Celuloide Digital - Septiembre 2013 by Celuloide Digital

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FLASHFORWARD ‘Carrie’ - Pág. 05 EN PANTALLA ‘The Lone Ranger’ - Pág. 07 OUT ‘NuestraBelleza’ - Pág. 09 VISIÓN EN 8 MILÍMETROS ‘Much Ado About Nothing’ - Pág. 11 TOMA1 ‘District 9’ - Pág. 13 LATITUD 7 ‘Barbara’ - Pág. 15 CMX ‘Distinto Amanecer’ - Pág. 17 CIERTA FICCIÓN ‘Tú Eres el Siguiente’ - Pág. 18 CRONOS: CLÁSICOS DEL CELULOIDE ‘El Manantial de la Doncella’ - Pág 19 CINEFILOSO ‘4:44 Last Day on Earth’ - Pág. 21

#1 ELYSIUM Sci-Fi y Conciencia Social - Pág. 25 #2 FECHA DE CADUCIDAD Personajes vemos, intenciones no sabemos - Pág. 31 #3 TO THE WONDER Poesía Visual del Amor - Pág. 35 #4 NO SÉ SI CORTARME LAS VENAS Una Comedia Mexicana bien lograda... - Pág. 39 #5 YOU’RE NEXT La Nueva Cara del Terror - Pág. 43 CARTELERA La oferta fílmica de septiembre - Pág. 47

CINE EN CASA Novedades en formato casero: ‘Amour’ - Pág. 57 Novedades en formato casero: ‘Trance’ - Pág. 59 PANTALLA CHICA Cine en TV Pág. 61 TEASER Avance del próximo número- Pág. 63

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Ilustración digital: http://reksdark.deviantart.com/

Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Sweet Bloody Dreams Mauri Rafael Mejía J. Amaro Bautista Alicia Gutiérrez Eric Ortiz Julio Nuñez Marquez Pablo Peñalver Silvia Ruvalcaba Siniestro Sexual Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras. Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

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ra la década de los 70s. Por aquellos tiempos en los que la música disco estaba en su máxima expresión, las películas eran muy buenas -como el caso de El Padrino, Taxi Driver, El Exorcista, Mad Max, China Town, La Guerra de las Galaxias, Naranja Mecánica, Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, Kramer vs. Kramer, etcétera, etcétera, (wow, que viejo estoy)-, surge una película en el año de 1976 llamada Carrie, basada en una novela de Stephen King. Recuerdo muy bien, estando en la casa, el comentario de mis padres de que habían sacado la película basada en un libro que teníamos en casa y que de seguro estaría de mucho miedo. Yo, como buen escuincle que era en aquella época, empecé a leer el libro a escondidas de mis padres, cual fue mis sorpresa que no creo haber pasado de las primeras veinte paginas cuando lo boté, dije: 'mejor me espero a verla en el cine'. Cuál fue mi sorpresa que mis Papás estrictamente me prohibieron ver la película, no querían tener un mocoso más traumado de lo que estaba en casa. Pasaron los meses y fui de vacaciones a mi querido Uruapan. Era un Domingo cualquiera en el que todos los primos nos juntábamos para ir al Cine Uruapan a ver las dos películas y nos 'chutábamos' ambas cintas, fueran las que fueran. Esa ocasión mi hermano nos había acompañado; él apenas de seis años ya estaba en el cine. Como primer película era Rocky, todos emocionados con el italian stallion tirando fregadazos a unas pobres vacas congeladas dentro de un congelador. Mucha adrenalina para unos mocosos.

Al terminar la película, y después de nuestra escala en el baño y en las palomitas, regresamos a ver nuestra segunda película, y era Carrie. Entre los nervios de que mi Mamá me había dicho que tenía prohibido verla, saber que era de terror, y que mi hermanito de 6 años acompañaba a unos grandes, responsables hombres y mujeres de entre 9 y 11 años empezó a crear una gran angustia dentro de mí. No quiero arruinarles el final para los que no la han visto, pero en la escena final de la película, mi hermano salto despavorido de la butaca y empezó a besar su crucifijo como loco, desesperado y dando vueltas sobre su propio eje siguió y siguió, para mí fue algo eterno, hasta que una prima se levantó y le dio una bofetada para sacarlo de su shock, recuerdo eso y me da risa, pero la angustia de esos maduros y responsables mocosos se volvió un caos, sentía que las cosas acabarían mal. Mis padres me iban a mandar a la escuela militar, a mi hermano a un psiquiátrico y posiblemente algunos de mis primos me harían compañía marchando. Para no hacer la historia más larga, sólo decirles que esa noche todos los primos dormimos en el mismo cuarto y mi hermano con su crucifijo ya encarnado en la palma de la mano. Ahora hablando ya más de esta nueva adaptación, y olvidándonos de la malísima Carrie 2, quizá esta nueva adaptación, respetando mucho a la original, puede ser una buena película. En los papeles estelares encontramos a Cloë Grace Moretz en el papel de Carrie; a la increíble Julianne Moore en el papel de la Mamá (Margaret White) y los buenos efectos especiales pueden hacer que la telequinesis de esta dulce chamaca sean algo muy positivo para esta versión. Para los que no conocen la trama, es la historia de una niña de secundaria que no encaja con sus demás compañeros; su madre, un poco dañada, la quiere apartar de todo el mundo porque le van a hacer daño y su fanatismo religioso es lo que la lleva a la perdición. A sus poderes telequinéticos, su madre los ve como cosa del demonio. Vean el tráiler, muy recomendable y esperemos ansiosos para que Carrie White nos haga brincar más de una vez de nuestras butacas. P.D. Nunca fui a ninguna escuela militar y afortunadamente mi hermano no necesito que lo internaran en un psiquiátrico.

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ocas veces en la meca del cine se da la situación de que el personaje secundario sea más importante por su trayectoria actoral o cause más expectativa que el mismo personaje principal o que este se vea sometido a las acciones del primero, en la trama de la película, claro está. Así que The Lone Ranger se lleva el galardón, precisamente porque la mayor parte de su promoción estuvo basada en la participación de Johnny Depp con su personaje “Tonto” (llamado en México “Toro”), más que en centrarse en la historia del justiciero mismo. Sin embargo, la actuación de Depp no desmerece y su personificación justifica plenamente la confianza y el peso que le dieron para este proyecto dirigido por Gore Verbinski. Una vez más, Disney apuesta a lo excéntrico del actor, repitiendo la fórmula que siguiera por décadas, cuando contaban con Dick Van Dyke, Hayley Mills, Jodie Foster y Lindsey Lohan, quienes interpretaban a distintos personajes, siguiendo su tónica personal. Comedia al fin y al cabo, no se meten en problemas con respecto a la Guerra Civil estadounidense, donde cualquier situación, en este caso el paso del ferrocarril, era pretexto para realizar grandes masacres de las comunidades indias del Viejo Oeste. Mas entretienen a la audiencia con indios que hablan inglés y se burlan de los personajes principales, incluso la idea de un espíritu guerrero en forma de caballo blanco, da la posibilidad de ver esa cosmogonía o creencias en forma realmente ligera, sin prestar demasiada atención al fondo.

