SEPTIEMBRE 2022 PROGRAMA MENSUAL 460 Clásicos en Pantalla Grande: Paul Thomas Anderson Quebecine Ambulante,MXGira de Documentales
Programación sujeta a cambios. Para mayor información deLossucomoexhibe,películaspublicaciónElprocedenciavariardisponible.queLasowww.cinetecanacional.netconsultellameal5541551190.copiasencintadelaspelículasseexhibentienenlamejorcalidadDichacalidadpuededebidoaladiversidaddesuyasuantigüedad.ProgramamensualesunaparainformarsobrelasquelaCinetecaNacionaltantoensusinstalacionesensedesalternas,cumpliendomisióndedifundirlaculturafílmica.textosfirmadossonresponsabilidadsusautores.
ÍNDICE EN PORTADA Petróleo sangriento D: Paul Thomas Anderson, 2007 ABREVIATURAS D: Dirección. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia. CINETECA NACIONAL Av. México-Coyoacán 389, Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03330, Ciudad de México Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos. CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE: PAUL ANDERSONTHOMAS 4 QUEBECINE MX 16AMBULANTE, GIRA DE DOCUMENTALES 1034ESTRENOS
PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE 2022 Dossier PAUL THOMAS ANDERSON Paul Thomas Anderson 20 5 claves para entender a Paul Thomas Anderson 28
Cineteca Nacional CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE:
4 CICLOS 2022·SEPTIEMBRE
PAUL THOMAS ANDERSON
FINES DE SEMANA DE SEPTIEMBRE Y OCTUBRE
Paul Thomas Anderson es uno de los cineas tas estadounidenses más relevantes de la actualidad. Tal vez, incluso, sea el miembro más destacado de su generación, aquella que se formó en la escuela del videocasete y que tiene en sus filas nombres como los de Quentin Tarantino, David Fincher o Richard Linklater. Con una filmografía conformada has ta la fecha por nueve largometrajes, el director californiano representa la continuación de la tradición cinematográfica de su país con clá sicos modernos arraigados en la idiosincrasia norteamericana en los que ha sabido integrar sus aspiraciones autorales más personales. Defendiendo la supervivencia del formato 35mm, sus películas hacen gala de un domi nio formal tras la cámara con historias pobla das por personajes complejos, generalmente autodestructivos, como el fascinante pero temible magnate petrolero Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) en Petróleo sangriento (2007) o el enigmático y alcohólico veterano de guerra Freddie Quell (Joaquin Phoenix) en The Master: Todo hombre necesita un guía (2012). A lo largo de su carrera ha incursiona do en muchos temas y épocas, pero ocupan un lugar muy especial sus sinfonías corales: Juegos de placer (1997), en la que el director se sumergió en el mundo del cine pornográ fico de finales de los años 70 y que realizó cuando tenía sólo 27 años; y aquella primera obra maestra en la que rápidamente se con virtió Magnolia (1999), protagonizada por un gran elenco liderado por Tom Cruise como un gurú del sexo y por la que obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Berlín. Tampoco se puede pasar por alto esa trilogía de filmes en los que el director se adentra en las distintas facetas del amor, desde su aspecto más ro mántico hasta el más destructivo: Embriagado de amor (2002), El hilo fantasma (2017) y su película más reciente, Licorice Pizza (2021). Para celebrar la carrera de Paul Thomas Anderson, la Cineteca Nacional se complace en presentar una retrospectiva de su obra como parte de Clásicos en Pantalla Grande. A partir del primer fin de semana de septiembre, todos los sábados y domingos se podrá dis frutar de cada una de sus películas empezan do por su primer largometraje Sidney: Juego, prostitución y muerte, de 1996.
5 MÉXICONACIONALCINETECA CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE: PAUL THOMAS ANDERSON The Master: Todo hombre necesita un guía ∙ 2012
Estados Unidos, 1999, 188 min. D: Paul Thomas Anderson.
SIDNEY: PROSTITUCIÓNJUEGO, Y MUERTE
6 CICLOS 2022·SEPTIEMBRE
Hard Eight / Sydney, Estados Unidos, 1996, 102 min. D: Paul Thomas Anderson.
MAGNOLIA De la noche a la mañana, Eddie deja de ser un sim ple lavaplatos para convertirse en una estrella del cine pornográfico a finales de los años 70. Gracias al director Jack Horner, Eddie llega a la cima de su sector, ganando premios año tras año. Sin embargo, las drogas y el ego se interpondrán en su camino. Inspirado en la vida del pornstar John Holmes y apo yado en un gran reparto, P.T. Anderson retrata una era donde directores, actrices y astros superdotados querían revolucionar el cine para adultos.
Boogie Nights, Estados Unidos, 1997, 155 min. D: Paul Thomas Anderson.
JUEGOS DE PLACER
Magnolia es un mosaico épico de personajes interre lacionados en busca de amor, perdón y significado en California. La trama incluye a un anciano moribun do, su joven esposa y su enfermero; un predicador del sexo; un policía; un presentador de televisión; un niño prodigio; un exniño prodigio acomplejado de su homosexualidad; y una mujer con traumas sexua les. P. T. Anderson dio una lección magistral de puesta en escena elegante y precisa con esta película por la que obtuvo el Oso de Oro en Berlín.
Sydney es un viejo apostador que ayuda a John a re cuperar el dinero del funeral de su madre que perdió en Las Vegas, enseñándole a jugar en los casinos. Con el tiempo se hacen íntimos, como padre e hijo, hasta que John se enamora de una camarera. En su primer largometraje como director, Paul Thomas Anderson da muestra de su talento en la puesta en escena, así como en la dirección de actores. Original mente titulado Sydney, la película es la expansión de su cortometraje Cigarettes & Coffee (1993).
CLÁSICOS EN GRANDE: PAUL THOMAS ANDERSON
El vendedor de destapacaños Barry Egan (Adam Sandler en su primer papel dramático) pasa sus días recolectando cupones y soportando los insultos de sus siete hermanas. La promesa de una nueva vida surge cuando se enamora de la enigmática Lena, pero su incipiente relación se ve amenazada cuando él cae presa de una estafadora de una línea de sexo tele fónico. Reconocido con el premio a Mejor Director en Cannes, P. T. Anderson incursionó en la comedia romántica con esta oda al delirio del enamoramiento.
The Master, Estados Unidos, 2012, 137 min. D: Paul Thomas Anderson.
EMBRIAGADO DE AMOR
Punch Drunk Love, Estados Unidos, 2002, 95 min. D: Paul Thomas Anderson.
7 MÉXICONACIONALCINETECA
Daniel Plainview pasa de ser un minero pobre que cría a un hijo por su cuenta a un magnate del petróleo, pero a medida que va adquiriendo poder y dinero, sus valores, creencias e incluso el vínculo entre pa dre e hijo se ven amenazados por la corrupción y la ambición. Ambientada en California a principios del siglo XX, Petróleo sangriento es una vibrante epope ya sobre la familia, la fe y el “oro negro” que destacó por la actuación de Daniel Day-Lewis y el tratamiento formal de Paul Thomas Anderson.
There Will Be Blood, Estados Unidos, 2007, 158 min. D: Paul Thomas Anderson.
SANGRIENTOPETRÓLEO
THE NECESITATODOMASTER:HOMBREUNGUÍA
PANTALLA
Un atormentado y alcohólico veterano de la Segunda Guerra Mundial se vuelve el brazo derecho de un bri llante intelectual, quien a principios de los años 50 crea una secta llamada La Causa en los Estados Unidos. Tomando como pretexto la figura de Ron Hubbard –fundador de la Cienciología–, Paul Thomas Anderson, ganador del León de Plata a la mejor dirección en Venecia, orquesta una épica existencial enmarcada por el desencanto de la posguerra interpretada por Joaquín Phoenix y Philip Seymour Hoffman.
Estados Unidos-Canadá, 2021, 133 min.
EL HILO FANTASMA
Phantom Thread, Estados Unidos, 2017, 130 min.
El desaliñado detective privado Doc Sportello recibe la visita de su exmujer que le pide evitar el secuestro de su actual novio, un promotor inmobiliario multimi llonario, por parte de la esposa de éste y su amante. P. T. Anderson realizó la primera adaptación cinema tográfica del escritor Thomas Pynchon, caracterizado por su gran complejidad narrativa, en la que el cine negro y la comedia psicodélica se mezclan en una his toria que se sumerge en la contracultura estadouni dense de los años 60 y 70.
