CLONE 41

N41. NOV/DIC 09.

FREE ISSUE. REVISTA GRATUITA

Ilustraci贸n portada + estas p谩ginas: GRZEGORZ DOMARADZKI / GABZ www.iamgabz.com

III MUESTRA DE TEATRO ANDALUZ El Puerto de Santa María, en Cádiz, vuelve a colarse en las agendas culturales con motivo de la celebración en dicha localidad de la III Muestra de Teatro Andaluz, organizada por la Consejería de Cultura. Entre el 10 y el 13 de noviembre podrán verse 22 proyectos, exclusivamente andaluces, de todas las modalidades escénicas: danza, teatro de sala, de calle, infantil, circo y musicales; algo así como un Monkey Week de las artes escénicas, pensado principalmente para favorecer el contacto entre las compañías y el mercado. Nombres ya consolidados como Teatro del Velador, que acude para estrenar “Dröppo”, o Histrión Teatro, que bajo autoría y dirección de Daniel Veronese presenta “Del Maravilloso Mundo de los Animales, los Corderos”, comparten programación con agrupaciones menos conocidas como Remiendo Teatro y su “NN12”, texto ganador del Premio SGAE de Teatro 2008. La Sala Levante, la Sala Alfonso X, la Sala San Luis, el Espacio 7 Esquinas, el Hotel Santa María y el Teatro Pedro Muñoz Seca sirven como sedes. Las entradas, a la venta en el Teatro Pedro Muñoz Seca desde el 4 de noviembre. Más info en www.circuitosandaluces.es > Vicente Durá

MINI-MES DE DANZA El Mes de Danza despedía su anterior edición anunciando el riesgo de que en 2009 no pudiese acudir a su cita de cada noviembre en Sevilla.

Pero el impulso obtenido con el Premio Max de la Crítica, la firmeza de la gente de trans-forma, que continúan organizándolo, y los apenas noventa mil euros aportados por Ayuntamiento y Consejería de Cultura, han dado para que este año podamos asistir entre el 13 y el 22 de noviembre a una especie de “Mini-mes de Danza”, bajo el título de “En Creación”. La idea es ofrecer principalmente una serie de trabajos no estrenados, en proceso de creación, de artistas como Manuela Nogales, María Martínez Cabeza de Vaca o Guillermo Weickert, entre otros. De esta forma se permite al público observar cómo se van configurando estas producciones (alguna de las cuales se estrenarán durante el Mes de Danza 2011) en pases que contarán con la explicación por parte de los coreógrafos de cuáles fueron sus puntos de partida y en qué situación se encuentran en este momento. Además, se ofrecerán otros montajes ya terminados como “No Levanto Polvo para Caminar” y “No Sólo (de Neuronas Vive el Cerebro Enamorado)”, a cargo de varios miembros del colectivo Erre Que Erre; “Orfeo No Está”, por la compañía francesa Manifeste; o “Los Bancos”, de los también franceses Cía. Ex Nihilo. Más info en www. trans-forma.es > Vicente Durá

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ESCENA

START clone.41 - nov.dic 2009 “PLEASURE”

ACCIÓN!MAD

DIVERSOS ESPACIOS DE MADRID. DEL 5 AL 22 DE NOVIEMBRE El artista entendido no sólo como mensajero, artesano, creador de belleza. El artista como mucho más. Intérprete, traductor y catalizador de nuestros pensamientos y anhelos. Esa es la clave del arte de acción. Una vuelta de tuerca al arte tradicional que tuvo su génesis en las primeras décadas del siglo pasado con el nacimiento de las vanguardias. Ahora, casi cien años después, el arte de acción, interacción y movimiento se ancla en los cimientos de disciplinas como el teatro, el cine, la danza o la creación audiovisual. Un sueño vital y creativo, ecléctico y transgresor que se tornará en realidad en las calles de Madrid con la celebración de la sexta edición del festival Acción!MAD. El Círculo de Bellas Artes, La Casa Encendida, Matadero Madrid y Off Limits serán los espacios de creación contemporánea que acogerán los seis ciclos que conforman Acción!MAD 09: Acción, Jóvenes, Coprodución, Transmisión, Teórico y Público. Consolidado como uno de los encuentros más renombrados de su género, Acción!MAD acercará a Madrid diferentes sensibilidades plásticas y visuales y distintas generaciones de artistas, tanto nacionales como internacionales, entre los que destacan figuras como Anna Kalwajtys, Catie de Balman, Antonio Gómez, J.M. Calleja, Nezaket Ekizi o John G. Boheme. Además, este encuentro prestará una especial atención al trabajo de las mujeres, cuya aportación al mundo de la performance ha sido enormemente fecunda y original. Esther Ferrer, Premio Nacional de Artes Plásticas en 2008 y fundadora del grupo ZAJ, formación responsable de haber introducido el arte contemporáneo en la España de los años 60, se presenta como la gran “performer” del encuentro. Más info en www.accionmadrid.org

Textos starts: Maru Sánchez <art@clonemagazine.com>

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DESABROCHANDO A... es vuestro método de composición? Ha ido evolucionando con el paso del tiempo. Al principio, muchos de los temas ya estaban completamente arreglados, así que se trataba de recrearlos lo mejor posible, dentro de nuestras posibilidades, para que resultaran convincentes de cara al directo.

Pero cada vez más, y especialmente en los nuevos temas, cada cual tenemos nuestra propia parcelita.

Una australiana, una americana y una española, con Madrid como fondo... Suena idílico para un grupo de estas características, ¿no creéis?

Pues exactamente así (idílico, queremos decir) suena “Puzzle Shapes” (Origami, 2009), el álbum de debut del trío femenino Boat Beam, a quien desabrochamos en esta edición de CLONE magazine.

Ya teníais una buena legión de seguidores esperando el disco... ¿Cómo ha sido la gestación de este “Puzzle Shapes”? Este disco, como bien indica su título, es un auténtico puzle de momentos vitales diferentes, en este caso concreto de Josephine, que es quien compuso las canciones. Comenzó en un estudio de Sidney, donde grabó la mayor parte de los temas con la ayuda de algunos de sus amigos australianos, y poco después se vino a Madrid con todo ello bajo el brazo y una maleta llena de cables, pedales y su guitarra. El resto fue grabado en la habitación de su casa, y a raíz de conocer a Alisha y Aurora, las cuerdas empezaron a cobrar su relevancia e incluso adquirieron gran protagonismo en ciertos temas.

Os ha salido un disco muy bonito, suave y bien arreglado, pero a medida que lo escuchas te vas dando cuenta de que las canciones son más complejas de lo que parecen a primera instancia. ¿Cómo Texto_ Jorge Montes / Foto_ Rubén García

Jeans LEVI´S® 501® for Women + camisetas y tops LEVI´S® Red Tab®

<www.levi.com> <www.501.com>

¿Cómo son los conciertos de Boat Beam, en qué se diferencian del disco? La diferencia primordial estriba en que la mayoría de las canciones del disco, si hubiera que interpretarlas tal cual, exigirían un formato completamente eléctrico, mientras que hasta ahora los hemos estado presentando de manera acústica. Esto supone desnudar las canciones, y por tanto, mostrar su lado más íntimo y delicado. ¿Consideráis que es importante la estética en un grupo pop? No sería justo decir que es importante. Sin embargo, lo cierto es que tanto en aquellos grupos que la desarrollan deliberadamente como en aquellos que la intentan esquivar, siempre se puede seguir su rastro por exceso o por defecto. La estética, o la supuesta ausencia de ella, no dejan de ser formas de expresar la identidad del grupo.

Y, relacionado con la pregunta anterior... ¿A quién os gustaría desabrochar? Bueno, en estos días que corren, casi hace más falta abrochar que desabrochar, je, je...

DOPAMINE INSIGHT, PREMIO A LA MEJOR CAMPAÑA DE PUBLICIDAD EN EUROSIMA 09 No es sólo un reconocimiento a su genial apuesta creativa y estupenda factura. A una campaña con planos que deberían pasar a la historia de la publicidad y, por qué no, del surf. Este premio es el reconocimiento de la Eurosima, es decir, la European Surf Industry Manufacturers Association.

En ese sentido el premio a la mejor campaña publicitaria por Dopamine –que recibió más de mil votos- supone también el espaldarazo de la industria del viejo continente a la firma australiana de ropa surf que poco a poco va ganando terreno en más países europeos. Onírica, surrealista y muy, muy cañera, la campaña Dopamine se lanzó en agosto del 2008 e incluye, entre otros protagonistas, a reconocidos surfers del WCT (World Competition Tour) como Kai Otton, Luke Stedman o el fancy dancy longboarder californiano Jared Mell. Dicho esto, ya estás tardando en teclear en tu ordenador ‘dopamine’ y deleitarte con la potencia visual de esta singular campaña. Más info en www.insight51.com/dopamine

EASTPAK

ZED AND THE PARTY BELT Ya lo hemos dicho anteriormente y con esta nueva acción promocional se subraya. Hablamos de la unión de caminos entre el mundo de la moda, la música y su repercusión a través de la red. Las tendencias más trendy, al fin y al cabo, y su nueva forma de desarrollarse. En este caso concreto, Eastpak ha vuelto a sorprender a propios y extraños lanzando una campaña-cóctel capitaneada por un DJ zombie, un hit veraniego, un dúo humorístico de lo más freak y la isla más fiestera de cuantas se conocen. Zed, que así se llama nuestro protagonista, “Chocolate” su hit disco punk -escrito específicamente para Eastpak y producido por John Stargasm (Ghinzu)-, los Vengamonjas sus mayores fans y la isla pitiusa, Ibiza, son los ingredientes de una serie de acciones que invitan a todo menos a quedarse sentado en el sofá. Tras este personaje irreverente que ha llegado de otro mundo, se esconde la figura de Bill Toon Rustin, ligado desde siempre al mundo de la música a través de nuevos instrumentos y sonidos. Este hombre-orquesta que adora las fiestas es reconocido en la escena nocturna de L.A. por su insaciable apetito de música, baile y buen vivir. Después de ‘morir’, ZED firmó contrato para resucitar en el escenario durante un festival de verano en 2008. PIAS, el sello indie más grande de Europa que lleva artistas como Laurent Garnier, Nouvelle Vague, Chicks on Speed o Ghinzu, es su actual benefactor.

Buena fiesta de ultratumba ahora que se acerca la época de Halloween, ¿no? Más info en www.party-belt.com y en www.eastpak.com

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STREET WEAR

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10º ENCUENTRO DEL CÓMIC Y LA ILUSTRACIÓN DE SEVILLA. DEL 20 AL 22 DE NOVIEMBRE Para su décimo aniversario, este encuentro, uno de los más singulares de cuantos se celebran en Sevilla, regresa con la ambición que le otorga el saberse uno de los festivales más importantes de su temática en España. En ese sentido, y ante el éxito de público de la pasada edición –unos 24.000 visitantes-, el Encuentro del Cómic y la Ilustración de Sevilla ha querido ampliar su programación expandiéndose en fechas en el calendario y estrenando espacios de interacción.

Así, aunque las principales actividades tendrán lugar los días 20, 21 y 22 de noviembre en el Casino de la Exposición –pasacalles de personajes de cómics, zona de videojuegos, talleres de manga etc.-, la organización ha previsto también una gran fiesta de clausura en enero del año próximo en el Teatro Lope de Vega, con conciertos de jazz y pintura de tebeos en directo, así como una exposición en la que hasta ahora había sido su sede habitual: la Casa de la Provincia. La artista Sonia Pulido será, en ese sentido, la protagonista de una muestra que se celebrará en dicho espacio. Otra novedad es la creación de la selección oficial de cómics del Encuentro, en la que se incluirán los veinte mejores cómics publicados durante el 2009 en nuestro país. Esta selección se podrá leer en la tebeoteca del Encuentro, en las librerías especializadas Nostromo y Cards and Cómics y en la FNAC, donde además habrá una exposición con muestras de estos cómics. Más info en www.encuentrocomicilustracionsevilla.com

“MÁQUINAS DE MIRAR. O CÓMO SE ORIGINAN LAS IMÁGENES”. CAAC. DEL 17 DE SEPTIEMBRE DE 2009 AL 10 DE ENERO DE 2010 FINGERS (The Twisted Originals) en Las Vegas

LEVI’S. NOVEDADES Es, sin duda, su gran año. El décimo aniversario de los ya míticos Levi’s Engineered Jeans está siendo un continuo de acciones, novedades y ediciones singulares de muchas de las prendas de la temporada. En ese caso, y con el otoño pisándonos los talones, Levi’s ha ideado una colección inspirada en el espíritu suburbano de ‘Black Label Bicycle Club’, un club formado hace diez años por un grupo de jóvenes neoyorkinos en oposición a la sociedad tradicional y con las bicis como principal arma de ‘guerrilla’. Un perfecto ejemplo de la máxima ‘Fredoom to Express’ que Levi’s ha hecho suya en los últimos años. Marcadas por un estilo y una actitud claramente personal y diferente, estas prendas buscan además la libertad de movimiento básica para expresar aquello que queremos. Jeans muy trash y underground, con rotos y un claro predominio de colores oscuros como el negro o el gris son el must para esta temporada. A todo ello hay que sumar, además, el retorno de los Twisted Originals, unos personajes que, esperamos, se queden para siempre con Levi’s. Hablamos de Fingers, Bernie y Hopper, que este curso protagonizan una vuelta triunfal a la ciudad más Twisted: Las Vegas. Bodas estilo rock’n’roll y disco bars de streaptease son algunos de los escenarios de sus nuevas aventuras. No te los puedes perder. Más info en www. thetwistedoriginals.com

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Mirar sin ser visto. Mirar sabiéndose observado. Mirar, mirar, mirar... ¡Qué gran placer! Imaginemos los comienzos del cine. No, mejor la prehistoria del cine. Esos aparatos, inventos y cachivaches destinados sólo a crear la ilusión, al menos así había sido hasta entonces, de la imagen en movimiento. Era como jugar a ser Dios y ser autor de una nueva y efímera creación. De hecho no faltó quien se escandalizó ante semejante atrevimiento. Pues bien, para entender estos comienzos, el CAAC acoge hasta enero del próximo año una interesante exposición que ahonda en estos primeros pasos de la creación audiovisual. A través de 200 piezas procedentes de la colección del cineasta experimental alemán Werner Nekes y junto a una selección de obras realizadas a partir de los años setenta del siglo pasado por 45 artistas internacionales (Sigmar Polke a Robert Smithson, desde William Kentridge a Ed Ruscha o Giulio Paolini), esta muestra permite comprender cómo y cuáles fueron los pasos que dieron lugar al séptimo arte. Nacidos del afán investigador y del espíritu de experimentación, los objetos, instrumentos e ingenios mecánicos que alberga la Colección Nekes -linternas mágicas, cámaras oscuras, trampantojos, espejos deformantes, caleidoscopios, fenaquistiscopios...

- pueden concebirse como precedentes históricos del cine, la televisión y los medios digitales. Los artistas contemporáneos que participan en esta muestra se han interesado por ellos y los ha incorporado a algunas de sus obras, en muchos casos combinándolos con medios actuales como el vídeo, las cámaras digitales o los ordenadores. Esta muestra, que se ha presentado en el Museum für Gegenwartskunst de Siegen (Alemania) y en la Mücsarnok Kunsthalle de Budapest (Hungría), llega a España gracias al patrocinio del programa Cultura de la Comisión Europea, la Fundación Federal de Cultura, la Fundación cultural suiza Pro-Helvetia, el Consulado General de la República Federal de Alemania en Sevilla y la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Más info en www. juntadeandalucia.es/cultura/caac y www.maquinasdemirar.es

GRÁFICA - EXPOS

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BEBE CON MODERACIÓN. ES TU RESPONSABILIDAD

EXPOS

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Concrete floor 2008 Vista de la performance en la exposición Kirkhoff, Contemporary Art, Copenhagen (2008) Cortesía A Kassen

“WINDOW TO THE WORLD”. A KASSEN. LABORATORIO 987 DEL MUSAC DEL 24 DE OCTUBRE AL 10 DE ENERO DE 2010 “Seguro de afiliación al paro”, esa es la traducción al español de A Kassen, el nombre del grupo danés que intervendrá de forma visible el exterior del edificio ganador del Premio Mies van der Rohe de Arquitectura Europea (2007). Inscrito dentro de la programación de Laboratorio 987 -sala de proyectos artísticos específicos del MUSAC en un espacio anexo independiente de la programación general-, Window to the World alude, en sentido literal, a un elemento arquitectónico y a un concepto social. Una obra en la que el espectador completará las significaciones metafóricas y conceptuales, convirtiéndose en un elemento clave dentro de la muestra. Será la primera vez en la historia del MUSAC que el exterior del edificio será alterado visiblemente. Otro de los trabajos desarrollados para esta muestra será “Permanent Reflection”, en la que, a través de juegos de engaño óptico, se incidirá en la dilución entre los géneros en el arte actual: fotografía, instalación y performance se dan la mano con el fin de alterar la percepción del espectador. Finalmente, en la pieza “Mural (Striped)”, harán referencia a la propia historia de la sala Laboratorio 987. Para ello, los artistas, como si de arqueólogos se tratase, irán descubriendo en una de las paredes de la sala expositiva las diferentes capas de pintura que se han aplicado en las distintas exposiciones que han tenido lugar en el espacio desde la inauguración de MUSAC en 2005. Más info en www.musac.com

WUZONE

EXPOSICIÓN TOYZ EN TRENDY SNEAKERS DEL 20 DE NOVIEMBRE A FINAL DE DICIEMBRE

American Paw! Uno de los Toyz de WUZONE

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El colecionismo es una de los primeros pasos que mueven a personas, hasta entonces ajenas al mundo del arte, a inmiscuirse de lleno en este terreno.

Es el caso de WuzOne, un joven sevillano que comenzó a coleccionar Art Toys hace dos años y que en breve estrenará exposición en su ciudad natal.

La curiosidad le llevó a dar rienda suelta a su imaginación pintando algunos toys para su propia colección y, tras la gran aceptación que tuvieron estos primeros trabajos en internet, pronto tuvo sus primeras ventas. Actualmente ha vendido más de 300 customs por todo el mundo, principalmente en Estados Unidos, Inglaterra y España, y ha expuesto en el último San Diego Comic Con, así como en la galería Garabat de Bilbao. También acepta encargos, de particulares y empresas, como los que hizo para la Diputación Foral de Vizcaya, Picnic Bar en Madrid o para la Fundación Ingenio.

Más info en http://www.flickr.com/photos/25006943@N06 y www.trendysneakers.es

CONOCE A cocoladas

EN CORTO Nombre: Coco Capitán, Cocoladas Edad: 17 años Lugar de nacimiento: Sevilla.

Profesión: estudiante y fotógrafa.

Autoretrato: Cocoladas www.cocoladas.blogspot.com

1. Un concepto: precisión.

2. Un concepto sobrevalorado: la juventud.

3. Una edad de oro: años sesenta estado unidenses.

4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Calvin, de Calvin and Hobbes.

5. Un maestro/a: Rineke Dijkstra 6. Un momento del día que no cambiarías: por la mañana, cuando todavía no ha amanecido, en el bus escolar, mirando por la ventana, mientras escucho música y pienso en todo lo que haré en el día.

7. Un libro que no falta en tu habitación:

Yo, etc... de Susan Sontag.

8. Una obsesión solitaria: cuando viajo en coche, mirar las matrículas de los otros y pensar qué operación matemática he de realizar para convertirlas en números capicúas.

9. Un sueño repetido: habitaciones amplias, con distinta decoración y mobiliario, que se suceden unas a otras interminablemente.

10. Un objetivo por conseguir: ser capaz de encajar en el tiempo todo lo que me apetece hacer, aprender y descubrir.

11. Tus pupilas se dilatan cuando... Veo materializada una idea.

Voodooetnies & Toroweins. Electrochock (US)

ELECTROCHOCK (US) 2009 POR EL PODER DEL JANDER Electrochock -con ‘c’ de CICUS, no confundir con el reciente Electroshock con ‘s’ que ha traído a Housemeister a la ciudad- nació el pasado año con la idea de organizar un ciclo de música electrónica desde la Universidad de Sevilla. A principios de noviembre, artistas como Various Production, Joakim & The Discos, Lindstrøm, Brunetto o First Aid Kit protagonizaron magníficos directos en el Patio del Rectorado, donde máquinas e instrumentos tradicionales se daban la mano. Además, las sesiones de DJ de Puto Amo, Marc Piñol, Joakim y Cisco Kid & The Music Komite tendieron puentes entre estas propuestas más, digamos, intelectuales, y la escena de clubs de la ciudad, con la sala Obbio como representante.

