Gabinete de curiosidades

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Romano

Cuadro resumen

Obras y apuntes

4 Arte Al-Andalus

Contexto

Arquitectura

Rasgos generales

La ciudad islámica

La mezquita

Rasgos generales

Arco medio punto

Tipología arquitectónica

El templo Romano

El teatro Romano

Rasgos generales

Obras y autores

Obras arquitectura

Obras escultura

Panteón Agripa

Carrée

Teatro Mérida

Augusto Prima Porta

Imprimir blanco y negro

Templo romano y diferencias Planta

templos romanos

Panteón: partes y planta

Teatro romano

Partes Coliseo

Planta Mezquita Córdoba

Medina Azahara

La Alhambra

Obras

Fichas obras

Obras arquitectura

Comentarios

Mezquita-Catedral Córdoba La Alhambra de Granada

Imprimir blanco y negro

Planta Mezquita-Catedral Córdoba

5 Arte Románico

Cuadro resumen

Obras y apuntes

Contexto

Arquitectura

Rasgos generales

Planta y alzado iglesias Tipos de arcos

Arquitectura en Francia

Arquitectura Península

Escultura

Rasgos generales

La portada

Temas y escuelas

Obras

Pintura

Rasgos generales

Obras

Fichas obras

Obras arquitectura

Obras escultura y pintura

Comentarios

Catedral de Santiago

Pórtico de la Gloria

Pantócrator San Clemente Taüll Santa María de Taüll

Imprimir blanco y negro

6 Arte Gótico

Cuadro resumen

Obras y artistas

Contexto

Arquitectura

Características catedral

Planta y alzado catedrales

Ejemplos elementos constructivos

Arquitectura en Europa

Arquitectura Civil

Obras

Escultura

Rasgos generales

Manifestaciones escultura

Obras

Pintura

Rasgos generales

Pintura gótica en Italia

Obras

Fichas obras

Obras arquitectura

Obras escultura y pintura

Comentarios

Catedral de Chartres

Notre Dame París

Anunciación y Visitación Reims

Llanto sobre Cristo Muerto

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7.1 Quattrocento

Cuadro autores

Quattrocento

Contexto

Arquitectura

Características generales

Autores

Obras

Escultura

Rasgos generales

Escultores

Obras

Pintura

Rasgos generales

Autores

Obras

Comentarios

Cúpula Sta. María Florencia

Anunciación de Fra Angélico

El nacimiento de Venus Botticelli

7.2 Cinquecento

Cuadro autores

Cinquecento

Contexto

Arquitectura

Características generales

Autores

Obras

Escultura

Rasgos generales

Escultores

Obras

Pintura

Rasgos generales

Autores

Obras

Comentarios

La escuela de Atenas

La Pietá del Vaticano

La Virgen de las Rocas

El Juicio Final

7.3 Manierismo

Cuadro autores

Manierismo

Contexto

Arquitectura

Características generales

Autores

Obras

Escultura

Rasgos generales

Escultores

Obras

Pintura

Rasgos generales

Autores

Obras

Comentarios

El Lavatorio

7.4 España

Cuadro autores

Rto. España

Contexto

Arquitectura

Características generales

Etapas arquitectura

Obras

Escultura

Rasgos generales

Escultores

Obras

Pintura

Rasgos generales

Autores

Obras

Comentarios

San Lorenzo de El Escorial

El Entierro del conde de Orgaz

7.5 Rto. Norte Europa

Cuadro artistas

Rto. Norte Europa

Pintura

Características primitivos flamencos

Primitivos flamencos

Obras primitivos flamencos

Renacimiento en Flandes

Renacimiento en Alemania

Obras

Comentarios

Políptico adoración del Cordero Místico

El matrimonio Arnolfini

El jardín de las delicias

8.1 Barroco Europa

Cuadro autores

Barroco Europa

Contexto

Arquitectura

Características generales

Autores

Obras

Escultura

Rasgos generales

Escultura en Francia

Escultura en Italia

Obras

Pintura

Rasgos generales

Barroco Italiano: naturalista

Escuela de Bolonia: clasicista

Escuela Flamenca

Escuela Holandesa

Barroco en Francia

Obras

Fichas obras

Arquitectura

Escultura

Pintura

Comentarios

San Carlos alle quatro fontane El

éxtasis de Santa Teresa

La muerte de la virgen

La lección de anatomía del doctor

Tulp

Las tres Gracias

Bodegón con flores ...

8.2 Barroco España

Cuadro autores

Barroco España

Contexto

Arquitectura

Características generales

Arquitectos

Obras

Escultura

Rasgos generales

Escultores

Obras

Pintura

Rasgos generales

Escuela valenciana

Escuela Sevillana

Escuela Madrileña

Resumen obras

Obras

Comentarios

Cristo Yacente

Las Hilanderas

Las Meninas pág.

Niños comiendo melón y uvas

8.3 Rococó

Cuadro autores

Rococó

Contexto

Arquitectura

Características generales

Arquitectos

Obras

Escultura

Características generales

Escultores

Obras

Pintura

Rococó en Francia

Rococó en Italia y Gran Bretaña

Obras

Comentario

El columpio

Neoclasicismo

Cuadro resumen

Obras y autores

Línea del tiempo

Finales XVII y primera mitad siglo

XIX

Contexto

Arquitectura

Características generales

Arquitectura en Europa

Arquitectura en España

Obras Europa

Obras España

Escultura

Rasgos generales

Escultura en Europa

Escultura de Cánova

Escultura en España

Obras

Pintura

Rasgos generales

Pintura en Francia

Pintura en otros países

Pintura en España

Goya

Comentarios

Iglesia de La Madeleine

Eros y Psique

El juramento de los Horacios

La Maja desnuda

La familia de Carlos IV

10 Romanticismo

Cuadro resumen

Obras y autores

Línea del tiempo

Finales XVII y primera mitad siglo

XIX

Contexto

Arquitectura

El historicismo

Arquitectos

Obras

Escultura

Rasgos generales

Escultura en Europa

Escultura en España

Obras

Pintura

Rasgos generales

Pintura en Francia

Pintura en Inglaterra

Pintura en Alemania

Pintura en España

Obras

Comentarios

La Libertad guiando al pueblo

Lluvia, vapor y velocidad

Los fusilamientos del 3 de mayo

El carro de heno

11 2ª mitad XIX

Cuadro resumen

Obras y artistas

Línea del tiempo

Segunda mitad XIX

Contexto

Arquitectura

Características generales

Arquitectura en Europa

La Escuela de Chicago

Obras

Escultura

Escultura en la segunda mitad siglo

XIX

Pintura

Escuela Barbizón

Prerrafaelistas

Realismo características generales

Artistas y obras Realismo

Características del Impresionismo

Artistas y obras Impresionismo

Características Postimpresionismo

Artistas y obras Postimpresionismo

Simbolismo: artistas y obras

Comentarios

Un entierro en Ornans

Almuerzo en la hierba

Impresión, Sol naciente

Baile en el Moulin de la Galette

El foyer de la danza en la ópera La habitación en Arlés

12 Siglo XX

Cuadro resumen

Obras y artistas

Línea del tiempo

Segunda siglo XX

Contexto

Arquitectura

Características generales

Escuela racionalista: Bauhaus

Escuela racionalista: Le Corbusier

Escuela organicista

Pintura

Resumen de las Vanguardias

Fauvismo

Expresionismo

Nueva objetividad

Cubismo

Orfismo

Futurismo

Pintura Metafísica

Arte Abstracto

Neoplasticismo

Dadaísmo

Surrealismo

Expresionismo abstracto

Línea del tiempo Historia del Arte

Prehistoria

Arte rupestre Arte mobiliar Pinturas levantinas

Megalitismo Cultura talayótica Estatuillas esteatopígicas

Paleolítico Mesolítico Neolítico

Arquitectura: Mastabas, pirámides, hipogeos, Speos, templos. Esculturas: relieve y bulto redondo. Pinturas

Templos: Artemisa, Partenón, altar Zeus, Teatro Epidauro

Mirón, Policleto, Fidias, Praxiteles, Scopas Lisipo, Alejandro Antioquía.

Al- Ándalus

Mezquita Córdoba, Aljafería, Torre del Oro, Giralda, Torre de Comanes Sala de las dos hermanas, patio de los Leones, Generalife, Sala de los mocárabes.

Iglesias peregrinación. Templos Francia (Santa Fe Conques), templos España (Santiago, San Clemente Tahüll, Sto. Domingo Silos.

Románico 1000-1200

Portadas: pórtico de la Gloria (Santiago), portada Platerías (Sto. Domingo), Cordero en el sacrificio de Isaac.

Edad Media

Pantocrator San Clemente Tahüll, Bóveda cripta San Isidoro de León, pintura ermita Vera Cruz, Santa María de Tahüll

Catedrales: Notre Dame París, Reims, Barcelona, Mallorca, Sevilla, Segovia, Salamanca. Fachada catedral de León.

Basílicas, termas, teatros, anfiteatro (Coliseo), circos, acuaductos, puentes, arcos, columnas.

Retratos, relieves (Ara Pacis Arco Tito, Columna Trajana), sarcófagos.

Gótico 1200-1600

Portadas: Anunciación y Visitación (Reims), Tímpano Puerta de la Virgen (Notre Dame París), tímpano Samental Burgos.

Trecento italiano: Cenni dei Cimabue, Giotto. Simeono Martini (escuela Siena)

Líneas del tiempo

Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.

Claus Sluter, Nicola Pisano, Giovani Pisano, Gil de Siloé.

Línea del tiempo Historia del Arte

Edad Moderna

Gótico 1200-1600

Renacimiento Italiano

Quattrocento 1400-1500

Brunelleschi, Alberti, Bartolomeo Ghiberti, Donatello, Luca della Robbia, Jacopo della Quercia., Fra Angélico, Pisanello Panicale Masaccio, Piero della Francesca, Botticelli, Mantegna Messina.

Escuela de Umbría: Perugino, Luca Signorelli

Renacimiento en Flandes y Alemania 1400-1600

Robert Campin

Jan Van Eyck

Dirk Bouts

Hyeronimus Bosch “El Bosco” Rogier Van der Weyden

Pintura primitivos flamencos

Líneas del tiempo

Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.

Quentin Massys 1466-1530 Joachim Patinir 1480-1526

Mabuse 1478-1532 Pieter Brueghel el Viejo 1525-1569

Pintura Renacimiento en Flandes

Cinquecento 1500-1600

Hans Holbein el Viejo Hans Holbein el Joven Lucas Cranach

Alberto Durero Albrecht Altdorfer

Pintura Renacimiento en Alemania

Manierismo 1550-1610

Miguel Ángel: Cúpula San Pedro Vignola: Il Gesú | G. della Porta.

Renacimiento en España 1500-1600

Plateresco

Enrique Egas (Uni. Salamanca, Casa de las Conchas), Diego de Siloé (Escalera Dorada)

Purismo

Diego Siloé (catedral de Granada), Pedro Machuca (Palacio Carlos V), Gil de Hontañón.

Herreriano

Juan de Herrera (El Escorial)

Diego de Siloé, Damián Formet, Felipe Vigarny

Alonso

Bramante, Miguel Ángel, Palladio Miguel Ángel

Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Giorgione

Arquitectura

Cellini Giambologna

Escuela veneciana: Tintoretto, Veronese, Tiziano Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Marietta Robusti

Berruguete, Juan de Juni

Pedro Berruguete, Juan de Juanes, Luis de Morales, El Greco.

Cuadro resumen Barroco

Arquitectura Italiana

Carlo Maderno 1556-1629

Fachada Iglesia Santa Susana

Cúpula iglesia de Sant’Andrea della Valle

Fachada san Pedro del Vaticano

G.L. Bernini 1598-1680

Baldaquino de San Pedro del Vaticano

Columnata de la Plaza de San Pedro

Iglesia de San Andrés en el Quirinal Fuente de los Cuatro Ríos

F. Borromini 1599-1667

Iglesia San Carlo alle Quattro Fontane

Iglesia San Ivo della Sapienza

Oratorio San Felipe Neri

Arquitectura francesa

Louis Le Vau

Palacio Nuevo (Versalles)

Jules Hardouin-Mansart

Galería de los Espejos (Versalles)

Gran Trianon (Versalles)

Los Inválidos

André Le Nôtre

Paisajista-jardinero Versalles

Arquitectura España

Juan Gómez de Mora 1586-1648

Plaza Mayor Madrid

Cárcel de Corte o Palacio de Santa Cruz

Iglesia de la Clerecía (Salamanca

Hospital de la Encarnación

Casa de la villa

Domingo de Andrade 1639-1712

Torre del Reloj (Santiago)

Alonso Cano 1601-1667

Fachada de la Catedral de Granada

José Churriguera 1665-1725

Retablo Convento San Esteban

Fachada principal Iglesia San Cayetano

Palacio Goyeneche

Nuevo Baztán

Alberto Churriguera 1665-1725

Plaza Mayor de Salamanca

Pedro de Ribera 1681-1742

Dosier de artistas

Real Hospicio de San Fernando

Puente de Toledo

Paseo Nuevo

Iglesia Nuestra Señora de Montserrat

También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.

Fernando Casas y Novoa 1670-1750

Fachada del Obradoiro

Capilla Nuestra Señora de los Ojos Grandes

Narciso Tomé 1690-1742

Fachada Uni. Valladolid

Transparente Catedral de Toledo

Leonardo de Figueroa 1650 -1730

Portada del Colegio Seminario de San Telmo

Escultura Italiana

Bernini

Eneas, Anquises y Ascanio

El rapto de Proserpina

San Longinos

David

Apolo y Dafne

La Cátedra de San Pedro

El éxtasis de Santa Teresa

La muerte de la Beata Ludovica Albertoni

El Mausoleo de Urbano VIII

Retrato del duque Francisco I d’Este

La visión de Constantino

Escultura francesa

François Girardon

Apolo atendido por las ninfas

L’Hiver

Pierre Puget

Milon de Crotone

Perseo y Andrómeda

San Sebastián

Antoine Coysevox

Retrato de Luis XIV

Fama de Luis XIV

Escultura España

Gregorio Fernández 1576-1636

Descendimiento

Cristo atado a la columna

Cristo Yacente

La Coronación de espinas

Juan Martínez Montañés 1568-1649

La Cieguecita

Niño Jesús del Sagrario sevillano

Cristo de la Clemencia

Juan de Mesa 1583-1627

Cristo de la Conversión del Buen Ladrón

Jesús del Gran Poder

Cristo de la Buena Muerte

Cristo de la Agonía

Luisa Roldán 1652-1706

El Entierro de Cristo

San Miguel Arcángel

Virgen de la Soledad

Jesús Nazareno

Alonso Cano 1601-1667

Niño Jesús de la Pasión

San José con el Niño

San Antonio de Padua

San Diego de Alcalá

Eva

Pedro de Mena 1628-1688

La Magdalena Penitente

Francisco Salzillo 1707-1783

La caída

La Oración en el Huerto

El prendimiento

La Verónica

La Dolorosa

Naturalistas

Caravaggio ¿1573?-1610

La cesta de frutas

El tañedor de laúd

La cena de Emaús

La vocación de San Mateo

David y Goliat

La crucifixión de San Pedro

San Jerónimo escribiendo

Judit y Holofernes

Las siete obras de misericordia

La resurrección de Lázaro

Baco

La conversión de San Pablo

El entierro de Cristo

La muerte de la Virgen

Andrea Pozzo 1642-1709

La gloria de San Ignacio

La cúpula de la iglesia de San Francisco Javier

El martirio de San Ignacio

Los frescos en la iglesia de San Lorenzo in Lucina

Artemisia Gentileschi 1593-1656

Judith y Holofernes

Susana y los viejos

Judit y su doncella

Autorretrato como alegoría de la pintura

Cleopatra

María Magdalena como Melancolía

Lucrecia

Salvator Rosa 1615-1673

La tentación de San Antonio

Demócrito

La fragilidad humana

Luca Giordano 1634-1705

El arcángel san Miguel y los ángeles caídos

La Magdalena penitente

Mattia Preti 1613-1699

Escena de Peste I (1640)

San Juan Bautista degollado (1666)

Bernardo Strozzi 1581-1644

Adoración a los pastores (1615)

La Verónica

La curación de Tobías

Fede Galizia 1578- 1630

Judit con la cabeza de Holofernes

Bodegón

Pietro Da Cortona 1596-1669

Retrato de Urbano VIII

Il Guercino 1591-1666

Sansón capturado por los filisteos

San pedro liberado por un ángel

Susana y los viejos

Magdalena penitente

Clasicistas

Annibale Carraci 1560-1609

Los amores de los dioses

Hombre comiendo judías

Domine, quo vadis?

Pietà

Venus, Adonis y cupido

La huida a Egipto

Asunción de la Virgen

Triunfo de Baco y Ariadna

Ludovico Carracci 1555-1619

Anunciación de la Virgen

Visión de san Francisco

San Francisco y dos ángeles

La Virgen y el Niño entronizados apareciéndose a diez santos

Agostino Carraci 1557-1602

Comunión de San Jerónimo

La última Cena

Elisabetta Sirani 1638-1665

Timoclea mata a su violador

Porcia hiriéndose en el muslo

Alegorías de la Justicia, la Caridad y la Prudencia

Guido Reni 1575-1642

Santa Cecilia

David con la cabeza de Goliat

San Sebastián

Baco bebiendo

San Miguel

Hipómenes y Atalanta

Más obras y autores

Pintura Barroco Italiano

Artistas y obras: segunda mitad siglo XIX

Arquitectura 2ª mitad XIX

Joseph Paxton

Crystal Palace

Henri Labrouste 1801-1875

Sala de lectura de la Biblioteca Nacional

Biblioteca de Santa Genoveva

Edificios y arquitectos

Iron Bridge | T. Farnolls Pritchard

Estación de King’s Cross | Lewis Cubitt

Torre Eiffel | arquitecto S. Sauvestre constructor: Gustave Eiffel

Escuela de Chicago

William Le Baron Jenney

Home Insurance Building

H. H. Richardson

Almacenes Marshall

Louis Sullivan

Auditorio de Chicago

Almacenes Carson

Escultura 2ª mitad XIX

A. Rodin1840-1917

El beso

La puerta del infierno

El pensador

La eterna primavera

Monumento a Balzac

Los burgueses de Calais

Camille Claudel 1864-1943

La edad madura

El gran vals

Perra hambrienta

La pequeña castellana

La ola

La implorante

Clotho

Aristides Maillol 1861-1944

La noche

La mediterránea

Pintura transición al Realismo

Pintura Francia: Barbizón

Camille Corot 1796-1875

La catedral de Chartres

La lectura interrumpida

Agostina

Pintura transición al Realismo

Pintura Francia: Barbizón

Jean-François Millet 1814-1875

El Ángelus

La muerte del leñador

Las Espigadoras

La comida de los segadores

Descanso al mediodía

Otoño: pajares

El hombre de la azada

Prerrafaelistas

Dante Gabriel Rossetti 1828-1882

Sueño de día

La Bienamada

La Anunciación

Beata Beatrix

Proserpina

John Everett Millais 1829-1896

Isabella

Mariana

Ofelia

La chica ciega

Hojas de otoño

William Holman Hunt 1827-1910

El chivo expiatorio

Nuestras costas inglesas

La luz del mundo

El pastor distraído

El despertar de la conciencia

John Collier 1850-1934

Lilith

La sacerdotisa de Delfos

El laboratorio

Lady Godiva

El bebé terrestre

La muerte de Cleopatra

Tannhäuser en el Venusberg

Edward Burne-Jones 1833-1898

La leyenda del rosal silvestre

El encantamiento de Merlín

El último sueño de Arturo en Avalon

Princesa Sabrá

John William Waterhouse 1849-1917

La dama de Shalott

Circe ofreciendo la copa a Odiseo

Pintura Realismo

Honoré Daumier 1808-1879

Vagón de tercera clase

La República

El luchador

El molinero, su hijo y el burro

La lavandera

Don Quijote y Sancho Panza

Gustave Coubert 1819-1877

El taller del pintor

El origen del mundo

Entierro de Ornans

El desesperado

El encuentro

Los picapedreros

El hombre herido

Las bañistas

Señoritas del pueblo

La fuente

Jules Bastien-Lepage 1848-1884

Recogiendo leña

Juana de Arco

La Cosecha

El mendigo

Rosa Bonheur 1822-1899

El Cid

León en reposo

La feria de caballos

Arando en el Nivernais

Fernand Pelez 1843-1913 (Francia)

Niño de la calle

Muecas y miseria, los saltimbanquis

Albert Anker 1831-1910 (Suiza)

La siesta

La devoción del abuelo

Marie Bashkirtseff 1858-1884 (Ucrania)

En el estudio

Autorretrato

El encuentro

Ilya Repin 1844-1930 (Rusia)

Los sirgadores del Volga

Procesión religiosa en Kursk

Sesión solemne del Consejo de Estado

Cosacos zaporogos escribiendo una carta al sultán

Edward Hopper 1882-1967

Habitación en Nueva York

Patio interior 48 rue de Lille, París

Noctámbulos

Automat

Habitación de hotel

Domingo por la mañana

Chop suey

Ventanas en la noche

Sol de la mañana

Chica cosiendo a máquina

Thomas Eakins 1844-1916

Los jugadores de ajedrez

La Clínica Gross

La Clínica Agnew

Swimmiing Hole

El campeón de piragua individual Max Schimitt

George Bellows 1882-1925

Reverfront No 1

Dempsey vs Firpo

Winslow Homer 1836-1910

El veterano en un nuevo campo

Tormenta

Escena de play

La caza del zorro

Prisioneros de frente

Vistiéndose para el carnaval

A favor de la brisa

Snap the Whip

Sara Goodridge 1788-1853

Belleza revelada

Autorretrato

Retrato de Rose Prentice

Andrew Wyeth 1917-2009

Viento del mar

El mundo de Cristina

El intruso

Invierno 1946

Trenzas

Hierba pisada

Antoni Fillol 1870-1930

La bestia humana

La gloria del pueblo

Dosier de artistas

Orfeo y Eurídice

La dama de azul

La danza de las ninfas

Recuerdo de Mortefontaine

Théodore Rousseau 1812-1867

También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.

