Club #66: Los amuletos de la suerte by Club Magazine Venezuela

titina PENZINI lucky charms 16 CARACTER

oscar carvallo 19

PASARELAS altas siluetas

pret-a- PORTER los amuletos de la suerte

club de la buena ESTRELLA

ICONOCLASTAS DESTINOS

el poder de los objetos

antonio citterio en milán

milán 54

el ojo MECANICO 3 ciudades, 3 estilos, 3 enfoques

por amor al ARTE

53 bienal de arte de venecia

futuro PERFECTO rodolfo agrella

ventana al

CIELO jean prouve en pinacoteca agnelli

la vida es BELLA

director general GONZALO PEÑA VELOZ directora de comercialización MARIANA BENCOMO DE PEÑA diseño y montaje WILSON DESIGN C.A. editor caracas CARLOS FLORES LEÓN-MÁRQUEZ coordinadoras ejecutivas CARMEN TOVAR / LUISANA LOPEZ fotografía PABLO COSTANZO/ NATALIA BRAND / CARLOS FOUGUET / ARON OSORIO JULIO GAGGIA / JONATHAN FARIA / OSVALDO PONTON / CONRADO VELIZ DORIS DIAZ / YEE-TAN HO / CRISTIAN VERA ALEMAN / JUAN DE LOS MARES redacción JOSÉ ROBERTO COPPOLA / IGNACIO ALEN SINDEY GARCIA / NADIA GRADECKY SANTA CRUZ RAQUEL SEIJAS /GRACIELA MARTIN MELLIOR LUZ MARINA MARTINEZ GUILLÉN / SOLMARY HERNÁNDEZ / HELEN LÓPEZ VÁSQUEZ colaboradores TITINA PENZINI / ANGELA ORÁA / MARVA GRIFFIN WILSHIRE / CARLOS VALEDÓN ANUNCIATA FRAINO / RODOLFO VILLAPLANA / MILAGROS MALDONADO asesoras de ventas CARMEN TOVAR/ KAREN DOMINGUEZ JOHANNA DE JONGH / ANNALISA LEPORE DE PEÑA CLARISSA PERFETTI / LUISANA LOPEZ fotolito DIBARI MAC PC / impresión ALTOLITHO club valencia es un producto de club de editores valencia c.a. nº ISSN: 1317-2816. nº de depósito legal: pp 200002CA855 teléfono: + 58.241.8243114 móviles: +58 414.4382330/ 414.4320868 dirección: Av. Rio Orinoco, Reda Building, Torre B, Piso 3, Oficina 9 Valencia, Venezuela. Rif: J-30653852-6 email redacción: clubmagazine@gmail.com email pautas sociales e institucionales: clubsociales@gmail.com web: www.issuu.com/clubmagazine blog: clubmagazinevenezuela.blogspot.com twitter: @clubmagazine - facebook: club magazine venezuela tumblr: clubmagazine / instagram: @clubmagazine

los amuletos de la suerte

foto: pablo costanzo modelo: andrea suárez vestuario: tiempo by ia maquillaje: maria fernanda quero

Si bien la 55º Bienal de Arte de Venecia -en exhibición hasta noviembre de 2013 y reseñada en la sección “Por amor al arte” de esta edición por Mariana- fue titulada por su curador, Massimiliano Gioni, “El Palacio Enciclopédico”. Una concentración que mezcla arte y ciencia, pasión y razón, de manera impecable y a su vez, desnuda y rinde homenaje a los coleccionistas, la estirpe que mantiene y estimula las manifestaciones de expresión plástica y promueve esa visión de avanzada que se manifiesta a través del arte. Durante nuestro recorrido por esta gran celebración que, más allá de redundar en lo estético, rinde culto al acto creativo en si mismo y a los procesos de comunicación entre los seres humanos, pudimos percibir en el ambiente que el verdadero logro de Gioni, así como de los artistas seleccionados para las muestras centrales en el Arsenal y en los jardines de la Bienal, como de muchos de los pabellones que representaban a países de todas partes del mundo, dentro y fuera del recinto oficial, residió en evidenciar a través de múltiples expresiones plásticas el apego que tenemos a los objetos, a ese pasado material que llamamos legado y que cada vez es más efímero por razones de espacio, tecnología, migraciones y tantas otras cosas que ocupan a la humanidad actualmente y la obligan a sumirse cada vez más en el ajetreo cotidiano. Ese ir y venir constante, esa contemporaneidad, por su misma inmediatez nos inclina a aferrar a ciertos objetos -adquiridos, heredados, encontrados o regalados- y, en cierta manera, nos apega a ellos llegando a atribuirles un valor que va más allá de lo material y deambula entre lo sentimental, lo mágico y lo sobrenatural. Cada uno de esos objetos –desde una simple moneda, pasando un par de zapatos y hasta una obra de arte- conllevan un recuerdo, evocan un momento, fomentan una sensación, revelan nuestra esencia y nuestros fetiches. Igualmente, hay aquellos que tienen una significación importante dentro del crecimiento profesional o representan un momento de triunfo a nivel público. Esos son los amuletos de la suerte. Y si, son diseño. Así sea desde el más básico hasta una creación propia garabateada en alguna servilleta que sirve de testimonio al momento en que la imaginación se trasladó al mundo de lo posible hasta los proyectos imaginados por Zaha Hadid para Abu Dahbi. Quizá en ese conjunto de peroles que guardamos como hormigas, así como el coleccionista acumula piezas de arte, se esconde un gran mensaje, nuestro gran mensaje. Nuestra búsqueda. Lo que realmente queremos decirle al mundo acerca de nosotros mismos. Porque somos seres que nacemos para comunicarnos, para revelarnos y para descubrir lo que el otro nos quiere decir, con sus gestos, sus ideas, sus objetos. Y toda esa gran acumulación de información, bien procesada y digerida, nos hará disfrutar más intensamente la realidad que nos rodea. Nos hará abrir los ojos y nos conducirá a ver el mundo con otra mirada. La de los seres creativos que somos. En ese orden de ideas, quisimos que el diseñador Oscar Carvallo, orgullo de estas tierras que ahora cosecha éxitos en Paris con sus creaciones de Alta Costura fuera seleccionado como personaje principal para “Carácter”. Oscar, aparte de ser una persona muy especial, que mantiene su esencia, su amor por Venezuela, trabaja en diseño y su obra –arte puro- manifiesta ese toque mágico en cada colección. Su gran amiga, Titina Penzini, quien ha ido a los dos primeros desfiles en los que Oscar ha saltado a ese Olimpo de la moda parisina, nos revela los “Lucky Charms” -Amuletos de la Suerte- que le inspiran a ella en este momento a través de su siempre hermoso Trendllage. En “Pret a Porter”, Ignacio Alen nos muestra el trabajo de Isabella Arriaga, la bella modelo valenciana que dio sus primeros pasos en estas páginas y ahora es empresaria de moda con una firma –Tiempo by IA- que comenzó reinventando una prenda básica como el pantalón y ahora se ha convertido en el “must” de muchas elegantes venezolanas que lo llevan como pieza de buen augurio; las fotos de Pablo Costanzo fueron realizadas en la tienda de otra muy exitosa y querida valenciana, Antonietta Ferrara. En “Pasarela”, Graciela Martin Mellior nos abre los ojos a la nueva obsesión de la silueta femenina para Otoño 2013. En “El Club de la Buena Estrella”, José Roberto Coppola escudriñó en el mundo interno de talentosos diseñadores venezolanos y los desnuda a través de sus objetos de buena fortuna. En “Iconoclastas”, Carlos Flores León-Márquez y Ángela Oráa nos comienzan a mostrar los genios del diseño italiano comenzando por el gran Antonio Citterio. En “El Ojo Mecánico”, José Roberto propuso a 3 fotógrafos venezolanos residentes en Madrid, México DF y Nueva York que nos dieran sus datos mágicos y secretos de la ciudad que les adoptó. Y si invocamos un fetiche en la historia venezolana, en “Futuro Perfecto” veremos lo nuevo del muy prometedor designer y amigo de esta casa Rodolfo Agrella, quien lanzó una vajilla inspirada en el Manual de Carreño. En “Ventana al Cielo” nos sorprende otro ícono del mundo creativo, Jean Prouvé con una retrospectiva que le fuera consagrada en Turín y en “Destinos” veremos la capital del diseño italiano: Milán. ¡Que haya suerte y creatividad para todos... más allá de los quince minutos de fama que pronosticó Andy Warhol junto a sus icónicas bananas - cambures vernáculos - que enmarcan nuestra portada! Gonzalo y Mariana

DISTRIBUCIÓN GRATUITA VALENCIA: Guataparo C.C., Country Club de Valencia, Struktura, Centro Italo, Hermandad Gallega, Coffee Market, La Patisserie, Paladar, Rocotto, Palau Café, Fatua Valencia, Kokivi, La Locanda Trattoria, Hotel Hesperia WTC, Gaspard Brasserie, El Armario de Lola, Malva Concept Store, Gova & Friends, Kemya, Xperience, Boulevard Grill y Suomi. CARACAS: Antigua, Aprile, Aprilis LPG, Atar Creaciones Culinarias, Atelier Alejandro Ramírez, Atelier Liliana Ávila, Atelier Irma Contreras, Atelier Roberi Parra, Calíope, Catar, Come a Casa, Corot, Favola Ristorante, Galería Fernando Zubillaga, Galería G7, Greenella, La Guayaba Verde, Librería Kalathos, Madame Blac, Mansión Clement, Mobel, Mokambo, No Pise La Grama, Oficina No.1, Quincalla Zoco, Rustiaco Las Mercedes, Tres, Tarbay, Tawa, Zona Verde y Tienda Cameo LPG.

ÈLITIS Todo este collage fue montado sobre retazos de telas procedentes de la firma francesa Èlitis, toda una autoridad en diseño y decoración cuttingedge fundada por Patrice Marraud des Grottes en 1988 y cuyo nombre está inspirado en el poeta griego Odysseas Èlitis. Su éxito se basa en ser, más allá de fabricantes o productores, seleccionar y preparar para su exclusiva clientela los mejores productos que ofrece el mundo del design cada temporada. En tal solo 25 años se han convertido en talismán y referencia del mundo del interiorismo. Aquí vemos trozos de sus telas llamadas “Une gaiete contagieuse”, “Chanvre a Part” y “Un ruisseau d’or”. [www.elitis.fr] COLORES DE LIMOGES En el marco de la reciente exhibición “De la tierra al fuego: Historia de la Cerámica Europea en Limoges” patrocinada por el Grand Palais en el Museo de la Porcelana Adrian Dubouché ubicado en la ciudad que se hizo leyenda por sus famosas manufacturas como Sèvres, Gandois, A. Lacroix y en donde se exhibieron las cartas de color que aquí vemos de algunas de estas casas y se pudo apreciar el minucioso trabajo de otras firmas europeas que fungen de amuletos infaltables sobre las mejores mesas del mundo. [www.grandpalais.fr/en/event/earth-and-fire] JAMES TURRELL El artista californiano que se ha hecho una pieza clave en el mundo del arte contemporáneo con sus piezas minimalistas que trabajan la luz y el espacio a través de la cromosaturación, ha sido honrado en el Museo de Bellas Artes de Houston con la Exposición “The light inside”. Hoy en día el arte forma parte de los amuletos que exhibimos en nuestros hogares y que son además una señal franca de conocimiento y de ese lenguaje no verbal que el editor inglés Tyler Bruhle definió como “Soft Power”. En el collage vemos tres piezas esparcidas. [www.mfah.org – www.jamesturrell.com] SIMON DE PURY Un británico que ha resultado un verdadero visionario de arte y estilo, quien rescató el nombre de la legendaria casa de subastas Phillips, originalmente fundada por el inglés Harry Phillips en 1796, y desde 2002 fundó la prestigiosa Phillips de Pury, la cual dirigió hasta hace un tiempo con mucho éxito. Hace poco abrió las puertas de su casa en el sofisticado distrito Mayfair de Londres y mostró maravillas de piezas que conserva como objetos preciados y aliados en su brillante senda, entre ellos –a la extrema izquierda- tres piezas de cerámica hechas por Pablo Picasso y en la página opuesta lo vemos muy elegante frente a la obra “Chemical Wedding” de Urs Fischer (2009). [www.phillips.com] OLYMPIA LE-TAN La diseñadora parisina que ha sabido convertirse en ícono de la mezcla entre lo intelectual y lo chic, con sus clutches y minaudières inspirados en referencias contundentes del pasado pop –novelas, personajes o discos famosos-, convirtiéndose en la favorita de diosas del estilo contemporáneo como Tilda Swinton, Chloë Sevigny y Clémence Poésy. Aquí vemos sus carteras con forma de disco de 45 rpm. [www.olympialetan.com]

VIOLON DE KARL LAGERFELD X CHLOE En 1983, el llamado káiser de la moda diseñó el vestido “Violón” para la firma Chloé causando muchas polémicas por sus formas y su mezcla de lujo y simpleza. Para celebrar los 60 años de la casa francesa y conmemorar este hito del Prêt-à-porter, lo reeditaron en una versión limitada de solo 60 piezas y la primera en lucirlo fue -of course- Chloë Sevigny. [www.chloe.com] VERBUM CARO BY PAUL FLATO El Broche en forma de corazón hecho con rubís, zafiros, diamantes amarillos y esmalte es toda una pieza que simboliza la propiedad mágica y pasional que otorgamos los seres humanos a las joyas. El verdadero flechazo. Este prendedor diseñado por el joyero newyorkino Paul Flato en 1938 integra la colección que ostenta Lee Sigelson, nieto del fundador de la joyería y relojería Sigelson’s -inicialmente en Brooklyn y luego trasladada al Midtown de Manhattan-. El tercer Singelson se ha convertido en uno de los brokers de las piezas más valiosas en el mundo de la alta orfebrería y arte con piedras y metales preciosos con piezas únicas de Van Cleef & Arpels, Cartier y otras ancestrales firmas. Las joyas siempre han sido los amuletos que llevamos para ahuyentar maleficios. ¿Será este corazón una pieza para atraer y fortalecer el amor? ¡Yo si lo creo! [www.siegelson.com] RASHID JOHNSON El espejo con el graffiti “Watch Out” que vemos en el apartamento del mencionado Simon de Pury es creación de este joven y muy galardonado artista oriundo de Chicago, educado en Nueva York, a quien se le conoce como uno de los representantes más importantes del Arte Conceptual Post-Black. En su obra siempre evoca sus orígenes afroamericanos y toda la cultura que le rodeó durante su crecimiento. Actualmente lo representan la Galeria de David Kordansky y Hauser & Wirth [www.davidkordanskygallery.com – www.hauserwirth.com] INDIA MAHDAVI Definida como la quintaesencia del diseño actual porque combina el exotismo, con la feminidad, el atrevimiento y el dramatismo en cada una de sus piezas decorativas o artísticas, así como en sus proyectos de interior design que tienen un sello que se reconoce a leguas. De ascendencia egipcia y francesa, la ingeniosa Mahdavi reúne lo mejor de dos mundos en cada una de sus creaciones. Aquí vemos esparcidos una alfombra de piel de cebra, la lámpara de pie “Karaba” y el celebrado sofá “Nouvelle Vague” en color verde. [www.india-mahdavi.com]

