Programa Mensual- Octubre 2022

Clásicos en Pantalla Grande: Paul Thomas Anderson

Black Canvas - Retrospectiva Ruth Beckermann y Foco: Andrea Štaka

26° Tour de Cine Francés

OCTUBRE 2022

CINETECA NACIONAL

Av. México-Coyoacán 389, Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03330, Ciudad de México

Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

EN PORTADA

Cura

D: Andrea Štaka, 2014

ABREVIATURAS

D: Dirección.

B/N: Fotografía en blanco y negro.

Dist: Distribución.

PC: Procedencia de copia.

Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net

o llame al 554155 1190.

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

Dossier ANDREA ŠTAKA

Andrea Štaka: Dos identidades y el lenguaje del arte cinematográfico

CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE:

PAUL THOMAS ANDERSON

FINES DE SEMANA DE OCTUBRE

Paul Thomas Anderson es uno de los cineas tas estadounidenses más relevantes de la actualidad. Tal vez, incluso, sea el miembro más destacado de su generación, aquella que se formó en la escuela del videocasete y que tiene en sus filas nombres como los de Quentin Tarantino, David Fincher o Richard Linklater. Con una filmografía conformada has ta la fecha por nueve largometrajes, el director californiano representa la continuación de la tradición cinematográfica de su país con clá sicos modernos arraigados en la idiosincrasia norteamericana en los que ha sabido integrar sus aspiraciones autorales más personales. Defendiendo la supervivencia del formato 35mm, sus películas hacen gala de un domi nio formal tras la cámara con historias pobla das por personajes complejos, generalmente autodestructivos, como el fascinante pero temible magnate petrolero Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) en Petróleo sangriento (2007) o el enigmático y alcohólico veterano de guerra Freddie Quell (Joaquin Phoenix) en The Master: Todo hombre necesita un guía (2012). A lo largo de su carrera ha incursiona do en muchos temas y épocas, pero ocupan un lugar muy especial sus sinfonías corales:

Juegos de placer (1997), en la que el director se sumergió en el mundo del cine pornográ fico de finales de los años 70 y que realizó cuando tenía sólo 27 años; y aquella primera obra maestra en la que rápidamente se con virtió Magnolia (1999), protagonizada por un gran elenco liderado por Tom Cruise como un gurú del sexo y por la que obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Berlín. Tampoco se puede pasar por alto esa trilogía de filmes en los que el director se adentra en las distintas facetas del amor, desde su aspecto más ro mántico hasta el más destructivo: Embriagado de amor (2002), El hilo fantasma (2017) y su película más reciente, Licorice Pizza (2021).

Cineteca Nacional

GRANDE: PAUL THOMAS ANDERSON

PETRÓLEO SANGRIENTO

THE MASTER: TODO HOMBRE NECESITA UN GUÍA

There Will Be Blood, Estados Unidos, 2007, 158 min.

D: Paul Thomas Anderson.

Daniel Plainview pasa de ser un minero pobre que cría a un hijo por su cuenta a un magnate del petró leo, pero a medida que va adquiriendo poder y dine ro, sus valores, creencias e incluso el vínculo entre padre e hijo se ven amenazados por la corrupción y la ambición. Ambientada en California a principios del siglo XX, Petróleo sangriento es una vibrante epopeya sobre la familia, la fe y el “oro negro” que destacó por la actuación de Daniel Day-Lewis y el tratamiento formal de Paul Thomas Anderson.

The Master, Estados Unidos, 2012, 137 min. D: Paul Thomas Anderson.

Un atormentado y alcohólico veterano de la Segunda Guerra Mundial se vuelve el brazo derecho de un bri llante intelectual, quien a principios de los años 50 crea una secta llamada La Causa en los Estados Unidos. Tomando como pretexto la figura de Ron Hubbard –fundador de la Cienciología–, Paul Thomas Anderson, ganador del León de Plata a la mejor dirección en Venecia, orquesta una épica existencial enmarcada por el desencanto de la posguerra e interpretada por Joaquín Phoenix y Philip Seymour Hoffman.

Inherent Vice, Estados Unidos, 2014, 148 min.

D: Paul Thomas AndersonVICIO PROPIO

El desaliñado detective privado Doc Sportello recibe la visita de su exmujer que le pide evitar el secuestro de su actual novio, un promotor inmobiliario multimi llonario, por parte de la esposa de éste y su amante. P. T. Anderson realizó la primera adaptación cinema tográfica del escritor Thomas Pynchon, caracterizado por su gran complejidad narrativa, en la que el cine negro y la comedia psicodélica se mezclan en una his toria que se sumerge en la contracultura estadouni dense de los años 60 y 70.

EL HILO FANTASMA

GRANDE: PAUL THOMAS ANDERSON

LICORICE PIZZA

Phantom Thread, Estados Unidos, 2017, 130 min.

D: Paul Thomas Anderson.

En el Londres de la posguerra de 1950, el diseñador de modas Reynolds Woodcock es el encargado de crear las mejores vestimentas para la alta sociedad. Las mujeres pasan por su controlada y planificada vida sin dejar huella hasta que aparece la joven Alma, quien se convertirá en su musa y amante. Paul Thomas Anderson confecciona un luminoso drama romántico sobre el poder de creación y destrucción en el arte y el amor por igual, protagonizado por Daniel Day-Lewis en su último trabajo como intérprete.

Estados Unidos-Canadá, 2021, 133 min.

D: Paul Thomas Anderson.

Alana y Gary son dos jóvenes que se conocen, crecen y se enamoran en el Valle de San Fernando en 1973. A pesar de la diferencia de edades, poco a poco atra viesan las complejidades del primer amor, en un viaje que los prepara para la vida adulta. En su más reciente película, P. T. Anderson entrega una de sus obras más íntimas y nostálgicas, inspirada en películas como American Graffiti y las anécdotas del productor Gary Goetzman, un exniño actor convertido en joven em prendedor con negocios increíbles.

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26° TOUR DE CINE FRANCÉS

DEL 7 AL 23 DE OCTUBRE

El Tour de Cine Francés es una muestra iti nerante que presenta la mejor selección de cine francés contemporáneo (en versión ori ginal subtitulada) alrededor de la República Mexicana, Centroamérica, Argentina y Chile, previo a su estreno comercial en salas.

Fundado por Nueva Era Films, Cinépolis, la Embajada de Francia en México y la Federa ción de Alianzas Francesas, esta muestra tie ne el propósito de promover el cine francés, y crear un nuevo público cinematográfico, ávido de la cultura y el lenguaje galo. Cada película se presenta entre dos y cuatro semanas en cada una de las ciudades que forman parte de un amplio circuito de exhibición.

En 2022, algunas de las películas que inte gran la programación del Tour son Crónica de una relación pasajera, de Emmanuel Mouret, sobre la ternura y la complicidad que puede haber en las relaciones extramatrimoniales; Kompromat: El expediente ruso, palpitante superproducción sobre el caso real de un diplomático y profesor francés que fue injus tamente encarcelado y aislado por los servi cios secretos rusos; Alta costura, un emotivo

relato en torno al mundo de costura y el tra bajo como forma de realización personal; y La cruzada, dirigida por el también afamado actor Louis Garrel y que reflexiona sobre los lazos fa miliares, la juventud y el poder del amor frente al colapso medioambiental de nuestro planeta.

CRÓNICA DE UNA RELACIÓN PASAJERA

Chronique d'une liaison passagère, Francia, 2022, 110 min. D: Emmanuel Mouret.

Una madre soltera y un hombre casado se vuelven amantes. Con el compromiso de verse sólo por diver sión, sólo por pura atracción sexual y sin sentimientos románticos, poco a poco se sorprenden de la com plicidad que han forjado. A través de fragmentos que muestran pasajes de la vida compartida de los dos protagonistas, el director Emmanuel Mouret crea un relato audaz y tierno sobre la ternura, la sensualidad y la convivencia –sobre todo en conversaciones–que hay en una relación extramatrimonial.

KOMPROMAT: EL EXPEDIENTE RUSO

Kompromat, Francia, 2022, 106 min.

D: Jérôme Salle.

Rusia, 2017. Víctima de un complot orquestado por los servicios secretos rusos (FSB), Mathieu Roussel, un diplomático que acepta el puesto de director de la Alianza Francesa de Irkutsk en la región de Siberia, es arrestado, encarcelado y aislado. No tiene a quién recurrir y pronto se da cuenta de que es víctima de un Kompromat: un expediente construido sin bases y con documentos apócrifos usado para incriminar a enemigos del Estado. Demostrar su inocencia es im posible: la única solución es escapar.

EL MUNDO SEGÚN PIERRE

LA BRIGADA DE COCINA

C'est magnifique!, Francia, 2022, 97 min. D: Clovis Cornillac.

