda adaptación del papel al celuloide, se tienen que hacer diversos cambios para que la historia funcione, pues el lenguaje literario y el cinematográfico funcionan de maneras distintas; uno de los cambios más significativos fue el de la inclusión en la versión fílmica al villano Adam, el cual no aparece en la novela original puesto que en ella no hay un vilano en particular, sino que el vampirismo en general es el mal a vencer. Para el antagónico cinematográfico, el peso del sanguinario villano recayó en el actor Rufus Sewell, quien como buen líder tiene a sus esbirros para esparcir su maldad, estos son interpretados por Marton Csokas, y la guapa Erin Wasson.

Pero así como el mal tiene sus aliados, también los tiene el presidente que pretende guiar a su nación hacia la libertad y de su lado tiene a Jimmi Simons encarnando a Joshua Speeds y a Anthony Mackie como Will Johnson, el mejor amigo de Lincoln durante su infancia y con quien se reencuentra muchos años después para juntos luchar contra la plaga vampírica.

Foto: http://blog.zap2it.com/pop2it/bloody-bloody-andrew-jackson-benjamin-walker.jpg

Benjamin Walker Davis nació en Georgia el 21 de junio de 1982; actualmente se encuentra casado con la actriz Mamie Gummer (hija, ni más ni menos, que de Meryl Streep) Desde 2007 comenzó una prolífica carrera teatral participando en las puestas en escena Inherit the Wind al lado de Christopher Plummer; al año siguiente participó en Les Liaisons Dangereuses bajo la dirección de Rufus Norris. Sin embargo, la obra que le ha dado mayor notoriedad ha sido, sin lugar a dudas, Bloody Bloody Andrew Jackson, de la cual les dejamos aquí una muestra: http://youtu.be/VIxahTc4dpE En cine destacan sus participaciones en cintas como Kinsey, Flags of Our Fathers y The War Boys, donde ha resaltado las escenas íntimas que tiene con otro hombre (Brian J. Smith); la prueba de fuego llega este mes con el estreno de Abraham Lincoln: Vampire Hunter, pues consiste en su primer protagónico, además de ser una cinta de alto presupuesto y que en México marca el final de la era veraniega de blockbusters.

Con una premisa algo exagerada (el decimosexto presidente de los Estados Unidos, además de dedicarse a la política y abolir la esclavitud, también era un hábil cazador de vampiros), la cinta producida por Tim Burton y dirigida por Timur Bekmambetov, se enfoca durante los primeros minutos, en mostrarnos de dónde proviene el rencor del joven Abraham Lincoln hacia los chupasangre y su entrenamiento que le permitió transformarse en el temible cazador de esos sanguinarios monstruos; esto mostrado siempre desde una perspectiva muy light sobre el personaje principal y sin profundizar tanto en las motivaciones, es decir, demasiado superficial. Los segmentos en donde se aborda la vida política de Lincoln tampoco están exentos de superficialidades, aunque tienen el tono exacto para dotar de cierto tinte histórico a la trama.

La unidimensionalidad de los personajes deviene en una conexión casi nula con el espectador, a pesar de que el reparto hace su esfuerzo por entregar trabajos histriónicos cumplidores, lo cual resulta bastante difícil cuando el guión (escrito por el mismo Seth Graham Smith, autor de la sui generis novela en la que está basado el filme) no da para mucho: Benjamin Walker, en el rol que representa su primer protagónico en el cine, cumple a secas como el político cazavampiros, Mary Elizabeth Winstead se queda un poco corta en el papel de la esposa de Lincoln (nuevamente culpa del guión) y Dominic Cooper muestra cierto carisma como el mentor del que llegaría a ser uno de los presidentes más queridos en nuestro vecino país del Norte.

El visionado de Abraham Lincoln: Vampire Hunter es recomendable para un fin de semana en el que se busca solamente pasar un buen rato con una historia de vampiros y tratando de no pensar mucho en lo inverosímil de la historia planteada; las secuencias de acción bien logradas no defraudará y mantendrá entretenida a la audiencia, la cual será testigo de una historia plagada de chupasangres que resultan un tanto originales en su tratamiento y, por lo menos, se agradece que aquí sí estén sedientos de sangre y no brillen a la luz del sol.

la oportunidad de ir en representación de CELULOIDE DIGITAL a la rueda de prensa de la película Suave Patria, donde se dieron cita los protagonistas, director y productores para platicarnos más acerca de ésta cinta que sin duda alguna batallaron en terminarla, pero que al fin, pueden ver su sueño hecho realidad.

Dentro de la rueda de prensa, el director, Francisco “El Panda” Padilla nos comentó que el único objetivo de la película es el de divertirnos y entretenernos, es una película mexicana, hecha por y para mexicanos.

Los personajes principales de ésta cinta son Oscar Alvidrez (Omar Chaparro) y Arturo Ordoñez (Adrián Uribe), dos mexicanos desempleados que en lugar de buscar empleo se aferran a la actuación y al teatro callejero, el cuál no les resulta nada bien. Oscar empuña una pistola y decide asaltar a los pasajeros de una pesera, para su “desgracia”, un policía en cubierto(Arturo) se levanta al fondo del camión empuñando también su arma, ambos gritan y se escucha un disparo, el “asaltante” cae al suelo y después de unos segundos se levanta argumentando que son un grupo teatral denominado Suave Patria y prefieren asustarlos que asaltarlos de verdad; obviamente son bajados a palazos, bolsazos y golpes de todos los pasajeros sin darles ni un centavo.

Ante la desesperación de no conseguir dinero para pagar sus deudas y no ser desalojados del departamento en el que viven, deciden llevar su “obra” a un nivel más alto; un restaurant. En el lugar comen como reyes pero comienzan a discutir, Arturo saca el arma y, ¡oh sorpresa! Llega la policía y se los lleva presos.

Carismático, sencillo y un hombre luchador en todos sentidos; Omar llega a la ciudad de México en busca de realizar todos sus sueños y que a partir de su aparición en el reality Big Brother VIP 2 ha ido logrando poco a poco. Es ahí donde conoce a su ahora gran amigo Adrián Uribe, y es ahí mismo donde surge la idea de realizar una película juntos, Suave Patria.

Omar Chaparro destaca con sus dotes de improvisación, por lo que consigue trabajar en el programa de Radio Ya Párate y un programa de TV por Telehit llamado Black and White.

Continúa sorprendiendo a la gente con su talento en diversos programas de televisión, participaciones especiales, obras de teatro, un sinfín de personajes, doblaje de películas como Kung Fu Panda, Los Increibles y Buza Caperuza.

Ha participado en cintas como Puños Rosas y el cortometraje Aire.

Y por si fuera poco, también le hace a la cantada, demostrando así, que nada es imposible si te lo propones.

Actor, Conductor y Comediante Mexicano quien se enorgullece de haber iniciado su carrera con representaciones como payaso y con esfuerzo y dedicación obtiene el reconocimiento de la comunidad teatral mexicana como Mejor Actor de Comedia 2003.

Participó en el doblaje de la Película Garfield donde le da voz a ese entrañable y gordito gato naranja. Pero su entrada al gran público se concreta con el programa cómico La Hora Pico que permaneció durante siete años al aire. Desde ahí, dio vida a personajes inolvidables y lleno de carcajadas al público hispano de México y Estados Unidos.

Como Conductor, fue el titular de Buenas Tardes compartiendo créditos con su entrañable amigo Omar Chaparro, con quien desarrollaron una dinámica que llego a todas las familias mexicanas y al público latinoamericano y que culmina con la entrada al cine con Suave Patria. Actualmente conduce el programa de concursos 100 mexicanos dijieron con su personaje de “El Vitor”.

Un elegante señor, Mario Tavares, los ha observado y soborna al Comandante Porfirio Narváez para que se los entregue. Tavares les pide un favor: repetir la rutina una vez más para gastarle una broma pesada a su buen amigo, Don Antonio Robledo. Pero esta vez deben simular un secuestro que será sólo temporal, pues después del susto todos festejaran en una fiesta sorpresa, para lo cual tiene destinado una buena cantidad de dinero para cada uno.

Desesperados por dinero, deciden aceptar la oferta y cuando llegan al lugar donde se llevará a cabo la “broma” Arturo conoce a Roxana, quien resulta ser la hija de Don Antonio, y por si fuera poco, queda profundamente enamorado de ella.

En medio de la broma, llega un comando armado que secuestra realmente al Sr. Robledo y es ahí donde comienza la aventura, escapar como presuntos secuestradores e intentar rescatar al padre de Roxana, quien los acompaña en su travesía por los más bellos paisajes del Estado de Durango, intentando combatir la estafa y castigar el mal.

Sin duda alguna se distingue un buen trabajo en cuánto a la fotografía de la cinta, el buen audio, la elección de los co-protagonistas el Sr. Héctor Suárez (Comandante Narvaez) y Héctor Jiménez (Panfilo Pedraza) y una comedia muy al estilo mexicano, eso si, con un lenguaje algo subido de tono, pero que se tiene que agradecer el hecho de no utilizar escenas de sexo que suelen aparecer en algunas cintas sin ningún motivo.

Como era de esperarse, se notaba la alegría en los rostros de cada uno al ver por fin, el trabajo realizado; después de bastante esfuerzo, decepciones, estrés, escasez de dinero y falta de apoyo, llega a las salas de cine mexicano con 250 copias para distribuirse a lo largo de todo el país.

Después de la rueda de prensa, en la que se notaron todos muy accesibles a las preguntas de los reporteros, se llevaron a cabo algunas fotografías mientras los protagonistas agradecían nuestra presencia.

Alrededor de las 7:00 p.m. comenzó la Alfombra roja en Cinemex de WTC, donde se dieron cita personalidades de la talla de Eugenio Derbez, Adal Ramones, Alex Lora y muchos más, quienes no se cansaban de felicitar a Omar y Adrián por su trabajo y desearles lo mejor.

