Programa mensual febrero 2009 by Cineteca Nacional de México

ÍNDICE

Programación febrero 2009 ESTRENOS A la orilla del cielo En la ciudad de Sylvia Slumdog Millionaire Voces silenciadas

6 8 10 12

Matiné infantil Kung Fu Panda

CICLOS Raymond Depardon: Cazador de imágenes Pirjo Honkasalo, la documentalista que vino del frío Retrospectiva F.W. Murnau La realidad no es como la pintan: Retrospectiva William Klein

PROGRAMAS DOBLES El plácido verdugo Infiltrados Tennessee Williams visto por Richard Brooks y Paul Newman Los inicios de Kurosawa

Historia del cine mudo Amores contrariados La isla del terror Tormentos de odio Simplemente amigos

16 22 26 34

40 41 42 43

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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Sergio Vela Presidente CINETECA NACIONAL Leonardo García Tsao Director General Susana López Aranda Directora de Difusión y Programación Ángeles Sánchez Gutiérrez Directora de Acervos Nelson Carro Subdirector de Programación Ricardo Cázares Subdirector de Acervos Catherine Bloch Gerschel Subdirectora de Investigación Abel Muñoz Hénonin Subdirector de Documentación Ernesto Favela Escalante Subdirector de Salas y Apoyo Técnico Programa Mensual de la Cineteca Roberto Garza Iturbide Subdirector de Publicaciones y Medios Agustín Gendron Zárate Jefe de Redacción Mauricio Matamoros Durán Jefe de Información

Programación sujeta a cambios. Para mayor información, consulte la página Internet www.cinetecanacional.net o llame al teléfono 4155 1190. Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y el día viernes en Diario Monitor, Reforma, Milenio y La Crónica de Hoy. Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad. El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones. Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite. Impresión: Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.V Av. Plutarco Elías Calles # 1321 Col. Miravalle Portada: Fotograma de Nosferatu, una sinfonía del horror (F.W. Murnau, 1921).

Jorge Martínez Micher Jefe de Publicaciones Érika Magaña Euroza Mariana Ruvalcaba Rougerio Diseño editorial Miriam Jiménez Hernández Jorge Magaña Molina Jose Luis Ortega Torres Orianna Paz Esmoris José Antonio Valdés Peña Investigación Javier Rodríguez Almaraz Exposiciones y montajes Patricia Talancón Solorio Investigación iconográfica Haydeé Pichardo Monroy Diseño de anuncios

Abreviaturas D: Dirección P: País, año G: Guión F en C: Fotografía en color F en B/N: Fotografía en blanco y negro M: Música E: Edición Prod: Producción Dur: Duración Dist: Distribución PC: Procedencia de copia

El mes de febrero, la programación de la Cineteca Nacional presenta cuatro ciclos relevantes: en primer lugar, una gran Retrospectiva F.W. Murnau, organizada conjuntamente con el 6º Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México, compuesta por once filmes en 35mm, mismos que abarcan toda la carrera de uno de los directores más innovadores de la historia. La mayoría de las funciones de este ciclo contarán con acompañamiento de piano en vivo. Coincidentemente (o tal vez no tanto), también se presentarán dos ciclos dedicados a la heterodoxa obra fílmica de un par de artistas de la imagen que cambiaron la historia de la fotografía: Raymond Depardon (en conjunto también con Ambulante, Gira de Documentales 2009) y William Klein (en conjunto con el FICCO). Finalmente, se exhibirá una muestra del trabajo de la documentalista finlandesa Pirjo Honkasalo, que incluye su trilogía sobre la espiritualidad, así como la varias veces premiada Las tres habitaciones de la melancolía.

En cuanto a los estrenos, se exhibirá Slumdog Millionaire, la más reciente cinta

de Danny Boyle, singular historia de amor y hermandad reconocida como la mejor película de 2008 por la crítica extranjera en Hollywood; dos filmes destacados de la 50 Muestra Internacional de Cine: A la orilla del cielo, de Fatih Akin, ensayo sobre la crueldad de la vida moderna construida a partir de un excelente guión, y En la ciudad de Sylvia, largometraje del director español José Luis Guerín, inclasificable (y bella) exploración sobre la mirada y el deseo. Asimismo, se estrenará Voces silenciadas, documental de la mexicana María del Carmen De Lara sobre la censura en diversos medios de comunicación masiva en nuestro país, a partir del caso de la periodista Carmen Aristegui. La matiné infantil presenta Kung Fu Panda, animación de los estudios DreamWorks que mezcla la charla motivacional con el cine de artes marciales.

Los programas de Historia del Cine Mudo presentan Amores contrariados

(Herbert Blaché y Winchell Smith, 1920), La isla del terror (James Cruze, 1920), Tormentos de odio (Lambert Hillyer, 1920) y Simplemente amigos (John Ford, 1920). Finalmente, los Programas Dobles están dedicados a Luis G. Berlanga, las dos versiones del filme Los inflitrados (tanto la original de Hong Kong como el

Fausto

remake de Martin Scorsese), Tennessee Williams visto por Richard Brooks y Paul Newman, y el primer Akira Kurosawa.

A la orilla del cielo

Existen seis personajes principales en A la orilla del cielo: dos madres, dos hijas, un padre y su hijo, todos estructurados en pares más o menos simétricos. En este extraordinario filme (ganador del premio al mejor guión en Cannes 2007), Auf der anderen Seite del escritor y director alemán Fatih Akin, podemos enconD y G: Fatih Akin. P: Alemania, 2007. F en C: Rainer Klausmann. M: Stefan Shantel Hantel. E: Andrew Bird. trar niños abandonados, padres extraviados que nunca Con: Nurgül Yesilçay (Ayten Öztürk), Baki Davrak (Nejat aparecen y una distancia geográfica y generacional que Aksu), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Nursel Köse (Yeter Öztürk), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Hanna Schygulla (Sucrece día a día. sanne Staub). Prod: Corazón International, The Match Incluso, al mismo tiempo, mientras las vidas de los Factory, Fatih Akin. Dur: 116 mins. Dist: Alfhaville. protagonistas se cruzan y entrelazan, el sentido de las relaciones humanas se vuelve más fuerte y sólido, a través de una frágil moral que se une debajo de la aleatoriedad y crueldad de la vida moderna. Y aunque la película coquetea con la violencia —accidental, sistemática, sexual y política—, posee un tono curiosamente gentil. Al inicio, Yeter, una mujer turca que trabaja como prostituta en Bremen, Alemania, afronta a dos amenazantes defensores de la moralidad islámica, quienes le piden que renuncie a su vida pecaminosa. “Me arrepiento”, dice entre dientes y, aunque sus palabras suenan más como a reproche que apología, éstas representan uno de los temas predilectos de Fatih Akin. Hacia el final de la película, Ayten, hija de Yeter, es confrontada por Susanne, una mujer alemana (madre de Lotte, amante de Ayten) quien ha sufrido una terrible pérdida, causada en gran parte por las acciones de la joven. Al no hablar alemán, Ayten trata de expresar su arrepentimiento abrumador en un inglés rudimentario. “Perdonado” es la única palabra que puede decir, como si estuviera ofreciendo absolución en lugar de implorarla. Esa compasión no siempre viene fácilmente o se expresa de manera clara, y eso es uno de los rasgos principales en el carácter del director. Es generoso con sus personajes, inclusive con los peores, pero también los mira con distancia mesurada cuando sus buenas intenciones van dando tumbos hacia el lado equivocado y sus malos impulsos dejan terribles frutos. Su cámara absorbe la belleza auténtica de Turquía (donde nacieron sus padres) y su nativa Alemania, consciente de la maldad, injusticia e hipocresía que imperan en ambas naciones. A la orilla del cielo está firmemente arraigada a estos lugares, manifestando un conocimiento circunscrito que silenciosamente demuele las ideas acerca del Este y el Oeste. Nejat, cuyo padre Ali emigró de Turquía, es profesor de literatura alemana e imparte algunas pláticas

sobre Goethe a estudiantes soñolientos. No es presentado como un símbolo de asimilación, sino como una persona más o menos conforme consigo mismo. No se puede decir lo mismo de Lotte. Su mezcla de impulsividad e idealismo infantil la enfrenta con su madre Susanne, una ex hippie cuyo acomodo en la clase media respetable la enloquece. Si me resisto a decir demasiado de lo que pasa en A la orilla del cielo, no es por miedo de dejar algo fuera. Fatih Akin provee sus propios spoilers en forma de títulos de capítulos que anuncian la muerte de ciertos personajes antes de haberlos conocido. Más que disipar el suspenso, estos descubrimientos intensifican por añadidura un elemento de temor. El estilo narrativo es una mutación del modelo no permeable de Babel de historias entrelazadas y guiones cronológicamente desenfocados, que permiten estar llenos de revelaciones y sorpresas. Pero la principal relevación es la película en sí. El anterior largometraje de ficción de Akin, Contra la pared, fue un viaje iracundo, conducido por la rabia y el deseo sexual, mismos que viajan por similares terrenos culturales y geográficos a una velocidad feroz. A la orilla del cielo posee un rango de percepción amplio y más contemplativo, con un sentido del humor deliberado, y si esto no empareja el impacto brutal de Contra la pared, sí tiene un poder acumulativo propio, tanto emocional como intelectual. Hacia el final uno conoce a los personajes tan bien que en una segunda vista nos parecerán completamente nuevos. Tal vez se deba a que el mundo en que habitan se reconoce de inmediato —hasta que vayamos al cielo, es aquí donde vivimos—, como ningún otro lugar donde hayas estado antes. A. O. Scott Diario The New York Times, Estados Unidos Mayo 21 de 2008 Traducción: Miriam Jiménez Del martes 3 al domingo 8, y del martes 17 al domingo 22

