Âge d’Or Festival 2017

E X P R M N T L F I L M F E S T I VA L

19.10—24.10—2017

EDITO

Het Âge d’Or Festival ‘nieuwe formule’ vindt voor de vierde keer in CINEMATEK plaats van 19 tot 24 oktober. Het festival nodigt u uit een uitgelezen selectie experimentele films te ontdekken en hun makers te ontmoeten. Deze kunstenaars en filmmakers durven de geschreven en ongeschreven regels van de filmtaal te doorbreken en te vernieuwen. Zowel de vorm van de films, als hun inhoudelijke kracht hebben ons verleid.

Deze stoutmoedige dapperheid en geëngageerde taal vinden we terug bij de 34 hedendaagse films in competitie, gerealiseerd door jonge of gevestigde kunstenaars uit meer dan elf verschillende landen. Ze kenmerken ook de dynamiek van de panorama’s die parallel worden gepresenteerd: Incisions and Imprints: Argentine Experimental Cinema biedt een diepgravende en fascinerende, historische reis door de avant-gardecinema in Argentinië vanaf het einde van de jaren 1960 tot vandaag. Ontdek de diversiteit, het esthetische talent en de ideologieën van de Argentijnse kunstenaars. Het programma Distribute and Circulate toont het werk en de collectieve organisatie van Britse feministische filmmakers van de jaren 1970 en 1980, en hun verhouding tot politieke en culturele bewegingen van die tijd.

In dialoog met deze retrospectieve luiken focust Âge d’Or ook op twee hedendaagse kunstenaars: Time, a Hesitant Smile blikt terug op het oeuvre van Johan Grimonprez, de Vlaamse beeldend kunstenaar, documentair filmmaker en antropoloog wiens aparte, metaforische en veeleisende taal voortdurend wordt geprezen door internationale critici. Dit ‘Grimonprez-evenement’, bedacht door de kunstenaar, is een unieke kans om te zien hoe zijn plastisch werk intens verbonden is met zijn filmografie die integraal zal worden vertoond. Eenzelfde vervlochtenheid vind je ook terug in Objects of Desire, een erg coherent programma waarin de jonge en talentvolle Oostenrijkse kunstenaar Antoinette Zwirchmayr haar films toont samen met andere films die er voor haar duidelijk mee verbonden zijn.

Kom genieten van deze sterke films, de speciale vertoningen, de bezielde documentaires van de onafhankelijke regisseur George T. Nierenberg en de Parels van Knokke. Veel kunstenaars komen zelf hun film voorstellen. Deze vierde editie van het festival biedt een ambitieus en opwindende avontuur via het cameraobjectief, op zoek naar subversie en poëzie.

ÉDITORIAL

L’Âge d’Or Festival revient à CINEMATEK du 19 au 24 octobre pour la quatrième édition de sa « nouvelle vie ». Festival de rencontres et de découvertes des cinémas expérimentaux, il rassemble le travail de nombreux artistes et cinéastes, dont le parti-pris formel audacieux, l'écriture qui rompt avec le conformisme cinématographique et la force du propos nous ont séduits.

Cette audace et ce langage engagé traversent les 34 films contemporains en compétition, réalisés aux quatre coins du monde par des artistes jeunes ou confirmés. Ils sont aussi les lignes directrices des panoramas qui seront présentés en parallèle: Incisions and Imprints: Argentine Experimental Cinema, profond et passionnant parcours historique du cinéma d’avant-garde en Argentine qui, par son hétérogénéité, met en lumière le talent esthétique et les idéologies des artistes argentins, de la fin des années 1960 à aujourd’hui. Distribute and Circulate, une programmation qui nous montre le travail et l’organisation collective de réalisatrices britanniques féministes et qui se font l’écho des mouvements politiques et culturels des années 1970 et 1980.

En dialogue avec ces volets rétrospectifs, l’Age d’Or propose deux focus contemporains : Time, a Hesitant Smile, qui revient sur l’œuvre de Johan Grimonprez, plasticien, documentariste, anthropologue et dont le langage singulier, métaphorique et exigeant est constamment salué par la critique. Cet « événement Grimonprez », imaginé par l’artiste, est une occasion unique de voir se répondre son travail plastique et sa filmographie montrée ici dans son intégralité. Il sera aussi question d’entrelacement dans Objects of Desire, programme qui combine, avec une grande cohérence, les films de la jeune et talentueuse artiste autrichienne Antoinette Zwirchmayr, à d’autres films qui leur font écho.

C’est avec un plaisir énorme que nous vous invitons à aimer autant que nous ces films forts, des séances spéciales, les vibrants documentaires du réalisateur indépendant George T. Nierenberg et les Perles de Knokke. De nombreux artistes nous font l’honneur de venir les présenter. Un voyage ambitieux et palpitant, qui nous fera partir ensemble, durant quelques jours, à la recherche de la poésie et de la subversion à travers l’objectif.

EDITORIAL

The Âge d’Or Festival returns to CINEMATEK from the 19th to the 24th of October for the fourth edition in its new format. A festival of encounters and discoveries of experimental cinema, Âge d’Or brings together the work of many artists and filmmakers whose daring formal bias, their approach breaking with the cinematographic conformism, and their powerful content have seduced us.

This audacity and this committed language is something shared by the 34 contemporary films of the competition, created in the four corners of the world by young or confirmed artists. They are also the guidelines of the panoramas that are to be presented in parallel: Incisions and Imprints: Argentine Experimental Cinema, a profound and exciting historical journey through the avant-garde cinema of Argentina, which, because of its heterogeneity, brings to the fore the aesthetic talent and ideologies of Argentine artists from the end of the 1960s to the present day. Distribute and Circulate is a program that shows us the work and collective organization of British feminist filmmakers reflecting the political and cultural movements of the 1970s and 1980s in the UK. In dialogue with this retrospective aspect, Âge d’Or also presents two contemporary focuses: Time, a Hesitant Smile, which revisits the work of Johan Grimonprez, a visual artist, documentary filmmaker and anthropologist, whose personal, metaphorical and demanding language is constantly praised by critics. This “Grimonprez event” – as imagined by the artist himself – is a unique opportunity to witness how his plastic art is in constant dialogue with his filmography, shown here in its entirety. Such interlacing is also to be found in Objects of Desire, a program combining, with great coherence, the films of the young and talented Austrian artist Antoinette Zwirchmayr with other films that echo them.

It is with great pleasure that we invite you to enjoy as much as we do these strong films, the special screenings, as well as the vibrant documentaries by the independent director George T. Nierenberg, or the Treasures from Knokke. Many artist will honor us with their presence, presenting their work. An ambitious and thrilling journey that will make us leave together, for a few days, in search of poetry and subversion through the eye of the camera.

CONTENTS

19.10—24.10—2017

SPECIAL EVENTS

OPENING NIGHT

06

JOSÉ RODRÍGUEZ SOLTERO

06

LIVE SOUNDTRACK - FRANS ZWARTJES : HOME SWEET HOME

09

CLOSING NIGHT

14

COMPETITIONS INTERNATIONAL JURY

15

YOUNG JURY

18

ÂGE D’OR

20

IMPATIENCE

22

SCREENINGS

24

OTHER PROGRAMMES

JOHAN GRIMONPREZ, TIME, A HESITANT SMILE

52

ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, OBJECTS OF DESIRE

68

GEORGE T. NIERENBERG, FILMING FROM THE SOUL

76

INCISIONS AND IMPRINTS, ARGENTINE EXPERIMENTAL CINEMA

84

DISTRIBUTE AND CIRCULATE, WOMEN’S EXPERIMENTAL FILMMAKING IN BRITAIN

98

TREASURES FROM KNOKKE

106

EXPRMNTL FOR KIDS

110

PROGRAM SCHEDULE

112

FILMMAKERS

114

COLOPHON

116

PRACTICAL INFORMATION

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08

OPENING NIGHT

19:00 JOSÉ RODRÍGUEZ SOLTERO 20:00 COCKTAIL 21:00 FRANS ZWARTJES : HOME SWEET HOME

OPENING NIGHT

JEROVI

JOSÉ RODRÍGUEZ SOLTERO – 60’

JOSÉ RODRÍGUEZ SOLTERO, USA 1965 colour, 11’, 16 mm, v : Silent

DON / JEU / THU

THE LIFE AND ASSUMPTION OF LUPE VELEZ

19.10 / 19:00

JOSÉ RODRÍGUEZ SOLTERO, USA 1967

LEDOUX ingeleid door/présenté par/introduced by

Juan A. Suárez

OPENING NIGHT

WITH LIVE SOUNDTRACK

colour, 49’, 16 mm, v : ENGLISH, sub : —

De Puerto Ricaanse José Rodríguez Soltero, lange tijd in de vergetelheid geraakt, groeide de afgelopen jaren uit tot een van de cruciale regisseurs van de Amerikaanse underground uit de jaren zestig. Zijn carrière is even kort als ze rijk is aan stemmingen en stijlen. Soltero bracht slechts drie films in omloop over een periode van vier jaar. Zijn eerste film Jerovi (1965) is een loom oriëntalistisch werk dat veel verschuldigd is aan Jean Cocteau en aan de – door het surrealisme beïnvloedde – na-oorlogse avantgardecinema. Deze ‘masturbatiefilm’, zoals Gregory Markopoulos hem beschreef, ging in première op het Ann Arbor Experimental Film Festival en creëerde een kortstondig schandaal. Rodríguez Soltero’s tweede film, The Life, Death and Assumption of Lupe Vélez (1967), met de onnavolgbare travestiet-performer Mario Montez, is een waanzinnige seksuele komedie in felle kleuren, boordevol camp.

Juan A. Suárez

Longtemps oublié, le Portoricain José Rodríguez Soltero s’impose depuis quelques années comme un des cinéastes majeurs de l’underground américain des années 1960. Avec seulement trois films tournés en quatre ans, sa carrière est aussi brève qu’elle est riche en ambiances et en styles. Son premier film, Jerovi (1965) est une œuvre orientaliste languissante qui doit autant à Jean Cocteau qu’à l’avant-garde post-surréaliste d’après guerre. Un « film de masturbation » selon Gregory Markopoulos, dont la première au Ann Arbor Experimental Film Festival provoqua un scandale. Le second film de Rodríguez Soltero, The Life, Death and Assumption of Lupe Vélez (1967), est une comédie sexuelle délirante d’un camp aux couleurs éclatantes, au milieu de laquelle trône Mario Montez, l’inimitable drag queen des films de Jack Smith et Andy Warhol. La trajectoire de Rodríguez Soltero touche à quelques-unes des principales déclinaisons – surréaliste, pop, politique – du cinéma expérimental des années 1950 et 1960 mais abordées avec brio et originalité, en réussissant à leur insuffler un regard queer et latino. Visible et reconnu à son époque puis ayant disparu au début des années 1970, à la fin de son activité artistique, Rodríguez Soltero refait surface aujourd’hui grâce à la redécouverte de ses films et se pose en grand-père de beaucoup de cinéastes et queer latinos et comme un des piliers du cinéma underground.

Juan A. Suárez

OPENING NIGHT

09

Rodríguez Soltero hernam tijdens zijn artistiek traject een aantal thema’s en stijlen die centraal stonden in de experimentele cinema van de jaren 1950 en 1960, zoals surrealisme, pop art en politiek. Hij ging er op een originele manier en met verve mee om en plaatste alles in een queer latino-perspectief. In zijn tijd werd Soltero’s werk ruim vertoond en ook erkend maar wanneer hij in de vroege jaren zeventig zijn artistieke carrière achter zich liet, raakte het op de achtergrond. Vandaag lijkt het weer helemaal terug van weggeweest. Rodríguez Soltero is de peetvader van heel wat hedendaagse queer latinocinema en -performancekunst en zijn films zijn hoogtepunten van queer undergroundcinema.

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OPENING NIGHT

Long relegated to oblivion, Puerto Rican José Rodríguez Soltero has emerged in recent years as one of the crucial directors of the 1960s American underground. With only three films in circulation, made in a span of four years, his career is as short as it is rich in moods and styles. His first film, Jerovi (1965) is a languid Orientalist piece that owes much to Jean Cocteau and to the surrealism-influenced post-war avant-garde cinema ; a “masturbation film” as Gregory Markopoulos describes it, its premiere at the Ann Arbor Experimental Film Festival provided a moment of scandal. Rodríguez Soltero’s second film, The Life, Death and Assumption of Lupe Vélez (1967), is a delirious sexual comedy in bright colours starring the inimitable drag performer Mario Montez. Rodríguez Soltero’s trajectory encapsulates some of the main modes of 1950s and 1960s experimental cinema – surrealism, pop, politics – which he handled with verve and originality and managed to infuse with a queer Latino perspective. Visible and acknowledged in his time but vanished after abandoning his artistic career in the early 1970s, his work is ready to be rediscovered. Rodríguez Soltero is the spirituel grandfather of much contemporary queer Latino films and performances and one of the pinnacles of queer underground film.

Juan A. Suárez

THE FRANS ZWARTJES SOUNDSYTEM: STANLEY SCHTINTER, SAMUEL KILCOYNE, TAKATSUNA MUKAI

FILM II

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FRANS ZWARTJES : HOME SWEET HOME – 70’

FRANS ZWARTJES, THE NETHERLANDS 1967 b&w, 18’, 16mm, v : LIVE SOUNDTRACK

BIRDS FRANS ZWARTJES, THE NETHERLANDS 1970 b&w, 5’, 35mm, v : LIVE SOUNDTRACK

TOILET

DON / JEU / THU

FRANS ZWARTJES, THE NETHERLANDS 1970

19.10 / 21:00

colour, 2’, 16mm, v : LIVE SOUNDTRACK

LEDOUX

HOW DID YOU KNOW I WAS IN TROUBLE ?

FRANS ZWARTJES, THE NETHERLANDS 1995 colour, 7’, 16mm, v : LIVE SOUNDTRACK

LIVE SOUNDTRACK

BEHIND YOUR WALLS FRANS ZWARTJES, THE NETHERLANDS 1970 colour + b&w, 12’, 16mm, v : LIVE SOUNDTRACK

SPARE BEDROOM FRANS ZWARTJES, THE NETHERLANDS 1970 b&w, 18’, 16mm, v : LIVE SOUNDTRACK

PORTRAIT OF FRANS ZWARTJES STANLEY SCHTINTER, UK 2017

Curated by Simona Monizza and Anna Abrahams (EYE – Amsterdam)

In partnership with

« Frans and Trix [Zwartjes] live to this day in the house were Living was filmed. On arrival I am directed upstairs to the studio: Frans is facing the window with the blinds closed – always closed – behind which he stands pensive, peeking out. The room is packed wall-to-wall with cassette tapes, sound and film reels, cameras, portraits of the deity otherwise known as Moniek Toebosch ; prints of his friend Stephen Dwoskin examining a Bolex (and a tiny pair of legs) ; experimental furniture from an unseen Netherlands of the 1960s ; abstract paintings of possible futures and immaculate drawings rendered from Greek mythology.

All the work of Zwartjes. » Stanley Schtinter – liner notes for the LP Zwartjes Tapes 1, Trunk records, 2017

FRANS ZWARTJES : HOME SWEET HOME – 70’

colour, 8’, Digital file, v : ENGLISH - DUTCH, sub : ENGLISH

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FRANS ZWARTJES : HOME SWEET HOME – 70’

Hoewel hij het meest bekend is voor de meer dan vijftig fascinerende en gedurfde experimentele films die hij heeft gedraaid, waarvan een dertigtal in zeven jaar tijd, tussen 1967 en 1974, is Frans Zwartjes (Alkmaar, 1927) alles behalve dan alleen maar een filmmaker: hij was ook beeldhouwer, tekenaar, schilder… – maar ook vioolbouwer, altviolist en componist. Het is trouwens om een van zijn beeldende kunstwerken te filmen voor een tentoonstelling dat hij, zonder dat hij het zelf besefte, zich intens voor de film ging interesseren en dat hij in het midden van de jaren 1960 een camera koopt. Erg beïnvloed door de New American Cinema (Andy Warhol, Bruce Conner, Gregory Markopoulos, enz.), hij had de kans om hun films in een bioscoop in Eindhoven te ontdekken, draait Zwartjes eind jaren 1960 en begin jaren 1970 een reeks ongewone kortfilms. Deze leggen met gestileerde en poëtische beelden het spel van erotische geladen blikken en rituelen, schommelend tussen verlangen en afstoting vast. In navolging van zijn Home Sweet Home-serie (verhuis naar zijn nieuwe woning in Den Haag waar hij vaak zal filmen), die verschillende films uit het begin van de jaren 1970 omvat, kunnen we de cinema van Zwartjes beschouwen als een artisanale, “home made”-cinema: zijn films zijn thuis gedraaid, met een handvol fetisjactrices en -acteurs (waaronder zijn vrouw Trix, de kunstenaar Moniek

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Toebosch, Christian Manders) en geregisseerd, gemonteerd (meestal rechtstreeks, “in de camera”), ontwikkeld en gesonoriseerd door hemzelf. Muziek, het ritme van de voortrollende filmstrook: in de documentaire Frans Zwartjes, filmmaker van Rene Coelho (1971) kunnen we een scène zien tijdens de opnames van Behind Your Walls waarin Zwartjes zijn actrice dirigeert zoals een orkestleider of een choreograaf dat zou doen, op de klank van een bandrecorder die zijn muziek afspeelt.

Enkele maanden geleden vierde Frans Zwartjes zijn negentigste verjaardag in EYE, het filmmuseum van Amsterdam. Hij herontdekte toen Film II (1967), zijn eerste kortfilm die als verloren werd beschouwd en onlangs door EYE is gerestaureerd. Ook Zwartjes Tapes I werd toen gepresenteerd, de eerst lp met zijn soundtracks die op het cultlabel Trunk Records is uitgebracht. De spil achter dit platenproject is regisseur, programmator en muzikant Stanley Schtinter die sinds enkele jaren een bijzonder innige relatie met de Haagse meester heeft opgebouwd door verschillende van zijn soundtracks op cassettebandjes op zijn label Purge uit te brengen en door een kort videoportret van hem te maken.

S’il est surtout connu pour la cinquantaine de films expérimentaux, fascinants et dérangeants, qu’il tourna (dont une trentaine en sept ans, de 1967 à 1974), Frans Zwartjes (Alkmaar, 1927) est bien loin de n’être qu’un cinéaste : il fut aussi sculpteur, dessinateur, peintre, ainsi que luthier, altiste et compositeur. C’est d’ailleurs pour filmer une de ses œuvres plastiques pour une exposition, sans se douter qu’il allait bientôt se consacrer intensément au cinéma, qu’il achète une caméra au milieu des années 1960. Très influencé par le New American Cinema (Andy Warhol, Bruce Conner, Gregory Markopoulos, etc.) dont il a l’occasion de découvrir les films dans un cinéma d’Eindhoven, Zwartjes tourne, à la charnière des années 1960 et 1970, une série de courts métrages singuliers, aux images stylisées et poétiques, enregistrant des rituels et des jeux de regards érotiquement chargés, oscillant entre le désir et la répulsion. En écho à sa série Home Sweet Home (d’après la nouvelle maison où le réalisateur

FRANS ZWARTJES : HOME SWEET HOME – 70’

Voor de opening van L’Âge d’Or hebben Stanley Schtinter, Samuel Kilcoyne en Takatsuna Mukai de muziek van Zwartjes aangepast voor piano, synthesizer en viool. Zwartjes schreef deze muziek voor een reeks van zijn films uit de periode tussen 1967 en 1995.

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emménage à La Haye et où il tournera souvent) qui regroupe plusieurs de ses films du début des années 1970, on peut considérer le cinéma de Zwartjes comme un cinéma artisanal, « fait maison » : tourné à domicile, avec une poignée d’actrices et acteurs fétiches (sa femme Trix, l’artiste Moniek Toebosch, Christian Manders) et mis en scène, monté (le plus souvent en direct, « dans la caméra »), développé et sonorisé par lui-même. Musique, rythme du défilement de la pellicule : dans le documentaire Frans Zwartjes, filmmaker de Rene Coelho (1971) on peut voir une scène de tournage de Behind Your Walls où Zwartjes dirige son actrice comme le ferait un chef d’orchestre ou un chorégraphe, au son d’un magnétophone à bandes diffusant sa musique.

FRANS ZWARTJES : HOME SWEET HOME – 70’

Il y a quelques mois, Frans Zwartjes a fêté ses 90 ans à EYE, le musée du cinéma d’Amsterdam, en redécouvrant son premier court métrage Film II (1967) qu’on croyait perdu et qui a récemment été restauré par EYE ainsi que Zwartjes Tapes I, premier LP de ses musiques de films sorti sur le label culte Trunk Records. La cheville ouvrière derrière ce projet discographique est le cinéaste, programmateur et musicien Stanley Schtinter qui, depuis quelques années, a noué une relation particulièrement complice avec le vieux maître haguenois, sortant plusieurs cassettes de ses bandes-son sur son label Purge et lui consacrant un portrait filmé.

Pour l’ouverture de L’Âge d’Or, Stanley Schtinter, Samuel Kilcoyne et Takatsuna Mukai adapteront – pour piano, claviers et violon – les musiques écrites par Zwartjes pour une série de ses films tournées entre 1967 et 1995.

Although he is best known for his more than fifty fascinating and disturbing experimental films (of which thirty were made in seven years, between 1967 and 1974), Frans Zwartjes (Alkmaar, 1927) is far from being only a filmmaker: he was also a sculptor, a draughtsman, a painter, a violin-maker, a viola player and composer. It is in the mid-1960s, in order to film one of his works for an exhibition, that Zwartjes buys a camera, not yet suspecting that he would soon devote himself entirely to cinema. Influenced by the New American Cinema (Andy Warhol, Bruce Conner, Gregory Markopoulos, etc.), who's films he discovered in a cinema in Eindhoven, Zwartjes made his first films at the turn of the 1960s

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and 1970s, a series of singular short films, with stylised and poetic images, recording erotically charged rituals, oscillating between desire and repulsion. Echoing his series Home Sweet Home, which brings together several of his films from the early 1970s, Zwartjes’ cinema can be considered as an artisanal, home made cinema: filmed at home, with a handful of his fetish actors and actresses (his wife Trix, the artist Moniek Toebosch, Christian Manders) and directed, edited (usually live, “in the camera”), developed and sonorized by himself. In the documentary Frans Zwartjes, filmmaker by Rene Coelho (1971) we witness the shooting of Behind Your Walls and see Zwartjes directing his actress as a conductor or choreographer would do, to the sound of a tape recorder that plays his music.

For the opening of L’Âge d’Or, Stanley Schtinter, Samuel Kilcoyne and Takatsuna Mukai will adapt the music – for piano, synthesizer and violin – written by Zwartjes for a series of his short films made between 1967 and 1995.

FRANS ZWARTJES : HOME SWEET HOME – 70’

A few months ago, Frans Zwartjes celebrated his 90th birthday at EYE, the film museum of Amsterdam, rediscovering his first short film Film II (1967), which was believed to be lost and which has recently been restored by EYE. Zwartjes Tapes I was also presented, the first LP of his soundtracks released on the cult label Trunk Records. The driving force behind this recording project is filmmaker, programmer and musician Stanley Schtinter who, in recent years, has established a particularly complicit relationship with the master from The Hague by releasing several of his soundtracks on cassette tapes and by making a short video portrait of him.

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CLOSING NIGHT PROCLAMATION + GEORGE T. NIERENBERG’S TAP DANCE FILMS – 86’ DIN / MAR / TUE

24.10 / 21:00 LEDOUX

PROCLAMATION

INTERNATIONAL & YOUNG JURY

+ NO MAPS ON MY TAPS

SPECIAL EVENT

GEORGE T. NIERENBERG, USA 1979 colour, 58’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

CLOSING NIGHT

ABOUT TAP GEORGE T. NIERENBERG, USA 1985 colour, 28’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

Zie pagina 81.

Voir page 81.

See page 81.

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COMPETITIONS INTERNATIONAL JURY VINCENT MEESSEN

PRESIDENT OF THE JURY

Vincent Meessen ontwikkelt een artistieke praktijk die zowel discursief als collaboratief is. Van het beeld in beweging over kunstinstallaties tot typografische design, zijn visuele praktijk richt zich zowel op de vorm als de methode. Door tekens, beelden en occulte feiten te herbeschouwen, onderzoekt hij de actuele effecten van de koloniale matrix die de westerse moderniteit heeft geërfd. Hij vertegenwoordigde België op de 56ste Biënnale van Venetië (2015) en stelde onlangs solo tentoon op Printemps de Septembre in Toulouse (2016), in WIELS, Brussel (2016) en in duo in BOZAR (2017) en Kunsthalle Basel (2015). Recent nam hij ook deel aan groepstentoonstellingen, zoals op de voorbije Biënnale van Taipei (2016). Zijn films werden geprojecteerd op talrijke festivals en in musea wereldwijd waaronder het Internationale Filmfestival van Rotterdam (2016), het Lincoln Center (NYC, 2016), het Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA, Seoul, 2016). Hij is lid van Jubilee, een platform voor artistiek onderzoek en productie. Meessen wordt regelmatig uitgenodigd als spreker op talrijke seminaries en kunstscholen, zowel in België als het buitenland.

