CLONE.47

N47. MAY/JUN 11.

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MANDALAS TRANSFIGURADAS Si en unos artistas el manejo de las formas, la composición, incluso la fidelidad con la realidad son aspectos que definen genéticamente su obra de arte, hay otros, y este es caso de Olaf Hajek, para los que el dominio del color parece no mostrar ningún tipo de resistencia sensorial. Igual que uno que no entiende vinos sabe cuándo un caldo le gusta al margen de lo que cueste, resulta curioso comprobar cómo hay artistas que son capaces de llegar a un público sin apenas instrucción por cualidades tan sencillas a priori como el colorido de sus obras. Como si le hubiera sacado punta a todos los lápices de una caja inmensa de Alpino, Olaf rellena con tintes matizados personajes, escenarios e incluso lugares que habitan en nuestra memoria. Los reinterpreta y maquilla según los casos para dejarnos estampas carnavalescas, grotescas por veces, de cabaret y festivas según se mire, pero siempre seductoras incluso cuando su mensaje traspase los límites de lo políticamente correcto y comúnmente aceptado.

Portada y estás páginas Olaf Hajek Más info en: www.olafhajek.com

Nombre: Marcos Castellanos Gonzalez Edad: 14 años Lugar de nacimiento: Sevilla Profesión: Estudiante

Fotografías: Elam Revuelta

1. Un concepto: La amistad.

2. Un concepto sobrevalorado: No se es mejor persona por patinar mejor.

3. Una edad de oro: Estoy en ella.

4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Spiderman.

5. Un maestro/a: Mi padre.

6. Un momento del día que no cambiarías: La tarde, porque termina el cole.

7. Un libro que no falta en tu habitación: Harry Potter y La Piedra Filosofal.

8. Una obsesión solitaria: La Play.

9. Un sueño repetido: Que intento volar pero no puedo, sólo floto.

10. Un objetivo por conseguir: Ser fisioterapeuta.

11. Tus pupilas se dilatan cuando: Plancho un truco. www.skateboardinguerrilla.blogspot.com

Sponsor: The Room Skateboarding y Nomad Skateboards “Backside Flyp” skatepark Plaza de Armas. Sevilla.

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CONOCE A lucas

Nombre: Lucas Tozzi Edad: 35 años Lugar de nacimiento: Hasta nueva orden, Tarifeño.

Profesión: Fotógrafo & Diseñador Web: Buscadme en Google...

Fotografías: Lucas Tozzi

Rider: Hodei Collazo. Somewhere in Cádiz

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1. Un concepto: Libertad.

2. Un concepto sobrevalorado: Democracia (La de hoy día).

3. Una edad de oro: El instante.

4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Jesucristo.

5. Un maestro/a: Vivir y Viajar.

6. Un momento del día que no cambiarías: El cigarrillo de después...

7. Un libro que no falta en tu habitación: Mi iPod (Sin música, no soy persona).

8. Una obsesión solitaria: Tener el poder de la invisibilidad.

9. Un sueño repetido: Volar, sin necesidad del parapente, claro.

10. Un objetivo por conseguir: Sobrevivir.

11. Tus pupilas se dilatan cuando: Viajo.

Es uno de los grandes, y desde una posición privilegiada (y ganada a pulso), el fotógrafo Jean-Yves Lemoigne no tiene pelos en la lengua a la hora de descalificar al Dios postmoderno de la fotografía digital. Los programas de postproducción y edición digital han cambiado el panorama tanto que los románticos como él no siempre haLLan su espacio. No es que no le guste, es que sencillamente no es lo mismo. Y ya lo dijo Cartier BreSson, “la fotografía –amigos- es el arte de captar el momento decisivo”, algo que en publicidad se traduce en rocambolescas puestas en escena, modelos inauditos y un saber hacer del que sólo los buenos directores pueden hacer gala.

Tomar instantáneas nunca vistas hasta ahora es una de tus metas. ¿Algo difícil hoy en día, no crees? Creo que es muy aburrido para un fotógrafo hacer fotos que ya existen, que han sido hechas por alguien más.

Ahora tenemos la posibilidad del retoque y la edición con Photoshop así que es más fácil, sin embargo, ¿es eso aún fotografía? El reto consiste en crear una nueva imagen sin retoque. En los días malos, cuando no te viene la inspiración puedes creer que toda está ya inventado, pero entonces descubres una imagen que te gusta en un libro o en Internet y a partir de ahí te surgen al menos diez nuevas ideas. En ese sentido, creo que siempre habrá nuevas visiones y fotografías nunca hechas hasta ahora. Lo más importante, y también lo más difícil, es ser fresco y apasionado.

serie “Skateboarding at night”). ¿Qué pros y contras le ves al retoque digital en publicidad? Yo creo que actualmente en publicidad no siempre importa si haces fotografía o no, algunos anuncios parecen un híbrido entre fotografía e ilustración, de hecho se trata de una tendencia creciente dentro del sector. Respecto a esto yo, como fotógrafo, siempre trato de incorporarla a mi trabajo. Creo también que se pueden realizar algunas imágenes generadas por ordenador (CGI) y aún así ser éstas muy fotográficas, es el caso, por ejemplo de la serie “Pixxxel”. Y es que, como he dicho anteriormente, lo más importante es crear imágenes nunca vistas hasta ahora, esa labor evidentemente es más fácil con CGI, pero lo verdaderamente interesante es hacerlo sin esta ayuda.

Lo que es indudable es que has conseguido crear un portfolio de lo más auténtico en el que no siempre es fácil distinguir los encargos comerciales de tus trabajos personales. Y es que, si tuviéramos que identificarlas entre miles de fotografías, ¿cuáles dirías que son los rasgos más definitorios de tus imágenes? ¿Qué o quiénes han sido tus principales fuentes de inspiración? Cuando era más joven quería despuntar dentro del mundo del cómic del que me llamaba la atención la manera de contar o narrar historias. Y eso es algo que, hoy en día, me ayuda mucho en el campo de la fotografía publicitaria. El arte de la narración es una llave maestra ya que, a veces, tienes que contar una historia compleja en una sola imagen que, además, debe parecer espontánea. Por otro lado, me gusta también añadir pequeños detalles en planos alejados y, por supuesto, todo lo que contribuya a crear una buena iluminación.

Si hablamos de inspiración tengo que citar ineludiblemente al fotógrafo de moda francés Guy Bourdin. Otro autor que me gusta bastante es Nadav Kander, uno de los fotógrafos publicitarios que cuenta en su haber con un fascinante trabajo personal.

En 2009 recibiste el León de Oro en el Festival de Cannes por tu trabajo para Hewlett- Packard. ¿Qué opinión te merecen este tipo de premios? ¿Qué han significado para tu carrera? Creo que son interesantes para un fotógrafo porque rápidamente obtienes reconocimiento y puedes ser conocido en todo el mundo. El problema es que hay muchos anuncios fantasmas, con una fotografía genial en los que el fotógrafo no es pagado...

Un fenómeno bastante extraño.

Hablamos de publicidad, ¿qué aspectos la hacen interesante para un artista como tú? ¿Hay, por el contrario, algún inconveniente o límite? Lo que es interesante de la publicidad es que es siempre diferente y desafiante. Las agencias, por ejemplo, suelen tener siempre ideas muy extrañas y cuando recibo las primeras indicaciones a menudo me pregunto para mí mismo “¿Cómo voy a hacer para realizar esta imagen?”. Normalmente el principal inconveniente es que los presupuestos son cada vez menores ya que tanto clientes como agencias ven el retoque digital como una herramienta que permite ahorrar gastos. Yo, sin embargo, no comparto esta opinión.

A este respecto, ¿tiene un artista consagrado como tú que aceptar encargos que no te acaban de gustar o, por el contrario, tienes la posibilidad de elegir cada cosa que haces? He ganado varios premios en publicidad y eso hace que reciba muchas ofertas de proyectos interesantes.

No obstante, hay veces que aunque el proyecto publicitario no sea especialmente interesante, sí lo puede ser desde el punto de vista fotográfico, y eso es algo que hay que tener en cuenta.

Aunque en alguna de tus series, como la que realizaste para la marca Perrier, la edición es parte fundamental del resultado final, no sueles usarla siempre (un ejemplo de esta ausencia de retoque es la

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El éxito de series como “Mad Men” nos ha hecho mirar a los orígenes de la publicidad. ¿Crees que nosotros, como usuarios, buscamos lo mismo que hacíamos en los años 50? ¿Fue ese período realmente la edad dorada de la publicidad o está aún por llegar?

Cuando empecé a trabajar en publicidad pensaba que los anuncios de la era 2000 eran muy diferentes de los viejos anuncios, pero ahora he cambiado de opinión. Y es que a veces veo anuncios que realmente se parecen a los de los años 50 (especialmente los relacionados con moda y coches), sólo el estilismo ha cambiado pero la luz, por ejemplo, es la misma.

Para mí, la era dorada de la publicidad fue la de los últimos años de la década de los 70 y los 80 cuando había grandes presupuestos para hacer fotografías de lo más sencillas, y es que cuando veo lo complejo que es todo ahora, desearía poder hacer ese tipo de trabajos aunque fuera con cámaras analógicas. ¿Qué tendencias observas dentro del sector publicitario que se nos puedan escapar al común de los corrientes? Creo que a veces la gente no se da cuenta de lo ajustados que son los presupuestos (todo ello gracias a Photoshop). Y es que después de la crisis de 2008 estos han ido siendo cada vez más bajos. Es una pena porque una de las cosas que hace atractivo este trabajo es poder realizar trabajos arriesgados y sorprender a la gente, pero si cada vez prestamos más atención a la postproducción, la parte de realización será progresivamente menos interesante para los fotógrafos.

Finalmente, si tuvieras que elegir a un icono contemporáneo para estos días, ¿quién sería? Cada vez estoy más interesado en el arte contemporáneo. Me gusta mucho Matthew Barney. También me gustan mucho algunos escultores contemporáneos como Anthony Gormley, Anish Kapoor o Xavier Veilhan... quizá porque la escultura es real, no como Photoshop.

Más info: www.jeanyveslemoigne.com

ENTREVISTA alex trochut

UN CHICO NORMAL Texto_ Maru Sánchez

Sucede que a menudo identificamos el mundo del diseño con lo excéntrico y hasta según que grado, el divismo de quién marca las tendencias. Sin embargo, no siempre las ideas del que genera estos productos casa con esta filosofía. Pues bien, este podría ser el caso de Alex Trochut. Paradigma del joven diseño español o cualquier otro tipo de etiqueta mediática, sus palabras no dan sino una muestra de cordura y amplio conocimiento de lo que hace. Sin ausencia de autocrítica, y con los pies bien plantaditos en el suelo, sus opiniones son de esas que bien podrían suplantar a muchas horas de charlas vacuas.

¿Cómo se lleva que con sólo 28 años te pongan la etiqueta de “uno de los mejores ilustradores españoles”? Lo veo de una manera muy distinta a como lo acabas de describir. Para mí, este es un momento que puede durar más o menos pero que también puede ser muy fugaz. Por otro lado, no lo identifico en términos de calidad, y es que en mi opinión la calidad se consigue con mucho esfuerzo y en tiempo, es como una carrera de fondo.

Por ello trato de ver las cosas de otra forma a como tú dices. En primer lugar porque de otro modo supondría mucha presión sobre lo que hago, y en segundo porque pienso que no es realmente así, hay un montón de gente buenísima y talentos nuevos. En ese sentido, soy consciente de que he tenido mucha suerte y aunque estoy viviendo un momento dulce, sé que es probable que no siempre me va a ir bien y tener la suerte de que mi trabajo encaje. Por ello pienso que es importante seguir manteniéndose motivado con uno mismo y haciendo las cosas que te gustan porque, como te dije anteriormente, creo que esta es una carrera de fondo: estoy muy contento con el presente pero lo cierto es que para mí el futuro es muy incierto y no me siento para nada confiado.

En el ámbito del diseño renovarse o morir es una máxima ineludible. ¿Has sentido alguna vez el rechazo hacía algo nuevo que después has aceptado e incluso alabado? Por supuesto. Hay estéticas que al principio parecen más difíciles de roer y luego con el tiempo les ves sentido y te encantan. De hecho, me pasa a menudo últimamente, hasta el punto de que a veces pienso que debo confiar primero en las cosas que no me gustan (risas). Hay mil opciones en paralelo a las que, al final, uno tiene que darle sentido individualmente. Lo que sí es verdad es que algunas realidades cambian dependiendo muchísimo del momento y del lugar, digamos que el tiempo transforma y da sentido a según que cosas.

Todo esto lo que me hace también es cuestionar la funcionalidad de lo que hacemos cuando hablamos, por ejemplo, de técnicas tan subjetivas como la ilustración o encargos comerciales más abiertos. Al final, el objetivo final que es que ese proyecto concreto funcione en un determinado momento es muy relativo, es algo que va cambiando constantemente. Por eso lo importante es estar convencido, que te toque dentro de alguna manera, de lo contrario se convertiría en un juego muy vacío.

GRÁFICA

Naciste y vives en Barcelona ¿Ha muerto de éxito esa ciudad diseñada para gustar? ¿Qué queda y qué viene? Bueno no sé si te puedo responder muy bien, porque lo cierto es que aunque vivo en Barcelona no consumo ni una décima parte de todo lo que ofrece y tampoco estoy muy al día. Lo que sí te puedo decir es que la sensación que siempre he tenido con Barcelona es que es una ciudad que mira mucho para afuera y a veces demasiado poco para adentro. Se dedica mucho a imitar modelos extranjeros que no son modelos creados aquí, en ese sentido, hay poca cultura de lo local. A mí por ejemplo me gusta más ir a bares de tapas y ojalá hubiera más bares de cocina catalana, por decirte algo, y no tanto local “fashion”.

Esta ciudad cool no es, realmente, la auténtica Barcelona, es una Barcelona que se ha convertido en un “no lugar” porque no llega a ser ni Milán, ni una urbe como por ejemplo Nueva York donde se vive y se crea todo allí y donde no hay tanta pose, es todo mucho más espontáneo. Algo, que de hecho, cuando ves aquí da un poco de tirria. Pero bueno, es algo que, creo, pasa un poco en todas las ciudades.

