La humanidad siempre recuerda a aquellos que, mediante el esfuerzo y la creatividad, han dado una vuelta de timón a todo lo establecido para conducir a una renovación en las artes y las ciencias. Estos hombres y mujeres, algunos famosos y otros no tan to, son los que se han dado en llamar originales.
Pero veamos, ¿qué es originalidad? Etimológica mente, esta palabra significa que “respeta el ori gen”. Esto es, que parte de las fuentes, que respeta la base aportando lo propio para enriquecer el todo. O, para definirlo de otra manera, es original aquella obra humana de la cual puede decirse que marcó un antes y un después.
En el arte, la pintura nunca fue lo mismo después de Leonardo, Rembrandt, Velázquez, Van Gogh o Picasso, sólo para mencionar a algunos de los más grandes artistas. Cada uno de ellos realizó obras que cambiaron el concepto de la pintura y que, de alguna manera, modificaron la historia a partir de su originalidad creativa. Como un homenaje a este talento, ese mágico punto medio entre lo humano y lo divino, Laboratorios Roche le obsequia esta breve muestra de obras originales. Trabajos que, a lo largo de la historia, han servido para inspiración y regoci jo de la gran familia humana.
Era tal la originalidad y maestría de Leonardo da Vinci en el manejo de la pintura que ninguno de sus discípu los pudo jamás emularlo. Sucede que Leonardo no fue sólo un artista, fue un revolucionario sin duda impreg nado por el humanismo de su época.
Leonardo fue el mayor representante de la ruptura con los modelos que regían las artes durante el Quattro cento. Se alejó del concepto de belleza ideal para vol carse a la fiel imitación de la naturaleza, sin pretender mejorarla. De ahí que se ocupó de reflejar la fealdad y lo grotesco en sus obras, en donde sus dibujos de personajes cómicos y deformes han sido considerados como antecedentes de la historieta.
Leonardo es considerado el primer artista que pintó el aire. Pintaba los objetos lejanos de manera que perdie ran nitidez y se viesen azulados, de esta forma daba una perspectiva aérea o atmosférica. Esta sensación
atmosférica se puede apreciar en su obra más famosa: La Gioconda.
La Gioconda es, sin lugar a dudas, el cuadro más cono cido del planeta, y es por ese motivo que nunca fue ta sado. De ponerse un precio a esa maravilla, alcanzaría la cifra más alta en la historia del arte.
La Gioconda es la pintura que recibe más visitas en el museo del Louvre. Se ha calculado que en el 2001 ha recibido seis millones de visitantes. Fue robada del Louvre en 1911 por el pintor italiano Vicenio Perrugia, aunque apareció dos años después en Italia. Además, fue rociada con ácido y golpeada con una piedra en el mismo Louvre.
En el 2005 se la colocó tras una vitrina antibalas, en una sala donde se la protege de la humedad y el calor.
Los grandes misterios que envuelven a la modelo que utilizó Leonardo para su obra inmortal, se refieren a la identidad de la Mona Lisa y, sobre todo a la curiosi dad que despierta esa sugestiva sonrisa. ¿Quién es la Mona Lisa? ¿Por qué sonríe? Son preguntas que duran te siglos se han hecho los estudiosos y que, quizás, ya estemos en condiciones de responder.
En su libro “Mona Lisa, mujer ingenua”, el historiador italiano Giuseppe Pallanti afirma que la modelo era Lisa Gherardini, una dama de Florencia que se habría casado en segundas nupcias con Francesco Bartolo meo del Giocondo (tal es el origen de “La Gioconda”). Según estudios, Lisa se habría casado con Francesco a la edad de 16 años y habría posado para Leonardo cuando tenía 24 ó 25. El historiador la habría llamado “donna ingenua” porque éste era un apelativo cariño so que el marido utilizaba con ella.
Otras hipótesis apuntan a que la Mona Lisa era una cortesana o una modelo irreal imaginada por el artista. Incluso, se ha llegado a decir que se trataba del propio Leonardo. Sin embargo, la tesis más convincente pare ce ser la de Pallanti.