Tras esa primera edición de 2008, Electrochock (US) vuelve con más fuerza todavía, interesado ya no sólo en la interacción entre ordenadores y guitarras, sino en estudiar las propias fuentes de inspiración de la electrónica moderna: las músicas clásicas y contemporáneas. Es por ello que, del 5 al 7 de noviembre, se sucederán cinco interesantísimos conciertos en Pistadigital (una sala multidisciplinar sita en la Avenida de Marie Curie s/n, en la Isla de la Cartuja, que fue ganadora del Creativa’07): dos de representantes locales, con Voodooetnies & Toroweins el jueves 5 y TENSION Co. el viernes 6; y tres internacionales, con la IDM del británico Christ., miembro inicial de Boards of Canada, el alemán Hauschka y su espectáculo de cuerdas y piano preparado, y la espectacular conjunción sobre las tablas de los cuatro miembros fundadores del capital sello experimental islandés Bedroom Community: Nico Muhly, Ben Frost, Valgeir Sigurðsson y Sam Amidon. Serán del 5 al 7, respectivamente. Además, como Electrochock sigue queriendo enlazar con la faceta más hedonista de los clubs, dos DJs barceloneses animarán las noches de viernes y sábado en la recientemente inagurada sala WAM by Abril: bRUNA, quien nos ha cautivado con su reciente “And It Matters to Me to See You Smiling” (ver CLONE.40), y Undo, de quien ya conocemos virtudes gracias a su participación en una de nuestras fiestas. Todo bueno, bonito y muy barato: seis euros para la gente del calle y sólo 3 para los miembros de la comunidad universitaria. Más info en www.cicus.us.es

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MÚSICA

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Hauschka. Electrochock (US)

WAM BY ABRIL THE PLACE WHERE IT HAPPENS La escena de clubs de Sevilla no está mal del todo, pero no puede ser menos que motivo de regocijo la irrupción de una nueva sala, sobre todo si, como esta, pretende servir una programación de irreprochable calidad, en un ambiente lujoso y al mismo tiempo amable y distendido.

WAM by Abril nace, como su propio nombre indica, en Abril Copas, en la calle Luis Montoto junto al Hotel Los Lebreros, pero que el público más moderno no se asuste: la discoteca Abril, escaleras abajo, tiene una selección bien diferente, mientras que WAM ocupará la zona de arriba y las terracitas... Lejanos quedan pues los tiempos de El Coto (ah, nuestros padres ahí) y WAM by Abril pretende servir en bandeja electrónica puntera e interesante, alejada de minimalismos houseros de garrafón y demás expresiones gastadas. Para demostrarlo, se inauguró con el warm up de nuestro querido colaborador Vidal Romero y la incendiaria sesión de la muy pin-up Vinila von Bismark (ver sección Posts), quien demostró su herencia como cantante de Krakovia uniendo rock y electrónica con un set arrebatador. La lista de artistas que pasaron en octubre por WAM gusta mucho: Marc Piñol, Mendetz, Puto Amo... Y unos residentes y/o sospechosos habituales entre los que encontraremos a los CLONEros Vidal Romero, Pablo Vinuesa y David Pareja, Fran DJ, Lektrono, Profesor Franz o Juan Perla. Sospechamos que vamos a pasar media vida en WAM by Abril, a partir de ahora... ¡Y muy a gustito! Podéis consultar su programación en la agenda de CLONE o en las webs www.wam-abril. com y www.facebook.com/WAMbyAbril

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ANIVERSARIO SUBTERFUGE RECORDS

Líneas Albiés (Subferfuge)

VEINTE AÑOS EN LA POMADA INDIE En estos tiempos de MP3, Spotify, P2P y demás, parece casi una locura pensar en que un sello, y es más, un sello independiente, pueda durar veinte años. Pero sí, señores, Subterfuge cumple veinte años de vida y los indies nacionales bien pueden alegrarse de haberlos visto crecer desde el principio. Nació la idea como un fanzine musical, con las maquetas de sus bandas amigas más cercanas asociadas a la versión en papel, para poco a poco ir convirtiendo aquella red en un label con personalidad propia, rockera, contestataria y con una imagen muy poderosa.

Grupos como Fangoria, Australian Blonde o Dover empezaron a marcar la senda de Subterfuge, siendo además de las primeras casas independientes de nuestro país en tener que lidiar, con sus buenas y malas cosas, con las multinacionales. A lo largo del tiempo, por el sello han pasado grupos tan reseñables para la escena de aquí como Manta Ray, Nosoträsh, Fresones Rebeldes o Ellos, e incluso proyectos más mainstream como Marlango o NajwaJean. Pero, además, el presente y futuro de Subterfuge está garantizado con nuevas propuestas como las de Líneas Albiés o Krakovia, que siguen aportando ese punto de frescura y actitud punk. Para celebrar este vigésimo aniversario, están editando la colección Subterfuge Classics, que incluye en casi todos sus títulos señeros repescados un segundo álbum con rarezas, versiones, directos o canciones inéditas. Tiempo pues de desearles que cumplan muchos más... Más info en www.subterfuge.com

JACK DANIEL’S BACKSTAGE V CONCURSO MAQUETAS

DEL 1 DE NOVIEMBRE AL 15 DE MARZO PARA ENVIAR MAQUETAS Nuevamente llega al panorama patrio uno de los concursos de maquetas más rockeros de cuantos se celebran. El V Concurso de Maquetas Jack Daniel’s Backstage regresa con una novedad principal: las redes sociales y plataformas en internet son ya más que una realidad que hay que tener en cuenta, son actores que configuran el futuro. Por ello, la red social y musical MySpace será protagonista en la edición de este nuevo concurso. Este será el espacio ideal para seguir el día a día del concurso, donde se colgarán algunos de los temas de los finalistas, la selección de los favoritos de cada semana, vídeos enviados por las bandas, etcétera.

Con la creación de este MySpace, la marca pretende ofrecer un altavoz publicitario a las bandas, que podrán utilizar la red para darse a conocer a través de sus vídeos y temas enviados. Otra gran novedad de esta edición es el premio. Por primera vez, la marca de whiskey de Tennessee premiará al ganador del concurso de maquetas con un backline profesional valorado en 6.000 euros. Sin duda, una gran oportunidad para todas aquellas bandas que deseen profesionalizar su pasión por la música. Más info en www.jackdanielsmusic.es

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MÚSICA

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VIDA DE UN PERLITA Texto_ Vidal Romero

Ahora que se nos ha ido John Hughes y que todo el mundo tiene en la boca a los jóvenes valores de la comedia gamberra estadounidense (Judd Apatow, Greg Mottola, pero también Ben Stiller y Owen Wilson) parece el momento perfecto para recuperar la figura de John Belushi. A fin de cuentas, fue él quien, gracias a sus intervenciones en los primeros tiempos de Saturday Night Live y, sobre todo, a su papel en la alocada “Desmadre a la Americana”, dio carta de naturaleza a ese humor golfo y físico, basado antes en la expresividad de una cara, en el auto-maltrato de cuerpo y mente, en el abuso de sexo, drogas y alcohol, que en la brillantez de diálogos y guión. De hecho, Bluto, el personaje que interpretaba en la citada película, fue el primer perlita que Hollywood se atrevió a retratar en toda la gloria del Cinemascope: un tipo fiestero y carente de moral, aficionado al rocanrol, los tacos y las tetas gordas, capaz de vender a su abuela por una caja de cervezas y una bolsa de marihuana.

La tragedia de “Como Una Moto. La Vida Galopante de John Belushi” (Global Rhythm) es en realidad esa: que Bluto funcionaba como un trasunto del propio Belushi, a través de un juego de espejos en el que no quedaba claro dónde terminaba la persona y dónde comenzaba el personaje. Una bipolaridad en la que se fundamenta la biografía de un actor de facultades y carisma prodigiosos, cuya afición por los excesos le llevó primero a la cima y luego a la tumba (y que le quiten lo bailao). Tan complicada historia la hilvana a la perfección Bob Woodward, periodista especializado en temas políticos (fue él quien destapó el escándalo Watergate, junto a Carl Bernstein) que, gracias a ese alejamiento del mundo de la farándula, es capaz de analizar desde una perspectiva clínica y fría la montaña rusa de fiestas, películas, fiestas, conciertos, drogas, viajes, apariciones en televisión y teatro, más drogas y más fiestas en que consistió la carrera de Belushi. Mezcla a partes iguales de exceso, humor y patetismo, trufada de anécdotas y declaraciones impagables de los actores secundarios (la imagen de Coppola y Keith Richards poniendo copas en la inauguración del bar de los Blues Brothers, por ejemplo), la narración avanza siguiendo los trompicones y cambayás del propio Belushi, que en ciertas ocasiones estaba lanzado como (ejem) una moto (con episodios como el de los catorce días que estuvo sin dormir “para poder firmar un contrato sin que me engañen”) y otras se sumía en depresiones de (otra vez ejem) caballo. Todo ello cada vez más rápido y más alto, hasta alcanzar el clímax de sus dos últimas semanas de vida (reconstruidas aquí con un detallismo enfermizo, casi forense), en las que Belushi consumió cantidades suficientes de droga como para acabar con las existencias de varios carteles colombianos.

Perlita, sí, pero siempre a lo grande.

LIBROS

JOHN BELUSHI

FESTIVALES

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LUX 2009

Vladislav Delay - LUX Rustie -HIPERSOUNDS

ARTE VISUAL EN VIVO Del 26 al 28 de noviembre llega a la Fundación Tres Culturas la tercera edición de Lux, encuentro internacional que mostrará la riqueza y variedad de videoartistas y videojockeys de todo el mundo y que cuenta con diversas líneas de actuación y proyectos simultáneos, con diferentes patrocinios culturales. El Festival Internacional de Visualistas y Live Cinema de Sevilla, Lux 2009, se consolida en su tercera edición como referente internacional del arte visual en vivo. Una vez más se va a desarrollar un encuentro internacional pionero en el territorio nacional, que mostrará la riqueza y variedad de algunos de los videojockeys y artistas visuales más importantes del mundo. El festival indaga en aquellos que están ensanchando los límites del arte visual y los reivindica como los verdaderos creadores que están proyectando el futuro del arte, como Vladislav Delay y Lillevan (es decir, Rechenzentrum), Ryoichi Kurokawa, Hecq o el egipcio Mahmoud Refat. Lux contará con la presencia de artistas de países como Japón, Alemania, Holanda o España, con una especial incidencia en la vanguardia local andaluza a través de dos espectáculos audiovisuales en vivo con la participación de TENSION Co. + JVH2Ó y Carrier to Noise Ratio, entre otros. Todo ello se celebrará en la sede de Tres Culturas, el Pabellón de Hassan II (Isla de la Cartuja) y acogerá a un aforo reducido, de unas 200 personas, con una entrada limitada a diez euros. Más info en www. myspace.com/luxfestivalsvq

HYPERSOUNDS

Various Prod. -HIPERSOUNDS

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CICLO SÓNAR DE ACTIVIDADES EN TORNO A LA INVESTIGACIÓN SONORA El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en colaboración con Advanced Music (ya saben, los organizadores del Sónar), acoge HyperSounds, un ciclo de conciertos, sesiones de DJ, instalaciones, proyecciones y ponencias a cargo de artistas que destacan por su trabajo en el campo de la investigación sonora. El ciclo tendrá lugar en cinco espacios de los dos edificios del MNCARS, en Madrid, durante los días 13 y 14 de noviembre. HyperSounds presenta más de una veintena de actividades entre las que destacan los directos de Various Production (a quien ya pudimos ver por Electrochock (US) 2008 en Sevilla), la siempre animosa Tender Forever o Shit & Shine, más sesiones de DJ como Rustie y Mary Anne Hobbs (la locutora de la BBC más puesta en dubstep) y dos instalaciones sonoras del artista holandés Edwin Van Der Heide. La programación se completa con el estreno en España del film “Amplified Gesture”, documental que acompaña a “Manafon”, nuevo álbum del músico británico David Sylvian, y conferencias a cargo de dos plataformas españolas de investigación tecnológica en torno a la música y la creación multimedia: MediaLab Prado de Madrid y el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. HyperSounds refuerza el nuevo uso activo del museo Reina Sofía, abierto a la creación, la experimentación y el entretenimiento.

Más info en www.hypersounds.es y en www.museoreinasofia.es

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SEVILLA FESTIVAL DE CINE EUROPEO DEL 6 AL 14 DE NOVIEMBRE Ya está aquí, ya se acerca. Se trata de uno de los festivales que, a pesar de su escaso tirón publicitario –apenas si se sabe de él fuera de la ciudad-, es uno de los más valorados por el público en general. Será quizá por esta cercanía al ‘pópulo’ que el Star System patrio apenas se persona y las alfombras, en lugar de rojas, son azules. En fin, divagaciones aparte, el caso es que este año más de 150 películas europeas podrán verse del 6 al 14 de noviembre en los espacios ya habituales en este encuentro, los cines del Nervión Plaza y el Teatro Lope de Vega, y eso nos encanta. Con Reino Unido como país invitado, serán numerosos los miembros de su industria que asistan al festival, entre ellos Jeremy Thomas o Nicolas Roeg, quien protagoniza “Cine de Culto”, y además, también se presentarán las joyas del British Film Institute, con la presencia de su directora, Amanda Nevill.

En los encuentros profesionales destaca la presencia del productor de “Millennium”, Sören Staermose, que abrirá el Foro de la Industria y abordará los nuevos modelos de producción. Por su parte, la Universidad de Sevilla estará este año más presente en el día a día del festival ya que ha firmado un convenio con la organización por el que se crea el Festival Cam_US. Sin embargo, no todo van a ser flores. Y es que a pesar de considerar este evento como uno de los más enriquecedores de los que acoge Sevilla a lo largo de todo el año, no podemos pasar por alto una cuestión que al equipo de dirección de arte de CLONE magazine le viene dando vueltas en la cabeza desde hace un tiempo. Comprometidos como estamos con la promoción del diseño y la creación contemporánea de aquí y de allá, consideramos que el cartel presentado para esta edición –y no tenemos nada contra Saura, lo juramos- es de las cosas más feas que se han hecho hasta ahora. CLONE, dixit. Más info en www.festivaldesevilla.com

OSCAR NIEMEYER LA VIDA ES UN SOPLO Lo que más fascina de la vida de Oscar Niemeyer no es su obra (que asombra, vaya que sí), ni su carrera, ni la cantidad de países en los que ha firmado obras maestras que han conseguido formar parte de la identidad del lugar donde fueron construidas. Lo que más seduce de la vida de Oscar Niemeyer es su sencillez, la simpleza y la elegancia que se esconden detrás de su majestuosa obra; su tesón por vivir la vida y rodearse de sus amigos. “¿Qué es lo más importante de todo, Dr. Niemeyer?”, le pregunta el realizador del documental, Fabiano Maciel, y el maestro responde: “lo único importante es la mujer. Fin de la entrevista”. Detrás del gran arquitecto, el hombre, consciente en todo momento de que la vida es un instante, de que la notoriedad es un recurso para imbéciles y que lo importante es vivir la vida. Un detalle de humanidad del artista que ha revolucionado la arquitectura sudamericana contemporánea, responsable entre otros de la arquitectura gubernamental y la catedral de Brasilia, el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, el museo de arte contemporáneo de Niterói en Río de Janeiro... No se lo pierdan.

Más info en www.avalonproductions.es > David Pareja

La Cuestión Humana

NICOLAS KLOTZ

LA CUESTIÓN HUMANA Tras su reciente recuperación para las salas de cine, Intermedio edita ahora una de las obras maestras del cine francés contemporáneo: “La Cuestión Humana”, del tandem formado por el director Nicolas Klotz y la guionista Elizabeth Perceval. La película pone en escena un viaje al corazón de las tinieblas, a ese pasado donde la comunicación era sanguinaria, animal, tortuosa, y la carrera por la superviviencia humana era cada vez más industrial, fría y despiadada. “La Cuestión Humana” nos mete de lleno en el recorrido policial de Simon, un psicólogo que trabaja en el departamento de recursos humanos de una multinacional petroquímica. En un ambiente calculador y posmoderno, Simon organiza perversos juegos de rol y raves de música electrónica para llevar a los empleados a una situación límite y poder evaluar su rol dentro de la empresa. Este recorrido le llevará hasta el Sr. Just, el director de la empresa, que lo pondrá en contacto con un pasado tormentoso emparentado con el genocidio nazi. Un pasado que se cruza con el presente y enfrentará a Simon a un espejo terrible que explica la raíz de los métodos que aplica en la empresa. Un espejo que se amplia hasta la sociedad actual, el ascenso deshumanizado del capitalismo y las relaciones de poder. La eterna cuestión: verdad o mentira. Una obra maestra.

Más info en www.intermedio.net > David Pareja

START CINE

MÚSICA

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ABSOLUT ROCK EDITION Cuántas canciones nos habríamos perdido sin las musas y los efluvios del alcohol. Cuántas noches de fiesta, autoexploración y hedonismo.

Pues bien, Absolut Vodka parece que se ha dado cuenta de tan antigua relación de convivencia y ha decidido embotellarla. Como lees.

Como si de una más del grupo se tratase, la nueva botella de edición limitada ABSOLUT ROCK EDITION, con su llamativo perfecto de cuero envejecido con tachuelas, diseñada por Natalia Brilli, se ha colado en el día a día de Wolfmother, en sus ensayos, grabaciones y descansos.

Y el legendario fotógrafo musical Danny Clinch se ha encargado de inmortalizar el encuentro en una serie de poderosas instantáneas que rinden tributo al mundo del rock para la campaña de lanzamiento de la botella. Juntos ofrecen una visión de este universo rock a través de una serie de extraordinarias imágenes que ilustran la campaña publicitaria. Los australianos Wolfmother se dejaron retratar por Clinch, acompañados, y casi fusionados, con la botella ROCK EDITION durante las jornadas de ensayos de su nuevo album, “Cosmic Egg”. El fabuloso documento fotográfico les reúne a los tres (botella, artista y banda) en el legendario Sunsent Sound Studio en Hollywood y en el no menos mítico Roosevelt Hotel. Más info en www.absolut.com/ products/rockedition

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DORIAN

LA CIUDAD SUBTERRANEA Texto_ Antonio Bret Hay que ver cómo le gusta a la gente rajar de Dorian. Pero yo defenderé, a capa y espada, el hecho de ser uno de los pocos conjuntos que, en este rancio y apolillado país nuestro, apuestan por el synthpop clásico: esto es, aire melancólico, con un puntillo siniestro, en el que los ritmos machacones se mezclan con estribillos pegadizos. “La Ciudad Subterránea” ([PIAS] Spain, 2009) es su tercer disco (cuarto si obviamos aquel de remezclas que siguió a su debut) y cuentan en la producción con todo un señor del hip-hop como Dive Dibosso, junto con Álex Ferrer AKA Sidechains. Nada parece que vaya a cambiar, a pesar de ser su mejor disco: es compacto, homogéneo, las melodías son de enmarcar... ¿Pero, qué pasa? Pues que el tecnopop es para maricas, para inmaduros, o para grupis que crecieron, mal, con OBK clavado con chinchetas en la pared de su dormitorio. Pocos dedos de frente para no darse cuenta de que tras temas como “Verte Amanecer”, “Paraísos Artificiales”, “La Tormenta de Arena” o “Veleros” se esconde una composición adulta en la que el piano toma especial protagonismo.

Podemos volver al pero de las letras, sí, bisoñas e ingenuas hasta decir basta, e incluso del tono de voz del señor Gili que, por momentos, parece sacada de una boy band. Pero mejor nos quedamos conque, a día de hoy, son, junto a Anorak, el único exponente synthpop que nos queda en este rancio y apolillado país nuestro.

ARQUITECTURA reviews

TOYO ITO. TOYO ITO (PHAIDON, 2009) VARIOS AUTORES. SOU FUJIMOTO (GUSTAVO GILI, 2009) En pocos países como en Japón se vive con tanta intensidad la esquizofrenia de querer ser a la vez moderno y tradicional (extremadamente moderno y extremadamente tradicional, es decir). Una bipolaridad que en el mundo de la arquitectura produce obras singulares, cargadas de significados y aspectos atávicos, pero ejecutadas con la misma precisión que se utiliza en el montaje de algún cacharro electrónico de tamaño diminuto.