Vincent Meessen develops an artistic practice wich is both discursive and collaborative. From the moving image to art installations to typographic design, his visual practice focuses on the form as well as the method. He represented Belgium at the 56th Venice Biennale (2015) and recently held solo exhibitions at Printemps de septembre in Toulouse (2016), at WIELS in Brussels (2016) and BOZAR (2017), at Kunsthalle Basel (2015) and in recent group exhibitions such at the latest Taipei Biennale (2016). His films were screened at numerous festivals and museums worldwide including the International Film Festival of Rotterdam (2016), Lincoln Center (NYC, 2016) and the Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA, Seoul, 2016). He is member of Jubilee, a platform for research and artistic production. Meessen is regularly invited as a speaker at many seminars and art schools, both in Belgium and abroad.

COMPETITIONS

Vincent Meessen développe une pratique artistique à la fois discursive et collaborative. De l’image en mouvement aux dispositifs de présentation en passant par le design typographique, sa pratique visuelle est affaire de forme tout autant que de méthode. En revisitant des signes, des images et des faits occultés, il sonde les effets actuels de la matrice coloniale héritée de la modernité occidentale. Il a représenté la Belgique à la 56ème Biennale de Venise (2015) et exposé récemment en solo au Printemps de septembre à Toulouse (2016), au WIELS à Bruxelles (2016), en duo à BOZAR (2017), à la Kunshalle Basel (2015) et dans des expositions de groupe récentes dont à la dernière Biennale de Taipei (2016). Ses films ont été projetés dans de nombreux festivals et musées dont le Festival international du film de Rotterdam (2016), le Lincoln Center (NYC, 2016), le Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA, Seoul, 2016). Il est membre de Jubilee, une plateforme de recherche et de production artistique. Meessen intervient régulièrement comme conférencier dans de nombreux séminaires et écoles d’art tant en Belgique qu’à l’étranger.

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INTERNATIONAL JURY FEDERICO WINDHAUSEN Federico Windhausen is een filmwetenschapper en curator uit Buenos Aires. Hij heeft filmprogramma’s gepresenteerd op plekken zoals TIFF Bell Lightbox, het Londense Filmfestival, de San Francisco Cinematheque, Anthology Film Archives en de National Gallery of Art. In 2014 leidde hij het eerste Oberhausen Seminarie en voor het Themaprogramma van het Internationaal Kortfilmfestival van Oberhausen cureerde hij in 2016 een reeks programma’s over hedendaags Latijns-Amerika. Deze programma’s werden eveneens vertoond op het recente Ambulante-festival in Mexico en reisden ook door heel de Verenigde Staten. Hij is de redacteur van A Companion to Experimental Film, een anthologie die binnenkort verschijnt. Momenteel werkt hij aan een boek over de Argentijnse experimentele film.

Federico Windhausen est un programmateur et spécialiste du cinéma qui vit à Buenos Aires.

Il a composé des programmes pour des lieux tels que le TIFF Bell Lightbox, le Festival du Film de Londres, la San Francisco Cinematheque, l’Anthology Film Archives et la National Gallery of Art. En 2014, il a dirigé le premier Oberhausen Seminar, et pour le programme thématique du festival international du court métrage d’Oberhausen en 2016, il a mis sur pied une série de programmes sur l’Amérique latine d’aujourd’hui. Ces programmes ont également été intégrés dans le festival Ambulante à Mexico en 2017 et présentés à travers les États-Unis. Il est l’éditeur d’une anthologie à venir, intitulée A Companion to Experimental Cinema et rédige actuellement un livre sur le cinéma expérimental argentin.

Federico Windhausen is a film scholar and curator based in Buenos Aires. He has presented film programmes at venues such as TIFF Bell Lightbox, the London Film Festival, the San Francisco Cinematheque, Anthology Film Archives, and the National Gallery of Art. In 2014 he led the first Oberhausen Seminar and for the International Short Film Festival Oberhausen’s Theme programme in 2016 he curated a series of programmes about contemporary Latin America. Those programmes were also shown at the Ambulante festival in Mexico in 2017 and throughout the United States. He is the editor of a forthcoming anthology titled A Companion to Experimental Cinema and is currently writing a book about Argentine experimental cinema.

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INTERNATIONAL JURY CHARLOTTE PROCTER Charlotte Procter is de collectiebeheerder van LUX, de belangrijkste collectie van bewegende beelden van kunstenaars in Groot-Brittannië en de grootste distributeur van dergelijke werken in Europa.

Ze is verantwoordelijk voor de aankoop van historisch en hedendaags materiaal voor de collectie en ook de digitalisering van werken van onder andere Peter Gidal, Malcolm Le Grice, Annabel Nicholson en Lis Rhodes stond onder haar toezicht. Procter organiseerde en nam deel aan talrijke internationale tentoonstellingsprogramma’s, vertoningen, lezingen en workshops. Als lid van de Cinenova Working Group trad ze op als curator van tentoonstellingen en vertoningsprogramma’s terwijl ze zich ook heeft ingezet voor het behoud en de bescherming van de feministische film- en videocollectie van Cinenova.

Charlotte Procter est directrice de collection à LUX, une des plus importantes collections du Royaume-Uni en matière de films d’artistes, et le plus grand distributeur en Europe de ce type d’œuvres. Directrice des acquisitions de matériau historique et contemporain pour la collection, elle a également dirigé la numérisation des œuvres de Peter Gidal, Malcolm Le Grice, Annabel Nicholson et Lis Rhodes, parmi d’autres. Elle a organisé de multiples expositions et mis sur pied de nombreux programmes, débats et ateliers internationaux.

En sa qualité de membre du Cinenova Working Group, elle a concocté diverses expositions et de nombreux programmes. Elle a également contribué à la conservation de la collection de films et de vidéos féministes de Cinenova.

Charlotte Procter is the Collection Manager of LUX, the UK’s most significant collection of artists’ moving images and the largest distributor of such works in Europe. Manager of acquisitions of historic and contemporary materials to the collection, she has also overseen the digitisation of works

by Peter Gidal, Malcolm Le Grice, Annabel Nicholson and Lis Rhodes amongst others. She has organised and participated in numerous exhibition programmes, screenings, talks and workshops internationally. As a member of the Cinenova Working Group she has curated exhibitions and programmed screenings in addition to contributing to the care and preservation of the feminist film and video collection Cinenova.

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YOUNG JURY In 2017 reikt het festival voor de tweede keer de YOUNG JURY PRIZE (€ 1 000) uit. Een jury van studenten aan Nederlands- en Franstalige kunstscholen schenkt deze prijs aan een film uit de Âge d’Or 2017-competitie. Op deze manier wil het festival de ontmoeting tussen opkomende kunstenaars bevorderen en actuele en gedurfde cinematografische creatie ondersteunen.

De YOUNG JURY 2017 bestaat uit Siham Bouzerda (afgestudeerd in fotografie en film aan INRACI), Juliette Le Monnyer (bachelor film aan de Paris 1 Universiteit Sorbonne, masterstudent videokunst aan ERG), Jules Urban (bachelorstudent aan ERG), Audrey Lenchantin (master in fotografie aan La Cambre) and Joeri Verbesselt (masterstudent film aan LUCA School of Arts, campus Sint-Lukas Brussel).

In 2018 krijgt de young jury ook een carte blanche in CINEMATEK. Dit initiatief werd mogelijk gemaakt in het kader van het culturele samenwerkingsakkoord tussen de Vlaamse en Franstalige gemeenschap.

Le YOUNG JURY 2017 se compose de Siham Bouzerda (diplômée de l’INRACI en photographie et en cinéma), Juliette Le Monnyer (bachelière en cinéma de l’Université Paris 1 Sorbonne, étudiante en master Vidéo Art à l’ERG), Jules Urban (étudiant en BAC 2 à l’ERG), Audrey Lenchantin (Master en photographie de l’Ecole nationale supérieure des Arts visuels de La Cambre) et Joeri Verbesselt (étudiant en master film à LUCA School of Arts, Sint-Lukas Bruxelles).

En 2018, les jeunes jurés se verront également offrir une carte blanche à CINEMATEK. Cette initiative a été rendue possible dans le cadre de l’accord de coopération culturelle entre les Communautés flamande et française.

In 2017, the festival awards for the second consecutive year the YOUNG JURY PRIZE (€ 1 000). A jury consisting of students from Brussels art schools will award this prize to a film from the 2017 Âge d’Or competition. The award aims to encourage upcoming artists to meet each other and support bold, contemporary filmmaking, which is precisely the festival’s goal.

The YOUNG JURY 2017 consists of Siham Bouzerda (graduated in photography and cinema from INRACI), Juliette Le Monnyer (bachelor in cinema from the Paris 1 University Sorbonne, master’s degree student in Video Art at ERG), Jules Urban (student in BAC 2 at ERG), Audrey Lenchantin (master degree in photography at La Cambre) and Joeri Verbesselt (master’s degree student in cinema at LUCA School of Arts, campus Sint-Lukas Brussels).

In 2018, the young jury will also be offered a ‘carte blanche’ at CINEMATEK. This initiative was made possible within the framework of the cultural cooperation agreement between the Flemish and French communities.

Project in het kader van de Culturele Samenwerking tussen beide Gemeenschappen.

Projet réalisé dans le cadre de la collaboration culturelle entre les deux Communautés.

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En 2017, le festival attribue pour la seconde année consécutive son YOUNG JURY PRIZE (€ 1 000). Ce prix sera décerné à un des films de la compétition de l’Âge d’Or par un jury d’étudiants issus des écoles d’art francophones et néerlandophones. De cette manière, le festival entend à nouveau favoriser la rencontre entre des artistes en devenir et une création cinématographique actuelle et audacieuse dont il se veut le reflet.

L'Âge d'Or, Luis Buñuel 1930

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L’ÂGE D’OR PRIZE

INTERNATIONAL & YOUNG JURY

De Âge d’Or-competitie wil recente films – gemaakt in de laatste drie jaar – tot hun recht laten komen. De 26 films, allen innig verstrengeld met bijzondere reële en imaginaire denkbeelden en gekozen zonder onderscheid te maken op basis van genre of duur, verkennen nieuwe stijlen die afwijken van het cinematografisch conformisme zonder daarom te vervallen in een formalistische aanpak. De twee prijzen worden uitgereikt om cineasten te steunen in de verdere ontwikkeling van hun werk: de ÂGE D’OR prijs (€ 5.000), toegekend door de internationale jury, en de YOUNG JURY PRIZE (€ 1.000).

La compétition de l’Âge d’Or est créée pour mettre en valeur des films produits au cours des trois dernières années. Vingt-six films sélectionnés sans distinction de genre ou de durée qui, sans tomber dans le formalisme et en étant en prise avec des réalités ou des imaginaires singuliers, explorent de nouvelles voies d’expression s’écartant des conformismes cinématographiques. Deux Prix seront attribués pour soutenir les cinéastes dans leur travail : le Prix de l’ÂGE D’OR (€ 5000) décerné par le Jury international ainsi que le YOUNG JURY PRIZE (€ 1000).

The Âge d’Or competition was created to validate films produced during the last three years. Twentysix films selected without genre or duration distinctions, which avoid falling into formalism and are engaged with singular realities or imaginaries, explore new routes of expression whilst departing from cinematographic conventions. Two prizes will be given to support the filmmakers in their work: the ÂGE D’OR PRIZE (€ 5,000) awarded by the international jury, and the YOUNG JURY PRIZE (€ 1,000).

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ÂGE D’OR

025 Sunset Red / Laida Lertxundi, USA - Spain 2016 – 14’

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An Ecstatic Experience / Ja’Tovia Gary, USA 2015 – 7’

26

An Old Dog’s Diary / Shumona Goel & Shai Heredia, India 2015 – 11’

41

Answer Print / Mónica Savirón, USA 2016 – 5’

43

As Without so Within / Manuela de Laborde, USA - UK - Mexico 2016 – 25’

45

Atelier d’expression / Friedl vom Gröller, Austria - Senegal 2016 – 20’

39

Bad Mama Who Cares / Brigid McCaffrey, USA 2016 – 12’

33

Chants and Dances for Hand / Larry Gottheim , USA 2017 – 40’

27

Defenestration / Bea Haut, UK 2015 – 5’

32

Dreaming of Baltimore / Lola Quivoron, France 2016 – 26’

31

Eglantine / Margaret Salmon, UK 2016 – 71’

50

Eason / Kevin Jerome Everson, USA 2017 – 15’

31

Explosion Ma Baby / Pauline Curnier Jardin, The Netherlands - Italy - France 2016 – 9’

48

Fugue / Els van Riel, Belgium 2017 – 29’

44

He Who Eats Children / Ben Russell, USA 2016 – 25’

25

La Bouche / Camilo Restrepo, France 2017 – 19’

48

Là est la maison / Victor De Las Heras & Lo Thivolle, France 2017 – 13’

47

Movement and Stillness / James Edmonds, UK 2015 – 11’

32

NN / Pablo Mazzolo, Argentina 2017 – 3’

42

Nyo Vweta Nafta / Ico Costa, Portugal 2017 – 22’

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Plus Ultra / Samuel Delgado & Helena Girón, Spain 2017 – 13’

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Sakhisona / Prantik Basu, India 2017 – 26’

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Scrapbook / Mike Hoolboom, Canada 2015 – 18’

41

The Seaweed in Your Hair / Daphné Hérétakis, Greece - France 2016 – 8’

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Song X / Mont Tesprateep, Thailand 2017 – 20’

25

Venus Delta / Antoinette Zwirchmayr, Austria 2016 – 5’

73

L’ÂGE D’OR PRIZE

FILMS IN COMPETITION

INTERNATIONAL JURY

In navolging van de gelijknamige film van Charles Dekeukeleire zal de IMPATIENCE-prijs ter waarde van € 2.500 door de internationale jury worden toegekend aan een eerste of tweede film van een jonge filmmaker/maakster die het medium film op een persoonlijke en originele manier benadert en die tegelijk een subjectieve en unieke kijk heeft op het gekozen onderwerp.

Baptisé en écho à l’œuvre éponyme de Charles Dekeukeleire, la compétition IMPATIENCE a pour ambition de révéler les cinéastes à l’aube de leur parcours cinématographique. Le Prix IMPATIENCE d’une valeur de € 2 500 sera décerné par le Jury international à un premier ou deuxième film d’un jeune cinéaste qui questionne le langage cinématographique de manière personnelle et originale, développant un point de vue singulier sur le monde.

Taking its cue from Charles Dekeukeleire’s film of the same name, the IMPATIENCE competition aims to reveal filmmakers at the dawn of their cinematic careers. The IMPATIENCE prize, worth € 2,500, will reward a film by a young filmmaker (first or second film) that questions the medium in a personal and original way and develops a unique perspective on the world.

Impatience, Charles Dekeukeleire 1928

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IMPATIENCE

25

IMPATIENCE

Buried in Light / Gautam Valluri, India - France 2016 – 7’

40

Farpões Baldios / Marta Mateus, Portugal 2017 – 25’

36

Foretes / Margaux Dauby, Belgium 2017 – 13’

50

Mariachi Plaza / Misho Antadze, USA 2017 – 19’

46

New Sun Breathing In / Chloe Reyes, USA 2017 – 6’

33

¡ PÍFIES ! / Ignacio Tamarit, Argentina 2016 – 4’

42

Schwerelos / Jannis Lenz, Austria 2016 – 9’

30

Tower XYZ / Ayo Akingbade, UK 2016 – 3’

26

IMPATIENCE

FILMS IN COMPETITION

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COMPETITION #1 – 67’ ÂGE D’OR

VRIJ / VEN / FRI

20.10 / 17:00 LEDOUX

NYO VWETA NAFTA

ÂGE D’OR

ICO COSTA, PORTUGAL-MOZAMBIQUE 2017 colour, 22’, DCP, v : PORTUGUESE, sub : ENGLISH

“Inhambane. Mozambique. King-Best. Samsung Galaxy. Versace.

Babes. Witte haan. Er zijn geen tandenstokers in Noorwegen.

Kokosnootbomen. Baobabfruit. Superfruit. Vitamine C. Passi­ florine. Alfa-linoleenzuur. Sms in het Chinees. Megabytes. Hotel Cardoso. Koffie is de verslaving van de blanke man. Ngadzango.

Mijn vrouw. Nafta.”

COMPETITION #1 – 67’

« Inhambane. Mozambique. La musique de King-Best.

Samsung Galaxy. Versace. Des nanas. Un coq blanc. Il n’y pas de cure-dents en Norvège. Cocotiers. Fruits du baobab. Super fruits. Vitamine C. Passiflorine. Acide alphalinolénique. SMS en chinois. Megabytes. Hotel Cardoso.

Le café est une drogue de l’homme blanc. Ngadzango.

Ma femme. Nafta. » “Inhambane. Mozambique. King-Best. Samsung Galaxy. Versace.

Babes. White rooster. There are no toothpicks in Norway. Coconut trees. Baobab fruits. Superfruits. Vitamine C. Passiflorine. Alphalinolenic acid. SMS in Chinese. Megabytes. Hotel Cardoso. Coffee is a white man’s addiction. Ngadzango. My woman. Nafta.”

Ico Costa

ÂGE D’OR

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HE WHO EATS CHILDREN BEN RUSSELL, USA 2016

colour + b&w, 25’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

In een dorpje in het hart van de Surinaamse jungle spelen meisjes en jongens een raadselachtig spel: een monster wil hen vangen om hen op te eten. Volgens een lokale legende zou de enige blanke ter plaatse, een Nederlander, dit befaamde monster zijn.

Dans un petit village situé au cœur de la jungle au Surinam, filles et garçons jouent à un jeu énigmatique : un monstre cherche à attraper les enfants pour les manger. Une légende locale dit que le seul Blanc à vivre sur place, un néerlandais, serait le fameux monstre.

In a little village located in the heart of the Surinamese jungle, girls and boys are playing an enigmatic game: a monster is trying to catch them for food. According to a local legend, the only white man who lives there, a Dutchman, could be this famous monster.

SONG X

ÂGE D’OR

MONT TESPRATEEP, THAILAND 2017 b&w, 20’, DCP, v : NO DIALOGUE

Een deserteur wordt wakker en ontdekt dat zijn lichaam levenloos op de grond ligt. Aangezien hij geen andere keuze heeft, begint hij aan deze nieuwe reis. Hij ontmoet er een groep tieners die hem een crematieceremonie willen geven, terwijl zijn dode lichaam tegelijkertijd wordt gezocht door een militaire patrouille.

A deserter awakes to discover that his body is laying lifelessly on the ground. Having no other choice, he embarks on a new journey where he encounters a group of teenagers who intend to give him a cremation ceremony while, at the same time, a military patrol is searching for his dead body.

COMPETITION #1 – 67’

Un déserteur se réveille pour découvrir que son corps gît inanimé sur le sol. Il n’a pas d’autre choix que de se lancer dans un nouveau voyage au cours duquel il rencontre un groupe de jeunes qui s’occupent de sa cérémonie de crémation alors qu’une patrouille militaire est encore à la recherche de son corps.

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COMPETITION #2 – 49’ ÂGE D’OR + IMPATIENCE

VRIJ / VEN / FRI

20.10 / 19:00 LEDOUX

TOWER XYZ

IMPATIENCE

AYO AKINGBADE, UK 2016 colour, 3’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

Personages wandelen door de betonnen Londense jungle op een melodieuze soundtrack terwijl een onbekende vrouwelijke stem luidop nadenkt over de huidige staat van de stad en over haar verbeelde toekomst.

Sur fond de musique cadencée, des personnages errent dans la jungle urbaine de Londres alors qu’une femme déclame ses réflexions sur l’état actuel de la ville et ses rêves pour le futur.

Over a lilting soundtrack, characters wander through London’s concrete jungle, as an unknown female voice reflects on the current state of the city and her imagined future.

AN ECSTATIC EXPERIENCE

ÂGE D’OR

COMPETITION #2 – 49’

JA’TOVIA GARY, USA 2015 colour + b&w, 7’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

Een meditatieve aanroeping over transcedentie als middel tot herstel.

Une invocation méditative de transcendance comme moyen de régénération.

A meditative invocation on transcendence as a means of regeneration.

ÂGE D’OR

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CHANTS AND DANCES FOR HAND LARRY GOTTHEIM, USA 2017 colour, 40’, Digital file, v : NO DIALOGUE

Het materiaal werd ongeveer 25 jaar geleden in Haïti opgenomen. Sommige secties zijn gemaakt met materiaal van Voodoo­ ceremonies. Ik heb aan een aantal ervan deelgenomen. De beelden zijn samengebracht in een strakke formele structuur die doet denken aan een aantal patronen van de ceremoniën. Ander materiaal is tot intermezzo’s gevormd. In het draaiende centrum is een sectie met materiaal dat werd opgenomen tijdens een opstand.

Het is deels een meditatie op de dood. In feite is het hele project een meditatie op de dood. Geboorte, ook. Ook, zoals in de meeste van mijn films, geheugen. Niet alleen de herinnering aan wat snel passeert in de stroom van geluiden en beelden, maar het dieper geheugen, zoals de ceremonies zelf het oproepen. Dit zal verschillend zijn voor elke kijker, elke projectie. Ook de ceremoniële aard van cinema, films en video. De enige klanken zijn de muzikale klanken die de beelden begeleiden, de enige beelden zijn die die de muzikale klanken of stiltes begeleiden.

Larry Gottheim

COMPETITION #2 – 49’

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La matière de ce film a été tournée à Haïti il y a vingt-cinq ans environ. Certaines parties sont construites à partir d’images de cérémonies vaudou. J’ai participé à certaines d’entre elles. Ces images sont agencées en une structure formelle circulaire qui rappelle certains des motifs des cérémonies. Un autre matériau est façonné en guise d’interludes. Au cœur du film on retrouve une séquence construite à partir d’images filmées lors d’une insurrection. C’est en partie une méditation sur la mort. D’ailleurs le projet tout entier est une méditation sur la mort. Sur la naissance aussi. Et, comme la plupart de mes films, sur la mémoire. Pas seulement la mémoire de ce qui passe furtivement dans le flux des sons et des images, mais aussi une mémoire plus profonde, comme évoquée dans les cérémonies elles-mêmes. Tout ceci sera différent pour chaque spectateur, à chaque vision du film. Cela touche aussi à la nature cérémonielle du cinéma, des films et des vidéos. Les seuls sons utilisés sont les musiques qui accompagnent les images, les seules images utilisées sont celles qui accompagnent les sons musicaux ou les silences.

COMPETITION #2 – 49’

Larry Gottheim

The material was shot in Haiti about 25 years ago. Some sections use images from Voodoo ceremonies. I participated in some of them. The film uses a tightly coiled formal structure that echoes the pattern of the ceremonies. Other material is shaped into interludes. In the turning centre is a section with material recorded during an uprising. It is in part a meditation on death. Indeed the whole project is a meditation on death. Also birth. Also, as in most of my films, memory. Not only the memory of what is rapidly passing by in the flow of sounds and images, but the deeper memory that the ceremonies themselves evoke. This will be different for each viewer, each viewing. Also the ceremonial nature of cinema, movies and video. The only sounds are the musical sounds that accompany the images, the only images are those that accompany the musical sounds or silences.

Larry Gottheim

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COMPETITION #3 – 53’ ÂGE D’OR + IMPATIENCE

ZAT / SAM / SAT

21.10 / 17:00 LEDOUX

TIC TAC

NOT IN COMPETITION

JOSEPHINE AHNELT, AUSTRIA 2011 b&w, 3’, 16 mm, v : SILENT

Parkour is een sportieve, ja acrobatische discipline waarin stede­ lijke of natuurlijke obstakels overwonnen moeten worden zonder hulp van extra materiaal, door te lopen, springen, klimmen of door evenwichtsoefeningen. Tic Tac, gemaakt door een jonge student van Friedl vom Gröller, is een stomme film gemonteerd in de camera. Hij volgt een groep ‘traceurs’, maar houdt al het spectaculaire van hun discipline buiten kader om zich te concentreren op wat er zich op hun gezichten afspeelt – in hun ooghoeken, hun blik, het krullen van hun mondhoeken enz. – net voor ze vertrekken…

Parkour is a sportive, acrobatic discipline in which urban or natural obstacles have to be overcome without the aid of equipment, by running, jumping, climbing or balance exercises. Tic Tac, made by a young student of Friedl vom Gröller, is a silent movie, edited in the camera. It follows a group of ‘traceurs’ (tracers) but keeps the whole spectacular side of their discipline out of frame, to focus on what is happening on their faces – in the corner of their eyes, their gaze, the corner of their mouths – just before they start…

COMPETITION #3 – 53’

Muet, monté dans la caméra, le film de cette jeune élève de Friedl vom Gröller aborde un groupe de « traceurs » de parkour (cette discipline entre sport et acrobatie qui consiste à franchir des obstacles urbains ou naturels, sans l’aide de matériel, par la course, des sauts, des gestes d’escalade ou des déplacements en équilibre) en laissant hors cadre tout le spectaculaire de leur discipline pour se focaliser sur ce qui se passe sur leurs visages – au coin des yeux, dans le regard, à la commissure des lèvres, etc. – juste avant de s’élancer…

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SCHWERELOS

IMPATIENCE

JANNIS LENZ, AUSTRIA 2016 colour, 9’, DCP, v : GERMAN, sub : ENGLISH

‘Ik ben een kind van de stad geboren in de smog.’ Jannis Lenz is zelf ‘traceur’ en een filmmaker die zijn eerste filmervaringen opdeed door zichzelf en zijn vrienden te filmen tijdens het beoefenen van de ‘parkour’-loopdiscipline. Op de klank van de slam van dichteres Fatima Moumouni legt hij eens te meer de schoonheid van de toestand van gewichtloosheid vast die zich in een tijdspanne van enkele seconden voordoet tussen een lichaam en de omringende stadsarchitectuur. « Je suis un enfant de la ville, né dans le smog ». Au son du slam de la poétesse Fatima Moumouni, Jannis Lenz – « traceur » lui-même, cinéaste ayant fait ses premières armes en se filmant, lui et ses amis, pratiquant le parkour – capte à nouveau la beauté de ce rapport d’apesanteur qui atteint l’espace de quelques secondes entre un corps et l’architecture de la ville.