CARACTER

ignacio alen blanco [twitter & instagram: @ignacioalen]

Oscar Carvallo

Talismán de Alta Costura “Bullan las aguas de animales vivientes, y aves revoloteen sobre la tierra contra el firmamento celeste”. De lo que dijo Dios según el libro de Génesis en el versículo 20 de su primer capítulo, Oscar Carvallo se ha hecho eco para crear su propio mundo de mujeres que dominan la escena terrenal con una presencia que, si bien se muestra delicada y preciosa, se defiende con las poderosas armas del género femenino. El único diseñador venezolano que ha sido invitado a participar en la semana de la alta costura parisina por la reputada Chambre Syndicale de la Haute Couture, se mantiene en el exigentísimo proceso de conseguir un puesto permanente dentro del calendario oficial, tras haber presentado dos colecciones que han servido como buena introducción de las técnicas y estética que ha cultivado en sus más de 20 años de carrera. En esta importante plataforma, aunque la mujer Oscar Carvallo haya cambiado de piel, primero con las escamas de “Femme Poisson” para la temporada primavera-verano 2013 y luego con las plumas de “Eagle Eye” para otoño-invierno de este año, se ha mostrado como la representante de una especie que conserva un estilo que la diferencia, que en sus mutaciones por el Caribe, Italia y Francia ha conseguido perpetuar la célula que genera un rico universo estético. Del espíritu de la firma que lleva una cruz como insignia, se expresan temas recurrentes como la sofisticación desde el punto de vista latinoamericano, las formas orgánicas del trópico y el humor en contraste con cierto aire de misterio, surrealismo y rock and roll. Entre los elementos clave de la propuesta de L’Enfant Terrible de Caracas, se incluye la exhuberancia de los brocados, las bandas en tonos metalizados y el busto bien entallado, pasando por las estructuras en géneros sedosos y los power shoulders, para llegar al romance de tules y encajes, y así proponer un universo de especies que parece tener una propuesta para cada gusto al mismo tiempo que conserva su propia identidad. Como casi todo diseñador que -quiéralo o no- se convierte en icono de su propia propuesta, Carvallo se muestra a si mismo con una fórmula de vestimenta casi inquebrantable, con un personal brand que combina la camisa blanca con

chaqueta negra de uno o dos botones y jeans, que se coronan con un look de barba y cabello que enmarcan una mirada felina. Ha sido una cuestión de curso natural que el caraqueño que engavetó su título de abogado para dedicarse a su verdadera pasión, se haya afincado en Paris desde 2003 para que su firma se muestre en la ciudad que en la moda siempre tiene la última palabra, luego de haber iniciado su carrera de la mano de Guy Meliet, el diseñador galo que definió en su época los términos de la elegancia venezolana, para luego ganarse por mérito propio un puesto entre los favoritos de las señoras mejor vestidas del país, expandirse a otras regiones del continente americano, hacerse de un espacio en conocidos almacenes como Saks Fifth Avenue y Neiman Marcus, y completar su formación con una maestría en diseño de moda de la prestigiosa Domus Academy de Milán. Pero su llamado artístico no se ha limitado a la moda como vehículo expresivo. Ha ido más allá al cultivar un cuerpo de trabajo que da cuenta de lo que le inspira, incluso de lo que le obsesiona, que se manifiesta en otras disciplinas creativas. Amén de los retos que le ha puesto sus colaboraciones en el ámbito publicitario, ha honrado el trabajo del también venezolano Carlos Cruz-Diez al exponer una colección de vestidos confeccionados con bufandas estampadas con reproducciones de la obra del maestro venezolano del cinetismo, y esperemos que no falte mucho para ver una interpretación en su línea couture. Si bien los maniquís y las modelos son ese objeto/sujeto a través del que todo diseñador consigue una vía natural de modelar y darle vida a sus trajes, el tema de las muñecas ha nutrido la manifestación del imaginario del diseñador, mostrándose en su lado más divertido con la serie de sofisticados peluches coleccionabes Chic Chica, pero también en su lado más sombrío a través de su instalación Toys, que muy a pesar del fasto de las plumas y lentejuelas con las que interviene una colección de muñecas de pátina antigua, deja una sensación más bien siniestra, con lo que concluimos que, como se cree en el mismo mundo real, en el universo Oscar Carvallo confluyen fuerzas oscuras e iluminadas que dan forma

Oscar Carvallo [Web: www.oscarcarvallo.com - Instagram y Twitter: @OscarCarvallo] Fotos: Yavidan Castillo [Web: www.violetapurple.com - Twitter: @violetapurple] y Marco Tassilli Agradecimiento: Lise Drouilly de Pearl Events [Twitter: @LiseDeParis]

determinante a la vida de sus protagonistas. Y en este universo también hay un creador para encomendarse y una cruz como símbolo de su fe. Cuando era pequeño acostumbraba a… esconder el bulto para no ir al colegio. Cuando cumplí veinte años pensaba que... nunca dejaria mi país. Siempre me ha gustado… el arte y el diseño en general. Mi padre… tenía pasión por los animales. Mi madre… mi guía. Un maniquí es… de 1,80 metros. Usualmente rusa. Una mujer es... una creadora. El mundo es... cada día mas cercano, gracias a la tecnología. Un país es... una cultura única. Latinoamérica es... la nueva tendencia. Venezuela es… mi país. Caracas es... la ciudad sin ley. Milán es... mi escuela. Paris es… mi segunda casa. La Alta Costura francesa es… la vitrina de la esquina. Haberme graduado en Derecho… me dio bases seguras. La moda es… mi forma de vida. Cuando hago un boceto para una colección... hago muchos más, es solo el comienzo. 22

Un maniquí de confección es... para clavar alfileres. La buena suerte... te la haces tú mismo. La mala suerte… no existe. Mis amuletos para la buena suerte son… mi Virgen del Valle. El fetichismo es… una fantasia no realizada. Mi fetiche es… un juguete que de miedo, antiguo usualmente. Una camisa blanca es… mi uniforme. Un traje negro es… para verte más delgado. Una aguja es... el símbolo de la costura. La primera pieza de vestir que captó mi atención fue… el traje de novia de mi abuela, realizado en 1940. El último traje que ma ha impactado es… el que terminé hoy... Supe que quería ser diseñador cuando... estaba en 4to año de derecho y no quería trabajar con los problemas de la gente. Hacer moda en Venezuela es… único y exclusivo. Una tela es... un diseño denetro de una pieza de moda. La Femme Poisson fue... mi entrada a la Haute Couture parisina. Eagle Eye es… mi afirmación en la Haute Couture parisina. Entre la confección a la medida y las colecciones en masa prefiero... la pieza única, indudablemente. La moda es… un monstruo de siete cabezas. El color es... parte de Latinoamérica.

Reconozco una mujer con estilo cuando... no exagera. El estilo es innato, se nace con éste. La moda está evolucionando hacia... la simplicidad y el uniforme, todos iguales. La vida es… muy corta como para vestir tristemente... La creatividad es… el motor que me mueve. Me gustaría estudiar más sobre… las diferentes culturas existentes en cada continente. La fama es... la prensa y la comunicación, los medios. La realidad es... difícil, pero se lleva con felicidad. La sensualidad es... natural en cada quien. No se aprende. Cuando cumplo años me gusta... celebrarlo al máximo. A veces me gustaría volver atrás para… ser teenager de nuevo. Me prohibieron…nada que yo recuerde. La vanidad es… un pecado. Un espejo es... parte importante de mi atelier y mi casa. La soberbia supone... mal carácter. La humildad significa… bondad. Me molestan… los fashion victims que viven con una marca de Moda en la frente. Lo primero que evalúo en una pieza de vestir es… el look que te da. La ventaja de hacer moda en Francia es... que no hay otro nivel más elevado.

Me gustaría hacer una colección inspirada en… el maestro Cruz Diez. Me gustaría vestir a… Tilda Swinton. Los diseñadores actuales que más admiro son... todos, cada uno tiene conceptos interesantes. El diseñador más importante de la historia ha sido... Alexander Mc Queen, Cocó Chanel, Christian Dior, Charles Worth -quien creó el primer desfile Haute Couture-, y Cecil Beaton maestro del vestuarismo para el teatro. Me gustaría tener un traje hecho por… mi mismo, nunca me lo he hecho. El dinero… cae del cielo. La mayor satisfacción que puede tener un diseñador de moda es… ver tu colección –finalmente- en una pasarela de París. Nunca salgo de casa sin llevar… una chaqueta. De los cinco sentidos me inclino por… la vista. El sitio que más impacto me ha causado es... La isla de Levanzo en Sicilia y también el centro historico de Palermo, en una noche de verano, inolvidable. Ahorita estoy leyendo… la Vida Privada de Cristian Dior. La película que no olvidaré se llama... “What ever happened to Baby Jane” con mi actriz favorita Bette Davis. A Venezuela le sobra… naturaleza. A Venezuela le falta… educación. Creo en... Dios. Echaría a la basura… la basura.

La envidia es... un sentimiento a evitar. La muerte es… inevitable. Nunca es tarde para... realizar lo que siempre has querido hacer. Cuando enciendo el televisor me gusta ver... Euronews. Me deprime... pocas cosas me deprimen, domino bastante este estado de ánimo. Me emociona... montarme en un avión y cruzar el mundo. Nunca me atrevería a… saltar en paracaídas. El tema musical que definiría mi vida es… Dos gardenias para ti. Nunca vacilaría en… trabajar con jóvenes creadores, son la tendencia. Me gusta… diseñar y crear en cualquier ámbito. 24

Me da miedo… las alturas. Rezo por... mi familia y amigos. La cualidad más importante que debe tener una persona es... la honestidad. Me considero una persona… adicto al trabajo, a la creación y al arte. Todos deberíamos aprender... de todos, eso lo aprendí cuando compartí estudios con más de 50 nacionalidades diferentes, fascinante. Si un genio me concediera tres deseos, serían… salud, felicidad y paz. Si escribiera una autobiografía, llevaría por título... Oscar, L’Enfant Terrible de Caracas. Si me defino con una palabra, diría que soy... Humorista.

PASARELA Alta Costura Otoño-Invierno 2013

Altas siluetas

Stéphane Rolland Como finas criaturas nocturnas, la modelos desfilaron envueltas exclusivamente en negro y azul medianoche adornadas con plisados gráficos y plastrones hechos con faya de seda blanca cristalizada. La solapa esmoquin, típica de Rolland, se dejó correr por la pierna para acentuar el ritmo y la elegancia del caminar femenino. [www.stephanerolland.com] Giambattista Valli Es apenas su quinta colección de alta costura, pero el couturier italiano nada tiene que envidiarle a los veteranos de este arte. Inspirado en las porcelanas Meissen, Wedgewood, Sevres y Capodimonte, Valli envolvió a las modelos en sublimes trajes cortos de tul bordados con guirnaldas y flores de organza. También ofreció vestidos largos encorsetados y adornados con lazos metálicos de gran tamaño. [www.giambattistavalli.com]

CHANEL El Grand Palais, convertido en un escenario postapocalíptico, sirvió para trazar “el camino desde el Viejo Mundo al Nuevo Mundo” de Karl Lagerfeld para CHANEL. El diseñador alemán combinó chaquetas tweed con minifaldas y cinturones, grandes abrigos y vestidos fluidos. Para la noche, la decadencia se tornó romántica entre trajes de tul y gasa, bordados de flores, lentejuelas y perlas. [www.chanel.com]

graciela martin mellior [ @descosido_ ] fotos: cortesía de las marcas

Vionnet Goga Ashkenazi presentó lo que llamó una línea “demicouture”, en la que revivió las formas y proporciones que hicieron famosa a esta casa en su tiempo. Un sentido sobrio y de ligereza emanaba de la seda, gasa y georgette laminado utilizado en los trajes y capas que caían vaporosamente desde los hombros, algo que la misma Madeleine Vionnet seguro hubiese aplaudido. [www.vionnet.com] Elie Saab El creador libanés apostó por la monocromía apoyándose en los colores de las joyas de la corona como el rubí, zafiro, esmeralda y gris perla para bordar vestidos de siluetas ceñidas con cristales de Swarovski, piedras estrás y cuarzos tintados. Una elegante colección bien pensada para su público. Sin duda aparecerán muchos de estos trajes sobre la alfombra roja. [www.eliesaab.com]

Christian Dior En esta oportunidad, Raf Simons, en lugar de acudir a los archivos de la casa, decidió enfocarse en diversas culturas y estereotipos femeninos para elaborar su propuesta. Por ello, cada pieza es el resultado de un proceso de experimentación con distintos materiales, inusuales elecciones de color y cortes innovadores que no dejan de lado la elegancia característica de Monsieur Dior. [www.dior.com]

prêt-à- PORTER

ignacio alen [twitter&instagram: @ignacioalen]

El Tiempo de Isabella Arriaga

Los amuletos de la suerte Dicen que el tiempo es oro, y vaya que el segundero del reloj sí apremia el ritmo de vida de cualquiera que asuma el reto de hacerlo jugar a su favor para alcanzar ambiciosos objetivos. Considerando ambiciosas las grandes demandas que hay sobre la mujer contemporánea en sus diferentes roles, la de recrearse como símbolo de belleza puede entrar en conflicto con facetas familiares, sociales y profesionales. No pocas querrán el poder de congelar las horas en momentos en los que necesitan recomponerse para enfrentar cualquiera de los retos que le impone la agenda de las wonder women de hoy. Si bien es una fantasía, ya cinematográfica, el poder de manejar la velocidad del segundero, es cuestión de creatividad conseguir atajos que hagan que las horas rindan. Isabella Arriaga Olavarría ha encontrado uno y lo ha puesto a la orden de las mujeres que, como ella misma, piensan que una agenda apretada no es limitante para mostrarse con buena pinta. A través de su línea Tiempo by IA, ofrece piezas diseñadas con la intención de “que la mujer de hoy se sienta cómoda y a la moda”, y como no podía ser de otra manera, la insignia de su firma es un dije dorado en forma de reloj que se muestra como una suerte de talismán que representa un guiño definitivo a la fantasía de congelar el tiempo, que ya se dijo que es de oro, a través de una serie de easy pieces con los que las féminas se ahorran horas de idear ensambles con piezas más específicas. El pantalón se coloca en el centro de la propuesta de la reconocida modelo de 22 años, que con el apoyo de su madre, Ana María Olavarría de Arriaga y de Gisela Matas, lanzó su marca a principios de este año, recibiendo un apoyo casi instantáneo en un público que parecía esperar

con ansias una colección colorida y “ponible” como ésta, que revisa una pieza clásica para convertirla en el punto focal de una mujer que avanza a pasos agigantados. “Para el momento en que nació Tiempo en mi mente estaban los estampados como prioridad por el colorido y diversidad de combinaciones y alternativas, ya que aunque conserves el mismo modelo de pantalón al tener variedad de estampados podrás obtener siempre un look diferente”, recuenta la valenciana que recién culmina sus estudios de Administración, y que a pesar de mencionar a Valentino y Dolce&Gabbana como los diseñadores que han influenciado su proceso creativo, en su trabajo muestra una evidente mezcla que recuerda los vibrantes estampados de Pucci con la versatilidad urbana de Donna Karan, que ha resultado en la ampliación de su gama de piezas que ya incluye shorts, faldas y tops que ya se venden en diferentes puntos de ciudades como Valencia, Caracas, Barquisimeto, Punto Fijo, Margarita y Puerto Ordaz, mientras bosqueja el proyecto de presentar otra línea enfocada en prendas más exclusivas. Así, quien ha sido señalada como una de las jóvenes mejor vestidas de la capital carabobeña, presenta en las siguientes páginas cómo lo que empezó siendo una firma de pantalones, se ha expandido hacia una estética identificable que consiguió en las galerías textiles de cincuentenaria Decoraciones Ferrara un telón de fondo que se le equiparapor riqueza visual, que bien supo capturar el fotógrafo Pablo Costanzo en tomas que documentan un encuentro donde la mujer audaz, que es la clienta ideal de Tiempo by IA, se muestra en todo su esplendor de texturas y estampados. El tiempo, entonces, será su aliado y amuleto de suerte.

