Mezquita Córdoba, Aljafería, Torre del Oro, Giralda, Torre de Comanes Sala de las dos hermanas, patio de los Leones, Generalife, Sala de los mocárabes.
Iglesias peregrinación. Templos Francia (Santa Fe Conques), templos España (Santiago, San Clemente Tahüll, Sto. Domingo Silos.
Románico 1000-1200
Portadas: pórtico de la Gloria (Santiago), portada Platerías (Sto. Domingo), Cordero en el sacrificio de Isaac.
Edad Media
Pantocrator San Clemente Tahüll, Bóveda cripta San Isidoro de León, pintura ermita Vera Cruz, Santa María de Tahüll
Catedrales: Notre Dame París, Reims, Barcelona, Mallorca, Sevilla, Segovia, Salamanca. Fachada catedral de León.
Portadas: Anunciación y Visitación (Reims), Tímpano Puerta de la Virgen (Notre Dame París), tímpano Samental Burgos.
Trecento italiano: Cenni dei Cimabue, Giotto. Simeono Martini (escuela Siena)
Líneas del tiempo
Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.
Claus Sluter, Nicola Pisano, Giovani Pisano, Gil de Siloé.
Línea del tiempo Historia del Arte
Edad Moderna
Gótico 1200-1600
Renacimiento Italiano
Quattrocento 1400-1500
Brunelleschi, Alberti, Bartolomeo Ghiberti, Donatello, Luca della Robbia, Jacopo della Quercia., Fra Angélico, Pisanello Panicale Masaccio, Piero della Francesca, Botticelli, Mantegna Messina.
Escuela de Umbría: Perugino, Luca Signorelli
Renacimiento en Flandes y Alemania 1400-1600
Robert Campin
Jan Van Eyck
Dirk Bouts
Hyeronimus Bosch “El Bosco” Rogier Van der Weyden
Pintura primitivos flamencos
Líneas del tiempo
Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.
Quentin Massys 1466-1530 Joachim Patinir 1480-1526
Mabuse 1478-1532 Pieter Brueghel el Viejo 1525-1569
Pintura Renacimiento en Flandes
Cinquecento 1500-1600
Hans Holbein el Viejo Hans Holbein el Joven Lucas Cranach
Alberto Durero Albrecht Altdorfer
Pintura Renacimiento en Alemania
Manierismo 1550-1610
Miguel Ángel: Cúpula San Pedro Vignola: Il Gesú | G. della Porta.
Renacimiento en España 1500-1600
Plateresco
Enrique Egas (Uni. Salamanca, Casa de las Conchas), Diego de Siloé (Escalera Dorada)
Purismo
Diego Siloé (catedral de Granada), Pedro Machuca (Palacio Carlos V), Gil de Hontañón.
Pedro Berruguete, Juan de Juanes, Luis de Morales, El Greco.
Cuadro resumen Barroco
Arquitectura Italiana
Carlo Maderno 1556-1629
Fachada Iglesia Santa Susana
Cúpula iglesia de Sant’Andrea della Valle
Fachada san Pedro del Vaticano
G.L. Bernini 1598-1680
Baldaquino de San Pedro del Vaticano
Columnata de la Plaza de San Pedro
Iglesia de San Andrés en el Quirinal Fuente de los Cuatro Ríos
F. Borromini 1599-1667
Iglesia San Carlo alle Quattro Fontane
Iglesia San Ivo della Sapienza
Oratorio San Felipe Neri
Arquitectura francesa
Louis Le Vau
Palacio Nuevo (Versalles)
Jules Hardouin-Mansart
Galería de los Espejos (Versalles)
Gran Trianon (Versalles)
Los Inválidos
André Le Nôtre
Paisajista-jardinero Versalles
Arquitectura España
Juan Gómez de Mora 1586-1648
Plaza Mayor Madrid
Cárcel de Corte o Palacio de Santa Cruz
Iglesia de la Clerecía (Salamanca
Hospital de la Encarnación
Casa de la villa
Domingo de Andrade 1639-1712
Torre del Reloj (Santiago)
Alonso Cano 1601-1667
Fachada de la Catedral de Granada
José Churriguera 1665-1725
Retablo Convento San Esteban
Fachada principal Iglesia San Cayetano
Palacio Goyeneche
Nuevo Baztán
Alberto Churriguera 1665-1725
Plaza Mayor de Salamanca
Pedro de Ribera 1681-1742
Dosier de artistas
Real Hospicio de San Fernando
Puente de Toledo
Paseo Nuevo
Iglesia Nuestra Señora de Montserrat
También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.
Fernando Casas y Novoa 1670-1750
Fachada del Obradoiro
Capilla Nuestra Señora de los Ojos Grandes
Narciso Tomé 1690-1742
Fachada Uni. Valladolid
Transparente Catedral de Toledo
Leonardo de Figueroa 1650 -1730
Portada del Colegio Seminario de San Telmo
Escultura Italiana
Bernini
Eneas, Anquises y Ascanio
El rapto de Proserpina
San Longinos
David
Apolo y Dafne
La Cátedra de San Pedro
El éxtasis de Santa Teresa
La muerte de la Beata Ludovica Albertoni
El Mausoleo de Urbano VIII
Retrato del duque Francisco I d’Este
La visión de Constantino
Escultura francesa
François Girardon
Apolo atendido por las ninfas
L’Hiver
Pierre Puget
Milon de Crotone
Perseo y Andrómeda
San Sebastián
Antoine Coysevox
Retrato de Luis XIV
Fama de Luis XIV
Escultura España
Gregorio Fernández 1576-1636
Descendimiento
Cristo atado a la columna
Cristo Yacente
La Coronación de espinas
Juan Martínez Montañés 1568-1649
La Cieguecita
Niño Jesús del Sagrario sevillano
Cristo de la Clemencia
Juan de Mesa 1583-1627
Cristo de la Conversión del Buen Ladrón
Jesús del Gran Poder
Cristo de la Buena Muerte
Cristo de la Agonía
Luisa Roldán 1652-1706
El Entierro de Cristo
San Miguel Arcángel
Virgen de la Soledad
Jesús Nazareno
Alonso Cano 1601-1667
Niño Jesús de la Pasión
San José con el Niño
San Antonio de Padua
San Diego de Alcalá
Eva
Pedro de Mena 1628-1688
La Magdalena Penitente
Francisco Salzillo 1707-1783
La caída
La Oración en el Huerto
El prendimiento
La Verónica
La Dolorosa
Naturalistas
Caravaggio ¿1573?-1610
La cesta de frutas
El tañedor de laúd
La cena de Emaús
La vocación de San Mateo
David y Goliat
La crucifixión de San Pedro
San Jerónimo escribiendo
Judit y Holofernes
Las siete obras de misericordia
La resurrección de Lázaro
Baco
La conversión de San Pablo
El entierro de Cristo
La muerte de la Virgen
Andrea Pozzo 1642-1709
La gloria de San Ignacio
La cúpula de la iglesia de San Francisco Javier
El martirio de San Ignacio
Los frescos en la iglesia de San Lorenzo in Lucina
Artemisia Gentileschi 1593-1656
Judith y Holofernes
Susana y los viejos
Judit y su doncella
Autorretrato como alegoría de la pintura
Cleopatra
María Magdalena como Melancolía
Lucrecia
Salvator Rosa 1615-1673
La tentación de San Antonio
Demócrito
La fragilidad humana
Luca Giordano 1634-1705
El arcángel san Miguel y los ángeles caídos
La Magdalena penitente
Mattia Preti 1613-1699
Escena de Peste I (1640)
San Juan Bautista degollado (1666)
Bernardo Strozzi 1581-1644
Adoración a los pastores (1615)
La Verónica
La curación de Tobías
Fede Galizia 1578- 1630
Judit con la cabeza de Holofernes
Bodegón
Pietro Da Cortona 1596-1669
Retrato de Urbano VIII
Il Guercino 1591-1666
Sansón capturado por los filisteos
San pedro liberado por un ángel
Susana y los viejos
Magdalena penitente
Clasicistas
Annibale Carraci 1560-1609
Los amores de los dioses
Hombre comiendo judías
Domine, quo vadis?
Pietà
Venus, Adonis y cupido
La huida a Egipto
Asunción de la Virgen
Triunfo de Baco y Ariadna
Ludovico Carracci 1555-1619
Anunciación de la Virgen
Visión de san Francisco
San Francisco y dos ángeles
La Virgen y el Niño entronizados apareciéndose a diez santos
Agostino Carraci 1557-1602
Comunión de San Jerónimo
La última Cena
Elisabetta Sirani 1638-1665
Timoclea mata a su violador
Porcia hiriéndose en el muslo
Alegorías de la Justicia, la Caridad y la Prudencia
Guido Reni 1575-1642
Santa Cecilia
David con la cabeza de Goliat
San Sebastián
Baco bebiendo
San Miguel
Hipómenes y Atalanta
Más obras y autores
Pintura Barroco Italiano
Artistas y obras: segunda mitad siglo XIX
Arquitectura 2ª mitad XIX
Joseph Paxton
Crystal Palace
Henri Labrouste 1801-1875
Sala de lectura de la Biblioteca Nacional
Biblioteca de Santa Genoveva
Edificios y arquitectos
Iron Bridge | T. Farnolls Pritchard
Estación de King’s Cross | Lewis Cubitt
Torre Eiffel | arquitecto S. Sauvestre constructor: Gustave Eiffel
Escuela de Chicago
William Le Baron Jenney
Home Insurance Building
H. H. Richardson
Almacenes Marshall
Louis Sullivan
Auditorio de Chicago
Almacenes Carson
Escultura 2ª mitad XIX
A. Rodin1840-1917
El beso
La puerta del infierno
El pensador
La eterna primavera
Monumento a Balzac
Los burgueses de Calais
Camille Claudel 1864-1943
La edad madura
El gran vals
Perra hambrienta
La pequeña castellana
La ola
La implorante
Clotho
Aristides Maillol 1861-1944
La noche
La mediterránea
Pintura transición al Realismo
Pintura Francia: Barbizón
Camille Corot 1796-1875
La catedral de Chartres
La lectura interrumpida
Agostina
Pintura transición al Realismo
Pintura Francia: Barbizón
Jean-François Millet 1814-1875
El Ángelus
La muerte del leñador
Las Espigadoras
La comida de los segadores
Descanso al mediodía
Otoño: pajares
El hombre de la azada
Prerrafaelistas
Dante Gabriel Rossetti 1828-1882
Sueño de día
La Bienamada
La Anunciación
Beata Beatrix
Proserpina
John Everett Millais 1829-1896
Isabella
Mariana
Ofelia
La chica ciega
Hojas de otoño
William Holman Hunt 1827-1910
El chivo expiatorio
Nuestras costas inglesas
La luz del mundo
El pastor distraído
El despertar de la conciencia
John Collier 1850-1934
Lilith
La sacerdotisa de Delfos
El laboratorio
Lady Godiva
El bebé terrestre
La muerte de Cleopatra
Tannhäuser en el Venusberg
Edward Burne-Jones 1833-1898
La leyenda del rosal silvestre
El encantamiento de Merlín
El último sueño de Arturo en Avalon
Princesa Sabrá
John William Waterhouse 1849-1917
La dama de Shalott
Circe ofreciendo la copa a Odiseo
Pintura Realismo
Honoré Daumier 1808-1879
Vagón de tercera clase
La República
El luchador
El molinero, su hijo y el burro
La lavandera
Don Quijote y Sancho Panza
Gustave Coubert 1819-1877
El taller del pintor
El origen del mundo
Entierro de Ornans
El desesperado
El encuentro
Los picapedreros
El hombre herido
Las bañistas
Señoritas del pueblo
La fuente
Jules Bastien-Lepage 1848-1884
Recogiendo leña
Juana de Arco
La Cosecha
El mendigo
Rosa Bonheur 1822-1899
El Cid
León en reposo
La feria de caballos
Arando en el Nivernais
Fernand Pelez 1843-1913 (Francia)
Niño de la calle
Muecas y miseria, los saltimbanquis
Albert Anker 1831-1910 (Suiza)
La siesta
La devoción del abuelo
Marie Bashkirtseff 1858-1884 (Ucrania)
En el estudio
Autorretrato
El encuentro
Ilya Repin 1844-1930 (Rusia)
Los sirgadores del Volga
Procesión religiosa en Kursk
Sesión solemne del Consejo de Estado
Cosacos zaporogos escribiendo una carta al sultán
Edward Hopper 1882-1967
Habitación en Nueva York
Patio interior 48 rue de Lille, París
Noctámbulos
Automat
Habitación de hotel
Domingo por la mañana
Chop suey
Ventanas en la noche
Sol de la mañana
Chica cosiendo a máquina
Thomas Eakins 1844-1916
Los jugadores de ajedrez
La Clínica Gross
La Clínica Agnew
Swimmiing Hole
El campeón de piragua individual Max Schimitt
George Bellows 1882-1925
Reverfront No 1
Dempsey vs Firpo
Winslow Homer 1836-1910
El veterano en un nuevo campo
Tormenta
Escena de play
La caza del zorro
Prisioneros de frente
Vistiéndose para el carnaval
A favor de la brisa
Snap the Whip
Sara Goodridge 1788-1853
Belleza revelada
Autorretrato
Retrato de Rose Prentice
Andrew Wyeth 1917-2009
Viento del mar
El mundo de Cristina
El intruso
Invierno 1946
Trenzas
Hierba pisada
Antoni Fillol 1870-1930
La bestia humana
La gloria del pueblo
Dosier de artistas
Orfeo y Eurídice
La dama de azul
La danza de las ninfas
Recuerdo de Mortefontaine
Théodore Rousseau 1812-1867
También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.
Vista de la llanura de Montmartre
La choza de los carboneros en el bosque de Fontainebleau
Avenida de árboles, Bosque de l'Isle-Adam
Descenso de las vacas
Charles-François Daubigny 1817-1878
Puesta de sol cerca de Villerville
Salida de la luna en las riberas del río Oise
Conflans
Paisaje con un estanque
Crepúsculo
Sueño y su hermanastro Muerte
El círculo mágico
Hilas y las ninfas
Diógenes
La sirena
Eco y Narciso
La bola de cristal
Miranda
Edmund Blair Leighton 1853-1922
La investidura
Buena suerte
Bordando el estandarte
Una húmeda mañana
Frank Codogan Cowper 1877-1958
Vanidad
Iván el Terrible y su hijo
Retrato de Tolstoi
Vasili Ivánovich Súrikov 1848-1916
La mañana de la ejecución de los Streltsí
La boyarda Morózova
La toma de un pueblo nevado
Franz von Lenbach 1836-1904
El paraguas rojo
El niño pastor
La infanta Paz de Borbón
Adolph von Menzel 1815-1905
Huésped no invitado / La visita de la muerte
La pared de mi estudio
La fundición de hierro
En el jardín de la cerveza
La defensa de la choza
Los amigos de Jesús
Flor deshecha
La rebelde
Cecilio Pla Gallardo 1880-1934
Jugando en la playa
Heroínas
Dos generaciones
La verbena
Entierro de santa Leocadia
Mujer en la playa
Una gaviota
Lazo de unión
Portal de la Carrera del Darro
Rincón de Granada
arte
PREHISTORIA
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Portadas
Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.
0 Arte Prehistoria
Contexto pág.33
Paleolítico
Contexto pág.3
Pintura Paleolítico pág. 4
Escultura paleolítico pág. 5
Obras pág.6-16
Mesolítico
Contexto pág.3
Pinturas levantinas pág.5
Obras pág.17-20
Neolítico
Contexto pág.21
Megalitismo pág.21
Cultura talayótica pág.21
Escultura pág.21
Obras pág.22-31
Comentarios
Pinturas Altamira pág.32
Venus de Willendorf pág.33
Stonehenge pág.34
Contexto histórico ArtePrehistoria
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Contexto histórico
La Prehistoria es el extenso periodo de la historia de la humanidad del que no disponemos de documentos escritos Por esta razón, las fuentes para conocer esta época se limitan a restos humanos y animales, herramientas de todo tipo (desde armas hasta adornos personales) y manifestaciones artísticas.
El arte prehistórico abarca unos 30.000 años y pasa por varias etapas:
Paleolítico
El arte de los cazadores del Paleolítico Superior (aproximadamente entre 30.000 y 9.000 a.C ), donde domina el naturalismo Se representan animales y signos, pero no forman escenas y no aparece la figura humana
Mesolítico
El arte de los cazadores del Mesolítico (entre 11.000 y 8.000 a.C.), en el que las figuras humanas y animales se representan de manera más sintetizada En esta etapa ya se crean escenas de tipo descriptivo
Neolítico
El arte del Neolítico y los inicios de la Edad de los Metales (entre 8 000 y 1 000 a C ) Con la aparición de la agricultura y la ganadería surgen los primeros poblados y las construcciones megalíticas En la pintura predomina el esquematismo y aparecen muchos signos
Contexto histórico Paleolítico
El arte paleolítico surge en el Paleolítico superior, alrededor del año 40,000 a.C Se desarrolla principalmente en Europa, al sur de donde se extienden los hielos durante la Edad de Hielo.
El arte mural, que se realiza en las cuevas, se concentra sobre todo en algunas zonas de Francia y España, aunque de manera ocasional también se encuentra en Portugal, Italia, Europa del Este y algunas áreas más
Por otro lado, el arte mueble, que consiste en objetos artísticos que pueden ser transportados, es más abundante y se extiende no solo por España y Francia, sino también por los valles del Danubio y el Don, la cuenca del lago Baikal, y en partes de Asia
La sociedad paleolítica se caracteriza por su estilo de vida nómada, en pequeños grupos. Utilizan herramientas y armas hechas de hueso, marfil y piedra. Descubren el uso del fuego y viven en cuevas. Además, son recolectores de raíces, frutas silvestres, semillas, huevos, miel, entre otros alimentos, y complementan su dieta con la caza de animales y la pesca en ríos y lagos
El arte comienza a manifestarse como una señal de su evolución cultural. En la última fase del Paleolítico, los humanos desarrollan la capacidad de comunicarse, lo que les permite organizarse en grupos más grandes y distribuir roles y funciones dentro del clan
Se han hallado indicios de enterramientos que parecen estar destinados a proteger los cuerpos de los animales carroñeros
A veces, junto a los restos humanos se encuentran lo que podrían ser ofrendas: restos de animales y pequeñas estatuillas.
Teoría y apuntes
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Con el tiempo, crean herramientas y objetos cada vez más complejos, utilizando piedra y fibras naturales Estas herramientas de piedra son, de hecho, los primeros artefactos culturales que permiten a los historiadores reconstruir las sociedades paleolíticas
Dentro del arte paleolítico se diferencian dos tipos principales: el arte rupestre, que incluye pinturas grabados y relieves en rocas, y el arte mobiliar, que consiste en estatuillas y objetos portátiles
Contexto histórico Mesolítico
El Mesolítico es un período intermedio en la prehistoria, que conecta el Paleolítico y el Neolítico
Duración:
El Mesolítico comienza alrededor del 12.000 a. C , coincidiendo con la transición entre el Pleistoceno y el Holoceno, es decir, el paso de una época glacial a una más cálida
Sociedad:
Las personas del Mesolítico continúan siendo principalmente nómadas, es decir, se desplazan según la disponibilidad de recursos cercanos Sin embargo, gracias a la mejora del clima, viven en una época de abundancia en la que se amplía la variedad de frutos y plantas recolectadas.
Aunque siguen siendo móviles, ya empiezan a establecer asentamientos temporales, como refugios para el invierno y lugares de estancia en verano En ciertas zonas, donde las condiciones climáticas y la disponibilidad de recursos lo permiten, ya se ven los primeros asentamientos permanentes, lo que significa un paso hacia el sedentarismo.
Tecnología:
Se perfeccionan las herramientas que ya existían en el Paleolítico, y además surgen nuevas técnicas que permiten fabricar instrumentos más pequeños y detallados. Estos objetos más finos reciben el nombre de microlitos.
Movilidad:
En este período también surge la navegación, ya que comienzan a utilizar pequeñas embarcaciones, generalmente canoas hechas de madera
Es importante destacar que mientras en algunas regiones aún se vive en la cultura mesolítica, en otros lugares ya ha comenzado la revolución neolítica, con cambios más rápidos en la forma de vida humana.
Obras
Cuevas de Altamira
Cantabria
Pintura rupestre
Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.
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Comentario : Stonehenge Arte
Ficha técnica
Anónimo
3100-2400 a.C. Neolítico
Megalitismo- Crómlech de piedra
Condado de Wiltshire, Inglaterra
Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Artista y época
Se presenta la construcción megalítica más significativa de las que se erigen en Europa La época en que se levantan estos monumentos resulta esencial para la historia de la humanidad Este momento corresponde al Neolítico, un periodo en el que empieza la agricultura y la ganadería, lo que lleva al ser humano a adoptar un estilo de vida sedentario
Además, es en este periodo donde comienza a desarrollarse el comercio, y los grupos humanos inician intercambios que los enriquecen de manera mutua
Análisis
El conjunto se identifica como un crómlech, que consiste en un grupo de menhires dispuestos en un formato circular, ocupando generalmente un espacio amplio Stonehenge está compuesto por grandes bloques de piedra metamórfica organizados en cuatro circunferencias concéntricas.
La circunferencia exterior, que tiene un diámetro de treinta metros, se conforma por grandes piedras rectangulares de arenisca. Estas piedras, en su origen, están coronadas por dinteles, también de piedra, aunque actualmente solo quedan siete en su lugar Dentro de esta hilera exterior se sitúa otro círculo hecho de bloques más pequeños de arenisca azulada
Este círculo interior rodea una estructura con forma de herradura, construida con piedras de arenisca del mismo color En el centro de esta estructura se encuentra una piedra conocida como "el Altar" .
Todo el conjunto está rodeado por un foso circular que tiene un diámetro de 104 metros Dentro de este espacio se eleva un bancal donde se pueden observar 56 fosas conocidas como los "agujeros de Aubrey" . Tanto el bancal como el foso son atravesados por "la Avenida", un camino procesional que mide aproximadamente 23 metros de ancho y 3 kilómetros de longitud
Comentario
Stonehenge presenta una complejidad que indica un notable nivel de organización entre el pueblo que lo construyó. Se considera que algunas de las piedras empleadas provienen de un lugar situado a 250 kilómetros, lo que conlleva una considerable dificultad en su transporte. Además, la alineación de la entrada del monumento con la luz del solsticio de verano sugiere un elevado conocimiento astronómico.
Un grupo de arqueólogos británicos descubre indicios de lo que se considera un segundo Stonehenge Este hallazgo se localiza a poco más de 1,5 kilómetros del original Las excavaciones revelan que en ese sitio se erige un círculo pétreo de 10 metros de diámetro, rodeado por una zanja Los expertos opinan que las piedras marcan el final de un corredor que conduce desde el río Avon hasta Stonehenge, una "ruta procesional" de casi tres kilómetros construida junto al famoso círculo de piedra.
Este tipo de construcciones se extiende por toda Europa, con restos hallados en lugares como Portugal, Bretaña francesa y los Pirineos, y perdura a lo largo del tiempo Es posible que estas grandes edificaciones adinteladas representen un antecedente más o menos reconocible de los templos mesopotámicos y griegos que surgirán posteriormente.
arte
EGIPCIO
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Portadas
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1 Arte Egipcio
Contexto pág.36
Arquitectura
Rasgos generales pág.36
Tipologías arquitectónicas pág.37
Obras pág.38-55
Escultura
Rasgos generales pág.56
Tipos de esculturas pág.56
Obras pág.57-63
Pintura
Rasgos generales pág.64
Obras pág.65-68
Comentarios
Pirámide de Keops pág.69
Busto de Nefertiti pág.70
Triada de Micerinos pág.71
Arquitectura : Características Arte
Contexto histórico
El Antiguo Egipto fue una civilización que surgió a lo largo del río Nilo y duró más de tres mil años Se le considera una de las primeras grandes civilizaciones Su territorio iba desde el delta del Nilo en el norte hasta Elefantina en el sur, y también incluía el desierto oriental, la costa del Mar Rojo, la península del Sinaí y varios oasis en el desierto occidental.
La historia del Antiguo Egipto se divide en varios periodos, destacando el Imperio Antiguo, Medio y Nuevo Su inicio se sitúa alrededor del año 3 150 a C , con la unificación de ciudades del valle del Nilo, y su final en el 31 a C , cuando el Imperio Romano, liderado por Augusto, terminó con la dinastía ptolemaica (Cleopatra VII).
La sociedad egipcia estaba jerárquicamente organizada, con el faraón en la cima, seguido por su visir, la corte, sacerdotes, escribas, gobernadores, y generales Luego venían los artistas, artesanos, agricultores, ganaderos, y, al final, los esclavos
La religión era central en la vida egipcia, y la creencia en la vida después de la muerte influía en todas las áreas, incluyendo el arte, que glorificaba a los dioses y faraones. El arte egipcio era principalmente simbólico, funerario y religioso.
Los egipcios desarrollaron los jeroglíficos, un sistema de escritura que se pudo descifrar gracias a la Piedra de Rosetta, la cual tenía una traducción al griego
Imperio Antiguo
2635-2154 a.C. – III-VI Dinastías-
Capital: Menfis Periodo de esplendor político y artístico Se construyeron las grandes pirámides
Primer Imperio Intermedio
2154-2040 a.C. – VII-X Dinastías-
Anarquía política debido a la lucha por el poder de los nobles locales
Imperio Medio
2040-1785 a.C. – XI-XII Dinastías-
Capital: Tebas Egipto se convierte de nuevo en una gran potencia
Introducción: arquitectura
La arquitectura egipcia se destaca por su monumentalidad y el uso de la piedra como material principal en sus construcciones más importantes Lugares clave son Gizeh Luxor, Karnak y Abu Simbel
Características de la arquitectura
Funciones
Sus edificios tienen funciones religiosas y funerarias, reflejando las creencias en la vida después de la muerte y el carácter divino de los faraones
Simbolismo
Las construcciones egipcias son simbólicas, con un aspecto mágico, como las pirámides, cuya forma simboliza los rayos del sol. Esto está muy ligado a su función religiosa.
Por ejemplo, en la pirámide de Keops hay unos pasadizos que unen las tumbas de los reyes que están alineados con estrellas que representan a Isis y Osiris
Durabilidad
Estos edificios religiosos estaban diseñados para soportar la eternidad y, por lo tanto, se trata de construcciones robustas construidas con grandes sillares de piedra caliza aparejados sin mezcla, con muros muy gruesos y en talud, pocos vanos, cubierta adintelada y abundancia de columnas con capiteles de motivos vegetales.
Colosalismo
Muy relacionado con la durabilidad está el colonialismo, ya que el tamaño de las construcciones está pensado para que duren la eternidad
Características de la arquitectura
Entorno
La arquitectura se integra bien con el entorno. Los edificios se diseñan para armonizar con el paisaje y la luz del desierto.
Materiales
Uso de materiales de acuerdo con la finalidad de los edificios:
– Vivienda s temporales: como casas y palacios, se construyeron con materiales sencillos como adobe, barro y troncos de palmera.
– Estructuras permanentes: las tumbas y templos, pensados para durar, se hicieron con piedra (caliza, arenisca, granito, etc ) y fueron tallados con gran precisión
Estilo arquitectónico
Arquitectura arquitrabada o adintelada Aunque utilizaron pilares, el soporte principal fue la columna, a la que dieron, además, una función estética:
– Diseños vegetales: columnas con formas inspiradas en plantas (tallos, flores de loto, papiro, palmeras, etc.).
– Diseños antropomórficos: columnas con formas humanas, como el capitel hathórico
– Encima de las columnas se colocaba un arquitrabe con una cornisa decorativa llamada gola
Los muros son extraordinariamente gruesos Empleo del talud (paramento inclinado) a fin de conseguir mayor estabilidad.
Los espacios. Espacios oscuros con pocos vanos, Las ventanas son muy escasas En los templos las partes más sagradas están sin iluminación natural
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Segundo Imperio Intermedio
1783-1551 a.C. – XIII-XVII Dinastías-
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Los hicsos invaden el país y lo gobernaron durante décadas
Imperio Nuevo
1551-1080 a.C. – XVIII-XX Dinastías-
Capital: Tebas. Los hicsos son expulsados y comienza un periodo de prosperidad. Se extiende por Asia Menor.
Baja Época
1080-30 a.C.
Periodo de decadencia El territorio es conquistado, sucesivamente, por etíopes, asirios, persas, griegos y romanos
El tamaño monumental de estas obras trasciende las proporciones humanas adentrándose en las divinas. La pirámide de Keops habría sido construida con unos 2 millones de bloques de piedra de unos 2’5 toneladas cada una. A pesar de la grandeza de las pirámides, en la arquitectura predomina la dimensión horizontal, sobre todo en los templos con construcciones adinteladas
Racionalismo
La belleza arquitectónica se basa en proporciones matemáticas, líneas simples y horizontales.
Comentario : Busto de Nefertiti ArteEgipcio
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Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Tutmés
1338 a.C.
50 cm altura
Altes Museum, Berlín
Artista y época
Conocemos el nombre del autor de esta magnífica escultura porque fue hallada en las ruinas de un taller en Amarna en 1912, donde otra pieza tenía inscrito el nombre de Tutmés
Nefertiti fue la esposa de Amenofis IV, y juntos lideraron la llamada revolución de Amarna, un período en el que el faraón transformó profundamente la política y la religión de Egipto, modificando la distribución de tierras, el culto religioso e incluso el estilo artístico, que se volvió más realista y menos rígido
Análisis
Muchos historiadores coinciden en que este busto fue utilizado como modelo para esculpir otros cuando la reina no estaba presente Esto podría explicar por qué una de las cuencas de los ojos carece de incrustación, detalle que las investigaciones más recientes sugieren que nunca llegó a completarse.
Sobre la cabeza de la reina, lleva una tiara que simboliza su alta dignidad y parece haber sido utilizada exclusivamente por ella Nefertiti gobernó con igual poder que el faraón, tomando muchas decisiones cruciales durante su reinado
Sabemos poco sobre el final de su reinado y su muerte, ya que nunca se han encontrado sus restos. Además, los faraones posteriores intentaron borrar su memoria, lo que ha limitado la cantidad de documentos que se conservan sobre ella
El busto representa a Nefertiti con una belleza fría y distante Como se mencionó, durante su reinado, el arte se inclinó hacia un mayor naturalismo, lo que sugiere que este busto refleja su verdadera apariencia.
Está esculpido en piedra caliza recubierta con una capa de yeso que ha permanecido casi intacta, excepto por el deterioro de las orejas con el tiempo Los colores son suaves y armoniosos, el cutis es muy fino y los rasgos están bien proporcionados
La obra se divide en tres partes iguales: la parte superior, ocupada por la tiara real; la parte inferior, por el cuello estilizado; y la parte intermedia, que es la más importante, mostrando el rostro de Nefertiti Sus labios son carnosos, y sus ojos tienen una forma almendrada, característica del periodo, delineados con kohl, un polvo utilizado por los egipcios tanto con fines decorativos como para protegerse del sol.
Comentario
La época en que se desarrolla esta obra es una de las más curiosas de la Historia del Arte Aunque fue un periodo breve, dejó una marca indeleble
Hasta ese momento, las deidades eran las protagonistas en los relieves y pinturas egipcias, protegiendo al pueblo. El culto a los dioses estaba profundamente arraigado en la vida cotidiana, y tanto los templos como los sacerdotes habían ganado un gran poder Cuando Amenofis IV ascendió al poder el culto predominante era el de Amón El faraón y su esposa se opusieron a esta situación Confiscaron las tierras de los sacerdotes y establecieron la adoración exclusiva a un solo dios, Atón, para quien construyeron una ciudad entera.
Estas decisiones revolucionarias también influyeron en el arte Dado que solo se podía rendir culto a Atón quien no tenía forma humana, las únicas figuras representadas eran las de la familia real, de una manera muy natural y en escenas de la vida privada
Se conservan varios relieves de este periodo que muestran al faraón con rasgos individualizados, muy diferentes del hieratismo anterior Los templos de esta época están abiertos para permitir la celebración del culto al sol, lo cual contrasta con las cámaras oscuras utilizadas para la adoración de los otros dioses Tras la muerte de Amenofis y Nefertiti, se regresó al sistema tradicional
arte GRIEGO
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Portadas
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2 Arte Griego
Cuadro resumen
obras autores pág.73
Contexto pág.74
Arquitectura
Rasgos generales pág.74
Columnas: órdenes pág.75-76
El templo Griego pág.77-81
El teatro Griego pág.82-83
Arquitectura Helenística pág.98-101
Obras pág.84-97
Escultura
Rasgos generales pág 102
Etapas escultóricas pág.103-107
Obras y autores pág.108-128
Fichas obras
Obras arquitectura pág.129
Obras escultura pág.130-131
Comentarios
Partenón pág.132
Laocoonte y sus hijos pág.133
Imprimir blanco y negro
Columnas pág.134
Órdenes pág.135-136
Templo Griego pág. 137
Teatro Griego pág. 138
Esquema autores Grecia Arte
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Arquitectura
Templos época arcaica
Templo de Artemisa
Tholos de Marmaria
Apolo y Hera (Olimpia)
Arquitectura
Otras construcciones
Teatro Epidauro
Escultura
Arcaico
Xoanas: Auxerre, Hera de Samos
El Kurós y la Koré: Moscóforo
Frontón de Artemisa
Estilo severo
Kurós y Koré evolucionados
Aúriga de Delfos
Frontón de Zeus
Templos época clásica
Partenón
Atenea Niké
Erecteón
Propóleos
Templos época helenística
Altar de Zeus en Pérgamo
Linterna de Lisicrates
Esquema artistas inicial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Escultura
Scopas
Ménade
Lisipo
Apoxiómeno
Hércules Farnesio
Ares Ludovisi
Pleno Clasicismo
Mirón
Discóbolo
Ateneas y Marsias
Época helenística
Alejandro de Antioquía
Venus de Milo
Policleto
Doríforo
Diadúmeno
Escuela Pérgamo
Gálata Moribundo
Gálata Suicida
Gran Altar de Zeus
Fidias
Friso del Partenón
Atenea Farnesio
Boeto de Caldedonia
El niño de la oca
Praxíteles
Hermes y Dionisos
Afrodita de Cnido
Apolonio y Taurisco de Tralles
El toro de Farnesio
Arquitectura : el templo
Cubierta
Frontón
Sima
Entablamento
Friso
Triglifos
Metopas
Cornisa
Arquitrabe
Columnata | Peristilo
Capitel
Ábaco
Equino
Collarino
Arquitectura
Fuste
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
Plataforma
Crepidoma Krepis
Estilóbato
Estereóbato www.creativemindly.com
Prohedria: primeras filas de las gradas en las que solo se sentaban los sacerdotes. Eran de mármol y estaban muy cerca de la orchestra
Diazomata: pasillos que facilitaban el acceso al Koilon.
C Koilon
Gradas que se construían en la ladera de la montaña o colina, donde se sentaban los espectadores Aunque también se segmentaban dependiendo de sus clases sociales
kerkis o kerkides
Klimakes
Prohedria
Diazomata
Cavea
Asientos: los asientos estaban hechos de materiales de menor calidad, para los civiles.
Kerkis o Kerkides: sectores en los que se dividía el Koilon.
Klimakes: peldaños verticales distribuidos desde la parte superior a la inferior de la grada
Orchestra
Thymile
Párodos: pasillos laterales por donde entraban y salían los coristas
Proskenion
B Scena | Skené
La scena o skené era un área rectangular dividida en varias partes. Al skené lo sostenía una columna y se mantenía alrededor de 3 metros sobre el nivel de la orchestra específicamente detrás de ésta Tenían bastidores o camerinos de madera construidos en la parte posterior y otros recursos para la obra
Arquitectura
Proskenion
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
Plataforma o tarima larga y delgada, donde los actores hacían la representación teatral
Thyroma | Thyromata
Pinakes
Columnas y las estatuadas decoradas
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Thyroma: el telón colgaba de la thyroma Pilares hechos de piedra y con ranuras verticales.
Scena | Skené
A Orchestra
Era un área circular que carecía de techo, con piso de tierra y sobre este, los integrantes del coro salían a cantar o bailar
Thymile
Antes de que la orchestra se destinara exclusivamente para el coro, tenía un altar en el medio, el cual se denominaba thymile y solía emplearse cuando se realizaban los sacrificios en honor a Dionisio Acabaron eliminándolo
Párados | Paradoi
Skené
Escultura: época Clásica Arte
Durante los siglos V y IV a.C., la escultura griega alcanzó su mayor perfección tanto en técnica como en expresión Coincide con el momento de mayor expansión militar, política y económica de los atenienses Es la era de Pericles
Etapas
Primer clasicismo primera mitad del siglo V a C.:
Escultores clave: Mirón y Policleto
Clasicismo pleno segunda mitad del siglo V a C.:
Se El escultor más destacado es Fidias
Etapa posclásica siglo IV a.C.):
El siglo V a C termina mal para Atenas En el año 404, Esparta la derrota en la Guerra del Peloponeso, marcando el fin de su esplendor
Esta crisis llevó a abandonar los ideales cívicos en el arte, reemplazando la belleza serena por representaciones de sufrimiento psicológico (pathos), emociones y sentimientos.
Van a trabajar los escultores Praxíteles, Lisipo (creador del canon de las 8 cabezas) y Scopas
Características
– Se abandonó la frontalidad y rigidez arcaica dotando a la escultura de un movimiento más natural
– Plasmó la armonía de las proporciones mediante la innovación escultórica del canon de Policleto.
– Se experimenta un avance en el naturalismo de los rostros y en el tratamiento más natural de los ropajes.
– Se plasma con mayor perfección la anatomía del cuerpo humano y el contraposto de las esculturas
Mirón
Teoría y apuntes
La escultura clásica griega comenzó con Mirón, conocido por obras como el Discóbolo, una escultura de un atleta en el momento justo antes de lanzar el disco Aunque solo se conserva en copias romanas captura un instante fugaz de movimiento, mostrando el cuerpo en un arco perfecto y resaltando el ideal griego de un cuerpo atlético y equilibrado.
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Otra de sus obras es: El grupo Atenea y Marsias
Policleto
Este escultor creía que el arte debía seguir principios matemáticos.
Escribió un tratado llamado Kanon (canon escultórico “7 cabezas”), en el que definía proporciones ideales del cuerpo humano, como la relación 1:7 entre la cabeza y el cuerpo. Se centró en la representación del cuerpo masculino, buscando una armonía perfecta entre sus partes, lo que llamó symetria
La obra más importante es el Doríforo (también llamada Kanon por su autor). Representa a un joven desnudo sosteniendo una lanza en su mano izquierda. Su peso está en la pierna derecha, mientras que la izquierda está adelantada, como si estuviera a punto de moverse Aunque la figura parece estar en reposo, transmite una sensación de movimiento y dinamismo. Es considerado como la representación perfecta del canon griego
Otra de sus obras es Diadúmeno. Originalmente realizada en bronce aunque solo se ha conservado una copia romana en mármol, que se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas. Esta escultura muestra a un atleta en el momento en que se coloca la diadema que lo reconoce como vencedor Representa el ideal griego de la época clásica: un joven con un equilibrio perfecto entre cuerpo y mente
Policleto empleó un canon que él mismo desarrolló, donde la cabeza es siete veces más pequeña que el cuerpo, y el rostro se divide en tres partes iguales (frente, nariz y mentón) La escultura está hecha en una postura llamada "contrapposto", en la que una pierna está fija y la otra adelantada, mientras los brazos y la cabeza se equilibran con una inclinación. Además, se resalta el modelado muscular del torso y el rostro naturalista.
Aunque es un vencedor, el atleta no muestra orgullo ya que los griegos veían la soberbia como un defecto
Fidias
Se le considera como el artista que encarna mejor el ideal de belleza clásico Siglo V a.c. Es responsable de la decoración escultórica del Partenón de Atenas en cuyos relieves, como el famoso Friso de las Panateneas, va a incorporar una técnica nueva, los “paños mojados” con las cuales sugiere el estudio de la anatomía femenina a través de las telas.
En la decoración del Partenón donde representó varias escenas mitológicas en 92 metopas, como la Centauromaquia, la Gigantomaquia, la Amazonomaquia y la guerra de Troya En el friso, representó la Procesión de las Panateneas, una festividad religiosa importante. El frontón oriental mostraba el nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus; en el frontón occidental representaba la disputa entre Atenea y Poseidón por el dominio de Ática
También creó una estatua gigante de Atenea (12 metros) en oro y marfil, aunque no ha sobrevivido
Además, realizó la Atenea Lemnia, un símbolo de belleza serena, y una estatua de Zeus en Olimpia
Scopas
Originario de la isla de Paros, se destacó por su capacidad para expresar emociones intensas y transmitir estados de ánimo tormentosos Fue el creador del estilo patético, así llamado por el pathos (el sentimiento), bien definido por la expresión sufriente con el que era usual caracterizar la cara de las propias estatuas.