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De hecho, la voz que imposta Depp para su personaje, es reflejo de la percepción que se tiene de aquéllos grupos nativos: poco letrados, aguerridos, vengativos, convenencieros, cerrados a su comunidad y costumbres. Ahora bien, la indumentaria se asemeja a la tradicional, con la diferencia del pretencioso cuervo, a manera de penacho que lleva en la cabeza, cuya combinación resulta por demás sobreactuada, pero con el fin de mover a la risa del espectador. Por otro lado, el fiscal John Reid, se topa con Toro en su búsqueda por hacer válida la justicia entre la población. Sufrirá cambios dramáticos en su perspectiva para ejercer la ley, pero sobre todo, para entender que la vida en el campo es muy distinta a la citadina. Volvemos al asunto de humanizar demasiado a los héroes, puesto que vemos el sufrimiento por su amor platónico, la muerte de su hermano, la desubicación de su persona al volver de la muerte y luego entender que nada se resuelve como él suponía. Se agrega entonces el arranque de furia que le mueve a la venganza, cambiando

de golpe su forma de pensar y actuar, motivado siempre por el bien común. Se hace hincapié en el uso de la máscara o antifaz, signo distintivo de quienes pretenden guardar su identidad, pero que sirve como el chiste general para mantenerlo con los pies en la tierra. Cosa curiosa, tanto a este Llanero como a uno de los secuaces de la banda de Butch Cavendish, se les achacan características o situaciones propias del amaneramiento gay, algo pocas veces notorio en los films de Disney, pero que al final ayuda a la tendencia que existe por hacerlos centro de los chistes, no con el bullying tradicional, sino con la premisa de “le perdonamos lo amanerado porque es chistoso”. Por supuesto, la apariencia tiene que ver, ya que a cada parte de su vestuario se le encontró un momento descriptivo en ese tenor: el traje a la medida del cuerpo, el sombrero blanco de ala ancha y redonda, la camisa abierta, la cinta al cuello, las botas, el peinado, la pistola y, el antifaz. Cabe señalar que Armie Hammer ha participado como irresistible galán en otras producciones: es quien seduce o por lo menos se hace desear. Pero en esta no fue el objetivo, por lo menos no con los personajes femeninos, aunque seguramente para el público de género, sí lo fue. Ya que menciono al lado faldero del reparto, las dos mujeres que sobresalen tienen igual carácter rudo, envuelto en encajes, sedas y botones forrados. La dueña del corazón de John Reid y, en contraparte, la dueña de la casa de citas del pueblo. Ambas convergen con el justiciero en pos de aliviar sus cuitas a causa de la desventaja de su situación, respecto al magnate del pueblo. De igual modo libran una lucha diaria por sobrevivir en un ambiente regido por la testosterona y sus encantos deben ser parte de su estrategia cotidiana. La ambientación del pueblo, la mina, los vagones del tren y los pueblos indios, así como los escenarios desérticos, son prueba de que el presupuesto se utilizó bien en cuanto a utilería, locaciones e indumentaria del resto de los personajes de la cinta, entre uniformes, trajes polvosos y desgarrados por la faena, el grupo de orientales trabajando en la mina, los indios dentro de sus tipis, todos conservando aquélla idea particular de los westerns de los años 60 y 70, en que tanto forajidos, como peones y nativos, tenían esa capa de polvo encima, lo que los diferenciaba por completo de la gente del pueblo.

El ritmo de la cinta, por otra parte, lleva un continuo flashbackforward, adquiere velocidad con las persecuciones; las tomas se abren por la aventura al aire libre y se cierran con las expresiones importantes o escapes de los recovecos menos pensados. No da tiempo para el drama, aunque vaya intrínseco en la historia; no se hace recuento de daños o pérdidas, pues se debe seguir adelante, además de que el pueblo está dispuesto a reconstruirse. No hay escenas románticas, pero sí apasionadas o por lo menos sugerentes. La crueldad se asoma con los forajidos haciendo desmanes y los soldados matando pieles rojas, pero todo queda en el mismo ambiente, limpio, adecuado. Punto y aparte debe llevarse Silver o Plata, el caballo del Llanero, puesto que al igual que muchos personajes animales en otras muchas películas de Disney, tiene su particular encanto: no sólo es el espíritu con el que se comunica Toro, sino que tiene habilidades para hacer su voluntad e incluso subirse a una rama de árbol con un sombrero puesto. Imposible no pensar en Maximus, el caballo de Tangled (2010): también blanco, casi un sabueso, con fuerza, velocidad y un enorme sentido del deber para su jinete.

Definitivamente debieron cambiarle el título a esta cinta, pues al igual que en Troya (2004) que pudo llamarse “Las Guerras personales de Aquiles” o “Aquiles y sus amigos”, la referencia a un personaje en el nombre de la historia debería avisar al espectador cuál será el enfoque de la narración (Como en Ocean's Eleven, 2001; Ocean's Twelve, 2004; Ocean´s Thirteen, 2007). De este modo, El Llanero Solitario pudo convertirse en “Toro y su amigo Kimosabi” que dejó de ser solitario porque… ¡nunca estuvo ni actuó solo! Es más, el único momento de dar su famoso grito “Hi-yo, Silver, away”, Toro le dijo que no lo volviera a hacer, o sea, desde el inicio hasta el final, era quien tenía la voz en la historia, al fin y al cabo el narrador o más bien, el coordinador del Llanero Acompañado. Otro buen título, si me preguntan.

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n su ópera prima, el director Leonardo Martins utiliza como pretexto un concurso de belleza en la tropical Mérida para hablar de los anhelos, sueños y frustraciones de un grupo de hombres que han decidido vestirse y desenvolverse como mujeres sobre el escenario; el resultado final es un intimista documental que explora las vidas privadas de los travestis que se presentan por las noches en un reconocido antro de la hermosa ciudad de la provincia mexicana. Martins muestra en ocasiones algunos fragmentos de los shows que realizan los travestis, pero se enfoca más en los rituales personales de los actores, desde su preparación tras los bastidores antes de salir al escenario hasta cómo (so-

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bre)llevan en su vida cotidiana ésta doble vida. Y es ahí, en esos terrenos tan poco explorados, donde en medio de pláticas sobre la construcción de sus personajes (ya sean originales -como El Hada Frozen- o imitaciones de famosas personalidades -Mónica Naranjo, entre otras-), también salen a relucir las confesiones sobre los enormes sacrificios individuales que han tenido que hacer para llegar al lugar en el que están y los que todavía tendrán que hacer para llegar al lugar a dónde quieren pertenecer. Tras las pestañas postizas, los senos artificiales y las toneladas de maquillaje, se esconden también historias trágicas sobre las adicciones, el hambre, el rechazo familiar, la pérdida de la individualidad y de los amores que se han ido;

pero también existen las risas, la amistad, la música, los play-backs y esa ilusión de habitar una piel femenina por lo menos por algunos instantes, por los minutos que dure el espectáculo: "Mi tirada no es ser una vestida 24 horas; mi tirada es hacer un show artístico", confiesa uno de los chicos. Nuestra Belleza es una entretenida y reflexiva mirada a la naturaleza humana desde la óptica del transformismo en el México provincial; reiterativo en algunos momentos y un tanto superficial en otros, el documental sobresale por su esfuerzo para desmitificar la idea que se tiene de 'las vestidas' en nuestro país, a través de un acercamiento íntimo a las personas que se esconden tras los personajes que han creado/homenajeado.

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Al contrario de lo que hizo Baz Luhrmann al adaptar â&#x20AC;&#x2DC;Romeo y Julietaâ&#x20AC;&#x2122; al presente, el gran acierto de Whedon consiste principalmente en dos factores: mantener la elegancia y la sencillez de los escenarios y obtener unas actuaciones muy bien logradas.

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on una fotografía impecable en blanco y negro y una filmación que se llevó a cabo en tan sólo 12 días y casi en secreto, Joss Whedon presenta en esta ocasión un proyecto independiente y bastante personal: Mucho ruido y pocas nueces. Hay que decir, además, que la filmación se realizó mientras trabajaba en la posproducción de Los vengadores. La historia, una comedia romántica llena de intrigas, enredos y traiciones, inicia con la llegada de don Pedro de Aragón a la casa de Leonato; le acompañan su hermano bastardo don Juan, Claudio y Benedict. Claudio se enamora de la hija de Leonato, Hero, en el mismo momento en que la ve, pero don Juan tratará de impedir que la pareja se una. Al mismo tiempo, Benedict y Beatrice, sobrina de Leonato, mantienen una relación de odio y amor; y aunque ambos rechazan mordazmente cualquier insinuación sobre matrimonio, todos intentarán hacer que terminen juntos. La primera impresión y sin haber visto la pe-lícula era que el proyecto parecía

pretencioso: un director, más bien comercial, que quiere demostrar que también puede hacer cine independiente. Sin embargo, en cuanto aparecen las primeras escenas uno se da cuenta de que no es así. Al contrario, es como si Joss Whedon nos invitara a su propia casa –que de hecho fue donde se filmó la película–, con un grupo pequeño de amigos a ver una puesta en escena que parece casi íntima. Resulta contrastante, aunque no chocante, que se traten temas del siglo XVI, mientras los personajes hablan por teléfono celular y desenfundan sus armas. Pero al contrario de lo que hizo Baz Luhrmann al adaptar Romeo y Julieta al presente, el gran acierto de Whedon consiste principalmente en dos factores: mantener la elegancia y la sencillez de los escenarios y obtener unas actuaciones muy bien logradas. Los actores, que ya habían trabajado con Whedon en algunas de sus series o en otras películas, consiguen crear una gran química entre ellos. Cabe destacar los papeles de Amy Acker (Beatrice) y

Alexis Denisof (Benedick), ambos ingeniosos y perfectamente sincronizados, incluso llegan a opacar a la pareja principal. Aunque al inicio toma un poco de tiempo seguir el ritmo de los diálogos, conforme va avanzando la película, todo se vuelve más natural, incluso los mismos actores parecen más cómodos en sus personajes. Finalmente y conforme va acercándose el desenlace, uno termina sorprendido de que 400 años después de la primera representación de Much ado about nothing, las pasiones y las relaciones humanas sigan siendo las mismas y que un proyecto cinematográfico como este logre brillar por sí mismo y no sea sólo mucho ruido… y pocas nueces.

