Black Canvas 2020 Retrospectiva José Luis Torres Leiva
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24 Tour de Cine Francés
OCTUBRE 2020
PROGRAMA MENSUAL
ÍNDICE
CINETECA NACIONAL Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco. Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.
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24 TOUR DE CINE FRANCÉS
EN PORTADA El cielo, la tierra y la lluvia José Luis Torres Leiva · 2008
ABREVIATURAS D: Dirección. B/N: Fotografía en blanco y negro. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.
Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190. Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.
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BLACK CANVAS 2020
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BLACK CANVAS: FOCO JIA ZHANGKE
El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.
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RETROSPECTIVA JOSÉ LUIS TORRES LEIVA
PROGRAMACIÓN
OCTUBRE 2020
Dossier RETROSPECTIVA JOSÉ LUIS TORRES LEIVA Estéticas híbridas en la cinematografía de José Luis Torres Leiva
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Entre la ficción y el documental, entrevista con José Luis Torres Leiva
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ESTRENOS
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CICLOS
24 TOUR DE CINE FRANCÉS
OCTUBRE · 2020
A PARTIR DEL 9 DE OCTUBRE
El Tour de Cine Francés es una muestra itinerante que presenta la mejor selección de cine francés contemporáneo (en versión original subtitulada) alrededor de la República Mexicana, Centroamérica, Argentina y Chile, previo a su estreno comercial en salas. Fundado por Nueva Era Films, Cinépolis, la Embajada de Francia en México y la Federación de Alianzas Francesas, esta muestra tiene el propósito de promover el cine francés, y crear un nuevo público cinematográfico, ávido de la cultura y el lenguaje galo. Cada película se presenta entre dos y cuatro semanas en cada una de las ciudades que forman parte de nuestro amplio circuito de exhibición, y que en la Ciudad de México incluyen a la Cineteca Nacional como una de sus sedes principales. Como parte de la edición 24 del Tour de Cine Francés, algunas de las películas que podrán disfrutarse en las pantallas de la Cineteca son: Alguien, en algún lugar, filme romántico que presenta la historia paralela de dos jóvenes parisinos y las posibilidades
de su encuentro amoroso; La última vida de Simón, película juvenil de aventuras realizada por el ascendente director francés de ciencia ficción Léo Karman; Los iluminados, envolvente opera prima de la joven cineasta Sarah Suco; y La Belle Époque, comedia romántica que en la mejor tradición del Tour muestra una entrañable historia de amor protagonizada por el actor Daniel Auteuil.
CICLOS
24 TOUR DE CINE FRANCÉS
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
Alguien, en algún lugar · 2019
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24 TOUR DE CINE FRANCÉS
ALGUIEN, EN ALGÚN LUGAR
CICLOS
Deux moi · Francia-Bélgica · 2019 · 110 min. D: Cédric Klapisch.
Rémy y Mélanie rondan los treinta años y viven en el mismo barrio en París. Ella es bióloga y ha tenido varias citas fallidas a través de redes sociales; él tiene un trabajo que no le apasiona e intenta, sin mucho empeño, conocer a una chica. Ambos son víctimas de la soledad en medio de una metrópoli hiperconectada en la que conocer a alguien debería ser más fácil. ¿Lograrán los dos encontrarse? Con humor e ironía, esta película aborda la alienación urbana y el paradigma virtual en torno a las relaciones.
LA BELLE ÉPOQUE
Francia-Bélgica · 2019 · 116 min. D: Nicolas Bedos.
OCTUBRE · 2020
La cotidianidad de Victor, un hombre de sesenta años desilusionado de su realidad, cambia de forma radical al conocer a Antoine, un empresario que oferta un nuevo tipo de atracción. Mediante artificios teatrales y reconstrucción histórica, la compañía ofrece a sus clientes regresar a un momento que ellos elijan. Victor decide volver 40 años atrás, a la semana donde conoció al amor de su vida. El director Nicolas Bedos configura una historia sobre el amor, las brechas generacionales y el paso del tiempo.
LA ÚLTIMA VIDA DE SIMÓN
La dernière vie de Simon · Francia-Bélgica · 2019 · 103 min. D: Léo Karman.
Simón tiene ocho años y es huérfano. Su sueño es encontrar una familia que lo adopte. Pero él no es un niño como los demás, pues tiene un don muy particular: puede transformarse en las personas a las que ha tocado. El pequeño comparte su secreto con Thomas y su hermana Madeleine, quienes lo acogen cariñosamente durante un fin de semana, haciéndolo sentir querido e importante. Sin embargo, durante una escapada al bosque, ocurre una tragedia que transformará la vida de los tres para siempre.
LOS ILUMINADOS
Les éblouis · Francia · 2019 · 99 min. D: Sarah Suco.
Camille, de 12 años, y hermana mayor de una familia numerosa que vive en una pequeña ciudad francesa, está apasionada con su escuela de circo. Un día, sus papás deciden integrarse a una comunidad religiosa en la que la obediencia lo es todo, pidiéndole que se adapte a una forma de vida que la cuestiona y limita, pues el grupo se comporta cada vez más como una secta. Al darse cuenta de la gravedad de la situación, Camille se verá obligada a salvar a sus hermanos del aislamiento al que son sometidos.
CICLOS
MI PERRO TONTO
24 TOUR DE CINE FRANCÉS
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Mon chien Stupide · Francia · 2020 · 106 min. D: Yvan Attal.
Henri es un exitoso escritor que está atravesando por una crisis de mediana edad. Justo en el momento crítico en el que está haciendo un balance de su vida, aparece un enorme perro de metro y medio, maleducado y demasiado entusiasta, que decide instalarse en su casa. A pesar de los intentos de toda su familia por echarlo, el perro, al que deciden llamar “Estúpido”, se convierte en el nuevo mejor amigo de Henri y le ayudará a entender que la verdadera felicidad está en la adaptación al cambio.
TRES DÍAS Y UNA VIDA
Trois jours et une vie · Francia-Bélgica · 106 min. D: Nicolas Boukhrief.
UNA PEQUEÑA MENTIRA
Fourmi · Francia-Bélgica · 2019 · 105 min. D: Julien Rappeneau.
Théo está muy preocupado por su padre Laurent, un hombre solitario que se encuentra desilusionado por los golpes de la vida. La situación cambia cuando aparece la posibilidad de que el niño sea reclutado por un famoso club de futbol inglés. Sin embargo, el pequeño no pasará las pruebas y esto supondrá una nueva desilusión para Laurent. Para mantener la motivación de su padre, Théo continuará con la farsa de que ha sido seleccionado… Una linda historia sobre un hijo que lucha por salvar a quien más ama.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Navidad de 1999. En un pueblo minero en la frontera entre Francia y Bélgica, se producirán varios acontecimientos que cambiarán para siempre la vida de sus habitantes. Este thriller retrata un universo provinciano aparentemente seguro, en el que todos se conocen; un microcosmos delicado que un día se ve conmocionado por la inexplicable desaparición de Rémy, un niño de cuatro años. Entre mentiras, omisiones y amores secretos, esta historia explora la delgada línea entre la inocencia y la culpabilidad.
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CICLOS
BLACK CANVAS 2020
OCTUBRE · 2020
A PARTIR DEL 1 DE OCTUBRE El 2020 será un año que irremediablemente, para bien y para mal, será inolvidable para todos. Un año particularmente único, que nos orilló al aislamiento pero también invitó a la introspección, abriendo de una forma algo oscura, la puerta al cambio, o como disfrutamos decir en Black Canvas, a la transmutación. Fue de esta forma que se gestó lo que sin duda fue para nosotros como equipo, una edición inolvidable y que esperamos también lo sea de forma positiva para nuestro público cinéfilo, no sólo de la Ciudad de México, sino ahora de todo el país. Las agravantes de este año tan especial nos llevaron a trabajar en una serie de diversos escenarios posibles, confluyendo al final en esta edición que podemos ofrecer del 1 al 10 de octubre. Una edición híbrida donde cerca de 130 películas podrán verse desde Tijuana hasta Cancún gracias a nuestra nueva sede digital FilminLatino, que se suma a nuestras ya clásicas sedes físicas.