Fotografía: Pablo Costanzo [Twitter: @PabloACostanzo – Instagram: @PabloCostanzo - pablocostanzo.blogspot.com] / Dirección creativa y Producción: Isabella Arriaga, Gisela Matas y Ana María Olavarría de Arriaga / Maquillaje y Cabellos: María Fernanda Quero [Instagram: @Nanda2215] / Modelo: Andrea Suárez [Instagram: @andreaisf] Vestuario: Tiempo by Isabella Arriaga [Instagram: @tiempobyia - Email: tiempobyia@gmail.com -Teléfono: 0414-4223785] / Zapatos: Zara y Nine West Locación: Decoraciones Ferrara [Teléfono: +58 241.8573667 - Twitter & Instagram: @DecoFerrara] / Agradecimientos: Antonietta Ferrara [@ferraraanto]

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club de la buena ESTRELLA

josé roberto coppola [www.mistercoppola.blogspot.com] instagram y twitter: @mistercoppola

Vanessa + Efraín + Laili + Fabiola + Mariana + Carlos

El poder de los objetos

Hay una fe secreta que se comparte con cualquier credo u ortodoxia. Esa que sólo sigue una religión propia, mística, mágica, fantástica. Esa que no tiene leyes ni mandamientos más que los que dicta los buenos latidos del corazón. Es una fe que no se confiesa. Es un dogma interior que provee la buena ventura, la suerte, el amor, el amparo, la prosperidad, la salud, la esperanza, los sueños, a través de los amuletos que se han coleccionado en muchos años. Aquellos que se atesoran desde los recuerdos de las vivencias más sencillas hasta los que guardan la historia crucial de algún momento de la vida. Son esos talismanes a los que se le atribuyen las pequeñas grandes maravillas que suceden inexplicablemente cada día, cada instante. Acá, seis diseñadores de moda, a saber: Carlos Mora, Laili Lau, Fabiola Sifontes, Efraín Mogollón, Vanessa Farina y Mariana Meneses revelan por primera vez su inventario de objetos de la suerte. La prosapia de la diseñadora de moda Laili Lau le ha dejado el legado de muchos buenos sortilegios de la siempre enigmática China. “Mis talismanes son la simbología de una ideología que respeto. Para mí representan la fe y convicción de lo que esos objetos me pueden transmitir. Y el valor está en ese recuerdo del momento, en el que lo obtuviste, o te lo regalaron, en ese momento en el que alguien lo quiso compartir contigo”, cuenta Lau. Para el diseñador Efraín Mogollón sus amuletos son imprescindibles, son vitales en los espacios de su casa o en su taller de costura. “A todos mis objetos les tengo mucha fe, a todos les he puesto una fuerza natural. Para mí representan mi bienestar y el de mi familia. A veces me da temor que alguno me falte y genere un desequilibrio en mi vida o mi trabajo”.

El rumbo nómada e itinerante del diseñador de moda Carlos Mora le ha dejado no sólo los mejores recuerdos, sino también muchos de los objetos de la suerte que lo acompañan a donde vaya. “Para mí es la forma cómo llegan a ti estas piezas. Son las personas, momentos y situaciones que representan”. Desde su credo la diseñadora de moda Fabiola Sifontes ha conseguido sus talismanes por las buenas anécdotas que están alrededor de ellos. “Cuando ocurre algo maravilloso y llevo algo puesto le doy a esos objetos vida y rumbo. Son sus historias las que le dan energía, porque todos tienen alguna historia. Yo les atribuyo fuerza y al usarlos ellos me regresan esa fortaleza a mí. A muchos de mis objetos les doy algún significado, pero con el paso del tiempo”. Para la diseñadora de moda Mariana Meneses el valor de un objeto como amuleto ocurre de manera espontánea. “Hay muchas cosas que sin darme cuenta llevan mucho tiempo conmigo, sin haberlo pensado, sin haberlo planeado. Me gustan esas cosas que se quedan conmigo naturalmente y va pasando el tiempo y siguen allí”. La de la diseñadora de moda Vanessa Farina es una idea más romántica la que hace que guarde sus amuletos con devoción y afecto. “Hay objetos que guardo porque me han traído felicidad y creo que al tenerlos cerca va a hacer que eso continúe así. Muchos representan personas y a través de esos objetos los tengo cerca y sigo conectada a ellos de alguna manera. Mis amuletos tienen mucho de nostalgia, de melancolía, pero una nostalgia y melancolía que es bonita”. Cada fe, cada pasión, cada razón le da un poder secreto a sus talismanes.

Fotografías: Natalia Brand / Concepto: José Roberto Coppola / Dirección de Arte: José Roberto Coppola y Natalia Brand

Vanessa Farina

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El pájaro en el lienzo “Lo pintó mi compañera de cuarto cuando estudiaba moda en Barcelona. Ella me decía que yo tenía pájaros en la cabeza y que había uno que siempre salía. Este cuadro me acompañó en mis estudios y ahora siempre me acompaña”. Cadenita del bautismo “Tiene un azabache, un coral rojo y la medallita de mi bautizo. Ya casi nunca me la cuelgo en el cuello. La llevo en la cartera en un viaje largo o en un bolsillo o la sostengo en la mano en un momento importante para sentir que todo va a estar bien”. La primera foto “Siempre la llevo en la cartera. Allí estaba apenas recién conociendo a mi esposo. Es la primera foto impresa de nosotros juntos. Es la primera foto en la que pudimos vernos como pareja”. La boina del nonno “Era la boina de viajes de mi nonno. Lo acompañó en sus aventuras. Ahora me acompaña en las mías y así siento que seguimos compartiendo aventuras”. La armónica y la pasión “Esta armónica la tocaba de noche una amiga en el apartamento cuando estudiaba moda en Barcelona. La tocaba cuando estábamos reunidas un grupo de amigas. Cuando regresé a Venezuela la encontré en mi maleta. Ahora tiene el poder de que cada vez que la toque me van a escuchar y cuando nos volvamos a reencontrar la debo llevar. Le coloqué esta frase with passion porque creo que hay que vivir con pasión por lo que haces. Es una conciencia hecha frase”. Estampita de Betania “Me la regaló mi papá quien hizo una promesa a Betania y va una vez al mes a visitarla. Yo le rezo todas las noches. Esta estampita tiene agua bendita y siempre la llevo en la cartera”. Espiral de hilo “Es un rollito de hilo de lana y lo llevo desde que mi nonna me enseñó a tejer”. Los Ray Ban vintage “Eran los lentes de los años 70 de un tío. Yo siento una fascinación por los Ray Ban. Son sus lentes de juventud y ahora yo los uso en mi juventud”. Reloj Casio: “Este es un reloj Casio súper viejo. Mi prima y yo tenemos uno igual. Es una prima que es como una hermana. Y este reloj es una manera de estar conectadas en la distancia”. Saeta transoceánica “La brújula me la regaló una amiga que vivió en Camboya. Me la dio para que no

perdiera el norte. La llevo en mis viajes largos, de aventura y cuando he ido de mochilera”. La caja de música “Me la regaló mí papá. Es una caja de música que tiene la canción de la película El padrino que a él y a mi nos encanta”. El pañuelo del amor “Era de mi nonna, se lo regaló mi nonno. Es un pañuelo alemán que dice bordado ‘con amor”. El botón, la piedra, el dedal y el anillo “Desde que estudio moda llevo el botón de nácar conmigo que le quité a una amiga, la piedra es de jade y según mi signo me mantiene en buena salud, el dedal es de mi nonna Enricheta que también cosía y mi anillo de matrimonio que siempre lo llevo conmigo”. El caleidoscopio “Me lo compré en un viaje

de mochilera en Montmartre, París. Me recuerda que siempre puedo tener una perspectiva distinta de las cosas”. La pañoleta rosa “Es un pañuelo en rosa maquillaje que es mi color favorito. Diseñé parte de las ilustraciones cuando trabajaba con la diseñadora española Lydia Delgado”. La cámara de la nostalgia “Era la cámara de jóvenes de mi papás. Vi muchas fotos hechas con esa cámara. No funciona. Nada más suena”. Pajarito de lana “Lo compré en Maracaibo. Se llama pajarín. Yo amo los pájaros. Y siempre está en mi mesita de noche. A veces viaja conmigo o cuando mi esposo sale de viaje se lo meto de sorpresa en la maleta”.

Efraín Mogollón

Facebook: ByEfraín Mogollón / Twitter: @efraingmogollon / Instagram: @efrainmogollon 42

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Siempre unos lentes “En todos los viajes que hago siempre me compro unos lentes. Estos me los compré en Colombia. Y son los que me acompañan ahora”. Sagrado Jesús “Mi mamá, devota del Sagrado Corazón de Jesús, me transmitió esa fe. Me casé en la Iglesia del Sagrado Corazón de Jesús y bauticé a mis hijos en la misma iglesia. Esta estampita la llevo en la cartera. Es mi conexión directa con la fe”. El cuadro del boceto “Lo tengo conmigo desde que estudiaba. Lo compré en Barcelona. Es de una diseñadora española que se llama Txell Mirras, que al igual que yo es diseñador industrial y luego se fue por moda. Este boceto lo mandé a enmarcar y siempre lo tengo en mi taller. Para mí representa buena suerte. Y es como llegar a hacer y llevar la marca como ella la ha llevado”. El escapulario morado “Me lo regaló una amiga. Lo hacía una señora muy viejita que lo obsequiaba a las afueras de una iglesia. Es un lino morado relleno de periódico y palma y tiene bordado una crucecita y una estrellita. A veces lo uso de pulsera, o lo guardo en la cartera, y siempre lo llevo a las entrevistas porque me da mucha suerte”. La pequeña geisha “Se llama Nagisa que significa agradable. Me la regaló mi primera cliente oficial y que todavía me compra. Me dijo que la llevara conmigo a donde fuese. Siempre la coloco en la pared principal del taller”. Amor en papel “En el taller paso la mayoría del tiempo, cada vez que viene uno de mis hijos me hace un cartel o un papel y yo los coloco todos en un corcho. Para mí representan que estoy trabajando por ellos. Este me lo hizo mi hija mayor Andrea Valentina. Una vez tuve un percance en el taller y ella estaba aquí y me hizo este papel y me dijo que era el mejor papá del mundo y que todo iba a pasar”. La primera tijera “Me la compré cuando estudiaba diseño industrial. Cuando me fui a estudiar patronaje en Bogotá, me la llevé e hice todos los patrones en tela con esta tijera. Le amarré esta tira de shantung turquesa para diferenciarla de otras que había en el curso y de allí se la dejé. Es mi tijera de la suerte, con la que siempre

corto y nadie la puede usar en el taller” Las cuatro monedas “La primera vez que fui a Colombia en un viaje de negocios me llevé todo el dinero que iba a invertir y me quedaron estos pesos colombianos. Representan la iniciación y siempre las tengo en un cofrecito en mi escritorio. Cuando voy a Colombia a comprar telas me las llevo en mi cartera y no las gasto nunca”. La pulserita roja “Siempre he llevado un hilito rojo o una tirita de tela roja en la muñeca. Mi hermano mayor que practica Kabbalah me dijo que para que funcionara tenía que colocármela alguien que me apreciara y tuviese un amor sincero por mí y me colocó esta que siempre llevo en la mano izquierda”. Familia Matrioska “Siempre me han gustado las Matrioskas. Un día

mi papá me dijo que al que le gustaban las Matrioskas iba a tener una familia grande. Me las regaló mi mamá en un viaje. Ahora las veo como una cabeza grande que tiene a muchas pequeñas bajo su responsabilidad y representan a mi esposa y mis cuatro hijos”. La de denim “Es mi camisa de blue jean de la suerte. Siempre me la pongo, no puedo dejar de usarla”. El compañero de madera “Lo apodé el chino porque es como me dicen a mí. Este muñeco articulado lo compré cuando hacía muchos cursos de pintura y dibujo. Cuando estudiaba diseño industrial ya lo tenía y un profesor me dijo que por qué no estudiaba moda, inconscientemente era lo que me gustaba y terminé como diseñador de moda”.

Laili Lau

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Campanitas tibetanas “La compré en una tienda en California y la cuelgo detrás de la puerta de mi taller para que cada vez que suenen limpien las energías”. La estampita china “Me la compró mi papá en un templo budista, la llevo siempre en mi monedero como protección”. Pulsera antigua “Casi nunca me pongo pulseras, pero las antiguas me encantan. Esta me la trajo mi mamá, es de plata antigua. La uso en ocasiones especiales”. La libretita de Bruce “La compré en Chinatown en Nueva York. Me encanta Bruce Lee. Allí anoto ideas, escribo, dibujo”. Los tres buditas “Los tengo por todo el taller. Me gustan porque son antiguos. El budismo no lo tomo como una religión, pero sí le tengo mucho respeto por la cultura mi papá”. La piedrita margariteña “Cada vez que viajo a un lugar trato de traerme una piedrita, así siento que voy a volver otra vez. Esta la tengo en mi taller y la recogí en un viaje que hice a Margarita”. El collar de los cascabeles “Me lo trajo mi papá en su último viaje a China, es como de esa indumentaria de Mongolia que me fascina. Él se fue sólo a pasear y me lo compró específicamente para mí y eso me pareció especial”. El escapulario azul “Lo compré en un templo budista en Beijing y supuestamente escribes tu deseos y los nombres de tus familiares y lo guardas dentro como una protección. Ya algunos de los deseos que anoté se me han cumplido”. El pequeño jarrón “Es de porcelana china y es una conexión con mis raíces. Los cuernitos protectores: “Los hice yo con unas piezas hindúes que compré. Los uso mucho. Los veo como unos collares de protección”. Siempre un abanico “Me lo regaló un amigo coreano que decía que una mujer siempre tenía que tener un abanico. Me regaló varios, pero este es el que más me gusta”. Los lentes aventureros “Eran de mi papá, me dijo que los usaba mucho cuando era joven, seguro en muchos de sus viajes. Me han dicho que son de alta montaña, o para el desierto.