De todo esto sabe mucho Toyo Ito, uno de los arquitectos de mayor prestigio del país, cuya carrera ha ido derivando desde las casas-cueva que diseñó en la década de los setenta, cajas abstractas y ensimismadas, con muros de hormigón y huecos muy controlados, hasta sus recientes edificios públicos, tan limpios y livianos que en ocasiones son poco más que una cubierta orgánica que flota varios metros por encima del terreno. En paralelo a ese proceso, Ito ha ido desarrollando un interés creciente por la disolución entre el mundo físico y el mundo virtual: un mundo físico representado por las fachadas y las cubiertas, que actúan como elementos de conexión entre el interior y el exterior de los edificios, y un mundo virtual en el que el habitante del edificio pierde de alguna manera el sentido de la realidad. Para conseguirlo, ha trabajado precisamente sobre esa membrana que separa al edificio del exterior: pieles extravagantes, muros y ventanas que desafían y pervierten su formulación clásica o que directamente se hacen transparentes, elementos que se extienden o retraen de forma caprichosa, añadiendo un acento de inestabilidad y extrañeza a la atmósfera de los edificios. Todo este corpus se desarrolla en el estupendo “Toyo Ito”, posiblemente la monografía más completa, y también más interesante, que se ha editado hasta la fecha del arquitecto japonés. Y es que, al atractivo de los edificios en sí (están todos: desde la Mediateca de Sendai a la Torre de los Vientos, desde el Serpentine Gallery Pavilion al Mikimoto Ginza 2), el volumen añade una ordenación temática, realizada por el propio Ito, y reforzada con textos explicativos donde desarrolla pequeñas píldoras de su particular filosofía, siemper utilizando un lenguaje sencillo y muy directo.

Toyo Ito también escribe la introducción a la monografía de “Sou Fujimoto”, uno de los arquitectos jóvenes más interesantes que hay ahora mismo en Japón. Y es algo que tiene mucho sentido, porque ambos comparten algunos puntos de vista sobre la arquitectura, en concreto acerca de cómo se habitan los edificios y qué relación tienen con su entorno inmediato. La diferencia es que, mientras Ito concentra todo su esfuerzo en disolver el significante de la membrana que separa interior y exterior, Fujimoto investiga una arquitectura con mucha presencia, que incorpora el exterior a la experiencia de vivir sus edificios: en vez de limitarse a la membrana, es decir, disuelve la propia concepción de exterior e interior. El resultado son proyectos tan poéticos como la Casa N, envuelta en tres cáscaras progresivas, agujereadas en todas sus caras, o la preciosa House Before House (en la fotografía), que separa las habitaciones en cajitas distintas, apiladas alrededor de un jardín, revolucionando por completo el habitual concepto de casa. Otra virtud de Fujimoto es su capacidad para controlar los espacios interiores: tanto en la Casa O en Chiba, como en la Casa T en Maebashi las tradicionales separaciones interiores se hacen desaparecer, para favorecer un juego de miradas cruzadas y perversión espacial. La casa 7/2 en Hokkaido, en cambio, investiga las posibilidades que tiene el espacio secuencial: juega antes con la sección que con la planta, introduciendo un giro inesperado con un mecanismo extremadamente sencillo. Y lo mejor es que Fujimoto no se contenta con exprimir esas fórmulas, sino que busca ampliar su vocabulario, como demuestra la tríada de proyectos (dos bibliotecas y la nueva sede de Benetton en Teherán) que cierran el libro, y que están ahora mismo en fase de desarrollo. Una inmersión en la obra pública (es decir: más tamaño y más presupuesto) de la que sólo es posible esperar cosas buenas.

ARQUITECTURA ESCRITA Texto_ Vidal Romero

ARQUITECTURA

hasta comprarte una camiseta de skate o una tabla nueva. Además, si no querías conformarte con la poca infraestructura que había, por no decir ninguna en algunos sitios, ibas construyendo lo que podías.

Promesas y más promesas de todos los colores. Esta es la única respuesta por parte de los políticos que vuestras demandas de construcción de un skatepark acorde con el volumen de patinadores de la ciudad de Sevilla han obtenido hasta el momento. ¿La lucha continúa o estáis cansados de que os vendan la moto?

Durante más de diez años hemos escuchado muchas promesas que nunca se han cumplido. Ahora parece que la administración pública quiere apostar por los skaters y estamos viendo que mediante el diálogo hay un mejor entendimiento. Sin embargo, hasta que no veamos el skatepark de Plaza de Armas ampliado habrá mucha gente que no se creerá esas promesas y si no se cumplen se seguirá patinando en la calle, que es donde nació el skateboard y donde siempre se seguirá practicando.

Texto_ C. Guerra Guerrero Desde la lija de la tabla hasta el uretano de las ruedas, “Sevilla 89-09” es un sentido homenaje a toda una generación de skaters que han crecido y se han desarrollado como profesionales (o aficionados) del patinaje en una ciudad sin apenas medios para ello.

Eduardo García-Villalón, skater y co-fundador de SKATEflims.tv, es el responsable de este documental en el que se muestra a los skaters de la ciudad de Sevilla entre bambalinas. 35 nostálgicos minutos que revelan un mundillo lleno de trucos como flips, ollies y flatlands, pero también de ilusiones, reivindicaciones y caídas, muchas caídas. Y es que los skaters de la capital andaluza no sólo han sufrido las magulladuras físicas inevitablemente unidas a la práctica de este deporte, sino también las persecuciones policiales, las quejas vecinales y las decepcionantes promesas políticas sobre construcciones o ampliaciones de skateparks que nunca vieron la luz.

Eduardo es uno de esos skaters míticos que puede decir con la tabla bien alta que lleva más tiempo sobre ruedas que sobre el asfalto, además, desde hace unos años es también el autor de numerosos vídeos de skate como “Patinagonia” o “Jauh Forever” (premio a la originalidad creativa en el XI Festival de cine “Jóvenes Promesas” en la ciudad de Zaragoza y clasificado finalista en varios certámenes audiovisuales como Átalo en Corto o Zemos98). Su última creación, “Sevilla 89-09”, es una historia real contada en primera persona del plural.

Da la sensación de que las nuevas generaciones han ganado en ropa de marca y han perdido en esa inocencia macarra que os llevaba a construir vuestras propias half pipes y a transportarlas sobre cubos de basura. Antes se vivía todo de una manera distinta.

Todo era más difícil, desde conseguir el último vídeo que había salido

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Una de las cosas que más me ha llamado la atención del documental es la época de las persecuciones policiales. ¿Qué tal se lleva que la policía te persiga mientras practicas tu deporte favorito? ¿Siguen los agentes requisando tablas en la actualidad o ahora resultáis menos peligrosos? La verdad es que como el skate siempre ha estado perseguido y poco aceptado, el hecho de que la policía nos persiguiera era algo normal para nosotros. Ahora, después de varias generaciones, el skate ya no es algo nuevo y parece que se tolera más, aunque siempre me ha dado la impresión de que los policías se preocupan de cosas poco importantes y miran para otro lado cuando hay otros problemas más serios. Creo que nos deberían dejar tranquilos de una vez. Todo ha cambiado y además hay mucha gente que se gana la vida patinando como skater profesional, filmer, fotógrafo... ¿Cómo es que en 20 años de skate en Sevilla no haya referencia a ninguna chica? ¿Son demasiado tímidas para salir en los vídeos o la skate-woman es una mera utopía? Claro que ha habido chicas skaters desde los comienzos, como Cristina, que sale en algunas imágenes del documental, pero es cierto que ahora cada vez son más numerosas, no sólo en Sevilla, también en la escena nacional.

El movimiento skate está muy ligado no sólo a una estética, sino también a un estilo musical muy concreto. ¿Es mi impresión o es verdad eso de que mientras que en el universo anglosajón skate y cafrepunk californiano van de la mano, en España el monopatín está bastante ligado al mundo del hip-hop? La verdad es que hay varias vertientes musicales muy ligadas a esta forma de vida. Muchas marcas o compañías de skate tienen una imagen muy relacionada con cada una de estas vertientes, incluso en distintas ciudades la escena es muy distinta. Por ejemplo, en las grandes capitales como Madrid y Barcelona está todo más influenciado por la cultura del hip-hop, mientras que en otras ciudades como Bilbao es todo más punk o rockero.

Más info: www.SKATEflims.tv

SKATE

ENTREVISTA edu garcía villalón

ILLUSIVE III LA GUÍA DEFINITIVA (HASTA AHORA) (DIE GESTALTEN)

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De seguir así, va camino de convertirse en el oráculo al que habrá que acudir dentro de unos años para ver qué se cocía en el mundo de la ilustración a principios del siglo XXI. “Illusive III” (Die Gestalten) llega, como sus antecesores Illusive I y II, con un cuidado catálogo de cerca de 200 artistas seleccionados por expertos de la prestigiosa firma editorial a lo largo de todo el globo. EE.UU., Europa, África, Asia y Oceanía están aquí representados a través del virtuosismo de sus ilustradores. Algunos más consagrados, otros emergentes, esta guía contemporánea permite también vislumbrar las tendencias que, al margen de idiomas, culturas y religiones, se repiten en uno y otro país, en una y otra esquina del mundo. Así, “Illusive III” aborda las inagotables posibilidades de estilos y técnicas que conviven en la ilustración contemporánea y que comprenden desde la ilustración de moda actual al coqueteo incipiente con la pintura figurativa, así como la deconstrucción y el collage. Como ya hicieran las dos ediciones anteriores de este libro-referencia, en “Illusive III” queda de manifiesto algo que venimos observando desde que el hombre sintió la necesidad de comunicar y vender, de seducir y gustar. Savia fundamental de la que se nutre la actual sociedad de masas, donde la ilustración ocupa un lugar prevalente por su potencia expresiva y poética. Una voz protagonista, al fin y al cabo, sin la que no se podría entender la cultura visual contemporánea.

Más info en www.gestalten.com

01_ Emmanuele Polanco 02 + 03_ Tommer Hanuaka 04_ Ini

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ILUSTRACIÓN

UTE KLEIN

Untuosos. Portadores de esperanzas. Implosivos. Secuestradores y abusivos. Impulsados. Acaparadores. Eternos. Completos. Arquetípicos al fin que llegan a fundirse como en un Big Crunch de torsos. El cuerpo como refugio y como el mejor de los destinos posible. Admirable catálogo de ternura el de esta serie de la fotógrafa alemana Ute Klein que, más que un compendio anatómico, parece un Test de Rorschach –aquel de las manchas de tinta–. Y es que, ¿te has parado a pensar en qué ves tú detrás de cada composición?

Más info en: www.uteklein.com y www.kd-diplom.de/diplom0901/klein.html

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RESONANZGEFLECHTE

ARTE

ENTREVISTA terry rodgers

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ENTREVISTA terry rodgers

EL MURALISTA DE LAS GRANDES CUESTIONES Texto_ Maru Sánchez

A simple vista, lo que más llama la atención de sus impresionantes pinturas son esa cantidad de cuerpos esculturales, Adonis y Afroditas contemporáneas que vagan por estancias de nuestra imaginación más recóndita y en cuyas caras, gestos y posturas podemos reconocernos a nosotros mismos. Precisamente los detalles son el diccionario de bolsillo al que debemos recurrir para encontrar algo de mundano y real. Reconocido como uno de los pintores eróticos más importantes del mundo, Terry Rodgers (EE.UU.) dice necesitar grandes lienzos para acercarse mejor a la complejidad del mundo que nos rodea. Un escenario en el que, como en sus pinturas y respuestas, confluyen las grandes interrogantes del hombre.

ARTE

ENTREVISTA

Como un caleidoscopio del sueño occidental, así describes tus pinturas. ¿Es válido para ambas orillas del Atlántico o crees que hay elementos diferenciadores entre América y Europa? Estoy seguro de que puede valer para ambos lados del Atlántico, el mar de Japón e incluso hasta el estrecho de Ormuz. Todos tenemos sueños que son resultado de una confusa combinación a partir de lo que nos dictan los grandes medios y fuentes. Estoy seguro de que hay bastantes diferencias, pero no estoy familiarizado con esos pequeños matices. ¿La distinción entre mito y realidad es algo que te preocupa desde el momento de la concepción de la obra o es algo que inevitablemente forma parte del juego artístico? El mito y la propia matriz de la realidad están presentes todo el tiempo. Los coches en la calle, la inflexión de la voces que me rodean o las caras que estoy diseñando... Todo está rebosante de dualidad. Son inseparables, como las dos caras de una moneda de tres lados. En ese sentido, cuando estoy realizando mi trabajo me siento menos consciente de ese juego que de la integridad que lo define.

Como en los últimos años del imperio romano, parece que occidente está atravesando una crisis no sólo económica, también de valores y moral. ¿A dónde crees que podemos agarrarnos ahora que vienen turbulencias? ¿Cuáles son nuestras fortalezas? Mi sospecha es que esto es sólo otra fluctuación más que al final se establecerá, muchos se harán daño e incluso desaparecerán, pero todo pasará. Wall Street, por ejemplo, ya ha obtenido ganancias tras los rescates. En cuanto a la gran crisis moral a la que haces referencia, yo no estoy totalmente seguro de que eso sea así. Siempre ha habido algunos que pueden sentir este momento así, pero no la mayoría. En ese sentido, me imagino que la luz que brilla en los rincones oscuros es el único remedio. Incluso los peores hombres actúan de diferente manera cuando todo el mundo está atento, está mirando. Nuestra fuerza es, quizá, que contamos con un sentido innato de la integridad y por tanto, y probablemente con la difusión de la tecnología, podamos mantener la claridad donde algunos prefieren la oscuridad que oculta sus movimientos.

Como uno de esos impresionantes lienzos de escenas bíblicas, tus pinturas están repletas de pequeños pero transcendentes detalles. ¿No existe una guía para navegar dentro de ellas y no perderse? ¡Sería una gran idea! Debería imprimir una guía para cada una de las pinturas, con números, una lista adjunta de motivos y un diagrama de vectores para aclarar la red interconectada de influencias, asociaciones y emociones.

En definitiva, como en un libro, notas al pie de las pinturas. Los detalles me fascinan. Darse cuenta o no de su presencia es un baremo imprescindible para calibrar la atención que alguien te está prestando.

La profusión de detalles también puede llevar a acordarse de las pinturas románticas sobre escenas épicas que proliferaron durante el siglo XIX. Sin embargo, en tus obras parece que la acción, el momento álgido, el éxtasis... Ya ha sucedido. ¿Qué llega tras el placer-acción? ¿Un nuevo punto de partida? No lo sé. Estoy muy

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centrado en el dilema al que nos enfrentamos cuando nuestras fantasías no se corresponden con nuestra experiencia, lo difícil que es para nosotros saber dónde buscar respuestas. Y es que todo el mundo tiene respuestas contradictorias: la iglesia, los cienciólogos, el marketing, los libros y servicios de autoayuda...

Apolíneos en su figura, dionisíacos en sus posturas, los personajes que reflejas, ¿están inspirados en figuras reales o son representaciones idealizadas y, por ende, mitificadas? Yo siempre me siento inspirado por el mundo que me rodea, las figuras y el patetismo. Ellas son, en gran parte, mitológicas, ya que forman parte del sueño al que inevitablemente estamos sometidos. Las mágicas estancias que habitan son el reino de nuestra alegría ficticia. Los detalles somos nosotros, también los rostros y los gestos; pero el ritmo, el flujo y la magnificencia son la verdadera energía que poseemos que tomamos por una verdadera posibilidad.

Tus composiciones son obras de gran envergadura. ¿Qué te aporta en especial este formato? ¿Has pensado alguna vez en probar otras técnicas y procesos? Veo la complejidad infinita interconectada. La historia de la camiseta que llevas, por ejemplo, incluye al equipo de diseño de Italia que discutió acerca de sus detalles; al fabricante chino que luchó junto a su esposa el día en que le robó parte del dinero a un directivo de la fábrica; al inversor en Francia que luchó con una compañía de electricidad por una importante pérdida... Y así sucesivamente. Y en todo esto no importan los combates en Gaza, los incendios al norte de París y los arrestos terroristas en Boston. El gran tamaño y la complejidad parecen la única manera de hacer una representación más fiel de todas nuestras influencias.

Por otro lado, sí que he probado diversas técnicas: pintura, fotografía, dibujo, escultura, cine y vídeo... Pienso que cualquier herramienta es buena para dar sentido al mundo.

Finalmente, y ante la decadencia, como hemos comprobado, del sueño capitalista occidental, ¿cuál crees que será la próxima ‘panacea’ del hombre? ¡El sueño capitalista occidental no morirá jamás!

Tampoco las cucarachas podrán ser nunca eliminadas. A este respecto, pienso que ambos son factores de nuestra vida, nos guste o no. No creo que podamos hacer que la gente sea agradable. O que no peleen. O que sean inteligentes. Es sólo una cuestión de lo que hacemos con nosotros mismos en este apuro encantador.

Más info en su página web, www.terryrodgers.com

Silvia Rubi

Barvara Vamp

FotografĂ­a: AITOR LARA - www.aitorlara.com

Barvara Vamp

Jessica Blue

Jade

EROS NO ESTÁ EN LAS LISTAS DEL INEM Texto_ Maru Sánchez

Podría suponerse que el backstage de una película porno es el lugar en el que la ropa vuelve a ejercer su función habitual, en el que los actores, prestidigitadores psicológicos, y en este caso, también corporales delante de las cámaras, vuelven a ser fulano y mengana. Es lógico pensar que sería el espacio en el que Lady XX y Lord Big Dick se desquitan de sus títulos nobiliarios para ser simplemente Aurora y Juan, o Silvia y Ramón, que llaman a sus madres o incluso abuelas por el móvil para comentar cómo les va el día. También la postura, o impostura, se quedaría en el set de rodaje; o los múltiples aparatos de juego: vibradores, bolas chinas, esposas, vaselinas y demás ungüentos... Son material laboral. Sin embargo, nada de eso se transcribe de estas imágenes.Tomadas en Eros Andalucía, el I Festival Erótico de Andalucía celebrado en FIBES (Sevilla) a principios de octubre, estas fotografías muestran una faceta más de su trabajo: la de la continua necesidad de venderse. Como las modelos, los estilistas, las grandes divas... Estas profesionales de la industria del porno español saben que un paso en falso puede hacer que las vean como una de tantas chicas vestidas de Zara que pueblan las calles de cualquier ciudad. No. Ellas son actrices, profesionales de lo suyo y, como tales, saben que su mejor carta de presentación es la que la naturaleza les dio. Una herencia que se dispara a la enésima potencia en presencia de cualquier objetivo. Y es que el dios del erotismo no se va de vacaciones. Incluso en épocas de vacas flacas como esta, Eros sigue cotizando en todos los mercados de valores como un ancestral bien de consumo primario.

Reconocido ‘cuentista’ sin necesidad de palabras, el fotógrafo Aitor Lara es el autor de esta serie. Su mirada y su increíble capacidad para contar historias a través de sus imágenes y protagonistas le ha llevado a consagrarse como uno de los fotógrafos documentales más reconocidos de nuestro panorama.

Más info en: www.aitorlara.com

Diana Dean

Lady Mae

ARTÍCULO the bloody beetroots

El año pasado Italia, mal que nos pese a muchos españolitos de a pie, se puso muy de moda en el ambiente electrónico. No sólo se lanzaba a la pomada un sello de New Jersey llamado Italians Do It Better, sino que, de buenas a primeras, dos nombres del país de Valentino Rossi empezaban a soltar candela por los clubes de medio mundo: Crookers y The Bloody Beetroots. Tras singles apoteósicos como “Butter”, “Romborama” (Dim Mak/Nuevos Medios, 2009) es la canallada de estos últimos en formato largo. Pasen, echen la pota por el pestazo y flípenlo, camaradas.