Aunque no está confirmado, es probable que trabajara con Leocares (autor del Apolo Belvedere) en la decoración del Mausoleo de Halicarnaso
Ménade danzante
Su obra más conocida es la *Ménade Danzante*, que refleja el frenesí de los cultos dionisíacos y genera una fuerte respuesta emocional, cercana al helenismo
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Lisipo
Considerado el último gran escultor de la Grecia clásica, hizo importantes contribuciones:
– Se interesa por los rasgos individuales, lo que lo acerca al retrato
– Amplió los temas tradicionales, esculpiendo no solo atletas, sino también niños con formas infantiles y ancianos con rasgos de edad
– Modificó el canon de Policleto, haciéndolo más estilizado (1:7.5 entre cabeza y cuerpo).
Se le atribuyen muchas obras, tanto en bronce como en mármol Entre ellas destacan:
El Apoxiomeno es una figura de un atleta con el brazo extendido limpiándose con el estrígile6 el polvo de la palestra Este adelantamiento del brazo supo ampliar el espacio escultórico e introducir el concepto de profundidad
El Hércules Farnese es una robusta figura del dios, con una mano detrás que invita al espectador a moverse para descubrir que sostiene la manzana de la inmortalidad que obtuvo de las Hespérides
Praxíteles
Máximo representante del clasicismo tardío del siglo IV a.c. Sus aportaciones son:
– Incorpora una sensualidad que se pone de manifiesto en los cuerpos humanos que tienen una forma sinuosa, la llamada curva praxiteliana, en forma de S
– Para conseguir el contraposto las figuras arquean suavemente su cuerpo buscando un punto de apoyo ajeno como puede verse en “Hermes con Dioniso niño” .
– Además, sus obras dan un salto hacia el realismo al incorporar mayor expresión en sus rostros, llegando incluso a girar la cabeza en sus esculturas
– Representa el desnudo integral femenino: Venus de Cnido
Hermes y Dioniso niño
Su obra maestra fue hallada en unas excavaciones en Olimpia. Representa a Hermes deteniéndose en su viaje hacia Nisa, donde llevará al pequeño
Dionisos con las ninfas En este descanso, Hermes le ofrece un racimo de uvas La escena está llena de gracia, con los personajes divinos interactuando de manera comunicativa y sonriente
La Afrodita de Cnido
La Afrodita de Cnido representa a la diosa desnuda bajo el pretexto de un baño sagrado.
Primer Clasicismo – s.V a.C. -
Etapa Posclásica – s.IV a.C. -
Etapa Posclásica – s.IV a.C. -
Escultura época Clásica: Obras y autores
Etapa Posclásica– s.IV a.C. -
Praxíteles
Hermes y Dionisos
Praxíteles
IV a.C.
Su obra maestra fue hallada en unas excavaciones en Olimpia Representa a Hermes deteniéndose en su viaje hacia Nisa, donde llevará al pequeño Dionisos con las ninfas. En este descanso, Hermes le ofrece un racimo de uvas. La escena está llena de gracia, con los personajes divinos interactuando de manera comunicativa y sonriente
Scopas Lisipo
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
Afrodita de Cnido
Praxíteles
360 a.C.
Ménade danzante
Scopas
330 a.C.
Su obra más conocida es la Ménade Danzante, que refleja el frenesí de los cultos dionisíacos y genera una fuerte respuesta emocional, cercana al helenismo
Hércules de Farnese
Lisipo
IV a.C.
Copia romana del original
Apoxiómeno
Lisipo
IV a.C.
El Apoxiomeno es una figura de un atleta con el brazo extendido limpiándose con el estrígile6 el polvo de la palestra. Este adelantamiento del brazo supo ampliar el espacio escultórico e introducir el concepto de profundidad.
Escultura: fichas obras ArteGriego
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título
: El Friso de las Panateneas
título: Venus de Cnido
Cronología
Etapa Clásica. Siglo V a.c.
Estilo Griego Autor Fidias
Justifica tu respuesta
– Incorpora la técnica de los paños mojados/transparencias.
– Ilusión de perspectiva en la realización de estos relieves.
– Cumbre de la belleza clásica a través del tratamiento ropajes.
– Comunicación natural entre personajes.
título: Hermes con Dioniso niño
cronología
Etapa Clásica. Siglo IV a.c.
Estilo Griego autor Praxíteles
Justifica tu respuesta
– Curva praxiteliana en forma sinuosa de S.
– Consecución del contraposto gracias a un apoyo ajeno.
– Mayor realismo y sensualidad en la escultura.
– Bulto redondo antropocentrista.
– Ideal de belleza clásico.
título: Laocoonte y sus hijos
Fichas identificación
Encontrarás este tipo de páginas con los datos más importantes de las distintas obras de cada movimiento.
cronología
Etapa Clásica. Siglo IV a.c.
Estilo Griego autor Praxtíteles
Justifica tu respuesta
– Representación del cuerpo humano (antropocentrismo).
– Contraposto. Posición natural y contención equiibrada del movimiento corporal.
– Naturalismo idealizado del rostro.
– Estudio anatómico mucho más perfeccionado que etapa arcaica.
– Curva praxiteliana
– Replegamiento intimista usado tanto por Praxíteles como por Scopas
cronología
Etapa helenística. Copia del siglo I d.C.
Estilo Griego autor Agesandro
Justifica tu respuesta
– Grupo escultórico de bulto redondo de gran dinamismo.
– Gran realismo y expresividad de sufrimiento en rostros.
– Composición abierta.
– Estudio anatómico muy desarrollado y expresivo.
– Línea serpentinata
– Material es mármol blanco. Altura 2´42m.
– Tema mitológico.
Análisis completo de la obra
Partes de las columnas
Los órdenes
Orden dórico
Orden jónico
Orden corintio
Arquitectura imprimible
Al final de cada tema, siempre que sea necesario, encontrarás diseños de plantas, alzados, partes de edificios o edificios completos, en blanco y negro. Están preparados para que los imprimas y puedas añadir las partes e información que necesites.
Arquitectura : órdenes
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Dórico
Jónico
Corintio
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ROMANO
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Portadas
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3
Cuadro
Arte Romano
resumen
Obras y apuntes pág. 140
Contexto pág.141
Arquitectura
Rasgos generales pág.141
Arco medio punto pág.142
Tipología arquitectónica pág.146-151
El templo Romano pág.152-155
El teatro Romano pág.156
Obras pág.157-189
Escultura
Rasgos generales pág 190
Obras y autores pág.191-197
Fichas obras
Obras arquitectura pág.198-199
Obras escultura pág.200
Comentarios
Panteón Agripa pág.201-204
Coliseo pág.205-207
Maison Carrée pág.208
Teatro Mérida pág.209
Ara Pacis pág.210
Augusto Prima Porta pág.211
Imprimir blanco y negro
Templo romano y diferencias pág.212-213
Planta templos romanos pág. 214
Panteón: partes y planta pág. 215-216
Teatro romano pág. 217
Partes Coliseo pág. 218
Esquema autores Roma Arte
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Arquitectura
Urbana
Basílicas: Majencio, Ulpia
Termas: Pompeya y Caracalla
Domus
Recreativa
Teatros: Pompeya, Mérida, Marcelo
Anfiteatros: Flavio (Coliseo), Arles, Nimes
Circo: Circus Máximus
Arquitectura
Conmemorativa
Arco triunfo: Tito, Constantino, Medinaceli
Columnas: Trajano
Escultura
Retratos
Lucius Junios Bruto
Calígula
Marco Aurelio (ecuestre)
Retrato femenino de la Dinastía Flavia
Adriano | Augusto de Prima Porta
Caracalla
Religiosa
Fortuna Viril
Vesta
Maison Carré
Panteón de Agripa
Relieves
Ara Pacis
Arco de Tito
Columna Trajana
Escultura
Más obras, ideas, apuntes
Ingeniería
Acueductos: Segovia, Mérida
Puentes: Alcántara, Salamanca, Pont de Gard
Calzadas: Vía de la Plata y Caesaraugusta
Cloacas: cloaca máxima
Esquema artistas inicial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Más obras, ideas, apuntes
Sarcófago
Los trabajos de Hércules
Sarcófago Ludovisi
Arquitectura : Contexto y características ArteRomano
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Contexto histórico
A finales del siglo VIII, la península itálica estaba habitada por diversos pueblos como los ligures, los etruscos, los sabinos y los latinos Estos dos últimos fundaron en el año 753 a.C una aldea llamada Roma que con el tiempo se convertiría en la capital de uno de los imperios más poderosos de la historia.
Roma expandió su influencia política y cultural por todas las tierras alrededor del mar Mediterráneo, gran parte de Europa (como las Galias, Hispania, Germania, y Dalmacia), las islas Británicas, el norte de África y el Próximo Oriente (incluyendo Anatolia, Siria, Egipto y Mesopotamia).
Roma se convirtió en el centro de la cultura occidental antigua y, de alguna manera, en el eje de la historia de Occidente, especialmente a medida que el estado romano dominaba a diferentes pueblos y absorbía sus culturas, destacando especialmente la de los etruscos y los griegos
Elementos culturales más importantes de los romanos:
Pragmatismo romano
Los romanos valoraban mucho las obras de ingeniería (puentes, calzadas y acueductos) y las construcciones públicas (termas y basílicas) por su funcionalidad y pragmatismo Por esta razón, usaban materiales como el ladrillo
Concepción imperialista
La cultura romana también se caracterizaba por su enfoque en el poder y la grandeza imperial, lo que se reflejaba en la construcción de grandes edificios (anfiteatros, circos y teatros) y monumentos conmemorativos con fines propagandísticos.
Concepción urbana
Teoría y apuntes
El imperio romano se organizaba como una red de ciudades interconectadas por una amplia red de calzadas.
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Las ciudades romanas eran amuralladas y organizadas a partir de dos ejes principales: el cardus (norte-sur) y el *decumanus* (este-oeste) En la intersección de estos ejes se encontraba el foro, la plaza pública que funcionaba como centro de reunión y donde se ubicaban los edificios públicos más importantes (templos, arcos de triunfo, y la sede del Senado Romano).
Introducción: arquitectura
La cultura etrusca influyó en la arquitectura romana, como el uso de arcos, bóvedas, cúpulas y ladrillos en sus construcciones. Por otro lado, los romanos adoptaron de la cultura griega varios elementos arquitectónicos importantes, como el sistema de columnas (adintelado), los órdenes arquitectónicos griegos, y el diseño de templos, teatros, estadios, e incluso el trazado urbanístico de las polis griegas
Sin embargo, no es solo una copia de la arquitectura griega; los romanos introdujeron dos grandes innovaciones:
– Un desarrollo técnico y constructivo notable, hasta el punto de que parte de su arquitectura se considera más ingeniería que construcción
– Una mayor variedad de tipos de edificios
Rasgos arquitectónicos romanos
Elementos griegos
La arquitectura romana toma elementos del arte griego, como sus principios de racionalismo y belleza las tipologías de templos y teatros, y algunos elementos arquitectónicos como el sistema adintelado y los órdenes griegos Sin embargo, los romanos los reinterpretan con un enfoque más funcional
Materiales
En cuanto a los aspectos técnicos, los romanos siempre priorizaron la solidez constructiva (firmitas) en el diseño de edificios, lo cual se evidencia en que muchos de ellos aún permanecen en pie después de dos mil años.
Para lograr esta solidez, usaron nuevos materiales de construcción: continuaron utilizando piedra y ladrillo pero su material más característico fue el hormigón una mezcla de agua, arena, cal y diferentes aglutinantes
– Este material, al secarse, se volvía tan sólido como la piedra, pero era suficientemente moldeable para construir formas como bóvedas, que no hubieran sido posibles de otro modo.
– Gracias a esta técnica, se construyeron edificios romanos icónicos como el Panteón, el Coliseo y las termas de Caracalla
Además de piedra, ladrillo, hormigón, empleaban el mármol, este último para dar una apariencia de riqueza y ostentación imperial Influenciados por los griegos, los romanos también pintaban sus templos y otros edificios.
Órdenes
Además de los tres órdenes griegos, los romanos introducen el orden toscano (una variante del dórico con fuste liso y base) y el compuesto (que mezcla elementos del jónico y corintio, combinando hojas de acanto y volutas en el capitel) Los templos romanos a menudo se elevan sobre un podio con una escalinata frontal
Rasgos arquitectónicos romanos
Muros
El muro romano tenía un núcleo de hormigón recubierto externamente con ladrillo o piedra, generando diferentes tipos de muro:
– Opus incertum: recubierto con pequeñas piedras o fragmentos de cerámica
– Opus reticulatum: donde se incrustaban pequeñas piezas piramidales de ladrillo o tufo volcánico en el hormigón fresco, dando un aspecto de hiladas paralelas en sentido oblicuo Este era el tipo de muro más utilizado.
– Opus quadratum: compuesto de bloques de piedra colocados de manera regular, a veces sin mortero.
Decoración
Los romanos añaden una rica ornamentación a estructuras diseñadas para ser eficientes y funcionales, logrando una combinación perfecta entre pragmatismo y grandeza imperial
Pragmatismo
Una característica clave del arte romano es su enfoque utilitario y pragmático, lo que explica la importancia de sus obras de ingeniería como calzadas, acueductos y puentes, así como las obras públicas, como termas, basílicas y foros.
La arquitectura romana valora más el espacio interior que el exterior por su funcionalidad, lo que da lugar a un sentido espacial propio A diferencia de los griegos, que construían edificios sin un orden específico, los romanos preferían una disposición axial simétrica, construyendo de forma idéntica a ambos lados de un eje central Funciones
La arquitectura también sirve como instrumento de propaganda política, conmemorando las victorias del Imperio a través de monumentos como los arcos de triunfo
Los edificios romanos simbolizan el poder del estado al reflejar la grandeza imperial a través de construcciones monumentales, especialmente las relacionadas con actividades recreativas como anfiteatros, teatros y circos
Arcos y bóvedas
Los romanos combinan el trilito griego con el arco etrusco, creando una superposición del arco en el dintel que permite una mayor altura y solidez en sus construcciones. Usan tanto el sistema adintelado como el abovedado, con bóvedas de cañón, bóvedas de arista y cúpulas.
Arquitectura : arco de medio punto Arte
Contrafuerte: muro que protege el arco.
Clave: la dovela central del arco
Dovela: cada una de las piedras que forman el arco.
Trasdós o Extradós: profundidad externa de la dovela.
Flecha: altura interior del arco de medio punto, medida desde la línea de imposta hasta la base de la clave.
Imposta: piedra desde la que arranca el arco.
Arco medio punto
Tipo de arco que tiene forma de semicírculo Es fundamental en las construcciones con bóvedas, especialmente en las bóvedas de cañón.
Más información relevante
Intradós: profundidad interna de la dovela.
Variantes del arco de medio punto
A partir de la forma básica de arco con un sólo centro, se pueden distinguir algunas variantes del arco de medio punto:
Arco escarzano
Su forma es más “aplastada”, no es un semicírculo. El centro geométrico está por debajo de la línea de impostas
Final del gótico y principio Renacimiento
Arco peraltado
Arco ampliado incluyendo dovelas colocadas por encima de la línea de impostas
Prerrománico- arte asturiano.
Arco parabólico
Empleado por los hititas y recuperado por Gaudí en el siglo XIX, con un diseño algo distinto
He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.
El arco de medio punto se utilizaba ya en la antigua Mesopotamia, alrededor del tercer milenio a C Los etruscos lo adoptaron y luego los romanos. Este tipo de arco es típico del arte romano y de estilos que se derivaron de él, como la arquitectura románica, renacentista y barroca
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Luz, vano: abertura en el muro que cierra un arco.
Templo Griego
Crepidoma: triple escalinata
Perístasis: columnas alrededor del templo, dando unicidad al templo
Planta rectangular: Con naos, pronaos y opistodomos, guardando simetría. La cella es la habitación principal para rendir culto a las divinidades Planta rectangular o tholos (circular)
Entablamento: decorado con triglifos y metopas
Materiales: adobe, madera, terracota, piedra El material más utilizado fue la piedra
Se busca la armonía del conjunto sin destacar mucho la fachada respecto al resto Las columnas, que van alrededor, dan unicidad al templo. Esas columnas nunca son adosadas.
Arquitectura
Cubiertas planas: arquitectura arquitrabada
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
Normas compositivas más estrictas órdenes arquitectónicos
El tempo griego forma parte de un conjunto sagrado llamado Temenos situado en una colina elevada y apartado de la ciudad
La mayoría de los templos griegos estaban orientado astronómicamente
Espacio interior pequeño, ya que la ceremonia se realiza fuera Dentro se guarda la figura de la deidad y tesoros Su estructura era construida para albergar la imagen de culto
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Templo romano
Podio | Podium: ensalza el templo en altura
Pseudiperíptasis: las columnas en los lados largos van adosadas
Planta cuadrangular: sin opistodomos y la naos es más profunda
Incorporan plantas mixtas, como el Panteón, con un pórtico rectangular y una cella circular La cella era maciza y cerrada. Las columnas traseras y laterales pasan a ser adosadas.
Entablamento: no tiene decoración. El friso es liso.
Materiales: son muy variados Piedra cortada en sillares regulares y dispuesta a soga y tizón Hormigón, ladrillo mampuesto, madera
La fachada gana importancia, se desarrolla más con la escalinata de acceso
Cubiertas abovedadas.
Mayor libertad compositiva: influencia oriental
El templo romano mezcla elementos arquitectónicos griegos y detalles etruscos Además, el templo forma parte de la polis. Los templos se construían en un espacio sagrado llamado Templum.
Espacio interior más amplio El templo romano era un lugar de culto a los dioses de la Antigua Roma
Obras
Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.
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Arco de Medinaceli
Comentario : Coliseo o Anfiteatro Flavio ArteRomano
Ficha técnica
Arquitecto desconocido: Encargado por Flavio Vespasiano
72-80 a.C.
Arquitectura civil | estilo alto Imperio
Roma
Artista y época
El Coliseo es una impresionante obra de la ingeniería romana Su innovación radica en que combina dos teatros en uno, algo que los griegos no hicieron, ya que solo construyeron teatros En el siglo I d C , Roma estaba en su máximo esplendor, gobernando un vasto territorio que incluía todo el Mediterráneo, la Galia, Asia Menor, las Islas Británicas, y más
Los romanos, muy prácticos, desarrollaron una arquitectura enfocada en edificios públicos y servicios como teatros, anfiteatros, circos, templos, carreteras, acueductos y sistemas de saneamiento
Comentarios
Inaugurado en el año 82, el Coliseo se convirtió en el anfiteatro más grande del mundo y sirvió como modelo para futuras construcciones
Vespasiano lo mandó construir como un regalo al pueblo reforzando la imagen generosa del poder (acto de propaganda) y la idea de ganar el favor de los ciudadanos con "pan y circo"
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Con el tiempo, fue abandonado y los terremotos lo dejaron en ruinas. Su mármol se reutilizó en otras construcciones El nombre "Coliseo" proviene de una enorme estatua de Nerón que estaba junto a él Su verdadera denominación es la de Anfiteatro Flavio, debido a la dinastía de emperadores reinantes
Función y significado
Función
El edificio de ocio servía para entretener a la gente, siguiendo la tradición del "pan y circo" de los emperadores romanos, que ofrecían alimento y espectáculo para mantener distraído al pueblo de los asuntos políticos Más tarde, la Iglesia católica lo adoptó como símbolo de los mártires que murieron en su arena
Significado
Aunque el edificio está deteriorado porque durante mucho tiempo se usó como cantera, todavía es un ejemplo duradero del carácter funcional y pragmático de la arquitectura romana Podía albergar a 50,000 espectadores y es una muestra de la monumentalidad y grandiosidad al servicio de la funcionalidad y también de la propaganda del emperador.
Análisis formal
El nombre "anfiteatro" significa "dos teatros" y es una construcción típica de la arquitectura romana, demostrando su enfoque práctico Estos edificios estaban diseñados para el entretenimiento del público Los anfiteatros tienen una forma ovalada o elíptica con dimensiones impresionantes que muestran la habilidad de los romanos para realizar grandes obras En el caso del Coliseo, sus medidas son: 187x155 metros
Materiales
Los materiales usados son variados: hormigón para cimientos, gradas y bóvedas de cañón; travertino para los pilares; toba volcánica ladrillo con hormigón, mármol y estuco para el revestimiento
Exterior
La estructura del anfiteatro tiene cuatro niveles Los tres primeros están formados por arcos de medio punto La fachada apoyada sobre una base elevada, es conocida por la superposición de órdenes arquitectónicos: toscano en el primer piso, jónico en el segundo y corintio en el tercero Cada piso tiene arcos sostenidos por columnas correspondientes a estos órdenes Encima de las columnas hay un entablamento o dintel. El espacio triangular entre el arco y el dintel se llama enjuta
El cuarto nivel, añadido durante el mandato de Domiciano para aumentar la capacidad, es el atrio con pilastras corintias que rodean ventanas cuadradas Se conservan algunas ménsulas que sujetaban los mástiles para un gran toldo que protegía el edificio del sol y la lluvia.
Originalmente toda la fachada estaba cubierta de estuco para mejorar su apariencia El acceso y la salida se realizaban a través de los 80 arcos del piso inferior
Interior
El Coliseo combina la arquitectura griega con el uso de arcos de medio punto, que servían tanto de soporte como de decoración, junto con bóvedas de cañón y de crucería. La red de galerías permitía un acceso rápido y evacuación a través de los vomitorios que probablemente estaban decoradas con pinturas o mosaicos
Análisis formal
El interior se divide en los siguientes espacios:
– Subterráneo: una red compleja de galerías, estancias abovedadas, escaleras, ascensores de poleas para subir fieras y tramoyas para acceder a la arena
– Arena: el espacio donde se llevaban a cabo luchas de gladiadores, batallas mitológicas o históricas, e incluso naumaquias, que eran representaciones de batallas navales (aunque se realizaban raramente debido a su complejidad y alto costo. Existe poca información al respecto). La arena tenía una forma ovalada de 74x46 metros, y debajo había pasillos, escaleras y habitaciones para organizar los espectáculos Graderío o cavea: compuesto por anillos concéntricos escalonados. El graderío se accedía desde los arcos del primer piso y no aprovechaba el desnivel del terreno, sino que se apoyaba en una serie de bóvedas superpuestas y pilastras
El edificio podía albergar a 50.000 espectadores y tenía una organización jerárquica Estaba dividido en cinco niveles: el más bajo tenía palcos para senadores y tribunos.
Hasta el tercer nivel, los asientos eran de mármol, mientras que a partir de ahí eran de madera para las clases inferiores, que veían los espectáculos de pie. El uso de madera ayudaba a reducir la presión sobre las paredes, bóvedas y pilares interiores
Comentario
Aunque tiene 2000 años de antigüedad, lo más interesante del Coliseo es su diseño como obra de ingeniería Es impresionante cómo decenas de miles de personas podían entrar, salir rápidamente y disfrutar del espectáculo bajo techo. Aunque el uso de los tres órdenes arquitectónicos superpuestos no era nuevo, ya que se había empleado en la época helenística y en el Teatro Marcello (13 d.C.), este diseño fue muy imitado durante el Renacimiento y el Barroco
Gradas para esclavos, extranjeros y plebe: los espectadores estaban de pie.
Gradas porticadas (portici): gradas para las mujeres y clases inferiores.
Podium: gradas para los emperadores y espectadores ilustres.
Más información relevante
He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.
Graderío (maenianum): gradas para los tribunos y ciudadanos.
Galerías inferiores (ambulacrum): pasillos de acceso a las gradas.
Arena: Círculo central donde tenían lugar los espectáculos
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Accesos (vomitoria): puertas de acceso y salida de los visitantes.
Gradas para los caballeros (equites)
Puertas: numeradas del 1 (I) al 80 (LXXX) permitían una entrada y salida rápida y ordenada.
Ima cavea: nobleza y oficiales
Media cavea: Ciudadanos romanos y clase media
Summa cavea: Esclavos y pobres
Summum Maenianumin Ligneis Mujeres
arte
AL-ANDALUS
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Portadas
Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.
Contexto pág.220
Arquitectura
Rasgos generales pág.220
La ciudad islámica pág.220-222
La mezquita pág.223-224
Planta Mezquita Córdoba pág.225
Medina Azahara pág.223
La Alhambra pág.226
Obras pág 227-248
Fichas obras
Obras arquitectura pág.249
Comentarios
Mezquita-Catedral Córdoba pág.250
La Alhambra de Granada pág.251-254
Imprimir blanco y negro
Planta Mezquita-Catedral Córdoba pág.255-256
Arquitectura : características y tipología Arte
Bases estéticas y religiosas
En el siglo VII, surgió una nueva religión monoteísta fundada por Mahoma (571-632) y recogida en el Corán. Su centro espiritual está en La Meca, donde se encuentra el santuario de La Kaaba. Aunque al principio tuvo dificultades, en pocas décadas se expandió rápidamente por el Oriente Medio, el norte de África y la Península Ibérica
Influencia de la religión
El arte islámico, como el cristiano medieval, está fuertemente influido por la religión No había un concepto de artista como genio creador, ya que eso se consideraría arrogante frente a Alá, el único creador Los artistas islámicos eran principalmente artesanos y, aunque algunos estaban bien posicionados económicamente, no eran considerados genios.
Las imágenes
Se cree comúnmente que el islam prohíbe la representación de imágenes de seres vivos, especialmente humanos, pero esto no es del todo cierto. El Corán no prohíbe explícitamente estas imágenes.
El rechazo hacia las imágenes se debía más a evitar la idolatría y a diferenciarse de los cristianos, siendo más estricto en el arte religioso que en el civil Ejemplos de arte figurativo islámico incluyen la fuente del Patio de los Leones en la Alhambra y las pinturas humanas en el Palacio de Qusayr Amra en Jordania.
Materiales
En el arte islámico, el uso de materiales no era un problema En épocas de esplendor, como durante el Califato de Córdoba, se usaban materiales nobles, pero en tiempos de escasez se recurría a yeso y azulejos. Se creía que el trabajo del artista y la luz (símbolo de la divinidad) podían embellecer cualquier material.
Técnicas
Todas las técnicas y formas de arte eran valoradas. No existían "artes menores". La arquitectura se complementaba con objetos y muebles que reflejaban la herencia nómada, como alfombras, cofres, tapices y pequeños muebles. El trabajo en madera era especialmente detallado
Teoría y apuntes
Decoración
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
La decoración islámica es muy compleja, con un enfoque en cubrir todas las superficies de los edificios con pinturas, azulejos o yeserías. Los motivos vegetales y geométricos predominan, con patrones entrelazados que simbolizan la idea de un mundo formado por combinaciones infinitas La escritura, en caligrafía cúfica, también es fundamental en la decoración, con textos religiosos, elogios políticos o poesía
La ciudad islámica
Después de la caída del Imperio Romano, muchas ciudades cayeron en decadencia y la vida se trasladó a las aldeas, lo que afectó al arte y la cultura. La expansión del islam trajo un nuevo auge a las ciudades, pero de una manera diferente a la de la antigua Roma y Grecia Los territorios dominados por los seguidores de Mahoma combinaban el nomadismo y el comercio con una red de ciudades que eran centros de comercio, política, religión y cultura
Algunas ciudades romanas, como Damasco y Córdoba, vivieron nuevos períodos de esplendor, mientras que otras se fundaron en lugares estratégicos comerciales o militares Bagdad, por ejemplo, fue construida en forma de círculo como símbolo de poder de los califas abasíes
Las ciudades islámicas eran muy distintas a las grecorromanas. En lugar de foros, ágoras y teatros, los espacios públicos eran: – Los baños públicos (hammam), que heredaron las termas romanas
– Los mercados (zocos)
– En las ciudades comerciales, los caravasares, edificios con patios para las caravanas
El urbanismo islámico solía ser irregular, con calles estrechas y sinuosas, a menudo sin salida Aunque desde una perspectiva occidental puede parecer desorganizado, tenía su lógica: las calles eran solo para el tránsito, no para el encuentro
Una ciudad musulmana se organizaba en torno a:
– La medina, el centro principal con la gran mezquita, los edificios de poder y el mercado de lujo (alcaicería)
– Los barrios o arrabales alrededor de la medina, que tenían sus propios muros y eran bastante autónomos, con mezquitas, zocos, baños y cementerios.
Toda la ciudad estaba rodeada por murallas con puertas dobles y en recodo, que servían para defensa y tenían valor militar y monumental. A veces, cerca de la ciudad pero fuera de las murallas, había una ciudadela palatina y militar, como la Alhambra en Granada, que era un centro de poder y también reflejaba desconfianza hacia la población.
La unidad básica de la ciudad era la casa, vista como una fortaleza de la intimidad familiar. Estas casas tenían un patio central que organizaba el espacio y las habitaciones eran pequeñas, cada una con una función específica
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Arquitectura
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
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Ampliación de Al-Mansur
Se añadieron nueve naves en sentido lateral, descentrando el mihrab
Mezquita primitiva
Ampliación Abd-al-Rahman II
En la segunda fase, Abderramán II comenzó en 848 Derribó la quibla y el mihrab, y extendió la sala de oración ocho tramos más
Ampliación Al- Hakam II
Se derribó la quibla y se amplió la sala de oración con doce tramos más Se construyó el mihrab definitivo, decorado con mosaicos bizantinos Se construyó una maqsura, muy decorada, con dos espacios
Puerta de los Deanes Puerta de San Esteban Puerta de San Miguel
Comentario : la Alhambra de Granada ArteAl-Ándalus
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Ficha técnica
Desconocido
Siglos XIII-XV
Arquitectura civil
Granada- EspañaArtista y época
Este conjunto de edificios fue construido durante reino nazarí de Granada (1232-1492) , que existió desde el siglo XIII hasta su conquista por los Reyes Católicos en 1492, siendo la última etapa del arte islámico en la Península Ibérica La Alhambra es uno de los ejemplos arquitectónicos más importantes de la época musulmana en España y muestra claramente el esplendor de esta cultura
Aunque en épocas anteriores ya había algunas fortificaciones en la colina de la Alhambra, fue con los nazaríes cuando se estableció claramente la estructura de la Granada islámica La ciudad principal estaba en la colina que hoy llamamos Albaicín, mientras que el palacio-ciudad de la Alhambra se encontraba en la colina opuesta la Sabika al otro lado del río Darro Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Funcionalidad
La Alhambra, construida durante el dominio nazarí en el Reino de Granada (siglos XIII a XV), refleja la integración del poder político y religioso en el islam. La Alhambra es un ejemplo de arquitectura islámica, caracterizada por la rica decoración geométrica, vegetal y epigráfica que cubre las superficies, creando una ilusión de espacio inmaterial
La Alhambra no era solo un palacio, sino toda una ciudad que controlaba y defendía la zona Estaba rodeada por una robusta muralla de más de dos kilómetros, con unas treinta torres Además, tenía puertas que combinaban funciones defensivas y decorativas.
La naturaleza juega un papel fundamental: los jardines y el agua corriente crean una experiencia sensorial que conecta a los visitantes con lo divino, mientras que el agua estancada en el Patio de los Arrayanes refleja la idea de que todo es cambiante excepto Alá Los cuatro canales del Patio de los Leones sugieren tanto el paraíso islámico como la distribución del bienestar por el sultán.
Análisis
La Alhambra es uno de los más importantes ejemplos de arquitectura de la época musulmana en España y refleja el esplendor de esta cultura La Alhambra, que en árabe significa "fortaleza roja", es un complejo de palacio y fortaleza construido principalmente en el siglo XIV, durante los reinados de Yusuf I y Mohamed V No es un único palacio, sino un conjunto de muchos edificios diferentes.
Primero se construyó el recinto amurallado y la Alcazaba, que tiene una planta trapezoidal y ofrece una vista dominante de la ciudad. El conjunto de edificios se añadieron sin un plan previo a lo largo del tiempo Los reyes cristianos no entendieron esto y conectaron las distintas partes entre sí
Su núcleo principal incluye el Cuarto de Comares o Palacio de Comares, que se organiza alrededor del Patio de los Arrayanes y el Cuarto de los Leones o Palacio de los Leones, centrado en el Patio de los Leones
En la estructura de la Alhambra, podemos distinguir tres partes principales:
1. La Alcazaba: era la zona militar encargada de proteger el conjunto
2. El sector palaciego: incluye espacios privados y públicos
3. La parte urbana: alrededor de la Calle Real había viviendas, talleres, una casa de moneda y una mezquita que, después de la llegada de los cristianos, se convirtió en la iglesia de Santa María de la Alhambra
Artísticamente, lo más destacado son los palacios que, aunque están agrupados de forma irregular se organizan alrededor de patios y presentan un diseño a escala humana, no dan demasiada importancia a los aspectos estructurales; disimulan con yeso los materiales pobres empleados: argamasa para los muros y ladrillos para bóvedas, arcos y pilares
Análisis
La Alhambra también se caracteriza por las suaves transiciones entre el interior y el exterior, y entre los edificios y la naturaleza, con pórticos, torres miradores y patios. La vegetación y el agua también juegan un papel importante en la conexión entre los distintos espacios Además, la Alhambra contaba con un eficiente sistema de abastecimiento de agua
Palacios Nazaríes
Algunos de los palacios, como el del Partal y el de Yusuf III, solo conservan restos. Sin embargo, los palacios de Comares y Los Leones están bien conservados
Palacio de Comares
Construido bajo Yusuf I (1333-1354) y reformado por Muhammad V. El Palacio de Comares, también conocido como Cuarto de Comares, toma su nombre de las "comarías", las coloridas vidrieras que cubrían el Salón de la Torre de Comares. Este conjunto se organiza de manera algo desordenada alrededor del Patio de la Alberca o de los Arrayanes, que recibe su nombre de los arbustos que rodean el estanque. En el agua del estanque se refleja la Torre de Comares, donde se encuentra el Salón del Trono o de los Embajadores
El Patio de los Arrayanes tiene una forma rectangular, destacando la alberca y la vegetación. El agua refleja la imagen de la torre, simbolizando que todo cambia excepto Alá
En los lados menores del patio se encuentran los pórticos, que muestran la importancia de los espacios abiertos integrando la arquitectura con la naturaleza, que tienen unos soportes característicos:
– Los pórticos se apoyan en las columnas nazaríes con basas de mármol y estilizadas; sus capiteles combinan un modelo cilíndrico y cúbico, decorados con motivos vegetales como hojas de acanto o atauriques, y mocárabes.
– Arcos de medio punto (peraltados o ligeramente apuntados) decorados con formas angreladas (sucesión de pequeños lóbulos) o mocárabes Estos arcos no son estructurales, sino decorativos, funcionando como pantallas visuales que dejan pasar la luz. Los elementos decorativos, como paños sebka lacerías, arabescos con versos, y el agua, son fundamentales en el diseño del patio
En los lados mayores hay puertas que llevan a otras áreas, como los baños de Tepidarium y Caldarium
El Torreón de Comares que se refleja en el agua, era el Salón del Trono o de Embajadores, una zona pública construida en tiempos de Yusuf I Debido al grosor de sus paredes, se pudieron abrir tres alcobas en los lados norte, oeste y este. Tiene forma prismática. La decoración del salón es abundante: en el zócalo hay cerámica con motivos geométricos y, más arriba yeserías con lacería, ataurique, y epigrafía Dentro del Salón del Trono destaca el techo de madera, que presenta decoración de estrellas de varias puntas y siete círculos concéntricos, simbolizando posiblemente los siete cielos del Paraíso islámico, con el trono de Dios en el octavo cielo en el centro, decorado con mocárabes
Arquitectura imprimible
Al final de cada tema, siempre que sea necesario, encontrarás diseños de plantas, alzados, partes de edificios o edificios completos, en blanco y negro. Están preparados para que los imprimas y puedas añadir las partes e información que necesites.
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arte ROMÁNICO
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Portadas
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5 Arte Románico
Cuadro resumen
Obras y apuntes pág.258
Contexto pág.259
Arquitectura
Rasgos generales pág.260
Planta y alzado iglesias pág.261-262
Tipos de arcos pág.263-264
Arquitectura en Francia pág.265-267
Arquitectura Península pág 268-287
Escultura
Rasgos generales pág 288
La portada pág 289
Temas y escuelas pág.290
Obras pág.291-300
Pintura
Rasgos generales pág 301
Obras pág.302-311
Fichas
obras
Obras arquitectura pág.311-312
Obras escultura y pintura 313-314
Comentarios
Catedral de Santiago pág.315-317
Pórtico de la Gloria pág.318-319
Pantócrator San Clemente Taüll pág.320
Santa María de Taüll pág.321
Imprimir blanco y negro pág.322-328
Arquitectura : tipos de arcos
Contrafuerte
Trasdós o Extradós
Imposta Flecha
Intradós
Más información relevante
He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.
La escultura en el arte románico estaba totalmente subordinada a la arquitectura, encontrándose principalmente en las portadas de las iglesias y en los capiteles de las columnas, especialmente en los claustros Estas esculturas se adaptaban al diseño arquitectónico y, en ocasiones, estaban policromadas
La escultura románica se caracteriza por su antinaturalismo. El objetivo no era imitar la naturaleza, sino transmitir mensajes religiosos, lo que hacía que los artistas ajustaran las proporciones de las figuras para destacar lo importante, usando lo que se llama perspectiva jerárquica
Además, como estaba muy unida a la arquitectura, seguía lo que el historiador Henri Focillon llamó la "ley del marco" . Las figuras debían adaptarse al espacio arquitectónico, como en portadas, capiteles o modillones, lo que a veces resultaba en posturas forzadas o poco naturales
Desde la época de los griegos y romanos no se había vuelto a crear escultura monumental. Para los bizantinos, la forma principal de expresión artística era el mosaico, mientras que en los trabajos en marfil se realizaban esculturas en relieve de manera discreta y sin monumentalidad
En el Prerrománico, las manifestaciones escultóricas eran poco comunes; algunos ejemplos incluyen los capiteles visigodos de San Pedro de la Nave y las pilastras de la iglesia asturiana de San Miguel de Lillo
En el Románico, la escultura monumental resurge, tomando como referencia la escultura romana tardía, aunque con contenido y temáticas diferentes Vamos a estudiar las principales características de esta escultura
Ubicación relieves
La escultura románica está muy ligada a la arquitectura, lo que impulsó el desarrollo del relieve Los principales lugares donde se encontraban estos relieves eran:
Portadas
Teoría y apuntes
Al ser un lugar de paso obligado, todos los fieles veían estos relieves, lo que facilitaba su instrucción religiosa Estas esculturas y pinturas se consideraban "la Biblia en piedra" o "la Biblia de los pobres" Las partes principales de la portada son el tímpano, las arquivoltas, el dintel, el parteluz y las jambas
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Columnas
Los relieves se extendían por todos sus elementos, como las basas, los fustes, los capiteles, los modillones de las cornisas y aleros, y las líneas de imposta a lo largo de los muros
Claustros de los monasterios
También eran espacios comunes para relieves
Las portadas
La portada de una iglesia, que simboliza el acceso a la "casa de Dios", suele tener una rica decoración escultórica religiosa, destacando en el tímpano, las arquivoltas, el parteluz y las jambas
Características
En la escultura monumental románica predominaba el relieve sobre el bulto redondo, caracterizado por la frontalidad, hieratismo inexpresividad, rigidez simetría compositiva, jerarquización de figuras, horror vacui, falta de interacción entre las figuras representadas y un fuerte simbolismo
Temática
La temática iconográfica se centraba principalmente en el Apocalipsis (el fin del mundo y el juicio final), presente en las portadas, y en menor medida en escenas evangélicas y de la vida de Jesús, alegorías de los vicios y virtudes, escenas de la vida cotidiana, figuras humanas representando oficios, así como temas vegetales, geométricos y animales fantásticos, ubicados en las portadas y los capiteles de los claustros.
Todos los temas representados poseían aspectos simbólicos, como la serpiente o la sirena (que simbolizan el mal y la lujuria), el cordero, la paloma o la hoja de vid (que representan a Jesús), y la piña (que simboliza la inmortalidad o la resurrección)
Finalidad
Estas esculturas tenían un propósito didáctico y moral: transmitir y enseñar las enseñanzas del cristianismo, especialmente de la Biblia, a una sociedad mayoritariamente analfabeta, y guiar a los fieles hacia una vida virtuosa para alcanzar el cielo tras el juicio final.