Vista de la llanura de Montmartre

La choza de los carboneros en el bosque de Fontainebleau

Avenida de árboles, Bosque de l'Isle-Adam

Descenso de las vacas

Charles-François Daubigny 1817-1878

Puesta de sol cerca de Villerville

Salida de la luna en las riberas del río Oise

Conflans

Paisaje con un estanque

Crepúsculo

Sueño y su hermanastro Muerte

El círculo mágico

Hilas y las ninfas

Diógenes

La sirena

Eco y Narciso

La bola de cristal

Miranda

Edmund Blair Leighton 1853-1922

La investidura

Buena suerte

Bordando el estandarte

Una húmeda mañana

Frank Codogan Cowper 1877-1958

Vanidad

Iván el Terrible y su hijo

Retrato de Tolstoi

Vasili Ivánovich Súrikov 1848-1916

La mañana de la ejecución de los Streltsí

La boyarda Morózova

La toma de un pueblo nevado

Franz von Lenbach 1836-1904

El paraguas rojo

El niño pastor

La infanta Paz de Borbón

Adolph von Menzel 1815-1905

Huésped no invitado / La visita de la muerte

La pared de mi estudio

La fundición de hierro

En el jardín de la cerveza

La defensa de la choza

Los amigos de Jesús

Flor deshecha

La rebelde

Cecilio Pla Gallardo 1880-1934

Jugando en la playa

Heroínas

Dos generaciones

La verbena

Entierro de santa Leocadia

Mujer en la playa

Una gaviota

Lazo de unión

Portal de la Carrera del Darro

Rincón de Granada

Artistas y obras: siglo XX

Pintura Orfismo 1911-14

František Kupka 1871-1957

Planos por colores, gran desnudo

Catedral

La taladradora

Robert Delaunay 1885-1941

El equipo de Cardiff

Mujer Portuguesa

Ritmo infinito

Ritmo

Las ventanas simultáneas

La ciudad de París

Formas circulares

Torre Eiffel

Sonia Delaunay 1885-1979

Contrastes simultáneos

Tres vestidos simultáneos

Prismas eléctricos

Philomene

Mercado en Minho

Pintura Futurismo 1909-20

Giacomo Balla 1871-1958

Lampada ad arco

Dinamismo de un perro con correa

Landscape

Luz de calle

Pesimismo y optimismo

Umberto Boccioni 1882-1916

La ciudad se levanta

Disturbios en la galería

Dinamismo de un ciclista

Carlo Carrà 1881-1966

Funeral del anarquista Galli

Mujer en el balcón

Plaza del Duomo en Milán

Salida del teatro

La galería de Milán

Gino Severini 1883-1966

Mar = bailarina

El baile del pan-pan en el Monico

Tren blindado en acción

Pintura Metafísica 1911-14

Dosier de artistas

Carlo Carrà 1881-1966

Musa metafísica

El antigracioso

El caballero del espíritu occidental

También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.

Amante del ingeniero

Giorgio De Chirico 1888-1978

La torre roja

La canción de amor

Héctor y Andrómaco

Gladiadores y león

Giorgio Morandi 1890-1964

Naturaleza muerta

Bodegón con botellas

Bodegón metafísica

Pintura Abstracta 1910

Hilma af Klint 1862-1944

El cisne nª17

Los diez más grandes

Juventud

Retablo nº1

El cisne nº 1

Serie Parsifal nº1

Serie Parsifal nº62

El punto de vista del Buda en la vida terrenal

Los diez más grandes: adolescencia

Los diez más grandes nº8: la edad de Maná

Wassily Kandinsky 1866-1944

Composición Ocho

Amarillo, rojo y azul

Cielo azul

Primera acuarela abstracta

Estudio de color con cuadros

Composición X Negro y violeta

Estructura alegre

Piet Mondrian 1872-1944 (Neoplasticismo)

Composición con rojo, amarillo, azul, blanco y negro

Victory Boogie-Woogie

Brodway Boogie-Woogie

Composiciones abstractas 1911-17

Composición árboles II

Composición VII

Composición en campos de color

Kazimir Malévich 1879-1935 (Suprematismo)

Cuadro negro sobre fondo blanco

Blanco sobre blanco

Cuadrado negro y cuadrado rojo

El afilador de cuchillos

Deportistas

Piet Mondrian 1872-1944

Composición II

Composición con rojo, amarillo, azul, blanco y negro

Victory Boogie-Woogie

Brodway Boogie-Woogie

Composiciones abstractas 1911-17

Composición árboles II

Composición VII

Composición en campos de color

Theo van Doesburg 1883-1931

Counter-Composition

Bailarines

Composición VII

Contra-composición

Composición aritmética

Bart van der Leck 1876-1958

Composición

Composición con una franja gris

Composición abstracta

Still life (bowl with apples)

Pintura

Dadaísmo 1916-23

Man Ray 1890-1976

El violín de Ingres

El beso (Rayografía)

Objeto para ser destruido

Poema

Lágrimas

Francis Picabia 1879-1953

Bailes en la primavera

El apuro

Reloj de alarma

Marcel Duchamp 1887-1968

Desnudo bajando una escalera

L.H.O.O.Q

Étant donnés

Rueda de bicicleta (ready made)

Fuente (escultura)

El gran Vidrio (escultura)

Portabotellas (escultura)

Hannah Höch 1889-1978

Corte con el cuchillo de cocina dadá

La novia (Pandora)

Desde un museo etnográfico

Dada-Críticia

Puente imaginario

Pintura Surrealismo 1924-36

Salvador Dalí 1904-1989

La persistencia de la memoria

El gran masturbador

La desintegración de la persistencia de la memoria

La tentación de San Antonio

Suspiros de sal: Muchacha en la ventana

Construcción blanda con judías hervidas

Cisnes reflejando elefantes

El sueño

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar

René Magritte 1898-1967

Los amantes

El hijo del hombre

El falso espejo

Hombre con periódico

La invención colectiva

La condición humana

La llave de los campos

Los valores personales

Joan Miró 1893-1983

La masía

El carnaval del Arlequín

El hermoso pájaro revelando lo desconocido a unos enamorados

El campo labrado

Paisaje catalán-

El cazador

Perro ladrando a la luna

Tríptico azul I, II, III

La estrella matinal

Inmersión azul

Pintura Surrealismo 1924-36

Remedios Varo 1908-1963

Ojos sobre la mesa

El mensaje

El hambre

Papilla estelar

Vampiros vegetarianos

Dolor reumático 1

El jardín del amor

La creación de las aves

Ruptura

Naturaleza Muerta resucitando

Bordando el manto terrestre

Maruja Mallo 1902-1995

La Verbena

La sorpresa del Trigo

Naturaleza viva

Retrato de hombre con escala de colores

Max Ernst 1891-1976

Gala Éluard

La Virgen María castigando al niño Jesús delante de tres testigos

El bosque Gris

España

Alfonso Ponce de León 1906-1936

Óscar Domínguez 1906-1957

Ángeles Santos 1911-2013

México

María Izquierdo 1902-1955

Wolfgang Paelen 1905-1959

Rufino Tamayo 1899-1991

Frida Kahlo 1907-1954

Europa

Zdzisław Beksiński (Polonia) 1929-2005

Victor Brauner (Rumanía) 1903-1966

Balthus (Francia) 1908-2001

Felix Nussbaum (Alemania) 1904-1944

Reino Unido

Leonora Carrington 1917-2011

Ithell Colquhoun 1906-1988

Sudamérica

Roberto Matta (Chile) 1911-2002

Leonor Fini 1907-1996

EEUU

Dorothea Tanning 1910-2012

Erik Thor Sandberg 1975

C.M. Coolidge 1872-1933

arte

PREHISTORIA

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Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

0 Arte Prehistoria

Contexto pág.33

Paleolítico

Contexto pág.3

Pintura Paleolítico pág. 4

Escultura paleolítico pág. 5

Obras pág.6-16

Mesolítico

Contexto pág.3

Pinturas levantinas pág.5

Obras pág.17-20

Neolítico

Contexto pág.21

Megalitismo pág.21

Cultura talayótica pág.21

Escultura pág.21

Obras pág.22-31

Comentarios

Pinturas Altamira pág.32

Venus de Willendorf pág.33

Stonehenge pág.34

Contexto histórico ArtePrehistoria

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Contexto histórico

La Prehistoria es el extenso periodo de la historia de la humanidad del que no disponemos de documentos escritos Por esta razón, las fuentes para conocer esta época se limitan a restos humanos y animales, herramientas de todo tipo (desde armas hasta adornos personales) y manifestaciones artísticas.

El arte prehistórico abarca unos 30.000 años y pasa por varias etapas:

Paleolítico

El arte de los cazadores del Paleolítico Superior (aproximadamente entre 30.000 y 9.000 a.C ), donde domina el naturalismo Se representan animales y signos, pero no forman escenas y no aparece la figura humana

Mesolítico

El arte de los cazadores del Mesolítico (entre 11.000 y 8.000 a.C.), en el que las figuras humanas y animales se representan de manera más sintetizada En esta etapa ya se crean escenas de tipo descriptivo

Neolítico

El arte del Neolítico y los inicios de la Edad de los Metales (entre 8 000 y 1 000 a C ) Con la aparición de la agricultura y la ganadería surgen los primeros poblados y las construcciones megalíticas En la pintura predomina el esquematismo y aparecen muchos signos

Contexto histórico Paleolítico

El arte paleolítico surge en el Paleolítico superior, alrededor del año 40,000 a.C Se desarrolla principalmente en Europa, al sur de donde se extienden los hielos durante la Edad de Hielo.

El arte mural, que se realiza en las cuevas, se concentra sobre todo en algunas zonas de Francia y España, aunque de manera ocasional también se encuentra en Portugal, Italia, Europa del Este y algunas áreas más

Por otro lado, el arte mueble, que consiste en objetos artísticos que pueden ser transportados, es más abundante y se extiende no solo por España y Francia, sino también por los valles del Danubio y el Don, la cuenca del lago Baikal, y en partes de Asia

La sociedad paleolítica se caracteriza por su estilo de vida nómada, en pequeños grupos. Utilizan herramientas y armas hechas de hueso, marfil y piedra. Descubren el uso del fuego y viven en cuevas. Además, son recolectores de raíces, frutas silvestres, semillas, huevos, miel, entre otros alimentos, y complementan su dieta con la caza de animales y la pesca en ríos y lagos

El arte comienza a manifestarse como una señal de su evolución cultural. En la última fase del Paleolítico, los humanos desarrollan la capacidad de comunicarse, lo que les permite organizarse en grupos más grandes y distribuir roles y funciones dentro del clan

Se han hallado indicios de enterramientos que parecen estar destinados a proteger los cuerpos de los animales carroñeros

A veces, junto a los restos humanos se encuentran lo que podrían ser ofrendas: restos de animales y pequeñas estatuillas.

Teoría y apuntes

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Con el tiempo, crean herramientas y objetos cada vez más complejos, utilizando piedra y fibras naturales Estas herramientas de piedra son, de hecho, los primeros artefactos culturales que permiten a los historiadores reconstruir las sociedades paleolíticas

Dentro del arte paleolítico se diferencian dos tipos principales: el arte rupestre, que incluye pinturas grabados y relieves en rocas, y el arte mobiliar, que consiste en estatuillas y objetos portátiles

Contexto histórico Mesolítico

El Mesolítico es un período intermedio en la prehistoria, que conecta el Paleolítico y el Neolítico

Duración:

El Mesolítico comienza alrededor del 12.000 a. C , coincidiendo con la transición entre el Pleistoceno y el Holoceno, es decir, el paso de una época glacial a una más cálida

Sociedad:

Las personas del Mesolítico continúan siendo principalmente nómadas, es decir, se desplazan según la disponibilidad de recursos cercanos Sin embargo, gracias a la mejora del clima, viven en una época de abundancia en la que se amplía la variedad de frutos y plantas recolectadas.

Aunque siguen siendo móviles, ya empiezan a establecer asentamientos temporales, como refugios para el invierno y lugares de estancia en verano En ciertas zonas, donde las condiciones climáticas y la disponibilidad de recursos lo permiten, ya se ven los primeros asentamientos permanentes, lo que significa un paso hacia el sedentarismo.

Tecnología:

Se perfeccionan las herramientas que ya existían en el Paleolítico, y además surgen nuevas técnicas que permiten fabricar instrumentos más pequeños y detallados. Estos objetos más finos reciben el nombre de microlitos.

Movilidad:

En este período también surge la navegación, ya que comienzan a utilizar pequeñas embarcaciones, generalmente canoas hechas de madera

Es importante destacar que mientras en algunas regiones aún se vive en la cultura mesolítica, en otros lugares ya ha comenzado la revolución neolítica, con cambios más rápidos en la forma de vida humana.

Obras

Cuevas de Altamira

Cantabria

Pintura rupestre

Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.

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Comentario : Stonehenge Arte

Ficha técnica

Anónimo

3100-2400 a.C. Neolítico

Megalitismo- Crómlech de piedra

Condado de Wiltshire, Inglaterra

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Artista y época

Se presenta la construcción megalítica más significativa de las que se erigen en Europa La época en que se levantan estos monumentos resulta esencial para la historia de la humanidad Este momento corresponde al Neolítico, un periodo en el que empieza la agricultura y la ganadería, lo que lleva al ser humano a adoptar un estilo de vida sedentario

Además, es en este periodo donde comienza a desarrollarse el comercio, y los grupos humanos inician intercambios que los enriquecen de manera mutua

Análisis

El conjunto se identifica como un crómlech, que consiste en un grupo de menhires dispuestos en un formato circular, ocupando generalmente un espacio amplio Stonehenge está compuesto por grandes bloques de piedra metamórfica organizados en cuatro circunferencias concéntricas.

La circunferencia exterior, que tiene un diámetro de treinta metros, se conforma por grandes piedras rectangulares de arenisca. Estas piedras, en su origen, están coronadas por dinteles, también de piedra, aunque actualmente solo quedan siete en su lugar Dentro de esta hilera exterior se sitúa otro círculo hecho de bloques más pequeños de arenisca azulada

Este círculo interior rodea una estructura con forma de herradura, construida con piedras de arenisca del mismo color En el centro de esta estructura se encuentra una piedra conocida como "el Altar" .

Todo el conjunto está rodeado por un foso circular que tiene un diámetro de 104 metros Dentro de este espacio se eleva un bancal donde se pueden observar 56 fosas conocidas como los "agujeros de Aubrey" . Tanto el bancal como el foso son atravesados por "la Avenida", un camino procesional que mide aproximadamente 23 metros de ancho y 3 kilómetros de longitud

Comentario

Stonehenge presenta una complejidad que indica un notable nivel de organización entre el pueblo que lo construyó. Se considera que algunas de las piedras empleadas provienen de un lugar situado a 250 kilómetros, lo que conlleva una considerable dificultad en su transporte. Además, la alineación de la entrada del monumento con la luz del solsticio de verano sugiere un elevado conocimiento astronómico.

Un grupo de arqueólogos británicos descubre indicios de lo que se considera un segundo Stonehenge Este hallazgo se localiza a poco más de 1,5 kilómetros del original Las excavaciones revelan que en ese sitio se erige un círculo pétreo de 10 metros de diámetro, rodeado por una zanja Los expertos opinan que las piedras marcan el final de un corredor que conduce desde el río Avon hasta Stonehenge, una "ruta procesional" de casi tres kilómetros construida junto al famoso círculo de piedra.

Este tipo de construcciones se extiende por toda Europa, con restos hallados en lugares como Portugal, Bretaña francesa y los Pirineos, y perdura a lo largo del tiempo Es posible que estas grandes edificaciones adinteladas representen un antecedente más o menos reconocible de los templos mesopotámicos y griegos que surgirán posteriormente.

arte

EGIPCIO

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Portadas

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1 Arte Egipcio

Contexto pág.36

Arquitectura

Rasgos generales pág.36

Tipologías arquitectónicas pág.37

Obras pág.38-55

Escultura

Rasgos generales pág.56

Tipos de esculturas pág.56

Obras pág.57-63

Pintura

Rasgos generales pág.64

Obras pág.65-68

Comentarios

Pirámide de Keops pág.69

Busto de Nefertiti pág.70

Triada de Micerinos pág.71

Arquitectura : Características Arte

Contexto histórico

El Antiguo Egipto fue una civilización que surgió a lo largo del río Nilo y duró más de tres mil años Se le considera una de las primeras grandes civilizaciones Su territorio iba desde el delta del Nilo en el norte hasta Elefantina en el sur, y también incluía el desierto oriental, la costa del Mar Rojo, la península del Sinaí y varios oasis en el desierto occidental.

La historia del Antiguo Egipto se divide en varios periodos, destacando el Imperio Antiguo, Medio y Nuevo Su inicio se sitúa alrededor del año 3 150 a C , con la unificación de ciudades del valle del Nilo, y su final en el 31 a C , cuando el Imperio Romano, liderado por Augusto, terminó con la dinastía ptolemaica (Cleopatra VII).

La sociedad egipcia estaba jerárquicamente organizada, con el faraón en la cima, seguido por su visir, la corte, sacerdotes, escribas, gobernadores, y generales Luego venían los artistas, artesanos, agricultores, ganaderos, y, al final, los esclavos

La religión era central en la vida egipcia, y la creencia en la vida después de la muerte influía en todas las áreas, incluyendo el arte, que glorificaba a los dioses y faraones. El arte egipcio era principalmente simbólico, funerario y religioso.

Los egipcios desarrollaron los jeroglíficos, un sistema de escritura que se pudo descifrar gracias a la Piedra de Rosetta, la cual tenía una traducción al griego

Imperio Antiguo

2635-2154 a.C. – III-VI Dinastías-

Capital: Menfis Periodo de esplendor político y artístico Se construyeron las grandes pirámides

Primer Imperio Intermedio

2154-2040 a.C. – VII-X Dinastías-

Anarquía política debido a la lucha por el poder de los nobles locales

Imperio Medio

2040-1785 a.C. – XI-XII Dinastías-

Capital: Tebas Egipto se convierte de nuevo en una gran potencia

Introducción: arquitectura

La arquitectura egipcia se destaca por su monumentalidad y el uso de la piedra como material principal en sus construcciones más importantes Lugares clave son Gizeh Luxor, Karnak y Abu Simbel

Características de la arquitectura

Funciones

Sus edificios tienen funciones religiosas y funerarias, reflejando las creencias en la vida después de la muerte y el carácter divino de los faraones

Simbolismo

Las construcciones egipcias son simbólicas, con un aspecto mágico, como las pirámides, cuya forma simboliza los rayos del sol. Esto está muy ligado a su función religiosa.

Por ejemplo, en la pirámide de Keops hay unos pasadizos que unen las tumbas de los reyes que están alineados con estrellas que representan a Isis y Osiris

Durabilidad

Estos edificios religiosos estaban diseñados para soportar la eternidad y, por lo tanto, se trata de construcciones robustas construidas con grandes sillares de piedra caliza aparejados sin mezcla, con muros muy gruesos y en talud, pocos vanos, cubierta adintelada y abundancia de columnas con capiteles de motivos vegetales.

Colosalismo

Muy relacionado con la durabilidad está el colonialismo, ya que el tamaño de las construcciones está pensado para que duren la eternidad

Características de la arquitectura

Entorno

La arquitectura se integra bien con el entorno. Los edificios se diseñan para armonizar con el paisaje y la luz del desierto.

Materiales

Uso de materiales de acuerdo con la finalidad de los edificios:

– Vivienda s temporales: como casas y palacios, se construyeron con materiales sencillos como adobe, barro y troncos de palmera.

– Estructuras permanentes: las tumbas y templos, pensados para durar, se hicieron con piedra (caliza, arenisca, granito, etc ) y fueron tallados con gran precisión

Estilo arquitectónico

Arquitectura arquitrabada o adintelada Aunque utilizaron pilares, el soporte principal fue la columna, a la que dieron, además, una función estética:

– Diseños vegetales: columnas con formas inspiradas en plantas (tallos, flores de loto, papiro, palmeras, etc.).

– Diseños antropomórficos: columnas con formas humanas, como el capitel hathórico

– Encima de las columnas se colocaba un arquitrabe con una cornisa decorativa llamada gola

Los muros son extraordinariamente gruesos Empleo del talud (paramento inclinado) a fin de conseguir mayor estabilidad.

Los espacios. Espacios oscuros con pocos vanos, Las ventanas son muy escasas En los templos las partes más sagradas están sin iluminación natural

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Segundo Imperio Intermedio

1783-1551 a.C. – XIII-XVII Dinastías-

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Los hicsos invaden el país y lo gobernaron durante décadas

Imperio Nuevo

1551-1080 a.C. – XVIII-XX Dinastías-

Capital: Tebas. Los hicsos son expulsados y comienza un periodo de prosperidad. Se extiende por Asia Menor.

Baja Época

1080-30 a.C.

Periodo de decadencia El territorio es conquistado, sucesivamente, por etíopes, asirios, persas, griegos y romanos

El tamaño monumental de estas obras trasciende las proporciones humanas adentrándose en las divinas. La pirámide de Keops habría sido construida con unos 2 millones de bloques de piedra de unos 2’5 toneladas cada una. A pesar de la grandeza de las pirámides, en la arquitectura predomina la dimensión horizontal, sobre todo en los templos con construcciones adinteladas

Racionalismo

La belleza arquitectónica se basa en proporciones matemáticas, líneas simples y horizontales.

Comentario : Busto de Nefertiti ArteEgipcio

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Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Tutmés

1338 a.C.

50 cm altura

Altes Museum, Berlín

Artista y época

Conocemos el nombre del autor de esta magnífica escultura porque fue hallada en las ruinas de un taller en Amarna en 1912, donde otra pieza tenía inscrito el nombre de Tutmés

Nefertiti fue la esposa de Amenofis IV, y juntos lideraron la llamada revolución de Amarna, un período en el que el faraón transformó profundamente la política y la religión de Egipto, modificando la distribución de tierras, el culto religioso e incluso el estilo artístico, que se volvió más realista y menos rígido

Análisis

Muchos historiadores coinciden en que este busto fue utilizado como modelo para esculpir otros cuando la reina no estaba presente Esto podría explicar por qué una de las cuencas de los ojos carece de incrustación, detalle que las investigaciones más recientes sugieren que nunca llegó a completarse.