En la ciudad de Sylvia Un hombre abandona su hotel para dedicarse a contemEn la ciudad de Sylvia D y G: José Luis Guerín. P: España, 2007. F en C: Naplar, durante horas, los rostros de las mujeres en la terratasha Braier. E: Núria Esquerra. Con: Pilar López de Ayaza de un café. En cada rostro busca reconocer a Sylvia, la (Ella), Xavier Lafitte (Él), Michaël Balerdi (transeúnte), Tanja Czichy (Tanja), Gladys Deussner (lectora), Philippe a quien conoció seis años antes en un conservatorio de Ohrel (extraño). Prod: Eddie Saeta S.A., Château-Rouge arte dramático del Teatro Nacional de Estrasburgo. CuanProduction, Luis Miñarro. Dur: 84 mins. Dist: Cineteca Nacional. do al fin cree descubrirla se dispone a seguirla de lejos, internándose con ella por las estrechas calles del barrio antiguo, abordándola casi, perdiéndola después, sólo para encontrarla de nuevo, a ella o a alguien parecido a ella, en una ventana alisándose el pelo, y así comenzar, una vez más, su acoso incesante. A lo largo de En la ciudad de Sylvia, su largometraje más reciente, el catalán José Luis Guerín (Tren de sombras, 1997; En construcción, 2001) despliega su itinerario de imágenes urbanas en un territorio jamás nombrado, pero que pronto se revela como Estrasburgo, un cruce histórico de dos culturas y dos lenguas, como lo es también la ciudad natal del realizador, Barcelona. La película tiene de igual modo una ubicación fronteriza: es una ficción (aunque su autor la califica de no ficción por la ausencia de mayores líneas argumentales), pero conserva mucho del trabajo documental, casi arqueológico, que lo ha hecho famoso. Es un trabajo poético sobre la contemplación, y su inspiración se antoja en primera instancia literaria. El personaje semeja un poeta romántico decimonónico, algún iluminado de Nerval o un héroe stendhaliano: su recorrido por la ciudad, intentando capturar siempre un fugaz rostro femenino, también remite al protagonista de André Breton en Nadja. Y al menos en los alcances

de su mirada voraz, es Un hombre cubierto de mujeres, según la expresión y título de una novela de Drieu de la Rochelle. El realizador captura la ciudad de modo perspicaz, con el sonido amortiguado en las conversaciones del café, las solicitaciones muy sonoras de los vendedores ambulantes africanos, el deslizamiento del tranvía moderno, las faenas de limpieza en las calles, los parlamentos en alemán de los turistas vecinos, el ambiente de un verano apacible. Esta observación minuciosa remite a la experiencia de la directora francesa Agnès Varda, quien filma su propia calle Daguerre en el París de Daguerrotypes (1975), sin otra pretensión que registrar el trajín cotidiano y la vida comercial al aire libre. En la cinta de Guerín la ciudad vieja es un laberinto de callejuelas por las que el personaje emprende con temeridad su búsqueda amorosa; hay apenas unos cuantos diálogos y largos momentos en los que el espectador asume simplemente la mirada del protagonista, preguntándose, tal vez como él, si los gestos de alguna pareja en una mesa vecina de café anuncian una disputa inminente o una reconciliación, o si un rostro en apariencia banal no terminará por sugerir en poco tiempo algún misterio. En una escena notable, los rostros de varias personas se sobreponen y confunden a través de un vidrio; el deseo del peatón infatigable se dispersa entonces por la ciudad sin tener ya un destinatario preciso. En la ciudad de Sylvia es una singular exploración fílmica de la mirada y el deseo. Carlos Bonfil Diario La Jornada, México Noviembre 17 de 2008. Del viernes 6 de febrero al domingo 1º de marzo

Slumdog Millionaire Quisiera ser millonario Entrevista con Danny Boyle Slumdog Millionaire D: Danny Boyle. P: Gran Bretaña-Estados Unidos, 2008. Slumdog Millionaire tiene todos los elementos del cine G: Simon Beaufoy, basado en la novela Q&A de Vikas popular indio: humor, drama, romance, música y heroísSwarup. F en C: Anthony Dod Mantle. M: A.R. Rahman. E: Chris Dickens. Con: Dev Patel (Jamal Malik), Anil Kamo. Pero también posee una enorme carga de realismo poor (Prem Kumar), Saurabh Shukla (sargento Srinivas), que la aleja por completo de las producciones de BoRaj Zutshi (director), Freida Pinto (Latika). Prod: Celador Films, Film 4, Christian Colson, Tabrez Noorani. Dur: 120 llywood y la acerca al cine social británico. mins. Dist: Gussi-Artecinema. La película cuenta la vida de Jamal, un joven venido del estrato social más bajo en Mumbai que gana 20 millones de rupias en la versión india de Who Wants to Be a Millionaire? ¿Cómo es posible que Jamal responda correctamente a preguntas que ni los participantes más eruditos han contestado? Boyle lo explica mediante flashbacks en cada pregunta y de paso nos revela una poderosa historia de amor y hermandad.

¿Cómo fue la experiencia de filmar en Mumbai (Bombay)? Mumbai es una ciudad próspera y con una vitalidad increíble, y eso la hace un gran lugar para filmar. Debido a esta enorme vitalidad no puedes filmar de manera convencional; ya sabes, delimitando una zona, restringiendo accesos, cuidando al máximo la continuidad y ese tipo de cosas. En Mumbai tienes que ingeniártelas para trabajar de otro modo, porque si no lo haces vas a perder tiempo y muchísimo dinero. Además, sería una manera de negar u ocultar la esencia de una ciudad maravillosa, porque la verdadera esencia de la ciudad no está en la arquitectura o en los monumentos sino en su gente. Y esa marea interminable de personas que día a día se mueven por las calles es lo que más llamó mi

atención. Lo que hicimos fue tratar de adentrarnos en esta gran corriente de energía con la esperanza de captar la esencia de Mumbai en la película. Fue una experiencia liberadora. ¿Cómo pudieron trabajar así en una ciudad tan densamente poblada? Eso es interesante. Sabíamos que si utilizábamos equipo convencional de cine, es decir, cámaras de 35mm, rieles, grúas, luces, etc., la gente iba a pensar que ahí estaba una estrella de Bollywood y en cuestión de minutos hubieran llegado miles de personas. Así que decidimos trabajar con pequeñas cámaras digitales para no llamar tanto la atención. Y funcionó. Supongo que la gente pensó que estábamos haciendo un documental, porque éramos un grupo reducido grabando con cámaras digitales. ¿Desde el principio tenían planeado usar cámaras digitales? Tengo cierta inclinación hacia lo digital, pero siempre dejo que la historia me indique cómo debe ser contada. En este caso, el realismo de la historia me llevó al equipo digital. Sin embargo, cuando el cinefotógrafo Anthony Dod Mantle llegó a la India estaba desesperado por filmar con cámaras de 35mm. Lo dejé hacer algunas pruebas y no me gustó nada el resultado. Así que le dije: “lo siento, vas a tener que trabajar con cámaras digitales”. Los cinefotógrafos están hechizados por la belleza visual de la India. La arquitectura, los colores, la luz, los atardeceres. Pero yo no quería registrar nada de eso, es más, me parecen clichés. Para mí lo más importante es la historia y ésta requería de ese equipo pequeño, flexible, ligero y dinámico, capaz de moverse entre callejuelas y de entrar a barrios y zonas marginales sin provocar tanto alboroto. El idioma debió haber sido un problema... Originalmente la película fue escrita en inglés, pero cuando llegamos a Mumbai nos quedó claro que no íbamos a encontrar niños locales de siete años que lo hablaran bien, así que tuvimos que traducirlo al hindi. Por eso hay diálogos en inglés y en hindi. Por otra parte, durante el rodaje me acompañó un traductor que conocía muy bien el habla de los barrios pobres, las expresiones de los niños, y esto facilitó mucho la comunicación con ellos. Slumdog Millionaire mezcla el realismo social con el llamado masala de las producciones de Bollywood ¿En dónde ubica Danny Boyle a Slumdog Millionaire? Hay elementos de Bollywood, como el romance y el musical, pero también es una película británica por la enorme carga de realismo. En Bollywood no hacen ese tipo de cine y mucho menos filman en locación. Si quieren filmar un barrio simplemente lo construyen en un estudio, pero nunca trabajan en las calles. Yo filmé en lugares reales, con gente real, y eso es parte de una tradición del cine británico. La película, sin embargo, ni es Bollywood ni es realismo británico. Es una película sobre Mumbai, sobre la esencia de la ciudad y su gente. Roberto Garza Iturbide Extracto de entrevista publicada en la revista Cinemanía Febrero de 2009 A partir del viernes 20

Voces silenciadas Entrevista con María del Carmen De Lara

Voces silenciadas D: María del Carmen De Lara. P: México, 2008. F en C: Jorge Suárez. E: Leopoldo Best. Entrevistados: Carmen Aristegui, Miguel Ángel Granados Chapa, Vicente Leñero, Denise Dresser, Lorenzo Meyer, Carlos Monsiváis.

¿Cuál es el origen de Voces silenciadas? Prod: Calacas y Palomas S.A., Dirección de Actividades Cinematográficas, UNAM, Andén A.C., Católicas por el Después de la censura a Carmen Aristegui, y sabiendo Derecho a Decidir, Fundación Ford, Maria del Carmen De que una de las principales situaciones donde se refleja Lara. Dur: 90 mins. PC: Calacas y Palomas. la falta de democracia en este país es el acaparamiento de los medios, el manejo de la información y su perversa corrupción con el poder, me pregunté, en medio de la impotencia y de la rabia: ¿Cómo ayudar para que los ciudadanos podamos construir una cultura que fortalezca nuestros derechos; el derecho a la pluralidad, a la diversidad y al acceso a la información en un medio noticioso? ¿Cómo poder ser escuchada? Al igual que yo, muchos ciudadanos coincidían en sentirse nuevamente burlados por el poder y la falta de una legislación que verdaderamente protegiera al gremio periodístico y permitiera la libre expresión. Lo hice como en otras ocasiones, y ese es el origen de este trabajo. Es evidente que esta película representó un arduo trabajo de investigación... El proyecto inició en un evento convocado por varios ciudadanos que protestaban contra la censura a Carmen Aristegui; esto fue a principios de enero de 2008, pero prácticamente se siguió grabando hasta agosto. Paralelamente, se realizó la estructura de un material muy amplio y la propuesta de montaje que diseñó Leopoldo Best, así que creo que esta parte del proceso es casi una codirección. Para mí, montar un documental es convertir esas ideas

en un discurso hacia el público, donde la línea de temporalidad y la tensión son fundamentales para mantener el interés del espectador, y donde, más allá de la coyuntura —ahí estriba la diferencia con el reportaje—, se logra profundizar y dar una mirada histórica. Esto es lo que hizo Leopoldo. ¿Voces silenciadas es una abierta denuncia a la censura en los medios de información en México? Por supuesto. Es una voz más que nos remite a las demandas del 68 y nos recuerda que el avance democrático en los medios es el más atrasado, debido a los intereses duopólicos; esto hace grave la situación para todos. Al reunir las entrevistas y hablar de distintos actos que reflejan esta problemática a la luz de un acto más de censura, pretendo dejar que los espectadores hagan sus conclusiones y se cuestionen acerca del tema. Si es así, ¿cuál ha sido la respuesta de los medios, autoridades y público tras su exhibición? Hasta el momento, muy positiva. Ojalá se corra la voz y la gente acuda a ver el documental, para después aportar sus propias ideas y su energía para “la madre de todas las batallas”, como dice la propia Carmen: para saber pelear por una nueva ley para los medios en México. Usted misma se enfrentó a limitaciones durante la realización del documental. Sí, a la cerrazón de empresarios para hablar del tema, sobre todo cuando saben que ellos no van a controlar la entrevista y que no pueden censurar mis preguntas. Pero lo que es más grave, al silencio de funcionarios públicos que tendrían la obligación de contestarle a la población acerca de la decisión que han tomado al conceder un espacio público y violentar la legislación en materia de concesiones y acuerdos, como lo hicieron Prisa y Televisa. ¿Con qué sabor de boca se queda después de la realización de este proyecto? Con el gusto de aportar un granito de arena, un punto de vista crítico más sobre este tema, que a muchos cineastas nos preocupa, sobre todo sabiendo que, en el caso del documental, la falta de libertad en la distribución de nuestros materiales y la censura han sido graves, en cuanto al acceso a medios electrónicos masivos. Esta situación tiene que cambiar. ¿Tiene algún otro proyecto en puerta? Tengo una ficción, de la cual espero obtener financiamiento. Llevo un tiempo trabajando en esto y espero no padecer la problemática que hemos venido teniendo los cineastas en cuanto a la distribución, lo que constituye otra forma de censura. Miriam Jiménez Cineteca Nacional

matiné infantil

Kung Fu Panda Del jueves 19 de febrero al domingo 1º de marzo

Kung Fu Panda D: John Stevenson y Mark Osborne. P: Estados Unidos, 2008. G: Jonathan Aibel y Gleen Berger. M: Hans Zimmer y John Powell. E: Clare De Chenu. Con las voces de: Omar Chaparro (Po), Pedro Armendáriz (Shifu), Érica Edwards (Tigresa), Moisés Iván Mora (Grulla), Raúl Anaya (Mantis), Liliana Barba (Víbora), Víctor Antonio Moreno (Mono). Prod: DreamWorks Animation, Melissa Coob.