D: Paul Thomas Anderson.
8 CICLOS 2022·SEPTIEMBRE
D: Paul Thomas AndersonVICIO PROPIO Alana y Gary son dos jóvenes que se conocen, crecen y se enamoran en el Valle de San Fernando en 1973. A pesar de la diferencia de edades, poco a poco atra viesan las complejidades del primer amor, en un viaje que los prepara para la vida adulta. En su más reciente película, P. T. Anderson entrega una de sus obras más íntimas y nostálgicas, inspirada en películas como American Graffiti y las anécdotas del productor Gary Goetzman, un exniño actor convertido en joven em prendedor con negocios increíbles.
D: Paul Thomas Anderson.
Inherent Vice, Estados Unidos, 2014, 148 min.
LICORICE PIZZA En el Londres de la posguerra de 1950, el diseñador de modas Reynolds Woodcock es el encargado de crear las mejores vestimentas para la alta sociedad. Las mujeres pasan por su controlada y planificada vida sin dejar huella hasta que aparece la joven Alma, quien se convertirá en su musa y amante. Paul Thomas Anderson confecciona un luminoso drama romántico sobre el poder de creación y destrucción en el arte y el amor por igual, protagonizado por Daniel Day-Lewis en su último trabajo como intérprete.
Tras dos años de encierro pandémico, Que becine vuelve con gran emoción a la Cineteca Nacional del 23 de septiembre al 2 de oc tubre para su 7ª edición. Hemos seleccio nado diez películas que dan testimonio de la vivacidad de la creación cinematográfica quebequense y su necesidad de cuestionar el orden del mundo.
Al presentar cinco óperas primas, la mues tra ofrece un espacio para nuevas voces que esbozan un retrato sensible del Quebec de hoy. Una revisión examina la cultura de la cancelación a través del conflicto entre un maestro de filosofía y una estudiante que se atreve a defender sus convicciones religiosas.
10 CICLOS 2022·SEPTIEMBRE
En Noémie dice que si, llevada por el aliento de la rebeldía adolescente, Geneviève Albert ofrece una crítica sutil a la violencia del trabajo sexual. Sarah Fortin explora las tensiones en tre autóctonos y blancos en Nuevo Quebec, un drama íntimo enmarcado en la inmensi dad de los paisajes del norte. La directora de origen haitiano Miryam Charles toma como punto de partida una tragedia personal para cuestionar el destino en Esta casa, un docu drama con toques fantásticos. Por último, una piloto de carreras islandesa se asoma al ab surdo de la vida cotidiana en El ruido de los motores de Philippe Grégoire, ganadora del gran premio de Los Cabos en 2021.
Al abrir espacios imaginarios tanto formales como políticos, Sueño y radio de Ana Tapia Rousiouk y Renaud Després-Larose nos ofre ce una experiencia estética entre poesía y rebelión, creada por experimentos sonoros, videos de archivo e imágenes rodadas a la luz de las velas. Archipiélago, la segunda película de animación de Félix DufourLaperrière, nos invita a una odisea fantásti ca por el territorio de Quebec, mientras que el postapocalíptico Sin rastro de Simon Lavoie nos sumerge en un futuro destruido por los excesos de nuestra incesante búsqueda de poder, sublimado por una magistral dirección deFinalmente,fotografía. el encuentro de la directora Joannie Lafrenière con un fotógrafo de origen húngaro, apasionado por la gente ordinaria, dio lugar a un roadtrip en el conmovedor documental Gabor MX 2022: CINE DE QUEBEC DEL 23 DE SEPTIEMBRE AL 2 DE OCTUBRE
MUESTRA DE
QUEBECINE
11 MÉXICONACIONALCINETECA QUEBECINE Gabor ∙ 2021
Une revisión, Quebec, 2021, 96 min. D: Catherine Therrien.UNA REVISIÓN Bridgeport, Estados Unidos, 2008. Una adolescente es encontrada muerta en su habitación. Aunque todo apunta al suicidio, el informe de la autopsia revela algo más. Diez años más tarde, la directora Miryam Charles, prima de la joven fallecida, examina las causas y consecuencias de este crimen sin resolver. Imaginando la biografía de la chica en un ensayo que va de lo real a lo fantástico y lo confuso, Esta casa explora la relación entre el espacio vital de una per sona y la violencia que puede invadirlo.
Cette maison, Quebec, 2022, 75 min. D: Miryam Charles.
ESTA CASA En un diálogo entre la directora Joannie Lafrenière y el fotógrafo de origen húngaro Gabor Szilasi, este do cumental pinta un retrato tierno y colorido de Szilasi, artista humanista que ha pasado los últimos 60 años documentando en imágenes la elocuencia de la vida cotidiana en su lugar de acogida, Quebec. A través de confidencias, encuentros y escenas irónicas, Gabor emerge como un singular testimonio sobre la foto grafía, la vida y la vejez, abordadas con curiosidad, resiliencia y optimismo. Quebec, 2021, 101 min. D: Joannie Lafrenière.GABOR
12 CICLOS 2022·SEPTIEMBRE
Étienne, un profesor del Cégep [Colegio de Enseñanza General y Profesional en Quebec], desarrolla con pa sión su trabajo. Un día, Nacira, una de sus alumnas, pone en práctica lo que él les ha enseñado tan bien: cuestionarlo todo. Ambos se enfrentan a un dilema: ¿hasta dónde llegarían para defender sus convic ciones más profundas? Una revisión aborda temas como el respeto hacia la diversidad de creencias, la cuestión de la libertad de enseñanza y el choque entre la fe religiosa y el racionalismo.
Le rêve et la radio, Quebec, 2022, 135 min. D: Ana Tapia Rousiouk y Renaud Després-Larose.
Noémie dit oui, Quebec, 2022, 116 min. D: Geneviève Albert.
Alexandre, un instructor de armas de fuego del servi cio de aduanas canadiense, regresa a su pueblo natal tras ser suspendido por su conducta sexual compul siva. Ahí se encontrará bajo la lupa de la policía que intenta resolver un caso de dibujos sexuales que es tán perturbando la paz del pueblo. La ópera prima del cineasta Philippe Grégoire es una propuesta tan absurda como desconcertante que explora con hu mor seco los efectos de las denuncias por supuestos comportamientos sexuales comprometedores.
EL RUIDO DE LOS MOTORES
Le bruit des moteurs, Quebec, 2021, 79 min. D: Philippe Grégoire.
QUEBECINE
NOÉMIE DICE QUE SI
13 MÉXICONACIONALCINETECA
SUEÑO Y RADIO Noémie, una impetuosa joven de quince años, lleva tres años viviendo en un centro para menores. Cuan do pierde la esperanza de ser recogida por su madre, la chica huye de la residencia en busca de libertad. Por su amiga Léa, una antigua compañera del centro, conoce a una pandilla de delincuentes. Pronto se enamora del extravagante Zach, quien resulta ser un proxeneta y un astuto estratega con sentimientos ambiguos sobre el amor que anima a Noémie para que se dedique al trabajo sexual.
Las miradas de Raoul y Béatrice se cruzan en el Metro de Montreal, lo que desencadena una serie de he chos que afectan a la ciudad. Él es un activista con una misión secreta y ella una bohemia que reparte libros. Cada jueves en la noche, Béatrice se reúne con Constance, que trabaja con creaciones radiofó nicas de carácter político, y con Eugéne, un aspirante a escritor. Los tres jóvenes sueñan con su propia re volución poética, inspirada en los situacionistas, en los que Raoul ha moldeado su persona.
NUEVO QUEBEC
Nulle trace, Quebec, 2021, 105 min. D: Simon Lavoie.
Gérald Gallant fue uno de los sicarios más célebres de Quebec con un historial de 28 asesinatos y una quincena de atentados, la mayoría de ellos contra la cúpula del crimen organizado. ¿Cómo consiguió este hombrecillo tartamudo, enclenque y de bajo coefi ciente intelectual burlar a policías, criminales, aman tes y compañeros de fechorías? Basada libremente en el libro de los periodistas Félix Séguin y Éric Thibault, esta película resume el recorrido del sanguinario pro tagonista según sus confesiones.