Las actividades de Black Canvas 2020, incluyen el foco al cineasta chino más importante del nuevo siglo, Jia Zhangke, y la retrospectiva completa a una de las voces más sólidas del panorama latinoamericano, José Luis Torres Leiva. Estas secciones complementan toda una oferta fílmica que tiene como único fin volvernos a reencontrar, ya sea desde casa o en espacios físicos (siempre con seguridad y responsabilidad sanitaria), para volver a experimentar en comunidad la magnificencia de la infinita experiencia cinematográfica que se conjuga en nuestra programación.
CICLOS
BLACK CANVAS 2020
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
Primera vaca · 2019
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BLACK CANVAS 2020
PARI
CICLOS
Grecia-Francia-Países Bajos-Bulgaria · 2020 · 101 min. D: Siamak Etemadi.
Babak, un estudiante iraní que vive en Grecia, no llega a recoger al aeropuerto a sus padres, una pareja de musulmanes devotos que se encuentran fuera de su país por primera vez y que, al no ver a su hijo, intentan hallar alguna pista que los lleve hacia él. Pronto se encuentran en un callejón sin salida, pero Pari, la madre, no se dará por vencida y seguirá los pasos de su rebelde hijo por los oscuros rincones de Atenas, una ciudad llena de intersecciones políticas y culturales.
BUZÓN ROJO DE LA CALLE ESCHER
Escher dori no Akai Posuto · Japón · 2020 · 147 min. D: Sion Sono.
OCTUBRE · 2020
El director de cine Tadashi Kobayashi convoca a una audición para su nueva película. Varias actrices y actores peculiares solicitan los papeles principales, pero la mayoría terminan trabajando como extras. Durante la filmación, los pensamientos y sentimientos de todo el equipo comienzan a surgir, por lo que el rodaje se descontrola. Recuperando el singular tono de su filmografía, el nuevo trabajo de Sion Sono es una película sobre el quehacer cinematográfico, la escritura y el significado de los extras.
PRIMERA VACA
First Cow · Estados Unidos · 2019 · 122 min. D: Kelly Reichardt.
En la primera mitad del siglo XIX, un solitario cocinero viaja al oeste y se une a un grupo de cazadores de pieles en Oregon, aunque sólo se conecta con un inmigrante chino que busca fortuna. Pronto, ambos colaboran en levantar un negocio que depende de la vaca premiada de un rico terrateniente de la región. La directora Kelly Reichardt construye una búsqueda inquisitiva sobre los mitos fundacionales de Estados Unidos a partir de un tono basado en la descripción sensible de la amistad masculina y la vida rural.
EN EL CAMINO AL PARAÍSO
On Paradise Road · Estados Unidos · 2020 · 75 min. D: James Benning.
Exponente del cine experimental estadounidense, el director James Benning ha configurado una obra caracterizada por el retrato del paisaje norteamericano a partir de tomas fijas de larga duración en películas que, a menudo, son estudios sobre la naturaleza y la infestación del hombre en el mundo. Filmada en la casa de Benning en la localidad de Val Verde, California, durante el primer mes de la pandemia provocada por el SARS-CoV-2, En el camino al paraíso emerge como un retrato de los tiempos recientes.
CICLOS
LA CALMA
BLACK CANVAS 2020
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Ping Jing · China · 2020 · 93 min. D: Song Fang.
Lin es una directora de cine que al romper con su pareja de siempre, sufre una crisis emocional. Ella toma la decisión de sobrellevarlo sola, aunque no se niega a responder abiertamente a las personas con las que se encuentra y con el mundo a su alrededor. Conforme pasa el tiempo y la vida continúa, sus heridas comienzan a sanar. Con una deslumbrante belleza, el segundo largometraje de Song Fang es el viaje de una mujer solitaria en medio de las desilusiones y alegrías que emergen en el mundo actual.
ANNE A 13,000 PIES
Anne at 13,000 ft · Canadá-Estados Unidos · 2019 · 75 min. D: Kazik Radwanski.
KALA AZAR
Países Bajos-Grecia · 2020 · 85 min. D: Janis Rafa.
En las afueras de una ciudad en algún rincón del sur de Europa, una joven pareja comienza el día con su rutina de trabajo: reciben mascotas muertas de sus dueños para incinerarlas y devolver sus cenizas. Además de su labor remunerada, también recogen e incineran animales atropellados que encuentran mientras conducen su auto, el cual parece funcionar como su casa. En esta cotidianidad, humanos y animales coexisten armoniosamente hasta que el equilibrio se rompe cuando la pareja causa una muerte accidental.
PATRIAS
Domovine · Serbia · 2020 · 63 min. D: Jelena Maksimović.
En las montañas, una joven descubre el pueblo de su abuela, quien abandonó el lugar durante la Guerra Civil Griega (1946-1950). Allí, se enfrenta a las ruinas y al olvido. Con esta premisa, la directora Jelena Maksimović configura un viaje centrado en un pueblo abandonado que cobijó a campesinos perseguidos por sus ideas revolucionarias. Para ello, rastrea el andar de una protagonista que, motivada por el aburrimiento y la soledad, se conecta con el pasado de un país a través de lugares olvidados.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Anne, una trabajadora en una guardería en Toronto, tiene una vida aparentemente estable. Tras experimentar un salto en paracaídas en el viaje de despedida de soltera de su mejor amiga Sara, su mundo se pone de cabeza. Pronto empieza a cargar consigo una actitud temeraria y desenfadada cuyos efectos inundan su vida profesional y personal. A partir de metáforas y cambios temporales bruscos, el filme sigue los volátiles cambios emocionales de una joven a quien le cuesta poner los pies en el suelo.
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BLACK CANVAS 2020
TIPOGRAFÍA EN MAYÚSCULA
CICLOS
Tipografic Majuscul · Rumania · 2020 · 128 min. D: Radu Jude.
Durante el gobierno de Nicolae Ceaușescu en Rumania, buena parte de la historia oficial se tejía con la ayuda de la televisión. Sin embargo, existían muchas otras voces como la del joven Mugur Călinescu, quien escribía en las paredes mensajes de protesta en mayúsculas contra el régimen. Sus acciones fueron recopiladas en un archivo que mantuvo la Policía Secreta, quienes lo ultrajaron. Vinculando historias secretas y públicas, personales y colectivas, sale a la luz la historia de un héroe desconocido.
POEMA DE AMOR
Love Poem · China · 2020 · 115 min. D: Xiaozhen Wang.
OCTUBRE · 2020
Lo que parece ser una salida de fin de semana para visitar al abuelo, se convierte en una intensa discusión en la que una pareja saca a relucir sus resentimientos: mentiras pasadas, un cumpleaños olvidado, un posible divorcio y una muerte. Pero, ¿se han contado todo? El asfixiante espacio de un automóvil transformado por el esposo –interpretado por el director Xiaozhen Wang– en un plató cinematográfico, es el escenario de este filme donde el amor y el cine se entrelazan en un conmovedor relato.
DISTANCIAS ÍNTIMAS
Intimate Distances · Estados Unidos · 2020 · 61 min. D: Phillip Warnell.
Martha Wollner, legendaria directora de casting, deambula por las calles buscando un actor para interpretar el papel de un criminal. A través de los encuentros fortuitos que Martha tiene con los transeúntes en el distrito neoyorquino de Queens, la película revela con extrema sutileza la creciente intimidad entre extraños, atendiendo cuestiones como la organización social del espacio urbano, o los privilegios del color y la clase que tienden a forjar las interacciones de la gente en lugares públicos.
ISABELLA
Argentina · 2020 · 78 min. D: Matías Piñeiro.
Isabella es la quinta entrega de la serie "Las Shakespeareadas", que elabora ficciones contemporáneas sobre los papeles femeninos en las comedias de Shakespeare. En esta ocasión, Mariel es una actriz de Buenos Aires que, a lo largo de dos años de audiciones, trata de obtener el papel de Isabella, la heroína del juego de problemas “Medida por medida”, sin ningún éxito. La más reciente película de Matías Piñeiro se despliega como un rompecabezas sobre la dificultad que define el tono de nuestras decisiones.