Con un continuo ir y venir de gentes, Barcelona debe ser un foco de inspiración para cualquier artista.. Las influencias más importantes que he recibido de la ciudad han venido más por su historia que por las nuevas hornadas de gente que ha llegado. Lo que hay de positivo aquí es que hay mucha competencia, y eso te da una presión muy grande para no dormirte en los laureles. Pero respecto a influencias, podría decirte que a mí me ha influenciado muchísimo más los edificios modernistas que cualquier pintada o graffiti. Es decir, el legado artístico que tiene la ciudad con Miró o Gaudí y, por supuesto, todo lo que representa la cultura del Mediterráneo. Por otro lado, también es cierto que en el día a día te encuentras que hay diseñadores e ilustradores a patadas y bueno, pues todo eso genera un bullicio y una actividad que te enriquece, aunque sea de forma inconsciente.

Al hablar con diseñadores gráficos de distintos orígenes y situaciones, hay una cosa que parece que es igual para todos: la relación con el cliente no siempre es fácil. ¿Tienes, en ese sentido algún decálogo no escrito para gustar y tener libertad creativa con grandes marcas? Yo pienso que la confianza del cliente te la tienes que ganar. La mayoría de las veces no trabajas para el mismo cliente y cada uno te puede permitir poder desarrollar un proyecto. Al respecto yo diría que hay que procurar que esos proyectos que hayas realizado ya estén en línea de lo que tú buscas, y es que tienes que cumplir dos funciones: satisfacer por una lado al cliente y satisfacerte, por otro, a ti mismo. En ese sentido, una cosa lleva a otra y cuando tienes un portfolio online, éste actúa como un imán para según qué proyectos, es decir, sí tienes o te caracterizas por un estilo determinado, pues lo más probable es que te llamen para un encargo en el que case ese estilo. Por ello es muy importante que lo que tú expongas de

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cara al exterior sea lo que tú quieres realizar, y te vayan llamando por lo que tú quieras hacer.

Eres uno de los mayores expertos en tipos, ¿qué te parece que en algunas escuelas de diseño la tipografía no sea una asignatura propia, sino que va incluida en las diferentes asignaturas? ¿Crees que se puede llegar a un nivel bueno en diseño si se desconoce la historia y el buen uso de la tipografía? La tipografía es la herramienta más propia del diseño gráfico. El ilustrador, puede tocar otros ámbitos, pero si hablamos de diseño gráfico puro y duro la tipografía es imprescindible, tanto que no puedes prescindir de ella si quieres dedicarte a esta profesión, es algo que no puedes separar. Respecto a lo que preguntas, depende de cada escuela, las hay que no dan el temario tan específico de tipografía aislada pero, obviamente, la incluyen en el proyecto final, por ejemplo. Es imposible esquivarla. No obstante, soy de la opinión de que la escuela te da una base y luego tú tienes que irte desarrollando profesionalmente durante toda tu vida. Es una profesión que no se acaba nunca. No se aprende, te sacas el carné y ya está. De hecho, y si te soy sincero, la formación que tuve en la escuela de tipografía fue bastante regular. ¿Y la fotografía? Suele estar ausente de la mayoría de tus trabajos. ¿Alguna razón en particular? Pues un poco al hilo de lo que te decía antes de que el portfolio te sirve de imán para otras cosas, muchas veces lo que me ha pasado es que como, especialmente al principio, he trabajado sólo con un ordenador y no siempre he podido optar a trabajar con un fotógrafo igual por falta de tiempo o de presupuesto, pues en la mayoría de mis trabajos es algo que está ausente. Por eso ahora, en cuanto tengo un poco la oportunidad, busco salir de mis rutinas y disciplinas como la ilustración y mirar algo más hacía la fotografía e incluso el vídeo. En ese sentido, tu propia experiencia puede representar un poco un círculo vicioso que hay que forzar para salir. No es algo premeditado, no es que yo haya dicho “quiero excluir a la fotografía de mis trabajos”, pero bueno, ha venido así.

Inspiración. ¿Dónde, cómo, cuándo? ¿Llevas la típica Moleskine? No soy mucho de apuntar cosas, de hecho tampoco he tenido nunca agenda.

Lo que sí tengo es una pizarra magnética con imanes en la que voy colgando cosas y esto sí que me sirve un poco como recordatorio de ideas o errores que he tenido en anteriores proyectos y que, seguro, que servirán para más adelante. Por otro lado también hago muchas fotos y es que documento más a través de imágenes, soy poco de dibujar.

Alex Trochut estará en el festival OFFF Barcelona 2011 Más info: www.alextrochut.com

ENTREVISTA emil kozak

¿Qué surgió primero: el skateboarding o el diseño? El skateboarding...

En un mundo tan saturado de imagines como el actual. ¡Cómo haces para crear algo nuevo cada vez que trabajas? Bueno, realmente nunca lo he visto así. Desde que era un crío siempre he encontrado muy satisfactorio el hecho de hacer cosas, crear. Para mí es más que suficiente el poder hacerlo. En ese sentido, no tengo ningún interés o necesidad en que sea nuevo. Realmente me interesa mucho más que lo que haga sea comprendido por una audiencia que todo lo demás.

MINIMAL PANTONE Texto_ Maru Sánchez

Si somos lo que comemos y comemos lo que somos. No es menos que somos lo que vemos. Y si te has criado en tierras escandinavas, te has recorrido Europa en furgoneta y ahora vives en Barcelona es lógico que tu maleta de inspiraciones de para mucho. Dicen que en la mezcla está la belleza. Pues bien, este diseñador, uno de los principales sponsors de Braun CruZer, lo último de la popular marca, es buen ejemplo de lo anterior. Con unos diseños que no se salen de la línea, siempre puras y definidas, y una paleta de colores en la que no entran los números primos, Kozak ha encontrado su camino, así, sin rodeos.

¿Qué me dices acerca de la música? ¿Cuál es su importancia dentro de tu trabajo y el ámbito en el que te mueves? Junto con el Skate, la música fue lo que me empujó a dedicarme a esto. Desde los 13 y hasta los 25 años estuve tocando en una pequeña banda de punk-rock que me llevó a viajar por Europa, algo que fue como una explosión para mí. Aunque aún toco, ya lo hago mucho menos, y es que la música puede ser muy absorbente si sólo te dedicas a ella.

Tú eres uno de los sponsors de Braun CruZer. ¿Qué es lo que te empuja a aceptar una colaboración con una gran marca como es el caso? Bueno, me gusto la idea porque estaan interesados en promocionar artistas y hacer algo más allá de las típicas campañas de márketing.

Dices que tus trabajos normalmente esconden un mensaje más profundo del que a primera vista aparece. ¿Lo defines antes de empezar a trabajar o es algo que gradualmente aparece según vas trabajando? Es algo que surge despacio según voy diseñando.

Es nuestra responsabilidad el disfrutar cada segundo del día. Nadie más puede hacer eso por nosotros”. Un frase estupenda pero, ¿no crees que es una máxima algo difícil hoy en día? Pues la verdad es que no lo creo. Lo que quiero decir con esa frase es que la felicidad, como concepto, es algo realmente subjetivo.

Un danés viviendo en Barcelona. ¿Qué te ofrece la Ciudad Condal?

La tradición danesa en cuanto a diseño es conocida por su minimalismo que es algo que, aparentemente define my trabajo y mis gustos. Me encanta la simplicidad. También hablar claro y preciso sobre un tema... Siento que eso es la simplicidad. Sin embargo, y por otro lado, el estilo más lleno de emotividad característico del sur de Europa es una gran fuente de inspiración.

También los colores, que aquí en Barcelona, son muy vívidos: las frutas, verduras, el mar... Todo.

Tus trabajos están claramente definidos por el color. Si tuvieras que elegir entre un color que te defina, ¿cuál sería? Pues no sabría decirte, aunque siempre me han gustado mucho el rojo y el azul. www.emilkozak.com Emil está esponsorizado por

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ARTE

Esta página: ilustración de Shaun Tan perteneciente a la serie “Esbozos de una tierra sin nombre”, editado por Bárbara Fiore Editores.

Página siguiente: lustración de Suzy Lee para “Sombras”, publicado por Bárbara Fiore Editores

LIBROS ilustrados

Alejada del bombo y platillo de las noticias apocalípticas donde el e-book es el padre de todos los males editoriales, en las librerías de toda España otra revolución está tomando las estanterías. Sólo basta pararse y mirar. Sin hueco en las cabeceras superventas, pero muy cerquita de allí, con su buena parcela de impacto visual, los libros ilustrados son esa golosina que no te puedes quitar de la cabeza, ese capricho al que los amantes de los viajes infinitos en páginas de colores sabemos que vamos, gustosos, a sucumbir.

Texto_ Maru Sánchez

ILUSTRACIÓN

GUSTAZO LO LLAMAN A priori parece una de esas tendencias de vuelta a los orígenes que todo lo impregna últimamente, desde la filosofía “eco”, hasta el elogio de la lentitud puesto de moda por el periodista británico Carl Honoré, sin embargo, hay algo de novedoso en estos libros. Lo visual, patrón vertebrador por antonomasia de nuestro día a día recupera su estatus de elemento primigenio, casi tanto o más que la palabra escrita. ¿Dónde ha quedado, entonces, ese motor fundamental para el fomento de la imaginación y la evocación que supone cualquier texto escrito? ¿Son estos libros ilustrados el último ingenio editorial para esos que ni leen, ni trabajan, ni nada, pero que sí gastan?

Podría, pero no. Muy lejos de la idea de dar todo masticadito, subyacen concepciones más románticas que, a su vez, todo hay que decirlo, casan a la perfección con las exigencias del mercado. Aunque capitaneados por editoriales en su mayoría independientes como Los Libros del Zorro Rojo, Media Vaca, Kalandraka, Barbara Fiore o Nórdica Libros, pero también por algunas mayoristas como es el caso de Edelvives, que tiene en su haber algunos de los mejores álbumes ilustrados por la prestigiosa artista Rebeca Dautremer, este tipo de libros traen a las manos de quien los ojea los recuerdos de quien comenzaba a imaginar leyendo. Pero sobre todo a entrenar la materia gris a partir de hermosas, sugerentes, inéditas ilustraciones y dibujos.

TENEMOS LA CASA. AHORA EL TEJADO Nuevamente resulta llamativo que en la era de las pelis en 3D, el trabajo de orfebrería de la ilustración siga estando valorado e incluso sea un elemento de culto. Y es que el público ha madurado, y así nos lo comenta Diego Moreno, editor de Nórdica Libros que sostiene que “cada vez hay un público lector más formado que disfruta con los libros bien editados”.

Una afirmación que Alberto Vitó, colaborador de la editorial Bárbara Fiore refuerza al considerar que “se están perdiendo los prejuicios...En ese sentido nos encontramos ante un público cada vez más maduro que, lejos de avergonzarse de leer un libro con dibujitos, se interesa precisamente por ese elemento gráfico, incluso como prioridad, sin ningún tipo de complejo”.

Y he aquí una cuestión fundamental. El libro visto no sólo como un objeto de dispersión, disfrute a través de lo que cuenta, sino también como un objeto de colección, algo único que puede disfrutarse también sólo viendo sus tapas y ojeando sus páginas. Un factor este último que, no se puede obviar, es fiel reflejo por otra parte de nuestra sociedad cada vez más visual.

A este respecto el responsable de Nórdica es claro al concluir que pese a que al principio pensó que su público objetivo tendría un nivel adquisitivo alto y rondaría los 45 años su sorpresa fue mayor cuando descubrió “la cantidad de gente joven que compra estos libros. Incluso están siendo recomendados en colegios, pues son ediciones, en muchos casos asequibles y que animan a la lectura del texto clásico”. Con títulos en su haber como “Caperucita Roja”(Charles Perrault), “Cuánta tierra necesita un hombre” (Tolstói), “El extraño caso de Dr. Jeckyll y Mr. Hyde” (R. L. Stevenson) o “Bartlebi, el escribiente” (Herman Melville), la recuperación de los clásicos es una de las bases de esta editorial especializada en las literaturas de los países del norte y que como el propio Moreno afirma “dan nueva vida a estos autores”.

Un poco en esta línea, el sello Akal ha lanzado una colección titulada sin eufemismos Grandes Libros. Bajo este paraguas las obras completas de

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Sherlock Holmes y títulos como “Alicia en el País de las Maravillas” vienen, no sólo acompañadas de interesantes ilustraciones de autores contemporáneos y fotografías de la época, sino que están minuciosamente comentadas y anotadas por expertos. Verdaderos tesoros atemporales de la producción editorial.

TENDENCIAS La irrupción de lo digital no ha supuesto para nada un freno a la hora de nuevas incorporaciones a la industria editorial. A la sombra de los grandes best sellers y productos edulcorados de los gigantes del sector, crecen y se reproducen rarezas, ediciones cuidadas, títulos ignorados en un cajón y rescatados con cubiertas bien pulidas, caprichitos al fin y al cabo, para todo buen amante de los libros que se precie. “Proporcionar al lector una reflexión, una experiencia estética o simplemente un momento agradable” es según Alberto Vitó, de Bárabara Fiore, una de sus metas. Y es que esta editorial ha hecho de la ilustración el alimento base de su producción editorial. Tomando como punto de partida la sección infantil, títulos como “Emigrantes” o “El árbol rojo”, ambos con las maravillosas ilustraciones de Shauntan, “La Fuga”, de Pascual Blanchet o “Hermosa Soledad”, de Jimmy Liao traspasan sin palabras apenas las fronteras de la imaginación infantil para echarnos a la cara un buen montón de pensamientos poéticos, filosóficos y humanísticos no apto para todos los adultos.

Precisamente con esta raíz común en el público infantil, en 1998 nació Kalandraka, una de las editoriales más punteras en álbumes infantiles y que recientemente ha lanzado un título que diverge un poco de lo realizado hasta ahora, “Kipling ilustrado” dedicado al escritor británico e ilustrado por otros tantos artistas plásticos contemporáneos, entre ellos, Ajubel, Pablo Amargo, Isidro Ferrer, Pep Montserrat, Pablo Auladell, Paco Giménez y Arnal Ballester.

