Age d'or 10 2014 by CINEMATEK

E G R Â ’ L ’O D FESTIVAL

08.10 > 14.10 / CINEMATEK

L’ÂGE D’OR PRIZE

INTRODUCTION TO…

Birgit Hein / Gustav Deutsch / John Smith / Christoph Girardet & Matthias Müller / Friedl vom Gröller / Robert Todd

GREGORY J. MARKOPOULOS 37 ITALIA AVANGUARDIA (1964-1975) 44 Carmelo Bene / Paolo Gioli / Mario Schifano / Luca Patella / Alberto Grifi & Massimo Sarchielli

ETHNOGRAPHIC POEMS

HOMAGE

Raymonde Carasco / Robert Gardner

Stephen Dwoskin / Adolfas Mekas

EDITO FR

Ça y est ! CINEMATEK propose enfin – selon une formule radicalement repensée – le retour promis de L’Âge d’or, la manifestation imaginée par Jacques Ledoux pour soutenir les films poétiques et subversifs, qui, en écho au film de Buñuel de 1930, rompaient à la fois avec les conformismes du cinéma et ceux de la société. Et le Prix de L’Âge d’or mute une fois de plus, pour s’adapter au paysage cinématographique qui l’entoure : il devient un festival doté d’une programmation riche et audacieuse qui ne manquera pas de vous étonner ! Détaché des Cinédécouvertes, L’Âge d’or renoue avec l’esprit de recherche et d’audace d’une autre manifestation phare de l’histoire de la Cinémathèque royale : le festival EXPRMNTL, au sein duquel les premiers Prix de L’Âge d’or avaient d’ailleurs été décernés. Vingt-trois films récents et jamais montrés à Bruxelles – sans distinction de durée (trois minutes ou trois heures), de technique ou de format (pellicule ou vidéo) – participent à la compétition (€ 5.000). Par ailleurs, le festival recevra la visite d’invités tels que Birgit Hein (Présidente du Jury), Gustav Deutsch (pour son dernier film Shirley, sa trilogie fondatrice Film ist. et une masterclass) ou encore Mark Webber (qui vient de compiler les écrits de Gregory Markopoulos), mais aussi Friedl vom Gröller, Matthias Müller, Christoph Girardet, Robert Todd et John Smith… Sans oublier une sélection de films plus anciens à redécouvrir en belles copies (Markopoulos mais aussi l’avant-garde italienne, un double volet de « poèmes ethnographiques » ou encore la restauration d’un western décalé signé Adolfas Mekas). Le « nouvel Âge d’or » propose un espace où les frontières cinématographiques (entre le cinéma expérimental, les fictions décalées, les documentaires singuliers) sont enjambées et court-circuitées plutôt qu’acceptées et soulignées. Un festival de cinéma qui vibre par la foi qu’il a dans l’aura des images, dans la puissance de leur montage ou dans la juste durée de leurs plans, dans la force du son… ou du silence. Un festival d’expériences cinématographiques. Pour les cinéastes et pour le public. 1

NL Het is zover! CINEMATEK pakt eindelijk uit met de beloofde terugkeer van L’Âge d’or, indertijd bedacht door Jacques Ledoux om poëtische en subversieve films te ondersteunen die breken met filmisch en maatschappelijk conformisme, net zoals Buñuels gelijknamige film uit 1930. L’Âge d’or muteert nogmaals, past zich aan aan het hedendaags filmlandschap en wordt een heus festival met een rijke en gedurfde programmatie! Ontkoppeld van Filmvondsten sluit L’Âge d’or terug aan bij het avontuur, de durf en de drang naar vernieuwing van dat andere sleutelevenement uit de geschiedenis van het filmarchief: EXPRMNTL. Het was overigens tijdens dat festival van de experimentele film dat de eerste L’Âge d’or prijzen werden uitgereikt. Drieëntwintig recente films, niet eerder in Brussel vertoond, nemen deel aan L’Âge d’or prijs (€ 5.000). Hierbij maakten we geen onderscheid naar duur (drie minuten of drie uur), noch naar techniek of formaat (pellicule of video). Onder de gasten vinden we Birgit Hein (die de jury zal voorzitten), Gustav Deutsch (voor zijn laatste film Shirley, zijn trilogie Film ist. en een master class), en Mark Webber (die net de geschriften van Gregory Markopoulos bundelde), maar ook Friedl vom Gröller, Matthias Müller, Christoph Girardet, Robert Todd en John Smith… En natuurlijk een selectie oudere films te herontdekken op mooie prints (van Markopoulos, over Italiaanse avantgarde en een dubbelluik etnographische gedichten, naar de restauratie van een alternatieve western van de hand van Adolfas Mekas, enz.). L’Âge d’or “nieuwe formule” wil een plaats zijn waar de cinematografische grenzen – tussen experimentele film, alternatieve fictie, ideosyncratische documentaires – worden genegeerd of weggewerkt eerder dan aanvaard en onderlijnd. Een filmfestival dat leeft van zijn geloof in het aura van de beelden, in het vermogen van de montage, in de juiste lengte van de opnamen, in de kracht van de klankband... of de stilte. Een festival van filmervaringen. Voor de filmmakers en voor het publiek.

EN Bingo! CINEMATEK is finally offering – in a radically different formula – the return of L’Âge d’or, an event conceived by Jacques Ledoux to support poetic and subversive films, which, echoing the 1930 film by Buñuel, broke both with the conformism of cinema and society. And, the Âge d’or Prize changes again: a festival with a rich and bold programme that will certainly amaze you! Now detached from Cinédécouvertes, L’Âge d’or revives the spirit of research and audacity of another landmark event in the history of the Cinémathèque: the EXPRMNTL festival, where the first L’Âge d’or Prize was awarded. Twenty-three recent films, never shown before in Brussels – irrespective of time (three minutes or three hours), technique or format (film or video) – compete for the award (€ 5.000). In addition, the festival will welcome guests such as Birgit Hein (President of the Jury), Gustav Deutsch (for his latest film Shirley, his Film ist. trilogy and a masterclass) and also Mark Webber (who recently compiled the written works of Gregory Markopoulos), but also Friedl vom Gröller, Matthias Müller and Christoph Girardet, Robert Todd and John Smith... Not forgetting a selection of classic works to rediscover on new prints (Markopoulos as well as the Italian avant-garde, a double selection of “ethnographic poems” as well as the restoration of an offbeat western by Adolfas Mekas). The “new L’Âge d’or” offers a space where the film borders (between experimental cinema, offbeat fiction, and singular documentaries) are bridged and by-passed rather than accepted and underlined. A film festival that vibrates through trust in the aura of images, in the power of editing, the force of sound… or of silence. A festival of cinematic experiences. For filmmakers and the audience.

E G R Â ’ L ’O D PRIZE 3

FILMS IN COMPETITION 2012

Listening to the Space in my Room

Makino Takashi, Japan 2013 – 30’

Robert Beavers, Switzerland-GermanyUSA 2013 – 19’

Aquele Cara (That Guy) Dellani Lima, Brazil 2013 – 19’

Metamorfoza

A Study in Natural Magic

Martha Colburn, Netherlands 2014 – 7’

Charlotte Pryce, USA 2013 – 3’

Other States

A Third Version of the Imaginary

Paul Clipson, USA 2013 – 8’

Benjamin Tiven, USA-Kenya 2012 – 12’

Pays barbare (Barbaric Land)

Cut

Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi, France 2013 – 65’

Christoph Girardet & Matthias Müller, Germany 2013 – 13’

Dad’s Stick John Smith, UK 2012 – 5’

E agora ? Lembra-me (What Now? Remind Me)

Poetry for Sale Friedl vom Gröller, Austria 2013 – 4’

El Quilpo sueña cataratas (The Quilpo Dreams Waterfall) Pablo Mazzolo, Argentina 2012 – 9’

Joachim Pinto, Portugal 2013 – 164’

The Room Called Heaven

Echo From my Room

Laida Lertxundi, USA 2012 – 11’

Ted Kennedy, USA 2012 – 3’

Spans Robert Todd, USA 2013 – 14’

I am Micro Shai Heredia & Shumona Goel, India 2012 – 15’

Tiens moi droite Zoé Chantre, France 2012 – 65’

Jackson - Marker 4AM

Les Tourmentes (The Storms)

Ruth Beckermann, Austria 2012 – 3’

Pierre-Yves Vandeweerd, France 2013 – 90’

Let Us Persevere in What we Have Resolved Before we Forget

Trollsländor med Fåglar och Orm (Dragonflies with Birds and Snake)

Ben Russell, USA-France 2013 – 20’

Wolfgang Lehmann, SwedenGermany 2012 – 60’

Vis à vis Abigail Child, USA 2013 – 25’ 4

JURY Birgit Hein Présidente du jury - Voorzitster van de jury - President of the jury FR

Marquée par les films vus en 1967 au festival EXPRMNTL 4 de Knokke, Birgit Hein n’a pas simplement tourné ses propres films, elle a aussi beaucoup accompagné et défendu ceux des autres : en projetant des films expérimentaux au sein de la structure XSCREEN ou de la Documenta 6 (en 1977), par son livre Film im Underground (1971) puis en tant qu’enseignante à la Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (1990-2007). Ce sont toutes ces facettes de praticienne et de théoricienne que Birgit Hein mettra à l’œuvre en tant que présidente de cette nouvelle formule du Prix de L’Âge d’or.

NL Erg onder de indruk van de films die ze in 1967 op het EXPRMNTL 4 Festival in Knokke zag, maakte Birgit Hein niet alleen haar eigen films. Ze heeft ook heel vaak het werk van anderen begeleid en verdedigd: door experimentele films te tonen in de tentoonstellingsruimte XSCREEN of op de zesde Documenta (1977), via haar boek Film im Underground (1971) en daarna ook als docent aan de Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (1990-2007). Al deze kwaliteiten als kunstenares en als theoretica maken haar de ideale voorzitster van deze nieuwe formule van de L’Âge d’or Prijs.

EN Influenced by the films shown in 1967 at the EXPRMNTL 4 Festival in Knokke, Birgit Hein has not only made her own films, but also accompanied and defended other people’s work by projecting experimental films within the XSCREEN structure or during Documenta 6 (1977), through her book Film im Underground (1971) and subsequently as a teacher at the Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (1990-2007). Her experiences as both filmmaker and theoretician make Birgit Heim an ideal president for this new formula of L’Âge d’or Prize.

Guy-Marc Hinant FR

Guy-Marc Hinant est cinéaste, auteur et fondateur (avec Frédéric Walheer) de la maison de production Sub Rosa (plus de 400 disques depuis 1985 dont William Burroughs, Ira Cohen, les Master Musicians of Jajouka ou les sept précieux volumes de l’Anthology of Noise and Electronic Music). Avec Dominique Lohlé, il a trouvé une série de dispositifs originaux pour faire parler « en cinéma » une petite vingtaine de musiciens (Luc Ferrari, David Toop, Charlemagne Palestine, etc.) au sein du projet de l’Observatoire des musiques électroniques (OME). Il a aussi écrit Les Hommes-Loups avec Dominique Goblet et travaille actuellement sur deux films : Birobidjan en solo et Rage avec Dominique Lohlé. NL Guy-Marc Hinant is filmmaker, auteur en (samen met Frédéric Walheer) oprichter van het platenlabel Sub Rosa (meer dan 400 platen sinds 1985, waaronder William Burroughs, Ira Cohen, de Master Musicians of Jajouka en zeven precieuze volumes van de Anthology of Noise and Electronic Music). Met Dominique Lohlé vond hij een aantal originele manieren om een

twintigtal muzikanten (Luc Ferrari, David Toop, Charlemagne Palestine, etc.) “filmisch” te doen spreken in het kader van hun OME project, l’Observatoire des musiques électroniques. Hij schreef Les Hommes-Loups met Dominique Goblet en werkt momenteel aan twee films: Birobidjan en Rage. EN Guy-Marc Hinant is filmmaker, author and co-founder (with Frédéric Walheer) of production company Sub Rosa (over 400 records published since 1985 including William Burroughs, Ira Cohen, The Master Musicians of Jajouka or the seven precious volumes of the Anthology of Noise and Electronic Music). With Dominique Lohlé he set up a series of original devices to “cinematically” capture what twenty musicians (Luc Ferrari, David Toop, Charlemagne Palestine, etc.) had to say about their craft within the heart of the project of the Observatory of electronic music (OME). He also wrote Les Hommes-Loups with Dominique Goblet and is currently working on two films: Birobidzhan in solo and Rage again with Dominique Lohlé.

Stoffel Debuysere FR

Stoffel Debuysere est l’un des programmateurs pour Courtisane, collectif basé à Gand, qui organise chaque année le festival du même nom. Il enseigne le cinéma (Critical Film Studies) au KASK à Gand. Pour le moment, il est pleinement engagé dans un projet de recherche intitulé « Figures of Dissent (Cinema of Politics, Politics of Cinema » (KASK/HoGent).

NL Stoffel Debuysere is programmator bij het Gentse collectief Courtisane dat elk jaar het gelijknamige festival organiseert. Hij geeft les over film (Critical Film Studies) aan het KASK in Gent. Momenteel werkt hij aan het onderzoeksproject “Figures of Dissent (Cinema of Politics, Politics of Cinema)” (KASK/HoGent).

EN Stoffel Debuysere is one of the programmers for Courtisane, a collective based in Ghent, which organizes the annual festival of the same name. He teaches film (“Critical Film Studies”) at the KASK in Ghent. Presently, he is fully engaged in a research project entitled “Figures of Dissent (Cinema of Politics, Politics of Cinema)” (KASK / HoGent).

JEU/DON/THU

09.10/16:00 LEDOUX

Let Us Persevere

Let Us Persevere in What we Have Resolved Before we Forget Ben Russell, USA-France 2013 / color, 20’, DCP, sub : ENG / in competition

Atlantis Ben Russell, USA 2014 / color, 24’, DCP, sub : ENG FR

Entre l’archipel mélanésien de Vanuatu et l’île de Malte, au mieux de sa forme Ben Russell continue à faire grincer les dents des puristes et à brouiller allègrement les pistes entre les genres, entre le documentaire, le film ethnographique, la fiction et la mythologie, à oser le voisinage entre chansons traditionnelles acoustiques et musique électro pour le dance floor. Ou, par des moyens optiques ou sonores simples, artisanaux, à estomper les limites entre la terre et la mer ou entre le sol et le ciel. À tourner des prophéties d’aujourd’hui, en écho aux forces les plus telluriques de notre planète.

NL Tussen de Melanesische eilandengroep Vanuatu en Malta doet Ben Russell, in topvorm, puristen opnieuw tandenknarsen door weer vrolijk de grenzen te vervagen tussen genres, tussen documentaire en etnografische film, tussen fictie en mythologie en door traditionele akoestische nummers naast electronische dansmuziek te plaatsen. Of door de grenzen tussen land en zee of hemel en aarde in elkaar te laten overvloeien middels eenvoudige, ambachtelijke optische en akoestische middelen. Door profetiëen van vandaag te filmen waarin de meest aardse krachten van onze planeet weerklinken.

EN Between the Melanesian archipelago Vanuatu and Malta, Ben Russell at his very best continues to make formalists cringe and merrily blurs the lines between genres: between documentary, ethnographic film, fiction and mythology, with simple optical and audio techniques, the boundaries between land and sea and between ground and sky. These modern prophecies, echo the most telluric forces of our planet.

JEU/DON/THU

09.10/17:00 LEDOUX

Other States

El Quilpo sueña cataratas The Quilpo Dreams Waterfall Pablo Mazzolo, Argentina 2012 / color, 9’, DCP, v : music / in competition

Other States Paul Clipson, USA 2013 / color, 8’, DCP, v : music / in competition

Ghost of OT301 Makino Takashi, Japan 2014 / color, 9’, DCP, v : music

2012 (3D) Makino Takashi, Japan 2012 / color, 30’, DCP, v : music / in competition FR

Trois cinéastes stimulant nos rétines d’un flux d’images (Super 8 et 16mm) nous faisant passer dans d’autres états mentaux. Un jeune cinéaste argentin tourne un film-torrent dont la forme et la force font écho au sujet (la rivière Quilpo : ses rapides et les rêves que lui attribuent les Indiens Comechingón). Paul Clipson filme les éclats de lumière et les bouts de corps, accompagne leurs mouvements et en souligne le lyrisme hypnotique. En magicien de la matière, Makino Takashi propose des textures abstraites presque palpables, qui prennent de l’épaisseur et dans les rayures desquelles s’engouffrent nos pensées et notre imaginaire. NL Drie filmmakers prikkelen ons netvlies met een vloed aan beelden (Super 8 en 16mm) die ons naar andere mentale toestanden voert. Een jonge Argentijnse filmmaker maakt een filmstroom waarvan de vorm en de kracht het onderwerp onderstrepen (de stroomversnellingen van de rivier Quilpo en de dromen die de Comechingón Indianen haar toeschrijven). Paul Clipson filmt lichtuitbarstingen en lichaamsdelen, volgt hun bewegingen en benadrukt hun hypnotiserende lyriek. Makino Takashi, tovenaar met materie, maakt bijna tastbare abstracte texturen, lijvig en met krassen waar onze gedachten en onze verbeelding in weg kunnen zinken.