COMPETITION #3 – 53’

‘I am a child of the city, born in smog’. Jannis Lenz is a ‘traceur’ and a filmmaker who had his first filmmaking experiences while filming himself and his friends, practising the training discipline of ‘parkour’. To the sound of the slam of poetess Fatima Moumouni, he captures the beauty of the weightlessness that occurs for a few seconds between a body and the surrounding city architecture.

ÂGE D’OR

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EASON

KEVIN JEROME EVERSON, USA 2017 colour, 15’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

Eason, een opdracht van het Scribe Video Center, als onderdeel van de honderdste verjaardag van de grote zwarte migratie in Philadelphia, Pennsylvania is losweg gebaseerd op het leven van James Walker Hood Eason (1886-1923), die lange tijd lid was van de Universal Negro Improvement Association (UNIA) van Philadelphia.

Eason est une commande du Scribe Video Center à l’occasion du centième anniversaire de la grande migration afro-américaine à Philadelphie (Pennsylvanie).

Il s’inspire librement de la vie de James Walker Hood Eason (1886-1923) qui fut longtemps membre de l’UNIA (Universal Negro Improvement Association and African Communities League) de Philadelphie.

Eason, commissioned by the Scribe Video Center, part of the onehundred anniversary of the great Black migration in Philadelphia, Pennsylvania, is loosely based on the life of James Walker Hood Eason (1886-1923) a long time member of the UNIA (Universal Negro Improvement Association and African Communities League) of Philadelphia.

DREAMING OF BALTIMORE [AU LOIN, BALTIMORE] ÂGE D’OR LOLA QUIVORON, FRANCE 2016 colour, 26’, DCP, v : FRENCH, sub : ENGLISH

La liberté ne signifie qu’une seule et unique chose pour Akro : rouler en moto-cross dans la cité, comme un prince, roue-avant braquée vers le ciel. Mais ce soir-là, le moteur lâche.

Freedom means only one thing for Akro: riding his dirt bike in the street, his front wheel aiming at the sky. But that night, the engine gives up on him.

COMPETITION #3 – 53’

Vrijheid betekent slechts één ding voor Akro: door de straat rijden met zijn crossmotor, zijn voorwiel gericht op de lucht. Maar die nacht laat de motor hem in de steek.

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COMPETITION #4 – 56’ ÂGE D’OR + IMPATIENCE

ZAT / SAM / SAT

21.10 / 19:00 LEDOUX

DEFENESTRATION

ÂGE D’OR

BEA HAUT, UK 2015 b&w, 5’, 16mm, v : NO DIALOGUE

Defenestration mengt film en huiselijke structuren en reikt verder dan het frame, waarbij hij toegang en ontsnapping uittest, opening en portaal. Geritmeerd door de Letraset-letters die aangebracht werden het optische spoor van de film.

Entre répétitions et variations, entre le dedans et le dehors, l’espace domestique et le monde extérieur : une silhouette de femme – lointaine héritière de Musidora dans Les Vampires de Feuillade – et une série de fenêtres à guillotine pour une méditation poétique sur l’évasion et la liberté. Rythmé par les décalcomanies sur la piste optique de la pellicule.

Mixing film and domestic structures, this film reaches beyond the frame, testing out access and escape, aperture and portal.

The letraset sound also bumps its way across the frame boundary into the visible.

MOVEMENT AND STILLNESS

ÂGE D’OR

JAMES EDMONDS, UK 2015

COMPETITION #4 – 56’

colour, 11’, Digital file, v : SILENT

Rustige observaties, variaties van licht, van felle ambergloed tot diffuus grijs dat met tussenpozen de ramen van een interne wereld binnendringen. Een film over thuiskomen, archetypische beelden waar het eeuwige het tijdelijke ontmoet. Een rustige reflectie, afgewisseld met reizen en de eindeloze zoektocht naar betekenisvolle vormen, persoonlijke hoofdstukken van collage en restanten.

Observations silencieuses, variations de lumière, d’une forte lueur ambrée à des gris diffus, perçant de manière intermittente les fenêtres d’un monde intérieur. Un film sur le retour à la maison, images archétypales où l’éternel croise le temporel. Une calme méditation entrecoupée de voyages et de la quête incessante de formes signifiantes, des chapitres personnels faits de collages et de vestiges.

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Quiet observations, variations of light, from strong amber glows to diffused greys, intermittently entering the windows of an internal world.

A film about coming home, archetypal images where the eternal meets the temporal. Calm reflection interspersed with travel and the endless search for significant forms, personal chapters of collage and remnants.

NEW SUN BREATHING IN

IMPATIENCE

CHLOE REYES, USA 2017 colour, 6’, 16mm, v : SILENT

Portret van mijn grootmoeder in haar huis.

Un portrait de ma grand-mère chez elle.

Portrait of my grandmother in her home.

BAD MAMA WHO CARES

ÂGE D’OR

BRIGID McCAFFREY, USA 2016 De geoloog Ren Lallatin is verhuisd naar een klein wooncomplex dat zich tussen een spoorweg en de autosnelweg bevindt.

Woestijnvergezichten worden vervangen door een arsenaal aan tactiele bezigheden terwijl de situatie van het huis onstabiel wordt. In vrije val vanaf een vast punt wordt de omtrek voor de veiligheid versierd. Woestijnwinden doen aluminium mobielen en seismische trillingen brengen een serenade aan het huis.

COMPETITION #4 – 56’

colour, 12’, 35 mm, v : NO DIALOGUE

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La géologue Ren Lallatin s’est installée dans une petite construction située entre une gare de triage et l’autoroute. Alors que la situation de la maison devient instable, l’observation des paysages désertiques fait place à une série de tâches manuelles. Les vents du désert animent des mobiles en aluminium et les vibrations sismiques font chanter la maison.

Geologist Ren Lallatin has moved into a small housing complex located between a rail yard and the interstate. Desert vistas are replaced with an arsenal of tactile pursuits, while the situation of the house becomes unstable. Desert winds animate aluminium mobiles and seismic vibrations serenade the home.

025 SUNSET RED

ÂGE D’OR

LAIDA LERTXUNDI, USA - SPAIN 2016 colour, 14’, 16 mm, v : ENGLISH, sub : —

COMPETITION #4 – 56’

025 Sunset Red is een soort quasi autobiografisch verslag. Iets ongedefinieerd tussen heden en verleden. Herinnering en nakende nabijheid. Delicaatheid en viriliteit. Het ongrijpbare en het tastbare. Het Baskenland en Californië. Het is een reeks van echo’s van een opvoeding door radicale communisten zonder nostalgie maar als middel om betekenis te geven, een middel om praktische toepassingen uit het verleden in het heden te vinden. In de film wordt bloed verzameld en vergoten, rode filters bedekken de landschappen en beelden van verlangens worden zowel geproduceerd als waargenomen. De film is een ijle psychedelische ontdekkingstocht van het intieme en het politieke op zoek naar hoe politiek kan ontstaan, een leven en een gevoeligheid kan vormen en deel kan uitmaken van een lichaam.

025 Sunset Red est une sorte de compte-rendu quasiautobiographique. Quelque chose d’indéfini entre passé et présent. Souvenir et imminence. Délicatesse et virilité. L’insaisissable et le tactile. Le Pays basque et la Californie. C’est un ensemble d’échos d’une éducation reçue de par des communistes radicaux, sans nostalgie mais comme moyen de donner du sens, un moyen de trouver des mises en pratique du passé dans le présent. Dans le film, le sang est collecté et versé, des filtres rouges couvrent les paysages, et des images du désir sont tout à la fois produites et observées. Le film est une

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incursion diaphane et psychédélique dans l’intime et le politique, cherchant à découvrir comment le politique peut surgir, façonner une vie, former une sensibilité, et s’inscrire dans un corps.

025 Sunset Red is a kind of quasi-autobiographical reckoning.

An indiscernibility of then and now. Recollection and immediacy. Delicacy and virility. The elusive and the haptic. The Basque Country and California. It’s a set of echoes of an upbringing by communist radicals, not as nostalgia but as a way of making sense, of finding practical applications of the past in the present. Within the film, blood is collected and poured, red filters cover landscapes, and images of desire are both produced and observed.

The film is a diaphanous, psychedelic foray into the domestic and the political, looking at ways that politics may erupt, shape a life, form a sensibility, and become inscribed upon a body.

THE SEAWEED IN YOUR HAIR [LES ALGUES DANS TES CHEVEUX]

ÂGE D’OR

DAPHNÉ HÉRÉTAKIS, GREECE - FRANCE 2016 colour, 8’, DCP, v : GREEK, sub : ENGLISH

Uittreksels uit een dagboek, een popliedje, een gedicht dat door de voorbijgangers in de straten van Athene wordt gelezen.

Extraits d’un journal intime, une chanson pop, la lecture d’un poème partagée avec des passants dans les rues d’Athènes.

COMPETITION #4 – 56’

Extracts from a diary, a pop song, a poem read by passers-by in the streets of Athens.

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COMPETITION #5 – 64’ ÂGE D’OR + IMPATIENCE

FARPÕES BALDIOS [BARBS, WASTELANDS]

IMPATIENCE

MARTA MATEUS, PORTUGAL 2017 ZON / DIM / SUN

22.10 / 17:00 LEDOUX

colour, 25’, DCP, v : PORTUGUESE - SUB : ENGLISH

Aan het einde van de 19de eeuw begonnen de boeren in Portugal een moedige strijd voor betere arbeidsomstandigheden. Na generaties van ellende en honger zorgde de Anjerrevolutie en haar belofte van agrarische hervorming voor een sprakje hoop.

Landarbeiders, voornamelijk uit de Alentejoregio, bezetten de enorme eigendommen waar ze ooit aan hun meesters onderworpen waren. Het verloren zaad van ander fruit, misschien… In Alentejo zegt men dat wanneer je iets verliest je allereerst moet terugkeren naar het vertrekpunt om van daaruit beginnen te zoeken. We moeten bidden en Santa Luzia vragen om onze blik uit te klaren zodat we beter kunnen zien en kijken. De protagonisten van deze film – verzetslui uit die strijd velen van hen ongeletterd en aan het werk sinds de kindertijd – vertellen hun verhaal aan de jongeren van vandaag in hun eigen woorden.

COMPETITION #5 – 64’

À la fin du XIXe siècle, les paysans portugais menèrent une lutte courageuse pour de meilleures conditions de travail. Après des générations de famine et de misère, la Révolution des Œillets a semé la promesse d’une réforme agraire. Les paysans de la région de l’Alentejo ont alors occupé les immenses propriétés où, jadis, ils étaient soumis à la puissance de leurs maîtres. On raconte en Alentejo que, quand quelque chose s’est perdu, ceux qui sont à sa recherche doivent commencer par marcher à reculons jusqu’au point de départ. Nous devons prier sainte Lucie pour qu’elle efface notre vision, afin que nous puissions mieux voir et regarder. Les protagonistes de ce film, résistants de cette lutte, analphabètes et travaillant depuis l’enfance, racontent leur histoire aux jeunes gens d’aujourd’hui, avec leurs propres mots.

PLUS ULTRA

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At end of the 19th century the peasants in Portugal started a courageous struggle for better work conditions. After generations of starving misery, the Carnation Revolution sowed the promise of an Agrarian Reform. Mostly in the Alentejo region, these rural workers occupied the huge proprieties where they were once submitted to the power of their Masters. Perhaps the lost seed of other fruits… It is said in Alentejo that when something is lost, those who are looking should start to walk back to the beginning. We must pray and ask Saint Lucy to clear our vision, so we can see and look better. The protagonists of this film, resistants of this struggle, many of them illiterate, working since childhood, tell their story to the youngsters of today, in their own words.

ÂGE D’OR

HELENA GIRÓN & SAMUEL M. DELGADO, SPAIN 2017 colour, 13’, DCP, v : SPANISH, sub : ENGLISH

Plus Ultra is het motto van de Spaanse staat. Deze slogan werd gebruikt om zeevaarders aan te moedigen om nieuwe landen te veroveren, bewust de waarschuwing uit de Griekse mythologie vergetend: Non terrae plus ultra (daarachter ligt geen land meer).

De Canarische eilanden – testgebied voor de tactieken die tijdens de kolonisatie van de Amerika’s werden gebruikte – worden de basis voor een verhaal over dit land.

Plus Ultra is the motto of the Spanish state. This slogan was used to encourage navigators to conquer new lands, forgetting the warning from Greek mythology: Non Terrae Plus Ultra (There is no land beyond here). The Canary Islands —testing ground for the tactics utilized in the colonization of the Americas— becomes the setting for a tale about this land.

COMPETITION #5 – 64’

Plus Ultra est la devise de l’État espagnol. Ce slogan fut utilisé afin d’encourager les navigateurs à conquérir de nouvelles terres, faisant fi de l’avertissement énoncé dans la mythologie grecque : « Non Terrae Plus Ultra » (« Au-delà, il n’y a rien. »). Les Canaries – laboratoire pour les tactiques utilisées lors de la colonisation des Amériques – deviennent le décor d’un conte à propos de cette terre.

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SAKHISONA

ÂGE D’OR

PRANTIK BASU, INDIA 2017 b&w, 26’, DCP, v : BENGALI, sub : ENGLISH

In de buurt van Mogulmari in West-Bengalen (India) ligt een heuvel die lokaal bekend staat als Sakhisona. De verhalen over de berg worden nog steeds gezongen door lokale muzikanten. Onlangs heeft een nabijgelegen opgraving de overblijfselen van een klooster onthuld evenals enkele voorwerpen uit de 6de eeuw. De film toont de opgegraven voorwerpen en voert fragmenten van de folklore opnieuw op.

COMPETITION #5 – 64’

Près du village de Mogulmari, dans la province indienne du Bengale-occidental, se trouve une colline connue sous le nom de Sakhisona. Des histoires à son sujet sont toujours chantées par des musiciens locaux. Des fouilles récentes ont permis d’y découvrir un monastère et des objets datant du VIe siècle. Le film montre ces objets exhumés et remet en scène des fragments de folklore.

Near Mogulmari in West Bengal (India) lies a hill known locally as Sakhisona. The stories about it are still sung by local musicians. A dig nearby uncovered the remains of a monastery as well as some objects dating back to the 6th-century. The film shows the objects unearthed and re-enacts the folklore in fragments.

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COMPETITION #6 – 56’ ÂGE D’OR + IMPATIENCE

ZON / DIM / SUN

22.10 / 19:00 LEDOUX

ATELIER D’EXPRESSION

ÂGE D’OR

FRIEDL VOM GRÖLLER, AUSTRIA-SENEGAL 2016 b&w, 20’, 16 mm, v : SILENT

Dit portret van een kunstenaarsgemeenschap, gedraaid in ‘het ex-pressie-atelier’ van een psychiatrisch ziekenhuis in de buurt van Dakar en op een strand waar Senegalese worstelaars trainen, heeft een voor de filmmaker ongewone duur (de meeste van haar films duren net één spoel, zijnde drie minuten). In de film vinden we haar ethiek terug van het aangaan van een niet-hiërarchische relatie met de gefilmde mensen, van een echte ontmoeting. Een choreografie van lichamen en handen, gefilmde schilderijen en aangrijpende camera-blikken.

Shot in ‘the ex-pression studio’ of a psychiatric hospital near Dakar and on a beach where Senegalese wrestlers are working out, this portrait of a community of artists has an unusual duration for the filmmaker (most of her films last one reel, or just three minutes).

In the film we see her entering into a non-hierarchical relationship with the people filmed. A choreography of bodies and hands, filmed paintings and moving camera-gazes.

COMPETITION #6 – 56’

Tourné dans « l’atelier d’ex-pression » d’un hôpital psychiatrique près de Dakar et sur une plage où évoluent des lutteurs sénégalais, ce portrait d’une communauté d’artistes a une longueur rare chez la cinéaste (dont la plupart des films durent une bobine /3’) mais on y retrouve son éthique d’une relation non hiérarchique et d’une vraie rencontre avec les personnes qu’elle filme. Chorégraphie des corps et des mains, peintures filmées et de bouleversants regards-caméra.

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BURIED IN LIGHT

IMPATIENCE

GAUTAM VALLURI, INDIA-FRANCE 2016 colour, 7’, Digital file, v : NO DIALOGUE

Ergens in de bossen van het onderbewuste reist een slaapwandelaar door de overblijfselen van een verloren stad. De mensen en dieren zijn hier een deel van de architectuur geworden ; de fijnere details daarvan worden onthuld door het bewegende licht van de zon. Echo’s van een mogelijk verleden hoor je in alle hoeken. Vandaag is deze plaats een archeologische site verloren in het niemandsland tussen droom en herinnering.

COMPETITION #6 – 56’

Quelque part dans les sous-bois de l’inconscient, un somnambule erre parmi les restes d’une cité perdue. Ici, les hommes et les animaux font désormais partie de l’architecture. Les détails les plus minimes en sont révélés par les mouvements de la lumière du soleil, et des échos d’un possible passé s’y font entendre dans tous les coins. Cet endroit est désormais un site archéologique, perdu dans un no man’s land, entre rêve et mémoire.

Somewhere in the forests of the sub-conscious, a sleepwalker journeys through the remains of a lost city. Here the people and animals have become part of the architecture, the finer details of which are revealed through the moving light of the sun. Echoes of a possible past are heard in all corners. This place is now a somnambular archaeological site, lost in the no man’s land between dream and memory.

ÂGE D’OR

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AN OLD DOG’S DIARY

SHUMONA GOEL & SHAI HEREDIA, INDIA 2015 b&w, 11’, Digital file, v : ENGLISH - HINDI, sub : ENGLISH

An Old Dog’s Diary toont het bewogen leven van de indische schilder Francis Newton Souza aan de hand van fragmenten uit zijn geschriften, brieven en tekeningen.

An Old Dog’s Diary dresse, en un puzzle d’évocations fragmentaires, le portrait du peintre indien Francis Newton Souza. Le film fait entrer en résonance des fragments de ses écrits, des lettres et des dessins, tous chargés des souvenirs d’une vie mouvementée An Old Dog’s Diary assembles, in puzzle-piece evocations, a portrait of the painter Francis Newton Souza. The film links fragments of his writings, letters and drawings that are charged with memories of an unsettled life.

SCRAPBOOK

ÂGE D’OR

MIKE HOOLBOOM, CANADA 2015 b&w, 18’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

Jeffrey Paull, genie van de verborgen camera en audiovisueel genezer, heeft deze beelden in 1967 gemaakt in een psychiatrisch ziekenhuis in Ohio. Scrapbook vertelt het verhaal van Donna Washington, in haar eigen woorden een onverschrokken autiste, wanneer ze vijftig jaar later de beelden ontdekt van haar voorbije ‘incarnaties’.

Jeffrey Paull, genius of the hidden camera and audiovisual healer, captured these images in a psychiatric hospital in Ohio in 1967.

Scrapbook tells the story of Donna Washington, in her own words an intrepid autistic, when she discovers the images of one of her past ‘incarnations’ – from fifty years ago.

COMPETITION #6 – 56’

Jeffrey Paull, génie de la caméra cachée et guérisseur par l’audiovisuel, a capté ces images dans un hôpital psychiatrique de l’Ohio en 1967. Scrapbook raconte l’histoire d’une autiste intrépide, Donna Washington, alors qu’elle découvre, cinquante ans plus tard, les images d’une de ses « incarnations » passées.

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COMPETITION #7 – 66’

NN

ÂGE D’OR + IMPATIENCE

PABLO MAZZOLO, ARGENTINA 2017

ÂGE D’OR

b&w, 3’, Digital file, v : NO DIALOGUE

MAA / LUN / MON

23.10 / 19:00 LEDOUX

NN gebruikt archivale nieuwsbeelden uit de tijd van de Argentijnse staatsgreep (1976). De film reflecteert op de anonimiteit van het subject ; het spook van duizenden verdwenen dissidenten en burgers tijdens de dictatuur in Argentinië.

NN ramène à la vie un fragment d’un reportage d’actualités de l’époque du coup d’État argentin de 1976. Le film aborde l’anonymat du sujet, le spectre de milliers de civils et de dissidents disparus au cours de la dictature en Argentine.

NN reanimates archival news footage from the Argentine coup d’état (1976). The film reflects on the anonymity of thousands of disappeared dissidents and civilians during the dictatorship in Argentina.

¡ PÍFIES !

IMPATIENCE

IGNACIO TAMARIT, ARGENTINA 2016 colour, 4’, 16mm, v : NO DIALOGUE

¡ PíFIES ! (van het Spaanse slang ‘voor fout’) is een ode aan de technische problemen die de amateurfilmaker het hoofd moet bieden, een ritmische collage waarbij de focus op de fouten zelf ligt. ¡ PíFIES ! (« erreur » en argot castillan) propose une ode aux problèmes techniques rencontrés par le cinéaste amateur, un collage rythmique dans lequel l’attention est portée sur les erreurs elles-mêmes.

COMPETITION #7 – 66’

¡ PíFIES ! (from the Spanish slang ‘mistake’) is an eulogy to the technical problems of the amateur filmmaker, a rhythmic collage where the focus is placed on the mistakes themselves.

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ANSWER PRINT

ÂGE D’OR

MÓNICA SAVIRÓN, USA 2016 colour, 5’, 16mm, v : NO DIALOGUE

Answer Print werd gemaakt met 16 mm-kleurenfilm waarvan de houdbaarheidsdatum verstreken was en het is de bedoeling dat de film na verloop van tijd verdwijnt. Kleur noch geluid werden gemanipuleerd bij de analoge hermontage. De soundtrack combineert geluid dat wordt veroorzaakt door de dubbel geperforeerde pelicule van stille film met de optische sporen van geluidsfilms en de klanken van de filmmontage wanneer deze door de projector wordt gelezen. De basis eenheid van de film is 26 frames, in 16 mm, de afstand tussen het beeld en zijn corresponderend geluid.

Answer Print is made with deteriorated 16 mm colour stock, and is meant to disappear over time. Neither hue nor sound has been manipulated in its analogue reassembling. The soundtrack combines audio generated by silent double perforated celluloid, the optical tracks from sound films, and the tones produced by each of the filmmaker’s cuts when played by the projector. The shots are of 26-frame length: the distance on 16 mm films with optical tracks between image and sound.

COMPETITION #7 – 66’

Answer Print est constitué de fragments récupérés de pellicule 16mm couleur détériorée. Le film lui-même est destiné à disparaître un jour. Ni les couleurs ni le son n’ont été manipulés lors de la réalisation. La bande-son combine la pellicule muette à doubles perforations, les pistes optiques de films sonores et les sons que produisent les raccords au passage dans le projecteur. L’unité de base du film est de 26 images : l’espace qui sépare, dans le 16mm optique, une image et le son correspondant.

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FUGUE

ÂGE D’OR

ELS VAN RIEL, BELGIUM 2017 colour, 29’, 16mm, v : NO DIALOGUE

Fugue is het resultaat van een poging om de complexiteit van licht te begrijpen. Ik geloofde dat, mocht ik gefilmde beelden die verband houden met de geschiedenis van de wetenschap van het licht projecteren en opnieuw filmen en dit proces steeds opnieuw herhalen door een potentieel oneindig aantal nieuwe lagen toe te voegen, ik uiteindelijk tot een inzicht zou komen dat op iets sloeg.

Fugue wil, zeker niet alleen voor mijn eigen vermaak, een uitnodiging zijn om aan de essentie van het licht te raken.

COMPETITION #7 – 66’

Fugue résulte d’une tentative de comprendre la complexité de la lumière. J’ai cru que si je projetais et refilmais des images associées à l’histoire de l’optique et des sciences de la lumière, et qu’ensuite je projetais et refilmais à nouveau ces nouvelles images, et répétais ce processus encore et encore en ajoutant un nombre potentiellement infini de nouvelles couches, j’atteindrais peut-être une perception sensible. Bien qu’il ne soit pas réalisé pour mon seul plaisir, Fugue se veut une invitation à atteindre l’essence de la lumière.

The film Fugue is the result of trying to understand the complexity of light. I believed that if I projected and re-filmed images associated with the history of the science of light, and then reprojected and re-filmed these again, and repeated this process over and over by adding a potentially infinite number of new layers, I would eventually arrive at a sensible insight. Though surely not only for my own delight, Fugue aspires to be an invitation to reach towards the essence of light.

Els van Riel

ÂGE D’OR

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AS WITHOUT SO WITHIN

MANUELA DE LABORDE, USA-MEXICO-UK 2016 colour, 25’, 16mm, v : NO DIALOGUE

As Without So Within exploreert de mogelijkheid om de oppervlakten van dingen te beschouwen als entiteiten die hun eigen diepte hebben, wat wil zeggen dat we datgene wat we zien ook werkelijk nemen voor wat het is. As Without So Within exploreert het visuele, gevoelens en beelden als een zintuiglijke ervaring.