Nominada a los Globos de Oro 2009, esta película animada Dur: 92 mins. Dist: Paramount Pictures. presenta a Po, un panda gigante que trabaja en un restaurante de fideos propiedad de su padre —quien extrañamente es un pato—, y que sueña con pelear al lado de un selecto grupo de estrellas del Kung Fu. Por azares del destino, y a pesar de sus nulas aptitudes físicas e intelectuales, es seleccionado, por encima de los Cinco Furiosos: Tigresa, Grulla, Mantis, Víbora y Mono, para ser el nuevo Guerrero Dragón y salvar al Valle de la Paz, literalmente, de las garras del leopardo Tai Lung. El sensei Shifu, escéptico acerca de las facultades del torpe Po, será el encargado de entrenarlo, sin imaginar que la mayor debilidad de este oso bicolor será su máxima fortaleza. El estreno mundial de Kung Fu Panda se llevó a cabo en la edición número 61 del Festival de Cannes, confirmando la importancia de las películas de animación, y sobre todo de DreamWorks Animation, empresa creadora de varios éxitos, como las sagas de Shrek y Madagascar. Jorge Magaña Molina Cineteca Nacional

15 Sábados y domingos de febrero

Raymond Depardon: Cazador de imágenes

Raymond Depardon ha revolucionado el reportaje fotográfico y el cine documental en Francia a lo largo de los últimos 30 años. Nacido en 1942 en Villefranche-sur-Saône, en 1954 su hermano le regaló una cámara 6x6 de Lumière, con la que comenzó a registrar imágenes de la granja de sus padres. A partir de 1958 se instaló en París, y cuatro años más tarde ingresó a la agencia Dalmas, donde fotografió a numerosas personalidades, acudió a los juegos olímpicos de Tokio e hizo reportajes en el extranjero. Al realizar tomas de la guerra en Argelia, descubrió el desierto, lugar que se convirtió para él en una obsesión y en el centro de su obra. Fundó en 1967 la agencia Gamma, en la que estableció cambios fundamentales en la profesión, mismos que incluían la autorización para firmar sus fotos, mantener sus derechos de autor y disponer así de mayor autonomía y responsabilidad. En 1979 ingresó a la agencia Magnum, de la cual se convirtió en vicepresidente. Como fotógrafo de prensa, ha realizado reportajes desde Chile hasta Chad, pasando por Biafra, Venecia y Afganistán. Durante más de treinta años ha cubierto eventos tan significativos como las guerras en Vietnam y Líbano, así como la caída del muro de Berlín. En 1969 filmó su primera película: Jan Palach, homenaje a un héroe checoslovaco. A partir de 1970 realizó varios documentales sobre Chad, entre ellos Tchad 1: L’embuscade, y en 1974 filmó su primer largometraje documental, un peculiar registro de la campaña presidencial de Valéry Giscard d’Estaing, mismo que no fue exhibido hasta 2002 con el título 1974, une partie de campagne. Desde La captive du désert (1989-90) hasta Paris (1997), pasando por Afriques: comment ça va avec la douleur? (1996), los filmes de Depardon son una extensión de su compromiso como fotógrafo por salir en busca del otro. En sus documentales a veces se le oye, pero nunca se le ve: es un cineasta de la escucha, de lo que se dice y cómo se dice. Depardon afirma realizar “filmes de reportero” y “filmes de fotógrafo”, y tener dos métodos de trabajo: Uno, el cine directo, con la cámara al hombro y un rodaje documental, en el que deja hablar al sonido; y otro, cuando efectúa experimentos más “poéticos”, en los que se comporta como fotógrafo. Afirma que “fotografío a la gente desde lejos: dejo hablar a la imagen, es una aproximación más tímida, más púdica. Es lo contrario de un cine de intervención.

A lo largo de su carrera, Depardon ha publicado numerosos libros, y su obra cinematográfica se ha proyectado en instituciones públicas y privadas. En 1977 dirigió su segundo largometraje, Numéros Zero, sobre el nuevo periódico Le Matin de Paris. Más tarde, en 1980, rodó San Clemente, en un hospital psiquiátrico veneciano, y Reporters, que se convertió en uno de sus trabajos más vistos. En 1981 fundó su propia sociedad de producción, para cuatro años más tarde filmar su primera película de ficción, Empty Quarter. Después de fotografiar la caída del Muro de Berlín, recibió el Gran Premio Nacional de Fotografía de Francia por La captive du désert. Posteriormente, Depardon y Claudine Nougaret fundaron la productora Palmeraie et Désert, con el proyecto Afriques: comment ça va avec la douleur? (1996). En 1997 estrenó Paris, realizado junto con el fotógrafo Luc Delahaye, y en 2000 tuvo su primera gran exposición fotográfica. Ese mismo año dio inicio al proyecto de realizar Perfiles campesinos, trilogía fílmica consagrada al mundo rural, como una forma de retorno a sus orígenes, e integrada por El acercamiento (2001), Lo cotidiano (2005) y La vida moderna (2008), ésta última presentada en la Sección oficial del Festival de Cannes. Raymond Depardon es un cineasta de singular valor: uno de los últimos documentalistas que defienden la película en 35mm, lo cual brinda a su obra una calidad y una dimensión especial. Es por esto que la presente retrospectiva se compone exclusivamente de trabajos en formato cine para su proyección pública. Catherine Bloch Cineteca Nacional

Los años del fotógrafo Les années déclic D: Raymond Depardon. P: Francia, 1984. F en B/N: Pascal Lebègue. Con: Raymond Depardon. Prod: Double D Copyright Films, Centre National de la Photographie. Dur: 65 mins. PC: Embajada de Francia en México.

1974, un día de campo 1974, une partie de campagne D y F en C: Raymond Depardon. P: Francia, 1974. E: Bruno Zincone. Con: Valéry Giscard d’Estaing, Charles Aznavour, Jacques Chirac, Philippe Clay, Dani, Alain Duhamel, Jacinthe Giscard d’Estaing. Prod: Palmeraie et Désert, Claudine Nougaret. Dur: 90 mins. PC: Embajada de Francia en México.

Filme autobiográfico que recorre 20 años de la vida profesional de Raymond Depardon. Compuesto por una serie de archivos personales y diversas fotografías, el documental traza un mapa de la trayectoria del fotoperiodista y cineasta francés, desde sus inicios hasta el éxito que obtuvo como fotógrafo independiente. Del mismo modo, Depardon realiza aquí un estudio de los conflictos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, como la guerra argelina y la de Vietnam, entre otros. Sábado 7 y viernes 13

Primer largometraje documental de Raymond Depardon, quien sigue paso a paso la campaña presidencial de Valéry Giscard d’Estaing, en aquel entonces ministro de Economía y Finanzas de Francia. 1974, une partie de campagne capta instantes únicos de la clase política de dicho país, al mostrar algunos de los momentos más íntimos del candidato, a quien vemos en reuniones con su equipo de campaña, e incluso en la soledad de su oficina, mientras espera los resultados de la votación. Sábado 7 y jueves 12

Perfiles campesinos:

El acercamiento Profils paysans: L’approche D: Raymond Depardon. P: Francia, 2001. F en C: Raymond Depardon y Beatrice Mizrahi. E: Roger Ikhlef y Sandrine Romet-Lemonne. Con: Marcelle Brès, Raymond Privat, Louis Brès, Marcel Privat, Alain Rouvière, Jean-François Pantel, Nathalie Deleuze. Prod: Canal+, Palmerai et Désert, Claudine Nougaret. Dur: 88 mins. PC: Embajada de Francia en México.

Delitos flagrantes Délits flagrants D y G: Raymond Depardon. P: Francia, 1994. F en C: Nathalie Crédou. E: Camille Cotte, Roger Ikhlef, Georges-Henri Mauchant. Prod: Double D Copyright Films, La Sept Cinéma, Pascale Dauman. Dur: 109 mins. PC: Embajada de Francia en México.

Filme ganador del Premio César al mejor documental en 1995, y el primero que Depardon dedica al funcionamiento de la justicia en Francia. Durante cinco semanas, el realizador captó el itinerario procesal de personas detenidas en delitos flagrantes, desde su llegada al Palacio de Justicia hasta la posterior comparecencia con las autoridades. Con planos fijos y una sobriedad en los diálogos, se teje un retrato sobre la nula capacidad de comunicación entre las autoridades y los acusados de penas menores.

Raymond Depardon realiza un viaje cinematográfico con la intención de capturar la esencia de la vida rural francesa. El filme retrata pequeñas granjas situadas en las regiones de Lozère, Alto Saona, Ardèche y Alto Loira, donde se observa cómo las familias luchan por sobrevivir ante la presión de la Unión Europea y el desinterés de las nuevas generaciones. Primera parte de la trilogía cinematográfica dedicada a los campesinos franceses, atrapados entre tradición y modernidad. Domingo 8 y sábado 14

Domingo 8 y sábado 14

CORTOMETRAJE

¿Qué hay de nuevo en Garet? Quoi de neuf au Garet? D y F en C: Raymond Depardon. P: Francia, 2004. E: Simon Jacquet. Prod: Palmeraie et Désert, Claudine Nougaret. Dur: 10 mins. PC: Embajada de Francia en México.

10ª Sala, instantes de audiencias 10e Chambre, instants d’audiences D: Raymond Depardon. P: Francia, 2004. F en C: Justine Bourgade, Raymond Depardon y Fabienne Octobre. E: Simon Jacquet y Lucile Sautarel. Con: Michèle Bernard-Requin. Prod: France 2 Cinéma, Claude Morice, Claudine Nougaret, Adrien Roche. Dur: 105 mins. PC: Embajada de Francia en México.