EN Three filmmakers stimulate our retinas with a stream of images (Super 8 and 16mm) taking us into different mental states. A young Argentine filmmaker makes a film-torrent whose shape and strength echo the subject (the Quilpo river: its rapids and the dreams the Comechingón Indians attribute to it). Paul Clipson films bursts of light and bits of bodies, accompanies their movements and highlights their hypnotic lyricism. As a magician of matter, Takashi Makino offers abstract textures almost tangible that increase in thickness and where scratches appear in which our thoughts and imagination can plunge.

JEU/DON/THU

09.10/22:00 LEDOUX

Textures of memory

Pays barbare / Barbaric Land Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi, France 2013 / b&w + color, 68’, DCP, v : FR, sub : ENG / in competition

A Third Version of the Imaginary Benjamin Tiven, Kenya-USA 2012 / color, 12’, DCP, v : SWAHILI, sub: ENG / in competition FR

La violence indiscutable de la déportation de 100.000 Lybiens ou des bombardements au gaz moutarde en Abyssinie mais aussi la violence, plus sourde, d’un colon lavant la tête d’une Éthiopienne aux seins nus : Gianikian et Ricci Lucchi passent au crible de leur « caméra analytique » la « normalité épouvantable » des images d’archives des campagnes africaines de Mussolini. Et les tirent vers le présent (« Chaque époque a son fascisme »). Suivi d’une réflexion sur le statut des images et sur la mémoire qui s’efface dans les archives vidéo de la Kenya Broadcasting Company. NL Het onbetwistbare geweld van de deportatie van 100.000 Libiërs of de bombardementen met mosterdgas in Abessinië, maar ook het minder luide geweld van een kolonist die het hoofd van een halfnaakte Ethiopische vrouw wast: Gianikian en Ricci Lucchi richten hun “analytische camera” op de “onthutsende normaliteit” van de archiefbeelden van Mussolini’s Afrikaanse campagnes, en leggen de link naar het heden (“elke periode heeft zijn fascisme”). Gevolgd door een reflectie op de status van beelden en het vervagende geheugen in het video-archief van de Kenya Broadcasting Company.

EN The indisputable violence of the deportation of 100,000 Libyans or the mustard gas bombings in Abyssinia, but also the more subtil violence of a colonial soldier washing the head of an topless Ethiopian woman: with their “analytical camera”, Gianikian and Ricci Lucchi sift through a montage of images from Mussolini’s African campaigns, show as their “appalling normality”, and question the present (“Every period has its fascism”). Followed by a reflection on the status of images and on fading memory in the video archive of the Kenya Broadcasting Company.

VEN/VRIJ/FRI

10.10/15:00 LEDOUX

Asphalt Flowers

Jackson - Marker 4AM Ruth Beckerman, Austria 2012 / color, 3’, HDCAM, v : music / in competition

Aquele cara That Guy Dellani Lima, Brazil 2013 / color, 19’, DCP, v : PT, sub : ENG / in competition

Poetry for Sale Friedl Vom Gröller, Austria 2013 / b&w, 4’, 16mm, v : FR, sub : — / in competition

Vis à Vis Abigail Child, USA 2013 / b&w, 25’, DCP, v : music / in competition FR

Un homme danse en robe à paillettes au milieu de la nuit et des voitures… Un écrivain public (dans un nouveau sens du terme) diffuse ses poèmes en circuit court (du producteur au consommateur) dans le métro parisien… Un ragazzo pasolinien du Brésil, raconte sa vie, courte mais déjà riche, dans des chansons crues et fulgurantes qui fonctionnent comme des accélérateurs de particules… Des filles s’embrassent de part et d’autre de cette fine séparation transparente (fenêtre, vitrine) qui sépare l’espace public (trottoir, rue) de l’espace privé.

NL In het midden van de nacht danst een man in een glitterjurk tussen auto’s... Een publieksschrijver (in een nieuwe betekenis van het woord) verspreidt zijn gedichten in kleine kring rechtstreeks van producent naar consument in de metro van Parijs... Een Pasoliniaanse ragazzo uit Brazilië vertelt, in grove en vlammende songs die werken als deeltjesversnellers, over zijn nog korte maar nu al rijke leven... Meisjes kussen elkaar langs beide zijden van de dunne transparante barrière (venster, vitrine) die de openbare ruimte (stoep, straat) scheidt van de privéruimte.

EN A man dances in a sequined dress in the middle of the night amidst cars... A poet broadcasts his poems through the Paris Metro... A Pasolinian ragazzo from Brazil recounts his short life in crude and dazzling songs that work as particle accelerators... Girls kiss on both sides of thin transparent barriers (windows, showcases) that separate the public space (sidewalk, street) from the private space.

VEN/VRIJ/FRI

10.10/17:00 LEDOUX

Les Tourmentes

Les Tourmentes The Storms Pierre-Yves Vandeweerd , France 2013 / color, 90’, DCP, v : FR, sub : ENG / in competition FR

Dans les Cévennes, Pierre-Yves Vandeweerd a tourné, dans de superbes couleurs de roches et de brume flirtant parfois avec le noir et blanc, son film le plus sauvage, ancrant à la fois son cinéma dans le sol (la marche des bergers, des bêtes et des fous dans le paysage) et élevant sa tête là où elle part en vrille, dans les nuages. En écho à son titre (qui désigne à la fois les tempêtes et les troubles de l’âme) et aux rafales obsédantes de la musique de Richard Skelton, ce rituel païen déclame le nom des morts oubliés comme on plante les pierres d’une nécropole.

In de Cevennen draaide Pierre-Yves Vandeweerd zijn meest woeste film, waarin de prachtige kleuren van rotsen en mist af en toe flirten met zwart-wit. Hij verankert zijn film in de aarde (de weg van de herders, de beesten en de gekken in het landschap) maar richt ook het hoofd omhoog, tollend in de wolken. In navolging van de titel (die zowel naar stormen als naar zielsberoering verwijst) en van de beklijvende uitbarstingen van de muziek van Richard Skelton, reciteert dit heidense ritueel de namen van de vergeten doden zoals men de stenen van een necropolis plant.

EN In the Cévennes, Pierre-Yves Vandeweerd shot his most savage movie, in stunning colors of rocks and mist, occasionally flirting with black and white, he anchors his movie firmly in the ground (shepherds and animals walking in the landscape). Echoing the title (which refers to both nature and the troubles of the soul), with gusts of haunting music by Richard Skelton, this pagan ritual recites the names of the forgotten dead like planting stones of a necropolis.

VEN/VRIJ/FRI

10.10/21:00 LEDOUX

I Am Micro

I am Micro Shai Heredia & Shumona Goel, India 2012 / b&w, 15’, 35mm, v : ENG, sub : ENG / in competition

Om Dar-B-Dar Kamal Swaroop, India 1988 / Gopi Desai, Manish Gupta, Anita Kanwar, Adyta Lakhia / color, 101’, DCP, v : HINDI, sub : ENG FR

Entre comédie et thriller, entre science et magie, sexualité et religion, le passage à l’adolescence très fellinien du petit Om dans un village du Rajasthan. Par le raconteur d’histoires Kamal Swaroop, un ovni délirant et éclaté, ponctué de trouvailles hallucinantes, devenu film maudit, film culte – puis film restauré et redécouvert. Précédé du portrait récent, tout en retenue, en travellings millimétrés et en sentiments subtils, du cinéaste : la force de son intelligence au scalpel et son regard sans appel sur les différentes castes du cinéma en Inde (cinéma d’auteur, Bollywood, etc.).

NL Tussen komedie en thriller, wetenschap en magie, seksualiteit en religie: kleine Om maakt een erg Felliniaanse overgang naar adolescentie in een dorp in Rajasthan. Een niet te klasseren film van rasverteller Kamal Swaroop, doorspekt met verbazingwekkende vondsten. Een destijds naar de obscuriteit verbannen maar intussen herontdekte en gerestaureerde cultfilm. Voorafgegaan door een recent portret van de filmmaker toepasselijk gefilmd in uiterst nauwkeurige travelling shots en met een fijnzinnige gevoeligheid dat zijn scherpe intellect en zijn onverbiddelijke blik op de verschillende kasten van de Indiase cinema (auteursfilms, Bollywood, etc. ) belicht.

EN Between comedy and thriller, between science and magic, sexuality and religion, the Fellinilike story of the transition to adolescence of little Om, in a village in Rajasthan. A wild and ruptured filmic UFO, punctuated by amazing inventions that became a cursed film, a cult film – and, later, a restored and rediscovered film. Preceded by a recent portrait of the filmmaker, very controlled, with precise tracking shots and great subtility in wich Swaroop uses his razorsharp intellect to look at the various castes of Indian cinema (art house cinema, Bollywood, etc.).

SAM/ZAT/SAT

11.10/17:00 LEDOUX

Natural Magic

A Study in Natural Magic Charlotte Pryce, USA 2013 / color, 3’, 16mm, v : silent / in competition

Trollsländor med faglar och orm Dragonflies with Birds and Snake Wolfgang Lehmann, Sweden-Germany 2007-2012 / color, 60’, Beta Digit, v : silent / in competition FR

Deux films se privant de son et confiant – avec brio – toute leur force d’évocation à l’image et toute leur musicalité au montage. Respectant à la lettre son titre, Lehmann a monté pendant cinq ans des images animalières, trouvées ou tournées par lui. Son « libellules, oiseaux, serpents » propose une sorte de « pierre, papier, ciseaux » zoologique et cinématographique à la combinatoire hypnotique. Précédé d’une miniature d’alchimie optique au cours de laquelle cinéaste et spectateurs s’émerveillent de la transmutation de la lumière (et de l’obscurité) en matière (organique). En présence de Wolfgang Lehmann.

NL Twee geluidsloze films die al hun zeggingskracht en muzikaliteit – met brio – toevertrouwen aan de montage. In strikte overeenstemming met zijn titel, heeft Lehmann vijf jaar lang door hem gevonden of gefilmde beelden van dieren gemonteerd. Zijn “libellen, vogels, slangen” biedt een soort zoölogisch en cinematografisch “blad, steen, schaar” van hypnotiserende combinaties. Voorafgegaan door een miniatuur van optische alchemie waarin de filmmaakster en de toeschouwers versteld staan van de transmutatie van het licht (en donker) in (organisch) materiaal. In aanwezigheid van Wolfgang Lehmann.

EN Two films deprived of sound and entrusting – with gusto – their evocative force to the images and evoke musicality through the editing. Strictly in accordance with the title, Lehmann edited for five years images of animals that he either found or filmed himself. His “dragonflies, birds, snakes” are a kind of zoological and cinematographic version of “rock, paper, scissors”. A purely visual space of vibrant images. Preceded by an optical transformation miniature during which filmmaker and spectators marvel at the transmutation of light (and dark) to (organic) matter. In the presence of Wolfgang Lehmann.

SAM/ZAT/SAT

11.10/21:00 LEDOUX

E agora ?

E agora ? Lembra-me What Now ? Remind Me Joaquim Pinto , Portugal 2013 / color, 164’, DCP, v : PT, sub: ENG / in competition FR

Artisan du son aux côtés des meilleurs cinéastes européens avant de devenir, à partir de 1988, réalisateur de ses propres films, ami et complice de Monteiro, Schroeter, Kramer ou Daney, Joaquim Pinto vit avec le VIH depuis vingt ans. En octobre 2011, il commence à la fois un nouveau film et un nouveau traitement. Sensible et sensuel, intelligent et enflammé, son journal filmé est marqué par la dureté sans appel de la maladie mais aussi par l’amour (de son mari Nuno, de la nature, de leurs chiens) et un appétit insatiable de la vie.

NL Joaquim Pinto verzorgde het geluid voor de films van de beste Europese cineasten tot hij, in 1988, zelf films begon te regisseren. De vriend en handlanger van Monteiro, Schroeter, Kramer en Daney leeft ook al twintig jaar met HIV. In oktober 2011 begon hij zowel aan een nieuwe film als aan een nieuwe behandeling. Gevoelig en sensueel, intelligent en vurig: Pinto’s gefilmd dagboek toont de onbetwistbare hardheid van de ziekte, maar ook Pinto’s liefde (voor zijn man Nuno, voor de natuur, voor hun honden) en onverzadigbare honger naar het leven.

EN Former sound engineer for the best European directors before becoming a director himself in 1988. Friend of Monteiro, Schroeter, Kramer or Daney, Joaquim Pinto has lived with HIV for twenty years. In October 2011, he started both a new movie and a new treatment. Sensitive and sensual, intelligent and passionate, his film diary is marked by the toughness of the disease but also by love (his husband Nuno, nature and their dogs) and a insatiable appetite for life.

LUN/MAA/MON

13.10/19:00 LEDOUX

Songs From A Room

Echo from my Room Ted Kennedy, USA 2012 / color, 3’, DCP, v : music / in competition

66, rue Stephenson Friedl vom Gröller, Austria 2013 / b&w, 2’, 16mm, v : silent / in competition

The Room Called Heaven Laida Lertxundi, Spain-USA 2012 / color, 11’, 16mm, v : no dialog - music / in competition

Listening to the Space in my Room Robert Beavers, Switzerland-Germany-USA 2013 / color, 19’, 16mm, v : no dialog - music / in competition

La Chambre Chantal Akerman, Belgium 1972 / color, 11’, DCP, v : silent / restoration CINEMATEK FR

Souvent la musique de chambre est plus touchante que la musique symphonique. Cinq films courts, comme des chansons, ouverts sur le monde (les fenêtres, la ville, les voies de chemin de fer, les jardins, la nature) mais recentrés sur l’espace-clé de l’intimité, du ressourcement et de l’attention portée aux autres : la chambre. Quatre murs au milieu desquels on joue du piano, du violoncelle ou on écoute un vieux 45-tours… Et quand le film est muet, c’est la caméra qui danse ! En présence de Robert Beavers.

NL Kamermuziek is vaak ontroerender dan symfonische muziek. Vijf korte films, als liederen, die openstaan voor de wereld (ramen, de stad, spoorlijnen, tuinen, natuur), maar zich toespitsen op de belangrijkste ruimte voor intimiteit, herbronning en aandacht voor anderen: de kamer. Vier muren waartussen men piano of cello speelt of luistert naar een oude 45-toerenplaat ... En wanneer de film stil is, danst de camera! In aanwezigheid van Robert Beavers.

EN Chamber music is often is more touching than symphonic music. Five miniatures, short as a song can be, open to the world (windows, the city, railroad tracks, gardens, nature) but at the same time focused on the most essential space of intimacy: the rooms and private spaces. Four walls where in the middle one plays the piano, the cello or listens to an old 45 rpm record... And when the film is silent, it’s the camera that dances! In the presence of Robert Beavers.

MAR/DIN/TUE

14.10/15:00 LEDOUX

Metamorfoze me

Metamorfoza Martha Colburn, Netherlands 2014 / color, 7’, DCP, v : music / in competition

Tiens moi droite Zoé Chantre, France 2012 / color, 65’, DCP, v : FR, sub : ENG / in competition FR

Deux réalisatrices abordant la question du corps par le cinéma d’animation. Une étudiante en arts transforme avec passion et inventivité (avec l’aide discrète mais précieuse d’Alain Cavalier) un carnet de dessins en film. Ce journal de sa scoliose et des migraines ophtalmiques qui brouillent son regard est un film de corps et d’objets, de référents verticaux et de courbes en S qui ne s’y plient pas, mais aussi d’humour et d’espoir. Inspirée par la figure de Chostakovitch coincé à la fois par les nazis et les staliniens lors du siège de Leningrad en 1941, l’animatrice et collagiste Martha Colburn anime des poupées aux corps démantibulés qui finissent par s’affranchir de la pesanteur et de la peur, dans un conte noir qui finit par s’éclairer et se colorer. En présence de Zoé Chantre.