As Without So Within explore la possibilité de considérer la surface des choses comme une entité dotée de sa propre profondeur, ce qui exige qu’on les observe et qu’on s’y confronte pour ce qu’elles sont. As Without So Within explore les images et les émotions qui y sont liées comme une expérience sensorielle.

COMPETITION #7 – 66’

As Without So Within explores the possibility that the surface of things are entities worthy of their own depth for and in themselves, demanding to be seen and confronted as they exist. As Without So Within explores the visual and the emotional.

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COMPETITION #8 – 72’ ÂGE D’OR + IMPATIENCE

MAA / LUN / MON

23.10 / 21:00 LEDOUX

MARIACHI PLAZA

IMPATIENCE

MISHO ANTADZE, USA 2017 colour, 19’, DCP, v : NO DIALOGUE

COMPETITION #8 – 72’

Ten oosten van downtown Los Angeles, in de buurt van een metrostation, zit een man te zingen. Wat verderop stemt iemand een viool. Skateboarders passeren, een verkoper verkoopt maïs.

Ondanks het lawaai brengt een mariachigroep in vol ornaat serenades voor de voorbijgangers. Het Plaza is, in de snel gentrificerende wijk Boyle Heights, het hart van deze traditionele Mexicaanse muziek. Muzikanten oefenen er, rusten en wachten op klanten. À l’est de Downtown, Los Angeles, un homme chante, assis près d’une station de métro. Plus loin, quelqu’un accorde un violon. Des jeunes passent en skate-board, un homme vend du maïs. Malgré le bruit, un groupe de mariachis en grande tenue jouent la sérénade aux passants. Dans le quartier en voie d’embourgeoisement accéléré de Boyle Heights, la Plaza est le cœur de cette musique traditionnelle mexicaine, le lieu où les musiciens s’exercent, se reposent et attendent les clients.

East of Downtown Los Angeles, a man sits near a subway station and sings. Further away, someone tunes a violin. Skateboarders pass, a vendor sells corn. Despite the noise, a Mariachi band in full attire serenades passers-by. In the rapidly-gentrifying neighborhood of Boyle Heights, the Plaza is the heart of this traditional form of Mexican music, where the musicians practise, rest and wait for clients.

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LÀ EST LA MAISON

ÂGE D’OR

VICTOR DE LAS HERAS & LO THIVOLLE, FRANCE 2017 b&w, 13’, 16mm, v : NO DIALOGUE

Langs de buitenkant ziet men niets, langs de binnenkant hoort men alles. In de verte slibben de wegen dicht, terwijl zich dichtbij het mogelijke opent.

De l’extérieur on n’y voit rien, à l’intérieur on entend tout.

Au loin les chemins se bouchent, quand de près s’ouvrent les possibles.

One can’t see from the outside, one hears all from the inside.

Far away, paths are sealed, but looking closer possibilities open.

IMPROVEMENT ASSOCIATION

NOT IN COMPETITION

KEVIN JEROME EVERSON, USA 2016 colour, 12’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

Dans Improvement Association, Malik Hudgins, membre de longue date de l’UNIA (Universal Negro Improvement Association and African Communities League) de Philadelphie, s’épanche poétiquement sur le sens de la vie.

Improvement Association has Malik Hudgins, a life-long member of UNIA (Universal Negro Improvement Association and African Communities League), waxing poetically about life.

COMPETITION #8 – 72’

In Improvement Association spreekt Malik Hudgins, levenslang lid van UNIA (Universal Negro Improvement Association and African Communities League) Philadelphia, Pennsylvania, poëtisch en associërend over het leven.

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LA BOUCHE

ÂGE D’OR

CAMILO RESTREPO, FRANCE 2017 colour, 19’, DCP, v : CREOLE, sub : ENGLISH

Een man verneemt dat zijn dochter brutaal vermoord werd door haar man. De tijd lijkt wel stil te staan terwijl hij schippert tussen de behoefte aan troost en de drang naar wraak. Een musical met de Guinese percussiemeester Mohamed Bangoura (‘Red Devil’), losweg gebaseerd op zijn eigen verhaal.

Un homme apprend que sa fille a été brutalement assassinée par son mari. Le temps s’arrête, tandis qu’il hésite entre besoin de réconfort et désir de vengeance. Un musical – avec la participation du maître percussionniste guinéen Mohamed Bangoura (« Red Devil »), en partie inspiré de sa propre histoire.

A man learns that his daughter has been brutally murdered by her husband. Time stands still as he oscillates between the need for solace and his urge for revenge. A musical featuring Guinean percussion master, Mohamed Bangoura (‘Red Devil’), loosely based on his own story.

EXPLOSION MA BABY

ÂGE D’OR

PAULINE CURNIER JARDIN, THE NETHERLANDS - FRANCE - ITALY 2016

COMPETITION #8 – 72’

colour, 9’, DCP, v : NO DIALOGUE

Augustus. Voel de verstikkende hitte van de zon je huid doordringen. Overal rondom draait een overvloed aan vlees. Duizenden mannen presenteren de naakte lichamen van babyjongens aan het engelachtige icoon van San Sebastian. Kreten, kleuren, gezang en explosies. Geldslingers. Stel je voor: geen vrouwen, behalve ik. Wacht even, ja, achter ons volgen vrouwen vol toewijding, allemaal gekleed in vers gesteven kleding. Keer nu terug naar mij. Stel je voor hoe vreselijk verliefd ik op dit alles ben. Ik wil er wanhopig deel van zijn. Daar zijn. Ik wilde ergens bij horen.

Maar ik weet dat dat niet kan. En dus probeer ik het op film vast te leggen. Ik ga er elk jaar opnieuw naartoe en film het, keer op keer, opnieuw en opnieuw. Op een dag zal ik het verhaal vertellen van een arme en steriele man die San Sebastian wil vervangen. Maar meer zomers zullen moeten komen en gaan voordat onze held verschijnt.

Pauline Curnier Jardin

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It’s August. Feel the suffocating heat of the sun penetrating your skin. All around you, an abundance of flesh is spinning. Thousands of men offer up the naked bodies of baby boys to the angelic icon of San Sebastian. Screams, colours, chants and explosions. Money-garlands. Behind us women stand with devotion, all dressed up in well pressed clothes. Now, come back here.

Imagine how badly I fell in love with this. I desperately want to be part of it. To be there. I wanted to belong. But I know that I can’t. And so I try to capture it on film. I go there and film it every year, over and over, again and again. One day I will tell the story of a poor and sterile man who wants to replace San Sebastian.

But more summers will have to pass before our hero will appear.

Pauline Curnier Jardin

COMPETITION #8 – 72’

C’est le mois d’août. Sentez la chaleur suffocante du soleil pénétrer votre peau. Partout autour de vous, une abondance de chair tourbillonne. Des milliers d’hommes font offrande des corps nus de bébés à l’icône angélique de saint Sébastien. Cris, couleurs, chants et explosions.

Des guirlandes de billets de banque. Imaginez, aucune femme à part moi. Attendez, oui, derrière nous des femmes suivent avec dévotion, elles portent toutes des vêtements parfaitement repassés. À présent, revenez ici.

Imaginez comme je suis tombée amoureuse de tout cela.

Je veux désespérément en faire partie. Être là. Je voulais appartenir. Mais je sais que je ne peux pas. J’essaie donc de le capturer sur pellicule. J’y vais, et je filme chaque année, encore et encore. Un jour je raconterai l’histoire d’un homme pauvre et stérile qui voudrait remplacer saint Sébastien. Mais il faudra attendre plusieurs étés avant que notre héros n’apparaisse.

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COMPETITION #9 – 84’ ÂGE D’OR + IMPATIENCE

DIN / MAR / TUE

24.10 / 15:00 LEDOUX

FORETES

IMPATIENCE

MARGAUX DAUBY, BELGIUM - PORTUGAL 2017 colour, 13’, DCP, v : NO DIALOGUE

Drie kinderen in donkere bossen verzinnen het leven. Wie zijn ze, wat zeggen ze, waar verlangen ze naar, waarvan dromen ze?

Trois enfants, trois enfants d’on ne sait où, gambadent dans des forêts sombres et « font la vie ». Qui sont-ils, que disent-ils, que veulent-ils, d’où rêvent-ils ?

Three children in a dark forest. Who are they, what do they say, what do they want, where do they dream of?

EGLANTINE

ÂGE D’OR

MARGARET SALMON, UK 2016

COMPETITION #9 – 84’

colour & b&w, 71’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

Eglantine is een intiem en levendig relaas over het echte en verzonnen avontuur van een jong meisje in een afgelegen bos s’avonds. Het is niet alleen een liefdevolle homage aan klassieke kinderfilms zoals Ray Ashleys Little Fugitive, Jean Renoirs The River en Albert Lamorisses Le Ballon rouge maar het is ook gevoed door historische natuurstudies zoals Mary Fields documentaire reeks Secrets of Nature. Deze film, opgenomen op 35 mm op verschillende locaties in Schotland, liet zich inspireren door een scala van cinematografische bewegingen alsook wildlifedocumentaires om tot een lyrisch en sensueel portret te komen van de natuurlijke wereld gezien door de ogen van een kind.

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Eglantine est le récit intime et vivant de l’aventure réelle et fantasque d’une jeune fille un soir dans une forêt éloignée. Outre un hommage amoureux aux films classiques d’enfants, tels que Little Fugitive de Ray Ashley, Le Fleuve de Jean Renoir et Le Ballon rouge d’Albert Lamorisse, Eglantine renvoie aussi à d’anciennes études de la nature, comme la série Secrets of Nature de Mary Field. Filmé en 35 mm dans divers lieux en Écosse, ce film s’inspire d’une gamme de mouvements cinématographiques ainsi que de documentaires sur la faune et la flore pour produire un portrait sensuel de la perspective d’un enfant sur la nature.

COMPETITION #9 – 84’

Eglantine is an intimate and vivid account of a young girl’s real and fantastical adventure in a remote forest one evening. It’s not only a loving homage to classic children’s films such as Ray Ashley’s Little Fugitive, Jean Renoir’s The River and Albert Lamorisse’s The Red Balloon, but also draws from nature studies of the past, such as Mary Field’s Secrets of Nature series. Shot on 35 mm in various locations around Scotland, this film draws inspiration from a range of cinematic movements as well as wildlife documentaries to produce a lyrical and sensual portrait of a child’s perspective on the natural world.

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TIME, A HESITANT SMILE

Het veelgeprezen werk van Johan Grimonprez (Roeselare, 1962) danst op de grenzen tussen kunst en film, documentaire en fictie, praktijk en theorie en eist vaak een ‘double take’ van de kijker omdat het zo gelaagd is. Zijn werk, gevoed door een archeologie van hedendaagse media, zoekt de spanning op tussen het intieme en het groter plaatje van de globalisatie. Het stelt het hedendaagse sublieme in vraag, één die is afgestemd op een angstindustrie die de politieke en sociale dialoog heeft geïnfecteerd. Zowel zijn plastisch oeuvre als installaties zijn tentoongesteld op talrijke evenementen en in prestigieuze instellingen over de hele wereld. Zijn documentaires en fictiefilms, waaronder dial H-I-S-T-O-R-Y (1997) en Double Take (2009) werden vertoond op de belangrijkste festivals (van Berlijn tot Sundance) en hebben talloze prijzen gewonnen. Zijn samenwerking met onderzoeksjournalist Andrew Feinstein leidde tot Shadow World: Inside the Global Arms Trade (2016). Deze documentaire kreeg een productiesubsidie van het Sundance Institute en ging in première op het Tribeca International Film Festival in New York. Shadow World won de prijs van de beste documentaire op het internationale filmfestival van Edinburgh in 2016 en de ‘Time of History Award’ voor beste documentaire op de Semana Internacional de Cine in Valladolid. Grimonprezs projecten als curator zijn tentoongesteld in musea wereldwijd, waaronder het Hammer Museum in Los Angeles ; de Pinakothek der Moderne in München ; en MOMA. Momenteel pendelt Grimonprez tussen Brussel en New York waar hij toegelaten werd tot het Whitney Museum Independent Study Program. Zijn werken maken deel uit van de collecties van het Centre Georges Pompidou in Parijs, het 21st Century Museum of Contemporary Art in het Japanse Kanazawa en Tate Modern in Londen.

Voor het L’Âge d’Or-festival heeft Johan Grimonprez Time, a Hesitant Smile samengesteld: een uitgebreide retrospectieve van zijn korte en lange films, met de Belgische première van zijn meest recente film Blue Orchids (2017) en een tentoonstelling in de foyer van CINEMATEK. Het festival organiseert ook een lezing annex workshop omtrent zijn werk.

Saluée par la critique, l’œuvre de Johan Grimonprez (Roeselare, Belgique, 1962) se situe aux frontières de l’art et du cinéma, du documentaire et de la fiction, de la pratique et de la théorie, exigeant souvent un temps d’arrêt de la part du spectateur. Influencée par une archéologie des médias contemporains, cette œuvre recherche la tension entre la représentation intime et la perspective d’ensemble de la mondialisation. Elle interroge la notion de sublime à notre époque, encadrée par une industrie de la peur qui a contaminé le dialogue politique et social. Ses installations et ses œuvres d’arts plastiques ont été présentées dans de multiples expositions de prestigieuses institutions à travers le monde. Relevant du documentaire ou de la fiction, des films tels que dial H-I-S-T-O-R-Y (1997) et Double Take (2009) ont circulé dans de grands festivals, de Berlin à Sundance, où ils ont reçu de nombreux prix.

Sa collaboration avec le journaliste d’investigation Andrew Feinstein a donné lieu à Shadow World : Inside the Global Arms Trade (2016), qui s’est vu attribuer une subvention à la production du Sundance Institute et dont la première s’est tenue en 2016 au festival international du film de Tribeca (New York). Shadow World a remporté le prix du meilleur long métrage

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JOHAN GRIMONPREZ

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documentaire au festival international du film d’Édimbourg en 2016 et celui du meilleur documentaire de la section « Tiempo da Historia » à la Semaine internationale du Cinéma de Valladolid (Seminci), la même année. Les projets muséaux de Grimonprez ont été exposés dans le monde entier : citons le Hammer Museum (Los Angeles), la Pinakothek der Moderne (Munich), le MoMA (New York), etc. Actuellement, Grimonprez partage son temps entre Bruxelles et New York où il a participé au Programme indépendant d’Études du Whitney Museum. Ses œuvres ont intégré les collections du Centre Georges Pompidou (Paris), du Musée d’Art contemporain du XXIe siècle (Kanazawa), et de la Tate Modern (Londres). Pour L’Âge d’Or, Johan Grimonprez a imaginé Time, a Hesitant Smile : une rétrospective intégrale de ses courts et de ses longs métrages – dont la première belge de son film le plus récent, Blue Orchids (2017) – , ainsi qu’une exposition dans le foyer de CINEMATEK. L’Âge d’Or propose en outre une journée de conférence consacrée à son œuvre.

The critically acclaimed work of Johan Grimonprez (Roeselare, Belgium, 1962) dances on the borders of art and cinema, documentary and fiction, practice and theory, often demanding a double take on the part of the viewer. Informed by an archaeology of present-day media, his work seeks out the tension between the intimate and the bigger picture of globalization. It questions our contemporary sublime, one framed by a fear industry that has infected political and social dialogue. His installations and work in the plastic arts have been presented in numerous exhibitions held in prestigious institutions throughout the world. Whether documentary or fiction, films such as dial H-I-S-T-O-R-Y (1997) and Double Take (2009) have toured major festivals, from Berlin to Sundance, picking up many prizes on their travels. His collaboration with investigative journalist Andrew Feinstein resulted in Shadow World: Inside the Global Arms Trade (2016), which was awarded a production grant from the Sundance Institute and premiered in at the 2016 Tribeca International Film Festival in New York. Shadow World won the ‘Best documentary feature’ at the 2016 Edinburgh International Film Festival, and the ‘Time of History Award’ for Best Documentary at the Semana Internacional de Cine de Valladolid. Grimonprez’s curatorial projects have been exhibited at museums worldwide, including the Hammer Museum, Los Angeles ; the Pinakothek der Moderne, Munich ; and MoMA. Grimonprez currently divides his time between Brussels and New York, where he participated in the Whitney Museum Independent Study Program. His works are in the collections of Centre Georges Pompidou, Paris ; the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa ; and Tate Modern, London. For the L’Age d’Or Festival, Johan Grimonprez has created Time, a Hesitant Smile: an overall retrospective of his short and full-length films – including the Belgian premiere of his most recent film Blue Orchids (2017) – and an exhibition in the CINEMATEK foyer. In addition, the festival offers a one-day conference dedicated to his work.

EXPO

VRIJ / VEN / FRI

19.10 > 19.11 CINEMATEK VERNISSAGE

18.10 / 17:30 CINEMATEK

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CINEMATEK is ongetwijfeld de ideale plek voor Johan Grimonprez om zijn onderzoek rond verschillende leefomgevingen en media verder te ontwikkelen. In deze tentoonstelling beschrijft de kunstenaar de grote omwentelingen die de zevende kunst heeft doorgemaakt: de opkomst van de televisie, geëvoceerd via de figuur van Hitchcock, en die van het internet, via de vlogs, een instrument dat door de kunstenaar wordt gebruikt en dat vorm geeft aan All Memory is Theft: On the Commons, het centrale werk van de tentoonstelling dat in première wordt voorgesteld. De historische films die gewoonlijk in de foyer worden vertoond, ruimen plaats voor die van Grimonprez, als antwoord op de geschiedenis van de film zoals hij die probeert te schrijven.

CINEMATEK est sans aucun doute le lieu idéal pour que Johan Grimonprez y développe ses recherches autour des milieux et des medias différents. Par cette exposition, l’artiste retrace les grands bouleversements qu’a vécu le 7e art : l’émergence de la télévision, évoquée par la figure d’Hitchcock, et celle d’internet, via les vlogs, outils utilisés par l’artiste et qui constituent All Memory is Theft: On the Commons, l’œuvre centrale de l’exposition, présentée en première. Les films historiques habituellement proposés dans le foyer feront place à ceux de Grimonprez, en réponse à l’histoire du cinéma qu’il s’attache à écrire.

CINEMATEK is without a doubt the ideal place for Johan Grimonprez to develop his research around different environments and media. Through this exhibition the artist traces the great upheavals that the 7th art went through: the emergence of television, evoked by the figure of Hitchcock, and that of the internet, via vlogs, which are used by the artist and give shape to All Memory is Theft: On the Commons, the central work of the exhibition presented in premiere. Grimonprez’ films will replace the historical films usually shown in the foyer, as a kind of response to the film history that he endeavours to write.

JOHAN GRIMONPREZ EXPO

JOHAN GRIMONPREZ

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JOHAN GRIMONPREZ MASTERCLASS

JOHAN GRIMONPREZ ON STORYTELLING

FRI

20.10 / 11h > 17h LEDOUX

JOHAN GRIMONPREZ MASTERCLASS

IN HET ENGELS EN ANGLAIS

Who owns our imagination in a world of existential vertigo where truth has become a shipwrecked refugee? Is it not the storyteller who can contain contradictions, who can slip between the languages we have been given, and who can become a timetraveler of the imagination?

Urugyuan writer Eduardo Galeano once coined that we are not made of atoms as scientists say, but that we are actually made of stories. Stories is what holds us together, – or tears us apart, shaping our very idea of belonging. Ironically writer Maurice Blanchot called language an act of murder, because naming things would be identical to killing them. But novelist Alfred Döblin claims exactly the opposite: language, he says, is a form of loving others ; language lets us know why we are together. But maybe a more pertinent depiction is Vietnamese filmmaker Trin-Min Ha’s idea of language as a ‘leaking boat’: a lifeboat we are all stuck on together.

In Godard’s film Alphaville – which depicts a society in which every word relating to the idea of love is banned at the threat of a death sentence – actress Anna Karina falls in love with the protagonist. In the film’s final scene, she tries to express her feelings but, since the concept of love is foreign to her, doesn’t find the words. Might it be that we, like the characters in Alphaville, live in a society deprived of something essential, not even aware of what we actually miss because we lack the appropriate stories and concepts?

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JOHAN GRIMONPREZ, ON STORYTELLING MASTERCLASS Dit symposium laat Johan Grimonprez toe om wat meer over zijn werk te vertellen in zijn hoedanigheid van verhalenverteller, en zijn kijk op de grote verhalen die samenlevingen structureren. Hij zal zijn betoog illustreren met fragmenten uit zijn lange en korte films, alsook met voorbeelden uit zijn videoblog All Memory is Theft: On the Commons. Grimonprez heeft filmhistoricus en professor Thomas Elsaesser uitgenodigd om deze dag te openen. De dag zal worden afgesloten met de première van zijn meest recente film Blue Orchids.

This symposium will allow Johan Grimonprez to tell something more about his work as a storyteller, and his view on the great stories that structure societies. His argumentation will be illustrated with excerpts of his long and short films, as well as examples from his video blog All Memory is Theft: On the Commons. Grimonprez invited film historian and professor Thomas Elsaesser to open this day, which will close with the premiere of his latest film Blue Orchids.

JOHAN GRIMONPREZ: Truth and Storytelling FRI

18.10 / 19h > 21h MUNTPUNT

FREE, WITH RESERVATION : WWW.AGEDORFESTIVAL.BE

Forget about fake news, dogma, drivel and marketing. The Week of Truth has come. During the ‘Week van de Waarheid’, Muntpunt launches a barrage of perspectives. Belgian artist and filmmaker Johan Grimonprez is offering his in a lecture. He will talk about his films Shadow World and Blue Orchids, about the truth as narration and the supreme power of the narrator.

FREE, WITH RESERVATION : WWW.MUNTPUNT.BE

Munt 6, 1000 BXL

AFTER UNIQUENESS BOOK PRESENTATION

BY ERIKA BALSOM FRI

20.10 / 17h > 19h BEURSSCHOUWBURG Rue A.Ortsstraat 20-28, 1000 BXL

In her book After Uniqueness: A History of Film and Video Art in Circulation, Erika Balsom investigates the ambivalent character of the reproducibility of experimental cinema and artists’ films down through history. Following Erika Balsom’s lecture, artists Sarah Vanagt, Johan Grimonprez, Wendy Morris, and Effi Weiss & Amir Borenstein talk about how they set about having their work distributed, or distributing it themselves. Rolf Quaghebuer, director of Argos Centre for Art and Media, moderates the discussion.

FREE, WITH RESERVATION : WWW.BEURSSCHOUWBURG.BE

JOHAN GRIMONPREZ MASTERCLASS EXTRA MUROS

MASTERCLASS

Ce symposium permettra à Johan Grimonprez de revenir sur son œuvre en qualité de storyteller et de nous faire part de son regard sur les grandes histoires qui structurent les sociétés. Il illustrera ses propos d’extraits de ses longs et courts métrages, ainsi que d’exemples empruntés à son vidéoblog, All Memory is Theft: On the Commons. Grimonprez a invité l’historien du cinéma et professeur Thomas Elsaesser pour ouvrir cette journée, qui se clôturera par la première de son dernier film Blue Orchids.

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JOHAN GRIMONPREZ #1 – 70’ ZAT / SAM / SAT

21.10 / 13:00 LEDOUX ingeleid door / présenté par / introduced by

Johan Grimonprez & Vincent Meessen

WHAT BOEING ENGINEERS DO AFTER RETIRING

JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM - FRANCE 2010 colour, 2’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

DIAL H-I-S-T-O-R-Y JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM - FRANCE 1997

JOHAN GRIMONPREZ #1 – 70’

colour + b&w, 68’, DCP, v : ENGLISH, sub : FRENCH

Maak je gordel vast voor dial H-I-S-T-O-R-Y, de gerenommeerde kapingsdocumentaire die je als een akelige voorafschaduwing van 9/11 kan beschouwen. We ontmoeten de romantische kapers die hun revoluties uitvochten, en veel zendtijd kregen, op de passagiersvliegtuigen van de jaren 1960. Tegen de jaren negentig zijn dergelijke personages blijkbaar verdwenen en op onze tv-schermen vervangen door verhalen over door de overheid gesponsorde kofferbommen. Grimonprez onderzoekt de politiek achter deze verandering en ontmaskert tegelijk onze eigen medeplichtigheid in de drang om de ultieme ramp. Dat doet hij door te spelen met citaten uit Don DeLillo’s roman Mao II – “wat terroristen winnen, verliezen romanschrijvers” en “thuis is een mislukt idee” ; en door archiefbeelden van kapingen te combineren met surrealistische en banale thema’s zoals fastfood, statistieken over huisdieren, disco en zijn eigenzinnige home movies. David Shea schreef de schitterende soundtrack bij deze achtbaan door de geschiedenis.

Buckle up for dial H-I-S-T-O-R-Y, the acclaimed hijacking documentary that eerily foreshadowed 9-11. We meet the romantic skyjackers who fought their revolutions and won airtime on the passenger planes of the 1960’s. By the 1990s, such characters apparently are no more, replaced on our TV screens by stories of state-sponsored suitcase bombs. Grimonprez investigates the politics behind this change, at the same time unwrapping our own complicity in the urge for ultimate disaster. Playing on Don DeLillo’s riff in the novel Mao II: “what terrorists gain, novelists lose” and “home is a failed idea”, he blends archive hijackings with surreal and banal themes including fast food, pet statistics, disco and his quirky home movies. David Shea wrote the superb soundtrack to this roller coaster through history.