Una contrabandista taciturna y de pocas palabras re corre las vías del tren en su dresina. En su camino decide ayudar a una joven con un bebé a cruzar la frontera custodiada por ladrones armados. Una im probable cooperación se desarrollará entre estas dos mujeres marginadas en un entorno hostil sobre el que pesa una amenaza difusa. Sin rastro es un relato pos tapocalíptico que explora poéticamente el conflicto entre la racionalidad y la fe en un futuro inhóspito en el que todos luchan por sobrevivir.
14 CICLOS 2022·SEPTIEMBRE
CONFESIONES
SIN RASTRO
El tercer largometraje de Félix Dufour-Laperrière es una auténtica película de animación sobre islas inven tadas, sobre un territorio imaginario lleno de aristas lingüísticas y políticas. Es un país real o soñado, o quizá una mezcla de ambos. A través de dos voces que acompañan esta odisea simbólica y experimen tal, Archipiélago conjunta dibujos y reflexiones que parecen dispersas, pero que en conjunto cuentan la historia de un lugar y sus habitantes, del significado de identidad en nuestros tiempos.
Archipel, Quebec, 2021, 72 min. D: Félix Dufour-Laperrière.
Nouveau-Québec, Quebec, 2021, 96 min. D: Sarah Fortin.
Confession, Quebec, 2021, 105 min. D: Luc Picard.
ARCHIPIÉLAGO
Sophie viaja acompañada de Mathieu a Schefferville, un pueblo minero del norte de Quebec, para esparcir las cenizas de su padre y resolver la venta de una casa de campo. Cuando ocurre un trágico incidente, la pareja se ve obligada a permanecer aislados en el lugar mientras se lleva a cabo la investigación. A me dida que Sophie y Mathieu ven peligrar su relación, ella va aprendiendo más sobre las comunidades indí genas que habitan esta zona remota y descubre los oscuros secretos que rodean al difunto.
16 CICLOS 2022·SEPTIEMBRE Resonancias, el concepto central de la Gira de Documentales 2022, coloca el campo sonoro como eje articulador de nuestra programa ción. La escucha y el sonido, aunque han sido tradicionalmente opacados por la hegemonía de la vista, tienen un papel central en la expe riencia inmersiva del público y en la construc ción emocional del universo cinematográfico. Por eso, priorizar el sonido es a la vez un acto de justicia sensorial y un ejercicio de recono cimiento de nuestra percepción integral de la realidad. En la sala oscura, es el sonido el que posibilita la inmersión del audio-espectador en una experiencia tridimensional. Bajo ese principio, el universo auditivo devela múltiples posibilidades para el cine, pero también para nuestra vida cotidiana y para la construcción del mundo social. El cine como espacio de resonancias provee un encuentro para am plificar ideas y potenciar diálogos. Este año recuperamos la presencia física de la Gira de Documentales con recorridos en cinco estados del país, para así reactivar la corporalidad y su capacidad política para el enriquecimiento y la transformación de la esfera pública. A su vez, buscamos ampliar nuestro alcance tejiéndonos con otras redes, plataformas y medios que confían en el po der del cine como parte de su labor política y comunicativa. Expandimos nuestro impacto a través de alianzas con organizaciones comu nitarias y sociales fuera de las ciudades capi tales, así como con televisoras públicas que se integran como sedes del festival. Además de un diverso abanico de películas, la pro gramación incluye conciertos, talleres, cine expandido, musicalizaciones en vivo, un salón transmedia, clases magistrales, conversato rios y diversos procesos de mediación que buscan provocar cambios en la percepción de nuestros públicos, sobre todo en temas de género y justicia medioambiental. Ofrecemos también un amplio programa fílmico virtual disponible durante las fechas de la Gira en la página web de Ambulante. ¡BIENVENIDOS A AMBULANTE 2022! AMBULANTE, GIRA DE DOCUMENTALES 2022 DEL 1 AL 4 DE SEPTIEMBRE
17 MÉXICONACIONALCINETECA AMBULANTE, GIRA DE DOCUMENTALES Radiografía de una familia ∙ 2020
La historia de la directora Firouzeh Khosrovani y las fricciones en su familia son las premisas de este do cumental que se convierte en una radiografía de los conflictos de la sociedad iraní desde la revolución de 1979 hasta nuestros días. Con un original tratamiento del archivo familiar –cartas, audios, fotografías, videos caseros y dibujos–, se reviven las secuelas de la revolución y se arma un intrigante rompecabezas so bre la identidad iraní actual, en la que se confrontan tradición y modernidad.
Lesya cometió un crimen pasional por el que debe pasar siete años en una prisión para mujeres en Odesa, Ucrania. Acaba de dar a luz a su primer hijo, y ahora se rodeará de reclusas, enfermeras y celado ras, mujeres de todas las edades, esposas y viudas, hijas, hermanas, mujeres embarazadas y madres: un universo completamente femenino. Con una narrativa donde a menudo se borran los límites entre docu mental y ficción, 107 madres centra su mirada en las diversas maternidades vividas desde la prisión.
Tras el genocidio ocurrido en Guatemala durante la década de 1980, una comunidad sobrevivió des pués de que fue desplazada. Situado en los límites entre México y Guatemala, este pueblo maya-chuj muestra su voluntad de vivir, de sobreponerse a la trage dia desde sus conocimientos milenarios. En Junk’olal, Fabiola Manyari y Diego Moreno Garza reflexionan sobre la identidad y cómo si bien hay procesos de se paración que dividen a los pueblos en fronteras nacio nales, siempre existe una historia en común.
RADIOGRAFÍA DE UNA FAMILIA
Radiography of a Family, Irán-Suiza-Noruega, 2020, 81 min.
18 CICLOS 2022·SEPTIEMBRE
JUNK’OLAL
Cenzorka, Eslovaquia-República Checa-Ucrania, 2021, 93 min. D: Péter Kerekes.107 MADRES
México-Guatemala, 2022, 60 min. D: Fabiola Manyari y Diego Moreno Garza.
D: Firouzeh Khosrovani.
19 MÉXICONACIONALCINETECA
Ruins, Estados Unidos, 1999, 78 min. D: Jesse Lerner.RUINAS Establecida en el norte de México, una comunidad menonita de origen europeo ve amenazadas sus tradiciones ancestrales. Su religión, forma de vida, hábitat, idioma y vestimenta, se ven en peligro por la tentación al progreso y a nuevas ideas religiosas. Apoyado por el Taller Carlos Velo –impulsado por TV UNAM y la Fundación Carlos Velo, y cuyo objetivo es apoyar la conclusión de documentales–, el cinefotó grafo Luis Lazalde dirige su primer filme documental sobre un pueblo con larga historia en el país.
México, 2022, 61 min. D: Luis Lazalde.LAS COLONIAS DE DOCUMENTALES
Filmado en 16mm, este documental experimental cuestiona la verdad histórica sobre la arqueología mesoamericana: repatriación de piezas arqueológicas, apropiación cultural y los problemas de la visión eu rocéntrica sobre la preservación. Con material de archivo, sonidos e imágenes fabricados y una línea narrativa que navega entre lo real y lo falso, se dis cute la naturaleza de la investigación arqueológica, la atribución de autenticidad a los objetos de arte y el significado de lo que llamamos Historia.