NL Twee filmmaaksters stellen vragen over lichamelijkheid door middel van animatie. Een jonge kunststudente zet haar schetsboek met passie en inventiviteit (en met de discrete maar waardevolle hulp van Alain Cavalier) om in film. Dit dagboek van haar zijdelingse ruggengraatsvergroeiing en de oogmigraine die haar zicht vertroebelt is een film vol lichamen, objecten, verticale referenties en S-curves die zich niet willen plooien, maar ook vol humor en hoop. Geïnspireerd door Sjostakovitsj, die tijdens het beleg van Leningrad in 1941 zowel door de nazi’s als door de stalinisten in het nauw gedreven werd, animeert collagemaakster en animatiefilmer Martha Colburn poppen met ontmantelde lichamen die uiteindelijk de zwaartekracht en hun angst overwinnen in een donker verhaal dat uiteindelijk licht en kleurrijk wordt. In aanwezigheid van Zoé Chantre.

EN Two woman directors address the issue of the body through animation. A young Art student transforms with passion and creativity (with discreet but valuable help from Alain Cavalier) a sketchbook into a film. This journal of her scoliosis and ophthalmic migraines that blur her sight is a film of bodies and objects, vertical references and S-curves that do not bend, but also of humor and hope. Inspired by the figure of Shostakovich trapped by both the Nazis and the Stalinists during the siege of Leningrad in 1941, filmmaker and collagist Martha Colburn animates pulled-apart dolls that eventually overcome gravity and fear in a dark tale that is illuminated and colored. In the presence of Zoé Chantre.

O N R O I T T N I UC D TO… Birgit Hein / Gustav Deutsch / John Smith / Christoph Girardet & Matthias Müller / Friedl vom Gröller / Robert Todd 17

INTRODUCTION TO…

Birgit Hein

(Berlin, 1942) FR

Cinéaste, curatrice, critique et enseignante, Birgit Hein a joué un rôle essentiel dans l’évolution du cinéma d’avant-garde européen. Amorcée avec Wilhelm Hein, qui fut longtemps son mari, son œuvre comprend de nombreux films et performances réalisés en couple. C’est la projection lors d’EXPRMNTL 4 du premier court métrage des Hein, S & W (1967), produit alors qu’ils sont encore étudiants, qui attire l’attention sur leur recherche structurelle radicale. De retour à Cologne, et dans l’enthousiasme du festival de Knokke, les Hein participent à la création de XSCREEN. Structure mythique dans l’histoire de la diffusion des cinémas différents en Europe, XSCREEN projette périodiquement du cinéma underground (le plus souvent en présence des réalisateurs) et, afin de financer l’organisation de ces séances, du cinéma pornographique (en toute illégalité). Cette double activité de réalisation et de programmation, à laquelle la provocation donne plus de visibilité, place rapidement les Hein au cœur de la scène expérimentale internationale. Deux réalisations importantes de Birgit Hein confirment cette position : la publication en 1971 du livre Film im Underground (premier ouvrage en allemand consacré au cinéma d’avant-garde), puis la direction artistique de la section cinéma de la Documenta 6 (1977) – après laquelle les Hein abandonnent la recherche abstraite pour entreprendre une tournée de performances dans des bars en Allemagne (1978) et dans des musées aux États-Unis (1979), avant de réaliser le long métrage Love Stinks (1982). Depuis la séparation de leur couple au début des années 1990, Birgit Hein a réalisé une série de films aussi justes que décapants, interrogeant avec virulence les préjugés moraux et sexuels. Par son activité d’enseignante (1990-2007), Birgit Hein a formé plusieurs générations de cinéastes indépendants en Allemagne, dont nos invités Matthias Müller et Christoph Girardet.

NL Filmmaakster, curatrice, critica en docente Birgit Hein heeft een niet te onderschatten rol gespeeld in de evolutie van de Europese avant-gardefilm. Haar oeuvre omvat vele films en performances die ze samen met haar ex-man Wilhelm Hein maakte. Het is de vertoning op EXPRMNTL 4 van hun eerste korte film , S & W (1967), gemaakt toen ze nog studeerden, die de aandacht vestigt op hun radicale structurele onderzoek. Terug in Keulen, nog vol enthousiasme over hun deelname aan het Festival van Knokke, werken ze mee aan de oprichting van XSCREEN. In deze mythische plek in de geschiedenis van alternatieve cinema in Europa wordt underground cinema (meestal in aanwezigheid van de makers) getoond en ook (in alle illegaliteit) pornofilms, om de organisatie van de underground vertoningen te financieren. Die dubbele activiteit van films maken en programmeren, die door het provocatieve aspect heel wat aandacht trekt, plaatst de Heins al snel in het hart van de internationale experimentele scène. Twee belangrijke verwezenlijkingen van Birgit Hein bevestigen die positie: de publicatie van het boek Film im Underground in 1971 (het eerste Duitse boek gewijd aan avant-garde cinema), en haar aanstelling als artistiek directeur van de afdeling film van Documenta 6 (1977). Daarna stappen de Heins af van hun abstracte onderzoek om een tournee van performances in café’s in Duitsland (1978) en musea in de Verenigde Staten (1979) te ondernemen, en om de langspeelfilm Love Stinks (1982) te draaien. Sinds hun scheiding begin jaren 1990 maakte Birgit Hein een reeks even rechtvaardige als bijtende films die op een bijzonder scherpe manier morele en seksuele vooroordelen ondervraagt. Via haar functie als leerkracht (1990-2007) heeft ze in Duitsland verschillende generaties van onafhankelijke filmmakers opgeleid, waaronder onze gasten Matthias Müller en Christoph Girardet.

EN Filmmaker, curator, critic and teacher, Birgit Hein has played a key role in the evolution of avant-garde European cinema. Partning up with Wilhelm Hein, her husband for many years, her work includes many films and performances that were carried out as a couple. It is during the projection at EXPRMNTL 4 of their first short film, S & W (1967), made while they were still students, that draws attention to their structural and radical research was noticed. Back in Cologne, and still enthusiast from the Knokke festival, the Hein couple were involved in the creation of XSCREEN. A mythical structure in the history of the distribution of alternative cinema in Europe, XSCREEN periodically projects underground cinema (most often in the presence of the filmmakers) and, in order to fund the organization of these meetings, pornographic movies (illegally). The dual activity of producing and programming, quickly positions the Hein’s at the heart of the international experimental scene. Two important achievements by Birgit Hein confirm this position: the publication in 1971 of the book Film im Underground (the first book in German dedicated to avant-garde cinema), followed by the artistic direction of the film program of Documenta 6 (1977) – after which the Hein’s abandoned abstract research to undertake a tour of performances in bars in Germany (1978), and in museums in the United States (1979), before making the feature film Love Stinks (1982). Since the couple’s separation in the early 1990s, Birgit Hein has made a series of righteous and corrosive, questioning with a particular virulence both moral and sexual prejudices. Through her teaching activities (1990-2007), Birgit Hein trained several generations of independent filmmakers in Germany, including our guests Matthias Müller and Christoph Girardet.

MER/WOE/WED

08.10/20:30 LEDOUX

Baby, I Will Make you Sweat Birgit Hein, Germany 1995 / color, 63’, 16mm, v : ENG, sub : — FR

Dans ce journal filmé aussi touchant que provocant, Birgit Hein évoque son voyage en Jamaïque en tant que touriste sexuelle. Entre introspection personnelle et description explicite (par l’image ou par la parole) des expériences intimes d’une femme de cinquante ans récemment séparée, ce film dérange par la manière dont Hein y met en jeu son corps, son âge et sa position pour poser de multiples questions sur la sexualité, la moralité et la féminité. À l’encontre de la représentation exhibitionniste à laquelle un tel sujet pourrait donner lieu, le film développe son propos dans des images au grain renforcé et à la précision estompée, portées vers l’abstraction par le refilmage en 16mm d’images originellement tournées en vidéo Hi-8. Séance présentée par Birgit Hein.

NL In dit even ontroerende als provocerende filmdagboek vertelt Birgit Hein over haar reis naar Jamaica als sekstoerist. De film schippert tussen persoonlijke introspectie en expliciete beschrijving (via woord en beeld) van de intieme ervaringen van een 50-jarige recent gescheiden vrouw en ontregelt door de manier waarop Hein haar lichaam, leeftijd en positie inzet om allerlei vragen te stellen over seksualiteit, moraal en vrouwelijkheid. In tegenstelling tot de exhibitionistische voorstelling waar een dergelijk onderwerp toe zou kunnen leiden, vertelt de film zijn verhaal aan de hand van beelden met een grove korrel en een vervaagde precisie, die door het herfilmen van Hi-8 videobeelden op 16mm neigen naar abstractie. Vertoning ingeleid door Birgit Hein.

EN In this touching and provocative film diary, Birgit Hein talks about her trip to Jamaica as a sex tourist. Between personal introspection and explicit descriptions (in images or dialogue) of the intimate experiences of a recently separated woman in her fifties, the film disturbs in the manner with wich Hein uses her body, her age and position to ask many questions about sexuality, morality and feminity. Not at all the attention-seeking representation that such a subject could result in, the film unwinds its images with enhanced grain and blurred accuracy, reaching abstraction by re-filming in 16mm the images originally filmed in Hi-8 video. Screening introduced by Birgit Hein.

VRI/VEN/FRI

10.10/20:00 PLATEAU

SAM/ZAT/SAT

11.10/18:00 PLATEAU

Die unheimliche Frauen The Frightening Women Birgit Hein, Germany 1992 / color, 63’, digital, v : ENG, sub : — FR

« Depuis le début de l’histoire, les femmes se sont montrées aussi courageuses et braves que les hommes. Elles peuvent être tout aussi brutales et criminelles et bien sûr tout aussi excitées. Ce film nous présente des femmes soldats, partisanes, gardiennes, criminelles mais aussi maternant, se soûlant, se masturbant, des femmes fortes mais aussi circoncises, victimes démembrées qui doivent payer pour la crainte que les femmes inspirent aux hommes. Des scènes tirées de documentaires anciens ou récents, mais aussi de films insignifiants, ont été montées en un collage d’images avec des séquences mises en scène par moi. Ces images sont complétées par un collage de sons et un montage réalisé à partir de citations et de mes propres textes. Il s’agit aussi de moi, de mes peurs et de la lutte contre moi-même afin d’être en mesure de vivre mes propres forces » (Birgit Hein). Séance présentée par Birgit Hein.

NL “Sinds het begin van de geschiedenis zijn vrouwen (...) even moedig en dapper geweest als mannen. Ze kunnen even brutaal en misdadig zijn en natuurlijk net zo geil. Deze film toont ons vrouwen als soldaten, partizanen, bewakers en criminelen; zwangere, dronken, masturberende en sterke vrouwen maar ook besneden en verminkte slachtoffers die moeten betalen voor de angst die vrouwen in mannen ontbinden. Scènes uit oude en recente documentaires en willekeurige films worden samen met mijn eigen geënsceneerde sequenties gemonteerd in een collage van beelden. Deze worden begeleid door een collage van geluiden en een montage van eigen citaten en teksten. Het gaat ook over mij, over mijn angsten en het bestrijden van mezelf om mijn eigen krachten te kunnen beleven.”(Birgit Hein) Vertoning ingeleid door Birgit Hein.

EN “Since the beginning of history women (...) have been as courageous and brave as men. They can be equally brutal and criminal and of course just as horny. This film shows us women as soldiers, partisans, watchmen, criminals, … as well as child-bearing, drunk, masturbating…. Strong females, but also circumcised, dismembered victims, who must pay for the fear that women cause within men. Scenes from old and recent documentaries, from trivial films and my own staged sequences are mounted to a collage of images. These are supplemented by a collage of sounds and a montage of quotes and my own texts. It’s also about me, about my fears and fighting myself to be able to live my own strengths.” (Birgit Hein) Screening introduced by Birgit Hein.

INTRODUCTION TO…

Gustav Deutsch

(Wien, 1952) FR

Le cinéaste autrichien Gustav Deutsch est un des représentants de la riche tradition viennoise du cinéma d’avant-garde. Après des études d’architecture, Deutsch réalise au début des années 1980, au sein du Medienwerkstatt Wien, des vidéos documentaires politiquement engagées. Il est ensuite un des premiers à se pencher sur le cinéma amateur avec son film Adria (1990), qui s’intéresse aux home movies tournés par des vacanciers viennois sur les côtes de la mer Adriatique. Comme ses contemporains Martin Arnold et Peter Tscherkassky – dont les cinéphiles ont appris les noms au milieu des années 1990 en même temps que le sien – Deutsch développe un travail explorant les possibilités du found footage. Articulant par la puissance du montage des images tournées par d’autres, extraites de leur contexte d’origine afin d’être réagencées par ses soins (suivant le principe d’Aby Warburg d’association des images par la forme ou le contenu), Deutsch construit des objets qui fascinent autant par leur poésie et leur valeur documentaire que par l’ampleur du travail qui les a précédés. Entamée en 1998, l’ambitieuse série Film ist. (trois volets à ce jour) vise à une compréhension du cinéma par ses outils mêmes, débouchant sur une définition ouverte du média. Parcourant cinémathèques, archives et marchés aux puces à la recherche d’images négligées par l’histoire du cinéma (films scientifiques, éducatifs, pornographiques, etc.), Deutsch adopte une position unique d’artiste-chercheur-historien-penseur du cinéma. Ses fréquentes collaborations avec des musiciens, notamment issus de la scène viennoise (Christian Fennesz, Olga Neuwirth) et son travail commun avec Hanna Schimek depuis 1985 sont révélateurs de son intérêt pour les autres pratiques artistiques. Shirley, son dernier film, marque un tournant important dans sa carrière. Salué par la critique, ce premier long métrage de fiction à la forme singulière a retenu l’attention dans de très nombreux festivals.

NL De Oostenrijkse regisseur Gustav Deutsch is een van de vertegenwoordigers van de rijke traditie van de Weense avant-gardecinema. Na zijn architectuurstudies maakte Deutsch in de vroege jaren 1980 in de Medienwerkstatt Wien politiek geëngageerde documentaires op video. Daarna werd hij een van de eerste filmmakers die zich op amateurfilms richtten, met als eerste resultaat zijn film Adria (1990) een studie van home movies gefilmd door Weense vakantiegangers aan de Adriatische Zee. Net als zijn tijdgenoten Martin Arnold en Peter Tscherkassky - die samen met Deutsch in het midden van de jaren 1990 bekendheid kregen onder cinefielen - ontwikkelde Deutsch een oeuvre dat de mogelijkheden van found footage verkent. Door anderen gefilmde beelden worden uit hun oorspronkelijke context gehaald en volgens de principes van Aby Warburg door vormelijke of inhoudelijke associaties herschikt; ze ontlenen hun beeldende kracht aan die montage. Deutsch maakt cinematografische objecten die evengoed fascineren door hun poëzie en hun documentaire waarde als door de hoeveelheid werk die ervoor nodig is geweest. Met zijn ambitieuze, in 1998 begonnen, reeks Film ist. (drie delen tot op heden) probeert Deutsch met filmische middelen tot een begrip van film te komen, leidend naar een open definitie van het medium. Deutsch, die filmarchieven en rommelmarkten afschuimt op zoek naar door de filmgeschiedenis verwaarloosde beelden (uit wetenschappelijke, educatieve of pornografische films), neemt een unieke positie in als kunstenaarwetenschapper-historicus-filosoof van de filmkunst. Zijn veelvuldige samenwerkingen met muzikanten, vooral uit de Weense scène (Christian Fennesz, Olga Neuwirth), en zijn gezamenlijk werk met Hanna Schimek sinds 1985 tonen zijn interesse in andere artistieke disciplines. Zijn nieuwste film Shirley vormt een keerpunt in zijn carrière. Zijn eerste, door critici bejubelde, langspeelfilm trok met zijn bijzondere vorm de aandacht op vele festivals.

EN Austrian director Gustav Deutsch is one of the ambassadors of the rich Viennese tradition of avant-garde cinema. After studying architecture, in the early 1980s, Deutsch made a few politically engaged documentary videos as a member of the Medienwerkstatt Wien. He was, one of the first to look at amateur filmmaking with his film Adria (1990), a study of home movies shot by Viennese travelers on the coasts of the Adriatic Sea. Like his contemporaries Martin Arnold and Peter Tscherkassky – who like Deutch, gained popularity in the mid nineties – Deutsch developed a body of work exploring the possibilities of found footage. Images filmed by others are taken out of their original context to be rearranged (following the Aby Warburg principle of image association by style or contents). Deutsch builds cinematic objects that fascinate as much by their poetry and documentary value as by the amount of work that was put in them. Film ist. is an ambitious series aiming for an understanding of cinema through its own implements that started in 1998, leading to an open definition of the medium. Browsing film libraries, archives and flea markets looking for forgotten images of the history of cinema (scientific movies, educational, pornographic ...), Deutsch adopts a unique position as an artistresearcher-historian-philosopher of cinema. His frequent collaborations with musicians, particularly from the Viennese scene (Christian Fennesz, Olga Neuwirth) and his joint work since 1985 with Hanna Schimek are indicative of his interest in other artistic practices. Shirley, his latest film, marks a turning point in his career. Hailed by critics, this first feature film in its unique form has attracted the attention of many festivals.