También el experto en manuscritos Armin Schlechter coincide con la identidad de la Mona Lisa, apoyado en una fuente descubierta durante un trabajo de catalo gación en la Universidad de Heidelberg. Una anotación de un funcionario florentino, Agostino Vespuci, fecha da en octubre de 1503, destaca que Da Vinci trabajaba en ese momento en la realización de un retrato de Lisa del Giocondo. Esta información coincide con la fuente utilizada por Pallanti, un catálogo artístico escrito por Giorgio de Vasari, quien en 1550 fue el primero en iden tificar por escrito a la modelo de La Gioconda.
Resuelto el primero de los misterios, nos cabe ahora preguntar: ¿De qué ríe la Mona Lisa? No es fácil saber lo, en especial porque Leonardo pintó esa sonrisa lo grando un efecto que la hace desaparecer cuando el espectador la mira directamente, y que sólo reapare ce cuando se observa cualquier otra parte del cuadro. Una sonrisa que, según se mire, puede ser triste, píca ra, protectora e incluso malévola.
La Universidad de Yale, en Estados Unidos, propo ne una explicación muy interesante, de acuerdo a las investigaciones llevadas a cabo sobre la pintura. Las mismas concluyen que la dama sonríe porque está esperando un hijo. Esta teoría se fundamenta en que Lisa tiene las manos hinchadas, lo cual es uno de los síntomas del embarazo. Además, la manera en que es tas manos reposan sobre el vientre da la sensación de protección de su bebé.
Obviamente, nunca podremos estar completamente seguros de lo que pasaba por la mente de la Mona Lisa mientras posaba para Leonardo. Quién podría saberlo sino ella misma. Quizás su sonrisa fue de orgullo y sa tisfacción. Tal vez, de alguna manera, intuía que estaba entrando a la historia como la modelo más famosa de todos los tiempos.
e trata de la famosa obra maestra de Rem brandt, pintada en 1632, al óleo sobre lienzo, y que mide 169,5 centímetros de alto y 216,5 de ancho.
El cuadro muestra, en efecto, una lección de anato mía impartida por el doctor Nicolaes Tulp hacia un grupo de médicos. El doctor Tulp se encuentra expli cando el funcionamiento de la musculatura del bra zo. El cadáver pertenece al criminal Aris Kindt, de 41 años, ahorcado ese mismo día por robo a mano armada. Algunos de los espectadores son personas que pagaban comisiones para ser incluidas en la pintura.
Se cree que dicha lección ocurrió el 16 de enero de 1632, en Amsterdan. Tulp era el anatomista oficial de la ciudad, la cual sólo permitía una disección pú blica anual y en invierno, para mejor conservación del cuerpo. En todos los casos el cuerpo debía co rresponder a un criminal ejecutado. Es por eso que estas clases con disección fueron tan poco frecuen tes y espectaculares en el siglo XVII, hasta el punto de convertirse en un acontecimiento social. Tenían lugar en salas de conferencias que eran realmente teatros, y podían concurrir estudiantes, colegas mé dicos y el público en general, previo pago de una entrada.
Lo que más sorprende de este cuadro a los espe cialistas modernos es la exactitud de los músculos y tendones pintados por un Rembrandt que apenas tenía 26 años. No se sabe de dónde obtuvo un co nocimiento tan acabado del cuerpo humano, y al gunos creen posible que copiara los detalles de un libro de texto de anatomía.
En el cuadro vemos que el cadáver está tumbado al estilo de Cristo muerto, con lividez cadavérica. La cara queda parcialmente en sombras, sugiriendo la umbra mortis (sombra de la muerte), una técnica que Rembrandt utilizaría con frecuencia.
La lección de anatomía está firmada y datada en la esquina superior derecha: REMBRANDT. F[ecit]:1632. Es el primer cuadro conocido en el que Rembrandt firma su obra con su apellido en lugar de las inicia les RHL (Rembrandt Harmenszoon de Leiden), y esto probablemente tenga que ver con su creciente con fianza en sí mismo como artista.
Se trata de la obra más importante del célebre pintor español Diego Velázquez. Fue realizada en el año 1656 y el nombre con que se popularizó fue Las Meninas, aunque el título original era La familia de Felipe IV.
