Catálogo SérgioVaz - V&M do BRASIL by Clara Gontijo

i m a g e m

p i n t u r a s

d e

v a z i o

s É r g i o

v a z

Imagens que se esquivam falam de

mem贸rias

Os trabalhos apresentados nesta mostra falam do embate entre forma e contra forma como narrativa do tempo na memória.

São uma

tentativa de ilustrar nossas partes desconhecidas, como insights: instantes em que algo que somos se desvela e logo volta ao obscuro. O desenho ainda permanece na tinta que oferece as cores essenciais p a r a d e s c r e v e r a a t m o s f e r a d e c a d a trabalho. A cor é o dado mais verdadeiro da

narrativa.

Existe

tensão

entre espaço e figura. O

reclamando

um protagonismo que

primeiro se

uma

afirma

cada

série produzida e a

última se conformando

cada

fragmento

efêmero.

verdade,

carrega

do outro: figura /

vez

espaço

mais

a e

como

imagem

espaço

figura. Há um jogo de interrupções que simulam o desequilíbrio entre os dois. Falo de um lugar interrompido pela figura humana que o atravessa e ameaça desaparecer furtivamente e de personagens interrompidas e, quem sabe, envolvidas irremediavelmente por seu entorno. Às vezes podemos intuir o espaço através da forma e, ao inverso, conhecer a figura pelo ambiente que a circunda e a invade. A questão principal permanece sem respostas: onde está o espaço e qual é a figura? Sérgio Vaz

B e l o H o r i z o n t e , o u t u b r o d e 2 01 0 Curadoria: Robson Soares

“Uma parte de mim é todo mundo. outra parte é ninguem: fundo sem fundo Uma parte de mim almoça e janta: outra parte se espanta. Traduzir uma parte na outra parte é que é uma questão de vida ou morte, será arte?” Ferreira Gullar

SOBRE CORPO E ESPAÇO:

Reflexões sobre a produção pessoal Sérgio Vaz

superfícies do que faço Antes de destrinchar as entranhas do que tem sido feito, considero esta mostra muito importante como um mergulho no meu trabalho, com o objeto de apreender o que foi concebido ao longo da trajetória de criação, - que aconteceu com atenção pouco voltada às questões originais e focada mais na execução em si. Assim, este texto trará parágrafos sobre a essência do que escrevi ou escreveram sobre minha produção, seguidos de reflexões surgidas durante o percurso e que levantaram mais questões que respostas. Falo mais da intenção do artista que daquilo que se pressente na obra, tentando fazer mais evidentes minhas motivações, num reconhecimento de que o momento é de descoberta do meu próprio trabalho.

Do que tenho falado

e de posicionamento do artista diante de sua obra. Da discussão sobre “espaço” onde os corpos se apresentam a partir dos trabalhos da exposição Frigo - já que durante a execução desse conjunto ele assumiu sua importância na medida da consciência de sua força na composição. Sobre espaço, há que se discutir o que ele representa e como se articula como tal, naquilo que me aproximou de alguma estrutura de representação – construção ou desconstrução - do lugar da figura, e fontes que vêm auxiliando em algumas questões sobre o tema. Da emergência de um dialogo importante e mais consciente entre corpo e espaço, estes dois se assumido como elementos de outra situação com as obras de Objetos Cortantes, conjunto de trabalhos desta exposição.

Da idéia de corpo com as obras que compõem as exposições Peça/Pedaço e Vazio/Cheio, fase inicial e

São corpos que ocupam espaços que não se

essência daquilo que perpassa toda a produção. Com

conformam, apesar de poderem ser vistos ou

um cunho intimista, assumindo e assimilando todas

construídos. Estes mesmos corpos se misturam

as referencias artísticas, bibliográficas e práticas sobre

e por vezes desaparecem nestes espaços, assim

corpo como construção pessoal busquei respostas a uma

como o entorno desfaz-se nos próprios corpos, ou

necessidade específica de reconhecimento desse símbolo

se transforma neles.

