CLONE.46 by CLONE magazine

N46. MAR/ABR 11.

FREE ISSUE. REVISTA GRATUITA

Desde esta página, imágenes © Andi Rivas

Estas páginas, imágenes © Andi Rivas & Rosh

Desde estas página, imágenes © Rosh

BY ANDI RIVAS & ROSH

Este proyecto es un viaje con dos puntos de partida que finalmente se encuentran y se fusionan. Lo que aquí se muestra es el resultado de esta experiencia, la huella de un proceso, lo que queda en el camino... Uno de los orígenes aborda los puntos críticos de la humanidad en el nuevo milenio. Andi Rivas emprende el trayecto retratando los fantasmas de la sociedad de hoy en día, retos que el hombre debe afrontar para no destruirse a sí mismo. Amenazas como las ansias de poder, el cambio climático, las plagas, la contaminación, la economía basada en el crecimiento exponencial, la sobrepoblación o el reparto desigual de la riqueza forman parte de la conciencia colectiva actual, aunque también de la neurosis personal del autor. Un humor agridulce que mezcla bellas composiciones con la realidad más cruda. En el otro punto de partida, Rosh propone una reflexión personal. Un viaje al interior de cada individuo, una evolución de la consciencia, una realidad transformada por el amor como único remedio a un mundo enfermo. La unión de cada uno consigo mismo para posteriormente conseguir conectar con el todo. Entender la consciencia como un mar que ha de quedar en calma y fluir al mismo tiempo para el desarrollo. Un mar que se alimenta de amor, de deidades y fantasías personales que acompañan a Rosh en su viaje. “Left Along the Road” invita a un cambio personal dentro de nosotros para provocar el cambio global. La verdad se aleja cada vez más de panfletos y discursos políticos, empieza a crecer dentro de nosotros mismos... Utilizando el blanco y negro y las formas geométricas básicas (círculo,triángulo y cuadrado) como partitura, Rosh (Raúl Gandolfo) y Andi Rivas exploran su imaginería propia para ilustrar este viaje. El proyecto consta de 16 imágenes concebidas como carteles en colección de 16 láminas seriadas y numeradas, expuestas en Madrid y Sevilla con motivo de la presentación de este número de Clone Magazine. LA EXPOSICIÓN En la misma línea que comenzara con CLONE Graphix, CLONE quiere seguir contribuyendo a difundir la producción gráfica en sus distintas vertientes a través de acciones como la que presentamos. En este caso concreto, y con la primavera a la vuelta de la esquina, desde CLONE hemos pensado que qué mejor ocasión que la llegada de la estación más hormonal para celebrar una buena exhibición. Concretamente, y coincidiendo con el lanzamiento del número 46 de la revista (se dice pronto), estaremos encantados de veros las caras primero en Sevilla, en Delimbo Art Space , y más tarde en el madrileño barrio de Malasaña en Madrid. Lo dicho, esperamos veros a todos por allí. Imágenes © Andi Rivas (www.andirivas.com) & Rosh (www.rlove.es)

CONOCE A el negro

Nombre: Alberto Velázquez Edad: 33 años Lugar de nacimiento: Cádiz Profesión: Representante Creme Skateboards / ilustrador surfboards

1. Un concepto: Familia y amigos. 2. Un concepto sobrevalorado: El que no valore. 3. Una edad de oro: Los 27 años. 4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Woody de Toy Story.. 5. Un maestro/a: La calle. 6. Un momento del día que no cambiarías: No tengo nada que no pueda cambiar. 7. Un libro que no falta en tu habitación: Libros no, revistas sí. 8. Una obsesión solitaria: No tengo ninguna. 9. Un sueño repetido: Que todos salgamos de la crisis. 10. Un objetivo por conseguir: Tengo varios. 11. Tus pupilas se dilatan cuando: Veo algo digno de admiración.

www.gotcreme.com

Fotografía: Elam Revuelta

Spnsor: Vox footwear, Creme skateboards. “Sad to Fackie” en el nuevo Bowl del skatepark Plaza de Armas. Sevilla.

ENTREVISTA andrew pommier

Sus colaboraciones con grandes firmas como Adidas o RVCA, así como su presencia en publicaciones especializadas lo delatan: sabe lo que quiere. Es artista, hasta la médula, pero sabe moverse en un mundo en continua convulsión y cambios como es el mercado del arte. Sus diseños, validos de la expresión estética, nos envían mensajes codificados sólo aptos para los que traspasan la apariencia. Este es Andrew Pommier, así, sin máscara. Texto_ Maru Sánchez

Estamos inmersos en tiempos bastante duros y extraños a la vez. ¿Qué o quiénes crees que aún perviven escondidos en nuestra sociedad y sería necesario desenmascarar? Creo que es importante que la gente vea cómo funcionan realmente las organizaciones (gobiernos, corporaciones, instituciones) que nos gobiernan y regulan nuestra sociedad. Wikileaks ha hecho un gran trabajo tirando de la cortina para ver qué había detrás de ciertas áreas. Creo que esas filtraciones han ayudado a ver a mucha gente lo complejo de todo lo que nos rodea y la necesidad de no creer mucho de lo que nos dicen simplemente por el hecho de que proceda del gobierno o de grandes compañías. De hecho, estos entes tienen mucho que perder si toda la verdad sale a la luz. En 2010 protagonizaste una exhibición en Francia bajo el título “El tiempo del miedo”. ¿Tuvo que ver este eje argumental con las protestas sociales ocurridas en este mismo país hace apenas unos años? Del mismo modo, ¿podrían estos cuadros tener algo que ver con la agitación política que estamos viendo actualmente en muchos países árabes? Lo cierto es que comencé a realizar estas obras un año y medio antes de la exposición. En ese sentido, el tema de las máscaras es algo que viene siendo un elemento bastante regular en mi producción de un tiempo a esta parte. Estas pinturas son un paso hacia una conversación más madura sobre el arte y el proceso creativo y artístico. Y, aunque soy consciente de

la posible conexión con los disturbios y el terrorismo, yo no los hice como comentario sobre ninguna situación política específica. Bocas y ojos son a menudo los únicos rasgos identificables en tus retratos. ¿Son realmente estos últimos, como se dice, el espejo del alma? Los ojos son los que conectan al espectador con el retrato. La mirada y la boca se utilizan como elementos que sirven de unión entre los propios cuadros a la vez que les da a cada uno de ellos un poco de la humanidad y diferenciación. ¿Qué me dices acerca de las técnicas que utilizas? ¿Tienes alguna razón específica para elegir lápiz, grafito o pintura al óleo? Durante unos años el acrílico ha sido la principal técnica que he utilizado y, aunque me gustaba, quería volver a la pintura al óleo. Precisamente fue esta técnica la primera que usé de una manera algo más seria cuando era un adolescente. Me gusta mucho el proceso de pintura al óleo. Todo, desde el olor, al tiempo de secado más lento. Encuentro en este tipo de pintura un proceso más orgánico. Por otro lado, hace un tiempo quise incorporar algunas de las técnicas que he desarrollado en mi trabajo de acrílico con la introducción del lápiz. Me gusta la energía y la rapidez de este medio, muy directo, aunque no estaba muy seguro de si iba a funcionar aplicándolo sobre la propia pintura. He probado con diversos tipos y durezas de grafito y

UNMASK finalmente encontré una que funcionó. Tuve que aprender a tener un poco de paciencia ya que el aceite tiene que fijar antes de ir sobre él con el grafito. En cuanto a las marcas y borrones de lápiz, no cuentan, las hago sin ninguna dirección en especial, no pienso mucho sobre dónde estoy pintando. Aunque esta es una pregunta recurrente, no dejo de impresionarme con las posibilidades que nos da la red a los periodistas y por tanto me gustaría saber qué ha significado para ti internet y las redes sociales como artista. La red me ha ayudado mucho, de hecho no creo que pudiera haber llegado hasta donde estoy hoy sin ella. Tener una página web me permite mostrar mi trabajo a muchas personas alrededor del mundo y también trabajar con gente desde Australia hasta Europa. Mi amigo y artista Derrick Hodgson tenía una página web al principio de todo este boom, bastantes años antes que yo. Así, pude ver a través de él lo eficaz que era para mostrar su trabajo y, aunque me llevó algún tiempo obtener primero un ordenador y luego un sitio web, he de decir que ha sido la clave para mi trabajo, así como para la mayoría de los artistas actuales. Con un ordenador portátil, un escáner y conexión se puede trabajar desde cualquier lugar. De hecho, estoy contestando a la entrevista desde San Francisco en mi camino a Los Ángeles. En cuanto a las redes sociales, las utilizo, en su mayoría, para estar conectado con sus amigos, aunque también tengo un pequeño negocio al respecto.

El viaje, como concepto que implica cambio y desarrollo, es el leit motiv de este nuevo número de CLONE. ¿Alguna experiencia reseñable en ese sentido? Pues precisamente, como te comenté, estoy de viaje ahora mismo de San Francisco a Los Ángeles. De hecho he estado viajando desde agosto, cuando dejé mi apartamento en Vancouver para ir a Europa tres meses y medio, para una exposición en Francia. Cuando regresé pensé que debía continuar en la misma línea. Soy un gran defensor de viajar como un catalizador para el cambio y el desarrollo. Y es que desde que aplico esta filosofía nómada, gran parte de mi perspectiva sobre el hogar y la estabilidad ha cambiado. Creo que estoy mucho más relajado en cuanto a la necesidad y al sentido estricto de la palabra hogar. He sido capaz de dejar que las cosas sigan su propio curso y tratar de no controlar el resultado de los acontecimientos que se pusieron en marcha. Finalmente, ¿qué fortalezas crees que son imprescindibles para flotar y mantenerse en este marasmo que es el mercado artístico? Hablando desde mi propia experiencia diría que el principal ingrediente necesario es sentir pasión por lo que se hace. Uno tiene que ser apasionado del arte si quiere vivir de esto, especialmente en tiempos de escasez. Más info: www.andrewpommier.com ARTE

FotografĂas ÂŠ Kristina G. Fender (www.kristinafender.com)

ENTREVISTA el columpio asesino

Así es, nuestras únicas y últimas esperanzas están depositDAs en ellos. Sólo El Columpio Asesino pueden devolverle al panorama rock ibérico –que no hace ascos a la electrónica- esos gramos de emoción pixelada, de latido atávico y de mala baba que precisa cualquier festejo, con buen final sangriento, que se precie. “Diamantes” es mierda de la buena y por eso flota que da gusto y provoca tsunamis como vaquilla suelta en after pueblerino con los neones fundidos. Y es que, amigos, hasta el rabo todo es “Toro”. Textos_ Fernando Fuentes / Foto_ Peio Izcue

Enhorabuena, sois un jodido oasis en este país que adora cosas horrendas como Love of Morla o Vetusta Lesbian, ¿qué opinión os merecen este tipo de bandas? ¿Hay algún combo nacional que os merezca algo de respeto, orgullo y satisfacción? [Albaro Arizaleta]: ¡Gracias tío! Veo que te ha emocionado el disco. Respeto nos merecen todas las bandas, cuando tocas en una te das cuenta del trabajo que hay detrás, la implicación que supone y lo duro que se hace la militancia en la música. Respecto a las bandas que me comentas, me parecen fundamentales para que vayan abriendo camino para otro tipo de propuestas mas arriesgadas. Todo tiene sentido y cabida. Si dicen que el tercer disco es el de la consolidación, este “Diamantes” debe ser el del salto final a la primera línea nacional del

