Age d'or festival 2015 by CINEMATEK

FESTIVAL

03.10—10.10—2015

L’Â GE D’ OR

L’ÂGE D’OR PRIZE

INTRODUCTION TO…

Saul Levine Guy Sherwin Rose Lowder Tonino Debernardi Rebecca Baron Hans Scheugl

TÉO HERNANDEZ

& MétroBarbesRochechou’Art

WARREN SONBERT

ANNE CHARLOTTE ROBERTSON

HOMAGE TO RENÉ VAUTIER

SPECIAL SCREENINGS

Het festival wil film vooral in heel zijn diversiteit onderzoeken, zonder zich vast te pinnen op één specifiek formaat. En dus bieden we u ook een retrospectieve met films van Warren Sonbert; een eerbetoon aan de grote documentairemaker René Vautier, die onlangs overleed; de restauratie van het filmdagboek van Adolfas Mekas, dat hij draaide bij zijn terugkeer naar Litouwen in 1972; of een poëtische en subjectieve benadering van de Begijnhofwijk in Brussel, getekend Boris Lehman. Daarnaast zijn er 26 nieuwe films die nooit in Brussel werden getoond en die dit jaar in competitie gaan, ongeacht duur, genre of formaat. De l’Âge d’Or-prijs, ter waarde van 5000 euro, zal overhandigd worden aan de regisseur van een van die films. Tenslotte is het festival verheugd dit jaar opnieuw tal van gasten te mogen ontvangen, waaronder juryvoorzitter Saul Levine; Guy Sherwin, die twee performances brengt, inclusief een sessie voor kinderen, en veel films; Jon Gartenberg, die het werk van Warren Sonbert komt presenteren – maar evengoed Rebecca Baron, Rose Lowder, Tonino Debernardi en Hans Scheugl. Mauricio Hernandez en Michel Nedjar laten ons de films Téo Hernandez ontdekken. Moïra Vautier toont het werk van haar vader. Een gedurfde en enthousiaste programmering die u hopelijk zal verrassen en het verlangen zal wekken om – meer en meer – de onuitputtelijke rijkdommen van film te ontdekken.

EDITO

Dit jaar, namelijk 2015, het jaar waarin de 50ste verjaardag van Super 8 wordt gevierd en de tweede editie van het festival, heeft het L’Âge d’Or-festival ervoor gekozen om hulde te brengen aan het werk van de ferventste voorvechters van dit te vaak misprezen en als amateuristisch beschouwd formaat. Een formaat dat nochtans het terrein is geweest, en soms nog steeds is, van innovatieve filmische experimenten, met het soort beperkingen dat het tot een specifiek medium maken. Zo nodigen we u uit de caleidoscopische visioenen van Saul Levine te ontdekken; de flitsen van Téo Hernandez; een selectie uit het filmdagboek van Anne Charlotte Robertson; de droomfantasieën van Tonino Debernardi; of de ‘beeld-boeketten’ van Rose Lowder. Een gevarieerd aanbod dat u een (niet-exhaustief) overzicht brengt van verschillende benaderingen, elk van hen uniek, van een formaat dat lang het toegankelijkste, het lichtste en het goedkoopste van alle formaten was.

En cette année 2015 où l’on célèbre le 50e anniversaire du Super 8, L’Âge d’Or Festival a choisi de rendre hommage, pour sa deuxième édition, à l’œuvre de quelques-uns des plus ardents défenseurs de ce format trop souvent dénigré et considéré comme amateur. Un format qui aura pourtant été – et reste aujourd’hui encore – l’outil d’expérimentations cinématographiques innovantes, riche des contraintes que lui seul pouvait engendrer. Ainsi, nous vous proposons de découvrir les visions kaléidoscopiques de Saul Levine ; les fulgurances de Téo Hernandez ; une sélection du journal filmé d’Anne Charlotte Robertson ; les fantasmes oniriques de Tonino Debernardi ; ou encore les « bouquets d’images » de Rose Lowder. Une sélection variée qui vous donnera un aperçu des différentes approches, toutes singulières, d’un format qui fut longtemps le plus accessible, le plus léger et le moins onéreux d’entre tous. Le festival, souhaitant avant tout questionner le cinéma dans sa diversité, sans se cantonner dans les limites d’un format précis, proposera également une rétrospective des films de Warren Sonbert ; un hommage au grand documentariste René Vautier, récemment disparu ; la restauration du journal filmé par Adolfas Mekas lors de son retour en Lituanie en 1971 ; ou encore une approche poétique et subjective du quartier bruxellois du Béguinage signée Boris Lehman. De plus, 26 films récents et jamais montrés à Bruxelles, sans distinction de durée, de genre ou de format, participent cette année à la compétition. Le prix de l’Âge d’Or, d’une valeur de 5000 €, sera décerné au réalisateur de l’un d’eux. Enfin, le festival aura cette année encore le plaisir d’accueillir de nombreux invités, dont Saul Levine (président du jury), Guy Sherwin (qui proposera deux performances, dont une pour enfants, et de nombreux films), Jon Gartenberg (qui présentera l’œuvre de Warren Sonbert), ainsi que Rebecca Baron, Rose Lowder, Tonino Debernardi, Hans Scheugl, Mauricio Hernandez et Michel Nedjar (qui présenteront les films de Téo Hernandez) et Moïra Vautier (la fille de René Vautier, qui présentera l’œuvre de son père). Une programmation audacieuse et enthousiaste, qui, nous l’espérons, ne manquera pas de surprendre et de susciter le désir d’explorer, toujours plus, les inépuisables ressources du langage cinématographique.

Above all, the festival wishes to question cinema in all its diversity, without confining itself to a specific format. And so we also offer a retrospective of films by Warren Sonbert; a tribute to the great documentary filmmaker René Vautier, who passed away recently; the restoration of Adolfas Mekas’s filmed diary, made upon his returning to Lithuania in 1972; or Boris Lehman’s poetic and subjective approach to the Béguinage quarter in Brussels. In addition, there are 26 recent films, never shown in Brussels, participating in the competition this year – regardless of duration, genre or format. The L’Âge d’Or Prize, worth 5000 euros, will be handed to the director of one of these films. Finally, this year the festival has again the pleasure of welcoming many guests, including Saul Levine, foreman of the jury; Guy Sherwin, with two performances, including one for children, and many films; Jon Gartenberg who will present the work of Warren Sonbert, as well as Rebecca Baron, Rose Lowder, Tonino Debernardi and Hans Scheugl. Mauricio Hernandez and Michel Nedjar let us discover the films of Téo Hernandez. Moïra Vautier shows her father’s work. A bold and enthusiastic programme, which hopefully will not fail to surprise us and to arouse the desire to explore the inexhaustible resources of film – more and more.

2015 celebrates the 50th anniversary of Super 8 and so for its second edition, the Âge d’Or festival has chosen to pay homage to the work of the fiercest advocates of this format, too often denigrated and considered ‘amateur’. A format however that has been, and sometimes still is, the terrain of innovative cinematic experiments, full of the constraints that only it can create. And so we propose to discover Saul Levin’s kaleidoscopic visions; Téo Hernandez’ flashes; a selection from Anne Charlotte Robertson’s film diary; Tonino Debernardi’s dreamlike fantasies; and Rose Lowder’s ‘image bouquets’. A varied selection that will give you a (non-exhaustive) overview of different approaches – all singular – to a format that for a long time was the most accessible, the lightest and the cheapest of them all.

L’Âge d’or Prize

1640 / Pablo Marin, Argentina 2013 – 3’ 27.12.2013 St. Louis Sénégal / Friedl vom Gröller, Austria 2014 – 3’ Beep / Kim Kyung-man, South Korea 2014 – 10’ Dear John / Hans Scheugl, Austria 2014 – 42’ Depositions / Luke Fowler, UK 2014 – 25’ Detour de Force / Rebecca Baron, USA 2014 – 29’ Endless, Nameless / Pathompon Mont Tesprateep, Thailand 2014 – 23’ Entr’acte / Lawrence Jordan, USA 2013 – 3’ Film Diary / Daniel A. Swarthnas, Sweden 2014 – 10’ Foryannfromrose / Rose Lowder, France 2014 – 3’ Gibraltar / Margaret Salmon, UK 2013 – 18’ Hornaditas / Julio Fermepin, Argentina 2014 – 19’ Jour et nuit – Delle donne e degli uomini perduti / Tonino Debernardi, Italy 2014 – 110’ Masanao Abe – Cloudgraphy / Helmut Völter, Germany 2015 – 6’ Not Far at All / Peter Gidal, UK 2013 – 15’ Optical Sound / Elke Groen & Christian Neubacher, Austria 2014 – 12’ Orchard Street / Ken Jacobs, USA 1955-2014 – 27’ Prospector / Talena Sanders, USA 2015 – 13’ The Reagan Shorts / Pacho Velez, USA 2014 – 10’ Room Window Sea Sky / Peter Todd, UK 2014 – 3’ Sakura, Sakura / Ute Aurand, Germany 2014 – 3’ Shadowland / John Skoog, Sweden 2014 – 15’ Things / Ben Rivers, UK 2014 – 20’ Time and the Wave / William Raban, UK 2013 – 15’ Untitled Film 2015 / Claudio Caldini, Argentina 2015 – 5’ Yonder / Jessica Bardsley, USA 2014 – 8’

FILMS IN COMPETITION

JURY Saul Levine Voorziter van de jury / Président du jury / President of the jury Saul Levine (USA, 1943), filmmaker, filmprogrammeur en docent aan het Massachusetts College of Art and Design in Boston, is ongetwijfeld een van de vurigste verdedigers van de experimentele en avant-gardecinema. Levine is auteur van bijna 100 films, de meeste gedraaid in Super 8 mm. Door zijn onvermoeibare verlangen om onafhankelijke film te verdedigen heeft deze ‘dissident van de Amerikaanse cinema’ (P. Adams Sitney) een massa jonge filmmakers beïnvloed. Cinéaste, programmateur de films et enseignant au Massachusetts College of Art and Design de Boston, Saul Levine (USA, 1943) est sans conteste l’un des plus fervents défenseurs du cinéma expérimental et d’avant-garde. Auteur de près de 100 films, pour la plupart en Super 8mm, ce « dissident du cinéma américain » (P. Adams Sitney) aura, par son inlassable volonté de défendre l’indépendance en cinéma, influencé quantité de jeunes cinéastes. Saul Levine (USA, 1943), filmmaker, film programmer and teacher at the Massachusetts College of Art and Design in Boston, is undoubtedly one of the strongest advocates of experimental and avant-garde cinema. Levine is the author of nearly 100 films, mostly shot in Super 8 mm. Through his untiring desire to defend independence in cinema, this ‘dissident of American cinema’ (P. Adams Sitney) has influenced many young filmmakers.

Marcos Ortega Miranda Marcos Ortega Miranda (Spanje, 1973) is redacteur van de website/hub Experimental Cinema (expcinema.org), een van de eerste Spaanstalige blogs die zich richt op experimentele en avant-gardefilms, wereldwijd een belangrijke bron voor nieuws en meningen over kunstenaarsfilms. Ortega is een productief auteur van artikels en recensies en ook mederedacteur van de sectie ‘Fugas’ van het Spaanse onlinemagazine Blogs & Docs. Marcos Ortega Miranda (Espagne, 1973), est le concepteur et l’éditeur du site web Experimental Cinema (expcinema.org), un des sites les plus importants consacrés au cinéma expérimental et d’avant-garde, et l’une des ressources les plus fournies en actualités et débats sur le cinéma d’essai. Grand connaisseur de ce cinéma, Ortega est l’auteur de nombreux articles et textes sur le sujet. Il s’est également occupé de la rubrique intitulée Fugas (« Fugues ») pour le webzine Blogs & Docs. Marcos Ortega Miranda (Spain, 1973), is the editor of the website / hub Experimental Cinema (expcinema.org), one of the first Spanish language blogs to focus on experimental and avant-garde films, and a major global resource for news and opinion on artists’ filmmaking. A prolific article writer and reviewer, he also co-edited the ‘Fugas’ section for the Spanish online magazine Blogs & Docs.

JURY Helena Kritis Helena Kritis (België, 1981) programmeert cinema, video en visuele kunsten in de Beursschouwburg (Brussel). Terwijl ze het Documentair FilmPlatform ZONE coördineerde (een festival voor documentaire film georganiseerd door MuHKA, Buda Kortrijk en Filmplateau Gent), begeleidde ze de Brusselse kunstenares Els Opsomer tijdens de Biënnale van Istanbul van 2007. Alvorens toe te treden tot de Beursschouwburg in 2008, is ze programmatie- en productie-assistente geweest voor MuHKA_media (ondertussen Cinema Zuid). Helena Kritis is ook een actief lid van de raden van bestuur van het festival Courtisane, van Objectif Exhibitions in Antwerpen (een ruimte voor hedendaagse kunst in Antwerpen), en van SPIN (een steun- en onderzoeksplatform beheerd door kunstenaars). Helena Kritis (Belgique, 1981) programme le cinéma, la vidéo et les arts visuels au Beurs schouwburg (Bruxelles). Alors qu’elle coordonnait la Documentair FilmPlatform ZONE (un festival de cinéma documentaire organisé avec le MuHKA, Buda Kortrijk et Filmplateau Gent), elle a assisté l’artiste bruxelloise Els Opsomer lors de la Biennale d’Istanbul de 2007. Avant de rejoindre le Beursschouwburg en 2008, elle a été assistante de programmation et de production pour MuHKA_media (devenu entre-temps Cinema Zuid). Helena Kritis est aussi membre actif des conseils d’administration du festival Courtisane, d’Objectif Exhibitions (un espace d’art contemporain à Anvers) et de SPIN (une plate-forme de soutien et de recherche gérée par des artistes). Helena Kritis (Belgium, 1981) is currently a film, video and visual arts programmer at Beursschouwburg in Brussels. While coordinating the Documentair FilmPlatform ZONE (a documentary film festival in collaboration with MuHKA, Buda Kortrijk and Filmplateau Gent) she assisted the Brussels-based artist Els Opsomer during her participation at the 2007 Istanbul Biennial. Before joining Beursschouwburg in 2008 she was a curatorial and production assistant at MuHKA_media (now Cinema Zuid). Helena Kritis is also an active board member of the Courtisane film festival, Objectif Exhibitions (an Antwerp-based space for contemporary art practices) and SPIN (an artist-run support and research platform).

L’Âge d’Or Prize 1

The Reagan Shorts

ZON/DIM/SUN

colour, 10’, DCP, V : ENG, sub : –

Pacho Velez, USA 2014

04.10/17:00 LEDOUX

Drie kortfilms met archiefbeelden uit de tijd van Ronald Reagans presidentschap, waarmee Pacho Velez de haperingen van de propaganda toont: ceremonies, voorstellingen en interviews van Mr. en Mrs. Reagan die niet volgens plan verliepen. Trois courts métrages à partir d’images d’archives du couple Nancy et Ronald Reagan pendant les mandats présidentiels de ce dernier, juxtaposés dans le but de mettre à nu les dysfonctionnements d’une forme de « propagande » : cérémonies, présentations et interviews qui ne se déroulent pas comme prévu. Three short films made of archive footage of Ronald Reagan’s presidency, put together by filmmaker Pacho Velez in order to point out ‘propaganda’ malfunctions: ceremonies, presentations and interviews of the Reagan couple that don’t go as planned.

Beep Kim Kyung-man, South Korea 2014 colour, 10’, DCP, V : KOR, sub : ENG

L’Âge d’Or Prize 1

Beep bestaat uit anticommunistisch filmmateriaal van de jaren 60 tot de jaren 80. Kyungman Kim gebruikt diverse nieuwsfilms, archiefbeelden en ensceneringen die werden besteld of geproduceerd door nationale instellingen in Zuid-Korea. Het belangrijkste geluidselement van Beep komt uit educatief materiaal gepubliceerd door Zuid-Korea’s Ministerie van Opvoeding en Cultuur, dat het verhaal van Lee Seung-bok moest verspreiden, een Zuid-Koreaans kind dat werd vermoord door Noord-Koreaanse soldaten. Actualités, images d’archive et dramatisations à caractère anti-communiste, des années 1960 aux années 1980, commanditées et produites par des institutions nationales en Corée du Sud. Les principaux éléments sonores du film proviennent de matériaux publiés par le ministère de l’Éducation et de la Culture pour répandre l’histoire de Lee Seung-bok, un enfant assassiné par des soldats nord-coréens.

Beep consists of anti-communist film footage from the 60s through to the 80s. Kyungman Kim uses various newsreels, archival footage and dramatizations that were all commissioned and produced by national institutions in South Korea. The main sound element of Beep is taken from educational material published by the South Korea’s Ministry of Education and Culture to disseminate the story of Lee Seung-bok, a South Korean child known to have been killed by North Korean soldiers.

Time and the Wave William Raban, UK 2013 colour, 15’, DCP, V : ENG, sub : –

Time and the Wave focust op Londense evenementen gefilmd in 2012 en 2013: de opening van het Westfield Shopping Centre in Stratford, de Saint Paul’s Occupybeweging, de parade op de Thames naar aanleiding van het jubileum van de koningin en de begrafenis van Margaret Thatcher, om de toestand van GrootBrittanië te belichten tijdens de crisis van het huidige kapitalisme. Time and the Wave s’intéresse à certains événements clés qui se sont déroulés à Londres entre 2012 et 2013 : l’ouverture d’un centre commercial, l’occupation de la cathédrale Saint-Paul, la parade navale du Queen’s Jubilee sur la Tamise, et l’enterrement de Margaret Thatcher, afin d’exposer la condition de la Grande-Bretagne en période de crise du capitalisme. Time and the Wave focuses on key London events filmed in 2012 and 2013: the opening of Westfield Shopping Centre at Stratford, the Saint Paul’s Occupy movement, the Queen’s Jubilee Thames pageant and the funeral of Margaret Thatcher to expose the condition of Britain in the crisis of late capitalism.