Está considerada como una de las obras más comenta das y analizadas en el mundo del arte. El tema central es la infanta Margarita de Austria, aunque en la pin tura aparezcan otros personajes como el rey Felipe IV de España y su esposa Mariana de Austria, además del mismo Velázquez. El artista resolvió con gran habili dad todos los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del tratamiento de los colores y tonos junto con la gran fa cilidad para caracterizar a los personajes.
Podemos ver un espejo en el fondo de la pintura que refleja al rey y su esposa, según algunos historiadores, entrando a la sesión de pintura, y según otros, posan do para ser retratados por Velázquez y, en este caso, siendo la infanta y sus acompañantes quienes venían a ver la pintura de los reyes.
La pintura se terminó en 1656, fecha que encaja con la edad de cinco años que aparenta tener la infanta Mar garita. Los reyes entraban con frecuencia en el taller del pintor, conversaban con él y a veces se quedaban bastante tiempo viéndole trabajar, sin protocolo algu no. Esto era algo muy repetido en la vida normal del palacio y Velázquez estaba acostumbrado a las visitas. El lugar que se ve en el cuadro es una sala del piso bajo del antiguo Alcázar de Madrid, que es donde realmente trabajaba Velázquez.
Los especialistas proponen posibles simbolismos en la concepción de Las Meninas. Uno de los más difundi dos es que Velázquez estaría reivindicando la nobleza del arte de pintar, tema que obsesionaba a los pinto resdel siglo XVII. En aquella época, la pintura era sub estimada y se la ubicaba como un oficio sujeto al pago
de impuestos, como los zapateros y todos los demás artesanos. Esto no ocurría en Italia, donde los pintores eran tratados como artistas elevados y cultos. El Greco, que había trabajado en Italia, tuvo la oportunidad de comparar esa vida de halagos con la desvalorización que sufrían los artistas en España. Velázquez quiso proclamar la nobleza de su arte cometiendo una “osa día”: se incluyó a sí mismo en un retrato de la familia real, ocupando un puesto destacado y relegando a los reyes a una imagen diminuta. En realidad, la figura de los reyes no aparece en forma directa, sino reflejada en el espejo. Los reyes están en la sala con el pintor, pero no a su lado sino a cierta distancia. De este modo, sin violentar el protocolo, Velázquez alardea de su po sición en la Corte y reclama para la profesión de pintor un tratamiento acorde como servidor del rey.
En el palacio campestre de Kingston Lacy, en Dorset, Inglaterra, existe una versión pequeña de la obra de Velázquez. Según algunos expertos, se trataría de un modelo o boceto pintado por el propio Velázquez an tes de embarcarse en el original, quizás para lograr la aprobación del rey. Otros especialistas en la materia creen que sólo se trata de una copia hecha en el siglo XVIII. La pequeña pintura es casi idéntica a la original, sólo que se ven algunos trazos de lápiz bajo el color, en los ojos y los cabellos de la infanta. Está realizado con colores más claros y luz menos fuerte. ¿Quién lo habrá pintado realmente? ¿Será un boceto de prueba del ar tista, o una vulgar estafa de hace 300 años? Es una pre gunta que, teorías aparte, intriga a todos los expertos en la materia.
Vincent Willem van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Zunder, Holanda. Se lo ha definido como un pintor post-modernista y uno de los artistas que ejerció mayor influencia en el siglo XIX.
Era hijo de un pastor protestante y trabajó para la casa de subastas Goupil, la cual abandonó impulsado por el deseo de ayudar a sus semejantes. Así es como pasó a ser miembro del Apostolado Seglar en una zona muy pobre de Holanda. Intentó entrar en un seminario de protestantismo, pero no fue aceptado por su carácter inestable. Luego vivió en la pobreza, y en 1880 empezó a pintar. En gran parte fue autodidacta, aunque tuvo influencia de los diseños de colorido mate del JAPO NISMO. Después de conocer a Édgar Degas, Paul Gau guin y Henri de Toulouse-Lautrec en París, en 1886, Van Gogh empezó a utilizar colores vivos y a experimentar pinceladas diferentes.