LATIDO ANIMAL, AULLIDO DIGITAL

rock moderno... Bueno, con “La Gallina” (Astro/PIAS, 2008) dimos un gran paso adelante, esperamos que con este demos otro mayor. Sentimos algo especial, creo que ha llegado nuestro momento. ¿Podemos considerar este disco una continuación del sonido que ya anunciasteis felizmente con “La Gallina” o no os gusta mirar hacia atrás? Seguimos siendo los mismos que cuando grabamos los anteriores discos, luego en este también hay algo de los pasados trabajos. Seguimos enfrentándonos a la música sin prejuicios y eso se nota en las composiciones de todos los álbumes. Escuchando el disco, y teniendo en cuenta los tres anteriores, parece que por fin -y después de mucha búsqueda consciente o inconsciente- parece que habéis encontrado el sonido que queríais lograr... Con cada disco nos marcamos unos objetivos en cuanto a sonido se refiere. Sí que con cada uno parece que vamos acorralando nuestra propuesta sonora, pero en el movimiento está nuestra naturaleza, así que no sé por donde irán los tiros en los siguientes trabajos. ¿Cómo han afectado los profundos cambios en la formación de la banda al actual sonido del grupo? ¿Puede haber sido –paradójicamente- positivo en ese sentido? Bueno, con la salida de Marcos nos hemos sentido algo solos... Pero no sé si eso ha podido afectar en el sonido. ¿Y el cambio de discográfica? ¿Qué habéis ganado saltando al sello Mushroom Pillow? Aún es pronto para responderte, pero tenemos mucha confianza en ella. Una de las constantes que siempre campan por vuestras canciones es la atmósfera pesadillesca, enrarecida, hipnótica y fuertemente adictiva... ¿Cómo se logra llegar a este estado sonoro de tremendo enganche? Cómo hace un oso para ser oso, cómo hace una hormiga para ser hormiga, cómo hace un león para serlo, no sé, es una pregunta sin

ENTREVISTA el columpio asesino

respuesta, simplemente lo haces. Al mismo tiempo que en este “Diamantes” todo suena canalla, la producción parece ser voluntariamente cristalina y limpia, ¿cómo se logra ese equilibrio imposible? ¿Cómo hace una mierda para flotar en aguas termales? El disco, desde principio a fin, rezuma sexo sucio, violencia por la cara y un aroma a Apocalipsis afteriana que quita el sentío, ¿os habéis pasado definitivamente al lado oscuro o simplemente habéis decidido abrir las ventanas del correccional en el que vivís para que veamos lo que hay dentro? Escribimos sobre lo vivido, lo visto; sobre los bailarines de nuestro alrededor, de la noche y su hermana, de lo que agoniza y lo que surge, escribimos como tú bien dices sobre ese correccional que hemos elegido. Recuperáis, tanto en las letras como en los sones, la tensión descarada en español de algunas canciones de los mejores Parálisis Permanente, ¿en este país falta gente como vosotros que de veras aporte emoción y mala baba a su apuesta sonora? En este país hay mucha mala baba, lo que falta es honestidad. Nosotros intentamos ser honestos, decir lo que sentimos e intentar que se nos entienda. El motorik -a fuego lento- de gente como Neu! o los actuales y paisanos The Suicide of Western Culture, también tiene su protagonismo latente en este “Diamantes”, ¿cualquier sonido pasado fue mejor o preferís mirar para adelante sin apedrear a los clásicos? Los clásicos son clásicos porque pertenecen al pasado. Dentro de unos cuantos años algunos grupos actuales se considerarán clásicos. El presente es tan importante como el pasado, no se le puede dar la espalda. Cualquier tiempo pasado, pasado está. Es cierto que Cristina suena mucho más macarra que nunca, pero...

¿Es una actitud sólo arty-sonora o realmente os mantiene a todos acojonados y a raya? Me da miedo responder a esta pregunta sin que ella esté presente... Crudeza y melancolía a partes iguales, guitarras y aparatajes maquinales que parecen estar al 50%, sordidez y resplandor... ¿Verdaderamente el alma de El Columpio Asesino es más analógica o digital? ¿Es cierto que en este disco habéis tirado menos de electrónica a pesar de parecer lo contrario? Nuestro latido es animal, el aullido digital. Tanto “Toro” como “Perlas” tienen una batería que recuerda mucho a los fascinantes Death in Vegas, ¿son una referencia confesable o sólo son casualidades sonoras? Si te soy honesto, hace tiempo que no oímos a los Vegas, pero me da que bebemos de la misma fuente. No obstante, estamos ante un trabajo de contrastes, nada tiene que ver “MGMT” con los temas referidos anteriormente, ¿estas son las dos caras de la misma moneda que se columpia y asesina o aún hay más por descubrir? Espero que haya más por descubrir, si no es así, hasta aquí habremos llegado. En estos momentos y con vuestra apuesta sónica actual, ¿dónde os encontraríais más a gusto, tocando en el FIB o en el Sónar? ¿Mejor ambos, no? ¡En los tres! Finalmente, gracias inmensas por “MDMA”, ya no tendré que seguir escuchando a Ride cuando llegue a casa de colocón y comer techo sea la única opción, ¿está realmente hecha para mí? Decidme que sí... ¡Por supuesto! ¿Qué sería de una canción como esta sin gente como tú? O como nosotros...

“Diamantes” está editado por Mushroom Pillow.

MÚSICA

ENTREVISTA frank bretschneider

ciertamente el tono y el volumen se elevan en directo, haciéndolo todo más enérgico. Pero tampoco quiero saturar las cosas, me gusta sonar claro y transparente. Y nunca ser verdaderamente agresivo... Soy un tipo amable, je je.

Texto_ Pablo Vinuesa / Foto_ Sylvia Steinha La primera pregunta es obvia: ¿por qué has editado “Komet” en Shitkatapult en vez de en Raster-Noton? La historia se remonta a 2007, cuando Jan Jelinek me pidió que tocara en directo uno de los temas de “Tierbeobachtungen” en la fiesta de lanzamiento del disco. Hice un remix de “Happening Tone” que fue incluido en “Hub Tierbeobachtungen – LIVE”, en ˜scape, y más tarde licenciado por Shitkatapult para su “Strike 100” de 2009. Como me pidieron que lo interpretara de nuevo, en el Berghain, empecé a pensar que sería bueno organizar un set más de club de lo habitual. Me sorprendió gratamente la respuesta del público, así como la amabilidad de los amigos de Shitkatapult, que insistieron mucho en editar algo en esta faceta más pistera. Les gustó el material y aquí hemos llegado. Como dato curioso, has titulado este disco con un nombre que usabas antes como alias... ¿Por qué? Bueno, es sólo una reminiscencia a mi pasado como Komet. Casi todo el material de este disco está basado en pistas originarias de aquella época, entre 2000 y 2003. Por ejemplo, “Urania” es un poco “Stab”, del “Personal Settings” que salió en 2001 con Quatermass, y “Wheel” del “Gold” de 2003. “Echotron” está basado en “Cut”, de la recopilación “Oacis”, y “Flutter Flitter” es básicamente otro remix de “Kom”, del álbum “Reciprocess” (2002). Por último y no por ello menos importante, es tan confuso como divertido usar el AKA como nombre para el disco, porque estaba completamente seguro de que todos los periodistas me preguntaríais por eso, je je... En la hoja de promo se dice que “Komet” es “tu propia visión de la música de club, básicamente un disco de techno”. ¿Estás de acuerdo con eso? Es decir, ¿consideras “Komet” un disco perfectamente bailable? Sí, totalmente. De momento, las veces que lo he interpretrado en directo, aquí en Berlín, la gente ha bailado bastante. Está claro que no es lo más duro que puedes bailar en un club, pero para la gente tiene su atractivo, ya que suena un poco más relajado y funky de lo normal. Lo que está claro es que, dejando a un lado tu lado más conceptual, tus discos siempre se han basado mucho en el ritmo, algo que has dejado claro hasta desde el título. Para mí tus directos siempre han sido bailables en cierto modo, al menos más de lo que te puedes imaginar cuando los escuchas en CD. ¿Es más agresiva la puesta en escena, ahora con este “Komet”? Creo que “Komet” es, a pesar de todo, un disco amable, relajado e incluso un poquito psicodélico, pero sí,

Para mí, “Komet” resulta tan detallado en cuanto a ritmos y capas sonoras como el resto de tu discografía, pero un poco más melódico de lo normal en ti. ¿Fue algo intencionado? Como menciono arriba, el disco es básicamente una reinterpretación de material de hace una década, pero sí que parece que en la época era un poco más melódico que ahora. También es cierto que, dada la orientación clubera del disco, he querido ser más accesible y menos crudo que en los anteriores “Rhythm” y “Exp”. ¿Cómo trabajas? ¿Compones y grabas continuamente y luego empaquetas ciertas canciones en un álbum, o te sirves de un concepto global para pensar en cierto tipo de material? Me gusta pensar en el álbum como una idea, creo que eso me da la estructura mental que necesito, además de ser el método con el que he crecido como oyente, el del LP y el CD. No sólo una colección de canciones, sino un concepto, una idea, un hilo dorado... Siempre tengo diferentes ideas rondándome la cabeza, como hacer un disco de ambient, o uno funky u otro más abstracto. Así que cada día trabajo, o al menos lo intento, tocando, jugando, componiendo, arreglando... Y poco a poco, a veces con temas que atraviesan diez etapas distintas, la idea de un álbum emerge y las canciones se integran en una estructura. Pregunta geek... ¿Qué usas para componer? ¿Ordenadores, equipo analógico, ambas cosas? ¡Queremos saber! En los últimos diez años he usado sobre todo ordenadores, pero de vez en cuando desempolvo mi viejo Nord Modular. Recientemente he querido ser un poco más independiente del portátil, especialmente durante los conciertos, así que el mes pasado me compré equipo, como el nuevo Elektron Octatrack, que parece una herramienta flexible para el sampling en tiempo real, la remezcla y la manipulación de audio. También el D-Two Delay de T.C. Electronic y el enteramente analógico Sherman Filterbank. Aunque el ordenador seguirá siendo mi arma primaria, espero ganar cierta flexibilidad y frescura con estas nuevas golosinas. Para las visuales uso Modul8, que se sincroniza bien vía MIDI. Finalmente, ¿qué andáis haciendo ahora como Signal? ¿Algún proyecto en cartera? Entre enero y febrero, precisamente, hemos pasado dos semanas de sesiones exhaustivas con un nuevo proyecto llamado “Signal_Combovision”, para la presentación del CTM Festival berlinés, en colaboración con RML/CineChamber (una especie de sistema surround con 10 pantallas y 8 canales de audio). Desgraciadamente, el mainframe era demasiado lento para usar las visuales sin drop-outs. Pero al menos nos dio la oportunidad de trabajar juntos y sentar las bases para un futuro disco como Signal. Todavía tardaremos un poco en estar preparados, pero ya hay ciertas intenciones.

“Komet” está editado por Shitkatapult.

ENTREVISTA frank bretschneider

Frank Bretschneider es uno de los músicos esenciales del panorama electrónico de vanguardia. Presente en la génesis del sello Raster-Noton y compañero de Carsten Nicolai (Alva Noto) y Olaf Bender (Byetone) en el proyecto Signal, además de bajo su nombre propio ha grabado con variados alias para sellos tan clásicos como Mille Plateaux, Quatermass o Staalplaat. Su nuevo disco, “Komet”, recupera uno de sus antiguos AKAs y, curiosamente, lo edita Shitkatapult en vez de su hogar habitual, lo cual nos sirve de excusa perfecta para charlar con uno de los tipos más amables de la escena. ¡PISTA!

MÚSICA

ENTREVISTA nacho vegas

en ese momento y decidí titularla así, incluso la primera frase de la canción viene de ahí, aunque luego se va por otro lado. Déjame pensarlo... Durante la gestación del disco las canciones tradicionales asturianas estaban muy presentes... Ah, y los Magnetics Fields, me dio por escuchar discos suyos, los tuve en mente a la hora de secuenciar el disco. La primera canción, “Cuando te Canses de mí”, sí que esta inspirada en algo, no sabría decirte en qué, pero la instrumentación sí que me recuerda a algo de lo último de ellos.