UNA EXPERIENCIA ESTÉTICA Finalmente, y si de libros con personalidad se trata, no podemos dejar de hablar de una de las editoriales más singulares y que más ha apostado por este tipo de producto. Los Libros del Zorro Rojo cuenta en su catálogo con títulos imprescindibles de la historia de la literatura pero además vestidos de gala, preparados para un gran banquete. Y es que con un gusto no disimulado por la literatura fantástica y de misterio, con autores como Lovecraft, Poe, Kafka o Stevenson, el sello cuenta asimismo con otra línea sobre literatura hispanoamericana del siglo xx donde escritores como Juan Gelmán, Alejandra Pizarnik, Nicolás Guillén, Ricardo Piglia o Mario Benedetti encabezan, desde diferentes géneros, un elenco de trabajos ilustrados por Carlos Alonso, Antonio Seguí, Arnal Ballester, Pat Andrea, Carlos Nine, Luis Scafati, Enrique Alcatena o Enrique Breccia, entre otros.

Así, y aunque pueden caer rayos y centellas, rabos de lagartija y pelos de rata sobre el mercado editorial, las musas del arte siguen teniendo el antídoto. La belleza, en la base de estas experiencias estéticas y literarias llamadas libros ilustrados, es capaz de desarrollar la sensibilidad cultural y social de quien se atreva, aunque tan sólo sea por un momento, a navegar por sus páginas. Y a eso, amigos, no hay bruja que se resista.

LIBROS ilustrados

ilustración de Shaun Tan perteneciente a la serie “Esbozos de una tierra sin nombre”, editado por Bárbara Fiore Editores.

ILUSTRACIÓN

Esta página “Arrugados”. Página siguiente “Árbol enfermo”.

Ilustraciones Sete González

ARTÍCULO justice

Ver qué se sacaban de la manga sonora Justice -tras convertirse con su “†” en los agitadores electroides más importantes, millonetis y reclamados del planeta- era una de las grandes cuestiones a discusión en este 2011 entre las mentes más preclaras del indie que se bailonguea a altas horas de la madrugada. La respuesta ya no está sólo en el viento de Dylan...

Texto_ Fernando Fuentes

Una vez casi superado el penúltimo tsunami en forma de cruzada musical llegada desde las Galias –protagonizada en el 2008 por Justice, volteando a la escena electrónica con su primer disco, “†”, y ese serrucho ravero, dance y fino que todo lo puso del revés- parecía que las aguas del juliganismo vestido de seda, mona se queda, habían vuelto a su cauce; es decir las catacumbas clubbing de las que, quizá, nunca debieron de salir. Además, de los múltiples hijos bastardos que les salieron a Xavier y Gaspard, meros remedos sin fuste surgidos de aquella ola que todo se lo llevó por delante, apenas queda rastro.

Del celebrado dúo apenas se sabía nada, lo último fue que le habían cogido el gusto a eso de lanzar resultonas banditas de pop retro, luminoso a lo Phoenix –caso de Jamaica- para disgusto manifiesto de los que pedían más madera desde sus jaulas de aislamiento y camisas hawaianas de fuerza. El caso es que mientras aquella nu-rave -que ellos comandaron sin saber muy bien porqué- agoniza sin remisión –sólo The Bloody Beetroots o Boys Noize conservan algo de interés, y el siempre permanente y padre del cordero electro Vitalic- de pronto saltan las alarmas ante lo que se suponía que era el regreso de los hijos pródigos del motosierrismo electrófono; esos dos tipos -con pinta agitanada y setentera- capaces de patearle el culo al mundo armados con una cruz de neón y un montón de artefactos, que a veces olvidan de enchufar en directo y todo suena un poco a estafica, pero que más da.

VENDER SU ALMA A LAS TRES BANDAS Vayamos al grano, empezaba el 2011 a ver cómo le salían los primeros pelos cuando nos topamos de sopetón con los primeros ramalazos de “Civilization”. Como siempre, al principio no había nada claro: que si es el nuevo tema de Justice, que si no lo es, que si cuelgan una fotico de una cruz en el Facebook con una breve leyenda debajo para que la gente empiece a bramar de gusto en casa y los blogs empiecen a echar humo, etc. El caso es que pronto, casi en horas, supimos que estábamos en lo cierto, nos enfrentábamos al retorno oficial sonoro de la pareja más follonera, juliganista y talentosa de los últimos tiempos. Pero el asunto tenía trampeja y es que para escuchar el tema, casi entero, había que pasar por ver el vídeo de la última campaña de Adidas, en la que además de disfrutar del “Civilization” de los justicieros nos topábamos con cameos de gente del tallaje sonoro

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y cool de A-Trak, Katy Perry y Busy P, casi nada al aparato. El chantaje se convirtió rápidamente en placer al comprobar que, como era de esperar, el millonario documento comercial estaba de lomo y no sólo empezábamos a darnos de bruces con lo nuevo de Justice, sino que además también nos poníamos ojipláticos viendo a Messi, Derrick Rose, Beckham y otros cracks del deporte mundial en plena acción y calzón corto.

¿SI ALGO FUNCIONA HAY QUE CAMBIARLO? A la hora de separar el grano de la paja de este “Civilization”, la faena, amigos CLONEros, no está tan clara. No hay más que darse un garbeo por los foros más pintones y puestos en el trasuntillo electro-indie para darnos cuenta de que la gran batalla entre los detractores del nuevo pre-hitazo y sus defensores, a capa y espada, no ha hecho nada más que empezar. Llegados a este punto hay que recordar que todos ellos, sin excepción, dieron con la mismísima coronilla en el techo del club de su postín cuando en su momento sonaron a volumen brutal los primeros pelotazos de los franceses, nos referimos a “Waters of Nazareth”, “Let There be Light” o “Stress”. También hay muchos que les tenían unas ganas tremendas -¿envidia, celos profesionales, mala baba?- tras la que montaron, parda con mayúsculas, hace ahora cuatro años. Lo cierto es que todos -propios y extraños, oriundos y foráneos- nos preguntábamos qué carajo iban a pergeñar Justice después de liarla tan a lo bestia como lo hicieron con su primer disco y de poner toda la carne, y hasta el postre y la merienda de los niños, en el asador. La respuesta no está en el viento de Dylan, sólo hay que buscarlo en iTunes y el resultado es...

Tantatatacháaaaannnn... Solamente regulero.

CÁLZATE LAS BAMBAS Y VAMOS A BAILAR Lo primero que llama la atención al escuchar el nuevo tema es que parece que el tiempo no ha pasado. Suena a lo mismo, parece viejo, como si hubiera estado en maceración. A las malas hasta podría ser un descarte de aquella primera gran crucifixión sónica que los aupó a los mismos cielos de los que tanto reniegan. Y es aquí cuando algún lector avispado dirá: “Y si algo funciona, ¿por qué cambiarlo?” y nosotros le damos la razón... Pero con reservas.

En esta entrega Xavier de Rosnay y Gaspard Augé mantienen la esencia dance-funky de siempre; abusan hasta la saciedad de ese montañismorusosonoro en forma de breaks que tanto les gustan; esas voces corales a lo Jackson 5 bien distorsionadas son las de antes y juegan con esos efectivos riffs heavy-electrosos, a modo de guitarrazos, que bien podía firmar el mismísimo Ted Nugent. En fin, que visto lo oído no hay nada nuevo bajo el sol nuclear. Pero aun así -¿bajo mínimos?- mantienen la misma frescura de anteriores entregas, la que sustanció aquellos temarracos –es su mejor definiciónque hicieron temblar el panorama electro-dance, hacérselo encima a David Jeta y hasta lograr que Daft Punk les miraran de reojo, y que seguramente cambiaron la historia de la música de baile en esta primera década del nuevo siglo, fijo. Como hasta el rabo todo es toro estaremos atentos a los siguientes singles –y el disco, claro- que esto tiene pinta de ser solo el tibio aperitivo de una nueva traca justiciera de bailongo masivo. ¿Vamos rescatando pues las bambas flúor del fondo del armario? Yo nunca me las llegué a quitar...

www.myspace.com/etjusticepourtous

ARTÍCULO justice

CIVILIZANDO A JUSTICE

MÚSICA

ENTREVISTA deaf center

ENSAYO Y ERROR

Deaf Center es un dúo noruego, formado por Erik Skodvin y Otto Totland, que debutó en 2004 con un sorprendente EP para Type Records, “Neon Lights”, y desarmó un año más tarde a los fans del ambient más retorcido con el abrumador “Pale Ravine”. Desde entonces ha pasado mucho tiempo, demasiado tal vez, pero “Owl Splinters” merece tal espera. Por la edición de su segundo largo y por su presencia en el próximo Electrochock (US) 2011 pudimos entrevistar a Erik.

Texto_ Pablo Vinuesa

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ENTREVISTA deaf center

DEAF CENTER

Hace ya seis años que editásteis vuestro disco anterior... ¿En qué habéis andado metidos? [Erik]: Pues yo en crear un sello (Miasmah), grabar varios discos y tocar mucho con mi propio nombre y como Svarte Greiner. Últimamente he trabajado bastante en artworks con gráficos y sonido. Y también me mudé hace un par de años a Berlín, algo que ha ejercido muy buena influencia sobre mí.

Vuestro debut en formato largo, “Pale Ravine”, fue un gran éxito entre la crítica y los fans del ambient más experimental. ¿Provocó esto algún tipo de presión sobre vosotros? Totalmente... “Pale Ravine” es un disco del que estoy tan orgulloso que, de alguna manera, no ha sido fácil darle una continuación. La manera más lógica que se nos ocurrió fue probar con un proceso de grabación totalmente distinto, aunque nos mantuviéramos fieles a “nuestro sonido”, por llamarlo de alguna manera.

“Owl Splinters” me resulta un poco menos claustrofóbico, de hecho, más centrado en elementos orgánicos como el piano. ¿Estás de acuerdo? Si no, ¿qué término ves más acertado para definir vuestra evolución? No sabría decirte al respecto de lo claustrofóbico, pero sí es definitivamente más orgánico ya que está compuesto casi exclusivamente con instrumentación real, no como antes, donde había muchísimo más trabajo de ordenador y sampler. Esta vez hemos usado hasta un piano de verdad. ¿Cómo componéis vuestras canciones y cuál es el equilibrio entre lo orgánico y lo electrónico? No hay una receta fija, se trata más de explorar y experimentar con los sonidos, las melodías y las capas en las que se sustentan. Aunque el proceso haya cambiado bastante desde “Pale Ravine”, diría que el método no ha sufrido muchas variaciones. Tiene mucho de ensayo y error, de improvisación, y siempre se incluyen elementos tanto orgánicos como electrónicos. ¿Y cómo termináis un disco? ¿Componéis y grabáis hasta que tenéis suficiente material, o hay un leitmotiv, un “concepto” detrás? No, no hay concepto. Se trata simplemente de terminar suficientes temas buenos que puedan encajar en conjunto, y entonces trabajar todo lo demás hasta que quede perfecto.

Creo que la estética tanto de vuestras fotos de promoción como de los artworks de vuestros discos casan a la perfección con vuestro sonido. ¿Le dais mucha importancia al aspecto visual de Deaf Center? Sí, mucha. Trabajo como artista visual y diseñador gráfico, y por ejemplo te puedo contar que toda la imagen de “Pale Ravine”, desde las fotos de promo hasta el último detalle del diseño, fueron parte de mi trabajo de fin de curso. Desgraciadamente, creo que desde entonces no me lo he pasado tan bien con ningún otro proyecto...

¿Qué piensas de las bandas sonoras? ¿Habéis grabado alguna? Si no, ¿os apetecería? ¿Y para qué directores? Me encantaría... Pero no, por ahora no hemos tenido la oportunidad de hacerlo. Obviamente sería un sueño poder trabajar para David Lynch, pero como es un poco inalcanzable, me quedaría con cualquiera que tenga una visión personal y surrealista. Alguien que nos permitiera componer algo fuera de lo común, sin demasiadas reglas en lo musical. ¿Cómo se trabaja en Type, un sello tan deseado y respetado? Pues es genial trabajar para Type, y además somos viejos amigos de John [Twells AKA Xela], un caballero realmente apasionado por la música en general. No sé si a todo el mundo le gustará Type, pero desde luego los fans somos muy intensos :) ¿Os sentís parte de alguna escena? Si no, ¿con qué artistas te gustaría ver relacionado a Deaf Center? No sé. Nos cruzamos habitualmente con artistas de similares intereses, pero es difícil hablar de una “escena”.

Me encantaría ver a Deaf Center relacionado con mucha gente, desde Nils Frahm a KTL. Creo que la gente tiene cada vez la mente más abierta y no es necesario que existan dos escenas, una especializada en la clásica moderna y otra en un rollo más raro/abstracto/ruidoso. Hoy en día hay muchos artistas que campan a sus anchas entre todos estos estilos, algo que me parece magnífico.

Estaréis tocando en Sevilla, el 2 de julio, en el festival de electrónica experimental Electrochock (US) 2011. ¿Qué tenéis planeado para vuestro directo? ¿Habéis tocado alguna vez en España? Tenemos la base planteada para el nuevo set, y algo ya pudimos probar en abril en Nueva York, durante el festival Unsound. Se trata de improvisar alrededor de ciertas partes seleccionadas de “Owl Splinters”. Otto al piano, yo con la guitarra, más efectos y puede que un chelo. Será la primera vez que toquemos en vuestro país, tenemos ganas de ver qué tal nos va.

Por último y viniendo de Noruga, ¿qué artistas desconocidos de vuestro país nos puedes recomendar? Pues obviamente empezaría por recomendarte algunos lanzamientos de mi sello, Miasmah, de artistas noruegos como FNS (Fredrik Ness Sevendal), Elegi (un viejo conocido de Miasmah) y Juv (Are Mokkelbost y Marius von der Fehr). Ninguno es realmente famoso, pero todos tiene un talento desbordante. Por otra parte, también hay una escena underground muy interesante. Por ejemplo, te recomiendo que escuches a las bandas Le Corbeau (con los cuales compartí un 12” como Svarte Greiner el pasado año), DEL (rareza psicodélica, muy extraña pero bonita) y a otros artistas en solitario como André Borgen, Alexander Rishaug (con album a punto de aparecer en Dekorder este año, por cierto) o Jenny Hval (AKA Rockettothesky, que hace poquito ha editado con Rune Grammofon).

