Âge d’Or Festival 2016 by CINEMATEK

E X P R M N T L F I L M F E S T I VA L

06.10—11.10—2016

ÉDITORIAL

Du 6 au 11 octobre, L’Âge d’Or Festival revient à CINEMATEK pour la troisième édition de sa nouvelle formule, inaugurée en 2014, avec un programme riche et varié qui met en avant la recherche et l’audace d’une écriture cinématographique expérimentale en prise avec le réel mais aussi avec l’intime, l’imaginaire, le psychédélique et le mythologique. Au programme, deux sections compétitives qui réunissent des films réalisés au cours de ces trois dernières années aux quatre coins du monde (en Iran, en Indonésie, en Corée, en Turquie, en Autriche, aux États-Unis et en Belgique) : L’ÂGE D’OR, une compétition qui réunit 22 films jamais montrés à Bruxelles, dont l’un d’eux se verra remettre le Prix de l’Âge d’Or par le Jury international. IMPATIENCE (d’après le titre du second film de Charles Dekeukeleire, 1928), nouvelle compétition pour les premiers et deuxièmes films. Cette compétition, qui réunit 8 films de jeunes cinéastes, est dotée d’un prix qui sera remis par le Jury international. Cette année un YOUNG JURY PRIZE, sera également décerné à un film de la compétition de l’Âge d’Or par un jury composé d’étudiants des écoles d’art bruxelloises. Par ailleurs, le festival recevra de nombreux invités tels que Peter Gidal, une des figures majeures du cinéma indépendant britannique et mondial ; les cinéastes libanais Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, qui viendront présenter, après leur exposition individuelle au Jeu de Paume à Paris, une sélection de leurs films ainsi que des installations vidéo dans le foyer de CINEMATEK. Autres temps forts : un large programme consacré au cinéma expérimental et d’avant-garde de la côte Ouest des États-Unis (Bruce Baillie, Chick Strand et trois séances thématiques réunissant quelques trésors de la collection de l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences), un panorama de films produits en Asie (Philippines, Inde, Indonésie, Thaïlande) qui n’ont pas à proprement parler de tradition du cinéma expérimental et qui réunit des productions récentes et plus anciennes qui n’ont jamais ou presque été montrées en Europe. Mais aussi de nombreuses autres séances spéciales (live soundtrack, atelier de cinéma pour enfants, etc.) que nous vous invitons à découvrir.

EDITO

Van 06 tot 11 oktober is Âge d’Or opnieuw te gast in CINEMATEK voor de derde editie van de nieuwe formule, die in 2014 opstartte als volwaardig festival. Het wordt een rijk, gevarieerd programma dat onderzoek centraal stelt, net als de durf van een experimentele cinematografische aanpak die dicht aanleunt bij de werkelijkheid maar die evengoed het intieme, de verbeelding, het psychedelische en mythologische een stem geeft. Op het programma staan twee competitiesecties met films die de laatste drie jaar wereldwijd werden gedraaid: films uit Iran, Indonesië, Korea, Turkije, Oostenrijk, de Verengde Staten en België. ÂGE D’OR, een competitie met 22 nooit eerder in Brussel getoonde films, waarvan één door de internationale jury met het Âge d’Or Prijs bekroond zal worden. IMPATIENCE (genoemd naar de tweede film van Charles Dekeukeleire, uit 1928), is een nieuwe competitie voor éérste en tweede films. Deze competitie brengt 8 films van jonge cineasten, waarvan één de Prijs Impatience uitgereikt krijgt door de internationale jury. �� Dit jaar zal een jury bestaande uit studenten van Brusselse kunstscholen ook een YOUNG JURY PRIZE toekennen aan een film uit de competitie van Âge d’Or. Daarnaast ontvangt het festival een groot aantal gasten. Waaronder Peter Gidal, een van de belangrijke protagonisten van de Britse en globale onafhankelijke cinema en de Libanese filmmakers Joana Hadjithomas en Khalil Joreige die net na hun solotentoonstelling in Jeu de Paume in Parijs een selectie van hun films en video-installaties in de CINEMATEK-foyer komen presenteren. Er zijn nog andere hoogtepunten. Zo is er een rijk programma dat gewijd is aan de experimentele en avant-gardecinema van de Amerikaanse Westkust met Bruce Baillie, Chick Strand en drie thematische sessies met schatten uit de collectie van de Academy of Motion Picture Arts and Sciences (VS). We tonen ook een panorama met films uit Azië, namelijk uit de Filippijnen, India, Indonesië en Thailand, landen die strikt genomen geen experimentele filmtraditie hebben Het brengt recente en oudere producties bij elkaar die in Europa nauwelijks of nooit werden getoond. Tot slot nodigen we u uit om tal van andere speciale sessies te komen ontdekken, zoals live-soundtracks en workshops ‘zonder camera’ voor kinderen.

EDITORIAL

From the 6th until the 11th of October, L’Âge d’Or will return to the CINEMATEK for the third edition of its new formula, inaugurated in 2014, with a rich and varied program focused on the search and audacity of an experimental cinematic voice engaged with the real but also with the intimate, the imaginary, the psychedelic and the mythological. Within the program are two competitive sections that unite films made during the last three years from all over the world (Iran, Indonesia, Korea, Turkey, Austria, the United States and Belgium). L’ÂGE D’OR, a competition that unites 22 films never before shown in Brussels. One of the films will receive the Âge d’Or Prize from the international jury. IMPATIENCE (after the title of Charles Dekeukeleire’s second film, 1928) is a new competition for first and second films. This competition between 8 films by young filmmakers is endowed with a prize that will be awarded by the international jury. This year a YOUNG JURY PRIZE will also be awarded to a film within the Âge d’Or competition, by a jury comprised of students of various Brussels-based art schools. Moreover, the festival will receive numerous guests such as Peter Gidal, one of the major figures in British and global independent cinema; and the Lebanese filmmakers Joana Hadjithomas and Khalil Joreige, who will, after their solo-exposition at Jeu de Paume in Paris, present a selection of their films as well as a video installation in CINEMATEK’s foyer. Other highlights include: A large program dedicated to the experimental cinema and avant-garde of the US west coast (Bruce Baillie, Chick Strand and three thematic screenings that unite some treasures of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences), a panorama of films produced in Asia (Philippines, India, Indonesia, Thailand) which strictly speaking does not have a traditional experimental cinema. The panorama will also unite both recent and older productions that have never or rarely been shown in Europe. Finally, a number of other special screenings (live soundtrack, cinema workshop for children, etc) will take place, all of which we invite you to discover.

CONTENTS

SPECIAL EVENTS

OPENING NIGHT

ENCOUNTERS

BOOK PRESENTATIONS

CLOSING NIGHT

18 COMPETITIONS

INTERNATIONAL JURY

YOUNG JURY

ÂGE D’OR

IMPATIENCE

SCREENINGS

OTHER PROGRAMMES

INTRODUCTION TO PETER GIDAL

INTRODUCTION TO HADJITHOMAS & JOREIGE

THE WEST COAST

ALL MY LIFE, THE FILMS OF BRUCE BAILLIE

RITUALS INVOLVING, FILMS BY CHICK STRAND

ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE

ROBERT NELSON’S SUITE CALIFORNIA

COMPANY TOWN

ABCD – ASIAN EXPERIMENTAL CINEMA

EXPRMNTL FOR KIDS

108

PROGRAM SCHEDULE

110

COLOPHON

112

PRACTICAL INFORMATIONS

113

OPENING NIGHT

19:00

LA DEUXIÈME FEMME

WITH LIVE SOUNDTRACK

20:00

COCKTAIL

21:00

EXPRMNTL

WORLD PREMIERE

OPENING NIGHT

LA DEUXIÈME FEMME

JEU / DON / THU

colour, 48’, 16 mm, v : SILENT with LIVE SOUNDTRACK

06.10 / 19:00

« Il y a en moi la volonté de ne pas me galvauder dans des films qui ne méritent pas d’être faits. J’ai découvert qu’on pouvait réaliser des images en toute simplicité, sans être passé par une école. Le cinéma underground a osé. Avec lui, on adaptait son art à ses moyens. J’ai toujours travaillé seul et je n’ai ruiné que moi-même. » (Pierre Clémenti)

LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Balthazar Clémenti

LIVE SOUNDTRACK

SPECIAL EVENTS

PIERRE CLÉMENTI, FRANCE 1967-1978

Acteur inoubliable chez Buñuel, Pasolini, Garrel, Rocha ou Visconti, c’est avec son cachet de comédien pour le film Benjamin ou les mémoires d’un puceau de Michel Deville que Pierre Clémenti achète en 1967 sa première caméra Beaulieu 16 mm. Pendant plus de quinze ans, il filme au fil des jours et des rencontres une série de journaux intimes. Dans La deuxième femme, longtemps considéré comme inédit, Bulle Ogier et Viva, Nico et Tina Aumont, Philippe Garrel et Udo Kier, un spectacle de Béjart, une pièce de Marc’O, des concerts de Bob Marley et Patti Smith… pas toujours reconnaissables – passés comme dans l’accélérateur de particules d’un véritable maelström d’images psychédéliques.

OPENING NIGHT

Séance présentée par Balthazar Clémenti, fils de l’acteur-cinéaste. ‘Diep in mij zit het verlangen om me niet te verlagen met films die het niet verdienen gemaakt te worden. Ik heb ontdekt dat je beelden kan maken met heel eenvoudige middelen, zonder daarvoor naar school te zijn gegaan.

De undergroundcinema durfde: met hem paste men zijn kunst aan zijn middelen aan. Ik heb altijd alleen gewerkt en ik heb slechts mezelf geruïneerd.’ (Pierre Clémenti) Pierre Clémenti, een onvergetelijke acteur bij Buñuel, Pasolini, Garrel, Rocha of Visconti, koopt in 1967 – met wat hij verdient voor de film Benjamin ou les mémoires d’un puceau van Michel Deville – zijn eerste 16mm-Beaulieucamera. Gedurende meer dan vijftien jaar filmt hij aan de hand van dagelijkse ontmoetingen een reeks intieme dagboeken. In La deuxième femme, tot 2010 als onuitgegeven beschouwd, zien we Bulle Ogier en Viva, Nico en Tina Aumont, Philippe Garrel en Udo Kier, een optreden van Béjart, een stuk van Marc’O, concerten van Bob Marley en Patti Smith (niet altijd herkenbaar)… Het is als een maalstroom van psychedelische beelden die door een deeltjesversneller worden gedraaid. Projectie ingeleid door Balthazar Clémenti, zoon van de acteur-filmmaker.

In 1967, Pierre Clémenti, an unforgettable actor in Buñuel, Pasolini, Garrel, Rocha or Visconti, buys with what he earns for Michel Devill’s film Benjamin ou les mémoires d’un puceau his first 16mm Beaulieu camera. Over the course of more than fifteen years, Clémenti films a series of intimate diaries, starting from daily encounters. In La deuxième femme, considered unpublished until 2010, we see Bulle Ogier and Viva, Nico and Tina Aumont, Philippe Garrel and Udo Kier, a performance by Béjart, a piece by Marc’O, concerts by Bob Marley and Patti Smith (not always recognisable)... It’s like a maelstrom of psychedelic images that are passed through a particle accelerator. Screening introduced by Balthazar Clémenti, son of the actor and filmmaker.

OPENING NIGHT

‘There is, deep in me, the desire not to demean myself in films that do not deserve to be made. I discovered that one could produce images with ease, without going through a school. The underground cinema dared. With it, we adapted our art to its means. I always worked alone and I have ruined nobody but myself.’ (Pierre Clémenti)

OPENING NIGHT JEU / DON / THU

SOUNDTRACK FOR THE MOVIES OF

PIERRE CLÉMENTI

06.10 / 19:00

VINCENT EPPLAY & SAMON TAKAHASHI

LEDOUX

Vincent Epplay est un artiste du son et de l’image. Si les catalogues d’illustration sonore et autres disques d’étalonnage hi-fi forment la matière première de sa pâte sonore, c’est pour mieux les détourner de leur fonction illustrative et interroger la matérialité même du son. Il a aussi enregistré des bandes-son pour le cinéma et collaboré à de multiples reprises avec Jac Berrocal et David Fenech. Acteur, plasticien et musicien, Samon Takahashi multiplie les glissements d’une pratique à l’autre. Il joue dans le groupe GOL, a enregistré avec Luc Ferrari, Ghédalia Tazartès et Ramuntcho Matta. Vincent Epplay et Samon Takahashi explorent différents mondes musicaux (électro-acoustiques, improvisés, composés, krautrock, etc.) depuis plus de dix ans. En 2010, ils ont sorti le LP Soundtracks for the Movies of Pierre Clémenti sur le label Planam.

présenté par/ingeleid door/introduced by

Balthazar Clémenti

LIVE SOUNDTRACK

Vincent Epplay is een beelden geluidskunstenaar. Sounddesigncatalogi en andere hifi-kalibratieplaten vormen de grondstof van zijn geluid. Daarbij stapt Epplay echter af van een illustratieve, functionele aanpak en stelt in plaats daarvan vooral de vraag naar de materialiteit zelf van geluid. Hij heeft ook soundtracks opgenomen voor film en werkte herhaaldelijk samen met Jac Berrocal en David Fenech. Acteur, kunstenaar en muzikant Samon Takahashi glipt van de ene praktijk in de andere. Hij speelt in de groep GOL en nam muziek op met Luc Ferrari, Ghédalia Tazartès en Ramuntcho Matta. Vincent Epplay en Samon Takahashi verkennen al meer dan tien jaar verschillende muzikale werelden: elektroakoestische en geïmproviseerde muziek, composities, krautrock, enzovoort. In 2010 brachten ze de LP Soundtracks for the Movies of Pierre Clémenti uit op het label Planam. Vincent Epplay is an artist of sound and image. Sound design catalogues and other hi-fi calibration records form the raw material for his sound, yet Epplay moves away from an illustrative, functional approach: above all, he wants to question the very materiality of sound. He has also recorded soundtracks for film and has repeatedly collaborated with Jac Berrocal and David Fenech. Actor, artist and musician Samon Takahashi shifts from one practice to the other. He plays in the band GOL and has recorded with Luc Ferrari, Ghédalia Tazartès and Ramuntcho Matta. For more than ten years, Vincent Epplay and Samon Takahashi have explored all kinds of musical worlds: electro-acoustic and improvised music, compositions, krautrock, etcetera. In 2010, they released the LP Soundtracks for the Movies of Pierre Clémenti on the Planam label.

In partnership with rue crickxstraat

1060 s t. g illis

ww w.lesateliersclaus.com

2 534 5 1 03

OPENING NIGHT JEU / DON / THU

06.10 / 21:00 LEDOUX WORLD PREMIERE

EXPRMNTL

SPECIAL EVENTS

BRECHT DEBACKERE, BELGIUM 2016

colour, ca. 60’, DCP, v : ENG, NL, FR, sub : FR-DU

Avec des interviews de / Met interviews van / With interviews with : Harun Farocki, Agnès Varda, Jonas Mekas, Peter Kubelka, Birgit Hein, Gabrielle Claes, Jean-Jacques Lebel, Eric De Kuyper, Godfried-Willem Raes, Roland Lethem, Boris Lehman, Robert Stéphane, Werner Nekes.

Knokke, Belgique. Une petite station balnéaire mondaine, lieu de villégiature du « beau monde » et lieu de naissance du premier festival au monde dédié au cinéma d’avant-garde : EXPRMNTL. Le festival n’a connu que cinq éditions, en 1949, 1958, 1963, 1967 et 1974, mais chacune d’elles est vite devenue mythique. Le documentaire EXPRMNTL raconte le cinéma expérimental à travers l’histoire de ce festival. Une histoire qui questionne la nature même du cinéma et les origines de notre culture de l’image.

OPENING NIGHT

Knokke, België. Een kleine mondaine kustplaats, thuis basis van de beau monde en bakermat van ‘s werelds eerste festival gewijd aan avant-gardecinema: EXPRMNTL. Het festival kende slechts vijf edities, in 1949, 1958, 1963, 1967 en 1974, maar die vijf edities namen al snel mythische proporties aan. De documentaire EXPRMNTL vertelt het verhaal van de experimentele film aan de hand van de geschiedenis van dit festival, een geschiedenis die de aard van film in vraag stelt en de oorsprong van onze beeldcultuur belicht. Knokke, Belgium. A small mundane coastal town, home to the beau monde and cradle of the world’s first festival dedicated to avant-garde cinema: EXPRMNTL. The festival knew only five editions, in 1949, 1958, 1963, 1967 and 1974 but those five editions soon became legendary. The documentary EXPRMNTL tells the story of experimental film through the history of this festival, a history which questions the very nature of film and illuminates the origins of our visual culture.

ENCOUNTERS SAM / ZAT / SAT

08.10 / 11:00 LEDOUX

MASTERCLASS SPECIAL EVENTS HADJITHOMAS AND JOREIGE Masterclass en français autour de l’œuvre des plasticiens et cinéastes Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, animée par Dirk Snauwaert (Directeur artistique du WIELS, Centre d’Art Contemporain), et illustrée de courts métrages. Masterclass in het Frans met kunstenaars en filmmakers Joana Hadjithomas en Khalil Joreige, geleid door Dirk Snauwaert (Artistiek directeur van WIELS, Centrum voor Hedendaagse Kunst) en geïllustreerd door kortfilms.

In partnership with

ENCOUNTERS

Masterclass in French by artists and filmmakers Joana Hadjithomas and Khalil Joreige, hosted by Dirk Snauwaert (Artistic Director of WIELS, Contemporary Art Centre), illustrated by several shorts.

ENCOUNTERS DIM / ZON / SUN

09.10 / 16:30 LEDOUX 14:00

The Lost Film

15:00

The Lebanese Rocket Society

16:30 Discussion with Hadjithomas and Joreige

DISCUSSION SPECIAL EVENTS WITH HADJITHOMAS AND JOREIGE Suite à la projection de The Lost Film et The Lebanese Rocket Society, Stoffel Debuysere animera une conversation en anglais avec Joana Hadjithomas et Khalil Joreige dans le cadre de DISSENT ! Na de vertoning van de The Lost Film en The Lebanese Rocket Society, een gesprek in het Engels met Joana Hadjithomas en Khalil Joreige, geleid door Stoffel Debuysere in het kader van DISSENT!

ENCOUNTERS

Following the screening of The Lost Film and The Lebanese Rocket Society, a conversation with Joana Hadjithomas and Khalil Joreige, hosted by Stoffel Debuysere in the context of DISSENT!

DISSENT ! is an initiative of Argos, Auguste Orts and Courtisane, in the framework of the research project “Figures of Dissent” (KASK/HoGent), with the support of Vlaamse Gemeenschap.

BOOK PRESENTATIONS

SPECIAL EVENTS

Des présentations de livres rythmeront également le festival samedi, dimanche et lundi entre les deux séances du soir. L’occasion de rencontrer autour d’un verre et de quoi se restaurer les auteurs et éditeurs de trois livres. Samedi, Peter Gidal et Mark Webber partageront avec nous l’aventure de Flare Out: Aesthetics 1966-2016. Dimanche, Garbiñe Ortega présentera la première monographie entièrement consacrée à Bruce Baillie dont elle prépare la publication. Lundi nous accueillerons Birgit Hein, présidente du jury de la première éditon du festival L’Âge d’Or et cinéaste incontournable de la scène expérimentale pour son ouvrage Film als Idee. Dit jaar geven ook boekvoorstellingen kleur aan het festival : zaterdag, zondag en maandag is er, tussen de twee avondvoorstellingen, de gelegenheid om bij een goed glas en een hapje de auteurs en uitgevers van drie boeken te ontmoeten. Zaterdag zullen Peter Gidal en Mark Webber hun avontuur met ons delen rond Flare Out: Aesthetics 1966-2016. Zondag zal Garbiñe Ortega de eerste monografie volledig gewijd aan Bruce Baillie voorstellen. Ze is momenteel de publicatie aan het voorbereiden. Maandag zullen we Birgit Hein ontvangen, juryvoorzitster van de eerste editie van het Âge d’Or Festival en onmiskenbare sleutelfiguur van de experimentele scene, haar werk Film als Idee. The festival will also be marked by book presentations: Saturday, Sunday and Monday between the two evening screenings, the authors and editors of three books will meet us over drinks and a bite to eat. On saturday, Peter Gidal and Mark Webber will share with us Flare Out: Aesthetics 19662016. On sunday, Garbiñe Ortega will present the first monograph dedicated entirely to Bruce Baillie, whose publication she is preparing. On Monday we will be welcoming Birgit Hein, president of the jury of the first Âge d’Or Festival’s edition and key figure of the experimental scene, to introduce her last essay: Film als Idee.

BOOK / PETER GIDAL SAM / ZAT / SAT

08.10 / 20:00 LOBBY

FLARE OUT: AESTHETICS 1966-2016 PETER GIDAL WITH MARK WEBBER, 2016

Published by The Visible Press, ENGLISH, 288 pages

Publié sous la direction de Mark Webber et Peter Gidal chez The Visible Press, Flare Out: Aesthetics 1966–2016 est une compilation d’essais, reprenant entre autres « Theory and Definition of Structural/Materialist Film » ainsi que des textes sur la métaphore, la narration, et le refus la représentation de la sexualité. D’autres textes abordent les caractéristiques propres aux œuvres de Samuel Beckett, Thérèse Oulton, Gerhard Richter et Andy Warhol.

BOOK / PETER GIDAL

Uitgegeven door Mark Webber en Peter Gidal bij The Visible Press is Flare Out: Aesthetics 1966–2016 een verzameling van essays, met onder andere ‘Theory and Definition of Structural/Materialist Film’ en andere teksten rond het gebruik van metafoor en verhaal – en tegen seksuele representatie. Er worden ook individuele werken besproken van Samuel Beckett, Thérèse Oulton, Gerhard Richter en Andy Warhol, steeds vanuit hun specificiteit. Edited by Mark Webber and Peter Gidal at The Visible Press, Flare Out: Aesthetics 1966–2016 is a collection of essays that includes ‘Theory and Definition of Structural/Materialist Film’ and other texts on metaphor, narrative, and against sexual representation. Also discussed in their specificity are works by Samuel Beckett, Thérèse Oulton, Gerhard Richter and Andy Warhol.

BOOK / BRUCE BAILLIE DIM / ZON / SUN

09.10 / 20:00 LOBBY

SOMEWHERE BETWEEN HERE AND HEAVEN: THE FILMS OF BRUCE BAILLIE GARBIÑE ORTEGA WITH SANDRA GÓMEZ, 2016

Published by Interior XIII / Distrital Film Festival, ENGLISH-SPANISH

« J’ai toujours admiré les films de Bruce Baillie. Je les ai d’abord programmés au Mexique où, à ma grande surprise, ils n’avaient jamais été projetés. Je suis entrée en contact avec Bruce et nous avons initié, de manière très naturelle, une correspondance sur la vie et le cinéma au cours de laquelle je me suis aperçue qu’il était peu connu en dehors des États-Unis et que son œuvre et sa manière d’aborder l’art méritaient un hommage. » (Garbiñe Ortega)

BOOK / BRUCE BAILLIE

Cet ouvrage bilingue anglais/espagnol, coordonné par Garbiñe Ortega et Sandra Gómez, édité au Mexique et rendu possible par la même campagne de financement participatif que la rétrospective itinérante des films de Bruce Baillie qui passe par L’Âge d’Or cette année, sera le premier livre entièrement consacré au cinéaste américain. Il comprendra des textes de Steve Anker, Peter Hutton, Denah Johnston, Janis Crystal Lipzin, Scott MacDonald, Richard Peña, Andréa Picard, J.P. Sniadecki, Ben Rivers et Peter Tscherkassky et inclura des lettres de Chick Strand et Stan Brakhage.