A manera de homenaje, Raymond Depardon registra la historia de la finca en la que vivió su niñez –y que ahora se encuentra en venta–, a través de una entrevista a Jean, su ya retirado hermano granjero. Miércoles 11 y domingo 15

Diez años después de Délits flagrants, Depardon continúa su trabajo de mostrar las entrañas del aparato judicial francés: ahora es el turno de la Décima Cámara del Tribunal Correccional de París, en donde obtuvo un permiso especial para filmar audiencias entre mayo y julio de 2003. Desde un conductor alcoholizado hasta los casos más diversos de detenidos durante la noche, el filme devela los procesos de doce individuos, quienes un día comparecieron ante un tribunal y fueron filmados por una cámara que habitualmente no estaría ahí. Martes 10 y domingo 15

Perfiles campesinos:

Lo cotidiano Profils paysans: Le quotidien

Perfiles campesinos:

La vida moderna Profils paysans: La vie moderne

D, G y F en C: Raymond Depardon. P: Francia, 2005. E: Simon Jacquet.

D: Raymond Depardon. P: Francia, 2008. M: Gabriel Fauré. E: Si-

Con: Marcel Privat, Raymond Privat, Alain Rouvière, Monique Rouvière,

mon Jacquet. Prod: Palmeraie et Désert, France 2 Cinéma, Claudine

Marcelle Brès, Jean-François Pantel. Prod: Palmeraie et Désert, Canal+,

Nougaret. Dur: 88 mins. PC: Embajada de Francia en México.

Centre National de la Cinématographie, Ministère de l’Agriculture et de la Pêche, Ministère des Affaires Étrangères, Procirep, Claudine Nougaret. Dur: 83 mins. PC: Embajada de Francia en México.

En esta segunda entrega de su trilogía campesina, Depardon regresa a las granjas visitadas en la primera parte para volver a filmar a las personas que colocó ante la cámara cuatro años antes. Ahora, el cineasta es testigo de cómo algunos hogares se han convertido en casas de verano, y de la forma en que los agricultores jóvenes se instalan en la región, con nuevas formas de trabajar y nuevos cultivos. Así, el documentalista describe el paso del tiempo, a la vez que rinde un homenaje a estas vidas alejadas de la fama.

Después de filmar durante diez años a distintas generaciones de campesinos en Francia, Depardon entrega la última parte de su trilogía iniciada a finales de los años 90. Profils paysans: la vie moderne es un retrato de cómo la existencia de los campesinos se ha transformado paulatinamente a lo largo del tiempo, y aunque los protagonistas continúan levantándose al alba para cuidar de sus tierras y animales, el mundo que los rodea se ha tornado cada vez más consumista, tecnificado y artificial.

Miércoles 11 y domingo 15

Viernes 6 Función de inaugración

La Cineteca Nacional agradece a Ambulante, Gira de Documentales 2009, la Embajada de Francia en México, el Instituto Francés para América Latina y la Alianza Francesa su colaboración en la realización de este ciclo.

Pirjo Honkasalo,

la documentalista que vino del frío

Pirjo Honkasalo no es sólo una de las cineastas finlandesas más conocidas fuera de su país, sino que también es una de las documentalistas más importantes a nivel internacional. Nacida en Helsinki en 1947, estudió en la Escuela de Cine de Finlandia y en la Academia de Cine y Televisión en Praga; además, trabajó como asistente en la Universidad de Filadelfia (EE.UU.). Desde sus inicios colaboró como fotógrafa, camarógrafa, técnico de grabación, editora, guionista, actriz, productora, ayudante de dirección y directora. Honkasalo no hace distinciones entre el cine de ficción y el cine documental. En su opinión, entre ellos más bien existen vasos comunicantes: cada filme de ficción tiene mucho de realidad (documental), y cada filme documental tiene muchísimo de ficción. Para ella, el cineasta es parte del tema o del problema, no un simple observador. El documental es un texto que posee una construcción y una dramaturgia que no están en la realidad de manera directa: es un producto artístico. Por todo ello, la realizadora cree que el documental es comprometido si es personal, y es personal si es poético. En sus documentales, Honkasalo suele dirigir y colocarse tras la cámara simultáneamente, no sólo porque es una excelente profesional en ambos campos, sino que ello se debe a su idea de que filmar con la cámara es ya dirigir. El acto de filmar, afirma, es una anticipación de la estructura del resultado final en sus líneas gruesas. En sus películas trabaja con un equipo muy pequeño, aunque en Las tres habitaciones de la melancolía prefirió hacerlo casi sola. Es precisamente esta concepción artesanal de filmar lo que le ha dado al “estilo Honkasalo” un sabor muy personal e íntimo, construido a semejanza de ella misma. La realizadora elige muy cuidadosamente la música o el tipo de música que desea, porque según ella “la música puede ser muy peligrosa en las películas, ya que puede destruirlo todo”; por tal motivo no la utiliza para darle sonido a lo que ya está en las imágenes, sino para construir con ella su propio nivel narrativo, mismo que dialoga con la imagen y establece con ella una relación contrapuntística.

Esto es lo que pudiera llamarse una forma poética de concebir el cine documental: la elección del tema, su tratamiento, la distancia y a la vez el compromiso de la cineasta. Lo delicado de las tomas, lo sensual de las imágenes, lo fluido de la edición y una música adecuada son los ingredientes de este estilo poético de Honkasalo. Hasta ahora ha participado en 35 películas. En sus inicios dirigió varios filmes con otros directores, entre ellos Pekka Lehto, con quien colaborara frecuentemente en documentales y en películas de ficción como El pelirrojo (Tulipää, 1980), 250 gramos (250 gramma, 1983), y Da Capo (1985). En solitario, Honkasalo ha realizado los trabajos de ficción Las ventanas de Leonardo (Leonardon ikkunat, 1986, un drama para la TV); El tragafuegos (Tulennielijä, 1998); y los documentales Mysterion (1991), Tanjuska y los siete demonios (Tanjuska ja seitsemän perkelettä, 1993) y Atman (1996) —que conforman la trilogía llamada “lo sagrado y la maldad”— y Las tres habitaciones de la melancolía (Melancholian 3 huonetta, 2004). A pesar de que El tragafuegos, una de sus incursiones en el terreno de la ficción, cosechó varios premios en diversos países, su reputación internacional como cineasta se cimienta fuertemente en las películas documentales a partir de la ya citada Mysterion. Honkasalo, que acaba de terminar un nuevo documental en Japón, está convencida de que el peor mal que aqueja a la humanidad es la intolerancia. Un buen documental nos permite conocer diferentes modos de pensar y vivir y puede llegar a ser un buen vehículo para luchar por la libertad. Y si se hace con una dosis de poesía, como en el caso de Honkasalo, mucho mejor. Extractos del texto del Dr. Alfonso Padilla Catedrático de la Universidad de Helsinki

Tanjuska y los siete demonios Tanjuska ja seitsemän perkelettä D, G, F en C y E: Pirjo Honkasalo. P: Finlandia-Suecia, 1993. Dur: 80 mins. PC: The Finnish Film Fund.

Mysterion D: Pirjo Honkasalo. P: Finlandia, 1990. Dur: 91 mins. PC: The Finnish Film Fund.

La realizadora Pirjo Honkasalo registra la vida de un grupo de monjas ortodoxas rusas que viven en el antiguo convento de Pyhtisa, al nordeste de Estonia. Para ellas la tierra, el agua y el aire son sacrosantos, aunque probablemente desconozcan que cerca del convento se encuentra el bosque Kohtlajärvi, con sus aguas contaminadas y su mina de uranio. Primera parte de la trilogía titulada “lo sagrado y la maldad”, la cual se complementa con Tanjuska y los siete diablos (1993) y Atman (1996). Martes 10 y sábado 14

Honkasalo ha sido reconocida mundialmente por su trabajo en el cine documental, y esta segunda parte de la trilogía “lo sagrado y la maldad” es una prueba de tal distinción. En el filme, la directora retrata la vida de Tanjuska, una niña de doce años que ha dejado de comer, de hablar y de crecer. El padre Vasili, líder de la comunidad religiosa del lugar en donde vive, cree que la niña está poseída por siete demonios, mismos que deben ser exorcizados con la pureza de la cruz y la fuerza de los azotes. Miércoles 11 y sábado 14

Las tres habitaciones de la melancolía Melancholian 3 huonetta D, G y F en B/N y C: Pirjo Honkasalo. P: Finlandia-Dinamarca-Suecia-Alemania, 2004. M: Sanna Salmenkallio. E: Niels Pagh Andersen y Pirjo Honkasalo. Con: Pirkko Saisio (narrador). Prod: Millenium Film Oy, Arte, Lisbet Gabrielsson Film, Ma.Ja.De Filmproduktion, Magic Hour Films, Kristiina Pervilä. Dur: 85 mins. PC: The Finnish Film Fund.

Atman Atman D, G y F en C: Pirjo Honkasalo. P: Finlandia, 1996. Dur: 76 mins. PC: The Finnish Film Fund.

Dueña de un estilo artesanal en el que dirige, filma y edita, Honkasalo ha dotado a sus documentales de un toque intimista. Así lo hace en Atman, ganador del premio Joris Ivens en el Festival de Amsterdam, que sigue la peregrinación de un hindú profundamente religioso, jorobado e inválido, y para quien su cuerpo es su prisión y un castigo de los dioses. El filme fue un éxito comercial; sin embargo, el protagonista fue asesinado cuando, al recibir el pago por su trabajo, desató la envidia de la gente.

Este documental premiado en más de treinta festivales de cine consta de tres episodios. En el primero, “Añoranza”, varios niños rusos son entrenados como soldados y dotados de una rígida disciplina; el segundo, “Respiración”, ocurre en la devastada ciudad de Grozny, donde una mujer que vivió en un orfanato ruso cuando tenía seis años recoge a su vez a niños sin padres. Y por último, “Recordar”, donde esa misma mujer convive con su nueva familia: 63 huérfanos, cuyos familiares fueron asesinados por los rusos. Viernes 13 y domingo 15

Jueves 12 y domingo 15

La Cineteca Nacional agradece a The Finnish Film Fund su colaboración en la elaboración del presente ciclo.

Fotografías cortesía del National Audiovisual Archive of Finland.