Y por fin se proyectó la cinta, la gran premier, cerca de 2 mil personas como invitados y que sin duda alguna la disfrutamos. Divertida, entretenida, una genial película mexicana que te deja un buen sabor de boca, disfrutando de esos hermosos paisajes y de excelentes actuaciones.

Sólo queda recomendarles que vayan y apoyen el cine mexicano; da gusto ver que en el primer fin de semana llegó a ser la película más taquillera, boletos agotados en cada una de las funciones y un público contento y satisfecho.

Y recuerden que todos sus sueños se pueden cumplir si nunca se dan por vencidos.

L

legó el día... Con mucho orgullo Francisco Javier Padilla, nos presenta la película que se estrenó el pasado 7 de septiembre llamada Suave Patria.

Para esta rueda de prensa estuvieron invitados varios medios de comunicación, por lo cual su fin era saber y cuestionar a directivos y elenco como Omar Chaparro , Adrián Uribe . Karla Souza, Héctor Jiménez, un filme dirigido por francisco Javier padilla mas conocido como el Panda Padilla.

Suave Patria es una película que han catalogado como “Comedia seria”, en realidad los actores comentaron al respecto: “No es una comedia seria, es humor blanco el que se presenta en este largometraje, en las actuaciones podrán ver algo realmente diferente y no a un ranchero chido, ni a una licenciada o al mismo ‘Vitor’ ya que la pareja de estos comediantes pretende desafanarse en esta cinta de sus personajes y mostrar que son dignos de estar en la pantalla grande apoyados por su productor y actores como Héctor Suárez, José Carlos Ruiz con quienes los protagonistas de esta cinta manifestaron agradecimiento y gusto haber trabajado con ellos, y debutar en su primer protagónico comentaron los actores .

Una de las preguntas incómodas fue el tema de la piratería y así manifestaron el saber que se encuentra en primer lugar en el mercado negro, palabras por Omar Chaparro en las que resaltó también que el master que fue robado no es el que nosotros podremos ver en cines ya que el filme no estaba terminado por lo cual nos invita a decir no a la piratería y apoyar al cine mexicano.

Chaparro por su parte dejo en claro que tanto como él y Adrián Uribe se prepararon para poder representar dicha cinta a pesar de las criticas a las cuales se enfrentarán por ser un país con estereotipos argumentando el que no arriesga no gana sin embargo arriesgaron y el sueño de hace unos años comienza hacerse realidad.

En este filme podremos ver a los personajes, dos actores desempleados; representando a Óscar (Omar chaparro) y Arturo (Adrián Uribe) una pareja que se la pasan haciendo casting por una oportunidad de trabajo, y de repente son contratados para simular un secuestro pero lo cual se convierte en un secuestro real, una trampa en la que se hacen presentes y es así como se desencadena una historia donde lo principal y mas importante es hacer reír a su publico.

Con un mensaje para sus espectadores Suave Patria da aliento de soñar y seguir adelante, esta historia nos muestra que la constancia y perseverancia es indispensable para lograr aquellos sueños o metas que tengamos en mente.

No te pierdas este filme y apoyemos el cine mexicano.

que toma prestado de una canción de Leonard Cohen, se nos presenta la nueva cinta de Sarah Polley, la actriz protagonista de My Life Without Me y The Secret Life of Words, que nuevamente toma el lugar detrás de la cámara para contarnos la historia de un triángulo amoroso que surge cuando Margot conoce en un avión Daniel, y a pesar de que se resiste e intenta sofocar la inevitable atracción, pues ya vive felizmente casada con su esposo Lou, pronto Margot deberá enfrentarse a ella misma y a sus verdaderos deseos, especialmente cuando se da cuenta que Daniel vive tan cerca de su casa que prácticamente podrían considerarse vecinos.

Sarah Polley, la directora del filme, también vuelve a hacerse cargo del guión, como ya lo había hecho con su trabajo anterior, Away From Her, un drama basado en una historia corta escrita por Alice Munro, que gira en torno a Fiona y Grant, una pareja mayor que vive cómoda y tranquilamente, hasta que el Alzheimer que ella sufre comienza a acelerar el deterioro de su memoria, provocándole frecuentes y peligrosos descuidos, a tal grado que ella misma insista en ingresar a una residencia para no ser una carga para su esposo; en la institución en la que finalmente es ingresada Fiona, esta comienza a pasar mucho tiempo con un hombre llamado Aubrey, y tras un tiempo, ella comienza a olvidarse de su esposo y sus sentimientos de afecto se han ido transfiriendo hacia el hombre que también reside en la institución.

Como se puede observar, en la cinta que esta vez nos ocupa, Polley aborda nuevamente la transferencia de sentimientos profundamente afectivos de una persona con quien se ha compartido mucho tiempo en la vida a otra con quien apenas se han compartido breves momentos, ya sea por una enfermedad neurodegenerativa o por una fuerte atracción por alguien que parece llenar algún vacío en una aparentemente funcional y estable relación.

Como protagonistas de este viaje de autodescubrimiento sobre las verdaderas necesidades y deseos, tenemos a Michelle Williams como Margot, la joven acechada por la incertidumbre que acarrea el dilema de elegir entre la fidelidad a su esposo o ceder ante la atracción que siente por su vecino Daniel, a quien da vida Luke Kirby, el prolífico actor de televisión que posiblemente sea recordado por protagonizar la comedia Mambo Italiano en 2003; el otro elemento del tríptico amoroso, es decir el esposo víctima del engaño, es interpretado por Seth Rogen, quien por lo que se puede ver en el trailer, ofrece una actuación tan honesta que demuestra ser poseedor de un rango actoral hasta hoy desconocido.

A casi un año de haber sido estrenada en festivales como los de Donostia-San Sebastian, Toronto o Vancouver, finalmente se estrenará en la cartelera comercial mexicana este mes, es recomendable mantenerla en la mira, puede ser una grata sorpresa y no se dejen llevar por el blandengue título con el que se distribuirá en México: Triste Canción de Amor.

la primera vez que vieron Toy Story? ¿Cuántos de ustedes no 'espiaron' a sus juguetitos para saber si cobraban vida cuando, aparentemente, nadie los observaba?

Muchos crecimos con la esperanza de que, algún día, los sorprenderíamos moviéndose y hablando como si de nuestro mejor amigo se tratara.

Pero claro, eso nunca nos sucedió; al que sí le volvió realidad su sueño fue al pequeño John Bennett (interpretado por Mark Wahlberg) cuando Ted, su oso de peluche, repentinamente cobró vida. Al paso de los años, estos compañeros han crecido juntos y se han vuelto prácticamente en hermanos, pero la personalidad del otrora adorable peluche se ha transformado en la de un flojo treintañero, mujeriego y fanático de fumar hierba, lo cual saca de quicio a Lori (interpretada por Mila Kunis), la novia de John, quien cree que Ted es una mala influencia para su novio con quien quiere dar el siguiente paso en su relación, pero parece imposible hacerlo si Ted se rehúsa a abandonar a su amigo y juntos se la pasen frente a la TV fumando churros.

Con esta trama bastante atípica se presenta la primera cinta dirigida por Seth MacFarlane (la mente creadora de los programas televisivos como Family Guy y American Dad) que combina a personajes de carne y hueso con animación por computadora para generar al protagonista afelpado. Con estas referencias (y con ver los trailers y la publicidad que hay, desde hace un par de meses, en todos los cines del país) podemos darnos una idea de lo que podremos encontrar en Ted: altos niveles de humor políticamente incorrecto (aunque tal vez no tanto como en The Dictator ¿o sí?), chistes escatológicos y racistas, acompañados de cierto contenido sexual y el uso no tan moderado de las drogas.

Con todo ese contenido 'incorrecto' en la cinta, no era de esperarse que su clasificación en los Estados Unidos fuera 'R' ('C' en México -es decir, sólo para mayores de 18 años), aunque a pesar de esto, la cinta logró recaudar más de $54mdd en su primer fin de semana, recuperando así el costo total de la producción: $50mdd aproximadamente; para el 19 de agosto, ya había recaudado poco más de $213 millones y no dudamos que en nuestro país también vaya a llevarse una buena parte de la taquilla cuando finalmente se estrene en la cartelera nacional este mes.

jugó bastante con las expectativas que generó en mí, pues hace mucho que la quiero ver. Cometí el error de ver el trailer, además, ya varios amigos y comentaristas me hablaron de esta cinta. Lo cierto es que vi algo totalmente diferente a lo esperado, quizá porque lo percibí de forma diferente, o quizá porque el trailer me dio un enfoque el cual no lo sentí. Lo cierto, es que estamos ante una de esas películas que quizá no tengan la dirección, ni las actuaciones, pero ciertamente logra llegar al espectador tras la trama tan “empatible” que posee.

Se centra en la vida de George Zinvaoy (Freddie Highmore), un joven que se encuentra hacia el final de su educación secundaria, y todos los problemas que conllevan esta edad, por sobre todo, la falta de motivación. Este pseudomisántropo conoce a Sally Howe (Emma Roberts), y gracias a esta, su vida da un giro lento, irreversible.

Hablaré primero de los actores para rápidamente pasar a la trama y el guión que me parece lo interesante. Tenemos a Freddie Highmore, al cual ya lo había visto en Charlie and the Chocolate Factory, en esta película me pareció uno de esos típicos actores que los ves una vez y nunca más sabes de ellos. Me gustaría decir “por suerte no fue así” pero lastimosamente, Freddie es una de las pocas cosas que me molestaron de esta película. No sé si es porque el personaje es así o porque sencillamente no fue la mejor elección. Lo cierto es que en varios momentos parecía que no sabía lo que tenía que decir, o daba expresiones que no iban con la situación. Pero por más de esto, tengo que admitir que igual uno logra empatizar con el personaje, aunque creo que esto se debe más a la trama que otra cosa.