Sobre la cabeza de la reina, lleva una tiara que simboliza su alta dignidad y parece haber sido utilizada exclusivamente por ella Nefertiti gobernó con igual poder que el faraón, tomando muchas decisiones cruciales durante su reinado

Sabemos poco sobre el final de su reinado y su muerte, ya que nunca se han encontrado sus restos. Además, los faraones posteriores intentaron borrar su memoria, lo que ha limitado la cantidad de documentos que se conservan sobre ella

El busto representa a Nefertiti con una belleza fría y distante Como se mencionó, durante su reinado, el arte se inclinó hacia un mayor naturalismo, lo que sugiere que este busto refleja su verdadera apariencia.

Está esculpido en piedra caliza recubierta con una capa de yeso que ha permanecido casi intacta, excepto por el deterioro de las orejas con el tiempo Los colores son suaves y armoniosos, el cutis es muy fino y los rasgos están bien proporcionados

La obra se divide en tres partes iguales: la parte superior, ocupada por la tiara real; la parte inferior, por el cuello estilizado; y la parte intermedia, que es la más importante, mostrando el rostro de Nefertiti Sus labios son carnosos, y sus ojos tienen una forma almendrada, característica del periodo, delineados con kohl, un polvo utilizado por los egipcios tanto con fines decorativos como para protegerse del sol.

Comentario

La época en que se desarrolla esta obra es una de las más curiosas de la Historia del Arte Aunque fue un periodo breve, dejó una marca indeleble

Hasta ese momento, las deidades eran las protagonistas en los relieves y pinturas egipcias, protegiendo al pueblo. El culto a los dioses estaba profundamente arraigado en la vida cotidiana, y tanto los templos como los sacerdotes habían ganado un gran poder Cuando Amenofis IV ascendió al poder el culto predominante era el de Amón El faraón y su esposa se opusieron a esta situación Confiscaron las tierras de los sacerdotes y establecieron la adoración exclusiva a un solo dios, Atón, para quien construyeron una ciudad entera.

Estas decisiones revolucionarias también influyeron en el arte Dado que solo se podía rendir culto a Atón quien no tenía forma humana, las únicas figuras representadas eran las de la familia real, de una manera muy natural y en escenas de la vida privada

Se conservan varios relieves de este periodo que muestran al faraón con rasgos individualizados, muy diferentes del hieratismo anterior Los templos de esta época están abiertos para permitir la celebración del culto al sol, lo cual contrasta con las cámaras oscuras utilizadas para la adoración de los otros dioses Tras la muerte de Amenofis y Nefertiti, se regresó al sistema tradicional

arte GRIEGO

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Portadas

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2 Arte Griego

Cuadro resumen

obras autores pág.73

Contexto pág.74

Arquitectura

Rasgos generales pág.74

Columnas: órdenes pág.75-76

El templo Griego pág.77-81

El teatro Griego pág.82-83

Arquitectura Helenística pág.98-101

Obras pág.84-97

Escultura

Rasgos generales pág 102

Etapas escultóricas pág.103-107

Obras y autores pág.108-128

Fichas obras

Obras arquitectura pág.129

Obras escultura pág.130-131

Comentarios

Partenón pág.132

Laocoonte y sus hijos pág.133

Imprimir blanco y negro

Columnas pág.134

Órdenes pág.135-136

Templo Griego pág. 137

Teatro Griego pág. 138

Esquema autores Grecia Arte

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Arquitectura

Templos época arcaica

Templo de Artemisa

Tholos de Marmaria

Apolo y Hera (Olimpia)

Arquitectura

Otras construcciones

Teatro Epidauro

Escultura

Arcaico

Xoanas: Auxerre, Hera de Samos

El Kurós y la Koré: Moscóforo

Frontón de Artemisa

Estilo severo

Kurós y Koré evolucionados

Aúriga de Delfos

Frontón de Zeus

Templos época clásica

Partenón

Atenea Niké

Erecteón

Propóleos

Templos época helenística

Altar de Zeus en Pérgamo

Linterna de Lisicrates

Esquema artistas inicial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Escultura

Scopas

Ménade

Lisipo

Apoxiómeno

Hércules Farnesio

Ares Ludovisi

Pleno Clasicismo

Mirón

Discóbolo

Ateneas y Marsias

Época helenística

Alejandro de Antioquía

Venus de Milo

Policleto

Doríforo

Diadúmeno

Escuela Pérgamo

Gálata Moribundo

Gálata Suicida

Gran Altar de Zeus

Fidias

Friso del Partenón

Atenea Farnesio

Boeto de Caldedonia

El niño de la oca

Praxíteles

Hermes y Dionisos

Afrodita de Cnido

Apolonio y Taurisco de Tralles

El toro de Farnesio

Arquitectura : el templo

Cubierta

Frontón

Sima

Entablamento

Friso

Triglifos

Metopas

Cornisa

Arquitrabe

Columnata | Peristilo

Capitel

Ábaco

Equino

Collarino

Arquitectura

Fuste

En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.

Plataforma

Crepidoma Krepis

Estilóbato

Estereóbato www.creativemindly.com

Prohedria: primeras filas de las gradas en las que solo se sentaban los sacerdotes. Eran de mármol y estaban muy cerca de la orchestra

Diazomata: pasillos que facilitaban el acceso al Koilon.

C Koilon

Gradas que se construían en la ladera de la montaña o colina, donde se sentaban los espectadores Aunque también se segmentaban dependiendo de sus clases sociales

kerkis o kerkides

Klimakes

Prohedria

Diazomata

Cavea

Asientos: los asientos estaban hechos de materiales de menor calidad, para los civiles.

Kerkis o Kerkides: sectores en los que se dividía el Koilon.

Klimakes: peldaños verticales distribuidos desde la parte superior a la inferior de la grada

Orchestra

Thymile

Párodos: pasillos laterales por donde entraban y salían los coristas

Proskenion

B Scena | Skené

La scena o skené era un área rectangular dividida en varias partes. Al skené lo sostenía una columna y se mantenía alrededor de 3 metros sobre el nivel de la orchestra específicamente detrás de ésta Tenían bastidores o camerinos de madera construidos en la parte posterior y otros recursos para la obra

Arquitectura

Proskenion

En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.

Plataforma o tarima larga y delgada, donde los actores hacían la representación teatral

Thyroma | Thyromata

Pinakes

Columnas y las estatuadas decoradas

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Thyroma: el telón colgaba de la thyroma Pilares hechos de piedra y con ranuras verticales.

Scena | Skené

A Orchestra

Era un área circular que carecía de techo, con piso de tierra y sobre este, los integrantes del coro salían a cantar o bailar

Thymile

Antes de que la orchestra se destinara exclusivamente para el coro, tenía un altar en el medio, el cual se denominaba thymile y solía emplearse cuando se realizaban los sacrificios en honor a Dionisio Acabaron eliminándolo

Párados | Paradoi

Skené

Escultura: época Clásica Arte

Durante los siglos V y IV a.C., la escultura griega alcanzó su mayor perfección tanto en técnica como en expresión Coincide con el momento de mayor expansión militar, política y económica de los atenienses Es la era de Pericles

Etapas

Primer clasicismo primera mitad del siglo V a C.:

Escultores clave: Mirón y Policleto

Clasicismo pleno segunda mitad del siglo V a C.:

Se El escultor más destacado es Fidias

Etapa posclásica siglo IV a.C.):

El siglo V a C termina mal para Atenas En el año 404, Esparta la derrota en la Guerra del Peloponeso, marcando el fin de su esplendor

Esta crisis llevó a abandonar los ideales cívicos en el arte, reemplazando la belleza serena por representaciones de sufrimiento psicológico (pathos), emociones y sentimientos.

Van a trabajar los escultores Praxíteles, Lisipo (creador del canon de las 8 cabezas) y Scopas

Características

– Se abandonó la frontalidad y rigidez arcaica dotando a la escultura de un movimiento más natural

– Plasmó la armonía de las proporciones mediante la innovación escultórica del canon de Policleto.

– Se experimenta un avance en el naturalismo de los rostros y en el tratamiento más natural de los ropajes.

– Se plasma con mayor perfección la anatomía del cuerpo humano y el contraposto de las esculturas

Mirón

Teoría y apuntes

La escultura clásica griega comenzó con Mirón, conocido por obras como el Discóbolo, una escultura de un atleta en el momento justo antes de lanzar el disco Aunque solo se conserva en copias romanas captura un instante fugaz de movimiento, mostrando el cuerpo en un arco perfecto y resaltando el ideal griego de un cuerpo atlético y equilibrado.

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Otra de sus obras es: El grupo Atenea y Marsias

Policleto

Este escultor creía que el arte debía seguir principios matemáticos.

Escribió un tratado llamado Kanon (canon escultórico “7 cabezas”), en el que definía proporciones ideales del cuerpo humano, como la relación 1:7 entre la cabeza y el cuerpo. Se centró en la representación del cuerpo masculino, buscando una armonía perfecta entre sus partes, lo que llamó symetria

La obra más importante es el Doríforo (también llamada Kanon por su autor). Representa a un joven desnudo sosteniendo una lanza en su mano izquierda. Su peso está en la pierna derecha, mientras que la izquierda está adelantada, como si estuviera a punto de moverse Aunque la figura parece estar en reposo, transmite una sensación de movimiento y dinamismo. Es considerado como la representación perfecta del canon griego

Otra de sus obras es Diadúmeno. Originalmente realizada en bronce aunque solo se ha conservado una copia romana en mármol, que se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas. Esta escultura muestra a un atleta en el momento en que se coloca la diadema que lo reconoce como vencedor Representa el ideal griego de la época clásica: un joven con un equilibrio perfecto entre cuerpo y mente

Policleto empleó un canon que él mismo desarrolló, donde la cabeza es siete veces más pequeña que el cuerpo, y el rostro se divide en tres partes iguales (frente, nariz y mentón) La escultura está hecha en una postura llamada "contrapposto", en la que una pierna está fija y la otra adelantada, mientras los brazos y la cabeza se equilibran con una inclinación. Además, se resalta el modelado muscular del torso y el rostro naturalista.

Aunque es un vencedor, el atleta no muestra orgullo ya que los griegos veían la soberbia como un defecto

Fidias

Se le considera como el artista que encarna mejor el ideal de belleza clásico Siglo V a.c. Es responsable de la decoración escultórica del Partenón de Atenas en cuyos relieves, como el famoso Friso de las Panateneas, va a incorporar una técnica nueva, los “paños mojados” con las cuales sugiere el estudio de la anatomía femenina a través de las telas.

En la decoración del Partenón donde representó varias escenas mitológicas en 92 metopas, como la Centauromaquia, la Gigantomaquia, la Amazonomaquia y la guerra de Troya En el friso, representó la Procesión de las Panateneas, una festividad religiosa importante. El frontón oriental mostraba el nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus; en el frontón occidental representaba la disputa entre Atenea y Poseidón por el dominio de Ática

También creó una estatua gigante de Atenea (12 metros) en oro y marfil, aunque no ha sobrevivido

Además, realizó la Atenea Lemnia, un símbolo de belleza serena, y una estatua de Zeus en Olimpia

Scopas

Originario de la isla de Paros, se destacó por su capacidad para expresar emociones intensas y transmitir estados de ánimo tormentosos Fue el creador del estilo patético, así llamado por el pathos (el sentimiento), bien definido por la expresión sufriente con el que era usual caracterizar la cara de las propias estatuas.

Aunque no está confirmado, es probable que trabajara con Leocares (autor del Apolo Belvedere) en la decoración del Mausoleo de Halicarnaso

Ménade danzante

Su obra más conocida es la *Ménade Danzante*, que refleja el frenesí de los cultos dionisíacos y genera una fuerte respuesta emocional, cercana al helenismo

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Lisipo

Considerado el último gran escultor de la Grecia clásica, hizo importantes contribuciones:

– Se interesa por los rasgos individuales, lo que lo acerca al retrato

– Amplió los temas tradicionales, esculpiendo no solo atletas, sino también niños con formas infantiles y ancianos con rasgos de edad

– Modificó el canon de Policleto, haciéndolo más estilizado (1:7.5 entre cabeza y cuerpo).

Se le atribuyen muchas obras, tanto en bronce como en mármol Entre ellas destacan:

El Apoxiomeno es una figura de un atleta con el brazo extendido limpiándose con el estrígile6 el polvo de la palestra Este adelantamiento del brazo supo ampliar el espacio escultórico e introducir el concepto de profundidad

El Hércules Farnese es una robusta figura del dios, con una mano detrás que invita al espectador a moverse para descubrir que sostiene la manzana de la inmortalidad que obtuvo de las Hespérides

Praxíteles

Máximo representante del clasicismo tardío del siglo IV a.c. Sus aportaciones son:

– Incorpora una sensualidad que se pone de manifiesto en los cuerpos humanos que tienen una forma sinuosa, la llamada curva praxiteliana, en forma de S

– Para conseguir el contraposto las figuras arquean suavemente su cuerpo buscando un punto de apoyo ajeno como puede verse en “Hermes con Dioniso niño” .

– Además, sus obras dan un salto hacia el realismo al incorporar mayor expresión en sus rostros, llegando incluso a girar la cabeza en sus esculturas

– Representa el desnudo integral femenino: Venus de Cnido

Hermes y Dioniso niño

Su obra maestra fue hallada en unas excavaciones en Olimpia. Representa a Hermes deteniéndose en su viaje hacia Nisa, donde llevará al pequeño

Dionisos con las ninfas En este descanso, Hermes le ofrece un racimo de uvas La escena está llena de gracia, con los personajes divinos interactuando de manera comunicativa y sonriente

La Afrodita de Cnido

La Afrodita de Cnido representa a la diosa desnuda bajo el pretexto de un baño sagrado.

Primer Clasicismo – s.V a.C. -

Etapa Posclásica – s.IV a.C. -

Etapa Posclásica – s.IV a.C. -

Escultura época Clásica: Obras y autores

Etapa Posclásica– s.IV a.C. -

Praxíteles

Hermes y Dionisos

Praxíteles

IV a.C.

Su obra maestra fue hallada en unas excavaciones en Olimpia Representa a Hermes deteniéndose en su viaje hacia Nisa, donde llevará al pequeño Dionisos con las ninfas. En este descanso, Hermes le ofrece un racimo de uvas. La escena está llena de gracia, con los personajes divinos interactuando de manera comunicativa y sonriente

Scopas Lisipo

Recopilación de obras

Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.

Afrodita de Cnido

Praxíteles

360 a.C.

Ménade danzante

Scopas

330 a.C.

Su obra más conocida es la Ménade Danzante, que refleja el frenesí de los cultos dionisíacos y genera una fuerte respuesta emocional, cercana al helenismo

Hércules de Farnese

Lisipo

IV a.C.

Copia romana del original

Apoxiómeno

Lisipo

IV a.C.

El Apoxiomeno es una figura de un atleta con el brazo extendido limpiándose con el estrígile6 el polvo de la palestra. Este adelantamiento del brazo supo ampliar el espacio escultórico e introducir el concepto de profundidad.

Escultura: fichas obras ArteGriego

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título

: El Friso de las Panateneas

título: Venus de Cnido

Cronología

Etapa Clásica. Siglo V a.c.

Estilo Griego Autor Fidias

Justifica tu respuesta

– Incorpora la técnica de los paños mojados/transparencias.

– Ilusión de perspectiva en la realización de estos relieves.

– Cumbre de la belleza clásica a través del tratamiento ropajes.

– Comunicación natural entre personajes.

título: Hermes con Dioniso niño

cronología

Etapa Clásica. Siglo IV a.c.

Estilo Griego autor Praxíteles

Justifica tu respuesta

– Curva praxiteliana en forma sinuosa de S.

– Consecución del contraposto gracias a un apoyo ajeno.

– Mayor realismo y sensualidad en la escultura.

– Bulto redondo antropocentrista.

– Ideal de belleza clásico.

título: Laocoonte y sus hijos

Fichas identificación

Encontrarás este tipo de páginas con los datos más importantes de las distintas obras de cada movimiento.

cronología

Etapa Clásica. Siglo IV a.c.

Estilo Griego autor Praxtíteles

Justifica tu respuesta

– Representación del cuerpo humano (antropocentrismo).

– Contraposto. Posición natural y contención equiibrada del movimiento corporal.

– Naturalismo idealizado del rostro.

– Estudio anatómico mucho más perfeccionado que etapa arcaica.

– Curva praxiteliana

– Replegamiento intimista usado tanto por Praxíteles como por Scopas

cronología

Etapa helenística. Copia del siglo I d.C.

Estilo Griego autor Agesandro

Justifica tu respuesta

– Grupo escultórico de bulto redondo de gran dinamismo.

– Gran realismo y expresividad de sufrimiento en rostros.

– Composición abierta.

– Estudio anatómico muy desarrollado y expresivo.

– Línea serpentinata

– Material es mármol blanco. Altura 2´42m.

– Tema mitológico.

Análisis completo de la obra

Partes de las columnas

Los órdenes

Orden dórico

Orden jónico

Orden corintio

Arquitectura imprimible

Al final de cada tema, siempre que sea necesario, encontrarás diseños de plantas, alzados, partes de edificios o edificios completos, en blanco y negro. Están preparados para que los imprimas y puedas añadir las partes e información que necesites.

Arquitectura : órdenes

Arquitectura imprimible

Al final de cada tema, siempre que sea necesario, encontrarás diseños de plantas, alzados, partes de edificios o edificios completos, en blanco y negro. Están preparados para que los imprimas y puedas añadir las partes e información que necesites.

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Dórico

Jónico

Corintio

arte

ROMANO

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Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

3

Cuadro

Arte Romano

resumen

Obras y apuntes pág. 140

Contexto pág.141

Arquitectura

Rasgos generales pág.141

Arco medio punto pág.142

Tipología arquitectónica pág.146-151

El templo Romano pág.152-155

El teatro Romano pág.156

Obras pág.157-189

Escultura

Rasgos generales pág 190

Obras y autores pág.191-197

Fichas obras

Obras arquitectura pág.198-199

Obras escultura pág.200

Comentarios

Panteón Agripa pág.201-204

Coliseo pág.205-207

Maison Carrée pág.208

Teatro Mérida pág.209

Ara Pacis pág.210

Augusto Prima Porta pág.211

Imprimir blanco y negro

Templo romano y diferencias pág.212-213

Planta templos romanos pág. 214

Panteón: partes y planta pág. 215-216

Teatro romano pág. 217

Partes Coliseo pág. 218

Esquema autores Roma Arte

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Arquitectura

Urbana

Basílicas: Majencio, Ulpia

Termas: Pompeya y Caracalla

Domus

Recreativa

Teatros: Pompeya, Mérida, Marcelo

Anfiteatros: Flavio (Coliseo), Arles, Nimes

Circo: Circus Máximus

Arquitectura

Conmemorativa

Arco triunfo: Tito, Constantino, Medinaceli

Columnas: Trajano

Escultura

Retratos

Lucius Junios Bruto

Calígula

Marco Aurelio (ecuestre)

Retrato femenino de la Dinastía Flavia

Adriano | Augusto de Prima Porta

Caracalla

Religiosa

Fortuna Viril

Vesta

Maison Carré

Panteón de Agripa

Relieves

Ara Pacis

Arco de Tito

Columna Trajana

Escultura

Más obras, ideas, apuntes

Ingeniería

Acueductos: Segovia, Mérida

Puentes: Alcántara, Salamanca, Pont de Gard

Calzadas: Vía de la Plata y Caesaraugusta

Cloacas: cloaca máxima

Esquema artistas inicial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Más obras, ideas, apuntes

Sarcófago

Los trabajos de Hércules

Sarcófago Ludovisi

Arquitectura : Contexto y características ArteRomano

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Contexto histórico

A finales del siglo VIII, la península itálica estaba habitada por diversos pueblos como los ligures, los etruscos, los sabinos y los latinos Estos dos últimos fundaron en el año 753 a.C una aldea llamada Roma que con el tiempo se convertiría en la capital de uno de los imperios más poderosos de la historia.

Roma expandió su influencia política y cultural por todas las tierras alrededor del mar Mediterráneo, gran parte de Europa (como las Galias, Hispania, Germania, y Dalmacia), las islas Británicas, el norte de África y el Próximo Oriente (incluyendo Anatolia, Siria, Egipto y Mesopotamia).

Roma se convirtió en el centro de la cultura occidental antigua y, de alguna manera, en el eje de la historia de Occidente, especialmente a medida que el estado romano dominaba a diferentes pueblos y absorbía sus culturas, destacando especialmente la de los etruscos y los griegos

Elementos culturales más importantes de los romanos:

Pragmatismo romano

Los romanos valoraban mucho las obras de ingeniería (puentes, calzadas y acueductos) y las construcciones públicas (termas y basílicas) por su funcionalidad y pragmatismo Por esta razón, usaban materiales como el ladrillo

Concepción imperialista

La cultura romana también se caracterizaba por su enfoque en el poder y la grandeza imperial, lo que se reflejaba en la construcción de grandes edificios (anfiteatros, circos y teatros) y monumentos conmemorativos con fines propagandísticos.

Concepción urbana

Teoría y apuntes

El imperio romano se organizaba como una red de ciudades interconectadas por una amplia red de calzadas.

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Las ciudades romanas eran amuralladas y organizadas a partir de dos ejes principales: el cardus (norte-sur) y el *decumanus* (este-oeste) En la intersección de estos ejes se encontraba el foro, la plaza pública que funcionaba como centro de reunión y donde se ubicaban los edificios públicos más importantes (templos, arcos de triunfo, y la sede del Senado Romano).