“Owl Slpinters” está editado en Type Records. Deaf Center estarán tocando en el festival Electrochock (US) 2011, el 2 de julio.

ENTREVISTA dani llamas

NUDOS Y DOBLECES

Dani Llamas suena a Dani Llamas, merienda Cola Cao con galletas y no para de hacer planes. “Minor Epic” (Red Vanette Music, 2011), su segundo disco en solitario, transita por zonas oscuras y nos enfrenta a los miedos y dudas que surgen al hacerse mayor, todo ello en la clave menor de la lucha que libramos contra nosotros mismos día a día.

Texto_ Aida García Foto_ JL Suárez Garrido

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ENTREVISTA dani llamas

DANI LLAMAS

Escribir unas letras tan personales, tan íntimas, ¿Es una forma de exorcizar tus demonios o más bien de darles la mano y reconciliarte con ellos? Crear unas letras tan personales es una cosa nueva y este proyecto en solitario me ha servido para sacarme esa espinita. Y claro, es una manera de exorcizar los demonios pero también de darles la mano. Es una forma de hacer terapia, de enfrentarse a aquellas partes con las que más vergüenza te da hablar cara a cara, de sacar fuera cosas... Algo que no suelo hacer habitualmente y a lo que no estaba acostumbrado. También intento cada vez más que las letras, aparte de personales, sean narrativas. ¿Crees que el conflicto entre deseo y deber es el motor de tu creatividad? Siempre ha sido así porque es una pulsión muy fuerte que hay dentro de mí. “Minor Epic” en concreto trata sobre lucha interna por controlar la fuerza de voluntad, otras veces se trata de otro tipo de conflicto interno o temas más biográficos. En este caso echaba mucho de menos la fuerza de voluntad y el control que tenía sobre ella cuando era más joven, recuerdo que esto me hacía ser una persona más fuerte, más feliz, más entera. He intentado dedicar este disco a la voluntad como motor, por eso hablo de “epic”, porque es una épica menor, porque la voluntad es algo muy épico de controlar aunque no nos demos cuenta de ello porque lo hacemos día a día. ¿Cómo se pasa del “Back to Innocence” del primer disco de G.A.S Drummers a un tema como “No More Fun” en Minor Epic. ¿Hacerse mayor es en cierto sentido perder la inocencia? En “Back to Innocence” uno se creía una persona mayor y decía que estaba perdiendo dicha inocencia, lo cual era mentira. Ahora sí que es de verdad, ahora sí que es la inocencia perdida, porque con los años vas acumulando experiencias, algunas buenas pero también se va conociendo el lado más oscuro y sucio de la vida. Te encuentras frente a frente con la muerte, con la enfermedad, con el desamor, con las partes más amargas. “No More Fun” habla un poco de todo eso, pero sobre todo es un diálogo con uno mismo. Tiene que ver con las guerras personales que libramos, con encontrarse cómodo y con querer cambiar la manera de ser.

En los 90, cuando tú eras aún un adolescente, surgió una escena musical tanto en Jerez como en el resto de la Bahía de Cádiz, de la que tú formaste parte. ¿Qué ha supuesto esto para ti? Pues tengo desde hace tiempo la asignatura pendiente de armar un documental sobre esto. Yo creo que todas las escenas locales son muy importantes porque tú formas parte de ellas, la de aquí puede que no tuviera relevancia a nivel global pero fue muy importante para los que vivíamos en la zona. La gente de aquí siempre ha tenido las orejas muy abiertas a diferencia de otras escenas más endogámicas. Desde el principio quisimos conocer otras cosas, abrirnos, hubo incluso también influencia de los americanos de la base de Rota. Pasaron cosas muy interesantes y diversas: grupos que comenzaron en

la movida del punk, garitos que abrían y organizaban conciertos saltándose todas las prohibiciones que podía haber... Yo creo que la proeza fue sobre todo abrir brecha con unos estilos que en su momento eran independientes, alternativos a la alternativa incluso, siendo de donde somos, del sur, la periferia. Yo fui y sigo siendo parte de eso, incluso algunos de los grupos nuevos que siguen saliendo te tienen de referencia y es bonito. Además la gente con la que trabajo ahora estaba ahí en ese momento, son el mínimo común múltiplo, el máximo común denominador de la banda que tengo y de la gente con la que curro.

Cuando llegas al estudio ¿tienes una idea acabada de los temas o van evolucionando con los aportes de los músicos que colaboran y por supuesto de Paco Loco como productor? Yo puedo llegar con una idea muy clara al estudio de Paco Loco pero si tú dices blanco él siempre va a responder negro. Como productor me gusta la figura de la vieja escuela, un tipo que llega y mete mano a tus canciones. Paco siempre te lleva a la cara oculta de la luna, te lleva donde tú no quieres llegar porque tienes miedo, te da una visión muy esotérica y al final siempre me convence. ¿Y qué me dices de tus próximos proyectos? Ahora estoy muy centrado en “Minor Epic”, intentando darle bastante exposición a la salida del disco en los medios y pensando en montar el máximo número de conciertos. En Francia sale el disco dentro de unos meses para poder hacer una gira en otoño. También me gustaría llevar adelante un proyecto con G.A.S Drummers, hemos encontrado mucho material antiguo que nunca salió, a lo mejor hacemos algo con esto y con lo nuevo que montemos.

En los dos últimos años has viajado mucho. ¿Han salido canciones tan lejos de casa? De ahí salieron muchas canciones. En los dos sitios donde estuve trabajando, Namibia y Vanuatu, pasé mucho tiempo solo, pensando en mi familia, pensando en mi casa, pensando en las cosas que se te vienen a la cabeza cuando tienes tanta perspectiva y distancia. En África por ejemplo hice muchas canciones para “Speaking Thru the Others” y para un proyecto intermedio que se llama “The Ships”, un disco de power-pop con Juanin de El Sueño de Morfeo y Paco Loco. En Vanuatu hice unas 20 canciones que están aún guardadas. Están pensadas para G.A.S Drummers así que no sé qué pasará. ¿Crees que cuando vuelvas a componer te irás hacia zonas más “soleadas” o seguirás en el “lado oscuro”? Tal como gira mi vida ahora supongo que irán hacia una zona más soleada, más mayor y menos menor [risas]. Pero esta parte menor es muy importante porque es algo que existe.

Una vez alguien me dijo que se me daba mejor hacer canciones tristes que canciones alegres y estoy de acuerdo con esto, así que siempre habrá momentos de melancolía. ¿La alegría está sobrevalorada? Sí, estoy totalmente de acuerdo con eso.

De hecho no me gustan los grupos que hacen canciones alegres, sólo los Ramones.

“Minor Epic” está editado en Red Vanette Music.

MÚSICA

ENTREVISTA ainara legardon

Los más viejos del lugar, aquellos indies que aunque ahora gasten canas bien puedan presumir de haber estado presentes en las primeras ediciones del FIB, por ejemplo, la podrán recordar como la cantante de los oscuros Onion. Pero Ainara LeGardon lleva ya casi una década labrándose una discografía, en solitario y casi también por cuenta propia, en la que se funden con sabiduría los arrebatos eléctricos y el folk confesional. Recuperada por fin de una lesión de espalda que la ha mantenido dolorida una larga época, vuelve con el fantástico “We Once Wished”, su nuevo álbum, el primero editado con Aloud y el mejor sin duda de toda su carrera.

SEDIENTA

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ENTREVISTA ainara legardon

AINARA LEGARDON Texto_ Pablo Vinuesa

“In The Mirror” (2003) y “Each Day a Lie” (2005) fueron producidos por Chris Eckman (The Walkabouts) y en cierto sentido guardan relación. ¿Los catalogarías juntos, por ideas, ambientación, olores?

Hasta sus negras portadas se parecen, en contraposición a las de los dos siguientes, blancos. Sí, por supuesto. “In The Mirror” cuenta una historia vivida hace ya 14 años. “Each Day a Lie” supuso su continuación, con el deseo implícito de poder salir del bucle, sin conseguirlo del todo. Las portadas llevan la misma estructura por ese motivo. Aún hay mucho de “In The Mirror” en “Each Day a Lie”.

En 2009 llegaría “Forgive Me If I Don’t Come to Sleep Tonight”, trabajado ya junto a compañeros de aquí, Alfons Serra y Javier DíezEna. ¿Qué diferencias hubo entre grabar los discos fuera, con Chris, y hacer este un poco más a tu rollo? Este tercer disco sí que se salía de la temática anterior por completo. Requería una producción y un enfoque diferentes, así que opté por el “do it yourself” casi total y lo grabamos en el estudio móvil que monté junto a Paco Jiménez en el 2008, Hambre y Ganas. Durante la grabación aún estaba convaleciente de mi lesión de espalda, así que fue muy duro y doloroso en ocasiones pasar tantas horas tocando. Mi buen amigo, el realizador Alvaro Sanz grabó con sus cámaras todo el proceso, y espero que algún día ese mini-documental que tenemos en el cajón pueda ver la luz.

Y llegamos a este “We Once Wished”, el disco que, según la hoja de promo, es el que siempre habías querido hacer... ¿Qué feeling tenías durante el parto? Estaba (estoy) pletórica. En cuanto empecé a escribir las nuevas canciones sabía que este disco iba a tirar por otros derroteros y que en él podría dar rienda suelta a una visceralidad no sólo basada en sacar del corazón y el estómago mis sensaciones, sino de otros órganos que no voy a mencionar.

También me alegra ver florecer, por fin de una manera abierta y contundente, tu pasión por el hardcore y el slowcore... ¿Tenías ganas de soltarte de una vez a guitarrazo limpio? Además, como sé que eres una geek del guitarreo, ¿qué equipo estás usando ahora más habitualmente, tanto para el estudio como para el directo? Tenía muchísimas ganas... En directo disfruto mucho tocando los temas antiguos, pero cuando la guitarra se me desboca y me desafía, me encanta la sensación. Respecto al equipo que uso, es casi el mismo para el directo que para el estudio. He vuelto a mi Fender Coronado I del 66. Llevaba tiempo tocando una de mis Harmony,

la Rocket H56 también del 66, pero pesa más que la Coronado y mi espalda no la aguantaba demasiado tiempo. Los amplis que uso ahora son Dynacord, mi favorito es el DA15/V de los 50, aunque también me encantan el DA16 y el MV15 . Los suelo pasar por una pantalla Harley Benton de 2 altavoces Celestion Vintage 30 de 12 pulgadas. El único pedal que utilizo es el Cheese Source de Lovetone (fuzz y overdrive). Es un pedal muy apreciado y que ya no se fabrica. Tengo la suerte de tener dos unidades, y cada una suena diferente.

El más moderno es el que llevo en directo, y el antiguo (que compré hace ya 13 años), lo reservo para grabaciones ya que está más delicado, aunque me gusta mucho más su sonido.

Siempre has sido bastante independiente, gestionando tu carrera desde Winslow Lab. ¿Qué diferencias tiene ahora trabajar para un sello como Aloud? Pues si te digo la verdad, todo son ventajas. ¡Esta gente de Aloud no sabe negociar! Había llegado un punto en que desde Winslow Lab, con nuestra pequeña infraestructura, no podíamos abarcar más allá.

Sergio de Aloud Music se encargaba de mi management desde el año 2005, y de la distribución desde el 2009, así que coeditar con ellos era el siguiente paso lógico.

Tienen una política promocional muy interesante y no ven a internet como un enemigo, ¿crees que los P2P son una buena arma publicitaria o ese Gran Enemigo que la Sinde nos quiere vender? Pues parece demostrarse que la gente, aunque se decargue el disco gratuitamente, sigue comprando el formato físico. Además, Aloud tiene la buena costumbre de ponerlo a disposición de los internautas a buena calidad. De esta forma, lo que se consigue es que a los artistas del sello nos conozca mucha más gente, y que el boca a boca haga el resto...

Espectacular el vídeo de “Thirsty”. ¿A quién se le ocurrió la idea? ¿Lo pasaste muy malamente? La idea se gestó entre mis buenos amigos Hannot Mintegia (Audience) y Alvaro Sanz. Lo pasé tan mal, que la sensación dio la vuelta al círculo y acabé disfrutando como nunca... Este vídeo ha sido una de las cosas que más me ha gustado hacer en mucho tiempo. ¿Cómo recuerdas ahora la época de Onion, veinte años (que se dice pronto) después de subirte por primera vez a un escenario? Lejana...

Y por último, he llegado a leer tu nombre junto al de otras chicas como Russian Red o Annie B Sweet, algo que sinceramente me sorprende, y que sólo puedo entender por la flojera del crítico de turno. ¿Qué te parece a ti que te liguen a estas señoritas? Es más, si tuviera que nombrar a una guitarrera nacional con la que puedas compartir algún referente, probablemente me quedaría con Maika Makovski. ¿La has escuchado? Estoy de acuerdo contigo en que, si me tengo que sentir identificada con alguna de las artistas que mencionas, tanto por actitud como por estilo, es con Maika Makovski. Quizás también con Anari, pero basta ya de comparaciones, que me da pereza...

“We Once Wished” está editado por Aloud Music.

Ainara LeGardon actuará el 27 de mayo en Primavera Sound 2011.

MÚSICA

TERRITORIOS sevilla 2011

EN LA PRESIDENCIA INDEPENDIENTE

Las canciones de “Presidente” suenan más claras, supongo que fruto del trabajo común con tu productor, Jordi Gil. ¿Crees que los temas son más accesibles porque quizás ahora no sientes la necesidad de ocultar nada? Bueno, hay canciones del disco que son frías, siniestras.

Yo no sé qué determina eso de la claridad, la luz. Hay algunas más difíciles de interpretar como “María de las Nieves”, o “El Boxeo” tampoco es fácil descifrar de qué va a primera vista. El disco suena muy bien porque tengo una banda que toca muy bien. ¿Tienes la sensación de que este disco te ha quedado más redondo, más compacto que tus anteriores trabajos? A más horas de trabajo, mejores resultados. La verdad es que los cuatro últimos discos suenan todos bastante bien porque ya eran producciones de más de un mes de trabajo.