Depositions Luke Fowler, UK 2014 “De films van Luke Fowler staan stil bij het potentiële: wat zou kunnen zijn, wat had kunnen zijn, wat zou misschien blijven, moest de wereld in een andere richting draaien? Maar de film tijd gaat vele richtingen uit, net als argumenten dat doen. Pas gemaakte film kan makkelijk verward worden met archief-vintage van ver-

L’Âge d’Or Prize 1

colour, 25’, Digital file, V : ENG, sub : –

vaagde of verzadigde tinten en vage randen. Slechts de scheiding tussen geluiden die dicht bij het oor leven en rijke stemmen uit een vervagend verleden onderscheiden archief van heden. Geleidelijk komen de stukken samen: onze nostalgie naar oude volksgebruiken, traditionele zang en de romantiek van de vrijheid, allemaal ondergraven door wetenschappelijk rationalisme en de druk van de wet die normativiteit brengt, uitgeoefend op levens die bestand zijn tegen conformiteit. Wat is een archief, zo niet een verzameling van brieven aan onszelf?” (David Toop) « Les films de Luke Fowler reposent sur la potentialité : ce qui peut être, ce qui aurait pu être, ce qui pourrait toujours être si le monde tournait autrement. Mais la temporalité du film part dans de nombreuses directions, comme le font les discussions. Des images tournées récemment se confondent avec des images d’archives, pâlies, saturées ou aux contours flous. Seule la distinction entre des sons proches, vivant à l’intérieur même de l’oreille, et de riches voix venues d’un passé qui s’estompe, distingue l’archive du présent. Graduellement, les pièces convergent : notre nostalgie pour les traditions populaires, les chansons folkloriques et la romance de la liberté, toutes minées par le rationalisme scientifique et les pressions de la norme, faisant loi sur les vies ne se pliant pas à la conformité. Qu’est-ce qu’une archive sinon une collection de lettres adressée à nous-mêmes ? » (David Toop)

L’Âge d’Or Prize 1

“Luke Fowler’s films dwell on potentiality: what might be, what might have been, what might still be if the world were to turn in a different direction? But film time runs in many directions, as do arguments. Film made only recently can be easily confused with the archival vintage of washed-out or saturated tones and blurred edges. Only the disjunction between sounds that live close within the ear and rich voices from a fading past distinguish archive from present. Gradually the pieces converge: our nostalgia for ancient folkways, traditional song and the romance of freedom, all undercut by scientific rationalism and the pressures of normativity bringing law to bear on lives resistant to conformity. What is an archive if not a collection of letters to ourselves? ” (David Toop)

L’Âge d’Or Prize 2

Room Window Sea Sky Peter Todd, UK 2014 colour, 3’, 16 mm, V : SILENT

Gefilmd in een kamer met zicht op zee, op een rol 16mm-film van 30 meter, met een Bolex-opwindcamera. Eén enkele rol film. De beelden in de volgorde waarin ze gefilmd zijn.

DIN/MAR/TUE

06.10/17:00 LEDOUX

Une bobine de trente mètres de pellicule 16 mm, filmée avec une Bolex à ressort tenue à bout de bras, à partir d’une chambre avec vue sur mer. Une miniature montée à même la caméra au moment du tournage. Filmed in a room overlooking the sea on a 100ft roll of 16mm film negative with a handheld clockwork Bolex camera. A single roll of film. The images in the order filmed.

Natura obscura Paolo Gioli, Italy 2013 colour, 8’, 16 mm, V : SILENT

“Ik maakte deze film met een holle buis van 50 cm waarin 45 kleine gaatjes zaten. Ik wou aanvankelijk de seizoenen filmen maar de wind en de natuur die me teisterden brachten me van mijn idee af. Ik filmde altijd bij ochtend- of avondschemering, dat is beter dan het felle daglicht. Papavers en vegetatie, eerst nog niet helemaal ontloken, en later rustend in winterse plaatsen.” (Paolo Gioli)

“I made this film using a single batch of 45 pin holes in a 50 cm hollow tube. The idea was to film the seasons but the air, the wind, nature, battering me put an end to the idea. I shot the film always in the gloaming of dawn and dusk - better than the excessive amassed light of day. Flowers, poppies, and vegetation, not completely emerged at first, later at rest like in wintry places.” (Paolo Gioli)

L’Âge d’Or Prize 2

« J’ai fait ce film en utilisant un jeu de 45 trous d’épingle percés dans un tube de 50 cm (selon la technique du sténopé). L’idée initiale était de filmer les quatre saisons, mais l’air et le vent ont contrarié ce projet. Je filmais quand il faisait sombre, à l’aube et au crépuscule. Des fleurs, des coquelicots et de la végétation pas encore complètement éclose ; au repos ensuite, comme dans les paysages d’hiver. » (Paolo Gioli)

CODA I + CODA II NOT IN COMPETITION Peter Gidal, UK 2013 colour, 2’+2’, 16 mm, V : NO DIALOGUE

Not Far at All Peter Gidal, UK 2013 colour, 15’, 16 mm, V : NO DIALOGUE

"Eerste film in 5 jaar, geneigd te zeggen anders en toch hetzelfde, maar niet echt." (Peter Gidal) « Dans ce premier film depuis cinq ans, j’ai tenté de dire les choses différemment et pourtant de la même manière, mais en fait pas du tout. » (Peter Gidal) « First film in 5 years, tempted to say different yet the same, but not. » (Peter Gidal)

1640 Pablo Marin, Argentina 2013 colour, 3’, 16 mm, V : SILENT

“Een ‘bliksemlandschap’: een mediumformaat diashow op filmsnelheid. Een abstract telegram: gefragmenteerde herinneringen aan het leven in Argentiniës zone met postcode 1640. Voor Frank Biesendorfer.” (Pablo Marin) « Un paysage fulgurant : un slideshow de diapositives de moyen format projetées à la vitesse du cinématographe. Un télégramme abstrait, mémoire fragmentée de ma vie en Argentine, lorsque j’étais domicilié au code postal 1640. Dédié à Frank Biesendorfer. » (Pablo Marin)

L’Âge d’Or Prize 2

“A lightning landscape: a medium format slideshow at film speed. An abstract telegram: fragmented memories of living in Argentina’s zip code 1640. For Frank Biesendorfer.” (Pablo Marin)

Optical Sound Elke Groen & Christian Neubacher, Austria 2014 colour, 12’, 35 mm, V : NO DIALOGUE

Een klassieker van found-footagewerk bestaande uit honderden fragmenten van begingenerieken van 35mm-films. De aftelstrook die verschijnt aan het begin van elke releaseprint wordt normaal niet getoond aan het publiek. Evenmin zichtbaar is het smalle, verticale optische geluidsspoor aan de linkerkant van 35mm-filmstroken, in de vorm van zwarte, symmetrische golven op een transparante achtergrond. Een speciale akoestische sensor vertaalt deze visuele informatie in het geluid dat in de bioscoop weerklinkt.

Optical Sound is a classic found-footage work comprising hundreds of fragments of opening credits from 35mm films. The countdown which appears at the beginning of every release print is normally withheld from the viewing audience. Also not visible is the narrow, vertical optical soundtrack on the left edge of 35mm film strips, which involves black, symmetric wave shapes on a transparent background. A special acoustic sensor translates this visual information back into sound in a cinema.

L’Âge d’Or Prize 2

Un archétype du film de found footage, réalisé à partir de centaines d’extraits de génériques de films en 35 mm. Le décompte qui indique le début de chaque bobine de copie d’exploitation est d’ordinaire caché aux spectateurs. Tout aussi discrète, la fine bande verticale du son optique qui s’inscrit sur le bord gauche des copies 35 mm, ondulations noires et symétriques sur fond transparent.

L’Âge d’Or Prize 3

Film Diary Daniel A. Swarthnas, Sweden 2014 b&w + colour, 10’, DCP, V : SILENT

WOE/MER/WED

07.10/17:00 LEDOUX

Film Diary van Daniel A. Swarthnas is een soort reisdagboek, op super 8 gedraaid en in de camera gemonteerd. De film is een losjes gestructureerde maar rijk gelaagde mozaïek van indrukken, mensen, landschappen en architecturale stratificaties verzameld tijdens een reis door Zuid-Frankrijk in de zomer van 2014. Journal de voyage tourné en Super 8, et pour l’essentiel monté dans la caméra, Film Diary est une mosaïque, à la structure très libre et riche en niveaux de lecture, d’impressions et de regards, de portraits et de paysages, collectés au cours d’un séjour dans le Sud de la France durant l’été 2014. A travel diary of sorts, shot on super-8 and mainly edited in camera, Daniel A. Swarthnas’s Film Diary is a loosely structured but richly layered mosaic of glimpses, impressions, people, landscapes and architectural stratifications collected during a trip throughout southern France during the summer of 2014.

Endless Nameless Pathompon Mont Tesprateep, Thailand 2014 b&w, 23’, DCP, V : NO DIALOGUE

Een zelf ontwikkelde super 8-film die is opgenomen in de tuin van het huis van een Thaise legerofficier. De film is opgebouwd rond Monts waarnemingen van en herinneringen aan de diverse groepen dienstplichtigen die in de tuin van zijn vader hebben gewerkt.

L’Âge d’Or Prize 3

Tourné en Super 8 et développé de manière artisanale, Endless, Nameless propose une observation attentive du quotidien de quelques serviteurs dans le jardin privé d’un officier thaïlandais. Le film s’est construit à partir de nombreuses années d’observation par le cinéaste de la vie des soldats appelés à travailler dans le jardin de son père. Endless, Nameless is a hand-processed Super 8 film, shot in the private garden of a Thai army officer.The film constructed from more than twenty years of Mont’s observations and memories about groups of conscripts who worked in his father’s garden.

Gibraltar Margaret Salmon, UK 2013 b&w + colour, 18’, DCP, V : NO DIALOGUE

Gibraltar, gedraaid op 16mm in ZW en kleur en voorzien van een percussiesoundscape van Max Roach-opnamen, ontleedt de kleine kosmos van de beroemde rots, en brengt zo een dialoog op gang over bio-antropologie, geschiedenis, toerisme, folklore en spektakel. We zien iets wat het midden houdt tussen een circusshow en een zoo, en een sociaal-wetenschappelijk experiment dat is misgelopen. Au son des percussions de Max Roach, une approche sensible du microcosme qui s’agite à Gibraltar, dans un dialogue entre anthropologie, histoire, tourisme et folklore. Mi-spectacle de cirque, mi-expérimentation sociologique qui dérape, le magnétisme que dégage ce rocher apporte une touche de mysticisme à la situation décrite.

L’Âge d’Or Prize 3

Filmed on 16mm in B&W and colour and featuring a percussive jazz soundscape of Max Roach recordings, Gibraltar dissects the small cosmos of the famous rock, opening up dialogues concerning bio-anthropology, history, tourism, folklore and spectacle. Part circus show/zoo and part social-science experiment gone wrong, the magnetism of the rock itself lends a mystical quality to the situation.

Orchard Street Ken Jacobs, USA 1955-2014 colour, 27’, DCP, V : SILENT

La première incursion de Ken Jacobs dans le cinéma : un document sur le quartier juif du Lower East Side (Manhattan), dans lequel il a grandi. Tourné en 1955, le film n’a été monté que l’année dernière. Avant-garde filmmaker Ken Jacobs’s first foray into the world of cinema. A document of the vibrant Jewish neighbourhood in Manhattan where Jacobs grew up. The images were shot in 1955 and the film was edited last year.

L’Âge d’Or Prize 3

De eerste passen in de wereld van de cinema van avant-gardefilmmaker Ken Jacobs. Een document over de levendige Joodse buurt in Manhattan waar Jacobs opgroeide. De beelden werden gedraaid in 1955, en de film werd pas afgelopen jaar gemonteerd.

L’Âge d’Or Prize 4

Sakura, Sakura Ute Aurand, Germany 2014 colour, 3’, 16 mm, V : NO DIALOGUE

DON/JEU/THU

08.10/17:00 LEDOUX

“Een film van 2 minuten over twee Japanse dames die ik ontmoette in Nara en Roppongi terwijl ik in Japan in 2010 een andere film maakte, Young Pines.” (Ute Aurand) « Sakura, Sakura est une miniature de deux minutes dans laquelle je filme deux femmes japonaises, rencontrées à Nara et à Roppongi, alors que j’étais en train de réaliser un autre film intitulé Young Pines. » (Ute Aurand) “Sakura, Sakura is a two minute film about two Japanese ladies, whom I met in Nara and Roppongi while filming another film, Young Pines, in Japan in 2010.” (Ute Aurand)

27.12.2013 St. Louis Senegal Friedl vom Gröller, Austria 2014 b&w, 3’, 16 mm, V : SILENT

De evocatie van een wijk van de Senegalese stad Saint-Louis in twee camerabewegingen die mekaar beïnvloeden door de pellicule twee keer te belichten tijdens de opnamen: een pano langs een afgetakeld parkje, met in overdruk een andere pano die een reeks portretten toont van bewoners van de wijk die recht in de camera kijken.

L’Âge d’Or Prize 4

L’évocation d’un quartier de la ville de Saint-Louis au Sénégal en deux mouvements de caméra qui s’influencent l’un l’autre par un jeu de surimpression fait à même la caméra au moment du tournage : un panoramique sur un square délabré, doublé d’un autre panoramique captant une série de portraits de quelques hommes vivant dans le quartier et regardant fixement l’objectif de la caméra. The evocation of a neighbourhood in the city of Saint-Louis in Senegal with the aid of two camera movements that influence each other through an overlay, made in the camera itself during filming: a pan on a dilapidated square, doubled with an another pan showing a series of portraits of local men staring into the camera lens.

Masanao Abe – Cloudgraphy Helmut Völter, Germany 2015 b&w, 6’, DCP, V : SILENT

In 1927 bouwde de Japanse fysicus Masanao Abe een observatorium met een kijk op de Fujiberg. Van daaruit filmde hij in een periode van vijftien jaar de wolken die de berg omringen. Hij was geïnteresseerd in de wetenschappelijke vraag hoe de luchtstromen rond Fuji gevisualiseerd konden worden met film en fotografie. En 1927, le physicien japonais Masanao Abe construit un observatoire avec vue sur le mont Fuji, duquel, pendant plus de quinze ans, il observe les nuages, cherchant, par les voies de la photographie et du cinéma, à représenter les courants d’air qui circulent autour de la célèbre montagne. In 1927, the Japanese physicist Masanao Abe built an observatory with a view of Mount Fuji. From this, over the course of fifteen years, he recorded the clouds that surrounded the mountain. He was interested in the scientific question of how the air currents around Fuji could be visualized by means of film and photography.

Untitled Film 2007 NOT IN COMPETITION Claudio Caldini, Argentina 2007 b&w, 3’, Digital file, V : SILENT

Untitled Film 2015 Claudio Caldini, Argentina 2015 b&w, 5’, Digital file, V : SILENT

Ruïnes van een keramiekfabriek, verlaten serres en een mislukte badplaats aan de kust van de zuidelijke Atlantische Oceaan – als profetieën van entropie.

Ruins of a ceramic factory, abandoned greenhouses and a failed resort on the coast of the South Atlantic as prophecies of entropy.

L’Âge d’Or Prize 4

Les ruines d’une fabrique de céramique, des serres abandonnées et une station balnéaire à l’abandon sur la côte de l’Atlantique Sud comme signes prophétiques de l’entropie.

VäRN NOT IN COMPETITION John Skoog, Sweden 2014 b&w, 14’, DCP, V : SWEDISH, sub : ENG

Shadowland John Skoog, Sweden 2014 b&w, 15’, DCP, V : NO DIALOGUE

In Shadowland passeren beelden van het Californische landschap in traag tempo. De zeer verscheiden omgeving, opgenomen op 16 mm zwart-witfilm, lijkt een plek die buiten het domein van de tijd functioneert. Herkennings- en geheugenfragmenten worden opgewekt door bezoek aan locaties die in vroege Hollywoodfilms andere delen van de wereld hebben ‘gespeeld’. We horen echo’s van klassieke films in een collage van audiofragmenten, geleend uit die films. Het vrijwel verlaten landschap fungeert als protagonist in een spannend drama dat zich elk moment zou kunnen ontvouwen. Des images du paysage californien défilent lentement. Filmé en 16 mm NB, l’environnement, étonnamment varié, semble fonctionner hors du temps. Des fragments de mémoire sont ravivés par la reconnaissance de lieux qui ont joué le rôle d’autres endroits du monde dans des films hollywoodiens. Un montage d’échos sonores de ces films classiques fait office de bande-son. Le paysage pratiquement abandonné agit comme le personnage d’un drame, prêt à se déployer à tout moment…

L’Âge d’Or Prize 4

In Shadowland images from the Californian landscape pass by at slow pace. Shot on b&w 16mm, the multifarious environment seems to be a place that functions outside the realm of time. Fragments of recognition and memory are resurrected by revisiting locations that have “played” other parts in the world in early Hollywood films. Echoes of classical films are heard within a collage constructed of audio fragments borrowed from the films in question. The practically abandoned landscape acts as the protagonist in an exciting drama that could unfold at any moment.

L’Âge d’Or Prize 5

Things Ben Rivers, UK 2014 colour, 20’, 16 mm, V : NO DIALOGUE

“Deze film kwam er na een uitdaging door een vriend, om in mijn thuisomgeving iets te maken in de looptijd van een jaar. Komende uit een land waar de seizoenen nadrukkelijk aanwezig zijn, ben ik geïnteresseerd in de manier waarop ze ons aanvoelen van de wereld, onze stemmingen en ons begrip van en onze relatie tot onze omgeving beïnvloeden. ” (Ben Rivers)

VRIJ/VEN/FRI

09.10/15:00 LEDOUX

« Ce film est ma réponse au défi lancé par un ami : réaliser quelque chose chez moi, dans ma maison, sur une durée d’un an. Venant d’un pays où les saisons sont fortement marquées, je me suis intéressé à la manière dont cellesci affectent notre rapport au monde, nos humeurs, ainsi que notre compréhension et nos relations à notre environnement. » (Ben Rivers) “This film was a challenge set by a friend, to make something in my home over the course of the year. Coming from a country where the seasons are very evident, I am interested in how they affect people’s sense of the world, moods, and our understanding and relationship to our environment.” (Ben Rivers)

Yonder Jessica Bardley, USA 2014 colour, 8’, DCP, V : NO DIALOGUE

In deze plaats zijn of die ginds; dat zijn of die daarginds; die weg ginds is degene die je moet nemen; hij leidt je hier naartoe: een moerassige, klamme plek, waar vrouwen hard werken, bijen rondzwermen, en spinnenwebben een lied uit een andere tijd doorgeven.

Being in that place or over there; being that or those over there; that road yonder is the one to take; this is where it leads you: a swampy, damp place, a place where women labour, bees swarm, and spider webs channel a song from another era.

L’Âge d’Or Prize 5

Être ici ou là-bas, être ceci ou ceux-là ; cette route làhaut est celle à suivre, elle te mènera là : un lieu humide et marécageux où des femmes travaillent, des abeilles forment un essaim et des toiles d’araignée vibrent au son d’une chanson d’une autre époque.

Prospector Talena Sanders, USA 2015 colour, 13’, DCP, V : ENG, sub : –

Experimenten in 19de-eeuwse acculturatie van twee groepen die duizenden kilometers van mekaar wonen, maar dezelfde naam delen, afhankelijk van wie je spreekt en welke taal je gebruikt. Parallelle verhalen van invasie, assimilatie, aspiraties, waardering en herwaardering. Prospectoren, kolonisten en toeristen op zoek naar toekomstige plaatsen van luxe, ontspanning en romance. Une approche expérimentale de l’acculturation, au XIXe siècle, de deux peuples qui vivent à plusieurs milliers de kilomètres d’écart, mais qui partagent le même nom. Histoires parallèles d’invasions, d’assimilation, d’aspirations, d’évaluation et de réévaluations, des premières colonies à nos jours. Histoires de prospecteurs, de colons, et de touristes en quête de luxe et de romance.

L’Âge d’Or Prize 5

Experiments in 19th century acculturation of two groups living thousands of miles apart, but sharing the same name, depending on whom you talk to and what language you say it in. Parallel histories of invasion, assimilation, aspirations, valuation, and reevaluation, from the first colonization to the mid-century modern and today. Prospectors, colonists, and tourists seeking future sites of luxury, resources, and romance.

Hornaditas Julio Fermepin, Argentina 2014 colour, 19’, Digital file , V : NO DIALOGUE

Hornaditas is een klein dorp in de Argentijnse provincie Jujuy. Zijn cultuur en religie vormen een caleidoscopische mengeling tussen pre-Iberische en christelijke cultuur die getoond wordt met een super 8-camera en technieken ontleend aan de experimentele film. Hornaditas is een etnografische en experimentele documentaire die een unieke kijk biedt op deze cultuur en haar landschappen met hun rijke geschiedenis.