Para mí son unos lentes de explorador que me invitan a viajar y a seguir descubriendo”. El encaje de la abuela “Hace poco mi mamá me regaló el costurero que era de mi abuela y estaba lleno de encajes, cintas bordadas y chantilly. Mi abuela era una persona bellísima, cosía y tejía unas cosas delicadas y lindas, me recuerda esa sutileza y fragilidad”. La hoja de tinta “Este sello lo coloco en muchos de los dibujos que hago o en las envolturas de los regalos que doy. Me gustan mucho los árboles, las hojas, la naturaleza”. El sobrecito rojo “Es de una tienda en Brooklyn que vendía cosas étnicas hechas para ayudar a fundaciones y mujeres necesitadas. Vendían muchas cosas mexicanas hechas por niñas y mujeres que vivían en pobreza extrema. Este sobrecito

está hecho por mujeres de México y tiene adentro estampitas de virgencitas y una medallita, el señor de la tienda me dijo que siempre lo guardara como protección en mis viajes. Lo tengo donde guardo mi pasaporte y si mi mamá viaja se lo doy para que lo lleve con ella”. El collar turquesa “Me encanta usar muchos collares porque no uso zarcillos, casi todos étnicos, extravagantes y totalmente diferentes”. La buena salud “Este collar de las medallas lo llevo siempre, me lo regaló mi papá. Uno es un dije típico de Asia y la medalla más grande está repujada con unos símbolos en sánscrito. Me enteré después que las colocan con pañito caliente a los niños en El Tíbet cuando están enfermos para que se curen”.

Fabiola Sifontes de Serendipity Couture

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Corazón de plata “Es un cofre de plata del bautizo del hijo de una de mis mejores amigas. El corazón es una figura del amor. Eso me hizo guardarlo y usarlo para meter mis joyas más preciadas”. Estampa Milagrosa “Las vírgenes me protegen y me guían. Esta es de la vigen de La Milagrosa. Mi mamá es súper devota. Estas estampitas las tengo en mi cartera o en el altar de mi casa y de vez en cuando les pido, les rezo y les hago promesas”. El niño de rojo “Esta es una estampita del Niño Jesús de Praga que me regaló mi sobrino Sebastián para que se cumplieran todos mis deseos. Siempre la tengo en mi mesita de noche”. Los anillos de la fortuna “Los uso en el dedo anular de la mano izquierda cuando quiero que algo me salga bien. No soy muy supersticiosa, pero siento que me traen buena suerte”. El peto azul “Mis petos me acompañan en cada reunión de trabajo. Son mis amuletos para que todo salga bien. Este es de los primeros de esa colección y es de los patrones de prueba. Está bordado con canutillos que traje de Indonesia. Es azul marino, un color que balancea mis energías. Desde qué me lo puse nunca más me lo quité”. El collar de perlas “Parte de mi familia es italiana, y allá son muy supersticiosos. Algunos creen que las perlas debes comprarlas tú porque si te las regalan, te harán llorar. La razón la leí hace poco, las perlas son lágrimas de las ostras que se convierten en piezas únicas. Por eso este collar me lo compré yo en un viaje a un matrimonio de mis mejores amigas”. Las tortuguitas mexicanas “Según mi mamá las tortuguitas son símbolos de dinero. Estos son unos cofres mexicanos que compré en DF. Tengo una en mi altar y otra en la mesita de noche”. Los collares milaneses “Tuve que recorrer todo Milán para conseguirlos. Los compré cuando estudiaba moda allá. Son de un orfebre maravilloso que conocí. Me encanta encontrar cosas bellas que nadie conoce y este orfebre es uno de ellos”. La cadenita del amor “Me la regaló mi mamá, era de ella.

Mi mamá no vive conmigo por eso uso sus cosas con especial afecto. Esta cadenita la uso cuando salgo de viaje y siento que la tengo cerca y que me envía sus protecciones”. Las cruces coloradas “Las compré en DF, me gustaron cómo están pintadas. Lo que me hizo comprarlas fue cuando la muchacha me dijo que las llaman las cruces de los milagros. Una, la fucsia, está en el taller de mi marca Serendipity, para cuando las cosas se ponen difíciles y la otra, la turquesa, está en mi altar”. La medallita de Medjugorje “Iba en un vuelo a Roma al Maratón Berlín 2012 y a mi lado estaba un sacerdote argentino en peregrinación a la Virgen de Medjugorje. Le conté que iba a mi primer maratón y me regaló esa medallita para que me acompañara durante todo el recorrido.

Y así lo hice. La enganché a mi ropa y siempre estuvo conmigo. Ahora la llevo siempre cuando siento que lo necesito”. El chal rojo “Fui a Indonesia, al matrimonio de otra de mis mejores amigas, que hice cuando estudiaba en Milán. Es una gente llena de ritos y rituales. Cuando un invitado se va, le hacen un regalo. Este chal de seda me lo regaló la mamá de mi amiga. Las mujeres en Indonesia son jefas de todo y las madres más. Lo conservo con mucho aprecio”. Las joyas de la suerte “Los zarcillos de granate me los compré en Praga y los tendré puestos cuando conozca al hombre de mi vida, los zarcillos de ranitas los compré en Roma y son mi amuleto en los negocios y el collar de acerina tiene las propiedades de regular mis energías”.

Mariana Meneses

Web: www.marianameneses.com / Twitter: @mm_electra / Instagram: @marianameneses 48

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La hojilla dorada “Esta cadena la hice yo y no me la quito casi nunca. La hojilla es un objeto súper fuerte en su significado literal, pero es visualmente bella”. La hoja en el pecho “Esta cadenita era de mi mamá, una que usaba de joven, se la quité un día y ahora la uso yo. Me la pongo mucho. Tiene una medallita con la síntesis de una hoja dorada en un fondo negro. Me siento orgullosa porque era de ella y ahora yo la llevo y me protege”. Apuntes imborrables “Este cuadernito lo hizo Eduardo López, uno de los profesores de los que más aprendí. Siempre compro cuadernitos. Pero desde que compré éste sentía que lo debía usar en una ocasión que mereciera la pena. Lo empecé a utilizar este año y allí fue que diseñé mi última colección. Ahora es el cuaderno que llevo conmigo siempre y es donde anoto todo”. El mini neceser “Este estuche de maquillaje es el que llevo siempre en el carro y tiene lo esencial. Me lo regaló mi hermana cuando fue para Nueva York y lo compró en el MoMA. Lo tengo conmigo desde hace mucho tiempo”. Los Bollé de colores “Los lentes tienen muchos años conmigo. Son los que más uso. Los compré en una venta de garaje y lo que más me gusta es cómo se ve la naturaleza y el mar. Todo se ve como en alta definición. Siempre me compró lentes y al final término sólo usando estos”. El antifaz de Luis “Este antifaz es muy especial porque lo hizo el artista plástico Luis Salazar para una fiesta aniversario del colectivo de arte que se llama La casa tomada . Yo me quedé con estos y siempre lo tengo en el carro. le tengo mucho cariño a este antifaz porque admiro el trabajo de Luis”. Los tacones ingleses “Los tacones negros son muy importantes como pieza en el closet de una mujer, pero estos son especiales. Me los compré el último día que estuve en Londres cuando me fui a estudiar un básico de moda en la Universidad Central Saint Martins. Estos son unos tacones normales, pero les tengo cariño porque me

recuerdan ese tiempo en Londres en el que se estaba acabando todo y me tenía que devolver a Caracas”. La pequeña tijerita “Tengo tijeretas de cortar hilos por todas partes, en el cuarto, en el carro, en el taller. He empezado a coleccionarlas desde que empecé a trabajar en moda. Tengo muchísimas. Me encantan estás tijeritas. Esta me la compré en una venta de garaje, es viejísima y ahora siempre la tengo conmigo”. Los leggins de la suerte “Los leggins son una pieza que representa mi marca. Desde que hago ropa siempre estoy en la búsqueda de hacer algo nuevo. En los leggins puedo plasmar esa búsqueda gráfica en la ropa. Este es de los primeros que hice y me quedé con uno por ser de los primeros. En esa colección fue cuando

dije: ‘voy a hacer lo que me da la gana’. Fue un momento importante para mí y para mi marca”. El tarrito de vaselina “Tengo una manía de tenerlas por todos lados, en el baño, en la mesita de noche, en el carro y el taller. Sólo esa marca y es ese potecito, que es la vaselina de verdad. Es a veces lo único que uso en los labios”. El robot de la mesita de noche “Me lo regaló un ex novio y siempre está en mi cuarto en la mesa de noche. Es el juguete de mis sobrinas y lo tengo allí para ellas”. El tarjetero de siempre “Este tarjetero yo lo amo, me lo regaló mi tía y no lo quiero soltar nunca, es el que llevo para todos lados. Le coloqué una calcomanía con mi logo. Está viejito, no lo voy cambiar, aún así lo quiero”.

Carlos Mora

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La cadena del gitano “Me la regaló mi mejor amigo en Madrid, mi hermano, es de esas personas que terminan siendo tu familia cuando estas lejos de la sanguínea. Me la entregó justo antes de regresarme a Venezuela. Me la dio para que me cuidara y siguiera viajando por el mundo. Es una cadena de plata a la que le cuelga un vendedor que tienes mil objetos y que siempre van con él a donde viaja. La utilizo cuando tengo algún momento especial en el que necesito un poco de suerte y buena energía ya que me la dio alguien que es muy especial para mí”. Las dos estampitas “Me las dio mi mamá, las compró para mí cuando me fui a vivir afuera. Una -según ella- cuida y protege a los hombres y la otra es del Ángel de la Guarda. Fue una protección que me dio, las conservo desde hace más de 12 años y están intactas. Siempre están en mi cartera, jamás las saco de allí, aunque cambie de cartera ellas siguen conmigo, como un documento de identidad. Las leo eventualmente y me sé de memoria las oraciones. Ambas las he leído mil veces y terminé aprendiéndomelas de memoria. Cuando estaba solo me refugiaba en leerlas y recordaba así a mi madre que no estaba a mi lado en esos momentos”. Rubik anti estrés “Este Cubo Mágico lo tengo desde niño, me lo regaló una amiga. Lo uso en momentos de estrés. Me ayuda a relajarme. Es como mi juguete personal. Lo he armado varias veces, aunque lo que me gusta es el movimiento y la mezcla de los colores. Cuando estoy un poco tenso me sirve como un buen mecanismo para descargar”. La vida en un IPod “Pareciera un simple reproductor MP3 pero es un gran amuleto, forma parte de mi inspiración personal y laboral. Para mí la música es vida, allí llevo guardados muchos momentos que siempre los recuerdo al escuchar algunas canciones. Lo uso a diario, no puedo vivir un día sin escuchar música. Para diseñar pongo mi iPod y me transporto a lo que quiero crear. Me encanta la música étnica, los sonidos instrumentales, sonidos de otras culturas e instrumentos extraños, como también tengo música de todos los géneros. Allí también llevo fotos de viajes, trabajos y momentos

personales con mis amistades. En él tengo parte de los archivos de mi historia”. El cofre en el que duermen los sueños “Me lo regaló una amiga de las islas Canarias, de esas personas que amas desde el primer día que ves. Me lo obsequió en Navidad hace tres años y me dijo que era para guardar mis sueños. Yo lo uso para guardar objetos personales importantes y pequeños que tengan mucho valor para mí. Siempre está en mis habitaciones. He sido medio gitano, he estado por muchos años viajando. Y así mi amiga siempre está conmigo”. Rosario de Playa El Carmen “Me lo obsequió en México una artesana, en playa El Carmen. Los vendía y terminó regalándomelo. Estaba comprando artesanías, lo vi, me gustó y me puse hablar con la señora, nos agradamos y terminó

dándomelo de obsequio. Está guardado siempre en mi cofrecito plateado como parte de mis objetos importantes. Para mí significa protección y amor. Y me recuerda mi etapa en México, que fue una de las más importantes en mi vida y vital para mi carrera”. El Cristo de Coche “Este coral se lo consiguió mi pareja en el mar de la isla de Coche, lo agarró y me lo dio. Me enamoré de la forma natural, tanto que me la voy a tatuar. Es un coral blanco que parece un Cristo y significó algo religioso para mí. Me lo traje a Caracas y lo tengo en mi estudio. Para mí la isla de Coche, desde que fui por primera vez hace tres años se convirtió en mi lugar favorito de Venezuela, me da paz y tranquilidad, es como un amuleto también”.

ICONOCLASTAS

carlos flores león-márquez [@carlosfloreslm] foto: annalisa cimino [cosmit.it]

Milán: El Diseño y sus Protagonistas (Parte I)

Magos de la creación

La llamada de la venezolana Marva Griffin Wilshire desde Italia resonó en solo tres teléfonos caraqueños para invitarnos, en calidad de periodistas, a la conferencia de prensa 2013 del Salón del Mueble de Milán que desde hace menos de un lustro organiza la misma Marva como directora de la prensa internacional, esto con su aura de curadora en jefe del Salón Satélite, adscrito a la gran cita de marras, y la junta directiva de COSMIT (Comitato Organizzatore del Salone del Mobile Italiano). Una vez cumplidas las travesías aérea y terrestre, y la espléndida cena de bienvenida, un quinteto de estrellas del design esperaba impertérrito a que todos tomaran asiento: Jean Nouvel, Piero Lissoni, Patricia Urquiola, Michelle De Luchi y Antonio Citterio. Juntos los cinco, no sin la majestad del todo milanesa de Claudio Luti, presidente del comité y de la firma Kartell, más otra corte de lucernarias, anunciaron con bombos y platillos

las novedades que traería la 52 edición del Salón del Mueble en Milán. Los “Interiores del Mañana” fue la premisa. Y el futuro sí que apareció entre nosotros. Para adentrarnos aun más en semejante proyección, luego de asistir todos a un almuerzo en banquete dentro del blanquísimo estudio de Lissoni, puerta con puerta de la residencia de Marva Griffin (“Desde mi balcón los tengo vigilados”), el grupo de periodistas fue dividido en tres para visitar las buhardillas de Urquiola, caso del suscrito; De Lucchi, caso de Raquel Seijas, coordinadora del cuerpo “Espacios” de El Nacional; y de Citterio, cuyo encuentro lo relatará Ángela Oráa, pluma de prestigiosas publicaciones nacionales, al término de esta crónica-bosquejo. Por razones de espacio, dividiremos en tres entregas, comenzando en esta edición 66 dedicada a los Amuletos de la Suerte con Antonio Citterio by la divina Ángela Oráa.