Introducción: arquitectura

La cultura etrusca influyó en la arquitectura romana, como el uso de arcos, bóvedas, cúpulas y ladrillos en sus construcciones. Por otro lado, los romanos adoptaron de la cultura griega varios elementos arquitectónicos importantes, como el sistema de columnas (adintelado), los órdenes arquitectónicos griegos, y el diseño de templos, teatros, estadios, e incluso el trazado urbanístico de las polis griegas

Sin embargo, no es solo una copia de la arquitectura griega; los romanos introdujeron dos grandes innovaciones:

– Un desarrollo técnico y constructivo notable, hasta el punto de que parte de su arquitectura se considera más ingeniería que construcción

– Una mayor variedad de tipos de edificios

Rasgos arquitectónicos romanos

Elementos griegos

La arquitectura romana toma elementos del arte griego, como sus principios de racionalismo y belleza las tipologías de templos y teatros, y algunos elementos arquitectónicos como el sistema adintelado y los órdenes griegos Sin embargo, los romanos los reinterpretan con un enfoque más funcional

Materiales

En cuanto a los aspectos técnicos, los romanos siempre priorizaron la solidez constructiva (firmitas) en el diseño de edificios, lo cual se evidencia en que muchos de ellos aún permanecen en pie después de dos mil años.

Para lograr esta solidez, usaron nuevos materiales de construcción: continuaron utilizando piedra y ladrillo pero su material más característico fue el hormigón una mezcla de agua, arena, cal y diferentes aglutinantes

– Este material, al secarse, se volvía tan sólido como la piedra, pero era suficientemente moldeable para construir formas como bóvedas, que no hubieran sido posibles de otro modo.

– Gracias a esta técnica, se construyeron edificios romanos icónicos como el Panteón, el Coliseo y las termas de Caracalla

Además de piedra, ladrillo, hormigón, empleaban el mármol, este último para dar una apariencia de riqueza y ostentación imperial Influenciados por los griegos, los romanos también pintaban sus templos y otros edificios.

Órdenes

Además de los tres órdenes griegos, los romanos introducen el orden toscano (una variante del dórico con fuste liso y base) y el compuesto (que mezcla elementos del jónico y corintio, combinando hojas de acanto y volutas en el capitel) Los templos romanos a menudo se elevan sobre un podio con una escalinata frontal

Rasgos arquitectónicos romanos

Muros

El muro romano tenía un núcleo de hormigón recubierto externamente con ladrillo o piedra, generando diferentes tipos de muro:

– Opus incertum: recubierto con pequeñas piedras o fragmentos de cerámica

– Opus reticulatum: donde se incrustaban pequeñas piezas piramidales de ladrillo o tufo volcánico en el hormigón fresco, dando un aspecto de hiladas paralelas en sentido oblicuo Este era el tipo de muro más utilizado.

– Opus quadratum: compuesto de bloques de piedra colocados de manera regular, a veces sin mortero.

Decoración

Los romanos añaden una rica ornamentación a estructuras diseñadas para ser eficientes y funcionales, logrando una combinación perfecta entre pragmatismo y grandeza imperial

Pragmatismo

Una característica clave del arte romano es su enfoque utilitario y pragmático, lo que explica la importancia de sus obras de ingeniería como calzadas, acueductos y puentes, así como las obras públicas, como termas, basílicas y foros.

La arquitectura romana valora más el espacio interior que el exterior por su funcionalidad, lo que da lugar a un sentido espacial propio A diferencia de los griegos, que construían edificios sin un orden específico, los romanos preferían una disposición axial simétrica, construyendo de forma idéntica a ambos lados de un eje central Funciones

La arquitectura también sirve como instrumento de propaganda política, conmemorando las victorias del Imperio a través de monumentos como los arcos de triunfo

Los edificios romanos simbolizan el poder del estado al reflejar la grandeza imperial a través de construcciones monumentales, especialmente las relacionadas con actividades recreativas como anfiteatros, teatros y circos

Arcos y bóvedas

Los romanos combinan el trilito griego con el arco etrusco, creando una superposición del arco en el dintel que permite una mayor altura y solidez en sus construcciones. Usan tanto el sistema adintelado como el abovedado, con bóvedas de cañón, bóvedas de arista y cúpulas.

Arquitectura : arco de medio punto Arte

Contrafuerte: muro que protege el arco.

Clave: la dovela central del arco

Dovela: cada una de las piedras que forman el arco.

Trasdós o Extradós: profundidad externa de la dovela.

Flecha: altura interior del arco de medio punto, medida desde la línea de imposta hasta la base de la clave.

Imposta: piedra desde la que arranca el arco.

Arco medio punto

Tipo de arco que tiene forma de semicírculo Es fundamental en las construcciones con bóvedas, especialmente en las bóvedas de cañón.

Más información relevante

Intradós: profundidad interna de la dovela.

Variantes del arco de medio punto

A partir de la forma básica de arco con un sólo centro, se pueden distinguir algunas variantes del arco de medio punto:

Arco escarzano

Su forma es más “aplastada”, no es un semicírculo. El centro geométrico está por debajo de la línea de impostas

Final del gótico y principio Renacimiento

Arco peraltado

Arco ampliado incluyendo dovelas colocadas por encima de la línea de impostas

Prerrománico- arte asturiano.

Arco parabólico

Empleado por los hititas y recuperado por Gaudí en el siglo XIX, con un diseño algo distinto

He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.

El arco de medio punto se utilizaba ya en la antigua Mesopotamia, alrededor del tercer milenio a C Los etruscos lo adoptaron y luego los romanos. Este tipo de arco es típico del arte romano y de estilos que se derivaron de él, como la arquitectura románica, renacentista y barroca

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Luz, vano: abertura en el muro que cierra un arco.

Templo Griego

Crepidoma: triple escalinata

Perístasis: columnas alrededor del templo, dando unicidad al templo

Planta rectangular: Con naos, pronaos y opistodomos, guardando simetría. La cella es la habitación principal para rendir culto a las divinidades Planta rectangular o tholos (circular)

Entablamento: decorado con triglifos y metopas

Materiales: adobe, madera, terracota, piedra El material más utilizado fue la piedra

Se busca la armonía del conjunto sin destacar mucho la fachada respecto al resto Las columnas, que van alrededor, dan unicidad al templo. Esas columnas nunca son adosadas.

Arquitectura

Cubiertas planas: arquitectura arquitrabada

En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.

Normas compositivas más estrictas órdenes arquitectónicos

El tempo griego forma parte de un conjunto sagrado llamado Temenos situado en una colina elevada y apartado de la ciudad

La mayoría de los templos griegos estaban orientado astronómicamente

Espacio interior pequeño, ya que la ceremonia se realiza fuera Dentro se guarda la figura de la deidad y tesoros Su estructura era construida para albergar la imagen de culto

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Templo romano

Podio | Podium: ensalza el templo en altura

Pseudiperíptasis: las columnas en los lados largos van adosadas

Planta cuadrangular: sin opistodomos y la naos es más profunda

Incorporan plantas mixtas, como el Panteón, con un pórtico rectangular y una cella circular La cella era maciza y cerrada. Las columnas traseras y laterales pasan a ser adosadas.

Entablamento: no tiene decoración. El friso es liso.

Materiales: son muy variados Piedra cortada en sillares regulares y dispuesta a soga y tizón Hormigón, ladrillo mampuesto, madera

La fachada gana importancia, se desarrolla más con la escalinata de acceso

Cubiertas abovedadas.

Mayor libertad compositiva: influencia oriental

El templo romano mezcla elementos arquitectónicos griegos y detalles etruscos Además, el templo forma parte de la polis. Los templos se construían en un espacio sagrado llamado Templum.

Espacio interior más amplio El templo romano era un lugar de culto a los dioses de la Antigua Roma

Obras

Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.

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Arco de Medinaceli

Comentario : Coliseo o Anfiteatro Flavio ArteRomano

Ficha técnica

Arquitecto desconocido: Encargado por Flavio Vespasiano

72-80 a.C.

Arquitectura civil | estilo alto Imperio

Roma

Artista y época

El Coliseo es una impresionante obra de la ingeniería romana Su innovación radica en que combina dos teatros en uno, algo que los griegos no hicieron, ya que solo construyeron teatros En el siglo I d C , Roma estaba en su máximo esplendor, gobernando un vasto territorio que incluía todo el Mediterráneo, la Galia, Asia Menor, las Islas Británicas, y más

Los romanos, muy prácticos, desarrollaron una arquitectura enfocada en edificios públicos y servicios como teatros, anfiteatros, circos, templos, carreteras, acueductos y sistemas de saneamiento

Comentarios

Inaugurado en el año 82, el Coliseo se convirtió en el anfiteatro más grande del mundo y sirvió como modelo para futuras construcciones

Vespasiano lo mandó construir como un regalo al pueblo reforzando la imagen generosa del poder (acto de propaganda) y la idea de ganar el favor de los ciudadanos con "pan y circo"

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Con el tiempo, fue abandonado y los terremotos lo dejaron en ruinas. Su mármol se reutilizó en otras construcciones El nombre "Coliseo" proviene de una enorme estatua de Nerón que estaba junto a él Su verdadera denominación es la de Anfiteatro Flavio, debido a la dinastía de emperadores reinantes

Función y significado

Función

El edificio de ocio servía para entretener a la gente, siguiendo la tradición del "pan y circo" de los emperadores romanos, que ofrecían alimento y espectáculo para mantener distraído al pueblo de los asuntos políticos Más tarde, la Iglesia católica lo adoptó como símbolo de los mártires que murieron en su arena

Significado

Aunque el edificio está deteriorado porque durante mucho tiempo se usó como cantera, todavía es un ejemplo duradero del carácter funcional y pragmático de la arquitectura romana Podía albergar a 50,000 espectadores y es una muestra de la monumentalidad y grandiosidad al servicio de la funcionalidad y también de la propaganda del emperador.

Análisis formal

El nombre "anfiteatro" significa "dos teatros" y es una construcción típica de la arquitectura romana, demostrando su enfoque práctico Estos edificios estaban diseñados para el entretenimiento del público Los anfiteatros tienen una forma ovalada o elíptica con dimensiones impresionantes que muestran la habilidad de los romanos para realizar grandes obras En el caso del Coliseo, sus medidas son: 187x155 metros

Materiales

Los materiales usados son variados: hormigón para cimientos, gradas y bóvedas de cañón; travertino para los pilares; toba volcánica ladrillo con hormigón, mármol y estuco para el revestimiento

Exterior

La estructura del anfiteatro tiene cuatro niveles Los tres primeros están formados por arcos de medio punto La fachada apoyada sobre una base elevada, es conocida por la superposición de órdenes arquitectónicos: toscano en el primer piso, jónico en el segundo y corintio en el tercero Cada piso tiene arcos sostenidos por columnas correspondientes a estos órdenes Encima de las columnas hay un entablamento o dintel. El espacio triangular entre el arco y el dintel se llama enjuta

El cuarto nivel, añadido durante el mandato de Domiciano para aumentar la capacidad, es el atrio con pilastras corintias que rodean ventanas cuadradas Se conservan algunas ménsulas que sujetaban los mástiles para un gran toldo que protegía el edificio del sol y la lluvia.

Originalmente toda la fachada estaba cubierta de estuco para mejorar su apariencia El acceso y la salida se realizaban a través de los 80 arcos del piso inferior

Interior

El Coliseo combina la arquitectura griega con el uso de arcos de medio punto, que servían tanto de soporte como de decoración, junto con bóvedas de cañón y de crucería. La red de galerías permitía un acceso rápido y evacuación a través de los vomitorios que probablemente estaban decoradas con pinturas o mosaicos

Análisis formal

El interior se divide en los siguientes espacios:

– Subterráneo: una red compleja de galerías, estancias abovedadas, escaleras, ascensores de poleas para subir fieras y tramoyas para acceder a la arena

– Arena: el espacio donde se llevaban a cabo luchas de gladiadores, batallas mitológicas o históricas, e incluso naumaquias, que eran representaciones de batallas navales (aunque se realizaban raramente debido a su complejidad y alto costo. Existe poca información al respecto). La arena tenía una forma ovalada de 74x46 metros, y debajo había pasillos, escaleras y habitaciones para organizar los espectáculos Graderío o cavea: compuesto por anillos concéntricos escalonados. El graderío se accedía desde los arcos del primer piso y no aprovechaba el desnivel del terreno, sino que se apoyaba en una serie de bóvedas superpuestas y pilastras

El edificio podía albergar a 50.000 espectadores y tenía una organización jerárquica Estaba dividido en cinco niveles: el más bajo tenía palcos para senadores y tribunos.

Hasta el tercer nivel, los asientos eran de mármol, mientras que a partir de ahí eran de madera para las clases inferiores, que veían los espectáculos de pie. El uso de madera ayudaba a reducir la presión sobre las paredes, bóvedas y pilares interiores

Comentario

Aunque tiene 2000 años de antigüedad, lo más interesante del Coliseo es su diseño como obra de ingeniería Es impresionante cómo decenas de miles de personas podían entrar, salir rápidamente y disfrutar del espectáculo bajo techo. Aunque el uso de los tres órdenes arquitectónicos superpuestos no era nuevo, ya que se había empleado en la época helenística y en el Teatro Marcello (13 d.C.), este diseño fue muy imitado durante el Renacimiento y el Barroco

Gradas para esclavos, extranjeros y plebe: los espectadores estaban de pie.

Gradas porticadas (portici): gradas para las mujeres y clases inferiores.

Podium: gradas para los emperadores y espectadores ilustres.

Más información relevante

He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.

Graderío (maenianum): gradas para los tribunos y ciudadanos.

Galerías inferiores (ambulacrum): pasillos de acceso a las gradas.

Arena: Círculo central donde tenían lugar los espectáculos

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Accesos (vomitoria): puertas de acceso y salida de los visitantes.

Gradas para los caballeros (equites)

Puertas: numeradas del 1 (I) al 80 (LXXX) permitían una entrada y salida rápida y ordenada.

Ima cavea: nobleza y oficiales

Media cavea: Ciudadanos romanos y clase media

Summa cavea: Esclavos y pobres

Summum Maenianumin Ligneis Mujeres

arte

AL-ANDALUS

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Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

Contexto pág.220

Arquitectura

Rasgos generales pág.220

La ciudad islámica pág.220-222

La mezquita pág.223-224

Planta Mezquita Córdoba pág.225

Medina Azahara pág.223

La Alhambra pág.226

Obras pág 227-248

Fichas obras

Obras arquitectura pág.249

Comentarios

Mezquita-Catedral Córdoba pág.250

La Alhambra de Granada pág.251-254

Imprimir blanco y negro

Planta Mezquita-Catedral Córdoba pág.255-256

Arquitectura : características y tipología Arte

Bases estéticas y religiosas

En el siglo VII, surgió una nueva religión monoteísta fundada por Mahoma (571-632) y recogida en el Corán. Su centro espiritual está en La Meca, donde se encuentra el santuario de La Kaaba. Aunque al principio tuvo dificultades, en pocas décadas se expandió rápidamente por el Oriente Medio, el norte de África y la Península Ibérica

Influencia de la religión

El arte islámico, como el cristiano medieval, está fuertemente influido por la religión No había un concepto de artista como genio creador, ya que eso se consideraría arrogante frente a Alá, el único creador Los artistas islámicos eran principalmente artesanos y, aunque algunos estaban bien posicionados económicamente, no eran considerados genios.

Las imágenes

Se cree comúnmente que el islam prohíbe la representación de imágenes de seres vivos, especialmente humanos, pero esto no es del todo cierto. El Corán no prohíbe explícitamente estas imágenes.

El rechazo hacia las imágenes se debía más a evitar la idolatría y a diferenciarse de los cristianos, siendo más estricto en el arte religioso que en el civil Ejemplos de arte figurativo islámico incluyen la fuente del Patio de los Leones en la Alhambra y las pinturas humanas en el Palacio de Qusayr Amra en Jordania.

Materiales

En el arte islámico, el uso de materiales no era un problema En épocas de esplendor, como durante el Califato de Córdoba, se usaban materiales nobles, pero en tiempos de escasez se recurría a yeso y azulejos. Se creía que el trabajo del artista y la luz (símbolo de la divinidad) podían embellecer cualquier material.

Técnicas

Todas las técnicas y formas de arte eran valoradas. No existían "artes menores". La arquitectura se complementaba con objetos y muebles que reflejaban la herencia nómada, como alfombras, cofres, tapices y pequeños muebles. El trabajo en madera era especialmente detallado

Teoría y apuntes

Decoración

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

La decoración islámica es muy compleja, con un enfoque en cubrir todas las superficies de los edificios con pinturas, azulejos o yeserías. Los motivos vegetales y geométricos predominan, con patrones entrelazados que simbolizan la idea de un mundo formado por combinaciones infinitas La escritura, en caligrafía cúfica, también es fundamental en la decoración, con textos religiosos, elogios políticos o poesía

La ciudad islámica

Después de la caída del Imperio Romano, muchas ciudades cayeron en decadencia y la vida se trasladó a las aldeas, lo que afectó al arte y la cultura. La expansión del islam trajo un nuevo auge a las ciudades, pero de una manera diferente a la de la antigua Roma y Grecia Los territorios dominados por los seguidores de Mahoma combinaban el nomadismo y el comercio con una red de ciudades que eran centros de comercio, política, religión y cultura

Algunas ciudades romanas, como Damasco y Córdoba, vivieron nuevos períodos de esplendor, mientras que otras se fundaron en lugares estratégicos comerciales o militares Bagdad, por ejemplo, fue construida en forma de círculo como símbolo de poder de los califas abasíes

Las ciudades islámicas eran muy distintas a las grecorromanas. En lugar de foros, ágoras y teatros, los espacios públicos eran: – Los baños públicos (hammam), que heredaron las termas romanas

– Los mercados (zocos)

– En las ciudades comerciales, los caravasares, edificios con patios para las caravanas

El urbanismo islámico solía ser irregular, con calles estrechas y sinuosas, a menudo sin salida Aunque desde una perspectiva occidental puede parecer desorganizado, tenía su lógica: las calles eran solo para el tránsito, no para el encuentro

Una ciudad musulmana se organizaba en torno a:

– La medina, el centro principal con la gran mezquita, los edificios de poder y el mercado de lujo (alcaicería)

– Los barrios o arrabales alrededor de la medina, que tenían sus propios muros y eran bastante autónomos, con mezquitas, zocos, baños y cementerios.

Toda la ciudad estaba rodeada por murallas con puertas dobles y en recodo, que servían para defensa y tenían valor militar y monumental. A veces, cerca de la ciudad pero fuera de las murallas, había una ciudadela palatina y militar, como la Alhambra en Granada, que era un centro de poder y también reflejaba desconfianza hacia la población.

La unidad básica de la ciudad era la casa, vista como una fortaleza de la intimidad familiar. Estas casas tenían un patio central que organizaba el espacio y las habitaciones eran pequeñas, cada una con una función específica

Toma tus apuntes aquí

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Arquitectura

En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.

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Ampliación de Al-Mansur

Se añadieron nueve naves en sentido lateral, descentrando el mihrab

Mezquita primitiva

Ampliación Abd-al-Rahman II

En la segunda fase, Abderramán II comenzó en 848 Derribó la quibla y el mihrab, y extendió la sala de oración ocho tramos más

Ampliación Al- Hakam II

Se derribó la quibla y se amplió la sala de oración con doce tramos más Se construyó el mihrab definitivo, decorado con mosaicos bizantinos Se construyó una maqsura, muy decorada, con dos espacios

Puerta de los Deanes Puerta de San Esteban Puerta de San Miguel

Comentario : la Alhambra de Granada ArteAl-Ándalus

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Ficha técnica

Desconocido

Siglos XIII-XV

Arquitectura civil

Granada- EspañaArtista y época

Este conjunto de edificios fue construido durante reino nazarí de Granada (1232-1492) , que existió desde el siglo XIII hasta su conquista por los Reyes Católicos en 1492, siendo la última etapa del arte islámico en la Península Ibérica La Alhambra es uno de los ejemplos arquitectónicos más importantes de la época musulmana en España y muestra claramente el esplendor de esta cultura

Aunque en épocas anteriores ya había algunas fortificaciones en la colina de la Alhambra, fue con los nazaríes cuando se estableció claramente la estructura de la Granada islámica La ciudad principal estaba en la colina que hoy llamamos Albaicín, mientras que el palacio-ciudad de la Alhambra se encontraba en la colina opuesta la Sabika al otro lado del río Darro Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Funcionalidad

La Alhambra, construida durante el dominio nazarí en el Reino de Granada (siglos XIII a XV), refleja la integración del poder político y religioso en el islam. La Alhambra es un ejemplo de arquitectura islámica, caracterizada por la rica decoración geométrica, vegetal y epigráfica que cubre las superficies, creando una ilusión de espacio inmaterial

La Alhambra no era solo un palacio, sino toda una ciudad que controlaba y defendía la zona Estaba rodeada por una robusta muralla de más de dos kilómetros, con unas treinta torres Además, tenía puertas que combinaban funciones defensivas y decorativas.

La naturaleza juega un papel fundamental: los jardines y el agua corriente crean una experiencia sensorial que conecta a los visitantes con lo divino, mientras que el agua estancada en el Patio de los Arrayanes refleja la idea de que todo es cambiante excepto Alá Los cuatro canales del Patio de los Leones sugieren tanto el paraíso islámico como la distribución del bienestar por el sultán.

Análisis

La Alhambra es uno de los más importantes ejemplos de arquitectura de la época musulmana en España y refleja el esplendor de esta cultura La Alhambra, que en árabe significa "fortaleza roja", es un complejo de palacio y fortaleza construido principalmente en el siglo XIV, durante los reinados de Yusuf I y Mohamed V No es un único palacio, sino un conjunto de muchos edificios diferentes.