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ecuerdo que aquel año, el nombre de Neill Blomkamp llegó a figurar entre los posibles contendientes a los Oscar como Mejor Director, pues su cinta abría por doquier con muy buenas críticas, lo que posteriormente se transformó en una lluvia de premios y nominaciones, pues Neill fue nominado al Oscar como guionista y su película sumó un total de 4 nominaciones (incluyendo Mejor Película), y no es para menos, pues nos encontramos ante una de las recientes cintas de culto del género. La historia es 'simple' pero no común; se trata de una raza alienígena (apodada por los terrícolas como 'langostinos'), que se ve forzada a buscar refugio en la tierra (Johannesburgo, Sudáfrica), llegando desnutridos y casi al borde de la muerte. Se les proporciona ayuda humanitaria pero, al transcurrir los años esta perspectiva cambia y son tratados como lo 'peor' en los estratos sociales, tal es el rechazo que todos los extraterrestres son recluidos en 'sectores' (como campos de concentración). Es ahí donde el protagonista entra como 'servidor' del gobierno, que tras diversas visitas al 'Sector 9', queda presa de lo que él mismo despreció.

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La película comienza de una manera extraordinaria repitiendo la fórmula de Woody Allen en Zelig o de Tobe Hooper en The Texas Chainsaw Massacre, utilizando elementos de falso documental y 'basado en hechos reales', aunque ambas ideas no están tan alejadas de los sucesos reales que ocurrieron en aquel país. Blomkamp muestra los dotes de director y guionista, ya que al ser su ópera prima demuestra que aún existen 'genios' escondidos en el mundo, "entró por la puerta grande". Ambos trabajos (guión y dirección) son geniales. Ya demostrado mi entusiasmo con esta cinta, continúo diciendo que es de mis favoritas de aquel año, más allá de la genial actuación de Sharlto Copley, están también: el bien armado guión, los trabajos de montaje y efectos visuales que son de aplaudirse de principio a fin; toda una película con un sin fin de temas de trasfondo como el racismo, la discriminación, el abuso de la política y la ciencia, etc. Una de esas 'nuevas' películas de sci-fi que NO DEBEN PERDERSE. Yo la disfruto una y otra vez.

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árbara ha sido enviada a una provincia cercana al Mar Báltico después de haber solicitado a las autoridades abandonar el país, la entonces República Democrática de Alemania (1980), sin embargo la respuesta fue cambiarla de un prestigioso hospital de Berlín en la que era una importante cirujana a uno de provincia, situación que la hace enfrentarse a un nuevo mundo, lejos de su círculo de amistades y con uno de sus sueños frustrado: la libertad. Una mujer fría y por momentos hostil son el reflejo de la inconformidad y el rechazo a una nueva vida, más vigilada no sólo por las autoridades sino también por las miradas de la sociedad. Su amante Jörg la visita clandestinamente con ayuda de otro amigo suyo y en el proceso irá preparando la fuga de Bárbara quien intentará huir del país a través del mar para llegar a Dinamarca, sin embargo no previene lo que quizá es difícil prevenir: los sentimientos hacia otras historias de vida, otros seres humanos que al igual que ella buscan un mejor estilo de vida. Al iniciar su vida en provincia conoce a André, director del hospital, y descubre que ella no es la única que ha buscado la

libertad, que al igual que ella él ha sido castigado por las autoridades y ha sufrido los estragos de la Segunda Guerra Mundial y de un estado socialista. Bárbara será vulnerable ante las historias de sus pacientes y de un nuevo amor, sucesos que pondrán en duda sus ansias de libertad. Por una parte está André, por la otra Stella, una joven que ha intentado escapar de un centro de detención juvenil y que ha puesto en peligro su vida y la de la propia Bárbara. Nuestra protagonista tendrá que elegir entre sus sueños o los de seres humanos más vulnerables que ella. La cinta Bárbara, dirigida por el cineasta alemán Christian Petzold, se ubica en la Guerra Fría y narra la forma en que algunos profesionistas lidiaban con las decisiones de las autoridades y como estas afectaban su vida privada y profesional. Nina Hoss hace una estupenda interpretación en su papel como Bárbara, mostrando el lado más humano y frío del personaje. El guión, la fotografía y la construcción de los demás personajes hacen que la cinta no sólo muestre un problema social sino que además sea un trabajo muy bien logrado cinematográficamente.

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ara que ustedes vean y se enteren de que en México también existió CINE DE ALTA CALIDAD, y Distinto Amanecer entra en este círculo de las grandes joyas de la llamada 'Época de Oro' del Cine Mexicano. El día de hoy he tenido la fortuna de ver por vez primera esta película que un viejo amigo me recomendó ya hace varios ayeres, y me alegró encontrarme con una gran película. Un líder sindical se disponía a recoger unos documentos comprometedores para el Gobernador -corrupto, ¿novedad?-, el líder es asesinado por órdenes del más alto mando, aquellos documentos guardaban relación con la próxima huelga sindical. Octavio, al enterarse de esto se dirige a la búsqueda de dichos documentos, una vez en su posesión emprende la huida y termina en un cine, sitio donde se encuentra con su antigua compañera de colegio Julieta, es aquí donde surgirán viejos recuerdos y emociones.

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La industria cinematográfica nacional daba saltos enormes hacia la calidad y madurez que ésta buscaba, pasando del campo a las ciudades como escenarios principales de la nueva 'etapa' del cine mexicano. De ahí que cintas como ésta y otras por ejemplo: Campeón sin Corona, Sensualidad, Salón México, Un Rincón Cerca del Cielo, por mencionar algunas-, sean consideradas como grandes representantes del 'México de Noche', al mostrar el crecimiento de una de las urbes más grandes del mundo. Mientras el mundo miraba hacia Europa y la Guerra, México se dedicó a enaltecer sus 'bellas artes'. Bracho casi estaba iniciando su carrera cuando logra este gran acierto -en el género- (un guión extraordinario), rodeándose de lo mejor que había en aquellos años, por un lado el gran par de actuaciones de la hermosa y enigmática Adrea Palma y del poderoso Sr. Pedro Armendaríz (ambos con diálogos estupendos) ; el gran papel que juega la música es de resaltarse (Agustín Lara de fondo); Gabriel Figueroa y su gran fotografía. Una película que hace competencia a grandes producciones a nivel mundial, demostrando que EL CINE DE 'LA ÉPOCA DE ORO' tiene los altos estándares que demanda la industria del cine. IMPERDIBLE.

o estoy segura al cien por ciento cuál fue el motivo que me hizo tomar la decisión de matarlos a todos, sólo un día desperté y decidí que mi vida sería mejor si ellos no estuvieran todo el tiempo siguiéndome como una sombra, recordándome de un momento en mi vida, en nuestras vidas qué no debió ocurrir, fastidiándome siempre con las advertencias de no llamar mucho la atención para evitar que alguien comenzara a preguntar sobre el pasado. Habíamos sido ocho quienes lo hicimos, no sólo yo, por tanto, no sólo yo era quien debía mantener la cabeza gacha e intentar pasar desapercibida; bueno, creo que sería un buen detalle a sus memorias que mantuviera sus nombres y los míos en el anonimato, ¿Te parece si me refiero a ellos con números en vez de nombres? Seguro no te molesta. Entonces… ¿Qué pasaría si uno de los siete perdiera la cabeza y… se deshiciera de todos? ¿Qué pasaría si ese que perdió la cabeza muriera antes de completar su lista? Y más importante ¿Qué pasaría si sólo yo sobreviviera al ataque? Uno y Dos fue fácil, siempre estaban juntos, entre a su casa, abrí las llaves de gas y espere a que murieran mientras dormían. 'Un accidente', dijeron los investigadores. Dos menos, cinco más. La siguiente fue mi querida Tres… Me fue difícil decidir su muerte, debía elegir algo un poco más elaborado pero me aburrí de pensar y sólo la empuje de la terraza de su departamento, cayó seis pisos sobre un auto de lujo. Me sentí un poco mal por el dueño del auto.