CICLOS
LABERINTO DE CINE
BLACK CANVAS 2020
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Labyrinth of Cinema · Japón · 2020 · 179 min. D: Nobuhiko Obayashi.
Una sala de cine está a punto de cerrar. Su última noche dará una proyección maratónica de películas japonesas de guerra. Cuando un rayo cae sobre el teatro, tres jóvenes del público se ven arrojados al mundo dentro de la pantalla. El trío se encontrará envuelto en la Guerra Boshin, la Segunda Guerra SinoJaponesa, la Batalla de Okinawa y en Hiroshima. La última película de Nobuhiko Obayashi antes de su muerte en 2020, es una delirante muestra de amor al cine que contiene, además, un mensaje antibélico.
IVANA LA TERRIBLE
Ivana cea Groaznică · Rumania-Serbia · 2019 · 89 min. D: Ivana Mladenović.
EL AÑO DEL DESCUBRIMIENTO
España-Suiza · 2020 · 200 min. D: Luis López Carrasco.
Vecinos charlan en el interior de un bar entre cigarrillos y aperitivos. Recuerdan sueños insólitos, comparten preocupaciones o proyectan planes a futuro. El bar se encuentra en la ciudad de Cartagena, en el sudeste de España. A medida que avanza la jornada se escuchan, cada vez más cerca, los disturbios de la crisis industrial de 1992. Ese año se celebraron en el país los Juegos Olímpicos de Barcelona y una exposición vinculada a la celebración del V Centenario del “Descubrimiento de América”.
TAL DÍA HIZO UN AÑO
For the Time Being · Alemania-España-Suiza · 2020 · 71 min. D: Salka Tizinana.
Es verano en la cordillera andaluza. Larissa y sus dos hijos Jon y Ole viajan en coche hacia la finca de su suegra Pilar para encontrarse con el padre de los niños. A la espera de los familiares, Pilar y su hija Amalia continúan su labor en el campo, una rutina marcada por el calor extremo y la escasez de agua. Cuando el padre demora más de la cuenta, la familia deberá aprender a convivir. Tal día hizo un año abre un mapa de impresiones sensoriales que componen la arquitectura de un paisaje salvaje.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Ivana, quien trabaja como actriz en Rumania, decide pasar el verano al lado de su familia en su pequeño pueblo natal en Serbia. Cuando tenga que convertirse en el rostro de un festival de música y sus excéntricos amigos de Bucarest lleguen a visitarla, la joven se encontrará al borde de un ataque de nervios. Inspirada en una crisis vivida por la directora Ivana Mladenović, Ivana la terrible lleva a cabo una absurda reconstrucción de hechos reales con las interpretaciones de amigos y familiares.
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BLACK CANVAS 2020
MARE
CICLOS
Suiza-Croacia · 2020 · 84 min. D: Andrea Štaka.
Mare nunca ha volado, aunque vive junto a un aeropuerto con su esposo y sus tres hijos adolescentes. Ama a su familia, pero a veces se siente como casi una extraña en su propia casa. Viendo aviones cruzando el cielo, ansía un cambio y lo desconocido. Un día, un joven se muda a la casa de al lado, poniendo su vida a prueba. El tercer largometraje del director suizo Andrea Štaka plantea el nostálgico retrato de una mujer de mediana edad surcada por deseos de ir más allá del tedio de su vida cotidiana.
OCTUBRE · 2020
LA ÚLTIMA CIUDAD
CHICO VENTANA TAMBIÉN QUISIERA TENER UN SUBMARINO
Die letzte Stadt · Alemania · 2020 · 100 min. D: Heinz Emigholz.
Un arqueólogo y un diseñador de armas –quienes se conocieron en una vida previa siendo cineasta y psicoanalista– se reúnen en una excavación arqueológica en el desierto de Negev e inician un debate sobre la guerra y el amor. La trama, que pronto incluye una multitud de personajes, se desenvolverá con los actores intercambiando roles y papeles en un baile que nos lleva a las ciudades de Atenas, Berlín, Hong Kong y São Paulo, donde los viajes físicos y metafísicos irán tocando una gran variedad de temas. Uruguay-Argentina-Brasil-Países Bajos-Filipinas · 2020 · 85 min. D: Alex Piperno.
En un crucero en las costas de la Patagonia, un tripulante descubre un portal mágico que lleva al apartamento de una mujer. Simultáneamente, un grupo de aldeanos se encuentran con una aterradora choza cerca de sus asentamientos en Filipinas. Dos historias se entrelazan en un laberinto cinematográfico, donde la gente coincide hasta perderse. La enigmática opera prima del uruguayo Alex Piperno es un filme onírico y estimulante que enlaza mundos aparentemente inconexos e irreconciliables.
CLAVOS EN MI CEREBRO
Beynimdəki Mismarlar · Azerbaiyán · 2020 · 80 min. D: Hilal Baydarov.
Un joven vaga por las ruinas de lo que puede o no ser su hogar de la infancia, donde cada puerta que se desmorona se abre al pasado. Los recuerdos le llegan: de sus días de escuela, de sus seres queridos, de asombro, insensibilidad y derrota. La dolorosa invasión da lugar a reflexiones sobre los límites del cine y la vida. Por mucho que haya intentado cambiar, el joven –que puede o no ser el propio cineasta– siempre vuelve a los mismos lugares, a las mismas preguntas, a los mismos clavos en su cerebro.
CICLOS
ATARRABI Y MIKELATS
BLACK CANVAS 2020
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Atarrabi & Mikelats · Francia-Bélgica · 2020 · 123 min. D: Eugène Green.
La diosa Mari le confía al Diablo sus dos hijos procreados con un padre mortal para que los eduque. Cuando llegan a la mayoría de edad, uno de ellos, Mikelats, decide quedarse con su maestro, mientras que el otro, Atarrabi, escapa. Pero el Diablo logra retener su sombra. Con un estilo que va entre la espiritualidad y la sátira, el cineasta Eugène Green presenta una versión moderna del mito vasco para hablar del bien y el mal y la importancia de la humildad y la humanidad en un mundo aterrador.
LA VIRGEN DE AGOSTO
España · 2019 · 125 min. D: Jonás Trueba.
OROSLAN
Eslovenia-República Checa, 2019, 72 min. D: Matjaž Ivanišin.
Cuando un hombre conocido como Oroslan muere, la noticia se propaga en un pequeño pueblo esloveno causando tristeza y emotivas reacciones. Con tal de sobrellevar el dolor y restaurar el flujo de la vida, los pobladores comparten sus recuerdos sobre Oroslan, recreando su imagen a través de sus relatos. Entre realidad y ficción (verdaderos aldeanos repiten frases previamente escritas), Oroslan demuestra cómo el cine es capaz de generar leyendas, dando vida no sólo a un individuo sino a todo un país.
LA METAMORFOSIS DE LOS PÁJAROS
A Metamorfose dos Pássaros · Portugal · 2020 · 101 min. D: Catarina Vasconcelos.
Película autobiográfica en la que la directora Catarina Vasconcelos profundiza en su propio duelo e historia familiar. Partiendo de un interés por la figura de su abuela, la cinta deriva en un ensayo sobre la relación de la cineasta con su padre tras la muerte de su madre. En una estrategia híbrida que separa la realidad de la ficción, la película explora la pérdida, el dolor, la vida, la muerte, la felicidad y la tristeza representándolas visualmente a modo de una serie de bodegones de gran belleza.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Eva es una chica de 33 años que hace de su decisión de quedarse en Madrid durante el mes de agosto, todo un acto de fe. Necesita sentir las cosas de otra manera y piensa en el verano como un tiempo de oportunidades. En estos días de fiesta y verbenas se van sucediendo encuentros y azares, y Eva descubrirá que todavía tiene tiempo de darse una oportunidad. La virgen de agosto es una crónica del viaje íntimo de una mujer en busca de revelaciones, un cuento de verano naturalista, místico y festivo.
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BLACK CANVAS 2020
LOS LOBOS
CICLOS
México-Estados Unidos, 2019, 91 min. D: Samuel Kishi.