Texto_ Aurelio Medina / Foto_ Pablo Zamora Dejas Limbo Starr por este proyecto, Marxophone, donde abogáis por la autoedición y el control del negocio por parte del músico. “Tomar decisiones. No esperar”, se lee en vuestro manifiesto. El cambio es un paso natural, en realidad ahora trabajo de una manera muy parecida a la que hacía con Limbo. Con ellos trabajé muy bien, pero con los años cambiaron las cosas en la industria, en la relación entre sello y músicos... Tras diez años, como pasa en las relaciones, se generó un desgaste. La única diferencia sustancial es que ahora asumo todos los riesgos, la grabación, la duración... Pero no quiero controlar todo, quiero delegar en gente que va a hacer cosas en el disco mucho mejor que yo. Trabajaste en “El Tiempo de las Cerezas” con EMI, una multi; allí la relación sería mucho más diferente que con Limbo, supongo. Sí, pero allí la gente era encantadora, la chica que nos hizo el proyecto se lo trabajó mucho, eso sí, su oficina en Madrid cerró y la echaron. Allí la relación de tú a tú era bastante extraña, llegué a conocer al jefe de la oficina de EMI, un señor mayor... Creo que lo mejor que me llevé de allí fueron tres discos de George Harrison que tenían en una caja. Se nota en este disco más la presencia de las teclas de Abraham Boba que en el anterior “El Manifiesto Desastre”, allí eran más un esbozo. Abraham en estos dos años se ha convertido en una pieza importante, con él hice algunos acústicos antes de sacar el disco y ahí presentábamos canciones. Quizá por esto ha estado más cerca y ha ido adquiriendo protagonismo. Antes el peso caía en las guitarras de Xel y los arreglos armónicos y ahora se establece más un diálogo entre ellos. “Reloj sin Manecillas” parte del título de una novela de Carson McCullers. Mientras componías, ¿tenías el libro o a McCullers como referencia? Para la canción sólo cogí el título, de hecho en ese momento no la había leído. Esa imagen siempre me había parecido sugerente, muy de McCullers. Pero luego la canción no tiene nada que ver, incluso la línea es casi opuesta. Las citas son importantes pero no me gusta cargar las tintas en ello, las cosas que lees se pueden colar en tus canciones, conversaciones, periódicos... Todo es susceptible de formar parte de una canción, lo que pasa es que la literatura es algo muy jugoso. ¿Qué discos y libros han acompañado la grabación? “La Comedia Humana” sí que esta inspirada en una novela de William Saroyan. La leía

Mencionas las canciones tradicionales, ¿cómo está el proyecto de Lucas XV con Xel Pereda? ¿Habrá más discos o el concepto se cierra en aquella publicación? No, no, al contrario, hay un montón de material. De hecho Xel y yo seguimos cogiendo canciones y adaptándolas. Te digo que por repertorio tendríamos disco, faltaría que nos pusiéramos. Hay una canción de este disco, “Taberneros”, que en principio era para Lucas XV porque nace de una melodía tradicional asturiana, pero al final no me convencía la letra original, la cambié, le cambié el ritmo y la convertí en esta cosa nueva. ¿Y no te has planteado nunca cambiar letras de tus canciones antiguas para el directo? Experimentar con las melodías es algo común, con las letras parece que es tabú... Sí que me lo he planteado. Dylan cambia radicalmente versos en directo, y a Cohen también le he visto hacerlo. Tardo mucho en terminar una canción, reescribo sin parar, pero hay un momento que sabes que no da para más, y ahí vas podando... Lo que he hecho es quitar estrofas y cambiar algún verso, pero si lo hago es de una manera sutil, casi con pudor. Es algo que me gustaría hacer más, coger canciones antiguas que requieren algún cambio que nos pueda venir bien. ¿Y sacar algún disco instrumental? Lo digo pensando en “Actos Inexplicables”, por lo bien que quedó en aquel disco. Pero tiene que haber un motivo. Me pidieron para el festival de cine de Albacete una colaboración para este verano, escoger un director de cine que me gustase, ponerle música y hacer un concierto, así que con escenas de películas de Mike Leigh prepararé algo instrumental. “A.I” iba a ser parte de una banda sonora, pero no le gustó al director. De hecho hay más piezas, la banda sonora está por ahí, pero como el tío no quiso, cogí esta para abrir el disco. Me gustó el resultado y decidí: “todos mis discos los abriré con una instrumental”. Luego no lo cumplí, ejem, pero bueno. “La Zona Sucia” viene de tu pasión por el automovilismo, pero la forma de ser de los pilotos no tiene nada que ver con lo que tú transmites. Ya, ja, ja... Quizás ese lado hijo de puta es lo que me atrae de ellos. Y, como reconocido futbolero, ¿para cuándo algo? Bueno, El Molinón ya aparece en una canción mía (“Tienes los cojones más grandes que El Molinón”). “Sporting” tiene una rima difícil; “Preciado” suena mejor... En realidad, hubo una estrofa de una canción que eliminé, que decía “sé que te mentí, se que te engañé, pero quién te crees que inventó aquello de ‘así, así, así gana el Madrid’”. Ahora con tanto antimadridismo que hay en Gijón tendría que meterla de nuevo... Mira, ya que hablábamos de reescribir canciones... “La Zona Sucia” está editado por Marxophone.

ENTREVISTA nacho vegas

NUEVAS ESTRATEGIAS, IDÉNTICOS PLANES

Nacho Vegas edita nuevo disco el día de los enamorados. “No sé si será un buen regalo”, admite sonriéndose. Con canciones que alientan a las borracheras por un amor que huyó o que se permiten comparar la entereza de una relación con la de aquellas torres gemelas, tampoco parece que esto entrase en sus planes. “La Zona Sucia” es el primer disco que edita el asturiano al abrigo de Marxophone, proyecto que nace con la idea de la autoedición entre ceja y ceja. MÚSICA

ENTREVISTA los pilotos

Textos_ Fernando Fuentes ilustración_ Emmanuel Lafont (www.emmanuellafont.com)

Florent y Banin son parte activa, talentosa e imprescindible de Los Planetas. Sabemos que a la mítica banda granadina le gusta jugar con aparatajes electrónicos diversos. Aun con todo eso nuestros protagonistas necesitan ir más allá y por eso se inventan Los Pilotos; un combo a través del cual dar rienda suelta a todas esas experimentaciones y puntos de fuga electrónicos, y devaneos no tan pop, que tanto les hacen disfrutar en la intimidad del estudio, y ahora ya comparten en público. Dejen pista..

ENTREVISTA los pilotos

VUELO LIBRE A nadie que conozca bien a Florent y a Banin le puede pillar de sorpresa esta incursión directa en las lides de la electrónica, ¿se trata de una evolución natural desde el pop y el rock hacia postulados sonoros más vanguardistas, experimentales y ciertamente libres? [Florent] Se puede decir así, ¿por qué no? Es una evolución natural sin perder de vista el rock, ni el pop, además de la música que estamos oyendo ahora. La versión diyeistica de Florent es casi 100% electrónica para sorpresa de muchos incautos y desinformados, ¿ha sido definitivo para dar sustancia a Los Pilotos que ya estuvieras baqueteado como DJ de techno y electrónica por muchos clubs y festivales del país? Sí, seguro que influye. Esa faceta como DJ, además de la de guitarrista, hace que el resultado final sea muy interesante. De todas formas también hago sesiones de pop y rock, sin ningún complejo. La pregunta del millón: ¿De qué forma, positiva o negativa, afectan a Los Planetas estas aventuras vuestras en solitario, en espacios no tan cercanos al sonido de la banda madre? No se cómo afectará. Espero y deseo que sea de forma positiva. He de decir que hay gente del grupo que también tiene otros proyectos paralelos a la banda. En “Una Opera Egipcia” ya se notaba una mayor presencia de aparates electrónicos, como por ejemplo en ese motorik a lo NEU! que presentan algunos temas. ¿Cómo van surgiendo esos nuevos ramalazos sintéticos en una banda tan habitualmente analógica como son Los Planetas? Los Planetas somos un grupo al que le gusta experimentar y algunos temas surgen de fruto de esas búsquedas, como es el caso de “Los Poetas”, “La Veleta”, etc. Son canciones que hemos trabajado en casa, en concreto J, Banin y yo. Los Planetas bebe de muchas fuentes, entre otros, grupos clásicos como Suicide, Brian Eno, el krautrock, etc. Siempre han estado presentes en nuestros sonidos y no es una novedad, ni algo raro, que surjan temas con tintes electrónicos. Vamos al grano, ¿cómo surgen Los Pilotos, por qué este nombre y con qué intenciones? Surge principalmente de la necesidad que tenemos como músicos de hacer música, de no estar parados, de disfrutar con nuestro trabajo. En cuanto al nombre, nos gusta a los dos y nuestra intención es hacer buena música, tocar, divertirnos... En definitiva, disfrutar. Escuchando vuestra música parece que el proceso de creación parte de sonidos que encontráis -y queréis disfrutar y compartir- y desde ahí dáis forma a una serie de temas que van poco a poco creciendo y alicatándose con más instrumentaciones, efectos, etc. ¿Es así? En cuanto al proceso de creación no hay ningún patrón a la hora de hacer un tema. Surge de la inspiración, de ideas que tienes en la cabeza, otras brotan al experimentar y, sobre todo, dándole un aire muy cinematográfico. A ambos nos gusta mucho el cine. El hecho de componer delante de un ordenador hace que los caminos sean infinitos.

¿Es aquí, a bordo de Los Pilotos, donde de veras os expresáis musicalmente con total libertad sin tener que responder a un sonido determinado que marca un público concreto frente a una banda de la historia y enjundia de la vuestra? Tanto aquí como en Los Planetas tengo libertad de hacer mis propios sonidos, tanto con la guitarra como con el ordenador. Sí que es cierto que con la música electrónica somos dos los que tomamos las decisiones, en un grupo es diferente y siempre más complicado. De todos modos, sí que es cierto que en el mundo de la electrónica soy mucho más libre porque estoy yo y el ordenador. ¿Es cierto que este material era, en principio, sólo para disfrute privado y que realmente no veíais claro sacarlo a la calle? ¿Qué os ha animado finalmente a hacerlo? El grupo surge a raíz de una propuesta de llevar la música que hacíamos Banin y yo al directo. Eso nos animó a trabajar en esas canciones y seguir hacia delante. ¿Dónde trabajáis en estos temas y cómo os repartís la faena? Supongo que Florent le dará más caña al ordenador y Banin se ocupará del hardware, ¿no? Trabajamos cada uno en su casa, luego nos reunimos y vamos perfilando el tema entre los dos. Y en cuanto a tu suposición, llevas toda la razón. Además, Banin tiene una cantidad de teclados increíble... Debutasteis hace unos meses en Madrid, ¿cómo han ido estos primeros conciertos sin material publicado todavía? ¿Todavía hay gente que se sorprende de ver a dos titulares planetarios haciendo cosas que poco o nada tiene que ver con su referente principal? La actuación en Madrid la verdad es que fue toda una aventura. El público se quedó sorprendidísimo. Fue en el Low, donde nuestro amigo Máximo nos animó a hacer este bolo. La segunda actuación ha sido en Granada, en la Copera, y el sonido mejoró muchísimo y disfrutamos también mucho más. ¿Con qué aparatos y máquinas pilotáis encima del escenario? Supongo que será un show al 50% entre lo analógico y lo electrónico... Efectivamente. Banin a los teclados y programación, y yo a las guitarras. En el futuro nos gustaría llevar un batería percusionista. Nos encantaría plasmar en el directo una versión mucho más contundente del sonido de Los Pilotos. Aparte de grabar discos nos encanta tocar en directo, como a todos los músicos. Por último, ¿es cierto que estáis en tratos con Sónar para hacer el estreno mundial de Los Pilotos allí en junio? Pues puede ser que haya algo por ahí. Sería todo un lujo y un honor estrenar disco en el Sónar. Todos sabemos que su público internacional es muy especializado en este tipo de sonidos.