y sólo la empuje de la terraza de su departamento, cayó seis pisos sobre un auto de lujo. Me sentí un poco mal por el dueño del auto. Cuatro fue… Interesante, porque teóricamente no lo maté yo, tuvo un ataque al corazón. Años de sedentarismo y obesidad, digo, no es como que llamé una ambulancia pero tampoco le disparé. Hablando de disparar, el siguiente, Cinco, fue un accidente de cacería, tomé una escopeta del armario y le disparé. Nadie sabía que estábamos fuera, ni siquiera su novia o su madre solo él y yo buscando un poco de paz entre la naturaleza. Estaba a punto de matar al siguiente, el número Seis, cuando me sorprendió en mi propia casa. —Sé lo que estás haciendo —Dijo en cuanto abrí la puerta. — Debiste decirme, estaba pensando en lo mismo. Seis y yo decidimos que después de Cinco era muy arriesgado que yo matara a Siete. El se ofreció a hacerlo a cambio de que nunca más volviéramos a vernos, que olvidáramos que nos conocíamos y continuáramos con nuestras vidas. Me pareció una buena idea. Me quedé en casa esa noche, durmiendo tranquilamente y a la mañana siguiente en las noticias vi que Siete había muerto, al parecer un conductor lo había arrollado mientras corría. Suspiré, ya le había dicho a mi buen amigo Siete que correr de noche no era buena idea, de hecho le había regalado ropa deportiva fosforescente para que estuviera más seguro. Muy mal, no la había usado nunca. En teoría Seis y Ocho (yo) íbamos a

a ignorar la existencia del otro, pero me di cuenta que estaba intentando matarme, reí, sabía que no podía confiar en él. —¿Creías que no me daría cuenta que intentas matarme?— Pregunté esa noche al escuchar los pasos de alguien que me seguía. — Por favor, Seis, sé que sabes hacer las cosas mejor. —Lo siento, me da pena matarte pero tengo que hacerlo— Respondió y noté que sus palabras eran sinceras— Sabes demasiado, debes morir. —No. —Sí… Tú sigues.— Seis se lanzó sobre mí, intentando asfixiarme, por un momento creí que moriría pero lo había planeado desde principio hasta el final, la policía llegó (tardando mucho más de lo que había pensado) y lo quitó de encima, arrestándolo. Su juicio fue corto, lo encontraron culpable de todos los homicidios y… de eso en lo que habíamos participado los ocho. La última vez que lo vi fue en prisión, usando ese adorable uniforme anaranjado. —Tú eres el siguiente. — Le dije y esa tarde murió acuchillado por otro preso. Como digo, no estoy segura qué fue lo que pasó esa mañana que decidí matarlos y bueno sabían demasiado y ahora tú también. ¿Serás el siguiente?

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veces resulta un verdadero problema el que uno, como ser humano sea un ser inocente. La palabra 'inocencia' puede ser vista desde varios enfoques, pero la leyenda sueca más allá de lo simple que es, al ser narrada por el 'dios' del cine sueco, toma matices más profundos que son resaltados en cada momento crucial de esta trama. Viernes Santo y 'los reyes' de una comunidad sueca medieval encargan a su joven hija Karin, llevar unos cirios como ofrenda a la Virgen; acompañada de una sirvienta toda desalineada y llena de odio por Karin. Ya adentradas en el bosque, Karin conoce a tres pastores con quienes comparte la comida que ella cargaba para el viaje, más no sabía que esa sería su última comida. Enterado del atroz crimen, el rey Töre decide tomar la justicia por propia mano, la cual ejerce cuando los pastores por azares del destino llegan a pedir refugio a su casa.

Desde hace mucho tiempo, Ingmar Bergman se convirtió para mí en uno de mis directores favoritos, no solo por su peculiar estilo para dirigir, sino por la profundidad con que aborda todos los temas que siempre traen consigo sus películas. Nuevamente el guión sobresale y con el toque 'bergmaniano' vemos los temas recurrentes, por ejemplo: la justicia-la venganza, la pureza-la inocencia, el poder sobre los otros, el dolor-la angustia, y sobre todo DIOS y su existencia en los momentos más difíciles de los hombres. Acompañada de los ya clásicos y excelentes trabajos de fotografía y adaptación, del indispensable Max von Sydow quien en el último tercio de la película toma mayor importancia y realza su valor como actor, obviamente la ambientación medieval, la cual hemos visto en otros trabajos del director y el broche de oro es 'el milagro' que logra Bergman al montar esta historia sencilla en una excelente película (reconocida con varios premios, entre estos el Oscar como Mejor Película de Habla no Inglesa).

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l director Abel Ferrara, creador de filmes de culto como Bad Lieutenant (1992), al igual que a Lars Von Trier, también le dio por entrarle al cine apocalíptico hace un par de años, sólo que con resultados no tan afortunados como los obtenidos por el danés con la cinta protagonizada por Kirsten Dunst. En su propia visión sobre el final de los días, a la que tituló 4:44 Last Day on Earth, presenta a un par de individuos, un actor llamado Cisco y una pintora de nombre Skye, que esperan tranquilamente en su loft compartido la llegada del fin del mundo, evento que tendrá lugar al día siguiente a las 4:44 de la mañana (hora de Nueva York) debido a que, gracias a la inconsciencia de la humanidad, ésta se ha encargado de destruir la capa de Ozono. Con la fecha de caducidad planetaria anunciada de manera global, algunos -miles- optan por ir a los lugares sagrados que marcan sus religiones para orar (sino para evitar la muerte, tal vez sí para que les hagan un lugar en su paraíso), otros simplemente no quieren esperar la llegada de la hora final señalada y se lanzan desde las ventanas de sus departamentos, y otros, como nuestra pareja protagónica interpretada por Willem Dafoe y Shanyn Leigh, esperan estoicamente el final de los días. Con pláticas de pareja, videos de Al Gore explicando el deterioro del planeta, entrevistas al Dalai Lama exponiendo las bondades y defectos del dinero, meditaciones budistas, desesperados soliloquios en la azotea, unos tragos -y una que otra droga- con los mejores amigos,

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charlas con familiares a través de Skype y mucho sexo preapocalíptico, Ferrara escribe en celuloide (aunque está hecha en formato digital de alta definición) su propia carta de despedida a la Tierra, en la que logra algunos -muy pocos- deslumbrantes momentos de reflexión, pero que no es completamente efectiva, especialmente porque lo que nos muestra carece de utilidad para el público, porque ver cómo un par de enamorados pasan las últimas horas de su vida no es de interés para el espectador, o por lo menos no lo es lo que hace esta aburrida pareja que pasa del sexo a las discusiones y luego a las reconciliaciones (con más sexo). Y a todo esto hay que sumarle que algunos planteamientos resultan absurdos: a pocas horas del fin del mundo las calles de Nueva York lucen como en cualquier día feriado, con poca gente pero todo tranquilo (¿Y el caos? ¿Y el temor a la muerte que llevaría a las masas a la calle?); por si fuera poco, en el filme muchos negocios siguen trabajando normalmente como si se tratase de cualquier día, como por ejemplo el restaurante de comida China que aún tiene disponible incluso el 'servicio a domicilio' (Ay, Chung ¿qué vas a hacer con todo ese dinero que te dieron de propina si en unas horas te vas a morir?). En 4:44 Last Day on Earth, Ferrara ambiciona y pretende demasiado (sí, es pretenciosa) pero logra muy poco, ni siquiera acierta a ofrecer gran calidad en cuanto a los terrenos formales se refiere (la fotografía es de lo más ordinaria y las actuaciones no más que correctas); con el final, tan anticlimático como los créditos iniciales, ni siquiera recompensa los 81 tediosos minutos que pasamos frente a la pantalla y nos hace extrañar su energía fílmica de la que dio muestra en King of New York (1990) o The Addiction (1995).