Antonio Citterio

Web: www.antoniocitterioandpartners.it 54

ángela oráa [@angelaoraa] retrato: wolfgang scheppe y archivo

Un pequeño grupo de periodistas provenientes de todas partes del mundo visitamos el estudio de Antonio Citterio (1950), ubicado en la calle Via Varese, cercana al Duomo. El laboratorio de ideas cuenta con 1.700 metros cuadrados repartidos en un pequeño edificio de varios pisos. El espacio con silencio de biblioteca es agradable, lleno de luz natural. Las paredes son blancas y los pisos de madera. Los pasamanos de las escaleras son de aluminio y el ascensor tiene puertas de cristal. La mayoría de los objetos que se aprecian son íconos del diseño de Citterio, como la mesa oval de plástico y cuatro patas de aluminio. El nombre Citterio representa la excelencia y calidad del puro y duro diseño italiano. Se formó en los 60, en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán con grandes maestros como Achile Castiglione. La obra de Citterio se caracteriza por las formas ingeniosas y eficientes, producto del talento de un observador nato, que no solo propone un producto a determinada industria, sino que es capaz de señalar el camino para realizarlo. He aquí la clave de su éxito: crear objetos útiles y novedosos. Y por su puesto, no copiar. Desde 2006, Antonio Citterio es profesor titular de proyección en la Academia de Arquitectura de la Universidad Suiza Italiana. En 2008 fue honrado por la Royal Society for the Encouragement of Arts, Manufactures & Commerce de Londres con el título de Diseñador Real para la Industria. Durante el encuentro, el maestro habló a sus anchas. Mostró algunos de sus proyectos y compartió puntos de vistas. A continuación, extractos de sus ideas.

Sofá Evergreen por Antonio Citterio [www.flexform.it] La arquitectura y el diseño… están muy ligados. Veo un aumento de cualidad integral en la generación actual de arquitectos y diseñadores, pero no creo que el nivel sea alto. Mi generación tenía como profesor a Castiglione, uno de los grandes maestros del diseño italiano, que además creaba pocos productos, todos muy bien hechos. Existía un profundo respeto por el producto hecho por los otros. Actualmente, en cambio, existe mucha ignorancia y todos se terminan copiando unos a otros. Hoy, la aproximación al diseño se da copiando. Se copia, se copia... Seguramente se ha alzado el nivel del diseño, pero no el nivel de moralidad. Siempre me asiento atraído por… la búsqueda de nuevos objetos, que sean un reto intelectual, y que de alguna manera se conviertan en un símbolo de una época. Si uno diseña sin ningún tipo de investigación, las cosas salen mal. El diseño es la evolución de las cosas que nadie ha tenido el coraje de decir. Para crear objetos útiles y novedosos hay que concentrarse en la investigación industrial y en la innovación. Y esto es lo que me entusiasma. No me interesa proyectar una silla que no presente nuevos elementos. Debe haber siempre innovación tecnológica. Cuando se diseña un producto… se busca un estilo en particular. Es decir, los muebles nacen de los proyectos que desarrollo y responden a ciertos requerimientos profesionales. Al término de todos mis diseños… como los sofás, parece que ya

existieran. Como el sofá Charles, que luego ha servido de inspiración para otras marcas y diseñadores. Sin embargo, esta primera impresión puede llevar a engaño, ya que yo siempre intento aportar un nuevo elemento, una nueva tipología, algo nuevo desde el punto de vista tipológico.   Tenemos que tratar de apartarnos… de estos conceptos: forma, función, tecnología, porque no estamos hablando de un automóvil. Pienso que en una pieza de mobiliario, como un sofá por ejemplo, todos los componentes se tienen que tener en cuenta de la misma forma. La función emotiva es importante, pero no más que la práctica, por eso nuestro objetivo debe ser buscar un equilibrio entre ambas partes. El objeto es mucho más complejo y no se basa en una relación porcentual entre función y forma: debe ser un conjunto equilibrado y distinto en cada caso. La crisis económica… se siente y mucho, pero ya había golpeado el sector de la casa. Desde hace algunos años se comenzó a percibir una reducción en el consumo de los objetos para el hogar. Esta crisis ha servido al consumidor para pensar mejor en cómo invertir el dinero, ha servido para que la gente deje de comprar cosas absurdas. En el sector del diseño y el de la moda hemos llegado a un punto en que hay que poner un límite a tanta exageración de cosas inútiles que andan circulando en el mercado. Esta crisis ha servido para poner límites, sobre todo mentales.

DESTINOS

gonzalo peña veloz fotos: cortesía kartell.it y 10corsocomo.it

A Milán con Air Europa

Icono del Diseño Italiano Al noreste de Italia –en la región de la Lombardía- se encuentra Milán, una ciudad que, además de ser la capital económica e industrial de ese país, emana glamour en cada una de sus esquinas. Turistas de todo el mundo se dan cita allí para descubrir por qué también es conocida como el centro mundial de la moda. Al arribar, deje sus maletas e inicie lo que será el viaje de su vida. Adéntrese en el casco antiguo de Milán y comience a contagiarse con el dinamismo y la peculiaridad de esta ciudad, llena de matices y detalles que le dan un toque único. Haga de su primera parada el Duomo di Milano, una catedral de estilo gótico que data del siglo XIV, construida exclusivamente con mármol color rosa. Tiene capacidad de albergar hasta cuarenta mil personas y su imponente fachada resalta la riqueza y el poder que tuvo la ciudad en la época medieval. A pocos pasos encontrará el Palacio Real de Milán, que durante años fue la sede de gobierno de esta ciudad, y estancia de ilustres personajes del talante de Napoleón Bonaparte, pero que en la actualidad es un importante centro cultural. Allí vale la pena conocer el Museo del Novecento que alberga una importante colección de arte moderno italiano y tomarse un café mirando esta imponente estructura de mármol blanco. Pasee por la Piazza del Duomo e ingrese a la Galería Vittorio Emanuele II, uno de los espacios más exclusivos de esta ciudad y dentro del cual está el lujoso hotel Seven Stars Gallery que forma parte del Townhouse 8 Hotel, el alojamiento 7 estrellas en pleno corazón de la ciudad. Sus arcos y bóvedas perfectamente simétricos imprimen un toque clásico y sobrio al ambiente, donde el visitante podrá recorrer cuatro pisos que acogen reconocidas boutiques de alta costura de la talla de Gucci, Prada o Louis Vuitton. Los establecimientos más antiguos de Milán también conviven bajo este techo, así que recorra sus pasillos y deléitese con comercios que mantienen la esencia ancestral de la ciudad. No deje de visitar y comprar delicatteses 56

en Peck, el mercado gourmet que tiene un café dentro y ver los cuarteles generales de La Rinascente, la tienda por departamentos italiana que nació en estas inmediaciones. Conozca el Teatro Alla Scala, un majestuoso monumento a las artes y a la cultura. Reconocido como uno de los más importantes del mundo, en sus tablas puede disfrutar óperas y ballets tan sublimes que quedará envuelto en su aura mágica y déjese llevar por las calles llenas de anticuarios y perfumerías que le harán circular frente al Armani Café, lugar donde muchos aspirantes a modelos han logrado captar la atención de algún jefe de casting. Poco a poco, llegará al hermoso Parque Sempione con su imponente Castillo medieval y vale la pena atravesarlo para llegar a la Fondazione La Triennale, que es un must para los amantes del design italiano porque siempre tiene exhibiciones minuciosas y muy bien curadas. Las vías Montenapoleone, Monzani, dellaSpiga y Sant´Andrea, son otra excelente opción para aquellos que buscan lo mejor, o simplemente quieren pasear disfrutando de vitrinas de ensueño. Sorpréndase al ver cómo se conjugan los estilos clásicos con los últimos alardes de la moda. Y no deje de entrar en la cafetería y pastelería Sant’Ambroeus porque desde 1936 son un clásico de la ciudad. Modelos, diseñadores y amantes de la vanguardia sienten la ciudad como su hogar. Aquí se reúnen exponentes de todos los estilos para presentar lo que marcará las tendencias mundiales. Pasarelas, desfiles y exposiciones hay por doquier, pero los mejores espectáculos se disfrutan durante la Semana de la Moda de Milán, momento en que la ciudad se paraliza para admirar la elegancia seductora de los mejores atuendos. Durante esa semana uno de los hotspots es el número 10 Corso Como donde Franca Sozzani, editora de Vogue Italia, ha creado un emporio donde se rinde culto al lujo en todos los sentidos. Si busca un destino más intelectual, visite el distrito Brera, el vecindario más artístico de Milán. Recorra las galerías y las exposiciones de arte,

Vitrina de 10 Corso Como

piérdase entre sus calles y disfrute las obras de grandes artistas italianos. Los amantes de las artes no deben pasar por alto la Pinacoteca de Brera, el museo más importante de la ciudad por resguardar una de las colecciones más destacadas de pintura italiana. Si desea adentrarse en la vanguardia del arte contemporáneo más avanzado, vale la pena ir al Hangar Bicocca, en un barrio de la periferia, lo que era un galpón para Para poder disfrutar de todo lo que está en boga, apreciar lo mejor del arte y degustar exquisitos platillos en la intimidad de sitios locales como para saborear un azafranado Risotto alla Milanese, el famosísimo Ossobuco, la Cottoleta –chuleta de ternera empanizada- o la completísima Cazzuola, una sopa de carnes y vegetales que repotencia hasta la médula. Puede ir al clásico restaurante Boeucc muy cercano al Duomo, o al encumbrado Paper Moon, o a la lejana y muy popular Osteria La Piola, aunque existen otras alternativas como la Locanda Resentin –del cantante Eros Ramazzotti-, o alguna de las dos sedes del famoso ristorante Giacomo -una dentro del Museo del Novecento con tiene la mejor vista del Duomo y la original en el distrito financiero- , o comer en uno de los secretos mejor guardados de

la ciudad, “Ristorante Timé”, además de neighborhood trattoria de nuestra querida Marva Griffin, la venezolana más milanesa de la historia y hada madrina del design emergente, que ama el ambiente intelectualoso que reina en este simpático sitio. Pero justo antes de la cena, a las seis de la tarde, los milaneses, como muchos italianos, disfrutan del famoso aperitivo, un cocktail o bebida de predespacho que declara oficialmente el final de una jornada laboral y el inicio de la noche hedonista junto a antipasti variados. Uno de los sitios más concurridos se llama N’Ombra de Vin, un bar en una esquina del barrio Brera donde la acera se desdibuja por la cantidad de gente que saborea un trago e inicia una grata conversa. También se recomienda el 10 Corso Como, Il Baretto, Straf Bar – en el Hotel del mismo nombre-, Fioraio Bianchi Café, Bar Basso y muchos otros. Para más tarde, el Armani Privé, The Club, G Lounge y Plastic, el superclub más vanguardista e interesante de la ciudad donde confluyen desde los wannabes, los nobodys y hasta los más famosos, donde en alguno de sus 3 ambientes verás pinchar a Stefanno Gabbana y cuya entrada es casi similar a la época de Steve Rubell y Studio 54.

Air Europa en Venezuela Teléfono: +58 2129511155 / Web: www.aireuropa.com / Twitter: @AirEuropaVE / Facebook: Air Europa Venezuela

el ojo MECANICO

josé roberto coppola [www.mistercoppola.blogspot.com] instagram y twitter: @mistercoppola

Alfonso Zapata (MEX) + Julio Gaggia (NYC) + José Luis Beneyto (MAD)

3 ciudades, 3 estilos, 3 enfoques

Hay una topografía urbana que se dibuja como un croquis entre las sienes de quien habita una ciudad, de quien camina sus aceras, recorre sus cuadras, atraviesa sus avenidas y callejuelas, esas que se vuelven descubrimiento, que se vuelven rutina. Son las líneas de una geografía que dan las pistas y claves de una metrópoli personal que se ha trazado en la mente y el corazón. Es la planimetría íntima de una urbe, esa que señala las coordenadas fronteras adentro que se han explorado en el tiempo, esa que siempre asoma un nuevo hallazgo más allá de la esquina, del vecindario, del distrito. Desde tres capitales opuestas, tres fotógrafos venezolanos: Alfonso Zapata en el México DF, Julio Gaggia en Nueva York y José Luis Beneyto en Madrid revelan los mapas inéditos de tres ciudades distintas. En la bohemia Colonia Condesa, Alfonso Zapata ha aprendido a reconocer, desde hace poco, a un México que desconocía y que ha sido un descubrimiento, ese que reúne en una misma geografía mezcalerías típicas, boutiques de diseño, bares, agencias de casting, agencias de modelos, restaurantes, gimnasios de Pilates y mercados como muestra de esa ciudad de los contrastes que se ve de una calle a otra en el perímetro de la capital azteca. “Esta es una zona arbolada donde está el Parque España y el Parque México, que mezcla casas antiguas y edificios modernos. Como hace poco me mudé de sector estoy viendo un México que no veía antes, el de tacos en la calle, tiendas de antigüedades y locales holísticos que convergen. Este nuevo DF me ha encantado, me ha atrapado por completo”.

Desde la cosmopolita Manhattan, Julio Gaggia vive al paso de una ciudad que cambia todo el tiempo y muy rápido, día a día. Y aunque la recorre a diario en rutas que no siempre repite, es un habitué de algunos neighborhoods como SoHo, West Village y Meatpacking District. La Gran Manzana de Gaggia ocurre –casi siempre- en la nocturnidad “Nueva York es una ciudad nocturna, siempre hay algo que hacer. Ese es el lado de la ciudad que yo más vivo, porque para mí todo pasa de noche”, reconoce. Desde los bares más escondidos y underground hasta los más elegantes y lujosos. De una muestra de arte en Chelsea a un bar de mixología en Chinatown, de sábado de música electrónica en algún local en Queens a un fin de semana en The Hamptons. “Es la ciudad de la libertad, acá la libertad es increíble”. Asentado en el barrio de Malasaña, José Luis Beneyto ya se siente parte de una ciudad que él ha hecho suya. “Madrid ha sido muy importante en mi vida, no sé si era parte de mi destino, pero me ha permitido crear, crecer y evolucionar como persona”, desliza el fotógrafo con esa cadencia ibérica en el verbo. Esa ciudad con calles que asoman vitrinas de diseño y galerías de arte, la de arquitectura antigua y los barrios nuevos, la de la Gran Vía, las de las churrerías tradicionales, la de las azoteas con vistas hermosas, la de los días de patines en el Parque El Retiro, la de las pinacotecas y los bares de tapas, la de los cielos azules y soleados de otoño, la de los cambios urbanísticos, la ciudad que él ha visto crecer y que lo ha visto crecer.