También se usaban motivos decorativos vegetales con una función ornamental
Ejemplos
Los principales centros de la escultura románica monumental se encuentran en Francia y España – En Francia destacan las portadas de las iglesias de Santa María Magdalena de Vézelay, Santa Fe de Conques y San Pedro de Moissac
– En España, son notables la portada de las Platerías de Santiago, los relieves del claustro del monasterio de Silos y de San Juan de la Peña, la portada de Santa María la Real de Sangüesa y el Pórtico de la Gloria de Santiago.
Esculturas exentas
Aunque la mayor parte de la escultura románica está en relieve y asociada a la arquitectura, también existen esculturas exentas, principalmente en madera policromada
Esculturas de la Virgen
Estas esculturas suelen representar a la Virgen con el Niño, donde María es un trono sin identidad propia, influenciada por la estética bizantina
Imágenes de Cristo
Imágenes de Cristo en la cruz, vivo, un Cristo en majestad para el que la Pasión no significa dolor ni sufrimiento, sino el triunfo sobre la muerte
Otro material utilizado fue el marfil importado de África se usaba para objetos de culto, cubiertas de urnas, tapas de libros litúrgicos. En algunos casos también se utilizaba para esculturas como el Cristo del rey Fernando y la Reina Sancha.
Escultura : la portada del románico ArteRománico
Portadas Románicas
La portada de una iglesia, que simboliza el acceso a la "casa de Dios", suele tener una rica decoración escultórica religiosa, destacando en el tímpano, las arquivoltas, el parteluz y las jambas.
En la escultura monumental románica predominaba el relieve sobre el bulto redondo, caracterizado por la frontalidad, hieratismo, inexpresividad, rigidez, simetría compositiva, jerarquización de figuras, horror vacui, falta de interacción entre las figuras representadas y un fuerte simbolismo
Dintel
Capitel
Tímpano
Pedestal de la jamba
Arquivoltas
Parteluz | Mainel
Jamba columna
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Arquivoltas: cada una de las molduras que forman una serie de arcos concéntricos decorando el arco de las portadas románicas Terminan en la imposta. Suelen contener relieves con motivos vegetales, espirales o alegorías
Tímpano: espacio delimitado entre el dintel y las arquivoltas. Es la parte más importante Lo preside el Pantocrátor rodeado por los tetramorfos (evangelistas con sus animales simbólicos) Muchas veces se representan escenas del “Juicio Final” Siguen los principios de la escultura de la época: hieratismo, solemnidad, simetría, jerarquía en las figuras, horror vacui
Dintel: elemento estructural horizontal que salva un espacio libre entre dos apoyos Se suelen situar escenas o símbolos relacionados con el tema de la portada (si la portada es sobre “El Juicio Final”, en el dintel puede haber fuego)
Capitel: parte superior de la columna o de una pilastra, con forma de moldura y ornamentación según el orden arquitectónico que le corresponda Los capiteles, igual que el dintel, se decoran con imágenes relacionadas con la potada: motivos vegetales, monstruos, alegorías, etc
Parteluz: es un pilar o columna delgada que divide en dos un vano En él podía aparecer la imagen de Cristo, la Virgen o el Santo / Santa a quien se dedicara el templo
Jamba: sustentan el edificio. en las jamás solían colocarse estatuas de los apóstoles o de santos, incluso personajes importantes del Antiguo Testamento
Escultura: fichas obras ArteRománico
título: Pórtico de la Gloria
Cronología
Siglo XII
Catedral Santiago de Compostela
Estilo
Románico Autor
Maestro Mateo
Justifica tu respuesta
– La temática iconográfica del tímpano está relacionada esencialmente con el Apocalipsis (la llegada del fin del mundo
– Finalidad didáctica al intentar difundir las enseñanzas del cristianismo a una población analfabeta
– Las figuras presentan una mayor interrelación entre ellas, más movimiento y expresividad que en portadas anteriores
Análisis completo de la obra
título: La Última cena – San Juan de la Peña-
Fichas identificación
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Cronología
Siglo XII
Monasterio San Juan de la Peña
Estilo
Románico Autor
Justifica tu respuesta
– Hieratismo, Simbolismo y Horror vacui en esta escena religiosa.
– Escultura de temática religiosa del Nuevo Testamento ubicada en el capitel(adaptación al marco) de una columna en un claustro.
– Finalidad didáctica al intentar difundir las enseñanzas del cristianismo a una población analfabeta.
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título: Juicio Final – Santa Fe de Conques-
cronología
Siglo XII
Sainte-Foy
Estilo
Románico autor
Justifica tu respuesta
– La temática iconográfica del tímpano está relacionada esencialmente con el Apocalipsis (la llegada del fin del mundo) con el Pantocrátor y la escena del Juicio Final.
– Hieratismo, Simbolismo, Frontalidad, Jerarquización y Rigidez de las figuras.
– Finalidad didáctica al intentar difundir las enseñanzas del cristianismo a una población analfabeta.
título: Duda de Santo Tomás
Cronología Finales siglo XI
Claustro Santo Domingo de Silos
Estilo
Románico Autor
Justifica tu respuesta
– Escena religiosa de los evangelios ubicada en un relieve angular(adaptación al marco arquitectónico) de un claustro.
– Hieratismo, Frontalidad, Jerarquización y Rigidez de las figuras.
– Finalidad didáctica al intentar difundir las enseñanzas del cristianismo a una población analfabeta.
Comentario : Catedral de Santiago Arte
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Bernardo el Viejo y el Maestro Mateo.
1075-1211
Arquitectura religiosa-iglesia de peregrinación
Santiago de Compostela (Galicia- España)
Artista y época
Estamos ante la famosa catedral románica que empezó a construirse en el siglo XI y se terminó en 1211 Se inició su construcción en el año 1075 promovida por Alfonso VI y el obispo Diego Peláez Otro de los grandes promotores fue el obispo Gelmírez En la obra trabajaron artistas españoles y franceses Se conoce el nombre del maestro Bernardo el Viejo y del maestro Mateo, artífice del Pórtico de la Gloria
Después del año 1000 d.C. con la caída del Imperio Romano y la invasión musulmana, se comenzaron a construir monasterios, las peregrinaciones a lugares sagrados crecieron y las cruzadas tuvieron lugar Todo esto llevó a que la Iglesia Cristiana dominara la vida cultural y ayudó a que el estilo románico floreciera en Europa Occidental entre los siglos X y XII, con un fuerte enfoque religioso
Comentarios
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En el siglo IX se descubrieron las supuestas reliquias del apóstol Santiago el Mayor, lo que llevó a la creación de una ruta de peregrinación desde Francia hasta el noroeste de la Península Ibérica, surgiendo el Camino de Santiago, que sigue siendo importante hoy en día como símbolo del cristianismo. El rey asturiano Sancho II el Casto construyó una basílica para estas reliquias pero fue destruida por las tropas de Al-Mansur En el siglo XI el obispo Diego Peláez mandó construir la Catedral de Santiago Este templo, basado en el diseño de las iglesias de peregrinación, se convirtió en una de las principales obras del románico en España
Funcionalidad
La catedral se construyó para albergar las reliquias del apóstol Santiago en la cripta y servir como meta final del Camino de Santiago, una ruta de peregrinación que comenzaba en varios puntos de Europa, especialmente en Francia Se diseñó para recibir a los numerosos peregrinos que llegaban a Santiago.
Es considerada la obra maestra del románico español y del modelo de iglesia de peregrinación Destaca por su tamaño (97 metros de longitud) y por su cabecera completa Aunque el exterior fue remodelado en el barroco, todavía conserva elementos románicos como la portada de las Platerías y el Pórtico de la Gloria
Análisis
Exterior
En su época, la catedral era notable por su complicada cabecera románica, los largos brazos del transepto y las dos torres a los lados de la fachada. Con el tiempo, se añadieron más torres, un claustro gótico flamígero y una cúpula sobre el crucero
En los siglos XVII y XVIII, la fachada románica fue reemplazada por la fachada barroca del Obradoiro Hoy en día, de la catedral original solo queda la fachada sur del transepto y la famosa puerta de Platerías.
Planta
El tamaño de la catedral es mucho mayor que el de otros templos románicos en la Península Ibérica Tiene una planta en forma de cruz latina, simétrica y regular, con tres naves un nártex y un gran transepto también con tres naves El transepto tiene tres naves y capillas absidiolos, y en el centro del crucero está el cimborrio que ilumina el templo.
La cabecera cuenta con un deambulatorio con cinco capillas radiales
– La nave central, de 22 m de altura con bóvedas de cañón y arcos fajones
– Las naves laterales tienen bóvedas de arista y la tribuna tiene una bóveda de cuarto de cañón
El interior se organiza en dos niveles: arcadas sobre pilares con columnas adosadas y una tribuna elevada con vanos a ambos lados del pasillo La tribuna, el transepto y el deambulatorio permitían a los peregrinos moverse por el templo sin interrumpir los oficios religiosos y acceder a las reliquias en una cripta bajo el altar principal
Análisis: la decoración
Materiales de construcción
En cuanto a los materiales de construcción, la piedra es el material principal en la arquitectura románica Se usaron grandes muros de piedra para crear un ambiente íntimo y tranquilo para la religión.
Sistema constructivo
El edificio utiliza bóvedas de cañón y de arista La nave central, muy alta, tiene una bóveda de cañón reforzada con arcos fajones, y las naves laterales tienen bóvedas de arista
Se emplearon arcos de medio punto y pilares para soportar el peso, además de contrafuertes y tribunas para ayudar con el peso lateral.
Alzado
El edificio no es muy alto, típico de la arquitectura románica pero las iglesias de peregrinación como esta son grandes para acomodar a muchos peregrinos Se pueden ver dos torres en la fachada principal, un cimborrio sobre el crucero y una tribuna sobre las naves laterales El acceso a los ritos es a través del triforio.
Lenguaje formal y principios estéticos
Predomina el muro sobre las ventanas, que son pequeñas y poco iluminan el interior, creando una atmósfera de intimidad La arquitectura románica es sobria y poco decorativa, con algunos elementos estéticos como arquillos ciegos y esculturas en el Pórtico de la Gloria y la Portada de las Platerías.
Comentario
Santiago el Mayor es considerado por los cristianos uno de los apóstoles que estuvo con Cristo En el siglo IX, se decía que sus restos fueron encontrados en el noroeste de la Península Ibérica, cerca de Finisterre, el lugar donde se pensaba que acababa el mundo. Estos restos se usaron tanto por la Iglesia como por los reyes en la lucha contra el Islam
Así, la ruta hacia la tumba del apóstol se convirtió en una importante ruta de peregrinación, y el apóstol en un símbolo de la resistencia contra los musulmanes La Catedral de Santiago, construida en este contexto, tiene un gran valor religioso y artístico.
Ficha técnica
Más información relevante
He
Comentario : Catedral de Santiago Arte
Cabecera
Capillas del Salvador
Triforio
Segundo piso. Recorre las naves laterales del transepto y la girola
Formada por la girola y cinco absidiolos Todas las capillas están unidas al triforio, permiten gran amplitud de espacios y posibilitan la celebración simultánea del culto
Capillas absidales
La mayoría cubiertas por bóvedas de horno.
Ábside
Absidiolos
En el transepto encontramos 4 absidiolos, dos a cada lado de la cabecera. Dedicados a San Nicolás, Santa Cruz, San Martín y San Juan Bautista.
Girola
La función era que los peregrinos pudieran contemplar el sarcófago de Santiago, situado en la cripta, bajo el altar
Crucero
En un inicio se cubrió con una cúpula sobre trompas Hoy no se conserva, la actual es barroca, bajo el cimborrio.
Nave central
Los tramos son rectangulares y se cubren con bóvedas de cañón, reforzadas con arcos fajones que descansan sobre los ábacos de las semicolumnas del segundo piso Más ancha y alta que las laterales
Nave lateral
Portada de Azabachería
Pilares con columnas adosadas
Nave central Bóvedas de cañón
Arquitectura
Naves laterales
Bóvedas de arista
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
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de la Gloria
Los tramos son cuadrados y están cubiertos por bóvedas de arista separadas por arcos fajones que son la prolongación de los de la nave central
Triforio
Triforio o segundo piso, que se prolonga por el crucero Recorre las naves laterales del transepto y la girola, hasta dar la vuelta a la iglesia Arcos de medio punto. El tránsito entre el espacio inferior y el triforio se realiza mediante una imposta ajedrezada
Pórtico de la Gloria
Construido por el Maestro Mateo en el último tercio del siglo XII Actúa a modo de nártex, creando cuatro espacios que se cubre con bóvedas de crucería.
Portadas: Platerías y Azabachería
Torres
Transepto
Muy amplio y dividido en tres naves y cuatro absidiolos.
Pilares
La separación de las naves se realiza a través de pilares cuadrados con medias columnas en cada frente
Pórtico
Portada de Platerías
Comentario : Pórtico de la Gloria ArteRománico
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Ficha técnica
Maestro Mateo y sus discípulos
Finales siglo XII
Relieve: originalmente policromado
Catedral de Santiago de Compostela (Galicia- España)
Artista y época
Estamos ante de una de las mejores obras de escultura medieval Sabemos que es obra del Maestro Mateo porque encontramos una inscripción en el mismo pórtico que dice: “En el año 1188, el Maestro Mateo ha dirigido la obra desde el principio” Mateo, con un grupo de ayudantes, recibió el encargo en 1168 y una pensión vitalicia del rey Fernando II de León, mostrando la importancia del proyecto El trabajo no solo consistía en hacer una portada, sino en terminar la catedral adaptando el desnivel entre la nave y la plaza También construyeron una cripta bajo el pórtico. En el siglo XI, la Catedral de Santiago se había convertido en un destino muy importante para los peregrinos que venían a Compostela
Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
El Pórtico de la Gloria se enmarca en un periodo de recuperación en Europa a partir del siglo XI, con el éxito de rutas de peregrinación como el Camino de Santiago En la Península, este siglo coincide con la crisis del califato y los reinos de taifas, lo que facilitó la conquista de los reinos cristianos y la llegada de recursos Alfonso VI promovió el Camino de Santiago, protegiendo a los monjes cluniacenses El Camino impulsó el comercio y el intercambio cultural contribuyendo al desarrollo económico y a la mezcla de culturas España se integró en Europa, adoptando el culto romano en lugar del mozárabe
Función
La construcción de la Catedral de Santiago está ligada a la afluencia de peregrinos y a la promoción del obispo Gelmírez El Pórtico tenía una función didáctica, enseñando los dogmas y mensajes del mundo teocrático controlado por la Iglesia, y promoviendo la piedad y las vías de salvación. Además, para los peregrinos, el Pórtico ofrecía esperanza tras su largo viaje, presentándoles a Cristo como Rey de Reyes y a Santiago como anfitrión en la Jerusalén celestial
Esta obra se sitúa en la última etapa del románico, que comenzó en el siglo XI con ejemplos como el Crismón de Jaca y el claustro de Santo Domingo, y continuó en el siglo XII con el Pórtico de las Platerías y el gran arco de entrada de Ripoll.
Análisis
El Pórtico de la Gloria muestra elementos típicos del románico, como el horror vacui (miedo al vacío) y la adaptación al marco, especialmente en el tímpano y las arquivoltas Sin embargo, también tiene características estilísticas que anticipan el gótico: las figuras empiezan a ganar independencia del marco arquitectónico, con un mayor volumen (como el apóstol Santiago); la anatomía se representa de manera más realista y natural, con pliegues en las vestiduras más dinámicos y elegantes Los rostros son más expresivos y humanos, mostrando sonrisas y diálogos, lo que les otorga personalidad y singularidad
Descripción iconográfica
El Pórtico está compuesto por tres arcos Los dos arcos laterales no tienen tímpano: el de la izquierda muestra escenas del Antiguo Testamento, el central representa el Apocalipsis, y el de la derecha el Juicio Final La lectura es cronológica de izquierda a derecha.
El arco central está dividido por un parteluz, en el que de abajo hacia arriba se ve: en la basa, un hombre barbudo que puede ser Adán, Sansón, Moisés o Abraham, abriendo la boca a leones que funcionan como respiraderos de la cripta En el fuste se encuentra el árbol de Jesé (genealogía de Jesús), un capitel con la Trinidad (paloma como Espíritu Santo, el Padre sosteniendo al Hijo con el libro de la Revelación), la figura del apóstol Santiago en actitud acogedora, y un capitel con las tentaciones de Cristo. En la parte posterior del parteluz, se encuentra una figura penitente, posiblemente el maestro Mateo
Descripción iconográfica
En el tímpano, Cristo aparece como juez, mostrando sus llagas, rodeado de los evangelistas: San Marcos (león), San Mateo (caja de impuestos, simbolizando su trabajo como publicano), San Lucas (toro) y San Juan (águila) A la izquierda, se representa al pueblo de Israel, y a la derecha, al pueblo elegido. En la parte inferior, ángeles muestran los símbolos de la pasión (columna, cruz, corona de espinas, jarra de Pilato, esponja, clavos, lanza, azote y martillo)
En la arquivolta, los veinticuatro ancianos del Apocalipsis están dispuestos en círculo, con instrumentos musicales, conversando en parejas
En el lado izquierdo del arco se representan las herejías y en las jambas, profetas como Isaías, Daniel, Jeremías, que parecen sonreír y dialogar En el lado derecho, en la parte superior, se muestran los pecados capitales y un ángel, mientras que en las jambas están los apóstoles Pedro (con las llaves), Pablo (con un libro), Santiago y Juan, este último joven y sonriente Así, las jambas unen el Antiguo Testamento (profetas) y el Nuevo Testamento (apóstoles).
Comentario
El Pórtico de la Gloria es una obra maestra del arte románico y también un adelanto del arte gótico. De estilo románico tiene la majestad y seriedad en los personajes, mientras que de estilo gótico muestra un tratamiento más naturalista en los rostros y posturas El Maestro Mateo se inspiró en la portada de la Iglesia de la Magdalene en Vézelay, imitando su estructura y disposición de figuras
Este pórtico influyó en muchas otras portadas, especialmente en Galicia, como el Pórtico del Paraíso en la Catedral de Orense. Originalmente, era la entrada principal para los peregrinos que llegaban a Compostela desde toda Europa.
Comentario : Pórtico de la Gloria ArteRománico
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Ángeles con los primeros salvados y con los no nacidos.
Cristo resucitado - tímpano-
Evangelistas – tímpano -
Ángeles de la Pasión (ambos lados) – tímpano
LIMBO
Arquitectura superior: el pueblo oprimido. Arquitectura inferior: Cristo en el centro, Adán y Eva, y los Patriarcas.
Los 40 salvados, los Bienaventurados (ambos lados): tímpano
24 ancianos músicos: arquivolta Ángeles con los salvados
JUICIO FINAL
Claves: Cristo y San Miguel Izquierda: justos llevados a la Gloria Derecha: condenados llevados infierno
Profetas menores -jambas-
Profetas mayores -jambas-
Santiago -fuste-
Trinidad -capitel-
ANTIGUO TESTAMENTO
Más información relevante
Fauces infernales y monstruos.
He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.
–
Apóstoles -jambas-
NUEVO TESTAMENTO
Árbol de Jessé -fuste-
Mateo Parte posterior Sacrificio de Isaac -fuste-
Redención por la Gracia -fuste-
Fauces infernales -basa-
Monstruos y fauces infernales
Lucas
Juan Mateo
Marcos
Pecados
vicios-
Pedro Pablo Santiago Juan
Adán y Eva
Moisés
Isaías
Daniel
Jeremías
Maestro
Parteluz
Andrés
Bartolomé
Tomás
Arquitectura imprimible
Al final de cada tema, siempre que sea necesario, encontrarás diseños de plantas, alzados, partes de edificios o edificios completos, en blanco y negro. Están preparados para que los imprimas y puedas añadir las partes e información que necesites.
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Arquitectura imprimible
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arte GÓTICO
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Portadas
Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.
6 Arte Gótico
Cuadro resumen
Obras y artistas pág. 330
Contexto pág.331
Arquitectura
Características catedral pág.332
Planta y alzado catedrales pág.333-335
Ejemplos elementos constructivos pág.336-347
Arquitectura en Europa pág.348
Arquitectura Civil pág 349
Obras pág 350-370
Escultura
Rasgos generales pág 371
Manifestaciones escultura pág 372-373
Obras pág.374-391
Pintura
Rasgos generales pág 392
Pintura gótica en Italia pág 392-393
Obras pág.394-398
Fichas obras
Obras arquitectura pág.399-400
Obras escultura y pintura pág. 400-01
Comentarios
Catedral de Chartres pág.402-03
Notre Dame París pág.404-08
Anunciación y Visitación Reims pág.409
Llanto sobre Cristo Muerto pág.410
Imprimir blanco y negro
pág.411-418
Esquema autores Románico
Arquitectura
Gótico en Europa
Catedral de Sens | Notre Dame de París | Chartres
Reims | Amiens | Santa Chapelle
Ayuntamiento de Brujas | Santa María Fiori
Escultura
Francia
Anunciación y Visitación Catedral de Reims
Tímpano de la Puerta de la Virgen (Notre Dame París)
Portada de la Virgen Dorada (Amiens) España
Tímpano Sarmental de Burgos
La puerta Preciosa (catedral de Pamplona)
Tumba de la reina Leonor y Carlos III (C. Pamplona)
Sepulcro del Doncel (Sigüenza)
Gótico en España
Catedrales XIV: Barcelona, Palma de Mallorca, Girona
Lonjas: Barcelona, Valencia, Palma
Catedrales XVI: Segovia y Salamanca
Interior catedral de Pamplona
Fachada catedral de León
Iglesia de la Colegiata de Roncesvalles
Gil de Siloé
Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores
Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal.
Sepulcro del Infante Don Alfonso
Claus Sluter
Pozo de Moisés
Sepulcro de Felipe el Atrevido
Esquema artistas inicial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
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Pintura Trecento italiano
Escuela Florentina
Cenni di Cimabue
Maestà di Santa Trinitá
Pintura Gótico
Más obras y artistas
Nicola Pisano
Púlpito Baptisterio de Pisa
Giovanni Pisano
Púlpito San Andrea en Pistoia
Giotto
Capilla de la Arena de Padua
Historias de San Francisco
Llanto sobre Cristo muerto
Escuela de Siena
Simone Martini
Anunciación entre los santos Ansano y Margarita.
Guidoriccio da Fogliano
Más obras y autores
Arquitectura : planta de la catedral
La planta de la catedral
Se mantiene la planta de cruz latina, con 3 o 5 naves con bóvedas de crucería, siendo la central mucho más alta que las laterales
Aparece la planta rectangular en la que el crucero casi no se aprecia y las naves laterales tienden a ser de parecido tamaño a la nave central
Cabecera
La cabecera de la catedral se orienta hacia el este para que las primeras luces del sol entren por las vidrieras del ábside. La cabecera corresponde con la cabeza de Cristo y simboliza el ámbito divino de la iglesia, punto final del camino hacia la salvación
Eje longitudinal
El eje longitudinal está compuesto por una nave central y varias naves laterales con bóvedas de crucería Estas naves son amplias, permitiendo la reunión de numerosos fieles Las naves laterales suelen estar separadas de la nave central por arcadas o pilares.
El ábside es la parte más sagrada de la catedral, donde se encuentra el altar mayor Suele estar adornado con vidrieras y esculturas El ábside contiene varias capillas llamadas absidiolos (frecuentemente poligonales) En estas capillas se encuentran distintos altares dedicados a santos y vírgenes.
Existen algunos matices diferentes con respecto a la arquitectura románica como el empleo de bóvedas de crucería y el hecho de que la cabecera de las catedrales tiene mayor relevancia llegando incluso a incorporar una doble girola como elemento de contrarresto del edificio
Arquitectura
Transepto (eje transversal)
No sobresale tanto como en el Románico Está formado generalmente por 3 naves. En el transepto también se abren un conjunto absidiolos que a diferencia del románico ahora son poligonales En el lugar donde se cruzan las naves se llama crucero, donde se ubica el transepto y el crucero mayor
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
El coro es el lugar destinado a los miembros del clero para el canto y la celebración de los oficios.
Transepto (eje transversal)
El cimborrio que se eleva sobre el crucero desaparece en la mayor parte, cada vez menos destacado Al edificio también se podía acceder por entradas laterales con fachadas monumentales ubicadas en el transepto
La girola o deambulatorio
La girola, también llamada deambulatorio, es una parte de herencia románica. Se trata de un corredor que rodea el ábside y permite el tránsito de fieles que acuden a las capillas del templo sin entorpecer los oficios religiosos En al arte gótico, la girola deja de ser semicircular para ser poligonal.
La tribuna
Sobre las naves laterales se encuentra la tribuna que pasa a ser un estrecho corredor y que se conecta con la nave central a través del triforio.
Acceso
Se accede a través de las puertas abocinadas a un nártex (pórtico cubierto a la entrada de la iglesia) El acceso suele estar flanqueado por dos torres que tienen la función de campanario Estas suelen estar rematadas por chapiteles (agujas o flechas).
Claustros
Fueron una construcción común y estaban adosados a las catedrales Son de planta cuadrada Contiene un patio con pozo en el centro rodeado de un pórtico cubierto
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Cabecera
La cabecera de las catedrales tiene mayor relevancia llegando incluso a incorporar una doble girola como elemento de contrarresto del edificio Se orienta hacia el este Girola Ábside
Absidiolos
Coro
Presbiterio
Transepto
Crucero
Nave central
Bóvedas crucería
Naves laterales
Tribuna
Situada sobre las naves laterales. Se conecta con la nave central a través del triforio
Contrafuertes
Contrarrestan los empujes de las bóvedas
Nártex Torres
Arquitectura : la catedral gótica –
Arquitectura
Cubierta
Arco ojival
Arbotante
Pináculo
Gárbola
Nave central
Naves laterales
Vitrales
Contrafuertes
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
Claristorio
Triforio
Tribunas
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Nave lateral
Claristorio
Vitrales
Arco ojival |Bóveda crucería
Triforio
Tribunas
Nave central Más elevada que las laterales.
Arbotante
Cubierta
Cubierta
Pináculo
Gárgola
Contrafuerte
Botarel
Arcada
arco escarzano arco trilobulado arco conopial
arco carpanel arco en cortina
arco ojival
TIPOS DE ARCOS
Pintura : características y escuelas ArteGótico
El retablo
Las catedrales góticas tenían más ventanas, lo que redujo el espacio para la pintura mural, salvo en Italia. Esto impulsó el desarrollo de la pintura sobre tabla, que más adelante se convirtió en trípticos (tres partes) o polípticos (cuatro o más partes)
Su forma más compleja fue el retablo, una combinación de varias tablas que a veces incluía esculturas y decoraba el altar
Partes de un retablo:
– Predela o bancal: la base del retablo.
– Cuerpos: niveles horizontales separados por pequeños arcos o doseletes
– Calles: secciones verticales; la central suele ser la más ancha Todo el conjunto está enmarcado por una moldura o guardapolvo
La pintura sobre tabla usaba la técnica del temple, utilizando huevo o huesos molidos como aglutinantes.
Temas
La iconografía incluye nuevos temas:
Imágenes de santos
Se multiplican las imágenes de santos, que actúan como intermediarios entre Dios y los hombres. La Leyenda Áurea fue una fuente de inspiración importante.
La naturaleza
La Naturaleza gana relevancia, influenciada por los franciscanos: el Paraíso se muestra como un jardín florido, mientras que el Infierno es un lugar oscuro y lleno de espinos.
Calvario y crucifixión
Se destacan temas como el Calvario y la Crucifixión de Cristo. Serán frecuentes en los pintores góticos.
Caballeros
Los caballeros simbolizan el valor humano de la época
El retrato
Teoría y apuntes
Aparece el retrato, lo que lleva a una mayor personalización e individualización en las imágenes
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
La pintura italiana: Trecento
Durante la Edad Media, los pintores seguían la "maniera greca", que consistía en adherirse a los estilos del arte bizantino. Su formación se basaba en aprender a pintar ciertos modelos, que luego usaban en distintas escenas y composiciones
Este estilo comenzó a cambiar en Italia a finales del siglo XIII, dando lugar a la "maniera latina" Un cambio similar ocurrió en la literatura, denominado "dolce stil nuovo" por Dante.
La pintura italiana: Trecento
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El líder de este cambio en la pintura fue Giotto di Bondone, un innovador reconocido por sus contemporáneos Aunque Giotto es el artista más destacado del Trecento italiano, otros pintores también contribuyeron a esta transformación
Cenni di Cimabue
Se mantuvo cercano a la "maniera greca" con figuras majestuosas y frontales, pero mostró un mayor naturalismo en sus expresiones dramáticas
En su obra Maestá (Virgen en Majestad), presta más atención a la figura y al espacio
Giotto
Es el gran artista del Trecento italiano Rompió con el estilo bizantino y se acercó más a la naturaleza, destacando en la representación de la realidad y el espacio tridimensional.
Sus figuras tienen libertad de movimiento no vista desde la Antigüedad clásica, como se puede apreciar al comparar su Maestá con la de Cimabue
Compartía con los franciscanos la idea de ver en la naturaleza una manifestación de la bondad divina Por eso, fue encargado de pintar las Historias de San Francisco en la basílica de Asís, destacando la obra donde Francisco expulsa a los demonios de Arezzo. También pintó escenas de la vida de San Francisco y de los Santos Juanes en la iglesia de Santa Croce en Florencia
Su obra en la Capilla de la Arena en Padua muestra el arte nuevo, donde las figuras "viven" en paisajes o arquitecturas y no simplemente se recortan sobre un fondo La tridimensionalidad aporta realismo y los personajes expresan vida y emociones, y se relacionan entre sí.
Giotto pintó en muchas ciudades italianas, incluida Roma, y alcanzó una fama que prefiguraba el rol de los artistas en el Renacimiento
En Siena, surgió una importante escuela de pintura que continuó con las formas espiritualistas del Gótico, destacando por su delicadeza, belleza en las líneas y uso refinado del color.
Simone Martini
El principal representante de esta escuela, conocido por personajes delicados de rostros ovalados y ritmos ondulantes que dan a sus obras un especial refinamiento
Entre sus obras más conocidas están La Anunciación (1333) y el retrato de Guidoriccio da Fogliano
En resumen, el cambio del estilo bizantino hacia uno más naturalista en Italia fue liderado por Giotto, pero otros pintores como Cimabue y Martini también tuvieron un papel importante
Pintura en Florencia
Pintura en Siena
Pintura: Trecento Italiano ArteGótico
Virgen en Majestad | Maestà di Santa Trinitá
Autor: Cimabue | Escuela Florencia 1285-1286
Temple sobre madera. Tamaño 385x223 cm. Galeria Uffizi, Florencia (Italia)
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
Historias de San Francisco
Autor: Giotto di Bondone | Escuela Florencia Sobre 1306
Pintura al fresco. Se encuentra en la Capilla de la Arena, en Padua. Italia.
Llanto sobre Cristo muerto
Autor: Giotto di Bondone | Escuela Florencia Sobre 1306
Pintura al fresco. Se encuentra en la Capilla de la Arena, en Padua. Italia.
Anunciación entre los santos Ansano y Margarita
Autor: Simone Martini | Escuela Siena 1333
Temple sobre tabla. Tamaño 184x114 cm. Galería Uffizi, Florencia.
Guidoriccio da
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Fogliano
Autor: Simone Martini | Escuela Siena 1328
Comentario : Catedral de Chartres
Ficha técnica
Maestro de Chartres
Siglo XII
Catedral de estilo gótico
Chartres – Francia-
Artista y época
La Catedral de Chartres es considerada por muchos como la obra más perfecta del estilo gótico El arquitecto que la diseñó es conocido como el "Maestro de Chartres", pero sabemos muy poco de él, salvo que tenía conocimientos técnicos muy avanzados
Comentarios
En esa época, Francia estaba gobernada por la dinastía de los Capetos que tenía una fuerte conexión con la ciudad de Chartres Este era un tiempo de crecimiento urbano impulsado por el comercio y la aparición de una rica burguesía. Las catedrales no solo servían como casas de Dios, sino también como símbolos del poder de cada ciudad y de sus habitantes
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Antes de la actual catedral, hubo en el mismo lugar otros edificios religiosos que databan de la época de los galos La construcción de la catedral actual comenzó después de que un incendio en 1194 destruyera casi por completo el edificio románico anterior Rápidamente, se recaudaron donaciones para construir el nuevo edificio, facilitadas por el hecho de que Chartres era sede de una importante feria comercial
Chartres se hizo muy popular debido al culto a la túnica de María y también por su influencia en la arquitectura de iglesias posteriores
Análisis
En el lugar donde está la catedral de Chartres, hubo antes una catedral románica que guardaba como reliquia una túnica que se creía que usó la Virgen María durante el nacimiento de Jesús Esta reliquia atrajo a muchos peregrinos, lo que impulsó el comercio y favoreció el crecimiento de la burguesía y los gremios
Después de un incendio a finales del siglo XII, comenzó la construcción de la catedral gótica Este proyecto fue impulsado por el obispo, la monarquía, los burgueses los gremios y los artesanos. De la catedral románica anterior, solo se conservó el Pórtico Real.
Planta
La catedral tiene planta de cruz latina y, al igual que otras iglesias de peregrinación, cuenta con una gran cabecera con el coro rodeado por una doble girola y cinco capillas radiales para acoger a los peregrinos. La estructura de cruz latina crea un espacio longitudinal que dirige al altar, similar al estilo románico.
Tiene tres naves de seis tramos, con la nave central más alta y ancha que las laterales, separadas por pilares compuestos. Hay un nártex y dos grandes torres en el oeste (una románica), donde está la fachada principal El transepto de tres naves está casi en el centro Todas las cubiertas son bóvedas de crucería cuatripartita
El espacio está segmentado en tramos por los arcos fajones y formeros
Alzado
En el alzado de la catedral de Chartres, se observan tres niveles:
1. La primera altura tiene naves con arcos ojivales altos.
2. Encima de estos, hay un pequeño triforio.
3. Más arriba, el claristorio con una gran galería de vidrieras
También hay simbolismo similar al de las iglesias románicas: la fachada orientada al oeste representa la oscuridad o el pecado, y se avanza hacia el este, por donde sale el sol, la "luz del mundo".
Las grandes innovaciones son:
– Los arcos ojivales que separan la nave central de las laterales y dividen la nave central en tramos, ayudando a elevar el edificio
– Las bóvedas de crucería cuatripartita formadas por cuatro nervios con los espacios entre ellos (plementos) rellenos de material ligero
Fachadas y sistemas constructivos
El peso de estas cubiertas se contrarresta principalmente de dos maneras:
1. Con pilares con baquetones que soportan el peso vertical de los nervios y los muros
2. Con los arbotantes, una gran innovación del gótico que desplaza los empujes laterales hacia el exterior, dirigiéndolos hacia los contrafuertes En la parte superior de los contrafuertes se colocan pináculos para estabilizarlos Chartres fue la primera catedral en utilizar este sistema, lo que permitió eliminar la tribuna y abrir grandes ventanales.
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Análisis
Fachadas y sistemas constructivos
Los soportes son pilares con columnas adosadas que continúan en los nervios de las bóvedas
En cuanto a las fachadas, hay una gran diferencia entre la principal y las laterales:
– La fachada principal es el famoso Pórtico Real, parte del antiguo edificio románico Está decorado con escenas del Pantocrátor, la Coronación y Ascensión de la Virgen, y las conocidas estatuas-columna con personajes del Antiguo Testamento, que se deforman para adaptarse a la arquitectura.
– En las fachadas laterales las esculturas se independizan de la arquitectura, algo típico del estilo gótico. Son más naturalistas y muestran emociones humanas, contrastando con el estilo más rígido del Pórtico Real
Decoración
En la catedral gótica también abundan los elementos decorativos, como las portadas pináculos chapiteles y vidrieras. Las vidrieras de Chartres, con sus colores, presentan un programa iconográfico centrado en las Sagradas Escrituras. Estas vidrieras no solo colorean la luz que entra (Dios es luz) sino que también tienen una función didáctica.
Comentario
La Catedral de Chartres fue un modelo para muchas otras construidas después Su diseño revolucionario consistió en un alzado de tres niveles en lugar de cuatro De arriba a abajo, estos niveles son: los arcos de las naves, el triforio y la nave de vidrieras. Gracias a los arbotantes exteriores se pudo eliminar el cuarto nivel, que era la tribuna sobre las naves laterales. Además, Chartres tiene el mejor conjunto de vidrieras de toda la arquitectura medieval.
La catedral cumple funciones religiosas, didácticas (en las portadas y vidrieras) y también de prestigio para la ciudad Sus torres, visibles desde lejos, reflejan el poder de la ciudad, motivo por el cual los gremios colaboraron en su construcción Así, la catedral no es solo un centro religioso, sino también un símbolo del poder y orgullo de la ciudad
Comentario : planta Catedral de Chartres ArteGótico
Arquitectura
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Altar
Presbiterio
Coro
Atrio
Transepto
Nave central
Naves laterales
Crucero
Girola
Absidiolos
Clave
Torre
Capillas laterales
Mayor
Comentario : Catedral Notre Dame París
técnica
Comentarios
Varios escultores y arquitectos
1163-1250
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Contexto y autores
En esta época, Francia estaba gobernada por los Capetos. Las ciudades crecían rápidamente gracias al comercio, y la burguesía se volvía importante La catedral también reflejaba una religiosidad más humana y la devoción a la Virgen
Es un tiempo de rápido crecimiento urbano debido al comercio, lo que también hace crecer a la burguesía Por eso, el dinero se vuelve tan importante como la posesión de tierras Para atraer a los ciudadanos, surge una religiosidad más cercana y humana: Dios es luz, y ahí llegan las nuevas órdenes como los franciscanos y mendicantes No es raro que la catedral esté dedicada a la Virgen, representada de una manera más humana.
La catedral, construida en granito, se encuentra en una isla del río Sena en París, Francia La primera piedra fue colocada por el obispo Maurice de Sully en 1163, y la construcción se completó en 1258 Los arquitectos Pierre de Montreuil y Jean de Chilles fueron responsables de las fachadas norte y sur
Análisis de la Catedral
La construcción comenzó en 1163 bajo el obispo Maurice de Sully. La fachada occidental, que es del tipo H se completó en el siglo XIII Antes de Notre-Dame, ya había otros templos en el mismo lugar Por tanto, las obras son el trabajo de varios arquitectos y escultores Notre-Dame ha sufrido el paso del tiempo y la Revolución Francesa, por lo que fue restaurada en el siglo XIX por Viollet-le-Duc Esta restauración incluyó la reconstrucción de contrafuertes, arbotantes, gárgolas y la restauración del transepto a su aspecto original de cuatro niveles
La catedral no solo tiene una función religiosa sino también didáctica (en portadas y vidrieras) y de prestigio para la ciudad, ya que sus torres son visibles desde lejos, lo que motivó a los gremios a contribuir en su construcción. El 15 de abril de 2019 un gran incendio causó graves daños, destruyendo parte de las bóvedas de Notre-Dame.
Planta y estructura
Análisis de la catedral
El transepto que no sobresale al exterior tiene una sola nave con tramos de bóvedas sexpartitas y cuatripartitas. Las cubiertas de crucería sexpartitas están divididas en seis plementos, y las cuatripartitas en cuatro Los nervios de las bóvedas continúan por medio de columnillas adosadas al muro hasta las columnas El espacio se divide en tramos por arcos fajones que delimitan el espacio y evitan la monotonía
El espacio de la catedral es longitudinal, dirigido hacia el altar, pero también se proyecta hacia lo alto, hacia las vidrieras que permiten el paso de una luz colorida La luz representa a Dios, y las vidrieras contienen un programa iconográfico. El recorrido de la luz va desde el poniente (oscuridad y pecado) hacia el oriente (nacimiento de la luz), simbolizando que Dios es luz y salvación.
Alzado interior
– Primer nivel: arquerías apuntadas sobre gruesas columnas
– Segundo nivel: tribuna que recuerda al estilo románico, con arcos triples que se convierten en geminados en la zona del coro y transepto La tribuna no solo aumenta la capacidad del templo, sino que también distribuye el peso lateral de la bóveda central hacia las naves laterales y de estas hacia los arbotantes y contrafuertes
– Tercer nivel: claristorio con vidrieras, rehecho en el siglo XIII. Originalmente, la catedral, al igual que la de Laón, tenía cuatro niveles: arquería, tribuna, pequeño triforio y pequeño claristorio.