Pierre es un hombre de 40 años que siempre se ha alejado del desorden del mundo. Cuando sus padres desaparecen, todo su mundo se pone al revés: des cubre que es adoptado y debe aprender a sobrevivir en una sociedad moderna que no conoce. Al co menzar a dilucidar sobre el misterio de sus orígenes, se cruza con Anna quien, conmovida por su benevo lencia, acepta ayudarle. Sin embargo, a medida que avanza en su investigación, Pierre va perdiendo su color de piel como por arte de magia.

La brigade, Francia, 2022, 97 min.

D: Louis-Julien Petit.

Desde pequeña, Cathy soñaba con tener su pro pio restaurante, pero las cosas no han salido como esperaba. Tras renunciar a su puesto de sous-chef [subjefa de cocina] en un reconocido restaurante, las dificultades económicas la obligan a aceptar un trabajo como cocinera en un albergue para jóvenes migrantes. Pese a la enorme resistencia hacia el lu gar y después contra todo pronóstico, su pasión por la cocina comienza a cambiar la vida de los chicos, quienes también tienen mucho que enseñarle a ella.

LA CRUZADA

ALTA COSTURA

La croisade, Francia, 2021, 66 min.

D: Louis Garrel.

Abel y Marianne descubren que su hijo Joseph, de 13 años, ha estado vendiendo a escondidas sus objetos más preciados. Pronto se dan cuenta de que Joseph no es el único: cientos de infantes en todo el mundo han unido sus fuerzas para financiar un proyecto mis terioso. Su misión es salvar al planeta. Con toques de surrealismo y humor, el actor y director Louis Garrel configura un universo singular en donde se asoman temas como los vínculos familiares, el paso a la ma durez y el colapso medioambiental del planeta.

Haute couture, Francia, 2021, 101 min.

D: Sylvie Ohayon.

Esther vive el final de su carrera como jefa de costura en el taller de la Casa Dior. Un día, Jade, una joven de 20 años, le roba el bolso en el metro. Abrumada por el remordimiento, la chica decide devolverlo. En lugar de llamar a la policía, Esther opta por cuidar de Jade, al ver en ella la oportunidad para transmitir sus habilidades en el oficio de la confección. Con una meticulosa inmersión al mundo de la alta costura, Sylvie Ohayon dirige un relato sobre el trabajo como una forma de realización personal.

En corps, Francia, 2022, 118 min.

EN MOVIMIENTO

D: Cédric Klapisch.

Élise, una chica de 26 años, es una promisoria bai larina de ballet clásico que se lesiona durante un espectáculo. Su vida da un vuelco al enterarse que no podrá volver a bailar, por lo que aprenderá a re pararse a sí misma. Entre París y la región de Bretaña, entre diversas vivencias, decepciones y esperanzas, se acerca a una compañía de danza contemporánea que puede darle un nuevo impulso a su vida. En mo vimiento reflexiona sobre los vínculos humanos y la resiliencia física y mental en nuestros tiempos.

· 2022

BLACK CANVAS FCC 2022

RETROSPECTIVA RUTH BECKERMANN

DEL 1 AL 4 DE OCTUBRE

Cuenta la cineasta Ruth Beckermann en una entrevista que la primera vez que tocó una cá mara fue en 1986, cuando los medios masivos no prestaron atención a las personas que estaban en contra de Kurt Waldheim, quien fue secretario general de Naciones Unidos e intentó ser presidente de Austria, aunque en su historia hay registro de que participó en las Sturmabteilung, las fuerzas paramilitares del Tercer Reich. En el documental que después haría sobre este caso, The Waldheim Waltz (2018), la directora nacida en Viena en 1952 perfiló una especie de estudio que deja al descubierto la persistencia del fascismo en las sociedades europeas, algo que ya venía intuyendo desde sus primeras películas.

Más allá de centrarse en la figura de Waldheim, lo que hizo Ruth Beckermann fue un ensayo sobre cómo funciona la sociedad austriaca, e incluso mundial, respecto a un tema como el pasado nazi. Y justo esa es la esencia de su cine: explorar ciertas sociedades y comunidades no a partir de vidas privadas o personas determinadas, sino más bien me diante el análisis de patrones o estructuras sociales. Un análisis que le ha permitido crear

una obra donde confluyen crónicas de luchas sociales (como en sus filmes co-realizados con Josef Aichholzer), la comunidad judía (en su trilogía de 1983 a 1990 integrada por Re greso a Viena, El puente de papel y Rumbo a Jerusalén) y retratos íntimos y hasta auto biográficos en los que se hace hincapié en el significado y necesidad de cuestionar la memoria histórica.

En su 6ª edición, Black Canvas Festival de Cine Contemporáneo presenta una re trospectiva que reúne cinco de sus títulos más representativos –incluida la reciente Mutzenbacher (2022), galardonada con el Premio a Mejor Película de la sección Encou nters en la Berlinale– que recuperan el espíritu de su obra y su preocupación por documentar la historia reciente en un tándem que va des de la verdad y la memoria colectiva hasta el significado del arte y la maldad intrínseca del ser humano.

Cineteca Nacional

© Ruth Beckermann Filmproduktion

EL PUENTE DE PAPEL

Die papierene Brücke, Austria, 1987, 95 min. D: Ruth Beckermann.

El puente de papel es un viaje a través de la pro pia historia familiar de la cineasta Ruth Beckermann. Al mismo tiempo, la odisea funciona como una des cripción de la historia de la comunidad judía en toda Europa Central. La directora austriaca se desplaza a Viena, ciudad en la que su abuela sobrevivió a la gue rra escondida y a donde su madre regresó en 1950 desde Israel, para luego llegar hasta los paisajes de la infancia de su padre en la Bucovina, una región que formó parte del Imperio Austrohúngaro.

AL ESTE DE LA GUERRA

Jenseits des Krieges, Austria, 1996, 117 min.

D: Ruth Beckermann.

Habitaciones con azulejos blancos y viejas fotogra fías en blanco y negro que decoran las paredes, son parte de una exposición que documenta las atroci dades cometidas por la Wehrmacht [fuerzas armadas nazis] en el frente oriental durante la Segunda Guerra Mundial. En ese espacio, visitantes y exsoldados ha blan de sus experiencias más allá de lo que se con sidera una guerra “normal”. El tenso debate que se genera es el eje de este incisivo documental sobre el recuerdo, el olvido y la memoria histórica.

HECHO EN CASA

Homemad(e), Austria, 2001, 84 min.

D: Ruth Beckermann.

En la calle Marc Aurel en Viena, está el último comer ciante de telas judío que sobrevive en lo que fuera el barrio textil, el propietario del hotel iraní y el Café Salzgries con sus clientes habituales. Del verano de 1999 a la primavera de 2000, Ruth Beckermann rea lizó pequeños viajes alrededor de su propia casa y se sumergió en el vecindario con la ayuda de una cá mara. La película también es testigo de los cambios políticos de la época, donde la extrema derecha se unió a un gobierno de coalición.

LOS SOÑADOS

MUTZENBACHER

Die Geträumten, Austria, 2016, 89 min.

D: Ruth Beckermann.

Los poetas Ingeborg Bachmann y Paul Celan se co nocieron en la Viena de posguerra. El intercambio postal que tuvieron es la base textual de esta pelí cula en la que los jóvenes intérpretes Anja Plaschg y Laurence Rupp se encuentran en un estudio de gra bación para leer las cartas. Las emociones provocadas por la proximidad y la distancia, la fascinación y el miedo, les cautivan. Sin embargo, también disfrutan de la mutua compañía mientras fuman, hablan de sus tatuajes y de su música favorita.

Austria, 2022, 100 min.

D: Ruth Beckermann.

Con un anuncio en un periódico, la directora Ruth Beckermann anuncia el casting para una película ba sada en un conocido texto pornográfico. Esto no es un desafío menor, ya que se trata de la novela anóni ma Josefine Mutzenbacher o la historia de una puta vienesa de 1906. Desde un diván, hombres de 16 a 99 años se ven confrontados con extractos del texto en una época donde el sexo es más omnipresente que nunca, aunque al mismo tiempo exista una moral contradictoria y dominante en torno al erotismo.

© Ruth Beckermann Filmproduktion

© Ruth Beckermann Filmproduktion

BLACK CANVAS FCC 2022

FOCO: ANDREA ŠTAKA

Nacida en Lucerna y criada en Zúrich, hija de padres de la antigua Yugoslavia (Bosnia y Croacia), la cineasta suiza Andrea Štaka ha vi vido atravesada por dos culturas. Suiza era el país de la escuela y la vida cotidiana; seguro, tranquilo y algo solitario. Yugoslavia era el país de la familia y las vacaciones, pero también el país de la pérdida desde que estalló la guerra a principios de los años 90. Esta ambivalencia identitaria ha marcado y orientado la obra de la directora, conformada hasta la fecha por tres largometrajes de ficción y un documental en los que ha representado el dolor, la año ranza y la lucha diaria de aquellas personas que debieron abandonar su lugar de origen debido al conflicto bélico.