Retrospectiva

F.W. Murnau

En plena Primera Guerra Mundial, el gobierno alemán inyectó gran fuerza a la producción cinematográfica. En 1917 nació la productora Universum Film A.G., siendo Ernst Lubitsch su primer gran artista. Poco después, el estallido del cine expresionista marcaría el punto de partida del gran cine alemán, y es en el contexto de esta corriente estilística, capaz de materializar el drama interior del ser humano por medio de la visión emocional del artista, donde florece el cine de F. W. Murnau. Hijo de un sastre y una maestra, nació en Bielefeld en 1888. El rechazo paterno hacia sus dotes en la actuación, la pintura y la poesía provocó que el joven Friedrich Wilhelm Plumpe (su nombre verdadero) cambiara su apellido en honor a una célebre colonia de artistas. Como actor, Murnau se convirtió en una figura del teatro alemán bajo la dirección de Max Reinhardt. El estallido de la guerra en 1914 lo llevó al frente de batalla como oficial de infantería y piloto de combate. Al terminar el conflicto, Murnau retomó su actividad teatral, pero ahora como director, función que extendió al cine en 1919, al dirigir Der Knabe in blau. Este filme constituye el primer ensayo de un tema que se convertiría para Murnau en obsesión: exhibir ante la cámara los delgados hilos que separan la realidad de lo fantástico. Por desgracia, esta cinta, así como Satanás (1919) —filme de episodios sobre la maldad a través de los tiempos— y otras cinco películas dirigidas por Murnau pertenecen a los tesoros perdidos del cine; todo lo que se conserva de ellas son algunas fotografías fijas y breves fragmentos. Nosferatu (1922) es quizás su filme más conocido. En él, Murnau trasciende el distorsionado entorno expresionista de El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1919) para crear una de las presencias más perdurables de la historia del cine. De igual forma, el exasperante realismo de El último de los hombres (1924), la tragedia de un anciano degradado hasta los últimos límites, se ve roto por extraordinarios movimientos de cámara y claroscuros fotográficos que expresan tanto la alucinación alcohólica como la sombra de la fatalidad. A Murnau también lo obsesionan los viajes y el juego de dualidades opuestas; en ocasiones, esta duplicidad no sólo abarca el entorno externo, sino que se encuentra incluso dentro de sus atormentados protagonistas. Así, del expresionismo al drama realista, de Bram Stoker a Moliére, de Alemania a la tentación de Hollywood, del cine silente a los albores del sonoro, F.W. Murnau fue fiel a sus temas preferidos, sin abandonar jamás un afán experimental en su obra, misma que quedó trunca al fallecer el director alemán en un accidente automovilístico en California en 1931, poco después de concluir su último filme, Tabú, exótico romance ubicado en los mares del sur. François Truffaut lamentaba que los cineastas del futuro fueran juzgados por críticos que desconocieran la obra de F.W. Murnau. La presente retrospectiva enmienda esta ausencia y permite reconocer el legado de un artista innovador, a quien al cine debe muchos de sus recursos técnicos y estilísticos. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

El castillo Vogelöd Schloss Vogelöd D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1921. G: Carl Mayer, basado en la novela de Rudolf Stratz. F en B/N: Laszlo Schäffer y Fritz Arno Wagner. Con: Paul Hartmann (conde Peter Paul Oetsch), Olga Tschechowa (baronesa Safterstädt), Paul Bildt (barón Safterstädt), Arnold Korff (dueño del castillo Vogelöd), Lulu Kyser-Korff (Centa), Lother Mehnert (conde Johann Oetsch), Hermann Vallentin (juez local retirado). Prod: Erich Pommer. Dur: 81 mins. PC: Transit Film.

La luz que mata Der Gang in die Nacht D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1920. G: Carl Mayer, basado en la obra teatral Der Sieger de Harriet Bloch. F en B/N: Max Lutze. Con: Olaf Fønss (Dr. Eigil Börne), Erna Morena (Helene), Conrad Veidt (pintor ciego), Gudrun Bruun-Stefenssen (Lily). Prod: Goron-Films, Sascha Goron. Dur: 69 mins. PC: Transit Film.

Influenciado por el cine nórdico, este filme narra la vida de cuatro personajes: Helene, joven que espera contraer matrimonio con el médico Börne, quien la abandona para casarse con Lily, una bella bailarina. La pareja se va al campo, donde conocen a un joven pintor ciego, del cual Lily se enamora. La versión restaurada de este filme, considerado una pequeña obra maestra, proviene de un negativo localizado en Berlín por Henri Langlois, el famoso director de la Cinemateca Francesa. Son notables la fotografía de Max Lutze y la gran actuación de Conrad Veidt. Jueves 19 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Este filme rebosante de teatralidad y misterio marca el inicio de la fructífera colaboración entre Murnau y el productor Eric Pommer, cofundador de los estudios UFA. La acción inicia en el castillo Vogelöd, lugar donde se espera la llegada de varios huéspedes, y al que acude inesperadamente el indeseado conde Oetsch, de quien se rumora asesinó a su hermano tres años atrás. Esa misma noche llegan también al castillo otros personajes, cada uno con un secreto propio a cuestas y con cuentas pendientes por saldar. Viernes 20 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Tierra en llamas Der brennende Acker D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1922. G: Willy Haas, Thea von Harbou y Arthur Rosen. F en B/N: Fritz Arno Wagner y Karl Freund. M: Alexander Schirmann. Con: Eugen Klöpfer (Peter Rog), Vladimir Gajdarov (Johannes Rog) Werner Krauss (el viejo Rog), Eduard von Winterstein (conde Rudenburg), Stella Arbeerina (Helga), Lya de Putti (Gerda). Prod: Deulig-Verleih, Goron Film, Sascha Goron, Erich Pommer. Dur: 98 mins. PC: Bundesarchiv-Filmarchiv.

Nosferatu, una sinfonía del horror Nosferatu, eine Symphonie des Grauens D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1921. G: Henrik Galeen, inspirado en la novela Drácula de Bram Stoker. F en B/N: Fritz Arno Wagner. M: Hans Herdmann (partitura original de 1922). Con: Max Schreck (conde Orlok), Greta Schröder (Ellen), Gustav von Wangenheim (Johannes Hutter), Ruth Landshoff (Lucy Westenra), Gustav Botz (profesor Sievers), Alexander Granach (Knock), Georg H. Schnell (Westenra), John Gottowt (profesor Bulwer). Prod:

Melodrama pastoral acerca de la ambición, en el que Murnau construyó personajes dotados de una autenticidad sobresaliente. Combinó diferentes ambientes visuales para comparar la austera vida del campo con los lujos de los aristócratas. Nuevamente, la dualidad del ser humano es el eje narrativo de la historia: Peter y Johannes son hermanos, pero uno ama la tierra y su pueblo, mientras que el otro busca hacerse rico mediante un matrimonio por conveniencia y el petróleo que hay en las tierras de su mujer Helga.

Prana Film Berlin, Enrico Dieckmann, Albin Grau. Dur: 93 mins. PC: Transit Film.

Adaptación de Drácula que Murnau realizó sin autorización de la viuda de Stoker, quien lo demandó. Los tribunales ordenaron, sin éxito, que se destruyeran todas las copias. Este filme de terror es una obra maestra del expresionismo alemán, con un personaje principal que se ha convertido en una de las imágenes emblemáticas del cine. Como en gran parte de la obra de Murnau, la dualidad juega un papel importante: Hutter y Orlok son opuestos y Ellen representa tanto a la mujer idealizada como al deseo sexual.

Domingo 22 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Sábado 21 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Las finanzas del gran duque Die Finanzen des Großherzogs D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1923. G: Thea von Harbou, basada en la novela de Frank Heller. F en B/N: Karl Freund y Franz Planer. Con: Alfred Abel (Philipp Collins), Mady Christians (Olga von Russland), Adolphe Engers (Don Esteban Paqueno), Julius Falkenstein (Ernst Isaacs), Balthasar von Campenhausen (adjunto), Prod: Union-UFA, Erich Pommer. Dur: 77 mins. PC: Transit Film.

Fantasma Phantom D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1922. G: Thea von Harbou, basada en la novela de Gerhart Hauptmann. F en B/N: Axel Graatkjaer y Theophan Ouchakoff. M: Leo Spiess. Con: Alfred Abel (Lorenz Lubota), Grete Berger (prestamista), Anton Edthofer (Wigottschinski), Lya de Putti (Veronika Harlan/ Mellitta), H.H. von Twardowski (Hugo Lubota), Heinrich Witte (oficinista), Frida Richard (madre de Lorenz). Prod: Uco-Film, Erich Pommer. Dur: 132 mins. PC: Transit Film.

En este filme, recuperado en los años 60 y remasterizado en 2003, la sexualidad y el deseo emergen sin control. A partir de perspectivas torcidas y dobles exposiciones, se narra el triste destino de Lorenz, un pequeño burócrata obsesionado con la sensual Veronika. Murnau, quien buscaba transmitir con imágenes los pensamientos de los personajes, despliega aquí una gran inventiva visual, incluyendo dobles exposiciones, perspectivas alteradas y la meticulosa construcción de sets y encuadres. Martes 24 y miércoles 25 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Comedia “estilo Lubitsch” que Murnau tuvo que filmar para Pommer. Con un guión de Thea von Harbou y actores populares del momento, fue filmada en Yugoslavia, con interiores en Berlín. El gran duque de Minorca vive en la costa mediterránea, abrumado por las deudas. La gran duquesa Olga de Rusia, rica y enamorada de él, resolvería todos sus problemas, pero la intervención de unos conspiradores complica todo el plan. Max Schreck, el actor de Nosferatu, interpreta el papel de uno de los siniestros conspiradores. Martes 24 y miércoles 25 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Tartufo Tartüff / Herr Tartüff D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1925. G: Carl Mayer, basado en la obra teatral de Molière. F en B/N: Karl Freund. M: Giuseppe Becce. E: Karl Freund. Con: Lil Dagover, Hermann Picha, Rosa Valetti, Lucie Höflich, Emil Jannings, Werner Krauss, André Mattoni. Prod: Erich Pommer. Dur: 70 mins. PC: Transit Film.

El último de los hombres Der letzte Mann D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1924. G: Carl Mayer. F en B/N: Karl Freund. M: Giuseppe Becce. Con: Emil Jannings (portero), Maly Delschaft (su sobrina), Max W. Hiller (novio de la sobrina), Emilie Kurz (tía del novio), Georg John (vigilante de noche), Olaf Storm (joven invitado), Hans Unterkircher (administrador del hotel). Prod: Universum Film AG, Erich Pommer. Dur: 70 mins. PC: Transit Film.

Lleno de sorprendentes y complejos movimientos de cámara, este filme clásico de Murnau fue concebido para ser narrado exclusivamente con imágenes, sin intertítulos. Retrata la vida del viejo y orgulloso portero de un hotel, que lleva un elegante atuendo, pero quien debido a su edad es degradado al puesto de mozo de lavabos, sin derecho a uniforme. El pobre hombre no se atreve a contarle a su familia la situación y aparentará seguir con su trabajo habitual, pero el golpe ha sido mortal.

Murnau tuvo que posponer la filmación de Fausto para filmar Tartufo de Molière con Emil Jannings, y por primera vez utilizó el recurso de levantar los decorados del suelo mientras corría la cámara. Una película llena de puntos de vista insólitos, cine dentro del cine, que cuenta cómo un anciano caballero es dominado por su ambiciosa ama de llaves, hasta que aparece su nieto disfrazado de proyeccionista ambulante y le muestra una película sobre el hipócrita Tartufo y el crédulo Orgón. Jueves 26 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Miércoles 18 Función de inauguración con acompañamiento de piano en vivo.

Amanecer Sunrise: a Song of Two Humans D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Estados Unidos, 1927. G: Carl Mayer, basado en el cuento “Die Reise nach Tilsit” de Hermann Sudermann. F en B/N: Charles Rosher y Karl Struss. E: Harold D. Schuster. Con: George O’Brien (El hombre), Janet Gaynor (La mujer), Margaret Livingston (La mujer de la ciudad), Bodil Rosing (doncella), J. Farrell McDonald (fotógrafo), Ralph Sipperly (peluquero), Jane Winton (manicurista). Prod: Fox Film Corporation, William Fox. Dur: 95 mins. PC: Cineteca di Bologna.