Hornaditas is a small village in the Argentine province of Jujuy. Its culture and religious beliefs present a kaleidoscopic mixture between pre-Hispanic and Christian culture which is portrayed through the super 8 camera using different techniques borrowed from experimental film. Hornaditas is an ethnographic, experimental-documentary that portrays a unique view on this culture and its beautiful and history-rich landscapes.

L’Âge d’Or Prize 5

Hornaditas est le nom d’un village situé dans la province de Jujuy en Argentine. Les croyances religieuses de ses habitants sont le signe d’un mélange des cultures préhispanique et chrétienne. Filmé en Super 8, ce documentaire ethnographique, qui emprunte de nombreuses techniques au cinéma expérimental, pose un regard subjectif sur cette culture et sur les paysages riches en histoire qui l’abritent.

Saul Levine Guy Sherwin Rose Lowder Tonino Debernardi Rebecca Baron Hans Scheugl

INTRODUCTION TOâ&#x20AC;Ś

Saul Levine New Haven, 1943

De in 1943 in New Haven in Connecticut geboren Saul Levine is zonder twijfel één van de meest vurige verdedigers van 8 en Super 8 mm, onderschatte dragers die hij als een van de eersten nauw gezet verkende. Sinds meer dan 35 jaar vernieuwt hij onvermoeibaar een stijl waarvan de belangrijkste kenmerken beeld-voorbeeldopnamen zijn, herhalingen van camerabewegingen en de variatie van associaties van vormen en kleuren. Complexe caleidoscopische visies, die de vriendschap en de erotiek in de liefde vieren, of het politiek activisime vertalen van een cineast die door de criticus en theoreticus P. Adams Sitney wordt beschouwd als de “dissident” van de Amerikaanse cinema. Né en 1943 à New Haven (Connecticut), Saul Levine est sans conteste un des plus ardents défenseurs du 8 et Super 8 mm, supports souvent dénigrés qu’il fut le premier à expérimenter de manière rigoureuse. Depuis plus de trente-cinq ans, il renouvelle inlassablement un style dont les principales caractéristiques sont le « filmage » image par image, la répétition de mouvements de caméra, et la variation d’associations de formes et de couleurs. De complexes visions kaléidoscopiques, qui célèbrent l’amitié et l’érotisme dans l’amour, ou traduisent l’activisme politique d’un cinéaste considéré comme le « dissident » du cinéma américain par le critique et théoricien P. Adams Sitney. Saul Levine was born in 1943 in New Haven, in the U.S. state of Connecticut. He is undoubtedly one of the most ardent defenders of 8 and Super 8 mm, often disparaged media with which he was the first to experiment rigorously. For over 35 years, Levine tirelessly renewed a style whose main characteristics are frameby-frame filming, repetition of camera movements and variation of combinations of shape and colour. Kaleidoscopic visions that celebrate friendship and erotic love or translate the political activism of a filmmaker that film critic and theorist P. Adams Sitney calls ‘the dissident’ of American cinema.

Introduction to

Saul Levine 1 / Notes

Submission / Note to Erik / Note to Colleen / New Left Note / Notes After LONG Silence / Falling Notes Unleaving

MAA/LUN/MON

colour, 68’, 16mm & DCP, V : ENG, sub: – + SILENT + NO DIALOGUE

Saul Levine, USA 1966-2013

05.10/21:15 LEDOUX

De reeks The Notes is een van de belangrijkste werken in het oeuvre van Saul Levine. Dit ensemble, aangevat in 1968, onderzoekt de verschillende mogelijkheden om non-verbale, puur visueel notities te creëren die zich in de tijd inschrijven. Deze notities, mededelingen of aantekeningen zijn gestructureerd volgens complexe ritmische organisaties van vormen en kleuren. Nu eens zijn ze bestemd voor vrienden, dan weer zijn het getuigenissen van het politiek engagement en activisme van de filmmaker. De projectie toont een selectie films uit de reeks en wil een representatief overzicht bieden van de diversiteit aan stijlen en benaderingen die de filmmaker erin heeft ontwikkeld. Vertoning ingeleid door Saul Levine. La série The Notes constitue un des corpus les plus importants de l’œuvre de Saul Levine. Entamé en 1968, cet ensemble explore les différentes possibilités de créer des notes non verbales, purement visuelles, qui s’inscrivent dans le temps. Structurées en de complexes organisations rythmiques de formes et de couleurs, ces notes, notices ou annotations, sont tantôt destinées à des amis, tantôt le témoignage de l’engagement et de l’activisme politique du cinéaste. La séance reprend une sélection de films de la série, et tente de donner un aperçu représentatif de la grande diversité de styles et d’approches que le cinéaste y a développée.

Saul Levine 1 / Notes

Séance présentée par Saul Levine. The series The Notes is one of the most important works in Saul Levine’s oeuvre. This ensemble, started in 1968, explores the different possibilities to create non-verbal, purely visual notes that inscribe themselves in time. Structured into complex rhythmic organisations of forms and colours, these notes, notices or annotations sometimes are destined for friends, at other times they are testimonies of the filmmaker’s political engagement and activism. The screening shows a selection of films from the series and attempts to provide a representative overview of the great diversity of styles and approaches the filmmaker has developed in there. Screening introduced by Saul Levine.

Saul Levine, USA 2000-2015

Saul Levine 2 / Light Licks & other films

Light Lick: Pardes: Wild Blue Yonder / Light Lick: I Saw the Light, Praise the Dark / Light Lick: Amazing Grace colour + bw, 24’, 16mm + DCP, V : SILENT

ZAT/SAM/SAT

The Big Stick – An Old Reel (1973, 17’) / On the Spot (1973, 29’)

10.10/19:00

Saul Levine, USA 1973

LEDOUX

colour + bw, 46’, 16mm, V : SILENT

Light Licks is een reeks films die gebaseerd is op improvisatie in de camera zelf, met als onderwerp licht. De filmmaker, geïnspireerd door de mystiek van (luisteren naar) muziekimprovisaties, vooral jazz, creëerde deze lumineuze abstracties die zich ontvouwen in een herhaling van extatische flikkeringen. The Big Stick, een reflectie op sociaal, huiselijk of militair geweld, is een hermontage van twee Charlie Chaplin films. On the Spot is een studie van een ruraal herfstlandschap dat gedurende een aantal weken vanaf dezelfde locatie werd gefilmd. Vertoning ingeleid door Saul Levine. Light Licks est une série de films basés sur l’improvisation à-même la caméra, avec pour sujet la lumière. Inspirées au cinéaste par la mystique et l’écoute d’improvisation musicale – principalement de jazz -, ces abstractions lumineuses se déploient en une répétition de clignotements extatiques. The Big Stick propose une réflexion sur la violence sociale, domestique ou militaire, par le remontage de deux films de Charlie Chaplin. Enfin, On the Spot est l’étude d’un paysage rural d’automne, filmé durant plusieurs semaines, à partir du même emplacement.

Light Licks is a series of films based on improvisation in the camera itself, with light as its subject. The filmmaker, inspired by the mystique of (listening to) musical improvisation, mostly jazz, created these bright abstractions that unfold themselves in a repetition of ecstatic flashes. The Big Stick reflects on social, domestic or military violence by re-cutting two Charlie Chaplin films. On the Spot is a study of a rural autumn landscape, filmed from the same spot over several weeks. Screening introduced by Saul Levine.

Saul Levine 2 / Light Licks & other films

Séance présentée par Saul Levine.

Introduction to

Guy Sherwin Ipswich, 1952

Guy Sherwin, een boegbeeld van de Britse avantgardecinema sinds het midden van de jaren 1970, studeerde schilderkunst alvorens een van de drijvende krachten te worden achter de London Film-Makers’ Co-op, naast Malcolm Le Grice, Peter Gidal of Gill Eatherley. Zijn films, zijn expanded cinema performances en zijn installaties worden gekenmerkt door hun belangstelling voor het licht en de tijd als fundamentele elementen van de cinema, de relatie tussen geluid en beeld en de ontwikkeling van reeksen. Het oeuvre van Sherwin valt voorts op door het enthousiasme waarmee de auteur de mogelijkheden van de analoge cinema verkent. Figure incontournable du cinéma d’avant-garde britannique depuis le milieu des années 1970, Guy Sherwin a étudié la peinture avant de devenir une des forces motrices de la London Film-Makers’ Co-op, aux côtés de Malcolm Le Grice, Peter Gidal et Gill Eatherley. Ses films, ses performances d’expanded cinema et ses installations se caractérisent par leur intérêt pour la lumière et le temps en tant qu’éléments fondamentaux du cinéma, les relations entre son et image et le développement de séries. L’œuvre de Sherwin se distingue encore par la vitalité avec laquelle leur auteur tente d’y déployer les possibilités du cinéma argentique. Since the mid-1970s, Guy Sherwin has been a key figure in British avant-garde cinema. After studying painting, Sherwin became one of the driving forces of the London Film-Makers’ Co-op (LFMC), alongside Malcolm Le Grice, Peter Gidal and Gill Eatherley. The main features of his films, his expanded cinema performances and his installations are: an interest in light and time as key elements of cinema; the relationship between sound and image; and the use of serial forms. Since the beginning of his career, Sherwin has developed his films himself, with great care for contrasts, textures and light. Another quality of his work is the vitality with which he tries to deploy the possibilities of the film medium.

Guy Sherwin, UK 1976-1998

b&w, 30’, 16 mm, V : SILENT

Connemara

Guy Sherwin 1

Short Film Series : Handcrank Clock / Tap / Tree Reflection / Cat on TV / Barn / Cycle / Breathing / Wind & Water / Portrait with Parents / Eye

ZON/DIM/SUN

04.10/19:00 LEDOUX

Guy Sherwin, UK 1980 colour + b&w, 31’, 16 mm, V : NO DIALOGUE – NEW COPY

Man with Mirror LIve PERFORMANCE Guy Sherwin, UK 1976-2015 colour, 9’, 16 mm, V : SILENT

Het in 1975 opgestarte Short Film Series werkt als een open geheel van kortfilms (portretten, landschappen, stillevens) dat Sherwin in het centrum van zijn oeuvre plaatst en dat hij regelmatig verrijkt. Het in 1980 in Ierland gedraaide Connemara is een landschapsstudie en waarvan dit de eerste projectie in zijn oorspronkelijke vorm wordt sinds de jaren 1980. Man with Mirror is een mythische performance, een fenomenale teletijdsmachine, die een intieme ervaring koppelt aan een reflectie over de cinema. Vertoning ingeleid door Guy Sherwin. Inauguré en 1975, Short Film Series fonctionne comme un ensemble ouvert de courts métrages (portraits, paysages, natures mortes) que Sherwin place au centre de son travail et dont il enrichit régulièrement le corpus. Tourné en Irlande en 1980, Connemara est une étude de paysage, dont cette projection sera la première dans sa forme originale depuis les années 1980. Man with Mirror est une performance mythique, une phénoménale machine à voyager dans le temps, qui lie expérience intime et réflexion sur le cinéma.

The Short Film Series, inaugurated in 1975, operates as an open set of short films (portraits, landscapes, still lifes) that Sherwin places at the centre of his work, a series he also regularly enriches. Connemara, filmed in Ireland in 1980, is a landscape study. Ours will be the film’s first projection in its original form since the 1980s. Man with Mirror is a mythical performance, a phenomenal time machine that links intimate experience to a reflection on cinema. Screening introduced by Guy Sherwin.

Guy Sherwin 1

Séance présentée par Guy Sherwin.

Guy Sherwin 2

Da Capo (2000, 9’) / Flight (1998, 4’) / Filter Beds (1998, 9’) / Night Train (1979, 2’)

MAA/LUN/MON

b&w, 24’, 16 mm, V : NO DIALOGUE

LEDOUX

Wires (2009, 6’) / Bay Bridge from Embarcadero (2002-2006, 9’)

Guy Sherwin, UK 1979-2000

05.10/17:15

Guy Sherwin, UK 2002-2009 b&w, 15’, TRIPLE 16 mm projection, V : SILENT

Notes Guy Sherwin, UK 1979 colour, 2’, 35 mm, V : NO DIALOGUE

Da Capo (dat meerdere variaties van een portret toont), Night Train (waarvan de beelden klank voortbrengen) en Wires (met drievoudige projectie) zijn drie titels uit de serie Train Films, die (net zoals Flight) de noties beweging en onbeweeglijkheid verkennen. Het in het begin van de lente in het oosten van Londen gedraaide Filter beds is een studie over scherptediepte. Bay Bridge from Embarcadero toont in multiprojectie een panorama waarin drie verschillende temporaliteiten naast mekaar worden geplaatst. In Notes speelt de camera piano. Vertoning ingeleid door Guy Sherwin. Da Capo (qui décline de multiples variations d’un portrait), Night Train (dont les images génèrent du son) et Wires (en triple projection) sont trois titres de la série Train Films, explorant notamment (à l’instar de Flight) les notions de mouvement et d’immobilité. Tourné au printemps dans un parc à l’Est de Londres, Filter Beds est une étude sur la profondeur de champ. Bay Bridge from Embarcadero juxtapose en multiprojection trois temporalités différentes. Dans Notes, la caméra joue du piano.

Guy Sherwin 2

Séance présentée par Guy Sherwin. Da Capo, with its multiple variations on one portrait, Night Train, with its images generating sound, and Wires, a triple projection, are three titles from the Train Films series, exploring – like Flight – the notions of movement and stillness. Filter Beds, shot in early spring in an East London park, is a study in depth of field. With Bay Bridge from Embarcadero, a multiprojection-panorama is developed, juxtaposing three different temporalities. Finally, in Notes, the camera plays the piano. Screening introduced by Guy Sherwin.

Guy Sherwin 3 – Guy Sherwin & Lynn Loo DIN/MAR/TUE

06.10/21:00 LEDOUX

End Rolls (2009, 10’) / Washi #2 (2014, 8’) Lynn Loo, UK 2009-2014 colour, 18’, TRIPLE & DOUBLE 16 mm projection, V : NO DIALOGUE, mix: Guy Sherwin

Autumn Fog Lynn Loo, UK 2010 colour, 10’ to 15’, DOUBLE 16 mm projection, V : SILENT

Cycles #3 Guy Sherwin, UK 1972-2003 b&w + colour, 9’, DOUBLE 16 mm projection, V : NO DIALOGUE

Railings (1977, 7’) / Newsprints #3 (1972-2013, 2’) Guy Sherwin, UK 1972-2013 De laatste jaren heeft Guy Sherwin in samenwerking met zijn partner Lynn Loo een oeuvre ontwikkeld dat gebaseerd is op de live-manipulatie van projectoren, waarbij hun performances aan mekaar gekoppeld worden. Voor End Rolls werden filmrollen blootgesteld aan diverse lichtbronnen, terwijl het geluid afkomstig is van lichtgevoelige micro’s die het licht van de projectoren capteren. Cycles #3, Railings et Washi #2 zijn krachtige werkstukken gebaseerd op optisch geluid. Autumn Fog legt positieve en negatieve beelden van eenzelfde opname op elkaar. Newsprint #3 werd in 1972 opgenomen, maar de projectiekopie werd pas in 2013 getrokken. Vertoning ingeleid door Guy Sherwin en Lynn Loo.

Guy Sherwin 3 – Guy Sherwin & Lynn Loo

b&w / colour, 9’, 16 mm, V : NO DIALOGUE / SILENT

Ces dernières années, en collaboration avec sa compagne Lynn Loo, Guy Sherwin a développé un travail basé sur la manipulation live des projecteurs, élaborant ensemble des programmes associant leurs performances. Pour End Rolls, des bobines de film couleur ont été exposées à diverses sources de lumière, tandis que le son est produit par des micros photosensibles captant la lumière des projecteurs. Cycles #3, Railings et Washi #2 sont de puissantes pièces basées sur le son optique. Autumn Fog superpose les images positives et négatives d’une même prise de vue. Newsprint #3 fut réalisé en 1972 mais la copie de projection n’en fut tirée qu’en 2013. Séance présentée par Guy Sherwin et Lynn Loo. In recent years, and together with his partner Lynn Loo, Guy Sherwin has developed a work based on the live manipulation of film projectors. For End Rolls, colour film rolls were exposed to various light sources, while the sound is produced by photo-sensitive microphones that capture the light of the projectors. Cycles # 3, Railings and Washi # 2 are powerful pieces based on optical sound. Autumn Fog superimposes positive and negative images of the same shot. Newsprint # 3 was made in 1972 but Sherwin only saw it in 2013 when it was optically printed from the original colour newspaper.

Guy Sherwin 3 – Guy Sherwin & Lynn Loo

Screening introduced by Guy Sherwin and Lynn Loo.

Introduction to

Rose Lowder Lima, 1941

“Mijn bewustzijn van de omgeving die me omringt komt misschien voort uit het feit dat ik geboren ben in Zuid-Amerika en dat ik tijdens mijn jeugd in mijn eentje voor de tuin mocht zorgen” (onderhoud met Scott MacDonald – Millenium Film Journal, 1997) Terug thuis in haar geboorteland studeert Rose Lowder kunst in Londen en gaat ze als monteuse werken in de BBC aan het eind van de jaren 1960 (de gouden tijd van de debuten van Watkins, Russell en Loach). Midden de jaren 1970 vertoeft ze in Frankrijk, waar ze getuige is van de bloei van de plaatselijke experimentele scène, een thesis verdedigt over die laatste onder auspiciën van Jean Rouch, samen met haar compagnon Alain-Alcide Sudre les Archives du film expérimental d’Avignon opricht en er de programmatie voor doet, en zich in 1977 haar eerste Bolex-camera kan kopen. Haar oeuvre als cineaste, dat vaak met beeld-voor-beeldopnamen tot stand komt, draait rond perceptie en een puur cinematografische voorstelling van de wereld, en combineert compositie met improvisatie, ultra-nauwgezetheid ("partituren" die tot op het fotogram zijn uitgedacht) met een openstaan voor het onverwachte, de verrassende wendingen van het leven op het moment van de opnamen.

« Ma conscience de l’environnement qui m’entoure vient peut-être du fait que je suis née en Amérique du Sud et que durant toute mon enfance on me laissait m’occuper toute seule au jardin » (Entretien avec Scott MacDonald – Millenium Film Journal, 1997). De retour au pays de ses parents, Rose Lowder étudie l’art à Londres puis travaille comme monteuse à la BBC à la fin des années 1960 (la période dorée des débuts de Watkins, Russell et Loach). Au milieu des années 1970, désormais en France, elle assiste à l’effervescence de la scène expérimentale locale, défend une thèse sur le sujet sous les auspices de Jean Rouch, fonde et programme avec son compagnon AlainAlcide Sudre les Archives du film expérimental d’Avignon et, en 1977, peut se permettre de s’acheter sa première caméra Bolex. Son œuvre de cinéaste, souvent construite image par image dans la caméra, travaille les questions de la perception et d’une représentation proprement cinématographique du monde et combine composition et improvisation, ultra-méticulosité (« partitions » pensées au photogramme près) et ouverture à l’imprévu, à la surprise et aux soubresauts de la vie au moment du tournage. ‘My consciousness of my environment may be a result of the fact that I was born in South America and all through my childhood, I was put in a garden and left on my own.’ (Interview with Scott MacDonald, Millenium Film Journal) Back home in her parents’ country, Rose Lowder studied art in London and then, in the late 1960s (the golden period of early Watkins, Russell and Loach), she worked as a film editor for the BBC. In the mid-1970s, now in France, she witnessed the excitement of the local experimental scene, defended a thesis on the subject under the auspices of Jean Rouch and, together with her partner Alain-Alcide, set up Archives du film expérimental d’Avignon, where they also programme films. In 1977 she was able to buy her first Bolex camera. Her oeuvre as a filmmaker, often constructed in the camera, frame by frame, works on issues of perception and a representation of the world that is properly cinematic. It combines composition and improvisation, ultra-meticulousness (‘partitions’, conceived at the level of each individual photogram) and openness to the unexpected, to surprise and the turmoil of life during filming.