Max y Leo de 8 y 5 años, son llevados de México a Albuquerque (EUA) por Lucía, su madre, en busca de una mejor vida. Mientras esperan que su mamá regrese del trabajo, los niños exploran a través de la ventana de su departamento el inseguro barrio habitado por latinos y asiáticos; escuchan los cuentos, reglas y lecciones de inglés que ella les deja en una vieja reproductora de casetes, construyen un universo imaginario con sus dibujos y anhelan que su mamá cumpla su promesa de llevarlos a Disneylandia.
HASTA LOS CONFINES DE LA TIERRA
Tabi no Owari Sekai no Hajimari · Japón-Uzbekistán · 2019 · 120 min. D: Kiyoshi Kurosawa.
OCTUBRE · 2020
Yoko es una joven reportera japonesa cuya personalidad es puesta a prueba cuando viaja junto con su equipo técnico a Uzbekistán para grabar el último episodio de su serie de viajes alrededor del mundo. En parte un diario de viaje y en parte una sátira del espectáculo mediático, la última película del maestro del terror y el suspenso, Kiyoshi Kurosawa, toma una nueva ruta artística para presentar una historia de autodescubrimiento a lo largo de las bulliciosas calles de Tashkent y Samarcanda.
AL ABORDAJE
A l’abordage · Francia · 2020 · 95 min. D: Guillaume Brac.
En una calurosa noche en París, Félix conoce a una joven y se enamora al instante. A la mañana siguiente, ella sube a un tren rumbo al sur de Francia. Félix, decidido a seguirla, se monta en un auto con su mejor amigo Chérif y su renuente conductor Edouard. Pero al llegar, las cosas se tornan amargas: ella no parece muy complacida de verlo. Al abordaje explora con sentido del humor la diversidad de una joven generación francesa con sus puntos de fricción social y los posibles horizontes de fraternidad.
LA MUJER QUE CORRIÓ
Domangchin yeoja · Corea del Sur · 2020 · 77 min. D: Hong Sang-soo.
Mientras su esposo está en un viaje de negocios, Gam-hee se encuentra con tres mujeres en las afueras de Seúl. Primero visita a dos amigas cercanas en sus casas; a la tercera, una vieja conocida, la encuentra por casualidad en un cine independiente. Sus encuentros son amables, pero ajenos. Gam-hee en particular, se guarda mucho para sí en esas conversaciones con sus amigas, aunque todavía la llenan de emoción. Pronto, sus historias compartidas fluyen como corrientes para aflorar en la superficie.
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
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CICLOS
BLACK CANVAS: FOCO JIA ZHANGKE
OCTUBRE · 2020
Extractos del texto “Globalizada y en estragos: la China de Jia Zhangke” Revista Arcadia Colombia, 18 de julio de 2016
Fábricas y minas de carbón, ciudades demolidas, desiertos naturales e industriales. El cine de Jia Zhangke nos muestra una China que parece cada vez más devastada; un país irreconciliable con aquel que tenía en la cabeza Napoleón, sobre quien se suele decir que alguna vez dijo: «China es un gigante dormido; déjenle dormir, pues cuando despierte hará temblar al mundo». Encabezando la lista de los directores de la llamada Sexta Generación se encuentra Jia Zhangke, suficientemente rezagado para que se le pueda considerar un precursor, pero tan original y tan prolífico que es probablemente quien mejor ha logrado definir el cine chino reciente. Y no es difícil comprender por qué su visión ha llamado la atención en el mundo. A diferencia de otras, la mirada de Jia Zhangke no es una mirada nostálgica o melodramática; no hay épicas puestas en escena de guerras distantes o revoluciones recientes, no hay poéticos bambúes danzando en verdes bosques y no hay espectaculares dragones rojos con finísimos atuendos imperiales. En sus películas vemos gente corriente, trabajadores
A PARTIR DEL 2 DE OCTUBRE
apagados y maltrechos, no guerreros voladores y princesas que lucen blanca seda. El suyo es siempre un país yermo; sus personajes son seres humanos, no guerreros Shaolin ni personificaciones de los ideales políticos de China. Pese al reconocimiento internacional, credibilidad que sucedió por sus ya aclamadas películas, Jia Zhangke sigue teniendo dificultades en su tierra para obtener la aprobación del gobierno. Y aunque su cine ha estado cambiando, la esencia de su obra parece seguir siendo la misma. En tiempos más recientes, una exploración más profunda de la China rural, contemporánea y menos conocida (sin puños legendarios ni patadas voladoras), se ha vuelto más seria y más frecuente. Y ver cualquiera de sus obras puede ser un buen comienzo.
CICLOS
BLACK CANVAS: FOCO JIA ZHANGKE
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
Nadando hasta que el mar se torne azul · 2020
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BLACK CANVAS: FOCO JIA ZHANGKE
NADANDO HASTA QUE EL MAR SE TORNE AZUL
CICLOS
Yi zhi you dao hai shui bian lan · China · 2020 · 111 min. D: Jia Zhangke.
OCTUBRE · 2020
En mayo de 2019, un gran número de literatos y académicos chinos se reunieron en la provincia de Shanxi, región natal del director Jia Zhangke. Aquel encuentro es el punto de partida de este documental dividido en 18 capítulos que abarca la historia de la sociedad china desde 1949. Hilvanado por los recuerdos del difunto escritor y activista Ma Feng, y los testimonios e historias de vida de tres escritores que están en activo, el filme teje un relato espiritual de 70 años del pueblo chino.
CARTERISTA
Xiao Wu · China · 1998 · 105 min. D: Jia Zhangke.
Xiao Wu es un joven ladrón de poca monta que perpetra sus hurtos en el pueblo de Fenyang, China. Si bien esconde sus inseguridades en los grandes anteojos que usa y en su actitud desenfadada, poco a poco pierde el equilibrio mientras ve cómo su mundo criminal cae a pedazos. Ganador de dos premios en la Berlinale de 1998, el debut en el largometraje de Jia Zhangke es el retrato de un joven que, pese a las promesas de un futuro mejor, parece condenado al ostracismo social y una eterna soledad.
PLATAFORMA
Zhantai · China-Japón-Francia · 2000 · 155 min. D: Jia Zhangke.
El líder de un grupo de teatro aficionado anuncia cambios en sus políticas de programación, entre ellos la inclusión de música pop occidental. Estas variaciones denotan la influencia de Occidente y la adopción de nuevas convenciones en un pueblo de la China de los años ochenta, producto de las reformas económicas y culturales que empiezan a manifestarse en el país. Comprendida entre 1979 y 1989, esta película recrea un capítulo importante de la historia china.
CICLOS
PLACERES DESCONOCIDOS
BLACK CANVAS: FOCO JIA ZHANGKE
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Rèn xiāo yáo · China-Japón-Francia-Corea del Sur 2002 · 113 min. D: Jia Zhangke.
Dos mejores amigos de 19 años, Xiao Ji y Bin Bin, pasan el rato sin mucho que hacer. El impulsivo Xiao pronto se enamorará de la bella Qiao Qiao, bailarina, modelo y novia de un mafioso local, mientras que Bin, considera enrolarse en el ejército. Con tintes de erotismo y comedia negra, el tercer largometraje de Jia Zhangke reflexiona sobre una generación despreocupada que ve un futuro dictado por la ganancia financiera, en medio de las profundas transformaciones de la China de principios de siglo.
Xiǎo Shān húi jiā · China · 1995 · 59 min. D: Jia Zhangke.