Dit tweetalig Engels/Spaans boek werd gecoördineerd door Garbiñe Ortega en Sandra Gómez en is uitgegeven in Mexico. De uitgave werd mogelijk gemaakt door dezelfde crowdfundingcampagne die gebruikt werd voor het rondreizende Bruce Baillie-retrospectief dat dit jaar ook Âge d’Or aandoet en is het eerste volledig aan de Amerikaanse filmmaker gewijde boek. Met teksten van Steve Anker, Peter Hutton, Denah Johnston, Janis Crystal Lipzin, Scott MacDonald, Richard Peña, Andréa Picard, J.P. Sniadecki, Ben Rivers en Peter Tscherkassky en brieven van Chick Strand en Stan Brakhage. “Ik heb de films van Bruce Baillie altijd bewonderd. Eerst begon ik ze te programmeren in Mexico, waar ze tot mijn verbazing nog nooit vertoond waren. Ik kwam in contact met Bruce en begon op een heel losse manier een correspondentie met hem over het leven en film. Tijdens die briefwisseling werd me duidelijk dat hij weinig bekend was buiten de Verenigde Staten en dat zijn werk en zijn manier van kunst begrijpen een eerbetoon verdienden.” (Garbiñe Ortega)

BOOK / BRUCE BAILLIE

This bilingual English/Spanish book is coordinated by Garbiñe Ortega and Sandra Gómez, and is published in Mexico. The publication is made possible by the same crowdfunding campaign as was used for the itinerant retrospective of films by Bruce Baillie wich comes to Âge d’Or this year, and is the first book entirely devoted to the American filmmaker. Texts by Steve Anker, Peter Hutton, Denah Johnston, Janis Crystal Lipzin, Scott MacDonald, Richard Peña, Andréa Picard, J.P. Sniadecki, Ben Rivers and Peter Tscherkassky and letters by Chick Strand and Stan Brakhage. “I have always admired Bruce Baillie’s films. I first began programming them in Mexico where, to my surprise, they had never been screened. I entered into contact with Bruce and began a correspondence with him about life and cinema in a very natural way, during which I sensed that he was little-known outside of the United States, and that his work and way of understanding art deserved tribute.” (Garbiñe Ortega)

FILM ALS IDEE

LUN / MAA / MON

Birgit Hein fait partie des cinéastes qui ont eu à la fois une influence durable sur l’histoire du cinéma expérimental et qui continuent à influencer la scène d’avant-garde actuelle. En plus des films qu’elle a réalisés, elle a écrit de nombreux textes critiques qui, dès les années 1970, ont aidé à rendre le public du cinéma et des autres arts sensible au cinéma expérimental. Birgit Hein fait valoir qu’il est impossible de faire des films sans avoir une idée des possibilités et des objectifs concrets du média cinématographique et que chaque projet de film doit être basé sur cette idée. Ce volume, qui comprend des textes écrits au cours de quatre décennies, propose une sélection d’articles de Birgit Hein et d’entretiens avec la cinéaste, illustré de nombreuses photographies inédites.

LOBBY

BIRGIT HEIN, 2016

Published by Vorwerk 8 Verlage, GERMAN-ENGLISH, 392 pages

Birgit Hein behoort tot de filmmakers die een blijvende invloed hebben op de geschiedenis van experimentele film en tegelijk de actuele experimentele scene beïnvloeden. Bovenop het maken van films schreef Hein ook een aantal kunstkritische teksten die hebben geholpen om het genre van de experimentele film vanaf de jaren zeventig een plaatsje te geven in het bewustzijn van een in film en kunst geïnteresseerd publiek. Birgit Hein stelt dat het onmogelijk is films te maken zonder een idee te hebben van de werkelijke mogelijkheden en doelstellingen van het medium film en dat elke filmproject gebaseerd moet zijn op dit idee. Dit volume, met teksten uit vier decennia, bevat een selectie van de belangrijkste teksten van, en interviews met Birgit Hein, aangevuld met commentaren en tal van ongepubliceerde foto’s. Birgit Hein belongs to the filmmakers who have had a lasting influence on the history and the present scene of the experimental film. In addition to her films she wrote a number of critical texts that, since the 1970’s, helped to establish in the consciousness of a public, interested in art and film, the genre of experimental film. Birgit Hein argues that film work is impossible without a notion of the actual possibilities and purposes of the film medium, and that every single film project must be based on this general idea. Surveying a period of four decades the volume comprises a selection of Birgit Heins most important texts and interviews, complemented by commentaries and numerous unpublished photographies, which finally become accessible.

BOOK / BIRGIT HEIN

10.10 / 20:00

BOOK / BIRGIT HEIN

CLOSING NIGHT MAR / DIN / TUE

11.10 / 21:00 LEDOUX

HAVARIE

SPECIAL EVENTS

PHILIP SCHEFFNER, GERMANY-FRANCE 2016

colour, 93’, DCP, v : ENG-FR-ARABIC, sub : ENG

Le 14 septembre 2012 à 14h56, le navire de croisière « Adventure of the Seas » rapporte au Centre de secours maritime espagnol qu’il a repéré un canot à la dérive avec treize personnes à bord. À partir d’un clip trouvé sur YouTube et de scènes biographiques, une chorégraphie visuelle qui reflète le passé, le présent et l’avenir des voyageurs en Méditerranée.

CLOSING NIGHT

Op 14 september 2012 om 14.56 u. rapporteert het cruiseschip Adventure of the Seas aan het Spaanse Maritime Rescue Centre dat het een rubberboot waarneemt die ronddobbert met 13 personen aan boord. Vertrekkende van een YouTube-filmpje en biografische scènes ontwikkelt zich een choreografie die het verleden, het heden en de toekomst van de reizigers op de Middellandse Zee weergeeft. On 14.09.2012 at 2:56pm, the cruise liner Adventure of the Seas reports to the Spanish Maritime Rescue Centre the sighting of a dinghy adrift with 13 persons on board. From a YouTube clip and biographical scenes evolves a choreography reflecting the past, present and future of the voyagers on the Mediterranean. In partnership with

COMPETITIONS

TWO INTERNATIONAL COMPETITIONS

TWO JURIES – THREE PRIZES Pour sa troisième édition, l’Âge d’Or Festival propose deux compétitions : ÂGE D’OR et IMPATIENCE. Un Jury international composé de Mieke De Wulf (présidente), Shai Heredia et Mark Toscano décernera le Prix de l’Âge d’Or (5 000 �� €�� ) et le Prix Impatience (2 500 �� €�� ) dans les compétitions éponymes. Un Young Jury composé d’étudiants en écoles d’art remettra également un prix (1 000 €) à un film de la compétition Âge d’Or. Les films des deux compétitions se côtoieront à l’intérieur de sept programmes poétiques et subversifs. Voor deze derde editie, stelt het Âge d’Or festival twee competities voor: ÂGE D’OR en IMPATIENCE. De internationale jury, samengesteld uit Mieke De Wulf (voorzitster), Shai Heredia en Mark Toscano, zal de Âge d’Or-prijs (€ 5.000) en de Impatience-prijs (€ 2.500) toekennen. Studenten van verschillende kunstscholen zullen als ‘Young Jury’ eveneens een prijs (€ 1.000) toekennen aan een film uit de Âge d’Or-competitie. De films uit de twee competities worden samen opgenomen in zeven verschillende poëtische en subversieve programma’s. For its third edition, the Âge d’Or Festival is running two competitions: ÂGE D’OR and IMPATIENCE. An international Jury comprised of Mieke De Wulf (president), Shai Heredia and Mark Toscano will be awarding the �� Âge�� d’Or Prize (€ 5,000) and the Impatience Prize (€ 2,500) in the eponymous competitions. A Young Jury composed of art school students will also be awarding a prize (€ 1,000) to a film in the Âge d’Or competition. Films from both competitions will run alongside each other within seven poetic and subversive programs.

INTERNATIONAL JURY MIEKE DE WULF PRESIDENT OF THE JURY Mieke De Wulf est productrice. Jusqu’en 2009, elle œuvre au sein de A Private View, société de production gantoise qu’elle a co-fondée en 1994 et où elle a développé et accompagné plus de 25 films, fictions et documentaires, tous distribués internationalement. Elle est également la fondatrice et directrice de Art Cinema OFFoff, une plateforme de projection et de recherche dévolue au cinéma expérimental. Depuis 2009, elle enseigne la production aux départements cinéma de la School of Arts à Gand et de la LUCA School of Arts à Bruxelles. Elle travaille actuellement comme consultante freelance et comme productrice de films expérimentaux et documentaires. Mieke De Wulf is producente en lineproducer. Tot 2009 werkte ze voor het Gentse productiehuis A Private View, dat ze in 1994 mee oprichtte en waar ze op meer dan 25 langspeelfilms en documentaires heeft gewerkt, die ook internationaal gedistribueerd werden. Ze is de bezieler van Art Cinema OFFoff, een vertonings- en onderzoeksplatform voor experimentele film, waar ze tot vandaag instaat voor de zakelijke leiding. Sinds 2009 doceert De Wulf filmproductie aan de filmafdelingen van de School of Arts in Gent en LUCA School of Arts in Brussel. Daarnaast is ze nog actief als freelance-consultant en producer van experimentele films en documentaires. Mieke De Wulf is producer as well as line producer. Until 2009, she worked for Ghent production house A Private View, which she co-founded in 1994 and where she has worked on more than 25 internationally distributed films, both feature films and documentaries. She is the founder and manager of Art Cinema OFFoff, a screening and research platform for experimental film. Since 2009 De Wulf teaches film production at the film departments of School of Arts, Ghent and LUCA School of Arts, Brussels. She is currently working as a freelance consultant and a producer of experimental films and documentaries.

SHAI HEREDIA Shai Heredia est cinéaste et programmatrice. Après ses études au St. Xaviers College (Bombay) et au Goldsmiths College (Londres), elle fonde Experimenta, le festival international du cinéma expérimental en Inde (2003). Elle a conçu des programmes de cinéma expérimental pour des festivals et des salles indépendantes à travers le monde, dont la Berlinale et la Tate Modern de Londres. Son film I Am Micro, coréalisé avec Shumona Goel (2012), a été montré aux festivals de Toronto, Londres, Rotterdam, et à L’Âge d’Or en 2014. Acclamé par la critique, il a reçu un National Award du gouvernement indien. An Old Dog’s Diary, le dernier film en date de Heredia et Goel (2015) a reçu quant à lui le prix du meilleur court métrage au BFI London international Festival. Shai Heredia vit actuellement à Bangalore où elle enseigne au Srishti Institute of Art, Design and Technology et où elle dirige Experimenta India. Shai Heredia is filmmaakster en curatrice. Ze studeerde aan het St.Xaviers College in Mumbai en het Goldsmiths College in Londen. In 2003 richtte ze Experimenta op, het internationale festival voor experimentele cinema in India. Ze heeft experimentele filmprogramma’s samengesteld op filmfestivals en kunstlocaties wereldwijd, waaronder de Berlinale en Tate Modern. Haar film I Am Micro uit 2012, met Shumona Goel als co-regisseur, werd vertoond op de internationale filmfestivals van Toronto, Londen en Rotterdam – en in 2014 op Âge d’Or. De film kreeg lovende kritieken en won een National Award van de Indische regering. Heredia & Goel’s nieuwste film An Old Dog’s Diary (2015) won de prijs van beste kortfilm op het BFI London International Film Festival en wordt momenteel getoond op festivals wereldwijd. Heredia woont momenteel in Bangalore, waar ze doceert aan het Srishti Institute of Art, Design and Technology en Experimenta India runt. Shai Heredia is a filmmaker and curator. She studied at St. Xaviers College, Mumbai and Goldsmiths College, London. In 2003, she founded Experimenta, the international festival for experimental cinema in India. She has curated experimental film programs at film festivals and art venues worldwide, including the Berlinale, Germany and the Tate Modern, London. Her film I Am Micro, (2012) co-directed with Shumona Goel, was screened at the international film festivals of Toronto, London and Rotterdam – and L’Âge d’Or in 2014. The film received critical acclaim and won a National Award from the Government of India. Heredia & Goel’s’s latest film An Old Dog’s Diary (2015), won the Best Short Film award at the BFI London International Film Festival, and is currently being screened at festivals worldwide. As an arts grantmaker with the India Foundation for the Arts (2006-2011), Heredia set up the curatorship and arts practice grant programmes. Heredia is currently based in Bangalore, India where she teaches at the Srishti Institute of Art, Design and Technology and runs Experimenta India.

INTERNATIONAL JURY

INTERNATIONAL JURY MARK TOSCANO Mark Toscano travaille depuis 2003 à l’Academy Film Archive à Los Angeles, où il est spécialisé dans la programmation, la conservation et la préservation de films d’artistes. Il opère à partir des collections de plus de cent cinéastes, et a supervisé la conservation et la préservation de centaines de films, dont ceux de Stan Brakhage, Gus Van Sant, Pat O’Neill, et de nombreux autres. Il a programmé et présenté différents programmes, notamment au MoMa (New York), à Arsenal (Berlin), à la Tate Modern (Londres), et dans de nombreux festivals, comme Rotterdam, Londres, Oberhausen et Zagreb. Il est également programmateur et membre du conseil d’administration du Los Angeles Filmforum. Il a donné des conférences sur le cinéma expérimental et sa conservation dans différentes universités, et enseigne l’histoire du cinéma expérimental d’animation à CalArts (Los Angeles). Sinds 2003 werkt Mark Toscano in het Academy Film Archive in Los Angeles, waar hij gespecialiseerd is in het programmeren, conserveren en preserveren van kunstenaarsfilms. Hij werkt met de collecties van meer dan 100 filmmakers en had de supervisie over de conservering en preservering van honderden films, waaronder werk van Stan Brakhage, Chick Strand, Tacita Dean, Penelope Spheeris, de Whitney brothers, Gus Van Sant, Pat O’Neill en vele anderen. Hij heeft op tal van locaties programma’s met archiefmateriaal samengesteld en gepresenteerd, waaronder MoMA, Arsenal en Tate Modern en op festivals in Rotterdam, Londen, Oberhausen en Zagreb. Toscano is programmator en bestuurslid van het Los Angeles Filmforum, dat experimentele cinema toont. Hij gaf lezingen aan tal van universiteiten over experimentele film en archivering en doceert geschiedenis van de experimentele animatiefilm aan CalArts in LA. Since 2003, Mark Toscano has worked at the Academy Film Archive in Los Angeles, where he specializes in the curation, conservation, and preservation of artists’ films. He works with the collections of over 100 filmmakers, and has overseen the conservation and preservation of hundreds of films, including work by Stan Brakhage, Chick Strand, Tacita Dean, Penelope Spheeris, the Whitney Brothers, Gus Van Sant, Pat O’Neill, and many others. He has curated and presented programs of archival work at numerous venues, including MoMA, Arsenal, Tate Modern, and festivals in Rotterdam, London, Oberhausen, Zagreb, and elsewhere. He is a programmer and board member of Los Angeles Filmforum, an experimental cinema exhibitor. He has lectured at various universities on experimental film and archiving, and teaches the History of Experimental Animation at CalArts.

En 2016, le festival crée un nouveau prix, le YOUNG JURY PRIZE (1 000 €). Ce prix sera décerné à un des films de la compétition de l’Âge d’Or par un jury d’étudiants issus des écoles d’art bruxelloises. De cette manière, le festival entend favoriser la rencontre entre des artistes en devenir et une création cinématographique actuelle et audacieuse dont il se veut aujourd’hui le reflet. En plus del’attribution de ce prix, les jurés interviendront comme ambassadeurs du festival dans le cadre du projet ABCinema : une initiative soutenue par le programme Creative Europe de l’Union européenne. Le YOUNG JURY 2016 se compose de Lola Biard (étudiante en BAC2 à l’ERG), Mierien Coppens (étudiant en master Cinéma à la LUCA School of Arts), Vinnie De Craim (bachelier en Cinéma de fiction au RITCS), Maxime Jean-Baptiste (étudiant en BAC3 à l’ERG), Jean Tertain (étudiant en master Vidéo à l’ERG). En 2017, les jeunes jurés se verront également offrir une carte blanche à CINEMATEK. In 2016 creëert het festival een nieuwe prijs, de YOUNG JURY PRIZE (€ 1 000). Een jury van studenten aan Brusselse kunstscholen reikt deze prijs uit aan een film uit de Âge d’Or 2016-competitie. Hij wil de ontmoeting tussen opkomende kunstenaars bevorderen en actuele en gedurfde films ondersteunen, wat precies ook de doelstelling van het festival is. Naast hun deelname aan deze prijs, interveniëren de juryleden ook als ambassadeurs van het festival in het kader van het ABCinema-project. ABCinema is een Europees initiatief dat wordt ondersteund door het Creatief Europa-programma van de Europese Unie. De YOUNG JURY 2016 bestaat uit Lola Biard, studente BAC2 aan ERG; Mierien Coppens, masterstudent Film aan LUCA School of Arts; Vinnie De Craim, bachelorstudent Film aan het RITCS; Jean Tertain, masterstudent Video aan ERG; en Maxime Jean-Baptiste, student BAC3 aan ERG. In 2017 krijgen de jonge juryleden ook een carte blanche bij CINEMATEK. In 2016, the festival creates a new prize, the YOUNG JURY PRIZE (€ 1 000). A jury consisting of students from Brussels art schools will award this prize to a film from the 2016 Âge d’Or competition. As such, it aims to encourage upcoming artists to meet each other and to support contemporary and bold filmmaking, which today is precisely the festival’s goal. In addition to their participation in this award, jury members will also intervene as ambassadors of the festival in the context of the ABCinema project. ABCinema is a European initiative supported by the European Union’s Creative Europe programme. The YOUNG JURY 2016 consists of Lola Biard, student in BAC2 at ERG; Mierien Coppens, master’s student in Film at LUCA School of Arts; Vinnie De Craim, bachelor’s student in Film at RITCS; Jean Tertain, master’s student in Video at ERG; and Maxime Jean-Baptiste, student in BAC3 at ERG. In 2017, the young jurors will also be offered a carte blanche at CINEMATEK.

In partnership with

YOUNG JURY

L'Âge d'Or, Luis Buñuel 1930

ÂGE D’OR La compétition de l’Âge d’Or est créée pour mettre en valeur des films produits au cours de ces trois dernières années. Vingt-deux films sélectionnés sans distinction de genre ou de durée qui, sans tomber dans le formalisme et en étant en prise avec des réalités ou des imaginaires singuliers, explorent de nouvelles voies d’expression s’écartant des conformismes cinématographiques. Deux Prix seront attribués pour soutenir les cinéastes dans leur travail : le Prix de l’ÂGE D’OR (5 000 €) décerné par le Jury international ainsi que le YOUNG JURY PRIZE (1 000 €) De Âge d’Or-competitie wil recente films - gemaakt in de laatste drie jaar – tot hun recht laten komen. De 22 films, allen innig verstrengeld met bijzondere reële en imaginaire denkbeelden en gekozen zonder onderscheid te maken op basis van genre of duur, verkennen nieuwe stijlen die afwijken van het cinematografisch conformisme zonder daarom te vervallen in een formalistische aanpak. De twee prijzen worden uitgereikt om cineasten te steunen in de verdere ontwikkeling van hun werk: de ÂGE D’OR prijs (€ 5.000), toegekend door de internationale jury, en de YOUNG JURY PRIZE (€ 1.000). The Âge d’Or competition was created to validate films produced during the last three years. Twentytwo films selected without genre or duration distinctions, which avoid falling into formalism and are engaged with singular realities or imaginaries, explore new routes of expression whilst departing from cinematographic conventions. Two prizes will be given to support the filmmakers in their work: the ÂGE D’OR Prize (€ 5,000) awarded by the international jury, and the YOUNG JURY PRIZE (€ 1,000).

FILMS IN COMPETITION

ÂGE D’OR

A Window is a Mirror is a Window / Peter Roehsler, Austria 2014 – 2’

Bird / Margaret Salmon, UK 2016 – 4’

Cathode Garden / Janie Geiser, USA 2015 – 8’

DROGA / Miko Revereza, Philippines-USA 2014 – 8’

Ears, Nose and Throat / Kevin Jerome Everson, USA 2016 – 10’

Felis catus / Vivienne Dick, UK 2016 – 6’

Gasometers 3 / Nicky Hamlyn, UK 2015 – 14’

Haus und All (House and Universe) / Antoinette Zwirchmayr, Austria 2015 – 4’

Host, The / Miranda Pennel, UK 2015 – 59’

Line of Apsides / Julie Murray, USA 2006-2014 – 12’

Masked Monkeys, The / Anja Dornieden & Juan David Gonzáles Monroy, Germany-Indonesia 2015 – 30’

Papagaio (Djambi) / João Maria Gusmão & Pedro Paiva, Portugal 2014 – 43’

Peacock, The / Andrew Kim, USA 2015 – 12’

Personne / Christoph Girardet & Matthias Müller, Germany 2016 – 15’

Prima Materia / Charlotte Pryce, USA 2015 – 3’

Scales in the Spectrum of Space / Fern Silva, USA 2015 – 7’

Second Sun / Leslie Supnet, Canada 2014 – 3’

Silence of Ani, The / Francis Alÿs, Turkey 2015 – 13’

Something Between Us / Jodie Mack, USA 2015 – 10’

There is a Happy Land Further Awaay / Ben Rivers, UK 2015 – 20’

Vivir para vivir / Live To Live / Laida Lertxundi, Spain-USA 2015 – 11’

Wunderschön und ruhig gelegen (In a Beautiful and Quiet Location) / Lukas Marxt & Jakub Vrba, Austria 2015 – 13’

Impatience, Charles Dekeukeleire 1928

IMPATIENCE Baptisé en écho à l’oeuvre éponyme de Charles Dekeukeleire, la compétition Impatience a pour ambition de révéler les cinéastes à l’aube de leur parcours cinématographique. Le Prix IMPATIENCE d’une valeur de 2 500 € sera décerné par le Jury international à un premier ou deuxième film d’un jeune cinéaste qui questionne le langage cinématographique de manière personnelle et originale, développant un point de vue singulier sur le monde. In navolging van de gelijknamige film van Charles Dekeukeleire zal de IMPATIENCE-prijs ter waarde van € 2.500 door de internationale jury worden toegekend aan een eerste of tweede film van een jonge filmmaker/maakster die het medium film op een persoonlijke en originele manier benadert en die tegelijk een subjectieve en unieke kijk heeft op het gekozen onderwerp. Taking its cue from Charles Dekeukeleire’s film of the same name, the Impatience Competition aims to reveal filmmakers at the dawn of their cinematic careers. The IMPATIENCE prize, worth € 2,500, will reward the film of a young filmmaker (first or second film) that questions the medium in a personal and original way and develops a unique perspective on the world.

FILMS IN COMPETITION

IMPATIENCE

Aqui estamos agora (Here We Are Now) / Mieriën Coppens, Belgium 2014 – 14’

Archipels, granites dénudés / Daphné Hérétakis, France-Greece 2014 – 25’

Footage / Minjung Kim, South Korea-USA 2015 – 3’

If I Were any Further Away I’d Be Closer to Home / Rajee Samarasinghe, Sri Lanka-USA 2016 – 15’

Remembering the Pentagons / Azadeh Navai, USA-Iran 2015 – 23’

Sin Dios ni Santa Maria (Neither God nor Santa Maria) / Samuel M. Delgado & Helena Girón, Spain 2015 – 12’

Sweet Oranges / Nora Sweeney, USA 2014 – 18’

What I’m Not ? / Stefka Benisheva, Belgium 2015 – 3’

COMPETITION #1 – 82’

REMEMBERING THE PENTAGONS

VEN / VRIJ / FRI

colour + b&w, 23’, 16 mm, v : ENG, sub : —

07.10 / 17:00

Un voyage contemplatif, à la fois lent et rythmé, au plus profond des mémoires d’enfance de la cinéaste Azadeh Navai (née à Téhéran en 1985). Munie d’une ancienne caméra Bolex 16 mm et d’un sténopé, la cinéaste retourne à Téhéran et Ispahan où les perceptions et souvenirs des lieux, des senteurs et des émotions lui servent à explorer un paysage profondément personnel. Elle se demande : Quelle est la texture de la mémoire ? De quelle manière le temps – la lumière, le vent, le souffle de l’histoire – imprime-til sa marque sur les monuments et images du passé ? Les convulsions de ces souvenirs sont perceptibles jusque dans le grain de l’image cinématographique – kaléidoscopique dans la géométrie de l’instabilité et des flux.

LEDOUX

IMPATIENCE

AZADEH NAVAI, USA-IRAN 2015

COMPETITION #1 – 82’

Een langzame, ritmische en contemplatieve reis naar de vroegste jeugdherinneringen van filmmaker Azadeh Navai (Teheran, 1985). Met een oude 16mm-Bolex en een handgemaakte gaatjescamera keert Navai terug naar de Iraanse steden Teheran en Esfahan, waar de percepties en herinneringen van plaatsen, emoties en geuren dienen als instrumenten waarmee een diep persoonlijk landschap wordt blootgelegd. Navai vraagt: wat is de textuur van het geheugen? Op welke manieren weegt de tijd – het licht, de wind en de lucht van de geschiedenis – op de monumenten en de beelden van het verleden? De stuiptrekkingen van de herinnering zijn zelfs te zien in de verschuivende korrels van het filmbeeld, caleidoscopisch in hun geometrie van instabiliteit en flux. A slow, rhythmic and contemplative journey into filmmaker Azadeh Navai’s (Tehran, 1985) earliest childhood memories. With an old 16mm Bolex and a hand-made pinhole camera, Navai returns to Tehran and Esfahan, Iran, where the perceptions and recollections of places, emotions, and scents serve as vehicles through which she exposes a deeply personal landscape. She asks – what is the texture of memory? In what ways does time – the light, wind, and air of history – wear upon the monuments and the images of the past ? The convulsions of recollection are perceptible even in the shifting grains of the film image – kaleidoscopic in their geometries of instability and flux.