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llá por el 2009, una cinta de ciencia ficción sorprendió a las audiencias y a la crítica; pero no lo hizo debido a sus asombrosos efectos especiales con naves en medio de vistosas batallas o a su colección de reconocidos actores, en realidad fue por todo lo contrario: no tenía grandes secuencias de destrucción, ni tampoco rostros reconocidos por las masas. Sector 9 (District 9), título del filme referido, giraba en torno a una nave extraterrestre que se instala sobre Johannesburgo y que repentinamente se ve imposibilitada para regresar a su planeta, por lo que sus tripulantes se vieron obligados a comenzar a vivir en la ciudad terrestre, pero ante la difícil convivencia con los seres humanos, estos se ven incitados a mover a los extraterrestres hacia una zona fuera de la ciudad, una especie de campo de concentración para alienígenas, quienes obviamente no estaban nada felices con las acciones de los humanos. Y así, con esta premisa cargada de crítica social hacia el racismo y la xenofobia (características tan propias de nuestra especie), fue como el director Neill Blomkamp -originario de Johannesburgo pero nacionalizado canadiense- entró a la industria cinematográfica de altos vuelos apadrinado por Peter Jackson (productor de Sector 9). La crítica alabó su trabajo y destacó su estilo casi documental con efectos especiales naturalistas; nada mal para una cinta de bajo presupuesto (sólo $30 mdd). El público también respondió bastante bien a la propuesta cinematográfica de Blomkamp, durante el primer fin de semana en cartelera reunió lo de su presupuesto y un poco más ($37 mdd); al final de su corrida comercial en Estados Unidos el filme había recaudado más de $115mdd y otros $95mdd alrededor del mundo. Ahora es considerada como una película de culto entre los amantes del cine sci-fi (para mayores referencias sobre esta película, dirigirse a nuestra sección ??? en esta misma edición donde hablamos más respecto a ella).

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Neill Blomkamp está de regreso con una nueva propuesta sci-fi con la que promete nuevamente abordar temáticas de corte social. Elysium se desarrolla en el año 2154 en donde las diferencias entre las clases sociales son más marcadas que nunca: Los muy ricos habitan en una aséptica estación espacial construida en el espacio exterior en la que gozan toda clase de privilegios y sin preocupaciones por guerras o enfermedades; mientras tanto, el resto de la humanidad vive en las ruinas del planeta Tierra apenas luchando por sobrevivir. Aquí, en este hostil entorno, vive Max Da Costa (interpretado por Matt Damon), un hombre que se gana la vida ensamblando robots -los mismos que mantienen oprimida a la humanidad-, pero que repentinamente se encuentra acorralado y sin oportunidades de supervivencia; es entonces cuando decide participar en una misión que podría no sólo salvar su vida, sino la de millones de personas en la Tierra y devolverle a ésta la igualdad entre los habitantes de ambos mundos. Para llevar a cabo tal misión, Max debe someterse a una cirugía para instalarle un exoesqueleto que le ayudará a mejorar considerablemente su capacidad física en combate, así como poder cargar armas de alto calibre; y con ello, partir hacia Elysium con el único objetivo de intentar derrocar a la clase alta y restaurar con ello el equilibrio de clases en la humanidad.

Para la creación de los mundos opuestos en los que se habita en el futuro (según la película, claro está), locaciones en Vancouver, Canadá y Nayarit sirvieron para plasmar el lujoso recinto espacial; mientras que para la escenificación de la Tierra desolada se filmó en el Bordo de Xochiaca, una zona en el Estado de México (Ciudad Nezahualcoyotl, para ser más precisos) que alberga uno de los mayores depósitos de basura a nivel mundial y donde la marginación es más que evidente. Con Elysium, el director demuestra su preocupación por hacer un cine crítico y político; ya lo hizo con su ópera prima y esta nueva cinta parece tener los ingredientes necesarios, pero el problema resulta ser su elevado presupuesto (comparado con su filme anterior, no con la media hollywoodense), pues sabemos que mientras más cueste una película, menos libertades tienen los directores. ¿Qué tanto de la esencia de Blomkamp se mantendrá a salvo de los metiches productores? La respuesta se encuentra este mes sólo en cines. www.facebook.com/celuloidedigital

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os prejuicios son inherentes al ser humano'. Partiendo de esta verdad ineludible, la directora Kenya Márquez ofrece su ópera prima que juega con nuestros prejuicios a la vez que nos entretiene a través de un relato inteligentemente hilvanado en el que nada es lo que aparenta. Fecha de Caducidad, título del largometraje que la misma directora escribió con Alfonso Suárez, es en realidad una misma historia contada desde la perspectiva de sus tres protagonistas cuando la vida de éstos se entrecruzan. Ramona (Ana Ofelia Murguía) es una viuda que ve desequilibrada su vida cuando Osvaldo (Lalo España en una brevísima participación), su único hijo, desaparece repentinamente; todas las pistas le conducen a Genaro (Damián Alcázar), un multiusos que parece tener mucho interés en el caso de la desaparición de Osvaldo, aunque también ha entrado en la historia Mariana (Marisol Centeno), la sospechosa joven vecina que se acaba de mudar al edificio donde vive Ramona. Así, cuando la vida de estos tres personajes se cruzan, se detona una serie de especulaciones y actitudes paranoicas respecto a las inciertas identidades de los individuos, así como de sus verdaderas intenciones.

El filme dividido en tres capítulos -cada uno con el nombre de los protagonistas: Ramona, Genaro y Mariana- no descubre el hilo negro de las cintas con múltiples historias entrecruzadas (indudablemente remite a Amores Perros), pero sobresale el estupendo trabajo del guión que, poco a poco, va soltando información sobre los personajes, construyendo así un estupendo thriller cargado de humor negro (muy negro) que deja un gran sabor de boca al público, el cual va descubriendo, a cuentagotas, las verdaderas personalidades e intenciones de los personajes, echando por tierra todas las sospechas y teorías que se tenían sobre ellos. El magnífico trabajo del guión se ve secundado por el gran trabajo del reparto completo: Marisol Centeno muestra ser una gran promesa del cine nacional, Ana Ofelia Murguía vuelve a demostrar que es una de las mejores actrices de México y Damián Alcázar sorprende por el personaje tan diferente a otros que ha encarnado. Fecha de Caducidad es un trabajo sobresaliente, desposeído de pretensiones pero cargado de calidad, de esos que hacen mucha falta en el mundo de la cinematografía patria; además, pone en la mira el nombre de su artífice, Kenya Márquez, sin duda una realizadora a la que no habrá que perder de vista. www.facebook.com/celuloidedigital

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l amor nos convierte en uno, yo en ti, tú en mi. Iré a donde vayas”, es la frase que resume perfectamente el tema de la nueva película del cineasta estadounidense Terrence Malick. Es la historia de una pareja profundamente enamorada, un amor lleno de pasión y afecto que crece, pero que inevitablemente comienza a morir una vez que se descubren instalados en una vida que no esperaban y que no quieren. Marina, mujer parisina con un hija de unos diez años se enamora de Neil, un hombre estadounidense, se conocen en París y después de un tiempo deciden mudarse a Oklahoma en Estados Unidos. Un nuevo hogar, un nuevo mundo, una nueva vida para las dos mujeres francesas. El proceso de adaptación es lo que deteriora y desequilibra emocionalmente a Marina. El amor y la locura comienzan a acercarse en la vida de la pareja. Neil encon-

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trará a alguien más, otra mujer. Una prueba de que el amor puede estar en dos personas al mismo tiempo, descubrir a dos seres humanos y amarlos. Sin embargo ellas no podrán entender a Neil, y entonces los desencuentros comienzan a surgir. La aparición de un sacerdote español funge como el guía para entender las vicisitudes del amor. Un cinta con pocos diálogos, lo que prevalece es la voz en off del pensamiento de cada uno de los personajes principales, más que un diálogo son estrofas poéticas que acompañan y dirigen la historia al mismo tiempo que se ejemplifican, contrastan y confluyen junto con las brillantes imágenes del filme. Una fotografía perfecta, metafórica y con una excelente composición hacen de la película una poesía visual, narrativa y sobre todo sensorial. Para algunos podría ser un exceso, un alargamiento de la cinta, pero más bien se trata de disfrutar los elementos artísticos y técnicos

que posee To The Wonder: Deberás Amar. No hay que comparar la película anterior de Malick, The Tree of Life, con este nuevo material, la forma de contarlas es muy similar, pero las historias son diferentes. La metáfora visual prevalece, y el talento del cinefotógrafo mexicano Emmanuel Lubezki vuelve a impactar la mirada del espectador, sin duda. Las actuaciones de Ben Affleck, Olga Kurylenko, Rachel McAdams y Javier Bardem fluyen al compas de las imágenes, de los pensamientos y de la historia misma, momentos cumbre son resueltos con silencios y una banda sonora melancólica muy potente; el trabajo de Hanan Townshend es espléndido. La crítica internacional no ha tratado muy bien a la película, sin embargo enamorará a más de a uno porque el tema que aborda es el más universal que puede haber, o eso pienso yo, en la vida del hombre: el amor.