JEU/DON/THU

09.10/20:00 BOZAR

Shirley – Visions of Reality Gustav Deutsch, Austria 2013 / color, 93’, DCP, v : ENG, sub : FR & NL FR

Treize tableaux d’Edward Hopper constituent le point de départ du dernier film de Gustav Deutsch. Dans cette réflexion sur la mise en scène de la réalité et sur les dialogues entre peinture et cinéma, les œuvres de Hopper – transposées en tableaux vivants – sont le cadre dans lequel évolue Shirley, une actrice dont les pensées et les émotions nous permettent d’observer trois décennies agitées de l’histoire des États-Unis, des années 1930 au milieu des années 1960. Musiques originales de Christian Fennesz et David Sylvian. Avant-première et rencontre avec Gustav Deutsch.

NL Dertien schilderijen van Edward Hopper vormen het vertrekpunt van de nieuwste film van Gustav Deutsch. In deze reflectie op de enscenering van de werkelijkheid en de dialoog tussen schilderkunst en film vormen de werken van Hopper - omgezet in tableaux vivants - het kader waarin Shirley, een actrice, zich ontwikkelt. Haar gedachten en emoties stellen ons in staat drie woelige decennia van de Amerikaanse geschiedenis (van de jaren 1930 tot het midden van de jaren 1960) te observeren. Met originele muziek van Christian Fennesz en David Sylvian. Avant-première en ontmoeting met Gustav Deutsch.

EN Thirteen paintings by Edward Hopper form the starting point of the latest film by Gustav Deutsch. In this reflection on the staging of reality and the dialogue between painting and cinema, the works of Hopper – transposed into “tableaux vivants” – represent the framework in which lives Shirley, an actress whose thoughts and emotions allow us to observe three turbulent decades of the history of the United States from the 1930s to the mid-1960s. Original music by Christian Fennesz and David Sylvian. Preview and meeting with Gustav Deutsch.

In collaboration with BOZARCINEMA and the Österreichisches Kulturforum. 24

SAM/ZAT/SAT

11.10/13:00 LEDOUX

Gustav Deutsch – Masterclass (in English) FR

Si chacun de ses films est sous-tendu par une rigoureuse réflexion sur le média cinématographique, Gustav Deutsch excelle à partager ses vues en conférence comme en interview. Au cours de cette masterclass, un format dont il est coutumier, le cinéaste autrichien dévoilera les stratégies qui ont présidé à l’élaboration de son dernier film (Shirley) et évoquera les méthodes de travail suivies pour la réalisation de ses travaux de found footage.

NL Hoewel zijn films worden gedragen door een diepgaande reflectie op het medium film blijkt Gustav Deutsch zowel in lezingen als in interviews zijn standpunten uitstekend te kunnen delen. Tijdens deze masterclass, een format dat hem goed ligt, onthult de Oostenrijkse filmmaker de strategieën die hebben geleid tot de ontwikkeling van zijn nieuwste film (Shirley) en bespreekt hij zijn werkmethodes bij de realisatie van zijn found footage werken.

EN If each of his works is a rigorous reflection on the art of cinema, Gustav Deutsch also excels at sharing his views during a conference or interview. The Austrian filmmaker will reveal the strategies that led to the making of his latest film (Shirley) and will discuss the methods he used to carry out his found footage work.

SAM/ZAT/SAT

11.10/15:00 LEDOUX

Film ist. (1-6) Gustav Deutsch, Austria 1998 / b&w + color, 60’, 16mm, v : music, sub : —, titles : ENG FR

Le premier volet de la série Film ist. est composé presque exclusivement de plans glanés dans des films scientifiques et éducatifs. De ces images désuètes, souvent élaborées suivant des techniques expérimentales, le montage de Gustav Deutsch, non dénué d’humour, met en avant la beauté et la poésie. Mais ce qui articule entre elles ces séquences trouvées - qu’elles soient consacrées au vol des pigeons, à la vision stéréoscopique ou aux ouragans - c’est surtout l’élaboration, par les moyens du cinéma, d’une définition du cinéma lui-même, organisée en six chapitres aux titres évocateurs (Movement and Time; Light and Darkness; An Instrument; Material; The Blink of an Eye; A Mirror). Séance présentée par Gustav Deutsch.

NL Het eerste luik van de reeks Film ist. bestaat bijna uitsluitend uit beelden afkomstig uit wetenschappelijke en educatieve films. Gustav Deutsch benadrukt in zijn montage vooral de schoonheid en poëzie van deze verouderde, vaak met experimentele technieken ontwikkelde beelden. Maar wat deze gevonden opnames – of ze nu gewijd zijn aan de vlucht van duiven, aan stereoscopie of aan orkanen – zo samengebracht articuleren, is een onderzoek naar een definitie van film zelf aan de hand van puur filmische middelen en gegroepeerd in zes hoofdstukken met suggestieve titels (Movement and Time; Light and Darkness; An Instrument; Material; The Blink of an Eye; A Mirror). Vertoning ingeleid door Gustav Deutsch.

EN The first part of the series Film ist. is made up almost exclusively out of footage taken from scientific and educational films. These outdated images, often developed with experimental techniques, the editing of Gustav Deutsch, not lacking humor, highlights beauty and poetry. But what hinges these sequences is that even if they are devoted to the flight of pigeons, stereoscopic vision or hurricanes, they all try to define what cinema is trough pure cinematic tools, organized into six chapters with evocative titles such as Movement and Time, Light and Darkness, An Instrument, Material, the Blink of an Eye and A Mirror. Screening introduced by Gustav Deutsch.

LUN/MAA/MON

13.10/15:00 LEDOUX

Film ist. (7–12) Gustav Deutsch, Austria 2002 / b&w + color, 90’, 35mm, v : music, sub : —, titles : ENG FR

Si les images des six premiers chapitres de Film ist. sont issues de l’espace du laboratoire, celles des six suivants (Comic; Magic; Conquest; Writing and Language; Emotions and Passion; Remembering and Document) sont liées aux contextes du spectacle et du studio. Par le remontage de fragments de films muets (burlesques ou mélodramatiques), enchaînant escalades, glissades et chutes, Deutsch poursuit avec cette collection d’images produites durant les trente premières années de l’histoire du cinéma sa tentative de compréhension du média.

NL Als de beelden van de eerste zes hoofdstukken van Film ist. voortkomen uit de laboratoriumruimte, dan zijn die van de volgende zes delen (Comic; Magic; Conquest; Writing and Language; Emotions and Passion; Remembering and Document) gelieerd aan de context van de show en de studio. Door het hermonteren van fragmenten uit stomme (burleske of melodramatische) films en door het aaneenschakelen van klimpartijen, glij-en valpartijen, zet Deutsch met deze verzameling van beelden uit de eerste drie decennia van de filmgeschiedenis zijn poging om het medium te begrijpen verder.

EN If the images of the first six chapters of Film ist. originate from the scientific laboratory, these six (Comic, Magic, Conquest, Writing and Language, Emotions and Passion, Remembering and Document) are related to the contexts of the variety theatre and the film studio. By the reassembling fragments of silent films (burlesque or melodramatic), featuring sequences of climbs, skids and falls, Deutsch continues, with this collection of images produced during the first three decades of the history of cinema, his attempt to define the art of cinema.

LUN/MAA/MON

13.10/18:00 PLATEAU

MAR/DIN/TUE

14.10/16:00 PLATEAU

Film ist. a Girl & a Gun Gustav Deutsch, Austria 2009 / color, 93’, 35mm, v : music, sub : —, titles : ENG FR

“All you need to make a film is a girl and a gun”. Prenant pour point de départ la célèbre maxime de David W. Griffith – que plus tard Jean-Luc Godard fit sienne –, ce drame cinématographique en cinq actes articule autour du thème de la lutte des sexes des fragments de films ethnographiques, des images de guerre, des extraits de documentaires scientifiques et des bobines de films pornographiques. Onze archives ont fourni le matériau de ce film aux dimensions mythologiques. Musique: Bohren & Der Club of Gore, David Grubbs, Olga Neuwirth, Lucia Pulido, Soap & Skin.

“All you need to make a film is a girl and a gun”. Met het beroemde adagium van David W. Griffith – dat Jean-Luc Godard zich later eigen maakte - als uitgangspunt combineert dit filmisch drama in vijf bedrijven fragmenten van etnografische films, oorlogsbeelden, uittreksels uit wetenschappelijke documentaires en pornofilms om zo de strijd tussen de seksen uit te beelden. Elf verschillende archieven leverden basismateriaal voor deze film van mythische proporties. De muziek is van Bohren & Der Club of Gore, David Grubbs, Olga Neuwirth, Lucia Pulido en Soap & Skin.

EN “All you need to make a movie is a girl and a gun”. Taking as a starting point the famous quote of David W. Griffith – revived by Jean-Luc Godard – this drama in five acts illustrates the battle of the sexes. The film is made out of fragments of ethnographic documents, war footage, science documentaries and early pornographic films. Eleven archives provided the material for this film with mythical proportions. Music: Bohren & Der Club of Gore, David Grubbs, Olga Neuwirth, Lucia Pulido, Soap & Skin.

INTRODUCTION TO…

John Smith (London, 1952) FR

John Smith vit et travaille à Londres où il enseigne à la University of East London. Pendant ses études de cinéma au Royal College of Art, il subit l’influence de l’art conceptuel et des théories structurelles qui dominent le cinéma d’avant-garde de l’époque. Auteur de plus de cinquante films depuis 1972, John Smith propose une exploration ludique des possibilités du langage cinématographique en subvertissant habilement les frontières entre documentaire et fiction, entre représentation et abstraction. Ses films ont été montrés dans les plus grands festivals à travers le monde, et ont été couronnés de multiples distinctions. Il a également reçu le Prix de la Fondation Paul Hamlyn en 2011 et le Film London’s Jarman Award en 2013 pour l’ensemble de son œuvre.

NL John Smith woont en werkt in Londen waar hij doceert aan de University of East London. Tijdens zijn filmstudies aan het Royal College of Art werd hij beïnvloed door de conceptuele kunst en de structurele theorieën die de avant-garde cinema van die tijd domineerden. Sinds 1972 maakte hij al meer dan vijftig films waarin hij op een speelse manier de mogelijkheden van filmtaal verkent en de grenzen tussen documentaire en fictie, representatie en abstractie slim ondermijnt. Zijn films werden wereldwijd getoond op de grootste festivals en meermaals bekroond. Hij kreeg in 2011 een Paul Hamlyn Foundation Award for Artists en in 2013 de Film London’s Jarman Award voor zijn gehele oeuvre.

EN John Smith lives and works in London, where he teaches at the University of East London. During his film studies at the Royal College of Art, he was influenced by conceptual art and the structural theories that dominated the avant-garde cinema of that period. Author of more than fifty films since 1972, John Smith offers a playful exploration of the possibilities of film language cleverly subverting the boundaries between documentary and fiction, representation and abstraction. His films have been shown in major festivals around the world and have received many awards. He also received the Paul Hamlyn Foundation award in 2011 and the Film London’s Jarman Award in 2013 for lifetime achievement.

Four John Smith screenings will be held at cinéma NOVA on 20.09, 28.09, 05.10 and 12.10. 29

MER/WOE/WED

08.10/19:00 LEDOUX

Dad’s Stick John Smith, UK 2012 / color, 5’, DCP, v : ENG, sub : — / in competition

Soft Work John Smith, UK 2012 / color, 37’, DCP, v : ENG, sub : —

Dark Light John Smith, UK 2014 / b&w, 5’, DCP, v : ENG, sub : — FR

Trois films récents, subtils et drôles de John Smith. Un moyen métrage testant, en bord de mer, les fondamentaux du cinéma : une caméra, un cadre, des corps, le passage de ces corps dans ce cadre, l’attente et les imprévus du tournage. Et deux sortes de petits limericks (courts poèmes, souvent anglais, drôles et facétieux) jouant du décalage et de la surprise. Dad’s Stick est un véritable tour de passe-passe : en cinq minutes chrono il nous mène en bateau, nous ouvre les portes d’un monde et nous dresse le portrait d’un homme en trois objets. Séance présentée par John Smith.

NL Drie recente, subtiele en grappige films van John Smith. Een korte film test aan de rand van de zee de fundamenten van cinema: een camera, een kader, lichamen, de beweging van die lichamen in dat kader, het wachten en het onverwachte van filmopnames. Daarnaast twee kleine limericks (korte grappige gedichten met een strak metrum) die spelen met verdraaiing en verrassing. Dad’s Stick is een echte goocheltruc: in precies vijf minuten neemt hij ons mee voor een boottochtje, opent hij de deuren van een wereld en portretteert hij een man aan de hand van drie objecten. Vertoning ingeleid door John Smith.

EN Three subtle and funny recent films by John Smith. A short film testing, on the beachfront, the fundamentals of cinema: a camera, a frame, bodies, the passage of these bodies within the frame, the expected and the unexpected during the shooting. And two kinds of small limericks (short and witty – mostly – English poems), offbeat and with an element of surprise. Dad’s Stick is a hocus-pocus: in only five minutes Smith takes us for a ride, opens the doors to a world and portraits a man trough three objects. Screening introduced by John Smith.

INTRODUCTION TO…

Christoph Girardet & Matthias Müller

(Langenhagen, 1966)

(Bielefeld, 1961)

Christoph Girardet vit et travaille à Hanovre. Il étudie à l’Université de Braunschweig (HBK), où il fait la connaissance de Matthias Müller. Matthias Müller vit et travaille entre Bielefeld et Cologne. Il étudie le cinéma et la vidéo à l’université de Braunschweig (HBK). Ses films ont été montrés dans les plus importants festivals à travers le monde, et ont reçu de nombreuses récompenses. En 1999, avec Phoenix Tapes, projet réunissant six vidéos réalisées pour l’exposition « Notorious – Alfred Hitchcock and Contemporary Art » au Musée d’Art moderne d’Oxford, Christoph Girardet et Matthias Müller ont engagé une collaboration qui n’a cessé de se renouveler depuis, donnant naissance à une série de courts métrages qui, chacun à sa manière, offre une relecture de la représentation et des poncifs du cinéma commercial, dont le cinéma hollywoodien reste la source principale.

NL Christoph Girardet woont en werkt in Hannover. Studeerde aan de universiteit van Braunschweig, waar hij Matthias Müller leerde kennen. Matthias Müller woont en werkt in Bielefeld en Keulen. Studeerde film en video aan de universiteit van Braunschweig. Zijn films werden op de belangrijkste filmfestivals ter wereld getoond en bekroond. Sinds ze in 1999 samenwerkten aan Phoenix Tapes, een project met zes video’s voor de expo “Notorious – Alfred Hitchcock and Contemporary Art” in het Museum voor Moderne Kunst van Oxford, zijn Christoph Girardet en Matthias Müller een zich steeds vernieuwend partnerschap aangegaan. Het resultaat is een reeks kortfilms die, elk op hun eigen manier, een nieuwe lezing bieden van representatie en clichés in commerciële cinema, met Hollywood als belangrijkste bron.

EN Christoph Girardet lives and works in Hanover. He studied at the University of Braunschweig (HBK), where he met Matthias Müller. Matthias Müller lives and works in Cologne and Bielefeld. He studied film and video at the University of Braunschweig (HBK). His films have been shown at key festivals around the world, receiving numerous awards. In 1999, with Phoenix Tapes, a project involving six videos made for the exhibition “Notorious - Alfred Hitchcock and Contemporary Art” at the Modern Art Museum of Oxford, Christoph Girardet and Matthias Müller began a collaboration that has continued to flourish ever since. Their films offer each in their own way, a reinterpretation of the representation and clichés of commercial cinema, of which Hollywood remains the principal source of inspiration.