ÂGE D’OR

THE HOST

MIRANDA PENNELL, UK 2015

colour + b&w, 59’, DCP, v : ENG, sub : —

En enquêtant sur les liens de ses défunts parents avec la AngloIranian Oil Company (la future BP), la cinéaste tombe sur les lettres d’un géologue pétrolier actif en Iran dans les années 1930 qui allait ensuite consacrer ses recherches aux origines de la « civilisation ». Mais le film définit son propre champ d’investigation en cherchant à déchiffrer les signes des images fragmentaires enfouies dans les archives de BP. Ce voyage dans les images du passé tisse des histoires tirées, d’une part, d’une mémoire personnelle, d’autre part, de l’histoire officielle d’un empire et, graduellement, construit le puzzle d’une rencontre coloniale au XXe siècle. The Host touche aux histoires que nous nous racontons nous-mêmes et que nous racontons aux autres, aux faits et aux fictions par lesquelles nous vivons – et à leurs conséquences.

While investigating her late parents’ involvement with the AngloIranian Oil Company (BP) the filmmaker comes across the letters of a petroleum geologist in Iran in the 1930’s, who would later embark on a search for the origins of “ civilisation ”. The film sets out on its own exploration, to decipher signs from the fragmented images buried in the BP archive. This journey through images of the past interweaves stories drawn from both personal memory and from the records of an imperial history, and gradually builds a picture of a 20th century colonial encounter. The Host is about the stories we tell about ourselves and others, the facts and fictions we live by – and their consequences.

COMPETITION #1 – 82’

Tijdens het onderzoek naar de betrokkenheid van haar overleden ouders bij de Anglo-Iranian Oil Company (vandaag BP) stuit de filmmaakster op de brieven van een petroliumgeoloog in het Iran van de jaren 1930, die later een zoektocht zou starten naar de oorsprong van de ‘beschaving’. De film gaat op eigen onderzoek uit om de gefragmenteerde beelden die begraven zijn in het BP-archief te ontcijferen. Deze reis door beelden uit het verleden verweeft verhalen uit de persoonlijke herinnering en archiefstukken van een imperiale geschiedenis en bouwt geleidelijk een beeld van een twintigste-eeuwse koloniale ontmoeting. The Host gaat over de verhalen die we over onszelf en anderen vertellen, over de feiten en ficties waarmee we leven – en hun gevolgen.

COMPETITION #2 – 77’

FELIS CATUS

SAM / ZAT / SAT

colour, 6’, HD video, v : ENG, sub : —

08.10 / 17:00

Un petit film à propos d’un chat domestique, qui propose également un point de vue sur l’homo sapiens, le plus prédateur et destructeur des tous les animaux sur Terre.

LEDOUX

ÂGE D’OR

VIVIENNE DICK, UK 2016

Een kortfilm over een huiskat, die ook een commentaar is op de homo sapiens, het meest roofzuchtige en destructieve dier op aarde. A short film about a domestic cat which also comments on homo sapiens, the most predatory and destructive animal on earth.

SWEET ORANGES

IMPATIENCE

NORA SWEENEY, USA 2014

colour, 18’, 16 mm, v : SPANISH, sub : ENG

COMPETITION #2 – 77’

« En route vers l’Ouest, j’explore les chemins de traverse de la Route 126 en Californie, trouvant, en route, des petites villes historiques, des fermes, et des voies ferrées nichées entre montagnes et vergers – un paysage qui évoque le rêve du passé californien. Un paysage qui ressemble à ce que les travailleurs immigrés ont pu découvrir lors de leur arrivée dans les années trente, une terre fertile où tout semblait possible. Aujourd’hui, l’immigration continue. Dans une orangeraie, j’ai rencontré Jaime, Blanca et Hugo, une collectivité de cueilleurs d’oranges venus de Michoacán (Mexique), qui ont partagé avec moi leurs chansons, leurs rêves, leurs espoirs, et leurs points de vue sur le travail. » (Nora Sweeney)

“ Westwaarts rijdend, weg van huis, verken ik de weggetjes van de California State Route 126, en kom terecht in kleine, historische stadjes, boerderijen en spoorlijnen die half verscholen liggen tussen de bergen en boomgaarden. Een landschap dat een droom oproept van Californiës verleden. Het lijkt op wat migrerende werknemers misschien voor ogen hadden toen ze in de jaren 1930, op zoek naar werk, westwaarts reisden: het heldere, vruchtbare beloofde land. Die migratie gaat verder. In een sinaasappelgaard ontmoet ik Jaime, Blanca en Hugo, een groep sinaasappelplukkers uit Michoacán in Mexico, die met mij hun liederen delen – en hun dromen, verlangens en ideeën over werk. ” (Nora Sweeney)

COMPETITION #2 – 77’

“ Heading west from my house, I explore the back roads off of California State Route 126, finding small, historic towns, farms, and railway tracks nestled between mountains and orchards - a landscape that evokes a dream of California’s past. It resembles what migrant workers might have envisioned when traveling west in search of work in the 1930s, a vibrant, fertile promised land. This migration continues. In an orange grove, I meet Jaime, Blanca, and Hugo, a group of orange pickers from Michoacán, Mexico, who share with me their songs, dreams, aspirations, and thoughts about work. ” (Nora Sweeney)

ARCHIPELS, GRANITES DENUDÉS

IMPATIENCE

DAPHNÉ HÉRÉTAKIS, FRANCE–GREECE 2014

colour, 25’, DCP, v : FR-GREEK, sub : ENG

Athènes 2014. Entre désirs endeuillés et espoirs perdus, un journal intime se cogne contre les murs de la ville. Le quotidien d’un pays en crise, l’inertie de la révolution, les questions individuelles qui se confrontent au politique, la survie qui se confronte aux idéaux. Pouvons-nous encore poser les questions les plus simples ? Athene 2014. Tussen gestorven verlangens en verloren hoop in beukt een filmdagboek tegen de muren van de stad. Het dagelijks leven van een land in crisis, de traagheid van de revolutie, individuele tegenover politieke kwesties, de vraag van overleven tegenover idealen. Kunnen we de simpelste vragen nog steeds stellen? Athens 2014. Between bereaved desires and lost hopes, a film diary bangs against the walls of the city. The daily life of a country in crisis, the inertia of revolution, the individual issues that confront the political, questions of survival that confront ideals. Can we still ask the simplest questions ?

HERE WE ARE NOW (AQUI ESTAMOS AGORA)

IMPATIENCE

COMPETITION #2 – 77’

MIERIËN COPPENS, BELGIUM 2014

colour, 14’, Digital File, v : PORTUGUESE, sub : ENG

Deux frères passent le temps sur un terrain de football. Une traduction méticuleuse de l’ennui. Twee broers brengen hun dag op een voetbalveld door. Een nauwgezette vertaling van verveling. Two brothers spend their day on a football field. A careful translation of boredom.

GASOMETER 3

ÂGE D’OR

NICKY HAMLYN, UK 2015

colour + b&w, 14’, 16 mm, v : SILENT

Le second essai d’une série d’études sur d’anciens gazomètres situés dans le nord de Londres. Les gazomètres ont servi à stocker le gaz issu des gisements locaux de charbon, et sont tombés en désuétude lors du déclin du gaz de la mer du Nord et du développement des pipelines destinés à acheminer ce combustible depuis la Norvège et la Russie. Ce film propose une permutation (non exhaustive) de combinaisons entre le noir et blanc et la couleur, le jour et la nuit, le champ et le contre-champ – sous la forme de longues séquences en accéléré (time-lapse) filmées au cours de toute une journée ou de toute une nuit.

The second in a series of studies of obsolete gas holders in North London. The gasometers were used to store gas made locally from coal but have fallen into disuse with the decline of North Sea gas and the development of pipeline technologies for pumping gas from Norway and Russia. The film is an incomplete set of permutations that combines the possible combinations of colour and b&w, day and night, angle and reverse angle in the form of allday or all-night time lapse sequences.

COMPETITION #2 – 77’

De tweede film in een reeks studies over verouderde gashouders in Noord-Londen. De gashouders werden gebruikt om gas dat lokaal uit steenkool gewonnen werd op te slaan maar zijn in onbruik geraakt door de teloorgang van het Noordzeegas en de ontwikkeling van pijplijntechnologieën voor het verpompen van gas uit Noorwegen en Rusland. De film is een onvolledige reeks permutaties – met combinaties van kleur en zwart-wit, dag en nacht, shot en tegenshot – in de vorm van time-lapse-sequenties die een hele dag of een hele nacht beslaan.

COMPETITION #3 – 70’ SAM / ZAT / SAT

08.10 / 19:00 LEDOUX

NEITHER GOD NOR SANTA MARÍA (SIN DIOS NI SANTA MARIA) IMPATIENCE

SAMUEL M. DELGADO & HELENA GIRÓN, SPAIN 2015

colour, 12’, DCP, v : SPANISH, sub : ENG

Comme les avions n’existaient pas, les gens se déplaçaient en priant, ils voyageaient d’un endroit à l’autre en veillant à rentrer tôt, avant le coucher du soleil. D’anciens enregistrements de paroles de pasteurs parlent de l’existence de mythiques sorcières et de leurs voyages. Dans la vie quotidienne d’une femme, la magie de ses contes se matérialise alors que tombe la nuit. La nuit est le moment où les voyages sont possibles. Aangezien vliegtuigen niet bestonden, trokken mensen al biddend rond, ze gingen van de ene plek naar de andere en kwamen vroeg terug, nog voor zonsopgang. In oude geluidsopnamen hebben de stemmen van predikanten het over het mythische bestaan van heksen en hun reizen. In het dagelijks leven van een vrouw begint de magie van haar verhalen te materialiseren wanneer de avond valt. De nacht is het moment waarop reizen mogelijk is.

COMPETITION #3 – 70’

Since airplanes did not exist, people moved around using prayers, they went from one land to another and returned early, before dawn. In old audio recordings, the voices of pastors speak of the mythical existence of witches and their travels. In the daily life of a woman the magic of her tales begins to materialise as night falls. Night is the time when travel is possible.

IF I WERE ANY FURTHER AWAY I’D BE CLOSER TO HOME IMPATIENCE

RAJEE SAMARASINGHE, SRI LANKA-USA 2016

b&w, 15’, DCP, v : SILENT

Un film-poème muet qui reflète le lieu de naissance de ma mère et de ses premiers pas sur Terre. Le portrait « intergénérationnel » d’artisans du Sud de l’Asie, qui se déploie comme un voyage dans la mémoire, l’expérience, et le touché. Een stil gedicht, een reflectie op de geboorteplaats van mijn moeder en haar eerste sporen op aarde. Een portret van Zuid-Aziatische ‘makers’, over de generaties heen, wordt een perceptuele reis doorheen geheugen, ervaring en aanraking. A silent poem reflecting on the place of my mother’s birth and her first traces on earth. A generational portrait of South Asian “ �� makers�� ”�� becomes a perceptual voyage into memory, experience, and touch.

THE MASKED MONKEYS

ÂGE D’OR

ANJA DORNIEDEN & JUAN DAVID GONZÁLES MONROY, GERMANY-INDONESIA 2015

Les spectacles masqués d’Indonésie datent de plusieurs milliers d’années. La croyance dit qu’ils proviennent d’un rite mortuaire tribal, où les danseurs masqués étaient considérés comme les interprètes des dieux. Aux échelons les plus bas de la société javanaise, on trouve une manifestation unique de ces traditions, dont la pratique est une performance et pas seulement un divertissement. Ces interprètes aspirent à être respectés, honorés et espèrent rencontrer le succès. Ils ont emprunté une voie qui doit les faire accéder à un état supérieur et à une forme d’anoblissement.

COMPETITION #3 – 70’

b&w, 30’, 16 mm, v : ENG, sub : —

De Indonesische maskerkunsten zijn duizenden jaren oud. Er wordt gewoonlijk naar verwezen met wayang topeng (wajang: schaduw of marionet; topeng: masker). Er wordt aangenomen dat wayang topeng afkomstig is van tribale doodsriten, waarbij gemaskerde dansers gezien werden als de tolken van de goden. In de laagste rangen van de Javaanse samenleving vind je een unieke manifestatie van deze gemaskerde tradities. De beoefenaars zijn performers, maar het zijn niet louter entertainers, ze willen niet slechts vermaken. Hun ambitie is om in acht genomen, geëerd te worden, succesvol te zijn. Ze zijn een pad ingeslagen waarvan ze weten dat het zal leiden naar een hogere staat, naar een eervolle en nobele positie. The masked arts of Indonesia are thousands of years old. They are commonly referred to as wayang topeng (wayang: shadow or puppet; topeng: mask). It is believed that wayang topeng originated from tribal death rites, where masked dancers were considered the interpreters of the gods. In the lowest rungs of Javanese society a unique manifestation of these masked traditions can be found. Its practitioners are performers, but they are not merely entertainers. Their aim is not simply to amuse. Their ambition is to be respected, to be honoured, to be successful. They have embarked on a path they know will lead to a higher state, to an honourable and noble position.

THE SILENCE OF ANI

ÂGE D’OR

FRANCIS ALŸS, TURKEY 2015

COMPETITION #3 – 70’

In collaboration with Antonio Fernández Ros, Julien Devaux, Félix Blume and The Teens of Kars b&w, 13’, Digital File, v : NO DIALOGUE

Il y a bien longtemps, au Moyen-Âge, Ani était une ville très importante. On l’appelait « la ville aux 1001 clochers » et elle rivalisait en taille et en beauté avec Constantinople ou Jérusalem. Mais, au XIe siècle, des guerriers Seljuk venus d’Asie centrale envahirent Ani. D’autres sièges, pillages et invasions allaient suivre. Les habitants commencèrent à abandonner la ville, jusqu’à ce qu’elle soit totalement déserte et que le silence y règne. Tout ceci est arrivé il y a bien longtemps. Pourtant, n’est-il pas possible de faire mieux que le silence ? Aujourd’hui, chaque étudiant reçoit une partition musicale et un instrument conçu pour imiter le chant des oiseaux. Une fois à Ani, chacun d’eux se cache dans les ruines et se met à appeler les oiseaux. Dans un premier temps

quelques petits cris se font entendre, puis une mélodie prend forme, à laquelle des nuées d’oiseaux font écho à travers la vallée, jusqu’en Arménie. Et le chant se poursuivra jusqu’à l’épuisement, jusqu’à ce que les oiseaux reviennent à Ani et que la vie reprenne dans cette ville fantôme.

Once upon a time Ani was one of the most important cities of the Middle Ages. People called it “ the city of the 1001 churches ” and it competed in size and beauty with Constantinople and Jerusalem. But in the eleventh century Seljuks warriors coming from Central Asia invaded Ani. Sieges, sackings and more invasions followed... People started abandoning the city until all life left and silence fell into Ani. This all happened many years ago... Yet, can’t we do better than silence ? Today, each student will receive a musical score and a instrument designed to imitate birds. A birdcall. Once in Ani everyone will hide in the ruins and start calling the birds. At first a few cries will interrupt the silence, then a melody will grow until a chorus of bird calls echo across the valley all the way to Armenia. And the singing will go on to the point of exhaustion, until the birds return to Ani and life comes back to the forgotten city.

COMPETITION #3 – 70’

Ooit was Ani een van de belangrijkste middeleeuwse steden. Men noemde ze ‘de stad van de 1001 kerken’ en ze concurreerde qua grootte en schoonheid met Constantinopel en Jeruzalem. Maar in de elfde eeuw vielen Seltsjoekse strijders, afkomstig uit Centraal-Azië, Ani binnen. Belegeringen, plunderingen en meer invasies volgden... Mensen begonnen de stad te verlaten, tot al het leven verdwenen was en de stilte over Ani viel. Dit alles gebeurde vele jaren geleden… Maar kunnen we niets beters doen dan zwijgen? Vandaag krijgt elke student een muziekpartituur en een instrument om vogels mee te imiteren. Een lokroep. Eenmaal in Ani toegekomen, zal iedereen zich in de ruïnes verbergen en de vogels beginnen lokken. Eerst doorbreken een paar kreten de stilte, dan zal er een melodie aanzwellen – tot een koor van vogelgezang over de vallei zal echoën, helemaal tot in Armenië. En het zingen zal doorgaan tot aan de uitputting, totdat de vogels opnieuw naar Ani terugkeren en het leven terugkeert naar de vergeten stad.

COMPETITION #4 – 47’

WHAT I’M NOT ?

DIM / ZON / SUN

colour, 3’, Digital file : v : ENG, sub : —

09.10 / 17:30

What I’m Not ? est une machine. Une machine à fabriquer des gens, des objets, des situations qui ont échoué. What I’m Not ? suggère une réalité qui semble être la réalité mais qui ne l’est pas.

LEDOUX

IMPATIENCE

STEFKA BENISHÉVA, BELGIUM 2015

What I’m Not ? een machine. Ze produceert mensen, voorwerpen en situaties die falen te bestaan. What I’m Not ? suggereert een realiteit die eruit ziet als de realiteit maar het niet is. What I’m Not ? is a machine. It manufactures people, objects, situations that fail to exit. What I’m Not ? suggests reality that looks like reality but is not.

FOOTAGE

IMPATIENCE

MINJUNG KIM, SOUTH KOREA-USA 2015

b&w, 3’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

Les mensurations de notre corps traduites en mesures filmiques. Dans le monde du 16 mm, 1 pied = 40 photogrammes, 1 seconde = 24 photogrammes, 100 pieds = 4000 photogrammes, 100 pieds = 166,7 secondes. De afmetingen van ons lichaam worden temporele maten op film. In de 16mm-wereld is 1 voet 40 frames, 1 seconde = 24 frames, 100 voet = 4.000 frames, 100 voet = 166,7 seconden.

COMPETITION #4 – 47’

The physical length of our body turns into the temporal measurement on film. In the 16 mm world, 1 foot = 40 frames, 1 second = 24 frames, 100 ft = 4000 frames, 100 ft = 166.7 seconds.

CATHODE GARDEN

ÂGE D’OR

JANIE GEISER, USA 2015

colour, 8’, DCP, v : ENG, sub : —

Dans Cathode Garden, une jeune femme se meut entre lumière et obscurité, entre la vie et la mort, en écho au mythe de Perséphone. Négatifs et photographies trouvés, illustrations anatomiques et botaniques, enveloppes abandonnées, anciens enregistrements amateurs s’organisent, s’entrechoquent et donnent naissance à un monde au seuil de la perception. In Cathode Garden beweegt een meisje zich tussen licht en donker, tussen leven en dood: een verre echo van de mythe van Persephone. Gevonden negatieven en foto’s, botanische en anatomische illustraties, achtergelaten enveloppen en oude amateuropnames ordenen zichzelf opnieuw, instortend en opduikend in deze liminale wereld.

COMPETITION #4 – 47’

In Cathode Garden, a girl moves between light and dark, between life and death, a distant echo of the myth of Persephone. Found negatives and photographs, botanical and anatomical illustrations, abandoned envelopes, and ancient home-made recordings reorder themselves, collapsing and emerging in this liminal world.

SECOND SUN

ÂGE D’OR

LESLIE SUPNET, CANADA 2014

colour, 3’, DCP, v : NO DIALOGUE

La montée du son des percussions souligne des éclairs de lumière, des images du système solaire et l’évocation post-apocalyptique de la naissance d’un second soleil. Het aanzwellende geluid van drums benadrukt lichtflitsen, beelden van het zonnestelsel en een post-apocalyptisch fantasme van de geboorte van onze tweede zon. The rising sound of drums emphasises flashes of lights, images of the solar system and a post-apocalyptic imagining of the birth of our second sun.

SOMETHING BETWEEN US

ÂGE D’OR

JODIE MACK, USA 2015

colour, 10’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

Une étude chorégraphique pour colifichets scintillants : bijoux et mystères naturels s’allient pour effectuer des pirouettes plastiques, dansant une complainte lumineuse jusqu’à ce que la marée monte. Een gechoreografeerde bewegingsstudie voor fonkelende snuisterijen: kostuumjuwelen en natuurwonderen bundelen hun krachten om plastic pirouettes uit te voeren. Ze dansen een lumineuze klaagzang – tot de vloed komt.

COMPETITION #4 – 47’

A choreographed motion study for twinkling trinkets: costume jewellery and natural wonders join forces to perform plastic pirouettes, dancing a luminous lament until the tide comes in.

BIRD

ÂGE D’OR

MARGARET SALMON, UK 2016

colour, 4’, Digital File, v : ENG, sub : —

Riff visuel et sonore sur les films pionniers de la productrice-réalisatrice du Children’s Film Fund et ses premiers travaux pour la série Secrets of Nature. Bird est destiné à tous les publics mais s’adresse particulièrement aux enfants. Accompagné d’une bande sonore de Matthew Herbert, célèbre compositeur de musique électronique, Bird traite autant de l’observation et de l’environnement, que d’éducation et de la position du spectateur, invitant le public à réfléchir à la manière dont les outils cinématographiques – caméra, optique, couleur, mouvement, voix, son – rehaussent et humanisent notre interprétation de la nature.

A visual and aural riff on the pioneering films of the Children’s Film Fund producer/director Mary Field and her early work for the Secrets of Nature series, Bird is aimed at general audiences with a particular focus on children. With a score by the influential electronic music composer Matthew Herbert, Bird is as much about observation and environment as education and spectatorship, inviting audiences to consider the ways in which cinematic tools – camera, lens, colour, movement, voice, sound – heighten and humanise our interpretation of the natural world.

COMPETITION #4 – 47’

Een visuele en auditieve riff op de baanbrekende films van producer/regisseur Mary Field van het Children’s Film Fund en haar vroege werk voor de zwart-witreeks Secrets of Nature (1922-1933). De film is bestemd voor een breed publiek maar richt zich in het bijzonder op kinderen. Bird, met muziek van de invloedrijke elektronische muzikant Matthew Herbert, gaat evengoed over waarneming en milieu als over educatie en de toeschouwer. Het publiek wordt uitgenodigd om na te denken over de manier waarop filmische instrumenten – camera, lens, kleur, beweging, stem, geluid – onze interpretatie van de natuur intensifiëren en humaniseren.

BLUE BIRD

NOT IN COMPETITION

LAURE PROUVOST, UK 2002

colour, 4’, DCP, v : ENG, sub : —

Dans Blue Bird, l’oiseau du titre, « avec une teinte de rouge sur le flanc », est perché dans un arbre parmi d’autres oiseaux, gris, et commence à les plumer un à un, avant d’appliquer les plumes sur le tronc et les branches « avec la colle du sol », jusqu’à ce que celui-ci devienne « comme du velours », et que les oiseaux nus, roses plutôt que gris, se blottissent au pied de l’arbre… In Blue Bird landt de mooie blauwe vogel uit de titel, ‘met een beetje rood aan de ene kant’, in een boom tussen een zwerm slonzige grijze vogels. Hij begint hun veren één voor één uit te trekken en ‘met wat lijm van de grond’ op de stam en de takken van de boom te kleven totdat hij ‘als fluweel’ wordt en de naakte vogels (nu roze in plaats van grijs) samenscharen aan de voet van de boom… In Blue Bird, the beautiful blue bird of the title, “ with a bit of red on one side ”, lands amongst a flock of dowdy grey birds in a tree and proceeds to pluck their feathers one by one, applying them, “ with some glue from the ground ”, to the trunk and branches of the tree until it becomes “ like velvet ” and the naked birds now pink rather than grey huddle at the foot of the tree…

THE PEACOCK

ÂGE D’OR

ANDREW KIM, USA 2015

colour, 12’, 16 mm, v : SILENT

COMPETITION #4 – 47’

Une méditation sur notre condition de mortels […] « Le paon peint sur la vitre, jamais ne dansera ou ne parlera. Seul le paon qui vit dans la forêt parle, danse, et se déplace avec élégance » (chanson traditionnelle du Gujarat). Een meditatie op onze fantastische staat van sterfelijkheid en vergankelijkheid... ‘De op het raam geschilderde pauw zal nooit dansen of spreken. Het is slechts de pauw die in het bos leefde die zacht sprak, danste en liep.’ (folk lied uit Gujarat) A meditation on our fantastic condition of mortality and impermanence… “ The peacock painted on the window will never dance or speak. It is only the peacock that lived in the forest which used to speak, dance, and walk in a sweet manner ” (folk song from Gujarat).