Primero se construyó el recinto amurallado y la Alcazaba, que tiene una planta trapezoidal y ofrece una vista dominante de la ciudad. El conjunto de edificios se añadieron sin un plan previo a lo largo del tiempo Los reyes cristianos no entendieron esto y conectaron las distintas partes entre sí

Su núcleo principal incluye el Cuarto de Comares o Palacio de Comares, que se organiza alrededor del Patio de los Arrayanes y el Cuarto de los Leones o Palacio de los Leones, centrado en el Patio de los Leones

En la estructura de la Alhambra, podemos distinguir tres partes principales:

1. La Alcazaba: era la zona militar encargada de proteger el conjunto

2. El sector palaciego: incluye espacios privados y públicos

3. La parte urbana: alrededor de la Calle Real había viviendas, talleres, una casa de moneda y una mezquita que, después de la llegada de los cristianos, se convirtió en la iglesia de Santa María de la Alhambra

Artísticamente, lo más destacado son los palacios que, aunque están agrupados de forma irregular se organizan alrededor de patios y presentan un diseño a escala humana, no dan demasiada importancia a los aspectos estructurales; disimulan con yeso los materiales pobres empleados: argamasa para los muros y ladrillos para bóvedas, arcos y pilares

Análisis

La Alhambra también se caracteriza por las suaves transiciones entre el interior y el exterior, y entre los edificios y la naturaleza, con pórticos, torres miradores y patios. La vegetación y el agua también juegan un papel importante en la conexión entre los distintos espacios Además, la Alhambra contaba con un eficiente sistema de abastecimiento de agua

Palacios Nazaríes

Algunos de los palacios, como el del Partal y el de Yusuf III, solo conservan restos. Sin embargo, los palacios de Comares y Los Leones están bien conservados

Palacio de Comares

Construido bajo Yusuf I (1333-1354) y reformado por Muhammad V. El Palacio de Comares, también conocido como Cuarto de Comares, toma su nombre de las "comarías", las coloridas vidrieras que cubrían el Salón de la Torre de Comares. Este conjunto se organiza de manera algo desordenada alrededor del Patio de la Alberca o de los Arrayanes, que recibe su nombre de los arbustos que rodean el estanque. En el agua del estanque se refleja la Torre de Comares, donde se encuentra el Salón del Trono o de los Embajadores

El Patio de los Arrayanes tiene una forma rectangular, destacando la alberca y la vegetación. El agua refleja la imagen de la torre, simbolizando que todo cambia excepto Alá

En los lados menores del patio se encuentran los pórticos, que muestran la importancia de los espacios abiertos integrando la arquitectura con la naturaleza, que tienen unos soportes característicos:

– Los pórticos se apoyan en las columnas nazaríes con basas de mármol y estilizadas; sus capiteles combinan un modelo cilíndrico y cúbico, decorados con motivos vegetales como hojas de acanto o atauriques, y mocárabes.

– Arcos de medio punto (peraltados o ligeramente apuntados) decorados con formas angreladas (sucesión de pequeños lóbulos) o mocárabes Estos arcos no son estructurales, sino decorativos, funcionando como pantallas visuales que dejan pasar la luz. Los elementos decorativos, como paños sebka lacerías, arabescos con versos, y el agua, son fundamentales en el diseño del patio

En los lados mayores hay puertas que llevan a otras áreas, como los baños de Tepidarium y Caldarium

El Torreón de Comares que se refleja en el agua, era el Salón del Trono o de Embajadores, una zona pública construida en tiempos de Yusuf I Debido al grosor de sus paredes, se pudieron abrir tres alcobas en los lados norte, oeste y este. Tiene forma prismática. La decoración del salón es abundante: en el zócalo hay cerámica con motivos geométricos y, más arriba yeserías con lacería, ataurique, y epigrafía Dentro del Salón del Trono destaca el techo de madera, que presenta decoración de estrellas de varias puntas y siete círculos concéntricos, simbolizando posiblemente los siete cielos del Paraíso islámico, con el trono de Dios en el octavo cielo en el centro, decorado con mocárabes

Arquitectura imprimible

Al final de cada tema, siempre que sea necesario, encontrarás diseños de plantas, alzados, partes de edificios o edificios completos, en blanco y negro. Están preparados para que los imprimas y puedas añadir las partes e información que necesites.

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arte ROMÁNICO

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Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

5 Arte Románico

Cuadro resumen

Obras y apuntes pág.258

Contexto pág.259

Arquitectura

Rasgos generales pág.260

Planta y alzado iglesias pág.261-262

Tipos de arcos pág.263-264

Arquitectura en Francia pág.265-267

Arquitectura Península pág 268-287

Escultura

Rasgos generales pág 288

La portada pág 289

Temas y escuelas pág.290

Obras pág.291-300

Pintura

Rasgos generales pág 301

Obras pág.302-311

Fichas

obras

Obras arquitectura pág.311-312

Obras escultura y pintura 313-314

Comentarios

Catedral de Santiago pág.315-317

Pórtico de la Gloria pág.318-319

Pantócrator San Clemente Taüll pág.320

Santa María de Taüll pág.321

Imprimir blanco y negro pág.322-328

Arquitectura : tipos de arcos

Contrafuerte

Trasdós o Extradós

Imposta Flecha

Intradós

Más información relevante

He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.

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Arco trilobulado

peraltado

carpanel

parabólico catenario

Arco en cortina Arco conopial Arco rampante Arco Polilobulado Arco Tudor Arco saledizo

Arco gótico

Clave Dovela

Luz, vano

Arco de herradura islámico

visigodo

Medio punto

rebajado escarzano

Escultura : características Arte

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Introducción a la escultura

La escultura en el arte románico estaba totalmente subordinada a la arquitectura, encontrándose principalmente en las portadas de las iglesias y en los capiteles de las columnas, especialmente en los claustros Estas esculturas se adaptaban al diseño arquitectónico y, en ocasiones, estaban policromadas

La escultura románica se caracteriza por su antinaturalismo. El objetivo no era imitar la naturaleza, sino transmitir mensajes religiosos, lo que hacía que los artistas ajustaran las proporciones de las figuras para destacar lo importante, usando lo que se llama perspectiva jerárquica

Además, como estaba muy unida a la arquitectura, seguía lo que el historiador Henri Focillon llamó la "ley del marco" . Las figuras debían adaptarse al espacio arquitectónico, como en portadas, capiteles o modillones, lo que a veces resultaba en posturas forzadas o poco naturales

Desde la época de los griegos y romanos no se había vuelto a crear escultura monumental. Para los bizantinos, la forma principal de expresión artística era el mosaico, mientras que en los trabajos en marfil se realizaban esculturas en relieve de manera discreta y sin monumentalidad

En el Prerrománico, las manifestaciones escultóricas eran poco comunes; algunos ejemplos incluyen los capiteles visigodos de San Pedro de la Nave y las pilastras de la iglesia asturiana de San Miguel de Lillo

En el Románico, la escultura monumental resurge, tomando como referencia la escultura romana tardía, aunque con contenido y temáticas diferentes Vamos a estudiar las principales características de esta escultura

Ubicación relieves

La escultura románica está muy ligada a la arquitectura, lo que impulsó el desarrollo del relieve Los principales lugares donde se encontraban estos relieves eran:

Portadas

Teoría y apuntes

Al ser un lugar de paso obligado, todos los fieles veían estos relieves, lo que facilitaba su instrucción religiosa Estas esculturas y pinturas se consideraban "la Biblia en piedra" o "la Biblia de los pobres" Las partes principales de la portada son el tímpano, las arquivoltas, el dintel, el parteluz y las jambas

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Columnas

Los relieves se extendían por todos sus elementos, como las basas, los fustes, los capiteles, los modillones de las cornisas y aleros, y las líneas de imposta a lo largo de los muros

Claustros de los monasterios

También eran espacios comunes para relieves

Las portadas

La portada de una iglesia, que simboliza el acceso a la "casa de Dios", suele tener una rica decoración escultórica religiosa, destacando en el tímpano, las arquivoltas, el parteluz y las jambas

Características

En la escultura monumental románica predominaba el relieve sobre el bulto redondo, caracterizado por la frontalidad, hieratismo inexpresividad, rigidez simetría compositiva, jerarquización de figuras, horror vacui, falta de interacción entre las figuras representadas y un fuerte simbolismo

Temática

La temática iconográfica se centraba principalmente en el Apocalipsis (el fin del mundo y el juicio final), presente en las portadas, y en menor medida en escenas evangélicas y de la vida de Jesús, alegorías de los vicios y virtudes, escenas de la vida cotidiana, figuras humanas representando oficios, así como temas vegetales, geométricos y animales fantásticos, ubicados en las portadas y los capiteles de los claustros.

Todos los temas representados poseían aspectos simbólicos, como la serpiente o la sirena (que simbolizan el mal y la lujuria), el cordero, la paloma o la hoja de vid (que representan a Jesús), y la piña (que simboliza la inmortalidad o la resurrección)

Finalidad

Estas esculturas tenían un propósito didáctico y moral: transmitir y enseñar las enseñanzas del cristianismo, especialmente de la Biblia, a una sociedad mayoritariamente analfabeta, y guiar a los fieles hacia una vida virtuosa para alcanzar el cielo tras el juicio final.

También se usaban motivos decorativos vegetales con una función ornamental

Ejemplos

Los principales centros de la escultura románica monumental se encuentran en Francia y España – En Francia destacan las portadas de las iglesias de Santa María Magdalena de Vézelay, Santa Fe de Conques y San Pedro de Moissac

– En España, son notables la portada de las Platerías de Santiago, los relieves del claustro del monasterio de Silos y de San Juan de la Peña, la portada de Santa María la Real de Sangüesa y el Pórtico de la Gloria de Santiago.

Esculturas exentas

Aunque la mayor parte de la escultura románica está en relieve y asociada a la arquitectura, también existen esculturas exentas, principalmente en madera policromada

Esculturas de la Virgen

Estas esculturas suelen representar a la Virgen con el Niño, donde María es un trono sin identidad propia, influenciada por la estética bizantina

Imágenes de Cristo

Imágenes de Cristo en la cruz, vivo, un Cristo en majestad para el que la Pasión no significa dolor ni sufrimiento, sino el triunfo sobre la muerte

Otro material utilizado fue el marfil importado de África se usaba para objetos de culto, cubiertas de urnas, tapas de libros litúrgicos. En algunos casos también se utilizaba para esculturas como el Cristo del rey Fernando y la Reina Sancha.

Escultura : la portada del románico ArteRománico

Portadas Románicas

La portada de una iglesia, que simboliza el acceso a la "casa de Dios", suele tener una rica decoración escultórica religiosa, destacando en el tímpano, las arquivoltas, el parteluz y las jambas.

En la escultura monumental románica predominaba el relieve sobre el bulto redondo, caracterizado por la frontalidad, hieratismo, inexpresividad, rigidez, simetría compositiva, jerarquización de figuras, horror vacui, falta de interacción entre las figuras representadas y un fuerte simbolismo

Dintel

Capitel

Tímpano

Pedestal de la jamba

Arquivoltas

Parteluz | Mainel

Jamba columna

Arquitectura

En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.

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Arquivoltas: cada una de las molduras que forman una serie de arcos concéntricos decorando el arco de las portadas románicas Terminan en la imposta. Suelen contener relieves con motivos vegetales, espirales o alegorías

Tímpano: espacio delimitado entre el dintel y las arquivoltas. Es la parte más importante Lo preside el Pantocrátor rodeado por los tetramorfos (evangelistas con sus animales simbólicos) Muchas veces se representan escenas del “Juicio Final” Siguen los principios de la escultura de la época: hieratismo, solemnidad, simetría, jerarquía en las figuras, horror vacui

Dintel: elemento estructural horizontal que salva un espacio libre entre dos apoyos Se suelen situar escenas o símbolos relacionados con el tema de la portada (si la portada es sobre “El Juicio Final”, en el dintel puede haber fuego)

Capitel: parte superior de la columna o de una pilastra, con forma de moldura y ornamentación según el orden arquitectónico que le corresponda Los capiteles, igual que el dintel, se decoran con imágenes relacionadas con la potada: motivos vegetales, monstruos, alegorías, etc

Parteluz: es un pilar o columna delgada que divide en dos un vano En él podía aparecer la imagen de Cristo, la Virgen o el Santo / Santa a quien se dedicara el templo

Jamba: sustentan el edificio. en las jamás solían colocarse estatuas de los apóstoles o de santos, incluso personajes importantes del Antiguo Testamento

Escultura: fichas obras ArteRománico

título: Pórtico de la Gloria

Cronología

Siglo XII

Catedral Santiago de Compostela

Estilo

Románico Autor

Maestro Mateo

Justifica tu respuesta

– La temática iconográfica del tímpano está relacionada esencialmente con el Apocalipsis (la llegada del fin del mundo

– Finalidad didáctica al intentar difundir las enseñanzas del cristianismo a una población analfabeta

– Las figuras presentan una mayor interrelación entre ellas, más movimiento y expresividad que en portadas anteriores

Análisis completo de la obra

título: La Última cena – San Juan de la Peña-

Fichas identificación

Encontrarás este tipo de páginas con los datos más importantes de las distintas obras de cada movimiento.

Cronología

Siglo XII

Monasterio San Juan de la Peña

Estilo

Románico Autor

Justifica tu respuesta

– Hieratismo, Simbolismo y Horror vacui en esta escena religiosa.

– Escultura de temática religiosa del Nuevo Testamento ubicada en el capitel(adaptación al marco) de una columna en un claustro.

– Finalidad didáctica al intentar difundir las enseñanzas del cristianismo a una población analfabeta.

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título: Juicio Final – Santa Fe de Conques-

cronología

Siglo XII

Sainte-Foy

Estilo

Románico autor

Justifica tu respuesta

– La temática iconográfica del tímpano está relacionada esencialmente con el Apocalipsis (la llegada del fin del mundo) con el Pantocrátor y la escena del Juicio Final.

– Hieratismo, Simbolismo, Frontalidad, Jerarquización y Rigidez de las figuras.

– Finalidad didáctica al intentar difundir las enseñanzas del cristianismo a una población analfabeta.

título: Duda de Santo Tomás

Cronología Finales siglo XI

Claustro Santo Domingo de Silos

Estilo

Románico Autor

Justifica tu respuesta

– Escena religiosa de los evangelios ubicada en un relieve angular(adaptación al marco arquitectónico) de un claustro.

– Hieratismo, Frontalidad, Jerarquización y Rigidez de las figuras.

– Finalidad didáctica al intentar difundir las enseñanzas del cristianismo a una población analfabeta.

Comentario : Catedral de Santiago Arte

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Bernardo el Viejo y el Maestro Mateo.

1075-1211

Arquitectura religiosa-iglesia de peregrinación

Santiago de Compostela (Galicia- España)

Artista y época

Estamos ante la famosa catedral románica que empezó a construirse en el siglo XI y se terminó en 1211 Se inició su construcción en el año 1075 promovida por Alfonso VI y el obispo Diego Peláez Otro de los grandes promotores fue el obispo Gelmírez En la obra trabajaron artistas españoles y franceses Se conoce el nombre del maestro Bernardo el Viejo y del maestro Mateo, artífice del Pórtico de la Gloria

Después del año 1000 d.C. con la caída del Imperio Romano y la invasión musulmana, se comenzaron a construir monasterios, las peregrinaciones a lugares sagrados crecieron y las cruzadas tuvieron lugar Todo esto llevó a que la Iglesia Cristiana dominara la vida cultural y ayudó a que el estilo románico floreciera en Europa Occidental entre los siglos X y XII, con un fuerte enfoque religioso

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

En el siglo IX se descubrieron las supuestas reliquias del apóstol Santiago el Mayor, lo que llevó a la creación de una ruta de peregrinación desde Francia hasta el noroeste de la Península Ibérica, surgiendo el Camino de Santiago, que sigue siendo importante hoy en día como símbolo del cristianismo. El rey asturiano Sancho II el Casto construyó una basílica para estas reliquias pero fue destruida por las tropas de Al-Mansur En el siglo XI el obispo Diego Peláez mandó construir la Catedral de Santiago Este templo, basado en el diseño de las iglesias de peregrinación, se convirtió en una de las principales obras del románico en España

Funcionalidad

La catedral se construyó para albergar las reliquias del apóstol Santiago en la cripta y servir como meta final del Camino de Santiago, una ruta de peregrinación que comenzaba en varios puntos de Europa, especialmente en Francia Se diseñó para recibir a los numerosos peregrinos que llegaban a Santiago.

Es considerada la obra maestra del románico español y del modelo de iglesia de peregrinación Destaca por su tamaño (97 metros de longitud) y por su cabecera completa Aunque el exterior fue remodelado en el barroco, todavía conserva elementos románicos como la portada de las Platerías y el Pórtico de la Gloria

Análisis

Exterior

En su época, la catedral era notable por su complicada cabecera románica, los largos brazos del transepto y las dos torres a los lados de la fachada. Con el tiempo, se añadieron más torres, un claustro gótico flamígero y una cúpula sobre el crucero

En los siglos XVII y XVIII, la fachada románica fue reemplazada por la fachada barroca del Obradoiro Hoy en día, de la catedral original solo queda la fachada sur del transepto y la famosa puerta de Platerías.

Planta

El tamaño de la catedral es mucho mayor que el de otros templos románicos en la Península Ibérica Tiene una planta en forma de cruz latina, simétrica y regular, con tres naves un nártex y un gran transepto también con tres naves El transepto tiene tres naves y capillas absidiolos, y en el centro del crucero está el cimborrio que ilumina el templo.

La cabecera cuenta con un deambulatorio con cinco capillas radiales

– La nave central, de 22 m de altura con bóvedas de cañón y arcos fajones

– Las naves laterales tienen bóvedas de arista y la tribuna tiene una bóveda de cuarto de cañón

El interior se organiza en dos niveles: arcadas sobre pilares con columnas adosadas y una tribuna elevada con vanos a ambos lados del pasillo La tribuna, el transepto y el deambulatorio permitían a los peregrinos moverse por el templo sin interrumpir los oficios religiosos y acceder a las reliquias en una cripta bajo el altar principal

Análisis: la decoración

Materiales de construcción

En cuanto a los materiales de construcción, la piedra es el material principal en la arquitectura románica Se usaron grandes muros de piedra para crear un ambiente íntimo y tranquilo para la religión.

Sistema constructivo

El edificio utiliza bóvedas de cañón y de arista La nave central, muy alta, tiene una bóveda de cañón reforzada con arcos fajones, y las naves laterales tienen bóvedas de arista

Se emplearon arcos de medio punto y pilares para soportar el peso, además de contrafuertes y tribunas para ayudar con el peso lateral.

Alzado

El edificio no es muy alto, típico de la arquitectura románica pero las iglesias de peregrinación como esta son grandes para acomodar a muchos peregrinos Se pueden ver dos torres en la fachada principal, un cimborrio sobre el crucero y una tribuna sobre las naves laterales El acceso a los ritos es a través del triforio.

Lenguaje formal y principios estéticos

Predomina el muro sobre las ventanas, que son pequeñas y poco iluminan el interior, creando una atmósfera de intimidad La arquitectura románica es sobria y poco decorativa, con algunos elementos estéticos como arquillos ciegos y esculturas en el Pórtico de la Gloria y la Portada de las Platerías.

Comentario

Santiago el Mayor es considerado por los cristianos uno de los apóstoles que estuvo con Cristo En el siglo IX, se decía que sus restos fueron encontrados en el noroeste de la Península Ibérica, cerca de Finisterre, el lugar donde se pensaba que acababa el mundo. Estos restos se usaron tanto por la Iglesia como por los reyes en la lucha contra el Islam

Así, la ruta hacia la tumba del apóstol se convirtió en una importante ruta de peregrinación, y el apóstol en un símbolo de la resistencia contra los musulmanes La Catedral de Santiago, construida en este contexto, tiene un gran valor religioso y artístico.

Ficha técnica

Más información relevante

He

Comentario : Catedral de Santiago Arte

Cabecera

Capillas del Salvador

Triforio

Segundo piso. Recorre las naves laterales del transepto y la girola

Formada por la girola y cinco absidiolos Todas las capillas están unidas al triforio, permiten gran amplitud de espacios y posibilitan la celebración simultánea del culto

Capillas absidales

La mayoría cubiertas por bóvedas de horno.

Ábside

Absidiolos

En el transepto encontramos 4 absidiolos, dos a cada lado de la cabecera. Dedicados a San Nicolás, Santa Cruz, San Martín y San Juan Bautista.

Girola

La función era que los peregrinos pudieran contemplar el sarcófago de Santiago, situado en la cripta, bajo el altar

Crucero

En un inicio se cubrió con una cúpula sobre trompas Hoy no se conserva, la actual es barroca, bajo el cimborrio.

Nave central

Los tramos son rectangulares y se cubren con bóvedas de cañón, reforzadas con arcos fajones que descansan sobre los ábacos de las semicolumnas del segundo piso Más ancha y alta que las laterales

Nave lateral

Portada de Azabachería

Pilares con columnas adosadas

Nave central Bóvedas de cañón

Arquitectura

Naves laterales

Bóvedas de arista

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de la Gloria

Los tramos son cuadrados y están cubiertos por bóvedas de arista separadas por arcos fajones que son la prolongación de los de la nave central

Triforio

Triforio o segundo piso, que se prolonga por el crucero Recorre las naves laterales del transepto y la girola, hasta dar la vuelta a la iglesia Arcos de medio punto. El tránsito entre el espacio inferior y el triforio se realiza mediante una imposta ajedrezada

Pórtico de la Gloria

Construido por el Maestro Mateo en el último tercio del siglo XII Actúa a modo de nártex, creando cuatro espacios que se cubre con bóvedas de crucería.

Portadas: Platerías y Azabachería

Torres

Transepto

Muy amplio y dividido en tres naves y cuatro absidiolos.