MÚSICA

ARTÍCULO adele

En 2008 tocó el cielo con un primer trabajo que llevaba por nombre su edad, 19. Un disco sereno y mesurado, a pesar de su juventud, rebosante de buena música, apartado de histrionismos y de excesos aunque ataviado de una gran y portentosa voz. Fue una de las grandes sensaciones del año, pero no podíamos lanzar las campanas al vuelo… Todavía. Tres años (que se nos hicieron interminables) más tarde, llegó su consagración y ¡cómo!, por todo lo alto. Pero la espera ha valido la pena. De todas las grandes promesas que comenzaron su andadura aquel mismo año, únicamente Laura Marling y ella han pasado la prueba del algodón; el resto se han hundido en la mediocridad con discos infumables la mayoría, y aprobados raspados los menos. 50

LA CHICA DE LA VOZ DE ORO Resulta llamativo (y esperanzador) que llegue a lo más alto alguien que huya de todo lo que triunfa hoy en día: letras facilonas, ritmos machacones, estribillos pegadizos, físicos artificiales y estilismos imposibles. Y es que Adele es una contorsionista vocálica, el rey Midas de la música, capaz de hacer que sea oro todo lo que reluce en su micrófono, de convertir en ese preciado metal todo lo que acaricia. Lo que en la garganta de otros pudiera resultar del montón, insustancial e incluso vulgar, en la suya cobra categoría de obra de arte. Canciones que en boca de los demás no recordaríamos apenas acabadas, ella las hace inolvidables. La suya es una voz portentosa como pocas; cálida, desgarrada, potente. Deliciosa. La personalidad hecha sonido.

Y SE HIZO 21 Con un directo que abraza la perfección y un segundo álbum que sigue la estela de su antecesor en lo que buen hacer y estilo se refiere, sin caer en el aburrimiento en absoluto (que ya resulta difícil), Adele nos regala once temas de sabor retro, sosegados y comedidos que gozan de una madurez pasmosa para una chica de su edad. Su tarjeta de presentación, “Rolling in the Deep”, será sin duda una de las mejores canciones del año y ella una de las mejores cantantes de todos los tiempos (sin drogas ni escándalos). Cuando hay calidad, lo demás sobra. Texto_ Angélica Guzmán Miralles Foto_ Mari Sarii

SEE IT críticas cine

Imagen: I´M STILL HERE

I’M STILL HERE (CASSEY AFFLECK, EE.UU., 2010) Algún lector quizás recuerde el revuelo mediático que se produjo hace un par de años en torno al abandono del cine por parte de Joaquin Phoenix y su intención de pasarse al mundo del hip-hop. Aquello parecía una bajada a los infiernos en toda regla, pero en el otoño pasado pudimos saber que formaba parte de la estrategia necesaria para filmar un falso documental que ahora se nos presenta. “I’m Still Here” es el resultado, y lo primero que hay que decir es que Affleck y sobre todo Phoenix han sido extremadamente valientes: la película pone en escena la caída libre del actor sin ahorrarse absolutamente nada: hay abuso de drogas, prostitución, maltrato psicológico y sensación permanente de chunguismo. Pero hay también risas, ya que el filme logra un difícil equilibrio entre la humorada del mockumentary (los intentos musicales de Phoenix son tan lamentables que no estamos demasiado lejos del terreno de Cristopher Guest) y la espeluznante mirada invasiva de algunos documentales familiares (aquí se trata de una extremadamente disfuncional: básicamente el actor y dos amigos que le sirven de asistentes). Al espectador no se le proporcionan los elementos necesarios para distinguir entre lo que es ‘real’ y lo que no, por lo que el resultado es un objeto muy marciano e incómodo: sabemos que lo que le pasa a Phoenix está orquestado, pero los efectos son auténticos, desde su grotesco aumento de peso y su descuido de la higiene personal, hasta la caída en picado de su estatus como personaje público; es más, a día de hoy es difícil calibrar cómo afectará todo esto a la carrera del actor. Al menos, “I’m Still Here” consigue alcanzar sus objetivos: cuestiona certeramente la credibilidad de los medios de comunicación, reflexiona de manera emocionante sobre la dificultad para ser coherente con uno mismo cuando se es un personaje público, y lleva la desintegración del estatus de realidad de la imagen ‘documental’ hasta límites pocas veces alcanzados, todo ello en una cinta que resulta a un tiempo divertida, incómoda, tierna y muy eficaz como vehículo metalingüístico. Una cinta que, espero, perdurará.>Juan Pablo Ramos Fernández

VALOR DE LEY (“TRUE GRIT”. JOEL Y ETHAN COEN, EE.UU., 2010) Reseñar el “Valor de Ley” de los Coen es fácil. Se trata de una película muy aburrida, mal actuada y con un mensaje opaco que este que os escribe no ha sabido descubrir. No se trata de hacer comparaciones desafortunadas con la versión de Henry Hathaway ni con la novela de Charles Portis (que no he leído) si no de poner encima del tapete los patentes errores que tiene esta película. Para empezar, nos topamos con un problema de casting: la niña no convence en ningún momento, se nos hace odiosa. Matt Damon no encaja para nada en el papel. Josh Brolin no debería salir en los créditos ya que su aparición se remite a cinco escasos minutos. Y Jeff Bridges (lo único medio salvable del film a pesar de lo sobreactuado de muchos momentos) vuelve a hacer de El Nota, sólo que esta vez lleva sombrero y parche en el ojo. Luego está la historia, monótona como el pitido final de un electrocardiógrafo. Por no hablar de los fallos de ‘raccord’ (¿cómo puede salir la chiquilla seca como una mojama después de cruzar un río?). Salvo algún que otro momento aislado (la escena de la cabaña), la película podría ir firmada por Ron Howard o por Robert Zemeckis. Directores estos más afines al mundo de Steven Spielberg, co-productor de esta cinta y principal sospechoso del desastre (¿a alguien habrá que culpar, no?) que supone ir al cine a ver la película más anodina de Joel y Ethan. Lo dicho, no se la pierdan... >Fran G. Matute

ESTRENO CINE

ARTÍCULO dvd - cine

LISANDRO ALONSO CINE PRIMITIVO DVDs textos_ David Pareja / Fotos_ Óscar Orengo Aún recuerdo el día que pude ver por primera vez “La Libertad”, la ópera prima de este bonaerense de apenas treinta y seis años, una de las miradas más interesantes del nuevo cine de autor latinoamericano. Un cine valiente, radical y renovador. Valiente por su voluntad de hacer un cine alejado de los patrones cinematográficos de su país; un cine de descubrimiento, de exploración, que se olvida del espectador y de los mecanismos habituales de narración. Radical por estética y planteamiento, por su ideología documental, primigenia, y por su empeño en la elección de no actores y escenarios a la intemperie, sin ningún tipo de atractivos. Y renovador por su capacidad para limpiar la imagen del espectador, de purificarla y llevarla hasta terrenos poco explorados por la ficción contemporánea –porque a pesar de su vocación documental, no deja de instalarse en la ficción-. “La Libertad” se trata de una película que remonta al origen del cine, a la relación del hombre con el espacio, el tiempo y la naturaleza. Un cine que trata de explicar las relaciones humanas desde su lado más físico y natural, casi animal. Una historia íntima y de supervivencia, narrada y vivida en la persona de Misael Saavedra, un joven de campo que vive aislado de la sociedad y se dedica a talar árboles. El grueso del filme se dedica a la caza y despiece de un armadillo que posteriormente se come a las brasas. Un argumento que provoca que el protagonista deambule por la película como un fantasma, sin apenas rumbo ni contacto con la realidad que todos conocemos. Una de las características predominantes en el cine de Lisandro Alonso.

Su siguiente film, “Los Muertos” es otra película narrada en primera persona, en este caso Argentino Vargas, un hombre que acaba de salir de la cárcel y cuyo único fin es buscar a su hija, que vive en medio de la selva. Para ello atraviesa un sinfín de paisajes de la provincia argentina de Corrientes, una travesía igualmente vivida desde el instinto, desde lo más elemental de ser humano. El día, la noche y la naturaleza. Nuestra relación con el mundo. Una relación que se aleja de la experiencia cinematográfica, de su dictadura de plano y contraplano, corte y yuxtaposición. Precisamente, ese es el argumento principal de “Fantasma”, la tercera película que compone este pack de Intermedio, el de enfrentar a los protagonistas de sus dos primeras obras a la experiencia cinematográfica en el cine del Teatro de San Martín. Una experiencia que los descoloca, les provoca una ruptura en su relación espacio-tiempo, precisamente la misma que nos provocan como espectador las películas de Lisandro Alonso.

Lisando Alonso “100” ha sido editado por Intermedio. Más info en www.intermedio.net

CRÍTICAS dvd - cine

JEAN-MARIE STRAUB Y DANIÊLLE HUILLET

JEAN-MARIE STRAUB Y DANIÊLLE HUILLET VOLUMEN 3 / VOLUMEN 4 (INTERMEDIO) Tercer y cuarto volumen de la colección que Intermedio ha dedicado a Jean-Marie Straub y Daniêlle Huillet. En estos dos cofres se incluyen un total de nueve películas, entre las que se encuentra quizás su película más celebrada, “Crónica de Anna Magdalena Bach”, filme que estudia la relación entre la música y el cine a través de un grupo de personas que interpretan ante la cámara. Una película magistral. También está incluida “Lecciones de Historia”, adaptación de la novela de Bertolt Brecht “Los Negocios del Señor Julio César”. Igualmente, en el cofre 3 nos encontramos con “Antígona”, la traducción que hizo Hölderlin de Sófocles, adaptada al teatro por Brecht y complementada por el libreto “Jean-Marie Straub y Daniêlle Huillet. Escritos”. En el cofre 4 están recogidas la adaptación de Kafka de su novela “América” y las dos películas que dedicaron a Cézanne y el crítico Joachim Gasquet. El tercer DVD de este último cofre está dedicado a las piezas cortas de la pareja cinematográfica y el cuarto al documental “Díganme Algo”, dirigido por Philippe Lafosse, donde Jean-Marie Starub habla de sus películas frente a un auditorio público. Una colección que estimula el pensamiento, necesaria. TOM DICILLO. WHEN YOU´RE A STRANGE (AVALON) The Doors es un grupo mítico, que cumple todas las características para haber pasado a la historia: un primer disco brillante, un cantante maldito y de una belleza magnética que se suicidó joven y en extrañas circunstancias; y un sonido nuevo, que marcó una época y a toda una generación. Entre esa generación debería encontrarse el realizador Tom DiCillo, autor de este documental que reverencia en imágenes al grupo californiano. La principal novedad que aporta este documental es una gran cantidad de material nuevo inédito y filmado del grupo, desde el período en que Manzarek y Morrison se conocieran en la Escuela de Cine de la UCLA allá por 1965 hasta la muerte del último en 1971 (períodos de grabación, conciertos... ). Narrado por la voz de Johnny Deep, que dirige con su voz el metraje de este documental apto para fans e iniciados en el legado de la música de The Doors, pues más allá de explicar su historia nos aporta todo un nuevo legado visual al que poder agarrarse para rescatar la figura de este grupo norteamericano.