COMPETITION #5 – 58’ DIM / ZON / SUN

09.10 / 19:00 LEDOUX

A DISTANT EPISODE

NOT IN COMPETITION

BEN RIVERS, UK 2015

b&w, 18’, DCP, v : NO DIALOGUE

Une méditation sur l’illusion de faire des films, tournée dans les coulisses d’un autre film en train de se faire sur les plages « irréelles » de Sidi Ifni, au Maroc. On y voit d’étranges activités, sans commentaire ni dialogues. Comme un fragment de film, déterré dans un futur lointain, qui dépeint un monde halluciné dans un noir et blanc nébuleux. Een meditatie op de illusie van filmmaken. Terwijl een film gedraaid wordt over de etherische stranden van Sidi Ifni in Marokko, wordt achter de schermen een andere film opgenomen. A Distant Episode toont vreemde activiteiten, zonder commentaar of dialoog. Hij is als een filmfragment, opgegraven uit een verre toekomst – een wazige, zwart-witte, hallucinogene wereld.

DROGA

ÂGE D’OR

MIKO REVEREZA, PHILIPPINES-USA 2014

b&w, 8’, Digital File, v : NO DIALOGUE

Un film amateur en Super 8 sur les paysages de Los Angeles vus par des immigrants philippins qui questionne l’identité culturelle en documentant les croisements entre la culture pop américaine et les traditions philippines.

COMPETITION #5 – 58’

A meditation on the illusion of filmmaking, shot behind-the-scenes on a film being made on the otherworldly beaches of Sidi Ifni, Morocco. The film depicts strange activities, with no commentary or dialogue ; it appears as a fragment of film, dug up in a distant future – a hazy, black and white, hallucinogenic world.

Een toeristische Super 8-film over het landschap van Los Angeles gezien door Filippijnse immigranten, die culturele identiteit onderzoekt door de snijpunten tussen Amerikaanse popcultuur en Filippijnse tradities te documenteren. A Super 8 tourist film about the Los Angeles landscape through the lens of Filipino immigrants, examining cultural identity by documenting the intersections of American pop culture and Filipino traditions.

SCALES IN THE SPECTRUM OF SPACE ÂGE D’OR FERN SILVA, USA 2015

colour + b&w, 7’, DCP, v : NO DIALOGUE

Sur commande du Chicago Film Archive, et réalisé en collaboration avec le musicien de jazz Phil Cohran, Scales in the Spectrum of Space explore les documents de la vie urbaine et de l’architecture à Chicago. À partir de 70 heures de matière issue de trente films différents, Scales offre un point de vue sur le pouls qui anime la métropole du Midwest. In opdracht van het Chicago Film Archive en in samenwerking met jazzmuzikant Phil Cohran onderzoekt Scales in the Spectrum of Space de gedocumenteerde geschiedenis van stadsleven en architectuur in Chicago. Gefilterd uit 70 uur beeldmateriaal uit 30 verschillende films, neemt Scales de pols van de Midwest-metropool.

COMPETITION #5 – 58’

Commissioned by the Chicago Film Archive and in collaboration with jazz musician Phil Cohran, Scales in the Spectrum of Space explores the documented histories of urban life and architecture in Chicago. Culled from 70 hours of footage and incorporating 30 different films, Scales weighs in on the pulse of the midwest metropolis.

EARS, NOSE AND THROAT

ÂGE D’OR

KEVIN JEROME EVERSON, USA 2016

colour + b&w, 10’, Digital file, v : ENG, sub : —

Pendant un examen chez l’oto-rhino, une femme raconte un événement horrible dont elle a été témoin. Tijdens een neus-, keel- en orenonderzoek vertelt een vrouw over een afschuwelijke gebeurtenis. During an ears, nose and throat examination, a woman recounts a horrible event.

PERSONNE

ÂGE D’OR

CHRISTOPH GIRARDET & MATTHIAS MÜLLER, GERMANY 2016

colour + b&w, 15’, DCP, v : NO DIALOGUE

Personne – c’est quelqu’un, personne, tout le monde. C’est Nous pris dans le cours du temps. Constamment, en vain. Le Moi est le besoin permanent de s’affirmer. Personne – dat is iemand, niemand, eender wie. Dat zijn wij in de loop der tijd. Aanhoudend, tevergeefs. Het zelf, dat is de behoefte aan permanente zelfbevestiging.

COMPETITION #5 – 58’

Personne – this is somebody, nobody, anyone. This is us in the course of time. Persistently, in vain. The self is the need for permanent self-assertion.

COMPETITION #6 – 63’ LUN / MAA / MON

10.10 / 17:00 LEDOUX

THERE IS A HAPPY LAND FURTHER AWAAY ÂGE D’OR BEN RIVERS, UK 2015

colour + b&w, 20’, DCP , v : ENG, sub : —

Le film aborde les paysages de l’archipel volcanique de la République de Vanuatu, avant sa destruction par le cyclone Pam au début de 2015 – devenant ainsi une sorte de document hanté d’un écosystème aujourd’hui irrévocablement détruit. Une voix féminine hésitante lit, en trébuchant sur les mots, un poème de Henri Michaux à propos d’une vie vécue dans un pays lointain. Des images de volcans en activité sur l’île, des débris sous-marins de la Deuxième Guerre mondiale, des enfants qui jouent, des épaves de bateaux se transforment, à l’autre bout du monde, en souvenirs numériques intangibles du lieu. Les images d’une terre érodée entrent en résonnance avec un film lui-même érodé – tandis que sur la mer une silhouette solitaire dérive sur son bateau.

COMPETITION #6 – 63’

De film legt de landschappen vast van de Republiek Vanuatu, een verafgelegen vulkanische archipel, voordat ze begin 2015 verwoest werden door de cycloon Pam. Zo worden de beelden een spookachtig document van een ecosysteem dat vandaag onherroepelijk veranderd is. Een aarzelende vrouwelijke stem leest, vol haperingen en vergissingen, een gedicht van Henri Michaux dat het leven in een ver land verhaalt. Beelden van het eiland – actieve vulkanen, onderwaterpuin uit WO II, spelende kinderen, vernielde boten – transformeren tot ontastbare digitale herinneringen aan het eiland, gemaakt aan de andere kant van de wereld. Beelden van het geërodeerde land versmelten met eroderende pellicule, een eenzame figuur op een boot drijft rond op zee. The film captures the landscapes of the remote volcanic Republic of Vanuatu archipelago, before they were devastated by Cyclone Pam in early 2015, the footage becoming a ghostly document of an ecosystem now irrevocably altered. A hesitant female voice reads a poem by Henri Michaux, recounting a life lived in a distant land, full of faltering and mistakes. Island imagery of active volcanoes, underwater WW2 debris, children playing, and wrecked boats transform into intangible digital recollections of the island, made on the opposite side of the world. Images of the eroded land merge with eroding film, a lone figure on a boat drifts at sea.

ÂGE D’OR

PAPAGAIO (DJAMBI)

JOÃO MARIA GUSMÃO & PEDRO PAIVA, PORTUGAL 2014

colour, 43’, 16 mm, v : SILENT

Tourné à Sao Tomé-et-Principe (un petit archipel lusophone du golfe de Guinée), le film témoigne d’un rite vaudou africain connu localement sous le nom de djambi. En état d’ébriété, les participants dansent et entrent dans un état de transe qui leur permet de communiquer avec les esprits des morts. Les cinéastes présentent ce rituel sans autre montage que la succession des bobines de 30 m de leur caméra Bolex (chaque plan est un plan-séquence). Recourant à un style documentaire, caméra à l’épaule, les artistes finissent par associer activement les participants à la transe à la seconde moitié du tournage en leur confiant la caméra.

Shot in São Tomé and Príncipe (a Portuguese speaking Island nation off the western coast of Central Africa), the film bears witness to a West African voodoo ritual, known locally as Djambi. Whilst intoxicated, the participants dance and enter a state of trance in which they channel the spirits of the dead. Gusmao and Paiva present the ritual without any editing, apart from the sequencing of the reels; each shot is a single one, running from the beginning until the end of a 30 meter Bolex negative reel. Using a documentary style of handheld camera, the artists engage the trance performers within the latter’s stage, and then share the camera with the performers.

COMPETITION #6 – 63’

De film, gedraaid op São Tomé en Príncipe, een Portugees-sprekende eiland-natie voor de westkust van Centraal-Afrika, laat een West-Afrikaanse voodoo-ritueel zien dat plaatselijk bekend staat als Djambi. Dronken deelnemers dansen en raken in een trance waarin de geesten van de doden worden opgeroepen. Gusmao en Paiva presenteren het ritueel zonder enige bewerking of montage, er is slechts de volgorde van de opgenomen filmrollen; elke opname beslaat een Bolex-negatiefspoel van 30 meter, van begin tot einde. De kunstenaars filmen uit de hand, in documentaire stijl, en betrekken de tranceperformers ook bij het filmen, Ten slotte delen ze de camera met de performers.

COMPETITION #7 – 45’ LUN / MAA / MON

10.10 / 19:00 LEDOUX

PRIMA MATERIA

ÂGE D’OR

CHARLOTTE PRYCE, USA 2015

colour, 3’, 16 mm, v : SILENT

COMPETITION #7 – 45’

De délicates lignes d’énergie partent en spirale et se transforment en cellules microscopiques de poussière d’or : telles sont les particules lumineuses du rêve de l’alchimiste. Inspiré par les obsédants émerveillements de De rerum natura [De la nature] de Lucrèce, un film-hommage et une tentative d’enregistrement photographique du caractère extraordinaire de phénomènes cachés juste au-delà de l’étendue de la vision humaine. Delicate energiedraden vormen een spiraal en transformeren tot mysterieuze microscopische cellen van gouden stof: dit zijn de lichtende deeltjes van de droom van de alchemist. Prima Materia is geïnspireerd op Lucretius’ beklijvende verwondering, zijn enige boek: De Rerum Natura. Het is een eerbetoon aan de eerste, aarzelende fotografische opnames, die de uitzonderlijke natuur lieten zien van fenomenen die zich net buiten de menselijke visie schuilhouden. Delicate threads of energy spiral and transform into mysterious microscopic cells of golden dust: these are the luminous particles of the alchemist’s dream. Prima Materia is inspired by the haunting wonderment of Lucretius’ De Rerum Natura. It is an homage to the first, tentative photographic records that revealed the extraordinary nature of phenomena lurking just beyond the edge of human vision.

ÂGE D’OR

LINE OF APSIDES

JULIE MURRAY, USA 2006-2014

colour + b&w, 12’, 16 mm, v : SILENT

Dans ce film commencé en 2006 à la Film Farm (résidence pour cinéastes expérimentaux dans l’Ontario, au Canada) et enrichi de nouvelles images, les objets – vivants et inertes – sont examinés à la fois à travers le viseur de la caméra et à travers un microscope. Des chèvres furent interviewées chaque jour et les pensées traduites en lumière à peu près dans l’ordre où elles apparurent. Line of Apsides werd in 2006 gefilmd in de Film Farm in de Canadese stad Ontario; daaraan werden in de loop der tijd extra beelden toegevoegd. Geanimeerde en inerte objecten werden door de zoeker van de camera en onder een microscoop onderzocht, en dagelijks werden ook geiten geïnterviewd. Gedachten gevormd in licht, ongeveer in de volgorde waarin ze werden aangetroffen.

COMPETITION #7 – 45’

Filmed at the Film Farm, Ontario (Canada) in 2006 and added to over time. Objects, animate and inert, were examined through the viewfinder and under a microscope and goats were interviewed daily. Thoughts coaxed into light in roughly the order they were encountered.

A WINDOW IS A MIRROR IS A WINDOW ÂGE D’OR

PETER ROEHSLER, AUSTRIA 2014

colour, 2’, DCP, v : NO DIALOGUE

« Nous regardons une rue par la fenêtre d’un appartement du rezde-chaussée. Un enfant regarde dans notre direction mais ne nous voit pas. La vitre se transforme en miroir dans le reflet duquel l’enfant ajuste ses cheveux puis sa casquette… » (Toby Ashraf) “ We turen naar de straat, door het raam van een gelijkvloers appartement. Een kind kijkt terug, maar ziet ons niet. De vensterruit verandert in een spiegel waarin het kind eerst zijn haar goed legt, dan zijn pet herschikt. [...]. ” (Toby Ashraf) “ We peer out at the street through the window of a ground floor apartment. A child looks back, but doesn´t see us. The windowpane turns into a mirror in which the child first adjusts his hair and then his cap... ” (Toby Ashraf)

COMPETITION #7 – 45’

HOUSE AND UNIVERSE (HAUS UND ALL) ÂGE D’OR

ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2015

colour, 4’, 16 mm, v : SILENT

« La sérénité contemplative qu’Antoinette Zwirchmayr met en place est contrebalancée par une atmosphère de malaise et d’inquiétude que procurent les images d’une jeune femme nue, dormant tour à tour dans une chambre de motel lumineuse et au milieu de la végétation clairsemée et des rochers d’un paysage aride. Présente à l’écran uniquement via des apparitions éparses, la dormeuse semble divinement déconnectée de son environ-

nement. Baigné de la lumière chaude du soleil mais subtilement chargé de sentiments d’isolement et de vulnérabilité, le film propose un portrait onirique, presque halluciné, d’une personne dans un état de transcendance. » (Julia Dossi) “ De contemplatieve sereniteit die Antoinette Zwirchmayr creëert staat in contrast met noties van onrust en onbehagen, veroorzaakt door het beeld van een slapende, naakte jonge vrouw die afwisselend getoond wordt in een bijna lege, heldere motelkamer en in het bloeiende woestijnlandschap buiten. De slaapster wordt slechts in fragmenten getoond en lijkt gelukzalig losgekoppeld van haar omgeving. De film, doordrongen van warm zonlicht maar vol subtiele associaties van isolement en kwetsbaarheid, presenteert een dromerige, bijna hallucinogene portrettering van een persoon in een staat van transcendentie. ” (Julia Dossi)

COMPETITION #7 – 45’

“ The contemplative serenity Antoinette Zwirchmayr creates is offset by notions of restlessness and unease that the image of a dormant, naked young woman – alternatingly shown in a sparse, bright motel room and the blooming desert landscape outside – provide. Shown only in fragments, the sleeper seems blissfully unconnected to her surroundings. Tinged in warm sunlight yet subtly charged with associations of isolation and vulnerability, the film presents a dreamlike, almost hallucinogenic portrayal of a person in a state of transcendence. ” (Julia Dossi)

VIVIR PARA VIVIR / LIVE TO LIVE

ÂGE D’OR

LAÏDA LERTXUNDI, USA-SPAIN 2015

colour, 11’, DCP, v : NO DIALOGUE

Une certaine trajectoire de la dérive se dessine au sein des paysages de régions montagneuses peu peuplées ; des phénomènes physiques tels que les battements de cœur ou l’orgasme se traduisent en images ; des motifs de sons et des couleurs ; jusqu’à ce que l’horizon soit atteint. Er wordt een soort van traject van verloren-zijn getrokken doorheen dunbevolkte berggebieden, terwijl fysieke processen – van hartslag tot orgasme – beeld-, klank- en kleurpatronen vormgeven, totdat de horizon bereikt is.

COMPETITION #7 – 45’

A certain trajectory of being lost is drawn across sparsely populated mountain regions, while physical processes from heartbeat to orgasm shape image, sound and color patterns until the horizon is reached.

IN A BEAUTIFUL AND QUIET LOCATION (WUNDERSCHÖN UND RUHIG GELEGEN) ÂGE D’OR LUKAS MARXT & JAKUB VRBA, AUSTRIA 2015

colour, 13’, DCP, v : NO DIALOGUE

Jakub Vrba et Lukas Marxt se rendent dans le Nord-Ouest de la Bohème. Jakub Vrba vient de là, Lukas Marxt n’y est jamais allé. Leur film aborde un site marqué par les soubresauts de l’histoire dont les transformations et les changements de souveraineté se retrouvent profondément ancrés dans le paysage. Les deux ciné astes traitent de ces enchevêtrements sensibles entre paysage et histoire dans une œuvre expérimentale de terrain qui porte en elle les idées de répétition, de tentative et d’échec. Jakub Vrba en Lukas Marxt reizen naar Noordwest-Bohemen. Jakub Vrba komt uit die streek, maar Lukas Marxt is er nog nooit geweest. De film gaat over een site van permanente verandering, waar de historische transformaties en grensverschuivingen het landschap scherp getekend hebben. Samen kaarten Vrba en Marxt de (site-specifieke) gevoelige verstrengelingen aan tussen landschap en geschiedenis, in een werk waarin ook ideeën verwerkt zitten van repeteren, proberen en falen, typisch voor een proces van experimenteel veldwerk.

COMPETITION #7 – 45’

Jakub Vrba and Lukas Marxt travel to Northwest Bohemia. Jakub Vrba comes from the area, Lukas Marxt has never been there. Their film deals with a site of permanent change where historical transformations and border shifts have been fiercely embedded into the landscape. Together, Vrba and Marxt address the sitespecific sensitive entanglements between landscape and history in a work where they also deal with the ideas of rehearsal, attempt and failure in a process of experimental fieldwork.

INTRODUCTION TO

PETER GIDAL

Peter Gidal est une des figures majeures du cinéma indépendant et d’avant-garde britannique. Né en 1946, il étudie le théâtre, la psychologie et la littérature à l’université Brandeis, Massachusetts (1964-1968) et à l’université de Munich (1966-1967). Il est étudiant au Royal College of Art entre 1968 et 1971, et enseigne la théorie du cinéma jusqu’en 1984. Membre actif de la London Film-Makers’ Co-operative depuis 1969, dont il fut le programmateur entre 1971 et 1974, il est également cofondateur de la Independent Film-Makers’ Association en 1975. Les films de Peter Gidal ont été montrés à travers le monde, et ont fait l’objet de rétrospectives à l’ICA (Institut d’art contemporain, Londres, 1983), au Centre Georges Pompidou (Paris, 1996), et à DocPoint (Helsinki, 2014). Il remporte le Prix de la Recherche à Toulon en 1974, et son dernier film Not Far At All (2013) remporte le Prix de L’Âge d’Or en 2015 à Bruxelles. Ce programme coïncide avec la parution de l’ouvrage Peter Gidal / Flare Out: Aesthetics 1966– 2016, publié sous la direction de Mark Webber et Peter Gidal chez The Visible Press (voir page 14). Peter Gidal is een gerenommeerd auteur, theoreticus en filmmaker. Hij werd geboren in 1946 en studeerde theater, psychologie en literatuur aan de Brandeis University in Massachusetts (1964-1968) en de Universiteit van München (1966-1967). Hij studeerde van 1968 to 1971 aan het Royal College of Art en doceerde er vervolgens tot 1984 ‘advanced film theory’. Hij is sinds 1969 actief lid van de London Film-Makers’ Co-operative en was er van 1971 tot 1974 filmprogrammator. In 1975 was Gidal medeoprichter van de Independent FilmMakers’ Association en van 1978 tot 1981 was hij lid van de British Film Institute Production Board. Peter Gidals films werden op grote schaal vertoond en waren te zien in retrospectieven in het Londense ICA (1983), het Centre George Pompidou (1996) en DocPoint Helsinki (2014). In 1974 ontving Peter Gidal de Prix de la Recherche in Toulon. Zijn meest recente film, Not Far at All (2013), won in 2015 de Âge d’Or-prijs in CINEMATEK. Dit programma valt samen met de publicatie van het boek Peter Gidal / Flare Out: Aesthetics 1966–2016, uitgegeven door Mark Webber en Peter Gidal bij The Visible Press (zie pagina 14).

This program coincides with the publication of the book Peter Gidal / Flare Out: Aesthetics 1966– 2016, edited by Mark Webber and Peter Gidal at The Visible Press (see page 14).

Peter Gidal is a renowned writer, theorist and film-maker. He was born in 1946, and studied theatre, psychology and literature at Brandeis University, Massachusetts (1964-68) and the University of Munich (1966-67). He was a student of the Royal College of Art from 1968-71 and went on to teach advanced film theory there until 1984. An active member of the London Film-Makers’ Co-operative since 1969, he was its cinema programmer from 1971-74. He was a co-founder of the Independent Film-Makers’ Association in 1975, and served on the British Film Institute Production Board from 1978-81. Peter Gidal’s films have been screened widely, and were featured in retrospectives at the London ICA (1983), Paris Centre Georges Pompidou (1996), and DocPoint Helsinki (2014). He was the recipient of the Prix de la Recherche in Toulon (1974), and his most recent film Not Far at All (2013) won the 2015 L’Âge d’Or Prize at CINEMATEK Brussels.