Cheio / Vazio “Olhamos desenhos, mas percebemos uma atmosfera que pulsa a nossa volta e dentro de nós metáforas alusivas ao que temos e ao que nos falta. Ao vazio e ao cheio.” (Lopes, 2008)

Minha relação com o corpo passa pela auto-aceitação. Com o tempo, estabeleci uma relação estreita e simbólica entre a conformação física e a realização como pessoa no mundo. Encontro na alegação do filósofo espanhol Julián Marías a confirmação da convicção de que o corpo é uma sombra daquilo que é a minha concepção de mundo, um conjunto de modos de experiência e idealizações, traduzido em formas e nuances que falam do mundo criado por cada um para si mesmo. Me aceito como forma quando me movo e interajo com as imagens que crio. Partindo de racionalizações do que é possível, posso dizer que esta é a minha base criadora. Em Cheio/Vazio, produzi trabalhos com o objetivo de criar formas que, ao invés de comunicarem significados, pudessem recebê-los. No momento em que escrevo isto, tenho a impressão de que uma e outra estratégias são a mesma coisa. Cabe dizer que tentei retirar das figuras desenhadas todo tipo de significação advinda da idéia de “presença” sem retirar a interação da forma com seu meio, aproximando-as mais da sua constituição material e alijando-as da “persona”. Não estabeleço vínculo direto entre minhas intenções e o resultado obtido. Há então uma busca interna de representar essencialmente corpos, figuras puras, sem adereço

e sem nenhum valor reconhecível de ética ou moral, embora reconheça que estes valores são atribuídos por aquele que vê e não por quem cria. O simples fato de denominá-los corpos e de serem corpos reconhecíveis nos seus detalhes – que o desenho consegue explicitar, potencializar mais que a realidade palpável dos deles mesmos - já impõe barreiras ao intento. Minha motivação está no jogo de tentar anular através de soluções formais a estas forças, num suposto desnudamento que não permita julgamentos. A temática, de modo geral, é a ausência da pessoa na pessoa. É notável nesta fase, a ausência do olhar e de qualquer expressão nas figuras desenhadas. Suspeito que o propulsor desse intento seja uma necessidade pessoal de criar receptáculos para significações que não se oferecem na suposta realidade. “O mundo é decepcionante. O ser entregue à razão encontra força na solidão. É por isso nos fazemos artistas. E produzimos obras que consistem em levantar enganos nos quais a suposta realidade, enredada, torna-se ingênua. Tornamo-nos “senhores de coisas” plasmando-as numa imobilidade intensa.“ Miguel Gontijo, artista plástico

A origem disso pode ser ao mesmo tempo pessoal e social, motivada pelo esforço de adaptação a uma realidade cada vez mais fantasiosa e truncada, resultando na sensação de ocupação do próprio corpo por uma personalidade fabricada, vazia e impessoal. Uma forma que, por sua poética se denomina corpo. Em sentido contrário, o esforço físico e a quantidade de horas gastas na execução, imprimem nos corpos

uma carga de motivações, intenções e signos que lhes dão a “presença” cuja falta motiva sua execução. É provável que eu encontre nessas figuras a veracidade que signifique a vida, validando uma postura diante das coisas. Ao primeiro olhar, as intenções de vida e morte me parecem claras nas figuras. Creio que este é o seu nível mais superficial. Esta dubiedade evidente tenta evitar que a leitura da imagem se estenda ao simples “contar uma história” ou à inferência ampla de outros valores, talvez culturais ou de espécie. Pode-se inclusive sugerir que há aí uma tentativa de direcionamento sutil da leitura, sem objetivar necessariamente algo. Tenta ser também uma estratégia de colocar aquele que vê, no dilema. A idéia de dormência, vida, morte e sono, deve vir de quem olha e este, deve sentir esta responsabilidade. “Figuras fractais silenciosas, anestesiadas... Parecem não responder a nenhum estímulo externo porque já não lhes resta nada de interior (...) Seus corpos são meros receptáculos do nada. Assemelham-se aos próprios recipientes vazios em que se encontram. (...) Ao mesmo tempo que não possuem o calor da vida, demonstram uma reação perturbadora que não é própria da morte física, mas da morte sensível, espiritual, expressa pela consciência.” Amanda Lopes, curadora