Rose Lowder 1

Bouquets 1-10 Rose Lowder, France 1994-1995 colour, 12’, 16 mm, V : SILENT

Sources (2012, 5’) / Rien d’extraordinaire (2010, 2’) / Foryannfromrose (2014, 3’) IN COMPETITION

DIN/MAR/TUE

06.10/19:00 LEDOUX

Rose Lowder, France 2010-2014

colour, 10’, 16 mm, V : NO DIALOGUE + SILENT

Scènes de la vie française: Arles (1985, 21’) / Rue des Teinturiers (1979, 31’) Rose Lowder, France 1979-1985 colour, 52’, 16 mm, V : SILENT

Een selectie van kortfilms die drie periodes (van haar debuut eind de jaren 1970 tot vandaag) en verschillende creatieve strategieën van Rose Lowder verkent. Het uitzicht vanop haar balkon in Avignon, de landschappen en bloemen van de Provence, een kermis in Arles, een gefilmde brief aan de cineast en programmator Yann Beauvais: Rose Lowder snijdt bescheiden, onspectaculaire onderwerpen aan, en draait dicht bij haar thuis (vaak op fietsafstand), maar overstijgt haar onderwerpen door cinematografische technieken die afstand doen van het zelfverklaarde realisme van de traditionele cinema. In haar perceptiecinema, weeft ze geduldig de tijd (en soms de ruimte) om op het scherm (en in het hoofd van de toeschouwers) elementen afkomstig van verschillende momenten (en soms plaatsen) te laten interageren, elementen die in fotogrammen tegen mekaar aan liggen, en waarbij het zichtbare van het alledaagse naar het (vanuit dat oogpunt) nooit geziene wordt getrokken.

Rose Lowder 1

Vertoning ingeleid door Rose Lowder.

Une sélection de courts métrages proposant trois périodes (de ses débuts à la fin des années 1970 à aujourd’hui) et plusieurs stratégies de création de Rose Lowder. La vue depuis son balcon à Avignon, les paysages et fleurs de Provence, une fête foraine à Arles, une lettre filmée au cinéaste et programmateur Yann Beauvais : Rose Lowder aborde des sujets modestes, non immédiatement spectaculaires, tournés près de chez elle (pendant longtemps à portée de vélo de son domicile), mais les transcende par des techniques cinématographiques qui refusent le prétendu réalisme du cinéma traditionnel. Dans son cinéma de la perception, elle tisse patiemment le temps (et parfois l’espace) pour faire interagir sur l’écran et dans le cerveau des spectateurs des éléments issus de moments (voire de lieux) différents et filmés sur des photogrammes contigus de la pellicule, tirant le visible du quotidien vers le jamaisvu (sous cet angle). Séance présentée par Rose Lowder. A selection of short films covering three periods (from Lowder’s beginnings in the late 1970s till today) and several creative strategies she used. The view from her balcony in Avignon, landscapes and flowers from Provence, a funfair in Arles, a filmed letter to filmmaker and programmer Yann Beauvais: Rose Lowder addresses modest, unspectacular issues, shot near where she lives (this is to say, for a long time, at cycling distance from her home), yet transcends them by film techniques that refuse the purported realism of traditional cinema. In her cinema of perception, she patiently weaves together time (and sometimes space) to let elements from different moments (or places) filmed on contiguous photograms taken from the film, interact on the screen and in the brain of the spectator. In so doing, she pulls the visible of daily life into the realms of the – at least from this angle – never seen.

Rose Lowder 1

Screening introduced by Rose Lowder.

Rose Lowder 2 WOE/MER/WED

07.10/20:00 PLATEAU

Retour d’un repère composé Rose Lowder, France 1981 colour, 59’, 16 mm, v: SILENT / new print

Vertoning ingeleid door Rose Lowder.

Rose Lowder 2

Naast het fotogram is de andere basiseenheid van de cinema van Rose Lowder de bobijn van 30m (ongeveer 3 minuten). Nadat ze ontevreden was over de kleuren van verschillende prints van een film van 6 bobijnen / 19 minuten (Retour d’un repère), besloot ze in 1981 een langere versie te maken vanaf hetzelfde negatief van 3 minuten, door de ontoereikende prints over elkaar te leggen, met een of meerdere frames verschil. Een radicale film (“het verst dat ik kon gaan in een bepaalde richting”), die zelden vertoond is en hypnotiserend wordt voor wie er zich aan overgeeft. De vreedzame eendenvijver van een park, gefilmd door de filter van het gebladerte van een ceder, verandert door de magie van de cinema in een stortvloed van energetisch geladen, mysterieuze beelden met veranderende kleuren.

À côté du photogramme, l’autre unité de base du cinéma de Rose Lowder est la bobine de 30 m (environ trois minutes). Ici, mécontente des couleurs des différents tirages d’un film de 6 bobines/19 minutes de 1979 (Retour d’un repère), elle en propose – par superposition décalée des copies insatisfaisantes – une autre version plus longue en 1981, construite à partir de ce même négatif d’une durée totale de trois minutes. Un film radical (« Le plus loin que je pouvais aller dans une certaine direction »), rarement montré, mais s’avérant hypnotique pour qui s’y abandonne. La paisible mare aux canards d’un parc, filmée à travers le filtre du feuillage d’un cèdre, se transformant par la magie du cinéma en un film-torrent aux images chargées d’énergie, de couleurs changeantes et de mystère. Séance présentée par Rose Lowder. Apart from the frame, Rose Lowder’s other basic unit is the 30 m film reel – which makes for about 3 minutes of film. In 1981, unhappy with the colours of the different prints of a film that consists of 6 reels (or 19 minutes) from 1979 (Retour d’un repère), Lowder offers with Retour d’un repère composé another, longer version, constructed from the same 3 minutes negative – a shifted superimposition of unsatisfactory copies. A rarely shown, radical film (“as far as you can go in a certain direction”) that proves to be a hypnotic experience for the viewer who abandons himor herself to it. Via the magic of cinema, the tranquil duck pond in a park shot through the filter of cedar foliage turns into a filmtorrent with images full of energy, changing colours and mystery.

Rose Lowder 2

Screening introduced by Rose Lowder.

Introduction to

Tonino Debernardi Chivasso, 1937

Tonino Debernardi, geboren in 1937 in Chivasso in de provincie Turijn, interesseert zich vanaf het eind van de jaren 60 voor de cinema. Hij kiest systematisch voor de minst dure oplossingen, om een grote bewegingsruimte te behouden, en wordt zo één van de meest subtiele ambachtslui van de 8mm film, wat toen de goedkoopste drager was. Zijn eerste films, beïnvloed door het werk van Jack Smith, tonen een droomachtig universum met een opeenvolging van ingelaste beelden waarbij lichamen en gezichten, incarnaties en mythologische symbolen worden vermengd. In de jaren 80 verruilt Debernardi de 8mm voor een nog zuiniger drager, video. Met uitzondering van Médée miracle, met Isabelle Huppert, worden zijn meestal zelfgeproduceerde films op een zeer bescheiden schaal verdeeld.

Né en 1937 à Chivasso, dans la province de Turin, Tonino Debernardi s’intéresse au cinéma dès la fin des années soixante. Optant systématiquement pour les solutions les moins onéreuses afin de garder une entière liberté de manœuvre, il devient un des artisans les plus subtils du 8 mm, support le moins coûteux à l’époque. Ses premiers films, influencés par les réalisations de Jack Smith, mettent en scène un univers onirique qui se déploie en une suite d’images enchâssées où se mêlent corps et visages, incarnations et symboles mythologiques. Dans les années quatre-vingt, Debernardi délaisse le 8 mm pour un support encore plus économique, la vidéo. À l’exception de Médée miracle, avec Isabelle Huppert, ses films, pour la plupart autoproduits, ne connaissent qu’une diffusion marginale. Tonino Debernardi was born in 1937 in the Italian city of Chivasso, in the province of Turin. He has been interested in cinema since the late 1960s. To keep a complete freedom of movement, Debernardi systematically opted for 8 mm, at the time the cheapest medium, and became one of its most subtle craftsmen. His early films, influenced by those of Jack Smith, depict a dream world that unfolds in a series of embedded images, mingling bodies and faces, incarnations and mythological symbols. In the 1980s, Debernardi abandoned 8 mm for video, an even cheaper material. Apart from Médée miracle, starring Isabelle Huppert, his films – mostly self-produced – were only marginally distributed.

Tonino Debernardi 1

Il mostro verde Tonino Debernardi, Italy 1967 colour, 29’, DCP, V : NO DIALOGUE, CINEMATEK RESTORATION

De eerste film van Debernardi, gemaakt in samenwerking met de schilder-collagemaker Paolo Menzio, vernieuwt de klassieke perceptie van de cinema op een radicale manier door gebruik te maken van parallele projecties. Deze gewiekste hommage aan de B-film, die een cultfilm werd, viert de verbeeldingskracht via de figuren van Adam en Eva, Frankenstein, graaf Dracula en raadselachtige reptielmensen. Een verloren en vergeten film, waarvan het Filmarchief evenwel een kopie terugvond in zijn collectie, en die u wordt voorgesteld in een gerestaureerde digitale versie.

ZAT/SAM/SAT

03.10/19:00 LEDOUX

Vertoning ingeleid door Tonino Debernardi. Le premier film de Debernardi, réalisé en collaboration avec le peintre-collagiste Paolo Menzio, propose, dans une approche radicalement renouvelée de la perception classique du cinéma, un dispositif de double projection parallèle. Hommage déluré aux films de série B, ce film, devenu culte, célèbre la puissance de l’imagination à travers les figures d’Adam et Ève, de la créature de Frankenstein, du comte Dracula et d’énigmatiques hommes-reptiles. Un film perdu et oublié, dont la Cinémathèque a retrouvé une copie dans ses collections, et qui sera présenté dans une version numérique restaurée. Séance présentée par Tonino Debernardi.

Screening introduced by Tonino Debernardi.

Tonino Debernardi 1

Featuring a radically new approach to the traditional perception of cinema, Debernardi’s first film, made in collaboration with paintercollagist Paolo Menzio, proposes an apparatus of double parallel projections. In the meantime, Il mostro verde became a cult classic. It is a cheeky homage to B-movies that celebrates the power of imagination via the figures of Adam and Eve, Frankenstein’s creature, Count Dracula and enigmatic reptile men. Although the film was thought long lost and forgotten, the Belgian Film Archive has nevertheless found a copy in its collection. It will be presented in a restored digital version.

Tonino Debernardi 2

Cronache del sentimento e del sogno

MAA/LUN/MON

colour, 3 x 60’, DCP, V : SILENT, CINEMATEK RESTORATION

Tonino Debernardi, Italy 1968-1970

05.10/15:00 LEDOUX Lune / Piena di fume / Il giardino erboso

DIN/MAR/TUE

06.10/15:00 LEDOUX La gravita o le tre donne / Ettore e Parride / Il castello De tweede vertoning van deze stille kronieken zullen live begeleid worden door Joana Preiss (zang en lezing). La deuxième séance de ces chroniques muettes sera accompagnée par Joana Preiss (chant et lecture). The second screening of these silent chronicles will be accompanied by Joana Preiss (songs and texts).

WOE/MER/WED

07.10/15:00 LEDOUX

Tonino Debernardi 2

l sogne / La strada / Il passagio / Il giardino di Arthur R.

Een reeks van 10 films, allen gedraaid in 8mm, vormt deze kroniek van de gevoelens en de dromen die werd gedraaid tussen 1968 en 1970. Een subjectieve en poëtische benadering van het onderbewuste via mythes, symbolen en de literaire inspiratie van de cineast, met een caleidoscopische opeenvolging van beelden die in mekaar overvloeien, via overdruktechnieken die niet in postproductie maar tijdens de opnamen werden gerealiseerd. Vertoning ingeleid door Tonino Debernardi. Une série de dix films, tous tournés en 8 mm, forme ces chroniques des sentiments et des songes, réalisées entre 1968 et 1970. Une approche subjective et poétique de l’inconscient à travers les mythes, les symboles, et les inspirations littéraires du cinéaste, en une suite kaléidoscopique d’images enchâssées les unes dans les autres par des techniques de surimpressions réalisées à même la caméra au moment du tournage. Séance présentée par Tonino Debernardi. These chronicles of feelings and dreams consist of a series of 10 films, all shot between 1968 and 1970 in 8 mm. Through the filmmaker’s myths, symbols, and literary inspirations, they form a subjective and poetic approach to the unconscious – in a kaleidoscopic sequence of images that are embedded into each other by overprinting techniques, performed in the camera at the very moment of filming. Screening introduced by Tonino Debernardi.

Tonino Debernardi 3 MAA/LUN/MON

05.10/19:00 LEDOUX

Jour et nuit – Delle donne e degli uomini perduti IN COMPETITION Tonino Debernardi, Italy 2014 colour, 110’, Beta Digit, V : IT, ST : ENG

Een teugelloos filmgedicht over prostitutie en de gecombineerde verwoesting van vrouwen en mannen die in alle vrijheid het spel spelen van overlappende en verweven intriges, materialen, benaderingen (fictie en documentaire) en regio’s (Italië, Frankrijk, Griekenland). Vertoning ingeleid door Tonino Debernardi en Joana Preiss. Un film-poème autour de la prostitution et de la perdition conjuguée des femmes et des hommes jouant, en toute liberté, la carte de la superposition et de l’entrelacement des intrigues, des matières, des approches (fictionnelles et documentaires) et des géographies (Italie, France, Grèce).

An unbridled film poem about prostitution and the combined ruin of women and men freely playing the game of overlaying and interlacing intrigues, materials, approaches (fictional and documentary) and geographies (Italy, France, Greece). Screening introduced by Tonino Debernardi and Joana Preiss.

Tonino Debernardi 3

Séance présentée par Tonino Debernardi et Joana Preiss.

Introduction to

Rebecca Baron Baltimore, 1968

Rebecca Baron onderwijst (documentaire en experimentele) cinema aan het California Institute of the Arts, na eerdere lesopdrachten aan het Massachussetts College of Art en de Universiteit van Harvard. Haar oeuvre als cineaste en videaste, waar ze sinds een twintigtal jaar aan werkt en dat vaak bekroond werd, verkent met een reeks tegelijk intelligente en verbazingwekkende filmessays de vraag van de opbouw van het verhaal, met een bijzondere aandacht voor de verhouding die sinds meer dan honderd jaar bestaat tussen stilstaande en bewegende beelden, tussen fotografie en cinema. Haar werk gaat vaak in op de moeilijkheid om de dingen te zeggen of te benoemen: "Soms reikt mijn ervaring met de beelden uit het verleden verder dan het woord, en ik probeerde voor het publiek dit gevoel van verwondering en nieuwsgierigheid weer op te roepen" (onderhoud met Mark Alice Durant â&#x20AC;&#x201C; www.saint-lucy.com)

After having taught documentary and experimental film at the Massachusetts College of Art and Design and at Harvard University, Rebecca Baron now teaches the subject at California Institute of the Arts. For the past two decades, her award-winning work as a filmmaker and video artist, has explored the issue of the construction of history in a series of film-essays that are both intelligent and surprising. Baron pays particular attention to the relationships that developed, over a hundred years ago, between still and moving images, between photography and film. An important part of her work touches on the difficulties of saying or naming things. “Sometimes my experience with images from the past is beyond words and I wanted to recreate that sense of wonder and curiosity for the audience.” (Interview with Mark Alice Durant, www.saint-lucy.com)

Rebecca Baron enseigne le cinéma (documentaire et expérimental) au California Institute of the Arts, après l’avoir fait au Massachusetts College of Art et à Harvard. Son œuvre de cinéaste et de vidéaste, commencée il y a une vingtaine d’années et souvent récompensée, explore, dans une série de films-essais à la fois intelligents et étonnants, la question de la construction de l’histoire, avec une attention particulière pour les rapports qui se sont tissés depuis plus de cent ans entre les images fixes et mouvantes, entre photographie et cinéma. Une partie importante de son travail touche à la difficulté à dire ou à nommer les choses : « Parfois mon expérience avec les images du passé est au-delà des mots et j’ai cherché à recréer pour le public ce sentiment d’émerveillement et de curiosité. » (Entretien avec Mark Alice Durant, www.saint-lucy.com)

Rebecca Baron VRIJ/VEN/FRI

09.10/19:00 LEDOUX

The Idea of North (1995, 14’) / DETOUR DE FORCE (2014, 29’) IN COMPETITION / How Little We Know of Our Neighbors (2005, 49’) Rebecca Baron, USA 1995-2014

b&w / colour, 92’, 16mm + DCP, V : ENG, sub : –

Fotografie en cinema (en video) zijn als neven van verschillende leeftijd die elk hun eigen leven hebben geleid. In haar filmessays buigt Rebecca Baron zich vaak over de momenten in de geschiedenis waarin ze een eind samen opgetrokken zijn. In Detour de Force geeft ze zich over (zonder het mysterie te willen verklaren of doorgronden) aan de sterke, haast primaire kracht van de archiefbeelden van de piccolo en ‘psychofotograaf’ Ted Serios. En wat als het fototoestel een ‘machine voor de registratie van energie-overdrachten’ was? In het meer klassieke maar zeer intelligente How Little We Know of Our Neighbors, plaatst ze het antropologische project Mass Observation movement dat het gedrag van de Engelsen in kaart bracht, in de langere geschiedenis van de miniaturisering van toestellen, stiekem genomen foto’s en videobewaking van de openbare ruimte. In The Idea of North bekijkt ze (via de blik maar ook de stem en de gebaren) hoe foto’s genomen in 1897 die zijn teruggevonden en ontwikkeld in 1930 een jonge vrouw uit 1995 kunnen raken.

Rebecca Baron

Vertoning ingeleid door Rebecca Baron.

Photographie, cinéma (et vidéo) sont comme des cousins, d’âges assez différents et ayant surtout vécu leur vie chacun de son côté. Dans ses films-essais, il arrive souvent à Rebecca Baron de se pencher sur ces moments de l’histoire où ils ont fait un bout de chemin ensemble. Dans Detour de Force, elle s’abandonne (ne cherchant pas à expliquer ni à percer le mystère) à la puissance forte, presque primale, des images d’archives du groom et psychophotographe Ted Serios. Et si l’appareil photo était « une machine pour l’enregistrement des transferts d’énergie » ? Dans le plus classique mais très intelligent How Little We Know of Our Neighbors, elle replace l’anthropologie au seuil de la porte des Anglais du Mass Observation movement dans l’histoire plus longue de la miniaturisation des appareils, des photos cachées ou volées et de la surveillance vidéo de l’espace public. Dans The Idea of North, elle s’interroge (par le regard mais aussi la voix et les gestes) sur la manière dont des photos prises en 1897, retrouvées et développées en 1930, peuvent toucher une jeune femme de 1995. Séance présentée par Rebecca Baron.