WHEN YOU´RE A STRANGE EXIT THROUGH THE GIFT SHOP

BANKSY. EXIT THROUGH THE GIFT SHOP (AVALON) Banksy es la referencia definitiva que el arte urbano necesitaba para asentarse como una corriente artística a tener en cuenta. Un artista enigmático, brillante y capaz de trascender el medio de expresión más popular de los últimos tiempos: el graffiti. Lo demuestra en este documental, un retrato certero del servilismo y la mercantilización a la que está sometido el mundo del arte contemporáneo. Para ello Banksy se ha inventado la figura de Thierry Guetta, un francés excéntrico que se dispone a grabar el mejor documental de graffiti de todos los tiempos y acaba formando parte de un documental sobre su nacimiento como artista urbano: Mr. Brainwash, dirigido por el quizás mejor artista urbano de todos los tiempos: Banksy. De esta forma, Banksy continúa fiel a sus principios más radicales (ligados al nacimiento del arte urbano): la resistencia y la reivindicación frente a la sociedad (el arte contemporáneo en esta película), utilizar sus mismas herramientas (la fama, las exposiciones) para desmantelarlo y criticar el arte utilizando los medios que critica. Constantes de un Banksy que se ha convertido en uno de los artistas fundamentales de principios de siglo.

LANZAMIENTOS DVD - CINE

ARTÍCULO darren aronofsky

DARREN ARONOFSKY Texto_ Edu Mestre-Nadal

DESDE EL BRILLANTE DESVARÍO “Cisne Negro” tiene lo que una película sobre ballet, pero es también una historia psicológica, dramática. La cinta arranca bajo un rígido control formal, que no hace presagiar la inmediata falta de sutileza de la trama. Asistir al proceso de transformación personal que sufre la protagonista, Nina, nos pondrá al borde del abismo con ella. Cuando en Nina crece la fascinante locura, el film también pierde el juicio y arrastra a oleadas hasta una orilla inestable. A Darren Aronofsky le seduce el atractivo de los cuerpos destrozados, así lleva sin concesiones a los personajes de todas sus películas a la mutilación física –“Pi”, “Réquiem por un Sueño”, “La Fuente de la Vida”, “El Luchador”-. Hay grandes puntos en común entre “El Luchador” y “Cisne Negro”, ya que en ambas se representa la adicción al trabajo, contemplando la mecánica interna de esfuerzo, dolor, sufrimiento y sacrificio del mundo wrestling y la danza. La plasticidad del movimiento llevada a una cúspide descarnada, a la que sin maquillaje deja en manos de la compasión. “Cisne Negro” desparrama además este gusto hasta los confines de la mente. Aronofsky penetra en la cabeza de Nina para que participemos de su disparate psíquico. Los cambios emocionales de Nina tienen la vigorosa resonancia de “Repulsión” –Roman Polnski-, “Robocop” –Paul Verhoeven- o “M.Butterfly” –David Cronenberg-. Natalie Portman ejecuta una interpretación sincera, dejándose llevar por el complejo tránsito de heridas, masturbaciones -rodeada de peluches-, lesbianismo, sometimiento... “Vamos al cine a ver interpretaciones sinceras, y la suya es muy sincera”, declara Darren, que sabe sacar lo mejor de sus actores. En “El Luchador”, Mickey Rourke estaba soberbio, tras navegar por escombros de cinematografía durante más de dos lustros. A confesión personal, en pocas ocasiones creo un vínculo de necesidad afectiva con una película. Recientemente esto me ha pasado con “Déjame Entrar” y “Moon”. Son títulos que me gusta tener cerca para visionarlos, entrar en ellos y conectar de vez en cuando. Cada vez que esto ocurre encuentro sensaciones nuevas que me incitan a pensar en dichos metrajes como si fuesen una vida orgánica. Algo parecido sucede con este “Cisne Negro”, tan demoníaco, trastornado e incluso hilarante a veces, que el roce de su celuloide-piel me estimula a niveles desorbitados. Aunque debo ser sincero, si hablamos de Aronofsky no puedo erigir objetividad absoluta. Aplaudido por crítica y público -enlazando especialmente

con las generaciones de espectadores contemporáneos a él-, “Réquiem por un Sueño” consiguió enganchar con una generación que ha hecho de sus películas clásicos de una época. Si Tarantino conquistó los 90 con su ejercicio de estilo, Aronofsky es el dueño de la imaginería fílmica más comentada por los jóvenes de comienzo del nuevo siglo. Ya con “Pi” –fe en el caos-, su primer largometraje, realizó un perturbador debut, que soterraba toneladas de material religioso y humano. El Festival de Sundance lo proclamó vencedor esa edición –mejor director- y no es para menos. “Pi” mezcla ficción, ciencia y religión, compartiendo ambivalencia, es decir puede interesar a creyentes y ateos porque nos libera de las ataduras conceptuales de la simbología. Este fue su principal problema en “La Fuente de la Vida”, querer plasmar la pantalla con alegorías físicas en las que él mismo se pierde. Cuando hubiera sido mejor hacer llegar al espectador desde su propia e íntima reflexión. Aun con esto, “La Fuente de la Vida” cautiva con maña al abrir las complejidades de su universo; muerte, amor, eternidad y tiempos fracturados se conjugan de forma interesante. La película se mueve en los terrenos de lo cotidiano, lo mítico y lo místico, en consecuencia es lógico que Aronofsky divida su obra en tres. Una historia real, otra que surge de la imaginación de la chica co-protagonista y una llena de simbolismos sin lugar en el tiempo y en el espacio. De esta curiosa manera el director se sumerge en esa búsqueda atemporal que es la inmortalidad simbólica o no, para sustentar el argumento. Esta lucha contra la muerte, dentro de un drama pasionalmente romántico y existencialista -bellamente rodado- nos acerca a una historia muy parecida a la búsqueda del santo grial, que más tarde flirtea con los atroces rituales mayas, la meditación budista y la hermenéutica pura y dura. Sería un error hablar del director estadounidense sin nombrar a su alter ego musical, Clint Mansell. El compositor nacido en Coventry despliega su talento en todas las películas de Darren, creando las texturas necesarias para inundar de intensas tonalidades el cráneo de los espectadores. Mansell es a Aronofsky lo que en su momento fue Nino Rota a Fellini, un binomio en sintonía creativa. En “Cisne Negro” se marca una reinterpretación –y extensión- de la partitura original que Tchaikovsky diseñó para “Swan Lake”. En poder de Mansell, “El lago de los cisnes” se metamorfosea siniestro, añadiendo unas cotas incalculables de suspense/tensión. Antes, había compuesto la pieza insignia de la última década -”Lux Aeterna”- para “Réquiem por un Sueño”, facturado la BSO de música electrónica con mayor calado extracinéfilo –“Pi”- y trazado las notas del más bello discurso sonoro –“La Fuente de la Vida”-, interpretado por Kronos Quartet y Mogwai. Volviendo al genio de Brooklyn, si la perfección no es sólo cuestión de control sino también de dejarse llevar, Darren Aronofsky está cerca de ser el creador perfecto. Dotado intelectualmente para insuflar brillantez a cualquier material proyectable desde su psicotrópica jurisdicción.

ARTÍCULO darren aronofsky

A través de su genial dialéctica audiovisual y el interesante análisis de la tendencia humana a la adicción del tipo que sea, Aronofsky se ha convertido en una firma cinematográfica de prestigio. Esteta de lo imposible, armonioso de la imagen y buscador incansable de los extremos irracionales de sus personajes, a los que conecta con una salvaje autodestrucción. El director neoyorkino muestra una coherencia inusitada en todos sus films, al desnudar las mismas obsesiones sistemáticamente. Ahora vuelve con una propuesta sinfónica de piruetas suicidas, “Cisne Negro” o la experiencia heroino-paranoide del arte en su expresión más desenfrenada y demente. Este exceso operístico logra desembocar en un territorio emocional más allá de lo terrorífico. Asómense al perverso caleidoscopio de Nina –Natalie Portman- y alucinen al ritmo de su mente. CINE

PROGRAMA teatro danza

GATA SOBRE TEJADO DE ZINC CALIENTE Esta será la última temporada como director artístico del Teatre Lliure para Alex Rigola. La programación se cerrará con una obra, escrita y dirigida por él mismo, titulada “The End”, como homenaje, quizás, a esta reciente etapa en la que ha mostrado tanto interés por algunos textos bien difundidos a través del cine, como “Nixon-Frost” o este “Gata sobre tejado de zinc caliente”. A pesar de su larga trayectoria, en CLONE magazine le recordamos sobre todo por la impactante adaptación de la novela de Roberto Bolaño, “2666”, que el Teatre Lliure trajo hace ahora tres años a Málaga, Sevilla y Granada. Sus textos, la escenografía, el vestuario, la iluminación, etc., componían una vasta atmósfera con la que más de uno se cogió un colocón importante. “Gata sobre tejado de zinc caliente” sirvió hace unos meses para abrir esta última temporada de Alex Rigola al frente del Lliure. El espectáculo mantiene muchas de las propuestas visuales de “2666”, entre la cuales destaca la presencia de Max Glaenzel a cargo de la escenografía (sembrando esta vez de árboles y algodón las tablas), o de Berta Riera y Georgina Viñolo diseñando un vestuario muy a lo “Mad Men”. Desde su estreno en catalán, se ha mantenido tres meses en el cartel de la sede del Lliure en el Barrio de Gracia, y luego cinco semanas con la versión castellana en el Valle-Inclán de Madrid, donde agotaron las localidades en prácticamente todas las representaciones. El argumento de la obra de Tennesse Williams gira en torno a la crisis de un matrimonio de clase media-alta que visita la mansión de la ilustre familia del marido, cuyo padre se encuentra al borde de la muerte. Ello motiva que en la reunión surjan una serie de tensiones entre hermanos, nueras, etc., ante la posible herencia. Estas tensiones a su vez alimentan la crisis del matrimonio protagonista, dividido entre la pasión de ella y la apatía de él, incapaz de aprovechar su posición de hijo predilecto. A partir de aquí Alex Rigola va encontrando pretextos para desarrollar dos ideas fundamentales como son las dificultades que muchos tenemos para comunicarnos con quienes están más cerca, y lo complejo que resulta en determinados contextos, y a determinadas edades, asumir la homosexualidad. Joan Carreras es el encargado de interpretar el papel del atormentado Brik, mientras que Chantal Aimée se mete en la piel de Maggie, el personaje inmortalizado por Liz Taylor, más vulnerable y contenido en esta ocasión, aunque también saque las garras de vez en cuando. Junto a ellos destaca la labor de Andreu Benito como déspota cabeza de familia, inspirador de todos los miedos que desembocan en el aislamiento general. Además, sobre el escenario participa también un pianista cuya función, según Rigola, consiste en aportar algo de belleza a este ambiente tan cargado. El espectáculo estará de gira durante marzo y abril en El Puerto de Santa María, Sevilla, Málaga y por toda Cataluña.