Originalmente, como la catedral de Laón, tenía cuatro niveles: arquería, tribuna, triforio y claristorio
Características góticas
El diseño gótico busca la verticalidad y luminosidad, utilizando el arco apuntado u ojival, las bóvedas de crucería y un sistema de contrarresto con arbotantes que trasladan el peso a los contrafuertes, permitiendo liberar los muros y abrir ventanas con vidrieras. Para conseguir la verticalidad y luminosidad, el sistema constructivo cambia: arcos apuntados, bóvedas de crucería y un sistema de contrarresto con arbotantes y contrafuertes que permiten abrir ventanas con vidrieras de colores
Exterior
Catedral de estilo gótico – Religioso-
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Ille de la Cité, París
La catedral tiene cinco naves con un sistema de bóvedas y un doble deambulatorio, que rodea el coro, y está dividido en tramos triangulares rodeados de capillas cuadradas, creando un gran presbiterio En la entrada occidental hay un nártex con un doble pórtico cubierto por bóvedas sexpartitas, flanqueado por torres La nave central es más ancha y tiene bóvedas sexpartitas y utiliza columnas como elemento estructural, lo cual es característico del primer gótico; mientras que las naves laterales tienen bóvedas cuatripartitas.
Encima de las naves laterales se encuentra la tribuna, sobre la cual hay ventanales organizados en tres niveles Todos los ventanales y rosetones están decorados con vidrieras, lo que crea un ambiente místico en el interior
Los arbotantes exteriores dan un aspecto de "tela de araña" Notre-Dame muestra la evolución del gótico: conserva elementos arcaicos del siglo XII, como las bóvedas sexpartitas y la tribuna (como la catedral de Laón), pero ya incorpora elementos clásicos del siglo XIII, como los arbotantes, la fachada occidental con su triple portada y las capillas radiales de la girola.
Ficha
Comentario : Catedral Notre Dame París
Torre Norte 1240
Terraza.
Se encuentra la Galería de las Quimeras y Gárgolas.
Galería Calada 5º arquitecto
Galería de los Reyes
Arquitectura
Portal de la Virgen o de la Coronación 1210
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
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Torre Sur 1250
Fachada occidental
Primer nivel
Portales
El portal de la Virgen, el de la izquierda, es el primero que se ejecuta, junto con el de Santa Ana (derecha) El portal de Santa Ana era el portal principal de la vieja catedral y se reinstala en la nueva, adaptándolo La portada del Juicio, en el centro. Las partes elaboradas en el siglo XIX se distinguen por el color de la piedra
Galería de los reyes
Construida para celebrar la victoria militar que parecía asentar a los Capeto en el trono El muro se engrosó para encajarla Contiene esculturas de los 28 reyes de Judea De las estatuas originales medievales solo quedan algunos fragmentos, dado que fueron destruidos durante la revolución francesa, ya que consideraban que eran los reyes de Francia Estas esculturas fueron restauradas por Viollet-le-Duc
Segundo nivel
Rosetón
Construido e 1220. En su momento fue el más grande del mundo Ahora son mayores los rosetones de las fachadas laterales
Cuarto nivel
Terraza
Se encuentra la Galería de las Quimeras y las gárgolas Diseñadas por Viollet-le-Duc
Más elementos
Esculturas siglo XIX
A comienzos del siglo XIX faltaban muchas esculturas de la fachada, tras los destrozos de la Revolución y de pérdidas anteriores Son esculturas realizadas durante la gran restauración dirigida por Viollet-le-Duc (1844-1864)
Fachada
La fachada comenzó a construirse en 1200 Permaneció parada al nival del rosetón durante 10 años Se terminó en 1250 con la construcción de las dos torres
Aguja o chapitel
La primera flecha (1250,) fue un campanario que tenía hasta 5 campanas. Entre 1786 y 1792 la flecha fue desmantelada debido al debilitamiento de la estructura En el siglo XIX, el arquitecto Viollet le Duc fue el encargado del proyecto de restauración, que incluyó la nueva flecha y estatuas de cobre verde de los doce apóstoles y los símbolos de los 4 evangelistas
Portada del Juicio 1220
Portal de Santa Ana Antigua catedral 1148 Nueva catedral 1210
Comentario : planta catedral
Arquitectura
En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.
Arbotantes y contrafuertes
El edificio cuenta con un sistema de arbotantes y contrafuertes que se utilizan para repartir el peso de la bóveda interior. Los pináculos refuerzan este traslado de pesos
5 Virgen Titular
La Virgen Titular de Notre-Dame de París Talla siglo
Entrada al Tesoro de la Catedral
En el exterior. Por donde entraban los canónigos que vivían en el barrio
8 Reliquias de Santa Genoveva
Columnas
Las naves están separadas por columnas
Arquitectura imprimible
Al final de cada tema, siempre que sea necesario, encontrarás diseños de plantas, alzados, partes de edificios o edificios completos, en blanco y negro. Están preparados para que los imprimas y puedas añadir las partes e información que necesites.
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7 Arte Renacimiento Cuadro resumen
Obras y artistas pág. 420-21
Línea del tiempo
pág.422
arte RENACIMIENTO
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Fichas obras
Arquitectura pág. 423-25
Escultura pág. 425-26
Pintura pág. 427-30
Quattrocento
pág. 431-95
Cinquecento
pág. 496-555
Manierismo
pág. 556-95
Portadas
Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.
Renacimiento España
pág. 596-646
Renacimiento norte Europa
pág. 647-87
Artistas y obras: Renacimiento
Quattrocento
Arquitectura Quattrocento
Brunelleschi
Cúpula catedral Florencia
Hospital de los Inocentes
Basílica del Espíritu Santo
Alberti
Palacio Rucellai
Convento San Fco. (Rímini)
Fachada basílica Sta María Novella
San Andrés de Mantua
P Machuca Palacio de Carlos V
Bartolomeo Palacio Médici-Ricardi
Escultura Quattrocento
Ghiberti
Terceras puertas Baptisterio Florencia
San Juan Bautista
San Mateo
Donatello
San Marcos
San Jorge
Tumba Cardenal Rainaldo Branacci
Púlpito catedral de Prato
Tabernáculo Capilla Cavalcanti
David El Gattamelatta
Magdalena Penitente
Judith y Holofernes
L. della Robbia Cantoría de la Catedral Sta. María del Fiore
Verrocchio Condottiero Colleoni
J. della Quercia Panel de la Fontana Gaia
Pintura Quattrocento
Masaccio
El tributo de la moneda
La Trinidad
P. della Francesca
Historias de la Vera Cruz
Vista de una ciudad Ideal
Díptico de los duques de Urbino
Pala de Brera de Milán
A. da Messina
Cristo muerto sostenido por un ángel
Cinquecento
Arquitectura Cinquecento
Bramante
San Pietro in Montorio
Palacio de Belvedere
Basílica San Pedro del Vaticano
Palladio
Basílica o palacio de la Razón
Villa Capra. La Rotonda
Iglesia del Redentor (Venecia)
Teatro olímpico
Basílica de San Giorgio Maggiore
A. de Sangallo
Ventanas superpuestas en el Palacio de Farnesio
Escultura Cinquecento
Miguel Ángel
Virgen de la escalera
La Piedad del Vaticano
El David
Piedad de la catedral de Florencia
Piedad Palestrina
Piedad Rondanini
El moisés
Pintura Cinquecento
Miguel Ángel
Tondo de Doni – La Sagrada Familia
La Batalla de Cáscina
Bóveda de la Capilla Sixtina
Juicio Final
La conversión de San Pablo
El Martirio de San Pedro
L. da Vinci
Gioconda
Virgen de las rocas
La última Cena
San Juan Bautista
Santa Ana, la Virgen y el niño
La dama del armiño
Batalla de Anghiari
Rafael
Manierismo
Arquitectura Manierismo
Miguel Ángel
Sala de lectura biblioteca Laurenciana
Vestíbulo biblioteca Laurenciana
Cúpula de San Pedro
Vignola Iglesia Il Gesú
G. della Porta Fachada Il Gesú
Escultura Manierismo
Cellini
Giambologna
Renacimiento en España
Arquitectura Renacimiento España
Plateresco primera mitad siglo XVI
Perseo con la cabeza de Medusa
El salero de Francisco I
El rapto de la sabina
El Mercurio
Pintura Manierismo
Tintoretto
Descubrimiento del cuerpo de San Marcos
El Lavatorio
Venus, Vulcano y Marte
Cristo en casa de Marta y María
Bautismo de Cristo
Judith y Holofernes
P. Veronese
Las bodas de Caná
La cena en casa de Leví
Venus y Adonis
Alegoría de la Virtud y el Vicio
Tiziano
La Venus de Urbino
La bacanal
Asunción de la Virgen
Amor sagrado y amor profano
Las tres edades del hombre
Venus y Adonis
Dánae
Rapto de Europa
Dosier de artistas
Madonna de Belvedere
La María de la Anunciación
Botticelli
El nacimiento de Venus
La Primavera
Palas y el Centauro
También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.
La Natividad Mística
Los milagros de San Cenobio
Uccello San Jorge y el dragón
Fra Angélico Retablo de la Anunciación
Perugino Entrega de las llaves a San Pedro
A. Mantegna Cristo muerto
Pisanello Retrato de una princesa de la casa del Este
Panicale Frescos capilla Brancacci
L. Signerelli Caída de los condenados
La Fornarina
La Sagrada Familia
Los desposorios de la Virgen
Papa León X
La Anunciación
La escuela de Atenas
Giorgione
La tempestad
Venus dormida
El atardecer
La pastoral
Tramonto
El emperador Carlos V en Mülberg
Lavinia Fontana
Antonietta Gonsalvus
Retrato de Bianca Degli Utili Maselli y sus hijos
Autorretrato tocando la espineta
Minerva vistiéndose
Sofonisba Anguissola
Autorretrato
Partida de Ajedrez
Autorretrato con caballete
Retrato de Blanca Ponzoni Anguissola
Enrique Egas Fachada Uni. Salamanca
La casa de las Conchas
El Hospital de la Santa Cruz Purismo 1530-1563
P. Machuca Palacio de Carlos V
D. Siloé Catedral de Granada
Iglesia de San Jerónimo
Gil de Hontañón Fachada Uni. Alcalá de Henares
Herreriano segunda mitad siglo XVI
Juan de Herrera Monasterio de El Escorial
Escultura Renacimiento España
Alonso Berruguete
Retablo monasterio de La Mejorada
Retablo de San Benito El Real
El sacrificio de Isaac
El martirio de San Sebastián
San Jerónimo
La Transfiguración
La Visitación
Sepulcro Cardenal Tavera
Juan de Juni
Entierro de Cristo
Retablo Santa María de la Antigua
Retablo catedral Burgo de Osma
Retablo capilla de la familia Benavente. Virgen de las Angustias
Diego Siloé Retablo Capilla del Condestable
D. Forment Retablo mayor Basílica del Pilar
F. Bigarny
Retablo Monasterio del Poblet
Retablo mayor Capilla Real Granada Retablo catedral de Toledo
L. Leoni Carlos V y el furor
L. y P. Leoni Grupos funerarios Carlos V y Felipe II.
Pintura Renacimiento España
P. Berruguete Retablo convento Sto Tomás Retablo Iglesia Paredes de Nava
F. Yáñez de la Almedina Santa Catalina
Hernando Llanos Resurrección
Juan de Juanes
Última Cena El Martirio de San Sebastián
Luis de Morales Virgen de la leche
A. Sánchez Coello La dama del abanico
A. Moro María Tudor, Reina de Inglaterra
J. Pantoja de la Cruz Nacimiento de la Virgen
Línea del tiempo Historia del Arte
Gótico 1200-1600
Renacimiento
Quattrocento 1400-1500
Brunelleschi, Alberti, Bartolomeo Ghiberti, Donatello, Luca della Robbia, Jacopo della Quercia., Fra Angélico, Pisanello Panicale Masaccio, Piero della Francesca, Botticelli, Mantegna Messina.
Escuela de Umbría: Perugino, Luca Signorelli
Cinquecento 1500-1600
Manierismo 1550-1610
Miguel Ángel: Cúpula San Pedro Vignola: Il Gesú | G. della Porta.
arquitectura escultura pintura
Líneas del tiempo
Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.
Renacimiento en España 1500-1600
Plateresco
Enrique Egas (Uni. Salamanca, Casa de las Conchas), Diego de Siloé (Escalera Dorada)
Purismo
Diego Siloé (catedral de Granada), Pedro Machuca (Palacio Carlos V), Gil de Hontañón.
Herreriano
Juan de Herrera (El Escorial)
Diego de Siloé, Damián Formet, Felipe Vigarny Alonso Berruguete, Juan de Juni
Pedro Berruguete, Juan de Juanes, Luis de Morales, El Greco.
arquitectura escultura pintura
Pintura: fichas obras Arte
título: La Virgen de las Rocas
título: La última Cena
Cronología
Finales siglo XV 1483
Estilo
Renacimiento Autor L. Da Vinci
Justifica tu respuesta
– Incorpora la nueva composición triangular o piramidal.
– Creación de una nueva perspectiva aérea por medio de la difuminación de luces y sombras.
– Relación psicológica entre los personajes gracias al lenguaje de las manos y miradas.
– Incorporación del sfumatto
título: La Gioconda
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Fichas identificación
Encontrarás este tipo de páginas con los datos más importantes de las distintas obras de cada movimiento.
Análisis completo de la obra
cronología
Finales siglo XV
Estilo
Renacimiento autor l. Da Vinci
Justifica tu respuesta
– Nueva técnica empleada al mezclar el temple y el óleo.
– Relación psicológica entre los personajes.
– Fenomenal lenguaje de manos y miradas muy expresivo en el conjunto de la escena
cronología Siglo XVI -1503-
Estilo
Renacimiento autor L. Da Vinci
Justifica tu respuesta
– Incorporación del sfumatto
– Composición piramidal o triangular
– Creación de una nueva perspectiva aérea por medio de la difuminación de luces y sombras.
– Crea tipos de ideales de belleza con mirada misteriosa y sonrisa enigmática.
– Perspectiva aérea.
– Óleo sobre tabla
título: La Escuela de Atenas
Cronología Siglo XVI 1510
Estilo
Renacimiento Escuela Romana Autor Rafael
Justifica tu respuesta
– Uso de la perspectiva lineal geométrica.
– Fresco en el que se fusiona la temática de la antigüedad clásica con el catolicismo imperante.
– Dominio del dibujo y suaves coloridos que se fusionan con el dibujo.
– Relación entre los personajes a través del lenguaje de las manos y miradas
Análisis completo de la obra
arte RENACIMIENTO
El Quattrocento
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Cuadro resumen
Autores y obras pág. 420-21
Línea del tiempo
pág.422
Fichas obras
pág. 423-430
Quattrocento
pág. 431-95
Cinquecento
pág. 496-555
Manierismo
pág. 556-95
Renacimiento España
pág. 596-646
Renacimiento norte Europa
pág. 647-87
7.1 Quattrocento
Cuadro artistas
Quattrocento pág.432
Contexto
pág.433
Arquitectura
Características generales pág.434
Autores pág 435
Obras pág.436-448
Escultura
Rasgos generales pág 449
Escultores pág 450-51
Obras pág.452-61
Pintura
Rasgos generales pág 462
Autores pág 463-69
Obras pág.470-91
Comentarios
Cúpula Sta. María Florencia pág.492-93
Anunciación de Fra Angélico pág. 494
El nacimiento de Venus Botticelli pág. 495
Esquema autores Quattrocento Arte
Arquitectura
Filippo Brunelleschi 1377-1446
Cúpula Catedral de Santa María de las Flores
Capilla Pazzi: fachada
La basílica del Espíritu Santo
Capilla Pazzi: cúpula gallonada sobre pechinas
El Hospital de los Inocentes
Interior de la Iglesia de San Lorenzo
Escultura
Lorenzo Ghiberti 1378-1455
Terceras puertas Baptisterio Florencia
San Juan Bautista
San Mateo
Pintura
Fra Angelico 1400-1455
El retablo de la Anunciación 1430
Obras del Convento de San Marcos de Florencia
Pintura
Masaccio 1401-1428
El tributo de la moneda
La Trinidad
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Michelozzo di Bartolomeo 1396-1492
Palacio Médici-Riccardi
León Batista Alberti 1404-1472
Fachada de la Basílica de Sta María Novella
Convento de San Francisco en Rímini
San Andrés de Mantua
Palacio Rucellai
Masaccio 1401-1428
Frescos Capilla Brancacci
Tributo de la Moneda | Masaccio
La Trinidad | Masaccio
Donatello 1386-1466
San Marcos
San Jorge
Tumba Cardenal Rainaldo Branacci
Púlpito catedral de Prato
Tabernáculo Capilla Cavalcanti
David
El Gattamelatta
Magdalena Penitente
Judith y Holofernes
Paolo Ucello 1397-1475
Niccolò Mauruzi da Tolentino en la batalla de San Romano
San Jorge, el dragón y la princesa
Piero della Francesca 1420-1492
Historia de la Vera Cruz 1452-1460
Doble Retrato de los Duques de Urbino
Virgen de Senigallia
Pala de Brera de Milán
Vista de una ciudad ideal
Esquema artistas inicial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Pedro Machuca 1490-155
Palacio de Carlos V
Luca della Robbia 1400-1482
Cantoría de la Catedral Sta. María del Fiore
Sandro Botticelli 1445-1510
El nacimiento de Venus
La Primavera
Palas domando al Centauro
Jacopo della Quercia 1374-1438
Panel de la Fontana Gaia
Verrocchio 1435-1488
Condottiero Colleoni
Los Milagros de San Cenobio
La Natividad Mística
A. da Messina 1430-1479
Cristo muerto sostenido por un ángel
La María de la Anunciación
Perugino 1446-1523
Entrega de las llaves a San Pedro
A. Mantegna 1431-1506
Cristo muerto
Pisanello 1395-1455
Retrato de una princesa de la casa del Este
L. Signerelli 1441-1523
Caída de los condenados
Pintura : autores Quattrocento 1ª mitad Arte
Pintores primera mitad siglo XV
En la primera mitad del siglo XV, varios pintores italianos destacan por sus contribuciones al desarrollo de la pintura, especialmente en el dominio de la perspectiva y la incorporación de elementos clásicos en sus obras
Beato Angelico o Fra Angelico 1400-1455
Fra Angelico, cuyo nombre real es Giovanni da Fiesole, es conocido por sus contemporáneos como un santo, ya que su pintura se considera de inspiración divina.
Comienza su carrera como iluminador de manuscritos, una técnica que será clave en su trabajo posterior en pintura sobre tabla y fresco
Las obras de Fra Angelico son herederas del estilo gótico, pero se le incluye en el Quattrocento por su uso de la arquitectura y la perspectiva influenciada por Brunelleschi.
En 1438, un momento clave en su vida ocurre cuando el Papa le encarga decorar el convento de San Marcos en Florencia Realiza 50 frescos para la sala capitular, el claustro y las celdas, que transmiten un mensaje de espiritualidad con una técnica muy detallada.
Su estilo conservador, más cercano al gótico que a las nuevas tendencias humanistas de la época, podría deberse a la presión de la Iglesia y la aristocracia toscana
Obra más importante
En su famoso retablo de La Anunciación (1430), usa colores brillantes, fondos dorados y figuras estilizadas, creando una luz especial que le da un ambiente primaveral al cuadro
Pisanello 1395-1455
Teoría
y apuntes
Trabajando en el norte de Italia, es conocido principalmente por sus frescos de gran tamaño, que se llenan de pequeñas figuras detalladas Utiliza un color brillante y su trazo es preciso, mostrando una gran minuciosidad en los detalles de sus escenas
Obras
Retrato de una princesa de la casa de Este
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Masolino da Panicale 1383-1440
Es otro pintor destacado de esta primera mitad del siglo. Fue maestro de Masaccio y mostró una preocupación especial por la representación fiel del espacio Su alumno, Masaccio, llevaría este interés aún más lejos
Obras
Entre las obras de Masolino se destacan los frescos de la Capilla Brancacci en la iglesia del Carmen de Florencia
Masaccio (Tommaso di Giovanni) 1401-1428
Masaccio, que vive solo 27 años, sorprende por su talento precoz y se considera el fundador de la pintura moderna. Es el primer pintor que trabaja con el color para crear volúmenes y efectos tridimensionales.
Sus primeras obras son los frescos de la Capilla Brancacci en la iglesia del Carmine en Florencia. Felice Brancacci, un rico comerciante, encarga a Masaccio y a Masolino de Panicale decorar su tumba con un ciclo de pinturas sobre San Pedro. De la parte de Masaccio, la más famosa es El Tributo de la Moneda, que muestra tres escenas:
1. En el centro, Cristo es abordado por el recaudador de impuestos de Cafarnaún quien le pide que pague el tributo antes de entrar a la ciudad.
2. A la izquierda, San Pedro pesca un pez en el lago de Genezaret y encuentra una moneda en su interior para pagar el tributo
3. A la derecha, Pedro le entrega la moneda al recaudador
Masaccio retrata a los personajes mostrando sus rasgos psicológicos y da a las figuras una corporeidad inspirada en las esculturas de Donatello en Or San Michele.
Otra obra importante de Masaccio es La Trinidad, pintada para la iglesia de Santa María Novella en Florencia En esta pintura, se nota su conocimiento de la perspectiva de Brunelleschi Los tres grupos (el Padre Eterno, el Calvario y los donantes) están en un tabernáculo cubierto por una bóveda acasetonada, creando una ilusión de profundidad.
Debajo de la pintura, hay una mesa de altar con un esqueleto y una inscripción que dice: “Yo fui antaño lo que sois vosotros, y lo que soy ahora, lo seréis mañana” La pintura puede interpretarse de forma vertical, desde el esqueleto (que simboliza la muerte) hasta la vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).
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Piero della Francesca 1420-1492
Piero della Francesca se educa en Florencia, cerca de su ciudad natal, y hace amistad con Giovanni Bacci Su primera gran obra, entre 1452 y 1460, es la decoración de la capilla familiar de los Bacci en la basílica de San Francisco en Arezzo En esta capilla, desarrolla la Historia de la Vera Cruz, que cuenta la historia de la madera de la cruz de Cristo en diez episodios tomados de la Leyenda Dorada:
– La historia comienza cuando los hijos de Adán guardan una ramita del Árbol de la Vida bajo su lengua, que luego se usará para hacer la cruz de Jesús
– Salomón tala este árbol y usa su tronco para construir un puente delante de su palacio
– La reina de Saba, al reconocer el tronco, lo adora en vez de pisarlo.
– Las escenas posteriores muestran el destino de la madera después de la resurrección de Cristo: Santa Elena descubre la reliquia, los persas la roban, pero el emperador Heraclio la recupera y la lleva a Jerusalén descalzo
Las características de esta obra, que Piero detalla en sus escritos teóricos, son:
– Modelar a los hombres, objetos y paisajes a través de la luz y el color.
– Reducir la naturaleza a figuras geométricas.
– Usar la perspectiva de manera matemática y rigurosa
Estos aspectos hacen que Piero della Francesca sea un precursor de pintores como Cézanne e incluso de los cubistas
Además, Piero es un destacado retratista Pinta retratos de varios príncipes y tiranos de los estados italianos, como Segismundo Malatesta de Rímini, Lionello d’Este de Ferrara y Federico de Montefeltro y Battista Sforza en Urbino
En Urbino, escribe sobre la perspectiva y se relaciona con la pintura flamenca, utilizando la técnica de las veladuras en obras como la Virgen de Senigallia y la famosa Pala de Brera en Milán
Piero muere en la madrugada del 11 al 12 de octubre de 1492, justo cuando la expedición de Colón llega al Nuevo Mundo
Paolo Uccello 1397-1475
Se distingue por su habilidad para representar la figura humana desde todos los ángulos posibles En sus cuadros de batallas, utiliza escorzos forzados, una técnica que demuestra su maestría a la hora de plasmar posturas diversas y complejas.
Obras
San Jorge, el dragón y la princesa
Pintura : autores Quattrocento
Fra Angelico Masolino da Panicale
Pisanello
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
Frescos capilla Brancacci
M. Panicale
Retablo de la Anunciación
Fra Angelico 1430-1432
Retrato de una princesa de la casa de Este
Pisanello 1449
P. Uccello
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Massaccio
El tributo de la Moneda Masaccio 1424-1428
San Jorge y el dragón
Uccello 1470
La Trinidad Masaccio 1427-1428
arte RENACIMIENTO
El Cinquecento
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Cuadro resumen
Autores y obras pág. 420-21
Línea del tiempo
pág.422
Fichas obras
pág. 423-430
Quattrocento
pág. 431-95
Cinquecento
pág. 496-555
Manierismo
pág. 556-95
Renacimiento España
pág. 596-646
Renacimiento norte Europa
pág. 647-87
7.2 Cinquecento
Cuadro
artistas
Cinquecento pág.497
Contexto pág.498
Arquitectura
Características generales pág.499
Autores pág 499-500
Obras pág.501-507
Escultura
Rasgos generales pág 508
Escultores pág 508-10
Obras pág.511-21
Pintura
Rasgos generales pág 522
Autores pág 522-526
Obras pág.527-47
Comentarios
La escuela de Atenas pág.548-51
La Pietá del Vaticano pág. 552
La Virgen de las Rocas pág. 553
El Juicio Final pág. 554-555
Pintura : autores Cinquecento
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo, contemporáneo de Perugino es considerado el último cuatrocentista aunque se estudia dentro del Cinquecento junto con Rafael y Miguel Ángel Es un gran genio, el arquetipo del humanista renacentista, siendo pintor, escultor, arquitecto, músico y científico. Es, sobre todo, un científico que aporta a la pintura un enfoque de investigación Su principal contribución técnica es el sfumato (difuminado), que consiste en sombrear las figuras en el espacio utilizando el claroscuro
Para Leonardo, la pintura es una actividad intelectual que busca reproducir la realidad Sus aportaciones son clave para la posteridad como la composición triangular, el sfumato, el estudio de la luz y el uso del claroscuro para efectos tridimensionales.
– Crea la perspectiva aérea disminuyendo la intensidad de los colores para simular distancia, como en la Gioconda
– Introduce relaciones psicológicas entre personajes a través del lenguaje corporal, plasmando sentimientos, como en la Virgen de las rocas
– También crea tipos ideales de belleza con miradas misteriosas, como en el retrato de la Dama del armiño.
– Experimenta con nuevos materiales y técnicas como en La última cena.
Cuando es joven, Leonardo aprende en el taller del pintor Verrocchio, donde rápidamente destaca por su talento. Según cuenta Vasari, el maestro Verrocchio deja de pintar al darse cuenta de que su discípulo lo supera Verrocchio está trabajando en un cuadro sobre el Bautismo de Cristo y se queda impresionado por el ángel que sostiene una tela, pintado por Leonardo.
En 1482, Leonardo se muda a Milán donde Ludovico Sforza lo contrata como ingeniero militar, arquitecto, escultor y pintor Su primera obra terminada es La Virgen de las Rocas, en la que define dos características clave de su estilo: el sfumato y la composición piramidal.
La obra más importante de Leonardo en Milán es La Última Cena, que pinta en 1482 para decorar el comedor del convento de Santa María delle Grazie Como la técnica del fresco no le gusta porque lo obliga a pintar rápido y sin prestar atención a los detalles, intenta inventar un sistema para pintar al temple sobre la pared. Sin embargo, el resultado es un fracaso, y la pintura, que fue espectacular en su tiempo, ahora está casi desvanecida
Teoría y apuntes
Para poder representar a las trece figuras Leonardo crea la ilusión de un espacio más amplio, fingiendo una habitación adicional en el muro central Siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, dirige las líneas de fuga hacia las tres ventanas detrás de Cristo, que también dejan entrar luz natural
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
La escena muestra el momento exacto en que Cristo anuncia que uno de sus discípulos lo va a traicionar, lo que le permite a Leonardo agrupar a los apóstoles en grupos de tres para mostrar las diferentes reacciones ante la noticia El único que no se sorprende es Judas, que aprieta nerviosamente una bolsa de monedas.
Leonardo da Vinci (1452-1519)
En 1501, Leonardo regresa a Florencia como un pintor ya muy reconocido Pinta Santa Ana, la Virgen y el Niño, una obra que desde la presentación de su cartón preparatorio atrae muchas visitas Poco después, pinta el fresco de la Batalla de Anghiari, que representa una carga de la caballería florentina contra los milaneses El cuadro está perdido, pero algunos creen que aún podría estar escondido bajo otro mural.
Entre 1503 y 1506, Leonardo pinta uno de los cuadros más famosos de la historia, el busto de Monna Lisa conocida también como "La Gioconda" porque estaba casada con Francesco Giocondo Es el retrato de una mujer con un paisaje en el fondo, envuelto en una atmósfera suave y difuminada. La silueta está desdibujada y el rostro tiene una expresión enigmática Leonardo parece estar muy orgulloso de esta obra, ya que se la lleva a Francia cuando viaja para trabajar en las fortificaciones de Francisco I, donde finalmente muere.
Rafael Sanzio (1483-1520)
Es un artista que lo tiene todo para ser admirado por la gente de su tiempo: es atractivo físicamente, tiene un carácter amable y su arte es accesible para todos Además, muere a los 37 años, justo en el momento en que está en su mejor momento tanto personal como artístico
Rafael destaca por su capacidad de asimilación de diversas influencias, desde su maestro Perugino hasta Leonardo Sus características incluyen un gran dominio del dibujo el uso de luz y sombra para efectos tridimensionales, y composiciones equilibradas y armónicas Los temas religiosos se centran en las Madonnas, arquetipos del clasicismo renacentista, como la Virgen del jilguero. También realiza retratos como el del Papa León X, y frescos para las estancias vaticanas, destacando La escuela de Atenas Utiliza colores suaves y crea escenas mitológicas y religiosas con gran detalle Su vida pasa por cuatro etapas importantes
Etapa en Perugia
En Perugia, estudia con el maestro local Pietro Perugino, de quien aprende a usar tonos claros, crear posturas elegantes y diseñar paisajes idílicos
Etapa en Urbino
En Urbino, sigue aprendiendo, esta vez concentrándose en la perspectiva, algo muy popular en ese momento gracias a Piero della Francesca, que había trabajado allí antes
Etapa en Florencia
En Florencia, Rafael toma de Leonardo la técnica del sfumato y la composición en forma de pirámide. Aquí pinta varias madonas, lo que le trae un éxito inmediato Tal vez la más conocida es la Virgen del jilguero
De esta etapa también es el cuadro Los desposorios de la Virgen, donde representa una escena del Nuevo Testamento con un fondo de un templete clásico
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Rafael Sanzio (1483-1520)
Etapa en Roma
La vida de Rafael da un giro en 1508, cuando el papa Julio II lo invita a Roma para decorar cuatro habitaciones que pasan a la historia como las Estancias Vaticanas:
a) Cámara de la Signatura o Estancia del Sello: es la única que Rafael pinta completamente por sí mismo Esta sala es el Tribunal del Sello del Papa y también su biblioteca personal Rafael decora las paredes con un programa humanista que hace referencias a la Jurisprudencia, la Poesía, la Teología y la Filosofía:
– La obra que trata sobre la Teología se llama La disputa del Sacramento.
– La que trata sobre la Filosofía, titulada La Escuela de Atenas, celebra la filosofía clásica, donde Platón señala el cielo y Aristóteles la tierra
b) Cámara de Heliodoro
c) Cámara del Incendio del Borgo
d) Cámara de Constantino.
Rafael también es conocido por sus retratos, entre los que destacan los de los papas Julio II y León X, su novia, “La fornarina”, y el escritor Baltasar de Castiglione
Su última gran obra son diez cartones para tapices con escenas de los Hechos de los Apóstoles, que son tejidos en Bruselas y están destinados a la capilla de León X Como el resto de su trabajo, estas obras reflejan la perfección de una sociedad en equilibrio, aunque siete años después de la muerte de Rafael, esos valores se verán amenazados por el saqueo de Roma
Giorgione (1477-1510)
Giorgione, en el inicio del siglo XVI, aporta una nueva visión de la naturaleza y la perfección ideal, comparable a Leonardo y Miguel Ángel. Introduce la novedad de pintar al óleo sin bocetos previos, aplicando el color, directamente, sobre el lienzo. Los paisajes ya no son accesorios, sino que tienen un gran protagonismo para contar la historia de la pintura
Obras más importantes
• La tempestad
• Venus dormida
• El atardecer
• La pastoral
• Judit
• Tramonto
Pintura : autores Cinquecento
San Juan Bautista 1513-1516
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
La dama del armiño 1490
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Leonardo da Vinci
La
Comentario : El Juicio Final ArteRenacimiento
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Ficha técnica
Miguel Ángel
1537-1541
Pintura al fresco | Cinquecento
Palacios Vaticanos, Capilla Sixtina
Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Contexto y significados
Nos situamos en el Cinquecento, época en la que los grandes papas como Julio II, desean embellecer el centro de la cristiandad y para ello cuentan con los más destacados artistas del momento, como Bramante Rafael y Miguel Ángel
Miguel Ángel es llamado a Roma por el papa Julio II, impresionado por su éxito con la estatua del "David", para encargarle su sepulcro Sin embargo, el sepulcro nunca llega a completarse, quedando solo algunas piezas como los esclavos y el "Moisés" Esto se debe en parte a que la atención del papa se centra en la construcción de la nueva Basílica de San Pedro. El fracaso de este proyecto parece atormentar a Miguel Ángel, quien lo compensa parcialmente con el encargo de la bóveda de la Capilla Sixtina
Años más tarde, se le encarga el "Juicio Final" Esta obra está profundamente condicionada por la crisis personal y religiosa que atraviesa Miguel Ángel en ese momento El saqueo de Roma y la decadencia de la visión optimista del humanismo renacentista lo llevan a un profundo pesimismo.
Miguel Ángel es uno de los grandes genios del Renacimiento. Destaca como arquitecto, pintor y, sobre todo, como escultor, algo que se refleja en los cuerpos musculosos y de gran anatomía que aparecen en sus obras. Su huella está presente en la cúpula del Vaticano, en la Capilla Sixtina y en esculturas como las diferentes "Pietas", el "David" o el "Moisés" Su estilo evoluciona hacia lo que se conoce como la "línea serpentinata", un retorcimiento característico que se observa en sus figuras, acompañado de fuertes contrastes de color.
Descripción
Miguel Ángel recibe el encargo de pintar el mural sobre el altar en 1536, unos veinticinco años después de terminar la bóveda Tiene 61 años cuando comienza la obra, que realiza con la técnica del fresco La escena está formada por una multitud de cuerpos desnudos, de grandes anatomías, que ascienden o descienden en un espacio dominado por un intenso color azul
1 En la parte superior, ángeles sin alas sostienen los instrumentos de la Pasión: la cruz, la columna y la corona de espinas.
2 En la parte central, Cristo aparece como un joven imberbe, de poderosa anatomía, que gira su cuerpo hacia la izquierda, donde se encuentran los condenados, con un gesto terrible y justiciero Su figura recuerda a la de Zeus lanzando rayos. A su lado está la Virgen, en una composición en zig-zag que con timidez y casi espantada desvía su mirada hacia los bienaventurados Detrás de ellos se observa un foco de luz símbolo de la luz divina.
3 Cerca de María y Cristo se sitúan varios santos que portan los instrumentos de su martirio: San Bartolomé sostiene el cuchillo con el que fue despellejado vivo y su piel en la otra mano (se cree que el rostro en esa piel es un autorretrato de Miguel Ángel); San Lorenzo sostiene la parrilla A ambos santos estaba dedicada la Capilla Sixtina También se encuentran San Pedro con las llaves, San Pablo con un gesto de ceño fruncido, San Andrés con su cruz en aspa San Sebastián con las flechas de su martirio, y Santa Catalina con la rueda de púas con la que fue martirizada
Descripción
4 Debajo de Cristo, en el eje central, los siete ángeles del Apocalipsis tocan sus trompetas para anunciar el inicio del Juicio mientras un arcángel lee el libro donde están los nombres de los elegidos, que comienzan a salir de sus tumbas
5 En el lado de los bienaventurados, se inicia un movimiento giratorio donde los benditos ascienden en un tumulto. Algunos parecen buscar y encontrar a sus familiares, mostrando lágrimas de felicidad Unos se ayudan a otros, mientras algunos demonios intentan evitar que asciendan.
6 En la parte opuesta, los condenados descienden caen en posturas complicadas y escorzos, como si se negaran a aceptar su castigo, con rostros llenos de expresividad.
7 En la parte inferior, Miguel Ángel introduce figuras mitológicas Caronte, en su barca, echa a los condenados al agua. En una esquina aparece Minos, rodeado de una serpiente que le muerde el pene Minos, representado con orejas de burro y cuernos, tiene una poderosa anatomía y está rodeado de figuras demoníacas.
Análisis formal
La obra es un estudio magistral del cuerpo humano, con la mayoría de las figuras desnudas y en diversas posturas Esta característica provoca una gran indignación en la época Los cuerpos son de gran anatomía, casi escultóricos, lo que refleja la experiencia de Miguel Ángel como escultor
No existe ninguna referencia espacial en la obra: no hay arquitecturas ni paisajes solo un cielo de un azul intenso que no transmite serenidad La composición se basa en una estructura complicada, con abundantes escorzos y figuras retorcidas, que crean una sensación de movimiento y agitación constante.
Los colores son vivos y contrastan fuertemente, alejándose de la armonía que caracteriza a Rafael Por ejemplo, en la Virgen se observa una combinación intensa de azul y rosa.
Miguel Ángel introduce su propio estilo, conocido como manierismo, en el que las figuras se enroscan sobre sí mismas, los músculos se tensan y el espacio no está claramente definido El manierismo también introduce por primera vez el tema de lo feo o deformado en la historia del arte
Comentario : El Juicio Final Arte
Grupo de los ángeles portando símbolo de la Pasión: cruz y corona de espinas.
El cielo Cristo, la Virgen, Bienaventurados, santos y mártires.
Grupo ascendente: salvados. Los juzgados que ascienden al cielo.
Ángeles trompeteros
Libros de la vida y la muerte.
Más información relevante
Resurrección de los muertos. Mundo Terrenal. Muertos llamados por los ángeles trompeteros.
He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.
Boca del infierno
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Grupo de ángeles portando símbolo de la Pasión: La columna
Grupo descendente: Los condenados
El infierno Condenados son conducidos en la barca de Caronte.
arte RENACIMIENTO
Manierismo
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Cuadro resumen
Autores y obras pág. 420-21
Línea del tiempo
pág.422
Fichas obras
pág. 423-430
Quattrocento
pág. 431-95
Cinquecento
pág. 496-555
Manierismo
pág. 556-95
Renacimiento España
pág. 596-646
Renacimiento norte Europa
pág. 647-87
7.3 Manierismo
Cuadro artistas
Manierismo pág.557
Contexto pág.558
Arquitectura
Características generales pág.558
Autores pág. 558
Obras pág.559-64
Escultura
Rasgos generales pág 565
Escultores pág. 565
Obras pág.566-68
Pintura
Rasgos generales pág. 569
Autores pág. 569-72
Obras pág.573-93
Comentarios
El Lavatorio pág. 594-95
Comentario : El Lavatorio Arte
Comentario
Esta obra pertenece al estilo veneciano, lo que se aprecia en el uso del óleo, la pincelada suelta y la perspectiva aérea. Sin embargo, también tiene rasgos manieristas, como las posturas forzadas de las figuras, la perspectiva descentrada y la composición desordenada Esto nos permite atribuir la obra a Tintoretto, uno de los grandes representantes del manierismo en Venecia
Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Tintoretto se forma en Venecia, probablemente con Tiziano, lo que le permite dominar las técnicas avanzadas de la pintura veneciana del siglo XVI. A la vez, siente una profunda admiración por Miguel Ángel, cuyo estilo en su etapa madura se caracteriza por dejar de lado el equilibrio y la claridad del Renacimiento en busca de una mayor expresividad y dinamismo
Estas influencias se combinan en la pintura de Tintoretto, cuyo estilo personal supera en ocasiones los límites del manierismo y anticipa soluciones típicas del arte barroco.
El objetivo principal de Tintoretto es crear una conexión emocional con el espectador. Su obra invita a quien la observa a involucrarse emocionalmente, en vez de ser un simple observador pasivo, como sucedía con las obras del Alto Renacimiento El espectador debe relacionarse con la escena y seguir las grandes perspectivas del cuadro, sintiendo las emociones que esta transmite Además, la pintura de Tintoretto varía según el ángulo desde el que se mire, algo que no ocurre con las obras de Rafael o Leonardo
Tintoretto también tiene en cuenta el lugar donde se coloca su obra. Este cuadro estaba destinado a la pared derecha del presbiterio de San Marcuola en Venecia, por lo que la mejor manera de apreciarlo es desde un ángulo diagonal Esta idea de la perspectiva espacial anticipa lo que será habitual en el Barroco, como se ve en las esculturas de Bernini o en las pinturas de Velázquez, quienes también estudian cómo la luz afecta a sus obras.