Fausto Fausto / Faust, eine deutsche Volkssage D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Alemania, 1926. G: Hans Kyser, con la colaboración de Thea von Harbou, inspirado en la obra homónima de Johann Wolfgang Goethe. F en B/N: Carl Hoffmann. M: Werner Richard Heymann. Con: Gösta Ekman (Fausto), Emil Jannings (Mefistófeles), Camila Horn (Gretchen), Yvette Guilbert (Marthe Schwerdtlein), Wilhelm Dieterle (Valentin), Eric Barclay (Duque de Parma), Werner Fuetterer (Arcángel). Prod: Universum Film A.G., Erich Pommer. Dur: 98 mins. PC: Transit Film.

En esta adaptación del clásico de J.W. Goethe, –la película más cara del cine alemán en su momento– Murnau reflexiona sobre el poder seductor de la maldad, las debilidades del hombre y la intervención de lo fantástico en el mundo real. Emil Jannings llevó a la pantalla su interpretación de Mefistófeles, que había realizado antes en los escenarios teatrales, en este filme de complicado rodaje que, además, fue el último realizado por Murnau antes de partir hacia Hollywood. Viernes 27 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Un provinciano, seducido por una vampiresa citadina, decide asesinar a su mujer, pero se arrepiente y ella huye hacia la ciudad. Al encontrarse de nuevo, ambos inician una emotiva reconciliación, amenazada por trágicos designios. Esta obra maestra del cine, dirigida en los Estados Unidos por Murnau, representa una evolución de su estilo expresionista. Aquí, todos sus recursos cinematográficos se concentran en una compleja serie de oposiciones que opera a varios niveles, entre ellas: amanecer/anochecer, campo/ ciudad, bien/mal, salvación/pecado y traición/ redención. Sábado 28 Función con acompañamiento de piano en vivo.

Tabú Tabu: A Story of the South Seas D: Friedrich Wilhelm Murnau. P: Estados Unidos, 1931. G: Robert Flaherty y Friedrich Wilhelm Murnau. F en B/N: Floyd Crosby y Robert Flaherty. M: Hugo Riesenfeld. E: Friedrich Wilhelm Murnau y Arthur A. Brooks. Con: Reri (la muchacha), Matahi (el muchacho), Hitu (el viejo jefe), Jean (el policía), Jules (el capitán), Kong Ah (el chino). Prod: Robert J. Flaherty Productions, Friedrich Wilhelm Murnau, Robert Flaherty. Dur: 85 mins. PC: Transit Film.

Desencantado por su experiencia en Hollywood y ansioso por encontrar una libertad creativa total, Murnau y el documentalista Robert Flaherty realizaron esta fantasía enmarcada por el exotismo de Bora-Bora, en la cual una pareja de nativos ve amenazado su amor por un hechicero, para más tarde enfrentarse a la indiferencia de la “civilización”. Fascinante experimento entre el documental y la ficción, de gran sensualidad, Tabú fue la obra póstuma del cineasta, quien falleció poco después de terminado el rodaje. Domingo 1 de marzo

La Cineteca Nacional agradece al 6º Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México, Cinemex, Transit Film, Hollywood Classics, Bundesarchiv-Filmarchiv Berlin y al archivo fílmico de la Cineteca di Bologna su colaboración en la elaboración de este ciclo.

La realidad no es como la pintan:

Retrospectiva William Klein El mítico fotógrafo, pintor y director William Klein nació en Nueva York en 1928, en el seno de una empobrecida familia judía. Después de servir un tiempo en el ejército, se estableció en París, lugar donde estudió pintura con Fernand Leger, quien, como maestro, impulsaba a sus alumnos a rebelarse contra la vida burguesa, y en cambio, les sugería salir a la calle a observar la realidad, lección que Klein aprendió bien. Las primeras pinturas de Klein eran abstractas y arquitectónicas, muy influenciadas por la gráfica, el Bauhaus y Piet Mondrian. Asimismo, desde sus primeros trabajos en este campo, sus fotos se caracterizan por ser borrosas, impresas en alto contraste y con el grano reventado. Debido a esto, llegó a ser conocido como el “anti-fotógrafo”, cosa que no impidió que Alexander Liberman, director de arte de Vogue, lo invitara a unirse a su equipo de colaboradores. En dicha revista, para la que colaboró de 1955 a 1965, Klein innovó la fotografía de modas al realizar tomas al aire libre, utilizando el gran angular y el zoom. Su libro Life Is Good and Good for You in New York causó tal escándalo que Vogue no lo quiso publicar, por lo que Klein emigró nuevamente a París. Allí, el realizador Chris Marker, quien trabajaba en la editorial Seuil, hizo posible la aparición del libro, el cual obtuvo el prestigioso premio Nadar. A este trabajo le siguieron los volúmenes Roma, Moscú y Tokio. Se ha dicho que las fotos citadinas de Klein son una combinación lírica que mezcla el humor negro con una estricta observación social y una atrevida inventiva gráfica. Su carrera como director cinematográfico inició en 1958 con Broadway, documental sobre el Manhattan nocturno, donde Klein realiza una abstracción de marquesinas y anuncios de neón. Más tarde, Louis Malle lo invitó a colaborar en Zazie en el metro. A partir de 1965, la labor creativa de Klein se ha enfocado casi por entero al cine. En la mayoría de sus películas, Klein utiliza una gran variedad de técnicas, entre ellas la inclusión de números musicales, el congelamiento de cuadros y la animación. Estos filmes, reflejo de su activo compromiso político, su gran sensibilidad y su independencia, han sido objeto de retrospectivas en Nueva York, Japón, y ahora México. Catherine Bloch Cineteca Nacional

¿Quién eres tú, Polly Maggoo? Qui êtes-vous, Polly Maggoo? D y G: William Klein. P: Francia, 1966. F en B/N: Jean Boffety. E: Anne-Marie Cotret, Annie-France Lebrun y Jacqueline Simoni. M: Michel Legrand. Con: Dorothy MacGowan (Polly Maggoo), Jean Rochefort (Grégoire Pecque), Sami Frey (Principe Igor), Grayson Hall (Miss Maxwell), Philippe Noiret (Jean-Jacques Georges), Alice Sapritch (la reina), Isidore Ducasse (Jacques Seiler). Prod: Club des Producteurs, Robert Delpire. Dur: 100 mins. PC: Walker Arts Center.

Mr. Freedom Mr. Freedom D y G: William Klein. P: Francia, 1968. F en C: Pierre Lhomme, Gilbert Duhalde y Guy Testa-Rosa. M: Serge Gainsbourg. E: AnneMarie Cotret. Con: John Abbey (Mr. Freedom), Delphine Seyrig (Marie Madeleine), Donald Pleasance (Dr. Freedom), Jean-Claude Drouot (Dick Sensass), Serge Gainsbourg (Mr. Drugstore), Philippe Noiret (Moujik Man), Yves Montand (capitán Formidable), Rufus (Freddie Fric). Prod: Films Paris New York, Les Films du Rond-Point, O.P.E.R.A., Guy Belfond. Dur: 90 mins. PC: Walker Arts Center.

Klein obtuvo el premio Jean Vigo con Polly Maggoo, su primer largometraje de ficción, en el que, utilizando la animación, los números musicales y la foto fija, realiza una crónica crítica de la realidad, filmada hace más de cincuenta años, que sigue siendo válida hoy día. Klein logró una sátira elegante del mundo de la moda a través del retrato glamoroso y grotesco de una joven originaria de Brooklyn, exitosa modelo en Paris, que se convierte en el tema central del programa de televisión ¿Quién es usted?.

Un superhéroe norteamericano, defensor de la Democracia en el mundo, es enviado a combatir un complot comunista suizo en Francia. Mordaz crítica al patriotismo y la política intervencionista de los Estados Unidos, filmada en los momentos más cruentos de la guerra de Vietnam, en la cual el protagonista, arrogante fortachón enfundado en uniforme de futbol americano y casco de astronauta, combate a izquierdistas y librepensadores por igual, en medio de una delirante estética kitsch. Miércoles 25

Martes 24

Muhammad Ali, el más grande Muhammad Ali, The Greatest D y G: William Klein. P: Francia, 1974. F en C y B/N: Étienne Becker, William Klein y Patrice Wyers. M: Mickey Baker, Umban y West Arican Cosmos. E: Eva Zora, Francine Grubert e Isabelle Ratherie. Testimonios: Muhammad Ali, Sonny Liston, Malcolm X, Angelo Dundee, Finlay Campbell, Norman Mailer. Prod: Films Paris New York, Delpire Productions, René Noël. Dur: 110 mins. PC: Walker Arts Center.

Eldridge Cleaver, Black Panther D, G, F en C y E: William Klein. P: Argelia-Francia, 1969. Partici-

Un clásico documental de William Klein, en el cual se recuenta el ascenso a la fama del boxeador Muhammad Ali. Cubriendo una década de sucesos, entre 1964 y 1974, Klein captura al célebre púgil tanto en momentos de intimidad, a bordo de autobuses o entre vestidores, como ante la prensa y fanáticos. Sin incluir imágenes de los combates boxísticos de su protagonista, el realizador remarca su intención de plantear el caso de Muhammad Ali, en la cúspide de su fama, como una reflexión sobre el mito y la realidad.

pantes: Eldridge Cleaver, Kathleen Cleaver. Prod: O.N.C.I.C. Dur: 75 mins. PC: Walker Arts Center.

Klein entrevista a Eldridge Cleaver, “ministro de cultura” del movimiento Black Panther, durante su exilio en Argelia, país al que huyó tras ser acusado por el estado de California de un crimen que aparentemente no cometió. Cleaver habla sobre la lucha por los derechos civiles y la necesidad de una revolución en los Estados Unidos, denunciando a varias figuras políticas como enemigos de la libertad. El documentalista consigue un retrato íntimo de un polémico personaje, quien se abre totalmente ante la cámara. Viernes 27

Sábado 28

Moda en Francia Mode en France D y G: William Klein. P: Francia, 1985. M: Serge Gainsbourg. Participantes: Arielle Dombasle, Kenzo Takada, Christian Lacroix, JeanPaul Gaultier, Grace Jones, Hervé Di Rosa, Stéphane Ferrara. Prod: TF1, KUIV Productions, Michel Rotman. Dur: 90 mins. PC: Walker Arts Center.

La pareja modelo Le couple témoin D y G: William Klein. P: Francia-Suiza, 1977. F en C: William Klein y Philippe Rousselot. M: Michel Colombier. E: Valérie Mayoux. Con: André Sussollier (Jean-Michel), Anémone (Claudine), Zouc (psicólogo), Jacques Boudet (psicólogo), Georges Descrières (Ministro), Eddie Constantine (doctor Goldberg), André Penvern (comentarista televisivo). Prod: Artco-Film, Films Paris New York, Institut National de l’Audiovisuel, Roger Fleytoux. Dur: 101 mins. PC: Walker Arts Center.