Screening introduced by Rebecca Baron.

Rebecca Baron

Photography, film and video are like cousins of a rather different age who, above all, have lived their lives in separate ways. In her film-essays, Rebecca Baron often looks at those moments in history when the three of them rode part of the way together. In Detour de Force, Baron surrenders to the strong, almost primal power of the archive images of groom and so-called ‘thoughtographer’ Ted Serios – without trying to explain or understand the mystery. And what if the camera was ‘a machinery for the registration of energy transfer’ ? In the more classical, but intelligent, How Little We Know of Our Neighbors, Baron re-places the ‘anthropology of ourselves’ of Britain’s Mass Observation movement in the longer history of the miniaturisation of devices, of hidden or stolen pictures and of video surveillance of the public space. In The Idea of North, she questions (through gazes, voices and gestures) how pictures taken in 1897, yet only found and developed in 1930, can affect a young woman in 1995.

Introduction to

Hans Scheugl Vienna, 1940

Op z’n 16de koopt Hans Scheugl zich een fototoestel. Weinige tijd later studeert hij aan de Filmakademie van Wenen alvorens zijn praktische opleiding voort te zetten aan de Cinémathèque française. In januari 1968, na een deelname aan EXPRMNTL in Knokke, sticht hij met onder andere Kurt Kren en Valie Export de Austrian Filmmakers Cooperative. Hij neemt deel aan performances van Otto Muehl en Peter Weibel, die hij soms helpt als cameraman. Zijn filmografie die begint in 1966 is tegelijk coherent en veelzijdig (fictie, structurele cinema, documentaires, enz.). Hij stopt evenwel gedurende vijftien jaar met filmen (1968-1985) om zich te wijden aan reizen en schrijven (hij is de auteur, samen met Ernst J. Schmidt, van het belangrijke Eine Subgeschichte des Films uit 1974). Sinds dertig jaar combineert hij de regie van zijn films, tentoonstellingen van zijn foto’s, filmprogrammatie en het schrijven van teksten over de cinema van zijn collega’s.

At sixteen, Hans Scheugl bought a camera. Soon afterwards, he studied at Filmacademy Vienna, after which he continued his training practice at the Cinémathèque française. In January 1968, returning from the EXPRMNTL 4 festival in Knokke, he found the Austrian Filmmakers Cooperative together with, among others, Kurt Kren and Valie Export. Scheugl participated in the performances of Otto Muehl and Peter Weibel and sometimes helped them out as as cameraman. His filmography, which begins in 1966, is both coherent and diverse: it contains fiction films, ‘structural’ film, documentaries, etcetera. However, for fifteen years (from 1968 to 1985) Scheugl stopped shooting. During this period, he dedicated himself to travel and writing, the latter including the significant Eine Subgeschichte des Films (A Sub-history of Film) written in 1974 together with Ernst Schmidt Jr. The last thirty years, he combined filmmaking, exhibiting his photographs and programming the cinema of his peers, as well as writing about them.

À seize ans, Hans Scheugl achète un appareil photo. Un peu plus tard, il étudie à la Filmakademie de Vienne avant de poursuivre son apprentissage pratique à la Cinémathèque française. En janvier 1968, de retour d’EXPRMNTL 4 à Knokke, il fonde (avec Kurt Kren et Valie Export notamment) l’Austrian Filmmakers Cooperative. Il participe à des performances d’Otto Muehl et Peter Weibel, qu’il aide parfois en tant que cameraman. Sa filmo graphie, qui s’ouvre en 1966, est à la fois cohérente et plurielle (fictions, cinéma structurel, documentaires, etc.). Il cesse cependant de tourner pendant plus de quinze ans (1968-1985), se consacrant aux voyages et à l’écriture (dont l’important Eine Subgeschichte des Films avec Ernst Schmidt Jr., en 1974). Depuis trente ans, il combine la réalisation de ses films, les expositions de ses photos et la programmation et l’écriture consacrées au cinéma de ses pairs.

Hans Scheugl 1

Wien, 17 Schumanngasse (1967, 3’) / Hernals (1967, 11’) / Sugar Daddies (1968, 9’)

DON/JEU/THU

b&w / colour, 23’, 16mm + DCP, V : SILENT / NO DIALOGUE

LEDOUX

Prince of Peace (1993, 8’) / (Calcutta) GO (1993, 9’) / Homeless New York 1990 (1990-2013, 17’)

Hans Scheugl, Austria 1967-1968

08.10/21:00

Hans Scheugl, Austria 1993-2013 colour, 34’, 16mm + DCP, V : NO DIALOGUE / ENG, sub : –

Een reis door twee verschillende periodes van de Oostenrijkse cineast: zes films die ondanks de jaren die tussen de twee blokken liggen en de algemene centrifugerende beweging — van Wenen naar de Wereld — vanop afstand met mekaar dialogeren en vaak op een verrassende manier naar mekaar verwijzen. Wien, 17 Schumanngasse en (Calcutta) GO grijpen op 26 jaar en 7.000 km van elkaar naar dezelfde cinematografisch oerbeweging: een voorwaartse travelling in de stedelijke ruimte. Sugar Daddies en Prince of Peace hebben een eenvoudige én inventieve cinematografische aanpak en tonen een getekende of fotografische iconografie die ter plaatse is gevonden of meegebracht en in de montage geïnjecteerd. Beide films delen dezelfde fascinatie voor toiletten in de openbare ruimte en hun (homo-)erotische spanning. Een verborgen zijde van de voormalige keizerlijke hoofdstad (buitenwijken, afbraakwerven, anonieme straten en winkels, enz.) die Scheugl ook verkent, aan de zijde van Valie Export, in Hernals.

Hans Scheugl 1

Vertoning ingeleid door Hans Scheugl.

Un parcours au sein de deux périodes distinctes de la filmographie du cinéaste autrichien : six films, qui malgré les années qui en séparent les deux blocs et le mouvement centrifuge général – partant de Vienne pour aller vers le monde – dialoguent à distance et se font souvent étonnamment écho. Wien, 17 Schumanngasse et (Calcutta) GO reprenant presque, à vingt-six ans et 7 000 km de distance, le même geste cinématographique fondateur : un travelling avant dans l’espace urbain. Sugar Daddies et Prince of Peace partagent – entre dispositifs cinématographiques simples et inventifs, et iconographie sexuelle dessinée ou photographique, trouvée (et ramenée) sur place ou injectée par le montage – la même fascination pour les toilettes de lieux publics et leur charge (homo)érotique. Face cachée de l’ancienne capitale impériale (banlieue, chantiers de démolition, rues et magasins anonymes, etc.) que Scheugl explore aussi, aux basques de Valie Export, dans Hernals. Séance présentée par Hans Scheugl. A stroll through two distinct periods of Scheugl’s filmography: six films that entertain a remote dialogue and echo each other surprisingly, despite the years lying between the two blocs and the overall centrifugal movement: leaving Vienna to meet the world. Between Wien, 17 Schumanngasse and (Calcutta) GO lie almost twenty-six years and 7000 km of distance, yet the same cinematic founding gesture persists: a travelling in urban space. Sugar Daddies and Prince of Peace – between simple and inventive cinematic devices and drawn or photographed sexual imagery found on site (and taken home) or injected through the editing – share the same fascination for public toilets and their (homo)erotic connotations. In Hernals too, Scheugl explores, in the tracks of Valie Export, this hidden face of the former imperial capital, with its suburbs, demolition yards, anonymous streets and shops.

Hans Scheugl 1

Screening introduced by Hans Scheugl.

Hans Scheugl 2

Dear John IN COMPETITION Hans Scheugl, Austria 2014 colour, 42’, DCP, V : ENG, sub: –

VRIJ/VEN/FRI

09.10/17:00

Hans Scheugl 2

LEDOUX

Miliz in der Früh Hans Scheugl, Austria 1966 b&w, 17’, DCP, V : SILENT

“John, de naam van miljoenen is de naam van één iemand”. Nadat hij de 50 jaar oude brieven van een minnaar heeft teruggevonden en op het internet ontdekt heeft dat John, die onvrijwillig in Vietnam vocht, er niet gestorven is maar ergens aan de andere kant van de Atlantische Oceaan leeft, neemt Hans Scheugl zijn pen, micro en camera ter hand voor deze bijzonder ontroerende epistolaire film. Wat zou er gebeurd zijn als ze mekaar niet hadden ontmoet? Zou hij dezelfde man zijn geweest? En welk is het leven geweest dat ze niet hebben gedeeld sinds hun gedwongen scheiding? De recentste film van Hans Scheugl geconfronteerd met zijn allereerste: een ongebreidelde en experimentele fictie (loskoppeling van geluid en beeld, niet-lineair tijdsverloop, spel met kleuren, binnensmokkelen van fictie in documentaire elementen, enz.) gedraaid in de marge van de stad ten tijde van Godards Pierrot le fou (dus de tijd van de Vietnamoorlog, en de tijd van... John). Vertoning ingeleid door Hans Scheugl.

« John, le prénom de millions de personnes et le prénom d’une seule ». Retrouvant les lettres d’un amant cinquante ans après leur écriture et découvrant sur Internet que John, engagé de force au Vietnam, n’y est pas mort mais vit quelque part de l’autre côté de l’Atlantique, Hans Scheugl prend la plume, le micro et la caméra pour ce film épistolaire particulièrement touchant. Que se serait-il passé s’ils ne s’étaient pas rencontrés ? Aurait-il été le même homme ? Et quelle a été, depuis leur séparation forcée, cette vie qu’ils n’ont pas partagée ? Le dernier film en date d’Hans Scheugl confronté à son tout premier : une fiction débridée et expérimentale (séparation du son et de l’image, non-linéarité du temps, jeu sur la couleur, le braconnage de la fiction dans les éléments du réel, etc.) tournée dans les marges de la ville à l’époque du Pierrot le fou de Godard (donc l’époque de la guerre du Vietnam… et l’époque de John). Séance présentée par Hans Scheugl. “John, the name of a million is the name of one”. Fifty years after they were written, Hans Scheugl finds the letters of a lover. On the Internet, he discovers that John, forcedly engaged in Vietnam, is not dead but living somewhere on the other side of the Atlantic. He grabs his pen, microphone and camera for this particularly touching epistolary film. What would have happened if they hadn’t met? Would John have been the same man? And what, starting from their forced separation, has this unshared life been? Hans Scheugl’s latest film is contrasted with his very first one, Miliz in der Früh, an unbridled and experimental fiction film. The film – featuring separation of sound and image, non-linearity of time, play with colour, smuggling fiction in fragments of reality – is shot at the margins of the city at the time of Godard’s Pierrot le fou – that is to say, the time of the Vietnam War... and the era of the romance with John.

Hans Scheugl 2

Screening introduced by Hans Scheugl.

Ciudad Hidalgo, 1939 – Paris, 1992

& MétroBarbèsRochechou’Art De in 1939 in het Mexicaanse Ciudad Hidalgo geboren Téo Hernandez interesseert zich al heel jong voor cinema en richt samen met andere studenten van de Universiteit van Mexico een experimenteel filmcentrum op. In 1965 verlaat hij Mexico definitief voor Londen, en dan Parijs waar hij Michel Nedjar en Gaël Badaud ontmoet, twee van zijn meest trouwe medewerkers. Als auteur van zo’n 200 films, allemaal in Super 8 gedraaid, is Téo Hernandez erin geslaagd van zijn camera een natuurlijk verlengstuk van het lichaam te maken, een aftastend instrument ten dienste van de gezichtsreflexen. Een intuïtieve en virtuoze stylocamera, die organisch bediend wordt en fysieke impulsen vertaalt. "Zijn syntaxis: licht, schaduw, verschijning, revelatie, intensiteit, leegte, beweging" schrijft hierover zijn nauwe medewerkster Catherine Diverrès. Téo Hernandez, een cameraman in de organische zin van het woord, had als enig project te filmen, alles te filmen. Né en 1939 à Ciudad Hidalgo (Mexique), Téo Hernandez s’intéresse au cinéma dès son plus jeune âge, et crée, en compagnie d’autres étudiants de l’université de Mexico, un Centre expérimental de cinématographie. En 1965, il quitte définitivement le Mexique pour Londres, puis Paris où il rencontre Michel Nedjar et Gaël Badaud, deux de ses plus fidèles collaborateurs. Auteur de près de deux cents films, tous tournés en Super 8, Téo Hernandez est parvenu à faire de sa caméra une extension du toucher, un prolongement naturel du corps, au service des réflexes oculaires. Une caméra-stylo intuitive et virtuose, maniée dans un mouvement organique qui traduit l’effusion directe des impulsions physiques. « Sa syntaxe : lumière, ombre, apparition, révélation, intensité, vide, mouvement », écrit à ce propos sa proche collaboratrice Catherine Diverrès. Véritable « homme-caméra », Téo Hernandez aura eu pour seul projet de filmer, filmer tout.

Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Hervé Véronèse

Téo Hernandez

Téo Hernandez was born in 1939 in Ciudad Hidalgo, Mexico. Already from a young age, Hernandez was interested in cinema and together with other students from the University of Mexico, he created an experimental cinematography centre. In 1965 he left Mexico for London, then Paris, where he met Michel Nedjar and Gaël Badaud, who became two of his most loyal collaborators. Hernandez, author of nearly 200 films, all shot in Super 8 mm, managed to turn his camera into an extension of touch, a natural extension of the body that serves the ocular reflexes: an intuitive and virtuoso camera-pen, handled with an organic gesture that reflects the direct gushing out of physical impulses. In this context, his close collaborator Catherine Diverrès writes: ‘Its syntax: light, shadow, appearance, revelation, intensity, emptiness, movement’. Téo Hernandez, ‘a real camera-man’, had only one project: filming, filming everything.

Téo Hernandez, France 1981-1982

Téo Hernandez 1 / Paris

Nuestra señora de Paris colour, 22’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Parvis Beaubourg Téo Hernandez, France 1981 colour, 51’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Tussen het moment waarop hij zich in Parijs vestigt en zijn overlijden in 1992, is Téo Hernandez niet gestopt met het filmen van de Lichtstad, haar monumenten, haar steegjes, haar plaatsen gewijd aan cultuur, ontmoetingen en ontspanning. In Parvis Beaubourg filmt Hernandez de frenetieke activiteit van het voorplein van het Parijse instituut, een bruisende vrijplaats voor vertegenwoordigers van de tegencultuur, acrobaten, vuurspuwers en andere clowns. Voorafgegaan door een geheel subjectieve benadering van een van de beroemdste Parijse monumenten, de Notre-Dame.

ZAT/SAM/SAT

03.10/21:00 LEDOUX

Vertoning ingeleid door Mauricio Hernandez. Entre le moment où il s’installe à Paris et sa mort en 1992, Téo Hernandez n’a cessé de filmer la ville-lumière, ses monuments, ses ruelles, ses lieux dédiés à la culture, aux rencontres et au divertissement. Dans Parvis Beaubourg, il filme l’activité frénétique du parvis de l’institution parisienne, où se retrouvent, dans une effervescence débridée, les acteurs de la contre-culture, saltimbanques, cracheurs de feu et autres clowns. Précédé d’une approche toute subjective d’un des plus célèbres monuments parisiens, Notre-Dame de Paris. Séance présentée par Mauricio Hernandez.

Screening introduced by Mauricio Hernandez.

Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / image Centre Pompidou, MNAM-CCI

Téo Hernandez 1 / Paris

Between the time he moved to Paris and his death in 1992, Téo Hernandez didn’t stop filming the City of Light, its monuments, its streets, its places dedicated to culture, encounters and entertainment. In Parvis Beaubourg, Hernandez filmed the frenetic activity of the parvis in front of the Paris institution, where we find the actors of the counterculture, acrobats, fire eaters and clowns, all full of unbridled excitement. Preceded by a totally subjective approach to one of Paris’s most famous monuments, the NotreDame de Paris.

Téo Hernandez 2 / Mythologies ZON/DIM/SUN

04.10/18:00

Lacrima Christi Téo Hernandez, France 1978-1979 colour, 135’, 16mm, V : NO DIALOG

Lacrima Christi, het derde deel van de tetralogie genaamd Le Corps de la Passion (1977-1980), inspireert zich op de christelijke mythologie om er de scheppende kracht van een transformatie aan te ontlenen, en een identiteitsqueeste te filmen die de twee culturen bevraagt waartoe de cineast behoorde. Deze subjectieve expressie van een cultuurvermenging, een symbolisch traktaat in het teken van de dualiteit, is ongetwijfeld één van de eerste belangrijke werken van Hernandez. Twee eerste vertoningen ingeleid door Mauricio Hernandez. Troisième partie de la tétralogie intitulée Le Corps de la Passion (1977-1980), Lacrima Christi s’inspire de la mythologie chrétienne pour en tirer une force créatrice de transformation, dans une quête d’identité qui questionne les deux cultures auxquelles appartenait le cinéaste. Expression subjective d’un métissage, traité symbolique marqué par la dualité, Lacrima Christi est sans conteste une des premières œuvres maîtresses d’Hernandez.

Téo Hernandez 2 / Mythologies

Deux premières séances présentées par Mauricio Hernandez. Lacrima Christi, third part of the tetralogy Le Corps de la Passion (The Body of the Passion, 1977-1980), is inspired by Christian mythology, from which it draws a creative transformation force, in a search for identity that questions the two cultures to which the filmmaker belonged. Lacrima Christi is a subjective expression of cultural mixing our ‘métissage’, a symbolic treaty marked by duality. It is undoubtedly one of of Hernandez’s first masterworks. First two screenings introduced by Mauricio Hernandez.

Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / image Centre Pompidou, MNAM-CCI

Plateau

Téo Hernandez, France 1987 colour, 4’, 16mm, V : SILENT

Téo Hernandez 3 / Bernardo Montet / Gong

Vloof ! L’Aigrette Pas de ciel Téo Hernandez, France 1987 colour, 28’, 16mm, V : SILENT

ZON/DIM/SUN

04.10/20:45

Gong Téo Hernandez, France 1980-1981

Plateau

colour, 38’, Digital file, V : NO DIALOGUE

Dans, of het bewegend filmen van het lichaam in beweging, is een project dat ontstaat dankzij de beslissende ontmoeting tussen de cineast en de danser-choreograaf Bernardo Montet. Een vruchtbare samenwerking waaruit verschillende films zullen ontstaan, waaronder Vloof !, L’Aigrette en Pas de ciel, een loepzuiver voorbeeld van de stijl van Hernandez. Meer nog dan een dansfilm is Pas de ciel een feestelijke topontmoeting tussen twee uitdrukkingsvormen, waarbij cinema en dans via ritmes en beweging een wonderlijke dialoog aangaan. Vertoningen ingeleid door Mauricio Hernandez.