Las perspectivas oblicuas, los escorzos forzados y la luz expresiva de Tintoretto eliminan el equilibrio clásico en favor de una expresión personal y dramática, lo que influirá en artistas como Caravaggio y Rubens. Su estilo emotivo conecta fácilmente con los fieles de las iglesias venecianas Tintoretto pinta de manera rápida, con pinceladas visibles y sin muchas correcciones No solía hacer bocetos, pero utilizaba teatrillos con figuras para estudiar los efectos de perspectiva, técnica que después adoptará El Greco Velázquez, admirador de Tintoretto, adquiere esta obra durante su segundo viaje a Italia. Las tonalidades frías del cuadro influyen en su última etapa, especialmente en el uso de la perspectiva.
Por último, es interesante la relación entre la pintura veneciana y la arquitectura clásica Tintoretto y Veronés crean grandes escenarios arquitectónicos en sus obras, a pesar de que Venecia no tiene una gran tradición clásica Estas pinturas crean una atmósfera que parece un sueño de antigüedad clásica en una ciudad que es mayormente gótica.
arte RENACIMIENTO
En España
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Cuadro resumen
Autores y obras pág. 420-21
Línea del tiempo
pág.422
Fichas obras
pág. 423-430
Quattrocento
pág. 431-95
Cinquecento
pág. 496-555
Manierismo
pág. 556-95
Renacimiento España
pág. 596-646
Renacimiento norte Europa
pág. 647-87
7.4 España
Cuadro artistas
Rto. España pág.597
Contexto pág.598
Arquitectura
Características generales pág.598
Etapas arquitectura pág 598-99
Obras pág.600-08
Escultura
Rasgos generales pág 609
Escultores pág 609-611
Obras pág.612-22
Pintura
Rasgos generales pág 623
Autores pág 623-26
Obras pág.627-44
Comentarios
San Lorenzo de El Escorial pág.645 El Entierro del conde de Orgaz pág.646
Esquema autores Renacimiento España Arte
Arquitectura
Plateresco primera mitad siglo XVI
Enrique Egas
Fachada Uni. Salamanca
La casa de las Conchas
El Hospital de la Santa Cruz
Escultura
Alonso Berruguete
Retablo monasterio de La Mejorada
Retablo de San Benito El Real
El sacrificio de Isaac
El martirio de San Sebastián
San Jerónimo
La Transfiguración
La Visitación
Sepulcro Cardenal Tavera
Purismo 1530-1563
P. Machuca
Palacio de Carlos V
D. Siloé
Catedral de Granada
Iglesia de San Jerónimo
Juan de Juni
Entierro de Cristo
Retablo Santa María de la Antigua
Retablo catedral Burgo de Osma
Retablo capilla de la familia Benavente.
Virgen de las Angustias
Pintura
Pedro Berruguete
Retablo convento Sto Tomás
Retablo Iglesia Paredes de Nava
Pintura
A. Sánchez Coello
La dama del abanico
Antonio Moro
María Tudor, Reina de Inglaterra
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Gil de Hontañón
Fachada Uni Alcalá de Henares
Esquema artistas inicial
Herreriano segunda mitad siglo XVI
Juan de Herrera
Monasterio de El Escorial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
D. Siloé
Retablo Capilla del Condestable
D. Forment
Retablo mayor Basílica del Pilar
Retablo Monasterio del Poblet
F. Bigarny
Retablo mayor Capilla Real Granada
Retablo catedral de Toledo
L. Leoni
Carlos V y el furor
L. y P. Leoni
Grupos funerarios Carlos V y Felipe II.
F. Yáñez de la Almedina
Santa Catalina
Juan Pantoja de la Cruz
Nacimiento de la Virgen
Hernando Llanos
Resurrección
Juan de Juanes
Última Cena
El Martirio de San Sebastián
Más autores, obras y apuntes
Luis de Morales
Virgen de la leche
Pintura : Renacimiento España
La pintura en el Renacimiento español
La influencia italiana llega a España de manera tardía, ya que la pintura flamenca que se adapta bien a las necesidades de la Iglesia, domina primero La difusión del Renacimiento italiano se da de varias formas: se importan pinturas y grabados, hay pintores italianos en España y artistas españoles viajan a Italia
En el primer tercio del siglo XVI, sigue predominando el estilo gótico hispano-flamenco, aunque poco a poco se empiezan a ver influencias italianas como el interés por la figura humana, la profundidad y las proporciones Un buen ejemplo es Pedro Berruguete, que mezcla ambas influencias
En el segundo tercio del siglo XVI, un grupo de pintores valencianos imita a los artistas del Cinquecento italiano Entre ellos están Fernando Yáñez, que pinta "Santa Catalina", Vicente Masip, y Juan de Juanes, conocido por su "Última Cena"
En la segunda mitad del siglo XVI, aparece el Manierismo en España, influenciado por Miguel Ángel y la pintura veneciana Algunos artistas destacados son:
– Luis de Morales, un pintor que expresa un fuerte sentimentalismo. Sus figuras son alargadas, utiliza colores fríos, y los contrastes de luz y sombra en su obra anticipan el tenebrismo. Un ejemplo de su trabajo es "La Virgen con el Niño"
– Los retratistas que trabajan para la corte en El Escorial también destacan en esta época
Características
Al igual que la escultura, la pintura se convierte en un medio para promover la fe católica frente al protestantismo, con el objetivo de conmover a través de las emociones. Las escenas mitológicas o profanas son trabajadas principalmente por pintores extranjeros, como Tiziano, que trabajan para la corte o la nobleza
Teoría y apuntes
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
La pintura renacentista en España se caracteriza por su enfoque en temas religiosos, ya que la Iglesia es el cliente principal. Las imágenes sirven para promover la fe católica frente al protestantismo, buscando conmover a los fieles Las temáticas mitológicas y profanas son poco comunes y suelen ser trabajadas por artistas italianos como Tiziano, que pintan para la corte de Carlos V y Felipe II
Las técnicas más utilizadas son el óleo sobre tabla y, luego, sobre lienzo El fresco no se desarrolla tanto como en Italia
Primera mitad siglo XVI
En el primer tercio del siglo XVI, coexisten dos influencias: la flamenca, que sigue dominando con su realismo y colorido, y la italiana del Quattrocento, que se introduce lentamente Los pintores comienzan a interesarse por el dibujo, la figura humana y la perspectiva, aunque aún no logran dominar estos aspectos Más tarde, la influencia de Leonardo da Vinci se nota en el uso del sfumato y en el interés por las actitudes y los paisajes.
Pedro Berruguete
Pedro Berruguete (pintor palentino), considerado uno de los mejores pintores de finales del siglo XV y principios del XVI viaja a los Países Bajos y a Italia Su obra combina las influencias flamenca e italiana, destacando en el retablo del convento de Santo Tomás de Ávila, encargado por el inquisidor Torquemada, y en el retablo de la iglesia de Paredes de Nava, su ciudad natal.
Fernando Yáñez de la Almedina y Hernando Llanos
A Valencia llega la influencia del Quattrocento a fines del siglo XV, gracias a la cercanía y a la presencia de pintores italianos
Fernando Yáñez de la Almedina y Hernando Llanos traen el estilo de Leonardo, como se observa en la Santa Catalina de Fernando Yáñez de la Almedina.
Segunda mitad siglo XVI
En el segundo tercio del siglo XVI, un grupo de pintores valencianos copia a los grandes artistas del Cinquecento, con una influencia más fuerte de Rafael que de Leonardo
Juan de Juanes
Juan de Juanes destaca por combinar el sfumato de Leonardo con el color y la dulzura de Rafael, creando obras populares como la Última Cena y El Martirio de San Sebastián
En la segunda mitad del siglo XVI, la pintura alcanza un nivel más alto, influenciada por Miguel Ángel y la pintura veneciana, y se introduce el Manierismo Este estilo se caracteriza por colores fríos desproporciones y movimiento exagerado, y los artistas españoles se integran rápidamente debido a la escasa influencia del clasicismo.
Luis de Morales
Luis de Morales, conocido como "El Divino", se destaca por sus temas piadosos (vírgenes y cristos) con figuras alargadas y expresiones intensas anticipando el tenebrismo y el sentimentalismo de la pintura barroca. Entre sus obras destacan su Virgen con el Niño (Virgen de la leche), Piedad, ambas en el Museo del Prado.
Más pintores
En la corte de Felipe II, hay un grupo de pintores, en su mayoría italianos, que decoran el Escorial y retratistas de la corte como Alonso Sánchez Coello, Antonio Moro y Juan Pantoja de la Cruz
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Toma tus apuntes aquí
Pintura : Renacimiento España
Juan de Juanes
La última cena
Juan de Juanes 1559-62
Martirio de San Esteban
Juan de Juanes 1555-1562
Luis de Morales
Más autores
Retablo del Real
Monasterio de Santo
Tomás
P. Berruguete 1494
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
Virgen con el Niño
(Virgen de la leche)
Luis de Morales 1572
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La Piedad
Luis de Morales 1565-1570
Nacimiento de la Virgen
J. Pantoja de la Cruz 1603
Santa Catalina
F. Yáñez de la Almedina 1510
María Tudor, reina de Inglaterra
Antonio Moro 1554
La dama del abanico
Alonso Sánchez Coello 1570-1573
arte RENACIMIENTO
Norte de Europa
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Cuadro resumen
Autores y obras pág. 420-21
Línea del tiempo
pág.422
Fichas obras
pág. 423-430
Quattrocento
pág. 431-95
Cinquecento
pág. 496-555
Manierismo
pág. 556-95
Renacimiento España
pág. 596-646
Renacimiento norte Europa
pág. 647-87
7.5 Rto. Norte
Europa
Cuadro artistas
Rto. Norte Europa pág.648-49 Pintura
Características primitivos flamencos pág.650
Primitivos flamencos pág 651-53
Obras primitivos flamencos pág.657-67
Renacimiento en Flandes pág. 668-69
Renacimiento en Alemania pág. 670-72
Obras pág. 673-78
Comentarios
Políptico adoración del Cordero Místico pág.679-81
El matrimonio Arnolfini pág.682
El jardín de las delicias pág.683-87
Esquema artistas: Renacimiento fuera de Italia
Primitivos flamencos
Robert Campin 1379-1445
Retrato de un hombre
Tríptico Werl
Tríptico de la Anunciación
Primitivos flamencos
Hyeronimus Bosch “El Bosco” 1450-1560
El jardín de las Delicias
Adoración de los Magos
La nave de los locos
El Juicio final
Tríptico de las Tentaciones de san Antonio
Tríptico del carro de Heno
Mesa de los pecados capitales
Jan Van Eyck 1395-1441
El matrimonio Arnolfini
La Virgen del Canciller Rolin
La Virgen del Canónigo Van der Paele
El Políptico de la Adoración del Cordero Místico
Retrato de hombre con turbante rojo
Rogier Van der Weyden 1399-1464
El Descendimiento
El Tríptico de Miraflores
El Juicio Final
Visitación
Renacimiento Flandes
Quentin Massys 1466-1530
La duquesa fea
El cambista y su mujer
Joachim Patinir 1480-1526
El paso de la laguna Estigia
Paisaje con San Jerónimo
Bautismo de Cristo
Descanso en la Huida a Egipto
La huida a Egipto
Dirk Bouts 1415-1475
La última cena
La Virgen y el Niño
Esquema artistas inicial
La caída de los condenados
La justicia del Emperador Otón
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Más autores, obras
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Renacimiento Flandes
Pieter Brueghel el Viejo 1525-1569
El combate entre don Carnal y doña Cuaresma
Los cazadores en la nieve
Boda campesina
La torre de Babel
Juegos de niños
El triunfo de la muerte
La cosecha
Más autores, obras
Mabuse 1478-1532
Retrato de Enrique III de Nassau-Breda
Adoración de los Reyes
Cristo antes de la flagelación
Más autores, obras
Pintura Proto-Renacimiento: Primitivos flamencos Arte
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Jan Van Eyck 1395-1441
Robert Campin es un pintor primitivo flamenco del que, lamentablemente, se sabe muy poco en cuanto a su vida personal. Sin embargo, sus obras maestras hablan por sí solas Es conocido por recibir encargos de particulares gremios y autoridades religiosas y civiles, lo que le permitió vivir cómodamente.
Dueño de varias propiedades, también invirtió en bonos e hipotecas
Aunque se ve envuelto en un escándalo por adulterio con Laurence Polette, que le lleva a ser desterrado durante un año en 1432, su arte destaca por encima de todo
Campin es pionero en el uso del óleo lo que le permite un nivel de realismo nunca visto Esta técnica le da más tiempo para trabajar los detalles antes de que la pintura se seque, logrando acabados brillantes y naturalistas Aunque se centra en el arte religioso, también pinta retratos y escenas cotidianas incorporando elementos domésticos en sus obras sacras. Junto a Jan van Eyck, marca el inicio de un nuevo estilo, rompiendo con el Gótico
Su obra más importante son dos puertas de un tríptico con Santa Bárbara y Enrique de Werl arrollidado con San Juan Bautista: El Tríptico de Werl
Obras
Retrato de un hombre
Tríptico Werl o Santa Bárbara y San Juan con el Donante Tríptico de la Anunciación
Rogier Van der Weyden 1399-1464
Rogier van der Weyden, también conocido como Rogier de la Pasture, es un pintor primitivo flamenco famoso por su detallismo minucioso y la fuerza estética de sus composiciones.
A los 35 años es nombrado pintor oficial de la ciudad de Bruselas aunque de su vida anterior se sabe poco, más allá de su prestigio y éxito. Aunque no deja un gran número de obras, las que se le atribuyen son auténticas joyas del arte flamenco
Teoría y apuntes
Su estilo es típicamente "del norte", pero muestra influencias del arte italiano, especialmente en el tratamiento de la anatomía y las poses Además, se distingue por un estilo escultórico que otorga volumen y realismo a los cuerpos Gran parte de su obra se encuentra en España, ya que Flandes formaba parte de este país en el siglo XV
Entre sus obras más conocidas están "El Descendimiento", que destaca por la expresividad y composición, un tríptico del cual solo se conserva la tabla central. "El Tríptico de Miraflores", con escenas religiosas llenas de simbolismo, y "El Juicio Final", una impresionante representación del Apocalipsis
Obras
El Descendimiento
El Tríptico de Miraflores
El Juicio Final
Visitación Robert Campin 1379-1445
Dirk Bouts 1415-1475
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Es uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo un hermano, Hubert, que colabora con él en algunas obras, aunque muere de forma prematura
Procedente de una familia de pintores en Lieja, probablemente empieza en la miniatura, lo que explica el detallismo de su obra Con 30 años, se dedica a pintar sobre tabla y trabaja para Felipe el Bueno, viajando como diplomático por Europa
Jan van Eyck es uno de los pintores flamencos más destacados, conocido por transformar la pintura gótica en algo nuevo y fresco Aunque existe la creencia de que él inventa la pintura al óleo en realidad este tipo de pintura ya existía desde al menos 1125 Sin embargo, Jan y su hermano son los primeros flamencos en usar el óleo sobre tabla de manera detallada, desarrollando técnicas como las veladuras, el uso de trompe l'œil y un aglutinante de secado rápido.
Aunque su pintura parece muy realista, tiene un gran contenido conceptual y está llena de símbolos que a menudo son difíciles de interpretar. Van Eyck es extremadamente detallista y en sus obras destaca la representación del espacio con una sorprendente profundidad
El Políptico de la Adoración del Cordero Místico Su obra clave es "El Políptico de la Adoración del Cordero Místico", pintado para la iglesia de San Bavón de Gante
Este gran políptico mide 3 50 x 4 61 metros y consta de veinte paneles de roble, de los cuales ocho son móviles y están pintados por ambas caras Fue financiado por Joos Vijd, quien aparece retratado junto a su esposa en la parte exterior del políptico Existe un documento que indica que Hubert inició la obra y Jan la terminó.
En conjunto, destaca por su unidad compositiva y está compuesto por retratos paisajes y naturalezas muertas, todos tratados con gran minuciosidad. El políptico está lleno de símbolos: por ejemplo, los lirios junto a los mártires representan la virginidad, y la corona a los pies de Dios simboliza la subordinación del poder terrenal al divino
Otras obras
Otra obra importante de Jan van Eyck es "El matrimonio Arnolfini" Entre sus retratos más destacados están "La Virgen del Canciller Rolin" y "La Virgen del Canónigo Van der Paele", donde las figuras de los donantes casi predominan sobre las de la Virgen
Obras
El matrimonio Arnolfini
La Virgen del Canciller Rolin
La Virgen del Canónigo Van der Paele
El Políptico de la Adoración del Cordero Místico
Retrato de hombre con turbante rojo
Dirk Bouts, o Dieric Bouts, es un pintor primitivo flamenco del siglo XV que nace en Haarlem en 1415 y pasa gran parte de su vida en Lovaina Aunque no se sabe mucho sobre sus primeros años como artista, se nota la influencia de maestros como van Eyck y van der Weyden en su trabajo
Su pintura tiene la rigidez típica del Renacimiento temprano pero destaca por el uso del color y la expresividad A diferencia de otros pintores flamencos, Bouts no emplea mucho la perspectiva, lo que puede hacer que sus obras parezcan menos sofisticadas, aunque no faltan la minuciosidad ni la atención al paisaje y al retrato
Sus temas principales son religiosos y el retrato como se ve en obras destacadas como "La Última Cena", un ejemplo temprano de la perspectiva lineal, "El martirio de San Erasmo", con sus detalles dramáticos, y “La justicia del Emperador Otón", parte de un conjunto de paneles narrativos
Obras
La última cena
La Virgen y el Niño
La caída de los condenados
La justicia del Emperador Otón
Hyeronimus Bosch “El Bosco” 1450-1560
El Bosco, cuyo nombre real es Jheronimus van Aken, es uno de los pintores más singulares del Renacimiento del Norte de Europa, conocido por sus obras cargadas de simbolismo y escenas fantásticas que sorprenden por su modernidad A diferencia de otros artistas de su época, no se ve influenciado por la cultura urbana o las tendencias artísticas de Italia y Flandes, sino que desarrolla un estilo único, basado en la cultura popular, los refranes y las supersticiones.
El Bosco aborda en sus pinturas temas religiosos, pero siempre con un enfoque crítico hacia la debilidad humana Sus cuadros están llenos de detalles simbólicos y criaturas híbridas que representan la inclinación del ser humano hacia el pecado Las influencias del folclore la astrología la brujería y la alquimia se combinan en sus obras, creando imágenes que desafían la imaginación y reflejan su preocupación por la condena eterna
Entre sus obras más destacadas están "El jardín de las delicias", con su exuberante mundo de criaturas fantásticas; "El carro de heno", que critica la avaricia y otros vicios y "Las tentaciones de San Antonio", donde representa el combate espiritual en paisajes surrealistas Estas pinturas, admiradas por Felipe II, se conservan en su mayoría en el Museo del Prado.
Obras
El jardín de las Delicias
Adoración de los Magos
La nave de los locos
El Juicio final Tríptico de las Tentaciones de san Antonio Tríptico del carro de Heno
Mesa de los pecados capitales
Pintura Proto-Renacimiento: Primitivos flamencos Arte
El jardín de las delicias
Autor: El Bosco | Renacimiento Norte Europa 1500-1505
Pintura al óleo sobre tabla. Tamaño 220x389cm. Se encuentra en el Museo del Prado (Madrid).
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
Adoración de los Magos
Autor: El Bosco | Renacimiento Norte Europa 1485-1500
Óleo sobre tabla. Tamaño 138x72cm. Se encuentra en el Museo del Prado (Madrid)
La nave de los locos
Autor: El Bosco | Renacimiento Norte Europa 1503-1504
Óleo sobre tabla. Tamaño 58x33cm. Se encuentra en el Museo del Louvre (París)
El Tríptico del Carro de Heno
Autor: El Bosco | Renacimiento Norte Europa 1516
Óleo. Museo del Prado, Madrid
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El Juicio Final
Autor: El Bosco Renacimiento Norte Europa 1482 aprox.
Óleo sobre tabla. Tamaño 163,2x242cm. Academia de Bellas Artes de Viena.
Pintura: Renacimiento norte Europa-Flandes-
Quentin Massys 1466-1530 (Flandes)
Quentin Massys se establece como el fundador de la escuela de Amberes, una de las más importantes del arte flamenco, al combinar la rica tradición pictórica de la región con las modernas corrientes que surgen en Italia durante los inicios del Renacimiento
Probablemente, Massys nace en Lovaina, donde recibe su formación inicial Sin embargo, se traslada a Amberes donde pasa el resto de su vida, manteniendo contacto con el resto de Europa lo cual se refleja en su obra
Massys es principalmente un pintor de temática religiosa, donde se fusionan las influencias flamencas y las italianas En su trabajo, se observa cómo la tradición y la modernidad chocan de manera positiva, creando obras que se convierten en parte de la historia del arte. Como buen artista flamenco, sus cuadros religiosos destacan por la intensidad de su sentimiento religioso, el uso de un cromatismo suntuoso y una gran atención al detalle. Estos elementos aportan una profundidad emocional a sus obras
En el ámbito del retrato, Massys es muy valorado por su habilidad para representar la anatomía humana, incluidas ciertas fisionomías grotescas, lo cual puede atribuirse a la influencia de Leonardo da Vinci Además, Massys desarrolla un gran sentido del humor, creando obras con un estilo satírico que, por su carácter innovador, se consideran adelantadas a las vanguardias del siglo XX
Obras
La duquesa fea
El cambista y su mujer
Joachim Patinir 1480-1526 (Flandes)
Joachim Patinir, pintor flamenco del Renacimiento del Norte es conocido por sus paisajes grandiosos donde la naturaleza domina la escena y los personajes parecen quedar en un segundo plano
Su uso del color verde y la disposición de los planos cromáticos, alternando ocres, azules y verdes crean una gran profundidad en sus cuadros, con horizontes altos y luces casi irreales. Patinir es admirador de Gerard David y amigo de Durero, y desde 1515 forma parte de la cofradía de Amberes Patinir logra captar ese momento indefinido entre la realidad y el sueño, creando una atmósfera casi mágica en sus paisajes
Teoría y apuntes
Entre sus obras más notables se encuentran "La huida a Egipto", tema que pinta en múltiples variantes, "El paso de la laguna Estigia", donde combina lo mitológico y lo bíblico, y "El descanso en la huida a Egipto", mostrando su maestría para representar caminos sinuosos, colinas y ciudades a lo lejos
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Obras
El paso de la laguna Estigia
La huida a Egipto
Descanso en la Huida a Egipto
Bautismo de Cristo Paisaje con San Jerónimo
Mabuse 1478-1532
Mabuse, conocido también como Jan Gossaert, se presenta como un destacado artista flamenco y uno de los pioneros en introducir el "arte moderno" al norte de Europa Este "arte moderno" hace referencia a lo que se estaba desarrollando en Italia durante el siglo XIV, considerado uno de los momentos más revolucionarios de la historia del arte.
Nace en Maubeuge lo que le da su apodo, y comienza su carrera en los talleres locales, donde se caracteriza por incluir fondos arquitectónicos al estilo italiano Su talento lo lleva rápidamente a hacerse un nombre en diversas cortes europeas Durante su carrera, realiza un viaje a Italia que le permite conocer de primera mano los avances en estudios de anatomía perspectiva y motivos clásicos que están en auge en ese momento
Gracias a Mabuse se inicia una moda por lo italiano en el arte, lo que provoca un gran movimiento de turismo artístico hacia Italia Sin embargo, esta tendencia tiene un impacto negativo en el arte flamenco, ya que durante siglos lo italiano tiende a dominar la escena artística A lo largo de su carrera, trabaja para diversos aristócratas y reyes, realizando pinturas de temas mitológicos religiosos y retratos
Sus experiencias en Italia influyen profundamente en su obra, y es a partir de este momento cuando comienza a crear las obras por las que es más reconocido. Mabuse no solo destaca en la composición, sino que también muestra un talento excepcional en la representación de texturas en las vestimentas Combina las técnicas italianas, como el claroscuro y la perspectiva, junto con la precisión técnica característica de la pintura flamenca
Obras
Retrato de Enrique III de Nassau-Breda Cristo antes de la flagelación
Adoración de los Reyes
Pieter Brueghel el Viejo 1525-1569 (Flandes)
Pieter Brueghel, conocido también como "Brueghel el Viejo" o "Bruegel el Campesino", es un pintor flamenco del Renacimiento del Norte Abre una nueva etapa en la pintura de Flandes, retratando la vida campesina y el paisaje con un enfoque realista
A diferencia de El Bosco, quien muestra un mundo sobrenatural y caótico, Brueghel representa escenas cotidianas, llenas de alegría y tristeza, en las que la naturaleza es aliada del ser humano Su estilo se caracteriza por el tratamiento detallado de las figuras y el entorno, evitando la idealización
Entre sus obras más importantes se encuentran "El triunfo de la muerte", donde aborda la inevitabilidad de la muerte, "Los cazadores en la nieve", que captura el frío invierno y la vida rural
Obras
El combate entre don Carnal y doña Cuaresma
Los cazadores en la nieve
La cosecha
El triunfo de la muerte
Juegos de niños
La torre de Babel
Boda campesina
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Comentario : políptico adoración del Cordero Místico ArteRenacimiento
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Ficha técnica
Huber y Jan van Eyck.
1422-1429 (primitivos flamencos)
Óleo sobre tabla – Género religioso-
Catedral de San Bavón, Gante.
Artista y época
Hubert Van Eyck (trabajó entre 1422 y 1425/1426) y su hermano Jan Van Eyck quien continuó el trabajo tras la muerte de Hubert Algunos expertos atribuyen las tablas inferiores a Hubert, con un estilo cercano al gótico internacional
El promotor fue Jodocus Vijd, un burgués y diplomático al servicio de Felipe el Atrevido de Borgoña, y su esposa El políptico estaba destinado a su capilla familiar en la catedral de Gante.
Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
La pintura de los primitivos flamencos surge en un contexto de auge económico en ciudades como Brujas o Gante, con un crecimiento de la burguesía que imponía sus gustos por el confort y el realismo. En este políptico, los retratos de los donantes en actitud orante representan un ejemplo del individualismo burgués, buscando perdurar tras la muerte como promotores visibles y no anónimos.
Análisis
El políptico, compuesto por 24 tablas, se empezó a restaurar en 2010 La primera fase, que abarcó los paneles traseros de las puertas, terminó en 2017 La segunda fase, centrada en los paneles inferiores (peregrinos, ermitaños, la escena central de la Adoración, los caballeros de Cristo y los Jueces justos), concluyó en 2019. El tema central se basa en el Apocalipsis de San Juan que describe a una multitud adorando al Cordero como fuente de salvación
Políptico abierto
El políptico abierto se divide en dos niveles El nivel superior tiene menos figuras pero más grandes, y el nivel inferior es más complejo, con más figuras, atribuyéndose a Hubert van Eyck
Nivel superior
– Adán: representado desnudo, tapándose con una hoja encima, en grisalla, se muestra a Caín y Abel haciendo ofrendas a Dios
– Ángeles Cantores: vestidos con elegancia, alaban a Dios.
– María: idealizada con una melena rubia, lee un libro con gran detalle, vestida con un manto azul bordado y adornada con joyas
– Dios Padre: sentado en su trono, vestido con una rica túnica roja, tiara y báculo, bendice con tres dedos símbolo de la Trinidad
– Juan Bautista: con pelo y barba, vestido con manto de piel, cubierto por una capa verde, sostiene un libro
– Ángeles Músicos: alaban a Dios con instrumentos musicales minuciosamente detallados
– Eva: desnuda con una fruta aludiendo al pecado original; encima, en grisalla la muerte de Abel a manos de Caín.
Nivel inferior
– Izquierda: jueces y caballeros como San Jorge y San Luis, rey de Francia
– Derecha: ermitaños como San Antonio Abad y peregrinos como San Cristóbal y Santiago
– Tablas Centrales: representan la Adoración del Cordero, con un eje de simetría que va desde el pozo, pasando por el cordero y terminando en el sol Alrededor del altar, dos círculos concéntricos: patriarcas, apóstoles, santos, y ángeles.
Políptico cerrado
Consta de tres niveles
1. Nivel Inferior: donantes orantes y, en grisalla, San Juan Bautista con un cordero en los brazos y San Juan Evangelista que porta un cáliz Sus cabezas se contraponen
2. Nivel Intermedio: la Anunciación con el arcángel Gabriel y la Virgen María El arcángel Gabriel lleva un ramo de lirios, símbolo de pureza, e inclina la cabeza, parece que saluda María viste con una capa blanca y parece sorprenderse al detener la lectura y cruzando sus manos sobre el pecho, mientras posa la cabeza sobre una paloma Se consigue la profundidad estrechando las paredes, mientras el suelo sube y el techo desciende. El mirador también contribuye a la profundidad Junto al mirador se encuentra una hornacina coronada con gablete gótico con una toalla, un cuenco para agua y un aguamanil También se aprecia una pequeña ventana con arcos trilobulados, donde se encuentra la virgen
3. Nivel Superior: profetas y sibilas, como Zacarías, la sibila Eritrea, la sibila de Cumas y Miqueas, uniendo clasicismo y Antiguo Testamento
Análisis formal
Atribución
La parte inferior se atribuye a Hubert por su estilo más arcaico y miniaturizado, cercano al gótico internacional Mientras que la parte superior se le atribuye a Jan van Eyck
Composición
La composición es cerrada, con un eje central desde Dios Padre, el Espíritu Santo, el Cordero y el Pozo
Análisis formal
Técnica
La técnica es el óleo, perfeccionado por los hermanos Van Eyck El óleo permite pintar más despacio, ya que se seca más lentamente Además, permite rectificaciones, veladuras y un mayor detalle en vestidos, pieles, telas, libros, etc. Se emplearon pinceles de distintos grosores, para conseguir el trabajo tan minucioso
Colores
Los colores son brillantes y luminosos, destacan el rojo, azul y verde, especialmente en los personajes de la parte superior También destaca el color dorado de las aureolas, como recuerdo del bizantinismo
Tratamiento de las figuras
La mayor parte de las figuras están idealizadas como María y Dios Padre, incluso los prados y árboles Por otro lado, Adán y Eva se presentan de una forma naturalista, desnudos, con interés por la anatomía Se puede percibir el claroscuro de las caras y el detallismo de los cabellos. También son realistas los donantes de las hornacinas, que tienen arcos trilobulados, donde las luces y sombras dan profundidad
Perspectiva
Presenta una perspectiva clásica y lineal en la Anunciación y "vista de pájaro" en las tablas del Cordero, no existiendo relación con el paisaje
Luz
La iluminación es uniforme en la parte inferior (parece que procede de lo alto e incide directamente sobre el cordero) La parte superior, atribuida a Jan van Eyck, muestra una evolución dado que se introduce el claroscuro, que da volumen a las figuras.
Expresión
La expresión de Dios es hierática Adán y Eva muestran dignidad y tristeza por la pérdida del Paraíso Los donantes tienen una actitud de recogimiento, con rasgos de vejez
Significados
En el centro del retablo, el tema principal muestra a una multitud que se acerca para adorar al Cordero, un símbolo del sacrificio de Cristo Este sacrificio es clave para la redención y la salvación, según la visión de San Juan en el Apocalipsis (Capítulo 7). En este pasaje, San Juan describe una multitud incontable de personas de todas las naciones y lenguas, vestidas de blanco y con palmas en las manos, que están de pie ante el trono y el Cordero, proclamando: "La salvación viene de nuestro Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero"
Además, otros elementos simbólicos también están relacionados con la salvación
– Adán y Eva junto con el asesinato de Abel, simbolizan el origen del pecado
– Los profetas y las sibilas anuncian la llegada del Mesías, que redimirá el pecado Aunque el pecado lleva a la muerte, el sacrificio de Jesús trae salvación, como dicen la Biblia y San Pablo
– Los "Juanes" están relacionados con la profecía: Juan Bautista es el último profeta, y Juan Evangelista predice la segunda venida de Cristo
– La Anunciación representa el nacimiento de Jesús como el Mesías salvador, con la presencia del Espíritu Santo
– El pozo o fuente de la vida simboliza el Bautismo, que limpia del pecado original
– El Cordero simboliza el sacrificio de Jesús, conectado con la Pascua cristiana y judía.
– Hay alusiones a la Eucaristía en el cáliz lleno de sangre, que simboliza la participación en la muerte de Cristo
– Finalmente, el Cordero, el hijo, está relacionado con el Espíritu Santo, que a su vez está vinculado con Dios Todopoderoso, cuyo poder como rey del mundo se simboliza con una corona Esto establece el vínculo entre la Trinidad
Pintura: políptico adoración del Cordero Místico Arte
Ángeles cantores: Vestidos elegantes. Alaban a Dios. María: idealizada. Viste de azul y lee un libro.
Caín y Abel: en grisalla.
Adán: desnudo y tapándose con una hoja.
Comentarios
Jueces y caballeros: San Jorge, San Luis.
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Dios Padre: sentado en su trono. Bendice con 3 dedos, símbolo de la Trinidad.
Juan Bautista: Sostiene un libro. Ángeles músicos: Alaban a Dios con instrumentos.
Tablas centrales: Representan la Adoración del Cordero. Alrededor del altar dos círculos concéntricos: patriarcas, apóstoles, santos y ángeles.
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Muerte de Abel: en grisalla.
Eva: desnuda con una fruta, aludiendo al pecado original.
Ermitaños: San Antonio Abad y peregrinos como San Cristóbal y Santiago
Comentario : El jardín de las delicias ArteRenacimiento
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Ficha técnica
El Bosco (Hieronymus Bosch)
1510-1515
Óleo sobre tabla
Museo del Prado, Madrid
Artista y época
"El Jardín de las Delicias" es una pintura al óleo sobre tabla que se cree fue creada entre 1490 y 1500 Sus dimensiones son de aproximadamente 205 5 x 384,9 centímetros
Esta obra es un tríptico y, aunque no está firmada ni documentada, no hay dudas de que es un trabajo original de El Bosco, el apodo de Jheronimus van Aken (Bolduque, c 1450-1516), también conocido como Jheronimus Bosch o Hieronymus Bosch El nombre "Bosco" proviene de su ciudad natal, donde parece que vivió toda su vida
La pintura pertenece a un momento en el que el estilo de El Bosco ya estaba definido Los expertos creen que fue realizada entre finales de la década de 1480 y 1500 Un estudio mostró que la madera de la tabla proviene del Báltico y fue cortada en 1458 almacenada y usada décadas después.
Comentarios
El estilo de El Bosco se sitúa entre lo medieval y lo renacentista lo que ha desconcertado a los historiadores del arte debido a su visión medieval del mundo en sus cuadros. Pintor flamenco, El Bosco fue influenciado por artistas de la escuela alemana como Schongauer, Grünewald y Alberto Durero. Su inspiración provino de las costumbres, leyendas, supersticiones y dichos de la época, así como de manuscritos iluminados holandeses y bestiarios medievales.
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
El Bosco se formó junto a su familia, también pintores, y solía usar la técnica "alla prima", que consiste en aplicar la primera pincelada al óleo sin casi retoques. Esto le permitía lograr una gran calidad con una amplia gama de colores y contrastes resultado de un estudio previo muy detallado
Significado
Este tríptico muestra la evolución del pecado y su castigo La obra podría interpretarse como una exaltación de los placeres, pero más probablemente es una crítica moral de los vicios y su castigo La interpretación más común es la moralista y didáctica: los paneles del tríptico aluden a la creación del mundo. Al abrirlo, muestra el comienzo y el final de la condición humana: en el panel izquierdo está el Paraíso y la creación de Eva (visto como el origen de todos los males), y en el panel derecho, el Infierno
En el panel central, el pintor ilustra los pecados carnales, mostrando el proceso que lleva a la caída al infierno Sin embargo, hay cierta fascinación en cómo se representan estos pecados, evidenciada en la repetición de motivos y figuras, así como en los colores vivos. La sensación no es tanto de advertencia sobre el castigo, sino de presentar una escena agradable y fascinante, tal vez con la intención de entretener o deleitar al espectador Por eso, muchos estudiosos ven el tríptico como una sátira moralizante sobre el destino humano
Análisis
Es un tríptico de gran tamaño, con más de dos metros de altura y casi cuatro metros de ancho (incluyendo todos los paneles) Como la mayoría de las obras del Bosco, no hay consenso sobre su fecha exacta: algunos estudiosos lo sitúan en 1485, y otros en 1515 Está pintado directamente sobre madera, cuya datación, según análisis, es entre 1460 y 1466 En resumen, se puede datar después del año 1500.
Tríptico abierto
Cuando está abierto, en la tabla izquierda vemos la Creación de Adán y Eva y el origen del pecado; en el panel central, un mundo de placeres y lujuria; y en el panel derecho, el castigo en el infierno.
Panel del Paraíso Terrenal
Esta escena se sitúa en un paisaje verde y salvaje lleno de vegetación fantástica y animales diversos Solo hay tres figuras humanas: Dios, Adán y Eva Dios, representado como un hombre joven (Jesucristo), presenta a Eva a Adán Esta representación de Dios es tradicional y algo anticuada para la época. Otras personas dicen que la figura de Jesús es en realidad un autorretrato del autor.
Aparecen Dios joven, Adán y Eva, junto a un estanque del que surgen animales extraños, la Fuente de la Vida con una lechuza (símbolo de la sabiduría en la Antigüedad, pero del mal en la Edad Media), el Árbol de la Vida (un drago canario) y el Árbol del Bien y del Mal con la serpiente enroscada En el Paraíso ya aparece el mal: animales que se devoran entre sí, un elefante (inocencia) montado por un mono (lujuria), un toro (pasión) atacando a un unicornio (pureza), entre otros
Análisis
A primera vista, esta parte del tríptico parece una tranquila escena de la creación El paisaje desciende suavemente con estanques y montes hasta llegar a la base, donde están Adán, Eva y Dios Se pueden ver animales reales, aunque exóticos para la época del pintor, como jirafas, elefantes, osos y pavos reales; el Bosco probablemente los conoció a través de bestiarios medievales e ilustraciones de Egipto.
Panel Central: el jardín del Edén
Es la más grande y compleja del cuadro, dominando la composición. Muestra un paisaje verde y agradable, lleno de figuras humanas de diversas razas, entregadas al placer carnal en todas sus formas Se representan relaciones sexuales de manera sutil y explícita, tanto heterosexuales como homosexuales, incluso entre animales y plantas Aquí se evidencia la fascinación del Bosco por los pecados que critica: las figuras pálidas, de piel lisa, sin sombras; la iluminación clara y uniforme; los colores brillantes y los ritmos circulares, todo genera una atmósfera de paz y alegría.
Los actos sexuales aparecen de múltiples maneras La sexualidad parece pura alegría y bienaventuranza Pero debemos recordar el contexto del Bosco, donde el acto sexual se veía como una caída en el pecado. Además, el paisaje de esta tabla es un punto intermedio entre el paraíso y el infierno, simbolizando el pecado de la lujuria, un camino hacia la condenación.
En la parte inferior de la tabla, se ven diversas relaciones carnales (heterosexuales, homosexuales, onanismo, adulterio) y símbolos de placer como frutos efímeros y pájaros vinculados a Afrodita Se muestra el "mundo al revés", como un ciervo cazando a un hombre.
En el tercio medio de la composición, destaca una gran fuente ovalada, un motivo recurrente en los jardines del amor de la literatura Aquí, los amantes pasean y se aman alrededor de una fuente central Es interesante que solo mujeres se bañan en esta fuente Alrededor de la fuente, muestra una "cabalgata del deseo" donde los hombres montan animales como caballos, toros, cabras y jabalíes, danzando y haciendo piruetas, excitados por la presencia de las mujeres (una de ellas ya está saliendo del agua). Rodean el estanque donde se bañan mujeres con adornos en la cabeza, esperando encuentros carnales Así, el Bosco muestra la atracción sexual entre hombres y mujeres, situando a las mujeres en el centro, implicándolas como las "culpables" del pecado carnal un recurso común en la época
Pintura: el jardín de las Delicias Arte
Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Panel del Paraíso Terrenal
El paraíso Terrenal con la creación de Adán y Eva
1 Unicornio y perro bípedo
Además de seres fantásticos, también aparecen animales exóticos y reales como monos, aves del paraíso, elefantes, etc.
2 Fuente de la vida
3 Adán y Eva
4 El Árbol de la Vida
5 Jesús o El Bosco
Algunos dicen que se trata de Jesús y otras personas dicen que se trata de un autorretrato del autor
1 Conejo
El conejo tiene un gran tamaño Un animal inofensivo ahora se ha convertido en cazador
2 Instrumentos y objetos grandes
Los objetos han aumentado de tamaño y ahora son amenazantes Los instrumentos musicales son instrumentos de tortura, por ejemplo Antes servía para el placer, ahora causan dolor
3 El hombre-árbol
Devora a los traidores y castiga la lujuria.