Después tenemos a Emma Roberts, a quien las pocas veces que la vi, siempre la encuentro como “la musa inspiradora” de algún joven con problemas. Lo verdad, el papel le va muy bien. Se desenvuelve con bastante facilidad dentro de este tipo de personajes, aunque sinceramente espero verla en algo diferente dentro de poco. El resto de cast no tiene momentos interesantes por lo cual no me detendré en eso.

Detengámonos en la trama que envuelve a esta cinta. Muchos, por lo que vi, toman esta película por el lado romántico, yo particularmente, la vi desde otro ángulo. El romance entre estos jóvenes es nada más un elemento del que se vale el guionista para demostrar la evolución inminente de nuestro protagonista, una evolución por la que todos pasamos.

Ese estado de “falta de motivación”, creo yo, es un problema universal, pues casi todos tienen este dilema. Esas reflexiones de “¿Por qué me esfuerzo?” o “¿Para qué hago las cosas?”, son pensamientos que todos tenemos en algún momento, y si no aún no te ha pasado, te pasará, o por lo menos eso pienso.

Si hay algo que me gusta, son los finales con giros inesperados (¿y quién no?), por algo soy admirador de Hitchcock. Pero también admiro mucho, cuando la película es muy predecible, pero aún así te sumergís en ella. O sea, en mi caso por ejemplo, yo sabía perfectamente como terminaba esta película cuando la empecé a ver, pero aún así, disfrute cada minuto. El porqué es muy simple, la película no se centra en mostrar nada inesperado o darnos a conocer cosas que no sabemos, al contrario. Juega con lo obvio, nos ayuda a reflexionar sobre nuestras acciones y danza con nuestra existencia misma.

Logrando que uno no se concentre en los sucesos, sino en la evolución del protagonista como ser humano.

El guión es algo que ayuda muchísimo a la trama. Haciendo simples las conversaciones y sacándonos unas que otras risas. Ciertamente se encuentra bastante actualizado a lo que son los problemas de hoy en día, haciendo que nuestro protagonista, además de enfrentar problemas existenciales / sentimentales, también tenga que sobrellevar la realidad y en parte, acompañar a Sally, quien también tiene sus propios problemas.

Como dije arriba, no estamos ante una película con un gran reparto y una dirección magistral, esta cinta responde a la frase “menos es más” y logra una reflexión muy interna y personal, respondiendo a un problema que yo lo considero “universal” pues la mayoría de las personas pasa por esto.

Recomendaría a casi cualquier persona esta cinta, en especial si es a un joven, aunque a varios adultos les recomendaría, para que empaticen con el personaje recordándoles a su juventud, y quizá para que comprendan el porqué sus hijos no responden siempre a sus exigencias.

Dos investigadores de casos paranormales falsos, la veterana doctora Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y su joven ayudante Tom Buckley (Cillian Murphy), estudian los más diversos fenómenos metapsíquicos con la intención de demostrar su origen fraudulento. Simon Silver (Robert De Niro), legendario psíquico, el más dotado célebre de todos los tiempos, reaparece después de treinta años de enigmática ausencia para convertirse en el mayor desafío mundial para la Ciencia ortodoxa y los escépticos profesionales. Tom comienza a desarrollar una densa

Estas son las historias paralelas e interconectadas de cinco parejas a las que la espera de sus primeros hijos les cambia la vida. Todos se encuentran de alguna forma con que no importa cómo lo planees o qué consejos teóricos sigas, las cosas, especialmente lo relacionado con embarazos y bebés, no siempre se dan como se espera.

Cuando sucesos atemorizantes comienzan a ocurrir en su casa, la joven pareja compuesta por Kelly (Ashley Greene) y Ben (Sebastian Stan) descubren que están siendo aterrorizados por una presencia que fue conjurada por accidente en un experimento de parasicología de la universidad. La terrorífica aparición se alimenta de su miedo y los atormenta sin importarle sus intentos por escapar. Su última esperanza es el experto en lo sobrenatural, Patrick (Tom Felton), pero aun con su ayuda, puede que sea demasiado tarde para salvarse a sí mismos de esta terrorífica fuerza.

LOL son las siglas de "Laughing Out Loud" (muerto de risa) en el lenguaje de Internet. Y así llaman a Lola sus amigos.

Sin embargo, el día de regreso a la escuela después del verano, Lola no tiene ningunas ganas de reírse: Arthur, su mejor amigo de quien ella está enamorada, la provoca diciéndole que la ha engañado durante las vacaciones.

Además de que sus amigos se dedican a complicarlo todo.

Está cansada de su madre Anna con la que cada vez le resulta más difícil hablar de sus cosas, y no sólo porque no sabe lo que significa LOL... también ella lo complica todo, su madre se ve en secreto con su ex marido mientras coquetea con un policía. Un día el diario de Lola parece haber sido descubierto... y leído.

El reconocido director Oliver Stone presenta una escalofriante historia en donde un grupo de jóvenes entran a un abandonado hospital psiquiátrico para investigar los terribles tratamientos de tortura psicológica que se usaban con los pacientes.

Al poco tiempo eventos paranormales les indican que no están solos y que deberán luchar por sus vidas.

Lorene Scafaria explora lo que las personas harán y como se sentirán cuando el fin de la humanidad esté cerca. Dogge conoce a Penny en una mala noche y ella le entrega tardíamente una carta perdida, la carta es de parte de su novia de la secundaria Olivia, el amor de su vida. Dodge se da cuenta de que debe buscar a Olivia antes de que sea demasiado tarde, mientras que Penny toma la decisión de pasar sus últimos días con su familia en Inglaterra. Aprovechando el momento, Dodge promete ayudar a Penny a alcanzar a su familia si ella lo lleva en su coche, ella acepta y los dos escapan.

El Fantástico Mundo de Juan Orol es la biografía de uno de los íconos de la historia del cine mexicano, es la historia de un hombre, de origen gallego, que después de varias peripecias llegó a México para volverse, de manera involuntaria, en el creador de varios géneros cinematográficos: rumberas, gangsters y hippies, obteniendo un enorme éxito en taquilla pero con unas críticas terribles. Se le conoce como el gran "surrealista involuntario". Mezclando color con blanco y negro, escenarios y vestuarios ricos en detalles y vistosidad, y a un elenco de estrellas modernas rindiendo homenaje a las estrellas de la época de oro, esta comedia ha sorprendido a la crítica y el público al presentar con humor, identidad y creatividad la vida, el romance y el espíritu de un personaje tan carismático como controvertido.

Bienvenido al Hotel Transylvania, el lujoso resort de cinco estrellas de Drácula, en donde los monstruos y sus familias pueden disfrutar libremente de ser los monstruos que son, sin humanos que los molesten. En un fin de semana especial, Drácula invita a algunos de los monstruos más famosos – Frankenstein y su novia, la Momia, el Hombre Invisible, y una familia de hombres lobos, entre otros - para celebrar el cumpleaños número 118 de su hija Mavis. Para Drac, no es problema atender a todos estos monstruos legendarios – pero su mundo puede derrumbarse cuando un chico ordinario encuentra el hotel y se fija en Mavis.

Viaja con Tinker Bell y sus amigas hadas hasta el prohibido mundo del misterioso Bosque del invierno, donde la curiosidad y el coraje llevarán a Tink hacia un apasionante descubrimiento y le revelará un mágico secreto que podría cambiar su vida para siempre.

Una madre y su hija se mudan a una nueva comunidad y se encuentran junto a una casa con un pasado terrible. Años atrás, en un terrible incidente, una niña psicótica asesina a sus padres. Mientras que los vecinos insisten que la niña desapareció después de los brutales asesinatos, los recién llegados descubren rápidamente, que la siniestra historia de la casa aún está lejos de terminar... y que su hija puede formar parte de este oscuro legado.

"La Era del Rock" cuenta la historia de Sherrie, una chica de un pueblo pequeño y del citadino Drew, quienes se conocen en el Sunset Strip mientras persiguen sus sueños en Hollywood. Su romance de rocanrolrocanrol se cuenta a través de los éxitos impresionantes de Def Leppard, Foreigner, Journey, Poison, REO Speedwagon, Twisted Sister y muchos más.

El virus mortal T de Corporación Umbrella continúa causando estragos en la Tierra, convirtiendo a la población global en legiones de carnívoros No Muertos. La única y última esperanza de la raza humana, ALICE (Milla Jovovich), despierta en el centro de las operaciones más clandestinas de Umbrella y da a conocer más de su misterioso pasado, mientras se adentra cada vez más en el complejo. Sin un refugio seguro, Alice sigue a la caza de aquellos responsables del brote; una persecución que la lleva de Tokio a Nueva York, Washington D.C. y Moscú, culminando en una revelación alucinante que la obligará a repensar todo lo que alguna vez creyó que era verdad. Con la ayuda de nuevos aliados y amigos de la familia, Alice debe pelear por sobrevivir el tiempo suficiente para escapar de un mundo hostil al borde del olvido. La cuenta regresiva ha comenzado.

Cuatro vecinos se reúnen, una noche por semana, para formar un grupo de vigilancia de la vecindad como una excusa para escapar de su monótona vida. Pero cuando descubren, por casualidad, que su pueblo ha sido invadido por extraterrestres se hacen pasar por habitantes de suburbios ordinarios, para salvar su barrio y el mundo de la exterminación total.

Merce y Raúl se conocen después de varios fracasos amorosos, se enamoran e inevitablemente se ven de nuevo condenados a repetir la historia tantas veces vivida, tras la primera fase romántica se da paso al miedo, al control, la dependencia, el intento de cambiar al otro y adaptarlo a mí…, algo enfermizo, algo que nada tiene que ver con el amor, es justo lo contrario al amor.