Séances présentées par Mauricio Hernandez. Dancing, or filming in movement the body in movement, is a project that started when Hernandez met filmmaker and choreographer-dancer Bernardo Montet. A decisive encounter – and a fruitful collaboration that would give birth to several films, including Vloof !, L’Aigrette and Pas de ciel. Pas de ciel, a clear example of Hernandez’s style, is more than just a dance film. The film celebrates the encounter between two forms of expression at their peak, whereby the force of cinema and the power of dance accord miraculously in a dialectic of rhythms and movements. Screenings introduced by Mauricio Hernandez. Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / image Centre Pompidou, MNAM-CCI

Téo Hernandez 3 / Bernardo Montet / Gong

La danse, ou filmer en mouvement le corps en mouvement, est un projet qui voit le jour avec la rencontre décisive entre le cinéaste et le danseur-chorégraphe Bernardo Montet. Une collaboration fructueuse qui donnera le jour à plusieurs films, dont Vloof !, L’Aigrette et Pas de ciel, un des films manifestes du style d’Hernandez. Plus qu’un film de danse, Pas de ciel célèbre la rencontre de deux formes d’expression à leur sommet, la force du cinéma et la puissance de la danse s’accordant miraculeusement dans une dialectique de rythmes et de mouvements.

Téo Hernandez 4 / MétroBarbèsRochechou’ Art

Liberté provisoire Téo Hernandez, France 1977 colour, 23’, Digital file, V : NO DIALOGUE

Grappe d’yeux (1982-1983, 14’) / 4 à 4 (1980-1983, 70’) ZAT/SAM/SAT

10.10/17:00 LEDOUX

Téo Hernandez, Michel Nedjar, Gaël Badaud & Jakobois, France 1980-1983 colour + b&w, 84’, 16 mm, V : NO DIALOGUE

In 1980 stelt Téo Hernandez aan drie vrienden voor een film samen te regisseren. Verzameld als collectief met de naam MétroBarbèsRochechouArt zullen de vier vrienden en cineasten 4 à 4 regisseren, een aanstekelijke getuigenis van de creatieve en collectieve vrijheidsdrang die de kunstenaars van het Parijs van toen bezielde. Voorafgegaan door een andere film van het collectief, een speelse en genereuze ode aan de vriendschap, en door een kortfilm in co-regie met Gaël Badaud, die ons uitnodigt in het populaire Parijs van de steegjes van Belleville en van het kerkhof Père-Lachaise, in het spoor van een gelegenheidspersonage. Vertoning ingeleid door Michel Nedjar

Téo Hernandez 4 / MétroBarbès-Rochechou’ Art

Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Hervé Véronèse

En 1980, Téo Hernandez propose à trois amis de réaliser un film à quatre. Réunis en collectif sous le nom de MétroBarbèsRochechouArt, les quatre amis et cinéastes vont réaliser 4 à 4, un réjouissant témoignage de l’esprit de liberté créatrice et de partage qui animait les artistes du Paris de l’époque. Précédé d’un autre film du collectif, ludique et généreux, qui célèbre l’amitié les yeux dans les yeux ; et d’un court métrage réalisé en collaboration avec Gaël Badaud, nous invitant dans le Paris populaire des ruelles de Belleville et du cimetière du Père-Lachaise, au gré des errances d’un personnage-prétexte. Séance présentée par Michel Nedjar. In 1980, Téo Hernandez proposed to three friends to make a film together. Gathered under the collective name of MétroBarbèsRochechouArt, the four friends and filmmakers made 4 à 4, an entertaining testament to the spirit of creative freedom and sharing that inspired the artists of Paris at the time. Preceded by another of the collective’s films, a playful and generous one that celebrates confidence in friendship; and a short film made in collaboration with Gaël Badaud, inviting us to the popular Paris alleys of Belleville and the Père-Lachaise Cemetery, following the wanderings of a character-pretext. Screening introduced by Michel Nedjar.

Warren Sonbert

Brooklyn, 1947 â&#x20AC;&#x201C; San Francisco, 1995

Warren Sonbert was één van de meest originele en invloedrijke figuren van de Amerikaanse experimentele cinema. Hij begint films te maken in 1966 terwijl hij aan de universiteit van New York studeert. Sonbert heeft zelf cinema onderwezen aan het San Francisco Art Institute, het Art Institute of Chicago en het Bard College. Hij heeft eveneens opera- en filmkritieken geschreven voor weekbladen uit San Francisco. Zijn eerste films, waarin hij de geest van zijn generatie heeft gevat, zijn eerst geïnspireerd door het universitaire milieu en vervolgens door de figuren van de Warholiaanse scene. Eind de jaren 1960, wanneer Sonbert zijn Bolex-camera begint mee te nemen op zijn reizen, verandert zijn cinematografische strategie, en begint hij zijn reisbeelden te verweven met scènes uit vroegere films. Een periode waarin de cineast blijk geeft zijn eerste ervaringen te kunnen omvormen tot meer voldragen werken, waarbij hij gebruik maakt van zijn karakteristieke "polyvalente montage", een techniek waarbij elk shot "kan gecombineerd worden met omringende shots in mogelijk talrijke dimensies". Sonbert maakte gebruik van zijn eerste ervaringen op het vlak van camerabewegingen, licht en framing om meesterwerken te creëren met een briljante montage die niet alleen stilstaan bij zijn New Yorks milieu maar ook bij menselijk gedrag in een ruimere context. Films waarin hij de kunst en de industrie becommentarieert, de nieuwsreportage en haar invloed op onze levens, of de interactie tussen de artistieke disciplines. Zijn laatste werkstukken komen uit bij symfonische montages (stil of met klank) die in zonderlinge combinaties de universele gebaren van de mens samenbrengen. Tijdens zijn carrière heeft Sonbert 18 films gemaakt. Voor zijn dood in 1995 werkte hij aan Whiplash. Die laatste film werd afgewerkt door de cineast Jeff Scher, volgens de precieze instructies van Sonbert.

Warren Sonbert est une des figures les plus originales et influentes du cinéma expérimental américain. Il commence à faire des films en 1966 alors qu’il est étudiant à l’université de New York. Sonbert a lui-même enseigné le cinéma au San Francisco Art Institute, au Art Institute of Chicago, et au Bard College. Il a également écrit des critiques d’opéra et de films pour des hebdomadaires de San Francisco. Ses premiers films, dans lesquels il saisit l’esprit de sa génération, ont d’abord été inspirés par le milieu universitaire puis par les figures de la scène warholienne. À la fin des années 1960, quand Sonbert commence à emporter sa caméra Bolex lors de ses voyages, sa stratégie cinématographique change, et il se met à tisser ses images de voyages avec des séquences de films antérieurs. Une période au cours de laquelle le travail de Sonbert montre la capacité du cinéaste à transformer ses premières expériences en travaux plus accomplis, recourant à son caractéristique « montage polyvalent », une technique où chaque plan « peut être combiné avec des plans ambiants sur, potentiellement, de nombreuses dimensions ». Sonbert s’est appuyé sur ses premières expériences en matière de mouvement de caméra, de lumière et de cadre pour créer des chefs-d’œuvre au montage brillant qui s’attardent non seulement sur son milieu new-yorkais, mais aussi, plus largement, sur la sphère de l’activité humaine. Des films dans lesquels il commente l’art et l’industrie, le reportage d’actualité et ses effets sur nos vies, ou encore l’interaction entre les disciplines artistiques. Ses derniers travaux aboutissent à des montages symphoniques (muets ou sonores) qui unissent en de singulières combinaisons les gestes universels des hommes. Au cours de sa carrière, Sonbert a réalisé 18 films. Avant sa mort en 1995, il travaillait sur Whiplash. La finition de ce dernier film a été faite par le cinéaste Jeff Scher, selon les instructions précises de Sonbert.

Warren Sonbert was one of the most original and influential figures in American experimental cinema. He began making films in 1966 while studying at the University of New York. Sonbert himself has taught filmmaking at the San Francisco Art Institute, the Art Institute of Chicago and Bard College. He also wrote critical reviews on opera and film for San Francisco weeklies. His first films, in which he captured the spirit of his generation, were first inspired by academia, later by the figures of the Warhol scene. In the late 1960s, when Sonbert began to take his Bolex camera with him on travels, his cinematic strategy changes and he begins to weave his travel images together with sequences of previous films. It’s a period during which his work shows the filmmaker’s capacity to turn his first experiences into more accomplished works, using his characteristic ‘polyvalent cutting’, a technique where each sequence ‘can be combined with ambient sequences with, potentially, many dimensions.’ Sonbert drew on his early experiences on camera movement, light and design to create brilliantly cut masterpieces that not only zoom in on his New York environment but also, more generally, on the sphere of human activity. These are films in which he comments on art and industry, news reporting and its effects on our lives, or the interaction between artistic disciplines. His last works culminate in symphonic (silent or sound) arrangements that unite the universal gestures of Men into unique combinations. Over the course of his career, Sonbert made 18 films. Before his death in 1995, he worked on Whiplash. This last film was completed by filmmaker Jeff Scher, following Sonberts precise instructions.

Warren Sonbert & Wendy Appel, USA 1966

Warren Sonbert 1 / Queer identity

Amphetamine b&w, 10’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Noblesse oblige Warren Sonbert, USA 1981 colour + b&w, 25’, 16mm, V : SILENT

Whiplash

ZON/DIM/SUN

04.10/21:15 LEDOUX

Warren Sonbert, USA 1995 colour, 20’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Talrijke creatieve en culturele werelden hebben Warren Sonbert geïnspireerd, maar geen enkele beleefde hij misschien intenser en verder van de spotlights dan die van zijn homoseksuele identiteit en de kwelling van het aidsvirus. In drie films geeft dit programma een beeld van de relatie die Warren Sonbert had met de gay-identiteit en -gemeenschap. Amphetamine zoomt in op jonge mannen die benzedrine gebruiken en de liefde bedrijven in de tijd van Sex, drugs and rock and roll; Noblesse oblige, een film met een complexe en virtuoze montage, brengt verslag uit over de bewogen manifestaties in San Francisco naar aanleiding van de moord op de burgemeester en op gemeenteraadslid (en gay-militant) Harvey Milk; Whiplash tenslotte, een elegische meditatie van Sonbert over zijn eigen sterfelijkheid, zal pas voltooid worden na de dood van de cineast, maar volgens zijn instructies.

Warren Sonbert 1 / Queer identity

Vertoning ingeleid door Jon Gartenberg.

Des nombreux univers créatifs et culturels qui ont inspiré Warren Sonbert, aucun peut-être n’a été plus intensément vécu, et cependant aussi peu reconnu publiquement, que son identité homosexuelle et l’affliction que lui causa le virus du sida. En trois films, ce premier programme rend compte des relations qu’entretenait Warren Sonbert avec l’univers et la communauté gays. Amphetamine s’attarde sur de jeunes hommes consommant de la benzédrine et faisant l’amour à l’ère du Sex, drugs and rock and roll ; Noblesse Oblige, film au montage complexe et virtuose, rend compte des manifestations qui ébranlèrent San Francisco au lendemain de l’assassinat du maire de la ville et du conseiller municipal et militant gay Harvey Milk ; Enfin, Whiplash, méditation élégiaque de Sonbert sur sa propre mortalité, ne sera achevé qu’après la mort du cinéaste, mais selon ses instructions.

Warren Sonbert 1 / Queer identity

Séance présentée par Jon Gartenberg. Of the many creative and cultural universes inhabited by Sonbert, none was perhaps more acutely experienced yet least publicly acknowledged than his homosexual identity and affliction with AIDS. This programme examines Sonbert’s relationship to the gay universe, beginning with his provocative and playful first film, Amphetamine, which depicts young men shooting amphetamines and making love in the era of sex, drugs, and rock and roll. The programme continues with Noblesse Oblige, a masterfully edited work that features imagery Sonbert photographed of protests in San Francisco following the murders of Mayor George Moscone and Councilman Harvey Milk at the hands of Dan White. The programme culminates with Whiplash, his elegiac meditation on his own mortality, a film that was completed posthumously according to Sonbert’s instructions. Screening introduced by Jon Gartenberg.

Warren Sonbert, USA 1967 colour, 34’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Warren Sonbert 2 / From mise-en-scène to montage

The Bad and the Beautiful The Tuxedo Theatre Warren Sonbert, USA 1968 colour, 21’, 16mm, V : SILENT

Een van de terugkerende thema’s in het werk van Warren Sonbert is dat van de liefde binnen een koppel. Een thema dat de cineast te berde brengt via zijn protagonisten, maar ook via de relatie tussen zijn vogelvrij bewegende camera en de gefilmde personen. The Bad and the Beautiful, een reeks minidrama’s, is opmerkelijk vanwege Sonberts montage die al in de camera tot stand komt. Eten, vrijen, dansen... elke sequentie capteert iets van de intimiteit van het koppel. Vanaf 1968 verruilt Sonbert de stijl die hem al als adolescent beroemd gemaakt had voor puur op montage gebaseerde films, waarvan The Tuxedo Theatre de eerste proeve is, en Carriage Trade het hoogtepunt zal zijn.

DIN/MAR/TUE

06.10/18:30 Plateau

Un des thèmes récurrents de l’œuvre de Warren Sonbert est l’amour dans le couple. Un thème que le cinéaste exprime au travers des protagonistes à l’écran mais également dans le rapport qu’il crée entre sa caméra, volontiers vagabonde, et les personnes filmées. The Bad and the Beautiful, une série de mini-drames, est remarquable pour l’utilisation que fait Sonbert du montage à même la caméra. Manger, faire l’amour, danser, chaque séquence saisit le couple dans son intimité. À partir de 1968, Sonbert abandonne le style de réalisation qui fit sa notoriété alors qu’il n’était qu’adolescent, pour développer un style de montage unique, dont The Tuxedo Theatre fait figure de premier essai, et dont l’aboutissement sera Carriage Trade, son œuvre maîtresse. Séances présentées par Jon Gartenberg.

Warren Sonbert 2 / From mise-en-scène to montage

Vertoningen ingeleid door Jon Gartenberg.

68 Warren Sonbert 2 / From mise-en-scène to montage

One of the most profound themes coursing throughout Sonbert’s work is that of love between couples in all its pitfalls and perfect moments. Sonbert expressed this theme not only between his protagonists onscreen, but also in the relationship between his everroving hand-held camera and the human subjects within his field of vision. The Bad and the Beautiful is noteworthy for Sonbert’s use of in-camera editing, in which he assembled together individual 100’ camera rolls (that he had shot himself) into a series of mini-narratives. Each camera roll sequence captures an individual couple in unusually intimate, quotidian moments: eating, making love, dancing, and whiling away the time. Beginning in 1968, Sonbert abandoned his earlier filmmaking style, which had brought him such notoriety in the public press while he was still a teenager. He began using his handheld Bolex camera to enlarge his field of vision beyond New York, recording footage as he travelled around the world. The Tuxedo Theatre offers evidence of Sonbert’s first steps in developing his unique style of montage, which subsequently resulted in his magnum opus, Carriage Trade. Screenings introduced by Jon Gartenberg.

Warren Sonbert, USA 1978 colour, 22’, 16mm, V : SILENT

Honor and Obey

Warren Sonbert 3 / Overarching themes

Divided Loyalties

(Art & industry, militarism & feminism - The female gaze)

Warren Sonbert, USA 1988 colour, 21’, 16mm, V : SILENT

DIN/MAR/TUE

A Woman’s Touch

06.10/20:00

Warren Sonbert, USA 1983

Plateau

colour, 22’, 16mm, V : SILENT

Warren Sonbert besteedde bijzonder veel aandacht aan de montage van zijn films. Hij verklaarde dat zijn ambitie kon gezien worden als “een poging om een reeks zorgvuldig uitgebalanceerde spanningen te behouden die het mogelijk maken de beelden op verschillende, soms tegenstrijdige manieren te lezen, zodat er veel interactie mogelijk is.” Elk van Sonberts films die volgden op Carriage Trade is gestructureerd rond een thema. Divided Loyalties heeft het over “de kunst tegenover de industrie en hun diverse snijpunten”. Honor and Obey onderzoekt elke vorm van mannelijke autoriteit, of ze nu familiaal, religieus, politiek of militair is. A Woman’s Touch is gemodelleerd naar Marnie van Alfred Hitchcock; beide films berusten op de stilistische interactie tussen “beelden van opsluiting en ontsnapping” en op de spanning tussen mannelijke dominantie en vrouwelijke zelfstandigheid.

Warren Sonbert accordait un soin méticuleux au montage de ses films. Il affirmait que « [son] ambition pouvait être vue comme une tentative de maintenir des séries de tensions soigneusement équilibrées permettant de lire les images de différentes façons, quelquefois de manières contradictoires, pour qu’il y ait beaucoup de possibilités d’interaction ». Chacun des films de Sonbert qui ont suivi Carriage Trade, est structuré autour d’un thème. Divided Loyalties traite de « l’art contre l’industrie et leurs divers croisements ». Honor and Obey interroge toute forme d’autorité masculine, en particulier familiale, religieuse, politique et militaire. Tandis que A Woman’s Touch est modelé sur Marnie d’Alfred Hitchcock, l’un et l’autre reposant sur l’interaction stylistique d’« images de fermeture et d’évasion » et sur la tension entre domination masculine et indépendance de la femme. Séances présentées par Jon Gartenberg.

Warren Sonbert 3 / Overarching themes

Vertoningen ingeleid door Jon Gartenberg.

70 Warren Sonbert 3 / Overarching themes

Sonbert’s montage works were meticulously constructed in the selection and sequencing of individual shots. Sonbert once wrote, that “the ambition might be seen as an attempt to hold finely balanced series of tensions in which one can read images a variety of ways, sometimes in contradictory stances so that there are many possibilities of interaction. “Each of Sonbert’s films after Carriage Trade was structured with an overarching theme in mind. Divided Loyalties, according to Sonbert, is about “art vs. industry and their various crossovers.” Honor and Obey questions all forms of male-dominated authority, particularly familial, religious, political, and military. Sonbert modelled A Woman’s Touch after Hitchcock’s Marnie, both in the stylistic interplay between “images of [en]closure and escape,” and in the thematic tension between male domination and female independence. Screenings introduced by Jon Gartenberg.

Jeff Scher, USA 1999

Warren Sonbert 4 / The travel diary

Postcard from Warren colour, 1’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Carriage Trade Warren Sonbert, USA 1972 colour, 61’, 16mm, V : SILENT

In Carriage Trade verweeft Sonbert beelden genomen tijdens zijn reizen in Europa, Afrika, Azië en de Verenigde Staten met fragmenten uit zijn eerste films. Carriage Trade was lange tijd een work-in-progress en deze versie van 61 minuten is de definitieve versie. Het is een film waarmee Sonbert de theorieën van de grote Sovjet-Russische cineasten van de jaren 20 bestrijdt; hij had een hekel aan de ‘reflexreactie’ die de montages van Eisenstein beoogden. Sonbert beschrijft Carriage Trade als een puzzel van prentbriefkaarten die verscheidene effecten willen teweegbrengen, en de kijkers in staat stellen verschillende verbanden tussen de beelden te leggen.

DON/JEU/THU

08.10/15:00 LEDOUX

Vertoning ingeleid door Jon Gartenberg.

Séance présentée par Jon Gartenberg.

Warren Sonbert 4 / The travel diary

Dans Carriage Trade, Sonbert tisse des images prises lors de ses voyages en Europe, en Afrique, en Asie et aux États-Unis, avec des plans extraits de ses premiers films. Carriage Trade est une œuvre qui fut en constante évolution et cette version de 61’ est la version définitive. C’est le film dans lequel Sonbert conteste les théories exposées par les grands cinéastes soviétiques des années vingt ; il avait une aversion particulière pour la « réaction-réflexe » produite par le montage d’Eisenstein. Sonbert décrit Carriage Trade comme un puzzle de cartes postales visant à produire différents effets, offrant aux spectateurs de multiples lectures des connexions entre les plans.