4 Pecados capitales
Pereza (hombre recostado), la gula (persona que vomita), la soberbia (mujer vanidosa), la avaricia (persona que defeca monedas)
5 Ciudad en llamas
6 Castigo a los jugadores
Aparece un tablero, los dados, naipes y jarras.
7 Cerdo con toca
Podría aludir a la venta de indulgencias o engaños económicos comunes de la época
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8 Arte Rococó Cuadro resumen
Autores y obras pág. 672-674
Línea del tiempo
pág.675
arte BARROCO
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Barroco Europa
pág. 676-863
Barroco España
pág. 864-958
Rococó
pág. 959-1013
Portadas
Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.
Cuadro resumen Barroco
Frans Hals 1582-1666
El caballero sonriente
Banquete de los oficiales de la Guardia Cívica de San Jorge
Bufón con laúd
Niño riendo
Joven con calavera
Dos jóvenes riendo con una jarra de cerveza
Hendrick Ter Brugghen 1588-1629
La cena de Emaús
La vocación de San Mateo
Esaú vendiendo su primogenitura
Un hombre tocando el laúd
La crucifixión
Gerard Van Honthorst 1590-1656
Músicos en el balcón
El violinista con un vaso de vino
Willem Claeszoon Heda 1594-1680
Naturaleza muerta con copa dorada
Mesa de desayuno con pastel de arándanos
Bodegón con pastel de frutas y diversos objetos
Bodegón con tazza de plata, copa Roemer y ostras
Bodegón con vaso de plata y reloj
Pieter Claesz 1597-1660
Bodegón con copa roemer tazza de plata y panecillo
Bodegón con instrumentos musicales
Bodegón con Vanitas
Jan Davidaz de Heem 1606-1684
Florero con vaso de cristal y frutas
Mesa
Vanitas
Rembrandt van Rijn 1606-1669
La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp
La ronda de noche
Mujer en el baño
Filósofo en meditación
El descendimiento
La tormenta en el mar de Galilea
Dosier de artistas
El buey desollado
La cena de Emaus
Dánae
Autorretrato con dos círculos
También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.
Grabados: aguafuertes
Judith Leyster 1609-1660
Hombre ofreciendo dinero a una mujer joven
Autorretrato
La última gota
El alegre bebedor
Niño con una flauta
La serenata
Carel Fabritius 1622-1654
El jilguero
El centinela
Autorretrato
Mercurio y Argos
Karel Dujardin 1626-1678
Función de la comedia del arte
El campo de batalla (grabado)
Los regentes de la Spinhuis y Nieuwe Werkhuis Amsterdam
Centauromaquia
Jan Havicksz Steen 1626-1679
Cristo en Emaús
Autorretrato con laúd
Pareja bailando
Cuidado con el lujo
Jacob van Ruisdael 1628-1682
Vista de Haarlem con campos de lino
El molino de Wijk bij Duurstede
Mar tormentoso con barcos de vela
Bosque con un arroyo y cascada
Pieter de Hooch 1629-1684
Los jugadores de backgammon
Mujer con un niño en una despensa
Señora y sirvienta con cubo
Doncella con un niño en un patio
Johannes Vermeer (1632-1675)
Vista de Delft
La joven de la perla
La calle de Delft
El arte de la pintura
La callejuela
Muchacha leyendo una carta frente a la ventana
Mujer leyendo una carta
El astrónomo
La encajera
La lechera
Nicolaes Maes 1634-1693
Muchacha asomada a la ventana
Anciana rezando
El tamborilero desobediente
Moza durmiendo y criada
Seis decanos del gremio de cirujanos de Ámsterdam
Meindert Hobbema 1638-1709
La avenida de Middelharnis
Bosque pantanoso
Peter Paul Rubens 1577-1640
El Descendimiento de Cristo
Retrato del duque de Lerma
Las Tres Gracias
El juicio de Paris
El rapto de las hijas de Leucipo
Leda y el cisne
Estudio de dos cabezas
La matanza de los inocentes
Caridad Romana
Dos sátiros
Vieja con cesta de carbón
La caída de los condenados
La Venus ante el espejo
La Lanzada
La adoración de los Reyes Magos
Jacob Jordaens 1593-1678
Las bodas de Tetis y Peleo
El rey bebe
Diógenes con la linterna
La familia del pintor
La caída de los gitantes
Adoración a los pastores
Ofrenda a Ceres
Theodoor Rombouts 1597-1637
El charlatán sacamuelas
Jugadores de naipes
Los desposorios de Santa Catalina
Céfalo y Procis
Clara Peeters 1580-1625
Bodegón con flores y frutas
Mujer sentada ante una mesa de objetos preciosos.
Bodegón de pescado
Bodegón de quesos, alcachofa y cerezas
Bodegón con copa y plato
A. Van Dick 1599-1641
El rey Carlos I de caza
Autorretrato con Girasol
Triple retrato de Carlos I
Diana y una ninfa sorprendidas por un sátiro
Teniers David 1610-1690
El archiduque Leopoldo Guillermo en su galería de pinturas en Bruselas
Fumadores y bebedores
Paisaje con un ermitaño
Coloquio pastoril
Operación quirúrgica
Escuela Valenciana
Francisco Ribalta 1565-1628
San Francisco confortado por un ángel
Cristo abrazando a San Bernardo
José de Ribera 1591-1652
El calvario
El tacto
San Bartolomé
El Salvador y Santiago el Menor
La mujer barbuda
Ticio
Ixión
Isaac y Jacob Hombre con calavera
Sísifo
El patizambo
El Martirio de San Felipe
Escuela Sevillana
Francisco de Zurbarán 1598-1664
La vida de San Pedro Nolasco
La aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco
San Hugo en el refectorio
La Apoteosis de Santo Tomás de Aquino
Agnus Dei
San Serapio
Bodegón con cacharros
Bartolomé Murillo 1618-1682
La Virgen del Rosario con el Niño
La Sagrada Familia del pajarito
Niños comiendo uvas y melón
Niños jugando dados
Mujeres en la ventana
Cuatro figuras en escalón
Alonso Cano 1601-1667
San Isidro
El milagro del Pozo
Cristo muerto sostenido por un ángel
Juan de Valdés Leal 1622-1690
Finis gloriae mundi
In ictu oculi
Escuela de Madrid
Diego Velázquez 11599-1660
Vieja friendo huevos
El aguador de Sevilla
Adoración de los Reyes
Retrato de Góngora
Los borrachos
La fragua de Vulcano
Cristo crucificado
Caballo blanco
Las lanzas | La rendición de Breda
El dios Marte
Retratos de bufones
Venus del espejo
Inocencio X
Las Hilanderas
Las Meninas
Pintura Escuela Holandesa
Pintura Escuela Flamenca
Pintura Barroco en España
Línea del tiempo Historia del Arte
Barroco 1600-1750
Italia
C.Maderno, G.L. Bernini, F. Borromini, B.Longhena G. Guarini, P. da Cartona
Francia
Louis Le Vau Jules Hardouin-Mansart, André Le Nôtre
España
Gómez de Mora, Andrade, A. Cano , J.Churriguera , Ribera , Casas y Novoa, N. Tomé Figueroa, A.Churriguera
Italia Bernini
Francia
F. Girardon, P. Puget, A.Coysevox
España
G. Fernández, J.Martínez Montañés, J. de Mesa, Luisa Roldán
A.Cano, P. de Mena , F. Salzillo
Italia Naturalismo
Caravaggio
Pozzo
A. Gentileschi
S. Rosa, Da Cortona
M. Preti
Strozzi
Giordano, Fede Galizia
Il Guercino
Edad Moderna
Italia
Clasicismo
G. Reni
E. Sirani
Annibale Carraci
L. Carraci
Agostino Carraci
Escuela flamenca
Rubens
Clara Peeters
Rombouts
Van Dyck
Jordaens
Teniers
Escuela holandesa
Rembrandt
Vermeer
F. Hals
Ruysdael
Judith Leyster
Dujardin
Brugghen
Heem
Hooch
Claesz
Maes
Fabritius
Escuela española
Velázquez, Ribera
Cano
Valdés Leal
Murillo
Zurbarán
Ribalta
Francia
George de la Tour
Hermanos Le Nain
Rigaud
Poussin
Charles le Brun
De Lorena
Simon Vouet
Claude Vignon
Rococó 1720-1780
F. Juvara
Jacques Gabriel
B. Neuman
G.W. von Knobelsdorff
F. Cuvilliés
G. Boffrand
Líneas del tiempo
Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.
A. Corradini
F. Queirolo
I.Spinazzi
Étienne-Maurice Falconet
C. de Acosta
Italia
G. Baptista, Tiepolo, Canaletto
Francia
Jean-Antoine Watteau
J. Siméon Chardin
L.J.F. Lagrenée
E. Vigée LeBrun
Gran Bretaña
F. Boucher
Jean-Honoré Fragonard
Louis Michel Van Loo
J. Ducreux
Adélaïde Labille-Guiard
William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough arquitectura escultura pintura
8.1 Europa
Cuadro autores
Barroco Europa pág. 677-681
arte BARROCO
En Europa
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Cuadro resumen
Autores y obras pág. 672-674
Línea del tiempo
pág.675
Barroco Europa
pág. 676-863
Barroco España
pág. 864-958
Rococó
pág. 959-1013
Contexto pág. 682
Arquitectura
Características generales pág.683
Autores pág 684-686
Obras pág.687-700
Escultura
Rasgos generales pág 701
Escultura en Francia pág. 701
Escultura en Italia pág 702-703
Obras pág.704-719
Pintura
Rasgos generales pág. 720-721
Barroco Italiano: naturalista pág. 722-727
Escuela de Bolonia: clasicista pág. 728-729
Escuela Flamenca pág. 730-734
Escuela Holandesa pág 735-742
Barroco en Francia pág. 743-745
Obras pág.746-851
Fichas obras
Arquitectura pág 852
Escultura pág 853
Pintura pág 854-857
Comentarios
San Carlos alle quatro fontane pág.858
El éxtasis de Santa Teresa pág. 859
La muerte de la virgen pág. 860
La lección de anatomía del doctor Tulp pág. 861
Las tres Gracias pág. 862
Bodegón con flores ... Pág. 863
Esquema autores: pintura del Barroco
Escuela Holandesa
Frans Hals 1582-1666
El caballero sonriente
Banquete de los oficiales de la Guardia Cívica de San Jorge
Bufón con laúd
Niño riendo
Joven con calavera
Dos jóvenes riendo con una jarra de cerveza
Escuela Holandesa
Pieter Claesz 1597-1660
Bodegón con copa roemer, tazza de plata y panecillo
Bodegón con instrumentos musicales
Bodegón con Vanitas
Escuela Holandesa
Carel Fabritius 1622-1654
El jilguero
El centinela
Autorretrato
Mercurio y Argos
Gerard Van Honthorst 1590-1656
Músicos en el balcón
El violinista con un vaso de vino
Hendrick Ter Brugghen 1588-1629
La cena de Emaús
La vocación de San Mateo
Esaú vendiendo su primogenitura
Un hombre tocando el laúd
La crucifixión
Rembrandt van Rijn 1606-1669
La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp
La ronda de noche
Mujer en el baño
Filósofo en meditación
El descendimiento
La tormenta en el mar de Galilea
El buey desollado
La cena de Emaus
Dánae
Autorretrato con dos círculos
Grabados: aguafuertes
Karel Dujardin 1626-1678
Función de la comedia del arte
El campo de batalla (grabado)
Los regentes de la Spinhuis y Nieuwe Werkhuis, Amsterdam
Centauromaquia
Willem Claeszoon Heda 1594-1680
Naturaleza muerta con copa dorada
Mesa de desayuno con pastel de arándanos
Bodegón con pastel de frutas y diversos objetos
Esquema artistas inicial
Bodegón con tazza de plata, copa Roemer y ostras
Bodegón con vaso de plata y reloj
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Jan Davidaz de Heem 1606-1684
Florero con vaso de cristal y frutas
Mesa
Vanitas
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Escuela Holandesa
Johannes Vermeer (1632-1675)
Vista de Delft
La joven de la perla
La calle de Delft
El arte de la pintura
La callejuela
Muchacha leyendo una carta frente a la ventana
Mujer leyendo una carta
El astrónomo
La encajera
La lechera
Jan Havicksz Steen 1626-1679
Cristo en Emaús
Autorretrato con laúd
Pareja bailando
Cuidado con el lujo
Nicolaes Maes 1634-1693
Muchacha asomada a la ventana
Anciana rezando
El tamborilero desobediente
Moza durmiendo y criada
Jacob van Ruisdael 1628-1682
Vista de Haarlem con campos de lino
El molino de Wijk bij Duurstede
Mar tormentoso con barcos de vela
Bosque con un arroyo y cascada
Judith Leyster 1609-1660
Hombre ofreciendo dinero a una mujer joven
Autorretrato
La última gota
El alegre bebedor
Niño con una flauta
La serenata
Pieter de Hooch 1629-1684
Los jugadores de backgammon
Mujer con un niño en una despensa
Señora y sirvienta con cubo
Doncella con un niño en un patio
Seis decanos del gremio de cirujanos de Ámsterdam
Meindert Hobbema 1638-1709
La avenida de Middelharnis
Bosque pantanoso
Más autores y obras
Escultura: Barroco Italiano
Gin Lorenzo Bernini 1598-1680
Bernini, al igual que Miguel Ángel, domina varias disciplinas, pero se destaca sobre todo como escultor Aprende la profesión de su padre y, tras el traslado de su familia a Roma en 1605, se dedica a copiar las obras clásicas que encuentra en el Vaticano
Su gran calidad es reconocida rápidamente, lo que le lleva a tener una gran cantidad de encargos, hasta el punto de que necesita rodearse de un amplio taller de colaboradores. Su estilo se convierte en el modelo a seguir durante más de un siglo.
Sus esculturas se caracterizan por un realismo detallado, un dramatismo intenso y la capacidad de plasmar emociones profundas. También destaca por su habilidad para capturar un momento fugaz, casi como si la obra congelara una acción en movimiento
La atención que Bernini presta a la anatomía y a las texturas de la piel, las ropas y otros elementos es impresionante Sus composiciones son escenográficas, donde el movimiento, los gestos exaltados y las actitudes teatrales son los protagonistas. Además, sus esculturas suelen jugar con la luz y la sombra para crear efectos visuales sorprendentes.
Le interesa la fusión de la escultura y la pintura con la arquitectura para conseguir efectos escenográficos impresionantes Podemos dividir su producción escultórica en cuatro etapas:
Etapa juvenil
En este periodo, Bernini recibe encargos mitológicos y bíblicos del cardenal Scipione Borghese, destinados a decorar su villa Lo que más destaca en sus obras es el virtuosismo técnico con el que trata la piel y la profundidad psicológica que imprime a los personajes.
Entre las obras de esta etapa se encuentran "Eneas, Anquises y Ascanio", "El rapto de Proserpina", "Apolo y Dafne" y un "David" Alto barroco
Teoría y apuntes
Este periodo coincide con el papado de su amigo Urbano VIII Lo más notable en esta fase es el tratamiento de las ropas: las telas parecen moverse y concentrarse en masas que crean efectos de claroscuro.
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
La obra principal de este periodo es "San Longinos", situada en el Vaticano
Periodo medio
Entre 1640 y 1654, durante los años del papado de Inocencio X, Bernini logra algunos de sus avances más importantes:
– Desarrolla una escultura que se convierte en un auténtico espectáculo teatral, como es el caso de "El éxtasis de Santa Teresa"
– Da forma al monumento papal en la tumba parietal de Urbano VIII.
– Erige una fuente monumental en la Piazza Navona de Roma, la "Fontana dei Quattro Fiumi", con las personificaciones de cuatro ríos (Danubio, Ganges, Nilo y Río de la Plata), que simbolizan las cuatro zonas conocidas del mundo en esa época
– Resuelve el problema del pecho cortado en los retratos de busto, un desafío desde la época imperial romana, mediante la colocación de ropas flotantes que envuelven los hombros, como se aprecia en el "Retrato del duque Francisco I d’Este" .
– Impone un nuevo modelo de estatua ecuestre, con el caballo en corveta y el personaje elevado al rango de héroe, como en "Constantino el Grande"
Estilo tardío
A partir de 1654, bajo el papado de Alejandro VII, Bernini busca una mayor espiritualidad Las figuras se alargan y los ropajes se agitan, como se puede observar en los "Ángeles con los atributos de la Pasión", que decoran las barandillas del Puente de Sant’Angelo en Roma
Obras de Bernini
El rapto de Proserpina
En esta obra, Proserpina es raptada por Plutón. La composición serpentinata es una reminiscencia del manierismo, permitiendo observar tanto el rapto como la súplica de Proserpina a su madre para regresar a la Tierra durante seis meses Los detalles son notables: Proserpina empuja la cabeza de Plutón, estirando su piel, mientras los dedos de Plutón aprietan cruelmente la carne de la diosa
David
Bernini representa a David en plena acción, con el cuerpo en tensión y el rostro mostrando una expresión intensa y decidida, captando un momento lleno de dinamismo
La Cátedra de San Pedro
Después de realizar el Baldaquino, Bernini completa la decoración de la Basílica de San Pedro con un impresionante trono de bronce, sostenido por figuras de los Padres de la Iglesia. Encima, dos ángeles sostienen las llaves y la tiara, símbolos del poder papal. Un ventanal con una paloma, que simboliza al Espíritu Santo, deja entrar la luz, rodeada de ángeles y santos Esta obra refuerza el mensaje de glorificación de la autoridad e infalibilidad papal frente al protestantismo
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Obras de Bernini
Apolo y Dafne
La obra representa el momento en que el dios Apolo alcanza a la ninfa Dafne, quien, temiendo ser atrapada, pide ayuda a su padre, el dios del río Peneo, quien la transforma en un laurel La escultura captura el instante de esta transformación, mostrando partes humanas y vegetales en Dafne, lo que permite que se vea tanto como una mujer como un árbol, según la perspectiva
La composición se caracteriza por curvas que se conectan en el suelo y una diagonal que atraviesa la obra, lo que aporta dinamismo a los paños y cabellos. Hay un notable contraste entre el movimiento y la quietud, así como entre las texturas pulidas y rugosas y las expresiones de terror de Dafne y perplejidad de Apolo son impactantes La calidad de las texturas de la piel y el cabello es excepcional
El éxtasis de Santa Teresa
La obra es una de las más teatrales de Bernini, donde Santa Teresa se presenta sobre una nube, algo poco común en la escultura de su tiempo. El artista enfatiza la ligereza de la túnica de la santa y captura el instante en que un ángel levanta un dardo para volver a clavarlo en su corazón, simbolizando el amor divino
La muerte de la Beata Ludovica Albertoni
En esta obra, Bernini vuelve a representar el éxtasis místico, con un realismo que transmite la emoción profunda del momento
El Mausoleo de Urbano VIII
Bernini crea un nuevo tipo de monumento funerario en el que el difunto es exaltado. Lo sitúa sobre un podio rodeado de figuras alegóricas que representan sus virtudes y méritos. Busto de Constanza Buonarelli
Bernini es un retratista prolífico que captura momentos dinámicos y arrogantes, reflejando la posición social y el carácter de sus modelos En este busto, resalta la mirada penetrante y llena de vida de la retratada.
Pintura Barroco: Italiano ArteBarroco
Artemisia Gentileschi 1593-1656
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
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Autorretrato como alegoría de la pintura 1638
y la doncella 1619
Susana y los viejos 1610
Judit decapitando a Holofernes 1613
María Magdalena como la Melancolía 1625
Lucrecia 1620
Cleopatra 1633-1635
Judit
Obras
Pintura Barroco: Italiano
Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.
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La vocación de San Mateo
Caravaggio
1601
Óleo sobre lienzo. 3,38x3x48 cm. Iglesia de San Luis de los Franceses. Roma
Uno de sus primeros encargos religiosos es "La vocación de San Mateo", para la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma. Aunque el tema es bíblico (Cristo llama a San Mateo), la escena se desarrolla en una taberna, con un tratamiento realista que la hace parecer una escena de género .
Pintura: fichas obras ArteBarroco
título: Mesa
Cronología
S. XVII. (1611)
Estilo
Barroco. Pintura flamenca
Justifica tu respuesta
Autor Clara Peeters
– Bodegón muy recargado. El tema más utilizado de esta artista
– Fondo oscuro para que resalten los objetos
– Gran realismo conseguido a través de las diferentes texturas. Virtuosismo pictórico
– La artista sale reflejada en la jarra metálica y la pieza dorada.
– Coloca objetos al borde de la mesa para dar sensación que salen del cuadro
Análisis completo de la obra
título: Autorretrato como alegoría de la pintura
título: La Adoración de los Reyes Magos
título: Judith y Holofernes
cronología S.XVII. (1609)
Estilo
Barroco. Escuela Flamenca.
Justifica tu respuesta
Autor Rubens
– Gran dinamismo con figuras muy corpulentas físicamente.
– Utiliza un colorido cálido con gran brillo que plasma la riqueza de la sociedad flamenca de la época
– Incorpora escenas alegres que manifiesta la opulencia de esta escuela pictórica.
Fichas identificación
Encontrarás este tipo de páginas con los datos más importantes de las distintas obras de cada movimiento.
Cronología S. XVII. (1638)
Estilo
Barroco. Escuela italiana
Autor Artemisia Gentileschi
Justifica tu respuesta
– Postura dinámica del cuerpo. Tanto hacia el lienzo como hacia el espectador.
– Tema feminista en una época en que las mujeres no eran reconocidas por sus trabajos
– Utilización del escorzo
– Contraste de luces y sombras da más dramatismo
– Realismo en la plasmación de las diferentes texturas: piel, cabello, vestido…
Cronología S.XVII. (1656)
Estilo
Barroco. Tenebrismo italiano
Autor Caravaggio
Justifica tu respuesta
– Tema bíblico, tratado de manera realista
– La luz es un elemento esencial. Utiliza la luz que cruza la escena diagonalmente para potenciar los rasgos de los personajes.
– Utiliza la técnica del tenebrismo provocando un gran contraste entre las luces y las sombras(claro/oscuro)
– La escena esta captada como una instantánea.
– Composición atectónica
Comentario : Las tres Gracias ArteBarroco
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Ficha técnica
Rubens
1636-1638 | Tema mitológico
Óleo sobre tabla | Barroco Escuela Flamenca
Comentarios
Museo del Prado, Madrid
Contexto
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
En la Bélgica del siglo XVII dominan la aristocracia, el comercio y la artesanía, en contraste con la vecina Holanda, donde predomina el protestantismo. En Bélgica el catolicismo triunfa, aunque con menos dramatismo que en España Esta influencia del catolicismo se refleja en las obras religiosas de Rubens, donde el efectismo de la luz y el color es fundamental Sin embargo, el gusto de la aristocracia y la burguesía comercial belga también genera una variedad de temas vinculados a lo cortesano, al optimismo y la alegría de vivir Los temas mitológicos como “Las Tres Gracias”, se convierten en un recurso común en la pintura de Rubens, así como los temas alegóricos, costumbristas y los retratos, utilizados como símbolos de prestigio social
Sobre Rubens
Rubens tiene una vida afortunada, no solo como pintor, sino también como diplomático Sus viajes le permiten entrar en contacto con importantes figuras políticas y otros artistas europeos. Durante uno de sus viajes a España, conoce a Velázquez en la corte de Madrid, donde ambos artistas comparten influencias y experiencias.
Rubens combina en su obra la tradición flamenca con la influencia del renacimiento italiano, particularmente de Tiziano, lo que le permite desarrollar un estilo único que lo convierte en uno de los máximos exponentes del barroco europeo
Análisis
El tema de esta pintura es de origen helenístico y se representa muchas veces a lo largo de la historia del arte. Las Gracias son mencionadas por primera vez por Hesíodo. Según la mitología, son hijas de Zeus y Eurínome y reciben los nombres de Aglae (la deslumbrante), Eufrósine (la gozosa) y Talia (la floreciente) Estas tres deidades están asociadas a la diosa Afrodita y se las representa adornándola con ricos vestidos cuando emerge de las olas Además, son las protectoras de los filósofos y promotoras de las buenas acciones y de todo lo bello y placentero que ofrece el mundo Tienen, además, la función de transmitir a los humanos cualidades como la amabilidad el buen humor y la sabiduría La representación de las Gracias desnudas, jóvenes y hermosas es habitual.
La obra es un canto a la alegría de vivir, destacando la armonía y la belleza del cuerpo humano en su forma más natural Tiene una función recreativa
En el centro del cuadro, las tres gracias están entrelazadas y forman un círculo, dando la impresión de que están a punto de comenzar una danza, ya que las tres retrasan un pie Sus cuerpos están cubiertos por gasas transparentes que dejan ver su desnudez exuberante, siguiendo los cánones estéticos de la época. La figura situada a la derecha sería un retrato de Isabel Brand, la primera esposa de Rubens, mientras que la de la izquierda representaría a Helena Fourment, su segunda esposa.
Rubens plasma una escena llena de vida, color y movimiento Las tres Gracias se encuentran en un paisaje fértil, y están rodeadas por un cielo azul y una guirnalda de flores
Cada Gracia adopta una postura diferente, pero comparten la misma belleza y sensualidad en sus cuerpos Sus rostros muestran sonrisas suaves, y sus miradas reflejan una inocencia y frescura Un detalle destacado es el contraste entre el fondo granate y el cuerpo desnudo de la Gracia situada a la derecha. La técnica de Rubens, con sus pinceladas largas y su gran sentido del color, refleja de manera magistral la calidad de la piel y la sensualidad de la carne.
Análisis
Composición
Las Tres Gracias forman un círculo en el centro de la composición La escena está enmarcada a la izquierda por la diagonal que crea el tronco de un árbol, sobre el cual hay una gasa blanca que contrasta con el color marrón del tronco A la derecha, un Cupido sostiene una cornucopia dorada que derrama agua, y en la parte superior derecha, otra diagonal es creada por una guirnalda de flores, cuya diversidad de colores contrasta con las carnaciones claras de las Tres Gracias
Técnica
En cuanto a los detalles técnicos de la obra, se sabe que Rubens utiliza ocho tableros de roble natural como base, sobre los cuales aplica una capa de carbonato de calcio. Encima de esta, coloca una fina capa de blanco de plomo, con la finalidad de aumentar la luminosidad de la pintura y lograr un mayor efecto en los colores
El dibujo queda encubierto por las pinceladas características del artista, que varían según las partes del cuadro:
– Pinceladas largas y ligeras en las piernas
– Pinceladas largas y empastadas en las telas
– Pinceladas pequeñas para los detalles en los rostros y la vegetación.
Colores
La gama cromática es rica, viva y brillante. El color de la piel de las mujeres se consigue mediante la combinación de los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul La luz del día, que ilumina toda la escena, resalta los volúmenes y detalles del paisaje y los cuerpos
Rubens muestra la influencia de Tiziano en el tratamiento del paisaje, que es rápido y simplificado, mientras que la luminosidad característica es de herencia flamenca
Comentario
Rubens tiene casi sesenta años cuando termina Las Tres Gracias, y en ese momento vive en plena plenitud personal y profesional. Esta obra es un reflejo de su visión del mundo y su filosofía de vida, expresada a través de la belleza femenina. Según la tradición, Rubens retrata a sus dos esposas en esta pintura: Isabel Brandt, como la Gracia a la derecha, y Elena Fourment, como la Gracia a la izquierda
La figura en el centro sería una mezcla de los mejores atributos de ambas mujeres No resulta extraño pensar que esto sea así, ya que Rubens conserva esta obra en su casa hasta el momento de su muerte Tras su fallecimiento, la pintura es adquirida por el rey Felipe IV de España
Comentario : Bodegón con flores ... ArteBarroco
Ficha técnica
Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos vino y jarra de peltre.
Clara Peeters
1611 – Barroco Escuela Flamenca
Óleo sobre tabla – Bodegón
Museo del Prado, Madrid
Artista y época
Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
El arte barroco se desarrolla durante los siglos XVII y XVIII y tiene su origen en Italia, específicamente en Roma. La influencia de la Contrarreforma romana se extiende por los países católicos, como España, así como Nápoles y Flandes, que están bajo el dominio de la Corona española En 1576, Amberes se une a la rebelión contra el rey de España, pero en 1585 es recuperada por el ejército español. Flandes se recupera a partir de 1599 bajo el gobierno de los archiduques Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II, y su esposo y primo, Alberto de Austria Aunque España vive una decadencia política en el siglo XVII, mantiene el control sobre Flandes hasta 1648, cuando se firma la paz de Westfalia En resumen, durante el Barroco, la relación entre Flandes y España no solo es política, sino también cultural y artística
En esa época, pocas mujeres pueden ser pintoras Como no se permite que estudien anatomía a partir de cuerpos masculinos desnudos, tienen menos oportunidades de formación, lo que lleva a muchas de ellas a especializarse en el bodegón Clara Peeters es una de las artistas que populariza este género en los Países Bajos El interés por los bodegones crecerá notablemente en las décadas posteriores
Tratamiento iconográfico
Los objetos representados son productos de importación: frutos secos y aceite de España; la copa de vino, conocida como façon de Venise, es veneciana; el vino podría ser de origen francés o español La posesión de estos elementos refleja el alto estatus social de quien los posee.
Las flores recuerdan la relación entre los bodegones y las primeras ilustraciones científicas Alrededor de 1550, en Amberes ya era común la producción de grabados de animales y plantas con fines didácticos Los pintores de bodegones de principios del siglo XVII a menudo usaron este tipo de imágenes como referencia para sus obras La copa dorada y la jarra de peltre son similares a otros recipientes que se ven en más obras de Peeters.
Análisis
Composición
La composición es equilibrada, con las masas de la izquierda compensadas por las de la derecha. La obra se divide en dos partes, separadas por la copa dorada central. Los objetos se disponen sobre la mesa de forma aparentemente aleatoria para dar realismo a la escena, aunque la pintora se asegura de que todos los objetos tengan una vista clara y frontal
Tratamiento de las formas
Peeters destaca en el tratamiento de las texturas de objetos metálicos y cerámicos. Es meticulosa en los detalles, incluyendo pequeños autorretratos en miniatura en los reflejos de las copas También es muy precisa al distinguir las diferentes texturas Algunos expertos sugieren que en sus obras puede haber simbolismos religiosos
Tratamiento del espacio
La sensación de profundidad se logra a través de la disposición de los objetos en varios planos. El plato a la derecha y las hojas a la izquierda parecen sobresalir de la mesa, reforzando la percepción de espacio Además, la superficie de la mesa está más oscurecida en el fondo, lo que también contribuye a esta sensación
Recursos técnicos
Técnica
La técnica usada es el óleo, lo que significa que la pintora mezcla los pigmentos con aceite para lograr colores más brillantes y luminosos. La obra está pintada sobre una tabla, una técnica común en la tradición flamenca El tamaño es pequeño, también siguiendo esta tradición
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Comentario
Dibujo
El dibujo es preciso Los rayos infrarrojos han revelado la presencia de un boceto subyacente hecho a mano en los contornos de la copa y en el jarrón de flores Algunos trazos son tan regulares que sugieren el uso de plantillas u otros métodos mecánicos.
Color
El color juega un papel crucial, complementado por el detallado dibujo Ambos elementos se combinan para resaltar las diferentes texturas Predomina una paleta clara, que resalta sobre el fondo oscuro, con una riqueza cromática que unifica la obra, destacando los tonos metalizados.
Luz
La luz proviene de la izquierda y modela los objetos, dándoles volumen Reflejar las superficies brillantes es un reto tradicional para los artistas, y Peeters lo domina, como demuestra en esta obra
Comentario
Siguiendo la tradición flamenca, el cuadro probablemente está destinado a decorar la estancia de un burgués acomodado. En el mundo se conservan unas 30 obras atribuidas a esta pintora, una de las pocas mujeres activas en Europa durante la primera mitad del siglo XVII El Museo del Prado posee cuatro de sus mejores bodegones, tres de ellos firmados en 1611, conformando el conjunto más extenso de la pintora en un solo museo Su producción es escasa y está dispersa en diversas colecciones, algunas privadas. En 2016, Clara Peeters se convierte en la primera mujer pintora en tener una exposición en el Museo del Prado.
Clara Peeters se destaca por incluir su autorretrato reflejado en los objetos brillantes de sus bodegones, una técnica que muchos artistas imitarían después Este gesto es una forma de reivindicación, posiblemente debido a que era mujer en un ámbito dominado por hombres Además, al incluirse a sí misma en la obra, realza el ilusionismo, como si el espectador la viera pintando el cuadro.
arte
BARROCO
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Cuadro resumen
Autores y obras pág. 672-674
Línea del tiempo
pág.675
Barroco Europa
pág. 676-863
Barroco España
pág. 864-958
Rococó
pág. 959-1013
8.2 España
Cuadro autores
Barroco España pág.865-866
Contexto pág.867
Arquitectura
Características generales pág.867
Arquitectos pág 867-869
Obras pág.870-881
Escultura
Rasgos generales pág 882
Escultores pág 882-888
Obras pág.889-915
Pintura
Rasgos generales pág 916
Escuela valenciana pág 916
Escuela Sevillana pág 917-918
Escuela Madrileña pág 919-920
Resumen obras pág. 921-923
Obras pág.924-953
Comentarios
Cristo Yacente pág.954
Las Hilanderas pág. 955
Las Meninas pág. 956-957
Niños comiendo melón y uvas pág. 958
Esquema autores: Barroco en España
Arquitectura España
Juan Gómez de Mora 1586-1648
Plaza Mayor Madrid
Cárcel de Corte o Palacio de Santa Cruz
Iglesia de la Clerecía (Salamanca
Hospital de la Encarnación
Casa de la villa
Arquitectura España
Fernando Casas y Novoa 1670-1750
Fachada del Obradoiro
Capilla Nuestra Señora de los Ojos Grandes
Escultura
Gregorio Fernández 1576-1636
Descendimiento
Cristo atado a la columna
Cristo Yacente
La Coronación de espinas
Narciso Tomé 1690-1742
Fachada Uni. Valladolid
Transparente Catedral de Toledo
Domingo de Andrade 1639-1712
Torre del Reloj (Santiago)
Alonso Cano 1601-1667
Fachada de la Catedral de Granada
José Churriguera 1665-1725
Retablo Convento San Esteban
Fachada principal Iglesia San Cayetano
Palacio Goyeneche
Nuevo Baztán
Esquema artistas inicial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Pedro de Ribera 1681-1742
Real Hospicio de San Fernando
Puente de Toledo
Paseo Nuevo
Iglesia Nuestra Señora de Montserrat
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Escultura
Alonso Cano 1601-1667
Niño Jesús de la Pasión
San José con el Niño
San Antonio de Padua
San Diego de Alcalá
Adán
Eva
Leonardo de Figueroa 1650 -1730
Portada del Colegio Seminario de San Telmo
Juan Martínez Montañés 1568-1649
La Cieguecita
Niño Jesús del Sagrario sevillano
Cristo de la Clemencia
Alberto Churriguera 1665-1725
Plaza Mayor de Salamanca
Juan de Mesa 1583-1627
Cristo de la Conversión del Buen Ladrón
Jesús del Gran Poder
Cristo de la Buena Muerte
Cristo de la Agonía,
Más autores y obras
Luisa Roldán 1652-1706
El Entierro de Cristo
San Miguel Arcángel
Virgen de la Soledad
San Ginés de la Jara
Jesús Nazareno
Pedro de Mena 1628-1688
La Magdalena Penitente
Francisco Salzillo 1707-1783
La caída
La Oración en el Huerto
El prendimiento
La Verónica
La Dolorosa
San Juan
Más autores y obras
Arquitectura : Barroco en España
Contexto histórico en España
España vive desde finales del siglo XVI y durante el siglo XVII una crisis económica y política que la hace perder su hegemonía en Europa Sin embargo, este periodo se caracteriza por un esplendor cultural conocido como "Siglo de Oro"
En este contexto se implantan de forma especial las ideas contrarreformistas, impulsadas por el propio monarca, Felipe II, quien las impone a través de la Inquisición y la creciente fuerza de la Iglesia católica española al extender el catolicismo por tierras americanas Los jesuitas españoles se convierten en los principales defensores de la ortodoxia en el Concilio de Trento
El estilo barroco se implanta tarde en España por la gran influencia de la arquitectura de El Escorial en el primer tercio del siglo No puede hablarse de arquitectura barroca hasta mediados del siglo XVII, aunque el estilo se mantiene durante gran parte del siglo XVIII
El arte barroco se presenta principalmente como un arte religioso, propagandístico y con un fuerte arraigo popular Utiliza un lenguaje realista y fácilmente comprensible, lo que le permite llegar a los sentimientos de un pueblo agobiado por la crisis, que acude al arte y a la literatura como una forma de huida de la realidad.
Dado que la burguesía es casi inexistente, la producción artística se financia mayoritariamente a través de la iglesia, la alta nobleza o la Corte, quienes, menos afectados por la crisis, imponen un estricto control sobre los artistas.
Características de la arquitectura
Durante el siglo XVII, la arquitectura barroca española se caracteriza por la construcción de numerosos conventos en las ciudades, que ocupan una parte importante del espacio urbano Estos conventos constan de una iglesia, un claustro, un huerto y diversas dependencias anexas
Teoría y apuntes
Gran parte de la actividad constructiva del barroco español consiste en acabar o enriquecer con torres, sacristías, retablos o fachadas obras existentes de otros estilos. Un ejemplo de esto es la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
La mayoría de los arquitectos de estos conventos son frailes pertenecientes a distintas órdenes religiosas, y sus diseños suelen ser funcionales, aunque no demasiado originales, basándose en los modelos del siglo anterior Las plantas de los edificios son sencillas, en forma de cruz o rectángulos, y se evita el uso de las líneas curvas que habían caracterizado el barroco italiano
Características de la arquitectura
El rasgo que mejor define al barroco español es el dinamismo, pero no tanto por la estructura y los elementos constructivos, como es el caso de Borromini, sino por el papel que adquiere lo decorativo Las plantas y los muros son preferentemente rectilíneos, contrastando con la acentuación de la riqueza ornamental, que cubre superficies enteras, tanto en el interior de los edificios, como en retablos, revestimientos de paredes y techos, como en la fachada
Castilla y Andalucía
En Castilla, predomina el tipo de planta de salón, con una sola nave capillas laterales y contrafuertes interiores. En Andalucía, en cambio, se prefiere la planta rectangular o de "cajón" . Tanto en un caso como en otro, las iglesias tienen una amplia capilla mayor visible desde cualquier parte del templo.
Pobreza constructiva
Una característica de la arquitectura barroca española es la pobreza constructiva El uso casi exclusivo del ladrillo es muy común, y en lugar de cúpulas de piedra, muchas iglesias tienen cúpulas falsas llamadas "encamonadas", hechas de armazones de caña o listones recubiertos de yeso, que son más ligeras y económicas
Decoración
Sin embargo, esta sencillez externa contrasta con la decoración interior, que en muchas iglesias barrocas es extremadamente rica y recargada Los templos se llenan de yeserías ornamentales retablos dorados y coloridos cuadros de altar, creando una atmósfera que busca impresionar sensorialmente a los fieles.
Este tipo de decoración recibe el nombre de "castiza", y se diferencia de la que se ve en los palacios cortesanos construidos por los Borbones, que están más influenciados por el barroco francés e italiano
Estos artistas son los responsables de la construcción de llamativas portadas y retablos policromados que buscan deslumbrar a los fieles en un intento de compensar el declive político y económico de España en esa época A través de esta arquitectura, se intenta mantener la ilusión del esplendor de siglos anteriores
Junto a esta arquitectura religiosa, durante el Barroco se producen importantes transformaciones urbanísticas en muchas ciudades españolas. Se alinean las calles, se pavimentan las calzadas y se realizan obras de saneamiento
Pero la novedad más importante es la aparición de la Plaza Mayor un espacio rectangular con soportales que permite resguardar a los comerciantes y compradores del mal tiempo Los edificios que rodean estas plazas suelen tener balcones de hierro, desde los que se pueden presenciar espectáculos públicos como corridas de toros, autos de fe, ejecuciones, bodas reales o victorias militares
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Arquitectos
Juan Gómez de Mora
La primera Plaza Mayor de estas características se construye en Madrid en 1619, obra de Juan Gómez de Mora, y sirve de modelo para muchas otras plazas que se construyen tanto en España como en las colonias americanas. Edifica también la Cárcel de Corte o Palacio de Santa Cruz, hoy Ministerio de Asuntos Exteriores, y la casa de la Villa o Ayuntamiento En Salamanca, para los jesuitas, construye la iglesia de la Clerecía
Domingo de Andrade 1639-1712
Trabaja en la catedral de Santiago y construye la torre del Reloj
Alonso Cano
Diseña la original fachada de la catedral de Granada (1667), un edificio iniciado en el gótico y construido en el Renacimiento.