En 1888 se mudó a Arles, en el sur de Francia, donde pintó algunas de sus obras más importantes, entre ellas Dormitorio en Arles (1888-1889) y Noche estrella da (1889). En las cartas a su hermano Theo, transmi te la emoción que supone utilizar la pintura para ex presar lo que sentía. Sufrió de soledad y depresión, y después de una disputa con Gauguin se cortó parte de una oreja. Poco después fue internado en un hospital psiquiátrico donde, durante sus períodos de lucidez,
sus pinturas llegaron a ser aún más intensas. Van Gogh se pegó un tiro el 27 de julio de 1890, muriendo dos días después.
Van Gogh entendía la pintura como vía de modificar la sociedad y como vehículo de salvación personal. Fue un personaje difícil en su relación con los demás y un fracasado en cuanto a lo amoroso. En el trabajo tampo co le fue demasiado bien y le hubiera sido difícil sobre vivir de no ser de la caridad de su hermano Théo.
Su obra ejerció una enorme influencia en el SIMBOLIS MO, el EXPRESIONISMO y el SURREALISMO, allanando el camino para el desarrollo del ARTE ABSTRACTO y otras manifestaciones del arte moderno. Se cree que Van Gogh sólo vendió dos cuadros durante su vida, uno de ellos a su hermano. Cien años más tarde, en 1990, su obra Retrato del Dr. Gachet se vendió en la cifra récord de 82,5 millones de dólares. Además de las mencio nadas anteriormente, entre sus obras más importantes se encuentran: Girasoles, Los gitanos (Museo del Jeu de Paume, París), Retrato del Dr. Gachet (Museo del Louvre. París), Autorretrato, Vereda de Álamos y Jarrón con lirios sobre fondo amarillo (Rijksmuseum Vincent Van Gogh, Amsterdam), El viejo molino, Entrada al jar dín público de Arles (Colección Phillips, Washington), El jardín de los poetas (Colección privada), Campo de trigo (Rijksmuseum Kroller-Muller, Otterlo).
Existe una placa en el hotel de la Rue des Grands-Au gustins en París. En la misma dice que Picasso vivió allí desde 1936 hasta 1955, y que fue precisamente allí donde pintó el Guernica.
En enero de 1937, el arquitecto catalán Josep Lluis Sert le pidió a Picasso que colaborase con un mural para el pabellón de la Segunda República en la Exposición Internacional de París. Era una manera de demostrarle al mundo que el gobierno republicano, y no las fuerzas nacionalistas, aún representaban al pueblo español.
Picasso, quien ya había realizado dos grabados titula dos Sueños y mentiras de Franco, no tenía muy claro el tema que elegiría pintar para la exposición. Pero a raíz del brutal bombardeo del pueblo de Guernica por parte de la aviación alemana, el 26 de abril de 1937, obtendría la inspiración necesaria para denunciar ese acto de barbarie. Fue así que, el 1 de mayo, comenzó la creación de una de sus obras más famosas. El Guernica simboliza todo el horror de la guerra, la tragedia y la muerte de víctimas inocentes.
Su nombre completo fue Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipria no de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruiz y Picasso. Nació en Málaga el 25 de octubre de 1881 y murió en Mougins, Francia, el 8 de abril de 1973. Cono cido como Pablo Picasso, fue creador, junto con George Braque, del movimiento cubista.
El cubismo está profundamente ligado al primitivismo. La influencia de las culturas primitivas quedaba refle jada en los trabajos del pintor malagueño al hacer uso de la simplicidad compositiva, del esquematismo, de las angulosidades y de los colores primarios. Sin duda su obra Las Señoritas de Avignon marca los orígenes
del cubismo. Junto a Georges Braque, Picasso propuso en sus obras la fragmentación del espacio. Es decir, la descomposición en planos de su pintura, la represen tación en un mismo plano de imágenes de diferentes tiempos, en otras palabras, la simultaneidad y la fu sión de imágenes.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, Picasso participó desde el origen de numerosos movi mientos artísticos que se propagaron por todo el pla neta, ejerciendo una importante influencia en muchos grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras que se exponen en museos de toda Europa y el mundo.