Un día, Xiao Shan, un trabajador temporal en un restaurante de Pekín, es despedido por su jefe. Decidido a volver a Anyang, su ciudad natal, irá en busca de viejos conocidos que también residen en la capital para que le ayuden a regresar. Carta de presentación de Jia Zhangke a la comunidad cinematográfica de su país, este mediometraje fue realizado mientras el cineasta aún estudiaba en la Academia de Cine de Pekín, y lo llevó a conocer a sus futuros colaboradores.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
XIAO SHAN GOING HOME
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CICLOS
RETROSPECTIVA JOSÉ LUIS TORRES LEIVA
OCTUBRE · 2020
Pedro Emilio Segura Bernal Programador Black Canvas
Han pasado 16 años desde que el cineasta chileno José Luis Torres Leiva irrumpió en el panorama fílmico internacional para, desde muy temprano, consolidarse como una de las voces más propositivas de Latinoamérica. Para describir de la mejor manera el constante y polifacético trabajo del oriundo de Santiago de Chile (1972), creo que es mejor acercarse por medio del paralelismo. En este caso, me gustaría comparar su quehacer con el del director de orquesta. La ardua labor de esta figura consiste en diversos aspectos, desde el conocimiento profundo de las herramientas hasta las capacidades de dirección y coordinación de los componentes en búsqueda de la armonía. José Luis, en su variada y plural filmografía, hace este trabajo con creces. Para definir una carrera tan rica, donde la ficción armoniza, refuta, contrasta y abraza lo documental y viceversa, no hay mejor término que el de la sutileza, el talento que en adjetivo define al cineasta chileno más importante del siglo XXI. Sus largometrajes iniciales, El cielo, la tierra y la lluvia (2008) y Verano (2011) articulan
A PARTIR DEL 2 DE OCTUBRE dentro de sus cuerpos ficcionales, el espíritu del documental. Sin tensión alguna, si no todo lo contrario, desde la concordia, como si todos los elementos buscasen un acuerdo de homogeneización. Siempre reflexivo, curioso y humano, experimental pero lejos del entendimiento rupturista del término, el cine de Torres Leiva se puede definir como un cine de puentes, de alianzas consecuentes entre la meditación, la reflexión y la contemplación. Un cine donde cineastas convergen y se pasan la batuta narrativa constantemente (El viento sabe que vuelvo a casa), los cuerpos interactúan entre ellos y con su ambiente, espacio y tiempo; con la cámara de la ficción que conversa con su opuesto inherente, mientras las sutiles narrativas transitan queriendo ser desapercibidas para dar espacio a una libertad estética de construcción continua.
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
Vendrá la muerte y tendrá tus ojos · 2019
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EL CIELO, LA TIERRA Y LA LLUVIA
CICLOS
Chile-Francia-Alemania · 2008 · 110 min. D: José Luis Torres Leiva.
Ana, Verónica, Marta y Toro viven en el sur de Chile, de manera rutinaria y silenciosa. Se acompañan casi sin decirse nada en medio de un paisaje rural amargo, buscando amor fraternal, sexo y tiempos propios no sólo para despegarse de la soledad que los constituye íntimamente, sino también para reencontrarse ellos mismos. El cielo, la tierra y la lluvia es una película sobre la fusión del hombre y su entorno, en la que José Luis Torres Leiva muestra cómo las personas aprenden a vivir en soledad.
TRES SEMANAS DESPUÉS
Chile · 2010 · 58 min. D: José Luis Torres Leiva.
OCTUBRE · 2020
El 27 de febrero de 2010, un terremoto azotó la costa central de Chile. Cientos de personas murieron y gran cantidad de edificios fueron derribados. Tres semanas después, cuando terminó el shock inicial, José Luis Torres Leiva viajó a la zona devastada para rodar un documental en ocho días. Con su singular ojo poético para los paisajes naturales y el entorno urbano, el cineasta realizó una meditación visual en el que subjetivamente cruza todas las imágenes y sonidos vividos durante ese periodo.
VERANO
Chile · 2011 · 95 min. D: José Luis Torres Leiva.
Durante un caluroso día de verano pequeños eventos marcan la vida de un grupo de visitantes y trabajadores de un balneario en el sur de Chile. Pasan las largas horas de sol en la naturaleza aprendiendo a manejar, limpiando la casa, besándose por primera vez o sólo hablando y caminando. Verano representa sensorialmente todos los veranos que ya pasaron y que cohabitan en el presente, a partir de una puesta en escena que consiste en proyectar la película sobre un muro para registrar todo nuevamente.
VER Y ESCUCHAR
Chile · 2013 · 90 min. D: José Luis Torres Leiva.
José Luis Torres Leiva filma a distintos grupos de personas con dificultades visuales y auditivas mientras ellos conversan y comparten experiencias, recuerdos y sensaciones sobre la luz, la oscuridad, el silencio y el sonido del mundo que los rodea. Desde una respetuosa distancia que genera cercanía sin intimidar a los sujetos, Ver y escuchar es un documental que parte de la ceguera y la sordera para reflexionar sobre las dimensiones vinculadas al lenguaje, la percepción y la conciencia del mundo.
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EL VIENTO SABE QUE VUELVO A CASA
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Chile · 2016 · 104 min. D: José Luis Torres Leiva.
En la década de 1980, una joven pareja desapareció en Chiloé, sur de Chile. Este hecho misterioso sirvió de inspiración para un proyecto documental del cineasta chileno Ignacio Agüero. Años después, Agüero viajó a Chiloé en busca de locaciones y actores para una película de ficción, mientras que Torres Leiva lo siguió con su cámara. El resultado es un documental sobre el proceso de investigación de otra película, que enfrenta la ficción con la realidad en pos de un espacio intermedio donde ambas dialoguen.
VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRÁ TUS OJOS
Chile-Argentina-Alemania · 2019 · 90 min. D: José Luis Torres Leiva.
PROGRAMA DE CORTOMETRAJES
Duración aproximada: 45 min. D: José Luis Torres Leiva.
Este programa de cortometrajes reúne: Obreras saliendo de la fábrica (2005), relato sobre cuatro mujeres trabajadoras de una fábrica que se encuentran por azar y organizan un viaje a la playa; El sueño de Ana (2017), epílogo del largometraje Vendrá la muerte y tendrá tus ojos (2019), donde Ana cuenta un sueño que tuvo con su pareja, recientemente fallecida; y Sobre cosas que me han pasado (2018), basado en el libro del escritor Marcelo Matthey que narra su propia vida en un estilo de diario.
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Dos mujeres que han compartido toda una vida juntas se ven enfrentadas a la inminente enfermedad de una de ellas. La mujer enferma decide no hacerse ningún tratamiento y juntas se mudan a una pequeña casa en el bosque hasta el día en que la muerte llegue a sus vidas. Es así como volverán a reencontrar el amor que el tiempo fue sepultando por la rutina. En su más reciente largometraje, Torres Leiva mira la muerte desde el amor y la poesía con una historia cargada de caricias y sensibilidad femenina.
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El cielo, la tierra y la lluvia · 2008
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ESTÉTICAS HÍBRIDAS EN LA CINEMATOGRAFÍA DE JOSÉ LUIS TORRES LEIVA CINETECA NACIONAL MÉXICO
Extractos de un texto de Carolina Urrutia Neno Cinémas d'Amérique Latine, núm. 27 Toulouse, 2019
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OCTUBRE · 2020
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Verano · 2011
La obra del cineasta chileno José Luis Torres Leiva se conforma –por el momento– de nueve largometrajes documentales, dos de ficción y un número muy extenso de cortometrajes y de películas experimentales. La mayoría del material está disponible en línea y se puede navegar sin un orden definido, de modo atemporal, siguiendo las huellas estéticas que se organizan respecto a una singular búsqueda por la sensorialidad y la representación de lo cotidiano. Es interesante examinar la porosidad y plasticidad de Torres Leiva, el trasvasije permanente de dispositivos de representación de su obra, con variaciones en las duraciones, en los formatos, en las miradas que propone dar a ver. Su cine se sitúa en un lugar particular de la producción chilena contemporánea, transitando permanentemente entre el documental y la ficción, y absteniéndose de definir formaciones excluyentes o absolutas, articulando, por el contrario, indagaciones visuales y sonoras del paisaje, de las geografías, de las materialidades, del dispositivo mismo audiovisual, no importando demasiado en qué formato éste se sitúa. Es un cine de poesía y de ritmo, pero también un cine cartográfico en donde las vistas de la naturaleza y de los cuerpos, instalados en sus topografías particulares, adquieren un protagonismo especial. [...]
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Ver y escuchar · 2013
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El viento sabe que vuelvo a casa · 2016
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El cielo, la tierra y la lluvia · 2008
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Verano · 2011
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Corro Pablo, “El cine en otro sentido”, en El novísimo cine chileno, Uqbar, Santiago, 2011, p. 122.