Pilares

La separación de las naves se realiza a través de pilares cuadrados con medias columnas en cada frente

Pórtico

Portada de Platerías

Comentario : Pórtico de la Gloria ArteRománico

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Ficha técnica

Maestro Mateo y sus discípulos

Finales siglo XII

Relieve: originalmente policromado

Catedral de Santiago de Compostela (Galicia- España)

Artista y época

Estamos ante de una de las mejores obras de escultura medieval Sabemos que es obra del Maestro Mateo porque encontramos una inscripción en el mismo pórtico que dice: “En el año 1188, el Maestro Mateo ha dirigido la obra desde el principio” Mateo, con un grupo de ayudantes, recibió el encargo en 1168 y una pensión vitalicia del rey Fernando II de León, mostrando la importancia del proyecto El trabajo no solo consistía en hacer una portada, sino en terminar la catedral adaptando el desnivel entre la nave y la plaza También construyeron una cripta bajo el pórtico. En el siglo XI, la Catedral de Santiago se había convertido en un destino muy importante para los peregrinos que venían a Compostela

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

El Pórtico de la Gloria se enmarca en un periodo de recuperación en Europa a partir del siglo XI, con el éxito de rutas de peregrinación como el Camino de Santiago En la Península, este siglo coincide con la crisis del califato y los reinos de taifas, lo que facilitó la conquista de los reinos cristianos y la llegada de recursos Alfonso VI promovió el Camino de Santiago, protegiendo a los monjes cluniacenses El Camino impulsó el comercio y el intercambio cultural contribuyendo al desarrollo económico y a la mezcla de culturas España se integró en Europa, adoptando el culto romano en lugar del mozárabe

Función

La construcción de la Catedral de Santiago está ligada a la afluencia de peregrinos y a la promoción del obispo Gelmírez El Pórtico tenía una función didáctica, enseñando los dogmas y mensajes del mundo teocrático controlado por la Iglesia, y promoviendo la piedad y las vías de salvación. Además, para los peregrinos, el Pórtico ofrecía esperanza tras su largo viaje, presentándoles a Cristo como Rey de Reyes y a Santiago como anfitrión en la Jerusalén celestial

Esta obra se sitúa en la última etapa del románico, que comenzó en el siglo XI con ejemplos como el Crismón de Jaca y el claustro de Santo Domingo, y continuó en el siglo XII con el Pórtico de las Platerías y el gran arco de entrada de Ripoll.

Análisis

El Pórtico de la Gloria muestra elementos típicos del románico, como el horror vacui (miedo al vacío) y la adaptación al marco, especialmente en el tímpano y las arquivoltas Sin embargo, también tiene características estilísticas que anticipan el gótico: las figuras empiezan a ganar independencia del marco arquitectónico, con un mayor volumen (como el apóstol Santiago); la anatomía se representa de manera más realista y natural, con pliegues en las vestiduras más dinámicos y elegantes Los rostros son más expresivos y humanos, mostrando sonrisas y diálogos, lo que les otorga personalidad y singularidad

Descripción iconográfica

El Pórtico está compuesto por tres arcos Los dos arcos laterales no tienen tímpano: el de la izquierda muestra escenas del Antiguo Testamento, el central representa el Apocalipsis, y el de la derecha el Juicio Final La lectura es cronológica de izquierda a derecha.

El arco central está dividido por un parteluz, en el que de abajo hacia arriba se ve: en la basa, un hombre barbudo que puede ser Adán, Sansón, Moisés o Abraham, abriendo la boca a leones que funcionan como respiraderos de la cripta En el fuste se encuentra el árbol de Jesé (genealogía de Jesús), un capitel con la Trinidad (paloma como Espíritu Santo, el Padre sosteniendo al Hijo con el libro de la Revelación), la figura del apóstol Santiago en actitud acogedora, y un capitel con las tentaciones de Cristo. En la parte posterior del parteluz, se encuentra una figura penitente, posiblemente el maestro Mateo

Descripción iconográfica

En el tímpano, Cristo aparece como juez, mostrando sus llagas, rodeado de los evangelistas: San Marcos (león), San Mateo (caja de impuestos, simbolizando su trabajo como publicano), San Lucas (toro) y San Juan (águila) A la izquierda, se representa al pueblo de Israel, y a la derecha, al pueblo elegido. En la parte inferior, ángeles muestran los símbolos de la pasión (columna, cruz, corona de espinas, jarra de Pilato, esponja, clavos, lanza, azote y martillo)

En la arquivolta, los veinticuatro ancianos del Apocalipsis están dispuestos en círculo, con instrumentos musicales, conversando en parejas

En el lado izquierdo del arco se representan las herejías y en las jambas, profetas como Isaías, Daniel, Jeremías, que parecen sonreír y dialogar En el lado derecho, en la parte superior, se muestran los pecados capitales y un ángel, mientras que en las jambas están los apóstoles Pedro (con las llaves), Pablo (con un libro), Santiago y Juan, este último joven y sonriente Así, las jambas unen el Antiguo Testamento (profetas) y el Nuevo Testamento (apóstoles).

Comentario

El Pórtico de la Gloria es una obra maestra del arte románico y también un adelanto del arte gótico. De estilo románico tiene la majestad y seriedad en los personajes, mientras que de estilo gótico muestra un tratamiento más naturalista en los rostros y posturas El Maestro Mateo se inspiró en la portada de la Iglesia de la Magdalene en Vézelay, imitando su estructura y disposición de figuras

Este pórtico influyó en muchas otras portadas, especialmente en Galicia, como el Pórtico del Paraíso en la Catedral de Orense. Originalmente, era la entrada principal para los peregrinos que llegaban a Compostela desde toda Europa.

Comentario : Pórtico de la Gloria ArteRománico

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Ángeles con los primeros salvados y con los no nacidos.

Cristo resucitado - tímpano-

Evangelistas – tímpano -

Ángeles de la Pasión (ambos lados) – tímpano

LIMBO

Arquitectura superior: el pueblo oprimido. Arquitectura inferior: Cristo en el centro, Adán y Eva, y los Patriarcas.

Los 40 salvados, los Bienaventurados (ambos lados): tímpano

24 ancianos músicos: arquivolta Ángeles con los salvados

JUICIO FINAL

Claves: Cristo y San Miguel Izquierda: justos llevados a la Gloria Derecha: condenados llevados infierno

Profetas menores -jambas-

Profetas mayores -jambas-

Santiago -fuste-

Trinidad -capitel-

ANTIGUO TESTAMENTO

Más información relevante

Fauces infernales y monstruos.

He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.

–

Apóstoles -jambas-

NUEVO TESTAMENTO

Árbol de Jessé -fuste-

Mateo Parte posterior Sacrificio de Isaac -fuste-

Redención por la Gracia -fuste-

Fauces infernales -basa-

Monstruos y fauces infernales

Lucas

Juan Mateo

Marcos

Pecados

vicios-

Pedro Pablo Santiago Juan

Adán y Eva

Moisés

Isaías

Daniel

Jeremías

Maestro

Parteluz

Andrés

Bartolomé

Tomás

Arquitectura imprimible

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arte GÓTICO

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Portadas

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6 Arte Gótico

Cuadro resumen

Obras y artistas pág. 330

Contexto pág.331

Arquitectura

Características catedral pág.332

Planta y alzado catedrales pág.333-335

Ejemplos elementos constructivos pág.336-347

Arquitectura en Europa pág.348

Arquitectura Civil pág 349

Obras pág 350-370

Escultura

Rasgos generales pág 371

Manifestaciones escultura pág 372-373

Obras pág.374-391

Pintura

Rasgos generales pág 392

Pintura gótica en Italia pág 392-393

Obras pág.394-398

Fichas obras

Obras arquitectura pág.399-400

Obras escultura y pintura pág. 400-01

Comentarios

Catedral de Chartres pág.402-03

Notre Dame París pág.404-08

Anunciación y Visitación Reims pág.409

Llanto sobre Cristo Muerto pág.410

Imprimir blanco y negro

pág.411-418

Esquema autores Románico

Arquitectura

Gótico en Europa

Catedral de Sens | Notre Dame de París | Chartres

Reims | Amiens | Santa Chapelle

Ayuntamiento de Brujas | Santa María Fiori

Escultura

Francia

Anunciación y Visitación Catedral de Reims

Tímpano de la Puerta de la Virgen (Notre Dame París)

Portada de la Virgen Dorada (Amiens) España

Tímpano Sarmental de Burgos

La puerta Preciosa (catedral de Pamplona)

Tumba de la reina Leonor y Carlos III (C. Pamplona)

Sepulcro del Doncel (Sigüenza)

Gótico en España

Catedrales XIV: Barcelona, Palma de Mallorca, Girona

Lonjas: Barcelona, Valencia, Palma

Catedrales XVI: Segovia y Salamanca

Interior catedral de Pamplona

Fachada catedral de León

Iglesia de la Colegiata de Roncesvalles

Gil de Siloé

Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores

Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal.

Sepulcro del Infante Don Alfonso

Claus Sluter

Pozo de Moisés

Sepulcro de Felipe el Atrevido

Esquema artistas inicial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

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Pintura Trecento italiano

Escuela Florentina

Cenni di Cimabue

Maestà di Santa Trinitá

Pintura Gótico

Más obras y artistas

Nicola Pisano

Púlpito Baptisterio de Pisa

Giovanni Pisano

Púlpito San Andrea en Pistoia

Giotto

Capilla de la Arena de Padua

Historias de San Francisco

Llanto sobre Cristo muerto

Escuela de Siena

Simone Martini

Anunciación entre los santos Ansano y Margarita.

Guidoriccio da Fogliano

Más obras y autores

Arquitectura : planta de la catedral

La planta de la catedral

Se mantiene la planta de cruz latina, con 3 o 5 naves con bóvedas de crucería, siendo la central mucho más alta que las laterales

Aparece la planta rectangular en la que el crucero casi no se aprecia y las naves laterales tienden a ser de parecido tamaño a la nave central

Cabecera

La cabecera de la catedral se orienta hacia el este para que las primeras luces del sol entren por las vidrieras del ábside. La cabecera corresponde con la cabeza de Cristo y simboliza el ámbito divino de la iglesia, punto final del camino hacia la salvación

Eje longitudinal

El eje longitudinal está compuesto por una nave central y varias naves laterales con bóvedas de crucería Estas naves son amplias, permitiendo la reunión de numerosos fieles Las naves laterales suelen estar separadas de la nave central por arcadas o pilares.

El ábside es la parte más sagrada de la catedral, donde se encuentra el altar mayor Suele estar adornado con vidrieras y esculturas El ábside contiene varias capillas llamadas absidiolos (frecuentemente poligonales) En estas capillas se encuentran distintos altares dedicados a santos y vírgenes.

Existen algunos matices diferentes con respecto a la arquitectura románica como el empleo de bóvedas de crucería y el hecho de que la cabecera de las catedrales tiene mayor relevancia llegando incluso a incorporar una doble girola como elemento de contrarresto del edificio

Arquitectura

Transepto (eje transversal)

No sobresale tanto como en el Románico Está formado generalmente por 3 naves. En el transepto también se abren un conjunto absidiolos que a diferencia del románico ahora son poligonales En el lugar donde se cruzan las naves se llama crucero, donde se ubica el transepto y el crucero mayor

En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.

El coro es el lugar destinado a los miembros del clero para el canto y la celebración de los oficios.

Transepto (eje transversal)

El cimborrio que se eleva sobre el crucero desaparece en la mayor parte, cada vez menos destacado Al edificio también se podía acceder por entradas laterales con fachadas monumentales ubicadas en el transepto

La girola o deambulatorio

La girola, también llamada deambulatorio, es una parte de herencia románica. Se trata de un corredor que rodea el ábside y permite el tránsito de fieles que acuden a las capillas del templo sin entorpecer los oficios religiosos En al arte gótico, la girola deja de ser semicircular para ser poligonal.

La tribuna

Sobre las naves laterales se encuentra la tribuna que pasa a ser un estrecho corredor y que se conecta con la nave central a través del triforio.

Acceso

Se accede a través de las puertas abocinadas a un nártex (pórtico cubierto a la entrada de la iglesia) El acceso suele estar flanqueado por dos torres que tienen la función de campanario Estas suelen estar rematadas por chapiteles (agujas o flechas).

Claustros

Fueron una construcción común y estaban adosados a las catedrales Son de planta cuadrada Contiene un patio con pozo en el centro rodeado de un pórtico cubierto

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Cabecera

La cabecera de las catedrales tiene mayor relevancia llegando incluso a incorporar una doble girola como elemento de contrarresto del edificio Se orienta hacia el este Girola Ábside

Absidiolos

Coro

Presbiterio

Transepto

Crucero

Nave central

Bóvedas crucería

Naves laterales

Tribuna

Situada sobre las naves laterales. Se conecta con la nave central a través del triforio

Contrafuertes

Contrarrestan los empujes de las bóvedas

Nártex Torres

Arquitectura : la catedral gótica –

Arquitectura

Cubierta

Arco ojival

Arbotante

Pináculo

Gárbola

Nave central

Naves laterales

Vitrales

Contrafuertes

En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.

Claristorio

Triforio

Tribunas

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Nave lateral

Claristorio

Vitrales

Arco ojival |Bóveda crucería

Triforio

Tribunas

Nave central Más elevada que las laterales.

Arbotante

Cubierta

Cubierta

Pináculo

Gárgola

Contrafuerte

Botarel

Arcada

arco escarzano arco trilobulado arco conopial

arco carpanel arco en cortina

arco ojival

TIPOS DE ARCOS

Pintura : características y escuelas ArteGótico

El retablo

Las catedrales góticas tenían más ventanas, lo que redujo el espacio para la pintura mural, salvo en Italia. Esto impulsó el desarrollo de la pintura sobre tabla, que más adelante se convirtió en trípticos (tres partes) o polípticos (cuatro o más partes)

Su forma más compleja fue el retablo, una combinación de varias tablas que a veces incluía esculturas y decoraba el altar

Partes de un retablo:

– Predela o bancal: la base del retablo.

– Cuerpos: niveles horizontales separados por pequeños arcos o doseletes

– Calles: secciones verticales; la central suele ser la más ancha Todo el conjunto está enmarcado por una moldura o guardapolvo

La pintura sobre tabla usaba la técnica del temple, utilizando huevo o huesos molidos como aglutinantes.

Temas

La iconografía incluye nuevos temas:

Imágenes de santos

Se multiplican las imágenes de santos, que actúan como intermediarios entre Dios y los hombres. La Leyenda Áurea fue una fuente de inspiración importante.

La naturaleza

La Naturaleza gana relevancia, influenciada por los franciscanos: el Paraíso se muestra como un jardín florido, mientras que el Infierno es un lugar oscuro y lleno de espinos.

Calvario y crucifixión

Se destacan temas como el Calvario y la Crucifixión de Cristo. Serán frecuentes en los pintores góticos.

Caballeros

Los caballeros simbolizan el valor humano de la época

El retrato

Teoría y apuntes

Aparece el retrato, lo que lleva a una mayor personalización e individualización en las imágenes

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

La pintura italiana: Trecento

Durante la Edad Media, los pintores seguían la "maniera greca", que consistía en adherirse a los estilos del arte bizantino. Su formación se basaba en aprender a pintar ciertos modelos, que luego usaban en distintas escenas y composiciones

Este estilo comenzó a cambiar en Italia a finales del siglo XIII, dando lugar a la "maniera latina" Un cambio similar ocurrió en la literatura, denominado "dolce stil nuovo" por Dante.

La pintura italiana: Trecento

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El líder de este cambio en la pintura fue Giotto di Bondone, un innovador reconocido por sus contemporáneos Aunque Giotto es el artista más destacado del Trecento italiano, otros pintores también contribuyeron a esta transformación

Cenni di Cimabue

Se mantuvo cercano a la "maniera greca" con figuras majestuosas y frontales, pero mostró un mayor naturalismo en sus expresiones dramáticas

En su obra Maestá (Virgen en Majestad), presta más atención a la figura y al espacio

Giotto

Es el gran artista del Trecento italiano Rompió con el estilo bizantino y se acercó más a la naturaleza, destacando en la representación de la realidad y el espacio tridimensional.

Sus figuras tienen libertad de movimiento no vista desde la Antigüedad clásica, como se puede apreciar al comparar su Maestá con la de Cimabue

Compartía con los franciscanos la idea de ver en la naturaleza una manifestación de la bondad divina Por eso, fue encargado de pintar las Historias de San Francisco en la basílica de Asís, destacando la obra donde Francisco expulsa a los demonios de Arezzo. También pintó escenas de la vida de San Francisco y de los Santos Juanes en la iglesia de Santa Croce en Florencia

Su obra en la Capilla de la Arena en Padua muestra el arte nuevo, donde las figuras "viven" en paisajes o arquitecturas y no simplemente se recortan sobre un fondo La tridimensionalidad aporta realismo y los personajes expresan vida y emociones, y se relacionan entre sí.

Giotto pintó en muchas ciudades italianas, incluida Roma, y alcanzó una fama que prefiguraba el rol de los artistas en el Renacimiento

En Siena, surgió una importante escuela de pintura que continuó con las formas espiritualistas del Gótico, destacando por su delicadeza, belleza en las líneas y uso refinado del color.

Simone Martini

El principal representante de esta escuela, conocido por personajes delicados de rostros ovalados y ritmos ondulantes que dan a sus obras un especial refinamiento

Entre sus obras más conocidas están La Anunciación (1333) y el retrato de Guidoriccio da Fogliano

En resumen, el cambio del estilo bizantino hacia uno más naturalista en Italia fue liderado por Giotto, pero otros pintores como Cimabue y Martini también tuvieron un papel importante

Pintura en Florencia

Pintura en Siena

Pintura: Trecento Italiano ArteGótico

Virgen en Majestad | Maestà di Santa Trinitá

Autor: Cimabue | Escuela Florencia 1285-1286

Temple sobre madera. Tamaño 385x223 cm. Galeria Uffizi, Florencia (Italia)

Recopilación de obras

Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.

Historias de San Francisco

Autor: Giotto di Bondone | Escuela Florencia Sobre 1306

Pintura al fresco. Se encuentra en la Capilla de la Arena, en Padua. Italia.

Llanto sobre Cristo muerto

Autor: Giotto di Bondone | Escuela Florencia Sobre 1306

Pintura al fresco. Se encuentra en la Capilla de la Arena, en Padua. Italia.

Anunciación entre los santos Ansano y Margarita

Autor: Simone Martini | Escuela Siena 1333

Temple sobre tabla. Tamaño 184x114 cm. Galería Uffizi, Florencia.

Guidoriccio da

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Fogliano

Autor: Simone Martini | Escuela Siena 1328

Comentario : Catedral de Chartres

Ficha técnica

Maestro de Chartres

Siglo XII

Catedral de estilo gótico

Chartres – Francia-

Artista y época

La Catedral de Chartres es considerada por muchos como la obra más perfecta del estilo gótico El arquitecto que la diseñó es conocido como el "Maestro de Chartres", pero sabemos muy poco de él, salvo que tenía conocimientos técnicos muy avanzados

Comentarios

En esa época, Francia estaba gobernada por la dinastía de los Capetos que tenía una fuerte conexión con la ciudad de Chartres Este era un tiempo de crecimiento urbano impulsado por el comercio y la aparición de una rica burguesía. Las catedrales no solo servían como casas de Dios, sino también como símbolos del poder de cada ciudad y de sus habitantes

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Antes de la actual catedral, hubo en el mismo lugar otros edificios religiosos que databan de la época de los galos La construcción de la catedral actual comenzó después de que un incendio en 1194 destruyera casi por completo el edificio románico anterior Rápidamente, se recaudaron donaciones para construir el nuevo edificio, facilitadas por el hecho de que Chartres era sede de una importante feria comercial

Chartres se hizo muy popular debido al culto a la túnica de María y también por su influencia en la arquitectura de iglesias posteriores

Análisis

En el lugar donde está la catedral de Chartres, hubo antes una catedral románica que guardaba como reliquia una túnica que se creía que usó la Virgen María durante el nacimiento de Jesús Esta reliquia atrajo a muchos peregrinos, lo que impulsó el comercio y favoreció el crecimiento de la burguesía y los gremios

Después de un incendio a finales del siglo XII, comenzó la construcción de la catedral gótica Este proyecto fue impulsado por el obispo, la monarquía, los burgueses los gremios y los artesanos. De la catedral románica anterior, solo se conservó el Pórtico Real.

Planta

La catedral tiene planta de cruz latina y, al igual que otras iglesias de peregrinación, cuenta con una gran cabecera con el coro rodeado por una doble girola y cinco capillas radiales para acoger a los peregrinos. La estructura de cruz latina crea un espacio longitudinal que dirige al altar, similar al estilo románico.

Tiene tres naves de seis tramos, con la nave central más alta y ancha que las laterales, separadas por pilares compuestos. Hay un nártex y dos grandes torres en el oeste (una románica), donde está la fachada principal El transepto de tres naves está casi en el centro Todas las cubiertas son bóvedas de crucería cuatripartita

El espacio está segmentado en tramos por los arcos fajones y formeros

Alzado

En el alzado de la catedral de Chartres, se observan tres niveles:

1. La primera altura tiene naves con arcos ojivales altos.

2. Encima de estos, hay un pequeño triforio.

3. Más arriba, el claristorio con una gran galería de vidrieras

También hay simbolismo similar al de las iglesias románicas: la fachada orientada al oeste representa la oscuridad o el pecado, y se avanza hacia el este, por donde sale el sol, la "luz del mundo".

Las grandes innovaciones son:

– Los arcos ojivales que separan la nave central de las laterales y dividen la nave central en tramos, ayudando a elevar el edificio

– Las bóvedas de crucería cuatripartita formadas por cuatro nervios con los espacios entre ellos (plementos) rellenos de material ligero

Fachadas y sistemas constructivos

El peso de estas cubiertas se contrarresta principalmente de dos maneras:

1. Con pilares con baquetones que soportan el peso vertical de los nervios y los muros

2. Con los arbotantes, una gran innovación del gótico que desplaza los empujes laterales hacia el exterior, dirigiéndolos hacia los contrafuertes En la parte superior de los contrafuertes se colocan pináculos para estabilizarlos Chartres fue la primera catedral en utilizar este sistema, lo que permitió eliminar la tribuna y abrir grandes ventanales.

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Análisis

Fachadas y sistemas constructivos

Los soportes son pilares con columnas adosadas que continúan en los nervios de las bóvedas

En cuanto a las fachadas, hay una gran diferencia entre la principal y las laterales:

– La fachada principal es el famoso Pórtico Real, parte del antiguo edificio románico Está decorado con escenas del Pantocrátor, la Coronación y Ascensión de la Virgen, y las conocidas estatuas-columna con personajes del Antiguo Testamento, que se deforman para adaptarse a la arquitectura.

– En las fachadas laterales las esculturas se independizan de la arquitectura, algo típico del estilo gótico. Son más naturalistas y muestran emociones humanas, contrastando con el estilo más rígido del Pórtico Real

Decoración

En la catedral gótica también abundan los elementos decorativos, como las portadas pináculos chapiteles y vidrieras. Las vidrieras de Chartres, con sus colores, presentan un programa iconográfico centrado en las Sagradas Escrituras. Estas vidrieras no solo colorean la luz que entra (Dios es luz) sino que también tienen una función didáctica.