Dredd nos lleva a las salvajes calles de Mega City One, el oasis solitario de cuasi-civilización en la Tierra Maldita. Judge Dredd (Karl Urban) es el más temido de la élite de los Jueces la Calle, con el poder de hacer cumplir la ley, condenar a los delincuentes y ejecutarlos en el lugar - si es necesario-. Con la mente inventiva sin fin del escritor Alex Garland y la visión frenética del director Peter Travis, Dredd cobra vida como una película neo-noir futurista de acción que devuelve al célebre personaje de la encarnación oscura y visceral de John Wagner y venerado en la historieta de Carlos Ezquerra.

Con el claro objetivo de enfocarse en el cine latinoamericano, nace Latinópolis Filmes, una compañía distribuidora exclusivamente de títulos latinos y, de manera simultánea, estrenarlos en países como México, Venezuela, Bolivia, Ecuador, Brasil, Guyana Francesa y Colombia. Además, apoyará también la distribución multiplataforma a través de un convenio con el sitio Terra.

Circo 2.12 A.C. (México), Zapata Filmes (Brasil) y Centro Cultural Yaneramai (Bolivia) han sido las asociaciones responsables de la gestación de la nueva distribuidora que busca la integración e intercambio de cinematografía latina. Cabe recalcar que, en México, la novel compañía cuenta con el respaldo de la Cineteca Nacional.

Agosto: Perro muerto de Camilo Becerra (Chile, 2010) Septiembre: Moacir de Tomas Lipgot (Argentina, 2011) Octubre: Noche sin fortuna de Francisco Forbes y Álvaro Cifuentes (Argentina /Colombia , 2010) Noviembre: El sueño de Lu de Hari Sama (Mexico, 2011) Diciembre: El ascensor de Tomas Bascope (Bolivia, 2009) Enero: En tu nombre de Paulo Nascimento (Brasil, 2010) Febrero: La Castración de Iván Löwenberg (Mexico, 2012) Marzo: Hija de María Paz González (Chile, 2011)

La cinta de culto de David Cronenberg será reelaborada bajo la dirección de Adam Berg, quien ha fungido como popular director de anuncios comerciales; además el guión de esto que, ya desde ahora, podemos llamar un 'crimen cinematográfico', ha sido escrito por Ehren Kruger, quien ha trabajado en los guiones de Reinder Games (2000) y Tranformers: Revenge of the Fallen (2009).

La trama de la cinta original protagonizada por James Woods se centra en un operador de televisión por cable que un día se topa con una programación muy 'real' proyectada en el canal Videodrome, el contenido perturbador que emite el canal comienza a causar en el operador extrañas alucinaciones.

En esta nueva versión, de piensa modernizar el relato y se dice que podría contener algo de nano-tecnología dentro de la trama; sobre este innecesario remake (¿acaso alguno es necesario?) los mantendremos informados.

http://www.youtube.com/watch?v=F-JRxjI4CQs

Recientemente, 20th Century Fox ha revelado que será Wes Ball quien se encargue de dirigir la adaptación de la novela distópica The Maze Runner de James Dashner que se centra en un grupo de jóvenes que despiertan en medio de un laberinto en permanente cambio. Aún no se ha revelado si habrá cambios en el guión adaptado que ya ha sido escrito por Noah Oppenheim.

Los ejecutivos de Fox tomaron la decisión de poner al joven director al frente del proyecto tras ver su breve trabajo animado Ruins, el cual pueden ver también ustedes en el siguiente link... http://youtu.be/f-Xfv_eCpVM

THE ROCKETEER. Disney se encuentra actualmente desarrollando una nueva versión de The Rocketeer, la cinta de aventuras que en 1991 dirigió Joe Johnston (The First Avenger: Captain America) y que se centraba la historia del piloto Cliff Secord, quien encontraba un prototipo de jet-pack en uno de los aviones pertenecientes a la mafia de California. THE GREAT GATSBY. Por problemas presupuestales que ha impedido que se vuelvan a filmar ciertas escenas con el reparto principal, el filme de Baz Luhrmann ha sido pospuesto para su lanzamiento de esta próxima Navidad hasta el verano del 2013. THIRD PERSON. Mila Kunis ha confirmado su participación en la nueva cinta de Paul Haggis en la que también podrían participar James Franco y Casey Affleck, quienes se unirían al reparto que ya cuenta en sus filas con Liam Neeson y Olivia Wilde. LOS IMPERDONABLES. Recientemente se anunció una versión japonesa de la clásica cinta de Clint Eastwood y que ahora será protagonizada por Ken Watanabe.

Este Lincoln no saca su hacha a la menor provocación vampírica, de hecho utiliza más las jurisprudencia cuando de defender a su pueblo se trata. Este Lincoln será visto desde la perspectiva de Steven Spielberg, quien con su nuevo filme abordará los últimos años en la vida del decimosexto presidente de los Estados Unidos, a quien da vida el siempre extraordinario Daniel Day-Lewis; en el filme también participan Joseph Gordon-Levitt, Sally Field, Tommy Lee Jones, James Spader, John Hawkes, Michael Stuhlbarg, David Strathairn, Walton Goggins, David Oyelowo, Tim Blake Nelson, Bruce McGill, Jackie Earle Haley, Lee Pace y Jared Harris

http://youtu.be/HInOg12jMiY

La historia de la cinta Branded sucede en una sociedad distópica donde las marcas corporativas han generado una monstruosa conspiración global para entrar en las mentes de los ciudadanos y mantenerlos desilusionados, dependientes y pasivos. Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia.

El filme dirigido por Jamie Bradshaw y Aleksandr Dulerayn cuenta, en los roles protagónicos, con Ed Stoppard, Leelee Sobieski y Max von Sydow.

Primer avance internacional de la nueva adaptación del clásico de Dickens. El filme es dirigido por Mike Newell y protagonizado por Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Jeremy Irvine, Holliday Grainger, Robbie Coltrane, Jason Flemyng y Sally Hawkins. http://www.youtube.com/watch?v=GlvKvvuvg-s

Un interesante avance de la cinta dirigida por Brandon Cronenberg (así es, el hijo del maestro David Cronenberg) y protagonizada por Caleb Landry Jones (Banshee en X-Men: First Class) http://www.youtube.com/watch?v=TcJTd69dMyQ

Recientemente fue revelada la primera imagen oficial de Edgar Ramírez como Simón Bolívar en la biopic independiente dirigida por Alberto Arvelo Mendoza en la cinta en la que también participan María Valverde, Danny Huston, Imanol Arias y Gary Lewis.

Con un guión a cargo de Timothy Sexton (Children of Men), la trama del filme se centra en las campañas militares que llevaron a la unificación de toda Sudamérica.

Y

ue a finales de los noventa cuando adquirí una película en DVD, se encontraba en el anaquel de ofertas y parecía que nadie la quería, porque había chorrocientas de éstas. Me llamó mucho la atención el ver que se veía en la portada un monito hecho como de plastilina, y aunque el tema decía El Extraño Mundo de Jack y se veían unas calabazas de Halloween en el piso creí que era una buena muy buena opción, no sólo por el precio si no por mis grandes fascinaciones: la animación y el género de terror. En aquel tiempo yo impartía en la Universidad la materia de Cine, en ella analizábamos películas desde su tema, hasta sus personajes. Creí que era una excelente opción verla junto con los muchachos.

Muchos quedamos fascinados con esta, pero al final de la película y ver el material extra, venía un corto de 25 minutos aproximadamente. Quedé fascinado con el cómo la novela de Frankenstein había sido adaptada de una manera magistral, adecuada a los tiempos modernos y con un enfoque en el que vemos el amor que le tenía un niño a su perro. Más adelante me enteré -y no sé qué tan cierto haya sido el rumor- de que el joven Tim Burton lo había realizado en 1984 y fue la causa de su despido de los Estudios Disney, ya que habían considerado que era un corto muy oscuro, muy terrorífico y que había gastado recursos en algo que no iba a funcionar.

Actualmente, y después de 28 años de que se realizó este corto, veremos por fin la adaptación de este corto pero no con personas, sino en la técnica stop-motion. Ya ahora, el que no conozca el trabajo de Tim Burton, creo que ha permanecido en estado criogénico o no sale de ver novelas en la televisión; puede ser amado o puede ser odiado su trabajo, pero de que es un genio, es un genio, con una visión muy retorcida y a muchos nos deja fascinados.

Para los que no conocen mucho de la historia vemos a un joven, Victor, que adora a su perro Sparky, el cual es golpeado por un auto y fallece. El muchachito, en su desesperación lo devuelve a la vida causando terror entre sus vecinos. ¿Qué podemos esperar de esta nueva película de Burton?, para empezar el uso del stop-motion sabemos que es genial, para los que ya hemos visto el tráiler, vemos que el tono monocromático es algo que respetó del corto aquel, sus personajes ya con su toque característico nos dejarán enamorados, y en el manejo de las voces será un gran manjar para nuestros oídos, pues en la versión en inglés escucharemos a Martin Landau, Christopher Lee, Winona Ryder, Martin Short, entre otros.

Ansioso ya a la espera de su estreno y sé que acompañado de mis ya famosas palomitas y mi delicioso refresco de cola, pasaré casi noventa minutos increíbles.

http://youtu.be/k4rfCfQ9eZQ

G

ran año para el cine 1966. Los verdaderos cinéfilos recordarán que 1966 fue el año en el que se estrenó Persona, la obra maestra de Ingmar Bergman. También muchos se acordarán de que en dicho año Sergio Leone se ganó un hueco en la historia del cine con El bueno, el feo y el malo. Incluso los que tengan mejor memoria (eufemismo de “los más frikis”), sabrán que fue el año en el que John Ford rodó su último filme, 7 mujeres; y en el que Truffaut se levantó rarito y le dio por hacer una película de ciencia ficción, Fahrenheit 451.