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ARTÍCULO the bloody beetroots

THE BLOODY BEETROOTS DOS ROMBOS Texto_ Jorge Montes ITALIANS DO IT (BUTTER) Sí, es cierto. Por mucho que nos joda, los italianos son chulos. Y los italianos molan. Pasa con el gran Rossi, contra quien nuestro Jorge Lorenzo no ha podido aunque le falte poco, y con el vaina de Jonathan en “Fama ¡A bailar!”. Nos fastidia, para qué negarlo si es verdad, pero como entre países vecinos el odio es moneda corriente, también nos alegra que una nueva hornada de perlitas con acento siciliano le haya pateado el culo a Justice y sus secuaces de Ed Banger. Abajo el croissant y arriba esa pizza, coño ya, y si la regamos anteriormente con cositas de las que te hacen alucinar, mejor que mejor. Hace cosa de un año, o al menos fue por esa época cuando el menda que firma se enteró de la movida, los blogueros más -ejem- puestos en la cosa canalla nos dieron la pista en forma de país con ídem de bota.

Crookers ficharon por Southern Fried Records, sello de Fatboy Slim, y sacaron su ya clásico “Knobbers EP”, candela fina. Por su parte, The Bloody Beetroots destrozaban oídos, ya fuera con pepinos del calibre de “Butter”, ya fuera con remezclas asesinas a tipos tan intimidantes (por el talento y por el físico) como Timbaland.

PORQUE YO LO VALGO De la noche a la mañana, The Bloody Beetroots eran la nueva mierda: giras con el DJ más cool del planeta libre, Steve Aoki, fiestuquis donde la Hilton y la Lohan se lo pasaban teta entre pelea choni y paseos al baño, y un largo etcétera dentro del catálogo de ‘cómo molo, coño’. Pa darles fuerte en las encías, por supuesto. Pero es, claro, el Aoki sabe más que los ratones coloraos (o en este caso más bien amarillos, pero bueno) y el sello que dirige, Dim Mak, es buena prueba de ello. En su catálogo, que a primera vista parece una cosa casual, como de fiesta de barriá entre colegas, conviven gentuzos del calibre de Diplo, Motor, MSTRKRFT o nuestros protagonistas de artículo. Sírvase usted añadir que la imaginería estética del sello es perita fina, que Dim Mak no es otra cosa que el famoso ‘golpe mortal en los puntos de presión’ que tan famoso hiciera Tarantino con la segunda parte de “Kill Bill” y que esos coleguitas del amigo sirven caña de lomo en formato vinilo con una facilidad que asusta y, claro, ya la hemos liado.

ENTRE ENMASCARADOS ANDA EL JUEGO Miren, de verdad, que es que esto no para. Daft Punk no sólo son la madre de todos estos angelitos, desde Justice a Simian Mobile Disco pasando por Crookers y The Bloody Beetroots, sino que además de haber dictado las reglas del juego dance, encima son irreprochables a nivel estético.

Porque, verán, ¿es que ahora a todo el mundo le pone el rollito máscara? Lo demuestra Deadmau5 (leer sección de reviews) y lo abrazan también, con

todo el cariño, The Bloody Beetroots, aunque en un palo más comiquero, como de Venom enzarpao. Encima, el rollo máscara les viene a los Beetroots de perlas porque, un momento, ¿Bloody Beetroots es uno o son dos? ¡Incógnita! La solución es que, aporreando los samplers para crear mandanga de la buena, Bloody Beetroots es Bob Rifo, así a secas. Pero chorreando ácido por esas pistas de Dios, con los Pioneers por delante, Bloody Beetroos son dos, Bobby Rifo y DJ Tommy Tea. ¿Aclarado? ¿Alguna duda? ¿Te parto los piños o qué pasa ya con tu rollo?

CUAL RANKXEROX IN DA DANCEFLOOR Todo esto de las mascaritas y de la mugre cobra aún más sentido cuando vemos la portada de “Romborama” y descubrimos una guarrería pictórica que nos resulta muy familiar. Investigando, hallamos la razón: Tanino Liberatore, creador del mítico RankXerox, ha sido el encargado de poner imagen a este artefacto asilvestrado y demoledor. Es un detalle precioso para todos aquellos que, como este servidor de ustedes, creció mangándole los cómics para adultos a su papá, para leerlos luego a escondidas en la comodidad de la soledad. Dice Rifo que leer a Liberatore cuando era cani le cambió la vida, así que plas, plas, aplaudimos la jugada y envidiamos el nuevo acierto, porque no me negarán que muchos de esos muchachos que juegan a ser Dios en las pistas de baile, a tope la maquinaria, tienen un puntito RankXerox en la carita que qué... Si no se lo creen, visiten el Panorama berlinés a las y pico de la mañana o, si tienen aun más valor, dénse una vuelta por sus cuartos de baño. Una epifanía en toda regla.

A TI TE GUSTA LA MANTEQUILLA “Butter” es una de las pedradas cluberas más grandes de la Historia de la Vida, y punto. Como no podía ser de otra forma, viene bien incluida con sus teclados catedralicios y su mastodóntico y marcial ritmo en este “Romborama”, e incluso se ha estrenado con un bonito vídeo. Bonito, por cierto, hay poco ahí, excepción hecha con la tierna “2nd Streets Have No Name” que precisamente precede a “Butter” en el tracklist. Bien es cierto que el álbum termina un pelo nostálgico, con detallitos como “Mother” (¿tiene madre este tunante?) o la divertida “I Love The Bloody Beetroots”, pero para que nadie se llame a engaño, lo último que escuchamos es “Anacletus”, un tiro en la nuca sólo comparable en óxido a “Thelonius” y “Yeyo”, que les encantarían a los pastilleros de la vieja escuela (lo cual no es un insulto). En estas veinte piezas hay tiempo para todo, featurings de caché incluidos como los de The Cool Kids, papá Aoki o Lisa Kekaula, cantante de los punk-souleros Bellrays y habitual también en hits de Basement Jaxx como la apoteósica “Good Luck”. “Romborama” empieza como un trueno y termina aun peor, y por medio podemos morir de asfixia. Pero claro, ¿quién tiene cojones de escucharse esto de un tirón? Lo mejor está en la mezcla, y para dominar los clubs aquí hay estopa para rato. La mugre mola, perras, y si es italiana, pos ya te digo.

“Romborama” está editado en Dim Mak y está distribuido en nuestro país por Nuevos Medios.

MÚSICA

ENTREVISTA vitalic

VITALIC

DAME MÁS GASOLINA…

Entrevista_ David Pareja ilustración_ Saul Zanolari (www.saulzanolari.com)

Ha regresado. El calvo de oro lo ha vuelto hacer. “Flashmob” (Citizen Records/ PIAS Spain, 2009) es todo lo que podías esperar de un disco de Vitalic: techno francés trufado de seductoras melodías, música house y toda la energía sucia y descarada de la música rock. No falta ni disco. Pascal ha vuelto.

La música electrónica parece haber entrado en un callejón sin salida: cada vez más las sesiones de club se están convirtiendo en algo mucho más abierto, freestyle, mezcla de rock con temazos de toda la vida. Los festivales cada vez apuestan más por el rock en directo en detrimento de la electrónica (Justice, los últimos reyes del asunto, tienen una puesta en escena con un mausoleo de amplificadores Marshall) y parece que pasamos por una época en la que el indie es el patrón a seguir (y DJ Amable un gurú nacional). Aun así, todavía hay artistas que sobreviven a la épocas. Sin lugar a dudas, Pascal Arbez, más conocido como Vitalic, es uno de ellos. Sus directos son conocidos mundialmente como un ejercicio de estilo, y su sonido a medio camino entre el electro y techno es uno de los referentes de la electrónica europea.

“Flashmob” es su último trabajo, el que nos los traerá de vuelta a las cabinas.

Un trabajo donde siguen muchas de sus constantes, ese sonido envolvente y refinado que saca brillo y magia de los sintetizadores, perlas contundentes con hambre de pista de baile y una elegancia innata para clavar temazos que bien podrían entrar en la rave belga más macarra o en el más pijo de los clubes de diseño. Perlas como “Poison Lips”, el primer single del disco, o las tralleras “Terminateur Benelux” y “One Above One” le levantan el ánimo a un muerto. Baja el tempo en gemas como “Still”, que recuerda a Sally Shapiro.

Retoma el electro con “Your Disco Song” o “Flasmob”, otro de los grandes temas del disco. Hablamos con Mr. Pascal Arbez...

Desde “Poney” (2001) hasta “Flashmob” has compuesto infinidad de tracks, todos contundentes y con un punto en común: el techno.

En tu último álbum, podemos encontrar grandes diferencias de tempo en el sonido, a veces más disco, como ese temazo llamado “Posion Lips”. ¿Por qué este cambio? Es importante evolucionar como músico. “Poney”, “La Rock”, “Dario”... Ya existen y están escritas. No hay necesidad de hacerlas de nuevo. Asumir algunos riesgos es excitante a la hora de componer música. Este cambio es también debido al hecho de que mis propios gustos también evolucionan con el tiempo, no son siempre los mismos. Es algo natural. ¿Crees que el presente de la música electrónica y los directos cada vez se están alejando más de los patrones techno que han marcado

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la pasada década? Ahora mismo la mezcla es mucho más amplia: hip-hop, house, techno, hard rock... Nada está mas cercano o alejado de la música techno, simplemente los patrones van cambiando. Todo ha surgido y es posible, en parte gracias a DJs como 2 Many DJ’s. Música electrónica significa realizar música con instrumentos electrónicos, nada más. A partir de ahí eres libre de hacer lo que quieras. El techno, hablando en términos de purismo, existe desde hace mucho tiempo, por lo que tiene que ir buscando nuevos territorios y espacios para sobrevivir. ¿No estarás empezando a estar un poco aburrido del techno? ¿No crees que “Flashbomb”, “See The Sea Red” y “Terminator Benelux” [canciones de su último disco] son techno?

Mucha gente esperaba encontrar “Anatoles” en este nuevo album. ¿La publicarás alguna vez? Sé que mucha gente espera que publique este track y he pensado en publicarlo muchas veces, pero creo que finalmente no lo haré. Es un track en directo y toco una nueva versión en mi nuevo show, así que está bien como está. Prefiero hacer cosas nuevas antes que publicar algo del pasado. El nuevo live es, digamos, diferente.

En tus directos es imposible ver ningún ordenador. No hay muchos artistas como tú en el presente, es casi imposible. Cuando trabajas en casa o el en el estudio, ¿tampoco utilizas ordenador? Actualmente he incorporado un ordenador a mis directos, y también lo utilizo mucho en el estudio. No puedes hacer sonido que suene actual y moderno sin un ordenador, es imprescindible. Si tuviera que llevar siempre 10 compresores, 3 cajas de ritmos, 5 sintetizadores... Sería realmente loco. Ya llevo alrededor de 300 kilos de equipo cuando viajo para hacer un show, más que eso sería una locura. Normalmente utilizo Ableton, pero también llevo algunos sintetizadores conmigo. ¿Has pensado alguna vez en actuar como DJ en lugar de hacer siempre directos? A veces lo he hecho. Sobre todo al principio y más que nada por diversión, en algunas fiestas privadas. La verdad es que me encanta, sobre todo ahora. De hecho muy pronto lo haré en España.

Hablando de nuestro país, creo que tu padre es español... ¿Es esto cierto? Sí, tiene ascendencia española, por lo que ha debido de dejarme algún parentesco en la sangre. Me encanta España, es siempre un placer visitarla. Siempre que actúo en vuestro país me suelo quedar unos días más para comer en buenos restaurantes y estar con los amigos.

Me han informado de que estás preparando un set realmente espectacular para tus nuevos directos, provisto de pantallas y unas visuales espectaculares. ¿Podrías contarnos algo al respecto? Tendré dos pantallas detrás de mí. Estas pantallas serán también espejos, por lo que me reflejarán de espaldas y a todo el público. Es un poco complicado de explicar, pero lo llamamos ‘realidad aumentada’ porque crea un espacio en tres dimensiones que no existe realmente.

“Flashmob” está editado por Citizen Records y distribuido en nuestro país por [PIAS] Spain.

ENTREVISTA vitalic

MÚSICA

ENTREVISTA editors

EDITORS SE OSCURECEN

Cuentan con una de las mejores voces masculinas del panorama musical y algunas grandísimas canciones pero esto no les ha servido para evitar este último traspiés llamado “In This Light and On This Evening” (PIAS Spain, 2009). Los británicos Editors acaban de poner a la venta el que, sin duda, es su peor disco hasta el momento. Un desacertado cambio de rumbo que, no sólo no aporta nada sino que les resta efectividad.

Sobre este nuevo rumbo que han tomado estuvimos hablando con Russell Leetch, bajista del grupo.

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ENTREVISTA editors

EDITORS

Texto_ Angélica Guzmán Miralles / Foto_Kevin Westenberg

¿Cómo describirías la música que hacíais antes? No lo sé. Simplemente somos un grupo con guitarras y escribimos grandes canciones, supongo. En esencia una banda que hace pop.

Así que, ¿diríais que sois un grupo pop? Sí, totalmente. Nos gusta esa música y es la que hacemos.

Y ¿cómo describirías, bajo tu punto de vista, este nuevo trabajo?

Seguimos queriendo hacer grandes canciones, sólo que desde una perspectiva diferente, con sintetizadores en lugar de con guitarras como base de las mismas, lo que nos ha parecido muy interesante. ¿Qué significa este álbum en la carrera de los Editors? No lo sé.

Todavía es pronto para decirlo. Todavía no ha salido a la venta así que no podemos saber cómo va a reaccionar la audiencia. Por el momento el sencillo ha atraído a mucha gente y les está gustando mucho, así que parece que es algo bueno.

Y desde una perspectiva personal, ¿qué significado tiene? Nos ha encantado hacer este disco. Nos hemos divertido mucho y ha sido una experiencia excitante, así que estamos contentos de que la gente lo oiga.

Este último trabajo es muy diferente de los dos anteriores. ¿Supone un nuevo comienzo, un cambio, una evolución o una involución?

No lo sé. Creo que sólo podemos hablar de estas cosas con la perspectiva del tiempo, ya sabes, en un año o dos podremos decir qué es lo mejor que hemos hecho. Hasta ahora lo que hemos hecho nos parece bueno. ¿Por qué un cambio ahora, después de todo el éxito que habéis tenido? Podríamos haber seguido con el mismo estilo pero ya no nos estimulaba como músicos. Habría sigo muy aburrido hacer lo mismo. No sé, nos apetecía hacer algo distinto incluso si no tienen éxito, al menos hemos hecho algo diferente.

“In This Light and On This Evening” posee un sabor muy ochentero. ¿Por qué un cambio hacia este estilo gótico y oscuro? No sé. Es un sonido que surgió. Espero que también haya sonidos felices como los de un disco verdaderamente moderno. Sí, también hay mucho sintetizador de los ochenta aunque también de los modernos. En ese sentido tiene la esencia que el sello quería darle al trabajo pero pensamos que, a pesar de ese sabor a los ochenta, es un sonido muy moderno.

Se os ha comparado con muchos artistas. ¿Con quién os gustaría que lo hicieran? No lo sé. Nos sé muy bien con quién nos comparan.

Siempre y cuando nos comparen con buenos grupos, no nos importa.

Hay quienes os comparan con Joy Division, que este último disco suena mucho como Ian Curtis. ¿Es bueno o malo? No conozco a Ian Curtis. Nunca he oído nada de él. ¿En qué os inspirasteis a la hora de componer las canciones de “In This Light and On This Evening”? No lo sé. Empezamos escuchando bastantes bandas sonoras y entonces nos metimos en el estudio y oímos cosas muy distintas, desde Talking Heads a LCD Sound System. ¿Bandas sonoras? Sí, queríamos escribir algunos temas con estilo cinematográfico. ¿Buscabais un sonido de música de película a propósito? Sí, totalmente.

Explícanos el porqué del título. Antes de que empezáramos a grabar realizamos una sesión de demostración y este fue uno de los primeros temas que grabamos. Guarda un sentido de todas las direcciones en las que nos hemos dirigido en este nuevo disco: sintetizadores, voz, un sonido particular.

Si lo pensamos tiene un sentido general.

Por lo general, ¿quién decide los nombres de las canciones y de los trabajos? ¿Hay un quórum general o lo decide Tom, el cantante? Sí, el título de este nuevo disco se decidió entre Tom y yo, mientras que los dos anteriores fueron un trabajo más colectivo. ¿Qué haréis si este disco no alcanza las cotas de éxito del anterior?

No lo sé. Todavía es pronto para decirlo. ¿Volveréis a vuestro antiguo estilo? No, seguiremos hacia delante. No creo que no vaya a tener éxito. Tiene muchas canciones pop. Hemos recorrido un largo camino para obtener influencias de música alternativa. ¿Estáis pensando ya en cuál será el rumbo que tomará vuestro próximo trabajo? No, en absoluto. Acabamos de terminar este y el proceso completo no ha terminado todavía. Vamos a hacer una gira y entonces pensaremos en ello. ¿Tenéis previsto venir a España? Sí, por supuesto. Estaremos allí en el mes de noviembre.

Primero os llamásteis The Pilot, luego cambiásteis este nombre por el de The Pride, luego pasásteis a ser Snowfield y luego Editors (a secas). ¿Por qué este baile? Sí. Todos los nombres que tuvimos antes fueron sólo para actuar. No llegamos a grabar ningún disco con ninguno de ellos. Estábamos buscando nuestra identidad. Eran nombres temporales que nos íbamos poniendo. Ya cuando tuvimos un sello, este fue el nombre que nos gustó y es con el que nos quedamos.

“In This Light and On This Evening” está editado por [PIAS] Spain.

MÚSICA

ENTREVISTA g.a.s. drummers

“Decalogy” es el nuevo disco de los jerezanos G.A.S. Drummers, sin lugar a dudas su mejor trabajo. Una nueva vuelta de tuerca en una trayectoria caracterizada por la pasión y la entrega.

Texto_ David Pareja Once años de carrera, del hardcore al rock pasando por el powerpop. Mucha carretera, sellos, cambios, y una canción “Teenage Wasteland” -presumiblemente uno de los singles de este disco- que reza que no hay nada que temer y aún no es demasiado tarde. ¿Quedan G.A.S. Drummers para rato? Tengo la sensación con G.A.S. Drummers [nos cuenta Dani Llamas, cantante y compositor de la banda] de que una vez resignados a ser unos supervivientes, una vez resignados a ser felices con vernos las caras y poder irnos a tocar y seguir haciendo discos, de que hemos alcanzado un nivel extratemporal. Para nosotros, seguir con esto es un regalo, y es la válvula de escape que tenemos para nuestros quebraderos de cabeza diarios, aunque también el grupo se convierte en un problema a veces. De momento aquí seguimos, y si hemos llegado hasta aquí no hay nada que nos haga pensar que hemos de tirar la toalla justo ahora. ¿Porqué habéis tardado tanto tiempo en sacar otro disco? ¿Os ha resultado complicado? Esta vez ha sido la más difícil de todas. Han exis-

G.A.S. DRUMMERS KEEP ON ROCKING

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tido muchos contratiempos, empezando por nosotros mismos que hemos intentado ir mucho más lejos con el proceso de composición del álbum.

Hemos querido saber hasta dónde éramos capaces de llegar, y para ello hemos maquetado 45 canciones, grabado 20 y finalmente incluido 13 en el disco. Han existido ciertos daños colaterales en el camino, pero creo que ha merecido la pena. Ahora podemos contemplar el horizonte desde la cima.

Hablábamos de los cambios estilísticos del grupo. Obviamente vuestra raíz sigue patente, seguéis planteando una alternativa enérgica (“25th Hour”, “American Bliss”) pero ahora vuestras canciones tienen una redondez más apegada a géneros como el rock. Pienso en la canción “Paper Tigers” o en “Black Wind”. ¿Ha sido fruto de que os habéis tomado más tiempo a la hora de componer? No hay duda de que hemos reposado más los temas, y al mismo tiempo hemos hecho canciones que pudiesen defenderse sólo con guitarra y voz. Por eso son canciones muy atemporales, y que se guardan todas sus armas para el directo. Por esta razón es por la que decidimos grabar el disco en directo, las canciones son estructuras sencillas y melodías muy directas, no hay trampa ni cartón.