Comentario

La Catedral de Chartres fue un modelo para muchas otras construidas después Su diseño revolucionario consistió en un alzado de tres niveles en lugar de cuatro De arriba a abajo, estos niveles son: los arcos de las naves, el triforio y la nave de vidrieras. Gracias a los arbotantes exteriores se pudo eliminar el cuarto nivel, que era la tribuna sobre las naves laterales. Además, Chartres tiene el mejor conjunto de vidrieras de toda la arquitectura medieval.

La catedral cumple funciones religiosas, didácticas (en las portadas y vidrieras) y también de prestigio para la ciudad Sus torres, visibles desde lejos, reflejan el poder de la ciudad, motivo por el cual los gremios colaboraron en su construcción Así, la catedral no es solo un centro religioso, sino también un símbolo del poder y orgullo de la ciudad

Comentario : planta Catedral de Chartres ArteGótico

Arquitectura

En las secciones dedicadas a la arquitectura encontrarás este tipo de diseños que te ayudarán a comprender mejor las distintas partes de los edificios. También tendrás disponibles estos mismos dibujos en blanco y negro para que puedas completarlos tú, repasar o estudiar.

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Altar

Presbiterio

Coro

Atrio

Transepto

Nave central

Naves laterales

Crucero

Girola

Absidiolos

Clave

Torre

Capillas laterales

Mayor

Comentario : Catedral Notre Dame París

técnica

Comentarios

Varios escultores y arquitectos

1163-1250

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Contexto y autores

En esta época, Francia estaba gobernada por los Capetos. Las ciudades crecían rápidamente gracias al comercio, y la burguesía se volvía importante La catedral también reflejaba una religiosidad más humana y la devoción a la Virgen

Es un tiempo de rápido crecimiento urbano debido al comercio, lo que también hace crecer a la burguesía Por eso, el dinero se vuelve tan importante como la posesión de tierras Para atraer a los ciudadanos, surge una religiosidad más cercana y humana: Dios es luz, y ahí llegan las nuevas órdenes como los franciscanos y mendicantes No es raro que la catedral esté dedicada a la Virgen, representada de una manera más humana.

La catedral, construida en granito, se encuentra en una isla del río Sena en París, Francia La primera piedra fue colocada por el obispo Maurice de Sully en 1163, y la construcción se completó en 1258 Los arquitectos Pierre de Montreuil y Jean de Chilles fueron responsables de las fachadas norte y sur

Análisis de la Catedral

La construcción comenzó en 1163 bajo el obispo Maurice de Sully. La fachada occidental, que es del tipo H se completó en el siglo XIII Antes de Notre-Dame, ya había otros templos en el mismo lugar Por tanto, las obras son el trabajo de varios arquitectos y escultores Notre-Dame ha sufrido el paso del tiempo y la Revolución Francesa, por lo que fue restaurada en el siglo XIX por Viollet-le-Duc Esta restauración incluyó la reconstrucción de contrafuertes, arbotantes, gárgolas y la restauración del transepto a su aspecto original de cuatro niveles

La catedral no solo tiene una función religiosa sino también didáctica (en portadas y vidrieras) y de prestigio para la ciudad, ya que sus torres son visibles desde lejos, lo que motivó a los gremios a contribuir en su construcción. El 15 de abril de 2019 un gran incendio causó graves daños, destruyendo parte de las bóvedas de Notre-Dame.

Planta y estructura

Análisis de la catedral

El transepto que no sobresale al exterior tiene una sola nave con tramos de bóvedas sexpartitas y cuatripartitas. Las cubiertas de crucería sexpartitas están divididas en seis plementos, y las cuatripartitas en cuatro Los nervios de las bóvedas continúan por medio de columnillas adosadas al muro hasta las columnas El espacio se divide en tramos por arcos fajones que delimitan el espacio y evitan la monotonía

El espacio de la catedral es longitudinal, dirigido hacia el altar, pero también se proyecta hacia lo alto, hacia las vidrieras que permiten el paso de una luz colorida La luz representa a Dios, y las vidrieras contienen un programa iconográfico. El recorrido de la luz va desde el poniente (oscuridad y pecado) hacia el oriente (nacimiento de la luz), simbolizando que Dios es luz y salvación.

Alzado interior

– Primer nivel: arquerías apuntadas sobre gruesas columnas

– Segundo nivel: tribuna que recuerda al estilo románico, con arcos triples que se convierten en geminados en la zona del coro y transepto La tribuna no solo aumenta la capacidad del templo, sino que también distribuye el peso lateral de la bóveda central hacia las naves laterales y de estas hacia los arbotantes y contrafuertes

– Tercer nivel: claristorio con vidrieras, rehecho en el siglo XIII. Originalmente, la catedral, al igual que la de Laón, tenía cuatro niveles: arquería, tribuna, pequeño triforio y pequeño claristorio.

Originalmente, como la catedral de Laón, tenía cuatro niveles: arquería, tribuna, triforio y claristorio

Características góticas

El diseño gótico busca la verticalidad y luminosidad, utilizando el arco apuntado u ojival, las bóvedas de crucería y un sistema de contrarresto con arbotantes que trasladan el peso a los contrafuertes, permitiendo liberar los muros y abrir ventanas con vidrieras. Para conseguir la verticalidad y luminosidad, el sistema constructivo cambia: arcos apuntados, bóvedas de crucería y un sistema de contrarresto con arbotantes y contrafuertes que permiten abrir ventanas con vidrieras de colores

Exterior

Catedral de estilo gótico – Religioso-

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Ille de la Cité, París

La catedral tiene cinco naves con un sistema de bóvedas y un doble deambulatorio, que rodea el coro, y está dividido en tramos triangulares rodeados de capillas cuadradas, creando un gran presbiterio En la entrada occidental hay un nártex con un doble pórtico cubierto por bóvedas sexpartitas, flanqueado por torres La nave central es más ancha y tiene bóvedas sexpartitas y utiliza columnas como elemento estructural, lo cual es característico del primer gótico; mientras que las naves laterales tienen bóvedas cuatripartitas.

Encima de las naves laterales se encuentra la tribuna, sobre la cual hay ventanales organizados en tres niveles Todos los ventanales y rosetones están decorados con vidrieras, lo que crea un ambiente místico en el interior

Los arbotantes exteriores dan un aspecto de "tela de araña" Notre-Dame muestra la evolución del gótico: conserva elementos arcaicos del siglo XII, como las bóvedas sexpartitas y la tribuna (como la catedral de Laón), pero ya incorpora elementos clásicos del siglo XIII, como los arbotantes, la fachada occidental con su triple portada y las capillas radiales de la girola.

Ficha

Comentario : Catedral Notre Dame París

Torre Norte 1240

Terraza.

Se encuentra la Galería de las Quimeras y Gárgolas.

Galería Calada 5º arquitecto

Galería de los Reyes

Arquitectura

Portal de la Virgen o de la Coronación 1210

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Torre Sur 1250

Fachada occidental

Primer nivel

Portales

El portal de la Virgen, el de la izquierda, es el primero que se ejecuta, junto con el de Santa Ana (derecha) El portal de Santa Ana era el portal principal de la vieja catedral y se reinstala en la nueva, adaptándolo La portada del Juicio, en el centro. Las partes elaboradas en el siglo XIX se distinguen por el color de la piedra

Galería de los reyes

Construida para celebrar la victoria militar que parecía asentar a los Capeto en el trono El muro se engrosó para encajarla Contiene esculturas de los 28 reyes de Judea De las estatuas originales medievales solo quedan algunos fragmentos, dado que fueron destruidos durante la revolución francesa, ya que consideraban que eran los reyes de Francia Estas esculturas fueron restauradas por Viollet-le-Duc

Segundo nivel

Rosetón

Construido e 1220. En su momento fue el más grande del mundo Ahora son mayores los rosetones de las fachadas laterales

Cuarto nivel

Terraza

Se encuentra la Galería de las Quimeras y las gárgolas Diseñadas por Viollet-le-Duc

Más elementos

Esculturas siglo XIX

A comienzos del siglo XIX faltaban muchas esculturas de la fachada, tras los destrozos de la Revolución y de pérdidas anteriores Son esculturas realizadas durante la gran restauración dirigida por Viollet-le-Duc (1844-1864)

Fachada

La fachada comenzó a construirse en 1200 Permaneció parada al nival del rosetón durante 10 años Se terminó en 1250 con la construcción de las dos torres

Aguja o chapitel

La primera flecha (1250,) fue un campanario que tenía hasta 5 campanas. Entre 1786 y 1792 la flecha fue desmantelada debido al debilitamiento de la estructura En el siglo XIX, el arquitecto Viollet le Duc fue el encargado del proyecto de restauración, que incluyó la nueva flecha y estatuas de cobre verde de los doce apóstoles y los símbolos de los 4 evangelistas

Portada del Juicio 1220

Portal de Santa Ana Antigua catedral 1148 Nueva catedral 1210

Comentario : planta catedral

Arquitectura

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Arbotantes y contrafuertes

El edificio cuenta con un sistema de arbotantes y contrafuertes que se utilizan para repartir el peso de la bóveda interior. Los pináculos refuerzan este traslado de pesos

5 Virgen Titular

La Virgen Titular de Notre-Dame de París Talla siglo

Entrada al Tesoro de la Catedral

En el exterior. Por donde entraban los canónigos que vivían en el barrio

8 Reliquias de Santa Genoveva

Columnas

Las naves están separadas por columnas

Arquitectura imprimible

Al final de cada tema, siempre que sea necesario, encontrarás diseños de plantas, alzados, partes de edificios o edificios completos, en blanco y negro. Están preparados para que los imprimas y puedas añadir las partes e información que necesites.

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Arquitectura imprimible

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7 Arte Renacimiento Cuadro resumen

Obras y artistas pág. 420-21

Línea del tiempo

pág.422

arte RENACIMIENTO

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Fichas obras

Arquitectura pág. 423-25

Escultura pág. 425-26

Pintura pág. 427-30

Quattrocento

pág. 431-95

Cinquecento

pág. 496-555

Manierismo

pág. 556-95

Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

Renacimiento España

pág. 596-646

Renacimiento norte Europa

pág. 647-87

Artistas y obras: Renacimiento

Quattrocento

Arquitectura Quattrocento

Brunelleschi

Cúpula catedral Florencia

Hospital de los Inocentes

Basílica del Espíritu Santo

Alberti

Palacio Rucellai

Convento San Fco. (Rímini)

Fachada basílica Sta María Novella

San Andrés de Mantua

P Machuca Palacio de Carlos V

Bartolomeo Palacio Médici-Ricardi

Escultura Quattrocento

Ghiberti

Terceras puertas Baptisterio Florencia

San Juan Bautista

San Mateo

Donatello

San Marcos

San Jorge

Tumba Cardenal Rainaldo Branacci

Púlpito catedral de Prato

Tabernáculo Capilla Cavalcanti

David El Gattamelatta

Magdalena Penitente

Judith y Holofernes

L. della Robbia Cantoría de la Catedral Sta. María del Fiore

Verrocchio Condottiero Colleoni

J. della Quercia Panel de la Fontana Gaia

Pintura Quattrocento

Masaccio

El tributo de la moneda

La Trinidad

P. della Francesca

Historias de la Vera Cruz

Vista de una ciudad Ideal

Díptico de los duques de Urbino

Pala de Brera de Milán

A. da Messina

Cristo muerto sostenido por un ángel

Cinquecento

Arquitectura Cinquecento

Bramante

San Pietro in Montorio

Palacio de Belvedere

Basílica San Pedro del Vaticano

Palladio

Basílica o palacio de la Razón

Villa Capra. La Rotonda

Iglesia del Redentor (Venecia)

Teatro olímpico

Basílica de San Giorgio Maggiore

A. de Sangallo

Ventanas superpuestas en el Palacio de Farnesio

Escultura Cinquecento

Miguel Ángel

Virgen de la escalera

La Piedad del Vaticano

El David

Piedad de la catedral de Florencia

Piedad Palestrina

Piedad Rondanini

El moisés

Pintura Cinquecento

Miguel Ángel

Tondo de Doni – La Sagrada Familia

La Batalla de Cáscina

Bóveda de la Capilla Sixtina

Juicio Final

La conversión de San Pablo

El Martirio de San Pedro

L. da Vinci

Gioconda

Virgen de las rocas

La última Cena

San Juan Bautista

Santa Ana, la Virgen y el niño

La dama del armiño

Batalla de Anghiari

Rafael

Manierismo

Arquitectura Manierismo

Miguel Ángel

Sala de lectura biblioteca Laurenciana

Vestíbulo biblioteca Laurenciana

Cúpula de San Pedro

Vignola Iglesia Il Gesú

G. della Porta Fachada Il Gesú

Escultura Manierismo

Cellini

Giambologna

Renacimiento en España

Arquitectura Renacimiento España

Plateresco primera mitad siglo XVI

Perseo con la cabeza de Medusa

El salero de Francisco I

El rapto de la sabina

El Mercurio

Pintura Manierismo

Tintoretto

Descubrimiento del cuerpo de San Marcos

El Lavatorio

Venus, Vulcano y Marte

Cristo en casa de Marta y María

Bautismo de Cristo

Judith y Holofernes

P. Veronese

Las bodas de Caná

La cena en casa de Leví

Venus y Adonis

Alegoría de la Virtud y el Vicio

Tiziano

La Venus de Urbino

La bacanal

Asunción de la Virgen

Amor sagrado y amor profano

Las tres edades del hombre

Venus y Adonis

Dánae

Rapto de Europa

Dosier de artistas

Madonna de Belvedere

La María de la Anunciación

Botticelli

El nacimiento de Venus

La Primavera

Palas y el Centauro

También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.

La Natividad Mística

Los milagros de San Cenobio

Uccello San Jorge y el dragón

Fra Angélico Retablo de la Anunciación

Perugino Entrega de las llaves a San Pedro

A. Mantegna Cristo muerto

Pisanello Retrato de una princesa de la casa del Este

Panicale Frescos capilla Brancacci

L. Signerelli Caída de los condenados

La Fornarina

La Sagrada Familia

Los desposorios de la Virgen

Papa León X

La Anunciación

La escuela de Atenas

Giorgione

La tempestad

Venus dormida

El atardecer

La pastoral

Tramonto

El emperador Carlos V en Mülberg

Lavinia Fontana

Antonietta Gonsalvus

Retrato de Bianca Degli Utili Maselli y sus hijos

Autorretrato tocando la espineta

Minerva vistiéndose

Sofonisba Anguissola

Autorretrato

Partida de Ajedrez

Autorretrato con caballete

Retrato de Blanca Ponzoni Anguissola

Enrique Egas Fachada Uni. Salamanca

La casa de las Conchas

El Hospital de la Santa Cruz Purismo 1530-1563

P. Machuca Palacio de Carlos V

D. Siloé Catedral de Granada

Iglesia de San Jerónimo

Gil de Hontañón Fachada Uni. Alcalá de Henares

Herreriano segunda mitad siglo XVI

Juan de Herrera Monasterio de El Escorial

Escultura Renacimiento España

Alonso Berruguete

Retablo monasterio de La Mejorada

Retablo de San Benito El Real

El sacrificio de Isaac

El martirio de San Sebastián

San Jerónimo

La Transfiguración

La Visitación

Sepulcro Cardenal Tavera

Juan de Juni

Entierro de Cristo

Retablo Santa María de la Antigua

Retablo catedral Burgo de Osma

Retablo capilla de la familia Benavente. Virgen de las Angustias

Diego Siloé Retablo Capilla del Condestable

D. Forment Retablo mayor Basílica del Pilar

F. Bigarny

Retablo Monasterio del Poblet

Retablo mayor Capilla Real Granada Retablo catedral de Toledo

L. Leoni Carlos V y el furor

L. y P. Leoni Grupos funerarios Carlos V y Felipe II.

Pintura Renacimiento España

P. Berruguete Retablo convento Sto Tomás Retablo Iglesia Paredes de Nava

F. Yáñez de la Almedina Santa Catalina

Hernando Llanos Resurrección

Juan de Juanes

Última Cena El Martirio de San Sebastián

Luis de Morales Virgen de la leche

A. Sánchez Coello La dama del abanico

A. Moro María Tudor, Reina de Inglaterra

J. Pantoja de la Cruz Nacimiento de la Virgen

Línea del tiempo Historia del Arte

Gótico 1200-1600

Renacimiento

Quattrocento 1400-1500

Brunelleschi, Alberti, Bartolomeo Ghiberti, Donatello, Luca della Robbia, Jacopo della Quercia., Fra Angélico, Pisanello Panicale Masaccio, Piero della Francesca, Botticelli, Mantegna Messina.

Escuela de Umbría: Perugino, Luca Signorelli

Cinquecento 1500-1600

Manierismo 1550-1610

Miguel Ángel: Cúpula San Pedro Vignola: Il Gesú | G. della Porta.

arquitectura escultura pintura

Líneas del tiempo

Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.

Renacimiento en España 1500-1600

Plateresco

Enrique Egas (Uni. Salamanca, Casa de las Conchas), Diego de Siloé (Escalera Dorada)

Purismo

Diego Siloé (catedral de Granada), Pedro Machuca (Palacio Carlos V), Gil de Hontañón.

Herreriano

Juan de Herrera (El Escorial)

Diego de Siloé, Damián Formet, Felipe Vigarny Alonso Berruguete, Juan de Juni

Edad Moderna

Italiano

Bramante, Miguel Ángel, Palladio Miguel Ángel

Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Giorgione

Arquitectura

Escultura

Pintura

Arquitectura

Escultura

Pintura

Cellini Giambologna

Escuela veneciana: Tintoretto, Veronese, Tiziano Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Marietta Robusti

Pedro Berruguete, Juan de Juanes, Luis de Morales, El Greco.

arquitectura escultura pintura

Pintura: fichas obras Arte

título: La Virgen de las Rocas

título: La última Cena

Cronología

Finales siglo XV 1483

Estilo

Renacimiento Autor L. Da Vinci

Justifica tu respuesta

– Incorpora la nueva composición triangular o piramidal.

– Creación de una nueva perspectiva aérea por medio de la difuminación de luces y sombras.

– Relación psicológica entre los personajes gracias al lenguaje de las manos y miradas.

– Incorporación del sfumatto

título: La Gioconda

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Fichas identificación

Encontrarás este tipo de páginas con los datos más importantes de las distintas obras de cada movimiento.

Análisis completo de la obra

cronología

Finales siglo XV

Estilo

Renacimiento autor l. Da Vinci

Justifica tu respuesta

– Nueva técnica empleada al mezclar el temple y el óleo.

– Relación psicológica entre los personajes.

– Fenomenal lenguaje de manos y miradas muy expresivo en el conjunto de la escena

cronología Siglo XVI -1503-

Estilo

Renacimiento autor L. Da Vinci

Justifica tu respuesta

– Incorporación del sfumatto

– Composición piramidal o triangular

– Creación de una nueva perspectiva aérea por medio de la difuminación de luces y sombras.

– Crea tipos de ideales de belleza con mirada misteriosa y sonrisa enigmática.

– Perspectiva aérea.

– Óleo sobre tabla

título: La Escuela de Atenas

Cronología Siglo XVI 1510

Estilo

Renacimiento Escuela Romana Autor Rafael

Justifica tu respuesta

– Uso de la perspectiva lineal geométrica.

– Fresco en el que se fusiona la temática de la antigüedad clásica con el catolicismo imperante.

– Dominio del dibujo y suaves coloridos que se fusionan con el dibujo.

– Relación entre los personajes a través del lenguaje de las manos y miradas

Análisis completo de la obra

arte RENACIMIENTO

El Quattrocento

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Cuadro resumen

Autores y obras pág. 420-21

Línea del tiempo

pág.422

Fichas obras

pág. 423-430

Quattrocento

pág. 431-95

Cinquecento

pág. 496-555

Manierismo

pág. 556-95

Renacimiento España

pág. 596-646

Renacimiento norte Europa

pág. 647-87

7.1 Quattrocento

Cuadro artistas

Quattrocento pág.432

Contexto

pág.433

Arquitectura

Características generales pág.434

Autores pág 435

Obras pág.436-448

Escultura

Rasgos generales pág 449

Escultores pág 450-51

Obras pág.452-61

Pintura

Rasgos generales pág 462

Autores pág 463-69

Obras pág.470-91

Comentarios

Cúpula Sta. María Florencia pág.492-93

Anunciación de Fra Angélico pág. 494

El nacimiento de Venus Botticelli pág. 495

Esquema autores Quattrocento Arte

Arquitectura

Filippo Brunelleschi 1377-1446

Cúpula Catedral de Santa María de las Flores

Capilla Pazzi: fachada

La basílica del Espíritu Santo

Capilla Pazzi: cúpula gallonada sobre pechinas

El Hospital de los Inocentes

Interior de la Iglesia de San Lorenzo

Escultura

Lorenzo Ghiberti 1378-1455

Terceras puertas Baptisterio Florencia

San Juan Bautista

San Mateo

Pintura

Fra Angelico 1400-1455

El retablo de la Anunciación 1430

Obras del Convento de San Marcos de Florencia

Pintura

Masaccio 1401-1428

El tributo de la moneda

La Trinidad

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Michelozzo di Bartolomeo 1396-1492

Palacio Médici-Riccardi

León Batista Alberti 1404-1472

Fachada de la Basílica de Sta María Novella

Convento de San Francisco en Rímini

San Andrés de Mantua

Palacio Rucellai

Masaccio 1401-1428

Frescos Capilla Brancacci

Tributo de la Moneda | Masaccio

La Trinidad | Masaccio

Donatello 1386-1466

San Marcos

San Jorge

Tumba Cardenal Rainaldo Branacci

Púlpito catedral de Prato

Tabernáculo Capilla Cavalcanti

David

El Gattamelatta

Magdalena Penitente

Judith y Holofernes

Paolo Ucello 1397-1475

Niccolò Mauruzi da Tolentino en la batalla de San Romano

San Jorge, el dragón y la princesa

Piero della Francesca 1420-1492

Historia de la Vera Cruz 1452-1460

Doble Retrato de los Duques de Urbino

Virgen de Senigallia

Pala de Brera de Milán

Vista de una ciudad ideal

Esquema artistas inicial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Pedro Machuca 1490-155

Palacio de Carlos V

Luca della Robbia 1400-1482

Cantoría de la Catedral Sta. María del Fiore

Sandro Botticelli 1445-1510

El nacimiento de Venus

La Primavera

Palas domando al Centauro

Jacopo della Quercia 1374-1438

Panel de la Fontana Gaia

Verrocchio 1435-1488

Condottiero Colleoni

Los Milagros de San Cenobio

La Natividad Mística

A. da Messina 1430-1479

Cristo muerto sostenido por un ángel

La María de la Anunciación

Perugino 1446-1523

Entrega de las llaves a San Pedro

A. Mantegna 1431-1506

Cristo muerto

Pisanello 1395-1455

Retrato de una princesa de la casa del Este

L. Signerelli 1441-1523

Caída de los condenados

Pintura : autores Quattrocento 1ª mitad Arte

Pintores primera mitad siglo XV

En la primera mitad del siglo XV, varios pintores italianos destacan por sus contribuciones al desarrollo de la pintura, especialmente en el dominio de la perspectiva y la incorporación de elementos clásicos en sus obras

Beato Angelico o Fra Angelico 1400-1455

Fra Angelico, cuyo nombre real es Giovanni da Fiesole, es conocido por sus contemporáneos como un santo, ya que su pintura se considera de inspiración divina.