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Cabe enfatizar que la opera prima de Torres Leiva [Ningún lugar en ninguna parte, 2004] se enmarca en los inicios del Novísimo Cine Chileno, pensando en una apertura y desvío de las ficciones y documentales nacionales frente a las formas de comprensión de una narración tradicional. En ese panorama, Torres Leiva es un buen ejemplo de cineasta que trabaja para organizar una poética personal en donde lo sonoro y lo visual establecen una comunicación única en la exploración de lo real. Sobre los filmes categorizados como ficción, como Verano (2011) y El cielo, la tierra y la lluvia (2008), podemos articular atributos similares a los del documental, básicamente porque estamos ante una representación en donde lo material y temporal serán, sin lugar a dudas, elementos de investigación. Donde la narración de ficción se debilita a un punto tal que las tramas se van desintegrando a lo largo de la historia, especialmente en Verano, un filme sobre dicha estación, sobre el estado anímico de sus múltiples personajes, sobre el acto de vacacionar, sobre la sensación del sol y del ocio. [...] Hace cinco años, Pablo Corro escribía en torno a Torres Leiva: «la eficacia estética y evidente disposición experimental orientaba la práctica audiovisual en otro sentido», y luego señalaba, «su objetivo, fue al mismo tiempo la realidad concreta y material de lo circundante y la realidad imaginaria como un sistema de tópicos visuales y sonoros, en el modo en que definió Gilles Deleuze la noción de tópico»1. Es decir, Corro advertía una tensión permanente entre realidad concreta e imaginaria, en referencia a los documentales chilenos de inicios de la década y a esta propuesta radicalmente distinta del audiovisual de Torres Leiva. Al ver sus películas, y en conjunto con aquello que vemos: la ciudad después de un terremoto, la rutina de los pacientes de un hospital psiquiátrico, o a un grupo de mujeres que van a descansar a la playa después de su jornada laboral, surgen preguntas que no apelan necesariamente a los contenidos, más bien a las formas. [...]
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Tres semanas después · 2010
Son filmes que proponen un desvío frente a una historia bien definida, donde la detención en un plano y el divagar mental serán trascendentales a la narración, y se permiten ciertas evocaciones, que otorgan los paisajes, percepciones sonoras que nos llevan al pasado, a la imaginación de una atmósfera que dejamos de percibir. El diseño sonoro, entonces, será relevante: tanto cuando hay habla como cuando hay silencio. Tanto cuando hay música extradiegética, como cuando el sonido es directo y permite percibir elementos invisibles y que están fuera de campo. Desde esa misma idea, observamos que no es constante o permanente la utilización del habla (ya sea narración off o personaje hablando frente a cámara), o hay una ausencia completa de diálogos en las películas. Esto varía de obra en obra. Por ejemplo, películas como Trance (2008) o Tres semanas después (2010) prescinden por completo de narración off o de los diálogos: las imágenes se despliegan y en sí mismas van generando un universo sensorial y perceptual, donde no hay una explicación requerida pues lo que está en juego entra en las categorías de lo exploratorio y experimental. [...] Torres Leiva, con una obra en construcción permanente, se sitúa en un lugar fundamental, aunque indeterminado, del cine chileno. Es un cineasta que trabaja desde un margen (en relación a la producción, financiamiento y exhibición), pero al mismo tiempo en un centro (respecto a las distintas convocatorias que propone: entre cineastas, formatos, materiales). Elabora una estética híbrida, unida siempre a la exploración de las formas, de los sonidos, de las materialidades y las plasticidades.
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José Luis Torres Leiva
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ENTRE LA FICCIÓN Y EL DOCUMENTAL, ENTREVISTA CON
Extractos de una entrevista de Nelson Carro a José Luis Torres Leiva Cineteca Nacional, Ciudad de México, 29 de septiembre de 2020
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El viento sabe que vuelvo
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a casa · 2016
Comencemos hablando de tu formación. Yo no estudié cine. Estudié comunicación audiovisual en una época en que en Chile todavía no existía la carrera de cine. Existió en la década de los setenta, después se cortó con la dictadura y comenzó a volver poco a poco con el regreso a la democracia a finales de los ochenta. Comunicación audiovisual tenía varias ramas y, hacia el final de la carrera, cine. Para mí fue muy significativo tener en esos últimos años como profesor a un cineasta chileno que se llama Cristián Sánchez. Me marcó mucho; yo tenía ganas de dedicarme al cine, era lo que quería y tenerlo como profesor significó abrir mi mente hacia otra manera de entender el cine y de acercarme a la narrativa cinematográfica. Fue un impulso para después de salir de la carrera tomar esa decisión con más certeza, sobre todo en una época en que era más difícil hacer cine, porque había muy pocas películas en Chile. […] En tu carrera has ido alternando entre el documental y la ficción, y en ocasiones el límite entre uno y otra no existe, es difícil definirlo. ¿Cómo ves tú esta relación entre documental y ficción? A mí me interesa mucho trabajar en los dos géneros y en el cruce que se da entre ellos. Precisamente porque comencé haciendo documentales. Lo que me interesaba era aprender a observar y a acercarme a ciertas realidades y a ciertas personas. Al principio estas películas las realicé de manera solitaria, sin un equipo técnico. Y eso me sirvió mucho, porque tuve el tiempo de aprender haciendo las películas y entender que ese acercamiento documental también me podía servir en la ficción. Siempre han estado muy ligados entre sí; muchas herramientas de ese acercamiento documental me han servido para dirigir a los actores, o para la escritura del guión, o para concentrarme en la observación de ciertos momentos. Muchas de las películas de ficción que he realizado tienen esa mirada y ese acercamiento, siempre esa carga documental y también esa carga de ficción en algunas partes. Y hay algunas películas en las que, como tú dices, no hay tanta diferencia entre una y otra, sino una mezcla.
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El cielo, la tierra y la lluvia · 2008
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Sobre cosas que me han pasado · 2018
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Obreras saliendo de la fábrica · 2005
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Supongo que la diferencia fundamental es en cuanto a la producción, pero la puesta en escena, por ejemplo, es muy similar. Si pudiera encontrar alguna diferencia, es en el tiempo que uno trabaja. Para hacer una película de ficción uno tiene un tiempo de rodaje más limitado para realizarla, aunque me interesa mucho todo el trabajo previo con los actores o para buscar los lugares precisos. Pero el tiempo de rodaje es obviamente más limitado, no alcanza a ser un mes, son algunas semanas. Y en un documental puedo tener la libertad de estar mucho más tiempo realizando la película.
Tú hablas del sonido y, efectivamente, el sonido que podría parecer un sonido realista está totalmente intensificado, de alguna manera. Eso me pasó cuando hice Obreras saliendo de la fábrica, uno de mis primeros trabajos. Ese cortometraje se filmó en 16 milímetros, sin sonido directo, sólo con un sonido de referencia que finalmente no se utilizó. Entonces, toda la construcción del sonido se hizo en estudio, en posproducción, y para mí fue el primer enfrentamiento al trabajo sonoro, al detalle y a la construcción de las escenas mediante el sonido, incluso lo que no estaba en el marco de la pantalla, sino lo que estaba fuera de campo. Me fascinó esa posibilidad sonora utilizada de una manera más narrativa. A partir de ahí comencé a escribir los guiones y a concentrarme en eso: un acercamiento a cómo se construyen las imágenes, pero también a cómo afectan a los personajes ciertos sonidos, un poco como una traducción de sus sentimientos. He ido construyendo una utilización del sonido más narrativa, y he tenido la suerte de trabajar con muy buenos sonidistas, tanto en sonido directo como en posproducción.