Desde Hotel Belgrado, su cortometraje de graduación, Štaka se ha preocupado por dar voz a personajes femeninos que se sienten extrañas en los lugares donde viven, pro fundizando en la variedad de matices de la experiencia extranjera. El exilio como libera ción fue el tema principal de su documental Yugodivas, un retrato de mujeres artistas de la antigua Yugoslavia en Nueva York. Su debut en el largometraje de ficción, Señorita, ganador del Leopardo de Oro del Festival de Locarno,

abordó el destierro y amistad de tres mujeres de varias generaciones y nacionalidades (una serbia, otra croata y una bosnia) que rehicie ron su vida en Suiza. El exilio como peligro y abismo de autodescubrimiento es el tema de Cura, protagonizado por una adolescente que atraviesa una crisis de identidad influida por la ciudad croata de Dubrovnik. Finalmente, su largometraje más reciente, propone otro tipo de exilio, esta vez uno más personal e íntimo: el de una esposa y madre que se siente ajena a su propia familia.

La 6ª edición de Black Canvas Festival de Cine Contemporáneo presenta en las salas de la Cineteca Nacional la retrospectiva de Andrea Štaka, para que el público conozca la filmografía de una cineasta que ha conver tido su relación con esa región cada vez más borrosa que alguna vez se llamó Yugoslavia, en una serie de historias protagonizadas por mujeres que intentan encontrar su propio lu gar y su propio tiempo.

Cineteca Nacional

DEL 5 AL 8 DE OCTUBRE

YUGODIVAS

SEÑORITA

CURA

Suiza, 2000, 58 min.

D: Andrea Štaka.

Una actriz, una pintora y tres músicas de Belgrado dejan su tierra natal para aventurarse a un nuevo co mienzo en Nueva York. El estallido de la guerra en 1991 y, sobre todo, los bombardeos en la capital yugos lava durante la primavera cambiaron sus vidas para siempre. Los recuerdos y un doloroso análisis de la antigua patria ocupan sus pensamientos. Yugodivas documenta la historia de exilio de este grupo de mu jeres, su vida cotidiana, su relación con el arte y la búsqueda de un hogar perdido.

Das Fräulein, Suiza-Alemania, 2006, 81 min.

D: Andrea Štaka.

Ruža dejó Serbia hace más de veinte años y ahora vive regenteando un comedor en Zúrich. Su mundo meti culosamente organizado da un vuelco cuando conoce a Ana, una joven impulsiva procedente de Sarajevo. Poco a poco va creciendo un vínculo entre ellas que se enfrenta a una doble barrera: el temor de Ruža al abrirse con los demás y un secreto inconfesable de Ana. Ganadora del Leopardo de Oro del Festival de Locarno, Señorita es una conmovedora exploración del desarraigo, la soledad y los deseos.

Cure: The Life of Another, Suiza-Croacia-Bosnia y Herzegovina, 2014, 83 min.

D: Andrea Štaka.

1993, después del Asedio de Dubrovnik. Linda ha regresado a Croacia desde Suiza con su padre. Su nueva mejor amiga, Eta, la lleva al bosque donde se enredan en un juego de intercambio de identidades con toques eróticos que culmina con una caída letal. Al día siguiente, Linda regresa sola y poco a poco empieza a ocupar el lugar de Eta. La cineasta Andrea Štaka propone un viaje a la mente de una adolescente que intenta reencontrarse consigo misma en un país extraño, que la atrae y a la vez la rechaza.

MARE

Suiza-Croacia, 2020, 84 min. D: Andrea Štaka.

Mare nunca ha volado, aunque vive junto a un aero puerto con su esposo y sus tres hijos adolescentes. Ama a su familia, pero a veces se siente como una extraña en su propia casa. Viendo aviones cruzar el cielo, ansía un cambio y lo desconocido. Un día, un joven polaco se muda a la casa de al lado, despertán dola de su coma emocional. El más reciente largome traje de Andrea Štaka plantea el nostálgico retrato de una mujer de mediana edad surcada por el deseo de ir más allá del tedio de su vida cotidiana.

Hotel Belgrad, Suiza, 1998, 13 min. D: Andrea Štaka.

Una pareja hace el amor en un hotel de Yugoslavia. Ella vive en Suiza, él en Belgrado y sin pasaporte desde que desertó de la guerra en Bosnia. ¿Qué hacer en esta tierra extraña? Conforme aumenta la intensidad de su amor, crece también el miedo a la inevitable separación.

HOTEL BELGRADO

ANDREA ŠTAKA: DOS IDENTIDADES Y EL LENGUAJE DEL ARTE CINEMATOGRÁFICO

Extractos de un texto de Marcy Goldberg (2009), revisado y actualizado por Swiss Films (2014)

«En otro idioma te conviertes en una persona diferente», dice Mara, la protagonista del cortometraje Hotel Belgrado [1998], de Andrea Štaka. Al igual que la actriz, la cineasta creció en Suiza, pero tie ne sus raíces en la antigua Yugoslavia, en Bosnia y Croacia. Una identidad que no está dividida sino que es doble, insiste: «No me siento mitad y mitad, sino las dos cosas». Štaka asistió a la escuela de arte de Londres antes de acudir a la Universidad de las Artes de Zúrich; también vivió y trabajó en Nueva York en 1998 y 2005. Su capacidad para moverse entre culturas y lenguas ha conformado su trabajo desde el principio y le permite contar historias de forma sensible y matizada. En la escena internacional, Štaka fue celebrada como una nueva promesa en 1998 con su película de graduación. En Suiza, ha asumido el papel de pionera de diversas maneras: como parte de la primera generación de graduados de la escuela de cine, como cineasta que defiende un nuevo enfoque cinematográfico de la identidad étnica y, desde 2007, como cofundadora de su propia productora Okofilm junto a su socio Thomas Imbach.

Las películas de Štaka tratan de mujeres que se mueven entre diferentes países y culturas y, atrapadas entre sus recuerdos y su futuro, no saben exactamente a dónde pertenecen. La protagonista de Hotel Belgrado, Mara, vive en Zúrich pero ama a un hombre que no puede o no quiere abandonar Belgrado. En el documental Yugodivas

Hotel Belgrado · 1998

(2000), Štaka retrata a cinco jóvenes serbias que aspiran a hacer su carrera artística en Nueva York tras la guerra civil y el colapso de Yugoslavia. En Señorita (2006), Ruža, Ana y Mila se encuentran en Zúrich. No sólo sus afiliaciones serbias, bosnias y croatas albergan un potencial de conflicto, sino que las diferencias generacionales y sus propias experiencias también las separan entre sí. En la [antepe núltima] película de Štaka, la coproducción suizo-croata-bosnia Cura (2014), Linda, que creció en Suiza, regresa a Dubrovnik, la ciudad natal de su padre, poco después del final de la guerra. También ella es un personaje que aún no ha encontrado su identidad.

Andrea Štaka nació en Lucerna en 1973 y creció en Zúrich. Cuando la Escuela de Arte y Diseño de Zúrich (actual Universidad de las Artes de Zúrich) abrió el departamento de cine y video en 1992, su mejor amiga la motivó a ingresar. Comenzó su formación en 1993 y fue, por tanto, una de las primeras alumnas en graduarse de la escuela de cine en los años siguientes. Es significativo que esta primera generación incluyera a muchas mujeres –entre ellas las directoras Sabine Boss, Anna Luif y Bettina Oberli–, una novedad en el panorama cinematográfico suizo, donde hasta los años 90 sólo se habían realizado unos pocos largometrajes por mujeres. La película de graduación de Štaka, Hotel Belgrado, atrajo inmediatamente la atención, se proyectó en numerosos festivales y ganó varios premios tanto en Europa como en Norteamérica.