AMBULANTE, GIRA
Adam Sandler y Paul Thomas Anderson en el rodaje de Embriagado de amor ∙ 2002
20 DOSSIER
21 MÉXICONACIONALCINETECA Extractos de un perfil de Turner Classic Movies Estados Traducción:UnidosGustavo E. Ramírez Carrasco PAUL THOMAS ANDERSON PAUL THOMAS ANDERSON
Desde el debut de su cortometraje Coffee and Cigarettes en el Festival de Cine de Sundance de 1993, Paul Thomas Anderson se estableció como un autor a tener en cuenta. Aquella ambiciosa pelí cula centrada en la interacción de cinco personajes en una cafetería de Las Vegas, sentó las bases de sus posteriores filmes: múltiples argumentos, un trabajo de cámara deslumbrante y un énfasis detallado en los diálogos y los personajes. Aunque su primer largometraje, Sidney: Juego de prostitución y muerte (1996), no conectó con el público ni con la crítica, Anderson consiguió plantarse definitivamente en el mapa de Hollywood con Juegos de placer (1997), una mirada sorprendentemente afectuosa, aunque oscura, a la industria del porno, vista a través de los ojos de una estrella emergente ansiosa y ambiciosa. A este éxito le siguieron el polarizante drama colectivo Magnolia (1999) y el melancólico drama romántico Embriagado de amor (2002), que pusieron de manifiesto que el director estaba en la cima de su carrera. Pero con su película épica nominada al Óscar, Petróleo sangriento (2007), Anderson dio un gran salto adelante que lo situó entre los cineastas más destacados de Hollywood. Nacido el 26 de junio de 1970 en Studio City, California, Anderson se crió en un hogar del mundo del espectáculo. Su padre, Ernie, era un exitoso locutor, más conocido por su trabajo en [la serie televisiva] The Love Boat (ABC, 1977-1986). A los nueve años, se tropezó con Sidney: Juego, prostitución y muerte · 1996
22 DOSSIER
Juegos de placer · 1997 las cintas de video pornográficas que aquel tenía guardadas, lo que despertó un interés que más tarde dio sus frutos. Más tarde, su padre le regaló una cámara Betamax cuando Paul Thomas te nía 12 años, y que utilizó para hacer películas amateur. Durante la preparatoria rodó su primera película a considerar, The Dirk Diggler Story (1988), una historia de 30 minutos centrada en una estrella del porno bien dotada, que intenta abrirse camino en el negocio; una precursora de lo que acabaría siendo Juegos de placer Sidney tuvo su estreno en el festival de Cannes de 1996 con críticas muy variadas, aunque Anderson entró en conflicto con el estudio de producción después de que recortara la película sin su permiso, distribuyendo una versión que no se ajustaba a su visión original. Sin embargo, el director se puso a trabajar en su siguiente rodaje, escribiendo un gigantesco guion de 300 páginas para lo que finalmente se convirtió en su película revelación, Juegos de placer, una ampliación de su corto de 1988, The Dirk Diggler Story Aunque centrada en el mundo de la pornografía, el filme mostraba una historia de madurez sobre un joven del Valle de San Fernando (Mark Wahlberg) que entra en la industria del cine para adultos en plena transformación del cine al video. Bajo la dirección del productor y figura paterna, Jack Horner (Burt Reynolds), y de la actriz Amber Waves (Julianne Moore), la nueva estrella goza de una enorme fama, sólo para sufrir una caída provocada por la adicción a las drogas. Bien interpretada en todos los frentes –tanto Reynolds como Moore obtuvieron nominaciones al Óscar–, Juegos de placer consolidó a Anderson como un autor en alza.
PAUL THOMAS ANDERSON
23 MÉXICONACIONALCINETECA
Adaptación de la novela de Upton Sinclair, Oil!, una mirada a la difícil situación de los trabajadores de los campos petrolíferos en la California de principios de siglo XX, la película contaba la historia de Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis), un buscador de plata venido a menos que se dirige a la polvorienta Little Boston siguiendo un misterioso aviso Magnolia · 1999
Inspirado por las canciones de Aimee Mann, Paul Thomas escribió el guión de lo que se convirtió en Magnolia (1999), una mirada extensa, atractiva y a veces desconcertante sobre varias vidas inconexas en California que chocan por el azar, la acción humana y quizá incluso la intervención divina. Las comparaciones con una de sus influencias, Robert Altman, son inevitables; el californiano supo combinar hábilmente las narraciones de varios personajes en un tapiz de proporciones casi bíblicas. Una vez más, recurriendo a sus actores favoritos, Philip Baker Hall, John C. Reilly, William H. Macy, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman y Melora Walters, consiguió presentar una ambiciosa historia sobre el destino y la redención que le valió varias nominaciones a los premios de la Academia. Aunque Anderson ya se había consolidado como uno de los cineastas más interesantes de Hollywood desde el punto de vista creativo, nadie estaba preparado para que en 2007 realizara una película con un alcan ce tan amplio y una textura tan rica como Petróleo sangriento (2007).
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PAUL THOMAS ANDERSON
Petróleo sangriento · 2007 que le lleva a encontrar una rica veta de oro negro. Petróleo sangriento contrasta fuertemente con los trabajos anteriores de Anderson, sobre todo por su género y época. Aclamada por muchos críticos como una de las mejores de 2007, la película obtuvo ocho nominaciones a los premios de la Academia y ganó dos: una para Daniel Day-Lewis como mejor actor y otra para el colaborador de Anderson desde hace tiempo, Robert Elswit, por su trabajo en la fotografía. El cineasta se tomó su tiempo para realizar su siguiente proyecto, The Master: Todo hombre necesita una guía (2012), un drama de época sobre un veterano obsesionado con el sexo (Joaquin Phoenix) que lucha por enfrentarse al trastorno de estrés postraumático y al mundo de la posguerra. El protagonista conocerá a Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), el líder de un movimiento filosófico llamado "La Causa", y le ayudará a difundir sus enseñanzas por todo Estados Unidos. Aunque no es explícita, la película se consideró una interpretación libre de los primeros días de L. Ron Hubbard en la difusión de la Cienciología, si bien Anderson incorporó otros elementos en su guion, incluidos los primeros borradores de Petróleo sangriento. La película fue aclamada por la crítica internacional y recibió premios alrededor del mundo.
MÉXICONACIONALCINETECA
Más tarde, Paul Thomas se convirtió en la primera persona que adaptó a la pantalla una obra del complejo escritor neoyorkino Thomas Pynchon. La comedia-drama Vicio propio (2014), basada en la novela homónima de Pynchon escrita en 2009, seguía al detective privado hippie Doc Sportello (Joaquin Phoenix) a través de Los Ángeles en los albores de la década de 1970, con Josh Brolin como coprotagonista en el papel del estricto detective de policía Bigfoot Bjornsen. La elíp tica comedia-drama recibió críticas mixtas, pero Anderson consiguió una nominación al Óscar al mejor guión adaptado. En 2017, Anderson dirigió un drama ambientado en la escena de la moda londinense de los años 50, la original El hilo fantasma. La película reunió al director californiano y al actor Daniel Day Lewis, quien anunció durante el rodaje que sería su última película como intérprete. El hilo fantasma fue nominada a seis premios de la Aca demia, incluidos los de mejor película y mejor director. De manera justa, ganó las estatuillas a mejor diseño y mejor vestuario.
26 DOSSIER 2022·SEPTIEMBRE
El hilo fantasma · 2017
The Master: Todo hombre necesita un guía 2012
28 DOSSIER
Paul Thomas Anderson y Adam Sandler en el rodaje de Embriagado de amor ∙ 2002
29 MÉXICONACIONALCINETECA Revista Icónica Ciudad de México, 18 de noviembre de 2016 5 CLAVES PARA ENTENDER A PAUL THOMAS ANDERSON PAUL THOMAS ANDERSON
Analizamos los principales aspectos que distinguen su cine.
Paul Thomas Anderson emite una constante crítica a lo estadou nidense a partir de una lectura muy personal de la mejor tradición fílmica de su país. Ha desarrollado un perfil estilístico y narrativo muy particular para retratar la sociedad enfocándose en las piezas que no encajan en ella: una implacable mirada sobre lo que significa ser estadounidense desde los microuniversos y sus estructuras.
30 DOSSIER 2022·SEPTIEMBRE
1. Los patriarcas La figura del patriarca es uno de los ejes principales alrededor de los cuales giran las historias de P. T. Anderson (Studio City, 1970). Desde el personaje de Jack Horner (Burt Reynolds) que funge como cabeza de la familia-negocio en Juegos de placer (Boogie Nights, 1997) hasta Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) en su papel como líder en The Master: Todo hombre necesita un guía (The Master, 2012), las fortalezas de estos personajes masculinos cobijan a sus respectivas comunidades y dictan en gran medida el desenvolvimiento de los demás, cuyas necesidades de aprobación entran en conflicto con las búsquedas de identidad. Pero si todas las figuras patriarcales tienen algo en común es su peso oprobioso e hipnotizante. El mejor ejemplo está en Earl Partridge (Jason Robards) el padre ausente y moribundo, pero al mismo tiempo imponente y aterrador, de Magnolia (1999).
Daniel Day-Lewis y Paul Thomas Anderson en el rodaje de sangrientoPetróleo ∙ 2007
31 MÉXICONACIONALCINETECA
Embriagado de amor · 2002
2. Los marginados P. T. Anderson retrata constantemente a los outsiders en tensión con la “normalidad” que los rodea. Un homosexual de clóset que rumia sus quince minutos de fama infantil, un policía demasiado noble, un detective que piensa mejor drogado, un empresario exitoso pero tímido y apocado… Todos tienen algo excéntrico y familiar. Ninguno quiere estar fuera del contrato social aunque tampoco pueda es tar dentro, por medio de estas figuras en el cine de Anderson se evidencian las grietas del sistema.