Entre el documental y la ficción, Klein se adentra en el contexto del mundo de la moda en Francia durante los años ochenta, con un filme de libérrima estructura argumental y estética. El fotógrafo y cineasta se vale de célebres diseñadores y cotizadas modelos para transformarlos en personajes de una ficción que analiza los pormenores de una caótica pasarela. Destaca una onírica secuencia en la cual los habitantes de un barrio parisino son vestidos enteramente por exclusivos modelos de Jean-Paul Gaultier. Martes 3 de marzo

El Ministerio Francés del Futuro, a través de su avanzado sistema computarizado, ha escogido a una pareja promedio, integrada por Jean-Michel y Claudine, con la finalidad de estudiarlos a fondo y así determinar nuevos programas gubernamentales involucrados con el hogar. Este proyecto los hace famosos, y pronto todo el mundo quiere un pedazo de ellos. Peculiar filme que parece romper con el resto de la obra de Klein, y que predice de cierta forma el gran auge que tendrían los reality shows veinticinco años más tarde. Domingo 1º de marzo

Dentro y fuera de la moda In & Out of Fashion D y G: William Klein. P: Francia, 1993. F en C y B/N: Pierre Lhomme, Gérard de Battista, Jean Boffety y Philippe Rousselot. M: Michel Legrand, Serge Gainsbourg y Michel Colombier. E: Nadia Collot, Françoise Arnaud y Sophie Henocq. Participantes: Azzedine Alaïa, Anémone, Serge Gainsbourg, Delphine Seyrig, Jean Rochefort, Yves Saint-Laurent, Jean-Paul Gaultier. Prod: KUIV Productions, Lieurac Productions, Films París New York, Hélena Van Dantzig, Catherine Minne, Antoinette Lazaroli. Dur: 85 mins. PC: Walker Arts Center.

Ejercicio documental de montaje que mezcla fragmentos de algunos de los largometrajes de Klein con trabajos fotográficos realizados por él mismo para algunos de los más importantes diseñadores. El artista reflexiona no sólo sobre lo que está o no de moda, sino sobre su propia vigencia como fotógrafo y artista visual. Entre las muchas imágenes históricas recopiladas por Klein para este filme, destaca el pietaje documental de la primera pasarela de Yves SaintLaurent, material filmado en 1962. Miércoles 4 de marzo

El Mesías The Messiah D y G: William Klein. P: Francia, 1999. F en C: William Klein, Francine Filatriau y Pascal Martí. M: El Mesías, de Georg Friedrich Handel, interpretado por Les Musiciens Du Louvre, bajo la conducción de Marc Minkowski. E: Françoise Arnaud y Frédéric Attal. Participantes: Marc Minkowski (conductor), Lynne Dawson (soprano), Magdalena Kozená (mezzosoprano), John Mark Ainsley (tenor), Russell Smythe (barítono), Arjun Spinner (Jesús), Sebastián Gutiérrez (Jesús en la cruz). Prod: KUIV Productions, France 2 Cinéma, La Sofica Gimages, Michel Rotman. Dur: 120 mins. PC: Walker Arts Center.

El más reciente filme realizado por William Klein es una reflexión en imágenes sobre el hombre ante el fin del milenio. El cineasta fusiona lo grotesco con lo sublime y lo trágico con lo mundano. Ello se ve reflejado en imágenes donde los personajes, que van desde coristas homosexuales hasta evangelistas predicantes en los Estados Unidos con sus cuerpos tatuados con cientos de imágenes religiosas, buscan sentido a sus vidas mientras se acercan a Dios. Todo esto bajo las notas de El Mesías, de Handel. Jueves 5 de marzo

CORTOMETRAJES Hoja de contacto Contacts D y G: William Klein. P: Francia, 1983. E: Nelly Quettier. Prod: Centre National de la Photographie, La Sept, Riff International Production. Dur: 15 mins. PC: Walker Arts Center.

Hojas de contacto

Por medio de una serie de fotografías tomadas en Nueva York, Tokio y París, Klein explica el proceso de selección de una foto: cuál es el momento adecuado para captar la imagen y qué elementos se toman en cuenta para elegirla. Además, recuerda algunas anécdotas sucedidas durante sus viajes.

Broadway Broadway by Light D: William Klein. P: Francia, 1958. M: Maurice Leroux. E: Alain Resnais. Prod: Argos Films, Anatole Dauman. Dur: 12 mins. PC: Walker Arts Center.

En su primera película documental, Klein mezcla imágenes nocturnas de Manhattan para componer una abstracción de marquesinas y anuncios de neón. Concebida en un principio como un ready made, fue gracias a Chris Marker y Alain Resnais que Klein logró musicalizarla y postproducirla.

Cámara lenta Ralentis D: William Klein. P: Francia, 1984. Prod: Musée de la Villette. Dur: 30 mins. PC: Walker Arts Center.

Usando un sistema especial diseñado y desarrollado por la NASA, Klein invita a los atletas más destacados de Francia a posar en cámara lenta. Programa de cortos: Jueves 26

Lejos de Vietnam (segmento William Klein) Loin du Vietnam D: William Klein. P: Francia, 1967. G: Chris Marker. F en C: Jean Boffety (segmento William Klein). E: Jacques Meppiel. Prod: SLON, Chris Marker. Dur: 15 mins. (segmento William Klein). PC: Walker Arts Center.

Trabajo concebido por seis directores para reafirmar la solidaridad con Vietnam en su lucha contra los EE. UU. Klein analiza el significado de la guerra y la lejanía entre Europa y Asia. Este filme influenció las propuestas cinematográficas que surgirían en mayo del 68.

La Cineteca Nacional agradece al 6º Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México, Cinemex y al Walker Arts Center su colaboración en la elaboración del presente ciclo.

Programa doble I: EL PLÁCIDO VERDUGO

Plácido Plácido D: Luis G. Berlanga. P: España, 1961. G: Rafael Azcona y Luis G. Berlanga. F en B/N: Francisco Sempere. M: Miguel Asins Arbó. E: José Antonio Rojo. Con: Cassen (Plácido Alonso), José Luis López Vázquez (Gabino Quintanilla), Elvira Quintanilla (Emilia), Manuel Alexandre (Julián Alonso), Mario Bustos (Mario), Mari Carmen Yepes (Martita), Jesús Puche (Don Arturo). Prod: Jet Films y Alfredo Matas. Dur: 87 mins.

El verdugo El verdugo D: Luis G. Berlanga. P: España-Italia, 1963. G: Rafael Azcona y Luis G. Berlanga. F en B/N: Tonino Delli Colli. M: Miguel Asins Arbó. E: Alfonso Santacana. Con: Nino Manfredi (José Luis Rodríguez, el enterrador), Emma Penella (Carmen, hija de Amadeo), José Isbert (Amadeo, el verdugo), José Luis López Vázquez (Antonio Rodríguez, hermano mayor de José Luis), Ángel Álvarez (Álvarez, el enterrador), Guido Alberti (director de la prisión), María Luisa Ponte (Estefanía). Prod: Interlagar Films, Naga Films, Zebra Films y Nazario Belmar. Dur: 90 mins.

Heredero del neorrealismo italiano, provocador y duro crítico de la sociedad franquista, Luis G. Berlanga no sólo obtuvo con sus filmes llenos de humor negro el reconocimiento internacional, sino también la represión de los censores del régimen. Plácido es el primer fruto del dueto Berlanga-Ascona, que surgió a partir de la campaña franquista “Siente a un pobre a su mesa”, cuya función era motivar la caridad, aunque era sólo una forma de limpiar las conciencias burguesas. La historia se ubica en Nochebuena, cuando Plácido, dueño de un motocarro, debe transportar al jefe de la campaña. Si con Plácido Berlanga puso el dedo en la llaga, con El verdugo despertó la furia en pleno de la censura. Presentado en Venecia en 1963, cuando Franco acababa de ordenar el fusilamiento del comunista Grimau y era apodado “el verdugo”, el filme repudia la pena de muerte y analiza cómo un hombre, víctima de la presión social, se convierte en un asesino legal. A pesar de los recortes que sufrió, la cinta se alzó con el Premio de la Crítica en Venecia. Orianna Paz Esmoris Martes 3, miércoles 4 y sábado 7

Programa doble II: INFILTRADOS

Permanencia voluntaria

Héroes infernales Mou gaan dou D: Andrew Lau y Alan Mak. P: Hong Kong, 2002. G: Alan Mak y Felix Chong. F en C y B/N: Andrew Lau y Lai Yiu Fai. M: Chan Kwong Wing. E: Danny Pang y Pang Ching Hei. Con: Andy Lau (inspector Lau Kin Ming), Tony Leung (Chen Wing Yan), Anthony Wong (jefe Wong Chi Shing), Eric Tsang (jefe Sam), Kelly Chen (doctora Lee Sum Yee), Sammi Cheng (Mary), Elva Hsiao (May). Prod: Basic Pictures, Media Asia Films, Andrew Lau, Ellen Chang y Lorraine Ho. Dur: 100 mins.

Los infiltrados The Departed D: Martin Scorsese. P: Estados Unidos-Hong Kong, 2006. G: William Monahan, inspirado en el argumento de la película Héroes infernales, de Alan Mak y Felix Chong. F en C: Michael Ballhaus. M: Howard Shore. E: Thelma Schoonmaker. Con: Leonardo Di Caprio (Billy Costigan), Matt Damon (Colin), Jack Nicholson (Frank Costello), Martin Sheen (capitán Queenan), Mark Wahlberg (Dignam), Vera Farmiga (Madolyn), Ray Winstone (French). Prod: Warner Bros. Pictures, Plan B Entertainment, Initial Entertainment Group, Vertigo Entertainment, Media Asia Films, Brad Grey, Graham King, Brad Pitt y Gianni Nunnari. Dur: 151 mins.

Lealtad. Honor. Culpa. Traición. Fuerzas que mueven este binomio fílmico cuyo argumento nació en Hong Kong y revivió en Hollywood, donde obtuvo el Oscar a la mejor película de 2006. En ambos filmes, la historia es la misma: Un joven es reclutado por la Mafia para infiltrarse en la policía; mientras tanto, un cadete es entrenado como doble agente para informar sobre las actividades del crimen organizado. Sólo es cuestión de tiempo para que se encuentren. Dirigida por la dupla Andrew Lau - Alan Mak, Héroes infernales rompe las convenciones del cine oriental de gángsters, al dar prioridad al retrato de la torturada psique de sus protagonistas por sobre la acción y la violencia misma. Por su parte, en Los infiltrados, el cineasta Martin Scorsese traslada el relato a Boston y retoma así su pasión por la épica criminal, con una reflexión sobre la violencia institucional y la corrupción que, en aras de mantener su poder, despojan brutalmente a los individuos hasta de su propia identidad. José Antonio Valdés Peña Martes 10, miércoles 11 y sábado 14

Programa doble III:

Tennessee Williams visto por Richard Brooks y Paul Newman

La gata sobre el tejado caliente Cat On a Hot Tin Roof D: Richard Brooks. P: Estados Unidos, 1958. G: Richard Brooks y James Poe, basados en la obra teatral homónima de Tennessee Williams. F en C: William Daniels. E: Ferris Webster. Con: Elizabeth Taylor (Margaret Maggie the Cat Pollitt), Paul Newman (Brick Pollitt), Burl Ives (Harvey Big Daddy Pollitt), Jack Carson (Cooper Pollitt), Judith Anderson (Ida Big Momma Pollitt), Madeleine Sherwood (Mae Flynn Pollitt). Prod: Metro-Goldwyn-Mayer, Avon Productions, Lawrence Weingarten. Dur: 108 mins.