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sta historia se presentó primero en teatro y después se adecuó al cine con los mismos actores, razón por la cual los personajes se sienten tan naturales. En teatro realizaron 250 representaciones, un número bueno de ensayos previos al film. En el desarrollo de esta historia participan Ludwika Paleta, Luis Gerardo Méndez, Zuria Vega, Luis Ernesto Franco y Raúl Méndez, quienes han sido el elenco original con la dirección y guion de Manolo Caro; el lenguaje es común con buenos chistes y en momentos adecuados. El film se desarrolla en un edificio en la colonia Polanco de la ciudad de México, donde a pesar de tener varios años conviviendo prácticamente en el mismo espacio, los vecinos no se conocen, sólo se preocupan de sus historias, pero la vida no puede ser tan sencilla y llega un extraño personaje a ponerle la sal y la pimienta a sus vidas, quien logra unir las historias, con un elemento básico entre las sociedades: la comunicación. El extraño, con tan sólo crear diálogo y convivencia entre ellos, desata una serie de revelaciones, aceptaciones y descubrimientos que cambiarán sus vidas. También tienen pequeñas pero significativas apariciones Anabel Ferreira, a quien terminas odiando por los comentarios hi-

rientes “pero con mucho amor” hacia su propio hijo, y Rosy de Palma, actriz española que vive una soledad, en ausencia de cariño pero buscándolo con malas compañías. La historia se adentra en las relaciones personales, en los conflictos de pareja y de amigos, que cabe señalar son comunes en nuestra sociedad, cada uno carga sus fantasmas de miedos, mentiras e ideales de lo que realmente quieren hacer con sus vidas. Al cerrar la puerta de cada departamento salen las verdades, las confesiones y todo lo que se debe oculta. Refleja una crítica a nuestra sociedad, donde todavía no es aceptado el tema de la homosexualidad, o sí lo es mientras no pase en mi familia, donde gran parte de la televisión enajena las mentes, vendiendo telenovelas y programas que no aportan nada, donde la imposición de lo moralmente correcto para la sociedad (casarse y tener hijos) en ocasiones no siempre es lo que la gente quiere vivir. Si te gustó Nosotros los Nobles, ésta película la rebasa y en buena medida en historia, comedia y actuaciones. El cine mexicano está repuntando y ésta película lo evidencia, vamos al cine a disfrutar de las cosas buenas que produce nuestro país.

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l género del terror parece haberse agotado hace ya muchos años, aunque ocasionalmente aparecen pequeñas y modestas cintas que resultan una bocanada de aire fresco que le permite a este tipo de cine seguir con vida. Sólo hace falta recordar en su momento Scream: Grita antes de morir (Scream, 1996; Dir. Wes Craven) o El Proyecto de la Bruja de Blair (The Blair Witch Project, 1999; Dirs. Daniel Myrick y Eduardo Sánchez); como ejemplo más reciente tenemos La Cabaña del Terror (Cabin in the Woods, 2012; Dir. Drew Goddard), la cual jugó con todos los clichés habidos y por haber del sangriento género (incluyendo una gran colección de monstruos y personajes referenciales a clásicos del género) para ofrecer al final un delicioso giro que la convirtió en una cinta fresca y, hasta cierto punto, novedosa para las recientes generaciones. Tú eres el próximo (You're Next, 2011), cinta que fue presentada hace dos años en el Toronto International Film Festival (TIFF) y que finalmente llegará a las pantallas mexicanas este mes, promete (como muchas otras) revolucionar el género y utiliza la premisa de los asesinos enmascarados que invaden la intimidad de una familia en su propia casa (de hecho existe un adjetivo para referirse a este subgénero del horror: 'home invasion'). En la cinta, acompañamos a la familia Davison, quienes se han reunido en su casa de campo para pasar un buen tiempo vacacional; ahí conocemos a Crispian (A.J. Bowen), el hijo mayor de la familia que ha llevado al lugar a su novia Erin (Sharni Vinson) para que conozca a sus padres Paul (Rob Moran) y Aubrey (Barbara Crampton). Entre los otros invitados también se encuentran

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los hermanos de Crispian, Drake (Joe Swanberg) y Felix (Nicholas Tucci), así como su hermana Aimee (Amy Seimetz); Kelly (Margaret Laney), Zee (Wendy Glenn) y Tariq (Ti West) completa lista de comensales que, durante la hora de la cena, tendrán que hacer frente a los asaltantes cubiertos con máscaras de animales (y armados con hachas, machetes y ballestas) que irrumpen en el lugar y comienzan con los sangrientos asesinatos. Familia e invitados se ven atrincherados en su propia casa y parece no haber escapatoria, pero Erin cuenta con un secreto y oscuro pasado que la ha convertido en una mujer fuerte, difícil de matar e incluso, tal vez, en una asesina más talentosa que los propios enmascarados. Cabe señalar que el filme dirigido por Adam Wingard (quien ha participado también como director en las segmentadas V/H/S y The ABCs of Death) ha generado buenos comentarios sobre la correcta mezcla de terror y ciertos toques de comedia que lo hacen bastante disfrutable; también se han recalcado las ingeniosas muertes (eso habrá que agradecérselo al guionista Simon Barrett) de las que se han hecho uso en la cinta y que, dicen, algunas son dignas de quedar en los anales de la historia cinematográfica. Y así, con tantas buenas referencias, no tenemos otra opción que esperar su estreno en México para constatar por nosotros mismos si tantos buenos comentarios tienen real sustento o si se trata de meras palabrerías para inflar a una cinta que en realidad se perderá entre otras muy mediocres cintas que han explorado este subgénero cinematográfico (si pensaron en The Strangers con Liv Tyler y Scott Speedman, no me hago responsable).

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Pablo Kramsky, escritor de nota roja es víctima de un robo a su casa habitación. Un compañero de trabajo le ofrece un arma, esto lo lleva a cometer un crimen, mata a una persona porque se siente en peligro. Kramsky no es brillante en su trabajo, pero una nota sobre un posible vigilante que hace justicia por su propia mano le otorga reconocimiento laboral y admiración por parte de sus compañeros. De esta manera, Kramsky repite la fórmula cometiendo crímenes y redactándolos, creando así un personaje, un héroe nacional que combate el crimen.

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Del mundo arriba de ‘Cars’ llega planeando ‘Aviones’ de Disney, la nueva comedia animada de aventuras y acción en 3D protagonizada por Dusty, un avión que sueña con competir como corredor de alto vuelo. Pero Dusty no fue precisamente construido para competir y, además, le teme a las alturas. Así es como recurre a un experimentado aviador naval, que lo ayuda a calificar para enfrentarse al campeón defensor del circuito de carreras. Dusty deberá demostrar todo su valor para llegar a alturas inimaginables, y le concederá al mundo la inspiración necesaria para volar.

Billy y Nick son vendedores cuyas carreras han venido a menos con el advenimiento del mundo digital. En un intento por probar que no son obsoletos, desafían las probabilidades cuando apelan a sus habilidades verbales para obtener una codiciada pasantía en Google, al lado de un brillante batallón de estudiantes universitarios. Pero, ser aceptados a esta utopía, es sólo la mitad de la batalla. Ahora, deberán competir contra un selecto grupo de genios expertos en tecnología del país para demostrar que la necesidad es la madre de la reinvención.