PAUL THOMAS ANDERSON
3. El gran cine estadounidense Anderson es el único realizador estadounidense que conscientemente mantiene viva la gran tradición fílmica del cine de su país -el otro autor que lo hace es un inmigrante: Alejandro González Iñárritu-. Su obra se suma al caudal artístico de los años setenta (Robert Altman, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Terrence Malick…) en un retrato profundo de lo estadounidense, pero sobre todo al retomar una tradición narrativa, actoral, fotográfica y de montaje basada en un clímax y en personajes potentes.
4. Lo moral Junto con sus elecciones formales Anderson es heredero del mejor cine de su país al tomar una postura crítica sobre la sociedad estadounidense desde sus adentros. Por medio de la descripción minuciosa de sus personajes, el cineasta expone sus matices y las raíces de sus comportamientos: los individuos nunca son enteramente culpables de sus acciones, existen en función de una sociedad con valores y perversiones. Los relatos de Anderson reflexionan sobre lo estadounidense desde lo social y lo emocional: una narrativa desencantada con brotes de esperanza que radican en lo individual. Existe la posibilidad de transformación a pesar del sistema, sus personajes nunca permanecen intactos.
Vicio propio · 2014
32 DOSSIER 2022·SEPTIEMBRE
33 MÉXICONACIONALCINETECA
PAUL THOMAS ANDERSON
5. La música Aunque este recurso se ha vuelto menos presente en sus últimas películas, en su primer cine funcionó como un recurso expresivo. Para Anderson, el relato cinematográfico no se basa primordialmente en el diálogo. Las piezas musicales funcionan como algo más que acentos emocionales o ambientación: hay secuencias en las que las canciones se convierten en protagonistas del universo audiovisual y dictan el desarrollo de la acción. Uno de sus momentos más desa fiantes es la secuencia de Magnolia en la que todos los personajes cantan, en sus respectivos espacios, “Wise Up” de Aimee Mann: incluso tomando la lógica del videoclip, el recurso funciona dentro de la unidad del relato y contribuye a sus transformaciones internas. Otro ejemplo viene de la misma cinta cuando, justo al final, mientras Claudia Gator (Melora Walters) mira directamente a la cámara, el monólogo del policía Jim (John C. Reilly) se va desvaneciendo para abrirle paso a la canción final. A través de este desafío a la orquestación tradicional de los elementos del filme, Paul Thomas Anderson lleva el discurso fílmico estadounidense a todo un punto nuevo, construye su propia mirada crítica sobre la sociedad actual.
Daniel Day-Lewis y Paul Thomas Anderson en el rodaje de El hilo fantasma ∙ 2017
34 SEPTIEMBRE · 2022 ESTRENOS
35CINETECA NACIONAL MÉXICO Moonage Daydream 2022
36 SEPTIEMBRE · 2022 ESTRENO
A la manera de una cuidada antología literaria, el décimo segundo largometraje de Ryûsuke Hamaguchi nos trae a la mirada tres relatos independientes entre sí, que no obstante convergen en el tono y por supuesto en el énfasis que el ojo del realizador pone en las relaciones interpersonales.
Los tres segmentos presentados en el filme, que le valió a su autor el Gran Premio del Jurado de la Berlinale 2021, coinciden en el ensayo visual que llevan a cabo sobre las emociones huma nas, filtradas por la vida contemporánea a través de subidas y bajadas sentimentales, precisamente como la rueda o ruleta del título, cuyas consecuencias quizá se vayan a encontrar más en las vísceras del espectador que en la sociedad que la película representa.
Hamaguchi. 2021 ·
La primera historia presentada nos lleva por un triángulo amoroso entre tres compañeros de trabajo; la segunda nos introduce como testigos secretos de un intento de chantaje por parte de dos exa lumnos a un viejo profesor que posee cierto nivel de celebridad, y finalmente la tercera nos coloca en una distopía en el futuro cercano, donde la realidad tecnológica se “reseteó” y produce un encuentro inesperado e intenso entre dos viejas amigas del colegio.
Gūzen to Sōzō D:
· Color Japón Dist: FDR. LA RULETA DE FORTUNALA Y LA FANTASÍA Extractos de un texto de Julio César Durán Cineteca Nacional mzo. 15, 2021 Ciudad de México
El largometraje pareciera estar marcado, o mejor dicho sus perso najes, por una emoción poderosa y latente, que busca un punto de fuga y que en ese sentido transita de historia en historia. De alguna manera el sentido de cada conflicto migra entre cada segmento y además, como signo de los tiempos que vivimos, sugiere o intuye el cinismo, las incomodidades, las pasiones, la torpeza pero también el ansia y las preocupaciones del contacto humano postpandemia, visto desde un momento en el que si bien no se tenía la certeza del cataclismo global que se avecinaba, sí adelanta su incertidumbre. Ryūsuke 121 min.
Nanook, el esquimal no se concibió inicialmente como un docu mental, un género que ni siquiera se había definido en el momento de la producción de la película. Como alguna vez afirmó la viuda del cineasta, Frances, la película se hizo para un público acostumbrado al cine de ficción. Flaherty no era un etnógrafo, pero construía su historia a partir de los materiales de la vida real. En este sentido, estaba abriendo caminos en el cine, y aunque los principios de la cinematografía antropológica no estaban ni de lejos estable cidos, es notable lo mucho que consiguió hacer bien.
En sus primeros años, la producción cinematográfica estaba do minada por las actualidades, imágenes cortas de personas reales en lugares reales. En gran medida, estas películas, compuestas por dos categorías –el diario de viaje y, sobre todo, el retrato de la vida industrial–, favorecían una visión no mediada del mundo en lugar de un espectáculo organizado. Aunque cedieron en popularidad a las ficciones narrativas de Georges Méliès y Edwin Porter, siguieron produciéndose en gran número. La gran innovación de Robert Flaherty consistió simplemente en combinar las dos formas de actualidad Al hacerlo, Flaherty trascendió el diario de viaje. Lo pintoresco se convirtió en un retrato real y respetuoso.
En 1910, Sir William Mackenzie contrató a Robert Flaherty para ex plorar la vasta zona al este de la bahía de Hudson por su potencial ferroviario y mineral. A lo largo de varios años y de cuatro largas expediciones, Flaherty tuvo frecuentes contactos con los inuit (es quimales) de la región. Resultó impresionado por sus habilidades tradicionales de supervivencia y encontró una profunda gracia cultural y dignidad en un entorno implacable. También supo que era testigo y precursor de su destrucción. En una de sus expediciones, Flaherty llevó una cámara de cine.
Nanook of the North D: Robert Flaherty. 1922 · 79 min. · Francia-EstadosB/NUnidos PC: Cineteca Nacional. Extractos de un texto de Dean W. Duncan The Criterion Collection ene. 11, Traducción:1999Gustavo E. Ramírez Carrasco NANOOK, ESQUIMALEL
37ESTRENO CLÁSICO CINETECA NACIONAL MÉXICO
38 SEPTIEMBRE · 2022 ESTRENO
Como en sus anteriores películas, Frammartino no utiliza ningún tipo de diálogo para recrear la aventura de aquel grupo de jóvenes que se internan en el abismo rocoso de 700 metros de profundidad, iluminados sólo por el fuego y la luz de los quinqueles. Y quizá lo más importante, tampoco se centra enteramente en ese hallazgo aunque el descenso conforme el centro del argumento. Alrededor de la cueva que inspira el nombre de la película, la vida fluye y transmuta, y una vez más, el cine sobra la forma de una meditación.
LA CUEVA Gustavo E. Ramírez Carrasco Cineteca sept. 1, Ciudad2022deMéxico
Dist: Cineteca
Nacional.
Nacional
La cueva, tercer largometraje de Frammartino, nacido en Milán de padres calabreses, lleva más allá la exploración documental que ha caracterizado hasta ahora la obra del realizador, dividida entre el cine y las instalaciones audiovisuales. A diferencia de sus dos ante riores largometrajes, su ópera prima Il dono (2003), sobre la paulatina desaparición de una comunidad rural de Calabria, y la fascinante Las cuatro estaciones (2010), inspirada en la creencia pitagórica de la transmigración de las almas y ubicada en la misma región, La cueva se trata, de hecho, de una película de época: En 1961, en los alre dedores del pequeño poblado de Cerchiara, un grupo de jóvenes espeleólogos exploró por primera vez el Abismo de Bifurto para descubrir que se trataba de una de las cavidades subterráneas más profundas del mundo.