Pero por lo que seguro que no será recordado 1966, es por ser el año del estreno de una de las películas más innovadoras, atrevidas y divertidas que ha dado el cine europeo: Las margaritas (Sedmikrásky). Como suele ocurrir en las grandes obras maestras, la trama es sencilla (incluso absurda): las jóvenes Marie I y Marie II se encuentran tomando el sol en bikini cuando llegan a la conclusión de que “si en este mundo todo está corrompido, estaremos corrompidas nosotras también”. A partir de este pretexto, empieza a rodar el engranaje que pone en marcha la película. Así, lo que el espectador se encontrará a continuación serán 74 minutos de escenas inconexas (en el amplio sentido de la palabra) en las que las dos protagonistas se aprovechan y se ríen de todo lo que se les pone por delante: engañan a hombres ricos para pegarse comilonas a su costa, boicotean un número de baile de una cabaret y se apropian de un banquete preparado para otros.

La directora checoslovaca Vìra Chytilová sorprendió a propios y extraños con una atrevidísima cinta tanto en la forma como en el fondo. Desde un evidente feminismo, Chytilová nos sumerge en un mundo fragmentado donde la coherencia no tiene lugar y los colores brillan por doquier. No hay lugar para esquemas narrativos típicos. Las margaritas es un auténtico y genuino collage de imágenes, colores y sonidos que representa la faceta más innovadora y experimental de la conocida como “Nueva Ola checa” (una nueva corriente que creció al amparo de los movimientos cinematográficos europeos de los 60 como la Nouvelle Vague).

El filme es toda una oda a la anarquía y a la desobediencia. Lo que en principio parece una “inofensiva” película experimental más, acaba convirtiéndose en una bomba de grandes dimensiones. A pesar de la utilización del lenguaje cinematográfico de manera poco seria y, a ratos, más cercana al videoarte; Las margaritas encierra una crítica social mordaz a partir del comportamiento de dos florecillas aparentemente alejadas de la política. No es de extrañar, pues, que abolido en 1969 el intento de liberalización que supuso la Primavera de Praga, el cine irreverente y transgresor de Chytilová dejase de ser admitido por el gobierno comunista y su actividad fuese prohibida hasta 1975.

En conclusión, ¿por qué recomiendo Las margaritas? La principal razón es que me parece la película experimental más asequible que he visto nunca. A pesar de sus rarezas formales, Las margaritas es una película que no aburre, no cansa y se deja ver. Y no sólo eso. Es, como ya he dicho, un filme divertidísimo y tremendamente gracioso. Las imágenes atractivas, los colores, el desbordante montaje, el uso de la banda sonora (no sólo la música)… todo hace que el acompañar a las dos simpáticas Marie en su corto pero intenso viaje, sea una experiencia única.

Vìra Chytilová decidió terminar su filme con una frase que suena más a advertencia: “Esta película está dedicada a aquellas personas que sólo se indignan ante una lechuga pisoteada”. Quizá debería haber colocado este aviso al comienzo, pero Chytilová posiblemente respondería parafraseando a Schopenhauer: “La rebeldía es la virtud original de la mujer”.

U

n objeto de transición es como un DVD de David Lynch, nadie sabe exactamente de qué se trata, pero todos tenemos uno. Fue el psicoanalista inglés Donald Winnicott el primero en hablar de los objetos de transición. Observó, que en los primero años de vida los bebés tienen una apreciación completamente subjetiva de la realidad, abstracta como ninguno de nosotros pudiéramos concebir, asentada únicamente sobre la imaginación. Pero, en algún momento, los niños cambian su percepción, sus sentidos les permiten apreciar el mundo como algo físico, las cosas empiezan a ser causales, objetivas, y el tiempo les tatúa para siempre el concepto de real.

Pero, amigos, en ese viaje sin retorno no estuvimos solos. Seguro hubo un objeto que os acompañó: un juguete, una manta, un peluche andrajoso y babeado. Eran vuestros objetos de transición. En ellos convivía la objetividad de un objeto real y la subjetividad de la personalidad de la que lo dotabais. Y nos tocó crecer. Y fuimos al cine.

Y muchas películas después, quizá os dé por ir a ver Ted, la primera película de Seth MacFarlane, creador de la irreverente e hilarante serie Family Guy. La cinta cuenta la historia de John Bennett, un niño que recibe por navidad un regalo triple: un osito arquetipo del Teddy Bear, ¡el deseo de que éste cobre vida! y ¡¡un amigo!!

Al verla, me dio por pensar si yo alguna vez había recibido un regalo tan fabuloso ¡Y recordé que sí! Que hace 17 años en mi más tierna infancia Pixar me regaló algo muy parecido, la gran Toy Story. La película comenzaba con un fundido a azul cielo, en el que mi mano parecía coger un juguete nuevo que me decía, “You`ve got a friend in me”. Justo lo que le sucede al protagonista de Ted. Y es que estas dos películas, partiendo desde premisas completamente distintas (nadie lleve a un niño a ver Ted, ni espere encontrar humor gamberro en Pixar) tienen mucho en común. No sólo el hecho de que los juguetes cobren vida, cosa que ya habíamos visto en los primeros cortos de animación Stop Motion de Segundo de Chomón o en Pinocho sin ir más lejos. Un hilo superconductor conecta Ted con la saga de Toy Story, especialmente con su última entrega de 2010, el paso a la madurez.

Ted, una cinta entretenida en el mejor y quizá también en el peor sentido de la palabra, nos plantea una metáfora que no por evidente deja de resultarnos reveladora.

No es fácil levantar una película sobre la premisa de que un hombre adulto se niega a deshacerse de su osito de peluche, abandonando así su comportamiento infantil y madurando de una vez por todas. Pero funciona porque apela descaradamente a la identificación con el espectador, es un puñetazo de melancolía, un film que se ríe de ti en tu cara, una película de todo menos sutil.

Quizá porque Pixar ya había agotado la sutilidad dos años antes. Pocas sagas tienen un final tan redondo como el que nos regala Toy Story 3. Más aún para mi generación, que ha crecido absolutamente a la par que el protagonista, Andy. La película funciona perfectamente como una cinta de animación para niños, pero se multiplica gracias a esos hilos superconductores de los que hablábamos antes. Hilos que nos redireccionan al propio universo del filme: los decorados, el perro Boxter, el “gaaaaancho”, etc. en un entramado autorreferencial que dota a la historia de una dimensión mucho más cercana.

Hilos que pasan por Ted y que nos hablan de la amistad incondicional. Haciendo de ambas películas maravillosos ejemplos de Buddy Films. Dos personajes antagónicos forzados a compartir una aventura en el caso de Toy Story 1 o un niño y su osito que se enfrentan a los malvados truenos en Ted.

Hilos superconductores que salen de la pantalla mejor que cualquier efecto 3D y que llegan hasta nosotros para conectarnos irremediablemente con nuestra infancia. Y nos hacen pensar en aquel tiempo en el que la imaginación era más poderosa que la realidad, en la que todo tenía cabida. En cómo el tiempo ha pasado, y lo que es peor, sigue pasando. En cómo nos cuesta desprendernos de la infancia. Y me da por pensar, compañeros cinéfilos, si con su realidad cargada de fantasía, con su dimensión siempre a mitad de camino entre los real y lo abstracto, lo físico y lo mágico, lo objetivo y lo subjetivo ¿no será el cine, nuestro auténtico objeto de transición?

Capaz de ayudarnos quizá a superar este duro viaje que es hacernos mayores, pero sobre todo capaz de conectar este hilo superconductor hasta nuestro origen, como ese último plano de Toy Story 3 que, por suerte, vuelve a fundir a azul cielo.

A

n los anteriores géneros he 'tratado' de limitar o definir el género, a pesar de que a veces resulta difícil y con controversias, se ha logrado cumplir con el objetivo de analizarlos. Pero ahora, este género resulta más difícil de 'definir' puesto que un sinfín de películas cuentan con elementos claros de 'acción'; a pesar de ellos, espero darme a entender o explicar las características que debe reunir un film de acción.

Creo que todos estarán de acuerdo conmigo que estas películas están cargadas de adrenalina, emoción, persecuciones (en cualquier vehículo), el uso de armas, sociedades secretas, duelos de espadas u otras armas, helicópteros, explosiones y obvio el tipo que 'nunca' muere o nunca sale herido.

Estos son algunos elementos 'clave' u obligatorios que tienen las tramas de estas películas, pero antes de pasar a mencionar títulos, les quiero hablar de los principales exponentes de este género; a pesar de que algunos de estos actores no son 'buenos' histriones, son claros ejemplos de las películas; hablo de personas como: Silvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis, Steven Segal, JeanClaude Van Damme, Chuck Norris, Charles Bronson, Bruce Lee, Matt Damon, Will Smith, Jason Statham, entre otros.

Incluso se puede hablar de personalidades como John Wayne, Steve McQueen, Lee Marvin, Clint Eastwood, Mel Gibson, Jean Reno e incluso del famoso agente 007 Mr. Bond y los múltiples actores que lo han encarnado desde Sir Sean Connery hasta Daniel Craig. Tampoco podemos olvidar las actrices que se han aventurado dentro de este género como Milla Jovovich, Michelle Yeoh, Hally Berry, Lucy

En cuanto a directores se puede mencionar a James Cameron, Ridley Scott, Michael Bay, Christopher Nolan, Quentin Tarantino, entre otros.

Con el paso de los años el género se ha enriquecido de los 'superhéroes', desde los años 70's este 'sub-género' ha repuntado como uno de los favoritos de todas las audiencias, desde cinéfilos hasta el público en general. Dentro de este ramo encontramos películas clave como: Superman (1978), Batman (1989), The Crow (1994), X-Men (2000), Spider-Man (2002), Batman Begins (2005), Fantastic Four (2005), Iron Man (2008), Watchmen, Thor, Captain America, y demás secuelas o precuelas (franquicias).