La colaboración con Muni Camon luce espectacular y la letra de esa canción habla de un viento que en Cádiz supongo conocéis de cerca... Háblanos acerca de esta colaboración y de las letras. Detecto un noto un tanto oscuro en general... Siempre que vamos a gra-

ENTREVISTA g.a.s. drummers

bar a casa de Paco y Muni intentamos que ella colabore. Ya en “Dialectics”, hicimos juntos “Recreation of Myths” y fue espectacular. Esta última vez ella escuchó todas las canciones y decidió entrar en “Black Wind”. Es cierto que hay un lado oscuro en el que me tambaleo en algunas canciones como “Black Wind”, “Where to Go” o “American Bliss”, son quizás cicatrices de guerra de lo cotidiano. Las canciones tristes siempre me han parecido más apasionantes que las alegres, es un defecto de fábrica. Mi palo preferido del flamenco es la soleá.

Quizás el giro más llamativo es el paso al folk, algo que se entiende es gradual, pero no deja de asombrarnos. Caso de “Back Among the Dead” o “Family Day”. ¿Están emparentadas también con el disco en solitario de folk que acabas de publicar? Desde hace algunos años vengo dando un pequeño viaje hacia el folk, por lo instantáneo y lo básico de coger una guitarra y cantar sin necesidad de otro artificio. He trillado los discos de Nick Drake o de Neil Young y eso ha repercutido en G.A.S. Drummers en los últimos tres discos, cada vez más abiertamente. El último paso ha sido hacer mi propio disco en solitario, que bebe mucho más de todo ese mundo folk, y pop de autor que de lo que se nutre al grupo. Así G.A.S. Drummers puede cerrarse más a unos sonidos más eléctricos y yo puedo seguir explorando el pop y el folk con mi proyecto en solitario, aunque seamos todos parte de lo mismo.

Habéis transformado la Red Vanette con la que recorristeis carret-

eras de España y media Europa y la habéis transformado en un sello con el sobrenombre de “Music from The South”. ¿Por qué habéis optado por la autoedición? ¿Cuáles son vuestros objetivos con el sello? Nuestra forma de ser es a veces muy impulsiva. A veces hacemos cosas y no somos capaces de explicar los porqués de esas actitudes. A mí me da por creer que oimos voces interiores que nos piden esos cambios a gritos. Con “Decalogy” íbamos encaminados a algo totalmente diferente.

Estábamos apuntando alto con los sellos, incluso internacionalmente, teníamos un manager canadiense y un supuesto largo camino que recorrer entre despachos y reuniones en la cumbre. Al final dejamos todo eso al lado y optamos por lo más cercano, editar nuestros discos en España y licenciarlos en el extranjero. De momento muy contentos con la acogida del disco de G.A.S. Drummers, y con la edición de mi disco en Francia. En breve se invertirán los papeles y editaré el mio en España y el de G.A.S. Drummers será editado a nivel europeo en enero de 2010.

Cuentanos cuáles serán vuestras próximas fechas y cuándo tendremos oportunidad de ver “Decalogy” en directo... G.A.S. Drummers estaremos tocando a lo largo y ancho de España y también en Europa desde ahora hasta finales de 2010. Hay fechas cerradas en Barcelona, Madrid, Sevilla, Granada, Málaga, Jerez, Mallorca, Zaragoza, Valencia, etc. Lo mejor será que estéis al tanto en el myspace del grupo: www.myspace.com/gasdrummers “Decalogy” editado por Red Vanette.

MÚSICA

ENTREVISTA nico muhly

Nico Muhly es un geniecillo que, a pesar de su juventud, ya puede presumir de logros tan llamativos como haber trabajado para Philip Glass, compuesto bandas sonoras para películas de tanto éxito como “El Lector”, arreglado temas para Björk o Antony o, lo que más nos interesa a nosotros, regentado el exquisito sello islandés Bedroom Community junto a Ben Frost, Valgeir Sigurðsson y Sam Amidon. Los cuatro actuarán en Sevilla durante la segunda edición del festival Electrochock (US).

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ENTREVISTA nico muhly

NICO MUHLY

CONTEMPLANDO BALLENAS Texto_ Jorge Montes, con la inestimable ayuda de Vidal Romero Fotografía_ Peter Ross Con un currículum tan impresionante, suponemos que tienes una formación clásica potente... Empecé a estudiar música de una manera formal a los catorce, pero la parte más importante de mi educación fueron las clases de piano y cantar en el coro de la iglesia, ambas tareas emprendidas a los diez años, más o menos. La música que escuchaba en el coro cambió mi vida, todos esos compositores de los siglos 15 y 16 me impactaron... Y más tarde, empecé a escuchar más a Philip Glass, Steve Reich y Stravinsky y me quedé fascinado con todos ellos.

Desde muy joven te enrolaste con la Philip Glass ensemble, tocando en discos como “Naqoyqatsi” y haciendo giras con él... No es un crecimiento usual para un músico más o menos ‘indie’... Bueno, en realidad nunca toqué con su Ensemble. Trabajé en el estudio, es decir: toqué en discos, conduje ciertas partes y sobre todo hice mucha edición con el ordenador. Una de las cosas más llamativas de Philip es que se auto-publica, tiene su propio ensemble, una productora y recientemente hasta un estudio de grabación en Manhattan. Es una relación de ida y vuelta entre él y sus empleados. Aprendí lo indecible gracias a mi participación en varias de sus bandas sonoras, y una de las cosas más admirables es su capacidad para tirar a la basura música que cree que no va a funcionar. Hay que ser muy valiente para desechar tanto material. ¿Cómo es tu método compositivo? ¿Planeas antes una historia, luego la arreglas y por último mezclas todo lo conseguido? Más o menos, exceptuando que lo primero y lo segundo suele suceder al mismo tiempo. Los arreglos, de hecho, a veces vienen antes que cualquier otra cosa. Por ejemplo, en “Clear Music” tenían tanta importancia los instrumentos usados como las notas tocadas con ellos. “Mothertongue” (Bedroom Community, 2008) fue un poco más complejo, y ahí sí que había una voz narrativa, luego un flujo común entre el desarrollo y los arreglos, y al final el estudio también se convierte en una herramienta en sí mismo. Esta última es además la parte más colaborativa, pues es el momento donde dejo que Valgeir husmee a gusto. ¿Qué podemos esperar de ti próximamente? Pues no sabría decirte...

Ahora mismo estoy trabajando en una ópera, un trabajo tan complicado que no me deja pensar en nada más. Sí tengo muy claro que me gustaría hacer algo más íntimo que “Mothertongue”, sobre todo de cara a los directos.

Actualmente, un concierto puede involucrar a seis o siete personas en gira, y la verdad es que, aunque sea por cambiar un poco, no estaría nada mal escribir algo de música sólo para mí, o para mí y una persona más.

Has compuesto arreglos para artistas como Björk, Antony o Bonnie ‘Prince’ Billy, ¿qué supone para ti trabajar para músicos de ese calibre? A veces es difícil, no te lo negaré, pero también algo bonito, teniendo en cuenta que componer música es un trabajo usualmente solitario. Con la ópera, por ejemplo, mi método es despertarme, escribir durante doce horas seguidas, salir a comer algo y acostarme. Todo lo opuesto que enfrentar tus ideas con otros artistas, es una manera de pensar muy distinta.

También es una colaboración bidireccional, porque alguno de esos músicos luego aparece en tus propios discos... Sí, y es algo que me encanta. Componer arreglos para otros es como vestirlos, en cierto sentido, y también es bonito que aparezcan ellos por tu casa.

Has colaborado en el reciente y maravilloso “Veckatimest” de Grizzly Bear, y ellos comentaban que tienes una capacidad para proponer ideas asombrosa, que siempre estás saltando con mil posibilidades... Sí, reacciono rápidamente cuando estoy arreglando temas, es una de mis principales virtudes, supongo. ¿Qué diferencias hay, entonces, entre componer tu propia música y trabajar para otros, sea arreglando o escribiendo bandas sonoras?

Pues el trabajo colaborativo significa que te comportas como si fueras miembro de una comunidad, mientras que hacerlo solo implica que puedes dejarte llevar por cualquier cosa que se te cruce por la mente. En lo que respecta a las bandas sonoras, es un proceso muy transparente: no hay mucho lugar para la auto-indulgencia, la inspiración o lo que sea... Sólo tienes que producir y asegurarte de que estás haciendo algo aceptable, ya que tienes por encima como a diez personas que han de aprobar tu trabajo.

Háblame un poco de Bedroom Community... Pues tengo una relación especial con el sello, por supuesto, dado que mi disco “Speaks Volumes” (2006) creó las condiciones para que este naciera, y a la inversa. Además, el estudio de Valgeir es un lugar maravilloso para trabajar, un lugar donde además estamos muy cómodos currando todos juntos, pero a la vez todos un poco a nuestro aire. ¿Y cómo llevas eso de vivir entre Reikiavik y Nueva York? Pues ciertamente es un poco esquizofrénico... Te diría que Nueva York es ahora un poco más ‘hogar’ para mí, aunque pase allí temporadas muy cortas.

Por último, descríbenos un poco cómo será el show que veremos en Electrochock. Pues no lo tengo muy claro, la verdad. Por mi parte, seguro que caen un par de piezas de “Mothertongue”, algunos estudios de viola y nuevos ejercicios con loops de piano con los que he estado jugando...

Nico Muhly estará actuando al frente del showcase “The Whale Watching Tour” de Bedroom Community, el sábado 7 de noviembre en Pistadigital, durante el II Ciclo de Música Electrónica de la Universidad de Sevilla, Electrochock (US) 2009. Más info sobre el festival en www. facebook.com/ElectrochockUS y sobre el sello en www.bedroomcommunity.net

MÚSICA

ENTREVISTA orthodox

El disco anterior empezaba con saxofón y este con trompetas, ¿creéis que los vientos le dan un toque especial a las canciones?

Bueno, era un clarinete, no un saxofón. Y no sé si lo definiría como ‘especial’, simplemente pensamos que eran temas que lo necesitaban. ¿Por qué ese texto de Edmund Burke sobre España en el libreto?

Porque cerraba y concluía perfectamente los conceptos que giran en torno al disco: Moby Dick, la tradición española con todo lo que ello conlleva (religión, folclore... ). Era una cita perfecta que, por un error, no ha sido incluida en la versión en vinilo.

El disco se compone de una sola canción, “Sentencia”, de 33 minutos y 33 segundos, dividida en 3 movimientos. ¿Por qué tanto 3? ¿Os gusta la numerología u os influye “Perdidos”? No, no nos gusta “Perdidos”. Pero en las religiones y a lo largo de la historia del pensamiento el número tres ha sido crucial y se le ha cargado de significado. Era el tercer disco de un grupo que funciona como trío, teníamos tres temas... La verdad es que todo fue surgiendo de forma natural y nos dejamos llevar.

Igual en “Sentencia” es más claro, pero juro que en “Amanecer en Puerta Oscura” (Alone, 2007) a veces no sabía si esos gritos guturales y modificados con efectos eran inglés, español o latín.

Y teniendo en cuenta vuestra estética y los temas reflejados, ¿no creéis que quedaría mejor el castellano? A veces usamos el latín, otras el inglés, los títulos casi siempre en español... ¿Conoces los motetes politextuales? Pues por ahí van los tiros. En español lo que suena bien es el flamenco y ya hemos hecho algunas cosas con Fernando Terremoto e Inés Bacán. Alguna saeta, un martinete...

Aunque en los otros hubiera cierta ligazón entre los temas, creo que “Sentencia” definitivamente es una obra que se tiene que entender como un todo, a lo que contribuye haber unido de las canciones. ¿Lo planteásteis como un disco-concepto? ¿Qué teoría hay detrás de este álbum? Bueno, volvemos a la triada. El concepto se desarrolla a lo largo de tres discos: “Sentencia” es el tercer capítulo, “Gran Poder” (Alone, 2006) se remonta al paganismo oscuro y al nacimiento de la religión, y “Amanecer en Puerta Oscura” trata de la llegada de la luz, el apogeo de esa espiritualidad. Pero “Sentencia” es la autodestrucción, de cómo el cristianismo muere engullido por su propia luz, el terror blanco.

Aquí más que nunca se dejan notar las influencias del free jazz, la contemporánea e incluso los compositores españoles clásicos. ¿Cómo componéis, cómo sois capaces de compactar todas estas ramificaciones? En Orthodox hablamos mucho entre nosotros, no tenemos miedo de proponer nada. Hablamos constantemente de cada cosa que nos supone un descubrimiento o cualquier cosa que nos inquieta. Somos respetuosos cuando alguno de los tres miembros cree a muerte en alguna idea. Somos el grupo más ‘grupo’ que he visto en mi vida, en parte porque la formación de trío te da un equilibrio perfecto. Los tres componemos y nos implicamos en las ideas de los demás. Escuchamos mucha música diferente pero siempre desde una óptica similar, por eso todo se filtra de forma natural.

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¿Qué tal os va con el sello malagueño Alone Records? Es nuestro hogar. Somos un grupo pequeño en un sello pequeño, así que el trabajo es muy duro para ambos... Pero la relación es buena. ¿Os sentísteis orgullosos de que Southern Lord se encargara de la distribución de vuestros discos? Yo no diría orgulloso. Nos ha ayudado a que mucha más gente se fije en nosotros. Parecía una especie de garantía de calidad. Pero sinceramente, no creo que nos haya pasado nada que no nos merezcamos.

Hablando de eso, ¿cómo veis, retrospectivamente, aquella famosa reseña de Julian Cope? De eso sí que nos sentimos orgullosos. Gozar del apoyo de alguien como Julian Cope fue el golpe de gracia para que la bola empezara a rodar.

Siempre se os compara, por aquello de hacer metal ‘raro’, con grupos como Sun O))), Boris o Earth, pero luego, cuando leo vuestras entrevistas, siempre decís que sois jevis de la vieja escuela... ¿Seguro que no os consideráis una rara avis dentro del mercado, al menos, del nacional? Pero es que en el fondo, los grupos que mencionas trabajan con la mentalidad de las bandas clásicas. Por eso los resultados son diferentes. Las bandas clásicas del metal como Black Sabbath, Iron Maiden o Celtic Frost quisieron crear algo nuevo y propio. Es como cuando la gente decía que Oasis eran los nuevos Beatles. Me parece una gilipollez enorme, si suenan a los Beatles no son los nuevos Beatles. Los nuevos Beatles serían algo diferente y lo pondrían todo patas arriba haciendo cambiar la visión del gran público. Los nuevos Black Sabbath no sonarán a Black Sabbath, tendrán su esencia, pero no la misma forma. Y ese es nuestro caso.

Estuve en la inauguración de aquel Zemos98 donde abrísteis en el Lope de Vega junto a Israel Galván y el Terremoto... ¿Os habéis planteado más colaboraciones de este tipo para el futuro? De hecho no hemos dejado de trabajar con Israel. Formamos parte de uno de sus espectáculos y llevamos varios años dando vueltas por Europa. Así que sí, seguiremos haciendo cosas en esa línea.

Hace tiempo que no os veo en directo, y por lo tanto no sé si seguís llevando vuestro atuendo nazareno... ¿Os mosquea u os hace gracia que por ahí se hable de vosotros como de un grupo de ‘metal capillita’, ‘sacrodoom’ y todas esas cosas? Bueno, lo del ‘doom cofrade’ fue cosa nuestra y lo de ‘sacro doom’ cosa del sello. Es obvio que son definiciones penosas y etiquetas bastante ridículas. Pero no nos mosquea, tenemos más sentido del humor de lo que puede parecer. Incluso a pesar de la seriedad de la música siempre hay algo del espíritu bastardo de Loki pululando.

“Sentencia” está editado en Alone Records.

ENTREVISTA orthodox

ORTHODOX

ESPERANDO SENTENCIA Texto_ Pablo Vinuesa

¿Quién nos iba a decir que uno de los grupos más innovadores de la escena metal saldría de Sevilla? Orthodox han sabido evolucionar, tanto en lo sonoro como en la teoría que anida en lanzamientos tan brutales como “Sentencia” (Alone Records, 2009), un tercer disco que nos sirve de excusa para mantener una intesa charla con una de las bandas favoritas del insigne Julian Cope.

MÚSICA

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01. ANTIKOM. ARIES (FLUMO FLUIDOS) No es novedad que en esta casa apoyemos a dos netlabels andaluces que llevan ya un buen tiempo trabajando excelentemente la cantera autonómica: hablamos de los malagueños Miga y de los sevillanos Flumo. Centrándonos en los segundos, su división más experimental, Flumo Fluidos, llega a su referencia número 15 con el largo “Aries” de Antikom, también conocido como Photoclick. Como el mismo artista reconoce y en su música se demuestra, su nuevo AKA es deudor de Anticon, el sello que trajo el indie-rap a las portadas de las revistas. Y hay rap ‘raro’ en “Aries”, por supuesto que sí, con una querencia evidente por el hip-hop abstracto, pero quizás acertaríamos al afirmar que a donde más apunta este disco es al dubstep. Más cercano a Milanese que a Burial, para que se hagan una idea, Antikom produce temas pausados y bastante oscuros, con inquietantes atmósferas que flotan tras ritmos titubeantes.

No apabulla “Aries”, porque se reconocen mucho sus influencias y también porque se nota cierta homogeneidad en los beats, pero el intento es loable (y notable). Además, ¿quién va a resistirse, cuando está disponible para descarga gratuita a través de la web de Flumo? Habrá que estar atentos y seguirle la pista.>Pablo Vinuesa 02. ARBOL & FIBLA. BU SAN (EMILIRECORDS-spar.RK) Arbol y Fibla han coincidido en sus carreras en un momento inmejorable para ambos. Por una parte, Miguel Marín consiguió zafarse del legado post-Piano Magic y conseguir con Arbol un acento propio; por la otra, Vicent Fibla ha demostrado ser uno de los productores de electrónica nacional con mayor elegancia, y la trayectoria de su sello, spa.RK, es igualmente reseñable. Juntos, el equilibrio es perfecto. “Bu San”, lanzamiento a pachas de los dos, es la traslación al CD de un espectáculo que ya pudimos presenciar durante Territorios Digitales 2008, en las Reales Atarazanas. Se trata de una banda sonora que ambos, con la ayuda de la violinista Sara Fontán, han compuesto inspirándose en la película “Goodbye, Dragon Inn”, del director medio taiwanés medio malayo Tsai Ming-Liang. La grabación, además, es una iniciativa del Festival de Cine Asiático de Barcelona, BAFF. Una iniciativa que aplaudimos, porque los que ya conocemos el espectáculo por su vertiente del directo conocemos perfectamente las virtudes del mismo... Las cuerdas de Sara se mezclan a la perfección con los mantos electrónicos y orgánicos que tejen Arbol y Fibla, respetando además los aromas de la película homenajeada. Dicho en claro, “Bu San” es una auténtica gozada para los sentidos.>Pablo Vinuesa 11. THE TWILIGHT SAD. FORGET THE NIGHT AHEAD (FAT CAT) Escuchar un disco que comienza con acoples de guitarras y ritmos oscuros, deudores de la escuela de Joy Division, es algo que sólo puede sentar bien. Se presiente la crudeza, la energía, que dirían algunos. Si encima el disco es capaz de mantener el nivel de atención creado durante sus primeros segundos, entonces es que realmente estamos ante algo grande. Tomen como ejemplo la bofetada en la cara que supone el single “I Became a Prostitute”, permítanme la posible exageración, pero canciones como esta dejan a la altura de juguetito a Interpol y al resto de nuevos adalides del rock depresivo. La colección de canciones resulta estar minada de grandes candidatas a himnos generacionales, como la pegadiza y pop “Made to Disappear” o la ultra épica “That Room”, protagonista de uno de los crescendos más emotivos que uno ha escuchado en mucho tiempo. The Twilight Sad son escoceses, se les nota, y han facturado un disco que ya quisieran para sí muchas bandas de estas que aparecen en las portadas de los semanarios británicos.<J. Perepi DISCOS - CRÍTICAS