José de Churriguera
José de Churriguera, creador del retablo del convento de San Esteban en Salamanca, una obra que da origen al adjetivo churrigueresco
Alberto de Churriguera
Una de las últimas y más espléndidas es la Plaza Mayor de Salamanca, diseñada por Alberto de Churriguera.
Pedro de Ribera
Pedro de Ribera, autor de la portada del Real Hospicio del Ave María y San Fernando (hoy Archivo Municipal de Madrid)
Fernando de Casas Novoa
Fernando de Casas Novoa, responsable de la fachada del Obradoiro en la Catedral de Santiago
Narciso Tomé 1690-1742
Trabaja en la fachada de la Universidad de Valladolid y, especialmente, en el Transparente de la catedral de Toledo
Leonardo de Figueroa 1650 -1730
Leonardo de Figueroa, quien diseña la portada del ColegioSeminario de San Telmo en Sevilla (hoy sede de la Presidencia de la Junta de Andalucía)
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
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Escuela Andaluza
Luisa Roldán A. Cano
Jesús Nazareno Luisa Roldán 1692-1700
Nuestra Señora de la Soledad Luisa Roldán 1688
San Miguel venciendo al demonio Luisa Roldán
El Entierro de Cristo Luisa Roldán | 1701
San Bautista A. Cano 1634
San José con el Niño A. Cano 1653-1656
Eva A. Cano | 1660-1667
Inmaculada Concepción A. Cano | 1655
Comentario : Las Meninas ArteBarroco
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Ficha técnica
Diego Velazquez
1656 – Barroco Español
Óleo sobre lienzo 3,18 x 2,76 m.
Comentarios
Museo del Prado, Madrid
Artista y época
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Descripción en “Las Hilanderas”
Identificación y descripción
"Las Meninas", aunque su primer título fue "La familia de Felipe IV", es una obra del pintor Diego Velázquez, realizada en 1656 La técnica utilizada es óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 3,18 x 2,76 metros, lo que la convierte en una obra de gran formato Se clasifica como un retrato colectivo y cortesano, y actualmente se localiza en el Museo del Prado
En cuanto a la iconografía la escena tiene lugar en una estancia del Alcázar de Madrid, en cuyo fondo se pueden ver dos cuadros de temática mitológica: "Atenea y Aracne" y "Apolo y Marsias". Velázquez se autorretrata en la obra, y se le observa realizando el retrato de los reyes Felipe IV y María Luisa quienes aparecen reflejados en un espejo creando así un "cuadro dentro del cuadro" En este momento, los reyes estarían posando donde se encuentran los espectadores, lo que hace que estos se conviertan en protagonistas de la escena
El pintor y otros personajes parecen mirarnos, convirtiéndonos en cómplices de lo que sucede En un instante del trabajo de Velázquez, el aposentador Don José Nieto abre la puerta y su brazo parece señalar el espejo.
Entran en la escena la infanta Margarita, hija de los reyes; la dama de honor o camarera de la princesa, doña Marcela de Ulloa, cuya condición de viuda se manifiesta en su atuendo; y el sacerdote Don Diego Ruiz Azcona que está en penumbra y habla con la dama de honor
También están presentes los bufones Mari Bárbola que padece enanismo hidrocéfalo y lleva una bolsa de monedas, y Nicolás Pertusato, de aspecto aniñado, que pisotea y molesta a un mastín que acompaña a los reyes.
Ante la presencia de la infanta, acuden rápidamente las Meninas: María Agustina Sarmiento quien le ofrece en una bandeja de plata un búcaro con agua e Isabel de Velasco que inicia una reverencia
Análisis formal
En la composición de "Las Meninas" se pueden observar varios aspectos Primero, el centro de atención es la infanta Margarita Otra figura de gran interés es el aposentador, que aparece a contraluz y con su brazo señalando el cuadro donde se reflejan los reyes. La mitad inferior del lienzo está llena de personajes en un dinamismo contenido, mientras que la mitad superior está llena de atmósfera y aire
En el cuadro se aprecian líneas verticales, como el lienzo, las pilastras y horizontales en el techo, así como formas rectangulares en los cuadros colgados de las paredes, el espejo y la puerta abierta del fondo.
Sin embargo, estas estructuras se equilibran con dos esquemas curvos que forman las cabezas de los personajes: uno va desde el pintor hasta una de las Meninas y otro del guardadamas hasta Nicolás Pertusato
Análisis formal
La composición se centra en la luz y el espacio Hay tres focos de luz, además del reflejo del espejo El más importante proviene de una ventana lateral, que no se ve, y que ilumina a las figuras del primer plano, especialmente a la infanta Margarita, convirtiéndola en el principal foco de atención
Esta luz intensa hace que el modelado de Nicolás Pertusato se vea difuso especialmente su cara, debido a la contraluz La penumbra en la que se encuentran el guardadamas y la dama de honor queda interrumpida por el segundo foco de luz.
El segundo foco procede de una segunda ventana, cuya luz incide en la parte de atrás de la estancia, especialmente en el techo El tercer foco de luz se sitúa en la puerta, donde se observa a contraluz al aposentador Don José Nieto Esta luminosidad se proyecta de forma perpendicular desde el fondo del cuadro hacia el espectador.
El entrecruzamiento de esta luz que va de dentro hacia fuera, y las luces que vienen de las ventanas crean distintos juegos luminosos, generando una ilusión de planos superpuestos en profundidad
La luz ayuda a modelar, como en el caso de las Meninas, y a difuminar los contornos, ya sea por exceso de luz, como en Mari Bárbola, o por estar a contraluz, como en Nicolás Pertusato, o por tener escasa iluminación, como en el espejo del fondo
El espacio también juega un papel importante en la obra Se observa una perspectiva lineal formada por la diagonal de la pared lateral y el techo que desciende, siendo el punto de fuga la puerta donde se encuentra el aposentador. Sin embargo, el juego de luz y sombra crea una sensación de espacio y atmósfera Este inmenso espacio, lleno de atmósfera, se difumina hasta el techo, y entre el primer plano y la puerta se genera un pasillo que parece invitarnos a recorrerlo hasta el aposentador
En la obra se aprecia una gama de colores fríos con una paleta sobria y no extensa. Dominan los ocres en el techo y el suelo, junto con los colores de las sedas plateadas, blancas y grises Los blancos de plomo aparecen en diversos puntos del cuadro, como en las camisas y los puños de Mari Bárbola y Agustina Sarmiento, mientras que los ligeros toques de color rojo se ven en los adornos florales y los pasadores del pelo
La pincelada en "Las Meninas" es muy variada. A veces es cuidadosa y detallada, como en el búcaro, el pelo del perro y las maderas Otras veces, la técnica que usa es "alla prima", lo que significa que pinta casi sin hacer un dibujo previo, utilizando pinceladas sueltas que, al ser influenciadas por la luz, pierden definición en los fondos
En algunas partes, aplica toques de color sobre estas pinceladas sueltas, que se mezclan en nuestra vista y crean formas, anticipando lo que más tarde será el impresionismo, como en el adorno de la figura de la infanta Margarita. Por eso, es mejor mirar el cuadro primero desde lejos y luego acercarse para ver los detalles
Comentario : Las Meninas ArteBarroco
Comentario
La obra "Las Meninas" muestra la España del siglo XVII, un país gobernado por Felipe IV y su principal consejero, el conde-duque de Olivares En esta época, España pierde su poder en Europa, se enfrenta a la pérdida de Portugal y lucha por mantener el control de Cataluña. Además, el pueblo sufre hambrunas y enfermedades.
Después de regresar a Madrid, Velázquez pinta "Las Meninas" y "Las Hilanderas" Su técnica mejora y se caracteriza por pintar "alla prima", es decir, casi sin dibujar primero, y por usar diferentes fuentes de luz, lo que le permite crear una sensación de espacio y aire en sus obras
Esta obra maestra del arte universal ha sido objeto de numerosas interpretaciones. Algunos la ven como un retrato de la princesa Margarita, otros como un retrato de la familia real, o incluso como una reivindicación del papel social del artista, ya que Velázquez no se representa pintando, sino en una actitud reflexiva También se considera un homenaje a la propia pintura
Además, Velázquez juega con la ilusión en la pintura y la confusión entre realidad y ficción. Al mirar el cuadro, los espectadores se convierten en parte de la escena, ya que, a través del espejo en el fondo, parecen ser los reyes que el pintor retrata. Este recurso también lo usó antes Jan Van Eyck en "El matrimonio Arnolfini"
Por último, la obra también refleja el deseo típico de la sociedad española de ser noble y caballero Al autorretratarse en su oficio, Velázquez defiende la pintura como un arte noble, no como un trabajo manual. Para él, el trabajo físico era considerado deshonroso, y busca mejorar su estatus social y conseguir un título nobiliario. Finalmente, Velázquez logra este reconocimiento como caballero de la Orden de Santiago, cuyo emblema se ve en su pecho, aunque fue añadido después de su muerte
Más información relevante
La influencia de esta obra es notable en muchos artistas Picasso la interpreta en más de 140 ocasiones Goya toma este cuadro como modelo para "La familia de Carlos IV". Por su parte, Dalí, al ser preguntado sobre qué se llevaría del Museo del Prado, responde que "el aire de Las meninas".
He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.
Personajes
1 Margarita María Teresa de Austria 8 Marcela de Ulloa
2 María Agustina Sarmiento 9 Diego Ruiz Azcona
3 Isabel de Velasco 10 Felipe IV
4 Diego Velázquez 11 Mariana de Austria
5 José Nieto Velázquez 12 Mastín
6 Mari Bárbola 13 Carlos Luis
7 Nicolasito Pertusato 14 Infanta María Luisa
arte ROCOCÓ
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Cuadro resumen
Autores y obras pág. 672-674
Línea del tiempo
pág.675
Barroco Europa
pág. 676-863
Barroco España
pág. 864-958
Rococó pág. 959-1013
8.3 Rococó
Cuadro autores
Rococó pág.960-961
Contexto pág.962
Arquitectura
Características generales pág.963
Arquitectos pág. 962-964
Obras pág.965-975
Escultura
Características generales pág. 976
Escultores pág. 976
Obras pág. 977-981
Pintura
Rococó en Francia pág.982-983
Rococó en Italia y Gran Bretaña pág. 984-985
Obras pág.986-1012
Comentario
El columpio pág.1013
Esquema autores: pintura Rococó
Pintura Rococó Francia
Jean-Antoine Watteau 1684-1721
Peregrinación a la isla de Citera
Gilles
La escala del amor
Fiesta veneciana
Capitulaciones de boda y baile campestre
Pintura Rococó Francia
Jean-Honoré Fragonard 1732-1806
El columpio
Chica con perro
Cabeza de anciano
Las bañistas
El encuentro secreto
La cerradura
Pintura Rococó Italia
Giovanni Baptista Tiepolo
La apoteosis de la monarquía española
Mercurio de Würzburg
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Rococó Gran Bretaña
William Hogarth
El matrimonio a la moda
Manicomio
Los sirvientes del pintor
Jean-Baptiste-Simeon Chardin 1699-1779
Pompas de jabón
El mono pintor
Vaso de agua con cafetera
El niño de la peonza
La joven institutriz
Élisabeth Vigée-LeBrun 1755-1842
Autorretrato
Retrato de Anna Stroganova
Retrato de María Antonieta
Louis-Jean-François Lagrenée 1725-1805
Las dos amigas
Cupido y Psique
La corona de flores
Alegoría del olfato
Joseph Ducreux 1735-182
Autorretrato de Joseph Ducreux
Autorretrato bostezando
Canaletto
El Bucintoro
Entrada al Gran Canal
Joshua Reynolds
El coronel Banastre Tarleton
Las hermanas Waldegrave
Más autores y obras
Thomas Gainsborough
El señor y la señora Andrews
El joven azul
Dr. Ralph Schomberg.
Más autores y obras
Adélaïde Labille-Guiard 1749-1803
Autorretrato con dos almnas
Esquema artistas inicial
François Boucher 1703-1770
La toilette
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Diana saliendo del baño
El niño mimado /La falda levantada
Venus y cupido
La odalisca
Retrato de Madame de Pompadour
Retrato de Madame Clodion
Retrato de Madame Adelaide de Francia
Más autores y obras
9
Cuadro resumen
Obras y autores pág. 1015-1017
Línea del tiempo
Finales XVII y primera mitad siglo XIX
Pág. 1018
Contexto pág.1019
Arquitectura
arte NEOCLASICISMO
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Portadas
Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.
Características generales pág.1020
Arquitectura en Europa pág.1020
Arquitectura en España pág.1021
Obras Europa pág.
Obras España pág
Escultura
Rasgos generales pág. 1022
Escultura en Europa pág 1022
Escultura de Cánova pág.1023
Escultura en España pág 1024
Obras
Pintura
Rasgos generales pág 1025
Pintura en Francia pág. 1026-1027
Pintura en otros países pág. 1028
Pintura en España 1029
Goya pág.1030-1031
Comentarios
Iglesia de La Madeleine pág. 1032
Eros y Psique pág. 1033
El juramento de los Horacios pág.1034
La Maja desnuda pág.1035
La familia de Carlos IV pág.1036-1037
Esquema: autores ArteNeoclasicismo
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Pintura Francia
Jacques-Louis David 1748-1825
Juramento de los Horacios
La muerte de Marat
Rapto de las Sabinas
Retrato Madame Récamier
Pintura Francia
François Gérard 1770-1837
Psique siendo reanimada por el beso del amor
Retrato de la emperatriz Josefina
Los amantes de Teruel
Napoleón en su gabinete de trabajo
Pintura Europa
Giovanni Battista Piranesi 1720-1778
Vedute di Roma
Carceri d'Invenzione (Prisiones imaginarias)
Antichità Romane
Pintura Europa
Karl Bruyllov 1799-1852
El último día de Pompeya
La última cena
Retrato de una joven
Antoine Jean Gros 1771-1835
El baño de Cleopatra
Napoleón visitando a los heridos en la batalla de Eylau
La batalla de Abukir
Napoleón en la peste de Jaffa
Hippolyte Flandrin 1809-1864
La educación de la Virgen
La muerte de Safo
Joven desnudo sentado junto al mar (Romanticismo)
San Agustín en su estudio
Retrato de un hombre
Andrea Appiani 1754-1817
El Rapto de Europa
Frescos de los fastos napoleónicos
Frescos de "Historias de Venus y Adonis
Frescos en la iglesia de Santa María presso San Celso
Angelica Kauffmann 1741-1807
Virgilio leyendo la Eneida a Augusto y Octavia
Cornelia, madre de los gracos
Hero y Leandro
Autorretrato vacilando entre las artes de la música y la pintura
J.A.D. Ingres 1780-1867
La gran odalisca
El baño de la mujer musulmana
La consagración de Napoleón
Retrato de Madame Rivière
Retrato de Madame Duvaucey
Júpiter y Tetis
Esquema artistas inicial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Anne Vallayer-Coster 1744-1818
Ramo de flores en un vaso de agua
Cesta de ciruelas
Retrato de una violinista
Constance Marie Charpentier 1767-1849
Retrato del político Georges Danton
A mother Recovering with the help of her children
Sócrates enseñando a un joven
Retratos del Barón Dubois
Retrato de la Baronesa Dubois
Chica joven con perla
Marie Denise Villiers 1774-1821
Muchacha dibujando
Retrato de Madame Soustras
Anton Raphael Mengs 1728-1779
El Párnaso
Perseo y Andrómeda
La Lamentación
Flagelación de Cristo
La inmaculada Concepción
Carlos III
Más autores y obras
Línea del tiempo Historia del Arte
Rococó 1720-1780
Neoclasicismo 1750-1830-40
Jacques-Germain Soufflot
P.A. Vignon
Étienne-Louis Boullée, Leo von Klenze
Canova
J.A. Houdon
J. Gibson
W. Wetmore Story
B. Thorvaldsen
En España
F.Gutiérrez
J. Adán
J. Álvarez Cubero
R. Barba
D. Campeny
V. Salvatierra
A. Solá
Jacques Louis David
A.J. Gros
J.A.D. Ingres
F. Gérard
H. Flandrin
C.M.Charpentier
N. Villers
A. Vallayer Coster
Primera mitad siglo XIX
G.B. Piranesi
A. Appiani
A. R. Mengs
A.Kauffmann
K. Bruyllov
Historicismo
Neogótico
Charles Barry, Augustus Pugin
John Nash (también estilos orientales)
Clasicismo ecléctico
Charles Garnier
Restauración edificios
John Ruskin
Viollet-le-Duc
Francia
François Rude
Jean-Baptiste Carpeaux
España
José Gragera
Ricardo Bellver
Inglaterra
J. Heinrich Füssli
J. Constable
W. Blake
W. Turner
J. Martin
D.Allan
J. F. Danby
T. Lauwrence
J. Atkinson Grimshaw
Inglaterra Prerrafaelista
D. G. Rossetti
J. Everett Millais
W. Holman Hunt
J. Collier
E. Burne-Jones
J. William Waterhouse E. Blair Leighton
F. Codogan Cowper
Francia
T. Garicault
E. Delacroix
P. Delaroche
G. Doré
J.A.D. Ingres
H. Flandrin
J.F. Millet
En España
F. Goya
F. Bayeu
S. Maella
J. Aparicio
J.Madrazo
R. Weiss
Alemania
C. D. Friedrich
P. Otto Runge
E. Gottlieb Leutze
G.Wilhelm Von Reutern
Nazarenos
J. Friedrich Overbeck
P. von Cornelius
J. Schnorr von Carolsfeld
España
F. de Madrazo
A. Gisbert
R. Romero Barros
L. R. Falero
J.M. Casado del Alisal
M. Fortuny
P. Borrell
A. Muñoz Degraín
F. de Goya
Líneas del tiempo
Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.
Escultura Neoclásica: Antonio Canova Arte
Antonio Canova 1757-1822
El italiano Canova se considera el escultor más importante del neoclásico y uno de los más brillantes en la historia de la escultura
Antonio Canova (Possagno, 1757 - Venecia, 1822) nace en el seno de una rica familia arruinada. De joven, no puede realizar estudios artísticos y tiene que ejercer diversos oficios, como carpintero y cantero En 1768 se traslada a Venecia, donde se forma como escultor
Sus primeras obras están influenciadas por el estilo barroco que domina en Venecia Desde muy joven rechaza la idea de ser un simple artesano sometido a las normas del gremio y defiende su categoría como artista creador
Esto lo demuestra con su obra Dédalo e Ícaro, que funciona como una alegoría de la escultura. En esta obra, bajo los pies de Dédalo descansan las herramientas del oficio, mientras Ícaro se coloca las alas de cera que le permitirán volar.
En 1781, se instala en Roma, donde se inspira en la Antigüedad y se convierte en el principal representante de la escultura neoclásica. Tiene un gran éxito, recibiendo encargos de personajes ilustres como Napoleón y Catalina de Rusia.
Temática
La obra artística de Canova es de gran diversidad abarcando desde esculturas funerarias de papas y reyes, hasta retratos de encargo, como los de Napoleón y su hermana, y sobre todo estatuas de figuras mitológicas
Canova desarrolla varias obras que evidencian su interés por la escultura antigua. Entre ellas se encuentran Teseo y el Minotauro, Eros y Psique, Hércules y Licas y Perseo con la cabeza de Medusa
Estilo
Su estilo se caracteriza por la expresión de una belleza ideal, imitando la Antigüedad; por el gusto por líneas elegantes, nítidas y sin irregularidades; por texturas suaves; por una austeridad y claridad compositiva; y por el uso de mármol y bronce
Teoría y apuntes
Acabado lustroso que luego patina con piedra pómez Canova demuestra que la frialdad que tradicionalmente se asocia con la estatuaria neoclásica es un concepto erróneo.
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Resumen obras más importantes
Eros y Psique (Venus reanimada por el beso de cupido) Las tres Gracias
Paulina Bonaparte como Venus Victrix Dédalo e ícaro
Napoleón como Marte pacificador Teseo y el centauro
Obras funerarias
Canova renueva la escultura funeraria, rompiendo con el dramatismo y la teatralidad de la tradición barroca, inclinándose hacia los ideales clásicos de equilibrio, elegancia y reposo Sus tumbas no son retratos funerarios de sus destinatarios, sino imágenes arquetípicas de la muerte.
En la Basílica de los Santos Apóstoles en Roma, realiza los sepulcros de los papas Clemente XIII y Clemente XIV Su éxito le abre las puertas de las cortes europeas, incluyendo Viena, donde labra el monumento funerario de María Cristina de Austria Monumento fúnebre de María Cristina de Austria
Pero su obra más destacada es el Monumento fúnebre de María Cristina de Austria, realizado entre 1789 y 1805 Se trata de una gran pirámide blanca abierta en el centro por una oscura abertura hacia la cual se dirige una triste procesión de figuras anónimas en diferentes etapas de la vida: un anciano acompañado por una joven (la Piedad) y una mujer de edad avanzada (la Virtud), junto a dos niñas, llevan la urna funeraria a la sepultura
El retrato de la persona fallecida aparece solo en un pequeño medallón, símbolo de la inmortalidad, que sostiene un ángel que representa la Felicidad. En la esquina derecha aparece un ángel inclinado sobre un león, símbolo de la fortaleza, un atributo de la fallecida.
Eros y Psique 1786-1793
Eros y Psique es otra de las obras de Canova, que se realiza por encargo del coronel británico John Campbell Se inspira en el tema clásico de Eros, dios del amor, que se enamora de Psique La escultura recoge el momento en que Eros besa a la joven para despertarla de un sueño en el que había caído tras tomar una pócima.
Está realizada en mármol blanco muy pulido que brilla como si fuera una piel muy suave La composición se caracteriza por la sencillez y claridad: los dos cuerpos forman una X, ocupando el centro los labios Los brazos de Psique forman un círculo en torno al punto central para aumentar el interés de esa zona Los rostros, sus brazos y cuerpos transmiten mucha sensualidad.
Retratos
La fama de Antonio Canova atrae la curiosidad de Napoleón, quien queda extasiado al contemplar Eros y Psique. Decide contratarlo, ya que su estilo encaja perfectamente con su programa propagandístico Napoleón busca legitimarse presentándose como un dios o héroe de la Antigüedad Canova realiza varios retratos de Napoleón en los que aparece desnudo, al igual que los dioses romanos y griegos
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Retratos
Sin embargo, el retrato más famoso es el de su hermana Paulina Bonaparte (1805-1808), que se exhibe en la Galería Borghese de Roma. Canova retrata a la hermana de Napoleón a los 25 años, desnuda, la representa recostada en un diván, imitando a una Venus victoriosa Esta obra se considera su obra maestra, reflejando toda una época a través de la sensualidad del cuerpo femenino
La estatua se esculpe en un único bloque de mármol blanco de Carrara. La figura presenta una belleza ideal, un gesto sereno, sin expresividad, y un aspecto monumental.
La luz se refleja en la blancura del mármol La serenidad, la idealización y el desnudo dan atemporalidad a la escultura, que no parece el retrato real de alguien, sino un símbolo de la belleza y el poder
Las tres Gracias
Tras la caída de Napoleón, Canova regresa a París como enviado del Papa para recuperar las obras de arte que el emperador francés había expoliado En 1815, recibe una llamada de los ingleses que le piden su opinión sobre los mármoles del Partenón, que recientemente habían sido trasladados al Museo Británico. Estos mármoles le impactan tanto que llega a declarar que “los mármoles de Fidias son verdadera carne” . Bajo esta influencia, realiza Las Tres Gracias.
Las Tres Gracias es un grupo escultórico en mármol que encarna la belleza ideal femenina de forma sencilla y cuidada Según la mitología griega, las Gracias son hijas de Zeus y representan la belleza, la alegría y la fertilidad, deleitando en los banquetes y reuniones a los invitados de los dioses. Aparecen representadas de pie, inclinadas hacia dentro, unidas por un abrazo suave y por un velo que se enrosca en las tres.
Escultura de George Washington
El último gran encargo internacional que recibe proviene de Carolina del Norte, donde se le solicita una escultura de George Washington, que entrega en 1821, poco antes de su muerte
En esta escultura, el primer presidente norteamericano aparece vestido como un emperador romano, en el momento de su renuncia al poder, lo que se interpreta como un homenaje a la honestidad y virtud del pueblo americano. Sin embargo, un incendio destruye la obra, y solo se conserva una copia en yeso en el Gipsoteca de Possagno
Pintura en Francia: Jacques Louis David Arte
Jacques-Louis David 1748-1825
Jacques-Louis David se convierte en el autor que mejor representa al neoclasicismo Admira la antigüedad clásica y recoge de ella la austeridad y severidad, así como el gusto por los temas heroicos. Entre sus alumnos destacan Gros, Ingres y otros artistas que adoptan su estilo y filosofía.
Vive en una época de transición: los últimos años del Antiguo Régimen, la Revolución Francesa y el imperio napoleónico En 1775 viaja a Roma donde se deja influir por los artistas italianos, especialmente por Rafael, y admira las antiguas ruinas romanas Posteriormente, se fascina con las ruinas de Pompeya.
En todas sus obras predominan las escenas interiores, las composiciones algo rígidas y estáticas, y utiliza el claroscuro para resaltar personajes o detalles, además de tratar temáticas moralizantes que ponen prioridad en lo público sobre lo privado o exaltan el compromiso cívico
Juramento de los Horacios 1784
En Roma, pinta "El juramento de los Horacios" en 1784 El tema, tratado en una tragedia de Corneille, representa el momento en que los tres hermanos toman las espadas de manos de su padre para luchar contra sus cuñados en defensa de su patria.
Mientras las mujeres parecen partidarias de seguir sus sentimientos y asisten desfallecidas al juramento, los hombres muestran determinación a sacrificar sus vidas
Este tema tiene una clara intención didáctica y moralizante, exaltando la virtud cívica, el patriotismo y el heroísmo. Por ello, se convierte en un símbolo de la Revolución Francesa.
Durante la Revolución Francesa
Teoría y apuntes
Durante la Revolución Francesa, David se compromete con los ideales revolucionarios, se convierte en amigo de Robespierre y se identifica con los radicales jacobinos Su pintura se convierte en un instrumento propagandístico de las virtudes revolucionarias.
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Esbozo "El juramento del juego de la pelota",
David también realiza el esbozo del famoso cuadro "El juramento del juego de la pelota", que uno de sus discípulos completa. Al caer el gobierno jacobino, David es arrestado junto con Robespierre y sus partidarios Aunque se libra de la guillotina, no escapa de la cárcel
Durante la Revolución Francesa
La muerte de Marat
A esta época corresponde su obra más sobrecogedora, "La muerte de Marat", en la que el escritor jacobino aparece apuñalado en su bañera por Carlota Corday, una girondina que logra entrar en su casa bajo el pretexto de presentarle una lista de nombres de traidores a Francia que deben ser ejecutados.
En la pintura, Marat se presenta como un hombre austero que muere de manera tranquila y serena por defender su ideología Su rostro dulce simboliza la virtud y el heroísmo
Las alusiones a la pobreza del revolucionario, como la caja de madera que sirve de mesa y el paño remendado a su izquierda, junto con la oscuridad y vacío que ocupan casi la mitad del cuadro, resaltan la austeridad y nobleza de Marat, quien es un auténtico defensor de las clases más desfavorecidas.
Rapto de las Sabinas
En este tiempo, idea su obra "Rapto de las Sabinas", en la que vuelve a utilizar un tema mitológico para transmitir valores, proponiendo el amor como forma de recuperar la paz.
El cuadro se basa en una leyenda que narra que, en los orígenes de Roma, había pocas mujeres, por lo que Rómulo, su primer rey, decide que los romanos secuestren a las hijas de los sabinos para casarse con ellas. Años después, en busca de venganza, los sabinos atacan a los romanos, pero las mujeres se interponen para evitar la guerra que las privaría de sus maridos e hijos, así como de sus hermanos y padres
En la obra se puede ver a Hersilia, hija del líder de los sabinos, pero casada con Rómulo, interponiéndose entre los combatientes.
Este cuadro se realiza para mostrar el amor que David siente por su esposa, aunque también se ha interpretado como un ruego a la unificación nacional y la paz entre los franceses Posteriormente, Napoleón toma esta obra como símbolo de su gobierno.
Etapa de vinculación con Napoleón
En la siguiente etapa, David se vincula ideológica y artísticamente con Napoleón, convirtiéndose en pintor de su corte. En sus pinturas, David representa a Napoleón como el nuevo héroe. En 1800 pinta "Napoleón cruzando el San Bernardo", y poco después, "La coronación de Napoleón", donde desaparece la austeridad en favor del espectáculo propagandístico
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Etapa del exilio en Bélgica
Tras la caída de Napoleón y la restauración de la monarquía borbónica, David rechaza la petición del rey Luis XVIII de convertirse en pintor de cámara y se exilia en Bélgica, donde muere Uno de sus mejores retratos es "Madame Récamier"
Juliette Récamier, esposa de un banquero, es una de las jóvenes más notables y bellas de su época A pesar de la ideología monárquica de Récamier, David la retrata con sobriedad y sencillez, como si fuera una heroína de la República
La ambientación de la obra contiene muchas alusiones a la antigüedad: la joven parece una virgen o vestal romana, recostada en un tipo de diván o triclinio, que a partir de ahora se llamará "Récamier" Al lado de ella hay un reposapiés y una lámpara romana, mobiliario que acaba de ser descubierto en Pompeya. Viste un sencillo vestido blanco de estilo griego, no lleva joyas, su peinado es un sobrio recogido tipo romano con una cinta, y tiene los pies desnudos.
Aunque mira de frente de forma algo descarada, su cuerpo está vuelto para indicar castidad. La figura aparece en la lejanía, lo que puede sugerir que se trata más de un ideal de elegancia femenina que de un auténtico retrato. La obra queda inacabada, y no se conoce la razón de ello
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Pintura España : Francisco de Goya Arte
Francisco de Goya 1746-1828
Es un artista difícil de situar porque vive un periodo convulso y sirve a cuatro reyes: Carlos III, Carlos IV, José I y Fernando VII Su arte escapa a las clasificaciones de estilos y modas Goya es neoclásico y romántico, pero su producción es tan variada que ninguna clasificación resulta adecuada para su conjunto Se puede decir que su obra se encuentra entre un clasicismo personal y un romanticismo crítico
Domina todas las técnicas, incluyendo la pintura mural y de caballete, los cartones para tapices y el grabado Se atreve con todos los géneros, desde retratos hasta bodegones, así como cuadros religiosos, históricos y costumbristas
1ª Etapa: Formación (hasta1774)
Desde muy joven manifestó inquietudes artísticas y empezó a trabajar como aprendiz, en el taller de José Luzán Sus comienzos son difíciles Dos veces es rechazado por la Academia de San Fernando para obtener una beca que le permita estudiar en Roma Por ello, decide costearse él mismo el viaje a Italia En este viaje incorpora la temática mitológica “El rapto de Europa”
Regresa a Zaragoza, trabaja en la basílica del Pilar y se casa con Josefa Bayeu
2ª Etapa: obras costumbristas (hasta 1792)
Rafael Mengs, pintor de la Corte llama a Goya para que trabaje en Madrid. Su cuñado Francisco Bayeu, que es un artista exitoso en Madrid, le facilita su instalación en la capital Comienza la época de sus triunfos profesionales y su acceso a la corte.
Nos encontramos con un pintor vitalista, optimista e intérprete de una sociedad alegre y superficial En esta época llega a ser Director Adjunto de la Academia de San Fernando
A los treinta años, lo contrata la Real Fábrica de Santa Bárbara para que pinte cartones para los tapices que allí se fabrican Son obras que serán copiadas por las tejedoras para elaborar los tapices que decoraban los salones aristocráticos de la corte En ellos el artista se convierte en un cronista de una sociedad superficial y castiza sin atisbo de crítica social
Teoría y apuntes
En esta época, lo pintoresco está de moda, y Goya pinta toreros, tonadilleras, actrices y gente del pueblo de Madrid, incluyendo lavanderas y jugadores de naipes
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Obras como El cacharrero, El quitasol, La gallina ciega o La pradera de San Isidro son ejemplos de su producción en este periodo Son cuadros amables, con dibujo acabado, colores cálidos y efectos lumínicos.
El éxito de sus obras para la familia real lleva a que también los nobles le encarguen obras para decorar sus palacios Un ejemplo de esto son La cucaña y El columpio La poderosa casa de Osuna le encarga una serie de cuadros con la vida de San Francisco de Borja para la Catedral de Valencia
3ª Etapa: obras de crítica social 1792-1808
Los acontecimientos personales (sordera) y políticos (decepción política de la revolución francesa y la guerra de la independencia), van a provocar una metamorfosis que da lugar a un estilo de crítica social en los géneros pictóricos que desarrolla En este contexto, su obra alterna dos vertientes antagónicas: las plácidas pinturas de encargo y las estampas desgarradas
En 1792, Goya viaja a Sevilla, donde contrae una enfermedad que le deja sordo Se recupera en Cádiz, en la casa de su amigo Sebastián Martínez Cuatro años después, regresa a Andalucía para pintar el oratorio de la Santa Cueva en Cádiz
Grabados: 1ª serie Los Caprichos
La primera serie de grabados es Los Caprichos (1799) concebida como un libro ilustrado con grabados para ser comentados en las tertulias Este conjunto es una sátira cruda de los vicios y debilidades sociales, que critica la concentración del poder, el abuso de los débiles, la ignorancia y la superstición Técnicas de grabado que utilizó: aguafuerte, aguatinta y punta seca (buril) y litografía
Para controlar la producción del libro, Goya lo edita personalmente Sin embargo, las imágenes no son bien recibidas por las autoridades y su venta es prohibida por la Inquisición a las dos semanas, el 19 de febrero de 1799.
Ejemplos: “Tú que no puedes“, “Hasta la muerte“ y “El sueño de la razón produce monstruos“.
Retratos
Goya es también autor de una amplia galería de retratos, un género que le da mucha fama Entre sus retratos se encuentran arquitectos neoclásicos como Ventura Rodríguez y Juan de Villanueva intelectuales ilustrados como Jovellanos, Meléndez Valdés y Fernández de Moratín, banqueros como Cabarrús, y aristócratas femeninas como la Condesa de Chinchón, la Condesa de Haro, y las duquesas de Alba y Osuna.
Las Majas
Durante los años de cambio de siglo, cumple con un encargo de Godoy para pintar dos retratos femeninos de cuerpo entero: La maja desnuda y La maja vestida. La Maja desnuda es uno de los desnudos más fascinantes del arte universal dotado de una evidente carga erótica y sensualidad gracias a su posicionamiento, sugerente ante el espectador, y por el realismo con el que representa el desnudo femenino (vello femenino en el pubis) Tanto en la “Maja desnuda” como en la “Maja vestida” utiliza una pincelada rápida y una gran captación de los efectos lumínicos sobre el desnudo, las telas y los vestidos respectivamente
Estas obras se instalan en su gabinete privado, a pesar de que el primero podría haber llevado a alguien con menos poder a las cárceles de la Inquisición.
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3ª Etapa: obras de crítica social 1792-1808
Retratos de la Corte
En 1799 es nombrado primer pintor de cámara (Carlos IV). Retrata a la familia real con una fuerte carga crítica hacia sus personas y hacia las instituciones absolutistas que representan desde su planteamiento político liberal al representarlos sin ningún tipo de recato llegando a plasmar sus defectos físicos y/o personales, como observamos en los retratos de la reina “La Familia de Carlos IV” realizado en 1800 y “Fernando VII”
La familia de Carlos IV
Es un retrato colectivo de la familia real, pomposo y distante del espectador, simbolizando su distanciamiento con el pueblo español en el cual contrasta el aspecto bonachón del rey con el autoritarismo de la reina
4ª Etapa: obras dramáticas (1808-1828) –Romanticismo-
A partir del estallido de la guerra de la independencia, en 1808, con sus secuelas del horror y el dolor colectivo, se intensifica el pesimismo y la crítica social, como se observa en las series de grabados y en sus cuadros patrióticos.
Esta etapa se caracteriza por una visión pesimista del mundo a través de la incorporación de temas dramáticos y fantasiosos, con una pincelada de manchas que va distorsionando, cada vez más, el dibujo, y la creciente presencia del color negro, A lo largo de esta etapa va a desarrollar una serie de géneros:
Grabados:
La segunda serie es Los Desastres de la guerra, un conjunto de 82 grabados que recoge episodios de la invasión napoleónica y la Guerra de Independencia Estas imágenes denuncian la violencia y la crueldad de ambos bandos involucrados en el conflicto
La tercera serie es La Tauromaquia Cansado de los desastres de la guerra, Goya se refugia en el mundo de los toros Entre 1814 y 1816, pinta toreros famosos y las faenas que les brindan gloria
La serie de los Disparates (quinta serie) consiste en veintidós grabados, probablemente incompletos, realizados con aguatinta y aguafuerte Estas estampas son las más difíciles de interpretar del pintor aragonés En ellas predominan las visiones oníricas, la violencia y el sexo, así como una crítica de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen
Más allá de estas connotaciones, las estampas presentan un rico mundo imaginativo relacionado con la noche, el carnaval y lo grotesco, que constituyen un enigma tanto en cada estampa como en su conjunto.
Pintura : La Familia de Carlos IV ArteNeoclasicismo
arte
ROMANTICISMO
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Portadas
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Cuadro resumen
Obras y artistas pág. 1102-05
Línea del tiempo
Finales XVII y primera mitad siglo XIX
Pág. 1106
Contexto pág.1107
Arquitectura
El historicismo pág.1108
Arquitectos pág.1108
Obras pág. 1109-1117
Escultura
Rasgos generales pág. 1118
Escultura en Europa pág. 1118
Escultura en España pág. 1118
Obras pág. 1119-20
Pintura
Rasgos generales pág. 1121
Pintura en Francia pág. 1122-28
Pintura en Inglaterra pág. 1129-32
Pintura en Alemania pág.1133-41
Pintura en España pág. 1142-45
Comentarios
La Libertad guiando al pueblo pág.1146
Lluvia, vapor y velocidad pág.1147
Los fusilamientos del 3 de mayo pág.1148-49
El carro de heno pág. 1150
Esquema: pintores Arte
Pintura Francia
Théodore Garicault 1791-1824
La balsa de Medusa
Mujer demente
El cleptómano
Epidemia de fiebre amarilla en Cádiz
Derbi en Epsom
Pintura Francia
Gustave Doré 1832-1883
El noveno círculo
Paolo y Francesca de Romini
David enseña la cabeza de Goliat
Reunión de ratas
Muerte montada en un caballo pálido
Pintura Alemania
Caspar David Friedrich 1774-1840
El caminante sobre el mar de nubes
Abadía en un bosque
El monje frente al mar
Paisaje de invierno
Ventana hacia el parque
Acantilados blancos en Rügen
Claustro del cementerio en la nieve
El árbol de los cuervos
El mar de hielo
Pintura Alemania
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Nazarenos
Johan Friedrich Overbeck 1789-1869
Frescos de la Casa Barholdy
María e Isabel con Jesús y Bautista niños
Triunfo de la religión en las Artes
Italia y Germania
Eugène Delacroix 1798-1863
La barca de Dante
Huérfana en el cementerio
La libertad guiando al pueblo
La muerte de Sardanápalo
Cama sin hacer
Medea furiosa
Boceto para el sultán Mulay Abderraman
Mujeres de Argel
Jean-François Millet 1814-1875
El Angelus
La muerte del leñador
Las espigadoras
La comida de los segadores
Descanso al mediodía
Otoño: pajares
El hombre de la azada
Mujer en escalera
Las etapas de la vida
Mañana de pascua
Peter von Cornelius 1783-1867
José interpreta el sueño del faraón
José reconocido por sus hermanos
Las vírgenes sabias y las vírgenes necias
Philipp Otto Runge 1777-1810
Los niños Hülsenbeck
La esfera de color
Más autores y obras
Paul Delaroche 1797-1859
Esquema artistas inicial
la ejecución del Lady Jane Grey
Los príncipes en la torre
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
El mural del honor (Mural del Hemiciclo de la École)
Bonaparte cruzando los Alpes
Emanuel Gottlieb Leutze 1816-1868
George Washington cruzando Delaware
Julius Schnorr von Carolsfeld 1794-1872
Retrato de Clara Bianca Von Quandt con laúd
Rut en el campo de Booz
Las bodas de Caná
La batalla de los seis en la isla de Lipadusa
El ejército de los francos bajo Carlomagno en la ciudad de París
Más obras y autores
Gerhard Wilhelm Von Reutern 1794-1865
El sacrificio de Isaac
Esquema: pintores ArteRomanticismo
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Pintura Inglaterra
Johann Heinrich Füssli 1741-1825
La pesadilla
Lady Macbeth
La bruja de la noche visitando las brujas de Laponia
Pintura Inglaterra
William Turner 1775-1851
Pescadores en el mar
Tormenta de nieve, Aníbal y su ejército cruzando los Alpes
Ulises burlando a Polifemo
Staffa, la cueva Fingal
El temerario remolca a dique seco
John Constable 1776-1837
El carro de heno
Estudio de marina con nube de lluvia
El caballo blanco
Catedral de Salisbury desde los prados
William Blake 1757-1827
La escalera de Jacob
El Anciano de los días
El gran Dragón Rojo y la Mujer revestida en Sol
Nabucodonosor
Newton
John Martin 1789-1854
Pandemonium
Esquema artistas inicial
James Francis Danby 1816-1875
El Parlamento desde el río
Vista del puente de Westminster y las casas del Parlamento
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Barcos de esclavos
Crepúsculo sobre un lago
Puesta de sol escarlata
Paisaje con río y bahía al fondo
En el mar
Pintura Inglaterra
Prerrafaelista
Dante Gabriel Rossetti 1828-1882
La anunciación
La Bienamada
Canción de Navidad
Beata Beatrix
Pintura Inglaterra
Prerrafaelista
Edward Burne-Jones 1833-1898
La rueda de la fortuna
Epifanía
John Everett Millais 1829-1896
Isabella
Mariana
Ofelia
La chica ciega
John Atkinson Grimshaw 1836-1893
Dama de Shalott
Reflejos sobre el Támesis
Elaine
Anochecer en el Támesis
John William Waterhouse 1849-1917
El círculo mágico
Cleopatra
La dama de Shalott
Ulises y las sirenas
Circe envidiosa
Hilas y las ninfas
Pandora
La bola de cristal
Eco y Narciso
El alma de la rosa
William Holman Hunt 1827-1910
El chivo expiatorio
Reflejos sobre el Támesis
Retrato de Charles Allston Collins muerto
David Allan 1744-1796
El origen de la pintura
Autorretrato
John Collier 1850-1934
Lilith
La sacerdotisa de Delfos
El laboratorio
Thomas Lauwrence 1769-1830
Satanás invocando a sus legiones
Lady Godiva
Tannhäuser en el Venusberg
El bebé terrestre
Edmund Blair Leighton 1853-1922
El abrazo
Buena suerte
Bordando el estandarte
Una húmeda mañana
Frank Codogan Cowper 1877-1958
Vanidad
Pintura Romántica: Inglaterra Arte
Romanticismo en Inglaterra
En la segunda mitad del siglo XVIII, se encuentran las primeras manifestaciones de la pintura romántica, a través de artistas visionarios o prerrománticos Estos pintores se oponen al arte oficial de los retratistas ingleses, eligiendo una temática fantástica, onírica o surrealista, alejada de la razón Aunque sus temas son propios del Romanticismo los pintores ingleses ponen especial interés en el dibujo. El descubrimiento más importante del Romanticismo inglés es reconocer el valor y la importancia del contacto directo con la naturaleza Hasta ese momento, los paisajes se recreaban en los talleres de los artistas, en lugar de ser pintados directamente al aire libre.