Ahora hablemos de las características más relevantes de una película de este tipo: •Estas películas cuentan con los clásicos personajes: un héroe, un villano (ya sea una sola persona o toda una organización e incluso un país), las chicas sexis u hombres guapos, actores de reparto que por lo regular tratan de ayudar al 'héroe'.

•Presencia de vehículos especiales que cuentan con equipamiento especial. Armas fabricadas de forma especial, trajes especiales, etc.

•A veces el dinero juega un papel fundamental en estas películas. Ya sea que se peleen por éste o alguien posea el dinero.

•Otras veces las tramas se desencadenan por el robo (ya sea de algo material o incluso de cosas como la memoria, la mente, los sueños, el cuerpo de alguien o las personalidades).

•Explosiones, peleas (a mano armada o a puño), armas, persecuciones, sangre, sociedades secretas u organizaciones del gobierno.

•Por lo regular no son tramas difíciles o complicadas de entender (salvo ciertas excepciones como 'Inception' o 'la Saga de Jason Bourne').

A pesar de haber mencionado ciertos puntos o elementos que presentan estas películas, sé que he omitido algunos, pues sé que este género tiende a contener elementos de sci-fi, fantasía e incluso aventura.

T

enía escasos 8 años cuando mi abuelo materno (tú sabes, los abuelos maternos siempre tienden a ser más geniales), me obsequió mi primer AK 47. Cuando cumplí 16 años, en vez de una fiesta y el vestido de malvavisco, me llevó a mi primera cacería. Había avistamientos de vampiros en sus terrenos, y Dios primero, ningún vampiro sobrevivía a pisar el terreno de los Camorlinga.

Aún recuerdo como si fuera ayer esa mañana ajetreada, eran las 4 a.m. cuando entró sigilosamente a mi cuarto sosteniendo una bandeja con jugo de naranja, pan tostado y un paquete de municiones. Era el mejor desayuno de cumpleaños que había tenido hasta entonces. Me calcé las botas de combate y metí el pantalón dentro de ellas. Estaba realmente emocionada y todo debía ser perfecto, no llevaba una vida esperando este momento por nada.

Mi abuelo había tenido cuatro hijos de los cuales tenía 10 nietos de los cuales ninguno de los varones demostró interés o para lo que va, habilidad, en la cacería; todos eran diseñadores, abogados y maestros de primaria, imagina su sorpresa cuando su nieta, la más pequeña y bajita de todas obtuvo la puntuación más alta en disparo de corta distancia. ¿Dónde iba? Ah sí, esa mañana la casa estaba más ajetreada que de costumbre mi abuelo entraba y salía de una habitación a la otra recolectando armas.

—No es seguro para una niña de 16 años andar jugando en el bosque con una semiautomática —Comenzó a gritar mi madre histéricamente, creí que corregirla no ayudaría a mi caso pero en realidad no era una semiautomática como ella había dicho, era una automática y una escopeta.

—Sabía que no debía dejarte obsequiarle esa ballesta para su 5to cumpleaños— Reclamaba mi abuela siguiendo a su esposo, golpeándolo en la espalda con una cuchara de madera.

—Amor, amor—Había dicho mi abuelo—. Todo estará bien.

Volveremos antes del anochecer.

Y así estaba planeado, recorrimos el bosque buscando a ese “vampirillo molesto” como había dicho mi abuelo, seguimos su rastro desde el río hasta el lago donde

desembocaba. Oh Dios mío, no debimos dejar la bazuca.

Ese vampiro tonto tenía amigos, muchos, y primos. El Sol se estaba poniendo lo que significaba que los vampiros estaban por despertar. Disparamos todas las balas que pudimos, hicimos bailar a los bastardos pero no fue suficiente, nuestras municiones eran limitadas y entre más noche se hacía más vampiros llegaban desde las criptas cercanas a la montaña.

Cuando la cosa se puso difícil, mi abuelo tiró al aire todas las bengalas de emergencia. Mis primos, si bien inútiles, habían sido instruidos en rescate y emergencias, con pocos talentos lo mejor que se puede hacer es estar preparados para cuando lo demás les falle.

Comenzamos a retroceder y al palpar mi mochila recordé algo importante, había desobedecido al abuelo pero ahora no importaba. Usé mi vieja pero confiable ballesta, mi abuelo me había pedido que la dejara pero no podía hacerlo, tenía que salir alguna vez a la batalla y este era el momento adecuado.

Apunté rápidamente al más grande y con una certera puntería, no por presumir ¿verdad?, le atravesé el corazón.

Sus compinches se detuvieron en seco lo cual aproveche para tirar mas flechas descontándome a otros cuantos. Los que pudieron, huyeron; los que no, están exhibidos en mi sala, con una placa conmemorativa del día.

Es por esto que hoy vengo ante ustedes a pedir que me consideren como su próximo comisionado, no solo serviré a la ciudad con honor y justicia sino con responsabilidad.

Gracias por su atención, Montserrat Camorlinga, ciudadana, hermana, madre y su próximo comisionado cazavampiros.

Los aplausos fueron ensordecedores, estaba segura que con el apoyo que tenía y con la campaña que había llevado ganaría las elecciones pero luego… Desperté. Hey, se vale soñar ¿no?

E

l pasado mes de agosto se llevo a cabo la sexta edición del Festival de la Memoria. Documental Iberoamericano (FMDI) en la ciudad de Cuernavaca, Morelos por segundo año consecutivo. El Cine Morelos, el Centro Cultural Universitario, el Auditorio Jean Dubernard del Palacio de Cortés y el Teatro Ocampo fueron las sedes en las que se proyectaron más de 50 documentales iberoamericanos.

El festival, organizado por la asociación Arte y Memoria, inició en el año 2007 con sede principal en el municipio de Tepoztlán, Morelos, pero tras cuatro ediciones decidieron mudarse a la Ciudad de Cuernavaca. Las actividades más relevantes del FMDI fueron: el homenaje al productor, director y fotógrafo de cine Nicolás Echeverría a quien se le dedicó la sección Retro Doc., y una mesa redonda en torno a su trayectoria; y la función especial de estreno de “Espantapájaros” documental del mexicano Ricardo del Conde, la cual fue muy bien recibida por el público presente.

Para esta edición el jurado estuvo formado por Ricardo Pérez Montfort, Christiane Burkhard y Jaime Te-

llo, quienes otorgaron el Premio Zapata a los documentales “El Almanaque” de José Pedro Charló (Uruguay), “Nacimos el 31 de diciembre” de Priscila Padilla (Colombia), y “75 habitaciones, 20 casas, 300 vacas. Sobre recuerdos o algo semejante” de Fernando Domínguez (Argentina), en las secciones Memoria, Identidad y Arte respectivamente. Además de premiar al documental “Perdida” de Viviana García Besné (España-México) con el Premio Luciana Cabarga.

La clausura tuvo lugar en la sede principal del Festival, el Cine Morelos, que fue dirigida por Roco, ex integrante de la banda de rock La Maldita Vecindad, en la que se reconoció el trabajo de cada uno de los que hicieron posible el festival.

Es admirable que gracias a la colaboración de documentalistas, promotores culturales, estudiantes y voluntarios el FMDI logré por sexta vez traer al público un festival fresco y sólido, presentando una gama diversa y rica de documentales iberoamericanos; es aplaudible que siga vigente un espacio dedicado al cine documental que día a día se abre espacios en diversas plataformas.

A

a jornada laboral de un día de trabajo inicia tras el alba para un campesino que tiene un papel muy singular en el proceso de cultivo del arroz; él es el encargado de cuidar la siembra de aquellos seres que para sobrevivir se comen el fruto de ésta: los pájaros. Este hombre, conocido como El Sapo, llega a los arrozales en su bicicleta, la estaciona, saca un chicote de su morral y lo abalanza por los aires generando un sonido estruendoso, casi ancestral que ahuyenta y advierte a los pájaros que en ese arrozal ya no hay comida para ellos, este hombre es el espantapájaros, el que equilibra la dinámica de sobrevivencia entre la naturaleza y el hombre.

El documental mexicano, dirigido por el documentalista Ricardo del Conde, retrata el ciclo agrícola del arroz a través de la jornada laboral que El Sapo realiza en un día, además nos muestra parte de la vida y el interior de un ser humano que ha encontrado paz, plenitud y sabiduría en la soledad, pues una vez que inicia la siembra el deja su vida en los campos de arroz, dejando de frecuentar por largo tiempo a su familia. Sin embargo, la naturaleza le ofrece otro tipo de placeres, más introspectivos y filosóficos.

Mención aparte para las secuencias de imágenes fijas que cobraban movimiento gracias a la estructura narrativa del guión y la edición, así como el papel que juegan los pájaros no sólo en los campos de arroz, sino en todo el proceso agrícola de esta semilla.

Espantapájaros que se estrenó a nivel internacional en la sexta edición del Festival de la Memoria. Documental Iberoamericano tiene una fotografía muy bien lograda y un buen guión que hacen dinámico y novedoso tanto el trabajo de los arroceros como el cinematográfico; también goza de una belleza magistral en la narrativa visual y anecdótica que hacen de este documental un digno homenaje para los hombres que trabajan la tierra con sus propias manos.

Te invito a que veas este documental durante el mes de septiembre por Canal 22, estará representando a México en la tercera edición de Doctv Latinoamérica. Y por último, felicidades por este trabajo, nostálgico y enormemente bello para este servidor.

En el marco del 6to. Festival de la Memoria, Documental Iberoamericano, que se realizó del 17 al 26 de agosto en el estado de Morelos, se estrenó el documental mexicano Espantapájaros de Ricardo del Conde, el cual es producido por Doctv Latinoamérica, en co-producción con el Instituto Mexicano de Cinematografía, Canal 22 y Cuadernos de Cine.

Espantapájaros cuenta la historia de un hombre que, valga la redundancia, se encarga de espantar a los pájaros de los arrozales en el sur de Morelos, un enfrentamiento necesario entre la naturaleza y un hombre que cuida el cultivo que ha trabajado con sus manos.