“Una Ópera Envasada al Vacío” se grabó en siete días y eso se nota, si no ¿para qué estaría la gente 20 días más en el estudio? Con la pasta que vale eso. Se tiene que notar.

Se nota un gran esmero en los arreglos de cuerda, piano... Jordi quería arreglar el disco bien y yo creo que lo ha conseguido. El traje con el que van vestidas las canciones se adapta perfectamente a las piezas musicales.

Incluso ese esmero se nota también en tu voz, mucho más depurada. ¿Qué te llevo a dar clases de canto? Un colega de Málaga me lo recomendó y algo he aprendido. Ya sale más voz, aunque todavía me queda por aprender. Se trata de una serie de posturas y técnicas que tampoco son difíciles; hay que practicar.

“Presidente” tiene la senda melódica que llevas caminando desde tus últimos proyectos, pero este es seguramente el más bailable, ¿cómo llevas eso? Que cataloguen un disco tuyo como bailable.

Tendré que ver yo a la gente bailar para creérmelo. El otro día tocamos seis canciones de las nuevas en Murcia y más que ganas de bailar noté como que impactaban, también es que la gente no las conocía tampoco. Ahora que ya está el disco rulando por ahí empezarán a conocerlas, pero me da la sensación de que son más potentes que bailables. De todas formas, si suscitan ese ánimo en el público es buena señal. La gente va a los conciertos para participar, y bailar es la forma más palpable de hacerlo.

Me encanta el tema “Babieca”, tiene un ritmo lírico muy aventurero. ¿Estás en un momento donde el cuerpo te pide aventura o prefieres plasmar experiencias vividas en una novela o canción? Te tienen que seguir pasando cosas. No te puedes parar en casa, al menos que lo hagas a lo Proust, me encierro, lo escribo todo y me muero. Yo prefiero darme una vuelta. Hay cosas que ver en la calle.

He leído que disfrutas más con tu vertiente literaria que musical, ¿qué te da el escribir una novela? Primero que lo puedo hacer encerrado.

La primera novela me ha costado la misma vida; mucho trabajo, mucho esfuerzo. Seguramente tenga algún fallo que se corregirá. Cuando le coja el rollo molará porque lo podré hacer a solas. El proceso de vivir la vida de los personajes es genial. Por un tiempo dejas de vivir tu vida, es como si

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estuvieras drogado. Aunque, hablando en plata, son muchas horas de trabajo para luego ver unos beneficios reales bastante limitados en comparación al esfuerzo desempeñado.

“Presidente” termina con “Un Final Feliz”, ¿tus novelas también terminan igual? Bueno, depende si eres creyente o no [risas].

Hay una canción en el disco que es “San Borondón”, ¿tienes algún San Borondón particular? A ver si le puedo comprar una isla a Tommy Hilfiger. Aunque él tiene un negocio más lucrativo vendiendo camisetas de coste un euro a cien. Cualquier isla valdría. San Borondón es mi casa, mi cerebro, mi imaginación... Es donde yo vivo. La escritura es mi patria.

En “La Lección” cantas a ritmo de charlestón eso de ‘Veo que te sabes la lección, ¡diviértete!’. ¿Qué te motivó a hacer una composición tan diferente? Es una canción con la que sacamos un poco los pies del plato porque no es el estilo más habitual, pero por otra parte nos parecía divertido.

Una canción que le canto al nene, para que no haga tampoco demasiado caso de lo que le dice el cole o la familia. Matemáticamente se nos va preparando a todos para cometer los mismos errores de siempre. Habría que probar otras cosas, aunque fuera un disparate.

En el single de “Vacaciones en el Mar” está incluida la canción “La Chica del Momento” que ha gustado mucho, ¿era el corte número doce de “Presidente” o la hiciste a posteriori? Sí, se trataba de la pieza número doce. El tema está guay y al final ha gustado. Nos lo veíamos venir: si la quitamos del disco a la gente le va a gustar. Si la hubiéramos dejado en el disco hubiese estado bien, lo que pasa es que terminaba muy correcto con “Un Final Feliz”. Igual así la canción tiene más difusión que las otras. O quizás la busquen más, por desgracia, en páginas ilegales. ¿Te descargas música? Ya te digo, alguna cosa muy rara. Porque si vas a la tienda y no está editado en España, ¿qué vas a hacer? Para que algo se venda hay que ponerlo fácil al público. Por ejemplo, si ayer salió mi disco a la venta y alguien fue a comprarlo y no lo encontró, pues ese dinero se lo gastaría en otro. “¡Ay, no está el de Chinarro!, pues dame el de Nacho Vegas que me han dicho que está genial también”.

Después de dos décadas en el mundo musical, supongo que cuando interpretas una canción antigua ya no significará lo mismo que en el momento de la composición ¿Hay algún tema de tu repertorio pasado que siempre te emocione tocar? No toco las canciones antiguas. Es decir, de “El Fuego Amigo” para atrás no toco nada. Sí es cierto que alguna vez he interpretado temas antiguos y es emocionante recrear aquella atmósfera.

Es como resucitar un cadáver. Con Jordi, Pablo y Javi rescatamos “Dos Besugos” y “El Rayo Verde”. La primera le gusta a la gente y al grupo, y la segunda me gusta a mí.

Puedes leer la entrevista completa en www.clonemagazine.com “Presidente” está editado por Mushroom Pillow. Sr. Chinarro actuará el viernes 20 de mayo en el festival Territorios Sevilla 2011.

ENTREVISTA sr. chinarro

Antonio Luque se viste de “Presidente” y Sr. Chinarro vuelve a sorprender. El envoltorio es más preciosista que nunca, orquestado con una voz cuidada y los fantásticos arreglos de Jordi Gil. Los temas están cargados de potencia y algunos hasta incitan al baile, pero no nos engañemos, Chinarro introduce guasa, tenebrismo y metáfora en sus letras. Definitivamente, lo enigmático deja paso al pragmatismo, disparando criterio ante la vida.

Texto_ Edu Mestre-Nadal / Foto_ Aurelio Medina

SR. CHINARRO MÚSICA

TERRITORIOS sevilla 2011

Imagen: 2manydjs

VIVE LA MÚSICA, SIENTE TU TERRITORIO Texto_ Jorge Montes Hartos ya de las cantinelas de los agoreros y de los miedos ante estas crisis que nos traen por la calle de la amargura, en el festival Territorios han decidido que la única salida viable era la huida hacia adelante. Para ello, se han liado la manta a la cabeza y han transformado muchas de sus habituales prácticas, en un guiño hacia el público que pretende llenar el Centro Andaluz de Contemporáneo más que nunca.

Así las cosas, en su edición número catorce, este Festival Internacional de Música de los Pueblos concentra a sus artistas en dos días, 20 y 21 y de mayo, aumentando el número de grupos por día (15 hasta el momento) y añadiendo un cuarto escenario al recinto. Además, la tradicional división de los días por estilos se acabó, favoreciendo la compra de un abono global que se antoja baratísimo (35 euros por 30 bandas... Me dirán ustedes). Y es que, ¿tan raro es que a uno le puedan gustar tanto Tote King como Femi Kuti, The New Raemon o los 2manydjs? En esta revista lo tenemos clarinete: por supuesto que no. Vamos, ni de coña.

En esta edición de 2011 hay música para todos los gustos, y toda nos gusta, porque hay sitio para la electrónica (los incendiarios Asian Dub Foundation,

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los temazos de Klaxons, los hits clásicos de The Human League o la IDM pionera de los grandísimos Orbital), el rock (los locales Bikini Red, la rotundidad de Miss Caffeina, la macarrada de El Columpio Asesino o la contundencia de los legendarios The Fall), el indie (los pluscuamperfectos Vetusta Morla, la dulzura de Russian Red, la lisergia de Southern Arts Society, la ‘presidencia’ de Sr. Chinarro y la intensidad de The New Raemon), los territorios mestizos (con ases de la mezcla como Raimundo Amador, Muchachito Bombo Infierno, King Yellowman o el gran Horace Andy) y el hip-hop (el jefe local, Acción Sánchez, acompañado de DJ Wilor y los jóvenes Nueva Era, la potencia de Duo Kie, el lujo ibérico de Mala Rodríguez, la soltura de Putolargo y la maestría de Nach).

Por último, queremos destacar las que creemos que van a ser sorpresas en el festival. En el apartado electrónico, King Midas Sound vienen de la mano del sello Hyperdub, garantía absoluta de que su propuesta oscura y subyugante se ganará unos pocos adeptos entre el respetable. De entre los raperos queremos destacar a Rahzel, uno de los grandes genios del ‘quinto elemento’, el beatboxing, que además se hará acompañar por DJ JS-1. Y si hablamos de pop, ¿quién mejor que Neil Hannon? Como The Divine Comedy nos ofreció alguno de los mejores singles de los 90, y tenerlo enfrente a buen seguro nos dejará con una sonrisa en los labios.

Toda la info en www.territoriossevilla.com

SEE IT críticas cine

JOSÉ LUIS GUERÍN. GUEST. ESPAÑA, 2010) Guerín vuelve por sus fueros con su último largo. Tras el fiasco que para algunos -entre los que me cuento- supuso “En la Ciudad de Sylvia” (2007), película en fase anal, y después de ejercicios más bien inanes en forma de instalaciones/ exposiciones en torno al mismo tema grimoso del inasible femenino, el catalán recupera la forma con un trabajo carente de la afectación que lastraba estos últimos proyectos. “Guest” responde a una ecuación muy sencilla: el cineasta quiere acercarse con su cámara a la realidad de las ciudades que visita durante la presentación de su anterior film fiasco y para ello se ocupa en filmar horas y horas de conversaciones con sus habitantes. Como ejercicio de redención resulta impecable. Y, en este sentido, más autoconsciente -aunque no sabríamos decir si de manera un tanto involuntaria, por paradójico que resulte- de lo que pudiera parecer: no en vano, “Guest” se inicia en la habitación de hotel donde el cineasta se alojó durante la presentación de “En la Ciudad de Sylvia” en el Festival de Cine de Venecia de 2007. En ella, dos de las actrices-cuerpos (deslumbrantes) que ocupaban parte de su metraje sirven de sutil termómetro de la tontería de los festivales de cine (y si se quiere, de la superficialidad occidental). A partir de aquí, el cineasta rebusca entre otras realidades mucho más apasionantes: aquellas de las clases populares (a veces incluso los “parias”) de La Habana, Macao, São Paulo, Jerusalén o Bogotá. Inevitablemente, no todos los fragmentos son igual de interesantes, pero Guerín consigue imponer en todo momento un trabajo de composición de la imagen más que notable, una voluntad de escucha encomiable y un talento enorme para trascender la anécdota. Así, con la ayuda de una postproducción de sonido inmejorable dadas las circunstancias del rodaje, el barcelonés traza un documental vivísimo y libérrimo, que sirve tanto de humilde mapa internacional de sensibilidades como de work in progress poético y levemente ensayístico en torno a las formas de narración audiovisual contemporánea menos esquemáticas (fíjense en el rol de Chantal Akerman al final de la película). Una nueva obra maestra que no debería pasar tan desapercibida como lo está haciendo. > Juan Pablo Ramos Fernández

ESTRENO CINE

ARTÍCULO dvd - cine

YOUNG AMERICANS DO IT YOURSELF DVDs textos_ David Pareja

Hay toda una generación detrás del movimiento Mumblecore (que viene a definirse como “cine murmurado”). Una generación que nace con la democratización del cine gracias al bajo coste de las cámaras digitales y los programas de edición para ordenador. Sin apenas iluminación artificial, con cuatro o cinco actores y unas cuantas localizaciones básicas, directores como Joe Swanberg y los Duplass han iniciado un movimiento en Estados Unidos que algunos han definido como Neorrealismo Digital o Slackavetes (en referencia a la película “Slacker” y al cineasta John Cassavetes).

Un movimiento que había gozado de poca promoción en España, donde había pasado inadvertido, y que aúna el rasgo generacional de su cine (todos los integrantes de la película tienen la misma edad) con un fuerte sentimiento asociativo (los actores son a su vez directores, guionistas, productores o los responsables de la fotografía). Con el lanzamiento de las series “Young Filmakers”, Cameo ha dado un paso adelante para distribuir en España este movimiento a través de su web filmin. com y de la edición en DVD. Quizás el mejor exponente de esta nueva corriente cinematográfica, que bebe de numerosas fuentes ya citadas (Rohmer, Cassavetes, Linklater... ) podría ser la película “Hannah Take the Stairs” (2007), de Joe Swanberg (responsable también de la magnífica “Alexander The Last” (2009), interpretada por Ben Stiller). “Hannah Take the Stairs” es la que mejor plasma todas las constantes de este movimiento: retratar a un grupo de jóvenes que hablan y hablan sobre el sexo y las relaciones sentimentales (lo que algunos llaman “bedhead cinema”) y que, gracias a la sinceridad con que abordan el proceso de grabación e interpretación, logra una sorprendente conexión con el espectador.

“Young American Filmakers” está editado y distribuido en España por Cameo.

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CRÍTICAS dvd - cine

NEDS MATA HARI

ABBAS KIAROSTAMI. COPIA CERTIFICADA. (CAMEO) La primera película “europea” del iraní Abbas Kiarostami es una historia que continúa fiel a su obsesión por las narrativas con juegos de espejos, donde la representación y la realidad se confunden y el concepto de ficción y realidad parece no tener una delimitación clara. Juliette Binoche y William Shimmel interpretan a un matrimonio que se mueve entre la seducción y el estancamiento, entre el resurgir de un matrimonio en ruinas (en una clara referencia a “Te Querré Siempre”, de R. Rossellini –de nuevo, una referencia especular-) y el paroxismo de un matrimonio a punto de extinguirse. En esta búsqueda entre el original y la copia se instala el argumento de la película, que utiliza como fondo la Toscana y los referentes museísticos de Italia para poner en escena todo el armazón conceptual.

Un juego, que gracias a la belleza de sus espacios, consigue alcanzar el calificativo de original.