JEU/DON/THU

09.10/19:00 LEDOUX

Cut / in competition Kristall / Mirror / Contre-jour / Locomotive / Meteor Matthias Müller & Christoph Girardet, Germany 2006-2013 / b&w + color, 84’, DCP, v : no dialog FR

Une sélection de courts métrages du tandem Müller-Girardet, dont la démarche s’inscrit dans la tradition du found footage. À partir d’extraits de films, de l’origine du cinéma à nos jours, les cinéastes créent par le montage une œuvre dont les images, décontextualisées, prennent un sens nouveau. Des films troublants et fascinants, parmi lesquels le dernier en date, CUT, composé de 95 plans tirés de 95 films et séries télé, du Narcisse noir (1947) de Powell & Pressburger à la série populaire Mad Men (2012), et dont l’arrangement poétique révèle l’étrange beauté de la chair meurtrie. Séance présentée par Christoph Girardet & Matthias Müller.

NL Een selectie kortfilms van het duo Müller-Girardet, in de found footage-traditie. Met filmfragmenten, van de begindagen van film tot zeer recent, creëeren de filmmakers een werk waarin de beelden, uit hun context, een nieuwe betekenis krijgen. Verontrustende en fascinerende films, inclusief de nieuwste, CUT, waarvan de poëtische montage (95 shots uit 95 films en tv-series, van Powell & Pressburger’s Black Narcissus tot de populaire serie Mad Men) de vreemde schoonheid van gekwetst vlees onthult. Vertoning ingeleid door Christoph Girardet & Matthias Müller.

EN A selection of short films from the tandem Müller-Girardet, who make films in the found footage tradition. Working with film excerpts, from the early years of cinema to the present day, the filmmakers give new meaning to images by using them out of their original context, creating a new work that reveals a whole new meaning. Disturbing and fascinating films, including their latest, Cut, composed of 95 shots from 95 movies and television series such as Black Narcissus (1947) by Powell and Pressburger up to the popular series Mad Men (2012), whose poetic character reveals the peculiar beauty of bruised flesh. Screening introduced by Christoph Girardet & Matthias Müller.

INTRODUCTION TO…

Friedl vom Gröller

(London, 1946) FR

Photographe et cinéaste autrichienne, Friedl vom Gröller, également connue sous le nom de Friedl Kubelka, vit et travaille à Vienne. À travers un large corpus de films, elle explore les différents rôles du cinéaste et de ses « modèles », amis et proches filmés dans le contexte de petits événements du quotidien. Découvert récemment, son travail filmique, qui se réclame tant du cinéma d’auteur français des années 1960 que de l’avant-garde, fait aujourd’hui l’objet de multiples rétrospectives à travers le monde. Depuis 2006, elle dirige la Schule Friedl Kubelka, une école pour le cinéma indépendant qu’elle a elle-même fondée à Vienne.

NL De Oostenrijkse fotografe en filmmaakster Friedl vom Gröller, ook bekend als Friedl Kubelka, woont en werkt in Wenen. Doorheen een breed filmcorpus verkent ze de verschillende rollen van de filmmaker en zijn “modellen”, vrienden en familie gefilmd tijdens kleine dagdagelijkse gebeurtenissen. Aan haar onlangs ontdekte filmwerk, dat zowel tot de Franse auteursfilms van de jaren 1960 als tot de avant-garde behoort, worden nu wereldwijd talrijke retrospectieven gewijd. Sinds 2006 staat ze aan het hoofd van de door haar opgerichte Schule Friedl Kubelka, een school voor onafhankelijke film in Wenen.

EN Austrian photographer and filmmaker, Friedl vom Gröller, also known as Friedl Kubelka, lives and works in Vienna. Through an extensive collection of films, she explores the different roles of the filmmaker and her “models” – friends and family filmed in the context of everyday events. Recently discovered, her film work, which claims to be based on both the French auteur cinema of the 1960s and avant-garde films, is currently the subject of numerous retrospectives worldwide. Since 2006, she heads the Schule Friedl Kubelka, a school for independent cinema she founded in Vienna.

SAM/ZAT/SAT

11.10/19:00 LEDOUX

# 1: RECENT FILMS

La Cigarette / Im Wiener Prater / Kirschenzeit / Das Neue Kostüm / Passage Briare Friedl vom Gröller, Austria 2009-2013 / b&w, 12’, 16mm, v : no dialog

# 2: PORTRAITS

Peter Kubelka And Jonas Mekas / Lisa / Graf Zokan (Franz West) / Erwin, Toni, Ilse Friedl vom Gröller, Austria 1968-2001 / b&w + color, 18’, 16mm, v : silent

# 3: SCHULE FRIEDL KUBELKA

Student Films by Nina Kreuzinger, Marie-Therese Jakoubek, Rosa John, Philipp Fleischmann, Antoinette Zwirchmayr, Johannes Schrems, Austria 2006-2013 / b&w + color, 20’, 16mm + 35mm, v : silent FR

Un aperçu du travail filmique de Friedl vom Gröller, l’une des cinéastes les plus prolifiques de l’expérimental. D’abord, une série de films récents qui captent la poésie du quotidien avec une sensibilité ludique. Suivie d’une série de portraits d’amis et de proches dans lesquels la caméra agit comme un miroir susceptible de mettre à nu les émotions des personnes filmées. Enfin, une sélection de films d’étudiants de l’école qu’elle a fondée à Vienne. Séance présentée par Friedl vom Gröller.

NL En selectief overzicht van het filmwerk van Friedl vom Gröller, een van de meest productieve experimentele filmmakers. Eerst een reeks recente films die met speelse gevoeligheid en humor de poëzie van het dagelijks leven vastleggen. Dan volgt een serie portretten van vrienden en familie waarbij de camera fungeert als een spiegel die de emoties van de gefilmde mensen kan blootleggen. Tot slot is er een selectie films van de studenten aan haar school in Wenen. Vertoning ingeleid door Friedl vom Gröller.

EN An overview of the work of Friedl vom Gröller, one of the most productive experimental filmmakers. First, a series of recent films that capture the poetry of everyday life events with a playful sensitivity. Followed by a series of portraits of friends and family, in which the camera acts as a mirror laying bare the emotions of the people filmed. Lastly, a selection of films made by students from the school she founded in Vienna Screening introduced by Friedl vom Gröller.

INTRODUCTION TO…

Robert Todd

(Houston, 1963) FR

Peintre et cinéaste, Robert Todd vit et travaille à Boston où il enseigne le cinéma au Emerson College. Au cours de ces quinze dernières années, il a produit plus de cinquante films – courts métrages pour la plupart – qui résistent à toute catégorisation. Poèmes lyriques et visuels, les films de Robert Todd allient rigoureusement éléments documentaires et expérimentations visuelles, pour explorer les émotions confuses qu’engendre le malaise de notre civilisation. Son travail a fait l’objet de nombreuses rétrospectives, et ses films, montrés dans la plupart des grands festivals, ont été récompensés de nombreux prix.

N L De schilder en cineast Robert Todd woont en werkt in Boston waar hij lesgeeft in film aan het Emerson College. De laatste dertien jaar maakte hij meer dan vijftig niet te klasseren – voornamelijk korte – films. De films van Todd zijn lyrische en visuele gedichten die documentaire elementen rigoureus combineren met visuele experimenten om zo de verwarde emoties te onderzoeken die het onbehagen van onze beschaving teweegbrengt. Zijn werk werd op bijna alle grote festivals bekroond met talrijke prijzen en is regelmatig het onderwerp van retrospectieven.

EN Painter and filmmaker Robert Todd lives and works in Boston where he teaches film production at Emerson College. During the last fifteen years, he produced more than fifty films, short works for the most part, that are difficult to classify. Robert Todd’s films are lyrical and visual poems that combine documentary elements and visual experiments exploring the confused emotions prompted by the malaise of our civilization. His work has been the subject of various retrospectives. His films have been shown in most major festivals and have received numerous awards.

DIM/ZON/SUN

12.10/15:00 LEDOUX

Free Forms / Trembling Palace / Perch / Circle Dance / Seawall Spans / in competition Robert Todd , USA 2013 / color + b&w, 49’, 16mm, v : no dialog FR

Une sélection des dernières productions de Robert Todd, toutes filmées en 16mm avec une caméra Bolex. Une caméra-œil qui regarde le monde autant qu’elle le reçoit, les films du cinéaste se tramant à la distance de l’intime, à la limite du toucher. Émergeant de l’obscurité à la lumière, du flou au net et vice versa, ses images, d’une grande précision sculpturale, affinent notre sens de la vision. Paysages, sous-bois, rues, plaines de jeux et parcs publics, ou même simples barrières, rien ne semble résister aux techniques toujours renouvelées de ce cinéaste dont le lyrisme invite à une redécouverte de la réalité. Séance présentée par Robert Todd.

NL Een selectie van de nieuwste producties van Robert Todd, allen gefilmd op 16mm met een Bolex camera. De films van de regisseur overbruggen de afstand tot het intieme, op de grens van het aanraken, als een camera-oog dat de wereld bekijkt maar ook ontvangt. Rijzend vanuit de duisternis naar het licht, van wazig naar scherp en omgekeerd, verfijnen zijn beelden, die van een grote sculpturale nauwkeurigheid zijn, onze blik. Landschappen, bebossing, straten, speeltuinen en openbare parken, of zelfs eenvoudige barrières: niets lijkt te ontsnappen aan de steeds veranderende technieken van een cineast wiens lyriek pleit voor een herontdekking van de werkelijkheid. Vertoning ingeleid door Robert Todd.

EN A selection of the latest productions by Robert Todd, all filmed in 16mm with a Bolex camera. A “camera-eye” that both looks and receives, the director’s films bridge the gap to the intimate and become almost tangible. Evolving from darkness to light, from blur to focus and vice versa, his images, sculpturally accurate, enhance our sense of vision. Landscapes, woods, streets, playgrounds and public parks, or even simple fences, nothing seems to resist the everchanging technologies of the director whose lyricism leads to a rediscovery of reality. Screening introduced by Robert Todd.

. J S O Y R UL O O G P E O R G RK A M 37

Gregory J. Markopoulos (Toledo, 1928 – Freibourg im Breisgau, 1992) FR

Gregory J. Markopoulos est un des plus importants cinéastes indépendants américains. Il fut, dans les années 1950-1960, un des protagonistes du New American Cinema Group, aux côtés de Jonas Mekas, Robert Frank et Shirley Clarke. Contemporain d’Anger, Brakhage, Deren et Warhol, il contribua à l’établissement du cinéma en tant que forme artistique autonome. Au cours de sa carrière, Markopoulos a développé un langage cinématographique propre, fondé sur une conception musicale du montage et un usage symbolique de la couleur. Enfant d’immigrés grecs, la mythologie a façonné son imaginaire. Psyche ou Twice a Man (primé lors du festival EXPRMNTL de Knokke en 1963) sont travaillés par l’idée d’intégrer le mythe dans la contemporanéité. Markopoulos est aussi un des premiers cinéastes à aborder explicitement le sujet de l’homosexualité. Un dévouement total à sa vision du cinéma le conduit, en 1967, avec son compagnon Robert Beavers, à quitter les États-Unis pour s’établir en Grèce. Cet exil s’accompagne de la décision de retirer tous ses films de la circulation. Markopoulos commence alors à remonter ceux-ci au sein d’une œuvre qu’il veut définitive, Eniaios, dont la durée prévue est de 80 heures et dont la projection ne pourra avoir lieu que sur le site de Temenos, près du lieu de naissance de son père. Si Eniaios ne fut jamais achevé de son vivant, c’est ce projet d’un site idéal où le travail de Markopoulos pourrait être vu en harmonie avec le paysage que Beavers travaille à concrétiser depuis la mort de son compagnon, en organisant tous les quatre ans des projections des nouveaux segments d’Eniaios qu’il a pu tirer entre-temps. Ce programme coïncide avec la parution du livre Film as Film: The Collected Writings of Gregory J. Markopoulos. Edité par le curateur Mark Webber et publié par The Visible Press (Londres), cet ouvrage compile en un imposant volume, et pour la première fois, près d’une centaine de textes rares ou inédits dans lesquels Markopoulos réfléchit sa pratique cinématographique mais aussi celle d’auteurs tels que Dreyer, Bresson et Mizoguchi. NL Gregory Markopoulos was een van de belangrijkste Amerikaanse onafhankelijke filmmakers. In de jaren 1950 en 1960 was hij een hoofdrolspeler in de New American Cinema Group, naast Jonas Mekas, Robert Frank en Shirley Clarke. Als tijdgenoot van Anger, Brakhage, Deren en Warhol leverde hij een belangrijke bijdrage aan de grondlegging van film als autonome kunstvorm. In de loop van zijn carrière ontwikkelde Markopoulos een eigen filmtaal, gebaseerd op een muzikale opvatting van montage en een symbolisch gebruik van kleur. Als kind van Griekse immigranten heeft de mythologie zijn verbeelding gevormd. Psyche of Twice a Man – waarmee hij een prijs op het EXPRMNTL festival van Knokke verdiende – vertrekken vanuit het idee mythen te integreren in het hedendaagse. Markopoulos was ook een van de eerste cineasten die het aandurfde om expliciet de thematiek van de homoseksuele identiteit aan te snijden. Een algehele toewijding aan zijn visie op film bracht hem er in 1967 toe met zijn partner Robert Beavers de Verenigde Staten voor Griekenland te ruilen. Die ballingschap viel samen met zijn beslissing zijn films uit circulatie te nemen. Markopoulos begon vervolgens zijn films te hermonteren tot een definitief en allesomvattend oeuvre, getiteld Eniaios, dat een voorziene duur had van 80 uur en enkel vertoond zou mogen worden op de Temenos-site vlakbij de geboorteplaats van zijn vader. Bij leven kon Markopoulos Eniaios niet afmaken maar sinds zijn dood concretiseert zijn metgezel Beavers het project waarbij het werk van Marko-

poulos getoond kan worden op een ideale locatie in harmonie met het landschap. Zo organiseert hij elke vier jaar vertoningen van nieuwe segmenten uit Eniaios die hij in de tussentijd heeft kunnen laten ontwikkelen. Dit programma valt samen met de publicatie van het boek Film as Film: The Collected Writings of Gregory J. Markopoulos. Het door curator Mark Webber bewerkte en door The Visible Press (Londen) gepubliceerde werk verzamelt in één indrukwekkend volume, en voor het eerst, bijna honderd zeldzame of onuitgegeven teksten waarin Markopoulos nadenkt over zijn eigen filmpraktijk en over auteurs als Dreyer, Bresson en Mizoguchi. EN Gregory Markopoulos is one of the most important American independent filmmakers. From 1950-1960 he was one of the central figures of the New American Cinema Group alongside Jonas Mekas, Robert Frank and Shirley Clarke. Contemporary of Anger, Brakhage, Deren and Warhol, he significantly contributed to the establishment of cinema as an independent art form. During his career, Markopoulos developed his own filmmaking language, based on a musical conception of editing and a symbolic use of colour. Son of Greek immigrants, mythology shaped his imagination. Psyche or Twice a Man – a film that won an award at the EXPRMNTL Festival in Knokke-le-Zoute in 1963 – are all based on the idea of integrating myth in a contemporary setting. Markopoulos is also one of the first filmmakers to explicitly address the topic of homosexual identity. In 1967, total devotion to his vision of cinema leads him with his companion filmmaker Robert Beavers, to leave the United States and settle in Greece. This exile is accompanied by the decision to withdraw all his films from circulation. Markopoulos then brings them all together in a major and ultimate work: Eniaios, previewed to last 80 hours. The screening could only take place on the site of Temenos, near the birthplace of his father. Although Eniaios was never completed during his lifetime, the project of an ideal site where Markopoulos’ work can be seen in harmony with the landscape is maintained by Robert Beavers who strives to make this a reality since the death of his companion by organising every four years, screenings of new segments of Eniaios that he has been able to process and print. This programme coincides with the publication of the book Film as Film: The Collected Writings of Gregory J. Markopoulos. Edited by curator Mark Webber and published by The Visible Press (London), the book compiles nearly a hundred rare and unpublished texts, in which Markopoulos reflects on his filmmaking as well as that of authors like Dreyer, Bresson and Mizoguchi.

VEN/VRIJ/FRI

10.10/19:00 LEDOUX

Markopoulos # 1

Twice a Man Gregory Markopoulos, USA 1963 / Paul Kilb, Olympia Dukakis, Gerard Malanga, Violet Roditi / color, 49’, 16mm, v : sound

Through a Lens Brightly: Mark Turbyfill Gregory Markopoulos, USA 1967 / color, 15’, 16mm, v : sound FR

Aboutissement des recherches de Markopoulos sur le plan du montage et de l’usage de la couleur, Twice a Man est considéré par beaucoup comme le chef-d’œuvre du cinéaste. Cette transposition contemporaine du mythe de Phèdre à l’esthétique fragmentée réinvente le mélodrame. Suivi par un magnifique portrait du danseur et poète Mark Turbyfill, dont les images vibrantes semblent entrelacées selon une structure quasi musicale. Séance présentée par Mark Webber.