Il
buco D: Italia-Francia-Alemania2021Frammartino.Michelangelo·93min.·Color
El cine de Michelangelo Frammartino está hecho de atmósferas; construcciones de luz y sonido que reflejan una enorme fascinación por la naturaleza y sus múltiples habitantes: personas, animales, árbo les o accidentes geológicos. Desde la primera película del director, ha consistido, principalmente, en el estudio de una región específica de su país: Calabria, en el extremo sur de la Italia continental, al gunos de cuyos pueblos de pastores, insertados entre montañas y formaciones rocosas, parecen estar suspendidos en el tiempo.
Si en sus anteriores trabajos, Natalia Almada había explorado temas de la actualidad mexicana como la migración (Al otro lado, 2005), el pasado y el presente de la política (El general, 2009), la narcocultura (El velador, 2011) y la burocracia y la soledad (Todo lo demás, su primera ficción, de 2016), en Users la mirada de la direc tora se vuelve más universal. Se trata de su primera película hecha en Estados Unidos y hablada casi por completo en inglés, es cierto, pero también es una especie de carta al futuro de una humanidad no sujeta a fronteras; un ejercicio íntimo y absoluto que recuerda al mejor cine de Werner Herzog.
39ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO
D: Natalia Almada. 2021 · 81 min. · Color Estados Unidos-México Dist: PIANO. USERS Gustavo E. Ramírez Carrasco Cineteca Nacional agt. 29, 2022 Ciudad de México
¿Qué podemos esperar de un mundo donde la tecnología va to mando los roles que antes eran de las personas? ¿Cómo se vislumbra el futuro para una generación de niños ya totalmente inmersos en una vida digital donde los algoritmos regulan y modelan nuestras experiencias? ¿Acaso intuyen que la realidad en la que habitan va mudando de paradigmas con respecto a lo que conocemos? ¿Son estos aspectos de la actualidad ese futuro con el que fantaseaba el cine de ciencia ficción desde hace décadas? Users, la más reciente película de la directora méxico-estadounidense Natalia Almada, se plantea estas preguntas para sentar las bases de un ensayo filosófico acerca de la creciente distopía de nuestros tiempos. El documental, conducido por una voz robótica femenina –la de un “asistente digital” programado con la voz de la propia Almada– no juzga ni condena la próxima conquista del planeta por parte de la inteligencia artificial; más bien, observa, intenta comprender, y sus imágenes y sonidos, bellamente construidos a través de entornos asépticos e hipnóticos que retratan el mundo como un gran laboratorio, nos conducen a otra dimensión: la nuestra, la de un futuro inevitable y cercano. Tal vez demasiado.
Mientras esté vivo no alberga el típico mensaje de motivación y superación; más bien, realiza un comentario sobre el sentido de la vida (o la ausencia de éste) cuando se encuentra en sus últimos alientos. Manifiesta uno de los deseos intrínsecos que nos unen como humanidad: contar con la oportunidad de “limpiar el escritorio de nuestra vida” y hallar paz con los errores del pasado. Un acto de amor, o una maldición revestida de privilegio, del cual volvemos a caer en cuenta tras una pandemia global que nos ha hecho cuestionar nuestras expectativas de una vida larga.
40 SEPTIEMBRE · 2022 ESTRENO
De son vivant D: Emmanuelle Bercot. 2021 · 124 min. · Color Francia Dist: Nueva Era Films. Extractos de un texto de Arturo Meléndez Primera Página oct. 19, México2021
ESTÉMIENTRASVIVO
La pandemia por Covid-19 no ha transcurrido en vano. La muerte y el duelo volvieron a plantar cara a millones de personas en todo el mundo. De repente, se pensó en el valor de la vida, en la mirada empática y renovada hacia todo lo que conlleva una enfermedad, especialmente la catalogada como terminal. Mientras esté vivo, séptimo largometraje dirigido por la actriz Emmanuelle Bercot, es una ventana a un nuevo entendimiento de la muerte y las ideas alrededor de este proceso. Una lectura inicial a la premisa de Mientras esté vivo (un profesor con diagnóstico de cáncer que se enfrenta a la decisión de renunciar al tratamiento o seguir con él a sabiendas de su inminente deceso) deja ver que no se trata de un filme innovador. Más bien, su encanto reside en su exposición de los conflictos familiares que rodean a una enfermedad terminal, así como en la representación cercana y humanística de la misma, motivada por la asesoría del oncólogo Gabriel A. Sara, quien también interpreta al Dr. Eddé. Emmanuelle Bercot, quizá consciente de la herencia vanguardista del cine euro peo, hace un guiño a la tradición del neorrealismo, donde era común que la gente de a pie interpretara a los personajes con quienes compartía profesión.
Nur eine Frau D: Sherry Hormann. 2019 · 96 min. · Color Alemania Dist: Mirada Distribución. Extractos de un texto de Carlos Bonfil La Jornada abr. 10, 2022 Ciudad de México
La película es narrada por la propia Aynur (interpretada por Almila Bagriacik), quien refiere en primera persona, después de muerta, las circunstancias de su propia ejecución. La protagonista retrocede luego en el tiempo, siete años atrás, para describir su entorno familiar en un hogar de inmigrantes turcos en el barrio berlinés de Kreuzberg, y señalar ahí la identidad de su futuro victimario.
¿Cuáles son las circunstancias por las que un crimen de honor, se gún lo entiende el fundamentalismo islámico, puede ser tipificado como un crimen de odio? El caso real de la joven alemana de origen turco, Hatun “Aynur” Sürücü, asesinada en Berlín en 2005, a los 23 años, por el menor de sus cuatro hermanos, es retomado por la realizadora germano-estadunidense Sherry Hormann en su nuevo largometraje Sólo una mujer (2019), para probar el absurdo atroz de una moral patriarcal, esencialmente misógina, y sus ocasionales efectos criminales en miles de mujeres musulmanas, dentro y fuera de las naciones regidas por el islam.
41ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO
Lo que la directora y su guionista Florian Öller elaboran a partir de ese testimonio, es más interesante aún. En la cinta se recorre la espiral de odio que surge de la idea de un supuesto honor familiar mancillado. Aynur, la hija adolescente a quien se le había arreglado en Berlín un matrimonio de conveniencia en Estambul con un hombre para ella desconocido, comete la falta imperdonable de abandonarlo estando embarazada. A pesar de las admoniciones, amenazas y tenaces hostigamientos por parte de su familia, Aynur se coloca aún más al margen de los dictados morales fundamentalistas, al reivindicar sin rodeos su derecho a vivir una vida propia según el estilo occidental, en consonancia con la sociedad alemana en la que ha nacido y dentro de la cual también se ha educado.
SÓLO MUJERUNA
42 SEPTIEMBRE · 2022 ESTRENO
En 2017, se viralizó por todo el mundo un juego en el que se tenían que cumplir 50 retos. Conocido como el “juego de la ballena azul”, cada participante estaba obligado a superar pruebas en inicio trepidantes y siempre con un aura turbia, pues si no se cumplían había amenazas de por medio. Lo preocupante fue que las misio nes mutaban en lesiones autoinfligidas hasta llegar al último reto: quitarse la vida. Un año después de su boom, este juego determina los universos de Elisa y Félix, los adolescentes del debut de Jorge Cuchí como director y guionista. Hay que decir que 50 (o Dos ballenas se encuentran en la playa) no es tal cual un estudio descriptivo sobre las implicaciones del sombrío juego viral. Sí vemos los retos finales, pero es uno el que detona el verdadero trasfondo de la película: tener una cita con otra ballena azul. Es a partir de ahí que se configura una inusual historia de amor con la muerte y la tristeza como estandartes en la vida de dos jóvenes y su hastío por el entorno en el que viven.
La pantalla dividida y los encuadres cerrados que poco a poco se abren, siempre con el foco en Elisa y Félix, traducen la exasperación y agobio de la pareja frente al mundo, en especial el adulto, lleno de voces y reclamos. De hecho, ese mundo casi siempre está fuera de pantalla. La falta de cercanía frente a sus mamás o su padrastro, en el caso de Elisa, se traduce con brío gracias a las miradas y diálogos de Karla Coronado y José Antonio Toledano, en un tra bajo actoral que se siente íntimo. A partir de esas expresiones y de cada reto en el juego, se plasma la radiografía de dos seres ante la posibilidad de esperanza. Aunque este anhelo no se determina por la voluntad de vivir, sino por el desencanto de sus propias realidades y las rabias e indiferencias que rodean a la juventud actual.