JEAN-LUIS TRINTIGANT. MATA HARI. (AVALON) Mata Hari es más que un personaje un mito, una mujer fatal, una espía adicta al lujo; una popular cortesana de origen holandés que bailaba danza del vientre con una sensualidad capaz de enloquecer a todo el ejército francés de la primera guerra mundial. Magníficamente interpretado por Jeanne Moreau (popular es también el papel interpretado por Marlene Dietricht), la cinta cuenta con un guión de François Truffaut y el propio Trintignant. El personaje es una espía que utiliza sus armas de mujer para seducir a altos cargos del ejército y conseguir secretos de guerra con los que informar al bando alemán. Pero un imprevisto se cruza en su camino: el amor. Un amor que intenta sobrevivir al desenlace de la primera guerra mundial y a todos los frentes enemigos. Un amor enemigo en tiempos de guerra. Una entretenida película de suspense al más puro estilo francés.

COPIA CERTIFICADA

PETER MULLAN. NEDS. (CAMEO) Peter Mullan es uno de los discípulos más aventajados de Ken Loach (es el intérprete principal de la excelente “Mi Nombre es Joe”, del director británico). Y como él, trata de concienciar con un discurso social a veces maniqueo, a veces cargado con una gran dosis de autenticidad y realismo.

Peter Mullan trata de alejarse de la figura de su maestro introduciendo la vía de la fábula (los niños caminando entre las fieras) y el surrealismo (la secuencia de Cristo). Si bien la cinta alcanza momentos notables, como en la descripción del entorno hostil del personaje, el valor coral de la vida de barrio y la magnífica ambientación musical. La cinta peca donde más duele, en la argamasa que hace que un guión funcione y tenga vida propia, en las justificaciones de conducta de un personaje que transforma su inteligencia natal en una rabia violenta de tintes esquizofrénicos. Una pena.

LANZAMIENTOS DVD - CINE

PROGRAMA teatro danza

FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA Después de ventiseis ediciones, el Festival de Otoño de Madrid comenzó a celebrarse durante la primavera en 2010, según cuentan, para satisfacer una vieja demanda de los teatros privados de la capital, cuyos gestores se quejaban de que, en otoño, el Festival eclipsaba su inicio de temporada, complicando la fidelización del público en ese momento clave. Entonces se cambió la estación, pero se mantuvo este nombre tan bonito de Festival de Otoño en Primavera.

El principal reclamo del Festival de Otoño consiste en el volumen internacional de su programación, algo que se echa de menos el resto del año en la mayoría de las salas madrileñas, que suelen tirar de producciones nacionales para componer su amplia oferta. En esta edición, al habitual Peter Brook se unen nombres como los de Romeo Castellucci, Aurelién Bory o la compañía inglesa Propeller, en teatro; y los de Hofesh Shechter, Jan Fabre y Sasha Waltz, en danza.

Del cartel de danza resulta llamativo que todos los artistas que lo forman, a excepción de Nicole Beutler y Sharon Fridman, han pasado por Andalucía y por CLONE no hace mucho, así que no nos extenderemos en esta parte.

Sólo destacar que el andaluz Israel Galván acude con dos espectáculos, “La Curva” y “La Edad de Oro”, siendo el único coreógrafo español del cartel.

En cuanto al teatro, la representación nacional más sólida recae en Atra Bilis, la compañía de la actriz, directora y dramaturga catalana Angélica Liddell; estreno absoluto de “Maldito Sea el Hombre que Confía en el Hombre: un Project d’Alphabétisation”, espectáculo co-producido por el Festival de Otoño y el Festival de Avignon, donde el año pasado maravillara con “La Casa de la Fuerza”, un montaje de cuatro horas de estos angustiantes, repleto de imágenes oscuras y podridas, que redundan en lo peor del ser humano. Personalmente no simpatizo mucho con sus textos, pero hay que reconocerle que es de las pocas personas a las que una licenciatura en psicología le ha servido para algo, porque crear esas atmósferas y hacerlas soportables para tanta gente tiene su mérito. “Maldito Sea el Hombre... “ se anuncia como una continuación de “La Casa de la Fuerza”, aunque es un poco más cortita: sólo dos horas y media.

Pero si hablamos del uso de imágenes en el teatro, no cabe duda de que uno de los maestros de la actualidad es Romeo Castellucci. A sus 50 años, este italiano ha alcanzado un nivel tan estelar que resulta casi imposible que en sus oficinas te cojan el teléfono por más que llames a cualquier hora. Hemos intentado entrevistarle para CLONE y, aunque fuimos bastante pesados y yo diría que persuasivos, pues nada. Cuando se ha dicho más arriba “uso de imágenes”, no nos referíamos a incorporar el vídeo o las proyecciones en escena simplemente; la cosa va mucho más allá. La cosa va de redefinir la jerarquía de los elementos teatrales, según la cual el texto sería lo más importante, luego el director, luego los actores, etc. Castellucci opina que se ha roto esta clasificación y que todos los elementos, incluyendo los anteriores, la iluminación, el vestuario y la escenografía, tienen la misma importancia; todos ellos sirven para crear imágenes, que a nadie se le escapa que son el pan y la sal de la sociedad contemporánea. En “On the Concept

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of the Face, Regarding the Son of God”, un gigantesco dique con la cara de Jesús domina el escenario. Durante el espectáculo, que se presenta bajo la etiqueta de performance, por allí irán pasando teenagers mochileros arrojándole granadas de mano, ancianos con pañales y algún que otro milagro estigmatizante. Teniendo en cuenta otras producciones de Romeo Castellucci, se puede entender que esta pertenecería al nivel de espectáculo de pequeño formato, a pesar de los tamaños y el ruido que maneja. Por cierto, sobre el ruido, destacar una vez más la presencia, junto a la propuesta visual de Catellucci, de su habitual colaborador sonoro, el músico norteamericano Scott Gibbons.

En la onda internacional también sobresale la compañía inglesa Propeller, que aporta dos obras al programa de teatro. El día 11 de mayo serán los encargados de abrir el Festival con su colorida y estrambótica versión de “La Comedia de los Errores” de Shakespeare, y al día siguiente repetirán con otro clásico, “Ricardo III”, esta vez con una estética más sobria tipo Sherlock Holmes. Indicar que todos los componentes del elenco son hombres, incluso los que actúan en papeles femeninos, como se hacía antiguamente.

Luego está la presencia argentina, comandada por Timbre 4 y Claudio Tolcachir presentando “El Viento en un Violín”, nueva muestra del realismo escénico que deleita al afamado dramaturgo nacido en Buenos Aires.

Aunque puede que lo mejor del otro lado del charco llegue de la mano del también jovencísimo Ciro Zorzoli y su “Estado de Ira”. Se trata de un experimento de estos de teatro-dentro-del-teatro, un poco en la línea de “La Función por Hacer” de Kamikaze producciones; ambos espectáculos comparten su origen independiente y basan su atractivo en el virtuosismo interpretativo de actores y actrices.

Resaltar además lo oportuno de abrir un espacio a la perspectiva teatral árabe, encarnada en el montaje “Amnesia” de Fadhel Jaïbi, procedente de Túnez; o la mezcla de circo, danza y teatro visual que sugieren Aurélien Bory y la Compagnie 111 en “Sans Objet”, con una especie de robot anclado en el escenario, mezcla de Cortocircuito y aquel que salía en el anuncio del Xsara Picasso, compartiendo protagonismo junto a dos actores-acróbatas; el monólogo de Elena Gorina en “Natasha’s Dream”, etc. etc.

SEVILLA CIRCADA Al cierre de la presente edición impresa de CLONE, aún no se conoce la programación del festival de circo contemporáneo “Sevilla Circada”, que tiene lugar en varios espacios de la capital andaluza entre el 14 y el 26 de junio.

De momento sólo nos han adelantado que habrá acrobacias, danza, humor, cabaret, intervención urbana, poesía, música, equilibrios y teatro físico.

Conociendo a Gonzalo Andino y a la gente de Noletia, curtidos en media vida de andar por festivales y ferias de teatro en todo el mundo, seguro que logran hacerse con un puñado de nombres interesantes escogidos entre lo mejor del panorama andaluz, español e internacional. Mas información un poco más adelante en www.sevillacircada.com Las obras recomendadas aparecen en nuestra agenda web: www.clonemagazine.com con indicación de las fechas, ciudades y salas correspondientes.

Imagen: Cia. Romeo Castellucci / Foto: Klaus Lefebvre

PROGRAMA teatro danza

Animalario en Sevilla, el Ciclo de Humor en Málaga, Atalaya en Granada o el “tranvía llamado deseo” de Vicky Peña y Ariadna Gil en Córdoba, marcan el final de temporada en los teatros andaluces. Precisamente Córdoba acoge la decimocuarta Gala de Entrega de los Premios Max de las Artes Escénicas el día 9 de mayo. Pero será Madrid la ciudad que atraiga toda la atención las próximas semanas (del 11 de mayo al 5 de junio) con motivo de la celebración de su Festival de Otoño, que por segundo año consecutivo tiene lugar en primavera.

También dedicamos un pequeño espacio a Sevilla Circada, uno de los primeros encuentros, ya veraniegos, en busca del aire libre.

ESCENA

OTOÑO EN PRIMAVERA Texto_ Vicente Durá

ESCENA

ENTREVISTA villalonga

ULTRA-IDEAS Texto_ David Pareja

NO ES UNA HISTORIA, NO ES UN CUENTO, NO SE TRATA DE CÓMIC NI DE UN CHISTE. NO ES UN MONÓLOGO, NI UNA PERFORMANCE, TAMPOCO ES UN SHOW AL USO (NI SIQUIERA UN LIBRO AL USO). HACE REÍR PERO TAMBIÉN INCOMODA Y LO MISMO TE HACE LLORAR QUE PENSAR. SE TRATA DE MIGUEL NOGUERA Y SU LIBRO “ULTRAVIOLENCIA” (BLACKIE BOOKS), UNA COMPILACIÓN DE HUMOR CAFRE DESTILADA EN 300 IDEAS. “Ultraviolencia”, de Miguel Noguera, está editado por Blackie Books.

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En primer lugar, una pregunta obligada: ¿qué son las ideas de Miguel Noguera? En realidad las ideas no tienen mucho de individual. Son registros de algo que le pasa a todo el mundo en mayor o menor medida. Son ocurrencias, incluso equívocos, que ocurren constantemente y yo las anoto para explicarlas después en forma de texto o parlamento. ¿Cómo y de dónde surgen? ¿cuál es el proceso normal (o anormal) de creación de una idea? Ya te digo, se me ocurren o me las encuentro durante el día, no me pongo a pensarlas. No son reflexiones profundas, son tonterías muy finas. Nacen de una observación distante, algo cínica e indiferente de las cosas.

Como cuando uno mira la tele. Aunque al mismo tiempo estas constataciones son como fogonazos de vida dentro del tedio; puntos de partida para jugar y articular discurso, aunque este sea vacío.

Hay toda una generación inmersa en eso que Jordi Costa llamó el post-humor. Venga Monjas, Hill Valley o tú mismo. ¿Crees que es algo generacional o circunstancial que está realmente ocurriendo? Bueno, creo que es normal, ¿no? Los jóvenes siempre traen algo un poco distinto a lo que propusieron sus antecesores. Esto de llamarlo post-humor ya es cosa de Jordi Costa, claro. Yo prefiero llamarlo Placenta-Schumann, o X-Ray Irene. Creo que son términos más acertados.

En el Ultrashow también mezclas varios géneros. Desde el performance o el cuenta cuentos hasta la conferencia, el recital o el monólogo. Hay quien piensa incluso que es una sucesión de marcianadas in crescendo. ¿Cómo consigues mantener la intensidad a pesar de tratar temas en principio inconexos? Para mantener la intensidad es necesario que para mí también sea intenso lo que estoy contando, y eso lo consigo renovando bastante los contenidos, improvisando las explicaciones y saltando de forma abrupta de idea en idea. ¿Porqué “Ultraviolencia”? ¿Eres un humorista ultraviolento? “En lo más íntimo, quiero Chilly”. ¡Vaya slogan para un producto de higiene íntima femenina! ¡Y vaya nombre! “Quiero Chilly en el chichi”, en el fondo te está diciendo eso, ¿no? Ay, perdona, ¿qué me has preguntado? Miro la tele mientras contesto las preguntas, así no hay manera de concentrarse... ¿Ultraviolencia? No sé, había que poner un título que enganchara, no sé, podríamos haberlo llamado “Chilly”. ¿Hay algo de autobiográfico en tus ideas? ¿Eres fan de Vila-Matas? ¿Le llevaste una chistorra a Aznar? ¿Tienes ganas de secuestrarlo? ¿Compras en Zara? ¿Te masturbas en los urinarios públicos? Le ofrecí chistorra a Aznar, eso es cierto. No soy fan de Vila-Matas, aún no lo he leído, pero me gustaría hacerlo. Compro mucho en Zara, la ropa es barata y sencilla. No me masturbo en lavabos públicos, no voy tan loco.

Para finalizar. ¿Nos podrías decir una idea ultraviolenta acerca de Miguel Noguera? Encargué unos tampones para sellar los libros que mis seguidores me pedían que firmara; así me ahorraba tiempo y no se formaban colas. Joder, el otro día estuve especulando con un Noguera anciano, muy sucio, muy borracho, tirado en una estación de metro, aferrado a uno de esos tampones, ofreciendo sellar no se sabe qué. Y la gente diría: “A mí me selló ‘Ultraviolencia’ después de un Ultrashow, todo el mundo quería que le sellara, y míralo ahora, sellando el aire a duras penas... Pobre diablo”.

CHIHIRO MASUI. PESCADO. UN ARTE DE JAPÓN. (MONTAGUD) No se trata de un libro de cocina al uso. Es un libro de fotografía.

Más que un libro de gastronomía, un libro de cultura al estilo de “Elogio de una Sombra”, de Tanizaki. El pescado en Japón se somete a varios rituales, conectados todos con las filosofías más antiguas orientales, desde el budismo (cocina Kaiseki) hasta la época de los samuráis (cuchillos de la casa Aritsugu). Todo en la cocina, los tiempos de cocción, la presentación, el corte, la conservación de la materia prima y el sabor corresponde a una cultura milenaria. Japón entiende el pescado como parte de una cultura que trata de sacar el máximo rendimiento de esta materia prima que rodea la isla. Una pequeña obra de arte completada con las excepcionales fotografías de Richard Haughton.>David Pareja CINE

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GIULIA ALBERICO. LOS LIBROS SON TÍMIDOS. (PERIFÉRICA) A frasco de cristal vacío que en su interior guardó un perfume de nardo o de magnolia.