72 Warren Sonbert 4 / The travel diary

In Carriage Trade, Sonbert interweaves footage taken from his journeys throughout Europe, Africa, Asia and the United States, together with shots he removed from the camera originals of a number of his earlier films. Carriage Trade was an evolving workin-progress, and this 61-minute version is the definitive form in which Sonbert realised it, preserved intact from the camera original. With Carriage Trade, Sonbert began to challenge the theories espoused by the great Soviet filmmakers of the 1920’s; he particularly disliked the “knee-jerk” reaction produced by Eisenstein’s montage. Sonbert described Carriage Trade as “a jig-saw puzzle of postcards to produce varied displaced effects.” This approach, according to Sonbert, ultimately affords the viewer multifaceted readings of the connections between individual shots. Screening introduced by Jon Gartenberg.

Warren Sonbert, USA 1966

Warren Sonbert 5 / 60’s New York

Where Did our Love Go? colour, 15’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Hall of Mirrors Warren Sonbert, USA 1966 colour + b&w, 7’, 16mm, V : NO DIALOGUE

The Tenth Legion

DON/JEU/THU

08.10/18:00 Plateau

Warren Sonbert, USA 1968 colour, 30’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Truth Serum Warren Sonbert, USA 1967 colour 13’, 16mm, V : SILENT, rare unrestored print, soundtrack missing

Sonbert begint in 1966 films te maken wanneer hij cinema studeert aan de universiteit van New York. Where Did Our Love Go? vat op magistrale wijze de geest van zijn generatie via het dagelijks leven van The Factory van Warhol, bespiegelingen over Le Mépris van Godard en North by Northwest van Hitchcock, vrouwelijke rockgroepen van toen... Hall of Mirrors is ontstaan tijdens een les aan de universiteit van New York, toen Sonbert werd gevraagd een narratieve sequentie te monteren uit beelden van een Hollywood-film die nooit werd voltooid. Klassieke beelden die Sonbert aanvulde met opnamen die hij zelf maakte van twee Warholiaanse supersterren: René Picard en Gerard Malanga. The Tenth Legion illustreert Sonberts meesterschap in schoudercameravoering. De camera is constant in beweging en volgt de protagonisten in een choreografie die in clair-obscur licht baadt.

Warren Sonbert 5 / 60’s New York

Vertoningen ingeleid door Jon Gartenberg.

Sonbert commence à faire des films en 1966 alors qu’il étudie le cinéma à l’université de New York. Where Did Our Love Go? capte magistralement l’esprit de sa génération à travers le quotidien de la Factory de Warhol, des retours sur Le Mépris de Godard et La mort aux trousses d’Hitchcock, des groupes de rock féminins de l’époque… Hall of Mirrors est né lors d’un cours à l’université de New York, où il lui fut demandé de monter en une séquence narrative des plans d’un film hollywoodien qui ne fut jamais achevé. Images classiques que Sonbert agrémente de plans qu’il a tournés lui-même de deux superstars warholiennes : René Picard et Gerard Malanga. The Tenth Legion illustre la maîtrise de Sonbert pour la prise de vue caméra à l’épaule, constamment en mouvement, tandis qu’elle suit des protagonistes à la manière d’une chorégraphie baignée de lumières en clair-obscur. Séances présentées par Jon Gartenberg. Sonbert began making films in 1966, as a student at New York University’s film school. Where Did Our Love Go? captures the spirit of his generation, through the Warhol Factory days, glances at Godards’ Le Mépris and Hitchcocks’ North by Northwest, Girl rock groups and a disco opening. Hall of Mirrors is an outgrowth of one of Sonbert’s film classes at NYU, in which he was given the outtakes from a Hollywood film to re-edit into a narrative sequence. Adding to this found footage, Sonbert filmed Warhol’s superstars René Ricard and Gerard Malanga. The Tenth Legion stylistically exemplifies Sonbert’s masterful use of a constantly moving hand-held camera as it trails the college-age protagonists in choreographed fashion, and of chiaroscuro lighting effects in interior scenes.

Warren Sonbert 5 / 60’s New York

Screenings introduced by Jon Gartenberg.

Warren Sonbert 6 / Silent rythms – sound symphonies DON/JEU/THU

08.10/20:00 Plateau

Warren Jeff Scher, USA 1991 colour, 3’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Rude Awakening Warren Sonbert, USA 1976 colour + b&w, 36’, 16mm, V : SILENT

Friendly Witness Warren Sonbert, USA 1989 Rude Awakening gaat volgens Sonbert “over de Westerse beschaving en haar werk, over de ethiek van de activiteit en over de leefbaarheid van de uitvoering van ceremonieën en activiteiten.” Het felle kleurenpalet van Sonbert verhevigt de rituele aard van elke geobserveerde actie. De aandacht voor de materie van de film, de behandeling van het licht en het gebruik van schoudercamera – alles wijst op de invloed van Stan Brakhage. Sonbert was eveneens muziekcriticus. Maar pas in Friendly Witness, na 20 jaar regisseren, laat hij opnieuw muziek toe in zijn films. Hij kiest hiervoor opnamen uit zijn grote persoonlijke collectie, samengesteld uit klassieke muziek, pop en wereldmuziek. Met deze film, die synchrone activiteiten in de wereld met elkaar verweeft, plaatst Sonbert zich resoluut in het pantheon van de grote montagetheoretici uit de geschiedenis van de cinema. Vertoningen ingeleid door Jon Gartenberg.

Warren Sonbert 6 / Silent rythms – sound symphonies

colour, 22’, 16mm, V : NO DIALOGUE

Rude Awakening porte, selon Sonbert, « sur la civilisation occidentale et son œuvre ; sur l’éthique de l’activité et sur la viabilité de l’exécution de cérémonies et d’activités ». La vive palette de couleurs de Sonbert rehausse la nature rituelle de chaque action observée. L’incorporation de la matérialité du film, le traitement de la lumière et l’utilisation de la caméra à l’épaule, tout suggère l’influence de Stan Brakhage. Sonbert était également critique musical. Mais ce n’est que dans Friendly Witness, après vingt ans de réalisation, qu’il réintroduit des morceaux de musique dans ses films. Il sélectionne pour ce faire les enregistrements issus de son vaste répertoire personnel, composé de musique classique, de pop et de musiques du monde. Avec ce film, en tissant une extraordinaire palette d’activités synchrones dans le monde, Sonbert se place résolument dans le panthéon des grands théoriciens du montage de l’histoire du cinéma.

Warren Sonbert 6 / Silent rythms – sound symphonies

Séances présentées par Jon Gartenberg. Rude Awakening, according to Sonbert, is “about Western civilization and its work; activity ethic and the viability of performing functions and activities.” Sonbert’s vivid colour palette enhances the ritualistic nature of each action observed. The incorporation of the materiality of film, the treatment of light, and the use of a hand-held camera, all suggest the influence of Stan Brakhage, Sonbert’s ‘hero’. Sonbert was also a professional music critic. In Friendly Witness, he returned, after 20 years of making films, to incorporating music tracks back into his movies. In doing so, he selected specific recordings from his firsthand knowledge of a vast repertoire of classical, pop and world music idioms. Here as Sonbert weaves together an extraordinary palette of synchronous activity worldwide, he places himself firmly in the pantheon of the great montage theorists in film history. Screenings introduced by Jon Gartenberg.

Anne Charlotte Robertson Columbus, 1949 â&#x20AC;&#x201C; Framingham, 2012

Anne Charlotte Robertson (1949-2012) studeerde cinema aan het Massachusetts College of Arts in Boston onder de leiding van Saul Levine. De films van Anne Charlotte Robertson, die meestal in Super 8 zijn gedraaid, passen in de traditie van het gefilmd dagboek. Ze onderzoeken haar intieme leven via een mengeling van essais, performances en animatiesekwenties. Een visceraal, obsederend oeuvre, waarmee de cineaste de angsten, obsessies en compulsies heeft kunnen bezweren die samenhingen met de psychische stoornissen waaraan ze leed. Of hoe de cinema ook een therapeutische ervaring kan zijn. Anne Charlotte Robertson (1949-2012) étudie le cinéma au Massachusetts College of Arts à Boston sous la direction de Saul Levine. Les films d’Anne Charlotte Robertson, pour la plupart tournés en Super 8, s’inscrivent dans la tradition du journal filmé, et examinent sa vie intime en un mélange d’essais, de performances et de séquences d’animation. Une œuvre viscérale et obsédante, dans laquelle la cinéaste a su exorciser les angoisses, obsessions et compulsions liées aux différents troubles psychiques dont elle souffrait, en abordant de manière tout à fait inédite l’expérience thérapeutique par le cinéma. Anne Charlotte Robertson (1949-2012) studied film at the Massachusetts College of Art and Design (MassArt) in Boston under the direction of Saul Levine. The films of Anne Charlotte Robertson, mostly filmed in Super 8 mm and fitting into the tradition of the film diary, examine her private life in a mixture of essays, performances and animation sequences. A visceral and haunting work by which the filmmaker could exorcise her fears, obsessions and compulsions, linked to the different psychological disorders from which she suffered. In doing so, Robertson addressed the therapeutic experience through film in a totally novel way.

Anne Charlottte Robertson, USA 1981-82

Anne Charlotte Robertson 1

colour, 103’, Digital file, V : ENG, sub : –

Reels 1, 2, 9 & 22

five Year Diary – reels 1, 2, 9 & 22 Five Year Diary – reels 23, 31, 80 & 81 Anne Charlottte Robertson, USA 1982-94 colour, 105’, Digital file, V : ENG, sub : –

Met zijn monumentale duur van 36 uur, verspreid over 85 bobijnen van 26 minuten, is Five Year Diary het grootste werkstuk van de cineaste, dat twee decennia beslaat. In deze kroniek van haar dagelijks leven in Framingham, Massachusetts, documenteert Robertson zonder omwegen de strijd van een geest om te overleven te midden van ziekte en depressie. Sombere en intense innerlijke monologen, hier en daar getint met de humor en zelfspot eigen aan het besef dat de cineaste had van haar ziekte, geven een geweldige diepte aan deze therapeutische filmervaring. Vertoningen ingeleid door Saul Levine. Gigantesque corpus d’une durée de 36 heures, divisé en 85 bobines de 26 minutes, Five Year Diary est l’œuvre la plus importante de la cinéaste, puisqu’elle couvre près de deux décennies. Dans cette chronique de sa vie quotidienne à Framingham, Massachusetts, Robertson documente sans détours le combat d’un esprit pour survivre face à la maladie et à la dépression. De sombres et intenses monologues intérieurs, teintés çà et là de l’humour et de l’autodérision propres à la conscience qu’avait la cinéaste de sa maladie, donnent toute sa profondeur à cette expérience thérapeutique en cinéma.

VRIJ/VEN/FRI

09.10/21:00 LEDOUX

Anne Charlotte Robertson 2 Reels 23, 31, 80 & 81

ZAT/SAM/SAT

10.10/16:00 Plateau

Five Year Diary, a gigantic oeuvre of 36 hours divided into 85 rolls of 26 minutes, is the filmmaker’s most consistent work, as it covers nearly two decades. In it, Robertson straightforwardly documents the struggle of a mind to survive disease and depression, chronicling her daily life in Framingham, Massachusetts (US). The dark and intense inner monologues, here and there tinged with humour and self-mockery, testifying to the consciousness the filmmaker had of her illness, make this therapeutic experience in cinema so profound. Screenings introduced by Saul Levine.

Anne Charlotte Robertson 1 & 2

Séances présentées par Saul Levine.

Camaret-sur-Mer, 1928 – Cancale, 2015

René Vautier omschreef zichzelf graag als een militant cineast. Door gebruik te maken van fictie, improvisatie, humor en zelfs fabels lijkt het oeuvre van deze geëngageerde documentarist evenwel de codes te willen uitdagen om nieuwe vormen uit te vinden. Vautier, die een adolescent was tijdens de Tweede Wereldoorlog, treedt al heel jong toe tot het verzet. Na als 16-jarige gedecoreerd te zijn geweest, besluit hij nooit meer naar de wapens te grijpen maar zal hij van zijn camera zijn gevechtsinstrument maken. Als militant communist en met een diploma van het IDHEC op zak aanvaardt hij op zijn 21ste een opdracht om de weldaden van de Franse kolonisatie in West-Afrika te documenteren. Afrique 50, dat clandestien wordt gedraaid en verspreid, stuurt de opdracht terug naar de afzender om het geweld van het koloniale regime bloot te leggen. De film zal gedurende meer dan 40 jaar verboden zijn. Vanaf 1956 getuigt Vautier over de strijd van het FLN tegen de Franse bezetter in Algerije, een conflict waaraan hij in 1972 een antimilitaristische fictiefilm wijdt die lange tijd verboden zal zijn in Frankrijk: Avoir vingt ans dans les Aurès. In mei 68 neemt hij deel aan het avontuur van de Groupe Medvedkine. Hij richt in 1971 de Unité de Production Cinéma Bretagne op, waarvan de films bijzondere aandacht besteden aan de eisen van de gefilmde personen, die bij de fabricage van de film betrokken worden. Na gecensureerd, gevangengenomen en gemarteld geweest te zijn, heeft Vautier nooit zijn verzetspositie opgegeven: ingaand tegen de logica van de macht en het geldgewin is zijn “sociale interventiecinema” (zoals hij het omschreef) een cinema van ontmoetingen en acties die in de beweging van de strijd zijn eigen instrumenten en vormen heeft weten uit te vinden. René Vautier se définissait volontiers comme un cinéaste militant. Par le recours à la fiction, à l’improvisation, à la fable, l’œuvre de ce documentariste engagé semble pourtant avoir voulu défier les codes pour inventer des formes nouvelles. Résistant durant la Deuxième Guerre mondiale, décoré à 16 ans, il renonce aux armes pour faire de la caméra son outil de combat. Diplômé de l’IDHEC,

René Vautier

militant communiste, Vautier accepte à 21 ans une commande l’engageant à documenter les bienfaits de la colonisation française en Afrique de l’Ouest, qu’il détournera pour exposer la violence du régime colonial. Son film, Afrique 50, sera interdit pendant plus de 40 ans. Dès 1956, Vautier témoigne de la lutte du FLN contre l’occupant français pendant la guerre d’Algérie, un conflit auquel il consacrera en 1972 une fiction antimilitariste, Avoir vingt ans dans les Aurès. En mai 68 il participe à l’aventure du groupe Medvedkine, avant de fonder en 1971 l’Unité de production cinéma Bretagne, dont les réalisations accordent beaucoup d’attention aux revendications des personnes filmées. Censuré, emprisonné, torturé, Vautier n’aura jamais quitté cette position de résistance: contre les logiques du pouvoir et du profit, son « cinéma d’intervention sociale » (tel qu’il le définissait) est un cinéma de la rencontre et de l’action qui a su inventer, dans le mouvement de la lutte, ses outils et ses formes propres. René Vautier readily defined himself as an activist filmmaker. Yet by recurring to fiction, improvisation and even fable, this engaged documentary-maker seems to have wanted to challenge practices in order to invent new forms. Still a teenager during World War II, decorated at 16, he decided to never again resort to arms but to make the camera his fighting tool. He graduaded from the IDHEC filmschool and at 21, being a militant communist, he accepted a commission to document the ‘benefits’ of the French colonisation in West Africa, and turned the commission on its head to exposed the violence of the colonial regime. His film, Afrique 50, was banned for over 40 years. From 1956 on, Vautier gave testimony of the struggle of the FLN against the French occupation in Algeria – a conflict about which he made an anti-militarist feature film, Avoir vingt ans dans les Aurès, also banned for many years in France. In May 1968, he participated in the adventure of Groupe Medvedkine and, in 1971 he founded Unité de Production Cinéma Bretagne. The Breton groups’ realisations payed special attention to the people filmed, to their demands, involving them in the film’s production. Vautier – censored, imprisoned and even tortured – will keep on resisting: his ‘cinema of social intervention’, as he defined it, contests the logic of power and profit. It is a cinema of encounter and action that, while participating in the struggle, has invented its own tools and forms.

René Vautier 1

Afrique 50 René Vautier, France 1950 b&w, 17’, Digital file, V : FR, sub : –

ZON/DIM/SUN

Techniquement si simple (1971, 11’) / Les Trois Cousins (1969, 20’) / Le Remords (1973, 12’)

04.10/16:00

René Vautier, France 1969-1973

Plateau

b&w / colour, 43’, Digital file, V : FR, sub : –

Een pamflet tegen het Franse kolonialisme in zwart Afrika (Afrique 50), een essay voorafgaand aan de opnamen van Avoir vingt ans dans les Aurès (Techniquement si simple), een trieste fabel die de levensomstandigheden van de Algerijnse immigranten in Frankrijk aanklaagt (Les Trois Cousins) en een wrede, maar niet van humor gespeende dialoog waarin René Vautier met de nodige zelfspot vragen stelt bij zijn onvermogen om een racistisch fait divers waarvan hij getuige is aan de kaak te stellen (Le Remords). Un pamphlet contre le colonialisme français en Afrique noire (Afrique 50), un essai préalable au tournage d’Avoir vingt ans dans les Aurès (Techniquement si simple), une fable triste dénonçant les conditions de vie des immigrés algériens en France (Les Trois Cousins) et un dialogue cruel mais non dénué d’humour dans lequel René Vautier s’interroge avec autodérision sur son incapacité à dénoncer un fait divers raciste dont il est témoin (Le Remords).

René Vautier 1

A pamphlet against French colonialism in Black Africa (Africa 50), an essay (Techniquement si simple) that is preliminary to the filming of Avoir vingt ans dans les Aurès, a sad tale denouncing the living conditions of Algerian immigrants in France (Les Trois Cousins) and a cruel yet funny dialogue in which René Vautier, using self-mockery, questions his failure to denounce a racist aggression he has witnessed (Le Remords).

René Vautier 2

Avoir vingt ans dans les Aurès René Vautier, France 1971 colour, 100’, DCP, V : FR, sub : –

WOE/MER/WED

07.10/21:00 LEDOUX

Restoration by Cinémathèque de Bretagne & Cinémathèque française

Zeven dagen uit het leven van een commando bestaande uit jonge antimilitaristische jonge Bretoenen, die worden opgeroepen om verplicht deel te nemen aan de Algerijnse oorlog. Onder het gezag van een luitenant van het Franse leger worden ze meegesleept in de oorlog en slaan aan het plunderen, moorden en verkrachten. Met talrijke getuigenissen als basis maar gedraaid met improvisaties en een willekeurige tijdsstructuur, durft deze antimilitaristische fictiefilm – die ook de bekendste film van René Vautier is – een oorlog te tonen waarvan Frankrijk wou dat hij ongezien bleef. Prijs van de Internationale Kritiek op het Festival van Cannes 1972. Vertoning ingeleid door Moïra Chappedelaine-Vautier. Sept jours de la vie d’un commando composé de jeunes Bretons antimilitaristes, mobilisés de force pour participer à la guerre d’Algérie. Placés sous l’autorité d’un lieutenant de l’armée française, et pris dans l’engrenage de la guerre, ils en viennent à piller, tuer, violer. Construite sur base de nombreux témoignages mais tournée sur le mode de l’improvisation, et enchaînant librement les séquences temporelles, cette fiction antimilitariste – qui est aussi le film le plus connu de René Vautier – ose représenter une guerre que la France voulait sans images. Prix de la critique internationale au festival de Cannes 1972. Séance présentée par Moïra Chappedelaine-Vautier.