VERTICAL ROAD El plano horizontal suele asociarse en filosofía a la materia y a la tierra; al tiempo lineal que transcurre de la cuna a la tumba. En este plano uno avanza siempre hacia delante cumpliendo normas y alcanzado metas impuestas exteriormente. En contraposición, el plano vertical se refiere al desarrollo interior, al crecimiento espiritual que permite conocer en profundidad la vida y conduce a otras dimensiones, más allá del tiempo. Esta búsqueda de un “camino vertical” sirve de inspiración para el último trabajo de la compañía de danza del inglés de origen bengalí Akram Khan, que vuelve a visitar las próximas semanas Cataluña y Andalucía, por donde no pasaba desde las representaciones de “Bahok” junto al Ballet Nacional de China. Se trata de uno de los artistas más innovadores de la danza actual, ex-compañero de individuos como Peter Brook, Hanif Kureishi, Juliette Binoche, Sidi Larbi Cherkaoui o incluso Kylie Minogue. Su estilo parte de una niñez dedicada al aprendizaje del Kathak, disciplina desde la que ha ido asimilando su entorno artístico y social, hasta configurar un carácter permeable contaminado tanto por la efervescencia londinense como por las tradiciones orientales. Para hablar de este “Vertical Road” contamos con una de las bailarinas que participa en el espectáculo, la catalana Lali Ayguade, a quien conocimos hace un par de años por su visita a Sevilla junto a Hofesh Shechter para bailar en “Uprising / In your rooms”. «El espectáculo habla de espiritualidad, algo con lo que en el mundo occidental no conectamos mucho. Hoy en día todo funciona muy rápido, especialmente debido a los avances tecnológicos. Por ejemplo, en Londres vivimos de una manera muy horizontal, determinados por nuestra agenda diaria, y esto a veces nos impide ver la esencia de la vida; el elemento espiritual. Nosotros en la pieza comenzamos con movimientos muy terrenales, fuertes y a veces violentos, pero lentamente todo se va transformando y va siendo más vertical, más espiritual». Sobre el proceso de creación de la obra, explica que «Akram Khan te deja colaborar mucho, así que la pieza la vamos montando juntos. Él pone las ideas en la mesa y todos intentamos buscar soluciones. Así es como aprendemos, cuando tienes que llevar una idea a la realidad. Aparte, su vocabulario “contemporáneo-indio” es muy interesante, es algo nuevo y diferente a lo que estoy acostumbrada». La obra ha sido definida por la prensa como “una fiesta para los sentidos” debido al protagonismo de algunos recursos en los que se apoya la coreografía. «Desde el principio estaba claro que la escenografía tenía que ser muy sencilla, pero también que iba a ser muy importante. “Vertical Road” es muy visual, así que las luces se fueron diseñando paralelamente a la creación. Tuvimos la suerte de poder ensayarla durante el último mes en un teatro y allí siempre se trabajan mucho mejor estas cuestiones. Respecto a la música, Nitin Sawhney venía muchas veces al ensayo para entender lo que Akram quería. Akram siempre tiene una idea bastante clara con la música, y Nitin y él se conocen desde hace mucho tiempo y han colaborado anteriormente, así que pudieron encontrar un lenguaje común». Lali ha trabajado recientemente con dos de los coreógrafos más importantes del momento, Akram Khan y Hofesh Shechter, ambos establecidos en Londres. Le pedimos que destaque algo de cada uno. «Los dos me gustan mucho y los dos tienen una gran conexión con la música: Akram a través del Kathak y Hofesh porque es compositor. Pero uno viene de Bangladesh y el otro de Israel, así que te puedes imaginar la diferencia... La danza de Akram es mucho más estilizada y siempre hay un elemento de belleza dentro de ella, mientras que Hofesh es más crudo en todo lo que hace, tanto en danza como en su música. Creo que algún día tendrían que trabajar juntos, porque se complementarían».

PROGRAMA teatro danza

A PESAR DE LA RETIRADA MOMENTÁNEA DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO Y ARTES ESCÉNICAS DE SEVILLA “FEST”, QUE AL PARECER SE POSPONE HASTA OCTUBRE, LOS PRÓXIMOS MESES LLEGAN CARGADOS DE PROPUESTAS INTERESANTES, COMO EL X FESTIVAL “CÁDIZ EN DANZA” O LAS VISITAS DE JAN FABRE, NEEDCOMPANY, AKRAM KHAN Y ALEX RIGOLA. DEDICAMOS LA SECCIÓN PRECISAMENTE A ESTOS DOS ÚLTIMOS ARTISTAS Y A SUS DOS ÚLTIMOS ESPECTÁCULOS, “VERTICAL ROAD” Y “GATA SOBRE TEJADO DE ZINC CALIENTE”, DOS MONTAJES REDONDOS CADA UNO EN SU ESTILO, CON UN GRAN CUIDADO DE ELEMENTOS COMO LA ESCENOGRAFÍA, LA ILUMINACIÓN, EL VESTUARIO O LA MÚSICA.

ESCENA FIRMAMENTO Texto_ Vicente Durá

Imagen: “Vertical Road” / Foto: Rachel Cherry Las obras recomendadas aparecen en nuestra agenda web: www.clonemagazine.com con indicación de las fechas, ciudades y salas correspondientes. ESCENA

ELLOS MISMOS, DE JOAQUÍN REYES ¿Qué es una feapa? Pues es una persona fea y guapa a la vez, o sea, Sarah Jessica Parker. Por el contrario, ¿Alfonso de Borbón es un guapo feo o un feo guapo? No es que lo diga él, es que lo dicen ellos. Los famosos, desnudos, como si tuvieran delante al todopoderoso del espejo de Blancanieves. Antihéroes postmodernos como Lindsay Lohan, Paris Hilton, Belén Esteban, Courtney Love o Pitita Ridruejo han encontrado un hueco a través del que comunicarse con nosotros, la peble, una ventana que los acerca a nuestro mundo y cuyo marco proviene del inteligente pincel de Joaquín Reyes. En un compendio que repasa los mejores sketches realizados tanto para “La Hora Chanante” como “Muchachada Nui”, así como tiras cómicas realizadas para distintas publicaciones, el de Albacete nos abre su catálogo de seres estratosféricos –al menos ahí es donde parecen habitar- delatados por su verborrea. Incontenidos y casi diarreicos, sus parlamentos provocan las mismas risas procedentes de nuestros bajos y ocultos fondos que sus homólogos audiovisuales. Fina ironía y librepensamientos que bien vendrían a muchos de los programas que pululan por la tele. Altamente recomendable.

MACANUDO 6, POR LINIERS ¿Cómo cubrir de inocencia, ironía y brillantez la mezquindad que a menudo nos rodea? Léete un Macanudo. Desde el primero hasta el último de sus personajes –el gato Fellini, Madariaga y su amiga, el misterioso hombre de negro, un hipotético Picasso o la inolvidable Olga- hasta la última de sus viñetas y tiras, Liniers consigue dejarnos ese regustillo de las cosas bonitas pero con fondo. Sin moñerías, pero con delicadeza; sin repetirse, pero cogiéndole por fuerza cariño a sus personajes; sin globalización porque sí, pero tocando temas universales. Así se acerca Liniers a nosotros. Este ilustrador y dibujante puede, desde su pequeña (o grande, según la veamos) palestra del diario La Nación, en Argentina, donde publica sus tiras macanudas, hacernos navegar entre el absurdo más racional, lo onírico de unos seres que, ya nos gustaría, nos acompañaran en nuestro día a día, y la ingenuidad e inocencia que, pese a todo, algunos aún conservan. Más info en www.randomhousemondadori.com

JUAN CARLOS PALMA. BANCOS DE NIEBLA (PARÉNTESIS EDITORIAL)

CRÍTICAS LIBROS

Sentida historia la que nos propone Juan Carlos Palma con estos “Bancos de Niebla” (2010). La de una amistad más imaginaria que otra cosa, cuyos recuerdos retornan al narrador, limpios y clarividentes, tras el suicidio de Mario, compañero de la infancia. El duelo del narrador transcurre entonces a través de la nostalgia de una época que ni él mismo comprendió muy bien. El extrañamiento de la vida infante, la crueldad insensible del niño en el patio del colegio, las vergüenzas del inmaduro. Todo ello se rememora por el narrador de forma intercalada a la inocencia de la edad, los juegos de mesa, las patadas al balón, los primeros flirteos. Para todos aquellos que vivieron esa época confusa sumergidos en la neblina del miedo, de la inseguridad, de los padres exigentes, de la falsa amistad, de las horas interminables en la habitación anclados en el monólogo de la soledad, para ellos está escrito este libro. Un texto sin ínfulas de grandeza, redactado con una prosa simple y directa. He de confesar que “Bancos de Niebla” me ha terminado venciendo, por la cercanía de la voz de Juan Carlos Palma y por los numerosos paralelismos que he encontrado entre esta sentida historia y la mía propia (incluyendo un personaje muy similar al de Mario). Estoy convencido de que muchos de vosotros no encontraréis tantas afinidades, pero no por ello debéis dejar de leer este pequeño artefacto de pureza y desnudez del alma.>Fran G. Matute

DÉCADA La editorial Phaidon sigue empeñada en editar libros imprescindibles para retratar la actualidad. En este caso, con el simple e impactante título de “Década”, han reunido imágenes de los 500 acontecimientos políticos, culturales, científicos y deportivos que han marcado los diez primeros años de este siglo tan raro que nos ha tocado vivir. Este volumen, continuación de otro bestseller de la editorial, “Century”, cuenta con textos de Terence McNamee, Anna Rader y Adrian Johnson, siendo el fotógrafo Eamonn McCabe la persona elegida para encargarse de la ardua y a la vez placentera tarea de seleccionar las fotografías. Tocando todos los palos y oscilando entre retratos crudos y dramáticos, instantáneas que definen el escenario político actual y también otros momentos más livianos y divertidos, “Década” se convierte en la historia fotográfica definitiva de la primera década del siglo XXI, una época tan interesante como convulsa y compleja. La tregua de ETA, las hazañas de Phelps, las miradas abstraídas de George W. Bush... Todo tiene cabida en unas 500 páginas que emocionan, horrorizan, explican y dan sentido a un periodo de tiempo que, cuando pasen los años, probablemente se estudie como uno de los más definitivos de la Historia. Más info en www.phaidon.es

imagen: DECADA. Agnola 2002

ARROZ PASADO, POR JUANJO SÁEZ La modernidad, qué concepto. Moderno al principio, explotado a la enésima potencia por muchos y vapuleado ya por última instancia. Y es que el moderneo, eso no es lo mismo, ¿no?. Pues bien, precisamente esta es la historia de una incomprensión y de una sociedad arquetípica y paródica. La realidad catalana, en este caso, sirve de escenario para un personaje, Xavi, diseñador gráfico, treintañero e ingenuo, que vive las contrariedades del mundillo de la modernidad imperante en Barcelona y teme cada vez más que se le pase el arroz. Con mucho de autobiográfico, el autor, Juanjo Sáez, afirma que el protagonista es “el típico tontarreras catalán”, un tipo que se enmarca en el carácter contenido, reprimido y pendiente del qué dirán que, según Sáez, no es tan marcado en otras zonas de España. Sin ánimo de entrar en polémicas territoriales, Sáez describe al resto de personajes de la serie como Sonia, su novia o Luis y Ricard, sus compañeros de estudio, como “espejos” de su protagonista. “Arroz Pasado” no es sino el guión en castellano tal y como se originó en la cabeza del escritor de “Arròs Covat” (título original en catalán), la exitosa serie de animación que se ha emitido en TV3 y en Internet. Más info en www.cameo.es

imágenes: PICTOPLASMA

PICTOPLASMA

Si hay un festival anti-convencional que haga salivar en la redacción de esta santa casa, ese es Pictoplasma, sin duda alguna. Catalogado como el festival líder en arte y diseño de personajillos, en su edición de 2011, que tendrá lugar en el Berlín del 6 al 10 de abril en más de 20 galerías repartidas por toda la ciudad, vuelve a la carga con un rosario de actividades por las que uno se dejaría perder más a gusto que un arbusto. Pictoplasma nació en 2004 y desde entonces no ha parado de crecer tanto en volumen de asistentes como en importancia dentro del panorama internacional, siendo sus actividades tan interesantes como variadas. Para esta edición, por ejemplo, se concentrarán más de 50 artistas internacionales, que conectarán con el público a través de simposios, visionados, conferencias, talleres, exhibiciones e intervenciones como la curiosísima “The Missing Link”, que tiene a diez encantadores monstruitos repartidos por el mundo a la espera de reunirse en el festival. Por si fuera poco, Pictoplasma cuenta con una editorial propia, que lanzará en mayo el libro “Not a Toy”, un interesantísimo volumen que indaga en la creciente influencia del diseño de personajes sobre la cultura y la moda contemporánea. Un must, vamos. Más info en www.pictoplasma.com