Tentei reconhecer a origem e significâncias do corpo no meu trabalho. Nuances de sexo, desejo, morte, fascinação, medo e afeto querem definir as sensações que consigo denominar, sem abarcar a sensação completa de nenhuma delas através da palavra ou, pelo contrario, reconhecer na palavra

seu significado mais abrangente. Tomei o cuidado de enumerar acima elementos sensíveis que, creio, atravessam o meu trabalho, como comunicação mais pura entre mim e o espectador: coisas que aquele que vê, também pode pressentir. Como esta se configura como uma incursão profunda nos meus processos internos de construção da imagem, quero estabelecer relações que devem parecer mais particulares que propriamente processuais, se podemos separar estas duas questões. O caminho da descoberta então, se delineará na definição dentro da minha produção, destes termos citados - meus significados particulares -, para assim encontrar a mais fiel ou aproximada sensação do corpo para mim. Uso de reflexões alheias que por vezes valeram e valem para mim como leituras que eu mesmo faria - se tivesse tal clareza -, sobre minha obra e os símbolos/ signos que uso. O corpo me atrai intensamente, primeiro pelo desejo e afeto que ele suscita - por uma necessidade constante de descoberta e interação. Sugere-me sempre o inusitado. O fato de pessoas sempre parecerem mundos completamente desconhecidos a explorar, fomenta a criação de corpos onde se possa a todo tempo personificar os ainda não existentes. As fontes dessas pessoas impessoais são diversas: desde sonhos – as realidades sugeridas nos trabalhos sempre resultam em oníricas sem serem surreais,

porque quero crer que são possíveis pela sensação – à memória e a fotografia, adotada como método principal de construção da imagem, em substituição aos esboços e rascunhos. As imagens fotografadas nunca por outras pessoas – fazem da câmera o meu coletor de impressões, e do computador, o laboratório onde os fragmentos se tornam corpos surgidos de faltas. A figura se oferece no atrito das partes e o meu novo corpo busca ou cria uma realidade para adaptar-se. Nestas figuras criadas, sob o olhar de quem as cria, estão impressos o medo e a certeza da finitude e paixão pelas trajetórias, como um romance. É possível tocar muitas outras linguagens como a literatura, a poesia, a música e o cinema nesse processo. Fotografia e cinema, principalmente este último alcançam internamente a intensidade das sensações traduzidas nos corpos desenhados.

ESPAÇOS Frigo: S. m. F. red. De frigorífico (do Lat. Frigorificu) Fluido que afugenta o calor; câmara para manter frescas e em bom estado certas substâncias e alimentos.

“Os desenhos que Sérgio Vaz nos mostra são feitos de personagens sem referência, esvaziados de seus cenários, que lançam dúvidas radicais sobre o princípio da realidade. Os seres estão envolvidos numa intensa imobilidade e seus gestos e atitudes estão plasmados no espaço. São personagens que habitam numa dimensão metafísica. Num lugar onde as “coisas” sonham. “ Miguel Gontijo, artista plástico.

Entendo como espaço, o tempo, o ar, a temperatura, a luz e tensão que envolvem o corpo representado, não excluindo este último como espaço. Neste período, tomei consciência de que as figuras desenhadas falavam principalmente do lugar que as abrigava. Foi importante despertar nos trabalhos esta dimensão e perceber este diálogo silencioso, que acontecia enquanto me mantinha alheio. Envolvi-me na exploração desse novo lugar. A principio, mero elemento de composição – mais por ingenuidade que por significação -, esse “ambiente” agora assume importância, a ponto de impulsionarme à pesquisa. A questão do espaço na composição é fonte de várias indagações ainda sem respostas. A primeira delas se instala em sua ausência. Ao pensar o trabalho e onde a figura se apresenta, desde o formato do suporte à distribuição das formas do cheio e do vazio na cor, este ambiente existe com elementos e formas que são