Ricardo del Conde, documentalista y promotor cultural en el estado de Morelos, nos detalla parte del proceso que vivió al realizar este documental, de cómo descubrió a este hombre y de sus más recientes proyectos. ¿En qué momento decides contar esta historia y por qué?

Cuando entré a la Maestría en Cine Documental aquí en Morelos, mi interés era explorar el lenguaje cinematográfico, no solamente el género documental sino todas las formas del cine y su lenguaje, y las diferentes manifestaciones y formas de contar esta historia. Empecé a tratar de armar un proyecto que empezó a mutar, quería grabar todo: la cotidianidad, hacer una historia de lo extraordinario, lo ordinario, lo más común. Mi padre, que es fotógrafo, empezó a hacer un trabajo de documentación de los arroceros de Morelos, entonces un día decidí acompañarlo y juntos descubrimos a un señor que se dedicaba a espantar pájaros, fue a través de sonidos ancestrales que se oían a lo lejos, unos tronidos, unos chicotazos, que cuando tu lo oyes no sabes que es lo que estás escuchando, nos acercamos y nos platicaron los trabajadores de los arrozales que justamente era el “pajarero”, ¿y que es un pajarero?, nos explicaron el oficio: había gente que se dedicaba a proteger el cultivo de arroz de los pájaros, una lucha… no necesariamente una lucha porque no luchan contra ellos, simplemente protegen el cultivo, es su chamba, y a veces también son los mismos productores de arroz los que cuidan su propio cultivo. Esto nos pareció surreal, fantástico, y simplemente seguí documentando el proceso del arroz: los pajareros, el molino, el proceso del arriero, cuando se siembra, el trasplante, todo el ciclo agrícola. Teniendo esta documentación ingresé a un diplomado de cine documental en Tepoztlán, IBERDOC, queriendo amarrar y encontrar la forma de contar esta historia, ahí descubro a través de asesorías, rebotar ideas, que la manera de contarla era a través de los pajareros, el espantapájaros, que podemos contar una historia que atrapa y vuelve a hacer contacto con la tierra, porque también es una historia del arroz, es una historia que hace homenaje a la gente que sigue trabajando la tierra con sus manos.

Espantapájaros es entonces la historia de muchos hombres contada a través de uno solo ¿Por qué elegiste a este hombre?

Alejandro Tapia, el personaje principal, fue el primero que descubrimos, y por más que descubrimos muchos más, él tenía una magia, un ser humano tan honesto, tan real, tan en contacto con lo que para mi es auténtico y para él es auténtico: la tierra, que son las historias, es la vida, descubrimos que a través de él podíamos contar todo lo que queríamos contar. ¿El documental se presentará en otros festivales o muestras?

Esta es una función especial de lanzamiento, no participa en el Festival de manera de competencia, es el lanzamiento nacional, pero el estreno como tal es en Canal 22 en el mes de septiembre, porque se hizo como parte de un programa que se llama Doctv Latinoamérica en su 3ª edición, el objetivo de este programa es televisar los 15 documentales realizados por 15 países a través de 18 televisoras en Latinoamérica. Espantapájaros es el documental que representa a México en este programa, y esperemos se pueda conciliar con IMCINE y Canal 22 para poderlo mostrar en otros espacios, al aire libre, universidades, instituciones.

Como promotor cultural cuentas con un proyecto de exhibición cinematográfica al aire libre en Morelos: Carreta Cine Móvil ¿en que consiste?

Empezamos este proyecto hace como 3 años y el objetivo es la proyección de cine en las comunidades de Morelos. El programa fue financiado por CONACULTA con gestión operativa del Instituto de Cultura de Morelos; lo que hacemos es promover el cine de todo tipo, cine documental, cine de animación, cortometraje, lo llevamos a los pueblos, la función es gratis, al aire libre, con una pantalla gigante de 10 metros de altura por 11 de ancho, con una proyección digital increíble, y llevamos esa experiencia, no solamente es una experiencia de entretenimiento sino una experiencia que provee de un espacio para la formación comunitaria, que la gente se reúna, que la gente salga, que se empiece a encontrar fuera de los mítines políticos y religiosos, que empiecen a reconocerse y empezar a crear comunidad.

A partir de este proyecto se ha creado una red de Cine Clubs en Morelos ¿cómo surgió la idea?

De la mano de la Carreta Cine Móvil sale la necesidad de hacer espacios de permanencia, que no sea un proyecto fugaz que es: llegamos, proyectamos y nos vamos, no. Entonces por eso empezamos a crear un espacio de Cine Clubs Comunitarios que se gestiona por la gente de la comunidad, nosotros los proveemos de material audiovisual pero el chiste es que la comunidad se empodere de ellos, que sea su propio espacio de difusión, comunicación y formación. http://vimeo.com/47909590

U

na mujer camina por la ciudad, aquí, allá, más allá… ella escucha voces, muchas voces, son los pensamientos de los demás, unos son alegres, otros preocupados, los visitan la angustia y la incertidumbre, se cuestionan el por qué de la monotonía del día a día, ¿es costumbre o es miedo?, todos se cuestionan en esencia lo mismo, lo que todo ser humano se pregunta ¿quién soy?, ¿qué hago aquí? ¿hacia dónde voy?... preguntas, ideas y pensamientos que no son suyos, los escucha, los disfruta, los persigue, se ríe de ellos, los sufre, los vive, los siente, no son suyos… huye.

Ella encuentra en el camino a un hombre, Ryo, pareciera que él también la escucha, escuchan sus pensamientos, se ríen, se tocan, se seducen, se conocen, el diálogo es corporal, no necesitan palabras para expresar lo que sienten, se besan, se desnudan, se conocen y reconocen. Al final ella le hace saber a Ryo que vendrá “un poderoso compañero, como un trozo de cielo será su vigor, impetuosa corriente ve, encuéntrate con él, libera al mundo de esta degradación, el amor será tu guía”… después ella desaparece.

En otra parte de la ciudad, en un cine porno, acuden decenas de hombres, el pretexto es la película, el objetivo es un encuentro sexual en las butacas, los pasillos, las ruinas, los baños, quién es el otro poco importa, la búsqueda es meramente sexual. Ahí convergen dos hombres, uno de ellos es el poderoso compañero que Ryo descubrirá, el otro también será poderoso, pero su guía será el deseo y la obsesión.

Ryo y los otros dos hombres transitarán en dos dimensiones, una onírica y otra real, ambas dimensiones pueden mutar, y lo que es real ahora puede ser un sueño después. Es a través de los sueños que Ryo conoce al hombre que comenzará a amar, pero el encuentro real vendrá después, y vendrá acompañado del tercer hombre, que desequilibrará no sólo a la frágil pareja, además provocará desequilibrio en el mundo onírico. Serán sus actos los que lleven a estos hombres a su destino, al encuentro de la paz y el amor.

Julián Hernández, cineasta mexicano, nos transmite infinidad de sensaciones a través de la imagen, del diálogo corporal de sus personajes, de los cambios de luz en la fotografía, brillante, del blanco y negro, de las dimensiones visuales a las dimensiones del interior de cada ser.

El filme es el de mayor duración en la filmografía del cineasta, con poco más de tres horas logra cautivar la atención y los sentimientos de quien vea en este filme un poema al amor, los diálogos verbales son prácticamente nulos, lo cual permite la expansión de los sentidos y del análisis visual.

Rabioso Sol, Rabioso Cielo, ganadora del Teddy Award en el Berlin International Film Festival 2009, es una película contemplativa, la cual no necesita ir de prisa, el ritmo es suave, disfrutable, permite analizar y sentir cada sensación que viven los personajes, en definitiva, una degustación cinematográfica exquisita.

L

lejandra es una madre soltera que vive con su hijo en un barrio de clase trabajadora en Santiago, Chile, la casa en la que habitan pertenecía a la bisabuela del niño, pero después de su fallecimiento, Braulio, el abuelo del niño decide ponerla en venta.

La joven madre se dedica a vender ropa usada en un pequeño tianguis de Santiago, pero eso apenas le alcanza para vivir al día, y a veces ni para eso. Alejandra debe lidiar con la responsabilidad de criar a su hijo y con el deseo de disfrutar de la diversión que sus amigos ofrecen a esa edad, fiestas, alcohol y sexo.

Cuando Braulio los corre definitivamente de la casa de su madre, busca asilo con sus amigos mientras encuentra algo estable, pero es inevitable que se sientan ajenos a cada uno de los lugares que llegan, sobre todo Nicolás, su hijo, quien anhela volver a su antiguo hogar.

El filme retrata la pobreza repentina que vive una adolescente al serle desprendido aquello que de algún modo le pertenecía, la conflictiva relación de Alejandra y su suegro, un hombre muy duro que debe encontrar su lado más sensible sino quiere perder a su nieto, y el duelo de una madre que transita entre la madurez y la irresponsabilidad.

Perro Muerto, ganadora del premio a la Mejor Película Chilena del Festival Internacional de Cine de Valdivia (FICVALDIVIA), es la opera prima de director Camilo Becerra, que con un bajo presupuesto cuenta una historia redonda, con actuaciones memorables de Rocío Monasterio (Alejandra) y Daniel Antivilo (Braulio), además de una fotografía muy limpia.

La cinta se sigue exhibiendo en la Sedes Alternas de la Cineteca Nacional, consulta la cartelera y asiste a ver una historia que logra cautivar y mostrar la sensibilidad de un hombre y la fuerza de una mujer.