Después de varios años de lucha contra Majin Buu, otra crisis está a punto de ocurrir en el pacifico planeta Tierra. Mientras hay un Dios que crea las estrellas, también existe uno que las destruye. Bills, el Dios de la destrucción ha despertado y está en busca de Goku luego de enterarse que destruyó a Frieza, pensando que por fin encontrará al Dios guerrero que ha estado buscando. ¿Podrán Goku y Vegeta evitar la destrucción de la Tierra a manos de Bills? La historia del combate está a punto de cambiar.

En lo más profundo de los montes Apalaches, un solitario ex veterano del ejército americano (Robert de Niro) y un turista europeo (John Travolta) establecen una inusual amistad. Pero cuando las verdaderas intenciones del turista salen a la luz, una tensa batalla se comenzará a librar, probando el conocido dicho: la forma más pura de guerra es uno a uno.

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Beth y Francis salen de vacaciones antes del nacimiento de su hijo. Francis insiste en aventurarse a una isla serena, a lo que Beth asiente de manera titubeante, no obstante se trasladan a una hermosa isla, pero se dan cuenta de que se encuentra misteriosamente abandonada donde sus únicos habitantes son niños. Beth y Francis tratan de descubrir los misteriosos desaparecimientos, por lo que los días en el paraíso se convierten en una lucha desesperada por sobrevivir.

Valentín es un hombre sin raíces ni compromisos. Una olvidada conquista, Julie, lo visita con una noticia de carne y hueso, una bebé de un año llamada Maggie. Julie desaparece dejándolo con su "paternidad no deseada". Pasan 7 años y Maggie tiene una entrañable relación con su padre. Pero Julie reaparece, dispuesta a recuperar a su hija. Todos los esfuerzos que Valentín hizo para deshacerse de ella no son nada, comparados con los que hará por conservarla.

Nick Walker y Roy Pulsipher son dos policías especiales. Nick acaba de morir, pero es llamado para trabajar con Roy, un agente que murió hace cientos de años. Ambos forman parte del “Rest In Peace Department”, que se encarga de perseguir a los demonios que habitan en el mundo de los vivos y de mandarlos al infierno. A Nick le cuesta hacerse a la idea de su condición de muerto, y no acepta estar alejado de su esposa, a la que envía reiteradas señales para que perciba su presencia. Al menos, gracias a su empleo post mortem, el joven agente intentará averiguar la identidad de su asesino.

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En ‘La Caída de la Casa Blanca’, el policía del Capitolio, John Cale (Channing Tatum) acaba de ser rechazado del trabajo de sus sueños en el Servicio Secreto, que consiste en proteger al Presidente James Sawyer (Jamie Foxx). Para no decepcionar a su pequeña hija con la noticia, la lleva a un recorrido por la Casa Blanca, cuando el complejo es secuestrado por un grupo

Todo comienza cuando el abuelo Yólotl desaparece. Matías, Claudio, Pato, Katy y el fiel perro Duke descubrirán señales que los conducirán hacia una gran aventura, donde enfrentarán creaturas inimaginables, asombrosos personajes de una antigua civilización y un par de rufianes cazadores de tesoros. La promesa de su abuelo será la fuerza que guiará a estos héroes, dispuestos a todo, con tal de mantenerse siempre juntos y descubrir el Secreto del Medallón de Jade.

Mica es un chico perfectamente normal. Si no fuera porque vive en la casa museo de Guillermo Garibai, vieja gloria de la canción mexicana. Y porque huele a pescado. Por eso no es de extrañar que las chicas sean para Mica habitantes de un planeta muy lejano al que le resulta imposible viajar. Hasta que un día, Laura aparece en su vida.

David Clark es un traficante de marihuana de poca monta cuya clientela incluye chefs y madres de familia, pero no niños (pues después de todo, tiene escrúpulos). Siendo así, ¿qué puede salir mal? Mucho. Prefiriendo mantener un perfil bajo por obvias razones, David aprende a la fuerza que no hay buena obra que quede impune. Al intentar ayudar a unos adolescentes de su vecindario termina siendo abordado por un trío de punks que le roban sus provisiones de marihuana y su dinero, dejándolo en deuda con su proveedor, Brad. Para poder borrar su pasado (y mantener un buen estado de salud), David deberá convertirse en un verdadero traficante de drogas y traer de México la más reciente carga de Brad. Convence a sus vecinos, la cínica stripper Rose, el potencial cliente Kenny, y la adolescente que lo ha aprendido todo en la calle Casey y elabora un plan a prueba de tontos. Con una esposa falsa, dos supuestos hijos y una enorme y brillante casa rodante, los “Miller” se dirigen hacia el sur de la frontera para pasar un fin de semana del 4 de julio que seguramente terminará de forma explosiva.

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Rara vez una película de este género me llama tanto la atención, la última vez fue con 'Drag Me to Hell', nuevamente ocurre con esta película del conocido Wan, quien dirigió la que para mi es la única buena película de la enorme saga, hablo de 'Saw' (2004). En esa película, logra mantener los matices de suspenso y tensión, tales que hacen de esa primera entrega una película única, con tintes psicológicos muy fuertes. La familia Perron se muda a su nueva casa ubicada en medio del bosque sin saber lo que se encontrarán ahí. Poco a poco, se suscitan hechos de tipo 'paranormal' que al inicio le restan importancia, pero con el paso de los días van tomando mayor seriedad y logran poner en alerta a la familia. La Sra. Perron escucha de la famosa pareja Warren, un matrimonio dedicado a la investigación paranormal, quienes aceptan a ayudarla a explicar lo que ocurre en esa casa.

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‘The Conjuring' cuenta con elementos pocas veces vistos en nuestros días; cuenta con una excelente fotografía que ayuda a crear los ambientes de suspenso necesarios, que permiten al espectador profundizar en la historia. Además, cuenta con un guión bastante bueno, ya que el director y su guionista van más allá del simple susto, ya que ese no es su objetivo principal. Las actuaciones son excelentes destacando a Lily Taylor, Vera Farmiga y Patrick Wilson (en lo personal, me fascinaron las primeras dos, ambas dan muy buenas actuaciones y son cruciales en la trama). Los puntos técnicos ayudan a complementar a ésta, que para mi, es un clásico inmediato del género (a todos los que les fascina el género, la amarán); el sonido, el montaje, los efectos visuales están excelentes, éstos últimos haciendo homenajes a cintas del TERROR CLÁSICO como The Birds (suspenso), The Exorcist, The Changeling, Poltergeist y The Amityville Horror; lo que le da más puntos a su favor, pues rescata a la vieja escuela de terror y la aterriza a nuestros días. GENIAL PELÍCULA (y de mis favoritas del año).

Cuatro magos son reclutados por un misterioso personaje para crear el grupo denominado 'Los Cuatro Jinetes', quienes se dedican a realizar robos a grandes bancos mientras realizan sus espectáculos y finalizando con el reparto del dinero sustraído entre el público asistente a sus asombrosos shows. Un agente especial del FBI es asignado al caso y se obsesiona con la captura de los cuatro 'mágicos' delincuentes. Bajo esta sencilla premisa, Louis Leterrier entrega una cinta pretenciosa en la que, como bien reza el subtítulo del filme, nada es lo que parece. El director reúne a un elenco verdaderamente envidiable (Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Isla Fisher, Dave Franco, Mark Ruffalo, Mélanie Laurent, Michael Caine y Morgan Freeman) y los somete a una serie de sucesos que no resultan desconcertantes y/o atractivos sino más que inverosímiles. Es como una especie de Ocean's Eleven pero con la única (y gran) diferencia de ser manejada por Leterrier y no por Soderbergh. La falta de coherencia en esta historia de magos/ilusionistas/prestidigitadores/psíquicos hace que la conexión con el público se esfume y los personajes parezcan más caricaturas que personas de carne y hueso con verdaderas motivaciones. Y ya que hablamos de los personajes, Jesse Einsenberg realmente decepciona al volver a interpretarse a sí mismo por enésima vez, Woody Harrelson tiene un par de momentos brillantes pero, al igual que Eisenberg, vuelve a encarnar a un personaje que podría ser él mismo; Isla Fisher y Dave Franco (los otra mitad de 'Los Cuatro Jinetes') son meros adornos en la trama, sus personajes no destacan, como tampoco lo hacen Michael Caine o Morgan Freeman, ambos totalmente desaprovechados. Quizá los que tengan un poco más de atractivo sean Mélanie Laurent y Mark Ruffalo, como la pareja de agentes que siguen la pista a los estafadores/ilusionistas mientras luchan también con la tensión sexuak que en ellos existe. Se recomienda el visionado de Los Ilusionistas para todas aquellas personas que no hayan alcanzado boletos para ver algún blockbuster de la temporada; nada más.