México DF by Alfonso Zapata

En ese caos de ruido y color, en ese superávit de follaje y smog, en esa ciudad que sabe a guacamole y a tequila, el fotógrafo venezolano Alfonso Zapata lleva asentado ya cuatro años. “El DF es una ciudad muy folklórica y ecléctica. Acá puedes caminar y encontrar en la acera un señor que vende tacos, más adelante una señora que vende algodón de azúcar, puede pasar un señor en bicicleta vendiendo tamales oaxaqueños y te montas en el metro y te consigues a un señor que vende Cds de Juan Gabriel”, cuenta de esa metrópoli que se vive desde el asfalto, desde el subterráneo, desde la vorágine de hombres y mujeres que se mueven en ella a diario. Esa urbe de los tostadas, las rancheras y el mezcal, de la arquitectura étnica y moderna, esa urbe de los contrastes 60

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que comparten un mismo mapa. “Y si vas al Parque México -que me encanta- te puedes encontrar un mercado de diseño, a un montón de patineteros, a gente lanzándole el frisbee a sus perros y a niños jugando al fútbol”. Una megalópolis plural. Y en el corazón de la ciudad de las Margaritas y los chilaquiles, siempre hay ocasión para la curiosidad y el asombro en la vuelta de cada esquina. “El centro del DF tiene ángulos y espacios muy bonitos. Esta es una ciudad en la que contrastan la naturaleza, la arquitectura, los graffitis. El zócalo por ejemplo tiene edificios hermosos”, dice Zapata con verbo ya mestizo que aún no pierde el tono caraqueño. Una ciudad que lo tiene seducido por su colorido y su verdor, esa con sabor a chile, esa de las mezcalerías como rurales bodeguitas de Colonia Condesa, de los musicales Made in México del teatro Telmex, la del vitral de Tiffany del Gran Hotel, la de los Tacos al Pastor a vuelta de cada calle, las de los charros en las plazas, las de las micheladas, la de las ventas de tesoros vintage los domingos en el mercado de Lagunilla. Una ciudad que tiene más color por esa diáspora que la habita a diario, esa misma que la ha hecho suya y la vive tanto o más que cualquier chilango. La vista “Desde el Gran Hotel Ciudad de México tienes una vista maravillosa. Se puede ver el zócalo, la Catedral Metropolitana y el Palacio de Gobierno”. La calle “La Avenida Reforma, allí hay una mezcla moderna y clásica en la que ves rascacielos y edificaciones antiguas. Los domingos la cierran y la gente va a correr patinetas, patines y bicicleta”. La mesa “Hay una cebichería que se llama Don Panchito en la que el cebiche de pez blanco es buenísimo. Y el sitio es barato. En el restaurante La ostra los tacos de camarones son riquísimos y los fines de semana hay DJs y es un buen plan para ir por una cerveza. En Bonito hay los tacos mexicanos más gourmet y preparan un buen pulpo a la gallega”. La moda “Hay una marca que me parece interesante que se llama Mancandy del diseñador Andrés Jiménez que tiene un trabajo de cortes asimétricos y combinación de texturas. Otra que me gusta es Malafacha, marca de Francisco Saldaña y Víctor Hernal, es una propuesta más conceptual”. El mercado “En el mercado de San Juan venden cosas deliciosas, frutas, delicatessen, cosas exóticas. Allí hay un sitio que se llama La jersey en el que puedes degustar baguettes con jamón ibérico o quesos con miel que puedes acompañar de una compita de vino tinto” La noche “El Roy es una disco súper cool, muy hipster acá en DF en el que siempre tienen muy buenos DJs. También está El Ragga que es un antro más fancy y Patrick Miller que es un galpón donde se reúne toda la fauna nocturna a bailar música de los 80 y 90”. El arte “En el Colegio San Ildefonso siempre hay galerías y muestras itinerantes de arte contemporáneo muy interesantes. En el Museo Franz Mayer cada cierto tiempo hay expos de moda y fotografía, es un sitio súper cool”. Web: www.esferaphoto.com / Twitter: @photoponcho / Instagram: @photoponcho

“Esta foto para mí es el transitar, es el caos, es la diversidad de DF, es esa atmósfera de gran ciudad, es ese ir i venir en la calle Francisco L Madero del centro de la ciudad”. Alfonso Zapata, 2013

Nueva York by Julio Gaggia

Y en el pulso de una metrópoli desafiante y seductora. Una que siempre tiene un nuevo comienzo a la vuelta de la cuadra o cinco estaciones de metro más allá. Esa que late desde un bar lujoso y casi clandestino en un sótano a las alturas de una azotea que asoma, para cualquier voyeur, una vista siempre sexy de una parcela de Manhattan. Allí, lleva ya cuatro años el fotógrafo venezolano Julio Gaggia. En el ritmo de una urbe que no termina, en la que la vida se voltea a cada rato, las horas no son certeras con pronósticos y las calles siempre llevan a lo impredecible. “Acá mi círculo es muy amplio, desde lo más clásico, moderno o vulgar. Puedo ir con amigos al evento más top en la ciudad y luego estar comiendo pizza en el local de la esquina”. Una ciudad que no se repite a sí misma noche a noche, que se transforma cada mañana y que es otra cuando cae el sol. 62

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Día a día la ciudad, en su metamorfosis, siempre tiene un plan distinto. La apertura de la muestra de una galería en Chelsea, un fiesta en Meatpacking o un happening en Soho. Una noche en Morandi o Morimoto, otra en Le Bain o Boom Boom Room –ambos al tope del hotel Standard- y un fin de semana de escape a los Hamptons o Fire Island. “Hay un sitio que se llama Apothéke, que queda en una calle en Chinatown, es un bar de cocteles underground, un sitio de mixología en el que preparan tragos rarísimos, unos afrodisiacos. Por otra parte los sábados en PS1, que es una extensión del Moma en Queens, hacen un festival de música electrónica muy bueno”, asoma Gaggia de esos planes que siempre se vuelven un must go. Pero en la búsqueda de una vida saludable en la avasalladora modernidad de La Gran Manzana también hay opciones. “Hay unas clases de Broadway Dance que son súper buenas, otras de The Monster Cicle, que son unas rutinas de Spinning que se hacen con la música que me gusta y proyectan videos al momento y hay un sitio que se llama Organic Avenue, que venden shots green, jugos de espinaca, pepino y célery y otros de aloe y de clorofila”. Son estas sólo algunas claves de la ciudad, su ciudad. La vista “Para mí la mejor vista de la ciudad de Nueva York se consigue en Le Bain del Hotel Standard”. La calle “Prince Street en Soho, siempre hay mucha gente bella caminando, actores, modelos. He tomado fotos allí tipo paparazzi. Esa calle me encanta. Me encanta Soho”. La mesa “Del restaurante Omar me gusta el ambiente, es moderno, es un sitio al que voy con mis amigos a tomarme un trago. En Indochine los jueves está siempre TODO el mundo. Voy seguido. Allí los carpaccio son deliciosos. Y hay un sitio que se llama La Esquina que me encanta, es mexicano, parece un tarantín, pero el sitio queda al pasar una puerta debajo de la cocina”. La moda “Hay dos diseñadores de moda que me gustan: Rubin Singer y Jonathan Simkhai. De Rubin me gusta que es vanguardista elaborado, sexy, pero a la vez práctico y fácil de usar. Todas sus piezas son imponentes y únicas. Toda su ropa es hecha en Nueva York. Y de Semkhai me gusta que su ropa es simple y divertida, su paleta de colores me encanta. Y en su última colección masculina me gusto cómo usó los cueros y materiales deportivos”. El mercado “El Health and Harmony que está en West Village, entre Hudson y Barrow Street, venden jugos naturales, pastas hechas de granos, todo saludable”. La noche “The Westway, era un sitio de strippers y ahora es una discoteca que tiene la misma decoración. Pero hay otros sitios que me encantan como Provocateur, Boom Boom Room o Le Bain que es más rebelde, oscura y tiene un jacuzzi adentro”. El arte “Acá en Nueva York siempre hay exposiciones muy interesantes. Por Chelsea hay muchas galerías que siempre tienen muestras para ir a visitar”. Web: www.juliogaggia.com / Twitter: @juliogaggia / Instagram: @juliogaggia

“Esta es una foto de Times Square, es mi percepción de una ciudad imponente y llamativa para el ojo extranjero, pero ya una vez que vivo aquí un lugar agitado y desesperante que casi nunca frecuento” Julio Gaggia, 2013

Madrid by José Luis Beneyto

Desde el asfalto la ciudad asoma siempre una ruta grata para descubrir paso a paso. Esa urbe amena que lleva de una vía convulsa a callejuelas con mucho encanto y nostalgia de una Madrid que fue, de una Madrid que es. “A mí me encanta caminar y patear la ciudad para conocerla, me gusta encontrarme siempre con sus nuevos rincones”, suelta en confesión el fotógrafo venezolano José Luis Beneyto quien ya lleva asentado 11 años en la capital ibérica. Ese mapa de la ciudad que todavía se esmera en conocer porque siempre esconde algunos hallazgos. De Malasaña a La Latina, de Chueca a Huertas y así. O una ruta que lo lleva al verdor de la ciudad. “Me gusta caminar mucho, me encanta ir al nuevo Parque 64

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del Río Manzanares, alguna que otra vez ir al Jardín Botánico que es increíble y el diseño es precioso y algo que hago mucho es ir a patinar al Parque El Retiro que tiene unos caminos muy bellos”. El lado más verde de urbe. En esa metrópoli vivaz y de mucha camaradería, alegre y auténtica en la que puede pasar por tapas en el bar de Baco y Beto, otro día por el TriBeCa madrileño y otro por unos croissants en Mamá Framboise. “Madrid es una ciudad muy divertida, muy latina, es cosmopolita y muy cultural. En los últimos años ha dejado de ser el patito feo de Europa para convertirse en una capital muy bella”, reconoce Beneyto con la certeza de quien la ha visto crecerse en el tiempo. Así, Madrid, la ciudad real, la de las tascas y bares cool, la de las tiendas de diseño, la del buen vino, la de las pesquisas en El Rastro siempre asoma algún descubrimiento al doblar la cuadra, o en aquella pequeña callecita del barrio de al lado. “Para mí es la ciudad más viva de Europa que yo conozco. Ni Berlín, ni Londres, ni París, ni Atenas tienen el savoir faire que tiene Madrid”. La vista “Desde la azotea del Círculo de Bellas Artes ves toda la arquitectura y el urbanismo de Madrid: la puerta de Alcalá, el Palacio de correo y La Cibeles”. La calle “La calle San Ginés, el número 5, es un pasadizo, un callejón precioso que tiene mucho sabor, es una calle que recuerda la Madrid antigua, allí está la Chocolatería San Ginés en la que venden muy buenos churros”. La mesa “Hay un sitio de comida vasca que se llama Dantxari, que significa bailarín en vasco. Allí son buenas las chistorras o los pimientos rellenos de centollo. En el restaurante Goizeko que queda en el hotel Wellington siempre hay buenos menús de degustación. Y en Horno San Onofre que tiene muchos años venden típica panadería española”. La moda “Me gusta el trabajo del diseñador Ángel Schlesser, es minimalista, muy parco, elegante y muy moderno. Su mujer es impecable. También me gustan los diseños de los hermanos Ailanto por su forma de usar los prints, tienen una estética retro cool”. El mercado “A mí me encanta comprar en mercado. El de Barceló es MI mercado. Allí consigues tomates, pescados, pollos de corral francés, vieras, quesos, hay puestos gourmet. Y todo a muy buen precio”. La noche “Demodé es un sitio alternativo, que tiene mucho savoir faire, tiene un toque decadente, añejo. La música electrónica que colocan es muy buena. Y la gente que va es muy cool, muy auténtica, muy cosmopolita”. El arte “Todos los años en los meses junio y julio se hace PhotoEspaña, un festival que trae muestras y exposiciones de grandes fotógrafos. Lo hacen en todo el centro de Madrid, en galerías, fundaciones, museos, salas de arte y hay muestras en la calle”. Web: www.joseluisbeneyto.es / Twitter: @jlbeneytod / Instagram: @jlbeneyto

“Es la foto desde una vidriera del centro de La Gran Vía en Madrid, lo que se ve atrás es el edificio de Telefónica. Para mí en ese punto están concentrados los recuerdos de 11 años que llevo en esta ciudad”. José Luis Beneyto, 2013

por amor al ARTE

mariana bencomo de peña fotos: gonzalo peña veloz y www.labiennale.org

Propuestas Conceptuales en la 55˚ Bienal de Arte de Venecia [Parte I]

El Coleccionismo: De la razón a la obsesión “Il Palazzo Enciclopédico”, traducido al castellano como El Palacio Enciclopédico. El sólo nombre de la 55º edición de la Bienal de Arte de Venecia parecía sospechoso, irreal, jactancioso, inaccesible. Una especie de escenario que podemos atravesar de dos maneras: como seres racionales que, al fin y al cabo, terminan defraudados, descreídos y destinados a pensar en planteamientos estéticos contentivos de tristes y bellas utopías o; como seres emocionales capaces de caminar por los jardines y el Arsenal de esta legendaria confrontación sin pedir explicaciones y con la certeza premonitoria y casi mágica de que algo va a pasar. Esa dualidad que permuta segundo a segundo, obra por obra, artista por artista, solamente confluye en el punto donde Massimiliano Gioni, el joven italiano y curador de esta Bienal, no dejó dudas: la belleza del arte que llega a su cúspide luego de la minuciosa investigación de creadores y recopiladores de conocimiento. Este Palacio Enciclopédico, meticulosamente inspirado en la maqueta vertical que apunta al cielo proyectada por el italo-americano Marino Auriti, quien en 1955 pensó edificar en la ciudad de Washington para compilar el pensamiento del mundo, se extiende ahora con una contrastada horizontalidad sobre las aguas de una Venecia fantástica, casi irreal, como esa estructura “neogótica contemporánea” de Auriti, pero saturado de posibilidades inconscientes, de mentiras verdaderas, de relatividad y de talismanes. Este espacio, el coleccionismo material y emocional explica acontecimientos, genera neurosis y plantea la búsqueda 66

del ser humano contemporáneo por edificar el pensamiento y los deseos a través de pinturas, instalaciones, esculturas, videos y performances que se van acumulando sobre ese leitmotiv que estimula, que obsesiona, que se repite con los matices de las diferentes manifestaciones estéticas. Coincidencialmente, el León de Oro a Mejor Pabellón Nacional fue otorgado a Angola, cuya exhibición “Luanda, Ciudad Enciclopédica” en el Palazzo Cini, otrora propiedad de una familia veneciana que patrocinaba el arte, integraba a su vez la colección de una importante familia de este país africano que accedió a prestarla para la muestra curada por Paula Nascimento y Stefano Rabolli. Fue un premio al coleccionismo, esencialmente. Tanto en el Arsenal como en el Pabellón Central de los Jardines, la propuesta de Gioni es absolutamente coherente, minuciosa, producto de una exhaustiva investigación que propone como uno de los temas o conceptos el Coleccionismo, tocando diferentes aspectos: el investigador que acumula objetos o conocimiento para crear una tesis estética que proviene del estudio o está basada en la ciencia; y el coleccionista que no pretende ser creador sino un simple admirador obsesivo que reúne obras, que desea poseer basándose en alguna idea recurrente que podría mutar en el transcurso de su vida. En cualquier caso, la delgada línea que distingue al artista del coleccionista se va desdibujando, y mientras caminamos por esta Bienal donde los roles se confunden, el artista casi desaparece para dar paso al conocimiento.