N

umerosas cintas han planteado el final de nuestra existencia a través de una catástrofe meteórica; tanto así, que en 1998 -como si se tratasen de dos meteoritos gemelos- se estrenaron (apenas con un mes de diferencia) dos cintas con la misma temática interestelar, pero con resultados muy distintos. Primero, Impacto Profundo (Deep Impact; Dir. Mimi Leder) planteó el descubrimiento de un asteroide con rumbo fijo hacia la Tierra y, a pesar de no ser una gran película, la directora supo equilibrar los sucesos que paralelamente sucedían aquí en la Tierra (la humanidad preparándose para el desenlace de sus días) y los que tenían lugar en el espacio exterior (los astronautas que intentan detener al asteroide en su camino implacable hacia nuestro planeta); el resultado fue una cinta apocalíptica en toda regla con un gran reparto que incluyó a Tea Leoni, Morgan Freeman (ni más ni menos que como el mismísimo presidente de los Estados Unidos), Robert Duvall, Elijah Wood, Leelee Sobieski, entre varios más. Un mes después llegó a las pantallas Armageddon (Dir. Michael Bay), una cinta que pasó del subgénero apocalíptico al de la acción y aventura en las afueras de nuestra atmósfera; enfocándose principalmente en los impresionantes (aunque muy breves) momentos de destrucción meteórica, el filme después dio paso a las situaciones exageradas e inverosímiles de una tripulación conformada por excavadores petroleros que pretenden poner una bomba en el asteroide para detonarla antes de que este colisione con nuestro hogar azul; esta obtuvo un rotundo éxito gracias al elenco (Bruce Willis, Ben Affleck, Liv Tyler, etc...) y al ultrafamoso tema musical 'I Don't Wanna Miss A Thing' interpretado por Aerosmith.

Pero mucho antes de que estas cintas colisionaran en la gran pantalla el mismo año, el séptimo arte ya había echado mano de las rocas espaciales para esbozar historias sobre la conclusión de nuestra era. En el último año de la década de los setenta, el James Bond más famoso del celuloide, Sean Connery, junto a Natalie Wood, protagonizaron el churrazo Meteoro (Meteor, 1969; Dir. Ronal Neame) en el que las dos potencias mundiales, Estados Unidos y la Unión Soviética, se unen para evitar que la enorme roca nos aniquile.

Un lustro después, un cometa anunciaba el final de nuestros días; al tiempo del paso del brillante astro muy cercano a la órbita de la Tierra, se genera una transformación de la humanidad en zombies mutantes, exceptuando a dos chicas californianas, únicas sobrevivientes del sui generis apocalipsis en el filme La Noche del Cometa (Night of the Comet, 1984; Dir. Thom Eberhardt). Una cinta de la cual es recomendable su visionado a la mayor brevedad pues su discurso girl-power y antimachista sigue resultando una delicia en estos tiempos pre-apocalípticos donde todavía se lucha por la igualdad de género.

Ya entrados en el nuevo milenio, en 2007 el director Danny Boyle nuevamente realiza una cinta apocalíptica como ya lo había hecho cinco años antes con Exterminio (28 Days Later, que examinaremos en una futura entrega de esta serie); repitiendo nuevamente a su actor protagónico (el estupendo Cillian Murphy), en Alerta Solar (Sunshine) el cineasta traslada la acción de las desoladas calles londinenses al igualmente desolado espacio exterior, en donde una nave llamada Icarus II pretende detonar una bomba en el corazón del Sol para reactivarlo, pues éste lentamente ha comenzado a apagarse, dejando a nuestro planeta sumergido en un Invierno perpetuo.

Tan sólo un año después, se estrenó la cinta 3 Días, ópera prima del director F. Javier Gutiérrez que gira en torno a una familia en la provincia española, durante las setenta y dos horas previas a la colisión de un asteroide; en ella, Juan se ve obligado a ayudar a su madre a cuidar de los cuatro pequeños hijos de su hermano cuando un hombre, llamado Lucio, amenaza con llevárselos.

Se trata de un excelente debut acompañado de un guión inteligente; un estupendo thriller apocalíptico.

El polémico Lars Von Trier, también ha abordado el tema del fin del mundo a través de su más reciente cinta Melancolía (Melancholia, 2011), en la que un planeta (el Melancolía del título) amenaza con chocar con la Tierra; la suntuosidad de la fiesta que se celebra en el filme contrasta con el desastre psicológico que entrega el director a través de las estupendas actuaciones de Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourgh; una cinta cuyo visionado es obligado antes de que se acabe el mundo.

Más recientemente, específicamente este mes, llega a las carteleras una nueva cinta apocalíptica: Buscando un Amigo para el Fin del Mundo (Seeking a Friend for the End of the World), una mezcla de de comedia romántica con un poco (muy poco) de cine apocalíptico, protagonizada por Steve Carrell y Kiera Knightley; la premisa de la cinta se enfoca en un hombre (Carrell) que, tras ser abandonado por su mujer y ante la inminente colisión de un asteroide con la Tierra, decide buscar a su antiguo amor de la preparatoria; en su viaje será acompañado por su vecina (Knightley), que busca pasar con su familia las últimas horas de existencia en este planeta.

El final, dicen, está cada vez más cerca; y sigo con la idea de que me da igual lo que suceda en diciembre próximo, pero probablemente haría lo mismo que Steve Carrell en la última cinta mencionada, aunque, de ser posible, me gustaría más un final personal como el de la cinta 3 Días, cuando la vean me entenderán.

Las cifras del título de esta película son las posibilidades que tiene el personaje principal de sobrevivir tras diagnosticársele cáncer; con ese mismo equilibrio, pero ahora refiriendonos al drama y la comedia, se desarrolla toda la cinta que divierte y conmueve por igual.

El guionista, Will Reiser, se basó en su experiencia personal con la mortal enfermedad para desarrollar la historia del veinteañero recién diagnosticado, interpretado acertadamente por el talentoso Joseph Gordon-Levitt, quien es acompañado de un reparto igualmente talentoso en el que podemos encontrar a Seth Rogen, Anna Kendrick, Bryce Dallas Howard y la gran Anjelica Huston; todos ellos bajo la eficaz dirección de Jonathan Levine. http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_abril_2012

En su momento, fue la cinta más cara de la historia, fue la cinta más taquillera de la historia, se encuentra en un empate junto a Ben-Hur y El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey como la cinta con mayores Premios de la Academia obtenidos (once) y lanzó al estrellato internacional a Leonardo DiCaprio y Kate Winslet (además de que los instauró como la pareja romántica por excelencia para toda una generación). Hace unos meses se re-estrenó en formato 3D y finalmente llega al formato casero en alta definición y también en tercera dimensión. Para los coleccionistas, imperdible a 15 años de su estreno.

Esta nueva entrega supera por mucho a su antecesora, y es que el humor bien empleado, la emocionante historia y los efectos especiales utilizados con sabiduría y cierta 'mesura', resultan en una atractiva cinta para toda la familia que dejará satisfechos a los fans de la franquicia. La cinta bien podría ser el decente final de una trilogía un tanto irregular, pero con ese final, no dudamos ni un poco que se pueda seguir adelante con la historia de estos elegantes agentes secretos.

Muy alejada de pretender ser un reflejo fiel de la actualidad política y social de la India, la cinta se enfoca en mostrarnos a un grupo de maduros personajes que, en el místico país asiático, se reencuentran a sí mismos y a su sentido de vivir. Lo mejor de la cinta, sin duda alguna, es el ensamble actoral británico que pocas veces se ha logrado con estrellas de tal renombre.

Judi Dench, Maggie Smith, Tom Wilkinson y Bill Nighy; para algunos, con todos ellos en una sola cinta sería suficiente.

LA PROYECCION DEL MES

“Why so serious?”

Durante los años 70, un narcotraficante decide introducir drogas a Harlem en los ataúdes de los soldados muertos que venían de Vietnam. Un detective de la policía de Nueva York investigará el caso.

Consulta la programación del mes en:

http://www.thefilmzone.tv/programacion/

Consulta la programaci贸n del mes en: http://oncetv-ipn.net/cine/

Consulta la programaci贸n del mes en: http://www.hbomax.tv/cinemax/programacion.aspx

http://www.youtube.com/watch?v=qlHJA9DZYhk

Consulta la programaci贸n del mes en: http://www.canal22.org.mx/cinema22/index.html

A finales de este mes regresa la producción de Argos sobre las reclusas de Capadocia y promete ser la más cruda y política de todas sus temporadas.

Dolores Heredia, Juan Manuel Bernal, Cecilia Suárez y Ana de la Reguera regresan para dar vida a los personajes de la serie que, en esta tercera entrega, se verá enriquecida con la adición al elenco de figuras de la talla de Damián Alcázar, Ernesto Gómez Cruz y Adriana Barraza; además, las actrices Gabriela de la Garza e Itatí Cantoral también tendrán participaciones especiales.

Como en toda producción de Argos, la nueva temporada de Capadocia abordará temas de actualidad en cuanto a la realidad nacional se refiere; es así como el caso de la Guardería ABC en Sonora será referido cuando la actriz Daniela Schmidt dé vida a una de las maestras de la estancia infantil.

Con nominaciones al Emmy Internacional y galardonada con otros diversos reconocimientos, Capadocia se ha colocado como un serial televisivo nacional al que debemos tener en la mira.

http://youtu.be/KyxAA7XVxN0

Rod Splendor, Pierre Wolfgang y Xavier Hunter conforman una de las bandas que más ha estado sonando dentro de la escena nacional actual; la agrupación formada en 2010 y originaria del DF, ha grabado su primer EP (que lleva por nombre Revolt) en el Honky Tonk Studio (Zoe y Fobia han grabado en ese lugar) bajo la producción de José Portilla y del cual ya se han liberado dos sencillos: Devil Woman y Black Sunshine.

Con una breve carrera, la propuesta de la banda (que ya se ha presentado en célebres lugares de la capital mexicana como El Imperial y El Pasagüero) ofrece antes que nada honestidad, un rock sinceramente tradicional cuya buena manufactura se nota en cada uno de los cinco tracks que conforman Revolt, destacando el tema Silver Fox.

http://youtu.be/wbYHPye7-_0

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