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JOHAN GRIMONPREZ #1 – 70’

Attachez vos ceintures pour dial H-I-S-T-O-R-Y, le documentaire acclamé sur les détournements d’avion, qui semblait étrangement anticiper le 11 septembre. On y rencontre des pirates de l’air romantiques qui ont mené leur révolution et gagné du temps d’antenne avec des vols réguliers dans les années 1960. Trente ans plus tard, de tels personnages semblent avoir disparu, remplacés sur nos écrans de télévision par des histoires de valises piégées commanditées par certains États. Grimonprez analyse la politique derrière ce changement, et dévoile en même temps notre propre complicité dans ce désir de désastre ultime. Jouant sur la phrase clé du roman Mao II de Don DeLillo : « Ce que les terroristes gagnent, les romanciers le perdent » et « la maison (en tant qu’elle est un symbole sécurisant) est une idée fausse », il mélange des images d’archives de détournements d’avion et des thèmes incongrus ou banals, comme le fast food, les statistiques sur les animaux domestiques, le disco et ses propres home movies décalés. David Shea a composé la superbe bande sonore de ce tourbillon à travers l’histoire.

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JOHAN GRIMONPREZ #2 – 66’

KOBARWENG OR WHERE IS YOUR HELICOPTER ?

ZAT / SAM / SAT

colour + b&w, 25’, Digital file, v : ENGLISH, sub : ENGLISH

21.10 / 16:15

BESMETTE STAD : COMMENT FILMER MOLENBEEK ?

JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 1992

PLATEAU

JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 1993 colour, 5’, Digital file, v : FRENCH, sub : DUTCH

ZON / DIM / SUN

22.10 / 18:15 PLATEAU ingeleid door / présenté par / introduced by

Johan Grimonprez & Anouk De Clercq (21.10)

SMELL THE FLOWERS WHILE YOU CAN JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 1993 colour, 4’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

…BECAUSE SUPERGLUE IS FOREVER !

JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 2011 colour, 13’, Digital file, v : ENGLISH, sub : DUTCH

FROM SATIN ISLAND JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 2015 colour, 3’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

WHAT I WILL JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 2013 colour, 1’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

EVERY DAY WORDS DISAPPEAR JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 2016

JOHAN GRIMONPREZ #2 – 66’

colour & b&w, 15’, Digital file, v : ENGLISH, sub : FRENCH

Voor Grimonprez functioneren kortfilms, net zoals zijn vlogs, vaak als schetsboeken. Ze zijn voor hem een manier om bepaalde thema’s te verkennen, om na te denken terwijl hij aan het monteren is, om zijn hersenen binnenste buiten te draaien. Vaak leiden ze ook tot langere films: Looking for Alfred, Hitchcock Castings en I May Have Lost Forever My Umbrella kunnen als voorlopers van Double Take worden beschouwd. Hetzelfde geldt voor Kobarweng in verhouding tot dial H-I-S-T-O-R-Y of What I Will en from SATIN ISLAND en Shadow World. All Memory is Theft: on The Commons is een schetsboek voor een film die nog gemaakt moet worden. Soms, zoals in het geval van Every Day Words Disappear en Raymond Tallis | On Tickling zijn de kortfilms samengesteld uit materiaal dat is gecreëerd voor een bepaalde langere film (in dit geval Shadow World) en dat om een of andere reden de film niet heeft gehaald.

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For Grimonprez, shorts (like his vlogs) often function like sketchbooks. They are seen as a way of exploring certain themes, of thinking while editing ; of turning the brain inside out. Often this can result in feature films: Looking for Alfred, The Hitchcock Castings and I May Have Lost Forever My Umbrella could well be considered forerunners of Double Take. Similarly, Kobarweng for dial H-I-S-T-O-R-Y or What I Will and from SATIN ISLAND for Shadow World. All Memory is Theft: on The Commons is a sketchbook for a film yet to be made. Sometimes, as in the case of Every Day Words Disappear and Raymond Tallis | On Tickling, shorts are composed of material created for a certain feature (in this case Shadow World) that, for one reason or another, failed to make the final cut.

JOHAN GRIMONPREZ #2 – 66’

Les courts métrages de Grimonprez (comme ses vidéoblogs) font souvent fonction de carnets de croquis. Il les voit comme une façon d’explorer certains thèmes, de réfléchir pendant le montage, ou de se remettre les idées en place. Cela aboutit souvent à des longs métrages : Looking for Alfred, The Hitchcock Castings et I May Have Lost Forever My Umbrella peuvent être considérés comme des préfigurations de Double Take. De même, Kobarweng annonce dial H-I-S-T-O-R-Y ou What I Will et from SATIN ISLAND anticipent Shadow World. All Memory is Theft: on The Commons est un carnet de croquis pour un film encore à réaliser. Parfois, comme dans le cas de Every Day Words Disappear et Raymond Tallis | On Tickling, les courts métrages sont composés de matériau pour un long métrage spécifique (en l’occurrence, Shadow World) qui, pour une raison quelconque, n’a pas passé l’épreuve du montage final.

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JOHAN GRIMONPREZ #3 – 56’ ZON / DIM / SUN

22.10 / 21:00 LEDOUX ingeleid door / présenté par / introduced by

Johan Grimonprez & Pascal Vandelanoitte

BLUE ORCHIDS JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 2016 colour, 48’, DCP, v : ENGLISH, sub : DUTCH - FRENCH

RAYMOND TALLIS | ON TICKLING JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM 2017

JOHAN GRIMONPREZ #3 – 56’

colour & b&w, 8’, Digital file, v : ENGLISH, sub : DUTCH

Blue Orchids, waarvoor Grimonprez beeldmateriaal hergebruikt van interviews die hij deed terwijl hij werkte aan Shadow World (2016), is een diptiek over twee deskundigen aan weerszijden van de wereldwijde wapenhandel. De verhalen van gewezen The New York Times-oorlogscorrespondent Chris Hedges en van voormalige wapenhandelaar Riccardo Privitera bieden een ongewone context voor schokkende onthullingen over de oorlogsindustrie.

Grimonprez maakt zowel gebruik van hun persoonlijke als politieke geschiedenis en onthult geleidelijk de diepten van trauma en dubbelhartigheid, waardoor de wapenhandel als een symptoom van een ernstige ziekte wordt gezien: hebzucht. In Raymond Tallis | On Tickling beweert filosoof/neuroloog Raymond Tallis dat bewustzijn niet een inwendige constructie is maar veeleer een rationele. Vertrekkend van het intrigerende idee dat mensen er fysiek niet toe in staat zijn om zichzelf te kietelen, onderzoekt Tallis het filosofische idee dat we alleen onszelf kunnen worden via dialoog met anderen.

Re-using footage of interviews he conducted while working on Shadow World (2016), Blue Orchids creates a diptych of two experts on opposite sides of the global arms trade. The stories of former New York Times war correspondent Chris Hedges, and of former arms dealer Riccardo Privitera, provide an unusual context for shocking revelations about the industry of war. Making use of both their personal and political histories, Grimonprez gradually reveals the depths of trauma and duplicity, situating the arms trade as a symptom of a profound illness: greed. In Raymond Tallis | On Tickling, philosopher/neurologist Raymond Tallis argues that consciousness is not an internal construct, but rather relational.

Through the intriguing notion that humans are physically unable to tickle themselves, Tallis explores the philosophical notion that we become ourselves only through dialogue with others.

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JOHAN GRIMONPREZ #3 – 56’

Réutilisant des fragments d’entretiens menés lorsqu’il travaillait sur Shadow World (2016), Grimonprez confronte dans Blue Orchids un duo d’experts qui se situent aux deux pôles du commerce mondial des armes. Les récits de l’ancien correspondant de guerre du New York Times Chris Hedges et de l’ancien marchand d’armes Riccardo Privitera fournissent un contexte inhabituel pour des révélations choquantes sur l’industrie de la guerre.

S’appuyant sur les histoires personnelles et politiques des deux intervenants, Grimonprez révèle petit à petit les profondeurs du traumatisme et de la duplicité, identifiant le commerce des armes comme un symptôme d’une maladie grave : la cupidité. Dans Raymond Tallis | On Tickling, le philosophe et neurologue Raymond Tallis soutient que la conscience n’est pas une construction interne, mais plutôt relationnelle. L’idée que les humains soient incapables de se chatouiller eux-mêmes amène Tallis à explorer la notion philosophique selon laquelle nous nous construisons uniquement grâce au dialogue avec les autres.

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JOHAN GRIMONPREZ #4 – 83’

I MAY HAVE LOST FOREVER MY UMBRELLA JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM - THE NETHERLANDS 2011

colour, 3’, DCP, v : PORTUGUESE, sub : ENGLISH

MAA / LUN / MON

23.10 / 17:00 LEDOUX ingeleid door / présenté par / introduced by

JOHAN GRIMONPREZ #4 – 83’

Johan Grimonprez

DOUBLE TAKE JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM - GERMANY - THE NETHERLANDS - USA 2009

colour + b&w, 80’, 35mm, v : ENGLISH, sub : DUTCH - FRENCH

Grimonprez cast Alfred Hitchcock als een paranoïde geschiedenisprofessor die onopzettelijk verwikkeld raakt in een ‘double take’ op de koude oorlogsperiode. De meester zegt alle verkeerde dingen op alle verkeerde momenten terwijl politici aan beide zijden wanhopig proberen om live op tv met veel herrie de juiste dingen te zeggen. Double Take richt zich op de wereldwijde opkomst van de ‘angst als een handelsmerk’ in een verhaal over vreemde koppels en hilarische dubbeldeals. Terwijl de cinema door de televisie wordt gekidnapt, en het keukendebat tussen Khrushchev en Nixon verder ratelt, gaat de seksuele politiek rustig verder en verschijnt Alfred zelf in een puike nieuwe rol op de tv, iemand die huisvrouwen chanteert met merken die ze niet kunnen weigeren.

Romanschrijver Tom McCarthy schrijft een plot over persoonlijke paranoia als spiegel voor een politieke intrige waarin Hitchcock en zijn ongrijpbare dubbelganger in toenemende mate geobsedeerd zijn door de perfecte moord – van de andere! Omwille van thema’s als dubbelgangers, het verlies van zichzelf en homoniemen geldt I May Have Lost Forever My Umbrella, samen met Looking for Alfred en The Hitchcock Castings, als een voorloper van Double Take.

Grimonprez casts Alfred Hitchcock as a paranoid history professor, unwittingly caught up in a double take on the cold war period. The master says all the wrong things at all the wrong times while politicians on both sides desperately clamour to say the right things, live on TV. Double Take targets the global rise of ‘fear-as-a commodity’, in a tale of odd couples and hilarious double deals. As television hijacks cinema, and the Khrushchev and Nixon kitchen debate rattles on, sexual politics quietly take off and Alfred himself emerges in a dandy new role on the TV, blackmailing housewives with brands they can’t refuse. Novelist Tom McCarthy writes a plot of personal paranoia to mirror the political intrigue in which Hitchcock and his elusive double increasingly obsess over the perfect murder – of each other! Exploring the themes of doppelgangers, homonyms and losing oneself, I May Have Lost Forever My Umbrella – together with Looking for Alfred and The Hitchcock Castings – is a clear forerunner of Double Take.

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JOHAN GRIMONPREZ #4 – 83’

Grimonprez met en scène un Alfred Hitchcock et son double, professeur d’histoire paranoïaque involontairement mêlé à cette histoire qui se déroule pendant la Guerre froide. Le Maître dit tout ce qui est inadapté aux moments les plus inappropriés, tandis qu’en direct à la télévision, des hommes politiques des deux blocs tentent désespérément de dire les choses appropriées.

Double Take prend pour cible l’émergence mondiale de « la peur comme matière première » dans une histoire de duos étranges et de doubles jeux désopilants. Alors que la télévision s’empare du cinéma, que le débat impromptu entre Khrouchtchev et Nixon (le Kitchen debate) s’éternise, la libération des mœurs s’impose tranquillement et Alfred apparaît en personne à la télévision dans un nouveau rôle épatant, faisant chanter les ménagères avec des marques qu’elles ne peuvent refuser. Le romancier Tom McCarthy écrit une histoire de paranoïa personnelle pour refléter l’intrigue politique dans laquelle Hitchcock et son double insaisissable sont de plus en plus obsédés par le crime parfait – l’un de l’autre ! Explorant les thèmes des sosies, des homonymes et de la perte de soi, I May Have Lost Forever My Umbrella (comme Looking for Alfred et The Hitchcock Castings) est clairement annonciateur de Double Take.

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JOHAN GRIMONPREZ #5 – 97’ MAA / LUN / MON

23.10 / 18:15 PLATEAU DIN / MAR / TUE

24.10 / 16:15 PLATEAU ingeleid door / présenté par / introduced by

Johan Grimonprez (23.10 / 18.15)

US NAVY VS. LIGHT HOUSE colour, 3’, Digital file, v : ENGLISH, sub : SPANISH

SHADOW WORLD JOHAN GRIMONPREZ, BELGIUM - USA - DENMARK 2016

JOHAN GRIMONPREZ #5 – 97’

colour, 94’, Digital file, v : ENGLISH, sub : FRENCH - DUTCH

Gebaseerd op Andrew Feinsteins wereldwijd geprezen boek The Shadow World: Inside the Global Arms Trade onthult Grimonprez’s explosieve film de duistere wereld van de internationale wapenhandel. Shadow World doorweeft archiefmateriaal en interviews met deskundigen en onthult dat corruptie geen vuile kleine bijwerking van de wapenhandel is maar in feite zijn bepalende factor. Politici, die geacht worden onze hoop en dromen te vertegenwoordigen, verkopen ons angst en nachtmerries in het belang van de bedrijven die van de oorlog profiteren. Door licht te werpen op hoe onze werkelijkheid wordt gereconstrueerd, betoogt de film, met alarmerende aannemelijkheid, dat we de functie van de oorlog geprivatiseerd hebben. Als gevolg daarvan bepalen steekpenningen en corruptie het economische en buitenlandse politieke beleid van enkele van de grootste landen ter wereld om ervoor te zorgen dat er altijd een oorlog moet worden gevoerd.

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Basé sur le livre d’Andrew Feinstein, The Shadow World : Inside the Global Arms Trade, le film détonant de Grimonprez révèle le monde trouble du commerce international des armes. Assemblant des séquences d’archives et des interviews d’experts, Shadow World dévoile que la corruption n’est pas un effet secondaire pervers mineur du commerce des armes, mais son facteur déterminant.

La classe politique, censée représenter nos espoirs et nos rêves, nous vend de la peur et des cauchemars dans l’intérêt des entreprises à qui la guerre fait précisément gagner beaucoup d’argent. En mettant en lumière la façon dont nos réalités sont construites, le film affirme, avec une plausibilité alarmante, que nous avons privatisé la fonction de la guerre. Par conséquent, les pots-devin et la corruption définissent l’économie et la politique étrangère des grandes puissances mondiales, s’assurant qu’il y aura toujours une guerre à mener.

JOHAN GRIMONPREZ #5 – 97’

Based on Andrew Feinstein’s globally acclaimed book The Shadow World: Inside the Global Arms Trade, Grimonprez’ explosive film reveals the murky world of the international arms trade. Stitching together archive footage and expert interviews, Shadow World reveals that corruption is not a dirty little side effect of the arms trade, but in fact its defining factor. Politicians, who are supposed to represent our hopes and dreams, sell us fear and nightmares in the interest of the very corporations that profit from war. By shedding light on how our realities are being constructed, the film argues, with alarming plausibility, that we have privatised the function of war. As a result, bribes and corruption determine the economic and foreign policies of some of the biggest countries in the world, making sure that there is always a war to be fought.

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ANTOINETTE ZWIRCHMAYR

OBJECTS OF DESIRE

Curated by Antoinette Zwirchmayr

Antoinette Zwirchmayr is geboren in Salzburg in 1989. Ze studeerde in Wenen aan de Academie voor Schone Kunsten, alsook analoge fotografie en film aan de Friedl Kubelka-school. Hoewel ze nog geen dertig jaar is, is ze de auteur van een oeuvre dat indruk maakt door zijn aplomb en de unieke kracht van voorstelling en de formele en thematische coherentie. Zowel in haar half dozijn poëtische juweeltjes van enkele minuten als in haar familiale triptiek What I Remember, observeert, registreert en herschikt ze de verhoudingen tussen lichamen (vooral vrouwelijke), voorwerpen en het landschap (geconstrueerd, architecturaal of wild).

Antoinette Zwirchmayr is samen met ons festival ‘gegroeid’ (haar weg en publiek gevonden). In 2014, tijdens onze eerste editie, hebben we een van haar studentenfilms vertoond in een programma gewijd aan de Friedl Kubelka Schule. Vandaag is ze gastleraar aan die school. Venus Delta, in competitie voor de l’Âge d’Or-prijs, het derde luik uit een van haar vierdelige opus. We hebben haar een carte blanche aangeboden, één waarin haar eigen films verweven zijn met die van anderen – als een soort antwoord op én echo.

Haar programma Objects of Desire bestaat uit twee vertoningen en richt de schijnwerpers op de vrouwelijke filmmakers van haar generatie (Silvia das Fadas, Rosa John) en op die van de vorige generatie die de weg geëffend hebben (Dora Maurer, Friedl vom Gröller, Sasha Pirker). “[Want] voor mij is elke film op een bepaalde manier geobsedeerd door verschillende soorten voorwerpen ; maar ook omdat films – die van andere filmmakers – in mijn ogen ‘voorwerpen van verlangen’ zijn.”

Antoinette Zwirchmayr est née à Salzbourg en 1989. Elle a étudié à l’Académie des BeauxArts de Vienne ainsi que la photographie et le cinéma (argentique, sur pellicule) à l’école Friedl Kubelka dans la même ville. À moins de trente ans, elle est l’auteur d’une œuvre divisée en deux filons mais qui impressionne déjà par son aplomb, la force singulière de sa proposition et sa cohérence formelle et thématique. Tant dans sa demi-dizaine de petits bijoux poétiques de quelques minutes, que dans son triptyque familial What I Remember, elle observe, enregistre et réagence les rapports des corps (surtout féminins), des objets et du paysage (construit, architectural ou sauvage).

Antoinette Zwirchmayr a aussi « grandi » (trouvé ses marques, son public) en même temps que notre festival. En 2014, lors de notre première édition, nous avons montré un de ses films d’étudiante dans une séance consacrée à la Friedl Kubelka Schule. Aujourd’hui, alors qu’elle intervient désormais comme professeur invité dans cette école et que nous nous apprêtons à montrer avec Venus Delta (en compétition pour le prix de l’Âge d’Or) un troisième de ses opus en quatre éditions, convaincus d’avoir, de film en film, devant les yeux

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une des plus belles photographies (composition, couleur, grain, force d’évocation) du jeune cinéma actuel, nous lui avons proposé de composer une carte blanche qui entrelacerait ses propres œuvres et d’autres qui leur feraient écho.

En deux séances faisant la part belle aux femmes cinéastes de sa génération (Silvia das Fadas, Rosa John) et de celles, précédentes, qui ont fait sauter des verrous et ouvert la voie (Dora Maurer, Friedl vom Gröller, Sasha Pirker), sa proposition porte le beau titre Objects of Desire : « [parce que] pour moi, chaque film est d’une certaine manière, obsédé par différents types d’objets ; mais aussi que les films – ceux des autres cinéastes – sont des ‘objets de désir’ à mes yeux. » Antoinette Zwirchmayr was born in Salzburg in 1989. She studied in Vienna at the Academy of Fine Arts at the Schule Friedl Kubelka. Zwirchmayr, not even thirty years old, is the author of an oeuvre that already impresses by the singular strength of its proposal and its formal and thematic coherence. Both in her little poetic jewels, just a few minutes long, and in her family triptych What I Remember, she observes, records and rearranges the relations of bodies (especially female bodies), objects and landscapes.

Antoinette Zwirchmayr started her career around the time we rebooted our festival. In 2014, during our first edition, we showed one of her early films in a session devoted to the Schule Friedl Kubelka. Today, being a guest teacher at this same school, we proposed Zwirchmayr to compile a carte blanche, interlacing her own films with those of others. With Venus Delta, in competition for the Âge d’Or Prize, we show a Zwirchmayr film for the third time in four editions!

Her carte blanche compilation consists of two sessions, with the main focus on the women filmmakers of her generation (Silvia das Fadas, Rosa John) and female filmmakers who broke the mould and paved the way for future generations (Dora Maurer, Friedl vom Gröller, Sasha Pirker). It bears the beautiful title Objects of Desire: “[because] for me, each film is in a certain way obsessed with different types of objects ; but also because the films – those of other filmmakers – are in my view ‘objects of desire’.” (Zwirchmayr)

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ANTOINETTE ZWIRCHMAYR #1 – 67’ VRIJ / VEN / FRI

20.10 / 18:15 PLATEAU

CLOSED CIRCUIT MAA / LUN / MON

SASHA PIRKER, AUSTRIA 2014

23.10 / 20:30

colour, 3’, 16mm, v : SILENT

PLATEAU ingeleid door / présenté par / introduced by

ANTOINETTE ZWIRCHMAYR #1 – 67’

Antoinette Zwirchmayr

WHAT I REMEMBER ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2017 colour, 64’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

What I Remember is een triptiek die bestaat uit de hoofdstukken The Pimp and His Trophies (2014-2015), Jozef – My Father’s Criminal Record (2015-2016) en The Shadow of Utopia (2017).

Door te vertrekken van herinneringen aan haar grootvader, een van de grootste pooiers van Salzburg, en haar vader, een jonge bankovervaller en daarna een exploitant van een edelsteenmijn in Brazilië, vermijdt Antoinette Zwirchmayr de gebruikelijke pistes van de familiefilm. Hier, in deze puzzel van herinneringen uit de kindertijd, is de tekst geschreven door een buitenstaander, ingesproken door stemmen die niet van de protagonisten zijn en afstandelijk gemaakt door het loskoppelen van de voice-over en het beeld. Talrijke zwarte overgangen scheiden de prachtige beelden van elkaar. Coherent ondanks zijn drie verschillende fotografen: Rosa John, Leena Koppe en Zwirchmayr zelf. De beelden hebben dezelfde aard – en evocatieve kracht – als die van de kortfilms van de cineaste: de sterke aanwezigheid van lichamen en voorwerpen (spiegels, kristallen, stenen, fruit) en hun relatie – via de zorgvuldige kadrering van elk beeld – met hun omgeving (architectuurfragmenten of landschappen).

De film wordt voorafgegaan door Closed Circuit (Sasha Pirkas): de openbaring van een beeld van een “vrouw met een camera” (Bolex) op een Polaroid-foto. “De verschijning van het beeld duurt drie minuten, de duur van een bobijn van 30 meter film, zoals die waarmee we heel mijn film hebben gefilmd – ook met een Bolexcamera. (…). De camera kan zowel een onderzoekswerktuig zijn als een bescherming tegen gevoelige onderwerpen.”

(Zwirchmayr).

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What I Remember est un triptyque, constitué des chapitres The Pimp and His Trophies (2014-2015), Jozef – My Father’s Criminal Record (2015-2016) et The Shadow of Utopia (2017). Se souvenant de son grand-père, un des plus grands proxénètes de Salzbourg, et de son père, tout jeune braqueur de banques puis exploitant d’une mine de pierres précieuses au Brésil, Antoinette Zwirchmayr évite les ornières habituelles du film de famille. Ici, dans ce puzzle de souvenirs d’enfance, le texte est écrit par une plume extérieure, dit par des voix qui ne sont pas celles des protagonistes et mis à distance par la disjonction de la voix off et de l’image. Séparées par de nombreux noirs, les superbes images (cohérentes malgré trois directrices de la photo différentes : Rosa John, Leena Koppe et Zwirchmayr elle-même) possèdent la même nature – et la même puissance évocatrice – que celles des courts métrages de la cinéaste : la présence forte des corps et des objets (miroirs, cristaux, pierres, fruits) et leur relation – via le cadrage méticuleux de chaque plan – à leur environnement (fragments d’architecture ou de paysages).

ANTOINETTE ZWIRCHMAYR #1 – 67’

Précédé par Closed Circuit (Sasha Pirkas) : la révélation de l’image d’une « femme à la caméra » (Bolex) sur une photo Polaroïd. « L’apparition de l’image prend trois minutes, la durée d’une bobine de 30 m de pellicule, comme celles avec lesquelles nous avons tourné – aussi à la caméra Bolex – tout mon film. […] La caméra peut être autant un outil d’investigation que de protection pour se confronter à des sujets délicats. » (Zwirchmayr).

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ANTOINETTE ZWIRCHMAYR #1 – 67’

What I Remember is a triptych, consisting of The Pimp and His Trophies (2014), Josef – My Father’s Criminal Record (2016) and The Shadow of Utopia (2017). Commemorating her grandfather, one of Salzburg’s biggest pimps, and her father, first a young bank robber, then the operator of a precious stone mine in Brazil, Antoinette Zwirchmayr avoids the usual ruts of the family film.

Here, in this puzzle of childhood memories, the text is written by an external pen, featuring voices that are not those of the protagonists. Separated by black inserts, the superb images (coherent, despite being made by three different cinematographers: Rosa John, Leena Koppe and Zwirchmayr herself) possesses the same evocative power as the filmmaker’s short films: a strong presence of bodies and objects (mirrors, crystals, stones, fruits), including – through the meticulous framing of each shot – their relationship to the environment (fragments of architecture or landscapes).