Tras graduarse, Andrea Štaka se fue a Nueva York, donde trabajó como ayudante de dirección y directora de fotografía y siguió realizando sus propias películas: el cortometraje experimental Daleko (1999) y el docu mental Yugodivas (2000). La idea de este proyecto documental surgió al conocer a la actriz serbia Mirjana Joković, que había protagonizado Había una vez un país... [Underground, 1995], de Emir Kusturica, y que ahora relanzaba su carrera en Estados Unidos. El interés de Štaka se despertó. Quería explorar los paralelismos que existían entre su propia situación y la vida de las jóvenes serbias que querían dedicarse al arte en Nueva York, en un momento en que los conflictos en Serbia y Kosovo aún no se habían resuelto. El tema de la guerra en la patria lejana o como reverberación en el presente, que Štaka ya había tratado en Hotel Belgrado y Daleko, es algo que también ha retomado en Señorita y Cura Señorita, el primer largometraje de Štaka, se inspira en una novela del premio Nobel yugoslavo Ivo Andrić (1892-1975). En su película, combinó el motivo de la mujer solitaria y congelada con las reflexiones sobre el exilio que habían surgido durante su trabajo en Yugodivas, así como su interés por explorar las diferencias entre las distintas generaciones de emigrantes en Suiza. Las tres actrices principales de la película en carnan a tres generaciones: Ruža, una cuarentona empresaria serbia cuyas ambiciones financieras y sentimientos personales reprimidos son los que más se parecen a la heroína de la novela de Andrić; Ana, una joven bosnia cuya infancia estuvo marcada por la guerra civil y que

quiere vivir nuevas experiencias en Zúrich, pero cuyas ansias de vivir se ven ensombrecidas por su leucemia no tratada; y la croata Mila, cuyos planes largamente acariciados de volver a casa después de trabajar entran en conflicto con su deseo de quedarse con sus hijos y nietos en Suiza. Al igual que en Yugodivas, los personajes de Štaka van más allá de los clichés y cumplen la intención de la directora de dibujar retratos finamente graduados de "gente como tú y como yo".

Cura también muestra los claroscuros de una ciudad, Dubrovnik, el segundo hogar de la directora. Las dos adolescentes Linda y Eta, que en el umbral de la edad adulta se involucran en un juego obsesivo y sexualmente cargado sobre el intercambio de sus identidades, son como dos facetas diferentes de una persona. Esta dualidad se repite en motivos a lo largo de la película: Linda con una madre ausente, Eta con un padre ausente. Está la montaña Petka en Dubrovnik y el Üetliberg en Zúrich. El doble también se repite en los objetos: en los espejos, en la ropa, en los peinados.

El compromiso de Andrea Štaka de contar historias de mujeres y explorar múltiples identidades étnicas en el proceso no es dogmático ni forzado. Ya sean protagonistas reales o personajes inventados, sus retratos también abordan elementos más oscuros o temas conmove dores, son sensibles y tienen múltiples capas.

Cura

ENTREVISTA A

27 CINETECA NACIONAL MÉXICO ANDREA ŠTAKA

Presskit de Mare para el 70° Festival Internacional de Cine de Berlín Febrero, 2020 Traducción: Israel Ruiz Arreola

¿Cómo describiría a la protagonista de Mare? Mare está en la flor de la vida y empieza a preguntarse a dónde ha ido su vida y hacia dónde va mental, física y sexualmente. Se toma en serio su papel de esposa y madre, pero también tiene el valor de reconocer y aceptar sus propias necesidades; la necesidad de ser ella misma y de emanciparse. Ama a su familia y al mismo tiempo se da cuenta de que la relación con sus hijos y su marido está cam biando. Pienso mucho en la palabra "familia" y en lo que significa. Una cosa que sé es que ha cambiado tan radicalmente en las últimas décadas que tenemos que repensarla, incluso reinventarla. En cierto sentido, eso es lo que hace Mare a su manera.

¿Cómo se te ocurrió la idea de esta historia? Quería hacer una película sobre la magia de lo cotidiano. Me atraía hacer una película con un argumento sencillo y adoptar un enfoque abierto que dejara espacio para las aportaciones de los demás: muchos ensayos, un equipo pequeño, una forma de trabajar intui tiva. Mare es una película personal. Hablo de una fase de la vida que conozco personalmente: no sólo crecen los niños, sino que, en cierto modo, descubrimos que nosotros también crecemos. De alguna manera, tienes todos los sentidos abiertos. Te preguntas si realmente conoces a la gente con la que vives. ¿Te escuchan? ¿Tu marido te ama? ¿Te pertenece tu vida?

La historia está muy inspirada por el propio lugar. Mi prima vive con sus cuatro hijos y su marido en la casa donde rodamos la película. La visito a menudo. Nos encanta sentarnos en la terraza y charlar sobre nuestras familias, y cada vez que pasa un avión, grito: «¡Un avión!». Ella dice: «¡Estás loca! Mejor hablemos de nosotras». Como madres nos hacemos preguntas sobre la familia, el ser mujer, la sexualidad. Así que en esta terraza empecé a fantasear con que viene un desconocido y Mare sólo tiene que atravesar el jardín y empezar un romance con él. Sin mala conciencia y sin pensar en su familia. Sólo por ella misma. A mi prima le encantó la idea.

Konavle es un lugar especial; es un lugar donde me siento libre, es de donde vengo. La zona es un poco como un western: cruda, hermosa, salvaje y frágil. Estamos a 20 km de la frontera monte negrina, a 20 km de la ciudad turística de Dubrovnik, a nuestras espaldas están las montañas de Herzegovina, y enfrente está el mar. Un lugar hermoso y claustrofóbico.

Andrea Štaka

ŠTAKA

Ona Pinkus

Las actrices principales ya habían participado en Señorita y Cura. ¿Cómo se desarrolló su colaboración con ellas en Mare? Escribí el papel para Marija Škaričić. Es una actriz muy hábil y tenía muchas ganas de volver a verla en la gran pantalla. Me gusta su intuición, su fuerza. En Mare hay una parte mía, de Marija y de mi prima. No siempre fue fácil unirlas. Ensayamos durante mucho tiem po y nos embarcamos en un viaje creativo. La película habla entre líneas: se centra en la ambivalencia de las relaciones y la intimidad. Mare ama a su marido y desea a otro; quiere a sus hijos, y al mismo tiempo a veces ellos son extraños para ella. Interpretar todo esto fue una montaña rusa emocional y diferente a Señorita. [Por otro lado] tenía muchas ganas de que Mirjana Karanović volviera a aparecer en la película. Me encanta su creatividad, su carácter, su alma.

En sus películas, las mujeres son las protagonistas. ¿Por qué le gusta contar historias sobre mujeres? ¡Porque soy una mujer! Quiero crear mujeres que se sientan reales, que sean complicadas, deseables, vulnerables y divertidas. Para mí es importante ser honesta cuando trabajo y eso significa aceptar mis debilidades en lugar de ignorarlas. También llevo dos países, dos almas dentro de mí: una es racional y rígida, la otra apasionada y emocional. He explorado este conflicto en Señorita y Cura.

Mare ∙

La maternidad se reduce a menudo a la imagen de la mujer feliz, satisfecha y dadivosa. La imagen de la madre independiente y luju riosa con vida propia tarda en imponerse. Hay espacio para ambas facetas de la maternidad y creo que están justificadas. La familia lo es "todo", pero tú misma también lo eres. Siempre pienso que esta vez estoy haciendo una película sobre algo completamente diferente. Pero al final todo tiene que ver con la identidad, con quién eres, a dónde perteneces, quién quieres ser.

¿Filmaste con un equipo pequeño y en Súper 16mm? El concepto visual que teníamos el director de fotografía Erol Zubčević y yo se basaba en una cámara natural e intuitiva. Trabajamos con la reducción, el contraste entre la intimidad y la vida cotidiana, para enfatizar la fuerza y la fragilidad, el poder, la imperfección de la vida de Mare. La luz y la naturaleza eran por tanto muy importantes. Con un equipo reducido, éramos móviles, podíamos reaccionar a las condiciones meteorológicas, volver a rodar una escena o cambiar espontáneamente de locación. El Super 16mm es sensual, la luz fluye a través de la cámara; el grano hace que la imagen sea cruda, imperfecta y auténtica; eso es exactamente lo que quería.

ŠTAKA

ESTRENOS

EL OTRO

Hay una escena que resulta sustancial en el más reciente largome traje de la dupla conformada por la escritora y actriz Laura Santullo y el director Rodrigo Plá. En la sala de espera de un consultorio, por debajo de una mesa, una niña cuenta que está ahí porque es bipolar; Tom le responde que él tiene TDAH –Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad–. No hay adultos en la sala, salvo una terapeuta que, tras atender a Tom, se retira. Tom y la otra pequeña abordan sus padecimientos como si estuvieran en la escuela.

D: Rodrigo Plá y Laura Santullo.

2021 · 111 min. · Color

México-Estados Unidos

Dist: Interior XIII.

Este momento simple contrasta con lo relatado a lo largo del primer trabajo en codirección de Santullo y Plá: la incomprensión y juicios de esos padecimientos por parte del mundo adulto y las instancias gubernamentales. El otro Tom es una mirada discreta de la cotidianidad de una madre soltera y la crianza de su hijo con TDAH frente a una sociedad y un Estado que destierran las diferencias. Sin efectismos o momentos conmovedores y grandilocuentes, la película opta por un minimalismo narrativo que complejiza a sus personajes para que la audiencia sea quien saque sus propios juicios y conclusiones.

Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional

31, 2021

Ciudad de México

Santullo y Plá retratan los dos lados: el Tom hiperactivo y estigma tizado al que su mamá Elena cobija ante la ausencia del padre y la indiferencia de los servicios sociales, y ese “otro Tom” medicado y en terapia, cuyos pasos evidencian la falta de sensibilidad para tratar clínicamente los padecimientos mentales. No se toma partido por ninguno de los dos Tom, y se evita ofrecer respuestas o enmiendas morales. Aunque gracias a la buena química entre Julia Chávez e Israel Rodríguez Bertorelli en los papeles de madre e hijo, se deja entrever que el constructo social donde vivimos, en el que se pre gona empatía, vuelve a las diferencias invisibles, por más discursos de igualdad que existan.

LUCHA POR LA LIBERTAD

Si fuera un color, la nueva película del director chino Zhang Yimou (La linterna roja [1991], Héroe [2002]) sin duda sería el blanco. En primera instancia, un blanco limpio, como el de la nieve que cubre todos los paisajes de ese Manchukuo conflictivo, el estado títere que cruzan los personajes. Pero a medida que avanza el filme, también un blanco que puede ser ruidoso y hostil. En cualquiera de esas formas, el blanco se encuentra siempre dentro del plano, y el rea lizador no nos deja apartar la mirada de él.

Xuan ya zhi shang D: Zhang Yimou.

2021 · 125 min. · Color

China-Hong Kong

Dist: A2Filmes.

Así, el enfrentamiento entre una China comunista resistente y un amenazante Japón Imperial post Primera Guerra Mundial está tratado desde una vertiente más bien estética, ese acercamiento que suele caracterizar el cine de Zhang Yimou. Con Lucha por la libertad, el director pone imágenes a la historia escrita por Quan Yongxian sobre un grupo de espías del Partido Comunista Chino a los que, tras ser entrenados por la Unión Soviética, se les encomienda una misión vital para su país en el sino del conflicto entre las dos potencias asiáticas.

Cuando se deja de lado toda la gravedad política de esa compleja realidad que quiere abordarse (la de principios de la década de los 30 en una zona de tenso enfrentamiento), Lucha por la libertad no es ni más ni menos que una película de espías. Y, como tal, es innegable que está ejecutada de forma impecable.

Extractos de un texto de Júlia Gaitano Mendizábal

El antepenúltimo mohicano oct. 11, 2021

Cáceres

Lucha por la libertad es la primera incursión que el director hace en el género del espionaje, y aunque no sea una propuesta que esté concebida para levantar grandes pasiones, contiene un valor en sí misma: todo está en su sitio. Es cautivadora en sus imágenes, efectiva en su entramado de intrigas y hasta emotiva cuando se propone serlo. Solamente por formar parte de la filmografía del director chino, es ya una interesante experiencia estética.

OAXACALIFORNIA: EL REGRESO

D: Trisha Ziff.

·

Artegios.

En 1994, la cineasta británica radicada en México, Trisha Ziff conoció a la familia Mejía –quienes cruzaron la frontera como indocumentados hace más de 40 años– durante sus vacaciones en Oaxaca cuando regresaron a su pueblo natal con sus tres hijos, que recientemente habían sido documentados como ciudadanos estadounidenses en 1993. Un año después, la directora realizó un documental para la televisión sobre ellos que retrataba su realidad como inmigrantes en los Estados Unidos, enfrentando un futuro un tanto incierto, pero que parecía llenarlos de esperanza por las oportunidades que nunca encontraron en territorio mexicano. La filmación se realizó en Fresno (California) y en Jaltepec (Oaxaca).

Veinticinco años después, la cineasta vuelve a reunirse con los Mejía, ahora con integrantes de una tercera generación posterior a la que eran cuando emigraron, conformada por adolescentes es tadounidenses de segunda generación. El documental recorre la manera en que su historia prosiguió como familia de inmigrantes, las problemáticas que dejaron atrás y las que siguen enfrentando, además de su esfuerzo por entender lo que significa ser mexicano y estadounidense en ese país.

Rodada en ambos lados de la frontera, Oaxacalifornia: El regreso ilustra las formas en que las identidades multigeneracionales cambian y adquieren nuevos significados dentro de una misma familia para permitir que sus miembros se adapten sin problemas a una realidad bicultural. Desafiando las viejas narrativas que definían la experiencia migratoria de quienes, como los abuelos Mejía, estaban atrapados entre dos mundos o “no eran ni de aquí ni de allá”, los nietos exploran y reclaman sus identidades como si fueran tanto de aquí como de allá.

A LITTLE

Gastón Solnicki viene construyendo un estilo narrativo muy distintivo, en el que lo experimental y lo narrativo, lo fragmentario y lo contempla tivo se combinan con resultados que van de lo fascinante a lo elusivo, de la alta cultura a la comedia de enredos. Sus películas (o ensayos o artefactos audiovisuales) son verdaderos rompecabezas, pero en los que a su director no le hace falta encajar las múltiples piezas. Instalado en Viena y con el aporte visual del extraordinario director de fotografía portugués Ruy Poças, Solnicki comienza A Little Love Package con otra de sus obsesiones: los cafés. Y los cafés vieneses no son precisamente algo menor. De hecho, el director argentino formado en Nueva York considera que en 2019, cuando se instauró la prohibición definitiva de fumar en esos ámbitos, se produjo el fin de una era, una tradición y una cultura.

Pero su película también incursiona de lleno en la ficción. Luego de unos planos de la ciudad, aparece en pantalla Angeliki (Angeliki Papoulia), que está decidida a comprar un departamento, pero su amiga y diseñadora de interiores Carmen (Carmen Chaplin) siempre encuentra motivos para desaconsejar la operación.

Tenemos entonces a un cineasta argentino, un director de foto grafía portugués, una protagonista inglesa (Chaplin) y otra griega (Papoulia), un narrador en off en castellano (el escritor mexicano Mario Bellatin), locaciones urbanas austríacas que luego se trasladan hasta la Andalucía rural. Todo sujeto a un trabajo abierto por completo a la improvisación, sin guion.

Sí, A Little Love Package, con sus confesiones de mujeres, fábricas de quesos, barquitos a control remoto, paseos por museos, Ferraris a toda velocidad e imágenes de ríos y mares es una experiencia por momentos desconcertante y en otros embriagadora, fascinante.

ITHAKA

Los juicios contra Julian Assange continúan: no se vislumbra el fin de su encarcelamiento en la brutal prisión londinense de Belmarsh, a la espera de que se renueve la petición de extradición del go bierno de Estados Unidos, lo que le llevaría a una cárcel de máxima seguridad estadounidense para el resto de su vida. Esta película, dirigida por Ben Lawrence y producida por el hermano de Assange, Gabriel Shipton, cuenta la desgarradora historia personal de la batalla de su familia para liberarlo.

En 2010, el fundador del sitio web de denuncias WikiLeaks ex puso las pruebas de los crímenes de guerra de Estados Unidos en Afganistán e Irak. Se convirtió en un héroe liberal, pero luego fue confinado en la embajada ecuatoriana de Londres desde 2012 hasta 2019 como solicitante de asilo político, en lugar de enfrentarse a una investigación por agresión sexual en Suecia, que según él era simple mente una calumnia y una estafa para extraditarlo a Estados Unidos.

Esta disputa debilitó catastróficamente su apoyo y enturbió su imagen, al igual que su decisión de publicar los correos electrónicos del partido demócrata en medio de la campaña de las elecciones presidenciales de 2016 en Estados Unidos; avergonzó a Hillary Clinton y deleitó públicamente a Donald Trump.

Ithaka nos muestra cómo el tiempo y la experiencia han dado perspectiva a todo esto, centrándose en el anciano padre de Assange, John Shipton, y en la prometida de Assange, Stella Moris (ahora su esposa), que han luchado tenazmente por los derechos de Assange como periodista de investigación y editor. El propio Assange está en gran medida ausente de este documental: es simplemente una voz fantasmal al final del teléfono. Y aunque sea horrible admitirlo, al no aparecer en persona, Assange podría haber ayudado a su causa.

EL HIJO DEL TENDERO, EL ALCALDE, EL PUEBLO Y EL MUNDO

El hijo del tendero es Jean-Marie Barbe, un director que, desde finales de los años setenta, ha hecho de Lussas, su pueblo natal en la región francesa de Ardèche, uno de los lugares más importantes del cine documental en Francia y de la resistencia al centralismo parisino, con un proyecto político que se resume en la frase: «cambiar la mirada para cambiar al mundo». Pero esta aventura –apostada cada verano en la llamada Asamblea de Cine Documental– no se pudo perpetuar sin la movilización de los habitantes de Lussas y del alcalde Jean-Paul Roux, su antiguo compañero de clase.