Muchas veces me he preguntado ¿qué es el amor? Una pregunta muy interesante sin duda alguna y sé que todo mundo tiene su idea o concepto, pero resulta curioso escucharlo de quienes me rodean a diario como mi familia, mis amigos, mis compañeros y profesores, diversas opiniones y puntos de vista, que sin duda hacen reflexionar a cualquiera, 'Mud’ es un ejemplo de ello. Muy temprano en la mañana un par de jóvenes amigos -Ellis y Neck- salen en un bote rumbo a una Isla, donde saben que hay un bote atrapado entre los árboles, y como si fuera una aventura quieren ir a conocerlo y por qué no, hacerlo su sitio de reunión. Lo que no saben es que ahí habita 'Mud', un tipo sereno y carismático que los involucrará en los problemas que acechan su vida y su mente. Hace un par de años Jeff Nichols me dejó impactado y con la boca abierta cuando vi Take Shelter, una cinta que me resulta difícil catalogarla, pues así como me gustó me dejó con muchas dudas (eso si, muy recomendable cinta); es por lo que con este proyecto atrajo mi atención de manera inmediata. El resultado es otro gran acierto de este joven director (y también guionista de sus películas), y que 'pinta' para ser de los mejores. La dirección es fenomenal y se nota que es algo nato (de corazón) y que el director sabe lo que hace; para ser una película independiente, los trabajos de fotografía están excelentes; la historia está muy bien planteada, el director se toma el tiempo para presentarla; Matthew McConaughey da su mejor interpretación hasta el momento (muestra la entrega total hacía su 'amor'), Tye Sheridan se lleva los mejores momentos sin duda alguna, y el resto está bien y ayuda a complementar la historia principal. Para mi hay dos valores principales: la paternidad y el amor, dentro de este último la confianza y sinceridad que hay que guardar con el resto; un film que sin duda los hará reflexionar sobre el mundo de 'los adultos'. MUY BUENA (y de lo mejor del año).

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na escena toma súbitamente la pantalla: la policía irrumpe en un hermoso apartamento parisino para descubrir, en la cama de la habitación principal, el cuerpo sin vida de una anciana con la cabeza rodeada de flores. La imagen parece sacada de un ritual ceremonioso en la que los intrusos llevan puestas máscaras antigases para protegerse de algo tóxico que está en el ambiente; puertas y ventanas de la habitación están completamente selladas por una resistente cinta adhesiva que impide al cuerpo policial dejar correr el aire que ha estado encerrado por, lo que suponemos, han sido ya varias semanas. Otra escena conquista la pantalla de manera inadvertida: la palabra 'Amour' llena nuestro campo visual anunciando el comienzo del film que prosigue con un profundo flashback mostrándonos los últimos meses de la finada mujer, la historia, ahora sí, comienza por presentarnos a la pareja de ancianos Georges y Anne, quienes sentados en la cuarta fila de la sala de un teatro se deleitan con su asistencia a un concierto de piano; tras esta primera secuencia, en la que no vemos nada más excepto al público asistente al recital, todas las escenas se desarrollan en el apartamento de la pareja. Cuando regresan a casa esa noche, descubren que alguien ha irrumpido en su hogar, pues la chapa de la puerta ha sido violada; en el hogar no falta nada, todo está donde debe estar, pero sin duda hay algo nuevo que reside ahí desde ese momento, algo invisible y frío. A la mañana siguiente, después que Anne le ha servido un huevo cocido a su esposo, esta se queda congelada, no responde, no reacciona ante estimulo alguno, pa-

san algunos minutos para que ella 'despierte' de nuevo pero sin memoria alguna de lo que sucedió, y lo que Georges piensa que es una broma, en realidad ha sido una especie de ataque que le deja parcialmente paralizado su lado derecho, por lo que ahora debe recibir cuidados especiales como ser transportada en una silla de ruedas o ser atendida en su cama. Anne y Georges intentan continuar con sus vidas normales, o al menos tanto como su nueva condición se los permite; pero el estado de Anne se deteriora rápidamente , su voz ya no es entendible, su concentración se desvanece, tiene alucinaciones, se niega a comer, escupe los bocados que tiernamente le ofrece Georges, quien ante sus ojos ve cómo su esposa va perdiendo la posibilidad de una vida digna, mientras la imagina nuevamente saludable, tocando el piano o preguntándole dónde está el álbum de fotos. Amour es un devastador tratado sobre la vida y la muerte que tiene como pilares a los actores Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, quienes con sus sutiles interpretaciones sostienen toda la carga dramática y metafórica del film de Micheal Haneke, quien nos ofrece un recorrido por el laberinto mental del ser humano en el que el Amor es lo único que puede salvarnos de la vida cuando a ésta ya no podemos llamarla así. Amour, es una introspección al alma, ese único elemento único que no ha sido trastocado por el extraño invasor que no te ha dejado más opción que seguir tus instintos; es una exploración a las emociones de impotencia y desesperación ante la lenta y dolorosa partida de quien alguna vez fue el compañero de tu vida. www.facebook.com/celuloidedigital

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uardamos secretos de nosotros mismos, y a eso le llamamos 'olvidar'", dice la enigmática hipnoterapueta Elizabeth Lamb (Rosario Dawson) en la nueva película de Danny Boyle, Trance, filme que nos narra la historia de Simon Newton (James McAvoy), un subastador que ha hecho un trato con un grupo de criminales (comandados por Franck -interpretado por Vincent Cassel-) para robarse el 'Vuelo de Brujas', una costosa pintura de Goya durante la subasta en la que se ofrecía al mejor postor. El robo no implica mayor problema: los criminales entran, toman el cuadro (no sin antes haber dejado inconsciente a Simon tras golpearlo en la cabeza) y se van; el problema surge cuando se dan cuenta que su cómplice subastador, previamente ha escondido la pintura y sólo les ha dejado el marco vacío que antes resguardaba la obra; además, debido a la contusión del golpe, Simon ha olvidado dónde ha dejado la pintura. Es entonces cuando acuden con la especialista antes mencionada, para eliminar en el subastador la amnesia causada por la contusión y descubrir donde se encuentra la codiciada obra. A partir de este punto, los recuerdos y las fantasías se van intercalando en la pantalla, y a medida que Simon recorre el camino de su subconsciente, el espectador se encuentra cada vez más confundido pero atento al devenir de la historia.

Y así, mientras la trama se resuelve trepidantemente hacia el tercer acto del filme -y a ritmo techno con el score de Rick Smith o con canciones de Moby, Kristy McGee y Unkle-, Danny Boyle nos habla, entre otras cosas, de la facilidad con la que se puede manipular la mente humana y de su fragilidad ante las experiencias cotidianas (el amor, las traiciones, los celos, etc.); que lo que somos, es la suma de todo lo que hemos pensado, sentido, dicho y hecho; que posiblemente el ser humano se pueda reinventar a sí mismo si se conquistan/ modifican/eliminan sus recuerdos, así como lo hicieron alguna vez Joel Barish (Jim Carrey) y Clementine Kruczynski (Kate Winslet) en la clínica Lacuna Inc. del filme de Michel Gondry Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos (Eternal Sunshine of the Spotless Mind; 2004). Porque como se dice en el documental Nuestra Belleza (Dir. Leonardo Martins; 2013): 'para ser feliz hay que tener muy mala memoria' (para mayor referencia de este interesante documental, dirigirse a nuestra sección OUT en esta misma edición); porque a veces la felicidad la podemos encontrar olvidando a alguien, pero también la podemos encontrar cuando alguien más nos olvida a nosotros. Y también porque, al final, la decisión es nuestra: ¿Queremos recordar... O queremos olvidar?

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http://www.hbomax.tv/cinemax/programacion.aspx