Así huelen las páginas de los libros viejos según Giulia Alberico (San Vito Chietino, 1949). En Los libros son tímidos (Periférica), recién traducida al castellano, la escritora nos dibuja cómo fue su encuentro con la Literatura en su infancia y adolescencia. Es una historia de amor, de pasión, entre una joven italiana y varios amantes con los que se topó desde que tenía cuatro años y aprendió a leer sola. Se entregó sin reservas a obras como Muerte de un ruiseñor, La primavera romana de la señorita Stone o La Sparviera. Alberico se enamora de la Literatura por ser su fiel compañera y confidente, su espejo y su medio de comunicación, su sonrisa y su llanto. Es, además, un libro de viajes, tanto por Italia como por otros mundos. En el país alpino, acompañamos a la autora en su periplo infantil, de la mano de su madre, maestra de escuela, por lugares recónditos para nosotros como Celenza sul Trigno, San Vito o Lanciano. Pero Italia sólo es su asiento, nuestro asiento, desde el que viajamos a mundos paralelos, coloreados con palabras que huelen, que podemos acariciar, en las que nos podemos mecer. >Marian Chaparro

TAO LIN. RICHARD YATES. (ALPHA DECAY) Me ponen nervioso los jóvenes que nacieron en la década de los 80. Y lo hacen porque la industria está prestando ahora mucha atención a lo que tienen que decir, dando forma así a su propia generación literaria, que ya no es la mía. Hacemos referencia a escritores precoces, publicando en su veintena más barbilampiña. Encontramos en sus obras un profuso uso de las nuevas tecnologías como medios de comunicación eficaces y una involucración activa con las redes sociales por parte de sus personajes y temáticamente lidian con la alienación derivada del abuso de todo lo anterior. Nos topamos entonces con la tercera novela de Tao Lin, que responde al sugerente título de “Richard Yates” (2010) y que encaja a la perfección con los parámetros anteriores al retratar la torrencial y distante historia de amor entre Dakota Fanning y Haley Joel Osment (posibles “nicks” de los protagonistas). Como obra generacional funciona a las mil maravillas. Lin verdaderamente triunfa al hacernos vivir con la carga de ser adolescente hoy día, enfrentándonos a sus miedos más primarios que no son otros que el contacto humano, de ahí su comunicación perpetua a través de ‘chats’. Resulta difícil no paralelizar esta historia con el “Menos que Cero” (1985) de Bret Easton Ellis, aunque el talento mostrado por Tao Lin quede todavía lejos del de esa obra fundacional.

Con todo, “Richard Yates” puede llegar algún día a servir de referente de un determinado período de la historia en el que el medio se ha convertido definitivamente en el mensaje.>Fran G. Matute

CRÍTICAS LIBROS

DAVID CAMPANY ARTE Y FOTOGRAFÍA. (PHAIDON)

imagen: David Campany

El título puede conducir a equívoco. El arte es fotografía, o lo que es lo mismo, la fotografía es arte. Entonces, ¿qué es lo específico de este libro? Pues precisamente eso: un estudio que trata de recopilar los mejores fotógrafos y los mejores textos acerca de la fotografía para intentar averiguar el lugar que ocupa esta práctica en la historia del arte desde la década de 1960, en la cual la fotografía empieza a popularizarse como corriente artística. Fotógrafos como Duane Michals, Warhol, Gordon Matta-Clark, Joel Peter Wilkin, Shirin Neshat o Nan Goldin, unidos a textos de filósofos como Roland Barthes, Jean Baudrillard o Jeff Wall. De una unión así nunca puede salir nada malo.>David Pareja Más info en www.phaidon.es ARTE

PHOTOESPAÑA 2011

Del 1 de junio al 24 de julio.

Madrid, Lisboa, Cuenca y Alcalá de Henares.

Como ya viene siendo habitual los números que dan forma al mayor evento sobre fotografía en nuestro país no dejan lugar a dudas: es el momento que todos los amantes de la fotografía están esperando. Y es que con un programa de 68 exposiciones: -21 en la Sección Oficial, 6 en OpenPHoto, 9 en otras salas y 32 en el Festival Off- en 61 sedes entre museos, galerías, centros de arte y salas de exposiciones, en el festival participarán hasta 370 artistas y creadores de 55 nacionalidades.

Bajo el título de Interfaces. Retrato y comunicación, PHE 2011 se centrará en el retrato -uno de los géneros más vastos e importantes en la fotografía- entendiéndolo en el sentido de comunicación e interconexión. Discutirá el rostro como una zona de interacción, explorando los límites y fricciones de esta comunicación. Obviamente enfocada a la fotografía, la sección comisariada no se reducirá a este soporte, sino que se abrirá a otros medios y se introducirán en el programa nuevas tendencias que abordan la exposición como un espacio más experimental, abierto a sucesos, procesos y experiencias, incluyendo proyectos fuera de las salas de exhibición, participativos, que saldrán a la comunidad y en la red.

En este contexto, PHotoEspaña y la Fundación Canal organizan un concurso que pretende llamar la atención sobre las posibilidades artísticas del retrato con webcam. Hasta el 27 de mayo los usuarios pueden subir sus retratos o autorretratos tomados con webcam. Un jurado compuesto por el fotógrafo Pierre Gonnord, el gestor cultural Rafael Doctor y la bloguera Yoani Sánchez otorgará un primer premio de 1.500 y dos accésit de 500.

Más info en: www.phedigital.com

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Cindy Sherman. Sin título (ABCDE), 1975 / 1985. © Cindy Sherman / SAMMLUNG VERBUND, Vienna.

Guy de Cointet. Five Sisters, 1982.

ELECTROCHOCK (US) 2011 La cuarta edición del Ciclo de Música Electrónica de la Universidad de Sevilla, Electrochock (US) 2011, repite las coordenadas del pasado año, enmarcada dentro de las actividades veraniegas de la Hispalense, conocidas globalmente como 21 Grados, y ubicada en el céntrico edificio de Madre de Dios, que recientemente ha sido objeto de una significativa reforma. Electrochock (US), además, vuelve a rebuscar entre las propuestas más interesantes del panorama electrónico de corte experimental, ese que gusta de retozar con otros estilos y corrientes. Si en años anteriores hemos podido disfrutar de las actuaciones de artistas como Joakim, Lindstrøm, Aufgang, Hauschka o el colectivo Bedroom Community, esta edición nos depara el ambient comatoso de los andaluces úrsula (viernes 1 de julio), que estrenan nueva formación y preparan varias sorpresas, el trote krautrockero y sexy de los británicos Fujiya & Miyagi (sábado 2), el denso y cautivador magma sonoro de los noruegos Deaf Center (viernes 8), a quienes entrevistamos más adelante por su fantasmagórico “Owl Splinters”, más un cuarto grupo que a fecha de cierre de CLONE todavía no estaba confirmado. ¡Qué ganas de enterarnos! La info estará pronto en www.cicus.us.es

OFFF Robert Crumb. Sin título 2006.

I WAS A MALE YVONE DE CARLO

MUSAC. A partir del 25 de junio.

El arte crítico puede ser sofisticado, incluso entretenido. Con este subtítulo una decena de artistas - procedentes de diversos puntos del globo, como el español Ignasi Aballí, el estadounidense John Baldessari o el francés Guy de Cointet- han creado una ventana al mundo del humor a través de una selección de veinte obras: vídeos, objetos, decorados, trajes y “performance” para explorar, mediante la ironía y la parodia el ámbito de lo que ellos llaman “crítica socio-económico-institucional-y-de-lo-que-haga-falta”.

Más info en www.musac.es

El festival internacional de las culturas de creación postdigitales lo ha vuelto a hacer, y ya van unas pocas de veces: las entradas para su undécima edición, que tras un garbeo por Lisboa, Oeiras y París ha vuelto al lugar que le vio nacer, es decir el CCCB barcelonés, están ya más que agotadas. Y no es para menos, porque desde el 9 hasta el 11 de junio, el plantel de artistas allí presentes es de infarto: Design Is Dead, Eboy, Hey Studio, Johnny Kelly, Jon Burgerman, Joshua Davis, MWM, PostPanic, Rob Chiu, Si Scott o Stefan Sagmesiter, por citar sólo unos pocos. También, por supuesto, nuestro gran Alex Trochut, a quien Maru Sánchez entrevista en este mismo número de CLONE. Pero para aquellos inconsolables por haberse quedado sin entradas, hay una gran alternativa: disfrutar de la primera cita OFFF On Tour, que tendrá lugar el 19 de mayo en el Círculo de Bellas Artes y contará con la participación de bestias como The Mill, Julien Vallée, Why Not Associates, Onesize, Eduardo del Fraile, Abel Martínez y Cocoe. Además, exposiciones en la galería Gloria, workshop con Rob Chiu y un largo etcétera de actividades. Ten cuidado, que también se terminarán agotando.... Más info en www.offf.ws STARTS

CRÓNICA pictoplasma

PICTOPLASMA 2011 HA PASADO, Y NOS HA DEJADO A TODOS ANONADADOS EN ESTE MUNDO PARALELO DONDE HABITAN LOS PERSONAJES QUE NO EXISTEN Y TODO ES POSIBLE. ESTA EDICIÓN LLEGÓ Y SE MARCHÓ DEJANDO UN MUY BUEN SABOR DE BOCA Y UN VACÍO EXTRAÑO. ESTA VEZ MEJOR QUE NUNCA SE PUEDE DECIR QUE ESTE FESTIVAL HA CONSEGUIDO UNIR TODAS LAS DISCIPLINAS ARTÍSTICAS, POR UN HILO COMÚN: LOS PERSONAJES. Texto_ Irene Fernández Arcas Pintura, ilustración, escultura, grabado, danza, música, diseño, animación, 3D, visuales... Todas las variantes se dieron cita entre las calles de Berlín, rodeadas de la magia de tener, al menos por unos días, la libertad de existir al completo, y dejar embelesados a un público muy selecto. A los locos apasionados de la animación, de los personajillos, a los que se les cae la baba con los muñecos que venden en las tiendas de los museos, y con otros cientos de libros y merchandising que “no sirven para nada” más que para enamorar el alma, este es el lugar. No es moco de pavo que aunque asistieron más de 600 personas, todo quedaba en una absoluta y sincera sensación de familia. Una familiaridad demasiado confortable, entre nubes de algodón pintadas. Quizás esa sensación es lo que hizo que Pictoplasma fuese este año algo para ser, y no tan sólo para disfrutar.

Pictoplasma es de por sí ya un personaje, tiene vida propia. Este año ese personaje ha sido un yeti monísimo que se paseaba panchamente por Berlín haciendo el amor a las muchachas por las esquinas. Blanco, abrazable, sonriente, grande. Saltaba y paseaba por las galerías mostrando su figura por primera vez a la sociedad el miércoles 6 de abril. Sí, la primera cita de Pictoplasma 2011 fue la inauguración de las 24 exposiciones que ofrecía Character Walk. Barbacoa incluida y cerveza gratis, más muchos otros actos y sorpresas como que The Dead Pirates dieran un concierto que acompañaba a la galería. McBees dejó el marker junto al mural recién acabado después de la noche en vela y se subió al escenario. Música acerca de las ilustraciones, ilustraciones que reflejan su música. Esta simbiosis fue el primer ejemplo del alma Pictoplasma. Al día siguiente, con resaca, comenzaba el ritmo especial-festival; cuatro días de casi dieciocho horas seguidas de actividades por las que perder la cabeza. Conferencias, proyecciones, workshops, almuerzos colectivos y conversaciones espontáneas que alteran el coco, arte en cada esquina... Y lo más difícil era elegir. En el workshop de Roman Klonek se respiraba silencio; cada uno ensimismado en su madera, jugando con los primeros contactos con Wood Cuting. Era bello ver que cada uno de los asistentes traía consigo algo especial: mucho talento escondido, tantísima ilusión y grandes dosis de humor.

En una de las noches, el pase de cortos y animaciones llamado “Psicodelic Night” susurró el sentido de todo esto, cuando se proyectó “How to Deal with Non Sense”: se vio claro, allí enfrente todo es posible. La animación es

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darle vida al arte, es arte en movimiento, respirando. Un sueño que se puede visualizar. Porque con la animación todo es posible, y estar en el cine de Babylon Kino disfrutando de los mejores trozos de animación del momento es una embriaguez de la que es difícil recuperarse. Sí, la boca abierta era una expresión bastante común entre todos los que estuvieron allí. No hubo una persona sola, que no se dejara sorprender. No hubo nadie a quien no se le llenaran los ojillos de chiribitas viendo a su personaje favorito o escuchando a alguno de los artistas que dieron conferencias, a cada cual más digno de admirar. Jeremyville y sus toy; Nick Cave con sus novedosos diseños que desafían las leyes del movimiento; Rilla Alexander y su dulce Sozi; Christoph Niemann con su inflamable experiencia y la chispa de inspiración inagotable, y humor adaptado a lo que el público deseaba; Juliana Pedemonte con su mundo colorido y amable; Matías Vigiliano y el universo Parquerama; Pic pic Andre y el estreno tan deseado de su largometraje; la mágica Amandine Urruty; y Guillermo García Carsi que es la cabeza y mano que está detrás del amado Pocoyó y que fue la representación española en el festival.

El broche de oro lo puso The Missing Link Show. Había un gran misterio alrededor, incluso dentro de la organización. El sábado el ambiente era entre triste y nervioso. ¿Ya ha acabado todo? ¿Y ahora qué? Pictoplasma se sentó en los asientos del Volksbuhne de Berlín y en el escenario aparecieron los yetis. Cinco, seis, siete u ocho de ellos. Moviendose primero, danzando luego, besándose, tocándose y haciendo el amor. Esos personajes blancos tenían algo de extraño. Son tan monos. Pero hacen cosas tan perversas.