Las 387 Maquetas arquitectónicas de Peter Fritz

Pabellón Central de los Jardines de la 55° Bienal [El conocimiento como arte] The Red Book de Carl Gustav Jung, producto de dieciséis años de trabajo y en el que documentó su cosmología personal, se expone como un manuscrito iluminado que contiene la transcripción de visiones y la interpretación con símbolos pictóricos creados por el propio Jung. Este trabajo revela su pensamiento definitivo que plantea toda su actividad creativa como consecuencia de sus primeros sueños y fantasías. Suddenly This Overview de los artistas suizos Peter Fischli y David Weiss. Una colección de más de doscientas esculturas de arcilla horneada que representan al mundo parecido a una arbitraria selección de eventos, objetos, frases y conceptos históricos e imaginables. Aquí se une la teoría y la praxis en episodios específicos como la figura del doctor Albert Hoffman regresando a su casa en bicicleta luego de tomar una dosis de LSD, o las esculturas de los padres de Albert Einstein en la escena postcoital luego de engendrar a su hijo. Esta maqueta de idiosincracia antológica celebra al mundo con su variedad y profusión. 68

Las 387 casas de Peter Fritz recuperadas de una tienda de trastos por los austríacos Oliver Croy y el alemán Oliver Elser. Sobre una plataforma blanca que simula la nieve posan ordenadamente estas diminutas maquetas representativas, con carácter de inventario enciclopédico, del estilo de arquitectura en la Austria rural. Estos edificios coloridos y de perfectas dimensiones expresan el paisaje desolador, inhumano y triste de estos pequeños pueblos europeos, donde la soledad se instala en sus diminutas ventanas para acompañar el transcurrir del tiempo. Composición de dibujos inspirados en el Libro Imaginario de Jorge Luis Borges realizada por la artista griega Christiana Soulou, esta obra recopila las criaturas que han significado mitos y leyendas para grandes escritores como Franz Kafka y Lewis Carrol. Las bestias trasladadas en dibujos sobre papel construyen un mapa pictórico de la imaginación humana. Moderate Enlightenment del pakistaní Imran Qureshi es una serie de pinturas en miniatura que logran ubicar la tradición Mughal en la

Untitled, el performance premiado con León de Oro de Tino Sehgal

cultura occidental contemporánea, a través de pequeños personajes cuya imagen apegada a la antigua fisonomía oriental se relaciona con objetos de la modernidad como una bolsa de mercado, un levantador de pesas o unas medias de camuflaje. Una combinación de símbolos agresivos de occidente, mostrados con una fina y sutil técnica pictórica reconocida en oriente. Alternative Titles La instalación del danés Henrik Olesen que plantea una crítica a las nociones de reproducción, autogeneración, diferenciación e identidad, considerando que el árbol genealógico se impone a la normativa social y que las patologías y el poder de las estructuras familiares son el microcosmos de la sociedad. The writing of Stone del surrealista francés Roger Caillois. Esta colección de más de cien piedras plantea la relación entre las formas minerales y el imaginario humano. Está en concordancia con el pensamiento de Baudelaire que vincula directamente la naturaleza con la razón. Igualmente propone el estado finito del mundo, donde las cosas se repiten, se solapan y combinan creando patrones reconocibles en ámbitos diversos. Scrapbooks del japonés Shino Ontake. Sesenta libros individuales de-

setecientas páginas donde se expresa la gran colección de pinturas de revistas, tickets y fotografías, recopilados día por día. El artista crea una obra compleja y estratificada en cada página, logrando que cada libro se convierta en una pieza de interés estético. No se trata de la propuesta de un diario, más bien, de la escogencia de los elementos visuales que forman y transforman en el tiempo cada cultura. La Grande Biblioteca del artista italiano Gianfranco Baruchello, no es más, que una serie de esculturas y pinturas que plantean el deseo del ser humano por archivar, nombrar, poseer y conocer. Untitled el performance –sin título- del artista británico Tino Sehgal, gana el León de Oro de esta 55 edición de la Bienal de Arte de Venecia representando los movimientos y sonidos de sujetos que interactúan en una transmisión de conocimientos, mitos y cultura, el espectador no solamente percibe una historia, sino que logra una conexión con esa energía humana que es capaz de compartir códigos visuales desarrollados a lo largo tiempo. Es la esencia del acto creativo como algo efímero y siempre cambiante. Es lo no palpable y por consiguiente, no coleccionable, y casi inalcanzable para un comprador de arte.

Extracto del video “Grosse Fatigue” de Camille Henrot, premiado con el León de Plata

Arsenal de la 55° Bienal de Arte [El arte del conocimiento] Grosse Fatigue de la francesa Camille Henrot. Con los ojos de un antropólogo, esta artista se ha dedicado a realizar un delicado trabajo de esculturas, filmes y fotografía. En esta Bienal, donde ganó el León de Plata, visualiza de forma vertiginosa la evolución de las especies similar a la darwiniana en un video-instalación que encapsula el conocimiento humano para plantear una síntesis subjetiva del creador como lugar común de su investigación. Hairstyles de J D. Okhai Ojeikere. Este fotografo nigeriano, elaboró una antología de peinados de mujeres de su país que documenta varios aspectos de su cultura como la era postcolonial, las diferentes etnias, en las que la ornamentación de su cabeza indica su clase social, marca una ceremonia, un festival o un evento especial. Esta transformación entre virtuosismo y moda que se observa en los retratos, muestra el cambio de la mujer nigeriana a través del tiempo, logrando su individualismo y su autodeterminación. Venetians es la obra del polaco Pawel Althamer. Este artista mues70

tra una gran escenografía de esculturas en tamaño natural de hombres venecianos realizados en plástico. La cara y las manos se aprecian perfectamente pero los cuerpos están cubiertos en cintas del mismo plástico creando una especie de escena surrealistas donde estas esculturas macabras que parecen almas en pena perfeccionan su creencia de que los cuerpos son solo el vehículo del alma. I Lived for 130 Days with a Sunflower Plant. Se trata del estudio que hace el artista rumano Stefan Bertalan del ciclo entero de vida de los girasoles desde la germinación de la semilla hasta su muerte, documentando su evolución diaria con fotografías, dibujos y narración escrita. Algunos afirman que sus estudios recuerdan teorías arquetípicas, pero lo que si es definitivo es que sus obra que parece botánica del XVIII, es realmente una oda al constructivismo de los años 60. Solo Scenes del alemán Dieter Roth, muestra 130 monitores donde registra escenas diarias del último año de convalecencia de su

Páginas del álbum fotográfico de Cindy Sherman, parte del espacio curado por esta importante artista contemporánea

vida: un movimiento de imágenes en momentos cotidianos, trabajando, comiendo, durmiendo. Un autorretrato que manifiesta el ego y la tragedia del individuo, el tiempo y la existencia en la era de la comunicación. Millet Mounds del chino Kan Xuan. Una propuesta visual donde el artista documenta en 207 videos todas las tumbas imperiales de China. El resultado de este compendio del pasado ancestral, es mostrar ese distanciamiento que pareciera que está optando por la posibilidad de redescubrirlo. The Trick Brain del inglés Ed Atkins. El artista produjo un video a partir del archivo del personal microcosmos de André Breton. Se trata de una fuga surrealista que muestra la colección de objetos, pinturas, libros y artefactos que Breton fue acumulando durante su vida convirtiéndose éstos en una especie de cuerpo luego de la muerte del artista. Esta colección fue intocable por tres décadas antes de que saliera a la venta. Atkins plantea con una refinada estética visual, la momificación del cuerpo de Breton. The Path of Totalily de la española Paloma Polo es una pieza de 79 diapositivas que son producto de un meticuloso estudio de inves-

tigación sobre los viajes astronómicos de las principales potencias colonizadoras, como son Francia, Alemania, Inglaterra y Estados Unidos. Un estudio riguro que hace especial hincapié en aquellas misiones que fracasaron. Drawing of Old Trees del belga Patrick Van Caeckenberg. Minuciosa documentación de los procesos biológicos que da lugar a un inventario de dibujos basados en fotografías de árboles centenarios. Ese realismo fotográfico natural es combinado con los elementos materiales que transforman la obra en un objeto único manipulado por el hombre. El espacio anatómico comisariado dentro del Arsenal por la artista Cindy Sherman incluye 37 artistas y sus 200 obras. Paradójicamente, muy cerca de un Álbum fotográfico personal de Cindy Sherman que recopila, entre memorias autobiográficas, algunos travestis en escenas domésticas capaces de delatar un mundo desconocido, aparece guindando una gran escultura de cinco mil piezas correspondientes a las partes del cuerpo de ex votos de Santuario di Romituzzo en Siena, entre los siglos dieciséis y diecinueve y esculturas hiperrealistas de personajes cotidianos.

Epílogo en los Jardines de la 55° Bienal [Arte, conocimiento y valor circunstancial] History Zero 2013 de Stefanos Tsivopoulos está dentro del Pabellón de Grecia y quizá es un de las obras que resume de manera más conceptual y contundente el tema del coleccionismo, como ya hemos referido, uno de los más presentes en esta confrontación artística y es justamente el que motiva este texto. Aquí, un tríptico de piezas audiovisuales contentivas de elementos narrativos que relativizan el valor del dinero, y la obsesión o desprendimiento del ser humano a objetos que en algún momento representan una suerte de amuleto o talismán personal cuya posesión se convierte en pasión efímera, evidenciando a través de imágenes el paso del tiempo y los cambios de actitud de los seres humanos frente a los objetos, evocando la famosa pirámide de Maslow sobre las necesidades del individuo. Justamente, en este momento de crisis especialmente en Grecia, este artista que vive entre Amsterdam y Atenas, realiza una obra compuesta por tres historias que confluyen a 72

través de la relatividad del valor: un artista que toma fotos de la ciudad durante una caminata generando un proceso creativo para la realización de una obra, una coleccionista enferma mental que hace flores de origami con billetes de euros y se regodea –caprichosamente- entre los objetos valiosos que la rodean y le proveen momentos de felicidad efímeros y desechables –como sus posesiones-, y un inmigrante africano que recoge la basura de la ciudad en un carrito de mercado y realiza un hallazgo doble, creación del primero y desecho de la segunda. El azar, la creatividad y la locura protagonizan una pieza en tres actos, delicadamente narrada por Tsivopoulos, quien en definitiva expresa la tragedia de la posesión material con un sutil lenguaje visual, evidenciando el valor relativo de los objetos, la creación, el conocimiento y el dinero, en un contundente mensaje global enmarcado en un mundo de contrastes y crisis.

futuro PERFECTO

josé roberto Coppola [www.mistercoppola.blogspot.com] fotografías: rodolfo agrella

La serie C de Rodolfo Agrella

Manual de uso cotidiano

Hay una ortodoxia en la mesa que va más allá de los rigores condenatorios de los codos sobre el mantel, del estricto reposo de la cucharilla del postre, de los estatutos que enjuician el orden exacto de los platos, de la rectitud y fidelidad del emplazamiento de los cubiertos. Esos postulados del buen comensal que se han perdido de tanta cuchara en la sopa. Esos dictámenes del saber comer que desde hace mucho no son materia obligada en la casa ni en la escuela. Esos estatutos de copa y servilleta que se compilan en uno de los capítulos del insigne y ceremonial libro de Carreño, ese del título solemne: “Manual de urbanidad y buenas maneras para uso de la juventud de ambos sexos en el cual se encuentran las principales reglas de civilidad y etiqueta que deben observarse en las diversas situaciones sociales, precedido de un breve tratado sobre los deberes morales del hombre”. Todo un manifiesto, vencido y olvidado, de los mejores modales posibles.

Desde su propio rescate, el arquitecto, diseñador –participante en dos oportunidades en el Salón Satélite de Milán- y hacedor Rodolfo Agrella se metió en las páginas del libro de varias ediciones distintas para entender en las letras lo que fuimos y lo que somos. “Dentro de todos mis procesos hay uno que me ha llevado a investigar y estudiar la raíz de nosotros como cultura, como sociedad, como personas rutinarias. Siento que lo que fuimos se ha perdido con lo veloz, con la inmediatez”. Así, en la revisión del deber ser frente al plato, pudo encontrar en el abandono, en el desuso, la formalidad perdida. “Estudiar el Manual de Carreño me dio a conocer muchas normas vigentes y otras que dan risa, pero más que entender la mesa, es la historia que está detrás de las normas de Carreño. Lo que quería era convertir eso en algo divertido y contemporáneo”. Un buen bocado de pasado para servir mejor el futuro.