Preceded by Sasha Pirkas’s Closed Circuit, or the revelation of the image of a ‘woman with a (Bolex) camera’ on a Polaroid photo.

“The apparition of the image takes three minutes, being the duration of a 30m film reel, like the reels with which we’ve shot my entire film. (…) The camera can be as much an instrument of investigation as of protection, in order to confront delicate subjects.”

(Zwirchmayr)

NAVIGATOR

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ANTOINETTE ZWIRCHMAYR #2 – 51’

BJÖRN KÄMMERER, AUSTRIA 2015 colour, 7’, 16mm, v : SILENT

21.10 / 21:00 LEDOUX ingeleid door / présenté par / introduced by

Antoinette Zwirchmayr

HOUSE AND UNIVERSE ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2014 colour, 4’, 16mm, v : SILENT

JÍCARO ROSA JOHN, AUSTRIA 2016 b&w, 2’, 16mm, v : SILENT

VENUS DELTA

ÂGE D’OR

ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2016 colour, 4’, 16mm, v : SILENT

APANHAR LARANJAS [PICKING ORANGES] SILVIA DAS FADAS, PORTUGAL 2012 colour, 2’, 16mm, v : PORTUGUESE - ENGLISH, sub : —

UNTITLED ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2012 colour, 2’, 16mm, v : SILENT

IN ITS FORM ASLEEP ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2016 colour, 3’, 16mm, v : SILENT

SQUARE DANCE, LOS ANGELES COUNTY, CALIFORNIA

SILVIA DAS FADAS, PORTUGAL - USA 2013 colour, 9’, 16mm, v : ENGLISH, sub : —

NO RETURN, NO RETURN ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2012 colour, 2’, 16mm, v : SILENT

TIMING [IDÖMÉRÉS] DORA MAURER, HUNGARY 1973-1980 b&w, 10’, 16mm, v : SILENT

PASSAGE BRIARE FRIEDL VOM GRÖLLER, AUSTRIA 2009 b&w, 3’, 16mm, v : SILENT

DRY SHAMPOO ANTOINETTE ZWIRCHMAYR, AUSTRIA 2011 b&w, 3’, 16mm, v : SILENT

ANTOINETTE ZWIRCHMAYR #2 – 51’

ZAT / SAM / SAT

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« I found a big lighthouse lens in a flea market in Brussels some months ago and this lens will be the ‘protagonist’ of a new film of mine. »

ANTOINETTE ZWIRCHMAYR #2 – 51’

(Antoinette Zwirchmayr)

Vertrekkend van een strikte evocatie, aan een touw, van de geometrie van de optica van een maritieme vuurtoren in Navigator (Björn Kammerer, 2015), koppelt deze vertoning de recente kortfilms van Antoinette Zwirchmayr (Venus Delta, 2016 - in competitie) aan oudere, zelden vertoonde films (Dry Shampoo, 2011) en zelfs aan de evocatie van films die nog moeten worden gedraaid (zie citaat hierboven)! Volgens de filmmaakster/programmator is de vraag van de vorm – en ronde vormen in het bijzonder – een van de rode draden die deze films verbindt: naakte lichamen, eierschalen in haar eigen films, optische lenzen bij Kammerer… maar ook Californische sinaasappels in Apanhar Laranjas van Silvia das Fadas, 2012 of de raadselachtige voorwerpen – steen? fruit? planeet? – die worden gemanipuleerd in Jícaro van Rosa John, 2016.

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Commençant par l’évocation stricte, au cordeau, de la géométrie de l’optique d’un phare maritime dans Navigator (Björn Kammerer, 2015), cette séance associe des courts métrages d’Antoinette Zwirchmayr récents (Venus Delta, 2016, en compétition) à des films plus anciens, rarement montrés (Dry Shampoo, 2011), voire à l’évocation de films encore à tourner (cf. exergue ci-dessus). De l’aveu de la cinéaste-programmatrice, la question de la forme – et des formes rondes en particulier – est un des fils rouges qui relient ces films : corps nus, coquilles d’œuf dans ses propres films, lentilles d’optique chez Kammerer… mais aussi oranges californiennes dans Apanhar Laranjas de Silvia das Fadas, 2012 ou l’objet mystérieux – pierre ? fruit ? planète ? – manipulé dans Jícaro de Rosa John, 2016.

ANTOINETTE ZWIRCHMAYR #2 – 51’

This compilation, beginning with the meticulous evocation of the geometry of a lighthouse lens in Navigator (Björn Kämmerer, 2015), combines recent short films by Antoinette Zwirchmayr (Venus Delta, 2016 – in competition) with older, rarely shown films (Dry Shampoo, 2011), and even evoces films still to be filmed! (See citation). According to the filmmaker-programmer, the question of form – and of round forms in particular – is one of the leitmotifs that connects these films: naked bodies and eggshells in her own films, optical lenses in Kämmerer’s film… but also Californian oranges in Silvia das Fadas’s Apanhar Laranjas from 2012, or the mysterious object – a stone? a fruit? a planet? – that is being manipulated in Rosa John’s Jícaro from 2016.

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GEORGE T. NIERENBERG

FILMING FROM THE SOUL

« The camera helps you see what you see, but as director I help you feel what I feel. » « If my films are not speaking on multiple levels at the same time, I’m not doing my job. My role as a director is to create an environment in which the characters can be who they are. »

(George T. Nierenberg)

George T. Nierenberg is een documentair filmmaker die zijn carrière heeft ontwikkeld dankzij zowel de onafhankelijke Amerikaanse films als tv-projecten of privé-opdrachten. Toch koos het Âge d’Orfestival ervoor om zich te focussen op drie muzikale films uit het begin van zijn parcours (1979-1982) die recent digitaal zijn gerestaureerd door Milestones Films.

Als hij 26 jaar isen slecht één film The Hollow heeft gedraaid, ontdekt Nierenberg een tapdansspektakel van ‘Sandman’ Sims in de Lower East Side. Hij vindt hem terug in het telefoonboek, ontmoet hem en samen beginnen ze aan een langdurig project dat No Maps on My Taps zal worden.

Vertrekkend van een methode die is gebaseerd op een nauwgezette voorbereiding en geduld bij het filmen (een aanpak die hij in zijn latere films opnieuw zal toepassen), brengt de regisseur het eerste jaar door met het fotograferen van de dansers die Sims hem voorstelt, een manier om de producenten te overtuigen, zich in het onderwerp onder te dompelen, de opnames voor te bereiden en het vertrouwen van zijn personages te winnen. Later, na een jaar monteren, weerlegt de film de bezorgdheid van de 60-plusdansers dat hun kunst gedoemd is om te verdwijnen en gaat hij – via een tournee met zowel live-dansnummers als projecties – mee zorgen voor een heropleving van de tapdansscène. Drie jaar later, met Say Amen, Somebody, realiseert de regisseur een ander project waarin woord en muziek van gospelpioniers geboren in 1896, 1899, 1904, enz. – wordt opgenomen voordat het verdwijnt zonder dat er een audio­visueel spoor van hun talent en toewijding is geregistreerd. Ook hier weet Nierenberg, door zijn geduldige aanpak en montage, de zangers die hij filmt bijzonder levendig naar het scherm te vertalen.

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George T. Nierenberg est un documentariste dont la carrière s’est développée tant dans le cinéma indépendant américain que grâce à des projets liés à la télévision ou aux commandes privées. L’Âge d’Or Festival a choisi de se focaliser sur trois films musicaux du début de sa carrière (1979-1982) récemment restaurés numériquement par Milestone Films.

Alors qu’il est âgé de 26 ans – et n’a tourné, en collaboration avec Gary Wand, qu’un film, le portrait d’une communauté hillbilly paupérisée des monts Adirondacks, The Hollow – Nierenberg tombe sur un spectacle de claquettes (tap dance) de « Sandman » Sims dans le Lower East Side. Il le retrouve grâce à l’annuaire téléphonique, le rencontre et se lance avec lui dans un projet au long cours qui deviendra No Maps on My Taps. Mettant en place une méthode basée sur une préparation méticuleuse et patiente du tournage (méthode qu’il utilisera à nouveau dans ses films ultérieurs), le cinéaste passe d’abord un an à photographier les danseurs que Sims lui présente afin de convaincre des producteurs, s’immerger dans le sujet, préparer le tournage et gagner la confiance de ses personnages. Plus tard, après un an de montage, le film fera mentir l’appréhension des danseurs sexagénaires de voir leur art voué à disparaître et participera – par une tournée associant projections et danse sur scène – au renouveau de la tap dance. Trois ans plus tard, avec Say Amen, Somebody, le cinéaste réalise un autre projet visant à enregistrer la parole – et la musique – d’autres artistes âgés – nés en 1896, 1899, 1904, etc. – avant qu’ils ne disparaissent sans qu’une trace audiovisuelle de leur talent et de leur dévotion n’ait été enregistrée : quelques pionniers du gospel. Ici aussi, par son long travail d’approche, puis de montage, Nierenberg donne une présence à l’écran particulièrement vibrante aux chanteurs qu’il filme.

While George T. Nierenberg developed his career as a documentary filmmaker thanks to the American independent cinema and through projects related to TV or private commands. L’Âge d’Or Festival chooses to focus on three musical films from the beginning of his itinerary (1979-1982) recently digitally restored by Milestones Films.

As a 26-year old – he only had made one film, in collaboration with Gary Wand. Nierenberg discovered a tap dance show by ‘Sandman’ Sims in the Lower East Side. He arranged a meeting and together they began a long-term project that would become No Maps on My Taps. Setting up a method based on meticulous preparation and patience, the filmmaker first spends a year photographing the dancers that Sims introduced to him. After a year of editing, the film would contradict the fears of the sexagenarian dancers that their art was destined to disappear and would contibute – through a tour combining projections and live dance – to the revival of the tap dance scene. Three years later, with Say Amen, Somebody, the filmmaker directs another project that registers the work of older artists – born in 1896, 1899, 1904, etc. – before they disappear without an audio-visual trace of their talent and devotion: the pioneers of gospel. Here, too, through his patient approach, Nierenberg gives a particularly vibrant screen presence to the singers whom he films.

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GEORGE T. NIERENBERG #1 – 100’ MAA / LUN / MON

23.10 / 15:00 LEDOUX ingeleid door / présenté par / introduced by

Denis Doros (Milestone Films)

SAY AMEN, SOMEBODY GEORGE T. NIERENBERG, USA 1982 colour, 100’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

« Een bezielend documentair wonder. […] een muzikale getuigenis die tegelijk historisch en levendig is […] de ontbering in de film is onwaarschijnlijk… »

GEORGE T. NIERENBERG #1 – 100’

(Louis Skorecki)

Say Amen, Somebody is ontegensprekelijk een van de films die de wereld van de gospelmuziek het best documenteert. De film focust voornamelijk op het leven en de carrière van twee grootmeesters (en pioniers) van deze muziek die haar wortels heeft in de liedjes van de Afro-Amerikaanse slaven, de negrospirituals: ‘Mother’ Willie Mae Ford Smith en ‘Professor’ Thomas A. Dorsey.

Via hun respectievelijke parcours keren we terug naar de begin­ dagen van de gospel en de ontwikkeling en uitdagingen waarmee de oprichters, in het bijzonder de vrouwen, werden geconfronteerd. Ook het humanisme van degenen die zich ‘geroepen’ hebben gevoeld om het evangelie te verspreiden via deze transcendente en vrolijke muzikale vorm komt aan bod. Andere artiesten zoals Sallie Martin, The Barrett Sisters en The O’Neill Brothers vervolledigen de affiche van deze opwindende documentaire die bij zijn release door talrijke tijdschriften (People Magazine, Rolling Stone, enz.) als een van de tien beste films van het jaar werd beschouwd.

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« Une merveille de documentaire vibrant. […] témoignage musical à la fois historique et vivant […] un film, insensé de rigueur… » (Louis Skorecki)

Say Amen, Somebody est sans conteste un des films qui documentent le mieux le monde de la musique gospel.

Il s’intéresse particulièrement à la vie et la carrière de deux des grands maîtres (et pionniers) de cette musique qui trouve ses racines dans les chants des esclaves afroaméricains, les negro spirituals : « Mother » Willie Mae Ford Smith et « Professor » Thomas A. Dorsey. À travers leurs parcours respectifs, nous revenons sur les premiers jours du gospel, son développement, les défis auxquels ont été confrontés leurs fondateurs – particulièrement les femmes – et l’humanisme de ceux qui se sont sentis « appelés » à répandre l’Évangile grâce à cette forme musicale transcendante et joyeuse. D’autres artistes comme Sallie Martin, The Barrett Sisters, et The O’Neill Brothers complètent l’affiche de ce documentaire exaltant, considéré à sa sortie comme un des dix meilleurs films de l’année par nombreuses revues (People Magazine, Rolling Stone, etc.).

« A vibrant documentary wonder. […] a musical testimony both historical and alive […] the hardship in the film is improbable… » (Louis Skorecki)

Without a doubt one of the films that documents best the world of gospel music, Say Amen, Somebody is particularly interested in the life and career of two of the great masters (and pioneers) of this music which has its roots in the songs of the Afro-American slaves, the negro spirituals: “Mother” Willie Mae Ford Smith and “Professor” Thomas A. Dorsey. Through their respective journeys, we return to the first days of gospel, its development, the challenges faced by the founders – especially women – and the humanism of those who felt that they were “called” to spread the gospel through this transcendent and joyful musical form. Other artists such as Sallie Martin, The Barrett Sisters and The O’Neill Brothers complete the line-up of this exciting documentary, considered at its release as one of the best ten films of the year by numerous magazines (People Magazine, Rolling Stone, etc.).

GEORGE T. NIERENBERG #1 – 100’

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CLOSING NIGHT

GEORGE T. NIERENBERG #2 – 86’ DIN / MAR / TUE

24.10 / 21:00 LEDOUX

Denis Doros (Milestone Films)

NO MAPS ON MY TAPS GEORGE T. NIERENBERG, USA 1979 colour, 58’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

ABOUT TAP GEORGE T. NIERENBERG, USA 1985 colour, 28’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

No Maps on My Taps is een van de belangrijkste documentaires van George T. Nierenberg omdat hij een tweede adem heeft gegeven aan de tapdanskunst. Het tapdansen kende zijn gouden tijd in de eerste helft van de twintigste eeuw (met artiesten als The Nicholas Brothers, Bill ‘Bojangles’ Robinson, John W. Bubbles, Fred Astaire, Gene Kelly en Eleanor Powell) om vervolgens in de jaren vijftig achteruit te gaan. Aan de hand van foto’s, fragmenten uit films van de jaren dertig, talrijke getuigenissen, alsook enkele geïmproviseerde straatdansscènes, exploreert No Maps on My Taps de kunst van deze onmiskenbare jazzdans door de carrières van Sandman Sims, Chuck Green en Bunny Briggs te belichten, drie meesters van deze discipline. Het talent, het charisma en de eeuwige jeugd van deze drie zestigplussers geven de film een vibrerende energie.

About Tap toont de verschillen in stijl tussen drie van de grootste Amerikaanse tapdansers: Steve Condos, Jimmy Slyde en Chuck Green. Komiek en danser Gregory Hines die het genre een nieuwe impuls gaf op het einde van de jaren zeventig, stelt de film voor en haalt herinneringen op uit zijn kindertijd toen hij de beste tapdansers in het Apollo Theater in Harlem aan het werk zag en ging imiteren. Hoe vindt een tapdanser zijn eigen stijl? Door herinneringen en gedreven performances , geeft elke danser een apart, persoonlijk antwoord.

Beide films worden vertoond in versies recent gerestaureerd door Milestone Films.

GEORGE T. NIERENBERG #2 – 86’

ingeleid door / présenté par / introduced by

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GEORGE T. NIERENBERG #2 – 86’

No Maps on My Taps est un des documentaires les plus importants réalisés par George T. Nierenberg puisqu’il a donné un second souffle à l’art du tap dance (les claquettes) qui connut son âge d’or au cours de la première moitié du XXe siècle (avec des artistes tels que The Nicholas Brothers, Bill « Bojangles » Robinson, John W. Bubbles, Fred Astaire, Gene Kelly, et Eleanor Powell) avant de décliner dans les années 1950. À partir de photographies, d’extraits de films des années 1930, de nombreux témoignages, ainsi que quelques improvisations de danses en rue, No Maps on My Taps explore l’art de cette danse indissociable du jazz, en mettant en lumière les carrières de Sandman Sims, Chuck Green et Bunny Briggs, trois des grands maîtres de la discipline. Le talent, le charisme et l’éternelle jeunesse de ces trois danseurs sexagénaires irradient ce film vibrant d’énergie.

About Tap s’intéresse aux différences de styles entre trois des plus grands danseurs américains de tap dance : Steve Condos, Jimmy Slyde et Chuck Green. Gregory Hines, comédien et danseur qui a donné un second souffle au genre fin des années 1970, présente le film et partage ses souvenirs d’enfance lorsqu’il regardait et imitait les plus grands danseurs de claquettes à l’Apollo Theater à Harlem. Comment un artiste de tap dance trouve-t-il son propre style ? À travers souvenirs et performances de haut vol, chacun des danseurs propose une réponse singulière.

Les deux films seront montrés dans des versions récemment restaurées par Milestone Films.

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No Maps on My Taps is one of the most important documentaries made by George T. Nierenberg. It gave a second breath to the art of tap dance which had its golden age in the first half of the 20th century (with artists such as The Nicholas Brothers, Bill “Bojangles” Robinson, John W. Bubbles, Fred Astaire, Gene Kelly and Eleanor Powell) before declining in the 1950s. From photographs, excerpts from films of the 1930s, numerous testimonies, as well as a few improvised scenes of tap dancing in the street, No Maps on My Taps explores the art of this intrinsic jazz dance by shining light on the careers of Sandman Sims, Chuck Green and Bunny Briggs, three masters of the discipline. The talent, charisma and eternal youth of these three sexagenarians dancers gives the film a vibrant energy.

About Tap is interested in the differences in style between the three of the greatest American tap dancers: Steve Condos, Jimmy Slyde and Chuck Green. Comic and dancer Gregory Hines, who gave a new impulse to the genre at the end of the 1970s, presents the film and shares his childhood memories as he watched and mimicked the greatest tap dancers at the Apollo Theater in Harlem. How does a tap dance artist find his own style? Through memories and driven performances, each dancer offers a singular response.

GEORGE T. NIERENBERG #2 – 86’

Both films will be shown in versions recently restored by Milestone Films.

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INCISIONS AND IMPRINTS

ARGENTINE EXPERIMENTAL CINEMA

Curated by Federico Windhausen

Deze retrospectieve begint met Argentinië, verlaat Argentinië, keert voortdurend terug naar Argentinië, en toont films die deelnemen aan een wereldwijde dialoog met de experimentele of avant-garde cinema. De films reizen tussen verschillende locaties en culturen ; ze werden gemaakt door reislustige Argentijnen of expats die in Buenos Aires leefden. In de jaren 1970, begin jaren 1980 kende deze filmbeweging een eerste intensief actieve periode, die aanving met de komst van het super 8-filmformaat. Daarop volgde een tweede productieve periode met smalbeeldfilms, die ongeveer een decennium duurde. De verschillende thema’s die deze films aanboorden, tonen aan hoe heterogeen ze waren, thema’s zoals o.a. de avant-gardekunst, performance en theater in het Buenos Aires van de sixties, de New American Cinema, Latijns-Amerikaanse protestmuziek, Indiase literatuur en muziek, Tercer Cine (‘derde cinema’), Bachs orgelmuziek en het Catalaans modernisme – om er maar een paar te noemen. Wat al deze films, hoe verschillend ook, gemeen hebben, is de grote aandacht voor montage en beeld.

This retrospective begins, departs from, and continually returns to Argentina as it surveys films that participate in a global dialogue with experimental or avant-garde cinemas. Moving between various sites and cultures, these films were made either by Argentines inclined toward travel or similarly-mobile expatriates living in Buenos Aires. This cinema’s first intensive period of activity dates back to the 1970s and early 1980s, beginning with the arrival of the Super 8 film format ; it is followed by another productive stretch of small-gauge filmmaking that has been ongoing for about a decade. The heterogeneity of these films – how they were made, which issues and themes they addressed, what kinds of experiences they offered their viewers – is suggested by the varied sources they drew upon, which include: avant-garde art, performance, and theatre in 1960s Buenos Aires ; the New American Cinema ; Latin American music of social protest ; Indian literature and music ; Third Cinema ; Bach’s organ music ; and Catalan Modernism, to name but a few. Uniting this multifaceted body of work is its careful attention for the cut and the image. For all of these filmmakers, the cinema’s incisions and imprints still offer vast aesthetic, ideological, and conceptual possibilities, as these programmes set out to demonstrate.

In partnership with

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Cette rétrospective commence en Argentine – en part, et y revient systématiquement –, mettant en avant des films qui participent d’un dialogue général avec les différents cinémas expérimentaux et d’avant-garde du monde. Les films présentés dans ces cinq programmes font le lien entre plusieurs lieux et cultures. Ils sont réalisés par des cinéastes argentins tentés par l’étranger ou des cinéastes également exilés mais vivant à Buenos Aires. La première période foisonnante de ce cinéma date des années 1970 et du début des années 1980, au moment de la commercialisation en Argentine du format léger et peu coûteux qu’est le Super 8. Cette période sera suivie, plus de vingt ans plus tard, d’une époque tout aussi riche, de production en formats « amateurs », et qui dure depuis près d’une décennie. L’hétérogénéité du programme et des films – comment ils ont été produits, les sujets qu’ils traitent, le type d’expériences qu’ils offrent au spectateur – est suggérée par la variété des sources dont ils s’inspirent : avant-garde artistique, performances, et théâtre à Buenos Aires dans les années 1960 ; le New American Cinema ; la musique latino-américaine protestataire ; la musique et la littérature indiennes ; le Tercer Cine ; la musique pour orgue de J.-S. Bach ; le modernisme catalan, parmi d'autres. L’unité dans ce programme à multiples facettes, vient de l’attention portée au montage et à l’image. Pour tous ces cinéastes, le montage, l’impression et la surimpression du cinéma offrent toujours de nombreuses possibilités esthétiques, idéologiques et conceptuelles. C’est ce que ce programme tente de mettre en lumière.

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INCISIONS AND IMPRINTS #1 – 90’

¡ UF !

HORACIO VALLEREGGIO’S OPEN CINEMA: NEW RESTORATIONS

colour, 70’, DCP, v : SPANISH, sub : ENGLISH

HORACIO VALLEREGGIO, ARGENTINA 1974

LA CABALLERA DE BERENICE [THE LOCK OF BERENICE]

EXCERPTS

HORACIO VALLEREGGIO, ARGENTINA 1972 VRIJ / VEN / FRI

20.10 / 21:00 LEDOUX ingeleid door / présenté par / introduced by

INCISIONS AND IMPRINTS #1 – 90’

Federico Windhausen

b&w + colour, +/- 20’, DCP, v : SPANISH, sub : ENGLISH

Deze films vormen Horacio Vallereggio’s meest ambitieuze en volmaakte werk. Deze vertoning is meteen ook de première van nieuwe, gerestaureerde versies van de films. In elke film ontwikkelt Vallereggio zijn unieke esthetiek door middel van onvoorspelbare juxtaposities van lichtere en donkerdere stemmingen en thema’s. De films zitten ook vol culturele toespelingen en citaten waarbij allerlei elementen gecombineerd worden zoals geluidskunst, elektronische composities, Latijns-Amerikaanse ‘nationale rock’, politiek bewuste jazz en Franse tractaten over kunst, educatie en de saaiheid van het bourgeois bestaan. Van het zeer performatieve La cabellera de Berenice worden fragmenten getoond (20 minuten lang). Het eerder politiek geladen ¡ UF ! kan slechts als onvolledig artefact getoond worden, gebaseerd op de oorspronkelijke drie uur durende versie ; die in stukken geknipt werd door Juan Villola en deels verloren raakte na diens voortijdige dood. Deze prikkelende, ambitieuze films maken duidelijk wat Vallereggio’s opzet was, zoals hij het in 1978 formuleerde, namelijk de kijker confronteren met vragen rond identiteit: ‘Wie is de toeschouwer onder zijn huid, achter zijn beroep, achter de routine, buiten de boeken die hij bestudeerde of de manier waarop hij leeft’ ? Net zoals er niet één enkel, onveranderlijk, definitief antwoord op die vraag is, is een experimentele film voor Vallereggio ‘een open werk, talrijke keren opnieuw samengesteld, net zoveel als de keren dat het bekeken wordt.’

Les deux films qui composent cette séance sont les projets les plus ambitieux et aboutis d’Horacio Vallereggio.

Cette projection sera la première mondiale de ces copies restaurées. Chacune des deux œuvres témoigne de l’esthétique unique de ce cinéaste, faite de juxtapositions imprévisibles entre des humeurs et des thèmes légers et graves. Ces deux films sont traversés de références et de citations culturelles, combinant des éléments tels que le sound art, des compositions de musiques électroniques, le « rock national » latino-américain, du jazz

Horacio Vallereggio’s most ambitious and accomplished works are the two longer films that comprise this programme, and this screening will be the premiere of new, restored versions of both.