mentalmente visíveis mas não representáveis porque não são gráficos. São lugares familiares ao imaginário pessoal e bem próximos do reconhecível, mas de organização simbólica e espacial incoerentes com a visualidade. É possível dizer – e talvez facilmente pressentido – que as figuras estão perfeitamente abrigadas por um entorno e um enredo. Entretanto, pode ser válido tanto o argumento de que o não representado seja resultado de um espaço a construir pela fruição, como o de que aquilo que se ausenta foi desconstruído. Uma terceira hipótese e a de que o lugar se perfaz pela própria figura / corpo representada e o espaço seja ela mesma, não separada de seu entorno. Esta afirmação se valida com maior intensidade em alguns trabalhos, se diluindo em outros e contribuindo para sua opacidade. Para a hipótese de desconstrução, colabora o caminho da criação onde, em sua origem, a imagem surge relacionada a uma atmosfera de certa forma concreta e indissociável dela mesma, inclusive antes de ser executada. Mas não seria a ausência de representação dessa atmosfera o modo mais adequado de construí-la? Creio ser necessário definir alguns termos chave nessa discussão: espaço, representação e imagem. Essas definições tentarão ser aquelas que servem especificamente à composição na minha produção. Valem para a idéia de espaço definições mais gerais, como ambiente onde se encontra a figura, físico e de representação mais relacionada à trama e enredo, antes alegórico e traduzido posteriormente ao

pictórico. Ainda que irreconhecível ou irrepresentável, existe como móveis, referencias de muros e paredes, cômodos, fluídos e objetos. Há uma arquitetura que possibilita abrigar o corpo que vai habitá-la. Esta arquitetura em parte se forma da profusão de imagens trazidas pelas partes fotográficas que compõem os corpos desenhados, de modo que a ordem de surgimento da figura e do ambiente é cambiante e profusa. A representação desse espaço carrega em sua definição a resposta à questão mais complexa e que continua no campo da hipótese: representar consiste em construir com a figura e a partir dela o lugar das coisas e objetos ou, num processo inverso, subtraílas? Esta questão pertence a principio ao campo da teoria da composição, podendo afetar o resultado plástico de futuras produções e inclusive sujeitar obras já executadas cuja estrutura visual permanece inalterada a novas abordagens em sua proposição em conseqüência de conclusões advindas do discurso. “O artista produz um simulacro com plena consciência do jogo e do artifício, acrescentando na imagem real a sua falsa realidade. Ele nos engana, engatilha armadilhas, cria engodos para nos fazer encontrar através da ilusão positiva e vital das aparências. Só depois percebemos que fomos levados a uma terra de ninguém.” (Gontijo, 2010)

A imagem, que pode ser interpretada como o corpo desenhado, é melhor definida como espaço do corpo. Embora menos objetiva, esta interpretação cabe melhor ao que se propõem os elementos da obra e, inclusive, aceita a hipótese de que o corpo define o espaço/ambiente e que também o é e, neste caso,

a representação encontra uma solução válida, pois o espaço do corpo é também o da representação, não mais com a inocência da simples reprodução, considerando a subjetivação dos seus símbolos visíveis ou não e buscando-se mais a sugestão que a descrição, embora haja o trabalho minucioso na busca do detalhe dos elementos visíveis – que considero como atividade de descoberta daquilo que se representa. Na elaboração de cada peça, sinto a necessidade de reposicionar o corpo inventado, procurando a forma exata de ele ocupar o suporte, e comunicar de forma mais ampla o espaço onde ele passa a viver. Por vezes é perceptível uma maior preocupação com as formas que surgem, circundando ou calando com vazios a figura desenhada e em outras, figuras recorrentes cobram para si lugares específicos - estas, parte da história pessoal tornadas signos, contam com certa autonomia de organização dentro do suporte. Há um repertório de signos em forma de vazios. Em algumas ocasiões, a figura desenhada não prescinde de qualquer ambientação mais complexa. Carrega em si as memórias, ambiências e signos da obra que sugerem um desenrolar real do dilema na figura. Em resumo, este espaço oferecido pelo dispositivo à figura tem a conformação de situação, que envolve o dilema e o corpo/forma.