REVIEWS

04. DANI LLAMAS. SPEAKING THRU THE OTHERS (RED VANETTE MUSIC) No sólo G.A.S. Drummers han dado un estupendo giro a su ya larga trayectoria introduciendo matices folk en su rock poderoso e intenso, el vocalista y líder de la banda, Dani Llamas, aparece ahora en solitario demostrando una variedad de registros vocales apabullante. Suena a Drake en su primer corte de título homónimo, tiene ecos de Neil Young y Gram Parsons en canciones como “Red Moon” o “Me Too” y es capaz de componer luminarias folk como “All Is Gone”, cálida e inspiradora y que recuerda al mejor Gary Louris. Desboca un aire country en “Kiss Me When I’m Dead” y es sorprendentemente íntimo y oscuro en “Back to Back”. Se alimenta de lo mejor de la chanson en “Sur Le Chemin” y cierra con una espectacular “Tied Hands”. Atrapa este debut de un artista ya curtido en géneros como el hardcore y el punk melódico a quien el paso de los años le dota de madurez y elegancia (sin apenas contar los 30). Con la producción de Ken Stringfellow (R.E.M., The Posies, Big Star... ) y Paco Loco, “Speaking Thru The Others” es la nueva faceta de un cantante que ha contado con colaboraciones como Muni Camon, Leda Tres o los propios G.A.S. Drummers y que, seguro, dará mucho que hablar. Bienvenido sea.>David Pareja 05. JOAKIM. MILKY WAYS (!K7/POP STOCK!) Impresionante el cambio ofrecido por el francés Joakim en su nuevo largo, “Milky Ways”. Nos tenía acostumbrado el espigado tipo de gafas setenteras y jerselitos de lana a ofrecer sus mejores virtudes en formato single o, lo que es peor, mediante remezclas a artistas ajenos (su reconstrucción del “Hearts on Fire” de Cut Copy sigue puntuando alto en toda sesión gamberra que se precie), mientras que en discos suyos como “Fantomes” (Versatile, 2003) o “Monsters & Silly Songs” (!K7, 2007), aunque había buen material, siempre nos dejaba con la mosca tras la oreja. Atrás quedaron pues sus tiempos de indefinición y eclecticismo, ya que por fin ha aceptado que The Disco, la brutal banda que le acompaña en directo y con la que le pudimos disfrutar en Electrochock (US) 2008, es lo que necesitaba para redimirse en el estudio. Así, “Milky Ways” busca menos el single y más la contundencia, de la cual deja buena muestra el tema inicial, “Back to Wilderness”, que ya desde el título adelanta que aquí escucharemos pop moderno y kraut espacial, sí, pero también rock embrutecido y con un punto casi hardcoreta. Casi con la excepción de la anormalmente adhesiva “Spiders”, la mayor parte de “Milky Ways” es oscura, rotunda y opaca. Lo cual, por supuesto, no tiene nada de malo.>Pablo Vinuesa 06. MAGNOLIA ELECTRIC CO. JOSEPHINE (HOUSTON PARTY) Cómo ha pasado el tiempo... Parece que fue ayer cuando vi a Songs: Ohia en un BAM barcelonés, con Jason Molina entonando sus lamentos sólo armado de guitarra y con el acompañamiento de un excelso batería. Pero no, no fue ayer, fue hace un porrón de años ya. Molina es aquel hombre que convenció a Will Oldham para fichar por Palace Records. Aquel que editó discos tan intensos como “Ghost Tropic” o “The Lioness”, uno de los puntales del sello Secretly Canadian. Aquel hombre es ahora parte de una banda estable y pulcra, Magnolia Electric Co. Un hombre que, pese a lo que parezcan dictar sus discos actuales, sigue sufriendo reveses como la pérdida de uno de sus músicos, Evan Farrell. Es Magnolia Electric Co. una banda fantástica, todo hay que decirlo, que aunque en este “Josephine” parezca más amansada sabe conjurar el espíritu de la Crazy Horse de Neil Young cuando es necesario, algo que Steve Albini transcribe al disco con su contundencia y limpieza habituales. Es “Josephine” un disco muy bonito, desde luego que sí, pero ahora, en estos momentos melancólicos de domingo por la mañana, mientras escribo esta reseña, no puedo hacer otra cosa que añorar el pasado. Y con Songs: Ohia, lo sentimos, ese pasado fue mejor.>Pablo Vinuesa 07. MSTRKFRT. FIST OF GOD (DIM MAK/NUEVO MEDIOS) Dim Mak, el sello de Steve Aoki, el DJ gambitero por excelencia de la gente in norteamericana, se está especializando en fichar a los productores más macarras del planeta. Lo certifica con los Bloody Beetroots (ver en este mismo CLONE) y se afianza con MSTRKFRT. El dúo canadiense formado por Jesse F. Keeler y Al-P, ya conocido por su anterior largo, “The Looks” (2006), y sobre todo por ser responsable de uno de los vídeos más perlitas de la historia, el de “Easy Love”, lanza este segundo álbum en un momento en el que la música de club parece estar en plena forma, con los vinilos calentitos de Deadmau5 y The Bloody Beetroots también en nuestras manos. “Fist of God”, concretamente, es bastante salvaje, aunque contribuye a que empecemos a estar bastante hartos de todos estos grupos post-Daft Punk que, al final, terminan sonando similares unos a otros. Aunque eso no quita que temas como “It Ain’t Love”, “Bounce”, el single “Heartbreaker” (con John Legend al micro) o “Breakaway” sean bien capaces de liarla parda en la pista de baile, por supuesto. En definitiva: aburrido en global, magnífico por momentos.>Pablo Vinuesa 08. PROJECT SKYWARD. MOVED BY OPPOSING FORCES (ROCKET GIRL) Odio tener que comenzar una reseña usando una maldita etiqueta, pero el caso es que la primera vez que escuché “Moved by Opposing Forces” pensé: ‘¡Cáspita -un servidor jamás usaría una palabra fea-, esto podría etiquetarse como discogaze!’. Pues sí, si han estado una temporada bombardeándonos con el mal llamado ‘metalgaze’, ¿por qué no hablar ahora del discogaze? La idea es bastante atractiva: imagínense a unos Saint Etienne en su mejor momento, a los que les han colocado a un Robin Guthrie y a un Ulrich Schnauss en todo el cogollo de la banda. Añadan un poco de inspiración matemática, cierto rollo astral (cuenta la leyenda que Ryan Field, el cerebro detrás de Project Skyward, cuenta con una titulación en Ciencias y Astronomía en su poder), además de unas portadas misteriosas y el resultado difícilmente será mejorable. En fin, si en este mundillo hubiese algo de justicia, canciones como “Hungry Ghost” o “Sirius The Brightest Star” tendrían que estar sonando a cascoporro en todos los clubes del planeta.>J. Perepi

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REVIEWS 09. SUNNY DAY REAL ESTATE. DIARY/LP2 (SUB POP/POP STOCK!) Antes de que a la MTV le diera por grupos como Tokio Hotel o My Chemical Romance y los emos se convirtieran en quinceañeros maquillados en constante rebelión -ejem- contra el mundo, hubo otra cosa emo en la que el término sí era correcto. El emocore fue la evolución del hardcore cuando la lucha política (esa que encabezaban Fugazi) fue sustituida por historias personales. Punkis ‘tristes’ como Jawbox o Sunny Day Real Estate ponían la carne de gallina a guitarrazos, y son precisamente estos últimos los que cobran relevancia puesto que, quince años después, el mítico sello Sub Pop ha reeditado los dos primeros y capitales largos de la banda, “Diary” (1994) y “LP2” (1995), este último conocido básicamente como ‘el disco rosa’, aprovechando que la banda original (Jeremy Enigk, Dan Hoerner, Nate Mandel y William Goldsmith) parece que se está pensando volver a las andadas. Curioso que en el pasado CLONE reseñáramos el “Vale Oso” de Enigk en solitario, y dos meses después toque hablar de su más glorioso pasado... Porque hay que decir que ninguno de los dos álbumes ha perdido con el tiempo ni un ápice de intensidad o -me permitan el chascarrillo- emoción. Además, vienen remasterizados de las cintas originales, incluyen jugoso libreto y se completan con dos temas nuevos por barba. Gloria pura, que diría aquel.>Pablo Vinuesa 10. SYNTAKS. YLAJALI (GHOSTLY INTERNATIONAL) Poco a poco, Ghostly International se está confirmando como uno de esos sellos a los que hay que seguir ciegamente, y si no, repasemos algunos de sus más memorables lanzamientos de la última temporada: primero fue el feliz debut de School of Seven Bells, luego el enigmático “Glider” de The Sight Below, más recientemente el enorme “A Certain Distance” de Lusine, y ahora nos vuelven a dejar boquiabiertos con este “Ylajali”, de Syntaks. ¿Se acuerdan ustedes de Limp, de la época gloriosa de Morr Music? Pues detrás de Syntaks se encuentra el mismo gurú de las baterías ultraprocesadas, el danés Jakob Skott, que para esta ocasión ha tirado de las sutiles texturas vocales de su compañera Anna Cecilia, que aportan ese punto etéreo, fantasmagórico y casi ‘seefeelesco’ al conjunto. El disco viene a ser lo que llaman por ahí un álbum conceptual, basado en la novela “Hunger”, del noruego Knut Hamsun, en la que Ylajali es ‘la mujer de los sueños’, y grabado en el mismo lugar en el que este escribió su obra. ¡Ah! El misticismo escandinavo... Déjense hipnotizar, esto es ambient pop para las masas.>J. Perepi 11. CALVIN HARRIS. READY FOR THE WEEKEND (COLUMBIA/SONY BMG) El otro día, mi hermano se montó en el coche y, tras escuchar un minuto la espectacular “Flashback”, me preguntó alarmado: “esto qué es, ¿la Maxima FM?”. Tras mi carcajada, vino la reflexión: “no es la Maxima, pero sí lo que debería de ser la Maxima”. Y digo esto porque esa canción es un auténtico pepino comercial, con inicio eurobeat, ritmo reguetón, delirios tranceros, estribillos espaciales y todo lo necesario para triunfar entre las gentes del calle. Además, “Flashback” no es la única, ni mucho menos: “You Used to Hold Me” y “I’m Not Alone” son otras dos grandes opciones para encender la pista de baile. Le pasa a “Ready for The Weekend”, segundo disco largo del altísimo gambitero escocés, lo mismo que a su debut, el también cargadísimo de singles “I Created Disco” (2007), que resulta una colección un tanto amorfa de estilos, maneras y conceptos, pero que funciona canción a canción como si fuera una bomba de relojería. Da igual que el gamberro le dé al pop oscurete, a la disco music setentera o incluso a los baladones; Harris es un productor superdotado y, lo que es más estimable, un auténtico sinvergüenza, como bien demuestran el vídeo de la citada “Flashback” o la broma que se inventó con ese “Humanthesizer” que han copiado hasta en El Hormiguero... No podemos ser más fans, la verdad.>Pablo Vinuesa 12. BLK JKS. AFTER ROBOTS (SECRETLY CANADIAN/NUEVOS MEDIOS) Convertidos en una suerte de nuevo hype desde la aparición de su EP “Mystery”, BLK JKS, como black jacks pero sin consonantes y a lo bruto, demuestran al mundo que los que apostaban por ellos no estaban equivocados. Los componentes del grupo, Lindani Buthelezi, Mpumi Mcata, Molefi Makananise y Tshepang Ramoba, ponen a Johannesburgo en el mapa poco después de que sirviera como escenario en el fantástico film “District 9”. Parece justo, por eso de que ahora está muy de moda entre indies modernos del tipo Vampire Weekend lo de reivindicar Sudáfrica, no sólo que BLK JKS triunfen, sino que además lo hagan fichando por un sello norteamericano con tanto prestigio como Secretly Canadian. “After Robots”, eso sí, tampoco es un disco fácil. A la evidente influencia de la música africana se unen un cierto interés por investigar las ramificaciones menos evidentes del pop moderno y una clara fascinación por el rock progresivo. Eso hace de su álbum de debut un collage admirable, polirrítmico y poliédrico, que a buen seguro les garantizará una larga y próspera carrera musical. Y dicen que en concierto son fantásticos... >Pablo Vinuesa

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REVIEWS - DESTACADO Foto: Spiros Politis

FUCK BUTTONS

DEADMAU5

MÁS VALE SERCABEZA DE RATÓN...

MÁS VALE SERCABEZA DE RATÓN...

Texto_ Pablo Vinuesa

Texto_ Fernando Fuentes

Andrew Hung y Benjamin John Power son dos chavales de Bristol que se han puesto el mundo por montera, y cuando decimos ponerse el mundo por montera nos referimos a que a media escena indie se le cae la baba con ellos y a que están en uno de los sellos más selectos del planeta independiente: ATP Recordings. Y nos parece normal que a la división discográfica del intachable festival All Tomorrow Parties se les ocurriera ofrecerles el oro y el moro, puesto que la propuesta de Fuck Buttons es magnífica, ya empezando por haberse bautizado con uno de los nombres más geniales del rock (¿cómo lo traducirían ustedes? A mí personalmente me encanta ‘los botoncitos del joder’). En 2007 editaron el esperanzador single “Bright Tomorrow”, que los puso en la órbita de nuevos psicodélicos tipo Animal Collective. Su primer largo, “Street Horrrsing” (ATP, 2008), fue producido por John Cummings, de Mogwai, algo que se notaba para bien. Pero ha sido Andrew Weatherall, mítico pensador tras Two Lone Swordsmen y Sabres of Paradise, quien ha conseguido el lustre necesario para convertir a Fuck Buttons, no ya en una alegre noticia, sino en una incontestable realidad. Suena “Tarot Sport” a rock espacial, por supuesto, y también se nota su nacimiento en Bristol por las brumas sonoras y esos feedback eternos que no andan muy lejos del legado de los capitales Flying Saucer Attack, pero también han conseguido destilar un aroma pelín pistero que les beneficia enormemente.

De esta forma, no sólo se puede escuchar “Tarot Sport” mientras se lee el Wire cómodamente en el sofá, sino también como final melancólico para un afterhours perfecto tras una sesión de, pongamos, Ewan Pearson. Material de primera, sin duda alguna.

A pesar de la mascarita ciber-roedora -!qué caló, mi arma!-, la súperpuesta en escena cuasi eurovisiva y ese rollito DJ residente del Disney Channel, aquí no hay minino encerrado... De momento. Resulta que el famoso electro-ratón canadiense -léase Deadmau5- se saca ahora, de los mismísimos agujeros del queso de bola mainstream, una colección de temas nada inéditos -por ampliamente pinchados y testados en vivo por todos los multifestis del mundo- y se lleva el gato al agua. Parece que ha dejado atrás, sólo en parte, esa perenne y atufante pátina trancerosa, chandalense y poligonera, que tanto gustaba a los fieles profanos y molestaba a los supuestos eruditos que, por cierto, nunca se agencian un disco pagando porque viven de la limosna en forma de roídas promos, amén. Lo primero que entendemos, deshollando el track-list del disco, es que el pintón orejudo enmascarado ha espabilado y de qué forma. Se ha dado cuenta de que no sólo de subidones y cantaditas, alunizajes sintéticos y serruchazos finos vive el hombre moderno y parece alejarse del hediondo progressive, para fortuna propia e higiene sonora de los demás. Seguramente, sus padrinos Tiësto y Armin Van Buuren ya lo hayan tachado de la agenda del móvil, ese que cuando les suena suelta los ragafazos electro del pegajoso “Ghosts ‘n’ Stuff” a diestro y siniestro. Aclaremos, no obstante, que tras la efervescencia alegre que provocan las primeras escuchas de los presuntos hits de este flamante “For Lack of a Better Name” (EMI, 2009), cuando introducimos los trastos quirúgicos en las tripas del entramado mousero nos topamos con un tumor, poco curable, conocido coloquialmente como ‘me gustan más los billetes que comerme un gouda de tres kilates’. Lo cierto es que este álbum -que, insisto, no lo es tal- parece más un recopilata de éxitos estivales en el que participan diferentes artistas del digi-jaleo radioformulero unidos por un mismo estilo que ni ellos saben cuál es. Cada pista parece tener un origen distinto -vamos que es de diferente padre, que no de madre- y por ello el resultado final es un tanto difuso, raruno y definitivamente artificial. Lo único que está claro aquí es que cada golpetazo de sinte de este nueva entrega ratuna está tan bien trabajado y planeado que casi molesta. Dicen que el agujero hace al ratón... Y esto es un socavón, amigos.

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PROGRAMA teatro danza

JAN FABRE Y SU TEORÍA DEL CAOS Jan Fabre es conocido como artista de performance, pintor, escultor, diseñador de instalaciones multimedia, director de ópera y, por supuesto, como dramaturgo, coreógrafo y director de teatro, que es lo que aquí interesa. A sus cincuenta y dos años todavía se le considera ubicado entre las posiciones más radicales de renovación del teatro y la danza. Quizás por ser nieto de un famoso entomólogo francés, se ha interesado apasionadamente por los insectos, en cuyos hábitos ha encontrado parte dew la inspiración que determina un universo tan misterioso y personal, donde también encuentra cabida un fuerte compromiso político.

Durante el 2009, Troubleyn, la compañía junto a la que trabaja desde 1986, anda de gira por todo el mundo presentando su último espectáculo, “Orgy of Tolerance”, que pudimos ver este verano en España dentro del Festival Internacional de las Artes de Castilla y León, y también en Avignon, por donde el belga suele dejarse caer casi cada año. A mediados de noviembre podremos asistir a dos representaciones en Andalucía de una obra que ha obtenido ya varios premios, entre los que destaca el del Jurado de Danza del Sindicato de la Crítica francés al mejor espectáculo de la temporada 2008/2009.

Mr. Fabre presenta la obra al otro lado del teléfono explicando: «podemos adelantar que “Orgy of Tolerance” es un montaje de danza-teatro, en el que participan nueve artistas, que intercambian sus papeles de actores y bailarines, y alguno de los cuales también actúa como músico, interpretando en directo la música que ha compuesto para nosotros Dag Taeldeman. Tanto los textos como la coreografía han sido creados en estrecha colaboración con los actores. Yo tenía una coreografía y un texto de partida, pero cada uno de ellos fue haciendo aportaciones a sus personajes. Con alguno de estos artistas llevo más de diez años, por lo que me sentí muy cómodo trabajando así. Además, queríamos que la obra fuera un manifiesto conjunto de todos nosotros». En cuanto al argumento, «se trata de un espectáculo enérgico y trepidante en el que se crítica la aceptación por parte de nuestra sociedad de unos criterios de tolerancia extrema, que dan lugar a la “orgía”, al exceso en el consumo y en todas las facetas de la vida».

Le comento que, según mi punto de vista, en el título “Orgy of Tolerance” aparecen dos dimensiones distintas. La dimensión “orgy” haría referencia al consumo desenfrenado y sus consecuencias. Esta sería una dimensión social, que apunta hacia el consumo como el elemento central de una serie de relaciones sociales completamente vacías. Por otro lado, el concepto “tolerance” haría referencia a la dimensión política, al marco jurídico que permite esta “orgy”, este descontrol que se vende como requisito indispensable para vivir en libertad. Al parecer entiende mi razonamiento y me responde que, efectivamente, tiene en cuenta estas esferas en su trabajo.

Sobre los recursos que utiliza para articular su crítica cuenta que «en diferentes escenas censuramos esta situación haciendo uso deliberado de un lenguaje políticamente incorrecto. Decimos jódete a los judíos, decimos jódete a los palestinos, decimos jódete a los americanos, decimos jódete a los gays... Decimos jódete a todo el mundo porque todo el

mundo es culpable». También alude de forma algo más imprecisa al empleo de técnicas aprendidas de Monty Python, para añadir algo de comedia y absurdo a la embotada atmósfera que se origina.

Poniendo atención en aspectos más concretos, le comento que en la nota de prensa se dice que los personajes que aparecen en esta obra están solos, que la obra habla sobre su soledad. Entonces le pregunto que al ser nueve los artistas en el escenario, cómo se refleja esta soledad en sus relaciones. «Es cierto que en escena hay nueve artistas, y aun más, entre los nueve interpretan hasta cincuenta papeles diferentes. Pero las cosas ocurren en niveles independientes, cada uno se mueve en diferentes capas. Es como en la vida, tú puedes estar en la calle rodeado de cinco mil personas y sentir la soledad, o estar en tu trabajo rodeado de treinta y sentir igualmente esta soledad. Es la diferencia entre estar solo y la soledad. Los personajes están rodeados de otros personajes pero sienten esa soledad».

La nota de prensa también advierte de que algunas imágenes de este espectáculo pueden herir la sensibilidad del público, refiriéndose probablemente a los minutos que los protagonistas dedican a masturbarse sobre el escenario. Asimismo, la nota señala que la obra se representa en inglés con subtítulos en español, aunque según afirma Mr. Fabre, «durante la representación se habla en inglés, en francés, en húngaro, en búlgaro, en croata, etc. Pero es cierto que los idiomas que más se utilizan son el inglés y el francés, porque son los idiomas de los negocios. Además el francés tiene ese toque “chic”, de distinción, que tanto gusta a quienes queremos criticar con este montaje».