Each film develops Vallereggio’s aesthetic of disjunctiveness by way of unpredictable juxtaposions of lighter and darker moods and themes. These films are also full of cultural allusions and quotations, combining elements such as sound art, electronic compositions, Latin American ‘national rock,’ politically-conscious jazz, and French tracts about art, education, and the tedium of bourgeois existence. The highly performative La cabellera de Berenice will be shown in excerpts (20 minutes long), as the more politically charged ¡ UF ! can only be screened as a fragmentary, incomplete artifact of its original, three-hour version (cut up by Juan Villola and lost after his untimely death). Nonetheless, these challenging films make manifest Vallereggio’s goal, articulated in 1978, of confronting the viewer with questions of identity: “Who is the spectator beneath his skin, behind his occupation, the routine, beyond the books that were learned or the way in which he lives[?]” Just as that question has no single, unchanging, definitive answer, for Vallereggio an experimental film “is an open work, recomposed many times, as many as its viewings.”

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INCISIONS AND IMPRINTS #1 – 90’

engagé, des tracts français sur l’art, l’éducation, et « l’ennui de la vie bourgeoise ». De La cabellera de Berenice, nous avons choisi de ne montrer que quelques extraits (d’une durée totale de 20 minutes). Et ¡ UF !, au contenu plus politique, ne peut être montré que de manière fragmentaire, artefact incomplet de la version originale de trois heures (montée par Juan Villola et définitivement perdue après la mort de ce dernier). Toutefois, ces deux films touchent au but que Vallereggio s’était donné en 1978, à savoir confronter le spectateur à des questions d’identité : « Qui se cache sous la peau du spectateur, derrière ses occupations, ses habitudes, les livres qu’il a lus ou la vie qu’il mène ? » Cette question n’a pas de réponse définitive, unique, puisque pour Vallereggio un film expérimental est « une œuvre ouverte, recomposée autant de fois qu’elle est vue ».

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INCISIONS AND IMPRINTS #2 – 90’ UN CINE COMPARTIDO: NARCISA HIRSCH & MARIELOUISE ALEMANN ZAT / SAM / SAT

21.10 / 15:00 LEDOUX ingeleid door / présenté par / introduced by

Federico Windhausen

MARABUNTA NARCISA HIRSCH, ARGENTINA 1967 b&w, 8’, Digital file, v : NO DIALOGUE

COME OUT NARCISA HIRSCH, ARGENTINA 1970-1971 colour, 12’, Digital file, v : NO DIALOGUE

TALLER NARCISA HIRSCH, ARGENTINA 1975 colour, 11’, Digital file, v: ENGLISH, sub : —

TESTAMENTO Y VIDA INTERIOR NARCISA HIRSCH, ARGENTINA 1976-2001 colour, 11’, Digital file, v : NO DIALOGUE

ESCENAS DE MESA MARIELOUISE ALEMANN, ARGENTINA 1979

INCISIONS AND IMPRINTS #2 – 90’

colour, 7’, Digital file, v : NO DIALOGUE

LEGITIMA DEFENSA MARIELOUISE ALEMANN, ARGENTINA 1980 b&w, 8’, Digital file, v : NO DIALOGUE

SENSACIÓN 77 : MIMETISMO MARIELOUISE ALEMANN, ARGENTINA 1977 b&w, 8’, Digital file, v : NO DIALOGUE

UMBRALES MARIELOUISE ALEMANN, ARGENTINA 1980 colour, 19’, Digital file, v : NO DIALOGUE

LA NOCHE BENGALÍ NARCISA HIRSCH, ARGENTINA 1980 colour, 6’, Digital file, v : NO DIALOGUE

Nées en Allemagne à la fin des années 1920, Narcisa Hirsch et Marielouise Alemann ont passé la majeure partie de leur vie en Argentine. Dans le Buenos Aires des années 1960, elles ont découvert une contre-culture qui fut la source d’inspiration de leurs propres pratiques artistiques, les amenant à la réalisation de films. Inspirées par l’avènement d’un mouvement « underground » dans le cinéma dans d’autres parties du monde, elles se sont mises à faire des films qu’on ne voyait pas sur les écrans de leur propre ville. Adoptant le Super 8 non seulement parce que c’était un format léger et peu coûteux mais aussi parce qu’il était excitant au point de vue esthétique, Hirsch et Alemann furent à l’origine d’une intense période de correspondances artistiques au cours de laquelle elles se sont souvent assistées mutuellement (ainsi qu’elles ont aidé d’autres cinéastes plus jeunes) dans la réalisation de leurs projets cinématographiques respectifs. Leurs films, très personnels, sont uniques à nombreux égards dans le cinéma expérimental latino-américain des années 1970 et 1980. Les courts métrages repris dans ce programme ont été sélectionnés de manière à construire un dialogue entre des œuvres qui recèlent d’intrigantes affinités ainsi que d’évidentes différences.

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INCISIONS AND IMPRINTS #2 – 90’

Narcisa Hirsch en Marielouise Alemann werden beide in Duitsland geboren in de late jaren 1920. Ze zouden het grootse deel van hun leven in Argentinië doorbrengen. In het Buenos Aires van de jaren 1960 vonden ze een tegencultuur die hen inspireerde om een eigen artistieke praktijk aan te vangen, en uiteindelijk kwamen ze allebei bij film terecht. Geïnspireerd door berichten over een groeiende ‘underground’-filmbeweging in andere delen van de wereld begonnen ze het soort films te maken dat ze in hun stad niet te zien kregen. Hirsch en Alemann kozen voor super 8: omwille van het formaat goedkoop en draagbaar en stimulerend op esthetisch vlak. Ze vingen een intensieve artistieke uitwisseling aan waarbij zij elkaar – en jongere filmmakers – vaak assisteerden bij filmprojecten. Hun diep persoonlijke films zijn in veel opzichten uniek in de Latijns-Amerikaanse experimentele cinema van de jaren 1970 en 1980. De films in dit programma-onderdeel werden geselecteerd om een soort van dialoog te creëren tussen werken die fascinerende overeenkomsten vertonen maar evengoed veelzeggende verschillen.

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INCISIONS AND IMPRINTS #2 – 90’

Born just one year apart in late 1920s Germany, Narcisa Hirsch and Marielouise Alemann ended up spending the majority of their lives in Argentina. In 1960s Buenos Aires they eventually found a counter-culture that inspired them to take up their own artistic practice, eventually leading each to filmmaking. Inspired by reports of a growing ‘underground’ film movement in other parts of the world, they began to make the kind of cinema that they could not see on the movie screens of their city. Embracing Super 8 because it was not only cheap and portable but aesthetically galvanizing as well, Hirsch and Alemann initiated an intensive period of artistic exchange in which they frequently assisted each other (and younger filmmakers) with their individual filmmaking projects. Their deeply personal films are, in many ways, unique among Latin American experimental cinema of the 1970s and 1980s. The films in this programme were selected in order to construct a dialogue of sorts, across works with intriguing affinities and telling differences.

TRAVERSING SPACES : CLAUDIO CALDINI, JUAN VILLOLA, & JORGE HONIK

VENTANA [WINDOW]

93

INCISIONS AND IMPRINTS #3 – 62’

CLAUDIO CALDINI, ARGENTINA 1975 colour, 4’, Digital file, v : NO DIALOGUE

FILM GAUDI CLAUDIO CALDINI, ARGENTINA 1981 colour, 7’, Digital file, v : NO DIALOGUE

ZAT / SAM / SAT

21.10 / 20:30 PLATEAU

VADI-SAMVADI CLAUDIO CALDINI, ARGENTINA 1981 colour, 8’, Digital file, v : NO DIALOGUE

ALGO SOBRE LO MISMO UNA VEZ MAS JUAN VILLOLA, ARGENTINA 1974-1975 colour, 11’, Digital file, v : NO DIALOGUE

PASSACAGLIA Y FUGA

22.10 / 16:15

JORGE HONIK, ARGENTINA 1974

PLATEAU

colour, 20’, Digital file, v : NO DIALOGUE

ingeleid door / présenté par / introduced by

Federico Windhausen

GAMELAN CLAUDIO CALDINI, ARGENTINA 1981 b&w, 12’, Digital file, v : NO DIALOGUE

Dit programma richt zich op smalfilms die in de jaren 1970 en 1980 gemaakt werden door de drie jonge filmmakers Claudio Caldini, Jorge Honik en Juan Villola. Zij proberen vaak alledaagse ruimten te transformeren door middel van de formele relaties en perceptuele effecten die alleen film kan produceren. Of het nu gaat om genuanceerde montagepatronen, continue camerabeweging, dan wel ‘boventonale’ beeld-geluidclusters: de films genereren een cumulatieve intensiteit die diep geworteld lijkt in Caldini’s interesse voor muziek. Ook voor Jorge Honik is het alledaagse een belangrijk thema. Zijn doorkruisen, frame-by-frame, van een huiselijk interieur (in een montage van Caldini) wordt structureel complexer door het gebruik van Bach op de soundtrack. Met Juan Villola’s onlangs ontdekte kortfilm slaat de montage een andere richting in. De bewoners van een huis voeren een reeks ambigue acties uit die narratieve gebeurtenissen suggereren maar die suggestief en open blijven. Het programma eindigt met een performatieve film die Caldini maakte na zijn studies moderne dans in Brazilië. Hij toont hoe het lichamelijke en het geestelijke in Caldini’s filmpraktijk gecombineerd konden worden.

INCISIONS AND IMPRINTS #3 – 62’

ZON / DIM / SUN

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INCISIONS AND IMPRINTS #3 – 62’

Ce programme s’intéresse aux films tournés en Super 8 et 8 mm par trois jeunes cinéastes des années 1970 et 1980 : Claudio Caldini, Jorge Honik, et Juan Villola, qui ont cherché à sublimer les espaces du quotidien par des associations formelles et des effets de perception que seul le cinéma peut produire. Que ce soit par des motifs subtils de montages nuancés de formes, des mouvements de caméra continuels, ou des associations harmoniques entre l’image et le son, les films de Caldini produisent différentes intensités qui semblent puiser leur source dans son intérêt pour la musique. Le quotidien est aussi un thème majeur des films de Honik, dont l’exploration image par image d’un espace intérieur et domestique (pour un film ensuite monté par Caldini) se complexifie structurellement par l’utilisation de la musique de Bach.

Découvert récemment, le court métrage de Villola fait évoluer le montage dans une autre direction. Les habitants d’une maison y interprètent une série d’actions ambiguës qui évoquent des événements narratifs mais de manière flexible et ouverte. Le programme s’achève par un film-performance réalisé par Caldini après ses études de danse contemporaine au Brésil. Un film qui montre combien le physique et le spirituel se combinent dans sa pratique cinématographique.

This programme focuses on small-gauge films made in the 1970s and 80s by three young filmmakers, Claudio Caldini, Jorge Honik, and Juan Villola, who often seek to transform everyday spaces through formal relationships and perceptual effects that only the cinema can produce. Whether through his nuanced montage patterns, continuous camera movement, or overtonal image-sound clusters, Caldini’s films generate a cumulative intensity that seems deeply rooted in his musical interests. The quotidian is also a major theme for Jorge Honik, whose frame-by-frame traversal of a domestic interior (in a montage edited by Caldini) is rendered more structurally complex by his use of Bach on the soundtrack. Juan Villola’s recently-discovered short takes montage in another direction, as the inhabitants of a house perform as series of ambiguous actions that imply narrative events but in suggestively open-ended ways. The programme ends with a performative film Caldini made after studying modern dance in Brazil, and it demonstrates how the corporeal and the spiritual could be combined in his filmmaking practice.

A “COSMUNIST” MANIFESTO: FERNANDO BIRRI’S ORG ZON / DIM / SUN

22.10 / 13:00 LEDOUX ingeleid door / présenté par / introduced by

Federico Windhausen

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ORG FERNADO BIRRI, ITALY 1967-1978 colour, 178’, DCP, v : ITALIAN, sub : ENGLISH

Fernando Birri beschreef Org, opgedragen aan Wilhelm Reich, Che Guevara en Georges Melies, ooit als een experimentele film die ‘tegelijkertijd fantasmagorisch en concreet is.’ Birri’s film werd in slechts 59 dagen gedraaid maar raakte pas voltooid na een montageproces dat bijna elf jaar duurde. Org werd slechts zeer zelden getoond vóór de recente restauratie van de film door Arsenal in Berlijn. Je kan zeggen dat de film laat arriveerde, want in 1979 reageerde hij op belangrijke gebeurtenissen uit de late jaren 1960, zoals de dood van El Che, de opstanden van mei ‘68, en de eerste maanlanding. Zelfs het verhaal heeft iets anachronistisch, want de film is losjes gebaseerd op een vertelling uit de Kathasaritsagara, een collectie van Indiase verhalen uit de 11de eeuw. Toch is Birri’s film minder een verhaal dan wel een audiovisueel mozaïek dat conceptueel al even maximalistisch is als het, op ervaringsniveau, heterogeen is. Org is een uniek collage-epos dat experimentele film, Tercer Cine en arthouse auteurism samenbrengt om zo een unieke esthetische en ideologische hybride te vormen die de filmmaker kenschetst met een zelfverzonnen term: cosmunismo.

INCISIONS AND IMPRINTS #4 – 178’

INCISIONS AND IMPRINTS #4 – 178’

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INCISIONS AND IMPRINTS #4 – 178’

Fernando Birri décrit ce film dédié à Wilhelm Reich, Che Guevara et Georges Méliès, comme un film expérimental « tout à la fois fantasmagorique et concret ». Org a été tourné en 59 jours mais n’a été achevé qu’à l’issue de onze ans de montage. Rarement projeté avant qu’Arsenal (à Berlin) n’en fasse la restauration, c’est un film qu’on pourrait qualifier de « tardif », puisqu’il répond en 1979 à des événements clés qui eurent lieu fin des années 1960, tels que la mort du Che, les soulèvements de mai 68, et le premier pas de l’homme sur la Lune. Même dans sa narration le film est anachronique, librement inspiré d’une histoire du Kathasaritsagara, un recueil de contes indiens datant du XIe siècle. Mais ce film n’est pas tant une histoire narrative qu’une mosaïque audiovisuelle éclatée, maximaliste et hétérogène. Un collage épique qui associe cinéma expérimental, Tercer Cinema (mouvement protestataire dans le cinéma latino-américain des années 1960 et 1970) et « cinéma d’auteur », pour aboutir à un objet hybride, unique dans son approche esthétique et idéologique que le cinéaste a lui-même qualifiée d’un néologisme de son cru : cosmunismo.

Dedicated to Wilhelm Reich, Che Guevara, and Georges Méliès, Org has been described by its filmmaker as an experimental film that is “phantasmagoric and concrete at the same time.” Birri’s film was shot over only 59 days but completed after an editing process that lasted almost eleven years. Very rarely screened until its recent Arsenal restoration, Org is a film that could be said to have arrived late, responding by 1979 to key events of the late 1960s, such as the death of El Che, the May ‘68 uprisings, and the first moon landing. Even its narrative has an anachronistic quality, having been loosely based on a story from the Kathasaritsagara, an 11th century collection of Indian tales. But Birri’s film is less a story than an audiovisual mosaic that is as conceptually maximalist as it is experientially heterogeneous. A unique collage epic, Org brings together experimental film, Third Cinema, and arthouse auteurism to form a unique aesthetic and ideological hybrid that the filmmaker characterizes with a self-invented term: cosmunismo.

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INCISIONS AND IMPRINTS #5 – 58’ LIGHT YEARS: THE PHOTOCHEMICAL REVIVAL

MAA / LUN / MON

23.10 / 16:15 PLATEAU DIN / MAR / TUE

24.10 / 18:15 PLATEAU

BORN TO BE BLUE FEDERICO LANCHARES, ARGENTINA 2016

Federico Windhausen (23.10 / 16.15)

b&w + colour, 6’, Digital file, v : SPANISH, sub : ENGLISH

XELFER ERNESTO BACA, ARGENTINA 2016 b&w, 3’, Digital file, v: NO DIALOGUE

ESPECTRO SERGIO SUBERO, ARGENTINA 2010 colour, 9’, Digital file, v : NO DIALOGUE

TRIPLETE PLÁSTICO IGNACIO TAMARIT, ARGENTINA 2015 colour, 2’, 16mm, v : NO DIALOGUE

HORNADITAS JULIO FERMEPIN, ARGENTINA 2008 colour, 14’, Digital file, v : NO DIALOGUE

SP AZUCENA LOSANA, ARGENTINA - BRAZIL 2015 b&w, 3’, Digital file, v : NO DIALOGUE

FOTOOXIDACIÓN PABLO MAZZOLO, ARGENTINA 2013 colour, 13’, 16mm, v : NO DIALOGUE

LUX TAAL CLAUDIO CALDINI, ARGENTINA 2006-2009 colour, 8’, Digital file, v : NO DIALOGUE

INCISIONS AND IMPRINTS #5 – 58’

ingeleid door / présenté par / introduced by

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INCISIONS AND IMPRINTS #5 – 58’

Toen het in de nieuwe eeuw opnieuw mogelijk werd om in Buenos Aires smalfilm te ontwikkelen, volgde er een revival van Argentinië’s experimentele filmscène. Zoals dit programma laat zien, begonnen filmmakers uit Buenos Aires en elders zowel ter plekke als internationaal nieuwe films te vertonen die aansloten bij uiteenlopende tradities binnen de experimentele cinema maar die die tradities ook verderzetten en aan reflectie onderwierpen.

Super 8 in het bijzonder is een aantal gemeenschappelijk gedeelde waarden gaan belichamen zoals de langzame creatie van beelden (in tegenstelling tot de normen van videoproductie), een geduldigere en weloverwogenere omgang met eender welk visueel effect en eender welke visuele aanpassing, het werken met én tegen de capaciteiten en beperkingen van een welbepaalde technologie.

Eén positief effect van deze wending richting fotochemische film was dat de dialoog tussen jongere en oudere filmmakers werd uitgediept. Daarom werpt dit laatste programma – waarin lyrische landschappen, stedelijke portretten, abstracties gecreëerd vanuit fotorealistische beelden en complexe geluidsontwerpen samenkomen – een blik op de actuele situatie, terwijl ook het verleden van Argentinië’s filmcultuur aan bod komt.

La réouverture de laboratoires de développement pour les formats « amateurs » (Super 8 et 8 mm) à Buenos Aires au début des années 2000 a entraîné une renaissance du cinéma expérimental argentin. Comme ce programme le démontre, des cinéastes de Buenos Aires et d’ailleurs se sont mis à montrer, à domicile et à l’étranger, de nouveaux films qui s’inspirent, prolongent et repensent les différentes traditions du cinéma expérimental. Le Super 8 a permis d’incarner quelques-unes des valeurs qui lui sont propres : faire des films lentement (en opposition aux normes de la production vidéo), considérer chaque effet visuel et chaque modification d’une manière plus patiente et réfléchie, ou encore travailler avec (et contre) les capacités et les limites d’une technologie donnée. Un des effets positifs de ce retour aux procédés photochimiques a été l’approfondissement d’un dialogue entre de jeunes cinéastes et leurs aînés, dont cette séance porte la trace. Des études lyriques de paysages, des portraits urbains, des abstractions créées à partir d’images réalistes, ainsi que des bandes-sons complexes, font en effet le pont entre les productions contemporaines et le passé du cinéma expérimental argentin.

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INCISIONS AND IMPRINTS #5 – 58’

The return of small-gauge film developing to Buenos Aires in the new century was followed by a revival of Argentina’s experimental film scene. As this programme shows, filmmakers in Buenos Aires and elsewhere began to screen, locally and internationally, new films that take up, extend, and rethink various traditions within experimental cinema. Super 8 in particular has come to embody some commonly shared values: the value of making images slowly (in contrast to the norms of video production), of considering each visual effect and modification in a more patient and deliberate manner, and of working with and against the capacities and limitations of a given technology. One positive effect of this turn toward photochemical film has been the deepening of a dialogue between younger and older filmmakers, and hence this final programme – where lyrical landscapes, urban portraits, abstractions created from photorealistic imagery, and complex sound designs come together – looks at the contemporary moment while also pointing to the past of Argentina’s film culture.

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DISTRIBUTE AND CIRCULATE

WOMEN’S EXPERIMENTAL FILMMAKING IN BRITAIN

Curated by Charlotte Procter

Deze reeks brengt recente digitale restauraties samen van twee Britse verdelers van kunstenaarsfilms: LUX, voorheen London Film-makers’ Co-op (LFMC), en Cinenov, voorheen Circles. Ze plaatst werk in de kijker van verschillende vrouwelijke kunstenaars-filmmakers die in de jaren tachtig actief waren. 2016 markeerde de 50ste verjaardag van LFMC. De films werden onder andere gedigitaliseerd als onderdeel van een langetermijn-toegangsproject dat door LUX werd geïnitieerd om dat jubileum te markeren. Hoewel de meerderheid van de films in dit programma gemaakt werden in de jaren 1980 en later toont de bredere selectie een stuk LFMC-geschiedenis vanaf het midden van de jaren 1960 tot midden 1990. Circles Distribution werd opgericht in 1979 door een groep vrouwen die aangesloten waren bij LFMC waaronder de filmmakers Lis Rhodes, Tina Keane en Annabel Nicolson. De organisatie werd gevormd op het hoogtepunt van de vrouwenbevrijdingsbeweging in Groot-Brittannië met als doel door vrouwen gemaakte experimentele film en video te verdelen.

Circles, ontstaan vanuit een opkomend feministisch discours, verdedigde het werk van vrouwelijke filmakers binnen hun eigen ruimtes en contexten. Het programma begint met een belangrijke filmmaakster uit die periode: Sandra Lahire. Lahire was zowel die actief in LFMC als in Circles en haar betrokkenheid bij de radicale feministische politieke actie van die tijd stond centraal in haar innovatieve experimentele films. De twee andere programma’s brengen een eclectische verzameling films die vier decennia LFMC-geschiedenis bestrijkt en die zich afspeelt buiten de ‘structurele’ canon waarmee LFMC doorgaans geassocieerd wordt. Het zijn films die aansluiten bij de politieke, culturele en esthetische bewegingen die in de late jaren zeventig en tachtig opdoken. Terwijl het materiaal en de methode centraal blijven staan, openen deze werken zich voor andere interessegebieden en thema’s zoals performance, de huiselijke sfeer en de vrouwelijke stem.

Ces trois programmes rassemblent des restaurations numériques réalisées par deux distributeurs britanniques, LUX (ex-London Filmmakers Co-operative) et Cinenova (ex-Circles), et mettent en avant les films réalisés par différentes artistes et cinéastes actives dans les années 1980. Ces films, parmi d’autres, ont été numérisés dans le cadre d’un projet à long terme mis en œuvre par LUX à l’occasion du 50e anniversaire de la LFMC (London Filmmakers Co-operative) [2016]. Si la majorité des films repris dans ces trois programmes datent des années 1980, des films du milieu des années 1960 au milieu des années 1990 permettent cependant de replacer cette période dans l’histoire plus large du cinéma expérimental féminin de la LFMC. In partnership with

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Circles Distribution a été fondé en 1979 par un groupe de femmes affiliées à la LFMC, telles que les cinéastes Lis Rhodes, Tina Keane et Annabel Nicolson. L’organisation a été créée au paroxysme du mouvement de libération de la femme au Royaume-Uni, dans le but de distribuer des films et des vidéos réalisés par des femmes. Né d’un discours féministe émergent, Circles a défendu le travail de femmes cinéastes dans son propre réseau de lieux et d’associations. Ce programme débute par une des figures clés de cette période, Sandra Lahire. Cette artiste fut active tant à la LFMC qu’à Circles, et son implication dans les politiques féministes radicales de cette époque a profondément influencé les films expérimentaux et novateurs. Les deux autres programmes rassemblent une série éclectique de films qui parcourent quatre décennies de l’histoire de la LFMC loin du canon du « cinéma structurel » auquel elle est habituellement associée. Ces films se font l’écho des mouvements politiques, culturels et esthétiques de la fin des années 1970 et des années 1980.

Sans renoncer à s’intéresser au matériau filmique et aux processus, ils s’ouvrent à d’autres préoccupations telles que la performance, l’intime et la parole féminine.

This series brings together recent digital restorations from two UK artist’s moving image distributors, LUX (formerly the London Filmmakers Co-operative) and Cinenova (formerly Circles), highlighting work by several female artist-filmmakers who were active in the 1980s. 2016 marked the 50th anniversary of the LFMC and these films, amongst others, were digitised as part of a longterm access project initiated by LUX to mark this anniversary. Whilst the majority of films works included in the programme date from the 1980s, the broader selection references the LFMC’s history from the mid 1960s to the mid 1990s.

Circles Distribution was founded in 1979 by a group of women affiliated with the LFMC, which included filmmakers Lis Rhodes, Tina Keane and Annabel Nicolson. The organisation was formed at the height of the Women’s Liberation movement in Britain, with the aim of distributing experimental film and video made by women. Born out of an emerging feminist discourse, Circles championed the work of women filmmakers within their own spaces and contexts.

The programme begins with a key filmmaker of this period, Sandra Lahire. An artist active in both the LFMC and Circles, her involvement with the radical feminist politics of the time informed her innovative experimental films. The other two programmes bring together an eclectic collection of films that encompass four decades of LFMC’s history outside the ‘structural’ canon it’s usually associated with. These are films that echo the political, cultural and aesthetic movements that emerged in the late 1970s and 1980s. Whilst they remain concerned with material and process, these works open up to other preoccupations and themes such as performance, the domestic and the female voice.