DHUB El Disseny Hub Barcelona, continuando su labor de potenciar la investigación, la reflexión y el diálogo en torno al diseño, inauguró el pasado 20 de enero el DHUBdoc, un espacio de acceso gratuito con un fondo bibliográfico inicial de más de 9.000 documentos. Este nuevo centro de documentación tiene como objetivo prestar apoyo a todos los profesionales y aficionados del mundo del diseño. Sus servicios no se limitan al espacio físico, sino que tiene un radio de acción más amplio, dado que facilita el acceso en línea a otros recursos y a algunas de las mejores bases de datos especializadas actualmente disponibles. Además, se trata de uno de los centros pioneros en la adpoción y el uso de herramientas y recursos tecnológicos, como por ejemplo la aplicación de la tecnología RFID (Radio Frequency Identification), que permite identificar, inventariar y controlar por radiofrecuencias los documentos que nutren el centro. El Disseny Hub Barcelona, lugar de obligada visita para todo diseñador y propuesta que nos emociona especialmente, está en Montcada, 12 (08003 Barcelona). Amén. Más info en www.dhub-bcn.cat

“I was here” 7º Aniversario

Del 8 de abril al 16 de mayo. Montana Shop & Gallery. Barcelona. En el marco de su séptimo aniversario, Montana Shop & Gallery de Barcelona está preparando, entre otros, una exposición cargada de energía. Se trata de una muestra en la que podrán disfrutarse las obras de Fasim, un joven artista catalán que ha explorado las posibilidades del graffiti desde sus primeros pasos en una España ávida de nuevas expresiones. Con 21 años, cuando cuenta ya con reconocimiento internacional, lo combina con otras inquietudes del mundo de la pintura y nuevos caminos plásticos expresivos. Durante estos años, recorre con interés museos de arte y galerías de Barcelona, aprende directamente de los pintores las vanguardias contemporáneas, lee muchos libros de arte, literatura y poesía, nutriéndose y bebiendo directamente de la fuente. En 1996 realiza un viaje a Sarajevo que cambiara definitivamente su visión del mundo y de su pintura y donde queda gravemente impresionado por el genocidio. En un viaje sin retorno del terror cometido allí, recoge dibujos en colegios destruidos hechos por niños y hace un gran cuadro con ellos. Comienza una arriesgada aventura de compromiso. Fruto de esta experiencia serán sus pinturas marcadas por un espíritu rebelde, anarquista y lúcido, donde el color es un asesino de la moralidad perniciosa, monocromos trágicos y una expresividad salvaje muy cercana al espejo del mundo. Más info en: www.montanagallerybarcelona.com

OFFF BARCELONA 2011 El Festival Internacional OFFF, que se ocupa de las llamadas “culturas post-digitales”, vuelve en su undécima edición a la ciudad donde nació, Barcelona, con fechas previstas para los días 9, 10 y 11 de junio en el CCCB, tras pasar en los últimos años por Nueva York, Lisboa, Oeiras y París. La cita es importante no sólo por su reencuentro con la Ciudad Condal, sino porque el ramillete de artistas previstos quita el hipo: Alex Trochut, Design Is Dead, Eboy, Hey Studio, Jon Burgerman, Joshua Davis, Julien Vallée, MWM, PostPanic, Rob Chiu, Si Scott o Stefan Sagmesiter, entre muchos otros, serán esos protagonistas que marcan el ritmo del diseño gráfico y web, los motion graphics, las instalaciones y el arte digital. Además, desde el festival acaban de anunciar que con su marca OFFF On Tour visitarán ciudades como Sao Paulo, Cincinnati o Estambul, pero la primera parada y la que más nos interesa, claro está, es la de OFFF Madrid 2011, que en colaboración con la librería y galería de arte Gloria ActarBirkhäuser organizará una serie de actividades tanto en la propia galería como en otros espacios como el Círculo de Bellas Artes y La Casa Encendida. Sobresale el día OFFF en Madrid, el 19 de mayo, con artistas como The Mill, Julien Vallée, Eduardo del Fraile y Abel Martínez. Además, sabemos que nuestros Úrsula ya están componiendo un track largo e instrumental, con el lema del festival para 2011 en mente, “Year Zero”, que estará allí disponible en una chapita/reproductor MP3 de Playbutton. ¡Pelotazo! Tenéis toda la info en www.offf.ws

INK AND MOVEMENT (IAM)

Puede que el nombre de Bansky suene ya como un mito contemporáneo o simplemente como otra de las burbujas que tan acostumbrados estamos a hinchar, sin embargo, lo que sí es cierto es que su figura es sólo la punta de lanza de una nueva realidad en torno al graffiti: el movimiento. Y ese es, precisamente, uno de los principales constituyentes de los que se nutre Ink and Movement, un colectivo que navega en los mares del arte urbano internacional. El otro ingrediente, la sal que no podía faltar, es la tinta o el combustible creativo sin el cual nada sería posible. Tinta y movimiento marcan las coordenadas artísticas individuales de cada uno de los miembros del colectivo (la reafirmación del yo, la fuente creativa primigenia del graffiti y el arte urbano) que nos llevan, finalmente, a una meta común: poner en colaboración el talento de los artistas urbanos radicados en nuestro país más relevantes a nivel internacional para la creación de un proyecto creativo conjunto presente en todo el mundo gracias a exposiciones y montajes creados exclusivamente. A ello se ha dedicado IAM desde su nacimiento a principios del 2009: a pasear el talento de artistas como Spok, Okuda, Nano4814, Soyzone, Dems, San o Rocío Cañero, de Nueva York a Barcelona pasando por Madrid, París, Londres, México DF o Berlín. Un paseo que ahora puede acabar en el salón de tu casa gracias a la galería online de IAM, donde podrás disfrutar de las piezas de los artistas anteriormente mencionados y de otros tantos más: Paloma Rincón, Ultraboys, Rosh, Jeosm, Satone, 3ttman, SG... Más info en www.inkandmovement.com

GRÁFICA

REVIEWS

01. GAGGIA. CABALLO (SPYRO RECORDS) “Caballo” es el primer LP de Gaggia, una formación difícil de encajar en un único sonido; no se puede limitar su definición a un código de barras concreto. A veces crees que su fórmula es rock instantáneo –“Me Acordé de ti”-, pero otras compruebas mayor profundidad de campo con temas que hurgan en melodías de clásicos noventeros –“Veneno”-, o mezclas altamente sugestivas entre el dance rock y el pop oscuro –“La Cabaña”-. Doce temas que se despliegan anatómicamente, aun ofreciendo grados heterogéneos en su construcción. La articulación final de este cuadrúpedo no esconde una farsa tras su montura, cuando lo cabalgas hasta el final sólo suena a verdad por parte de sus componentes. ¡Gaggia cree! Y de esta fe en sí mismos se destilan también sus influencias: Kassabian, Stone Roses, Pearl Jam... Al desentrañar el disco nos topamos con temas de gran energía y personalidad, caso de “Monstruo”, que será uno de los emblemas de la banda en directo. “La Cabaña” es un magnífico corte mix up -“ojos de serpiente que siempre van y vienen”-, en posible referencia a la tirada de un juego con dados, ya que en la vida hay tanto timbas de rachas buenas como malas. Seductor se torna el ritmo de la batería en “Imperio” y “La Luna”. Aunque me siento especialmente conmovido por el Gaggia flemático, el de los arreglos de cuerdas y los solos de guitarra a lo Oasis. Planteamientos que quizás se salgan de su timeline más convencional. Ejemplo de esto es el acompañamiento de atmósfera neoclásica en “Quiero Bailar” y la guitarra electro-acústica de “Venga Nena”. El sello discográfico que arriesga en este proyecto es Spyro Records, que derrocha actitud colocando en su lanzadera a una escudería roquera de conjuntos multiculturales. Spyro ha puesto a un puñado de grupos de por acá –más allá de Despeñaperros- a la vista de todos. Al fin, el sur se mueve. Texto_ Edu Mestre-Nadal DISCOS - CRÍTICAS

REVIEWS 02. HOLY GHOST! LP1. (DFA/NUEVOS MEDIOS) Parece que vivimos un momento pletórico en lo que respecta al pop bailable con inspiración ochentera, producción noventera y turbo-inyección electrónica à la mode. Cut Copy, unos de los líderes del sector, regresan con disco nuevo, y a ellos se les une el debut de Holy Ghost! en el -nunca mejor dicho en este caso- sagrado sello de James Murphy, DFA. Tras varios singles muy potentes y reconocidos, como ese magnífico “Hold On” que por supuesto recuperan aquí, los DJs de Brooklyn Alex Frankel y Nick Millhiser por fin se lanzan al ruedo del formato largo con un disco que hará las delicias de sus seguidores: grandes melodías, ritmos trotones marca de la casa (de la casa DFA, quiero decir), estribillacos pegadizos y ese puntito de nostalgia que tanto nos gusta a la hora de mover el cucú. Es un buen disco, eso es innegable, aunque como defecto se le puede criticar que sus tres singles más conocidos y funkies, la citada “Hold On”, “Say My Name” y “Static on the Wire”, sean demasiado superiores al resto. También que el debut de Bag Raiders en Modular, con otro LP homónimo, se los pule a base de bien con dos gemas como “Sunlight” y “Shooting Stars” pero, oigan, esa es otra historia.

03. JAMES BLAKE. JAMES BLAKE (A&M/UNIVERSAL) Si a lo largo de 2010 el nombre de nuestro protagonista no paró de sonar en las bocas de los más listillos rastreadores del dubstep por dos maxis tan excepcionales como “Klavierwerke” y “CMYK” (ahí nos has dao, James, en CLONE queremos un hijo tuyo), el advenimiento de su debut dejaba claro que 2011 iba a ser el año del niño Blake. Y así lo está siendo con toda justicia porque, digámoslo desde ya, “James Blake” es una auténtica maravilla. Eso sí, quizás una maravilla un poco distinta a lo que los más puristas del género se pudieran imaginar, pero allá ellos si no quisieron hacer caso al mensaje subliminal que nos apuntó con la versión del “Limit to Your Love” de Feist. La cuestión es que, si “Unluck” te desarma nada más empezar el largo, con “The Wilhelm Scream”, canción del año YA, te manda al hiperespacio. Y es que al joven londinense no sólo se le nota la formación clásica, sino que además gasta una voz doliente y retorcida que no desentonaría junto a las de Antony o Bon Iver, por citar sólo un par de ejemplos. Encima, sus breves párrafos te noquean con frases como “ni mi hermano ni mi hermana me hablan, pero no les culpo”. Es, en definitiva, un álbum de apariencia sencilla y minimalista, pero que esconde muchísima más música de lo que parece a primera instancia.

04. MOGWAI. HARDCORE WILL NEVER DIE, BUT YOU WILL (ROCK ACTION/[PIAS] SPAIN) A estas alturas qué demonios le vamos a pedir a Mogwai, si estamos en nuestro sano juicio. Todo lo que han tenido que demostrar, tanto en vivo como enlatados, ya lo han certificado de sobra. ¿Qué podemos esperar, pues, de un disco de los escoceses en 2011? Pues que sea Mogwai. Es decir, que sea bonito, que emocione, que sea burro, que tenga un par de pepinazos de estos de ponerte a mil de volumen para sentirte peligroso mientras caminas por la avenida de Miraflores. Y todo eso lo cumple “Hardcore Will Never Die, But You Will”, un disco que, además de venir titulado con una frase para esculpir en mármol por su insultante brillantez, y sin descubrir América precisamente, no decepcionará ni a uno sólo de sus fans. Su nuevo retoño tiene todo lo que le pedimos: el aliento melódico, de perezoso despertar y épico final, en temas como “White Noise”, “Death Rays” o “Letters to The Metro”, canciones ‘tan Mogwai de toda la vida’ como “San Pedro” o “How to Be a Werewolf”, curiosidades como los ritmos germánicos de “Mexican Grand Prix” y “Georges Square Thatcher Death Part”, y un final atómico, colosal, con la dupla formada por “Too Raging to Cheers” y “You’re Lionel Richie”. Otro igual, otro igualmente fabuloso.