PETER GIDAL #1 – 75’

CLOUDS

VEN / VRIJ / FRI

b&w, 10’, 16 mm , v : NO DIALOGUE

07.10 / 21:00 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Peter Gidal & Mark Webber

PETER GIDAL, UK 1969

FLARE OUT

PETER GIDAL, UK 1992

colour, 20’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

VOLCANO

PETER GIDAL, UK 2002

colour, 30’, 16 mm, v : SILENT

NOT FAR AT ALL

PETER GIDAL, UK 2013

colour, 15’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

De sa première période (Clouds, 1969) à son dernier film en date (Not Far at All), en passant par Flare Out le film de 1992 qui donne son titre au livre récemment paru chez The Visible Press, Gidal cadre ciels vides et volcan pour questionner, par les moyens du cinéma, ce que le spectateur croit voir et voit vraiment. Pour aborder « des questions essentielles d’esthétique, ce que c’est que regarder, ou comment regarder l’inconnu puisque regarder le connu n’est pas regarder. » (Peter Gidal en 2003, à propos de Volcano)

PETER GIDAL #1 – 75’

Vanaf zijn eerste periode (Clouds, 1969) tot zijn nieuwste film (Not Far at All), over Flare Out, de film uit 1992 die zijn naam geeft aan het recent bij The Visible Press verschenen boek, kadreert Gidal lege luchten en vulkanen om door middel van film te onderzoeken wat de kijker gelooft te zien – en wat hij of zij echt ziet. En zo “de fundamentele vragen van de esthetiek [te stellen], wat het is om te zien, hoe het onbekende bekijken aangezien het bekende bekijken onmogelijk een kijken is.” (Peter Gidal in 2003 over Volcano) From his first period (Clouds, 1969) to his latest film (Not Far at All), through Flare Out, the 1992 film that gives the recent book from Visible Press its title, Gidal frames empty skies and a volcano to question, by the means of film, what the viewer believes he sees and “ [to pose] the basic questions of aesthetics, what it is to view, how to view the unknown as to view the known is not possibly a viewing ”. (Peter Gidal in 2003 about Volcano)

PETER GIDAL #2 – 75’ SAM / ZAT / SAT

08.10 / 15:00 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Peter Gidal & Mark Webber

HALL

PETER GIDAL, UK 1968-1969

b&w, 10’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

KEY

PETER GIDAL, UK 1968

colour, 10’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

ROOM FILM 1973

PETER GIDAL, UK 1973

colour, 55’, 16 mm, v : SILENT

Twee kortfilms en één middellange film uit de eerste periode van Peter Gidal. We zien een heel beroemde folkzanger uit die tijd, incognito (Key), maar er worden – vooral – veel elementen uit de filmtaal ingezet (montage en jump-cut, herhaling, duur, zoom, focus, onscherpte, enz.) om film, net als onze blik, in vraag te stellen. Jonas Mekas was een bewonderaar van Room Film 1973: “ Ik

PETER GIDAL #2 – 75’

Deux courts et un moyen métrages de la première période de l’œuvre de Peter Gidal convoquant incognito un célèbrissime chanteur folk de l’époque (Key) et, surtout, de nombreux éléments du langage filmique (montage en jump-cut, répétitions, durées, zoom, mise au point, flou, etc.) pour questionner le cinéma et notre regard en suscitant l’admiration de Jonas Mekas pour Room Film 1973 : « De manière très subtile et très plastique il traite de lumière. Le film est sans compromis dans le minimalisme de l’action. Une très belle œuvre [...] absolument contemporaine en sensations et substance. C’est un des meilleurs films de l’école londonienne. »

PETER GIDAL #2 – 75’

was vooral onder de indruk van Gidals film die, op basis van wat ik gezien heb, misschien wel zijn beste tot nu toe is. Heel subtiel en heel plastisch gaat hij om met het licht. De film is compromisloos rigide in zijn minimale actie. Een zeer mooi werk. [...] Het is absoluut modern qua gevoel en inhoud. Het is een van de beste films die uit de London School zijn gekomen. ” Two short and one medium length film from Peter Gidal’s first period. A very famous folk singer of the time is invoked, incognito (Key) but – above all – many elements of the film language (editing and jump-cut, repetition, duration, zoom, focus, blur, etc.) are used to question film, and our gaze. Jonas Mekas was an admirer of Room Film 1973: “ I was particularly impressed with Gidal’s film, which from what I’ve seen may be his best to date. Very subtly and very plastically it deals with light. The film is uncompromisingly rigid in its minimality of action. A very beautifully realised piece of work [...] It is definitely contemporary in feeling and substance. It is one of the best films to come out of the London School. ”

ASSUMPTION

DIM / ZON / SUN

colour, 1’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

LUN / MAA / MON

10.10 / 18:00 PLATEAU

PETER GIDAL, UK 1997

EPILOGUE

PETER GIDAL, UK 1978

colour, 7’, 16 mm, v : SILENT

C/O/N/S/T/R/U/C/T PETER GIDAL, UK 1974

colour, 26’, 16 mm, v : SILENT

CONDITION OF ILLUSION PETER GIDAL, UK 1975

colour, 30’, 16 mm, v : SILENT

CODA I + CODA II

PETER GIDAL, UK 2013

colour, 2’ + 2’, 16 mm, v : ENG, sub : —

De 1974 (C/O/N/S/T/R/U/C/T, montré à Knokke) au diptyque Coda I + Coda II de 2013 qui marque les retrouvailles du cinéaste avec un enregistrement de la voix de William Burroughs, un parcours dans ce cinéma structurel/matérialiste de Gidal qui refuse « une image centrée sur le sujet » et se veut résolument « antivoyeur ». Quant à Assumption, il offre une approche de la vie à la London Film-Markers’ Co-op, qui dépasse l'histoire d’une organisation et propose un hommage à Mary P. Leece, fondatrice du Four Corners Film Workshop. We krijgen, van C/O/N/S/T/R/U/C/T, getoond in Knokke, tot het tweeluik Coda I + Coda II uit 2013, waarin de regisseur een opname van de stem van William Burroughs gebruikt, een doorsnede van de structurele/materialistische cinema van Gidal die een “ op het subject gericht beeld ” weigert en resoluut ‘anti-voyeuristisch’ wil zijn. Assumption toont dan weer het leven in de London Film-Markers’ Co-op. De film is meer dan een simpele geschiedenis van een organisatie en bevat ook een hommage aan Mary P. Leece, oprichtster van de Four Corners Film Workshop. From C/O/N/S/T/R/U/C/T, shown in Knokke, till the diptych Coda I + Coda II from 2013, in which the director uses a recording of the voice of William Burroughs, we get an overview of Gidals structural/materialist cinema, that refuses a ‘subject-centred image’ and is resolutely ‘anti-voyeuristic’. As for Assumption, it offers an approach to life at the London Film-Markers’ Co-op which goes beyond the history of an organisation and includes a tribute to Mary P. Leece, founder of Four Corners Film Workshop.

PETER GIDAL #3 – 66’

09.10 / 16:00

PETER GIDAL #3 – 66’

INTRODUCTION TO

JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE Nés à Beyrouth en 1969, c’est en photographiant les ruines de la ville laminée par la guerre au début des années 1990, que Joana Hadjithomas et Khalil Joreige sont devenus artistes : par nécessité, sans passer par une école d’art ou de cinéma. Photographies, installations, films, vidéos, leur œuvre, vaste, se nourrit de leur questionnement sur la fabrication de l’image et les événements politiques et historiques de leur pays. Ils explorent indistinctement l’histoire (officielle et tenue secrète), la latence des images, la mémoire (individuelle et collective), l’imaginaire et sa transmission, et enfin leur propre biographie, jamais séparée de leur travail. À l’instar des très beaux croisements entre leur approche plastique et cinématographique, les artistes aiment à mêler les genres: à la frontière entre documentaire et fiction, ils réalisent en 2008 Je veux voir (présenté en selection officielle, Un certain regard, à Cannes), où Catherine Deneuve parcourt les régions libanaises traversées par la guerre de 2006. Exposés dans les biennales, musées ou centres d’art contemporain partout dans le monde, le Jeu de Paume à Paris leur consacrait cette année une large exposition individuelle. L’Âge d’Or Festival accueille une rétrospective de leurs longs et courts métrages ainsi que des installations vidéo et organise une masterclass autour de leur travail avec Dirk Snauwaert (voir page 18).

Âge d’Or Festival toont een retrospectieve van hun kort- en langspeelfilms en installaties, en organiseert een masterclass over hun werk met Dirk Snauwaert (zie pagina 18). It was by photographing the ruins of Beirut, destroyed by the war in the early 1990s, that Joana Hadjithomas and Khalil Joreige became artists. By necessity, in other words, without going to an art or film school. Photographs, installations, films, videos: their vast work feeds on questions concerning the manufacture of images as well as their country’s political and historical events. By weaving thematic or conceptual links between each practice, they indiscriminately explore the history (both official and secret), the latency of images, individual and collective memory, the imaginary and its transmission, and finally, their own biography, something which is never separated from their work. On the border between documentary and fiction, they realised I Want to See (Je veux voir) in 2008 and presented in the official selection, Un Certain Regard, at Cannes, they asked Catherine Deneuve to traverse the regions ravished by the war of July 2006. Hadjithomas and Joreige are shown at biennales, in museums and contemporary art centres worldwide. This year still, Jeu de Paume in Paris devoted a solo exhibition to their work. Âge d’Or Festival hosts a retrospective of their features and short films, shows installations, and organises a masterclass about their work with Dirk Snauwaert (see page 18).

In partnership with

Joana Hadjithomas en Khalil Joreige werden beide geboren in 1969 in Beirut. Ze werden kunstenaar door de ruïnes van de stad te fotograferen, begin jaren ’90 verwoest door de oorlog; uit noodzaak dus, zonder naar een kunst- of filmschool te gaan. Foto’s, installaties, films, video’s: hun omvangrijke werk voedt zich met vragen rond de fabricatie van het beeld en de politieke en historische gebeurtenissen in hun land. Ze verkennen zowel de geschiedenis (de officiële en de geheimgehouden), de latentie van beelden, de individuele en collectieve herinnering, de verbeelding (en de overdracht van die verbeelding) als de eigen biografie, die nooit van hun werk gescheiden is. Net zoals ze prachtige kruisbestuivingen aangaan tussen beeldende kunst en film, mengen de kunstenaars graag genres: op de grens tussen documentaire en fictie, maken ze in 2008 Je veux voir, opgenomen in de officiële selectie van ‘Un certain regard’ in Cannes, waarin Catherine Deneuve de regio’s doorkruist die door de oorlog van juli 2006 geteisterd zijn. Het werk van Hadjithomas en Joreige wordt wereldwijd getoond op biënnales, in musea en centra voor hedendaagse kunst. Dit jaar nog wijdde Jeu de Paume in Parijs een grote solotentoonstelling aan hun werk.

HADJITHOMAS & JOREIGE – INSTALLATIONS JEU / DON / THU > MAR / DIN / TUE

06.10 > 29.10

HADJITHOMAS & JOREIGE – INSTALLATIONS

FOYER 15:00 > 23:00

KHIAM 2000-2007

JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE, LEBANON 2007

colour, 104’, Digital File, v : ARABIC, sub : ENG

En 1999, Hadjithomas et Joreige rencontrent six anciens détenus récemment libérés du camp de Khiam dans la zone occupée par Israël au Sud-Liban. Assis sur une chaise, face caméra, ceux-ci racontent leurs années de détention et l’activité artistique qu’ils y ont développée et qui les a aidés à survivre à l’enfermement et la torture. C’est par les récits des anciens détenus que le spectateur peut s’imaginer ce camp interdit d’accès jusqu’en 2000. Khiam sera détruit lors de la guerre de juillet 2006 et les artistes retrouvent alors les anciens prisonniers, leur demandant de réagir à cette destruction. Prix International Georges De Beauregard, FID Marseille 2008. In 1999 ontmoeten Hadjithomas en Joreige zes voormalige gevangenen die net daarvoor werden vrijgelaten uit het Khiam-gevangenenkamp in de door Israël bezette zone in Zuid-Libanon. Zittend op een stoel recht tegenover de camera, vertellen ze over de jaren van gevangenschap en over de artistieke activiteit die ze er hebben ontwikkeld, die hen hielp de opsluiting en de martelingen te overleven. Via de verhalen van ex-gedetineerden kan de kijker zich een beeld vormen van het kamp, waartoe tot 2000 niemand toegang had. Khiam wordt tijdens de oorlog van 2006 verwoest. De kunstenaars vinden de ex-gedetineerden terug en peilen naar hun reactie op die vernietiging. Georges De Beauregard International Prize, FID Marseille 2008. In 1999 Hadjithomas and Joreige meet six former, newly released prisoners from the Khiam detention camp in the area occupied by Israel in southern Lebanon. Sitting on a chair, facing the camera, they tell about these years of detention and the artistic activity they developed there, helping them survive the imprisonment and torture. Through the stories of former inmates the viewer can imagine the camp, to which all access was denied until 2000. Khiam was destroyed during the 2006 war. The artists meet the former prisoners again and ask them to react to this destruction. Georges De Beauregard International Prize, FID Marseille 2008.

JEU / DON / THU > MAR / DIN / TUE

06.10 > 29.10 FOYER 15:00 > 23:00

IMAGES RÉMANENTES / LASTING IMAGES JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE, LEBANON 2003

colour, 3’, Super 8 transferred to DVD, v : SILENT

Le 19 août 1985, durant la guerre civile, l’oncle de Khalil, Alfred Junior Kettaneh, est enlevé. Il est encore aujourd’hui officiellement porté disparu, comme 17 000 de ses compatriotes. En mars 2001, les artistes ont trouvé les archives, photographies et films lui ayant appartenu. Parmi ces documents figurait un « film latent », un film Super 8 encore non développé qui avait survécu aux ravages de la guerre. Après des hésitations, les artistes se sont résolus à envoyer la pellicule à un laboratoire et le film s’est révélé voilé, blanc… À force de travailler sur la correction des couleurs, cherchant dans les couches sensibles de la pellicule, une image ressurgit de la blancheur, comme si elle ne pouvait être totalement effacée, une image rémanente refusant de disparaître. 19 augustus 1985. Khalils nonkel, Alfred Junior Kettaneh, wordt tijdens de burgeroorlog ontvoerd. Hij is vandaag nog altijd officieel vermist, net als 17.000 van zijn landgenoten. In maart 2001 vonden Hadjithomas en Joreige zijn archieven, foto’s en films, waaronder ook een ‘latente film’, een Super 8-film die nog niet ontwikkeld was en die de verwoestingen van de oorlog had overleefd. Na enige aarzeling besloten de filmmakers hem naar een labo te sturen: over de film bleek een witte sluier te hangen. Via kleurcorrectie, speurend doorheen de gevoelige lagen van de film, duikt er in het witte vlak een beeld op, alsof het niet helemaal uitgewist is kunnen worden – een nabeeld dat weigert te verdwijnen. August 19, 1985. Khalil’s uncle, Alfred Junior Kettaneh, is kidnapped during the civil war. He is still officially missing today, just like 17,000 of his countrymen. In March 2001, Hadjithomas and Joreige found his archives, photographs and films, including a ‘latent movie’: a still undeveloped Super 8 film that had survived the ravages of war. After some hesitation, the artists sent it to a lab and the film returned veiled, mostly white... Through colour correction, seeking through layers of sensitive film, an image resurfaces through the whiteness, as if it could not be totally erased – an afterimage refusing to disappear.

HADJITHOMAS & JOREIGE – INSTALLATIONS

HADJITHOMAS & JOREIGE #1 – 83’

MYRIAM GARFUNKEL EVENING

VEN / VRIJ / FRI

07.10 / 19:00 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Joana Hadjithomas & Khalil Joreige

JE VEUX VOIR / I WANT TO SEE (BADDI CHOUF)

JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE, FRANCE-LEBANON 2008

colour, 75’, 35mm, v : FR-ARABIC, sub : ENG

MYRIAM GARFUNKEL EVENING

En juillet 2006, une nouvelle guerre éclate au Liban. S’interrogeant sur l’image, sur ce que peut encore le cinéma, Joana Hadjithomas et Khalil Joreige retournent au Liban pour filmer l’état du pays et ses nouvelles ruines. Intégrant la fiction dans un contexte réel, ils font se rencontrer la star française Catherine Deneuve et leur acteur fétiche Rabih Mroué, qui parcourront ensemble les régions touchées par le conflit. In juli 2006 breekt er een nieuwe oorlog uit in Libanon. Joana Hadjithomas en Khalil Joreige denken na over het beeld, over wat cinema nog steeds kàn, en keren terug naar Libanon om de staat waarin het land zich bevindt te filmen – en de nieuwe ruïnes. De kunstenaars integreren fictie in een reële context. Ze ontmoeten de Franse filmster Catherine Deneuve en Rabih Mroué, hun favoriete acteur, die de door het conflict getroffen regio’s zullen doorkruisen. In July 2006, a new war broke out in Lebanon. Questioning the image, and what cinema is still capable of, Joana Hadjithomas and Khalil Joreige returned to Lebanon to film the state of the country – and the new ruins. The artists incorporate fiction in a real context. They meet French film star Catherine Deneuve and

Rabih Mroué, their favourite actor, who will travel through the regions that are affected by the conflict.

RONDES / ROUNDS (BARMEH)

JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE, FRANCE-LEBANON 2001

colour, 8’, Digital File, v : ARABIC, sub : ENG

Alors que les artistes s’attachent dans leur œuvre à montrer l’impossibilité de filmer Beyrouth, ils reçoivent cette commande pour la télévision : « Beyrouth vu par… ». Ils réaliseront Rondes avec Rabih Mroué, qui nous décrit la ville au volant d’une voiture. Terwijl de kunstenaars in hun werk willen aantonen dat het onmogelijk is om Beiroet te filmen, krijgen ze de televisieopdracht ‘Beirut gezien door...’. Ze draaien Rounds met Rabih Mroué, die ons aan het stuur van een auto de stad beschrijft. Whilst the artists are striving in their work to show the impossibility of filming Beirut, they received this command for television: ‘Beirut as seen by...’. They shoot Rounds with Rabih Mroué, describing to us the city at the wheel of a car.

Myriam Garfunkel, critique de cinéma et fervente adepte du Musée du cinéma, nous a quittés il y a plus de vingt ans. Peu après son décès, sa famille a créé un fonds destiné à la restauration de films, qui, géré par la Fondation Roi Baudouin, soutient précieusement la Cinémathèque dans son travail de conservation.

Filmmuseum. Kort na haar dood richtte haar familie een fonds voor filmrestauraties op. Dit door de Koning Boudewijnstichting beheerd fonds laat het Filmarchief jaarlijks toe films van de teloorgang te redden. Myriam Garfunkel left us about twenty years ago. She was a film critic and regular visitor of the Film museum. Shortly after her death, her family set up a fund for film restorations. Each year this fund, managed by the King Baudouin Foundation, allows the Film Archive to save films from destruction.

MYRIAM GARFUNKEL EVENING

Meer dan twintig jaar geleden stierf Myriam Garfunkel, filmcritica en fervent bezoeker van het

HADJITHOMAS & JOREIGE #2 – 42’ DIM / ZON / SUN

09.10 / 14:00 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Joana Hadjithomas & Khalil Joreige

LE FILM PERDU / THE LOST FILM (EL FILM EL MAFKOUD) DISSENT !

JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE, LEBANON-FRANCE 2003

colour, 42’, vidéo DV, v : ARABIC-FR, sub : ENG

En mai 2000, Hadjithomas et Joreige apprennent que la copie de leur premier long métrage Autour de la maison rose, présentée au Yémen dans le cadre d’un festival nomade, a été perdue. Partis à sa recherche, et dans l’espoir d’y retourner pour terminer l’enquête, ils seront arrêtés dans leur projet par les événements du 11 septembre 2001. Film essai, Le Film perdu se réalisera avec les images précieuses des repérages, s’écrivant au montage et intégrant les absences narratives. Le film questionne, dans cette partie du monde, autant la représentation de l’image que le statut d’artiste des cinéastes.

HADJITHOMAS & JOREIGE #2 – 42’

In mei 2000 vernemen Hadjithomas en Joreige dat de kopie van hun eerste langspeelfilm, Around The Pink House uit 1999, die in Jemen werd gepresenteerd in het kader van een rondtrekkend festival, verloren is gegaan. Ze gaan ernaar op zoek en hopen naar Jemen terug te keren om hun zoektocht te voltooien, maar de gebeurtenissen van 11 september blazen het project af. The Lost Film, een filmessay, wordt gerealiseerd met de kostbare beelden van de locaties, en wordt gecreëerd tijdens de montage, waarbij de ontbrekende stukken van het verhaal geïntegreerd worden. De film stelt zowel de representatie van het beeld als de kunstenaarsstatus van de filmmakers – in het Midden-Oosten – in vraag. In May 2000, Hadjithomas and Joreige learned that a copy of their first feature film, Around The Pink House from 1999, presented in Yemen as part of a nomadic festival, had been lost. They went in search of it hoping to return to Yemen to complete the investigation, yet 9/11 blocked their project. The Lost Film, a film essay, will be realised with the precious images of locations, and was created in the editing room, integrating narrative absences in doing so. The film challenges the representation of the image as well as the filmmakers’ artist status – in this part of the world.

HADJITHOMAS & JOREIGE #2 – 42’

HADJITHOMAS & JOREIGE #3 – 93’

THE LEBANESE ROCKET SOCIETY

DIM / ZON / SUN

colour + b&w, 93’, DCP, v : ARABIC-FR-ENG, sub : ENG

09.10 / 15:00 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Joana Hadjithomas & Khalil Joreige Suite à la projection de The Lost Film et The Lebanese Rocket Society, Stoffel Debuysere animera une conversation en anglais avec Joana Hadjithomas et Khalil Joreige dans le cadre de DISSENT ! Na de vertoning van de The Lost Film en The Lebanese Rocket Society, gesprek in het Engels met Joana Hadjithomas en Khalil Joreige, geleid door Stoffel Debuysere in het kader van DISSENT!

HADJITHOMAS & JOREIGE #3 – 93’

Following the screening of The Lost Film and The Lebanese Rocket Society, a conversation with Joana Hadjithomas and Khalil Joreige, hosted by Stoffel Debuysere in the context of DISSENT!

DISSENT !

JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE, LEBANON-FRANCE 2013

Le film reflète l’importance que Joana Hadjithomas et Khalil Joreige accordent à l’histoire en marge de l’histoire officielle et celle qu’ils donnent, dans leur approche artistique, aux archives. Ils retracent l’aventure oubliée, aux allures surréalistes, d’un projet de fusée scientifique mené dans les années 1960 par un groupe d’étudiants de l’université arménienne de Beyrouth. À la recherche des documents, photos et films pratiquement disparus, et face à l’absence du projet dans la mémoire et l’imaginaire collectifs et individuels, les artistes racontent aussi ces années de panarabisme, le déclin du projet spatial après la guerre de 1967 imposé par Israël et les transformations du monde arabe. De film weerspiegelt het belang dat Hadjithomas en Joreige hechten aan de geschiedenis die zich in de marge van de officiële geschiedenis afspeelt – alsook, in hun artistieke benadering, aan archieven. Ze sporen het vergeten avontuur op van het wetenschappelijke raketproject dat in de jaren 1960 werd aangegaan door een groep studenten van de Armeense universiteit in Beiroet, een avontuur met surrealistische allures. De kunstenaars zijn op zoek naar documenten, nagenoeg verdwenen foto’s en films en worden daarbij geconfronteerd met de afwezigheid van het project zowel in het individueel en collectiefgeheugen als in de individuele en collectieve verbeelding. Tegelijk verhalen ze ook over de jaren van het panarabisme – tot de door Israël opgelegde neergang ervan, in 1967 – en de transformaties in de Arabische wereld. The film reflects the importance Hadjithomas and Joreige attach to history taking place in the margins of official history – as well as, in their artistic approach, to archives. They trace the forgotten adventure of the rocket scientist project conducted in the 1960s by a group of students of the Armenian university in Beirut, an adventure with surrealist allures. The artists are in search of documents, virtually disappeared photos and films, which confront them at the same time with the project’s absence from collective as well as individual memories and imaginings. At the same time, they also tell about the years of pan-Arabism – until its decline in 1967, imposed by Israel – and the transformations in the Arab world.

HADJITHOMAS & JOREIGE # 4 – 88’ LUN / MAA / MON

10.10 / 21:00 LEDOUX

YAWMON AKHAR (A PERFECT DAY)

JOANA HADJITHOMAS & KHALIL JOREIGE, FRANCE-LEBANON-GERMANY 2005

colour, 88’, 35mm, v : ARABIC, sub : FR

A Perfect Day, geconstrueerd rond twee verhaallijnen die elkaar kruisen, vertelt een verhaal geïnspireerd door dat van Khalil Joreige, via dat van zijn nonkel, een van de 17.000 tijdens de oorlog ‘vermiste’ Libanezen, en de geschiedenis van de jeugd van Beiroet, waar Hadjithomas en Joreige op dat moment (in 2005) zelf deel van uitmaakten. De filmmakers volgen, ergens tussen fictie en documentaire in, hun protagonist rechtstreeks naar het hart van de stad zonder aan historische ‘reconstructie’ te doen en maken van het hedendaagse Beiroet tussen de ruïnes en de bouwwerven het echte onderwerp van de film. A Perfect Day, constructed around two different intersecting narrative lines, tells a story inspired by that of Khalil Joreige, through that of his uncle, who was among the 17,000 Lebanese who were reported missing during the war, and the history of the youth of Beirut of which both Hadjithomas and Joreige were a part at that moment (in 2005). Between fiction and documentary, the filmmakers follow their protagonist directly to the heart of the city, without historic ‘reconstruction’, and make contemporary Beirut, between ruins and building sites, the centre of the film.

HADJITHOMAS & JOREIGE # 4 – 88’

Construit sur deux axes narratifs différents qui se rejoignent, A Perfect Day raconte une histoire inspirée de celle personnelle de Khalil Joreige, à travers celle de son oncle qui fait partie des 17.000 Libanais portés disparus pendant la guerre, et l’histoire de la jeunesse de Beyrouth à laquelle les deux artistes appartiennent. Entre documentaire et fiction, les réalisateurs suivent leur protagoniste directement au cœur de la ville, sans reconstitution, et font du Beyrouth contemporain, entre ruines et chantiers, le centre du film.

THE WEST COAST

CONTENTS

THE WEST COAST

ALL MY LIFE: THE FILMS OF BRUCE BAILLIE

RITUALS INVOLVING FILMS BY CHICK STRAND

ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE California Dreamin’, 1967-1978 (-2012)

ROBERT NELSON’S SUITE CALIFORNIA

COMPANY TOWN Artist’s Film in Los Angeles, 1969-1983

De la fin des années 1950 à aujourd’hui, la côte Ouest des États-Unis a été le berceau d’un mouvement majeur du cinéma d’avant-garde. Centré autour de Canyon Cinema, une des plus importantes coopératives de distribution de films indépendants, d’avant-garde, underground ou expérimentaux – co-fondée à San Francisco par les cinéastes Bruce Baillie et Chick Strand (tous deux mis à l’honneur par ce programme) – la scène West Coast dénote par sa remarquable diversité de styles et de sujets, elle aura été l’un des principaux acteurs du renouveau dans le cinéma américain. De Amerikaanse Westkust was, vanaf de eind van de jaren ’50 tot vandaag, de bakermat van een belangrijke stroming binnen de avant-gardistisch filmwereld. Canyon Cinema, de coöperatieve dat één van de belangrijkste distributeurs van onafhankelijke, avant-gardistische, underground en experimentele films werd opgericht in San Francisco door de cineasten Bruce Baillie en Chick Strand (dit programma is een eerbetoon aan beiden), was het middelpunt van de West Coast scène. De stroming valt op door de enorme diversiteit aan stijlen en onderwerpen en werd uiteindelijk de belangrijkste actor van de heropleving van de Amerikaanse cinema. From the late 1950s until today, the American West coast has been the cradle of a major movement within avant-garde cinema. Centered around Canyon Cinema, one of the most important cooperatives distributing independent, avant-garde, underground or experimental film – co-founded in San Francisco by filmmakers Bruce Baillie and Chick Strand (both honoured by this program) – the West Coast scene was defined by its remarkable diversity of styles and subjects and was one of the principal agents of renewal in American cinema.