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DISTRIBUTE AND CIRCULATE #1 – 76’ SANDRA LAHIRE VRIJ / VEN / FRI

20.10 / 16:15 PLATEAU ZAT / SAM / SAT

TERMINALS

21.10 / 18:15

SANDRA LAHIRE, UK 1985

PLATEAU

colour, 19’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

ingeleid door / présenté par / introduced by

Charlotte Procter

SERPENT RIVER SANDRA LAHIRE, UK 1989 colour, 31’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

LADY LAZARUS SANDRA LAHIRE, UK 1991 colour, 25’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

EERIE SANDRA LAHIRE, UK 1992

DISTRIBUTE AND CIRCULATE #1 – 76’

b&w, 1’, Digital file, v : SILENT

Sandra Lahire (1950-2001) was een centrale en inspirerende figuur in de experimentele feministische filmmakersbeweging die in de jaren 1980 in Groot-Brittannië ontstond. Lahire maakte gebruik van de optische printer van LFMC om 16 mm-films te maken die kwesties aankaartten rond het lichaam, feministische politiek, lesbische identiteit en de anti-nucleaire beweging. Haar werk omvat twee trilogieën: een reeks anti-nucleaire films die gemaakt werd in de jaren tachtig en, in de jaren negentig, Living on Air, een reeks die inzoomt op het leven en de poëzie van Sylvia Plath. Dit programma toont twee films van haar visueel meest verbluffend werk.

Serpent River, de laatste film in de Uranium trilogy, weeft mooie maar vaak gewelddadige beelden samen tot een experimentele documentaire over het riskante bestaan van een gemeenschap die in de schaduw van uraniummijnen leeft. En Lady Lazarus voegt opnames van Sylvia Plath, die haar eigen poëzie voorleest, samen met fragmenten uit een interview met haar tot een caleidoscoop van warme beelden.

Sandra Lahire (1950-2001) was a central and inspiring figure in the experimental feminist filmmaking movement that emerged in Britain during the 1980s. Lahire utilised the optical printer at the LFMC to make 16mm films that addressed issues around the body, feminist politics, lesbian identity and the anti-nuclear movement. Her work includes two trilogies: a series of anti-nuclear films made in the 1980s and Living on Air, focusing on the life and poetry of Sylvia Plath from the 1990s. This programme features two of Lahire’s most visually stunning films: Serpent River , the final film in the Uranium trilogy, which weaves beautiful but often violent images to create an experimental documentary about the hazardous existence of community living in the shadow of uranium mines, and Lady Lazarus, which brings together recordings of Sylvia Plath reading her own poetry and extracts from an interview with a kaleidoscope of rich images.

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DISTRIBUTE AND CIRCULATE #1 – 76’

Sandra Lahire (1950-2001) est une figure centrale du mouvement du cinéma expérimental féministe qui a émergé au Royaume-Uni au cours des années 1980.

Lahire a utilisé la tireuse optique de la LFMC pour ses films en 16 mm qui traitent de questions liées au corps, au féminisme, à l’identité lesbienne et au mouvement antinucléaire. Son œuvre comprend deux trilogies : Uranium Trilogy, une série de films au propos anti-nucléaire réalisés dans les années 1980, et Living on Air, qui s’intéresse à la vie et à l’œuvre de Sylvia Plath, et date des années 1990. Ce programme reprend deux de ses films les plus étonnants : Serpent River, dernier film de Uranium Trilogy, qui entrelace des images splendides mais parfois violentes dans un documentaire expérimental sur les dangers qui menacent les populations vivant à proximité des mines d’uranium, et Lady Lazarus, qui associe des enregistrements de Sylvia Plath – lisant ses propres poèmes ou se prêtant à un entretien – à un riche kaléidoscope d’images.

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DISTRIBUTE AND CIRCULATE #2 – 69’ SELF TO OTHER 1966-1987 VRIJ / VEN / FRI

20.10 / 20:30 PLATEAU

NOTHING IS SOMETHING ANNE REES-MOGG, UK 1966 colour, 10’, Digital file, v : SILENT

FOCII JEANETTE ILJON, UK 1974 colour , 5’, Digital file, v : SILENT

GUERILLERE TALKS VIVIENNE DICK, USA 1978 colour, 24’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

ZON / DIM / SUN

TEN COMMANDMENTS OF LOVE

22.10 / 20:30

CORDELIA SWANN, UK 1979

PLATEAU ingeleid door / présenté par / introduced by

Charlotte Procter

colour , 3’, Digital file, v : NO DIALOGUE

HEY MACK TINA KEANE, USA 1983 colour, 13’, Digital file, v : ENGLISH, sub : —

THE GARDEN OF EATING CAROLE ENAHARO, UK 1986 colour, 3’, Digital file, v : NO DIALOGUE

L’ANGE FRÉNÉTIQUE MARGARET JAILLER, UK 1986 colour, 4’, Digital file, v : NO DIALOGUE

LOOKING FOR THE MOON MOIRA SWEENEY, UK 1987

DISTRIBUTE AND CIRCULATE #2 – 69’

b&w, 7’, Digital file, v : SILENT

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Ce programme rassemble quelques-unes des figures moins connues de la LFMC (même si nombre d’entre elles y furent actives comme programmatrices ou dans la distribution). Il couvre la majeure partie de la période d’activité de la London Filmmakers Co-op. Les films – souvent réalisés en collaboration avec d’autres artistes – ont en commun une expérimentation parfois formellement abstraite du matériau, un jeu sur l’idée de performance, et une esthétique souvent clairement artisanale.

Featuring a number of less well-known LFMC figures (although many were active as LFMC Cinema programmers or worked in Distribution), this programme spans most of the London Filmmakers Co-op’s period of active production. The films - often made collaboratively with other artists and musicians - all share a material experimentation, sometimes abstract in form, playing with ideas of performance and often a distinctly handmade aesthetic.

DISTRIBUTE AND CIRCULATE #2 – 69’

Dit programma tootnt werk van een aantal minder bekende LFMC-figuren, hoewel velen onder hen actief waren als programmator bij LFMC Cinema of in de distributie-afdeling van de coöperatieve. Bijna de gehele actieve productieperiode van de London Filmmakers Co-op komt aan bod. De films – vaak in samen­werking met andere kunstenaars en musici gemaakt – experimenteren stuk voor stuk met de materiële filmdrager, zijn soms abstract qua vorm, spelen met ideeën rond performance en hebben vaak een duidelijk handgemaakte esthetische signatuur.

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DISTRIBUTE AND CIRCULATE #3 – 66’ RITUALS & INTERIORS DIN / MAR / TUE

24.10 / 19:00 LEDOUX

UNFOLDING ALIA SYED, UK 1987 b&w, 20’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

STABAT MATER NINA DANINO, UK 1990 colour, 8’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

DISTRIBUTE AND CIRCULATE #3 – 66’

MYSTERIES JUDITH NOBLE, UK 1982 colour , 6’, DCP, v : SILENT

CHAMELEON TANYA SYED, UK 1990 colour, 4’, DCP, v : NO DIALOGUE

TRACKS SUSAN STEIN, UK 1989 colour , 28’, DCP, v : ENGLISH, sub : —

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Een selectie films gemaakt door vrouwen die in de late jaren 1980 en begin jaren 1990 actief waren in de London Filmmakers Co-op.

De films in deze selectie zijn producten van een zich ontwikkelende feministische filmpraktijk. Ze vormen een reflectie op thema’s als gendered spaces, de vrouwelijke stem, representatie en exterieure/innerlijke landschappen. Het programma eindigt met Tracks van Susan Stein, een collagefilm die verschillende feministische theorieën uit die periode aansnijdt en die onderzoekt hoe kwesties rond ras, klas en geslacht aan elkaar gelinkt zijn.

A selection of films made by women who were active in the London Filmmakers Co-op in the late 1980s and early 1990s.

The films spring from a developing feminist film practice and this selection meditates on the themes of gendered spaces, the female voice, representation and exterior/interior landscapes. The programme ends with Tracks by Susan Stein, a collage film that addresses different feminist theories of the period and questions how issues of race, class and gender intersect.

DISTRIBUTE AND CIRCULATE #3 – 66’

Une sélection de films réalisés par des femmes qui furent actives à la London Filmmakers Co-op à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Ils sont issus d’une pratique cinématographique féministe émergente, et cette sélection s’intéresse à des questions liées à des espaces « genrés », à la parole féminine, à la représentation, et aux paysages extérieurs/intérieurs. La sélection s’achève avec Tracks, un film-collage de Susan Stein qui se penche sur différentes théories féministes de l’époque et interroge comment interfèrent les enjeux découlant de la couleur de la peau, de l’appartenance à une classe ou à un genre.

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TREASURES FROM KNOKKE

In 1949 ziet in de kleine badplaats Knokke een van de meest ambitieuze festivals voor experimentele film en de avant-garde het daglicht: EXPRMNTL, een initiatief van het Koninklijk Belgisch Filmarchief en zijn conservator Jacques Ledoux dat werd herhaald in 1958, 1963, 1967 en 1974, het jaar van de laatste editie van het festival.

Tijdens deze vijf edities heeft het Koninklijk Belgisch Filmarchief veel kopieën van films uit de verschillende programma’s verworven. Deze kopieën, waarvan sommige uniek zijn en de meeste zeldzaam, worden zorgvuldig bewaard in de depots van het filmarchief en verlaten ze zelden.

Het Âge d’Or-festval, dat een bescheiden maar even ambitieuze echo wil zijn van het mythische evenement dat EXPRMNTL was, leek ons de ideale plek om nieuw leven te geven aan deze films waarvan er sommige enigszins in de vergetelheid zijn geraakt.

Daarom zal het Koninklijk Belgisch Filmarchief de films die de verschillende edities van het festival in Knokke hebben gemarkeerd digitaal restaureren. Deze films zullen in optimale omstandigheden worden voorgesteld op de komende edities van het Âge d’Or-festival.

THE TREASURES FROM KNOKKE – 102’

EXPRMNTL 1963 : JAPANESE EXPERIMENTAL CINEMA REVIVAL

110

Un des festivals les plus ambitieux en matière de cinéma expérimental et d’avant-garde vit le jour en 1949 dans la petite cité balnéaire belge de Knokke. EXPRMNTL, une initiative de la Cinémathèque royale de Belgique et de son conservateur Jacques Ledoux, se répétera en 1958, 1963, 1967 et 1974.

Au cours de ces cinq éditions, la Cinémathèque royale de Belgique a fait l’acquisition de nombreuses copies de films montrés dans les différents programmes. Ces copies, uniques pour certaines, rares pour la plupart, ont été soigneusement conservées dans les dépôts de la Cinémathèque dont elles ne sont que rarement sorties.

L’Âge d’Or Festival, qui se veut l’écho humble mais tout aussi ambitieux du mythique EXPRMNTL, nous a semblé le lieu idéal pour redonner vie à ces films, pour certains quelque peu tombés dans l’oubli.

TREASURES FROM KNOKKE – 102’

C’est pourquoi le Cinémathèque royale de Belgique compte réaliser des restaurations numériques des films qui ont marqué les différentes éditions du festival de Knokke, et vous les présenter dans des conditions optimales au cours des éditions à venir de L’Âge d’Or Festival.

In 1949, in the small seaside town of Knokke, on the initiative of the Royal Belgian Film Archive and it’s director Jacques Ledoux, one of the most ambitious festivals of experimental film and avantgarde is born: EXPRMNTL, which was repeated in 1958, 1963, 1967 and 1974, the date of the last edition of the festival.

During these five editions, the Royal Belgian Film archive acquired many prints of films shown in the different programmes. These prints, some of which are unique and rare, have been carefully preserved in the depots of the film archive, that they rarely leave.

The Âge d’Or-festival, which wants to be a humble but equally ambitious echo of the mythical event that EXPRMNTL was, seemed to us the ideal place to give new life to these films of which some have somewhat fallen into oblivion.

That is why the Royal Belgian Film Archive intends to make digital restorations of the films that have marked the different editions of the Knokke festival, and present them in optimal conditions during the upcoming editions of the Âge d’Or festival.

EXPRMNTL 1963 : JAPANESE EXPERIMENTAL CINEMA REVIVAL DIN / MAR / TUE

24.10 / 17:00 LEDOUX

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MON-YO: ORNAMENTAL MOTIFS FROM JAPAN

NAOYA YOSHIDA, JAPAN 1962 b&w, 23’, DCP, v : NO DIALOGUE

WAR GAMES DONALD RICHIE, JAPAN 1962 b&w, 22’, DCP, v : NO DIALOGUE

THE SAND YOICHI TAKABAYASHI, JAPAN 1963 b&w, 26’, DCP, v : NO DIALOGUE

ONAN TAKAHIKO IIMURA, JAPAN 1963 b&w, 7’, DCP, v : NO DIALOGUE

AN EATER KAZUTOMO FUJINO & NOBUHIKO OBAYASHI, JAPAN 1963

b&w, 24’, DCP, v : NO DIALOGUE

Tijdens de EXPRMNTL festivaleditie van 1963 van kwamen zeven van de 107 geselecteerde films uit Japan en ze maakten een sterke indruk. Ze waren het levende bewijs dat de Japanse experimentele film een nieuwe opleving kende na het verval in het begin van de Tweede Wereldoorlog.

Op initiatief van Hans de Wolf, professor aan de VUB (Vrije Universiteit Brussel), zijn vijf van deze films digitaal gerestaureerd door het Koninklijk Belgisch Filmarchief.

Lors de l’édition 1963 du festival EXPRMNTL, sept des 107 films sélectionnés provenaient du Japon et ont fait forte impression, démontrant que le cinéma expérimental japonais connaissait un nouvel essor, après son déclin au début de la Seconde Guerre mondiale. À l’initiative de Hans de Wolf, professeur à la VUB (Vrije Universiteit Brussel), cinq de ces films ont fait l’objet d’une restauration numérique par la Cinémathèque royale de Belgique.

During the 1963 edition of the EXPRMNTL festival, seven of the 107 films selected came from Japan and they made a strong impression, demonstrating that Japanese experimental cinema was experiencing a revival following its decline at the beginning of the Second World War. At the initiative of Hans de Wolf, professor at the VUB (Vrije Universiteit Brussel), five of these films have been digitally restored by Belgian royal film archive.

TREASURES FROM KNOKKE – 102’

TREASURES FROM KNOKKE – 102’

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EXPRMNTL FOR KIDS

EN FRANÇAIS / IN HET FRANS / IN FRENCH

à partir de 8 ans

C’est parmi le large éventail de courts métrages présents à L’ÂGE D’OR FESTIVAL 2017, que nous avons fouiné afin d’épingler quelques chefs d’œuvre « kids friendly ».

Loin de l’idée que le cinéma expérimental soit l’apanage d’une poignée d’initiés, les ateliers EXPRMNTL FOR KIDS préfèrent mettre en avant le côté ludique de cette démarche cinématographique.

Aborder le cinéma expérimental, c’est aussi développer une relation de jeu avec la création cinématographique de manière décomplexée, libre, en dehors des normes ‘habituelles’ de réalisation que les enfants ne possèdent pas nécessairement.

EXPRMNTL FOR KIDS propose une forme enthousiaste et personnelle d’entrer en relation avec la création cinématographique, dans laquelle on privilégie la sensation tout en accédant à des questions de fond sur le cinéma.

€ 8 / jour (13:00 > 16:00) INFOS & RÉSERVATIONS : jeni.reghem@cinematek.be 02 551 19 49

FORETES

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EXPERMNTL FOR KIDS #1

MARGAUX DAUBY, BELGIUM - PORTUGAL 2017 colour, 12’, DCP, v : NO DIALOGUE

SAM

21.10 / 13h > 16h CINEMATEK VIEWING SPACE

¡ PÍFIES !

IGNACIO TAMARIT, ARGENTINA 2016 colour, 4’, 16mm, v : NO DIALOGUE

IMAGES EN JEU

ATELIER

EN FRANÇAIS / IN HET FRANS / IN FRENCH à partir de 8 ans

Jeu d’acteur, scène de jeu, jeu d’optique, jeu d’images… Cette programmation nous poussera à jouer avec les images comme avec un jeu de carte où le « grand manipulateur » aka le cinéaste, agencera ensemble, interviendra sur, et organisera les images entre elles pour composer des historiettes débridées !

EXPERMNTL FOR KIDS #2

PALMERSTON BLD DAN BROWNE, CANADA 2017 colour, 14’, Digital file, v : SILENT

22.10 / 13h > 16h CINEMATEK VIEWING SPACE

A WINDOW IS A MIRROR IS A WINDOW PETER ROEHSLER, AUSTRIA 2015 colour, 2’, DCP, v : NO DIALOGUE

CADRE, CADRÉ, CADRER

ATELIER

EN FRANÇAIS / IN HET FRANS / IN FRENCH à partir de 8 ans

Le cadre : une salle à manger. Un autre cadre: la fenêtre, le miroir…

Passer d’un cadre fixe à une image que l’on crée et que l’on enfermerait dans une boîte pour qu’elle s’y déploie, selon son rythme.

Faire passer une sensation, une idée à l’aide de la mise en scène d’un tout petit univers.

EXPRMNTL FOR KIDS

DIM

DON/JEU/THU

VRIJ/VEN/FRI

19.10

Plateau

Ledoux

21.10

Plateau

11:00 / 13:00

Ledoux

ZAT/SAM/SAT

20.10

Ledoux

Plateau

11:00 Johan Grimonprez #1

13:00 EXPRMNTL FOR KIDS #1

15:00

70’ p.58

11:00 MASTERCLASS Johan Grimonprez

15:00 Incisions & Imprints #2 Un cine compartido

11h > 17h p.56

90’ p.88

+ GUEST 16:15

16:15 Distribute & Circulate #1 Sandra Lahire

13h > 16h p.109

16:15 Johan Grimonprez #2 66’ p.60

76’ p.100

17:00

SPECIAL EVENT 17:00

17:00 COMPETITION #1

COMPETITION #3

67’ p.24

53’ p.29

18:15 Distribute & Circulate #1 Sandra Lahire

18:15

18:15 Antoinette Zwirchmayr #1

19:00

67’ p.70

OPENING NIGHT 19:00 José Rodríguez Soltero

76’ p.100

19:00 COMPETITION #2

19:00 COMPETITION #4

49’ p.26

56’ p.32

20:30

60’ p.06

20:30 Distribute & Circulate #2 Self to other

20:00 COCKTAIL

20:30 Incisions & Imprints #3 Traversing Spaces 62’ p.91

21:00

69’ p.102

LIVE SOUNDTRACK 21:00 Frans Zwartjes : Home Sweet Home

21:00 Incisions & Imprints #1 Horacio Vallereggio’s Open Cinema

70’ p.09

90’ p.86

Plateau

Ledoux

DON/JEU/THU

19.10

Ledoux

21:00 Antoinette Zwirchmayr #2 51’ p.73

Plateau

VRIJ/VEN/FRI

20.10

Ledoux

Plateau

ZAT/SAM/SAT

21.10

ZON/DIM/SUN

MAA/LUN/MON

22.10

Ledoux

Plateau

178’ p.93

Ledoux

Plateau

24.10

Ledoux

Plateau 11:00 / 13:00

13:00 Incisions & Imprints #4 A “Cosmunist” Manifesto

DIN/MAR/TUE

23.10

13:00 EXPRMNTL FOR KIDS #2 13h > 16h p.109

15:00 George T. Nierenberg #1

15:00

15:00 COMPETITION #9 84’ p.50

100’ p.78

16:15 Incisions & Imprints #5 Light Years

16:15 Johan Grimonprez #5

62’ p.91

58’ p.95

97’ p.66

64’ p.36

Johan Grimonprez #4

17:00 TREASURES FROM KNOKKE

83’ p.64

102’ p.106

17:00

17:00

17:00 COMPETITION #5

18:15

Johan Grimonprez #2

Johan Grimonprez #5

18:15 Incisions & Imprints #5 Light Years

66’ p.60

97’ p.66

58’ p.95

56’ p.39

66’ p.42

19:00 Distribute & Circulate #3 Rituals & Interiors

19:00

19:00 COMPETITION #7

18:15

18:15

19:00 COMPETITION #6

16:15

16:15 Incisions & Imprints #3 Traversing Spaces

66’ p.104

20:30 Distribute & Circulate #2 Self to other

67’ p.70

69’ p.102

21:00 CLOSING NIGHT George T. Nierenberg #2

21:00 COMPETITION #8

Johan Grimonprez #3

72’ p.46

56’ p.62

21:00

21:00

20:30

20:30 Antoinette Zwirchmayr #1

86’ p.14 + 80

Ledoux

Plateau

ZON/DIM/SUN

22.10

Ledoux

Plateau

MAA/LUN/MON

23.10

Plateau

Ledoux

DIN/MAR/TUE

24.10

116

FILMMAKERS

AHNELT Josephine AKINGBADE Ayo ALEMANN Marielouise ANTADZE Misho BACA Ernesto BASU Prantik BIRRI Fernando BROWNE Dan CALDINI Claudio COSTA Ico CURNIER JARDIN Pauline DANINO Nina DAS FADAS Silvia DAUBY Margaux DE LABORDE Manuela DELGADO Samuel DE LAS HERRAS Victor DICK Vivienne EDMONDS James ENAHARO Carole EVERSON Kevin Jerome FERMEPIN Julio FUJINO Kazutomo GARY Ja’Tovia

FILMMAKERS

GIRÓN Helena GOEL Shumona GOTTHEIM Larry GRIMONPREZ Johan HAUT Bea

ROEHSLER Peter

HÉRÉTAKIS Daphné

RUSSELL Ben

HIRSCH Narcisa

SALMON Margaret

HONIK Jorge

SAVIRÓN Mónica

HOOLBOOM Mike

SCHTINTER Stanley

IIMURA Takahiko

SOLTERO José Rodríguez

ILJON Jeanette

STEIN Susan

JAILLER Margaret

SUBERO Sergio

JOHN Rosa

SWANN Cordelia

KÄMMERER Björn

SWEENEY Moira

KEANE Tina

SYED Alia

LAHIRE Sandra

SYED Tanya

LANCHARES Federico

TAKABAYASHI Yoichi

LENZ Jannis

TAMARIT Ignacio

LERTXUNDI Laida

TESPRATEEP Mont

LOSANA Azucena

THIVOLLE Lo

MATEUS Marta

VALLEREGGIO Horacio

MAURER Dora

VALLURI Gautam

MAZZOLO Pablo

VAN RIEL Els

McCAFFREY Brigid

VILLOLA Juan

NIERENBERG George T.

VOM GRÖLLER Friedl

NOBLE Judith

YOSHIDA Naoya

OBAYASHI Nobuhiko

ZWARTJES Frans

PIRKER Sasha

ZWIRCHMAYR Antoinette

117

HEREDIA Shai

REES-MOGG Anne RESTREPO Camilo REYES Chloe RICHIE Donald

FILMMAKERS

QUIVORON Lola

118

CINEMATEK THANKS ITS PARTNERS FOR THEIR SUPPORT

IN CHARGE OF PROGRAMME Olivier Dekegel

COMMUNICATION Johan Vreys

ASSISTED BY Philippe Delvosalle

PRESS Emmanuelle De Schrevel

CURATORS Olivier Dekegel, Philippe Delvosalle, Céline Brouwez, Mieriën Coppens, Jeni Reghem

GRAPHIC DESIGN Patrice Deweer HEAD OF AUDITORIUM Hilde Delabie

GUEST CURATORS Johan Grimonprez, Daan Milius, Charlotte Procter, Federico Windhausen, Antoinette Zwirchmayr, Simona Monizza, Anna Abrahams

PROJECTIONISTS Antoine Chambre, Bernard Beets, Cristian Ionescu, Francois Ers, Jaâber Gsir, Yves Verly

ORGANIZATION YOUNG JURY Freddy Malonda, Bart Versteirt

TRANSLATIONS Luc Joris, Isabelle Grynberg

INTERN Theodor Frisorger

PROOFREADING Hilde Delabie, Anthony Blampied, Micha Pletinckx, Jean-Charles Tatum Jr.

VERY SPECIAL THANKS Marcos Ortega Miranda, Tomas Dotta, Shai Heredia, Anouk De Clercq, Daan Milius

SPECIAL THANKS TO… All the employees of CINEMATEK & all the filmmakers and guests of the festival.

CINEMATEK Baron Horta 9, 1000 Brussels 02 551 19 19 - www.cinematek.be

TICKETS Screening € 4 € 2 + CINEMATEK cards: annual or threemonthly season-ticket, students

ÂGE D’OR PASS € 40 € 20 + CINEMATEK cards

PLEASE NOTE: SEATS ARE LIMITED Ledoux screening room: 117 seats Plateau screening room: 29 seats So don’t wait too long!

BUY AT THE BOX OFFICE Baron Horta 9, 1000 Brussels BOOK ONLINE www.agedorfestival.be A print-out of your (mailed) order applies as a ticket, to be shown when entering the screening room (no need to queue at the box office).

RESERVE BY PHONE 02 551 19 19 Reachable Mon-Fri from 09:30 ; Sat-Sun from 14:30.

Telephone reservations only possible for screenings on the day itself (and for the weekend on Fridays).

Please note: reservations have to be claimed at the box office at least 15 minutes before the screening; unclaimed reservations are cancelled 15 minutes before the screening.

OPENING HOURS DURING THE FESTIVAL One hour before the first screening.

DON’T SHOW UP AT THE LAST MINUTE. Queuing may take some time.

The screening rooms open 15 minutes before the start of a screening.

Entrance is no longer possible once the screening has started. CINEMATEK closes once the last screening has ended.

www.agedorfestival.be