RESTO DE PROGRAMACIÓN Un cierto exceso se advierte también en el resto la agenda de teatro danza de las próximas semanas. Los teatros Central, Cánovas y Alhambra, de Sevilla, Málaga y Granada, han presentado una programación que concentra en los meses de noviembre y diciembre nombres como los de la compañía surafricana Handspring Puppet Company, famosos por su peculiar empleo de las marionetas y los recursos audiovisuales; Animalario, que vuelven a la carga con su interpretación de la biografía de “Urtain”; o los belgas Peeping Tom, cuyo nuevo trabajo ha despertado una enorme expectación, tras los éxitos obtenidos con “Le Jardin”, “Le Salon” y “Le Sous Sol”.

Por otro lado está la cita con el Festival de Otoño de Madrid, del 4 al 29 de noviembre; el último Festival de Otoño, ya que a partir del año que viene pasará a celebrarse durante la primavera. En esta edición destacan, en teatro, el espectáculo “The Blue Dragon”, último engendro de Robert Lepage para Ex Machina, y “Sonja”, nueva producción del Jaunais Rigas Teatris (los de “Long Life”). En danza repiten artistas que pudimos ver por aquí la pasada temporada, como el ballet Rosas y Les Ballets C. de la B., junto al proyecto, “Dunas”, colaboración de María Pagés con Sidi Larbi Cherckaoui.

PROGRAMA teatro danza

ESCENA Orgía

Texto_ Vicente Durá

El análisis de los niveles de tolerancia que rigen determinadas esferas de la sociedad contemporánea son el punto de partida de “Orgy of Tolerance”, producción de la compañía belga Troubleyn, dirigida por Jan Fabre, que destacamos en este número. ¿Se debe tolerar el actual tratamiento del sexo o la prostitución en prensa, televisión e internet? ¿Los regímenes democráticos deben permitir el ascenso al poder de elementos populistas o de extrema derecha contrarios a la democracia? ¿El mantenimiento de una ilimitada oferta de bienes de consumo resulta sostenible para el medio, indispensable para nuestra felicidad, es la única forma de mantener a la gente produciendo y trabajando para poder vivir luego?

En la imagena: “ORGY OF TOLERANCE”. Fotografía_ Jean Pierre Stoop Los espectáculos recomendados aparecen en nuestra agenda de la última página con indicación de las fechas, ciudades y teatros correspondientes.

ESCENA

ARTÍCULO dvd - cine

SEIJUN SUZUKI BORN TO KILL

DVDs textos_ David Pareja Mucho antes de que Tarantino mezclara el cine de artes marciales con géneros como el western o el cine de terror de serie B hubo un cineasta en Japón que hacía todo esto y más. Las películas de Seijun Suzuki son una mezcla de cine yakuza con prostitutas, drogas y una puesta en escena propia del teatro kabuki. Un cóctel explosivo que lo desterró al malditismo y lo llevó a ser expulsado de los estudios Nikkatsu donde filmaba sus películas.

Si pensamos en ese cine negro de Jarmusch, inconexo y a veces godardiano, en el colorido pop de las películas de Wong Kar-Wai, en los saltos temporales de la narrativa de Tarantino o en el surrealismo asiático y violento de Kitano, todo tiene herencia de Seijun Suzuki, un cineasta cuyo legado ha sido rescatado por otro todoterreno del cine japonés: Takashi Miike. Suzuki es visionario, capaz de mezclar cine noir de yakuza con jazz y erotismo o musical con sado.

El pack que acaba de editar Avalon contiene tres de sus obras maestras: “Gate of Flesh”, “Branded to Kill” y “Tokyo Drifter”. La primera de ellas es un film colorido al extremo, en el que los colores juegan un papel conceptual. Una historia de prostitución y erotismo y una

de sus mejores obras. “Branded to Kill” es un film innovador hasta decir basta, libre como una sesión de jazz que mezcla el sado con el surrealismo y el teatro kabuki, con una narrativa que asume las elipsis como un punto y seguido. En un glorioso blanco y negro, “Branded to Kill” es la quintaesencia Suzuki, un increíble despliegue estético y audiovisual. Toda una experiencia formal. El pack finaliza con “Tokyo Drifter”, otro ejercicio de estilo, igualmente teatralizado y rodado en color, haciendo gala de una paleta cromática rica y expresiva. Es esta película, que cierra un cofre apto para los paladares más inquietos, un film de género negro que mezcla el musical y el absurdo con una brillantez sólo a la altura de los grandes. La colección viene acompañada de extras entre los que se encuentra una entrevista a Jesús Palacios titulada “El Cine según Suzuki”.

“Gate of Flesh”, “Tokyo Drifter” y “Branded to Kill” están editadas en el pack de Seijun Suzuki que Avalon ha editado para la Filmoteca FNAC.

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MARGUERITE DURAS. INDIA SONG (INTERMEDIO) El caso de un escritor que domine la sintaxis literaria tanto como la puesta en escena cinematográfica es muy poco frecuente (pensemos en Paul Auster), pero hay excepciones. Una de ellas es la de Marguerite Duras (que ya escribió guiones como “Hiroshma Mon Amour”, de su admirado Resnais). Intermedio edita en edición de coleccionista “India Song”, un cofre que acompaña la película del texto originario editado en libro, otra de sus mejores películas: “Baxter, Véra Baxter”, “Lai” una película de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, que también firma un artículo sobre la autora. Marguerite Duras es una cineasta que se hizo con un lenguaje propio detrás de la cámara, un lenguaje desnudo, sobrio, caracterizado por una fuerte musicalidad. Los sonidos, el idioma, el texto son protagonistas de “India Song”, un texto sobre la soledad y el deseo del cuerpo amado. Una lección de cine.

INDIA SONG PARANOID PARK

DARIO ARGENTO

ERIC ROHMER. PERCEVAL EL GALÉS (INTERMEDIO) Adaptación del clásico “Los Cuentos del Grial”, de Chrétien de Troyes, Eric Rohmer realizó aquí una de las mejores adaptaciones cinematográficas que se han realizado nunca de una obra clásica. Partiendo de la base de un decorado no realista, afín en las representaciones de la época y que hace apología de una desnudez formal que engrandece el texto.

Emparentada con “Lancelot du Lac”, de Robert Bresson, en cuanto a la sobriedad de los medios utilizados y la belleza resultante, muy fiel a la obra, “Perceval el Galés” es uno de los mejores acercamientos al tema del Santo Grial y los manuscritos medievales y está inspirado, según palabras del propio Rohmer, en el teatro de la época. Fotografiada por el gran Nestor Almendros, la película consigue representar el espíritu y las liturgias de una época, un ejercicio de rigor histórico que acaba convenciéndonos por su belleza formal.

GUS VAN SANT. PARANOID PARK (AVALON) Adaptación de una novela homónima de Blake Nelson, la última película de Gus Van Sant –estrenada tarde en España y que ahora ve la luz en DVD- es la historia de un joven adolescente de Kentucky cuya principal ilusión es ir a Paranoid Park, el parque para skaters que hay a las afueras de la ciudad. En una de estas visitas, tendrá un altercado y habrá un asesinato en el que se ve fortuitamente involucrado. Una historia aparentemente sencilla que Van Sant retrata de forma magistral en parte gracias a la dirección fotográfica del gran Chistopher Doyle (operador habitual de Wong Kar-Wai) y a un característico diseño del sonido. Ambos consiguen una poética hipnótica alrededor del tema de la culpa (el propio Van Sant describió la película como ‘Crimen y Castigo, pero con skaters’) y se acerca de nuevo al espíritu adolescente que ya protagonizó obras reciente como “Elephant”. Como siempre, no defrauda. Todo lo contrario.

ESSENTIAL DARIO ARGENTO (MANGA FILMS) Dario Argento es uno de los directores de terror más prestigiosos del cine europeo, en parte gracias a su sabia combinación de erotismo y terror, densidad plástica y dominio del suspense basado en atmósferas asfixiantes. Este pack de la colección Essentials de Manga Films recoge algunas de sus mejores obras: “El Pájaro de Las Plumas de Cristal”, su ópera prima y una de sus mejores obras, la que inició la trilogía de los animales. “El Gato de las Nueve Colas” es la segunda parte de la trilogía y su segunda película, que tuvo la mala fortuna de ir después de una película aclamada en medio mundo. “Suspiria” es su obra maestra y la primera de la trilogía de las madres. Uno de los estandartes del cine de horror contemporáneo. “Phenomena”, protagonizada por Jennifer Conelly y “El Fantasma de la Ópera”, su personalísima adaptación del género. Una oportunidad irrepetible de recuperar la obra de un clásico moderno.

LANZAMIENTOS CRÍTICAS LITERATURA DVD - CINE

SEE IT críticas cine

MALDITOS BASTARDOS (“INGLORIOUS BASTERDS”, EEUU/ALEMANIA, QUENTIN TARANTINO, 2009)

Para cuando leas esto, es probable que ya hayas visto esta película, sin duda uno de los estrenos del otoño, y también que ya hayas leído un montón de cosas sobre ella. Por lo tanto, me limitaré a afirmar y justificar por qué Quentin ha vuelto a salirse con la suya. A partir de una supuesta revisión de los films bélicos de entretenimiento puro que abundaron a caballo de los años 60 y 70, Tarantino se embarca en un ejercicio cinéfilo extremo, que se atreve también con el spaghetti western, el cine de espías o el cine de la Ocupación, subgénero característicamente francés, para llevar a cabo una operación tremendamente audaz: la reivindicación del cine como herramienta que puede cambiar la Historia, tanto en sentido metafórico, como en el puramente físico. Pero además, el italoamericano realiza su primera película ‘europea’ y lo hace respetando la babel de idiomas que era el continente durante el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial. Casi por primera vez en el cine yanki, los alemanes hablan alemán, los franceses francés, los americanos declinan los diferentes acentos que caracterizan a tan vasto país, y los ingleses se comunican en un perfecto inglés. En este caso más que nunca, el visionado de la película en V.O. resulta indispensable. Basta comparar el grotesco tono de paleto sureño con el que Brad Pitt dibuja perfectamente a su personaje con los infinitos matices que el coronel de las SS Hans Landa da a su discurso en todas las lenguas que en la película aparecen, componiendo así uno de los malvados más hiperbólicos y atractivos de la historia del cine.

Son demasiados los asuntos que me dejo en el tintero al hablar de esta película larga que se hace corta, aparentemente menos tarantiniana de lo habitual, pero que resulta a la postre un compendio de todo su cine anterior, y sobre todo un logrado homenaje al cine en todas sus potencialidades. Recomendación segura para todo aquel que se deje los prejuicios y las expectativas tarantinianas fuera de la sala.>Juan Pablo Ramos Fernández

ESTRENO CINE

Algunos personajes de MALDITOS BASTARDOS. De izquierda a derecha: Melanie + Eli + Diane.

EL SECRETO DE SUS OJOS (ARGENTINA, JUAN JOSÉ CAMPANELLA, 2009) Puede resultar ridículo decir que ya no se hace cine como el de Juan José Campanella. Pero es que es verdad. Estamos hablando de un cine sencillo, nacido para contar historias que emocionan, sin aparentes pretensiones artísticas. Cine bien hecho, con diálogos que transmiten y actuaciones meritorias. Campanella se ha hecho un hueco en la cinefilia universal haciendo fácil lo difícil. Siendo un autor en solitario, con una propuesta estándar que todos conocíamos y valorábamos en su justa medida. Pero “El Secreto de sus Ojos” (2009) es un paso más allá. Aquí sí encontramos pretensiones artísticas (prodigioso el plano-secuencia en el estadio de fútbol) y captamos un atrevido conocimiento del medio fruto del reciente bagaje televisivo. Campanella se somete a las reglas del género, de todos ellos a la vez, y triunfa. “El Secreto de sus Ojos” es un acierto en pleno. Es una película redonda, que no quiere decir perfecta. Es un compendio de cine en estado puro diseñado para que todas sus partes brillen por sí mismas. Es también la película más sólida y compleja de la filmografía del argentino. Decíamos que ya no se hace cine como el de Campanella, pero es que hacer las cosas así de bien, y que no lo parezca, es muy complejo. “El Secreto de sus Ojos” es, simplemente, un regalo para cualquier espectador.>Fran G. Matute

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JOSÉ MARÍA MIJANGOS. SOUL MAN (LENGUA DE TRAPO, 384 PÁGINAS, 2009) Qué gran historia ha inventado José María Mijangos en “Soul Man”. La de una herencia, que se lleva en la sangre, que fluye sin control y va dejando un poso invisible allí dónde se la escucha. Es la historia del creador que no percibe regalías. De la influencia no reconocida en los libros. Desde Memphis hasta el Averno pasando por Madrid, “Soul Man” nos relata el viaje vital de Cleophus Taylor Porter, que no es otro que el del nacimiento del rock. De Ray Charles a los Kinks, de Big Bill Bronzy a los Brincos. Qué gran historia tenía Mijangos en la cabeza y qué lástima que su plasmación no haya sido más certera. Permítaseme discernir sobre la obsesión del autor en adjetivar la narración de forma rimbombante ad absurdum (jamás debieron regalarle el diccionario de sinónimos); permítaseme también poner en tela de juicio la calidad del sentido del humor que gasta el señor Mijangos (podríamos argumentar, siguiendo su peculiar estilo, que la musa del chascarrillo no ha anidado nunca en el pecho de este prosista). Podrían ser estas cuestiones baladíes si no despistaran tanto al lector que, entregado en cuerpo y alma, lucha por escapar de tanto tópico mal avenido. ‘Escribir sobre música es como bailar sobre arquitectura’, dicen que dijo en su día Frank Zappa, y reconocemos esa dificultad en “Soul Man”, cuya lectura se nos antoja, cuanto menos, frustrante.>Fran G. Matute JONATHAN COE. LA LLUVIA ANTES DE CAER (ANAGRAMA, 256 PÁGINAS, 2009) Una anciana soltera muere y, entre los trastos que deja en herencia, aparecen veinte fotografías y un puñado de cintas de casete dirigidas a una persona desconocida. Meses después, y al no encontrar a la destinataria, la sobrina de la anciana se enfrenta al legado junto a sus dos hijas, y descubre la verdad oculta sobre varios de sus parientes. Sin embargo, y más allá de la historia que cuenta, una dramática saga familiar, que se extiende por varias generaciones y que implica sobre todo a las mujeres, el gran interés de “La Lluvia Antes de Caer” reside en su original estructura. A caballo entre el género epistolar, la novela histórica y el monólogo interior, la novela de Jonathan Coe elude la narración lineal y va saltando en el tiempo con la misma fugacidad y fragilidad con la que funcionan los resortes de la memoria: fogonazos de intensidad brutal, en la que muchos detalles están minuciosamente descritos y otros se han borrado de manera dolorosa, dejando puntos negros de difícil resolución. Cada una de esas veinte imágenes funciona así como una pieza de un rompecabezas emocional, que además resuena en la cabeza de las tres oyentes casuales, modificando la manera en la que se habían enfrentado al mundo hasta ese momento. Construida con la precisión de un relojero, “La Lluvia Antes de Caer” se convierte así en un notable (y absorbente) ejercicio de narrativa, al que sólo le sobra un cierto tufillo cosmogónico: la memoria, después de todo, es algo fragmentario y casual. Y está bien que sea así.>Vidal Romero CHARLOTTE ROCHE. ZONAS HÚMEDAS (ANAGRAMA, 206 PÁGINAS, 2009) Las redes sociales han vuelto a poner de moda los relatos en primera persona, la vida publica y la privada se entrecruzan y todo pasa a formar parte de un gran relato 2.0. En plena era Facebook, Charlotte Roche ha escrito un nuevo boom literario, éxito de ventas en países como Francia, Inglaterra o Alemania, su país de origen, y traducido a más de 25 idiomas. Helen, la protagonista, tiene una flora de hemorroides instalada alrededor del ano. En un intento de culminar la depilación anal, se causa una fisura que la lleva hasta el hospital. Desde allí, postrada en la cama y con un tajo en el ojo del culo, cimienta la historia de “Zonas húmedas”, un relato confesional sobre el sexo y el cuerpo femenino. Una comedia que revienta la base de todos los tabúes de la sociedad contemporánea y que pone en escena temas como la masturbación y el sexo (anal, claro). Un libro a la par ameno y de ágil lectura de una autora que algunos ya se atreven a comparar con Salinger y Ballard. Tiempo al tiempo. > David Pareja

CRÍTICAS LITERATURA

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MADE OF JAPAN LA NUEVA REVISTA DE ONITSUKA TIGER Para celebrar su 60 aniversario, la marca deportiva japonesa Onitsuka Tiger publicará Made of Japan, una revista exclusiva de edición limitada. Con la participación de líderes de opinión del mundo del deporte, la moda, la música y el arte, la revista será una puerta de entrada a la exclusiva e intrigante cultura nipona. Made of Japan, creada en estrecha colaboración con el equipo creativo de Zoo Magazine, también embarcará a los clientes en un viaje íntimo a través de los 60 años de historia de Onitsuka Tiger, creando simultáneamente un registro de los visionarios que comparten los valores personales de esta marca. Estamos ante un nuevo ciclo de vida, una nueva generación Made of Japan.

Más info en www.onitsukatiger.com Made of Japan: © Fumino Osada

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Camiseta por Guido Crepax

EASTPAK Y ED BANGER RECORDS

Forma parte de la iconografía norteamericana y, por extensión, la conocemos como si fuera la nuestra propia: hablamos del garaje de la puerta trasera, el de las casitas con jardín a la entrada. En España pocos (o muy pocos, me atrevería a decir) habrán comenzado sus pinitos musicales en este espacio, sin embargo, este lugar, mitológico para muchos de nosotros, es más que una realidad en EE.UU., donde incluso ha dado nombre a un estilo musical. Pues bien, en este empeño por rendir pleitesía a los comienzos de grandes nombres, la firma Insight ha creado una colección cuyo leit motiv vive precisamente en ese viejo garaje. “Garage Artists” es una extensión y un remanente de la ya conocida “Art by Friends”. Un humilde homenaje a un grupo de artistas emergentes y a otros ya conocidos que participarán en proyectos especiales, colecciones de temporada y cápsulas exclusivas en las tiendas de Insight... Algunos de los muchos artistas de garaje que estarán presentes en esta colección serán Guido Crepax, Nilkita Sorokin, Cameron Smith, Steve Uren y Cameron Allan McKean.

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No es nada nuevo. Las colaboraciones entre firmas de moda y casas discográficas es una de esas ‘viejas’ amistades que tan buenos resultados han dado en cuestiones de marketing. En este caso los protagonistas no son otros que la archiconocida Eastpak –su mochila Padded Pak’r y bandolera Delegate son ya verdaderos iconos- y el sello discográfico francés Ed Banger Records. Para la ocasión, So Me, director creativo de la casa de discos, ha diseñado un potente estampado en morado y gris que, sobre los míticos productos de Eastpak, revive el espíritu rebelde y colorista de la década de los 70. Además, en cada bolsa hay un código de registro con el que podrás acceder a contenidos exclusivos de internet de ambas marcas.

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NUEVA TIENDA EN SEVILLA Cuántas veces no nos habrá pasado que a la hora de buscar unas zapatillas sólo encontramos las mismas que lleva todo el mundo. La originalidad es difícil de conseguir si se trata de calzado en esta ciudad. Pues bien, eso va a dejar de ser un problema, porque ha abierto sus puertas un nuevo espacio, Trendy Sneakers, donde el diseño y las tendencias internacionales sí están presentes. FENCHURCH, SIXPACK FRANCE, VICELONA, INSIGHT, LRG, CLAE, SUPRA NS, NIKE,MERC, IM KING, STUSSY... Son sólo algunas de las prestigiosas marcas que encontrarás, no sólo en zapatillas, también en moda y complementos. Situada en el ‘boulevar’ del street wear sevillano, la céntrica Calle Arjona, en Trendy Sneaker encontrarás además las camisetas de Sixpack, Grotesk o las de Im King (muy exclusivo) y numerosas actividades y exposiciones, como la de los divertidos muñecos de Custom Comisión, shows de DJs de la escena sevillana, etcétera.

Además tienen mucho del material que encontrarás en la tienda subido a su website -donde podrás ver y elegir tranquilamente antes de pasar por Trendy.