THE WEST COAST

ALL MY LIFE: THE FILMS OF BRUCE BAILLIE CURATED BY GARBIÑE ORTEGA

À la fois lyrique et dotée d’un sens aigu de l’observation, l’œuvre de Bruce Baillie (1931, Aberdeen, South Dakota) échappe à toute classification par genre et explore la narration selon des formes non-traditionnelles. Son film Castro Street (1966) a été choisi en 1992 pour être conservé au sein du National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès américain. Son œuvre a exercé une influence majeure sur les milieux du cinéma d’avant-garde et son rôle en tant que membre fondateur de la coopérative Canyon Cinema et de la San Francisco Cinematheque souligne son importance dans la création d’espaces et de structures de soutien et de distribution pour les films expérimentaux. Mais la dimension non fictionnelle de l’œuvre de Bruce Baillie est sous-estimée : les aspects documentaires de chefs-d’œuvre comme Castro Street et Quick Billy (1970) sont à la fois singuliers et caractéristiques de la fusion du banal et du mystique, du personnel et du cosmique, de l’autobiographie et de la mythologie qui traverse tout son parcours. Cette sélection de films entend rendre hommage à l’ensemble de son œuvre, reconnaître son héritage artistique, ainsi que son engagement pour la promotion et la distribution de films expérimentaux. « Il y a eu des périodes de foi, où les hommes établissaient des liens naturels entre eux-mêmes et l’endroit où ils vivaient, les plantes qu’ils cultivaient, le combustible qu’ils utilisaient pour se chauffer, leurs animaux et leurs aïeux. Mon œuvre découvrira – à travers l’art du cinéma – ces contacts naturels et ancestraux qui existent dans la vie américaine. » (Bruce Baillie)

“ Er waren tijden van geloof, toen de mensen natuurlijke verbindingen creëerden tussen zichzelf en de plaats waar ze woonden, de planten die ze teelden, de brandstof die ze gebruikten voor warmte, hun dieren en hun voorouders. Mijn werk zal in het Amerikaanse leven die natuurlijke en oude contacten ontdekken via de kunst van de cinema! ” (Bruce Baillie) Bruce Baillie’s lyrical and keenly observational work evades genre and explores narratives in nontraditional forms—from short films to longer explorations. His film Castro Street (1966) was selected for preservation in 1992 by the United States National Film Registry. His work has been inexpressibly influential to the world of avant-garde cinema, and his role as founding member of both Canyon Cinema and the San Francisco Cinematheque speaks to his importance in creating spaces and systems of support and distribution for experimental filmmakers. But the nonfictional dimension of Baillie’s work remains underemphasized: the documentary aspects of such masterpieces as Castro Street and Quick Billy (1970) are both salient and integral to his career-spanning fusion of the mystical and the mundane, the cosmic and the personal, mythology and autobiography. The selection of Baillie’s films in this year’s Art of the Real pays homage to his body of work, and recognizes his legacy as an artist as well as his outstanding work as a distributor and promoter of avantgarde filmmakers. “ There were ages of faith, when men made natural connections between themselves and the place in which they lived, the plants they cultivated, the fuel they used for warmth, their beasts, and their ancestors. My work will be discovering in American life those natural and ancient contacts through the art of cinema ! ” (Bruce Baillie)

In partnership with

Het lyrische en scherp observerende werk van Bruce Baillie gaat vastgelegde genres uit de weg en verkent verhalende formaten die niet-traditionele vormen aannemen, van kortfilms tot langere exploraties. De United States National Film Registry selecteerde in 1992 Castro Street (1966) voor preservering. Baillies werk is onuitsprekelijk invloedrijk geweest in de wereld van avant-gardefilm en zijn rol als stichtend lid van zowel Canyon Cinema als San Francisco Cinematheque duiden op de belangrijke rol die hij speelde bij de creatie van ruimtes en systemen voor ondersteuning en distributie van experimentele filmmakers. Toch blijft de non-fictionele dimensie van het werk van Baillie onderbelicht: de documentaire aspecten van meesterwerken als Castro Street en Quick Billy (1970) zijn prominent én ze vormen een integraal onderdeel van de fusie van het mystieke en het alledaagse, het kosmische en persoonlijke, mythologie en autobiografie – die zijn hele carrière overspant. Deze selectie films van Baillie vormt een eerbetoon aan zijn oeuvre en erkent zijn erfenis als kunstenaar en zijn uitzonderlijk werk als distributeur en promotor van avant-gardefilmmakers.

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #1 – 55’

MR. HAYASHI

Why Take Up the Camera

MASS FOR THE DAKOTA SIOUX

VEN / VRIJ / FRI

BRUCE BAILLIE, USA 1961

b&w, 3’, 16 mm, v : ENG, sub : —

BRUCE BAILLIE, USA 1964

b&w, 20’, 16 mm, v : ENG, sub : —

07.10 / 18:00

VALENTIN DE LAS SIERRAS

PLATEAU

colour, 10’, 16 mm, v : SPANISH, sub : —

SAM / ZAT / SAT

08.10 / 18:00 PLATEAU présenté par/ingeleid door/introduced by

Garbiñe Ortega

BRUCE BAILLIE, USA 1971

HERE I AM

BRUCE BAILLIE, USA 1962

b&w, 11’, 16 mm, v : ENG, sub : —

LITTLE GIRL

BRUCE BAILLIE, USA 1966

colour + b&w, 10’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

Ce programme rassemble cinq documentaires poétiques et sociaux de la série The News que Bruce Baillie tourna pour les salles du réseau Canyon Cinema. Ces petits films lui offraient un cadre et un format pour réaliser dans l’urgence et avec de petits budgets, des œuvres de nature politique. Ils ont aussi démontré les possibilités d’une relation plus directe entre la production de films et leur diffusion.

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #1 – 55’

Dit programma is een compilatie van vijf poëtische en sociale documentaires die Bruce Baillie opnam voor Canyon Cinema-projectieavonden, onder de titel The News. Deze filmpjes vormden een format voor het maken van urgente, politiek gemotiveerde low-budgetwerken. Ze toonden ook de mogelijkheden van een meer directe overgang van produceren naar projecteren. This program compiles a number of Bruce Baillie’s poetic and social documentaries created for Canyon Cinema venues, entitled The News. These little films provided a format for creating lowbudget, urgent, and politically motivated works. They also demonstrated possibilities for a more immediate transition from production to exhibition.

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #2 – 61’ Searching for Heroes

SAM / ZAT / SAT

08.10 / 21:15 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Garbiñe Ortega

QUIXOTE

BRUCE BAILLIE, USA 1965

colour + b&w, 45’, 16 mm, v : ENG, sub : —

TO PARSIFAL

BRUCE BAILLIE, USA 1963

« Je me lance dans une quête. Donc, à nouveau, je parle d’un homme du passé, d’un faiseur de héros, d’un raconteur d’histoires, d’un faiseur d’images, avec lequel – graduellement – j’étais vitalement lié. Je ne connaissais aucun point de départ dont je me préoccupais de manière générale… mais je me préoccupais des héros. Exactement comme un guerrier, ce poète se mettrait en marche quand il serait temps de s’y mettre, sans savoir particulièrement où. Et alors, là où il a commencé à se trouver luimême – dans ces lieux qui lui disaient à quels endroits il était lié – il commença, bien sûr, à finalement savoir où il se trouvait. » (Bruce Baillie) Ce programme présente deux films – Quixote et To Parsifal – qui explorent l’imaginaire héroïque avec lequel Baillie s’est identifié au cours de sa période de recherche des idoles.

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #2 – 61’

colour, 16’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

“ Ik begin een zoektocht. Op die manier spreek ik opnieuw over een man in het verleden, een heldenmaker, een verteller, een beeldenmaker, waarmee ik vitaal bezig was – geleidelijk; ik kende geen initieel punt waarmee ik in het algemeen mee bezig was, maar ik was bezig met helden. Net als een krijger begon deze dichter wanneer het tijd was om te beginnen, niet echt concreet wetend waar. En dan, waar hij zichzelf vond – plaatsen die hem begonnen vertellen waar hij gebonden was – begon hij, natuurlijk, te weten waar hij was, ten slotte. ” (Bruce Baillie) Dit programma presenteert twee films – Quixote en To Parsifal – die de beeldenheroïek verkennen waarmee Baillie zich tijdens zijn zoektocht naar idolen identificeerde.

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #2 – 61’

“ I start out on a quest. Thus, again I am speaking of a man in the past, a hero-maker, a storyteller, an image-maker, with whom I was vitally concerned – gradually ; I didn’t know any initial point I was concerned with in general, but I was concerned with heroes. Just like a warrior, this poet would start when it was time to start, not knowing really particularly where. And then where he found himself – places that began to tell him where he was bound – he then, of course, began to know about where he was after all. ” (Bruce Baillie) This program presents two films – Quixote and To Parsifal – that explore the imagistic heroic with which Baillie identified during his quest period with many idols.

THE BED

Let’s Not Be So Serious About Art – Canyon Cinema Community

THE OFF-HANDED JAPE… & HOW TO PULL IT OFF

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #3 – 76’

JAMES BROUGHTON, USA 1968

colour, 20’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

ROBERT NELSON & WILLIAM WILEY, USA 1967

colour, 9’, 16mm, v : ENG, sub : —

09.10 / 18:00 PLATEAU présenté par/ingeleid door/introduced by

Garbiñe Ortega

LUN / MAA / MON

10.10 / 20:00 PLATEAU

HAVE YOU THOUGHT OF TALKING TO THE DIRECTOR ? BRUCE BAILLIE, USA 1962

b&w, 15’, 16 mm, v : ENG, sub : —

ANGEL BLUE SWEET WINGS CHICK STRAND, USA 1966

colour, 3’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

L.A. CAR WASH

JANIS CRYSTAL LIPZIN, USA 1975

colour, 9’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

IN BIG SUR : THE LADIES

LAWRENCE JORDAN, USA 1966

colour, 3’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

IN MARIN COUNTY

PETER HUTTON, USA 1970

colour, 10’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

RIVERBODY

ANNE SEVERSON, USA 1970

colour, 7’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

En 1961, Bruce Baillie et Chick Strand fondent Canyon Cinema, dont l’objectif initial est de rassembler un public et d’établir des liens « entre les gens et ce qui se passait » (Bruce Baillie). En réponse à l’absence de salles où projeter des films indépendants, ils s’inscrivent dans le développement général du cinéma d’avantgarde aux États-Unis, organisant des projections (tant de documentaires expérimentaux que de films narratifs) dans les jardins et les centres sociaux de East Bay (à San Francisco). L’époque est à l’idéalisme social et à l’énergie des projets communautaires et les films qu’ils montrent font hardiment se rencontrer expression cinématique pure et critique culturelle. Bruce Baillie en Chick Strand richtten Canyon Cinema in 1961 op. Het oorspronkelijke doel van Canyon Cinema was mensen bij elkaar brengen en verbindingen leggen ‘tussen de mensen en wat er gaande was.’ (Baillie) Baillie en Strand organiseerden vertoningen van speelfilms en experimentele en documentaire films, in achtertuinen en buurthuizen in East Bay. Het was een reactie op het

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #3 – 76’

DIM / ZON / SUN

gebrek aan publieke locaties voor onafhankelijke films, maar Baillie en Strand maakten deel uit van een bredere explosie in Amerikaanse avant-gardefilm. Het tijdperk was er één van sociaal idealisme en gemeenschappelijke energie, en de films die ze stoutmoedig toonden, stonden voor puur cinematografische visuele expressie en cultuurkritiek. Bruce Baillie and Chick Strand founded Canyon Cinema in 1961. The original purpose of Canyon Cinema was to bring people together, to establish a connection “ between the people and what was happening ” (Baillie). They organized screenings of experimental, documentary, and narrative films in East Bay backyards and community centers. Acting in response to a lack of public venues for independent movies, they were part of a wider explosion in American avant-garde film. The era was one of social idealism and communal energy, and the films they showcased boldly embraced purely cinematic visual expression and cultural critique.

HADJITHOMAS & JOREIGE – INSTALLATIONS

“ One of our ‘devices,’ as P.T. and Chicky Strand would have it, for keeping the audience honest – that is, not too serious about ‘Art.’ Years of fun, work, and thoughtful exchange, covering perhaps everything under the sun ! Our Chair in the Sun, we called it. ” (Bruce Baillie)

ROSLYN ROMANCE

Correspondence Bruce Baillie / Stan Brakhage

THE MACHINE OF EDEN

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #4 – 68’

BRUCE BAILLIE, USA 1974

colour, 17’, 16 mm, v : ENG, sub : —

STAN BRAKHAGE, USA 1970

colour, 14’, 16 mm, v : SILENT

09.10 / 20:00 PLATEAU MAR / DIN / TUE

11.10 / 16:00 PLATEAU

CASTRO STREET

BRUCE BAILLIE, USA 1959

colour + b&w, 10’, 16 mm, v : NO DIALOG

THE WONDER RING

STAN BRAKHAGE, USA 1955

colour, 6’, 16 mm, v : SILENT

TUNG

BRUCE BAILLIE, USA 1966

colour + b&w, 5’, 16 mm, v : SILENT

STELLAR

STAN BRAKHAGE, USA 1993

colour, 3’, 16 mm, v : SILENT

STILL LIFE

BRUCE BAILLIE, USA 1966

colour, 3’, 16 mm, v : ENG – sub : —

I… DREAMING

STAN BRAKHAGE, USA 1988

colour, 7’, 16 mm, v : NO DIALOG

ALL MY LIFE

BRUCE BAILLIE, USA 1966

colour, 3’, 16 mm, v : NO DIALOG

« Mi-juin 1968. Cher Bruce, Par l’intermédiaire de ta bande magnétique, tu m’as transmis à Kalamazoo (Michigan) assez de joie et de matière à penser pour passer en un seul morceau à travers cette deuxième journée terriblement difficile. […] Comme pour tes films – Eh bien… quelle pure beauté associée, comme dans tes dernières œuvres, à l’exactitude ET au mystère qui émergent des formes filmiques ellesmêmes – un ‘mystère exact’ pourrait être le gros mot le plus simple avec lequel je pourrais les applaudir… Et tout ce qui précède n’est que claquements de langue – pour te dire, très simplement : BRAVO ! » Stan Brakhage à Bruce Baillie Pendant plus de cinq décennies, Bruce Baillie a entretenu une correspondance avec Stan Brakhage. Ils ont échangé des lettres fascinantes, des films et même des bandes audio enregistrées dans une camionnette sur la route. Ce programme montre quelques liens et affinités possibles entre les univers cinématographiques des deux amis.

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #4 – 68’

DIM / ZON / SUN

“ Midden juni, 1968. Beste Bruce, Je bracht me, via je tape, in Kalamazoo genoeg vreugde en gedachten-provocatie om te blijven functioneren, in één stuk, doorheen de tweede zeer vreselijk moeilijke dag daar. (...) En wat je films betreft – ach... wat voor een pure schoonheid zoals, in het latere werk, aangevuld met nauwkeurigheid EN mysterie in de filmvorm die het voor zichzelf produceert – precies mysterieus zou het eenvoudigste expletief zijn waarmee ik het zou kunnen toejuichen... en dat is slechts een klik met de tong in plaats van – eenvoudiger – te zeggen: BRAVO! ”

Stan Brakhage aan Bruce Baillie

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #4 – 68’

Gedurende meer dan vijf decennia correspondeerde Bruce Baillie met Stan Brakhage. Ze deelden fascinerende brieven, films, en zelfs geluidsbanden die onderweg werden opgenomen vanop een bestelwagen. Dit programma toont een aantal mogelijke connecties en affiniteiten tussen de filmwerelden van de twee vrienden. “ Mid June, 1968. Dear Bruce, You brought me, via your tape, enough joy and thought provocation in Kalamazoo to keep me going all-of-a-piece thru the second very terribly difficult day there. […] As for your films – ah well… what sheer loveliness as, in the later work, extended with exactitude AND mystery into the film form it engenders for itself – exactly mysterious would be the simplest expletive I could applaud it with… and that’s just a tongue-clap in lieu of saying, more simply, BRAVO ! ”

Stan Brakhage to Bruce Baillie

For more than five decades, Bruce Baillie corresponded with Stan Brakhage. They shared fascinating letters, films, and even audiotapes recorded from a van on the road. This program shows some possible connections and affinities between these two friends’ film universes.

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #5 – 75’ American Inner Landscape

MAR / DIN / TUE

11.10 / 19:00 LEDOUX

STARLIGHT

ROBERT E. FULTON, USA 1970

colour + b&w, 5’, 16 mm, v : NO DIALOG

PASTORALE D’ÉTÉ

WILL HINDLE, USA 1958

colour, 9’, 16 mm, v : NO DIALOG

QUICK BILLY

BRUCE BAILLIE, USA 1970

Ce programme propose trois films arpentant les paysages (intérieurs) nord-américains : Quick Billy, le film le plus personnel de Baillie ; Pastorale d’Été de Will Hindle, un de ses amis-cinéastes les plus chers, et le stupéfiant Starlight de Robert Fulton. Dit programma bevat drie werken die naar het (innerlijke) landschap van America peilen. Quick Billy, Baillies meest persoonlijke werk; Pastorale d’Été van Will Hindle, één van Baillies geliefde filmmaker-vrienden; en het verbazingwekkende Starlight van Robert Fulton. This program features three works surveying America’s (inner) landscape. Quick Billy, Baillie’s most personal piece ; along with Pastorale d’Été by Will Hindle, one of Baillie’s beloved filmmaker friends, and the astonishing Starlight by Robert Fulton.

THE WEST COAST / BRUCE BAILLIE #5 – 75’

colour + b&w, 60’, 16 mm, v : ENG, sub : —

THE WEST COAST

RITUALS INVOLVING : FILMS BY CHICK STRAND CURATED BY MARK TOSCANO

Cartoon Le Mousse de Chick Strand s’ouvre sur un intertitre qui le présente ainsi : « Rituels et méditation de lumière pure prisonnière d’une image ridicule ». Cette description poétique et drôle, et en même temps très sérieuse, pourrait tenir de définition plus large de la sensibilité et de la pensée qui animent les films de Chick Strand (1931-2009). Après la création et le développement de Canyon Cinema avec Bruce Baillie et Ernest Callenbach au début des années soixante, Chick Strand, trentenaire et mère de deux enfants, s’installe à Los Angeles où elle suit les cours de cinéma ethnographique à UCLA. Un extraordinaire corpus de films va voir le jour, de ses premières expérimentations visuelles et de sa poétique psychédélique, jusqu’à de complexes films-collages, en passant par des films ethnographiques poétiques/surréalistes. Plusieurs fils rouges traversent son œuvre : la sensualité, le rituel, la survie, la force et le désir féminins, la moralité, l’humanisme, l’autobiographie, ce qui nous unit et nous sépare, ce qui nous fascine et nous repousse. En deux séances, il est difficile de rendre compte de la profondeur et de l’éclat de Chick Strand, cinéaste et théoricienne du cinéma. Mais on y trouve certains de ses plus grands films, dont le chefd’œuvre Soft Fiction, l’intense et énigmatique Loose Ends, et l’hyper-sensuel Artificial Paradise.

Na haar ervaringen met de ontwikkeling van de toonaangevende Canyon Cinema in het begin van de jaren 1960, samen met Bruce Baillie en Ernest Callenbach, verhuist Chick Strand naar Los Angeles. Ze is alleenstaande moeder van twee kinderen, midden dertig en gaat er aan de graduate school van UCLA studeren, meer bepaald in hun etnografisch filmprogramma. Geleidelijk aan ontvouwt zich een buitengewoon oeuvre, vanaf haar vroege experimenten met beeldmanipulatie en feestelijke en poëtische psychedelia, over complexe en dubbelzinnige collagewerken, tot haar opmerkelijke poëtisch/surrealistische etnografische films, die lak hebben aan regels. Doorheen haar hele oeuvre zijn er terugkerende thema’s – zoals sensualiteit, rituelen, overleven, vrouwelijke kracht en verlangen, moraliteit, menselijkheid, autobiografie, dat wat ons verenigt, wat ons scheidt, wat ons boeit, wat ons afstoot. Het is niet gemakkelijk om het hele scala van Chick Strands kunnen als briljant filmmaakster en audiovisueel denker te vatten in slechts twee programma’s. Hier worden alvast enkele van haar beste films getoond, waaronder haar meesterwerk Soft Fiction, het intense en raadselachtige Loose Ends, en het hypersensuele Artificial Paradise. Chick Strand’s film Cartoon Le Mousse begins with a title describing it as “ Rituals involving the meditation of pure light trapped in a ridiculous image ”. This description, poetic and funny and in a way deadly serious, could perhaps stand for a larger philosophy and sensibility which permeates the unforgettable films of Chick Strand (1931-2009). Following her experiences in developing the seminal Canyon Cinema with Bruce Baillie and Ernest Callenbach in the early ‘60s, Chick Strand relocated to Los Angeles as a single mother of two in her mid-thirties to attend graduate school at UCLA in their ethnographic film program. An extraordinary body of work gradually unfolded, from her early experiments with image manipulation and a celebratory and poetic psychedelia, to her complex and ambiguous collage pieces, to her remarkable and rule-breaking poetic/surrealist ethnographic films. Threads run throughout, including notions of sensuality, ritual, survival, female strength and desire, morality, humanity, autobiography, what unites us, what separates us, what fascinates us, what repels us. It’s a difficult task to express the full breadth of Chick Strand’s brilliance as a filmmaker and audiovisual thinker in only two programs, but contained here are some of her greatest films, including the masterpiece Soft Fiction, the intense and enigmatic Loose Ends, and the hyper-sensual Artificial Paradise.

Chick Strands Cartoon Le Mousse begint met een titel die de film beschrijft als ‘rituelen die de meditatie impliceren van puur licht gevangen in een belachelijk beeld’. Deze beschrijving, poëtisch en grappig en op een manier bloedserieus, kan misschien staan voor een bredere filosofie en gevoeligheid die de onvergetelijke films van Chick Strand (19312009) doordringt.

THE WEST COAST / CHICK STRAND #1 – 74’

FEVER DREAM

Amnesia, Euphoria, & Ecstasy

MUJER DE MILFUEGOS / WOMAN OF A THOUSAND FIRES

VEN / VRIJ / FRI

07.10 / 16:00 PLATEAU

CHICK STRAND, USA 1979

b&w, 7’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

CHICK STRAND, USA 1976

colour, 15’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

LOOSE ENDS

CHICK STRAND, USA 1979

b&w, 24’, 16 mm, v : FR-ENG, sub : —

SAM / ZAT / SAT

08.10 / 20:00

CHICK STRAND, USA 1975

colour + b&w, 25’, 16 mm, v : ENG, sub : —

PLATEAU

ANGEL BLUE SWEET WINGS

présentées par/ingeleid door/introduced by

colour, 3’, 8 mm transferred to 16 mm, v : NO DIALOGUE

Mark Toscano Fever Dream and Angel Blue Sweet Wings were restored by the Academy Film Archive and the Pacific Film Archive with funding from the National Film Preservation Foundation. Prints courtesy of the Academy Film Archive. All other prints courtesy of the Chick Strand Collection at the Academy Film Archive.