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Tú hablabas del guión. ¿Cómo es el guión en tus películas? Porque hay muy pocos diálogos y todo lo que se ve no puede estar descrito en el papel. Sí, es un tema en ese sentido. Con el tiempo me he dado cuenta de que no hay una sola manera de escribir un guión y he ido buscando una aproximación personal a la escritura. Claro, no son guiones muy extensos, son guiones que se concentran precisamente en la descripción de ciertas situaciones. Por ejemplo, para mí el sonido es un tema importante. Puedo escribir una escena pensándola desde el comienzo a partir del sonido. Trato de escribir la atmósfera sonora y lo que me interesa puntualmente de ciertas escenas. Entonces hay una descripción no sólo de la escena en sí, sino también de lo que rodea la escena. Y como bien dices tú, hay muchas cosas que son difíciles de transmitir a través de un guión, que son puramente cinematográficas y que tienen que ver con la imagen y el sonido […]
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Vendrá la muerte y
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Y de la misma forma influye el paisaje, por ejemplo, tiene un peso mucho más allá de lo estrictamente narrativo. Sí, absolutamente. Cuando escribo un guión o hago una película documental, me he dado cuenta de que el primer impulso tiene que ver con el lugar, con querer hacer una película en ese lugar que me llama la atención. Entonces es como un protagonista más dentro de la película. Y ese primer impulso de ir al lugar, conocerlo, investigarlo, saber qué es lo que me interesa, está presente después en la escritura del guión y en la construcción del relato. Y me interesa no sólo el espacio, sino cómo se escucha ese lugar, cómo la percepción que uno puede tener cambia con el sonido y las múltiples interpretaciones que se pueden hacer de esos lugares. El otro tema ligado al del sonido es el de la música. Tus películas tienen poca música y está trabajada de la misma manera que el sonido. No hay una música de fondo. Y por otro lado, has hecho unas cuantas películas directamente vinculadas a la música. ¿Cuál es tu relación con la música? Me gusta mucho la música y siempre ha sido un tema para mí cómo incluirla en las películas. Me pasa como con el descubrimiento del sonido cuando realicé Obreras saliendo de la fábrica; me parecía una utilización del sonido muy musical. Siempre he tenido la idea de que utilizar música ambiental era subrayar algo que ya estaba en el sonido, entonces utilizar la música me creaba un conflicto. Pero también he realizado estas exploraciones sobre la música en trabajos muy chiquitos e independientes, sobre lo que produce la música en las personas. Son películas más experimentales que están concentradas en el acto de escuchar la música. También he colaborado con amigos y amigas que se dedican a la música. Y también he tratado de darle una vuelta, de interpretar la música a través de las imágenes […]
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Tres semanas después · 2010
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El viento sabe que vuelvo a casa · 2016
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Los actores, o más bien las actrices… viendo las películas da la impresión de que más que una relación profesional es una relación de complicidad. ¿Cómo trabajas con ellas, cómo las eliges? Casi siempre he trabajado con los mismos actores y actrices, sobre todo actrices. Hay una relación de amistad de muchos años, de conocerlas hace mucho tiempo. Hay algo de documental en eso que me parece muy bonito, esa capacidad del cine de que estén presentes a través del tiempo y en distintos papeles. Documentar, por decirlo, un rostro, un cuerpo, una persona, a lo largo del tiempo me parece muy atractivo, es como compartir una vida a través del cine. Y hay cineastas que me gustan que trabajan con el mismo grupo de actores todo el tiempo: John Cassavetes, Jean-Luc Godard o John Ford. Me interesa trabajarlo así, que sean papeles distintos, porque también ese acercamiento va más allá de estar trabajando con una actriz o con un actor. Por eso también la elección de las mismas personas, por un asunto de confianza, de saber cómo trabajar y también de registrarlos a través del tiempo.
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Vendrá la muerte
¿Y qué tanto influyen en la creación de la película? El trabajo con los actores también ha sido un proceso de acercamiento y de conocimiento que ha ido variando. En un principio me cuestionaba mucho el trabajo con los actores, porque soy muy tímido y me daba pudor dirigirlos y acercarme a ellos. Desarrollé una metodología propia en este sentido. Escribo los guiones pensando en los actores y las actrices que los van a instrumentar, y a partir de ahí creo sus personajes. Cuando están en la película no ensayamos las escenas; lo que me interesa es primero crear momentos de conversaciones sobre los temas de la película, sobre sus personajes […] Esa fue una metodología que yo descubrí con Verano, una película que fue grabada con cámaras muy pequeñas, una High 8, y donde no utilizamos luz artificial. Había un registro como documental y actuaciones que parecen improvisadas, pero en realidad los actores estaban diciendo lo que decía el guion, que tenía muchas cosas de ellos. Ahí encontré una metodología que he trabajado hasta el día de hoy. En Vendrá la muerte y tendrá tus ojos hay muchas de estas cosas. Es una película que habla sobre la muerte, sobre el amor, y tuvimos muchas conversaciones con las dos actrices acerca de estos temas, de sus experiencias personales, de sus miedos […]
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Vendrá la muerte y tendrá tus ojos · 2019
Hablaste de varios directores, ¿cuáles son tus referentes y tus influencias, más allá de Ignacio Agüero, que ha estado presente en buena parte de tus películas? Del cine chileno, Ignacio Agüero y Cristián Sánchez han sido grandes referentes, aparte de sus películas que me gustan mucho por lo que implica también su manera de trabajar. Eso para mí ha sido una gran influencia. Y Raúl Ruiz, también. Del cine internacional hay un montón de directores que me gustan. En este tiempo de pandemia he tenido la posibilidad de completar filmografías de varios directores. Vi todo lo que encontré de Ozu, desde sus películas mudas […] Hay una directora que también fue una gran influencia, porque justo en el momento en que comenzaba a hacer películas tuve la oportunidad de ver una retrospectiva en un festival. Es Chantal Akerman. El trabajo que hizo entre la ficción y el documental y el estudio sobre el tiempo en sus películas es algo que me impactó, me llamó mucho la atención, y se convirtió en gran referente. Robert Bresson es un director que cuando estaba estudiando tuve la oportunidad de ver casi todas sus películas. Había visto un par antes, en las clases de Cristián Sánchez. Cuando uno se encuentra por primera vez con una película de Robert Bresson se da cuenta de que nunca ha visto algo así, y después se da cuenta de que nunca volverá a ver una película como las que dirigió Bresson. Hay algo en esa mirada y en sus propias obsesiones de acercarse al cine y de entender al cine que me parece muy hermoso.
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ESTRENOS
ESTRENO
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Mano de obra · 2019
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SUPERNOVA
D: Bartosz Kruhlik. 2019 · 98 min. · Color Polonia Dist: Mirada Distribución.
Extractos de un texto de Carlos Bonfil La Jornada ago. 24, 2020 Ciudad de México
El director y guionista polaco Bartosz Kruhlik eligió el título de Supernova en alusión al fenómeno que en la fase final de la vida de una estrella produce una explosión que dispara hacia todas las direcciones la materia contenida en el astro. En la brevísima trama de esta película, esa estrella supernova, ligada a una idea de agonía y desaparición, tiene como analogía dramática un accidente automovilístico. Desde la primera escena se instala en la atmósfera una premonición trágica: en una carretera solitaria se ve a una mujer, acompañada de sus dos pequeños hijos, alejarse del pueblo en que vive y del marido alcohólico que corre tras de ella, tropezándose en el camino. Michal Matys, el marido abandonado, pierde el equilibrio, cae en una zanja del camino, y cuando recobra un mínimo de sobriedad descubre que un accidente trágico acaba de producirse y que las vidas de sus seres más queridos se encuentran amenazadas. Con una formidable economía de recursos y un ritmo de exposición, el realizador coloca al espectador en el centro de una historia siniestra, cuyas repercusiones se despliegan y complican a lo largo de una narración. Lo notable de la cinta es la manera en que el espectador se vuelve testigo de una tragedia familiar en la que el político Adam Nowak, conductor responsable del accidente, pudiera librarse del peso de la justicia por las presiones que el gobierno ejerce sobre un jefe de la policía para proteger la impunidad. El coro de personajes que primero se acerca al lugar del accidente, para luego amotinarse cuando el espectro de la impunidad empieza a perfilarse, surge como una suerte de microcosmos de una sociedad silenciada e impotente ante el abuso sistemático de las autoridades. Supernova es un áspero cuento moral en la tradición del también polaco Krzysztof Kieślowski.