Johann Heinrich Füssli 1741-1825
Johann Heinrich Füssli conocido como Henry Fuseli en Gran Bretaña, es un artista inclasificable que mezcla elementos del neoclasicismo y el romanticismo Su obra, profundamente emocional y subjetiva, lo convierte en un precursor del surrealismo.
Nacido en Zúrich, comienza su carrera como escritor influenciado por el movimiento Sturm und Drang que valoraba la expresión intensa de los sentimientos Más tarde se dedica a la pintura donde su gusto por lo oscuro y grotesco destaca
A los 23 años viaja a Inglaterra, donde consigue el apoyo de Thomas Coutts, un influyente banquero Tras viajar a Roma, perfecciona su estilo y, aunque su arte no es muy popular es valorado entre las clases altas La Royal Academy lo admite como miembro y artistas como William Blake lo admiran, señalando su influencia visionaria, adelantada a su tiempo.
Johann Heinrich Füssli trata temas relacionados con la muerte, lo sobrenatural o lo truculento. En su obra Las pesadillas, explora el mundo de los sueños, donde emergen monstruos demoníacos Füssli, muy interesado en la literatura, se inspira en el "Sueño de una noche de verano" para la figura de Titania.
Obras
La pesadilla
Lady Macbeth
La bruja de la noche visitando las brujas de Laponia
John Constable 1776-1837
Teoría y apuntes
John Constable, paisajista inglés, refleja en su obra los paisajes de Suffolk su tierra natal, y es uno de los primeros en pintar al aire libre, lo que influirá en la Escuela de Barbizon y más tarde en los impresionistas
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Autodidacta, comienza como dibujante topográfico en Londres y luego ingresa en la Academia A diferencia de Turner, que busca lo sublime, Constable prefiere lo pintoresco, con un realismo que evoca emociones Se interesa por los efectos de la luz en la naturaleza, anticipando técnicas impresionistas con pinceladas divididas y uso de espátula Su estilo, considerado revolucionario en su tiempo
Obras
El carro de heno
Estudio de marina con nube de lluvia
El caballo blanco
Catedral de Salisbury desde los prados
William Blake 1757-1827
William Blake es un artista y poeta inglés que fusiona ambas disciplinas. Su arte está lleno de espiritualidad y misticismo, lo que lo lleva a crear una mitología propia basada en visiones que tiene desde niño Desde los 14 años se dedica al grabado, rechazando las modas neoclásicas de su tiempo y prefiriendo la imaginación sobre la razón
Blake considera que el artista, como un profeta, revela la realidad a través de símbolos que el público debe interpretar. Aunque es incomprendido en su época generaciones posteriores lo reivindican como un visionario
Obras
La escalera de Jacob El Anciano de los días
El gran Dragón Rojo y la Mujer revestida en Sol Nabucodonosor Newton
William Turner 1775-1851
Joseph Mallord William Turner es uno de los paisajistas más importantes de la historia Se le atribuye haber elevado el paisaje a un género mayor, y es conocido como "el pintor de la luz" Dominó tanto el óleo como la acuarela, y su estilo adelantado a su tiempo influiría en el impresionismo décadas después
Turner nace en una familia humilde: su padre es fabricante de pelucas y su madre ama de casa Con 14 años ingresa en la Royal Academy of Art. Viaja por el mundo, aprendiendo de grandes maestros, aunque su carácter excéntrico y misántropo lo aísla socialmente Solo le interesa la pintura, manteniendo pocas relaciones personales y se vuelve muy crítico con sus contemporáneos, especialmente con su rival Constable.
Turner se distingue por su experimentación, usando técnicas de acuarela en el óleo y su obra influye en artistas posteriores como Rothko y Kandinsky Hoy en día, su legado se honra con el prestigioso
Premio Turner
Obras
Pescadores en el mar
Tormenta de nieve, Aníbal y su ejército cruzando los Alpes
Ulises burlando a Polifemo
Staffa, la cueva Fingal
El temerario remolca a dique seco
Barcos de esclavos
Crepúsculo sobre un lago
Puesta de sol escarlata
Paisaje con río y bahía al fondo
En el mar
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John Martin 1789-1854
William Blake es un artista y poeta inglés que fusiona ambas disciplinas. Su arte está lleno de espiritualidad y misticismo, lo que lo lleva a crear una mitología propia basada en visiones que tiene desde niño Desde los 14 años se dedica al grabado, rechazando las modas neoclásicas de su tiempo y prefiriendo la imaginación sobre la razón
Blake considera que el artista, como un profeta, revela la realidad a través de símbolos que el público debe interpretar. Aunque es incomprendido en su época, generaciones posteriores lo reivindican como un visionario
Obras
Pandemonium
David Allan 1744-1796
David Allan, un destacado pintor escocés del siglo XVIII, se especializa en la representación de escenas históricas y mitológicas Su obra se caracteriza por un uso hábil del color la atención al detalle y una composición dinámica que captura la esencia de sus personajes A lo largo de su carrera, Allan busca un equilibrio entre el romanticismo y la tradición clásica lo que lo convierte en un precursor del arte escocés moderno
Obras
El origen de la pintura
Autorretrato
James Francis Danby
1816-1875
James Francis Danby es un pintor inglés especializado en paisajes, especialmente de vistas del río Támesis y sus alrededores Nace en Bristol, en una familia con problemas económicos y personales. Su padre, también pintor, se va con la institutriz de los niños, y su madre se muda con otro pintor
A pesar de las dificultades, James Francis se forma como artista y destaca por su uso espectacular de la luz, sobre todo en amaneceres y atardeceres. Expone regularmente en la Real Academia y otras instituciones Deja unas 150 obras y muere a los 59 años en Hampstead
Obras
El Parlamento desde el río
Vista del puente de Westminster y las casas del Parlamento
Thomas Lauwrence 1769-1830
Obras
Satanás invocando a sus legiones
John Atkinson Grimshaw 1836-1893
Obras
Dama de Shalott
Reflejos sobre el Támesis
Elaine Anochecer en el Támesis
Comentario : Lluvia, vapor y velocidad – Turner- ArteRomanticismo
Ficha técnica
J M W Turner 1775-1851
1844- Romanticismo
Óleo sobre lienzo –Género: paisaje-
National Gallery, Londres
Artista y época
La obra se sitúa en plena Revolución Industrial, bajo el reinado de la Reina Victoria en Inglaterra Es un momento de cambios profundos, donde el maquinismo y la burguesía industrial transforman el país
Comentarios
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Joseph Mallord William Turner hijo de un humilde fabricante de pelucas, se convierte en uno de los pintores más importantes de su tiempo. Aunque triunfa en su carrera artística, Turner es un hombre solitario que prefiere la naturaleza y se aísla en su casa, a pesar de sus numerosos éxitos Sus viajes por Europa, especialmente a Francia, le permiten conocer a grandes maestros como Claudio Lorena y Canaletto, cuyas técnicas influyen en su obra
Identificación y clasificación
El título original de esta obra es "Lluvia, vapor y velocidad", también conocida como "Gran tren del oeste" Su autor es J.M.W. Turner (1775-1851), y fue pintada hacia 1844 Se trata de un óleo sobre lienzo de 91 x 121,8 cm. La escena pertenece al género del paisaje y actualmente está ubicada en la National Gallery de Londres.
Turner representa el paso del tren más moderno de la época en su camino hacia Londres Sin embargo, el protagonista del cuadro no es tanto el ferrocarril como la atmósfera creada por la mezcla de lluvia y vapor, que difumina las formas y convierte los objetos en algo casi intangible. El tren, el puente y una barca que navega por el río parecen perder su nitidez bajo estos elementos.
Descripción y análisis formal
La composición de la obra es abierta, lo que significa que los elementos parecen continuar más allá del lienzo Las vías del tren se alargan hacia fuera de la escena, y los ojos del puente están incompletos, lo que sugiere movimiento y expansión.
El cuadro puede dividirse horizontalmente en dos mitades La parte superior está dominada por una textura esponjosa de tonos amarillos y algunas zonas blanquecinas, sombreadas con grises azulados En la parte inferior, las formas se vuelven casi indescifrables, aunque Turner ofrece algunas pistas al añadir elementos más concretos, como una pequeña barca y un gran puente, que ayudan a reconstruir el paisaje.
Hacia el lado derecho e inferior del cuadro, los colores forman una diagonal negra, representando la locomotora que parece acercarse al espectador Turner usa un cuchillo de paleta para aplicar toques de pintura blanca y roja en la locomotora, lo que indica el proceso de combustión que impulsa el tren La lluvia, arrastrada por el viento, se representa con finos trazos de color que atraviesan el tren como una cortina de agua.
El gran protagonista de la obra es la atmósfera creada por la mezcla de lluvia y vapor Turner consigue que la luz se filtre débilmente a través de estos elementos desdibujando los contornos de las figuras
En este cuadro predomina el color sobre el dibujo. Las líneas están casi ausentes, y los colores principales son los ocres, marrones y amarillos de la tierra, mezclados con violetas y azules en el cielo y el río Las pinceladas son muy variadas desde trazos diluidos hasta capas de pintura espesa, especialmente en la locomotora
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Descripción y análisis formal
El ritmo del cuadro refleja el movimiento El tren parece avanzar hacia nosotros con rapidez, en contraste con la barca casi imperceptible, que se mueve lentamente
También hay una liebre difícilmente reconocible que corre delante del tren, intensificando esta sensación de velocidad.
Comentario
Turner se enmarca dentro del Romanticismo, un movimiento artístico que resalta la fuerza y el poder de la naturaleza sobre el ser humano. Al igual que John Constable, Turner se interesa profundamente por los efectos atmosféricos, algo que consigue mediante la observación directa del paisaje y bocetos al natural, que luego desarrolla en su estudio En sus obras, utiliza incluso sus dedos para lograr ciertos efectos lumínicos
El ferrocarril simboliza esta modernidad, pero en la obra de Turner se contrapone con la grandiosidad de la naturaleza, que parece empequeñecer cualquier avance humano.
Turner es muy apreciado por la crítica en su tiempo Su obra, reproducida en grabados, llega rápidamente a Francia, donde influye en el desarrollo de movimientos posteriores como el Impresionismo Claude Monet y otros pintores impresionistas admiran la forma en que Turner representa la luz y la atmósfera, y lo consideran uno de los precursores de su estilo.
Portadas
SegundamitadXIX
Transición: del Romanticismo al Realismo
El Realismo
El Impresionismo
El Postimpresionismo
El Simbolismo
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Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.
Cuadro resumen
Obras y artistas pág. 1152-59
Línea del tiempo
Segunda mitad XIX Pág. 1160
Contexto pág.1161
Arquitectura
Características generales pág. 1162
Arquitectura en Europa pág. 1163
La Escuela de Chicago pág.1163
Obras pág. 1164-72
Escultura
Escultura en la segunda mitad siglo XIX Pág. 1173-1180
Pintura
Escuela Barbizón pág. 1181-1183
Prerrafaelistas pág. 1184-90
Realismo características generales pág. 1191
Artistas y obras Realismo pág. 1191- 1206
Características del Impresionismo pág. 1207
Artistas y obras Impresionismo pág. 1208-25
Características Postimpresionismo pág. 1226
Artistas y obras Postimpresionismo pág. 1226-40
Simbolismo: artistas y obras pág. 1241-43
Comentarios
Un entierro en Ornans pág. 1244
Almuerzo en la hierba pág. 1245-46
Impresión, Sol naciente pág. 1247
Baile en el Moulin de la Galette pág. 1248
El foyer de la danza en la ópera pág. 1249
La habitación en Arlés pág. 1250
Esquema: arquitectura y escultura
Arquitectura
Joseph Paxton
Crystal Palace
Arquitectura
Escuela de Chicago
William Le Baron Jenney
Home Insurance Building
Escultura
A. Rodin1840-1917
El beso
La puerta del infierno
El pensador
La eterna primavera
Monumento a Balzac
H. H. Richardson
Almacenes Marshall
Los burgueses de Calais
Henri Labrouste 1801-1875
Sala de lectura de la Biblioteca Nacional
Biblioteca de Santa Genoveva
Louis Sullivan
Auditorio de Chicago
Almacenes Carson
Edificios y arquitectos
Iron Bridge | T. Farnolls Pritchard
Estación de King’s Cross | Lewis Cubitt
Torre Eiffel | arquitecto S. Sauvestre constructor:
Gustave Eiffel
Esquema artistas inicial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Más edificios y arquitectos
Camille Claudel 1864-1943
La edad madura
El gran vals
Perra hambrienta
La pequeña castellana
La ola
La implorante
El hombre inclinado
Vertumno y Pomona
Clotho
Aristides Maillol 1861-1944
La noche
La mediterránea
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Escultura
Más autores y obras
Esquema: Realismo 2ªmitadXIX
www.creativemindly.com
Pintura Realismo
Honoré Daumier 1808-1879
Vagón de tercera clase
La República
El luchador
El molinero, su hijo y el burro
La lavandera
Don Quijote y Sancho Panza
Pintura Realismo
Jean-François Millet 1814-1875
La comida de los segadores
Las Espigadoras
El Ángelus
La muerte del leñador
Descanso al mediodía
Otoño: pajares
El hombre de la azada
Pintura Realismo
Fernand Pelez 1843-1913 (Francia)
Niño de la calle
Muecas y miseria, los saltimbanquis
Pintura Realismo
Vasili Ivánovich Súrikov 1848-1916
La mañana de la ejecución de los Streltsí
La boyarda Morózova
La toma de un pueblo nevado
Gustave Coubert 1819-1877
El taller del pintor
El origen del mundo
Entierro de Ornans
El desesperado
El encuentro
Los picapedreros
El hombre herido
Las bañistas
Señoritas del pueblo
La fuente
Cortesanas al borde del Sena
Esquema
artistas inicial
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Jules Bastien-Lepage 1848-1884
Recogiendo leña
Juana de Arco
La Cosecha
El mendigo
Albert Anker 1831-1910 (Suiza)
La siesta
La devoción del abuelo
Franz von Lenbach 1836-1904
El paraguas rojo
El niño pastor
La infanta Paz de Borbón
Marie Bashkirtseff 1858-1884 (Ucrania)
En el estudio
Autorretrato
El encuentro
Rosa Bonheur 1822-1899
El Cid
León en reposo
La feria de caballos
Arando en el Nivernais
Ilya Repin 1844-1930 (Rusia)
Los sirgadores del Volga
Procesión religiosa en Kursk
Sesión solemne del Consejo de Estado
Cosacos zaporogos escribiendo una carta al sultán
Iván el Terrible y su hijo
Retrato de Tolstoi
Adolph von Menzel 1815-1905
Huésped no invitado / La visita de la muerte
La pared de mi estudio
La fundición de hierro
En el jardín de la cerveza
Concierto para flauta de Federico el Grande en Sanssouci
Esquema: Impresionismo
Pintura Impresionismo
Eduard Manet 1832-1883
El almuerzo en la hierba
Olympia
El pífano
El bar del Folies-Bergère
La ejecución de Maximiliano
El Balcón
Torero muerto
El café-concierto
Argenteuil
Pintura Impresionismo
Auguste Renoir 1841-1919
Desnudo al sol
El columpio
Baile del Moulin de la Galette
El almuerzo de los remeros
Bañistas
La Grenouillère
El palco
Los paraguas
Baile en la ciudad | Baile en el campo
Pintura Impresionismo
Camile Pissarro 1830-1903
Rue Saint-Honoré por la tarde Efecto de lluvia
Boulevard Montmartre de noche
Los tejados rojos
Cosecha de manzanas
El bosque de Marly
Dos jóvenes campesinas
Palacio de cristal
Cruce de caminos al Hermitage
La diligencia de Louvenciennes
La acerca
Festival de Hermitage
Claude Monet 1840-1926
Impresión, sol naciente
La Urraca
Las amapolas
Mujer con sombrilla
La japonesa
La calle Montorgueil
La Grenouillère
Paseo por el acantilado de Pourville
La catedral de Rouen
Acantilados de Etretat atardecer
Esquema artistas inicial
El puente japonés
Ninfeas, armonía en verde
Nenúfares, reflejo de nubes
Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.
Alfred Sisley 1839-1899
Puente en Villeneuve-la-Garenne
La nieve en Louveciennes
El canal del Loing
La inundación de Port-Marly
Los pequeños prados en primavera
Iglesia de Moret
La plaza de Chenil en Marly con nieve
Berthe Morisot 1841-1895
Ante el espejo
La cuna
Día de verano
Edma Morisot leyendo
La Psyché
La hermana y la madre de la artista
E. Manet y su hija en el jardín
El puerto de Lorient
Mujer en su baño
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Pintura Impresionismo
Eugène Boudin 1824-1898
Playa de Trouville
La playa de Villerville
Berck, pescadores en la marea baja
La costa atlántica en Benerville
Edgar Degas 1834-1917
El ajenjo
Intérierur
La clase de danza
El foyer de la danza en la Ópera
El barreño
Miss La La en el circo Fernando
La estrella
Dos planchadoras
Caballos ante las gradas
La orquesta de la Ópera
Cantante con guante
Dos bailarinas en amarillo y rosa
Bailarinas en azul
La familia Bellelli
Esperando
Línea del tiempo Historia del Arte
Joseph Paxton
Henri Labrouste
y escultura segunda mitad siglo XIX
Edificios y arquitectos
Iron Bridge | T. Farnolls Pritchard
Estación de King’s Cross | Lewis Cubitt
Torre Eiffel | arquitecto S. Sauvestre constructor: Gustave Eiffel
C Corot
T Rousseau
C F Daubigny
J F Millet
D. G. Rossetti
J Everett Millais
W Holman Hunt
J Collier
E Burne-Jones
J W Waterhouse
E Blair Leighton
F Codogan Cowper
Francia H Daumier G Coubert J F Millet
J. Bastien-Lepage F Pelez
R Bonheur Otros países
A. Anker
Escuela de Chicago
William Le Baron Jenney
Líneas del tiempo
Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.
H H Richardson Louis Sullivan Escultura
M. Bashkirtseff
I. Repin
España
A. Fillol
C. Pla Gallardo
A Rodin
Camille Claudel
Aristides Maillol
E. Hopper
T. Eakins
G. Bellows
W. Homer
S. Goodridge
C. Monet
A. Renoir
A. Sisley
C. Pissarro
E. Degas
A. Wyeth E. Manet
B. Morisot
E. Boudin
F. Bazille
E. Gonzalès
A. Zorn
A. Ancher
J. Whistler M. Cassat
J. Singer Sargent
J. Sorolla
D. Regoyos A. de Beruete
E. Meifrén Roig
J. Mir
P. Cézanne
H. Toulouse-Lautrec
V. Van Gogh
P.Gauguin
E. Cortès
S. Valadon
N. Dardel
J. E. Hervey MacDonald
G. Seurat
P. Signac
E. Carr Puntillismo
Odilon Redon
Gustave Moreau
Zinaida Serebriakova
C. Pissarro
Los nabis
Paul Sérusier
Maurice Denis
Georges Lacombe
Paul Ranson
Felix Vallotton
Pierre Bonnard
Pintura Simbolismo
Escuela Barbizón
Obras
Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.
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Home Insurance Building
W. Le Baron Jenney 1884-85
El Home Insurance Building, construido en 1885 en Chicago, es un edificio histórico que marca un antes y un después en la arquitectura. La Home Insurance Company busca crear una nueva sede que sea resistente al fuego, y su idea es que el edificio tenga una altura de 42 metros. Lo que lo hace realmente especial es que se convierte en el primer rascacielos del mundo en usar acero estructural.
William Le Baron Jenney, un arquitecto de la época, es el encargado de diseñarlo, y la construcción se lleva a cabo entre 1884 y 1885. Aunque inicialmente tiene 10 pisos y una altura de 42 metros, en 1890 le añaden dos pisos más, alcanzando los 55 metros.
A pesar de ser revolucionario en su tiempo, en 1931 deciden demolerlo para dar paso a la construcción del LaSalle Bank Building. Aun así, el Home Insurance Building es recordado como el primer rascacielos de la historia, un ícono que marca el inicio de la era de los edificios altos.
Pintura: Realismo 2ªmitadXIX
Realismo: características generales
El realismo surge como una corriente literaria y artística a partir de 1850. Su principal objetivo es representar la realidad de manera objetiva y sin prejuicios Esta corriente se manifiesta artísticamente a través del positivismo, y en algunos artistas, también se ve influenciada por el socialismo
Una de las innovaciones que marca el realismo es la llegada de la fotografía, que ofrece nuevas formas de capturar el mundo y de observar la vida cotidiana
Los artistas más destacados del realismo utilizan su obra como un medio de crítica a la sociedad burguesa y como una forma de expresar las condiciones de vida de las clases inferiores Así, el realismo se convierte en un espejo que refleja las injusticias y los problemas sociales de su tiempo.
Es importante señalar que el realismo se desarrolla a partir del romanticismo, que ya había comenzado a explorar aspectos de la vida real, como lo popular o los paisajes Sin embargo, a diferencia del romanticismo, que a menudo presenta una visión subjetiva de la realidad, el realismo se esfuerza por eliminar estos prejuicios. El artista se centra en lo que observa a su alrededor, lo que se define como "lo que está allí"
En cuanto a los temas abordados por los realistas, muchos resultan polémicos Se ocupan de representar a la gente común, a menudo en situaciones cotidianas, y reflejan una fuerte carga crítica hacia la sociedad
A pesar de la importancia de esta corriente, la técnica pictórica utilizada por los artistas realistas no introduce novedades significativas En lugar de eso, aprovechan las técnicas ya existentes para transmitir su mensaje de forma efectiva, enfocándose en la representación fiel de la vida tal como es
Honoré Daumier 1808-1879
Daumier es un artista muy comprometido socialmente, quien pone su arte al servicio de la revolución Se destaca como caricaturista en la prensa de su tiempo y es un excepcional dibujante.
Teoría y apuntes
En su pintura, muestra la miseria que padecen las personas en las ciudades, retratándolas con gran humanidad. A menudo utiliza manchas de color en lugar del dibujo tradicional, lo que aporta un carácter más expresivo a sus obras Entre sus piezas más conocidas están "El vagón de 3ª", "La Lavandera" y "El Motín", que reflejan las dificultades y luchas de la vida cotidiana de la clase trabajadora
Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.
Obras
Vagón de tercera clase
La República
El luchador
El molinero, su hijo y el burro
La lavandera
Don Quijote y Sancho Panza
Gustave Courbert 1819-1877
Se le considera el pintor realista por excelencia, ya que afronta la realidad sin prejuicios Para él, la realidad es simplemente un conjunto de imágenes que captan sus ojos, sin añadir interpretaciones idealizadas
Courbet nace en una familia terrateniente y adopta una ideología socialista y revolucionaria, aunque esto no condiciona su obra pictórica
Su preocupación principal es el tema que elige. A menudo es criticado por buscar asuntos extravagantes y feos que se alejan del ideal convencional de elegancia y distinción A pesar de esto, no aporta ninguna novedad técnica a la pintura; su inspiración proviene de los pintores del siglo XVII como Caravaggio y la pintura española.
En 1850, Courbet hace una presentación impactante en el Salón de París con varias obras, destacando "Entierro en Ornans" Esta pintura representa una escena cotidiana tal como él la percibe revelando la hipocresía de los asistentes Se pueden observar actitudes como la rutina del cura al realizar su oficio, los monaguillos ajenos a la ceremonia y la falta de dolor en la familia y amigos, quienes parecen estar allí solo por compromiso.
El realismo también se manifiesta en sus retratos de personajes rurales, cuyos rostros parecen estar hechos de la misma materia que la tierra Esta obra causa gran impresión por el tema tratado y la crudeza con que representa a los personajes
En "Los picapedreros", Courbet aborda la dura realidad de la clase trabajadora La atmósfera oscura y angustiosa del cuadro, junto a los personajes que aparecen sin rostro, lo convierten en un símbolo de la explotación de estos trabajadores
Debido a su carácter polémico y revolucionario, sus obras son rechazadas en los Salones Sin embargo, durante la Exposición Universal de 1855 en París, monta un barracón donde expone sus principales obras, entre ellas "El estudio del pintor" .
En esta obra se representa a sí mismo junto a su musa y a un variado grupo de personajes de su época. Se convierte así en una proclamación de sus intereses estéticos, afirmando que el pintor debe revelar al mundo la verdad
Obras
El taller del pintor
El origen del mundo
Entierro de Ornans
El desesperado
El encuentro
Los picapedreros
El hombre herido
Las bañistas
Señoritas del pueblo
La fuente
Cortesanas al borde del Sena
Jean-François Millet 1814-1875
Con él y la Escuela de Barbizon, surge el realismo, que refleja una profunda empatía por los campesinos y las personas humildes que trabajan arduamente, especialmente en contraposición a las ciudades industriales
Millet proviene de una familia campesina en Normandía y, desde joven, muestra un talento especial para el dibujo, lo que le lleva a estudiar en varias ciudades, hasta llegar a París, donde su obra no es bien recibida. Influido por Daumier, decide renunciar a la pintura oficial y se establece en Barbizon con otros artistas interesados en el paisaje rural
Millet interpreta la naturaleza con un misticismo que resalta la vida cotidiana de la gente humilde, lo que atrae a los republicanos, pero no a la burguesía, que era su principal clientela.
A pesar de que todos sus temas son rústicos a diferencia de sus compañeros de escuela, Millet introduce la figura humana en sus cuadros, y lo hace de una manera que anticipa el acercamiento a la estética realista
Su legado influye en artistas posteriores como Van Gogh y Dalí, quienes reinterpretan sus obras
Obras
La comida de los segadores
Las Espigadoras
El Ángelus
La muerte del leñador
Descanso al mediodía
Otoño: pajares
El hombre de la azada
Jules Bastien-Lepage 1848-1884
Jules Bastien-Lepage representa uno de los realistas más comprometidos que llevan el Realismo hacia el Naturalismo abriendo el camino al Impresionismo Nace en Damvillers en el seno de una familia dedicada al cultivo de frutas y la viticultura, entorno donde empieza a desarrollar su talento artístico
Entre sus obras más importantes destacan "La pequeña mendiga", "El bosque de Boulogne" y "Juana de Arco", que capturan la esencia de la gente común y la naturaleza con un realismo detallado.
En 1867 se traslada a París para estudiar en la École des Beaux-Arts con el maestro Cabanel, aunque prefiere trabajar solo, lo que no le impide aprobar gracias a su talento Durante la guerra franco-prusiana de 1870, es herido y regresa a su tierra natal donde se inspira en la vida rural para sus pinturas.
Obras
Recogiendo leña
Juana de Arco
La Cosecha
El mendigo
Pintura : Impresionismo
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
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Eduard Manet 1832-1883
Un bar de Folies-Bergère E. Manet | 1882
Almuerzo en la hierba E. Manet | 1863
Olympia E. Manet | 1863
La ejecución del Emperador Maximiliano E. Manet | 1869
El balcón E. Manet | 1869
El pífano E. Manet | 1866
La fuga de Rochefort E. Manet | 1881
El puente japonés C. Monet | 1899
Claude Monet 1840-1926
Los nenúfares C. Monet | 1926
Mujer con sombrilla C. Monet | 1875
Impresión, sol naciente C. Monet | 1872
La catedral de Rouen C. Monet | 1894
La calle Montorgueil C. Monet | 1878
La Grenouillére C. Monet | 1869
Pintura : Impresionismo
Auguste Renoir 1841-1919
Recopilación de obras
al sol
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
P.A. Renoir | 1874-75
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El almuerzo de los remeros
P.A. Renoir | 1881
Baile en el Moulin de la Galette
P.A. Renoir | 1876
La Grenouillère
P.A. Renoir | 1869
Desnudo
Las bañistas
P.A. Renoir | 1918-19
El columpio P.A. Renoir | 1876
Los paraguas P.A. Renoir | 1881-86
Alfred Sisley 1839-1899
Iglesia de Moret A. Sisley | 1893
Puente en Villeneuve-la- Garenne
A. Sisley | 1872
El canal de Loing
Sisley | 1892
La plaza de Chenil en Marly con nieve A. Sisley | 1876
La nieve en Louveciennes
A. Sisley | 1878
La inundación de Port-Marly
A. Sisley | 1876
Pintura: Postimpresionismo
Vincent Van Gogh 1853-1890
Recopilación de obras
Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.
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Autorretrato
V. Van Gogh | 1889
La noche estrellada
V. Van Gogh | 1889
Los comedores de patatas
V. Van Gogh | 1885
Almendro en flor
V. Van Gogh | 1890
Jarrón con girasoles
V. Van Gogh | 1888
El dormitorio de Arlés
V. Van Gogh | 1888
Jarrón con lirios
V. Van Gogh | 1889
Trigal con cuervos
V. Van Gogh | 1890
Obras
Pintura: postimpresionismo
Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.
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Las grandes bañistas
Paul Cézanne 1906
Óleo sobre lienzo. Philadelphia Museum of Art, Filadelfia
El cuadro más grande de Cézanne, titulado "Las grandes bañistas", permanece inacabado tras siete años de trabajo. Se organiza en torno a dos grupos de bañistas junto a un río, donde se distingue una figura nadando y un posible perro en la orilla.
La composición se basa en el triángulo, donde los árboles forman una bóveda sobre las figuras, que son representadas con contrastes de colores cálidos y fríos. Los ricos azules evocan la atmósfera mediterránea, y las figuras se muestran anónimas y rígidas, alejadas de cualquier sensualidad.
La pintura anticipa el cubismo, con trazos oscuros y una técnica de aplicación violenta. Esta obsesión por representar figuras humanas en el paisaje parece recordar momentos de su juventud junto al río.
Obras
Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.
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Mata Mua (Érase una vez)
Paul Gauguin 1892
Óleo sobre lienzo. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Una de sus obras más emblemáticas es “Mata Mua (Érase una vez)” (1892), perteneciente a su etapa polinesia.
Gauguin viaja a Tahití con la intención de conocer una civilización primitiva antes de que la colonización francesa y la cristianización la destruyan. Su búsqueda del “paraíso original” lo lleva a un mundo donde las personas viven en armonía con la naturaleza y los dioses.
El título de esta pintura hace referencia a “ese mundo que se fue”.
El centro de “Mata Mua” está dominado por un enorme tronco de árbol que divide la escena en dos. A la derecha, una pareja de jóvenes se sienta serenamente; una toca la flauta mientras la otra escucha. A la izquierda, un grupo de mujeres danza alrededor de una estatua de la diosa Hina, asociada a la luna. Las ceremonias religiosas siempre despiertan el interés de Gauguin, que ya había comenzado a explorar este tema durante su estancia en Bretaña.
El paisaje que pinta es idílico y se encuentra alejado de la civilización. Utiliza colores planos, puros e intensos para representarlo, eligiendo verdes para el valle y morados para las montañas. Estos colores no buscan imitar la naturaleza, sino que son usados de forma arbitraria para realzar la expresividad, lo que le confiere el título de precursor del fauvismo.
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Ficha técnica
Auguste Reonoir
1876 - Impresionismo
Óleo sobre lienzo
Museo d’Orsay, París
Artista y época
La vida artística de Renoir, al igual que la de otros impresionistas y postimpresionistas, transcurre en el último tercio del siglo XIX y los primeros años del XX Este periodo se caracteriza por la consolidación de la III República y la segunda revolución industrial, que trae consigo avances como el tranvía, el metro y la electricidad, elementos que también se reflejan en el cuadro
Comentarios
Además, es una época marcada por la expansión colonial y el conocimiento de culturas exóticas, influencias visibles en la estética de la obra, como la estampa japonesa Al mismo tiempo, París vive la bohemia y la Belle Époque, con espectáculos masivos como cabarets y carreras de caballos, que contribuyen al ambiente festivo retratado en esta pintura
Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.
Entre 1874 y 1883 Renoir es uno de los líderes del Impresionismo junto con Monet, siguiendo fielmente los principios del movimiento. La pintura de Renoir refleja esta nueva realidad, presentando la vida moderna de la ciudad con un enfoque optimista y vibrante, centrado en la belleza y el disfrute del momento
Identificación y clasificación
"Baile en el Moulin de la Galette" es un óleo sobre lienzo pintado por Auguste Renoir en 1876 y se encuentra en el Museo de Orsay en París La obra es presentada en la III Exposición Impresionista en 1877 Renoir, para poder pintarla, alquila una mansión rodeada de jardín en Montmartre lo que agrava su difícil situación económica, ya que el artista proviene de un origen humilde y desde pequeño trabaja como decorador de porcelanas y pintor de abanicos.
Estas experiencias en sus primeros años influyen en los temas de sus pinturas, que suelen ser escenas alegres y optimistas, centradas en la diversión y la juventud Renoir es especialmente conocido por su preocupación por la figura femenina en sus obras, donde representa a mujeres en diferentes ambientes: desnudas en la intimidad, al aire libre o en interiores. Las figuras femeninas en sus cuadros son de formas voluminosas, con rostros rosáceos y labios carnosos, y transmiten una sensación de vitalidad y optimismo, aunque su vida personal está marcada por constantes penurias económicas.
Descripción
El tema de "Baile en el Moulin de la Galette" representa un momento de la vida alegre en París El cuadro capta un momento que parece espontáneo pero en realidad, fue meticulosamente planeado y compuesto en el taller de Renoir. El cuadro, en su conjunto, expresa la "joie de vivre" o alegría de vivir, a través de las actitudes relajadas de los personajes y los colores vivos que emplea Renoir
La Galette, un viejo molino del barrio bohemio de Montmartre, se convierte en un café popular donde los domingos se celebran animados bailes Durante el fin de semana, este lugar se convierte en el epicentro de diversión para una mezcla de personas: trabajadores, ciudadanos, artistas, prostitutas y visitantes de provincias que llegan a París en busca de entretenimiento Este interés por representar escenas de la vida moderna y de la realidad cotidiana es una característica típica de los impresionistas
La obra muestra a personas sencillas disfrutando del evento y muchos de los personajes son amigos o conocidos de Renoir. En las mesas, se sientan conocidos pintores de Renoir, acompañados por las hermanas Estelle y Jeanne En el centro de la escena, el pintor cubano Pedro Vidal baila con su amiga Margot mientras que al fondo se observan otros pintores también disfrutando del baile A la izquierda una mujer recortada, en un encuadre que recuerda a una fotografía, se dirige a una niña de cabello rubio
Análisis formal
La composición se organiza mediante una diagonal que atraviesa los rostros de dos jóvenes, separando dos grupos de personajes: uno cerrado en el primer plano y otro más abierto alrededor de una pareja de bailarines
En el centro de la composición, destacan las dos hermanas. Si trazamos una diagonal imaginaria, esta separa a los personajes que charlan de aquellos que bailan, organizando ambos grupos en círculos:
Análisis formal
A un lado de la diagonal en un círculo, se encuentran la mujer de espaldas las dos hermanas y dos jóvenes sentados a la mesa Junto al árbol, un hombre con un sombrero amarillo y reflejos de luz y sombra parece coquetear con una mujer Una niña, situada entre los dos, mira hacia el primer plano En el ángulo derecho, un grupo de hombres y mujeres con sombreros, uno de ellos con chistera, entabla una conversación animada.
Al otro lado de la diagonal están los personajes que bailan En el centro de esta actividad, la pareja formada por Margot y el pintor cubano Pedro Vidal, amigos de Renoir A su alrededor, otros bailarines se sumergen en la atmósfera vibrante creada por las lámparas de gas Las pinceladas ligeras del pintor capturan el juego de luces y sombras que resalta el vestido rosa de Margot, así como a su pareja y el suelo. Tonos de rosa pálido, rosa perla y azul malva crean una sensación etérea, como si la pareja se moviera sobre una nube
Cada grupo presenta una perspectiva diferente: los bailarines se ven de frente, mientras que las figuras del primer plano se observan desde arriba, una característica típica del gusto impresionista, también presente en la obra de Degas Este recurso crea una sensación de multitud y dinamismo en la composición.
El ritmo de la pintura resulta dinámico gracias a la diversidad de miradas y las actitudes en las conversaciones
El color juega un papel fundamental en la construcción de los efectos de luz y sombra. Renoir utiliza colores puros y brillantes en la obra, sin emplear el negro, siguiendo la teoría del color de Chevreul
Con pinceladas sueltas, ligeras y suaves, Renoir representa los efectos de la luz que se filtra a través de los árboles, creando sombras amarillentas, rosáceas y violáceas, además de matices azul malva en el suelo Los toques de luz marrón y amarillenta en la chaqueta del hombre del primer plano y en los sombreros añaden profundidad a la escena Este juego de luces y sombras crea un efecto de aire que envuelve a las figuras, difuminándolas Este enfoque, criticado en su tiempo, contribuye a la atmósfera vibrante y ligera de la escena.
Comentario
El objetivo de Renoir y de los impresionistas es capturar la impresión del momento, el efecto de la luz sobre los objetos y la inmediatez de la vida moderna En "Baile en el Moulin de la Galette", Renoir logra estos efectos mediante el uso de colores vibrantes, pinceladas sueltas y una composición que busca reflejar la atmósfera de un evento cotidiano y festivo en la vida parisina de finales del siglo XIX
El cuadro es una obra maestra del Impresionismo porque encarna los principios del movimiento: el interés por la luz, la captura del instante y la representación de la vida moderna Además, la obra refleja la influencia de los avances científicos del siglo XIX como la fotografía y las teorías del color, así como los cambios sociales provocados por la Segunda Revolución Industrial, que hacen que las clases medias se conviertan en un tema recurrente en la pintura