THE WEST COAST / CHICK STRAND #1 – 74’

ELASTICITY

Presented in partnership with

CHICK STRAND, USA 1966

Dans la description qu’elle fait de Elasticity, Chick Strand note : « Trois états mentaux qui m’intéressent : l’amnésie, l’euphorie, et l’extase. L’amnésie, c’est de ne pas savoir qui vous êtes et le vouloir désespérément. J’appelle cela “la Nuit blanche”. L’euphorie, c’est de ne pas savoir qui vous êtes et ne pas s’en soucier. C’est “le Rêve de la méditation”. L’extase, c’est savoir précisément qui vous êtes et ne pas s’en soucier. J’appelle cela “la Mémoire du futur”. » Les cinq films qui composent cette séance démontrent la complexe interaction des « trois états mentaux » de Chick Strand tels qu’exprimés dans ses films : ils ne sont pas traités de manière exclusive, et peuvent représenter une idée de l’existence, de notre conscience et notre compréhension du monde et de nous-mêmes par l’intermédiaire des images que nous créons. Chick Strand beschreef Elasticity als volgt: “ Er zijn drie mentale toestanden die interessant zijn: geheugenverlies, euforie en extase. Geheugenverlies is niet weten wie je bent en het wanhopig willen weten. Ik noem dit de Witte Nacht. Euforie is niet weten wie je bent en erom malen. Dit is de Droom van de Meditatie. Extase is precies weten wie je bent en er nog steeds om malen. Ik noem dit het Geheugen van de Toekomst. ”

In her description of Elasticity, Chick Strand wrote : “ There are three mental states that are interesting : amnesia, euphoria and ecstasy. Amnesia is not knowing who you are and wanting desperately to know. I call this the White Night. Euphoria is not knowing who you are and not caring. This is the Dream of Meditation. Ecstasy is knowing exactly who you are and still not caring. I call this the Memory of the Future. ” These five films demonstrate the complex interaction of Chick’s “ three mental states ” as expressed in her films : how they are not mutually exclusive, and how they may represent a template for existence, for our awareness and understanding of the world and ourselves through the images we make.

THE WEST COAST / CHICK STRAND #1 – 74’

Deze vijf films tonen de complexe interactie van Strands ‘drie mentale toestanden’ zoals ze in haar films tot uiting komen: hoe ze elkaar niet uitsluiten, en hoe ze misschien een sjabloon voor het bestaan kunnen zijn, voor ons bewustzijn en begrip van de wereld en van onszelf, doorheen de beelden die we maken.

THE WEST COAST / CHICK STRAND #2 – 74’ Survival & Desire

LUN / MAA / MON

10.10 / 15:00 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Mark Toscano

THE WEST COAST / CHICK STRAND #2 – 74’

Soft Fiction was restored in 2015 by the Academy Film Archive. Restoration funding provided by the Los Angeles County Museum of Art (LACMA) and The Film Foundation. Artificial Paradise and Kristallnacht were restored by the Academy Film Archive and the Pacific Film Archive with funding from the National Film Preservation Foundation. All prints courtesy of the Academy Film Archive.

ARTIFICIAL PARADISE CHICK STRAND, USA 1986

colour, 13’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

KRISTALLNACHT

CHICK STRAND, USA 1979

b&w, 7’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

SOFT FICTION

CHICK STRAND, USA 1979

b&w, 54’, 16 mm, v : ENG, sub : —

La survie et le désir sont deux thèmes récurrents dans l’œuvre de Chick Strand, et sont souvent traités de pair dans un entrelacement inattendu. C’est dans l’extraordinaire Soft Fiction que cette relation entre survie et désir est sans doute explorée de façon la plus riche et remarquable. Une série d’épisodes reliés de manière conceptuelle, évoque des histoires à la première personne impliquant différentes femmes, et créant un tissu complexe de provocations et d’ambiguïtés. Autres illustrations de ces thèmes, deux de ses plus beaux et obsédants courts métrages. Artificial Paradise est un des films les plus évocateurs qui ait été tournés sur le sujet du désir, alors que dans l’hypnotique Kristallnacht s’engage une danse inattendue entre la beauté de l’existence et son inévitable envers, l’horreur de la souffrance.

Presented in partnership with

Survival and desire are two very commonly recurring themes throughout Chick Strand’s work, often working simultaneously in an unusual interwoven relationship. This is most richly and brilliantly explored in her amazing film Soft Fiction, in which a series of conceptually linked episodes involving first-person narratives by various women creates a complex empathic web of thoughtful provocations and ambiguities. Further illuminating these themes are two of her most haunting and beautiful shorts. Artificial Paradise is one of the more evocative films ever created on the subject of sensual longing, while the hypnotic Kristallnacht engages in an unusual dance between the beauty of existence and its inevitable obverse, the horror of suffering.

THE WEST COAST / CHICK STRAND #2 – 74’

Overleven en verlangen zijn twee zeer vaak terugkerende thema’s in het werk van Chick Strand, die vaak gelijktijdig aan het werk zijn, in een ongewone, verstrengelde relatie. De vruchtbaarste, meest briljante verkenning hiervan is het verbazingwekkende Soft Fiction, waarin een reeks conceptueel gelinkte episodes met verhalen van verschillende vrouwen (gebracht in de ik-persoon) een complex empathisch web weeft van bedachtzame provocaties en dubbelzinnigheden. Twee van haar meest beklijvende en mooie kortfilms diepen deze thema’s verder uit. Artificial Paradise is een van de meest suggestieve films die ooit over sensueel verlangen werden gemaakt. Het hypnotische Kristallnacht gaat dan weer een ongewone dans aan tussen de schoonheid van het bestaan en haar onvermijdelijke keerzijde, de verschrikkingen van het lijden.

THE WEST COAST / ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE – 75’ California Dreamin’, 1967-1978 (-2012)

THE WEST COAST

ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE CURATED BY MARK TOSCANO

ANSELMO

CHICK STRAND, USA 1967

VEN / VRIJ / FRI

07.10 / 20:00 PLATEAU SAM / ZAT / SAT

08.10 / 16:00 PLATEAU présenté par/ingeleid door/introduced by

THE WEST COAST / ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE – 75’

Mark Toscano Anselmo, Christopher Tree, The Last Supper, Aether and Quick Billy Rolls restored by and courtesy of the Academy Film Archive. Waterfall was restored by the Academy Film Archive and the Pacific Film Archive with funding from the National Film Preservation Foundation, print courtesy of the Academy Film Archive. Elixir courtesy of Amy Halpern. Twelve courtesy of Beth Block. Saint Flournoy courtesy of the Will Hindle Collection at the Academy Film Archive.

colour + b&w, 4’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

CHRISTOPHER TREE (AKA SPONTANEOUS SOUND) LES BLANK, USA 1968

colour, 10’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

THE LAST SUPPER

MIKE HENDERSON, USA 1970-1973

colour, 8’, 16 mm, v : ENG, sub : —

AETHER

DAINA KRUMINS, USA 1972

colour, 5’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

ELIXIR

AMY HALPERN, USA 2012

colour, 7’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

WATERFALL

CHICK STRAND, USA 1967

colour, 3’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

TWELVE (THE FIRST THREE PARTS) BETH BLOCK, USA 1977

colour, 9’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

SAINT FLOURNOY LOBOS-LOGOS AND THE EASTERN EUROPE FETUS TAXING JAPAN BRIDES IN WEST COAST PLACES SUCKING ALABAMA AIR WILL HINDLE, USA 1970

colour + b&w, 12’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

QUICK BILLY ROLLS 14, 41, 43, 46, 47 & 52 BRUCE BAILLIE, USA 1967-1969

colour, 17’, 16 mm, v : SILENT

Presented in partnership with

Bien que nombre d’entre eux parle du contraste entre une côte Est cool et une côte Ouest chaleureuse, un style « West Coast » unique n’a pourtant jamais vraiment existé. En ce sens, ce programme relève un peu de la fiction. Les notions classiques du California Dreamin’ et d’une côte Ouest excentrique, d’une poésie libre et vagabonde, ont inspiré ce programme éclectique qui s’articule autour du fantasme d’une identité cinématographique propre au Golden State.

THE WEST COAST / ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE – 75’

Maints cinéastes qui ont commencé dans les années 1960 ont évoqué une divergence de sensibilité entre les deux côtes : l’Est et l’Ouest avaient des intérêts différents, et l’esthétique et les concepts cinématographiques n’étaient pas les mêmes. Dans un entretien accordé en 1978, le cinéaste Robert Nelson, natif de San Francisco, a déclaré à propos d’une présentation de ses films à New York : « Une fois sur place, mon film avait l’air, dans le contexte du formalisme new-yorkais, […] de quelque chose qu’un gitan aurait apporté sur une couverture déroulée sur le sable, comme ces objets effrayants faits main disposés çà et là ».

Veel filmmakers die in de jaren 1960 opkwamen, hadden het over een radicaal verschillende gevoeligheid tussen Oost- en Westkust, zoals dat ook weerspiegeld wordt in de aanpak van de respectieve filmmakers en de esthetische en conceptuele strategieën van hun films. In een interview uit 1978 had filmmaker Robert Nelson uit San Francisco het over het tonen van zijn films in New York. Hij zei: ‘Toen ik daar aankwam, leek [mijn] film in de context van dat formalisme in New York (...) als iets waar een zigeuner mee kwam aandraven op een deken en dan op het zand uitrolde als een hoop harige handgemaakte objecten die daar maar wat lagen.’

THE WEST COAST / ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE – 75’

Hoewel velen verwijzen naar een toenmalig contrast – East Coast ‘cool’ vs. West Coast ‘warm’ – heeft een uniforme ‘West Coast’-stijl nooit echt bestaan. Dit programma is dan misschien eerder een soort fictie, waarbij de klassieke begrippen ‘California Dreamin’ en excentrieke, free-flowing West Coast-poëzie de inspiratiebronnen vormen en alles draait rond de welbekende fantasie van een filmische ‘Golden State’-identiteit. Many filmmakers who emerged in the 1960s have spoken of an East Coast/West Coast division of sensibility, as reflected in the approaches of the filmmakers and the aesthetic and conceptual strategies of their films. In a 1978 interview, San Francisco filmmaker Robert Nelson spoke of showing films in New York, saying, “ Once I got there, [my] film looked to me in the context of that formalism in New York… like something a gypsy brought in on a blanket and rolled out on the sand, like a bunch of hairy handmade objects that were all sort of laying there. ” Though many refer to an East Coast cool vs. West Coast warm contrast of the time, a uniform “ West Coast ” style has never really existed. This programme is then something of a fiction, perhaps. The classic notions of California Dreamin’ and an eccentric West Coast, free-flowing poetry were inspirations for this eclectic program themed on the notion of a familiar fantasy of a Golden State cinematic identity.

DIM / ZON / SUN

09.10 / 21:15 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Mark Toscano New prints of both films courtesy of the Academy Film Archive

ROBERT NELSON’S SUITE CALIFORNIA CURATED BY MARK TOSCANO

SUITE CALIFORNIA STOPS & PASSES PART 1 : TIJUANA TO HOLLYWOOD VIA DEATH VALLEY ROBERT NELSON, USA 1976

colour + b&w, 46’, 16 mm, v : ENG, sub : —

SUITE CALIFORNIA STOPS & PASSES PART 2 : SAN FRANCISCO TO THE SIERRA NEVADAS & BACK AGAIN ROBERT NELSON, USA 1978

colour + b&w, 48’, 16 mm, v : ENG, sub : —

Suite California, le chef-d’œuvre de Robert Nelson, est un film plein de profondeur, de perspicacité, d’humour et d’intelligence, Nelson étant alors au sommet de ses intentions formelles, et en même temps à son degré le plus élevé de subjectivité et de générosité émotionnelle. Initialement, le projet était de faire un film bien plus long, un carnet de route en plusieurs parties, à travers la grande variété culturelle et géographique de la Californie, le tout, vu, modifié et transformé par le prisme subjectif des expériences et souvenirs du cinéaste. Les deux parties qui forment cette séance, et couvrent la Californie du Sud et la Bay Area, reflètent ce vaste et imprévisible territoire dans lequel se confrontent l’approche personnelle d’un lieu et le lieu lui-même. Bien que les deux films soient traversés de part en part de cet humour propre aux œuvres de Robert Nelson, ils sont également empreints d’une profonde réflexion et d’une intériorité qui révèlent l’expérience subjective qui lie le cinéaste à sa terre natale, ainsi que la place qui y est la sienne. Robert Nelsons meesterwerk Suite California is een werk waaruit een diepe gevoeligheid spreekt – en inzicht, humor en intelligentie. De film vormt een hoogte-

Presented in partnership with

THE WEST COAST

THE WEST COAST / ROBERT NELSON’S SUITE CALIFORNIA – 94’

punt in Nelsons formele innovatie en is tegelijk een van zijn meest persoonlijk onthullende en emotioneel genereuze werken. Het project was oorspronkelijk bedoeld als een veel langer reisverslag met verschillende delen dat de brede culturele en geografische diversiteit van Californië zou doorkruisen – het geheel omkaderd, bewerkt en vervormd door Nelsons persoonlijke blik, door zijn eigen ervaringen en herinneringen.

THE WEST COAST / ROBERT NELSON’S SUITE CALIFORNIA – 94’

De twee voltooide delen, die Zuid-Californië en de Bay Area beslaan, schetsen het uitgestrekte en onvoorspelbare gebied tussen een rijke persoonlijke interpretatie van een plek en de plek zelf. Hoewel beide werken van begin tot einde getuigen van Nelsons karakteristieke briljante humor, zijn het tegelijk ook diepe reflecties, vol onverwachte, onthullende inzichten over zijn persoonlijke ervaring van de thuisstaat en de eigen plaats daarin. Robert Nelson’s masterpiece Suite California is a work of deep feeling, insight, humour, and intelligence which finds Nelson working at the height of his formal innovation, and, at the same time, at his most personally revealing and emotionally generous. The project was originally intended as a much longer, multi-part travelogue traversing the wide cultural and geographical diversity of California, all of it framed, modified, and distorted through the subjective lens of Nelson’s own experiences and memories. The two completed parts, covering Southern California and the Bay Area, trace the vast and unpredictable area between a rich personal reading of a place and the place itself. Although both works feature Nelson’s characteristic brilliant humour throughout, they are also deeply reflective and filled with unexpected, revelatory insight about the subjective experience of his home state, and his own place in it.

Artist’s Film in Los Angeles, 1969-1983

MAR / DIN / TUE

11.10 / 17:00 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Mark Toscano Invocation, Projection Instructions, War Zone, Bondage Boy, Bertha’s Children, Now Playing and Sears Sox restored by and courtesy of the Academy Film Archive. Metro-Goldwyn-Mayer courtesy of Los Angeles Filmforum and Rebecca Donelson. Cartoon Le Mousse was restored by the Academy Film Archive and the Pacific Film Archive with funding from the National Film Preservation Foundation, print courtesy of the Academy Film Archive. Film Achers courtesy of Beth Block and The iotaCenter Collection at the Academy Film Archive. Heavy-Light was restored by The iotaCenter and the Academy Film Archive with funding from the National Film Preservation Foundation, print courtesy of The iotaCenter Collection at the Academy Film Archive. New print of Foregrounds courtesy of the Academy Film Archive.

COMPANY TOWN CURATED BY MARK TOSCANO

INVOCATION

AMY HALPERN, USA 1982

colour, 2’, 16 mm, v : SILENT

METRO GOLDWYN-MAYER JACK GOLDSTEIN, USA 1975

colour, 2’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

PROJECTION INSTRUCTIONS MORGAN FISHER, USA 1976

b&w, 4’, 16 mm, v : ENG, sub : —

CARTOON LE MOUSSE CHICK STRAND, USA 1979

b&w, 14’, 16 mm, v : ENG-FR, sub : —

WAR ZONE

NEON PARK (MARTIN MULLER), USA 1971

colour, 3’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

BONDAGE BOY

CHRIS LANGDON, USA 1973

colour, 5’, 16 mm, v : ENG, sub : —

FILM ACHERS

BETH BLOCK, USA 1976

colour, 8’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

BERTHA’S CHILDREN

ROBERTA FRIEDMAN & GRAHAME WEINBREN, USA 1976 colour, 7’, 16 mm, v : ENG, sub : —

HEAVY-LIGHT

ADAM BECKETT, USA 1973

colour, 7’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

FOREGROUNDS

PAT O’NEILL, USA 1978

colour, 14’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

NOW PLAYING

SUSAN ROSENFELD, USA 1983

colour, 8’, 16 mm, v : SILENT

Presented in partnership with

THE WEST COAST

SEARS SOX

CHICK STRAND, MARTIN MULLER & PAT O’NEILL, USA CA.1969 colour, 4’, 16 mm, v : NO DIALOGUE

THE WEST COAST / COMPANY TOWN – 78’

Aux États-Unis, le concept de company town s’applique à une ville dominée par et dépendante d’une profession, généralement au détriment des citoyens/travailleurs. À sa façon, Los Angeles est une company town, l’industrie du divertissement étant particulièrement importante en matière d’emploi. Si l’on pense à l’intérêt qu’a suscité le cinéma expérimental et d’avant-garde à New York, Londres, ou San Francisco, celui produit à Los Angeles n’a pas attiré l’attention qu’il mérite. Beaucoup pensent en effet qu’il n’existe pas de culture du cinéma expérimental dans cette ville réputée d’abord pour son industrie cinématographique. Et pourtant, pendant plusieurs décennies, Los Angeles a vibré au rythme du cinéma d’avant-garde, et sans doute, justement, à cause de l’omniprésence de l’industrie. Dans ce programme, composé essentiellement de films restaurés par l’Academy Film Archive, sont rassemblés quelques films de l’avant-garde de Los Angeles exprimant une conscience et un engagement pour le media cinéma, mais qui s’intéressent aussi aux enjeux politiques sous-jacents à l’industrie cinématographique et à la représentation cinématographique en général. In de Verenigde Staten verwijst het begrip ‘company town’ naar een plaats die gedomineerd en gedefineerd wordt door – en afhankelijk is van – een specifiek bedrijf, wat meestal ten koste gaat van de burgers/werknemers. Hier wordt het begrip ironisch gebruikt: Los Angeles is natuurlijk in sommige opzichten een soort ‘bedrijfsstad’, in die zin dat de entertainmentindustrie er extreem aanwezig is als vorm van werkgelegenheid. Omdat er, vergeleken bij die van New York, Londen en San Francisco, over de geschiedenis van de filmavant-garde van Los Angeles slechts heel weinig geschreven is, gaan veel mensen ervan uit (misschien precies door de aanwezigheid van die filmindustrie) dat je er geen echte experimentele filmcultuur of -geschiedenis vindt. Het tegendeel is waar: gedurende vele tientallen jaren is er in Los Angeles een enorme en bloeiende filmische avant-garde geweest, althans voor een deel net door de industrie.

In dit uitgebreid en breed programma, hoofdzakelijk bestaand uit gerestaureerde kopijen uit het Academy Film Archive in Hollywood, zien we films uit de Los Angeles avant-garde. Dit suggereert een bewustzijn van, en betrokkenheid met – niet slechts het filmmedium, maar ook met de onderliggende politieke omstandigheden van de filmindustrie en van filmische representatie in het algemeen.

THE WEST COAST / COMPANY TOWN – 78’

In the U.S., the concept of a “ company town ” refers to a town which is dominated by, dependent on, and defined by a specific corporate employer, usually to the detriment of the citizens/workers. Used ironically here, Los Angeles is of course in some ways like a company town, in that the entertainment industry is extremely present as a mode of employment. Because the history of the Los Angeles cinematic avant-garde has been only very minimally written about when compared to that of New York, London, or San Francisco, many people assume there is not much of an experimental film culture or history, perhaps due to the presence of the industry. On the contrary, there has for many decades been a massive and thriving cinematic avant-garde in Los Angeles, at least in part because of the industry. This wide-ranging program, composed mostly of restored prints from the Academy Film Archive, includes films from the Los Angeles avant-garde which suggest an awareness of and engagement with not just the film medium, but the underlying politics of the film industry and cinematic representation in general.

ABCD

ASIAN EXPERIMENTAL CINEMA

CURATED BY SHAI HEREDIA (EXPERIMENTA INDIA)

Ce programme emprunte son titre au film ABCD, irrévérencieux et puissant court métrage d’animation du fameux artiste philippin Roxlee. Il présente un panel éclectique de cinéastes et vidéastes asiatiques préoccupés par le questionnement des formes conventionnelles de représentation et cherchant à inventer de nouvelles manières de voir et de comprendre la culture. Expérimentant dans le champ de l’animation, du found footage ou du montage, ou innovant radicalement dans le cadre du cinéma narratif ou documentaire, ces cinéastes font écho dans leurs films aux relations complexes qu’ils entretiennent avec le cinéma et la pratique artistique. En considérant l’hétérogénéité culturelle et la relation particulière qui se tissent en Asie entre l’individu et la communauté ou le politique, ce programme pose un regard sur les complexités esthétiques et sociopolitiques du cinéma expérimental au sein du continent asiatique, vaste et contrasté. En 2014, le festival Experimenta India (Bangalore) en collaboration avec la Srishti School of Art, Design and Technology (Inde) et le Centre for Research and Education in Arts and Media, University of Westminster (Royaume-Uni) a mis sur pied à Bangalore la manifestation Comparing Experimental Cinemas, un symposium international consacré aux pratiques cinématographiques expérimentales. Cette rencontre fut le point de départ de Experimental Cinema in Asia Network (ECAN), un réseau d’échanges et de soutiens entre praticiens et chercheurs d’Indonésie, du Japon, de Hong Kong, de Malaisie, de Nouvelle-Zélande, de Corée du Sud, de Thaïlande, du Vietnam, des Philippines et d’Inde. Motivé par le besoin d’établir les termes de l’inclusion des images en mouvement non occidentales dans le circuit international de distribution et d’expositions, ECAN se propose de cartographier et de théoriser les histoires, les modes et les régionalismes des pratiques cinématographiques expérimentales en Asie. Dit programma ontleent zijn titel aan de oneerbiedige en intense animatiefilm ABCD van de legendarische Filippijnse kunstenaar-filmmaker Roxlee. Het toont, in een eclectische mix, kunstenaars uit Azië die de confrontatie aangaan met conventionele representatievormen en die nieuwe manieren bedenken om cultuur te bekijken en te begrijpen. Deze filmmakers tonen, van experimenten met animatie, found footage en gestileerde montage tot radicale innovaties met speelfilm en documentaire film, de complexe culturele relaties die ze aangaan met filmmaken als artistieke praktijk. Door de culturele verscheidenheid te bekijken en de bijzondere relatie die in de regio bestaat tussen het zelf en de begrippen ‘gemeenschap’ en ‘politieke groep’, biedt dit programma een blik op de esthetische en sociaal-politieke complexiteit van experimenteel filmmaken binnen de enorm uitgebreide en diverse Aziatische context.

Taking its title from the irreverent and powerful animation film ABCD by the legendary Filipino artist and filmmaker Roxlee, this programme is an eclectic showcase of artists from Asia who are concerned with challenging conventional forms of representation, and devising new ways of seeing and understanding culture. From experiments in animation, found footage and stylised montage, to radical innovations with narrative and documentary forms, these filmmakers expose the complex cultural relationships they share with filmmaking as an artistic practice. By considering the cultural heterogeneity and the particular relationship between selves and the concepts of ‘community’ and ‘politicality’ in the region, this programme offers a view into the aesthetic and socio-political complexities of experimental filmmaking within the vast and diverse context of Asia. In 2014, Experimenta India, in collaboration with the Srishti School of Art, Design and Technology, India, and the Centre for Research and Education in Arts and Media, University of Westminster, U.K. hosted ‘Comparing Experimental Cinemas’, an international symposium on experimental moving image practices in Bangalore. This symposium inaugurated the Experimental Cinema in Asia Network (ECAN) of exchange and support amongst moving image art practitioners, curators, academics and researchers from Indonesia, Japan, Hong Kong, Malaysia, New Zealand, South Korea, Thailand, Vietnam, the Philippines and India. Motivated by the need to re-establish the terms of inclusion of non-western moving image in exhibition and distribution, ECAN proposes to map and theorize histories, modes and the regionality of experimental moving image practices across localities in Asia.

In partnership with

In 2014 was Experimenta India gastheer van ‘Comparing Experimental Cinemas’. Het internationaal symposium rond experimentele filmpraktijken was een samenwerking tussen de Srishti School of Art, Design and Technology (Bangalore) en het Centre for Research and Education in Arts and Media van de University of Westminster en vond plaats in Bangalore. Het symposium vormde ook de inhuldiging van het Experimental Cinema in Asia Network (ECAN) voor de uitwisseling en onderlinge ondersteuning van filmbeoefenaars en -onderzoekers uit Indonesië, Japan, Hong Kong, Maleisië, Nieuw-Zeeland, Zuid-Korea, Thailand, Vietnam, de Filippijnen en India. De motivatie achter ECAN is het opnieuw definiëren van de condities rond het tonen en verspreiden van niet-westerse films. Het netwerk stelt voor om de geschiedenissen, de modi en het specifiek regionale karakter van experimentele filmpraktijken in Azië in kaart te brengen en de theorievorming erover aan te wakkeren.