D: Jorge Cuchí. 2020 · 122 min. · Color México Dist: Pimienta Films. Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional agt. 12, 2022 Ciudad de México 50 (O BALLENASDOS ENENCUENTRANSELAPLAYA)
D: Brett Morgen. 2022 · 140 min. · Color Estados Unidos Dist: Universal Pictures. Extractos de un texto de Ángel Quintana Caimán Cuadernos de Cine may. 25, 2022 Cannes
La única voz que escuchamos es la del propio Bowie que, a partir de múltiples intervenciones no cuenta su vida, sino que reflexiona sobre su existencia y propone una visión mítica del mundo. Moonage Daydream propone una especie de experiencia inmersiva en torno a la imagen caleidoscópica de David Bowie. En vez de estar pensada como un documental, toda la película se concibe como un inmenso videoclip donde los más sofisticados archivos del cantante conviven con reflejos de un tiempo, cine mudo, imágenes de publicidad y transfers de algunos de sus más famosos clips. El cantante resucita a partir de un universo pop en el que todo se fracciona como su propia vida, presentada como la historia de alguien que no podía no encontrar un sentido a cada día de su existencia. Lo más prodigioso se produce cuando pasamos del videoclip al concierto y vemos a Bowie entonando, por ejemplo, “Heroes”, en medio de mil imágenes para después enlazarla con su versión en directo. Quizá Moonage Daydream decepcione a quienes echen de menos el didactismo propio del género. En cambio, Bowie nos recuerda que quiso probarlo todo y experimentar con múltiples lenguajes para encontrar su auténtico lugar en un mundo de sensaciones complejas.
43ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO
Al inicio de la película, David Bowie aparece en un concierto como Ziggy Stardust. Alguien lo define como un ser andrógino, casi un robot. Bowie/Stardust canta “Moonage Daydream” donde, después de definirse como un cocodrilo, acaba cantando: l’ll be a rock ‘n’ rollin’ bitch for you. El filme de Brett Morgen va a descubrir algunos momentos clave de este cantante de rock, descartando algunos de los tópicos –y vicios– del documental musical. No estamos ante una biografía del cantante, ni tampoco ante una especie de documental de entrevistas a los amigos del mito del pop.
DAYDREAMMOONAGE
La película se estructura a tres idiomas (francés para la poesía, inglés para el amor y español para “la madurez”) y dos narraciones: la primera de Lena y después la de la directora, que justifica su presencia cuando la narradora original es incapaz de continuar el relato ante el inminente deterioro. Observar las aves constantemente alude al hecho de que la imagen no es indeleble y que su registro es la fuente más confiable para guardar su pureza. Es una obra de melancólico plumaje y paciencia lúdica que ofrece estimulantes reflexiones sobre la imagen y su condena al olvido.
La ornitología se basa en la paciencia, virtud que resulta inconcebi ble en un contexto de vertiginoso ritmo. No hay tiempo de ver todo ni de apreciar una sola cosa. Esta ausencia de tiempo e imagen la recorre Observar las aves de Andrea Martínez Crowther, que sigue el registro que Lena Daerna, una prestigiada académica especialista en Marcel Proust, hace del Alzheimer que padece. «Quiero grabar mi desaparición», dice Lena al inicio de la película, pero más que eso, lo que Martínez Crowther logra es la recreación de una desaparición a través de una sincronía de textos, imágenes y memorias que de tan perfectos, no podrían ser más que ficticios.
44 SEPTIEMBRE · 2022 ESTRENO
«Antes la cámara era mi amiga», dice Lena cuando Andrea la graba las primeras veces; gradualmente la empatía y desesperación de la cineasta se vuelven valiosas en la fotografía que la película pretende armar. Tanto la ornitología como el ensamblaje de un rompecabezas requieren de la paciencia para apreciar el momento en el que la imagen llega. Sin embargo, mientras en la primera, el avistamiento es esperado, en la segunda se construye. Si como afirma Lena, la mirada no tiene nada que ver con la vista, quizá tenga que ver con la memoria y perderla es dejar ciego el recuerdo.
LASOBSERVARAVES
D: Andrea Martínez 2019Crowther.·109 min. · Color México Dist: Ventas Cine. Extractos de un texto de JJ Negrete Butaca Ancha nov. 16, 2019 Los Cabos
Así se podría resumir la película de Evgeny Ruman. La historia que nos cuenta el realizador está inmersa en un contexto político y social complejo, que en los noventa significó la migración de alrededor de un millón de judíos soviéticos hacia Israel, país que además vivía con miedo ante un inminente ataque militar de las tropas de Sadam Huseín. Así, aún con la esperanza de una nueva vida como premisa de la narración, el fragmento de Tel Aviv que nos presenta Ruman no es colorido, sino tenue, silencioso, nocturno y clandestino.
Año 1990. Víctor y Raya Frankel, matrimonio estrella del doblaje de películas soviéticas que, por décadas, han dado su voz a todos los grandes actores occidentales, deciden emigrar a Israel luego del colapso de la URSS. A los 60 años y con dos pequeñas maletas a cuestas, ambos se instalan en Tel Aviv, donde se ven obligados a conseguir un trabajo en un país que no conocen, reinventar su vida y reencontrarse como pareja y también con ellos mismos.
Voces doradas es otra de esas joyas que nos regala el cine israelí, donde la dureza del contexto se contrapone a la frescura de sus personajes, mostrando siempre el lado más conmovedor de la naturaleza humana. Una historia que relativiza la existencia sobre el “ocaso de la vida”, poniendo en perspectiva lo establecido, el status quo, los caminos o etapas que una persona debe cumplir, y que nos recuerda que siempre hay tiempo para reinventarse, en periodos de guerra, crisis o pandemia. El filme es también un homenaje al arte del doblaje, al poder de la voz propia (aunque sea para ponerla sobre una cara ajena), a la posi bilidad de ser otro por un rato, de vivir una nueva vida, de reconocer todos los personajes que conviven en uno.
DORADASVOCES
45ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO
Golden Voices D: Evgeny Ruman. 2019 · 88 min. · Color Israel Dist: Mirada Distribución. Extractos de un texto de Paula Frederick Culturizarte ene. 14, Santiago2022deChile
Retour à (Fragments)Reims D: Jean-Gabriel Périot. 2021 · 80 min. · B/N y Color Francia Dist: The Party Film Sales.
Extractos La jul. 22, Ciudad2022deMéxico
REGRESO A
(FRAGMENTOS)REIMS
Treinta años después, el escritor vuelve a Reims para explorar su genealogía familiar. En Regreso a Reims (Fragmentos), el docu mentalista Jean-Gabriel Périot deja de lado esa confidencia íntima, esencial para la comprensión cabal del propósito del autor, y elige concentrarse, a partir de fragmentos escogidos y con la narración de la actriz Adèle Haenel, en otro cometido importante del libro: el recuento de las luchas obreras en Francia, recuperando la figura emblemática de la abuela del escritor, víctima de un medio laboral explotador y misógino. A través de materiales de archivo (noticieros, extractos de pelícu las, canciones populares), el documental recrea las condiciones de vida de una clase social a menudo silenciada en los medios de la época. Entre muchos agravios figuran las largas jornadas laborales, las viviendas miserables en que se hacinaban las familias obreras o el escarnio a las mujeres. En una segunda parte, la película da cuenta de las movilizaciones de los sindicatos de trabajadores en los años 70 y 80, así como las grandes expectativas que generó, y luego frustró, una izquierda en el poder que pronto renunciaría a sus compromisos esenciales. El terreno fue fértil para que la extrema derecha pudiera manipular el resentimiento racista, fomentar el nacionalismo y capitalizar para su campo político las reivindicaciones del descontento obrero.