Le fils de l'épicière, le maire, le village et le monde

D: Claire Simon.

2020 · 111 min. · Color

Francia-Bélgica

Dist: Andana Films.

La directora Claire Simon instaló su cámara en esa pequeña comunidad de 1,100 habitantes en un momento en que Ardèche Images, la asociación que promueve la Asamblea, se propone un reto doble: lanzar Tënk, una plataforma digital por suscripción dedicada a difundir documentales, y construir un edificio de 1,500 m2 para albergar una “villa documental”. ¿Podrán con esta apuesta económica? La interrogante es el eje de una película que sigue las peripecias cotidianas de un grupo de entusiastas que se lanzan a la conquista de una economía globalizada y virtual, al tiempo que rinde homenaje al compromiso de un pueblo.

Extractos de un texto de Céline Rouden

La Croix sept. 1, 2021

Francia Traducción: Edgar Aldape Morales

Barbe pone sus últimos esfuerzos en el proyecto: viene y va a París buscando subvenciones; intenta convencer a inversionistas mientras debe resolver los conflictos en su propio equipo con la persistente cuestión de quién será su sucesor y cómo obtener la inversión necesaria para mantener viva una bella idea. ¿Se debe sacrificar la utopía por imperativos económicos que garanticen la supervivencia del proyecto?

La pregunta también es relevante para los agricultores y viticultores de la zona, sometidos a la fuerza de la globalización. ¿Qué pasará con el futuro de la vida rural y a quienes resisten para defenderse?

TRAVESÍAS

En su ópera prima de 2016, 3 mujeres (o despertando de mi sueño bosnio), Sergio Flores Thorija examinó las historias de tres jóvenes que viven al mismo tiempo en la ciudad de Sarajevo bajo circunstancias muy diferentes. Lo que las une: sus sueños estáticos que las impulsan a pensar en un mejor futuro. Pero para eso hay que librar batallas frente a un sistema que carcome hasta la identidad.

D: Sergio Flores Thorija. 2021 · 112 min. · Color México

Dist: IDA Agency.

Algo parecido sucede en su segundo largometraje, aunque el escenario es más cercano: la frontera México-Estados Unidos, concretamente Tijuana y San Diego. Aquí convergen las historias de Alejandra y Víctor, quienes subsisten con las posibilidades que les dio la vida, sea colocando uñas, trabajando en una maquila o estudiando negocios y hablando sólo en inglés. En ese sentido, Flores Thorija apuesta por planos generales que se muestran de manera continua, quizá para representar mejor el contexto que les rodea. Así, los paisajes de Tijuana y San Diego se convierten en otro personaje más.

Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional mzo. 16, 2022

Ciudad de México

Si la primera parte de la historia (“El porvenir”) es una postal detallada de las vidas de ambos, la segunda (“Dead End”) privilegia el verdadero impulso de la película: los contrastes de una frontera donde se trastocan identidades y anhelos. Cada quién por su lado, Alejandra y Víctor se ven obligados a viajar al otro lado del muro. Y no siempre con la mejor de las suertes. Su identidad se recons truye, y en eso ayuda que el director los sitúe en acciones comunes como una caminata en la calle para entender mejor su proceso de adaptación. Esta construcción naturalista, apoyada por el trabajo de actuación sobre todo de Alejandra Carrillo, hace de Travesías una lúcida meditación sobre el impulso de emigrar a otro lugar que, aún con distancias estrechas como la que hay entre Tijuana y San Diego, sigue pareciendo lejano.

ARRITMIA

Un hombre que sufre arritmia, pero quien descubre que sus latidos realmente forman un código numérico que le señala unas coordena das, es el hilo de la primera coproducción entre México y Sicilia, Italia.

Bajo la dirección de Gibrán Bazán, el largometraje hablado prácticamente en italiano es protagonizado por Fernando Sarfatti y Valentina Buzzurro, intérpretes que tienen raíces en el país europeo. Arritmia, título del filme, fue hecho enteramente con capital privado, luego de ser rechazado en tres ocasiones por fondos públicos, a pesar de haber tenido lista la coproducción con Sicilia, recuerda el realizador.

«Es la historia de un hombre que un día por fin le hace caso a la arritmia y se da cuenta de que es como un código numérico, en clave morse; entonces se mete a internet, ve que son coordenadas de un lugar al que decide ir», cuenta Bazán.

En Sicilia de inmediato adoptaron el concepto pues están inte resados en historias alejadas de la mafia, algo que el cine se ha dedicado en ponerle como estigma al lugar. «Vieron la propuesta y les encantó, están buscando cosas distintas para ellos. Nos dieron todo el apoyo. La película está hablada en italiano, con algunas partes en siciliano», detalla Bazán.

Arritmia tuvo un costo aproximado de medio millón de euros, es decir, cerca de 12 millones de pesos, la mitad de lo que cuesta una cinta promedio mexicana. Un equipo de 20 mexicanos liderados por Bazán conformó el crew que rodó en Agrigento y Siracusa, en Italia, así como en París, Francia.

Los apoyos permitieron filmar gratis en lugares que normalmente cuestan miles de dólares como el Valle de los Templos, la Scala dei Turchi y la Plaza del Duomo, lugar donde Giuseppe Tornatore realizó Malena (2000), con Mónica Bellucci.

HERBARIA

Leandro Listorti, a través de la cámara de Fidel González Armatta, juega a un juego de casualidades y certezas. Habla de cine cuando muestra plantas, habla de plantas viéndolas a través de la cámara o en grabaciones de archivo. Nada en principio une ambos mundos, aunque el documentalista los obliga a cruzarse constantemente. La fragilidad de las hojas y la película, la necesidad de una conservación adecuada para no desaparecer, incluso cuestiones más azarosas (o quizás no tanto) como que el mayor botánico de la Argentina haya sido el tío de uno de los más importantes coleccionistas de cámaras del mundo, quien hoy le da su nombre al Museo del Cine. Su tío, a la vez, le da su nombre a la Escuela de Jardinería de Buenos Aires.

D: Leandro Listorti.

2022 · 83 min. · Color Argentina-Alemania

Herbaria deja (o mejor dicho, obliga) al espectador forjarse su opinión, construir una historia que meramente está sugerida a través de píldoras de testimonios, unos intertítulos dispersos, una recursiva expedición al archivo, imágenes de museos, campos y jardines en Argentina y Alemania. Es una película que da libertad, algo raro en una industria que nos acostumbra peligrosamente a aceptar lo que vemos.

Sumando la insistencia en el archivo y en el formato de videoensayo que adopta, este documental recuerda a las obras más inspiradas de Harun Farocki. Incluso se dan el lujo de hacer un guiño a Werner Herzog. El tratamiento poético de la imagen, el uso de la película de 16mm con su particular textura, y el foley económico pero preciso, le dan un clima de misterio.

Extractos de un texto de Sebastián Francisco Maydana Revista Caligari abr. de 2022 Argentina

Herbaria es un inteligente documental que habla de la fatalidad del tiempo, pero también de su transformación. De cómo la empresa moderna de conocimiento total y coleccionismo de especies ani males y vegetales fracasa y da a luz a los monstruos que acechan nuestro mundo poshumano, no como amenazas en las sombras sino como advertencias.

QUERIDA NANCY

D: Olivia Peregrino. 2021 · 68 min. · Color México

Dist: Alfhaville Cinema.

Valiente y arriesgada, como la describía su gran amigo Carlos Monsiváis, Nancy Cárdenas fue una artista multifacética que, a pesar de sus inmensos logros, ha quedado en el olvido para las nuevas generaciones. El documental Querida Nancy da cuenta de los pasos por este mundo de la mujer originaria de Parras, Coahuila, quien siempre mostró una vocación por el teatro y el cine, y con convicción estudió un doctorado en Filosofía en la Facultad de la UNAM, así como Artes Escénicas en la Universidad de Yale en Estados Unidos. Directora de teatro, locutora, cineasta, escritora, poeta, activista y doctora en Letras, Nancy Cárdenas fue pionera en los movimientos feminista y LGBT en los años 70, y a pesar de los intentos de censura por parte del gobierno, fue la mujer que presentó por primera vez en México una obra teatral con temática LGBT.