NL Twice a Man, door velen beschouwd als het meesterwerk van de filmmaker, is het resultaat van Markopoulos’ onderzoek naar montage en het gebruik van kleur. Deze eigentijdse omzetting van de mythe van Phaedra vindt aan de hand van een gefragmenteerde esthetiek het melodrama opnieuw uit. De film wordt gevolgd door een prachtig portret van de danser en dichter Mark Turbyfill, waarvan de gloedvolle beelden met elkaar verweven lijken volgens een bijna muzikale structuur. Vertoning ingeleid door Mark Webber.

EN A major achievement in Markopoulos’ research in terms of editing and the use of colour, Twice a Man is considered by many to be the filmmaker’s masterpiece. This contemporary transposition of the myth of Phaedra, aesthetically shattered, reinvents melodrama. Followed by a magnificent portrait of the dancer and poet Mark Turbyfill, whose vibrant images seem intertwined in an almost musical structure. Screening introduced by Mark Webber.

DIM/ZON/SUN

12.10/19:00 LEDOUX

Markopoulos # 2

Bliss Gregory Markopoulos, USA 1967 / color, 6’, 16mm, v : sound

The Illiac Passion Gregory Markopoulos, USA 1964-1967 / Andy Warhol, Jack Smith / color, 92’, 16mm, v : ENG, sub : — FR

Interprétation visionnaire du mythe de Prométhée, The Illiac Passion est aussi un des films les plus acclamés de son auteur. Dans cette ode à la création, Markopoulos a attribué à Jack Smith le rôle d’Orphée, à Andy Warhol celui de Poséidon et à Gregory Battcock celui de Phaéton. Des passages musicaux de Bartók et des extraits du texte d’Eschyle traduit par Thoreau et lu par Markopoulos composent la bande son. Précédé par une superbe étude de lieu, description lyrique d’une église byzantine située sur l’île grecque d’Hydra. Séance présentée par Robert Beavers et Mark Webber.

The Illiac Passion, een van de meest bejubelde films van de auteur, is een visionaire interpretatie van de mythe van Prometheus. In deze ode aan de schepping, gaf Markopoulos de rol van Orpheus aan Jack Smith, die van Poseidon aan Andy Warhol en die van Phaeton aan Gregory Battcock. De geluidsband bestaat uit muzikale passages van Bartók en fragmenten uit de tekst van Aischylos vertaald door Thoreau en gelezen door Markopoulos. De film wordt voorafgegaan door een uitstekende locatiestudie, een lyrische beschrijving van een Byzantijnse kerk op het Griekse eiland Hydra. Vertoning ingeleid door Robert Beavers en Mark Webber.

EN A visionary interpretation of the myth of Prometheus, The Illiac Passion is also one of the most acclaimed movies of the author. In this ode to creation, Markopoulos gave Jack Smith the role of Orpheus, casts Andy Warhol as Poseidon and Gregory Battcock as Phaeton. Bartók’s musical passages and text excerpts from Aeschylus, translated by Thoreau and read by Markopoulos, compose the soundtrack. Preceded by a lyrical description of a Byzantine church on the Greek island of Hydra. Screening introduced by Robert Beavers and Mark Webber.

LUN/MAA/MON

13.10/16:00 PLATEAU

MAR/DIN/TUE

14.10/20:00 PLATEAU

Markopoulos # 3

Du sang, de la volupté et de la mort, (Of Blood, of Pleasure and of Death) Part I: Psyche; Part II: Lysis; Part III: Charmides Gregory Markopoulos, USA 1947-1948 / color, 70’, 16mm, v : sound FR

Abordant sans détour la question de l’homosexualité, ces trois films sensuels – les premiers réalisés par Markopoulos en 16mm - furent condamnés par la presse américaine de l’époque qui n’hésita pas à les qualifier de dégénérés. Psyche s’inspire d’une nouvelle inachevée de Pierre Louÿs, tandis que Lysis et Charmides sont basés sur les dialogues platoniciens. Sur des musiques de Ralph Vaughan Williams, Arthur Honneger et Darius Milhaud, des plans urbains contemporains y succèdent à de fascinants arrangements d’objets, livres, peintures et textiles, ponctuant librement cette narration aux références mythologiques. Séance présentée par Robert Beavers et Mark Webber.

NL Deze drie sensuele films – de eerste die Markopoulos op 16mm filmde – die openlijk over homoseksualiteit gaan, werden indertijd veroordeeld door de Amerikaanse pers, die niet aarzelde de films als gedegenereerd te bestempelen. Psyche is gebaseerd op een onvoltooide novelle van Pierre Louÿs en Lysis en Charmides zijn gebaseerd op de dialogen van Plato. Shots van moderne steden volgen op fascinerende stillevens van voorwerpen, boeken, schilderijen en stoffen, begeleid door muziek van Ralph Vaughan Williams, Arthur Honegger en Darius Milhaud, en doorspekt met mythologische verwijzingen. Vertoning ingeleid door Robert Beavers en Mark Webber.

EN Addressing head-on the issue of homosexuality, these three sensual films – the first made by Markopoulos on 16mm, were condemned by the American press, who did not hesitate to call them degenerate. Psyche is inspired by an unfinished novella by Pierre Louÿs, while Lysis and Charmides are based on dialogues by Plato. Shots of contemporary life are combined with fascinating arrangements of objects, books, paintings and textiles, freely punctuating this narrative with mythological references. Screening introduced by Robert Beavers and Mark Webber.

LUN/MAA/MON

13.10/20:00 PLATEAU

MAR/DIN/TUE

14.10/18:00 PLATEAU

Markopoulos # 4

Gammelion Gregory Markopoulos, USA 1967 / color, 50’, 16mm, v : no dialog

The Olympian Gregory Markopoulos, USA 1969 / color, 23’, 16mm, v : silent FR

Dans Gammelion, œuvre majeure de Markopoulos, sept minutes d’images tournées dans le château de Rocca Sinibalda (Italie) sont égrenées sur près d’une heure, suivant une partition complexe recourant à des centaines de fondus. Images et sons y émergent de l’obscurité et du silence en une composition d’une beauté étourdissante. « To be loved means to be consumed. To love means to radiate with inexhaustible light. To be loved is to pass away, to love is to endure » (Rilke). Suivi d’un portrait d’Alberto Moravia tourné à Rome deux ans plus tard. Séance présentée par Robert Beavers et Mark Webber.

In Gammelion, een van de belangrijkste werken uit de filmografie van Markopoulos, werd een opname van zeven minuten, gemaakt in het kasteel van Rocca Sinibalda (Italië), volgens een complexe indeling met honderden fades uitgetrokken tot bijna een uur. Beelden en geluiden komen tevoorschijn uit duisternis en stilte in een compositie van een adembenemende schoonheid. “To be loved means to be consumed. To love means to radiate with inexhaustible light. To be loved is to pass away, to love is to endure.” (Rilke). Gevolgd door een portret van Alberto Moravia gefilmd in Rome twee jaar later. Vertoning ingeleid door Robert Beavers en Mark Webber.

EN In Gammelion, one of the most important works of Markopoulos’s filmography, seven minutes of footage shot in the castle of Rocca Sinibalda (Italy) follow a complex score using hundreds of fade outs and are extended to almost an hour. Images and sounds emerge from the darkness and silence resulting in a composition of stunning beauty. “To be loved means to be consumed. To love means to radiate with inexhaustible light. To be loved is to pass away, to love is to endure.” (Rilke). Followed by a portrait of Alberto Moravia filmed in Rome two years later. Screening introduced by Robert Beavers and Mark Webber.

A I d L r a A u T I g n a v 1964-1975 A Carmelo Bene / Paolo Gioli / Mario Schifano / Luca Patella / Alberto Grifi & Massimo Sarchielli

a i

ITALIA Avanguardia 1964-1975 FR

Si le cinéma italien des années 1960 est connu pour le succès international de ses réalisations dans le domaine du cinéma d’auteur, du film de genre ou de série B (premier produit d’exportation à l’époque), durant cette même période, et parallèlement aux développements menés dans d’autres pays, le cinéma est aussi envisagé en Italie par des cinéastes et artistes de diverses provenances comme un riche terrain d’expérimentation. Mettant à mal la notion de narration, interrogeant le rapport au réel ou envisageant le cinéma comme un champ d’expériences visuelles, leurs essais testent les limites du média avec enthousiasme et euphorie, réinventant le cinéma. Durant la deuxième moitié des années 1960, une structure telle que la Cooperativa Cinema Indipendente, fondée suivant le modèle américain de la coop, est exemplaire des initiatives apparaissant alors en Europe afin de promouvoir le cinéma de recherche (telles celles lancées en Allemagne par Birgit Hein et ses complices). Dans le contexte sociopolitique des années 1970, les protagonistes du mouvement italien s’engagent dans des voies isolées ou plus politisées. Les trois séances composant ce programme mettent en avant le travail récemment réalisé par la Cineteca Nazionale de Rome, visant à la création d’une collection consacrée au cinéma d’avant-garde et au film d’artiste italiens. Les restaurations et nouvelles copies de ces œuvres (sur pellicule et/ou en numérique) sont destinées à encourager la (re)découverte et la circulation en festivals et cinémathèques de ces films peu connus. Ce programme a été élaboré avec Annamaria Licciardello (Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale), qui présentera plusieurs des projections.

NL De Italiaanse cinema van de jaren 1960 staat vooral bekend om het internationale succes van de auteurscinema, de genrecinema en de B-films (destijds het belangrijkste exportproduct). Maar in diezelfde periode werd, parallel aan de ontwikkelingen die plaatsvonden in andere landen, het medium film ook door allerlei filmmakers en kunstenaars ontdekt als een rijke proeftuin. Door de ondermijning van het concept ‘verhaal’, door de relatie tot de werkelijkheid te bevragen of door film te bekijken als een speelruimte voor visuele ervaringen tastten deze makers de grenzen van het medium enthousiast en euforisch af en vinden ze de filmkunst opnieuw uit. In de tweede helft van de jaren 1960 is de oprichting van op het Amerikaanse model van de coop geschoeide structuren zoals de Cooperativa Cinema Indipendente exemplarisch voor gelijkaardige initiatieven die overal in Europa opduiken om experimentele cinema te bevorderen (denk bijvoorbeeld ook aan Birgit Hein en haar handlangers in Duitsland). In de sociaal-politieke context van de jaren 1970 gaan de protagonisten van de Italiaanse beweging zich meer afzonderen of meer politieke paden bewandelen.

Dit programma bestaat uit drie onderdelen die de aandacht vestigen op de recente werkzaamheden van de Cineteca Nazionale in Rome, waar momenteel een collectie tot stand komt die gewijd is aan avant-garde cinema en Italiaanse kunstenaarsfilms. Restauraties en nieuwe kopieën van deze werken (op film en/of digitaal) moedigen de (her)ontdekking en circulatie van deze weinig bekende films aan. Dit programma kwam tot stand in samenwerking met Annamaria Licciardello (Centro Sperimentale di Cinematografia - Cineteca Nazionale), die verschillende vertoningen zal inleiden. EN The Italian cinema of the 1960s is mostly renowned for its international success in the field of art-house cinema, genre films or B movies (the most important export product at the time). During the same period, and parallel to developments taking place in other countries, a group of Italian filmmakers and artists from various backgrounds approaches cinema as an open field for experimentation. By subverting the notion of narrative, questioning our relation to reality and considering cinema as a field of visual experiences, they test the limits of cinema with enthousiasm and elation, reinventing the art of cinema. During the second half of the 1960s, a structure such as the Cooperativa Cinema Indipendente that was founded after the American model of the coop is an ideal example of the initiatives then appearing in Europe to promote research cinema (such as those launched in Germany by Birgit Hein and her accomplices). In the socio-political context of the 1970s, the protagonists of the Italian movement either isolate themwelves or become more politicized.

The three screenings comprising this program highlight the recent work by the Cineteca Nazionale in Rome, creating a collection dedicated to Italian avant-garde cinema and art films. Restorations and new copies of these works (on film and / or in digital format) are designed to encourage the (re)discovery and circulation in festivals and cinematheques of these littleknown films. This program was developed with Annamaria Licciardello (Centro Sperimentale di Cinematografia - Cineteca Nazionale), who will present several projections.

VEN/VRIJ/FRI

10.10/18:00 PLATEAU

SAM/ZAT/SAT

11.10/20:00 PLATEAU

Italia / avanguardia # 1

Reflex / Souvenir / Vietnam Mario Schifano, Italy 1964-67 / b&w, 34’, 16mm, v : no dialog / ENG / silent

Commutazioni con mutazione Paolo Gioli, Italy 1969 / color + b&w, 7’, 16mm, v : no dialog

Terra animata / SKMP2 Luca Patella, Italy 1967-68 / color + b&w, 37’, 16mm, v : no dialog FR

Trois films de l’artiste pop Mario Schifano : Reflex, tourné dans le studio du photographe Bob Richardson ; Vietnam, ou la guerre vue à travers la télévision ; Souvenir, ou la visite de Saint-Pierre avec Peter Hartman et Gerard Malanga. Une mosaïque rythmique de Paolo Gioli, réalisée à partir de fragments de films Super 8, 16 et 35. Et deux courts de Luca Patella : Terra animata, lié à une performance de proto-land art ; et SKMP2, résultat de l’interaction du cinéaste avec les artistes Jannis Kounellis, Eliseo Mattiacci, Rosa Foschi et Pino Pascali. Copies neuves. La séance du 10.10 sera présentée par Annamaria Licciardello.

NL Drie films van popkunstenaar Mario Schifano: Reflex, gefilmd in de studio van fotograaf Bob Richardson; Vietnam, of de oorlog gezien door de ogen van de televisie; Souvenir, of een bezoek aan Saint-Pierre met Peter Hartman en Gerard Malanga. Een ritmische mozaïek van Paolo Gioli, gemaakt met fragmenten uit Super 8 films, 16mm en 35mm. Daarnaast twee korte films van Luca Patella: Terra animata, dat samenhangt met een proto-land art performance, en SKMP2, het resultaat van een samenwerking met de kunstenaars Jannis Kounellis, Eliseo Mattiacci, Rosa Foschi en Pino Pascali. Nieuwe kopieën. De vertoning op 10.10 zal worden ingeleid door Annamaria Licciardello.

EN Three films by pop artist Mario Schifano: Reflex, shot in the studio of photographer Bob Richardson; Vietnam, or the war seen through the television; Souvenir, or a visit to St. Peter with Peter Hartman and Gerard Malanga. A cadenced mosaic by Paolo Gioli, made from fragments of Super 8, 16 and 35 mm films. And two short films by Luca Patella: Terra animata linked to a proto-land art performance; and SKMP2, the result of the interaction of the filmmaker with the artists Jannis Kounellis, Eliseo Mattiacci Rosa Foschi and Pino Pascali. New prints. The session of 10.10 will be introduced by Annamaria Licciardello

DIM/ZON/SUN

12.10/21:00 LEDOUX

Italia / avanguardia #2

Nostra Signora dei Turchi Our Lady of the Turks Carmelo Bene, Italy 1968 / color, 142’, 35mm, v : IT, sub : ENG FR

Figure culte de la contre-culture italienne et du théâtre d’avant-garde européen, écrivain, acteur pour Pasolini et Glauber Rocha, Carmelo Bene (1937-2002) demeure un cinéaste méconnu. Son premier long métrage est un film baroque et éclaté, hallucinatoire et grotesque, dans lequel il incarne un écrivain habité par des visions délirantes et outrageuses. Tiré d’une nouvelle de l’auteur, cette œuvre à part, profondément originale, souleva à l’époque de violentes réactions. Copie 35mm récemment restaurée par la Cineteca Nazionale, de 18 minutes plus longue que la version présentée par Bene à la Mostra de Venise de 1968. Séance présentée par Annamaria Licciardello.