¿En qué momento se produjo en Francia el desplazamiento del voto político obrero desde sus antiguas posiciones de izquierda hacia las de una extrema derecha racista? Ésta es una de las interrogantes más agudas que plantea el sociólogo francés Didier Eribon en su libro autobiográfico Regreso a Reims, publicado en 2009, donde evoca su infancia y adolescencia en una provincia intolerante y pobre que lo lleva a mudarse a París.
de un texto de Carlos Bonfil
Jornada
46 SEPTIEMBRE · 2022 ESTRENO
47ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO
D: Rodrigo Plá y Laura Santullo. 2021 · 111 min. · México-EstadosColorUnidos Dist: Interior XIII. Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional oct. 31, Ciudad2021deMéxico EL TOMOTRO
Hay una escena que resulta sustancial en el más reciente largome traje de la dupla conformada por la escritora y actriz Laura Santullo y el director Rodrigo Plá. En la sala de espera de un consultorio, por debajo de una mesa, una niña cuenta que está ahí porque es bipolar; Tom le responde que él tiene TDAH –Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad–. No hay adultos en la sala, salvo una terapeuta que, tras atender a Tom, se retira. Tom y la otra pequeña abordan sus padecimientos como si estuvieran en la escuela. Este momento simple contrasta con lo relatado a lo largo del primer trabajo en codirección de Santullo y Plá: la incomprensión y juicios de esos padecimientos por parte del mundo adulto y las instancias gubernamentales. El otro Tom es una mirada discreta de la cotidianidad de una madre soltera y la crianza de su hijo con TDAH frente a una sociedad y un Estado que destierran las diferencias. Sin efectismos o momentos conmovedores y grandilocuentes, la película opta por un minimalismo narrativo que complejiza a sus personajes para que la audiencia sea quien saque sus propios juicios y conclusiones.
Santullo y Plá retratan los dos lados: el Tom hiperactivo y estigma tizado al que su mamá Elena cobija ante la ausencia del padre y la indiferencia de los servicios sociales, y ese “otro Tom” medicado y en terapia, cuyos pasos evidencian la falta de sensibilidad para tratar clínicamente los padecimientos mentales. No se toma partido por ninguno de los dos Tom, y se evita ofrecer respuestas o enmiendas morales. Aunque gracias a la buena química entre Julia Chávez e Israel Rodríguez Bertorelli en los papeles de madre e hijo, se deja entrever que el constructo social donde vivimos, en el que se pre gona empatía, vuelve a las diferencias invisibles, por más discursos de igualdad que existan.
Joshua Gil muestra en un preámbulo la mecánica de una ejecu ción y de la quema de las víctimas, vista desde lo alto, y eso anuncia las calamidades por venir, en una alusión transparente al caso de Ayotzinapa. Escenas brutales como una masacre en el interior de una casa ganan intensidad dramática al no mostrarse de manera explícita, sino como parte del clima más difuso y misterioso de una vasta diseminación del mal. A esta brutalidad irreparable el realizador opone la salida metafísica del encuentro del niño huérfano con una naturaleza protectora en las profundidades de un bosque al que acude para clamar con llanto el regreso de su madre. Apostando a un registro espiritual y fantástico, el relato aterriza, inevitablemente, en el duro realismo de una tragedia cotidiana.
Joshua Gil. 2019 · 80 min. · DominicanaMéxico-Catar-RepúblicaColor Dist: Parábola Distribución. Extractos de un texto de Carlos Bonfil La Jornada abr. 10, 2021 Ciudad de México SANCTORUM
D:
El reino del mal. En Sanctorum (2019), su largometraje más reciente, el realizador Joshua Gil (La maldad, 2015) aborda el tema de la violencia en México de una forma inusual y sugerente, evitando todo tipo de sensacionalismo gráfico para privilegiar una visión mística con tintes apocalípticos. El título alude al santuario en que se ha convertido todo un país aquejado por los sangrientos enfrentamientos entre los cárteles de la droga y elementos de la policía y el ejército, con todo un pueblo que vive siempre entre dos fuegos.
48 SEPTIEMBRE · 2022 ESTRENO
Filmada en la sierra de Oaxaca con actores no profesionales miem bros de una misma familia y hablada en el idioma mixe, Sanctorum narra el caso de una campesina que luego de un enfrentamiento entre policías y narcotraficantes, teme por su vida y la de su pequeño hijo, y encomienda a este último a su abuela para protegerlo. Cuan do la madre desaparece sin dejar huella, y la tensión en el pueblo aumenta, un maestro rural se une a los campesinos amenazados para crear un frente de resistencia.
Cuando se deja de lado toda la gravedad política de esa compleja realidad que quiere abordarse (la de principios de la década de los 30 en una zona de tenso enfrentamiento), Cliff Walkers no es ni más ni menos que una película de espías. Y, como tal, es innegable que está ejecutada de forma impecable.
49ESTRENO CINETECA NACIONAL MÉXICO
Si fuera un color, la nueva película del director chino Zhang Yimou (La linterna roja [1991], Héroe [2002]) sin duda sería el blanco. En primera instancia, un blanco limpio, como el de la nieve que cubre todos los paisajes de ese Manchukuo conflictivo, el estado títere que cruzan los personajes. Pero a medida que avanza el filme, también un blanco que puede ser ruidoso y hostil. En cualquiera de esas formas, el blanco se encuentra siempre dentro del plano, y el rea lizador no nos deja apartar la mirada de él.
Así, el enfrentamiento entre una China comunista resistente y un amenazante Japón Imperial post Primera Guerra Mundial está tratado desde una vertiente más bien estética, ese acercamiento que suele caracterizar el cine de Zhang Yimou. Con Cliff Walkers, el director pone imágenes a la historia escrita por Quan Yongxian sobre un grupo de espías del Partido Comunista Chino a los que, tras ser entrenados por la Unión Soviética, se les encomienda una misión vital para su país en el sino del conflicto entre las dos potencias asiáticas.
Cliff Walkers es la primera incursión que el director hace en el género del espionaje, y aunque no sea una propuesta que esté concebida para levantar grandes pasiones, contiene un valor en sí misma: todo está en su sitio. Es cautivadora en sus imágenes, efectiva en su entramado de intrigas y hasta emotiva cuando se propone serlo. Solamente por formar parte de la filmografía del director chino, es ya una interesante experiencia estética.
Xuan ya zhi shang D: Zhang Yimou. 2021 · 125 min. · Color China-Hong Kong Dist: ExtractosA2Filmes.deun texto de Júlia Gaitano Mendizábal El antepenúltimo mohicano oct. 11, Cáceres2021 WALKERSCLIFF
50 SEPTIEMBRE · 2022 MATINÉ INFANTIL
Muppets from Space D: Tim Hill. 1999 · 88 min. · Color Estados Unidos Dist: Park Circus.
Extractos de un texto de Robin Rauzi Los Angeles Times jul. 14, 1999 Los Traducción:ÁngelesEdgar Aldape Morales
MUPPETSLOS EN EL ESPACIO
Para quienes se preocupan de que la Jim Henson Company se conforme con rehacer cuentos clásicos con marionetas, llega Los Muppets en el espacio. Inteligente y destellante, la nueva película de los Muppets vuelve a capturar la alegría pura del clásico original de 1979. Gonzo, esa extraña criatura con nariz de gancho que se autodefinía como “soy lo que sea” en los otros filmes, es el centro de esta aventura. Al empezar a recibir mensajes del espacio exterior a través de los cereales de su desayuno, determina que es, de hecho, un alien. Intenta ponerse en contacto con sus parientes lejanos, pero pronto es interceptado por K. Edgar Singer, quien dirige una agencia gubernamental secreta. Rescatarlo será tarea de la Rana René, Miss Piggy, el oso Fozzie, Animal y demás. En 88 minutos, Los Muppets en el espacio consigue tener mas argumento que las últimas cintas de las marionetas, en parte porque ha dejado de lado los números musicales y de baile. En su lugar, la película se ambienta con un contagioso ritmo funk a cargo de The Commodores, James Brown o Earth, Wind & Fire. Es un giro sor prendente y, de alguna manera, le añade a los Muppets una calidad atemporal pero moderna. Además, a diferencia de Los Muppets en la isla del tesoro (1996), donde los títeres eran personajes dentro de otros personajes, aquí vuelven a ser ellos mismos. Se abren camino en el mundo, con trabajos esporádicos, viviendo todos juntos en una casa de huéspedes. Todos nuestros favoritos están aquí, aunque sea por un minuto. El director Tim Hill es sutilmente divertido con sus referencias a Encuentros cercanos del tercer tipo, E.T. el extraterrestre o The X-Files. Veinte años después de que inició la aventura de los Muppets en cine, todavía hay vida en estas creaciones de fieltro, gomaespuma y pieles falsas.
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