ESTRENO
AL OTRO LADO DEL PARAÍSO
D: André Ristum. O Outro Lado do Paraíso 2014 · 100 min. · Color Brasil Dist: Cineteca Nacional.
Extractos de un texto de Flávio Viera Vortex Cultural Brasil Traducción: Gustavo E. Ramírez
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En 1981, Luiz Fernando Emediato publicó el cuento autobiográfico O Outro Lado do Paraíso, que narra la trayectoria de una familia de Minas Gerais desde la óptica de un chico de 11 años. El cuento es un excelente retrato acerca de la transición de un gobierno democrático hacia el golpe militar [a principios de los años 60]. Tres décadas después, el director André Ristum aceptó el desafío de adaptarlo al cine. En la trama, así como en el libro, la historia es narrada desde el punto de vista de Nando, quien relata las aventuras de su padre, Antônio, un buscador de piedras preciosas que es seducido por las propuestas de reforma del presidente João Goulart y decide abandonar el interior de Minas para comenzar una nueva vida junto a su familia en Brasilia. La capital, todavía en obra, proporcionaba la posibilidad de prosperidad para aquellos que se mudaban a ella. Al principio, la mudanza significa para Nando algo doloroso, pues, al trasladarse a Brasilia, deja a su primer amor, Alice. Y es que las relaciones y la familia, son un punto que se desarrolla bastante tanto en la obra de Emediato como en el guion adaptado por Marcelo Muller. De este modo, el lazo existente entre el padre y el hijo también es uno de los ejes del largometraje, así como un tema de interés para Ristum. Poco a poco, sin embargo, el niño va sustituyendo su pasión por Alice por dos nuevos amores: los libros, interés alimentado por su nueva profesora Iolanda; y la atrevida y precoz Iara, hija de la maestra. A pesar de que los aspectos políticos son descritos a través de la visión ingenua de un chico de 11 años, es posible trazar paralelismos políticos importantes por medio de cuestiones puntuales, como el ascenso del movimiento sindical durante el periodo de Goulart, o la llegada de los militares, que generó una represión violenta a los sindicatos.
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MANO DE OBRA
D: David Zonana. 2019 · 82 min. · Color México Dist: Piano.
Extractos de un texto de Erick Estrada Cinegarage oct. 20, 2019 Morelia
ESTRENO
Cuando Jorge Fons dejó en la pantalla ese golpe que significa Los albañiles (1976), la propuesta fue tan cruda, tan teatral y tan real que el público tardó un poco en comprender que los personajes hablaban de las desigualdades e injusticias, los traumas y heridas del país. Mano de obra, en los limpios encuadres de su propuesta, en su historia cambiante, en el seguimiento que hace de un albañil oprimido moral, física y económicamente por el sistema que presume darle empleo y dinero, quiere dar un paso extra. El filme presenta a Francisco, albañil que, tras un accidente laboral que le afecta de manera directa y personal, y que también toca los derechos y necesidades de sus colegas, será el guía de una travesía de lucha en la que buscará primero corregir la injusticia de ese accidente y después arreglar su propia situación, que es la misma de todos esos millones de trabajadores en el país que nacen ya con desventajas sociales que sólo podrán librar –con suerte– saltando la barda que nos divide. Francisco se decide a hacerlo al cruzar la línea y encabezar una pequeña revolución en una película que comienza como un drama urbano para mutar en un thriller de fondo violento pero justiciero. Mano de obra cuenta con las sutilezas necesarias (apoyada en el trabajo fotográfico de Carolina Costa) para llevar la atención al siguiente plano, ese paso extra que en su utopía proponía Los albañiles: ¿qué es lo que podría ocurrir una vez que el cambio se logre? Si ese cambio es una mera apropiación, un simple cambio de nombres en la misma estructura, no se podrá llegar lejos; en ese sentido, la casa en Mano de obra es desde el comienzo un símbolo de los espacios que conocemos y los esquemas que llenamos. Con tino y filo, la película es mucho más pesimista de lo que permite una primera lectura.
ESTRENO
EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO
D: Aaron Sorkin. The Trial of the Chicago 7 2019-2020 129 min. · Color Estados Unidos Dist: Pimienta Films / Netflix.
Extractos de un texto de María Estévez ABC Play sept. 28, 2020 Los Ángeles
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En muchos casos, las manifestaciones concluyen con un enfrentamiento policial. Sin embargo, quizá nunca han tenido un final tan conmovedor como lo que ocurrió en el llamado juicio de los 7 de Chicago en 1968. Con los protagonistas de ese juicio, el concepto de contracultura se fortaleció en un año que cambió al mundo. Al frente, estaba el idealismo de jóvenes tratando de no ser silenciados ante un nuevo sorteo que, invariablemente, daría con sus huesos en la guerra de Vietnam. Con las masas revueltas lejos de centros gravitacionales y extremistas vendiendo sus doctrinas, los políticos de la época decidieron fustigar a la juventud eligiendo a ocho jóvenes para acusarlos de conspiración (para saber cómo se convierten en siete, hay que ver el filme). En El juicio de los 7 de Chicago, Aaron Sorkin convierte la historia en película y vuelve a mostrar su capacidad para escribir un guion que nos mantiene atentos a cada coma, a cada espacio para respirar. Es un filme brillante donde los actores demuestran que cada escena es importante. Sorkin ha encontrado su espacio como director en una cinta épica que encuentra el equilibrio justo entre el teatro de la sala del tribunal con una consideración más profunda del contexto. El relato va y viene entre el tumulto político de finales de los años 60, con guiños a los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Robert F. Kennedy, así como al número cada vez mayor de soldados enviados a Vietnam. Sin perder su objetivo y con elegancia, Sorkin demuestra que el drama legal es su punto fuerte, y en la lucha contra la injusticia su escritura pugilística se da un festín dejando momentos memorables. Como dijo Sacha Baron Cohen, «es el Shakespeare de hoy en día». Y yo diría que además se le nota todo lo que ha bebido de [Miguel de] Cervantes, de tanto como ha leído y releído Don Quijote.
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UN DISFRAZ PARA NICOLÁS
D: Eduardo Rivero. 2020 · 82 min. · Color México Dist: Fotosíntesis.
Extractos de un texto de Ricardo Gallegos La Estatuilla ago. 14, 2020
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En su corta pero fructífera existencia, el estudio Fotosíntesis Media tiene tres animaciones; todas buscan fomentar la concientización social. La increíble historia del niño de piedra (2015) explicó a los niños cómo procesar las emociones y pensamientos negativos; El ángel en el reloj (2017) tocó el tema de la muerte y el cáncer infantil. Ahora, Un disfraz para Nicolás gira en torno a un niño de diez años con síndrome de Down que, tras la muerte de su madre, se muda con sus abuelos y su primo David, quien tiene pesadillas por las noches. Nicolás tiene un baúl lleno de disfraces creados por su madre, y a través de ellos encuentra el valor para sumergirse en una aventura cuyo fin es salvar a David de sus pesadillas y forjar un lazo de amistad con él. La historia está ligeramente inspirada en el libro Pablo y el baúl de Jaime Mijares. Es fácil dejarse llevar por el vibrante mundo creado por [Eduardo] Rivero y su equipo. La animación 2D es fabulosa, tiene colores atractivos y el diseño de personajes es mágico. Hay influencias de Monsters Inc. [2001] y El increíble castillo vagabundo [2004], pero la película tiene un distintivo auténtico. Lo valioso es que Rivero no utiliza el síndrome de Down como excusa o motivo para chantajear las emociones de la audiencia, más bien es un elemento de Nicolás que no lo define ni le impide vivir. La película no se enfoca en ello, sino más bien resalta la capacidad del niño para hacer el bien y encontrar amor en cualquier rincón. Los disfraces no son para ocultarse, sino para agrandar sus virtudes. Además de acercarse al síndrome de Down con tacto y respeto, Un disfraz para Nicolás utiliza el concepto de las pesadillas para aterrizar un bonito mensaje para niñas y niños: las cosas pasan por algo, y de lo negativo siempre se puede sacar una enseñanza para seguir soñando.
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
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OCTUBRE · 2020
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