El dulce pájaro de la juventud Sweet Bird of Youth D: Richard Brooks. P: Estados Unidos, 1962. G: Richard Brooks, basado en la obra teatral homónima de Tennessee Williams. F en C: Milton Krasner. M: Harold Gelman. E: Henry Berman. Con: Paul Newman (Chance Wayne), Geraldine Page (Alexandra Del Lago), Shirley Knight (Heavenly Finley), Rip Torn (Thomas J. Finley), Ed Begley (Boss Finley), Madeleine Sherwood (Lucy), Midred Dunnock (tía Nonnie). Prod: Metro-Goldwyn-Mayer, Roxbury Productions, Pandro S. Berman. Dur: 120 mins.

Richard Brooks, hijo de padres judíos rusos, inicialmente director de películas “B”, y realizador de Los hermanos Karamazov (1958) y Elmer Gantry (1960), filmó casi al hilo —como director y guionista— dos obras de Tennessee Williams, el llamado enfant térrible del teatro norteamericano. Williams se caracterizó por hurgar en la entrañas de seres humanos atormentados para luego mostrarlos como individuos llenos de virtudes y defectos, y su interés siempre se centró en los inadaptados, los perdedores, y los desamparados. En La gata sobre el tejado caliente (1958), premio Pulitzer 1955, analizó la desintegración de una rica familia sureña, que siempre fue disfuncional, y en El dulce pájaro de la juventud (1962) se adentró en las relaciones de poder entre los hombres y el papel de las mujeres en esas circunstancias. Asimismo analizó los estragos del paso del tiempo y la destrucción de los sueños en sus personajes. En ambos filmes el gran actor Paul Newman dio vida a torturados personajes del mundo sureño de Williams. Catherine Bloch Martes 17, miércoles 18 y sábado 21

Programa doble IV: Los inicios de Kurosawa

Permanencia voluntaria

La leyenda del Judo Sugata sanshiro D: Akira Kurosawa. P: Japón, 1943. G: Akira Kurosaka, basado en la novela de Tsuneo Tomita. F en B/N: Masayoshi Onuma. M: Seichi Suzuki. E: Toshio Goto y Akira Kurosawa. Con: Susumi Fujita (Sanshiro Sugata), Denjirô Ôkôchi (Shogoro Yano, maestro de judo), Takashi Shimura (Hansuke Murai, padre de Sayo), Yukiko Todoroki (Sayo Murai), Yoshio Kosugi (Saburo Momma), Ranko Hanai (Otoyo). Prod: Toho Company, Keiji Matsuzaki. Dur: 80 mins.

Los que pisan la cola del tigre Tora no o wo fumu otokotachi D y E: Akira Kurosawa. P: Japón, 1945. G: Akira Kurosawa y Gohei Namiki, basados en la obra de teatro kabuki Kanjincho. F en B/N: Iwaharu Hiraoka. M: Tadashi Hattori. Con: Denjirô Okochi (Benkei), Susumu Fujôita (Togashi), Kenichi Enomoto (portero), Masayuki Mori (Kamei), Takashi Shimura (Kataoka), Akitake Kôno (Ise), Hanshiro Iwai (Yoshitsune). Prod: Toho Company, Motohiko Ito. Dur: 58 mins.

Tras colaborar como guionista y ayudante de dirección, Kurosawa debuta a los 33 años con La leyenda del Judo. Realizado en plena Segunda Guerra Mundial, el filme se desarrolla en el primer periodo de la era Meiji, centrándose en la rivalidad de dos escuelas que se disputan la interpretación del verdadero sentido de dicha disciplina. En este primer trabajo el realizador nipón expone algunos temas constantes en su posterior filmografía. Más tarde, en 1945, a pesar de los conflictos económicos, políticos y sociales por los que atravesaba Japón, Kurosawa filma Los que pisan la cola del tigre, adaptación de una leyenda medieval ambientada en el siglo XII. La trama narra la huida del señor feudal Yoshitsune hacia las montañas, acompañado por seis de sus fieles guerreros, un antecedente de Los siete samuráis (1954). Ambas películas padecieron la censura de aquella época: de la primera eliminaron algunas secuencias amorosas, mientras que la segunda fue totalmente prohibida y pudo ser vista hasta 1952. Miriam Jiménez Martes 24, miércoles 25 y sábado 28

Programa 41

Amores contrariados The Saphead D: Herbert Blaché y Winchell Smith. P: Estados Unidos, 1920. G: June Mathis, inspirado en la pieza teatral The Henrietta de Bronson Howard, basada a su vez en la novela The new Henrietta, de Victor Mapes y Winchell Smith. F en B/N: Harold Wenstrom. M: Robert Israel (versión de 1995). Con: Buster Keaton (Bertie Van Alstyne), Irving Cummings (Mark Turner), Carol Holloway (Rose Turner), William H. Crane (Nicholas Van Alstyne), Edward Connelly (Musgrave), Beulah Booker (Agnes), Edward Jobson (reverendo Murray Hilton). Prod: Metro Pictures Corporation, John Golden, Winchell Smith y Marcus Loew. Dur: 77 mins.

Un codicioso inversionista hace pasar a su torpe cuñado como el padre de su propia hija ilegítima, para heredar así la fortuna de su suegro. Primer largometraje protagonizado por el comediante Buster Keaton, quien obtuvo el papel estelar por una recomendación del actor Douglas Fairbanks. Encarnando por vez primera a un personaje de rígidas facciones que se enfrenta a circunstancias adversas, Keaton consigue atrapar la atención del espectador en una comedia convencional, comparada con sus futuras obras maestras. Jueves 5

Programa 42

La isla del terror Terror Island D: James Cruze. P: Estados Unidos, 1920. G: John W. Grey, Arthur B. Reeve y Walter Woods. F en B/N: William Marshall. Con: Harry Houdini (Harry Harper), Jack Brammall (Starkey), Lila Lee (Beverly West), Wilton Taylor (Job Mourdant), Eugene Palette (Guy Mordant), Ed Brady (capitán Black), Frank Bonner (jefe Bakaida). Prod: Famous Players-Lasky Corporation, Jesse L. Lasky. Dur: 55 mins.

Un científico e inventor ayuda a una mujer a rescatar a su padre, cautivo en una isla plagada de caníbales. Un emocionante episodio del exitoso serial cinematográfico de aventuras que Harry Houdini (1874-1926) protagonizó entre 1920 y 1923. El mítico ilusionista de origen húngaro hace gala de sus dotes de escapista y acróbata realizando sus propias escenas de acción, en las cuales escapa de las trampas de los caníbales, o bien, nada bajo el agua por un largo tiempo, poniendo en riesgo su vida. Jueves 12

Programa 43

Tormentos de odio The Toll Gate D y G: Lambert Hillyer, basado en el relato “By Their Fruits Ye Shall Know Them”, de William S. Hart. P: Estados Unidos, 1920. F en B/N: Joe August. E: Le Roy Stone. Con: William S. Hart (Black Deering), Anna Q. Nilsson (Mary Brown), Joseph Singleton (Tom Jordan), Jack Richardson (alguacil), Richard Headrick (pequeño amigo), Bill Patton (Hank Simmons), Fritz (caballo). Prod: William S. Hart Productions, William S. Hart. Dur: 73 mins.

Un forajido decide poner fin a sus días como bandolero para llevar una vida honrada, no sin antes cometer un último golpe. Sin embargo, es traicionado por uno de sus propios secuaces, de quien jura vengarse. Western de trepidante acción protagonizado por una de las primeras grandes estrellas del género: el actor, director, guionista y productor William S. Hart, célebre por su interpretación de un hombre del Oeste que encontraba el amor y la redención de sus pecados en casi todos sus filmes. Jueves 19

Programa 44

Simplemente amigos Just Pals D: John Ford. P: Estados Unidos, 1920. G: Paul Schofield, sobre un argumento de John McDermott. F en C: George Schneiderman. Con: Buck Jones (Bim), George Stone (Bill), Duke R. Lee (alguacil), Helen Ferguson (Mary Bruce), William Buckley (Harvey Cahill), Edwin Booth Tilton (doctor Stone), Slim Padgett (forajido). Prod: Fox Film Corporation, William Fox. Dur: 50 mins.

Un vagabundo entabla una fuerte amistad con un niño huérfano, aunque sus días de aventura se ponen en riesgo cuando él se enamora de una joven de alcurnia. La primera película realizada por John Ford para la compañía Fox es un melodrama enmarcado por la aridez del Oeste norteamericano, en el cual la camaradería se vuelve fuerza motora del relato. La emotividad que rebosa el filme dio paso al clasicismo lírico siempre presente en la obra de Ford, considerado por muchos críticos el mejor director estadounidense de la historia. Jueves 26

La Cineteca Nacional agradece el valioso apoyo de

Recuerda que martes y miĂŠrcoles todos somos estudiantes Entrada general $ 25 pesos. 47

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ÍNDICE

alfabético febrero 2009

10ª Sala, instantes de audiencias 1974, un día de campo A la orilla del cielo Amanecer Amores contrariados Años del fotógrafo, Los Atman Broadway Cámara lenta Castillo Vogelöd, El Delitos flagrantes Dentro y fuera de la moda Dulce pájaro de la juventud, El Eldridge Cleaver, Black Panther En la ciudad de Sylvia Fantasma Fausto Finanzas del gran duque, Las Gata sobre el tejado caliente, La Héroes infernales Hoja de contacto Infiltrados, Los Isla del terror, La Kung Fu Panda Lejos de Vietnam (segmento William Klein) Leyenda del Judo, La Luz que mata, La Moda en Francia

20 18 6 32 45 18 25 35 35 28 19 37 42 36 8 30 32 30 42 41 35 41 45 15 35 43 28 37

Mesías, El Mr. Freedom Muhammad Ali, el más grande Mysterion Nosferatu, una sinfonía del horror Pareja modelo, La Perfiles campesinos: El acercamiento Perfiles campesinos: Lo cotidiano Perfiles campesinos: Vida moderna, La Plácido ¿Qué hay de nuevo en Garet? ¿Quién eres tú, Polly Maggoo? Que pisan la cola del tigre, Los Simplemente amigos Slumdog Millionaire Tabú Tanjuska y los siete demonios Tartufo Tierra en llamas Tormentos del odio Tres habitaciones de la melancolía, Las Último de los hombres, El Verdugo, El Voces silenciadas

38 39 36 24 29 39 19 21 21 40 20 38 43 46 10 33 24 31 29 46 25 31 40 12