05. PJ HARVEY. LET ENGLAND SHAKE (ISLAND/UNIVERSAL) Vuelve la Reina y, por respeto debido, todos hacemos reverencia y nos postramos a sus pies. Polly Jean, consternada por la situación económica y política de su país, una crisis perfectamente extrapolable al resto del mundo, recrea en este “Let England Shake” un complejo entramado de historias interconectadas que, mucho más allá de adoctrinar y explicar, deja entrever aun más preguntas. A su lado se sitúan sus colaboradores habituales, John Parish, Mick Harvey y Flood, sus más fieles sirvientes a lo largo de 19 largos y fructíferos años de carrera. Junto a ellos da otro pasito adelante dentro de su discurso musical: si en el anterior “White Chalk” (2007) se atrevió con el piano, aquí es capaz de componer con un auto-arpa (¿perdooonaaa?) o intercalar marchas militares a destiempo. Entre una cosa y otra, “Let England Shake” es un disco raro, alejado de sus lanzamientos más crudos y directos, pero que a pesar de que necesita varias escuchas para empezar a ser comprendido y apreciado, termina mostrando una capacidad de atracción inmensa. A poco que las dejemos, “The Glorious Land”, “The Words that Maketh Murder” o “In The Dark Places” quedan instauradas en nuestra memoria.

06. RADIOHEAD. THE KING OF LIMBS (XL/POPSTOCK!) Lo han vuelto a hacer. Hay quien dice que Radiohead puede permitirse ciertos experimentos por su enorme popularidad, pero aunque no sea tanto valentía como sentido común, les honra que decidan ir a su bola en vez de quedarse acomodados en el sofá. Sin campaña de marketing al uso, obviando cualquier ritmo lógico de promoción, anuncian que “The King of Limbs” estará, de una semana para otra, disponible para descargar, a un precio coherente para el MP3 o en formato de lujo, y mucho antes de la salida del CD “normal”... Y todo el mundo les baila el agua. Porque, además, desde “Kid A” (2000), la propuesta de los británicos, para los minolles de fans que se gastan, es rara de narices. Habrá quien diga que le roban ideas al underground, yo opino que es uno de los pocos grupos comerciales con cojones. El disco (que eso también importa), ahonda en la línea de “Hail to The Thief” o “In Rainbows”, dejando a las texturas difusas y los ritmos extraviados cobrar protagonismo. La excepcional “Lotus Flower”, cuyo vídeo lo peta en internet, sirve de enlace entre una primera parte más trotona y hasta tropicalista, y una segunda más lastimera y emotiva. Uséase, buen disco, mejor jugada. Texto_ Jorge Montes y Carolina Moreno DISCOS - CRÍTICAS

Urbanears y Marshall.

WESC. NUEVA COLECCIÓN AURICULARES

El nombre WeAreTheSuperlativeConspirancy simboliza lo que la compañía WeSC representa: un grupo y una familia de gente buena, competente, trabajando juntos para un mismo ideal. Ofreciendo ropa para hombre, mujer y niños, incluyendo una amplia gama de piezas de la colección, accesorios, denim de primera calidad y auriculares. Precisamente para que tus orejas también vayan a la última, WeSC ha lanzado una nueva colección de auriculares que trae como novedades para esta temporada modelos como el SNARE, BASSOON y BANJO. Todos ellos comparten diseños depurados y máxima fidelidad. Las colaboraciones se han convertido en una tradición para la marca WeSC. En esta ocasión encontramos a Joachim Garraud, un DJ francés que es una de las piezas clave del panorama musical, y a Rough Trade, una de las discográficas independientes por excelencia, entre otros muchos que os iremos avanzando próximamente. Más info en www.wesc.com

PON MODA EN TUS OÍDOS! Color, color y color. Eso parecen haber pensado los desde Urbanears a la hora de idear su nueva colección de auriculares. La diseñadora Norra Norr con la ayuda de Erik Petersén, Andreas Enquist y Marcus Rudbäck son los creadores de esta oda colorida al sonido con dos ingredientes básicos: la sencillez y la modernidad. Electrónica estudiada para ofrecer una alta calidad de sonido, que le da la mano a la moda creando sinergias de última tendencia. Sin olvidar la funcionalidad ya que además tiene micrófono, botón para contestar o apagar el móvil y adaptadores para funcionar con la mayoría de teléfonos móviles y reproductores de música. Y si la belleza está en el interior el packaging de Urbanears no se olvida de su imagen externa. Cuadrados perfectos que invitan al más incrédulo a abrir la caja de Pandora del sonido. Más info en: http://www.urbanears.com Por su parte, los chicos de Marshall han lanzado Minor, en la familia de los auriculares que llevan el nombre de la marca y que, como siempre, hacen gala de un diseño muy trabajado. Como su hermano el Comandante, incorpora rasgos clásicos de aquellos Amperios primigenios. Destaca la patente EarClick que asegura ingeniosamente la posición del auricular en el oído. Incorpora micrófono para poder hablar con cualquier dispositivo móvil, botón remoto para apagar, encender y como acceso fácil para poder navegar por las pistas de música favoritas. Más info en: www.marshallheadphones.com

PROTEST OBSTACLES SERIES

Una serie de cortos sobre los obstáculos que separan a los riders de sus tablas. De esta dea nació el proyecto Protest Obstacles Series, una serie de 17 piezas audiovisuales sobre los riders y sus obstáculos cotidianos, realizadas en colaboración con quinze polifacéticos artistas europeos de mentes creativas. Más info: www.protest.eu - Films: www.youtube.com/user/ProtestMovieChannel

STUSSY CALIFORNIA DREAMS

Entre vigilantes de la playa, skaters despeinados y raperos de la costa este de California nace Stüssy, que nos trae para la próxima temporada primavera verano 2011 una regresión a los archivos de la marca rescatando toda la esencia del espíritu californiano. Cinco líneas componen la colección completa: Classic, California, Skull & Bones, RMX y Mountain. Aires hippies, inspiraciones ochenteras y colorido de los noventa dan lugar a una colección genuinamente americana. Más info en www.stussy.com

Palladium, las botas aéreas

Tras la Segunda Guerra Mundial la demanda de neumáticos disminuyó porque la fabricación de aviones también lo hizo. Fue en ese momento cuando decidieron iniciar la producción del calzado que hoy en día conocemos. Un calzado tan resistente como lo fueron los neumáticos primigenios. Y es entonces cuando Palladium Boots demostró la funcionalidad y ligereza que le han llevado hasta nuestros días. De hecho, Palladium aún conserva en el modelo PAMPA, el mismo diseño atemporal desde hace más de 60 años que se ha convertido en uno de los must de la temporada que viene. Más info en: www.palladiumboots.com

KR3W

KR3W por ROUGH TRADE. Más info: http://kr3wdenim.com

FEIYUE PRESENTA “SHAPES”

Después de visitar las mayores ciudades del mundo y de observar diferentes tribus urbanas, Feiyue comparte su amor por viajar mediante sus campañas, descubriendo nuevos horizontes a sus clientes. Siguiendo las anteriores campañas, Circles y Neon&Birds, Shapes es el tercer capítulo de este viaje alrededor del mundo, y que de la mano de esta firma se traduce en siluetas ingrávidas que flotan en un universo imaginario limpio y ligero. Combinando las surrealistas creaciones de Le Creative Sweatshop y el objetivo de la fotógrafa Estelle Rancurel, Feiyue nos transporta así a un nuevo universo caracterizado por la simplicidad, el blanco y la estructura. Más info en www.feiyue-shoes.com

RED TAB DE LEVI’S

Y de playa a playa y tiro porque me toca. Parece que las grandes firmas ya huelen el verano y la playa vuelve a ser, como no podía ser de otro modo, el elemento principal de sus colecciones. En este caso, Levi’s ha tomado como inspiración la costa oeste norteamericana. California, el estado del sol, del sueño americano y del crecimiento personal e intelectual, se perfila como el leit motiv de una colección que tiene a dos protagonistas: el antiguo capitán de equipo (The Jock) y la antigua líder de las animadoras (The Princess), que se mudan a California para perseguir sus sueños. Así, para los chicos los colores que se imponen son el blanco, el azul y el amarillo con toques de rojo y verde muy lavados. Mientras que para ella, el look viene definido por una amplia selección de camisas blancas o con estampados vintage, tops muy desgastados y una amplia selección de jeans boyfriend pitillo, vestidos chambray, faldas y shorts en múltiples colores. Más info en www.levi.com

Manchester. Década de los 80. Toque de queda en los pubs a las 11 de la noche. Había que ser transgresor, evitar los moldes convencionales y fue así como nació Bench una firma que marcaría la cultura británica desde entonces y que tuvo como primigenia inspiración el mundo urbano que le rodeaba. Diseñar es una actitud vital. En este caso la nueva colección de primaveraverano viene definida a base de historias psicodélicas muy refinadas donde lo importante es intensificar actitudes sin olvidar lo anterior. Desde lo más simple, Bench controla y confía en su historia. Por ello, amplifica el momento y la realidad y nos invita a un mundo onírico para darle más espacio al juego, la diversión. Da el paso de espacios y experiencias ordinarias a sublimes. Más info en: www.bench.co.uk

Polaroid GL30

Tras el cese de la fabricación de los cartuchos de Polaroid en 2008, muchos devotos de la fotografía analógica empezaron una revolución en los medios sociales, rogando a los monopolistas que no dieran muerte a su tan preciado tesoro. Pero las caídas en las ventas y el auge de la fotografía digital no dieron opción aparente a los fabricantes. No estuvieron muy avispados, pues justo cuando decidieron poner fin al proyecto, una orda de nostálgicos empezó a poner de moda las cámaras analógicas, llámense Polaroid, lomos o simples Werlisas de nuestros abuelos, el caso es que hubo un aumento en la demanda que Polaroid no supo prever. Ahora las analógicas no sólo servían para hacer fotos, sino como otro complemento más en los outfits de muchas editoriales de moda, videoclips, en las webs de streetstyle, en resumidas cuentas, llevar una cámara retro era indispensable para cualquier buen hipster que se preciara. Entonces llegaron Florian Kaps y André Bosman con su Impossible Project y decidieron aprovechar el tirón de millones de nostálgicos e intentar reinventar de nuevo los susodichos cartuchos, vendiendo el stock de Polaroid primero, para luego vender su propio producto. Entonces Polaroid despierta, y contando con la colaboración de su nueva directora creativa doña Lady Gaga, nos anuncia el lanzamiento de Polaroid Grey Label, una línea de productos de última generación. Se suben al carro y nos transmiten sus ideales para esta nueva línea: creatividad, innovación y participación. Nos instan a disfrutar de la fotografía tanto analógica como digital. Concretamente con la nueva cámara GL30, Polaroid ha conseguido integrar una impresora en en una cámara digital con aspecto analógico y gracias a la colaboración de la ZINK Zero Ink Technology imprime en menos de un minuto 3x4 nítidas, coloridas. Habrá que esperar unos meses para saber el precio de la susodicha, de momento nos adelantan que la joyita tendrá pantalla táctil para organizar las tomas y que se podrán elegir entre una serie de filtros y bordes, en un intento de conservar lo que hace a las analógicas interesantes, hacer de cada imagen una pieza única e irrepetible. Como ideal, no está mal... Esperemos a ver los resultados. Más info: www.polaroid.com/es/stream >Lourdes Rodríguez.

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