NL Carmelo Bene (1937-2002), cultfiguur van de Italiaanse tegencultuur en Europese avantgarde theater, schrijver, acteur voor Pasolini en Glauber Rocha, blijft een weinig bekende filmmaker. Zijn eerste langspeelfilm is een barokke, groteske en hallucinatorische uitbarsting waarin Bene een schrijver speelt die lijdt aan buitensporige en krankzinnige waanvoorstellingen. Dit hoogst originele, op een kort verhaal van de auteur gebaseerde werk, lokte destijds heftige reacties uit. Deze onlangs door de Cineteca Nazionale gerestaureerde kopie op 35mm is 18 minuten langer dan de versie die Bene in 1968 presenteerde op het Filmfestival van Venetië. Vertoning ingeleid door Annamaria Licciardello.

EN Cult figure of the Italian counterculture and of the European avant-garde theatre, writer, actor for Pasolini and Glauber Rocha, Carmelo Bene (1937-2002) remains a little-known filmmaker. His first feature film, in which Bene embodies a writer inhabited by outrageous and delusional visions, is baroque and explosive, hallucinatory and grotesque. Based on a short story by Bene, this unique and profoundly original work caused violent reactions at the time. This recently restored 35mm print by the Cineteca Nazionale, is 18 minutes longer than the version presented by Bene at the Venice Film Festival in 1968. Screening introduced by Annamaria Licciardello.

MAR/DIN/TUE

14.10/17:00 LEDOUX

Italia / avanguardia # 3

Anna Alberto Grifi & Massimo Sarchielli, Italy 1975 / b&w, 225’, DCP, v : IT, sub : ENG FR

Rome, fin des années 1960. Massimo Sarchielli rencontre, sur la Piazza Navona, Anna, une jeune toxicomane de seize ans, enceinte, à la rue. L’ayant recueillie et aidée, il décide de tirer de cette histoire un film, réalisé en 1972 avec son ami Alberto Grifi et tourné grâce à l’un des premiers systèmes vidéo portables (et transféré en 16mm pour pouvoir être diffusé en salles). Combinant des scènes dans lesquelles les acteurs des événements rejouent leur histoire et l’enregistrement du réel, le film dresse de façon extraordinaire, à travers rencontres et discussions, le portrait d’un quartier, d’une ville, d’une époque. Film limite, magnifique et bouleversant, sur les rapports entre le cinéma et la vie, Anna développe jusqu’à ses conséquences ultimes les propositions et contradictions du cinéma-vérité.

NL Rome, late jaren 1960. Op de Piazza Navona vindt Massimo Sarchielli Anna, een jong en zwanger verslaafd meisje van zestien. Na haar te hebben geholpen, besloot hij om van dit verhaal samen met zijn vriend Alberto Grifi een film te maken. Dat deden ze in 1972 met een van de eerste draagbare videosystemen (dat ze later overzetten naar 16mm om een release in de bioscoop mogelijk te maken). In een combinatie van scènes waarin betrokken actoren hun verhaal naspelen en opnames van de werkelijkheid schetst de film door middel van ontmoetingen en discussies het portret van een wijk, een stad, een tijdperk. Anna trekt de stellingen en tegenstrijdigheden van de cinéma-vérité door tot in hun ultieme consequenties en wordt op die manier een magnifieke en aangrijpende film over de verbanden tussen film en het leven.

EN Rome, late 1960s. On the Piazza Navona, Massimo Sarchielli meets Anna, a young 16-yearold drug addict, pregnant and homeless. Having taken her in and helped her, he decides to make a film from this story, which he co-directs in 1972 with his friend Alberto Grifi and shoots on one of the first portable video systems (then transferred to 16mm to be released in theaters). Combining scenes in which the protagonists re-enact events of their life and scenes of reality, the film paints in an extraordinary manner, through meetings and discussions, the portrait of a neighborhood, a city, an era. A milestone of cinema, beautiful and deeply moving, about the relationship between film and real life, Anna pushes to its ultimate consequences, the theorems and contradictions of cinema vérité.

C I H

P A R G MS O E N O H P T

Carasco / Gardner 50

ETHNOGRAPHIC POEMS

Raymonde Carasco (Carcassonne, 1939 – Toulouse, 2009) FR

Raymonde Carasco est l’auteur d’une œuvre ample, puissante et généreuse, d’une remarquable cohérence. Le noyau de sa filmographie se compose d’une quinzaine de films consacrés aux Indiens Tarahumaras du Mexique, où Carasco se rend pour la première fois en 1976. Marchant sur les pas d’Eisenstein (à qui elle consacrera un livre), elle y rencontre ceux-là même pour qui Artaud avait fui l’Europe en 1936. Sans financement et sans contrainte, elle dessine en quinze ans une fresque cosmique, documentaire et lyrique entièrement dédiée à la pensée de ce peuple et à son rapport au(x) monde(s). Son admirable travail sur la pellicule et son attention particulière au son achèvent de déployer la beauté de cette œuvre singulière. Ces trois séances seront présentées par Régis Hébraud, qui fut l’époux mais aussi le monteur, l’opérateur et le preneur de son de Raymonde Carasco. Le livre Dans le bleu du ciel - Carnets Tarahumaras (1976 – 2001) compilant l’ensemble des notes de Raymonde Carasco, doit paraître incessamment. NL

Raymonde Carasco is de auteur van een ruim, krachtig en genereus oeuvre met een opmerkelijke samenhang. De kern van haar filmografie omvat vijftien films over de Tarahumara indianen in Mexico, waar Carasco voor de eerste keer heenging in 1976. Wandelend in de voetsporen van Eisenstein (aan wie ze later een boek zal wijden), ontmoette ze er de mensen voor wie Artaud in 1936 Europa was ontvlucht. Zonder middelen en zonder beperkingen, schetst ze gedurende vijftien jaar een kosmisch fresco, lyrisch en documentair, gewijd aan de gedachtewereld van dit volk en aan hun verhouding(en) met de wereld(en). Haar bewonderenswaardige bewerking van de pellicule en haar bijzondere aandacht voor geluid versterken de schoonheid van dit opmerkelijke oeuvre. Deze drie vertoningen zullen worden ingeleid door haar weduwnaar Hébraud Regis die ook de monteur, cameraman en geluidsman van haar films was. Het boek Dans le bleu du ciel – Carnets Tarahumaras (1976-2001) waarin alle notities van Raymonde Carasco zijn verzameld, zal binnenkort verschijnen.

EN Raymonde Carasco is the author of a powerful and generous film work of remarkable consistency. The core of her filmography consists of fifteen films about the Tarahumara Indians of Mexico, where she first went in 1976. In the footsteps of Eisenstein (to whom she dedicated a book), she met the very people for whom Antonin Artaud fled Europe in 1936. Without funding and without restriction, for over fifteen years, she developed a cosmic frieze, a lyrical documentary entirely dedicated to these people and their relationship to the world(s). Her admirable film work and her particular attention to sound fully participate to the beauty of this remarkable work. These three screenings will be introduced by Régis Hébraud, who was Carasco’s husband as well as her editor and operator. The book Dans le bleu du ciel - Carnets Tarahumaras (1976 – 2001) compiling all of Raymonde Carasco’s notes will be published shortly.

JEU/DON/THU

09.10/18:00 PLATEAU

DIM/ZON/SUN

12.10/16:00 PLATEAU

Raymonde Carasco # 1

Gradiva Esquisse I Raymonde Carasco, France 1978 / color, 25’, 16mm, v : no dialog

Tutuguri – Tarahumaras 79 Raymonde Carasco, France 1980 / color, 25’, 16mm, v : FR, sub : —

Pascoleros – Tarahumaras 85 Raymonde Carasco, France 1996 / b&w + color, 27’, 16mm, v : FR, sub : — FR

« Marcher = planer = nager = flotter » (Raymonde Carasco). Du pied gracieux de l’héroïne de la nouvelle de Wilhelm Jensen de 1903, Gradiva, dont l’adaptation par Carasco suspend la beauté du pas dans le ralenti et la répétition, à la marche agile et rapide des indiens Tarahumaras, le peuple “au pied qui court”, ces études de mouvement et de lumière captent les vibrations et les matières, enregistrant notamment le déroulement de rites solaires antérieurs à la conquête espagnole. Séance présentée par Régis Hébraud.

NL “Wandelen = zweven = zwemmen = drijven” (Raymonde Carasco). Van het sierlijke loopje van de heldin van Wilhelm Jensens verhaal uit 1903, Gradiva, waarvan Carasco de schoonheid benadrukt met slow motion en herhaling, tot de behendige en snelle pas van de Tarahumara indianen, “zij die snel rennen”; Carasco’s studie’s van beweging en licht leggen trillingen en materialen vast, ze registreren in het bijzonder het verloop van de zonneriten van voor de Spaanse verovering. Vertoning ingeleid door Régis Hébraud.

EN “Walking = soaring = swimming = floating” (Raymonde Carasco). From the graceful walk of the heroine of the story by Wilhelm Jensen written in 1903, Gradiva whose adaptation by Carasco suspends the beauty in slow motion and ritualised repetition to the agile stalk of the Tarahumara Indians, the people “with feet that run”. These studies of movement and light capture the vibrations and matter, including the recording off riruals prior to the Spanish conquest. Screening introduced by Régis Hébraud.

VEN/VRIJ/FRI

10.10/16:00 PLATEAU

DIM/ZON/SUN

12.10/18:00 PLATEAU

Raymonde Carasco # 2

Ciguri 98 – La Danse du peyotl Raymonde Carasco, France 1998 / b&w, 40’, 16mm, v : FR, sub : —

La Fêlure du temps – Tarahumaras 2003. L’Avant – Les Apaches Raymonde Carasco, France 2003 / color, 40’, 16mm, v : FR + ES, sub : — FR

La Fêlure du temps (2000-2003) constitue le dernier volet de l’œuvre tarahumara de Raymonde Carasco. Cette fresque en cinq temps (dont L’Avant est la première partie) consacrée aux origines et à la disparition de la culture tarahumara est articulée sur la parole du dernier chaman du peyotl, dialoguant avec la réalisatrice. Le paysage est ici central. Précédé par une autre rencontre avec ce même chaman, accompagnée par la voix de Jean Rouch lisant Artaud. Le sacrifice d’un taureau et la transe rituelle en sont les événements principaux. Séance présentée par Régis Hébraud.

NL La Fêlure du temps (2000-2003) vormt het laatste luik van Raymonde Carasco’s oeuvre rond de Tarahumara. Het is een vijfdelig fresco (waarvan L’Avant het eerste deel is) over de oorsprong en de verdwijning van de Tarahumaracultuur en is opgebouwd rond de dialoog van de laatste peyotlsjamaan met de filmmaakster. Het landschap staat centraal. Voorafgaand: een andere ontmoeting met diezelfde sjamaan met de stem van Jean Rouch op de klankband terwijl hij een tekst van Artaud leest. Een stierenoffer en een rituele trance zijn de voornaamste gebeurtenissen. Vertoning ingeleid door Régis Hébraud.

EN La Fêlure du temps (2000-2003) is the last of Raymonde Carasco’s works centered on the Tarahumaras. This five chapter epic (from which L’Avant is the first part) is devoted to the origins and disappearance of the Tarahumara culture, hinged on the words of the last peyote shaman, in dialogue with the filmmaker. Landscape is central here. Preceded by another meeting with the same shaman and featuring the voice of Jean Rouch reading Artaud on the soundtrack. The sacrifice of a bull and trance rituals are the main events of the film. Screening introduced by Régis Hébraud.

DIM/ZON/SUN

12.10/17:00 LEDOUX

Raymonde Carasco # 3

Ciguri 99 - Le dernier chaman Raymonde Carasco, France 1999 / color, 65’, 16mm, v : FR, sub : — FR

À partir des textes d’Antonin Artaud lus par Jean Rouch et des paroles du dernier chaman du peyotl traduites par Raymonde Carasco, ce long métrage documente les célébrations d’hiver, donnant à voir et à entendre un rite nocturne d’anéantissement et de réassimilation mystérieuse. Entre le bleu du ciel et la silhouette irréelle des rochers, la confrontation entre poésie et approche ethnographique permet d’entrevoir cet autre plan de pensée que les Tarahumaras appellent Ciguri, « ce plan où notre conscience n’atteint pas » (Artaud). Séance présentée par Régis Hébraud.

NL Deze langspeelfilm documenteert de wintervieringen op basis van teksten van Antonin Artaud en de door Carasco vertaalde woorden van de laatste peyotlsjamaan. Hij geeft zo een kijk op een nachtelijke rite van vernietiging en mysterieuze herrijzenis. Tussen het blauw van de hemel en het onwerkelijke silhouet van rotsen biedt de confrontatie tussen poëzie en etnografische benadering een glimp van dat andere bewustzijnsniveau dat de Tarahumara-indianen Ciguri noemen, “het niveau dat ons bewustzijn niet bereikt” (Artaud). Vertoning ingeleid door Régis Hébraud.

EN Based on texts by Antonin Artaud read by Jean Rouch and the words of the last peyote shaman translated by Raymonde Carasco, this film documents the winter celebrations, allowing to see and hear a nightly ritual of mysterious re-assimilation. Between the blue sky and the surreal shapes of rocks, the confrontation between poetry and ethnographic approach provides a glimpse at another level of thought the Tarahumara call Ciguri, “a level our consciousness does not reach” (Artaud). Screening introduced by Régis Hébraud.

ETHNOGRAPHIC POEMS

Robert Gardner (Brookline, 1925 – Cambridge, 2014) FR

Anthropologue et documentariste, Robert Gardner a été directeur du Film Study Center de l’Université Harvard entre 1957 et 1997. Dès le début des années 1950, après des études en anthropologie, il parcourt le monde et s’intéresse au cinéma. Ses films, qui documentent la vie dans les sociétés les plus reculées du monde, ont parfois suscité la polémique par leur approche non didactique du cinéma ethnographique, Gardner refusant systématiquement l’observation objective pourtant dominante à l’époque. À cette approche scientifique, celui qui se réclame de Robert Flaherty et de Jean Rouch a toujours préféré une approche sensible mettant en avant les rapports du filmeur aux personnes filmées. Robert Gardner nous a quittés le 21 juin 2014, laissant derrière lui une empreinte unique dans le domaine de l’anthropologie visuelle.

NL Antropoloog en documentairemaker Robert Gardner was van 1957 tot 1997 directeur van het Film Study Center aan Harvard University. In de vroege jaren 1950, na studies in de antropologie, reisde hij de wereld rond en raakte geïnteresseerd in film. Zijn films, die het leven van ‘s werelds meest afgelegen gemeenschappen documenteren, leidden soms tot controverse omwille van hun antididactische benadering van de etnografische film en Gardners systematische weigering de destijds dominante “objectieve waarneming” te omarmen. Tegenover die wetenschappelijke benadering geeft de zelfverklaarde erfgenaam van Robert Flaherty en Jean Rouch de voorkeur aan een fijngevoelige aanpak die de betrekkingen tussen de filmmaker en zijn onderwerpen naar voren brengt. Robert Gardner is overleden op 21 juni 2014 maar wist in zijn leven een unieke stempel te drukken op het domein van de visuele antropologie.

EN Anthropologist and documentary filmmaker Robert Gardner was director of the Film Study Centre at Harvard University between 1957 and 1997. In the early 1950s, after studying anthropology, he travels the world and starts to develop a real interest for cinema. His films, which document life in the world’s most remote societies, have sometimes sparked controversy by their non-didactic approach to ethnographic cinema, Gardner systematically denying the objective observation that was dominant at the time. To this scientific approach, he that identifies with Robert Flaherty and Jean Rouch, has always preferred a sensitive approach in highlighting relations between the filmmaker and the people that are filmed. Robert Gardner passed away on June 21, 2014, leaving a unique body of work in the field of visual anthropology.

JEU/DON/THU

09.10/20:00 PLATEAU

SAM/ZAT/SAT

11.10/16:00 PLATEAU

Robert Gardner # 1

Rivers of Sand Robert Gardner, USA 1974 / color, 83’, 35mm, v : HAMER, sub : ENG FR

Éleveurs semi nomades, les Hamar vivent isolés du reste du monde dans les vallées fertiles du Sud-Ouest de l’Éthiopie. Un éloignement qui a pu assurer la pérennité des traditions ancestrales d’une société dont un des principes fondateurs est la reconnaissance ouverte de la suprématie masculine. Dans ce document très controversé, Robert Gardner procède à l’observation attentive des activités rituelles des Hamar, en mettant l’accent sur les effets comportementaux d’une société régie par l’inégalité des sexes.

NL De Hamar zijn semi-nomadische veehouders die in de vruchtbare valleien van het zuidwesten van Ethiopië geïsoleerd van de rest van de wereld leven. Die isolatie heeft er voor gezorgd dat de voorouderlijke tradities, van een samenleving die openlijk de mannelijke autoriteit erkent, kunnen voortbestaan. In dit zeer omstreden document verricht Robert Gardner een zorgvuldige observatie van de rituele activiteiten van de Hamar, met een focus op de gedragseffecten van een samenleving geregeerd door genderongelijkheid.