Web: www.rodolfoagrella.com / E-mail: rodolfo.agrella@gmail.com / Twitter: @RodolfoAgrella / Instagram: @rodolfoagrella 74

Con la Serie C, Agrella sigue una línea que ha explorado desde hace algún tiempo, el del diseño de utensilios de cocina, que lo ha llevado a imaginar cubiertos, asistentes de servicio, bandejas y hasta food design. Y ahora esta vajilla que recuerda los valores extraviados en las mesas de hoy. “Desde la Serie C busco retomar la tradición, crear objetos que generen memoria. Yo sabía y sentía el manual perdido contemporáneamente”, asoma su convicción, esa que nos deja muy mal sentados en estos días. Desde lo bello, lo lúdico, lo simple, lo contemporáneo creó este diseño que recuerda las mejores maneras de una forma sencilla. “Mi idea era un concepto claro, con esta vajilla que no pretende ser más allá de un instructivo. Yo no he pretendido hacer un diseño evangelizador del Manual de Carreño”. Entonces se valió de un lenguaje práctico y moderno con códigos gráficos que sirvieran de guía para el acertado uso de los cubiertos en el plato. “Mi intención fue la de traducir los preceptos de Carreño. Hice una codificación con puntos y rayas para el manejo de la cuchara, el cuchillo y el tenedor”. Así, elaborada en una porcelana blanca clásica ideó una vajilla de seis piezas: plato grande, plato principal, plato hondo, plato de postre y taza con su plato, cada uno con las señales que son la bitácora para el comensal. De esta manera están marcadas todas las pistas para esquivar los desaciertos. Desde un discurso visual claro y directo. “La gráfica se centra en los modales en la mesa. Cada plato tiene distintas señales y códigos porque son utilizados para dinámicas distintas. Todo traduce las buenas maneras de una forma muy lúdica”. Es un nuevo alfabeto que recuerda los principios estrictos del hombre y sus cubiertos. “Yo siempre he tenido un fetiche con las manos, las manos es lo que más se observa cuando una persona está en la mesa porque el cuerpo desaparece”, da cuentas el diseñador de su pequeña obsesión. “Yo soy un voyeur en la mesa”. Es el placer visual de examinar en secreto el pequeño apretón en la pierna de una copa, la sutil caricia en el cuello de un cuchillo o el gesto de agarrar el cuerpo de un plato. En una sensualidad táctil en la mesa. La seducción que es el preludio a los labios, 76

a la lengua. Es la erótica de las manos y de cómo se mueven antes de ir a la boca. Pero del modo correcto. Es ahora el buen caballero, el buen comensal, el buen seductor. Del siglo XIX al XXI, de las letras a los símbolos, del papel a la loza, de Carreño a Agrella. Con la Serie C se traduce el Manual de las buenas maneras a otros códigos, a otro discurso gráfico, se lleva a otro formato que va del libro a la vajilla. Es la evolución de un concepto, es la reinterpretación del rigor social que se trae a la nueva era, es la posibilidad de un venezolano que fue y puede volver a ser. Es la valía de un hombre excelso y ejemplar que se perdió en las páginas y en el tiempo, uno que quizás rozaba el absurdo, pero que jamás hacia concesiones con la elegancia y el buen proceder. “En el Manual Carreño tomó muchas referencias francesas e inglesas”, da cuentas el diseñador. Un caballero egregio que a veces sólo pareciera un hombre que no existía más allá de las palabras. La intención era crear una vajilla de casa, del día a día, de las rutinas de la cocina y la mesa compartida. “Los modales se aplican al cotidiano, esta es una vajilla clásica para uso diario, pero desde un recurso gráfico y lúdico que enseñe al comensal con la ayuda de un manual que viene con ella. Por eso yo quería un concepto claro e inclusivo que fuese tanto para una familia que vive en Catia o en El Country”, sentencia en su propósito. Y que con la Serie C comer sea una nueva experiencia, un descubrimiento y un aprendizaje que se consiga naturalmente. A su manera, Agrella rescata el dogma en la mesa de Manuel Antonio Carreño, ese que era cátedra obligada por el Congreso Nacional. Y lo sirve en una vajilla para traer esos valores pretéritos a otras generaciones que no lo conocieron o que lo supieron perdido. “Mi función es hacer cosas bellas, siento que con la Serie C se puede llegar a la médula de los buenos modales a través de lo bello”, sentencia en su certeza el diseñador. Así la belleza en el lenguaje visual, moderno, austero y simplista, para los no iniciados, para los no entendidos de los rigores y las normas prescritas sobre el mantel. Esas reglas de comedor de las casas criollas, de la Venezuela de “antier” para una Venezuela de hoy.

ventana al CIELO

sindey garcía [@seen_dee] fotos cortesía de www.pinacoteca-agnelli.it

Jean Prouvé en la Pinacoteca Agnelli @ Turín, Italia

El ícono, la simplicidad y la belleza

Con una estética que abraza las virtudes de la simplicidad y el racionalismo, Jean Prouvé logró coronarse como un ícono que consagró su vida al diseño de edificios prefabricados y mobiliario, que buscó respuestas lógicas a la funciones deseadas, destacando siempre la fuerza de los materiales que usaba. Esta característica procede de su multifacética formación que, en primer lugar, fue la herrería y la construcción, aunque en su imaginario siempre estaría la herencia cultural que llevaba consigo: su padre, ebanista de profesión profundamente influenciado por el art nouveau, contribuyó fuertemente en la labor de Prouvé cuando este dirigió su atrevida aventura en el diseño hacia la confección de mobiliario. Tiempo más tarde, su pasión lo llevaría al conocimiento más profundo del metal, un elemento usado con profusión en su obra y base de 78

toda la concepción artística de su producción, emparentándolo con el constructivismo, sistema estético que se interesa por la manera en que se disponen los planos en el espacio y la expresión del volumen, empleando los elementos propios de la industria, de modo que en este método se halla inserta la lógica del arquitecto e ingeniero Prouvé en tanto que consideraba que “no hay diferencia entre la construcción de un mueble y la construcción de una casa: los materiales, los cálculos y los dibujos son estrictamente similares”. Esta simpatía por la simplicidad y la pureza de las líneas en su diseño lo llevó a ser reconocido por Le Corbusier, teórico de la arquitectura, quien lo invitó en 1929 a formar parte de la Unión de Artistas Modernos, círculo que reunió un importante número de diseñadores y productores de la artes decorativas en Francia hasta 1958.

Aunque el arquitecto ostentara un curriculum absolutamente admirable, su obra tuvo un periodo depresivo, sobre todo en la década de los 60 en Francia, dado que Prouvé respondía a un arte funcional, austero, propio de la posguerra, al contrario de los cánones dictados por el país de las bellas artes donde se aspiraba a la máxima libertad expresiva y técnica en la producción artística. Sin embargo, los años 90 fueron mucho más benévolos, y fue entonces cuando pasó de ser un simple diseñador industrial a una verdadera estrella de las subastas, erigiéndose como un importante tesoro entre los coleccionistas. De esta manera comenzó el interés de la pareja Laurence y Patrick Seguin, quienes descubrieron el arte mobiliario de Prouvé a finales de la década de los 80, hasta descubrir su muy purista arte arquitectónico. La promoción del diseño del arquitecto por parte de la dupla Seguin empezaría en 1989 con una exhibición de algunas piezas en la galería Patrick Seguin, espacio especializado en una muy cuidada muestra de diseño mobiliario y arquitectónico del siglo XX, y partir de esta exposición

coleccionistas del mundo y aclamados museos adquirirían la obra de Prouvé. Este año, la amplia colección de Patrick y Laurence Seguin presentó, por primera vez, un número piezas provenientes de su colección privada titulada Una pasión por Jean Prouvé: Del mueble a la casa. La colección de Patrick y Laurence Seguin en la Pinacoteca Agnelli en Turín, Italia: 40 piezas de Jean Prouvé, prototipos y piezas desconocidas en su mayoría, que va desde el sillón diseñado para la Universidad de Nancy en 1932 hasta la iluminada butaca creada para la Universidad de Antony en 1954 e, incluso, las estructuras elaboradas para África –The maison tropicales, diseñadas para menguar la escasez de casas y edificios civiles en las colonias francesas en África–. La muestra se pasea desde eclécticos muebles hasta sólidas estructuras que ostentan ingeniosos mecanismos de ensamblaje y organización, fácilmente desarmables y modificables como The Maison Metropole. La colección de Patrick y Laurence Seguin también esplende al ojo público una importante recopilación de arte contemporáneo que liga

a Prouvé con destacados exponentes de distintas manifestaciones artísticas del siglo XX, como Jean-Michel Basquiat, Adam Mcewen y Marc Grotjhan, e incluso con obras de su misma especie como el móvil elaborado por Alexander Calder inspirado en Prouvé. El entusiasmo que desde hace muchos años ha sentido la pareja Seguin por el innovador diseño de Jean Prouvé se manifiesta a través de esta muy sobria muestra que acoge la galería Agnelli en su último piso, como una suerte de manifiesto que expresa una mezcla 80

entre un espíritu avant-garde y la nobleza de sus preocupaciones más humanas, asegurando siempre que cada pieza que saliera de su ingenio y creatividad tuviese un fin útil e inteligente, que negaba toda obra que tuviese un fútil fin decorativo. No en vano, Prouvé fue definido como un hombre de su tiempo con la mirada puesta en el futuro, elogiado por Oscar Niemeyer como uno de “gran espíritu inventivo y la mejor determinación al momento del uso de técnicas y materiales innovadores”.

la dolce VITA

fotos: doris díaz

Boda Álvarez – Martínez

Esplendor en la Quinta Victoria

Flor Bello de Martínez y Félix Martínez, padres de la Novia

Armando Acosta, Daniela Seijas y Andrés Giugni

Los novios, Jorge Álvarez y Fabiana Martínez de Álvarez

Dyuna Giugni de Álvarez y Jorge Álvarez, padres del Novio

Eugenia Ganem Landa, Jesús Enrique Ganem y María Valentina Landa de Ganem

Isabella Arriaga y Carlos Gustavo Herrera

Luisana Herrera y Miguel Martignani

Gian Franco Comparelli y M贸nica Morazzani

Miguel Bello y Catherine Padilla

la dolce VITA

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

Boda Zaitoune – Soto

Por todo lo alto

María Antonieta Soto de Zaitoune y Karim Miguel Zaitoune Chidiak

Torta de los Zaitoune-Soto

Gisel Chidiak de Zaitoune y Michel Zaitoune Sayegh, padres del novio

Sergio Augusto Soto Pineda y Maris Josefina Núñez de Soto, padres de la novia

George Aslan y Ana de Aslan

Richard Zaitoune y Victoria Kauam

Driby de Kallab y Fadi Kallab

Yamna Zaitoune y Sami Fattal

la dolce VITA

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

Boda Rodríguez – Ovalle

Tierna es la noche

Rafael Ovalle y Carolina Rodríguez de Ovalle, padres de la novia

José Lorenzo Rodríguez, padre del Novio y Marialena Melean de Rodríguez

Adela Urdaneta, madre del novio y César Zabaleta

Los novios, María Andreina Ovalle de Rodríguez y José Lorenzo Rodríguez

María Gabriela Pérez Canto y Rafael Ovalle

Maria Teresa Rodríguez de Bejarano y Carlos Eduardo Bejarano

Aby Alvarado, Marilse Vargas de Degwitz y Emiliana Burgeon

Santiago Bejarano y Carmencita Rodríguez Llamozas

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

Inauguración de Boulevard Grill en Nautilus Jardín Gourmet

Noche de estrellas

Pablo Giménez, Alejandro Campins, Manuel Cassingena, Tarek Bahsas y Rafael Sosa

Fachada de Boulevard Grill

Aspecto interno del local

Franco Montoro, Vanessa Sandoval y Daniel Lacava

Nidal Basha, Elizabeth Pizano de Rodriguez y Jesus Rodríguez

Miguel Martignani y Luisana Herrera

Cristian Brewer y Maria Alejandra Lara de Brewer

Ileana Carrillo de Cassingena, Stefania Hauswedel e Ileana Gomez de Giménez

Gabriela Leonardi de Carrillo, Julio Castillo, María Mercedes Rodríguez de Castillo

Victoria Herrera y Fabrizio De Simone

Samuel Uribe y Glorimar Vanucci de Uribe

Moises Gustavo Herrera y Charo Santana de Herrera

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fouguet [www.carlosfouguet.com]

Egreamigos UC presenta en la obra de César Miguel Rondón

En la vida hay amores

En la Vida Hay Amores en el Teatro Alfredo Celis Pérez

César Miguel Rondón, Maria Luisa Aguilar de Maldonado y Ricardo Maldonaddo

Andrés Barrios y Betsayda Machado, cantantes.

Teyair Tapia de Zerpa, Miguel Zerpa y Gabriela Zerpa

Lorenzo Araujo, Cecilia Guerra de Araujo y Gisela Guerra de Briceño

Eglee Isava de Sánchez y Luisana Núñez de Domínguez

Belén Heredia Girón y Antonio Girón

Carolina Torre de Strauss y Elina Strauss de Torres

Elena Veloz de Peña y Helena Peña de Perfetti

María Luisa Malavé de Parra y Giménez Parra

Noemí Peña – Vigas de Lozano y Vicente Lozano

Elina Velásquez de Ferrero y Aurelio Ferrero

Armando Romero y Veronnica Llamazares

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

Inauguración de tienda Suomi en Valencia

El más bello regalo

Gabriel Romero e Isabel Muller

Rafael Romero y Carmen Aure de Romero

Elizabeth Lence de Torres y Rafael Torres 92

La tienda Suomi en el CC Multicentro El Viñedo

Julie Toledo, Ana Sofía Lepore y Eriana Peña

Francesca Romano, Clara Scarano de Soto y María Patricia Silva de Izaguirre

días de GLORIA

fotos: doris díaz

Fotografías de Hayfer Brea en Galería Espacio 5

El lago revisitado

Henry Rueda, el Artista y fotógrafo Hayfer Brea y Juan Luis Martínez, Director de Galería Espacio 5

Vista Parcial de “Inercia ante la lejanía” en Espacio 5

Víctor Julio González, Vanessa Valdés – Gerente Galería Espacio 5y Gustavo Pérez Martínez

Esmelyn Miranda, Eddy Chacón y Luis Noguera

Javier Amézqueta y Clarissa Alfonzo de Amézqueta

Martin Rueda y Moraima Padrón de Rueda

Eglee Jaimes de Martínez y Marisela Chivico, Curadora de “Inercia ante la lejanía”

Oriana Francos y Rosalba Rengel

las mil y una NOCHES

fotos: doris d铆az

Evento TechnoMarine en Sambil Valencia

Dando la hora

Paula Figueroa, Hery Aranguren y Silvia Palma

R贸mulo Espinoza, relojero de TechnoMarine

Showroom de la colecci贸n TechnoMarine en el Sambil Valencia

Natalia Nivia y Lissette Sandoval

Rebeca Socorro

Andrea Pedroza y Dariana P茅rez

días de GLORIA

fotos: cortesía diario el carabobeño

Inauguración de Espíritu Libre Spa en CC Trigaleña Plaza

Cuerpo y mente sana

Blas Facenda y Alejandra Van Grieken

Andrés Rey y Juliana Lozano

Roxana Marchese, Carmen Tovar y Dubraska Lima 98

Charles Mousalli y Karla Flores

Surya, Vayu y Varuna Hernández

Germán Trestini y Lauren Thornhill de Trestini

Amanda Del Nido, Leticia Rey y Monti de Paris

la vida es BELLA

foto: gonzalo peña veloz [@selektorg]

Fakhriyya Mammadova, artista, diseñadora y fotógrafa nacida en Baku, participante del genial Pabellón de su propio país, Azerbaiyán, en la 55 Bienal de Arte en Venecia, que albergó a un colectivo bajo el tema “Ornamentación”. Desde tiempos ancestrales, el ser humano concibió el arte como una forma de expresión que luego se convertiría en una pieza decorativa para adornar los espacios vitales del individuo. Mammadova, la única mujer entre los seis virtuosos que integran esta hermosa y muy bien ensamblada propuesta, presentó la obra decorativadocumental “Wedding: Girlish Dreams” (2013) en la que logra comunicar a través de 75 imágenes editadas en formato circular y diferentes tamaños un ensayo fotográfico del ritual de bodas en un pueblo de Azerbaiyán, en una suerte de rompecabezas que el espectador debe armar mentalmente a partir de los infinitos detalles que evocan una tradición cultural. Entre lo colorido, lo folklórico, lo kitsch, lo naif y enternecedor, cada pueblo tiene sus propias creencias, sus prácticas, su tradición y sus amuletos de la suerte. [www.azerbaijanvenicebiennale.com]

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