Más info en www.trendysneakers.es

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NOVIEMBRE Viernes 06

LA ANTONIA PINCHA www.myspace.com/laantoniapincha

Sábado 07

Viernes27

ONE M AGNESS DJ (clone) LA ANTONIA PINCHA www.myspace.com/laantoniapincha

Sábado 28

PLEXIGLÁSS. “She said YEAH!” FIESTA DE LA MUJER GRUPI DE MIERDA + STEBARBUDA REOFAN + XTINA TURNER + DICIEMBRE YOUR GIRLFRIEND Viernes 13

ESTILO IMPERIO Sábado 14

BUENAVISTA (RAZZ - BCN)

www.myspace.com/buenavistaentertainment

+ LA ANTONIA PINCHA Viernes 20

CHEMA REY: DJ BULEVAR (RNE3) Sábado 21

ERDIYEI vs SOUVERDJ

(Somoslas, La _[2] de Apolo, Barcelona) www.myspace.com/souver

CALLE TRASTAMARA, 29. SEVILLA www.myspace.com/salaobbio

Viernes 04

DAVID KANO DJ (CYCLE) www.myspace.com/davidkano

Viernes 04

10º ANIVERSARIO OBBIO

NACHO CANUT ROBERTA MARREO (FANGORIA) Sábado 19

10º ANIVERSARIO OBBIO

HIDROGENESSE live! www.myspace.com/hidrogenesse

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D.A.T.E.

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Más fotos en http://www.flickr.com/photos/clonemagazine/

POST

FESTIVAL SOUTH POP ISLA CRISTINA

INVADA INVASION

(DEL 11 AL 12 DE SEPTIEMBRE, ISLA CRISTINA, HUELVA) El hecho de que los festivales de verano sean un cúmulo de incomodidades que a veces ni siquiera compensan un buen cartel es algo cada vez más constatable, sobre todo a medida que vamos cumpliendo años. Los chicos de Green Ufos, que son gente astuta, le han dado la vuelta a la tortilla a esta realidad y han apostado por un concepto de festival donde lo primero sea la comodidad del espectador. Desde el alojamiento, hasta las instalaciones del recinto de conciertos, pasando por otras actividades lúdico-festivas, como barbacoas gratuitas y sesiones de DJ junto a la piscina, todo está cuidado hasta el último detalle. Si a eso encima se le añaden un cartel coherente y atractivo, y unos precios realmente populares, el éxito está más que asegurado. En lo estrictamente musical, habría que hablar de unos Piano Magic rejuvenecidos y con más fuerza que nunca, de unos Tannhäuser que confirman que son una de las bandas nacionales con más proyección, y de unos Punsetes que demuestran con su directo que el éxito no les ha caído del cielo porque sí, sino porque son muy grandes. Esperemos que todo sea igual el año que viene, aunque francamente dudo que esto pueda ser mejorado.>J. Perepi

(26 DE SEPTIEMBRE, BRISTOL COLSTON HALL, BRISTOL, UK) Aprovechando la reciente reforma de uno de los teatros más importantes de Bristol, el siempre inquieto Geoff Barrow ha comisionado un minifestival compilando el grueso de artistas de su sello discográfico, Invada, y aderezando el cartel con algunas bandas de más renombre, que al fin y al cabo representaban el plato fuerte de la jornada. A destacar: Zu, Mogwai y Fuck Buttons. Cualquiera que haya visto a los italianos Zu sabrá que son unos animales sobre el escenario, y realmente no hace falta ser un aficionado al hardcore para apreciar lo que hacen. Animales con clase. Otros animalitos son Mogwai, pero no debería escribir más sobre ellos porque voy a terminar perdiendo mi credibilidad con tanto elogio, en cualquier caso valió la pena poder oírlos por fin al volumen al que realmente se supone que deben sonar.

Pero para animales, y la gran sorpresa de la noche para un servidor, el premio se lo deberían llevar Fuck Buttons. Es increíble que alguien pueda liar la que liaron estos, contando tan sólo con dos o tres tecladitos de juguete, un sampler y un par de pedales de guitarra tipo Metalzone. La animalada mayúscula.>J. Perepi

INAUGURACIÓN WAM BY ABRIL ANDALUCIA SABOR 2009. TODO LO QUE CABE EN UN PLATO...

(DEL 22 AL 29 DE SEPTIEMBRE, FIBES, SEVILLA) Lomos de grandes chefs confitados a baja temperatura en aceite virgen extra de Jaén sobre espuma de expositores de consejos reguladores de Denominaciones de Origen de Andalucía, con una lluvia de estrellas Michelin y reducción de concurso “mejor cocinero novel de Andalucía”. Acompañado de bouquet de excelentes materias primas andaluzas envueltas en constitución de la academia iberoamericana de gastronomía y kenel de grandes ponencias y escamas de show-cookings a cargo de 36 de los mejores chefs del mundo. Esto y mucho más, cabe en el plato de Andalucía Sabor.

Del 22 al 29 de septiembre se celebró en FIBES la segunda edición de la bienal de alta cocina andaluza. Este encuentro para profesionales del sector, organizado por la Junta de Andalucía, ha servido de marco para demostrar que los maravillosos productos de la tierra están en la cumbre de la pirámide en cuanto a variedad y calidad: jamones, pescados, verduras, carnes, vinos olorosos... Y todos ellos regados con nuestro inmejorable aceite virgen extra, han dejado a propios y extraños encantados. Paralelamente, se ha celebrado el congreso de alta cocina para profesionales, donde pudimos deleitarnos con los show cookings en directo de estos alquimistas de blanco.

Desvelaron sus secretos y sus técnicas, demostrando así el porqué de que sean la vanguardia de la cocina actual y deslumbrando a todos con sus reinterpretaciones y adaptaciones de algo tan nuestra como la tapa que, como dijo Ferran Adrià, “son el vehículo exportador de la calidad de los alimentos de Andalucía”. También hay que hacer mención a otros eventos celebrados como el concurso de corte de jamón, el concurso benéfico Mejor Gazpacho Solidario, la presentación del libro “Alimentación y Dieta Mediterránea” o el VIII concurso al Mejor Cocinero Novel del Año, que cayó en las manos de Juan José Ruiz. Por último y para rememorar al gran Adrià cuando dijo que “Andalucía merece la pena ser cocinada”, me bajo al bar a por una cerveza y un serranito. Bon appétit... >Julián Medina

(16 DE OCTUBRE, WAM BY ABRIL, SEVILLA) Bueno, pues los perlitas ya pueden darse abrazos y la enhorabuena mutua, ya que la existencia de otro club de música electrónica, y más en concreto de BUENA música electrónica, es una noticia fantástica para la ciudad.

WAM by Abril, que así se llama el invento, viene a ocupar un espacio, las terrazas y la planta a nivel del suelo de la discoteca Abril Sevilla, anteriormente conocida como El Coto, que puede dar cierta grima a los modernos, por eso de que Abril les puede parecer sinónimo de niñas siliconadas, petaditos de gimnasio y mucha, mucha Máxima FM. Pero no se llamen a equivocación, perras de la noche, porque ya desde la imagen corporativa, WAM by Abril avisa de que lo suyo no es impostación: calidad musical en un ambiente privilegiado, y punto. Para presentarse en sociedad, el viernes 16 de octubre se reunió allí la nata y la crema de la cosa in hispalense, y para amenizar el ambiente se plantearon dos sesiones la mar de apañás...

A las horas de padres, Vidal Romero, ese workahólico nocturno al que ven ustedes asomarse por estas páginas mes sí y mes también, sentó las bases del catálogo musical de WAM: electrónica vanguardista y amable, bailable pero no embrutecida, elegante pero no moña. Y a la hora bruja, la pin-up y cantante de Krakovia, Vinila von Bismark, asaltó la cabina para, primero, soltar una andanada de rock y punk primigenio, y segundo, para empezar a desperdigar candela bailonga de la buena. Aquello, sobre todo cuando su amigo Puto Amo (quien pinchaba también al día siguiente) se puso a ayudarla y, no contento con eso, se empetó máscara de luchador y lució talega al aire, se puso de lo más candente... Y sí, ciertamente la noche terminó un poco alejada de las supuestas coordenadas de lo que va a ser el club habitualmente. Y sí, la gente que abarrotaba el club iba navegando por el hiperespacio sensorial... Pero aquello, señores, fue un fiestón de los buenos, y al fin y al cabo, un poco de descontrol nunca hizo mal a nadie.

Sobre todo a un buen perlita. WAM, ¡bienvenido!>Jorge Montes

Vinila Von Bismark - WAM by Abril Tolas las fotografías de esta página: Piter Pank Público, amigos, funny...

CHRIST. Festival Electrochock (US)

QBERT (USA)

EDITORS PROGRAMA MÚSICA, ARTE, ESCENA...

MÚSICA 01/11. KINGS OF CONVENIENCE. Teatro Circo Price. Madrid 03/11_07/11. VETUSTA MORLA. Varios espacios. Madrid 03/11. EVANGELISTA. Moby Dick. Madrid 04/11. ZU + BLOOMING LATIGO. Sala Malandar. Sevilla 04/11. DO MAKE SAY THINK. Kafe Antzokia. Bilbao 05/11. CHRIST. + VOODOOETNIES & TOROWEINS. Pistadigital. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla 06/11. REX THE DOG (UK) + HOMEBOY. Low Club. Madrid 06/11. PONY BRAVO. Rizerca e Cooperazione. El Cairo. Egipto 06/11. CLÂ. Sala El Sol. Madrid 06/11. SWAN FYAHBWOY. Sala Kimbara. Santander 06/11. HAUSCHKA + TENSION CO. Pistadigital. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla 06/11. bRUNA DJ set. WAM by Abril. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla 07/11. BEDROOM COMMUNITY showcase. Pistadigital. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla 07/11. UNDO DJ set. WAM by Abril. Festival Electrochock (US) 2009. Sevilla 07/11. PLEXIGLÁSS -She said YEAH!. GRUPI DE MIERDA + STEREOFAN + XTINA TURNER + YOUR GIRLFRIEND. OBBIO La Sala Club. Sevilla.

07/11. BREAKBOT (Ed Banger/FRA) + HOMEBOY. Low Club. Madrid 07/11. ABLETON LIVE NIGHT. Mondo Club. Barcelona 07/11. MENDIGO + MANUEL DOPICO + artistas especiales invitados. Sala Malandar. Sevilla 07/11. KINGS OF CONVENIENCE. Teatro Victoria Eugenia. San Sebastián 07/11. DORIAN. Sala Apolo Levi´s® 501® Live!). Barcelona 07/11. EXTRAPERLO. Nasti. Madrid 08/11. CAMERA OBSCURA + MAGIC ARM. Sala Heineken. Madrid 10/11. LOVELY LUNA. Teatro Nuevo Lara. Madrid 11/11. THE MATT HARDING PROJECT. Salón de Actos Politécnica. Algeciras 11/11. RYUICHI SAKAMOTO. Festival de Otoño. Teatro Circo Price. Madrid 12/11. ZOO. Sala Moby Dick. Madrid 12/11. QBERT (USA). Sala Q. Sevilla 12/11_15/11. DAMIEN JURADO + GROUPER + EARLY DAY MINERS y más. Fiestas de presentación Tanned Tin 2010. Varios espacios. Madrid y Barcelona 13/11. QBERT (USA). Sala Industrial Copera. Granada 13/11_14/11. HYPERSOUNDS. Sonidos contemporáneos. Museo Reina Sofía. Madrid 13/11. ALONDRA BENTLEY. Auditorio Fonseca. Salamanca 13/11. SIMIAN MOBILE DISCO DJ set (UK) + HOMEBOY. Low Club. Madrid 14/11. BUENAVISTA (RAZZ) + LA ANTONIA PINCHA. OBBIO La Sala Club. Sevilla.

14/11. BRODINSKY (FRA) + HOMEBOY. Low Club. Madrid 14/11. NO APTO + HAREM. Sala Malandar. Sevilla 14/11. ANNI B SWEET. Festival Rioja Fusión. La Rioja 14/11. SOULSAVERS. Ramdall. Madrid 16/11. RICKIE LEE JONES. Aulario La Bomba. Cádiz 18/11. MICHACHU AND THE SHAPES. Razzmatazz sala 3. Barcelona 18/11. YANN TIERSEN. Ratzzmatazz sala 1. Barcelona 19/11. YANN TIERSEN. La Riviera. Madrid 20/11. CHEMA REY DJ BULEVAR (RNE3). OBBIO La Sala Club. Sevilla.

20/11. AMABLE + ICO. Low Club. Madrid 20/11. WIKO JOHNSON BAND. Aulario La Bomba. Cádiz 21/11. SOMOSLAS (APOLO, BCN). OBBIO La Sala Club. Sevilla.

21/11. APPARAT + SKATE + DANIEL METEO. Shitkatapult night. Low Club. Madrid 21/11. CODE ON TOUR. Granada 21/11. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO. Nasti. Madrid 21/11. ANDREW BIRD. Joy Slava. Madrid 23/11. SIX ORGANS OF ADMITTANCE. Moby Dick. Madrid 24/11. ANDREW BIRD. Apolo. Barcelona 24/11. THE HORRORS. Razzmatazz. Barcelona 25/11. THE HORRORS. Joy Eslava. Madrid 25/11. MAYER HAWTHORNE & THE COUNTY LONELY HEARTS CLUB TOUR. Festival de cine de Gijón.

26/11_28/11. RECHEZENTRUM + RYUICHI KUROKAWA + HECQ y más. Festival Lux 2009. Fundación Tres Culturas en el Pabellón de Hassan II. Sevilla 27/11. ONE MAGNESS DJ + LA ANTONIA PINCHA. OBBIO La Sala Club. Sevilla.

27/11. ‘KING’ YELLOWMAN & THE SAGITTARIUS BAND. Sla Bikini. Barcelona 28/11. FIESTA DE LA MUJER BARBUDA. OBBIO La Sala Club. Sevilla.

04/12. DAVID KANO DJ (CYCLE). OBBIO La Sala Club. Sevilla.

04/12. FRAND FERDINANZ. Pabellón Príncipe Felipe. Zaragoza 08/12. EDITORS + MACCABEES. Razzmatazz 1. Barcelona 09/12. EDITORS + MACCABEES. La Riviera. Madrid 09/12. WE ARE STANDARD. Sala El Sol. Madrid 09/12_13/12. DEVENDRA BANHART + SCOUT NIBBLETT + SCHOOL OF SEVEN BELLS y más.

Festival Primavera Club. Varios espacios. Madrid y Barcelona.

09/12. WILLIAM FITZSIMMONS. Sidecar. Barcelona 10/12. WILLIAM FITZSIMMONS. Moby Dick. Madrid 15/12. DORIAN. Centro cultural provincial. Málaga 17/12. LA HABITACIÓN ROJA. Teatro Calderón de Alcoy. Alcoy. Alicante

18/12. 10º ANIVERSARIO OBBIO. NACHO CANUT Y ROBERTA MARREO. OBBIO La Sala Club. Sevilla.

19/12. 10º ANIVERSARIO OBBIO. HIDROGENESSE live! OBBIO La Sala Club. Sevilla.

21/01. DELOREAN. Teatro Calderón de Alcoy. Alcoy (Alicante) ARTE Y AUDIOVISUAL 11/09_15/11. ROBERT MAPPLETHORPE. Centro de Arte contemporáneo de Málaga. Málaga 17/09_10/01. ‘MÁQUINAS DE MIRAR. O CÓMO SE ORIGINAN LAS IMÁGENES’. CAAC. Sevilla 18/09_07/11. MARTIN ASSIG. La presa / Die Beute. Obras 1995-2008. Centro de la Artes de Sevilla (caS). Sevilla 21/09. ALIAS LILO. So Bin Ich. Galería Weber-Lutgen. Sevilla 24/09_30/11. LUIS CRUZ SUERO. Sala Kstelar 22. Sevilla 02/10_03/11. JAVIER MARTÍN. El ojo y la barriga. Galería Birimbao. Sevilla 02/10_12/12. AXEL VOID. Homeless. Montana Shop & Gallery. Sevilla 09/10_07/11. EXPOSICIÓN CARLOS FRANCO. Galería Concha Pedrosa. Sevilla 09/10_24/01. CHEMA COBO. Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. Málaga 09/10_22/02. JOËLLE TUERLINCKX. CRYSTAL TIMES. Reflexión sin sol / Proyecciones sin objeto.

Museo Reina Sofía. Madrid 10/11_09/01. JOSÉ MARÍA BAEZ. Obsesión. Galería Rafael Ortiz. Sevilla 19/10_21/11. SOPHIE TAEUBER-ARP. Caminos de vanguardia. Museo Picasso. Málaga 21/10_11/01. RODCHENKO Y POPOVA. Definiendo el constructivismo. Museo Reina Sofía. Madrid 25/10_10/10. ‘WINDOW TO THE WORLD’. A Kassen_Laboratorio 987 del MUSAC. León 29/10_01/11. ARTFUTURA. Varios espacios. Barcelona, Alicante y Madrid 29/10_08/11. 7º Festival Internacional de Cine y Documental Musical de Barcelona IN.EDIT BEEFEATER 2009. Varios espacios. Barcelona 05/11_22/11. ACCIÓN MAD!. Diversos espacios. Madrid 06/11_14/11. FESTIVAL DE CINE EUROPEO. Sevilla 13/11_05/12. DANI ENSESA. Pájaros y peces. Galeria Concha Pedrosa. Sevilla 20/11_28/11. CINEMAD. XVI Festival de Cine Independiente y de Culto. Madrid 20/11_22/11. 10º ENCUENTRO DEL CÓMIC Y LA ILUSTRACIÓN DE SEVILLA. Diversos espacios. Sevilla 21/11. LOVERBOOKING. Showroom de moda. Hotel RoomMate Lola. Málaga 21/11_29/11. HOCUS POCUS Festival Internacional de Magia de Granada. Varios espacios. Granada 27/11_23/01. APRENDIENDO A MIRAR. 25 años de la galería de Rafael Ortiz. CaS. Sevilla 03/12_12/12. 14ª Edición del FESTIVAL DE CINE DE ZARAGOZA. Varios espacios. Zaragoza.

AGENDA TEATRO DANZA Durante todo el mes de noviembre la SALA CERO, en Sevilla, celebra su X Aniversario con una programación especial . Información y venta de entradas en www.salacero.com XXVI EDICIÓN FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID. Teatro, Danza, Música y Circo 04/11_29/11. Varios espacios en la provincia de Madrid Información y venta de entradas en www.madrid.org/fo/2009/es III MUESTRA DE TEATRO ANDALUZ 10/11_13/11. Varios espacios en el Puerto de Santa María (Cádiz) Información en www.circuitosandaluces.es MES DE DANZA: “EN CREACIÓN” 13/11_22/11. Varios espacios en la ciudad de Sevilla Información en www.trans-forma.es “ORGY OF TOLERANCE”. Troubleyn / Jan Fabre 13/11_14/11. Teatro Central. Sevilla “WOYZECK ON THE HIGHVELD”. Handspring Puppet Company 14/11_15/11. Teatro Alhambra. Granada 18/11. Teatro Cánovas. Málaga 20/11_21/11. Teatro Central. Sevilla “EVENT (2009)”. Merce Cunningham Dance Company 17/11_22/11. Mercat de les Flors. Barcelona “EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS ANIMALES: LOS CORDEROS”. Histrión Teatro. Escrita y Dirigida por Daniel Veronese 04/12_06/12. Teatro Cánovas. Málaga “URTAIN”. Animalario / Centro Dramático Nacional 04/12_05/12. Teatro Central. Sevilla 12/12_13/12. Teatro Alhambra. Granada “32 RUE VANDENBRANDEN“. Peeping Tom. 11/12_12/12. Teatro Central. Sevilla 16/12_17/12. Teatro Alhambra. Granada 19/12_20/12. Sala Gades del Teatro Cánovas. Málaga

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AGENDA Noviembre - Diciembre 2009

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10º ENCUENTRO DEL CÓMIC Y LA ILUSTRACIÓN DE SEVILLA ilustración: Sonia Pulido AGENDA CULTURAL

“El Duelo”. Ilustración: JULIÁN PEÑA (Punarock) Clone recomienda los siguientes establecimientos de compra y ocio seleccionados por su originalidad, estética y calidad de sus productos, servicios.

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