ABCD :

A – 61’ VEN / VRIJ / FRI

07.10 / 15:00 LEDOUX

Une critique de la mondialisation et des systèmes politiques oppressifs selon un prisme irrévérencieux, personnel et poétique. Een kritiek op globalisering en onderdrukkende politieke systemen, met een oneerbiedige, persoonlijke en poëtische blik. A critique of globalisation and oppressive political systems through a lens that is irreverent, personal and poetic.

présenté par/ingeleid door/introduced by

Shai Heredia

ABCD

ROXLEE, PHILIPPINES 1985

colour, 5’, Super 8 Transferred to Digital, v : NO DIALOGUE

Sous forme d’abécédaire, un court métrage d’animation expérimental résolument cru dans son approche qui, entre commentaire socio-politique et fantaisie surréaliste, plaide pour une vision nouvelle et personnelle de l’alphabet.

ABCD : A – 61’

Een experimentele, nadrukkelijk ruwe animatiefilm, deels sociopolitiek commentaar, deels surrealistische gril, die pleit voor een nieuwe en persoonlijke kijk op het alfabet. An experimental animation, decidedly crude in approach, part socio-political commentary and part surrealist whimsy, advocating for a new and personal take on the alphabet.

YESTERDAY (KEMARIN)

OTTY WIDASARI, INDONESIA 2008

colour, 13’, Digital File, v : INDONESIAN, sub : ENG

Un fragment biographique de trois amis se remémorant leurs années d’université pendant l’ère post-Suharto (dite de « Réforme ») alors en cours en Indonésie. La politique de cette époque est abordée sous un angle personnel via des conversations – et des mouvements de caméra fluides. Een greep uit het leven van drie vrienden, die herinneringen ophalen aan hun universiteitsjaren tijdens het tien jaar durende post-Suharto ‘Reformatie’-tijdperk in Indonesië. De politieke momenten van deze periode worden onderzocht vanuit een persoonlijke blik, via gesprekken en vloeiende camerabewegingen. A reflective biography fragment of three friends reminiscing about their college days through the ten years of the ongoing Reformation era in Indonesia. The politics of this period is explored with a personal lens through conversations and fluid camera movements.

RUST (KALAWANG)

CESAR HERNANDO, ELI GUIEB III & JIMBO ALBANO, PHILIPPINES 1989

colour, 7’, 16 mm Transferred to Digital, v : NO DIALOGUE

Kalawang est un des films les plus importants et les mieux réalisés ayant émergé des ateliers de cinéma expérimental de Christoph Janetzko. Une œuvre satirique qui utilise des images trouvées de guerre, de sexe et de culture pop pour démonter le complexe culturel et libidineux de la colonisation.

One of the most prominent and well-crafted films that emerged from the Christoph Janetzko experimental film workshops, Kalawang is a satirical piece that uses found footage of war, sex, and pop culture to unpick the cultural and libidinal complex of colonization.

ABCD : A – 61’

Een van de opvallendste, best gemaakte films die zijn voortgekomen uit de experimentele-filmworkshops van Christoph Janetzko. Kalawang is een satirische film die found footage gebruikt – met beelden van oorlog, seks en popcultuur – om het culturele en libidineuze kolonisatiecomplex los te wrikken.

100

BLOOD EARTH

KUSH BADHWAR, INDIA 2013

colour, 36’, digital, v : ODIYA-HINDI, sub : ENG

Le village de Kucheipadar, dans l’État d’Odisha, possède un gisement de bauxite qui, depuis la libéralisation économique de l’Inde, a été à l’origine d’un violent conflit entre les aborigènes Adivasis et une entreprise minière. Les chants y ont permis d’articuler entre elles des formes créatives et des structures politiques qui ont guidé le mouvement de résistance à Kashipur de son stade subalterne à la solidarité – puis à la dissolution. Le film combine l’enregistrement de chansons, de la vie agricole et villageoise et d’un meeting politique pour improviser des liens entre voix, musique, silence, son et bruit. Het dorp Kucheipadar in Odisha is rijk aan het mineraal bauxiet, waardoor het sinds de economische liberalisering van India het voorwerp is geweest van gewelddadige conflicten tussen de autochtone Adivasi en de mijnbouwonderneming Kashipur. In de liederen die gezongen worden, vinden we de creatieve vormen en politieke structuren van de verzetsbeweging terug: van ondergeschikt-zijn, over solidariteit, tot de uiteindelijke ontbinding. De film verweeft inspanningen om liederen op te nemen alsook het leven op het veld, het dorpsleven en een politieke bijeenkomst, en improviseert zo een verbinding tussen stem, muziek, stilte, geluid en lawaai.

ABCD : A – 61’

Kucheipadar village in Odisha is a bauxite-rich block that since India’s economic liberalisation has been the subject of violent conflict between Adivasis and a mining venture. The singing of songs has come to articulate creative forms and political structures that steered the Kashipur resistance movement from subalternity, through solidarity and into dissolution. The film interweaves the efforts to record song, farming, village life and a political meeting to improvise a junction between voice, music, silence, sound and noise.

B – 64’ LUN / MAA / MON

10.10 / 16:00 PLATEAU MAR / DIN / TUE

11.10 / 18:00

Un gros plan sur des propositions narratives ou des expressions performatives qui reflètent la lutte pour les (et la quête des) libertés individuelles.

101

ABCD :

Een focus op verhalende momenten en performatieve uitdrukkingsvormen die de strijd voor, en de zoektocht naar, persoonlijke vrijheden weerspiegelt. A focus on narrative moments and performative expressions, that reflects the struggle for, and pursuit of, personal freedoms.

PLATEAU présentées par/ingeleid door/introduced by

Shai Heredia

THE BACKYARD (HALAMAN BELAKANG) YUSUF RADJAMUDA, INDONESIA 2013

b&w, 12’, Digital File, v : NO DIALOGUE

Tout en s’efforçant d’ignorer les bruits venant de l’intérieur de la maison, un enfant s’occupe en jouant tout seul. Een kind speelt alleen en probeert het lawaai dat vanuit het huis komt te negeren.

ABCD : B – 64’

Trying to ignore the noises coming from inside the house, a kid busies himself by playing alone.

102

JOHNNY CRAWL (JUAN GAPANG) ROXLEE, PHILIPPINES 1986

colour, 7’, Super 8 Transferred to Digital, v : NO DIALOGUE

Un homme cherche son destin en rampant dans les rues de Manille à la fin de la dictature de Marcos, traversant l’autoroute urbaine EDSA (Epifanio de los Santos Avenue) et suivant les ombres des piliers du Manila Film Center – juste avant que la « révolution de février » (1986) et l’occupation de la EDSA ne renversent le régime de Marcos. Op het hoogtepunt van de Marcosdictatuur gaat een naakte man op zoek naar zijn bestemming, kruipend door de straten van de metropool. Hij doorkruist de hoofd verkeersader EDSA (Epifanio de los Santos Avenue) en volgt de schaduwen van de pijlers van het Manila Film Center – dit alles net voor de februari-revolutie (1986) en de bezetting van de EDSA, gebeurtenissen die het Marcosregime omverwierpen. A man searches for his destiny while crawling the streets of the metropolis at the height of the Marcos dictatorship, traversing the main EDSA (Epifanio de los Santos Avenue) thoroughfare, and tracing the shadows of the pillars of the Manila Film Center, all just before the People Power Revolution and the storming of EDSA that toppled the Marcos regime.

JUMP (KEPUTUSAN DI SUNGAI CIUJUNG) SYAIFUL ANWAR, INDONESIA 2009

colour, 11’, Digital File, v : INDONESIAN, sub : ENG

Un adolescent, Wandi, se tient au bord d’un pont au-dessus d’une rivière du haut duquel ses amis plongent sans problème pour se baigner. Le film enregistre le moment où Wandi doit prendre la décision de sauter – ou de ne pas sauter.

ABCD : B – 64’

Wandi, een adolescent, staat aan de rand van een brug over een rivier. Zijn vrienden springen er met gemak af en zwemmen rond. De film registreert het moment waarop hij het besluit moet nemen de rivier in te duiken. Wandi, a teenager, is on the edge of a bridge over a river where his friends easily jump off and swim. This film records the moment when a decision must be taken by Wandi to jump into the river.

103

NATEE CHEEWIT

PHAISIT PUNPRUTSACHAT, THAILAND 2014

colour, 20’, Digital File, v : THAI, sub : ENG

Natee Cheewit désigne le moment où la vie peut basculer du côté de la mort. « Au début, je ne pensais pas à ce statement. Parce que je suis tombé sur cet événement par hasard, j’espère que les spectateurs le ressentiront de la même manière que moi. » (Phaisit Punprutsachat) ‘Natee Cheewit’, dat is het moment van een leven-ofdood-situatie. ‘In het begin dacht ik niet aan dat statement. Omdat deze gebeurtenis toevallig op mijn weg lag, hoop ik dat het publiek ze op dezelfde manier zal ervaren als ik.’ (Phaisit Punprutsachat) Natee Cheewit means the point in time during a life or death situation. “ At the beginning I was not thinking about the statement. Because this event I met by chance, I hope the audience will feel the same way that I did. ” (Phaisit Punprutsachat)

IMRAAN, C/O CARROM CLUB UDITA BHARGAVA, INDIA 2014

colour, 14’, Digital File, v : HINDI, sub : ENG

Dans le quartier pauvre de Malwani, à Bombay, la plupart des garçons jouent au jeu de table nommé carrom. Les clubs de carrom sont dispersés à travers le bidonville et Imraan, onze ans, s’occupe d’un de ces clubs. Un court aperçu de la vie d’Imraan dans le petit monde qui est le sien. In Malwani in Mumbai kunnen de meeste jongens carrom spelen en over de hele sloppenwijk zijn er carromclubs. De elfjarige Imraan zorgt voor zo’n club. Een glimp van Imraans leven op zijn kleine planeet.

ABCD : B – 64’

In Malwani, Mumbai, most boys can play carrom. Carrom clubs are scattered across this slum. Imraan, an 11 year old, looks after one such club. A tiny glimpse into Imraan’s life on his little planet.

104

ABCD :

C – 59’ MAR / DIN / TUE

11.10 / 15:00 LEDOUX présenté par/ingeleid door/introduced by

Shai Heredia

Ces portraits hybrides particulièrement inventifs utilisent la mythologie et le folklore pour révéler l’attraction paradoxale entre réalité documentaire et mondes de fiction. Deze zeer inventieve, hybride portretten gebruiken mythologie en folklore om de paradoxale aantrekkingskracht te onthullen tussen documentaire realiteit en fictieve werelden. These highly inventive hybrid portraits use mythology and folklore to reveal the paradoxical pull between documentary reality and fictional worlds.

THE RETROCHRONOLOGICAL TRANSFER OF INFORMATION TAD ERMITANO, PHILIPPINES 1994

colour, 10’, 16 mm transferred to digital, v : FILIPINO, sub : —

Cette parodie irrévérencieuse de science-fiction est moins un documentaire qu’une pure merveille. Une méditation drôle sur l’écoulement du temps, la politique et les points de vue en cinéma. Espérant envoyer un message dans le passé en équipant sa caméra pour filmer à travers l’image du poète José Rizal imprimée sur les billets philippins, Ermitano joue avec les limites de différents points de vue : celui de Rizal, celui de la politique philippine, celui de la caméra, le sien, et le nôtre.

ABCD : C – 59’

Een oneerbiedige parodie op sciencefictionfilms die niet zozeer een documentaire is maar wel een pareltje van een film. Of nog: een humoristische meditatie op tijd, politiek, en point-of-view in film. Ermitano hoopt een bericht terug te sturen in de tijd door de camera zo uit te rusten dat hij doorheen het portret van de dichter Rizal (gedrukt op Filippijnse geldbiljetten) filmt. Zo speelt hij met de grenzen van de verschillende perspectieven: dat van Rizal, de Filippijnse politiek, de camera, de filmmaker – en het onze. This irreverent parody of science-fiction films is less a documentary than a marvel. A humorous meditation on time, politics, and point of view in cinema. Hoping to send a message back in time by equipping the camera to shoot through Rizal’s portrait on Philippine money, Ermitano plays with the boundaries of different points of view : Rizal’s, that of Philippine politics, the camera’s, the filmmaker’s, and ours.

105

GENRE SUB GENRE

YOSEP ANGGI NOEN, INDONESIA 2013

b&w, 12’, Digital File, v : NO DIALOGUE

Le film consiste en quatre fragments visuels. Chaque fragment comporte des images factuelles d’une situation géographique donnée, de paysages déconstruits filmés en plans longs. Deze film bestaat uit vier beeldfragmenten. Elk fragment bevat documentaire beelden van een geografische situatie met lange shots van gedeconstrueerde landschappen. This film consists of four visual fragments. Each fragment contains factual visuals of a geographic situation with long-takes of deconstructed landscapes.

LEMBUSURA

WREGAS BHANUTEJA, INDONESIA 2014

colour, 10’, Digital File, v : INDONESIAN, sub : ENG

Deze film is gesitueerd in de stoffige regen van de uit barsting van de Mount Kelud in Oost-Java en onderzoekt die uitbarsting via de mythologie van de Lembusara folklore. This film is situated amidst the dusty rain of the Mount Kelud eruption in East Java and is explored through the mythology of the Lembusura folklore.

ABCD : C – 59’

Situé au milieu des retombées de poussière issue de l’éruption du mont Kelud à l’Est de Java, le film mène son exploration en recourant à la mythologie du folklore de Lembusura.

106

ANITO

MARTHA ATIENZA, PHILIPPINES 2012

colour, 8’, Digital File, v : NO DIALOGUE

La christianisation d’une fête animiste, son intégration dans un certain catholicisme populaire et sa lente transformation en folie moderne. Le portrait tragi-comique d’une petite ville insulaire dont les moyens de subsistance sont profondément liés à la mer. Een animistisch festival dat gekerstend is en werd opgenomen in de katholieke folklore verandert langzaamaan in moderne waanzin. Een tragikomisch portret van een klein eilandstadje dat voor zijn levensonderhoud erg afhankelijk is van de zee.

ABCD : C – 59’

An animistic festival, Christianized and incorporated into Folk Catholicism, slowly turns into modern day madness. A tragicomic portrait of a small island town whose livelihood is deeply rooted in and bound to the sea.

107

THE LAST MANGO BEFORE THE MONSOON PAYAL KAPADIA, INDIA 2015

colour, 19’, Digital File, v : HINDI, sub : ENG

Deux techniciens des services forestiers marchent dans la forêt, installant des caméras thermiques pour filmer l’activité nocturne des animaux. La forêt se trouve à la frontière entre le Tamil Nadu et le Kerala, les deux États dont sont originaires les deux hommes. Ailleurs, il y a longtemps, une femme a quitté sa forêt, qu’elle aspire aujourd’hui à retrouver, ainsi que son défunt mari. Ses désirs se manifestent dans ses rêves qui sont déclenchés par la dernière mangue de la saison. Twee technici die voor het departement bosbouw werken, lopen door een bos. Ze plaatsen warmtegevoelige camera’s om ‘s nachts dierlijke activiteiten te documenteren. De mannen komen uit twee verschillende staten, Tamil Nadu en Kerala, en het bos ligt op de grens van die twee staten. Elders is een vrouw, lang geleden, weg van een bos gaan wonen. Ze verlangt naar haar overleden man en ook naar het bos, wat tot uiting komt in haar dromen, die uitgelokt worden door de laatste mango van het seizoen.

ABCD : C – 59’

Two technicians from the forest department walk through a forest, setting up heat sensitive cameras to document animal activities in the night. The men are from two different states, Tamil Nadu and Kerala, as the forest lies on the border of the two states. Somewhere else, a woman has moved away from a forest a long time ago. She yearns for her dead husband and also the forest. Her desires are manifested in her dreams that are triggered by the last mango of the season.

EXPRMNTL FOR KIDS

DIM / ZON / SUN

09.10 / 13:00 MUSEUM VIEWING SPACE Dès 8 ans – Vanaf 8 jaar Max. 12 participants / deelnemers Réservation / Reservatie / Reservation: jeni.reghem@cinematek.be 02 551 19 49

109

ATELIER BILINGUE / TWEETALIGE WORKSHOP

FILMS SANS CAMÉRA CAMERALOZE FILMS FILMS WITHOUT CAMERA

LAURE GOEMANS & JENI REGHEM

FR & NL, 120’

Intervenir directement sur la pellicule. Sentir la matière, apposer la couleur, gratter, sculpter la lumière. Premiers pas « en aveugle » à travers les images et le mouvement – puis une surprise graphique lors de la projection ! Direct op pellicule werken. De filmmaterie voelen, kleur aanbrengen, krabben, met licht beeldhouwen. Je eerste ‘blinde’ stappen doorheen de beelden en de beweging – en dan een grafische verrassing tijdens de projectie! Work directly on the film. Feel the material, apply colour, scratch, carve with light. Your first ‘blind’ steps through images and movement – and then, a graphical surprise at the screening! PROJECTION / PROJECTIE

VISION ET DISCUSSION AUTOUR DU CINÉMA ET DE SES TECHNIQUES PROJECTIE EN GESPREK ROND FILM EN FILMTECHNIEKEN VISION AND DISCUSSION ABOUT THE FILM AND ITS TECHNIQUES EXTRAITS DE / UITTREKSELS UIT / FRAGMENTS FROM

BEGONE DULL CARE

NORMAN MCLAREN & EVELYN LAMBART, CANADA 1949

colour, 8’, v : NO DIALOGUE

RAINBOW DANCE LEN LYE, UK 1936

colour, 4’, v : NO DIALOGUE

MOTHLIGHT

STAN BRAKHAGE, USA 1963

colour, 4’, v : SILENT

LE CANARD GÉOMÉTRIQUE / DE GEOMETRISCHE EEND

LOUIS VAN MAELDER, BELGIUM 1966

colour, 6’, v : NO DIALOGUE

EXPRMNTL FOR KIDS

JEU/DON/THU

VEN/VRIJ/FRI

06.10

Plateau

Ledoux

08.10

Plateau

11:00 / 14:00

Ledoux

SAM/ZAT/SAT

07.10

Plateau

15:00

11:00 MASTERCLASS HADJITHOMAS & JOREIGE p.11

15:00 ABCD #1 A

+ GUEST

15:00 Peter Gidal #2 75’ p.57

61’ p.98

16:00

Ledoux

16:00 ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE California Dreamin’ (bis)

16:00 CHICK STRAND Amnesia, Euphoria, & Ecstasy

SPECIAL EVENT

19:00

75’ p.88

17:00

17:00 COMPETITION #1

COMPETITION #2

82’ p.28

77’ p.30

18:00

17:00

74’ p.84

18:00 BRUCE BAILLIE Why Take Up the Camera

18:00 BRUCE BAILLIE Why Take Up the Camera (bis)

55’ p.74

19:00

OPENING NIGHT 19:00 La deuxième femme LIVE SOUNDTRACK

Myriam Garfunkel Evening

19:00 COMPETITION #3

Hadjithomas & Joreige Je veux voir & Rounds

48’ p.06

70’ p.34

20:00

83’ p.64

20:00 ALCHEMY IN THE GOLDEN STATE California Dreamin’

20:00 COCKTAIL

21:00

75’ p.88

OPENING NIGHT 21:00 EXPRMNTL

75’ p.56

Plateau

Ledoux

JEU/DON/THU

06.10

BOOK Peter Gidal LOBBY

p.14

74’ p.84

21:15 BRUCE BAILLIE Bruce Baillie #2

21:00 Peter Gidal #1

60’ p.10

20:00 CHICK STRAND Amnesia, Euphoria, & Ecstasy (bis)

20:00

61’ p.75

Ledoux

Plateau

VEN/VRIJ/FRI

07.10

Ledoux

Plateau

SAM/ZAT/SAT

08.10

DIM/ZON/SUN

LUN/MAA/MON

09.10

Ledoux

Plateau

Ledoux

11.10

Plateau

Ledoux

Plateau 11:00 > 14:00

14:00

MAR/DIN/TUE

10.10

13:00

Hadjithomas & Joreige The Lost Film

EXPRMNTL FOR KIDS p.109 MUSEUM VIEWING SPACE

/ 42’ p.67

15:00 CHICK STRAND Survival & Desire

15:00 ABCD #3

74’ p.86

59’ p.104

15:00

15:00 Hadjithomas & Joreige The Lebanese Rocket Society

/ 93’ p.68

16:00 BRUCE BAILLIE Correspondence (bis)

64’ p.101

68’ p.79

16:00 ABCD #2

16:00 Peter Gidal #3 66’ p.59

17:00 COMPETITION #6

47’ p.38

63’ p.46

17:00 COMPANY TOWN Artist’s Film in LA

17:00

17:30 COMPETITION #4

16:00

16:30 DISCUSSION WITH HADJITHOMAS & JOREIGE p.12

78’ p.93

18:00 ABCD #2 (bis)

18:00 Peter Gidal #3 (bis)

66’ p.59

18:00

20:00 BRUCE BAILLIE Let’s Not Be So Serious (…)

64’ p.101

76’ p.77

19:00 COMPETITION #7

58’ p.43

45’ p.48

19:00 BRUCE BAILLIE American Inner Landscape

19:00

19:00 COMPETITION #5

75’ p.81

20:00 BRUCE BAILLIE Correspondence

BOOK Bruce Baillie LOBBY

68’ p.79

p.15

94’ p.91

Ledoux

Plateau

DIM/ZON/SUN

09.10

BOOK Birgit Hein LOBBY

20:00 BRUCE BAILLIE Let’s Not Be So Serious (…) (bis)

p.17

76’ p.77

21:15 Hadjithomas & Joreige A Perfect Day

21:00 CLOSING NIGHT PROCLAMATION + HAVARIE

88’ p.69

93’ p.18

Ledoux

Plateau

LUN/MAA/MON

10.10

Ledoux

21:00

21:15 ROBERT NELSON’s Suite California

20:00

Plateau

MAR/DIN/TUE

11.10

112

CINEMATEK THANKS ITS PARTNERS FOR THEIR SUPPORT

SPECIAL THANKS TO… All the employees of CINEMATEK & all the filmmakers and guests of the festival.

rue crickxstraat

1060 s t. g illis

ww w.lesateliersclaus.com

2 534 5 1 03

REGISTERED PUBLISHER Nicola Mazzanti

PRESS Emmanuelle De Schrevel

IN CHARGE OF PROGRAMME Olivier Dekegel

GRAPHIC DESIGN Patrice Deweer

ASSISTED BY Philippe Delvosalle

HEAD OF AUDITORIUM Hilde Delabie

CURATORS Olivier Dekegel, Philippe Delvosalle, Céline Brouwez, Jeni Reghem

PROJECTIONISTS Antoine Chambre, Bernard Beets, Cristian Ionescu, Francois Ers, Jaâber Gsir, Yves Verly

GUEST CURATORS Shai Heredia, Garbiñe Ortega, Mark Toscano, Mark Webber

TRANSLATIONS Steven Tallon, Laura Christensen, Julien Charlier

COMMUNICATION Laure Hendrickx, Julien Charlier, Quention Moyon, Inge Coolsaet

PROOFREADING Hilde Delabie, Laure Hendrickx, Jill McArdle & Jean-Charles Tatum Jr.

CINEMATEK Baron Horta 9, 1000 Brussels 02 551 19 19 - www.cinematek.be

BUY AT THE BOX OFFICE Baron Horta 9, 1000 Brussels

TICKETS

BOOK ONLINE www.cinematek.be Until 14:00 on the day of screening.

Screening € 4 € 2 + CINEMATEK cards: annual or threemonthly season-ticket, students

A print-out of your (mailed) order applies as a ticket, to be shown when entering the screening room (no need to queue at the box office).

ÂGE D’OR PASS

RESERVE BY PHONE 02 551 19 19 Reachable Mon-Fri from 09:30 ; Sat-Sun from 14:30.

€ 40 € 20 + CINEMATEK cards

PLEASE NOTE: SEATS ARE LIMITED Ledoux screening room: 117 seats Plateau screening room: 29 seats

Telephone reservations only possible for screenings on the day itself (and for the weekend on Fridays). Please note: reservations have to be claimed at the box office at least 15 minutes before the screening; unclaimed reservations are cancelled 15 minutes before the screening.

So don’t wait too long! OPENING HOURS DURING THE FESTIVAL One hour before the first screening.

DON’T SHOW UP AT THE LAST MINUTE. Queuing may take some time. The screening rooms open 15 minutes before the start of a screening. Entrance is no longer possible once the screening has started. CINEMATEK closes once the last screening has ended.