EN Semi-nomadic pastoralists, the Hamar live isolated from the rest of the world in the fertile valleys of south-western Ethiopia. This isolation has ensured the survival of the traditions of a society of which one of the founding principles is the recognition of male supremacy. In this highly controversial document, Robert Gardner conducts careful observation of the Hamar’s ritual activities with a focus on the behavioural effects of a society governed by gender inequality.

LUN/MAA/MON

13.10/21:00 LEDOUX

Robert Gardner # 2

Forest of Bliss Robert Gardner, USA 1986 / color, 90’, 35mm, v : no dialog FR

Du lever au coucher du soleil, le rythme quotidien de la ville sainte de Bénarès, centre religieux de l’Inde, au travers de ses rituels de vie et de mort et des passions inévitables qui s’y rattachent. Considéré comme le chef-d’œuvre de Robert Gardner, Forest of Bliss se déploie à la frontière du cinéma ethnographique et de l’essai poétique et subjectif, et nous immerge sans le moindre commentaire ou sous-titre au cœur d’une culture dont le cinéaste traque la beauté avec un profond respect.

NL Het dagelijkse ritme, van zonsopgang tot zonsondergang, van de heilige stad Varanasi, het religieuze centrum van India, in beeld gebracht aan de hand van haar rituelen rond leven en dood en de onvermijdelijke emoties die daarmee gepaard gaan. Forest of Bliss, het meesterwerk van Robert Gardner, ontvouwt zich op de grens tussen de etnografische film en het poëtisch en subjectief essay, en dompelt ons zonder commentaar of bijschrift onder in het hart van een cultuur waarvan de filmmaker de schoonheid met diepgaand respect traceert.

EN From sunrise to sunset, the daily rhythm of the holy city of Benares, the religious centre of India, through the rituals of life and death and the inevitable emotions attached. Considered as Robert Gardner’s masterpiece, Forest of Bliss unfolds at the edge of ethnographic cinema and poetic and subjective essay, submerging us without any comment or subtitles into the heart of a culture of which the filmmaker stalks the beauty with an obvious respect.

O W D

K S

N I

HOMAGE 58

HOMAGE

Stephen Dwoskin (New York, 1946 – London, 2012) FR

Peintre, graphiste et photographe, Stephen Dwoskin est avant tout reconnu pour son œuvre filmique, intimement liée à l’immobilité physique partielle dans laquelle il a vécu presque toute sa vie suite à une poliomyélite contractée à l’âge de neuf ans. Au centre de cette cinématographie se dégage le thème du voyeurisme, un voyeurisme « actif » par lequel le regard du cinéaste prend une réelle dimension tactile. Interrogeant la relation entre filmeur, personnes filmées et spectateurs, Dwoskin convie ses modèles féminins, cobayes consentants, à des rituels érotiques et ludiques qui mettent en scène les « solutions imaginaires » d’une réalité à reconstruire à partir d’un handicap. Diffusés partout dans le monde, ses films ont reçu de nombreux prix, dont le Prix de l’Âge d’or 1982 pour Outside In. Stephen Dwoskin nous a quittés le 28 juin 2012. CINEMATEK a tenu a rendre un dernier hommage à l’un des talents les plus singuliers du cinéma contemporain.

NL Schilder, ontwerper en fotograaf Stephen Dwoskin is vooral bekend voor zijn filmwerk, nauw verwant met de gedeeltelijke fysieke immobiliteit waarin hij het grootste deel van zijn leven doorbracht na een poliobesmetting op zijn negende. Voyeurisme ligt als thema aan de basis van zijn oeuvre, een “actief” voyeurisme waar de blik van de filmmaker een tastbare dimensie mee aanneemt. Om vraagtekens te plaatsen bij de relatie tussen de filmmaker, de gefilmde personen en de toeschouwers nodigt Dwoskin zijn vrouwelijke modellen uit voor erotische en speelse rituelen die “denkbeeldige oplossingen” bieden voor een vanuit een handicap her op te bouwen werkelijkheid. Zijn overal ter wereld vertoonde films wonnen talloze prijzen, waaronder de l’Âge d’or prijs in 1982 voor Outside In. Stephen Dwoskin overleed op 28 juni 2012. CINEMATEK brengt graag een laatste hulde aan een van de meest opmerkelijke talenten uit de hedendaagse cinema.

EN Painter, designer and photographer, Stephen Dwoskin is primarily known for his film work, that’s closely linked to the partial physical immobility which he experienced most of his life because of polio he contracted at the age of nine. At the centre of his cinematography the theme of voyeurism emerges, an “active” voyeurism through which the eye of the filmmaker takes a tangible tactile dimension. Questioning the relationship between the filmmaker, the people that are filmed and the audience, Dwoskin invites his female models to erotic and playful rituals that depict the “imaginary solutions” of a reality to rebuild from a disability. Screened around the world, his films have received numerous awards including the Âge d’or Prize 1982 for Outside In. Stephen Dwoskin passed away June 28, 2012. CINEMATEK was keen to pay a last tribute to one of the most singular talents in contemporary cinema.

LUN/MAA/MON

13.10/17:00 LEDOUX

Age is… Stephen Dwoskin, France-UK 2012 / color, 75’, DCP, v : music FR

Portée par l’amour du détail, l’observation attentive de la beauté et du caractère unique du vieillissement des visages et des corps. Ce qui restera comme le dernier film du cinéaste s’est conçu dans le partage, Stephen Dwoskin, au seuil de la mort, ayant invité des amis et des proches à filmer pour lui le troisième âge. Une matière « collective » – gestes, regards, pauses – que le cinéaste a ensuite tissée en trames hypnotiques sur une musique du violoniste roumain Alexander Balanescu. NL Een zorgvuldige observatie van de schoonheid en het unieke karakter van ouder wordende gezichten en lichamen, gedragen door een voorliefde voor details. De laatste film van de filmmaker is een gedeeld project. Stephen Dwoskin, op de drempel van de dood, nodigde vrienden en familieleden uit om voor hem bejaarden te filmen. Een “collectieve” materie – gebaren, blikken, rust – die de filmmaker op muziek van de Roemeense violist Alexander Balanescu aaneenweefde in hypnotiserende patronen.

EN Driven by a special attention for detail, a careful observation of the beauty and uniqueness of aging faces and bodies. What will be remembered as the last film of the filmmaker, was conceived as a collaboration, as Stephen Dwoskin, on the threshold of death, invited friends and relatives to film aging seniors. A “collective” material – gestures, glances, pauses – that the filmmaker edited into a hypnotic framework sustained by the lyrical music of the Romanian violinist Alexander Balanescu.

S A F L S O A D A EK M HOMAGE 61

MAR/DIN/TUE

14.10/21:00 LEDOUX

The Double-Barrelled Detective Story Adolfas Mekas, USA 1965 / Jeff Siggins, Greta Thyssen, Hurd Hatfield, Paul Benedict / b&w, 90’, DCP, v : ENG, SUB : FR, NL / Restoration by CINEMATEK FR

Autour d’un aventurier opportuniste qui convole en épousailles avec la fille d’un grand propriétaire terrien, puis la maltraite dans le seul but de se venger du père, une comédiewestern délurée, dans laquelle le cinéaste déstructure les codes du cinéma hollywoodien de genre. Adapté d’un court récit de Mark Twain, dont Adolfas Mekas appréciait particulièrement l’humour rustique, The Double-Barrelled Detective Story évoque volontiers la notice d’ouverture de Huckleberry Finn : « Celui qui cherche une intrigue dans cette histoire sera fusillé ». Séance présentée par Pola Chapelle.

NL Adolfas Mekas ontleed de codes van Hollywood genre cinema in een komische western over een opportunistische avonturier die trouwt met de dochter van een belangrijke grondeigenaar en haar dan mishandelt om zich te wreken op de vader. The Double-Barrelled Detective Story is een adaptatie van een kort verhaal van Mark Twain, wiens rustieke humor Adolfas Mekas wel wist te waarderen. Het doet meteen denken aan de openingswaarschuwing van Huckleberry Finn: “Wie een plot zoekt in dit verhaal zal neergeschoten worden.” Vertoning ingeleid door Pola Chapelle.

EN About an opportunistic adventurer who marries the daughter of a chief landowner and then mistreats her with the sole purpose of revenge against the father, a sassy western comedy, in which the filmmaker deconstructs the codes of Hollywood genre movies. Adapted from a short story by Mark Twain, who Adolfas Mekas particularly liked, especially Twain’s country humor, The Double-Barrelled Detective Story readily evokes the opening of Huckleberry Finn: “Persons attempting to find a plot in this story will be shot.” Screening introduced by Pola Chapelle.

CINEMATEK THANKS ITS PARTNERS FOR THEIR SUPPORT

SPECIAL THANKS TO…

All the employees of CINEMATEK & all the filmmakers and guests of the festival. Archivio del Cinema d’Impresa di Ivrea (Sergio Toffetti), Bozar Cinema, Nicole Brenez, La Camera Ottica, Università degli Studi di Udine (Simone Venturini, Alessandro Bordina, Mirco Santi), Cinéma Nova, La Cinémathèque de Toulouse (Kees Bakker, Guillemette Laucoin), CSC-Cineteca Nazionale (Annamaria Licciardello, Laura Argento), Embassy of Austria, Régis Hébraud, Österreichisches Kulturforum, PointCulture, Schule Friedl Kubelka, Jean-Charles Tatum Jr.

REGISTERED PUBLISHER Nicola Mazzanti PROGRAMME & TEXTS Olivier Dekegel, Philippe Delvosalle & Xavier Garcia Bardon TRANSLATIONS Sam De Wilde & Jacqueline van Osten © CINEMATEK 2014 - 2015 Koninklijk Filmarchief / Cinémathèque royale

FILMMAKERS AKERMAN Chantal 15

LEHMANN Wolfgang 13

BEAVERS Robert 15

LERTXUNDI Laida 15

BECKERMANN Ruth 10

LIMA Dellani 10

BENE Carmelo 48

MARKOPOULOS Gregory 37-43

CARASCO Raymonde 51-54

MAZZOLO Pablo 8

CHILD Abigail 10

MEKAS Adolfas 61-63

CLIPSON Paul 8

MÜLLER Matthias 31-32

COLBURN Martha 16

PATELLA Luca 47

CHANTRE Zoé 16

PINTO Joaquim 14

DEUTSCH Gustav 22-28

PRYCE Charlotte 13

DWOSKIN Stephen 58-60

RICCI LUCCHI Angela 9

FLEISCHMANN Philipp 34

RUSSELL Ben 7

GARDNER Robert 55-57

SARCHIELLI Massimo 49

GIANIKIAN Yervant 9

SCHIFANO Mario 47

GIOLI Paolo 47

SCHREMS Johannes 34

GIRARDET Christoph 31-32

SMITH John 29-30

GOEL Shumona 12

SWAROOP Kamal 12

GRIFI Alberto 49

TAKASHI Makino 8

HEIN Birgit 18-21

TIVEN Benjamin 9

HEREDIA Shai 12

TODD Robert 35-36

JAKOUBEK Marie-Therese 34

VANDEWEERD Pierre-Yves 11

JOHN Rosa 34

VOM GRÖLLER Friedl 10, 15, 33-34

KENNEDY Ted 15

ZWIRCHMAYR Antoinette 34

KREUZINGER Nina 34

SEE YOU IN OCTOBER 2015 ! © CINEMATEK 2014 – 2015 Koninklijk Filmarchief / Cinémathèque royale Rue Baron Horta Straat 9, Bruxelles 1000 Brussel / 02 551 19 19 - www.cinematek.be

E G R Â ’ L ’O D FESTIVAL

08.10 > 14.10 / CINEMATEK

WOE/MER/WED

DON/JEU/THU

VRI/VEN/FRI

ZAT/SAM/SAT

ZON/DIM/SUN

MAA/LUN/MON

DIN/MAR/TUE

08.10

09.10

10.10

11.10

12.10

13.10

14.10

13:00

LEDOUX

Masterclass Gustav Deutsch

15:00

LEDOUX

Asphalt Flowers 51’

p 10

LEDOUX

Film ist. (1-6), Gustav Deutsch

Introduction to Robert Todd

60’

16:00

p 25

LEDOUX

p 26 49’

PLATEAU

LEDOUX

Film ist. (7–12), Gustav Deutsch p 36 90’

LEDOUX

PLATEAU

Let Us Persevere, Ben Russell

Ethnographic Poems : Ethnographic Poems : Ethnographic Poems : Markopoulos #3 Raymonde Carasco # 1 70’ Raymonde Carasco #2 Robert Gardner #1

LEDOUX

Metamorfoze Me 72’

PLATEAU

PLATEAU PLATEAU

44’

p 7 80’

p 53 83’

p 56 77’

p 16

p 27

p 52

p 42

Film ist. a Girl & a Gun 93’

p 28

17:00

LEDOUX LEDOUX

Other States 56’

p 8

90’

18:00

PLATEAU

19:00

LEDOUX

Introduction to John Smith

Introduction to Girardet & Müller

20:00

47’

p 30 84’

STARTING FROM 19:45 FOYER

Cocktail

20:30 LEDOUX

21:00

Natural Magic 63’

PLATEAU

conversation with B. Hein +

p 20

p 54 75’

p 60 225’

PLATEAU

Introduction to Birgit Hein #2

Ethnographic Poems : Film ist. a Girl & a Gun Markopoulos #4 Raymonde Carasco #2 93’ p 28 73’

PLATEAU

p 21 80’

p 49

PLATEAU

p 53

p 43

LEDOUX

Markopoulos #1 64’ p 32

p 40

LEDOUX

Introduction to Friedl vom Gröller 50’

LEDOUX

Markopoulos #2 98’

Songs from a Room p 41 46’

PLATEAU

Introduction to Birgit Hein # 2

Italia / Avanguardia #1

Ethnographic Poems : Markopoulos #4 Robert Gardner #2 73’

p 24 63’

LEDOUX

Ethnographic Poems : I Am Micro 116’ Robert Gardner #1 p 56

LEDOUX

Textures of memory p 9

p 21 78’

PLATEAU

p 47 90’

p 57

LEDOUX

E agora ? p 12 164’

p 15

p 34

PLATEAU

80’

Italia / Avanguardia #3

PLATEAU

Shirley, Gustav Deutsch

83’

Introduction to Birgit Hein #1

65’

p 47 63’

LEDOUX

20:00 PLATEAU

“Knokke-Köln”

63’

p 52 78’

p 13

p 11

LEDOUX

Ethnographic Poems : Homage Raymonde Carasco #3 Stephen Dwoskin

20:00 BOZAR

93’

22:00

LEDOUX

Ethnographic Poems : Italia / Raymonde Carasco #1 Avanguardia #1 77’

LEDOUX

Les Tourmentes, Pierre-Yves Vandeweerd

p 14

Italia / Avanguardia #2 142’

p 48

PLATEAU

Markopoulos # 3 p 43 70’

p 42

LEDOUX

The Double-Barrelled Ethnographic Poems : Detective Story, Robert Gardner #2 90’ p 57 Adolfas Mekas 90’

p 63

CINEMATEK

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Baron Horta 9, 1000 Brussels 02 551 19 19 - www.cinematek.be

Baron Horta 9, 1000 Brussels

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Until 14:00 on the day of screening. Screening € 4 € 2 + CINEMATEK cards: annual or three- A print-out of your (mailed) order applies as a ticket, to be shown when monthly season-ticket, + 65, students entering the screening room (no need to queue at the box office). ÂGE D’OR PASS € 40 € 20 + CINEMATEK cards PLEASE NOTE: SEATS ARE LIMITED Ledoux screening room: 117 Plateau screening room: 29 So don’t wait too long!

RESERVE BY PHONE 02 551 19 19 Reachable Mon-Fri from 9:30; Sat-Sun from 14:30. Telephone reservations only possible for screenings on the day itself (and for the weekend on Fridays). Please note: reservations have to be claimed at the box office at least 15 minutes before the screening; unclaimed reservations are cancelled 15 minutes before the screening. REGULAR OPENING HOURS Monday / Tuesday / Wednesday

17:30

Thursday / Sunday

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Friday / Saturday

17:00

DON’T SHOW UP AT THE LAST MINUTE. Queuing may take some time. The screening rooms open 15 minutes before the start of a screening. Entrance is no longer possible once the screening has started. CINEMATEK closes once the last screening has ended.