Extractos de un texto de Antonio Ruiz Celuloide Digital ag. 25, 2021 México

Además de algunas divertidas anécdotas que hablan sobre su amistad con la legendaria Chavela Vargas, y de los testimonios que nos comparten cómo fueron los últimos días de la intrépida Nancy Cárdenas a causa de un agresivo cáncer que le arrebató la vida el 23 de marzo de 1994, entre las muchas revelaciones que encontramos en el documental tenemos la referente a la lectura de la «Declaración de las lesbianas en México» en 1975. En poco más de 60 minutos, el documental Querida Nancy, producido y dirigido por la realizadora Olivia Peregrino, recoge testimonios y entrevistas con sus familiares, sus amigos más cercanos, exparejas y activistas. El resultado es un retrato entrañable de una de las piedras angulares de la comunidad LGBT en el represivo México de los 70 cuya valentía, magnetismo y provocación fueron sus principales armas para labrar el camino de la lucha por la apertura mediática hacia las minorías y los derechos de las disidencias sexuales.

APAPACHO, UNA CARICIA AL ALMA

La pérdida de un ser querido abre un gran vacío en la vida de cualquier persona. Llenarlo puede ser una tarea insuperable. A menos que creamos, como en la cultura mexicana, que los difuntos son como las estrellas: aunque estén muertos, siguen brillando (en nuestra memoria). Marquise Lepage explora esta premisa en la suave Apapacho, una caricia al alma, una película noble en la que la directora de Ce qu'il ne faut pas dire (2015) se inspiró en su propio dolor y en un viaje a México durante el Día de Muertos para crear un drama psicológico íntimo.

D: Marquise Lepage. 2019 · 89 min. · Color Canadá-México

Estelle y Karine son dos hermanas [francocanadienses] con diez años de diferencia situadas en dos extremos: la mayor es rígida y bondadosa en contraste con la menor, una artista bohemia que carece de inspiración. Pronto comprendemos que Lili, la más joven, era el vínculo entre ellas. Pese a la dolorosa ausencia de Lili, las dos hermanas realizan su viaje anual. No al mar, sino al valle de Tehuacán-Cuicatlán, un paisaje árido de una belleza impresionante. Estelle se desespera al ser víctima del choque cultural; Karine está encantada de reencontrarse con su amiga Rosa, quien las lleva a sumergirse en los preparativos del Día de Muertos.

Extractos de un texto de Éric Moreault

Le Soleil

oct. 17, 2019 Quebec Traducción: Edgar Aldape Morales

Con el escenario así establecido, Marquise Lepage expone en pequeños detalles los lazos familiares que unen a las tres her manas, pero también, más reveladores, los lazos con sus padres. Se usan películas caseras (falsas) para los flashbacks, así como elo cuentes escenas que ayudan a poner en perspectiva la ausencia del padre y la enfermedad de la madre. Es una historia sobre el duelo y la familia, sobre la culpa que sienten los que siguen en vida, de las relaciones entre hermanas, a veces difíciles, y del amor en todas sus formas. Sumado a ello, un dúo de actrices formidables con una bella complicidad que reconfortará a muchos.

ISRAEL

D: Ernesto Baca. 2021 · 63 min. · Color Argentina-México

En esta nueva road movie –podría decirse que toda su filmografía es un enorme loop, una insistente invitación a un viaje perceptivo y mental–, el argentino Ernesto Baca propone un recorrido lisérgico a través de los escabrosos desiertos humanos y geográficos de México, misterioso país donde pasó los dos últimos años antes de la pandemia. Israel es un viaje con destino incierto (tan incierto que al final se diluye como la arena en el agua de mar) y narra el encuentro fortuito de un ladrón y una prostituta que se adentran en las ruinas de un mundo distópico. Él acaba de robar una moto, ella sólo quiere viajar al norte. Son dos jóvenes sin esperanzas, sin casa ni familia. Dos marginales sin futuro, dos huérfanos buscando afecto, que tienen a la ruta y al desierto como un territorio en común.

Se trata de un viaje psicodélico y bizarro, que por momentos se vuelve una exploración antropológica y una aproximación a las raíces indígenas y religiosas de la cultura popular mexicana, el kitsch, la polí tica, el sensacionalismo, la corrupción policial y su devoción profunda por vírgenes y santos. Es al mismo tiempo una narración diluida, de temporalidades diversas, impulsada principalmente por imágenes mágicas y misteriosas filmadas en Super 8, 16 y 35 milímetros, más que por las acciones desconcertantes de los personajes, por su inexpresividad o por sus escasos diálogos (generalmente en off, sin respetar ninguna sincronía con la imagen).

Extractos de un texto de Paulo Pécora Revista de cine Caligari Argentina

Una historia donde predominan –como en la poesía– el simbo lismo y la metáfora. Algo que recuerda, por distintas razones, a dos de sus primeras películas: Cabeza de palo [2002] y Samoa [2005]. Especialmente porque Israel reitera –en un nuevo loop dentro de una trayectoria sumamente prolífica y sorprendente– su vocación de aprendizaje, collage y experimentación.

D: María Álvarez.

Las cercanas propone el seguimiento íntimo de la vida de Coca y Yinga, nonagenarias hermanas gemelas que viven en un pequeño departamento de Buenos Aires atiborrado de objetos y un piano de cola. Esta película es la tercera de una trilogía que se compone por Las cinéphilas (2017) y El tiempo perdido (2020), a través de la cual la directora María Álvarez trabaja la conjunción de la vejez, el paso del tiempo y el arte. En Las cercanas centra su atención en el vínculo de las hermanas Cavallini, quienes no han perdido su espíritu de niñas, algo clave para comprender su vida y la forma en la que interactúan.

Amalia e Isabel Cavallini fueron pianistas profesionales durante la década de los 50 y 60, sin embargo, su presente se compone de los recuerdos de aquel pasado luminoso, materializado en fotografías, cuadros, cintas en 8mm y las grandes piezas musicales que inter pretaron. La directora captura una realidad que de a poco se va apagando, donde el paso del tiempo cubre de nostalgia las historias de las protagonistas, a quienes disfrutamos a través de momentos sencillos como al escucharlas recitar un poema de memoria, o ver a Yinga tocar el piano mientras Coca canta una canción de feliz cumpleaños para ellas mismas.

Karla Díaz Montalba Cineteca Nacional

La observación en detalle del espacio que habitan también nos en trega señales de lo que fueron sus vidas: la pintura imponente situada en el centro de la sala y donde aparecen retratadas cuando eran niñas; los muñecos de porcelana, a los que cuidan como hijos y que las llevan a su infancia; y sin duda, el piano de cola ubicado en la sala, símbolo de su esplendor, un objeto que estructura narrativa y dramáticamente el documental. Las cercanas nos adentra a una realidad de la cual nadie puede escapar, de un universo que está a punto de extinguirse y que nos hace recordar lo frágiles y efímeros que somos.

EL TIEMPO PERDIDO

Retrato de una obsesión. Así podría definirse a esta película sobre un grupo de veteranos entusiastas de En busca del tiempo perdido, la monumental obra de Marcel Proust. Si el autor francés tardó unos 14 años (de 1908 a 1922) en escribir los siete tomos de esa meganovela considerada una obra maestra de la literatura, este grupo de lectura se reúne una vez por semana, desde hace ya casi dos décadas, para analizar párrafo por párrafo esta historia cuyo énfasis está puesto en personajes femeninos del entorno del propio Proust.

D: María Álvarez.

2020 · 102 min. · B/N Argentina

María Alvarez registró –con la misma obsesividad de los partici pantes– esos encuentros durante un lapso de tres años en el Café Tribunales de la zona homónima (a pocos metros del Teatro Colón). Están los habitués y también aquellos que son como personajes secundarios, pero frente a cámara desfilarán una treintena de estos lectores y analistas empedernidos.

El tiempo perdido es la segunda parte de una trilogía que Alvarez inició con Las cinéphilas y que cerrará con Las cercanas (2021) de pasiones por el arte que se sostienen en el tiempo y en muchos casos se potencian todavía más a la vejez. Si en Las cinéphilas el eje común era el amor incondicional por el cine, aquí lo que une a hombres y mujeres es la literatura. De hecho, hay una conexión directa, ya que algunas imágenes de este grupo ya se veían bre vemente en el film previo y una de las seis “cinéphilas” reaparece dentro de los cultores de Proust.

Extractos de un texto de Diego Batlle Otros Cines nov. 26, 2020 Buenos Aires

El tiempo perdido es en algún sentido más arriesgada en su apuesta, pero carece de ese espíritu de crowdpleaser que sí tenía Las cinéphilas. De todas maneras, esta exaltación de una auténtica épica secreta nunca deja de interesar y, por momentos (cuando las observaciones y los intercambios son particularmente creativos, inteligentes y/o graciosos) incluso de fascinar.

EL ASESINATO DE DOS AMANTES

En la primera escena David (un casi irreconocible Clayne Crawford) sostiene un revólver en sus manos y apunta hacia su (¿ex?) esposa Nikki (Sepideh Moafi) que duerme junto a su nuevo novio Derek (Chris Coy). Parece que de entrada va a cumplirse el título de la película (El asesinato de dos amantes), pero finalmente no aprieta el gatillo.