René Vautier 2

Seven days in the life of a commando composed of young antimilitarist Bretons that are forcibly mobilised to participate in the Algerian War. Placed under the authority of a French lieutenant and caught up in the war, they end up looting, killing and raping. This anti-militaristic feature is also René Vautier’s most famous film. Constructed from numerous testimonies but shot in an improvised fashion, freely linking different time sequences, it dares to present a war that France wanted to keep imageless. International Critics’ Week Grand Prix at the 1972 Cannes Film Festival. Screening introduced by Moïra Chappedelaine-Vautier.

René Vautier 3

Quand les femmes ont pris la colère Soazig Chappedelaine & René Vautier, France 1977 colour, 72’, Digital file, V : FR, sub : –

1975, de voorstad van Nantes. Uit solidariteit met hun stakende echtgenoten, overrompelen de vrouwen van arbeiders van de fabriek Tréfimétaux het kantoor van de directeur en verkrijgen in twee uur tijd wat men hen al maanden weigerde. Maar de directie dient klacht in en twaalf van hen worden beschuldigd van gijzelneming. In de vorm van een opeenvolging van dialogen, waarbij de verstandhouding tussen de cineasten en zij die gefilmd worden overduidelijk is, belicht deze kroniek van één jaar van mobilisatie het ontstaan van een intieme en collectieve, feministische en door arbeiders aangedreven bewustwording, terwijl de betekenis van engagement, het koppel en het gezin in vraag worden gesteld.

DON/JEU/THU

08.10/19:00 LEDOUX

Vertoning ingeleid door Moïra Chappedelaine-Vautier. 1975, banlieue de Nantes. Par solidarité avec leurs maris en grève, les femmes de travailleurs de l’usine Tréfi métaux envahissent le bureau du directeur et obtiennent en deux heures ce qu’on leur refusait depuis des mois. Mais la direction porte plainte et douze d’entre elles sont inculpées de séquestration. Sous la forme d’une succession de dialogues où la connivence entre les cinéastes et celles qu’ils filment est évidente, cette chronique d’une année de mobilisation témoigne de l’émergence d’une prise de conscience intime et collective, féministe et ouvrière, questionnant les notions de l’engagement, du couple et de la famille.

1975, the suburbs of Nantes, France. In solidarity with their striking husbands, the wives of workers from the Tréfimétaux factory invade the principal’s office. In two hours, they obtain what was denied to them for months. But the management files a complaint and twelve women are charged with kidnapping. This chronicle of a year of mobilisation takes the form of a series of dialogues in which the collusion between filmmakers and filmed women is obvious, showing the emergence of an awareness that is both intimate and collective, feminist and working class and that questions the notions of engagement, couple and family. Screening introduced by Moïra Chappedelaine-Vautier.

René Vautier 3

Séance présentée par Moïra Chappedelaine-Vautier.

René Vautier 4

Marée noire, colère rouge René Vautier, France 1978 colour, 54’, Digital file, V : FR, sub : –

VRIJ/VEN/FRI

09.10/20:00 Plateau

Aan de zijde van Bretoenen die strijden tegen de vervuiling van hun stranden door de schipbreuk van de olietanker Amoco-Cadiz, klaagt René Vautier de belachelijke maatregelen aan die door de regering worden genomen, de financiële belangen en de medeplichtige rol van de media, die de omvang van deze ecologische ramp in volle verkiezingscampagne verdoezelen. Een werkstuk dat tegeninformatie biedt, en waarbij de strijden analysebeelden worden afgewisseld met prachtige beelden van de zee, de zon, de lucht en de vogels. Met een experimentele klankband gespeeld door Gilles Petit op een zelf uitgevonden instrument, de “scorpion cosmique”. Aux côtés des Bretons luttant contre la pollution de leur littoral par le naufrage du pétrolier « Amoco-Cadiz », René Vautier dénonce les mesures dérisoires prises par le gouvernement, les intérêts financiers et le rôle complice des médias, qui étouffent l’ampleur de ce désastre écologique survenu en pleine campagne électorale. Une œuvre de contre-information où les images de lutte et d’analyse alternent avec celles, magnifiques, de la mer, du soleil, du ciel et des oiseaux sur une bande-son expérimentale jouée par Gilles Petit sur un instrument de son invention, le « scorpion cosmique ».

René Vautier 4

Alongside Bretons fighting against their coastline’s pollution by sunken oil tanker Amoco-Cadiz, René Vautier denounces the government’s ridiculous measures, the financial interests and the accomplice role of the media, which minimise the scale of this environmental disaster that occurs in full election campaign. A work of counter-information in which images of struggle, discussions and analysis alternate with beautiful shots of the sea, the sun, skies and birds – on an experimental soundtrack played by Gilles Petit with an instrument of his own invention: the “scorpion cosmique”.

Special Screenings

Exprmntl for kids ZON/DIM/SUN

04.10/15:00 LEDOUX

Fadenspiele 3 Ute Aurand & Detel Aurand, DE 2013 Colour, 9’, 16mm, V : NO DIALOGUE

The Adventure of an * John Hubley & Faith Hubley, USA 1957 colour, 11’, 35 mm, V : NO DIALOGUE

Entr’Acte IN COMPETITION

Lawrence Jordan, USA 2013 colour, 3’, 16 mm, V : NO DIALOGUE

EYE Guy Sherwin, UK 1978 b&w, 3’, 16 mm, V : SILENT

Glas Bert Haanstra, Netherlands 1958 colour, 11’, 35 mm, V : NO DIALOGUE

Paper Landscape Guy Sherwin, UK 1975 colour, 10’, 16 mm, V : SILENT

Exprmntl for kids

live performance

Exprmntl for kids Dit jaar richt l’Âge d’Or zijn programma ook op het jonge publiek en organiseert een voorstelling op maat voor de jongste liefhebbers van experimentele cinema. Apotheose van deze voorstelling wordt de performance Paper Landscape van Guy Sherwin, genodigde van het festival, die een programma zal afsluiten met zowel schatten van de collectie van het Filmarchief als films van de editie 2015. Vertrekkend vanuit het thema papier en landschappen verkennen we in de selectie films de ludieke poëzie van Ute Aurand, de dromerige beeldenpracht van Larry Jordan, de veranderende creaturen van de Hubleys, het lyrisme van Bert Haanstra en het lumineuze werk van Guy Sherwin. Een geweldig spel van licht, vertelling en ritmes, dat de verglijdende tijd weerspiegelt en op een zonderlinge manier en met muziek een hele wereld oproept. Cette année, l’Âge d’Or ouvre sa programmation au jeune public et propose une séance sur mesure pour les plus jeunes amoureux du cinéma expérimental. Mêlant trésors des collections de CINEMATEK et films de l’édition 2015, avec en point d’orgue la performance Paper Landscape de notre invité Guy Sherwin, cette sélection de films parcourt, entre autres, la poésie ludique de Ute Aurand, l’imagerie rêveuse de Larry Jordan, dévoile les créatures changeantes des Hubley et le lyrisme de Bert Haanstra. Jeu formidable de lumières, de narration et de rythmes, qui reflètent le temps qui passe et révèlent des univers de façon singulière et en musique. This year, L’Âge d’Or opens the programme to young audiences and offers a customised session for younger lovers of experimental cinema. Combining treasures from CINEMATEK collections with films from the current edition’s competition, with the performance Paper Landscape by our guest Guy Sherwin, this selection of films includes, among others, Ute Aurand’s playful poetry, Larry Jordan’s dreamy imagery, the Hubley’s transforming creatures and Bert Haanstra’s lyricism. This programme is a wonderful play of light, narration and rhythm that reflects the passing of time and reveals different worlds in a singular – and musical – manner.

In 1971, na 27 jaar gedwongen ballingschap, keren Jonas en Adolfas Mekas terug naar de plek van hun kindertijd in Litouwen. Going Home is een filmdagboek van Adolfas Mekas, die deze aangrijpende ervaring met grote tederheid en humor beschrijft. Een reeks sketches à la Home-Movie, compleet met dagboekfragmenten die Adolfas Mekas bijhield tijdens zijn jeugd. En 1971, après 27 ans d’exil forcé, Jonas et Adolfas Mekas reviennent sur le lieu de leur enfance, en Lituanie. Journal filmé, Going Home, retrace cette expérience poignante, avec beaucoup de tendresse et d’humour. Une suite de saynètes, à la manière du home movie, agrémentée de textes extraits du journal intime qu’Adolfas Mekas a tenu durant son enfance.

CINEMATEK restoration

MYRIAM GarFUNKEL EVENING

WOE/MER/WED

07.10/19:30 LEDOUX

Going Home Adolfas Mekas, USA 1973 colour, 61’, DCP, V : ENG, sub : –, CINEMATEK RESTORATION

In 1971, after 27 years of forced exile, Jonas and Adolfas Mekas return to the place of their childhood in Lithuania. Going Home is a film diary by Adolfas Mekas that retraces this poignant experience with great tenderness and humour. It’s a series of sketches à la Home-Movie, complete with excerpts from the diary Adolfas Mekas held during his childhood.

Twintig jaar geleden stierf Myriam Garfunkel, filmcritica en fervent bezoeker van het Filmmuseum. Kort na haar dood richtte haar familie een fonds voor filmrestauraties op. Dit door de Koning Boudewijn-

Myriam Garfunkel Evening

stichting beheerd fonds laat het Filmarchief jaarlijks toe films van de teloorgang te redden. Myriam Garfunkel, critique de cinéma et fervente adepte du Musée du cinéma, nous a quitté il y a vingt ans. Peu après son décès, sa famille a créé un fonds destiné à la restauration de films, qui, géré par la Fondation Roi Baudouin, soutient précieusement la Cinémathèque dans son travail de conservation. Cette année, c’est Going Home, d’Adolfas Me-

Twenty years ago, Myriam Garfunkel died. She was a film critic and regular visitor of the Film museum. Shortly after her death, her family set up a fund for film restorations. Each year this fund, managed by the King Baudouin Foundation, allows the Film Archive to save films from destruction or loss.

Myriam Garfunkel Evening

kas qui a fait l’objet d’une numérisation.

CINEMATEK restoration

Magnum Begynasium Bruxellense Boris Lehman, Belgium 1978 b&w + colour, 145’, DCP, V : FR, sub : NED, CINEMATEK RESTORATION

ZAT/SAM/SAT

10.10/14:15 LEDOUX

Levendige kroniek van de bewoners van de Begijnhofwijk, zo genoemd omdat ze zich op de plek van het voormalige Brusselse begijnhof bevindt. De film is opgevat als een encyclopedische inventaris en bestaat uit een dertigtal hoofdstukken die in elkaar passen als evenzovele puzzelstukken, of die als de talrijke, elkaar kruisende galerijen van een termietenheuvel zijn. De film speelt zich af in de ruimte en tussenruimten van een dag, van ochtendschemering tot nacht. Vertoning ingeleid door Boris Lehman. Chronique vivante des habitants du quartier du Béguinage - ainsi dénommé parce qu’il est situé sur l’emplacement de l’ancien béguinage de Bruxelles. Conçu comme un inventaire encyclopédique, le film est composé d’une trentaine de chapitres imbriqués les uns dans les autres comme autant de pièces d’un puzzle, ou encore à l’image d’une termitière aux galeries nombreuses et croisées. Il se déroule dans l’espace et dans les interstices d’une journée, commençant à l’aube pour se terminer la nuit. Séance présentée par Boris Lehman. A lively chronicle of residents of the Béguinage quarter, so named because it is located on the site of the former Brussels beguinage. The film, conceived as an encyclopedic inventory, is composed of thirty chapters imbricated like pieces of a puzzle, or that are like the many galleries of a termite hill. It takes place in the space and the interstices of one day, starting at dawn and ending at night.

CINEMATEK restoration

Screening introduced by Boris Lehman.

Ornette: Made in America legt Ornette Colemans evolutie vast over een periode van meer dan drie decennia. In 1983 keert Coleman naar huis (Fort Worth, Texas) terug als beroemd uitvoerder en componist. Documentaire beelden, dramatische scènes en enkele van de eerste videoclipachtige segmenten die ooit werden gedraaid, vormen de kroniek van zijn jongensjaren in het gesegregeerde Texas en de daaropvolgende opkomst als Amerikaans cultureel pionier en icoon van wereldklasse. Ornette: Made in America, een portret van het innerlijke leven van een kunstenaarvernieuwer, is essentieel kijkvoer voor iedereen die hoopt de geschiedenis van de jazz te begrijpen, net als de vruchtbare creatieve uitwisseling die de sixties en seventiesin Amerika markeerden. Ornette: Made in America saisit l’évolution du saxophoniste Ornette Coleman sur une période de trois décennies au moment où, en 1983, devenu un instrumentiste et compositeur de renom, il revient à Fort Worth, Texas. Des documents d’archives, des scènes rejouées et des séquences filmées à la première époque des vidéos musicales proposent une chronique de son enfance dans le Texas de la ségrégation puis de son émergence comme pionnier de la culture Made in America et icône musicale mondiale. Le film est précieux pour quiconque cherche à comprendre l’histoire du jazz et les échanges créatifs féconds qui illuminaient l’Amérique des années 1960 et 1970. Le portrait de la vie intérieure d’un artiste et d’un innovateur. Ornette: Made in America captures Ornette Coleman’s evolution over three decades. Returning home to Fort Worth, Texas in 1983 as a famed performer and composer, documentary footage, dramatic scenes and some of the first music video-style segments ever made, chronicle his boyhood in segregated Texas and his subsequent emergence as an American cultural pioneer and world-class icon. Ornette: Made in America is essential for anyone hoping to understand the history of jazz and the fertile creative exchange that highlighted the 60’s and 70’s in America. It is a portrayal of the inner life of an artist-innovator.

ZAT/SAM/SAT

10.10/21:00 LEDOUX

L’Âge D’Or Prize proclamation +

ZAT/SAM/SAT

10.10/21:30 LEDOUX

Ornette: made in America Shirley Clarke, USA 1985 b&w + colour, 77’, DCP, V : ENG, sub: —

+ party at KAFKA

CINEMATEK restoration

Closing night

CINEMATEK THANKS ITS PARTNERS FOR THEIR SUPPORT

SPECIAL THANKS TO… All the employees of CINEMATEK & all the filmmakers and guests of the festival.

REGISTERED PUBLISHER Nicola Mazzanti In charge of program Olivier Dekegel Curators Céline Brouwez, Olivier Dekegel, Philippe Delvosalle & Xavier Garcia Bardon TRANSLATIONS Steven Tallon & Alex Stockman Proofreading Anthony Blampied, Messaline Raverdy, Peter Rotsaert & Jean-Charles Tatum Jr. © CINEMATEK 2015 - 2016 Koninklijk Filmarchief / Cinémathèque royale

CINEMATEK Baron Horta 9, 1000 Brussels 02 551 19 19 - www.cinematek.be

TICKETS Screening € 4 € 2 + CINEMATEK cards: annual or threemonthly season-ticket, + 65, students

OPENING HOURS DURING THE FESTIVAL Daily from 14:00.

DON’T SHOW UP AT THE LAST MINUTE. Queuing may take some time. The screening rooms open 15 minutes before the start of a screening. Entrance is no longer possible once the screening has started. CINEMATEK closes once the last screening has ended.

ÂGE D’OR PASS € 50 € 25 + CINEMATEK cards

PLEASE NOTE: SEATS ARE LIMITED Ledoux screening room: 117 Plateau screening room: 29 So don’t wait too long!

BUY AT THE BOX OFFICE Baron Horta 9, 1000 Brussels BOOK ONLINE www.cinematek.be Until 14:00 on the day of screening. A print-out of your (mailed) order applies as a ticket, to be shown when entering the screening room (no need to queue at the box office).

RESERVE BY PHONE 02 551 19 19 Reachable Mon-Fri from 09:30; Sat-Sun from 14:30. Telephone reservations only possible for screenings on the day itself (and for the weekend on Fridays). Please note: reservations have to be claimed at the box office at least 15 minutes before the screening; unclaimed reservations are cancelled 15 minutes before the screening.

PARTIES AT KAFKA Kafka Visverkopersstraat 21, 1000 Brussels Gedurende twee zaterdagen, namelijk bij de opening op 3 oktober en wanneer het festival afsluit op 10 oktober, gaat Âge d’Or nog even door in nachtelijke, muzikale en feestelijke vorm. En wel pal in Brussel centrum, op de eerste verdieping van Café KAFKA. Van 22.30 tot 03.30 u. vind je er een muziekselectie die net zo rijk en gevarieerd als de keuze van de films in CINEMATEK. Alles verloopt in sonoor crescendo: in de vroege avond kan er nog voluit gediscuteerd worden maar en meer en meer bevordert de geluidssterkte de dans – tot een kot in de nacht. Les deux samedis de L’Âge d’Or, lors de l’ouverture du 03.10 et de la clôture du 10.10, le festival se poursuit sous une forme nocturne, musicale et conviviale, du côté du centre de Bruxelles au premier étage du café KAFKA. De 22h30 à 03h30, une sélection de musiques aussi riche et variée que le choix de films à la CINEMATEK, en un crescendo sonore n’empêchant pas la discussion en début de soirées et de plus en plus propice à la danse à mesure que l’on s’enfoncera dans la nuit… At the opening on the 3th of October and the closing on the 10th – that is, during the festival’s two Saturdays – Âge d’Or continues in a nocturnal, musical and festive form. It all happens in the center of Brussels, on the first floor of Café KAFKA. From 10.30 p.m. till 03.30 a.m., there will be a selection of music as rich and varied as the choice of films in CINEMATEK. All according to a sonorous crescendo: early evening, lively discussion is still possible, yet more and more the volume invites you to dance – till deep into the night.

FILMMAKERS L’Âge d’Or festival 2015

APPEL Wendy

NEDJAR Michel

AURAND Ute

NEUBACHER Christian

BADAUD Gaël

RABAN William

BARDSLEY Jessica

RIVERS Ben

BARON Rebecca

ROBERTSON Anne Charlotte

CALDINI Claudio

SALMON Margaret

CHAPPEDELEINE Soazig

SANDERS Talena

CLARKE Shirley

SCHER Jeff

DEBERNARDI Tonino

SCHEUGL Hans

FERMEPIN Julio

SHERWIN Guy

FOWLER Luke

SKOOG John

GIDAL Peter

SONBERT Warren

GIOLI Paolo

SWARTHNAS Daniel A.

GROEN Elke

TESPRATEEP Mount

HAANSTRA Bert

TODD Peter

HERNANDEZ Téo

VAUTIER René

HUBLEY Faith

VELEZ Pacho

HUBLEY John

VÖLTER Helmut

JACOBS Ken

VOM GRÖLLER Friedl

JAKOBOIS JORDAN Lawrence KYUNG-MAN Kim LEHMAN Boris LEVINE Saul LOO Lynn LOWDER Rose MARIN Pablo MEKAS Adolfas