Y divertidas. Y amorosas... La música y los yetis empezaron a contar una historia triste, su historia. Una raza de seres peludos blanditos grandes y blancos, sonrientes y felices, que amaban y adoraban a su dios Yeti. Sexuales y cariñosos. Pero el invierno llego a sus vidas, y el exilio, y ellos caían por el camino andando entre la tempestad. Para ilustrar la primera parte, la vida de los Yetis, Motomichi Nakamura hizo una proyección y mezcla de los mejores visuales que muchos ojos han podido ver, en ese blanco y negro y rojo hipnotizador, con tanta gracia y ocio. Luego el pobre Maximilian Hecker tocó el maravilloso piano, pero llegó un punto extraño en el que el público se desesperó de tanta lentitud. Fue lo único que no encajó. ¿Dónde están los personajillos? ¿Qué hay de gracioso en esta música? Casi lo sacan del escenario. Los Yetis intentaron animar todo en un ritual de masturbación común.

Y Dan Deacon levantó el bajón de la sala, pidió 300 voluntarios al escenario y (casi) todo Pictoplasma saltó a bailar. Más tarde, los yetis se fueron a dormir y Pictoplasma a ese rincón donde las cosas mágicas descansan.

Los que todavía estábamos distraídos mientras todo se acababa sin darnos cuenta, de repente nos cogió la incoherencia y la vuelta a la realidad fue mas dura de lo que parecía. Pero una buena noticia queda en el aire: por lo visto no vamos a tener que esperar otros interminables dos años. Hay rumores de que se quiere dejar ver más a menudo, y además, no sólo en Berlín.

Estaremos atentos mirando por la ventana y rellenando moleskines de cosas para estar bien preparados cuando el Yeti contraataque.

CRÓNICA. BERLÍN, DEL 6 AL 9 DE ABRIL http://pictoplasma.com

CRÓNICA pictoplasma

Interpretación “The Yeti” de Pictoplasma por Ruth Mansley GRÁFICA

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01. ANNA CALVI. ANNA CALVI. (DOMINO/[PIAS] SPAIN) Para comenzar un disco con unos lentos y reverberantes fraseos de Telecaster de aromas fronterizos y hasta clásicos, e introducirse acto seguido en una serie de fúnebres gorgoritos, hay que tenerlos muy bien puestos. Sobre todo si hablamos de una rubia de impoluta elegancia y muy británica belleza llamada Anna Calvi.

Con la bendición de Nick Cave por mor de una gira, el acompañamiento en la producción de su debut para Domino Records de Rob Ellis y sus evidentes dotes tanto para el guitarreo como para los sobreesfuerzos vocales, la comparación inicial con PJ Harvey parece cómoda y acertada, aunque sucesivas escuchas la descarten como una mera impersonator. No sólo por la solidez de sus canciones, fuera de toda duda, si no porque sus miras parecen apuntar a un espectro más retro que el de Polly Jean, una idea que parece sustentarse también en las versiones de Leonard Cohen y Elvis que subió a YouTube bajo el nombre de The Attic Sessions (aunque la adición del “Wolf Like Me” de TV On The Radio nos hace salivar aun más). Y aunque nombres como los de Jeff Buckley o Siouxsie puedan casar bien en esta ecuación, tengamos claro desde ya que la Calvi es una de las revelaciones de la temporada. Yo ya salivo por un disco a pachas con Richard Hawley, es más.>Pablo Vinuesa

02. THE SHOES. CRACK MY BONES. (GUM/SOUTHERN FRIED RECORDS) Lo de Francia con la nueva electrónica es muy fuerte... No paran de surgir nuevos grupos capaces de reventar los límites entre el pop pegadizo y la electrónica gozosa. El debut de The Shoes es tan perfecto que hasta cuesta creérselo, así de simple. Porque lo que ha maquinado la parejita formada por Guillaume Brière y Benjamin Lebeau es una pieza de relojería que se muestra brillante tanto en sus momentos más luminosos y adhesivos (donde nos pueden recordar a paisanos suyos como Phoenix o Jamaica), como en aquellos donde aprietan las tuercas y les rezuma un poquito de ácido (partiendo de, para entendernos, unos Hot Chip o unos Cut/Copy, para pasar al disparadero de Delphic o Digitalism y terminar en momentos bastante más clubber). Además, lo hacen todo con gusto, se permiten picos de gran exhuberancia y se agencian en el apartado de colaboraciones a dos cracks como Gonzales o Lexxx. Sinceramente, yo no sé muy bien cómo lo han hecho, pero desde los apuntes más tiernos hasta los más raveros, a este “Crack My Bones” no hay quien le ponga un puñetero pero.>Jorge Montes

03. JOE CREPÚSCULO. NUEVO RITMO. (CANADÁ) Supongo que a todos nos ha pasado igual. Caímos en las redes de esa luminosa tonadilla bosanovera llamada “Tus Cosas Buenas” -sí, lo confieso, me encanta este temilla- y nos acercamos a pecho descubierto al universo crepuscular del inefable Joel, dándole esa segunda oportunidad que a otros muchos, por bastante menos, les hemos negado. El caso es que el resto de canciones de este “Nuevo Ritmo” -tres nuevas más y el resto remedos de temas anteriores- son tan bizarras, ¿simplonas? y verbeneras que producen cierta urticaria en el oído medio del que firma esta perorata. Supongo que el problema -si es que lo hubierareside en que la apuesta del catalán me suena a Radio Futura, a Carlos Berlanga, a Silvio Rodríguez y Pablo Milanés e incluso a su coetáneo -y colaborador- El Guincho; pero como si les hubieramos quitado brillo, originalidad y, sobre todo, muuuuuucho trabajo. Que no decaiga, seguro que este disco tiene muchas cosas buenas y simplemente no soy capaz de verlas. Prueba tú, y me cuentas.>Fernando Fuentes DISCOS - CRÍTICAS

REVIEWS 04. JULIANNA BARWICK. THE MAGIC PLACE. (ASTHMATIC KITTY/POPSTOCK!) Existe una referencia muy evidente a la hora de hablar de Julianna Barwick, y es el sonido clásico de 4AD: aquellos maravillosos discos de This Mortal Coil, Dead Can Dance o (sobre todo) Cocteau Twins en los que las voces, casi siempre femeninas y siempre vaporosas, se dejaban arropar por una instrumentación liviana y ultraterrena, en la que predominaban sintetizadores aéreos y muchas cámaras de ecos. “The Magic Place”, segundo trabajo en largo de esta oriunda de Louisiana, es un claro heredero de aquellos discos, hasta el punto de que cuesta creer que el parecido pueda ser casual. Y es que, igual que sucedía en aquellas bandas, la voz funciona aquí como el más precioso de los instrumentos. Una voz que canta varias líneas en paralelo, que se pierde en susurros o tararea extrañas melodías, que inventa ruidos y percusiones, que se deja loopear y se somete a todo tipo de efectos, hasta tejer una densa red emocional. Semejante alquimia vocal, que resulta a ratos fantasmagórica y a ratos sobrecoge, y que más allá recuerda a un coro de ángeles, se apoya levemente en un desastrado fondo de sintetizadores que casi parecen puestos ahí para acentuar las cualidades etéreas de tan particular garganta. Que añaden un acento doméstico, cercano y entrañable, a un disco hermoso hasta decir basta, que parece haber caído desde otro mundo para alegrar el día al oyente desprevenido.>Vidal Romero

05. LOW. C’MON. (SUB POP/POPSTOCK!) Todos aquellos que hayamos llorado como nenas en un concierto de Low, con los pelos como escarpias por los esos duelos vocales entre los esposos mormones Alan Sparhawk y Mimi Parker, arropados por una parca sección rítmica y esa manera de tocar la guitarra tan minimalista como áspera y sugerente, estábamos ya de los nervios por la aparición de este “C’Mon”. Curiosos, además, por ver los resultados de una producción firmada por Matt Beckley, un tipo acostumbrado a estrellas mainstream como Katy Perry o Avril Lavigne, para un grupo que cuenta en su haber con trabajos grabados por magos de la categoría como Steve Albini o Dave Fridmann. ¿Ha supuesto esto algún tipo de cambio? Puede. El caso es que el nuevo disco de los de Duluth se abre con una serie apabullante de gemas pop, de largo lo más animado (porque decir ‘alegre’ con Low suena un poco como basto) de una banda que jamás lo ha sido; ni de coña. Sí puede sorprender alguna que otra estructura soft-rockera o quedar cierta sensación de que cada tema del disco recuerda a alguna canción anterior de la banda, pero cuando todas son tan abrumadoramente perfectas, ¿para qué tocar las narices? Eso, por no hablar del trío compuesto por “Especially Me”, “20$” y “Majesty/Magic”, candidato a brutalidad de 2011. Sobra decir que siguen siendo los putos amos, ¿verdad?>Pablo Vinuesa

06. ÓSCAR MULERO. GREY FADES TO GREEN. (WARM-UP) El numberguán del techno ibérico anabólico, darky y espídico muestra ahora públicamente su otra cara sonora a través de su primer álbum, firmado como Óscar Mulero. Este doble “Grey Fades to Green” (Warm-up, 2011) destapa la natural progresión del madrileño, que va desde sus habituales estancias percutivas -localizadas en Detroit y Birmingham- hacia parajes más escapistas, fotosintéticos y ensoñadores. Vamos, que detrás de tanto truchón del bueno hay también delicadeza, inteligencia y magisterio... Pero, ¿es que alguien lo dudaba? Decían los más talibanes del techno -pelo en pecho, tatuaje de UR y demasiado Detroit en el entrecejo- que para completar su doctorado a Óscar Mulero le faltaba firmar un álbum con su nombre; o lo que es lo mismo, que era este flamante “Grey Fades to Green” lo que le restaba para pasar a la historia de la electrónica contemporánea. Pues aquí está, y el resultado es... ¡Desde ya, todos muleristas! >Fernando Fuentes

07. PARADE. MATERIA OSCURA. (JABALINA) Conviene que se sepa que entiendo perfectamente que haya gente a la que Parade les chirrie y les parezca una ñoñez imposible. También me hago cargo de que a esos mismos le gusta enfangarse más con Nocilla antes que disfrutar de un buen marron glacé a media tarde. Antonio Galvañ no es para todos los públicos, ni falta que le hace. El genio de Yecla consigue con este disco convertirse en el justo heredero de un Carlos Berlanga que está en los cielos. Aquí hay pop efervescente, atemporal y fino como el coral; naifismo militante y sobre todo una lírica para la que no habrá nunca malos tiempos. Canciones como “Eres un Robot?”, “Bela y Boris” o “Transplutonia” son obras maestras del futurismo constumbrista -ese que sólo sabe pergeñar Galvañ- al que nadie sin dos dedos de frente bajo el flequillo debería de poder acceder. Esto es sin duda lo mejor de Parade, pero lo realmente bueno, para llorar, está seguro por venir... ¿Estarás preparado para ello, modelo 32?>Fernando Fuentes

08. CHRIS ABRAHAMS. PLAY SCAR. (ROOM40/IMPORT) Durante su larga carrera en solitario (este es su quinto disco, sin contar las innumerables colaboraciones en las que suele andar metido), el pianista Chris Abrahams ha intentado siempre buscar horizontes sonoros alejados de los que recorre con su banda, esa estupenda célula de improvisación que se hace llamar The Necks. Una búsqueda que a veces le ha llevado a territorios demasiado áridos (pienso, por ejemplo, en su entrega de 2005, “Thrown”), pero que también le ha permitido desarrollar un lenguaje propio, del que “Play Scar” es una muestra ejemplar. Las ocho piezas que contiene están construidas de manera muy similar, utilizando distintos instrumentos (casi siempre pianos: Rhodes, Hammonds, órganos, sintetizadores, pero también guitarras y percusión) que se dejan caer sobre un paisaje de fondo en el que bullen grabaciones de campo, sonidos de naturaleza indeterminada y todo tipo de crujidos. Y digo que se dejan caer porque Abrahams toca y manipula sus instrumentos hasta conseguir un sonido fragmentario y borroso, en el que todo parece gobernado por el azar, y que deja en el oyente una curiosa sensación de irrealidad. A veces melódico y emocionante (el momento en que entra en escena un maravilloso órgano de iglesia, hacia el final de “The Same Time”, pone los vellos de punta), a veces barroco y recargado (“There He Reclined”), a veces abstracto y disonante (“Twig Blown”), “Play Scar” es un disco que transmite una paz oceánica, y que se revela como uno de los mejores lanzamientos que se han producido este año en el campo del ambient.>Vidal Romero DISCOS - CRÍTICAS

Stussy loves Cody Hudson

Con los efluvios de la primavera muchas relaciones florecen. Y ése parece haber sido el caso de Stussy y el diseñador gráfico Cody Hudson. Con el verano a las puertas la popular marca de streetwear continúa en la senda de colaboraciones con grandes del diseño que tanto ha contribuido a su expansión. En este caso concreto, la sinergía han dado lugar a un conjunto de prendas en las que el saber hacer del director creativo de la firma Struggle Inc convierten a cada una de las camisetas en productos imperecederos.

Construir a base de la deconstrucción ha sido el punto de partida para este artista que cuenta en su currículum con exposiciones en el Museo de Arte Contempóraneo de Chicago, en The Lazy Dog de Paris o en el Rocket Gallery de Tokio.

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VONZIPPER

SMOKEOUT Cuando llegue la época de ponerse el pelo hacia atrás y sacar del armario los colores, póngase unas VonZipper SmokeOut e irás directo al “Verano del Amor”...

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”Hidden gems of L.A” Como no podía ser de otra manera Los Ángeles es uno de los protagonistas de la última campaña de Palladium Boots. Protagonizada por la actriz Odette Annable, el resultado son instantáneas cargadas de misterio: torres de vatios misteriosas, el río de Los Ángeles, The Brewery Arts Complex, la comunidad de un artista que vive en la sombra en la Quinta autopista y que guarda secretos ocultos, el tejado del hotel The Rosslyn en el mismo centro legendario de la ciudad y la propiedad de Frank Lloyd Wright en las colinas de Malibu. ¡Un auténtico tour sin dejar de ver la pantalla de tu ordenador!

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Bajo el sugerente lema de “Beer Pack”, Supra Footwear ha lanzado su nueva colección que no deja lugar a dudas: son diseños para ser vividos. Con una paleta de tonos que combina principalmente el azul marino y los rojos oscuros, estas zapatillas homanajean el espíritu de la cebada desde las bases.

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Programción diaria de Djs.

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