The Killing of Two Lovers

D: Robert Machoian.

2020 · 85 min. · Color

Estados Unidos

Dist: Synapse.

¿Quién es David? ¿Un psicópata? ¿Un hombre cegado por los celos? ¿Un treintañero angustiado, desesperado por la desintegración de un matrimonio que comenzó apenas salido del colegio secundario? Pero David es también un tipo encantador, un cantautor, un hombre de trabajo, un padre de una adolescente y tres niños con varias facetas simpáticas. Sobre esas contradicciones (que implican, por ejemplo, empatizar con un tipo con arranques extremadamente violentos) tra baja este fascinante y durísimo largometraje de Robert Machoian, un artista de larga trayectoria en el cortometraje y el cine experimental.

Ambientada en el invierno de Kanosh, un pueblo de Utah con apenas 700 habitantes (se ofrece un conjunto de postales de la América profunda en una pantalla casi cuadrada), El asesinato de dos amantes se sustenta en buena medida en una actuación de Crawford llena de matices en la que conviven un profundo dolor e insatisfacción con cierta tenacidad para reconstruir y recomponer una relación (una vida) rota.

Extractos de un texto de Diego Batlle

Otros Cines may. 14, 2021

Buenos Aires

Incómoda, desafiante e incluso sórdida por momentos, El asesinato de dos amantes tiene una profundidad y una concentración dramá tica poco frecuentes en el cine contemporáneo. Hay una decisión algo controvertida a la hora de incorporar un diseño de sonido que rompe con el naturalismo para dotar así al film de un clima casi surreal y alucionatorio, pero si al principio ese recurso puede distraer un poco, a la larga termina siendo funcional a la turbulenta historia.

CARTAS A DISTANCIA

Hace más de año y medio cuando la gente se tuvo que refugiar en sus casas por la emergencia sanitaria provocada por el virus Covid-19, la voz creativa del cinedocumentalista Juan Carlos Rulfo le susurró que tenía que hacer algo ante el evento, no podía quedarse ahí. El resultado de esa propulsión imaginativa es Cartas a distancia, un valioso testimonio que retrata la forma en que la pandemia transformó las dinámicas de comunicación, traslado, trabajo e interacción. A través de las misivas que envían familiares a sus enfermos, se construye una historia acerca del aislamiento, el miedo y el amor.

D: Juan

Dist:

Cuando el director de En el hoyo [2006] pensaba qué hacer con todo lo que pasaba llegó la guionista Melissa del Pozo, quien había visto en la clínica 27 del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) cómo los familiares pedían al personal médico que hicieran llegar cartas a sus enfermos de covid. Todo este aspecto literario, volver a tomar la palabra, informar por medio de las misivas de la situación que estaba viviendo la sociedad mostró por lo que pasaba la gente. Precisamente, que los familiares hicieran el esfuerzo para enviar una carta, un mensaje en una botella de agua para su paciente, fue uno de los motores que dieron forma a este trabajo.

El también director de Del olvido al no me acuerdo [1999] reflexionó: «Que todo sucediera tan de repente fue otro de los motivos, porque una película por lo general requiere un desarrollo del proyecto, una planeación... esto no podía esperar, tenía que arrancar ya». Además, al no poder meterse a los hospitales, Rulfo utilizó la empatía con la gente; los camilleros, que servían de carteros improvisados, también fueron cineastas, porque grabaron algunas tomas de la llegada del correo a las camas de hospital.

LOS MUPPETS

Hay algo encantadoramente implacable en la resiliencia de Los Muppets. Animal no necesita una razón para tocar la batería; Gonzo no puede dejar de lanzarse al peligro; Kermit nunca se rinde…

The Muppets

D: James Bobin.

2011 · 103 min. · Color

Estados Unidos

Dist: Park Circus.

Es con este optimismo ilimitado (y con mucha fe en la nostalgia) que los coguionistas Jason Segel y Nicholas Stoller sitúan esta reno vación de la franquicia, que llega 12 años después de la última salida cinematográfica de los Muppets. Su película lo dice directamente: Los Muppets ya no son nadie. El mundo ha avanzado, el grupo se ha disuelto. Kermit está escondido en su apartamento de Beverly Hills, Miss Piggy se ha convertido en editora de Vogue París, el desesperado oso Fozzie trabaja en un bar de Reno como parte de un acto de tributo a los Muppets de mala calidad (“los Moopets”). Por si fuera poco, el antiguo teatro de la pandilla va a ser demolido y a nadie –menos a los propios Muppets– parece importarle.

Son los fans –representados aquí por un Muppet llamado Walter (Peter Linz) y su hermano humano Gary (Segel)– los que deben salvar el legado de los Muppets. Su plan: salir a la carretera y utilizar su amor por un programa de televisión que fue popular hace más de 30 años para convencer a Kermit y compañía de que se reúnan en un concierto benéfico para salvar el teatro.

La película está repleta de canciones alegres y de humor burlón, que Segal y su compañera de reparto Amy Adams interpretan con soltura. El cinismo y la cautela son preocupaciones del mundo real que no tienen cabida entre la espuma y el sentimiento.

Extractos de un texto de Henry Barnes

The Guardian ene. 26, 2012

Reino Unido Traducción: Gustavo E. Ramírez

El entusiasmo ilimitado de los Muppets los lleva a seguir adelante obstinadamente, y si los tiempos han cambiado, ellos se niegan a reconocerlo. La vida es una canción feliz, como atestigua el gran número musical de la película. Cántala lo suficientemente alto como para que lo escuchen los escépticos.

PREMIOS ARIEL 2022: NOMINADAS A MEJOR PELÍCULA

COSAS IMPOSIBLES

México, 2021, 89 min. D: Ernesto Contreras.

Matilde, una mujer sexagenaria, ha vivido con su ma rido Porfirio desde los 15 años en una relación de vio lencia y desprecio hacia ella. Un día, Porfirio fallece y la deja sola en compañía de su gato Fidel, pero Matilde cree que Porfirio la sigue torturando con sus apari ciones y no puede ser liberada. Por si fuera poco, su pensión del seguro para sobrevivir es cancelada. Miguel, su vecino, un joven y hábil comerciante, se apiadará de ella y poco a poco irán desarrollando una profunda amistad.

EL OTRO TOM

NOCHE DE FUEGO

México-Estados Unidos, 2021, 111 min.

D: Rodrigo Plá y Laura Santullo.

Tom es diagnosticado con Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad y atendido por ese padeci miento. Sin embargo, un accidente pondrá a Elena, su madre, en guardia contra la medicación psiquiátri ca. Su negativa a seguir dándole fármacos ocasionará que los servicios sociales amenacen con retirarle la custodia. Ubicada en Texas, la primera película en co dirección de Laura Santullo y Rodrigo Plá retrata la historia de una madre y su hijo ante la falta de sensi bilidad de instituciones y sociedad.

México-Alemania-Brasil-Catar, 2021, 110 min.

D: Tatiana Huezo.

Una niña desaparece sin dejar rastro en un pueblo mexicano de la sierra. Tres amigas crecen juntas, ha bitan las casas de los que han huido de la comunidad y juegan cuando nadie las ve, pero los ecos oscu ros de la violencia que acecha se convierten en una amenaza ineludible. La primera película de ficción de la aclamada documentalista Tatiana Huezo se interna en una comunidad rural de México para contar una histo ria sobre cómo la violencia que aqueja al país cambia la vida de las mujeres.

NUDO MIXTECO

México, 2021, 91 min.

D: Ángeles Cruz.

En la fiesta anual de un pueblo oaxaqueño, tres histo rias se cruzan: María vuelve para enterrar a su mamá, pero decide proponerle a Piedad, su amor de infan cia, irse con ella. Esteban regresa de Estados Unidos y encuentra que su esposa Chabela se juntó con otro hombre, por lo que convoca a una asamblea para en juiciarla. Toña revive el dolor por el abuso que sufrió en el pasado. La ópera prima de la actriz y directora Ángeles Cruz es una honesta reflexión sobre la resis tencia de un grupo de mujeres.

UNA PELÍCULA DE POLICÍAS

México, 2021, 107 min.

D: Alonso Ruizpalacios.

Ganador del Oso de Plata a la Mejor Contribución Artística en la Berlinale de 2021, el tercer largome traje de Alonso Ruizpalacios juega con los límites del documental, la ficción y la realidad para sumergirse en una de las instituciones más controvertidas de México, la policía, y las causas de la impunidad que asolan el sistema de justicia. A través de la historia de Teresa y Montoya, una pareja de policías mejor conocida como la "patrulla del amor", se recorren las entrañas de un sistema disfuncional.

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