O DIÁLOGO ENTRE FORMA E ESPAÇO Objetos Cortantes Quero falar da idéia que me move nesta exposição e não do processo de criação, que não sou capaz de entender até o momento. O caminho que se aponta agora é o de embate e atrito entre espaço e forma, que cobram autonomia de representação dentro do suporte, criando uma nova figura mais complexa e, em contrapartida, mais próxima de uma leitura visual do contexto. O entorno antes privado da visualização se faz fortuitamente concreto e recorta o corpo – já que os dois elementos se fundem e por vezes são um só – reclamando no olhar a sua parcela. É um ambiente que interrompe e fragmenta o corpo. Interrupções que são formas que o corpo interrompe. As coisas se desenham no vazio, porque penso que se se apresentassem como objetos conformados, ambos, figura humana e ambiente, perderiam sua força. Vejo na ausência, em qualquer de suas formas, a força do meu trabalho. A figura ganhou expressão porque pretendo que o foco deixe de ser o corpo e passe a ser a sua interação com o todo.

“Como ver onde a luz não toca? Podemos apenas sondar o invisível com outros sentidos, tentando captar nuances que direcionem um rumo a seguir. Certezas e dúvidas convivem sem se tocar. E o revelado permanece no meio, inconcluso.” (Lopes, 2008)

Também pude ver que ainda é muito pouco e que, todavia tateio em vários setores, trabalhando ainda intuitivamente com elementos que me são preciosos.

“E a obra se revela em um mundo muito anterior ao sentido da realidade, pois antes de ser representada ela é interpretada, deixando nos desenho um foco secreto. Não sabemos o que é que produz esse foco. Não podemos fixar a hora em que o mistério se evidenciou para se anunciar como um problema.”(Gontijo, 2010)

Ainda permanece turva a linha de desenvolvimento do diálogo entre figura e espaço, bem como seus mecanismos de representação e significação. Reconhecer e refletir sobre isto se torna cada vez mais relevante para mim.

SOBRE O REALISMO

“Esses desenhos se equilibram entre a objetividade formal e a superação desse valor através da adição de uma poética de cunho subjetivo e comprometida com a angústia humana. São “cenas” que parecem ressaltar a tristeza e a pequenez da vida diante da morte, dos gestos e dos pavores de seres que surgem atormentados em meio a uma luz trágica e densa como a de uma atmosfera sem vento. E a obra se revela em um mundo muito anterior ao sentido da realidade, pois antes de ser representada ela é interpretada, deixando nos desenhos um foco secreto. Não sabemos o que é que produz esse foco. Não podemos fixar a hora em que o mistério se evidenciou para se anunciar como um problema.” (Gontijo, 2010)

Considero ao mesmo tempo, solução técnica e forma de expressão mais eficaz para as intenções a que me proponho. Por mais que pareça contraditório, vejo o apuro técnico como forma de ir além da força expressiva da linha e alcançar elementos mais sutis. É o momento em que me vejo livre da intenção única de representar, mimetizar, para dar a perceber a busca de outras questões. Traçando um paralelo entre formas de linguagem, quanto mais domino a palavra, mais elaboradas são as verdades sobre as quais posso discursar ou convencer. É claro que este apuro técnico é um dos vieses e não o único pelo qual se pode comunicar, mas ao que me adapto melhor. Importante considerar também que o individuo contemporâneo é um leitor do virtual, cujo olhar está mais apto ao perceber que a uma leitura simplesmente analítica. Nesta breve reflexão, onde procurei fazer uma pesquisa de motivações íntimas do meu trabalho, referências pessoais e projeção de mim mesmo naquilo que faço, considero haver organizado muito da informação que todo esse processo produziu.

Curadoria: Robson Soares Fotos (obras): Júlio Hübner Design gráfico: Clara Gontijo