Comienza su carrera como iluminador de manuscritos, una técnica que será clave en su trabajo posterior en pintura sobre tabla y fresco

Las obras de Fra Angelico son herederas del estilo gótico, pero se le incluye en el Quattrocento por su uso de la arquitectura y la perspectiva influenciada por Brunelleschi.

En 1438, un momento clave en su vida ocurre cuando el Papa le encarga decorar el convento de San Marcos en Florencia Realiza 50 frescos para la sala capitular, el claustro y las celdas, que transmiten un mensaje de espiritualidad con una técnica muy detallada.

Su estilo conservador, más cercano al gótico que a las nuevas tendencias humanistas de la época, podría deberse a la presión de la Iglesia y la aristocracia toscana

Obra más importante

En su famoso retablo de La Anunciación (1430), usa colores brillantes, fondos dorados y figuras estilizadas, creando una luz especial que le da un ambiente primaveral al cuadro

Pisanello 1395-1455

Teoría

y apuntes

Trabajando en el norte de Italia, es conocido principalmente por sus frescos de gran tamaño, que se llenan de pequeñas figuras detalladas Utiliza un color brillante y su trazo es preciso, mostrando una gran minuciosidad en los detalles de sus escenas

Obras

Retrato de una princesa de la casa de Este

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Masolino da Panicale 1383-1440

Es otro pintor destacado de esta primera mitad del siglo. Fue maestro de Masaccio y mostró una preocupación especial por la representación fiel del espacio Su alumno, Masaccio, llevaría este interés aún más lejos

Obras

Entre las obras de Masolino se destacan los frescos de la Capilla Brancacci en la iglesia del Carmen de Florencia

Masaccio (Tommaso di Giovanni) 1401-1428

Masaccio, que vive solo 27 años, sorprende por su talento precoz y se considera el fundador de la pintura moderna. Es el primer pintor que trabaja con el color para crear volúmenes y efectos tridimensionales.

Sus primeras obras son los frescos de la Capilla Brancacci en la iglesia del Carmine en Florencia. Felice Brancacci, un rico comerciante, encarga a Masaccio y a Masolino de Panicale decorar su tumba con un ciclo de pinturas sobre San Pedro. De la parte de Masaccio, la más famosa es El Tributo de la Moneda, que muestra tres escenas:

1. En el centro, Cristo es abordado por el recaudador de impuestos de Cafarnaún quien le pide que pague el tributo antes de entrar a la ciudad.

2. A la izquierda, San Pedro pesca un pez en el lago de Genezaret y encuentra una moneda en su interior para pagar el tributo

3. A la derecha, Pedro le entrega la moneda al recaudador

Masaccio retrata a los personajes mostrando sus rasgos psicológicos y da a las figuras una corporeidad inspirada en las esculturas de Donatello en Or San Michele.

Otra obra importante de Masaccio es La Trinidad, pintada para la iglesia de Santa María Novella en Florencia En esta pintura, se nota su conocimiento de la perspectiva de Brunelleschi Los tres grupos (el Padre Eterno, el Calvario y los donantes) están en un tabernáculo cubierto por una bóveda acasetonada, creando una ilusión de profundidad.

Debajo de la pintura, hay una mesa de altar con un esqueleto y una inscripción que dice: “Yo fui antaño lo que sois vosotros, y lo que soy ahora, lo seréis mañana” La pintura puede interpretarse de forma vertical, desde el esqueleto (que simboliza la muerte) hasta la vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).

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Piero della Francesca 1420-1492

Piero della Francesca se educa en Florencia, cerca de su ciudad natal, y hace amistad con Giovanni Bacci Su primera gran obra, entre 1452 y 1460, es la decoración de la capilla familiar de los Bacci en la basílica de San Francisco en Arezzo En esta capilla, desarrolla la Historia de la Vera Cruz, que cuenta la historia de la madera de la cruz de Cristo en diez episodios tomados de la Leyenda Dorada:

– La historia comienza cuando los hijos de Adán guardan una ramita del Árbol de la Vida bajo su lengua, que luego se usará para hacer la cruz de Jesús

– Salomón tala este árbol y usa su tronco para construir un puente delante de su palacio

– La reina de Saba, al reconocer el tronco, lo adora en vez de pisarlo.

– Las escenas posteriores muestran el destino de la madera después de la resurrección de Cristo: Santa Elena descubre la reliquia, los persas la roban, pero el emperador Heraclio la recupera y la lleva a Jerusalén descalzo

Las características de esta obra, que Piero detalla en sus escritos teóricos, son:

– Modelar a los hombres, objetos y paisajes a través de la luz y el color.

– Reducir la naturaleza a figuras geométricas.

– Usar la perspectiva de manera matemática y rigurosa

Estos aspectos hacen que Piero della Francesca sea un precursor de pintores como Cézanne e incluso de los cubistas

Además, Piero es un destacado retratista Pinta retratos de varios príncipes y tiranos de los estados italianos, como Segismundo Malatesta de Rímini, Lionello d’Este de Ferrara y Federico de Montefeltro y Battista Sforza en Urbino

En Urbino, escribe sobre la perspectiva y se relaciona con la pintura flamenca, utilizando la técnica de las veladuras en obras como la Virgen de Senigallia y la famosa Pala de Brera en Milán

Piero muere en la madrugada del 11 al 12 de octubre de 1492, justo cuando la expedición de Colón llega al Nuevo Mundo

Paolo Uccello 1397-1475

Se distingue por su habilidad para representar la figura humana desde todos los ángulos posibles En sus cuadros de batallas, utiliza escorzos forzados, una técnica que demuestra su maestría a la hora de plasmar posturas diversas y complejas.

Obras

San Jorge, el dragón y la princesa

Pintura : autores Quattrocento

Fra Angelico Masolino da Panicale

Pisanello

Recopilación de obras

Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.

Frescos capilla Brancacci

M. Panicale

Retablo de la Anunciación

Fra Angelico 1430-1432

Retrato de una princesa de la casa de Este

Pisanello 1449

P. Uccello

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Massaccio

El tributo de la Moneda Masaccio 1424-1428

San Jorge y el dragón

Uccello 1470

La Trinidad Masaccio 1427-1428

arte RENACIMIENTO

El Cinquecento

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Cuadro resumen

Autores y obras pág. 420-21

Línea del tiempo

pág.422

Fichas obras

pág. 423-430

Quattrocento

pág. 431-95

Cinquecento

pág. 496-555

Manierismo

pág. 556-95

Renacimiento España

pág. 596-646

Renacimiento norte Europa

pág. 647-87

7.2 Cinquecento

Cuadro

artistas

Cinquecento pág.497

Contexto pág.498

Arquitectura

Características generales pág.499

Autores pág 499-500

Obras pág.501-507

Escultura

Rasgos generales pág 508

Escultores pág 508-10

Obras pág.511-21

Pintura

Rasgos generales pág 522

Autores pág 522-526

Obras pág.527-47

Comentarios

La escuela de Atenas pág.548-51

La Pietá del Vaticano pág. 552

La Virgen de las Rocas pág. 553

El Juicio Final pág. 554-555

Pintura : autores Cinquecento

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo, contemporáneo de Perugino es considerado el último cuatrocentista aunque se estudia dentro del Cinquecento junto con Rafael y Miguel Ángel Es un gran genio, el arquetipo del humanista renacentista, siendo pintor, escultor, arquitecto, músico y científico. Es, sobre todo, un científico que aporta a la pintura un enfoque de investigación Su principal contribución técnica es el sfumato (difuminado), que consiste en sombrear las figuras en el espacio utilizando el claroscuro

Para Leonardo, la pintura es una actividad intelectual que busca reproducir la realidad Sus aportaciones son clave para la posteridad como la composición triangular, el sfumato, el estudio de la luz y el uso del claroscuro para efectos tridimensionales.

– Crea la perspectiva aérea disminuyendo la intensidad de los colores para simular distancia, como en la Gioconda

– Introduce relaciones psicológicas entre personajes a través del lenguaje corporal, plasmando sentimientos, como en la Virgen de las rocas

– También crea tipos ideales de belleza con miradas misteriosas, como en el retrato de la Dama del armiño.

– Experimenta con nuevos materiales y técnicas como en La última cena.

Cuando es joven, Leonardo aprende en el taller del pintor Verrocchio, donde rápidamente destaca por su talento. Según cuenta Vasari, el maestro Verrocchio deja de pintar al darse cuenta de que su discípulo lo supera Verrocchio está trabajando en un cuadro sobre el Bautismo de Cristo y se queda impresionado por el ángel que sostiene una tela, pintado por Leonardo.

En 1482, Leonardo se muda a Milán donde Ludovico Sforza lo contrata como ingeniero militar, arquitecto, escultor y pintor Su primera obra terminada es La Virgen de las Rocas, en la que define dos características clave de su estilo: el sfumato y la composición piramidal.

La obra más importante de Leonardo en Milán es La Última Cena, que pinta en 1482 para decorar el comedor del convento de Santa María delle Grazie Como la técnica del fresco no le gusta porque lo obliga a pintar rápido y sin prestar atención a los detalles, intenta inventar un sistema para pintar al temple sobre la pared. Sin embargo, el resultado es un fracaso, y la pintura, que fue espectacular en su tiempo, ahora está casi desvanecida

Teoría y apuntes

Para poder representar a las trece figuras Leonardo crea la ilusión de un espacio más amplio, fingiendo una habitación adicional en el muro central Siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, dirige las líneas de fuga hacia las tres ventanas detrás de Cristo, que también dejan entrar luz natural

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

La escena muestra el momento exacto en que Cristo anuncia que uno de sus discípulos lo va a traicionar, lo que le permite a Leonardo agrupar a los apóstoles en grupos de tres para mostrar las diferentes reacciones ante la noticia El único que no se sorprende es Judas, que aprieta nerviosamente una bolsa de monedas.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

En 1501, Leonardo regresa a Florencia como un pintor ya muy reconocido Pinta Santa Ana, la Virgen y el Niño, una obra que desde la presentación de su cartón preparatorio atrae muchas visitas Poco después, pinta el fresco de la Batalla de Anghiari, que representa una carga de la caballería florentina contra los milaneses El cuadro está perdido, pero algunos creen que aún podría estar escondido bajo otro mural.

Entre 1503 y 1506, Leonardo pinta uno de los cuadros más famosos de la historia, el busto de Monna Lisa conocida también como "La Gioconda" porque estaba casada con Francesco Giocondo Es el retrato de una mujer con un paisaje en el fondo, envuelto en una atmósfera suave y difuminada. La silueta está desdibujada y el rostro tiene una expresión enigmática Leonardo parece estar muy orgulloso de esta obra, ya que se la lleva a Francia cuando viaja para trabajar en las fortificaciones de Francisco I, donde finalmente muere.

Rafael Sanzio (1483-1520)

Es un artista que lo tiene todo para ser admirado por la gente de su tiempo: es atractivo físicamente, tiene un carácter amable y su arte es accesible para todos Además, muere a los 37 años, justo en el momento en que está en su mejor momento tanto personal como artístico

Rafael destaca por su capacidad de asimilación de diversas influencias, desde su maestro Perugino hasta Leonardo Sus características incluyen un gran dominio del dibujo el uso de luz y sombra para efectos tridimensionales, y composiciones equilibradas y armónicas Los temas religiosos se centran en las Madonnas, arquetipos del clasicismo renacentista, como la Virgen del jilguero. También realiza retratos como el del Papa León X, y frescos para las estancias vaticanas, destacando La escuela de Atenas Utiliza colores suaves y crea escenas mitológicas y religiosas con gran detalle Su vida pasa por cuatro etapas importantes

Etapa en Perugia

En Perugia, estudia con el maestro local Pietro Perugino, de quien aprende a usar tonos claros, crear posturas elegantes y diseñar paisajes idílicos

Etapa en Urbino

En Urbino, sigue aprendiendo, esta vez concentrándose en la perspectiva, algo muy popular en ese momento gracias a Piero della Francesca, que había trabajado allí antes

Etapa en Florencia

En Florencia, Rafael toma de Leonardo la técnica del sfumato y la composición en forma de pirámide. Aquí pinta varias madonas, lo que le trae un éxito inmediato Tal vez la más conocida es la Virgen del jilguero

De esta etapa también es el cuadro Los desposorios de la Virgen, donde representa una escena del Nuevo Testamento con un fondo de un templete clásico

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Rafael Sanzio (1483-1520)

Etapa en Roma

La vida de Rafael da un giro en 1508, cuando el papa Julio II lo invita a Roma para decorar cuatro habitaciones que pasan a la historia como las Estancias Vaticanas:

a) Cámara de la Signatura o Estancia del Sello: es la única que Rafael pinta completamente por sí mismo Esta sala es el Tribunal del Sello del Papa y también su biblioteca personal Rafael decora las paredes con un programa humanista que hace referencias a la Jurisprudencia, la Poesía, la Teología y la Filosofía:

– La obra que trata sobre la Teología se llama La disputa del Sacramento.

– La que trata sobre la Filosofía, titulada La Escuela de Atenas, celebra la filosofía clásica, donde Platón señala el cielo y Aristóteles la tierra

b) Cámara de Heliodoro

c) Cámara del Incendio del Borgo

d) Cámara de Constantino.

Rafael también es conocido por sus retratos, entre los que destacan los de los papas Julio II y León X, su novia, “La fornarina”, y el escritor Baltasar de Castiglione

Su última gran obra son diez cartones para tapices con escenas de los Hechos de los Apóstoles, que son tejidos en Bruselas y están destinados a la capilla de León X Como el resto de su trabajo, estas obras reflejan la perfección de una sociedad en equilibrio, aunque siete años después de la muerte de Rafael, esos valores se verán amenazados por el saqueo de Roma

Giorgione (1477-1510)

Giorgione, en el inicio del siglo XVI, aporta una nueva visión de la naturaleza y la perfección ideal, comparable a Leonardo y Miguel Ángel. Introduce la novedad de pintar al óleo sin bocetos previos, aplicando el color, directamente, sobre el lienzo. Los paisajes ya no son accesorios, sino que tienen un gran protagonismo para contar la historia de la pintura

Obras más importantes

• La tempestad

• Venus dormida

• El atardecer

• La pastoral

• Judit

• Tramonto

Pintura : autores Cinquecento

San Juan Bautista 1513-1516

Recopilación de obras

Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.

La dama del armiño 1490

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Leonardo da Vinci

La

Comentario : El Juicio Final ArteRenacimiento

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Ficha técnica

Miguel Ángel

1537-1541

Pintura al fresco | Cinquecento

Palacios Vaticanos, Capilla Sixtina

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Contexto y significados

Nos situamos en el Cinquecento, época en la que los grandes papas como Julio II, desean embellecer el centro de la cristiandad y para ello cuentan con los más destacados artistas del momento, como Bramante Rafael y Miguel Ángel

Miguel Ángel es llamado a Roma por el papa Julio II, impresionado por su éxito con la estatua del "David", para encargarle su sepulcro Sin embargo, el sepulcro nunca llega a completarse, quedando solo algunas piezas como los esclavos y el "Moisés" Esto se debe en parte a que la atención del papa se centra en la construcción de la nueva Basílica de San Pedro. El fracaso de este proyecto parece atormentar a Miguel Ángel, quien lo compensa parcialmente con el encargo de la bóveda de la Capilla Sixtina

Años más tarde, se le encarga el "Juicio Final" Esta obra está profundamente condicionada por la crisis personal y religiosa que atraviesa Miguel Ángel en ese momento El saqueo de Roma y la decadencia de la visión optimista del humanismo renacentista lo llevan a un profundo pesimismo.

Miguel Ángel es uno de los grandes genios del Renacimiento. Destaca como arquitecto, pintor y, sobre todo, como escultor, algo que se refleja en los cuerpos musculosos y de gran anatomía que aparecen en sus obras. Su huella está presente en la cúpula del Vaticano, en la Capilla Sixtina y en esculturas como las diferentes "Pietas", el "David" o el "Moisés" Su estilo evoluciona hacia lo que se conoce como la "línea serpentinata", un retorcimiento característico que se observa en sus figuras, acompañado de fuertes contrastes de color.

Descripción

Miguel Ángel recibe el encargo de pintar el mural sobre el altar en 1536, unos veinticinco años después de terminar la bóveda Tiene 61 años cuando comienza la obra, que realiza con la técnica del fresco La escena está formada por una multitud de cuerpos desnudos, de grandes anatomías, que ascienden o descienden en un espacio dominado por un intenso color azul

1 En la parte superior, ángeles sin alas sostienen los instrumentos de la Pasión: la cruz, la columna y la corona de espinas.

2 En la parte central, Cristo aparece como un joven imberbe, de poderosa anatomía, que gira su cuerpo hacia la izquierda, donde se encuentran los condenados, con un gesto terrible y justiciero Su figura recuerda a la de Zeus lanzando rayos. A su lado está la Virgen, en una composición en zig-zag que con timidez y casi espantada desvía su mirada hacia los bienaventurados Detrás de ellos se observa un foco de luz símbolo de la luz divina.

3 Cerca de María y Cristo se sitúan varios santos que portan los instrumentos de su martirio: San Bartolomé sostiene el cuchillo con el que fue despellejado vivo y su piel en la otra mano (se cree que el rostro en esa piel es un autorretrato de Miguel Ángel); San Lorenzo sostiene la parrilla A ambos santos estaba dedicada la Capilla Sixtina También se encuentran San Pedro con las llaves, San Pablo con un gesto de ceño fruncido, San Andrés con su cruz en aspa San Sebastián con las flechas de su martirio, y Santa Catalina con la rueda de púas con la que fue martirizada

Descripción

4 Debajo de Cristo, en el eje central, los siete ángeles del Apocalipsis tocan sus trompetas para anunciar el inicio del Juicio mientras un arcángel lee el libro donde están los nombres de los elegidos, que comienzan a salir de sus tumbas

5 En el lado de los bienaventurados, se inicia un movimiento giratorio donde los benditos ascienden en un tumulto. Algunos parecen buscar y encontrar a sus familiares, mostrando lágrimas de felicidad Unos se ayudan a otros, mientras algunos demonios intentan evitar que asciendan.

6 En la parte opuesta, los condenados descienden caen en posturas complicadas y escorzos, como si se negaran a aceptar su castigo, con rostros llenos de expresividad.

7 En la parte inferior, Miguel Ángel introduce figuras mitológicas Caronte, en su barca, echa a los condenados al agua. En una esquina aparece Minos, rodeado de una serpiente que le muerde el pene Minos, representado con orejas de burro y cuernos, tiene una poderosa anatomía y está rodeado de figuras demoníacas.

Análisis formal

La obra es un estudio magistral del cuerpo humano, con la mayoría de las figuras desnudas y en diversas posturas Esta característica provoca una gran indignación en la época Los cuerpos son de gran anatomía, casi escultóricos, lo que refleja la experiencia de Miguel Ángel como escultor

No existe ninguna referencia espacial en la obra: no hay arquitecturas ni paisajes solo un cielo de un azul intenso que no transmite serenidad La composición se basa en una estructura complicada, con abundantes escorzos y figuras retorcidas, que crean una sensación de movimiento y agitación constante.

Los colores son vivos y contrastan fuertemente, alejándose de la armonía que caracteriza a Rafael Por ejemplo, en la Virgen se observa una combinación intensa de azul y rosa.

Miguel Ángel introduce su propio estilo, conocido como manierismo, en el que las figuras se enroscan sobre sí mismas, los músculos se tensan y el espacio no está claramente definido El manierismo también introduce por primera vez el tema de lo feo o deformado en la historia del arte

Comentario : El Juicio Final Arte

Grupo de los ángeles portando símbolo de la Pasión: cruz y corona de espinas.

El cielo Cristo, la Virgen, Bienaventurados, santos y mártires.

Grupo ascendente: salvados. Los juzgados que ascienden al cielo.

Ángeles trompeteros

Libros de la vida y la muerte.

Más información relevante

Resurrección de los muertos. Mundo Terrenal. Muertos llamados por los ángeles trompeteros.

He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.

Boca del infierno

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Grupo de ángeles portando símbolo de la Pasión: La columna

Grupo descendente: Los condenados

El infierno Condenados son conducidos en la barca de Caronte.

arte RENACIMIENTO

Manierismo

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Cuadro resumen

Autores y obras pág. 420-21

Línea del tiempo

pág.422

Fichas obras

pág. 423-430

Quattrocento

pág. 431-95

Cinquecento

pág. 496-555

Manierismo

pág. 556-95

Renacimiento España

pág. 596-646

Renacimiento norte Europa

pág. 647-87

7.3 Manierismo

Cuadro artistas

Manierismo pág.557

Contexto pág.558

Arquitectura

Características generales pág.558

Autores pág. 558

Obras pág.559-64

Escultura

Rasgos generales pág 565

Escultores pág. 565

Obras pág.566-68

Pintura

Rasgos generales pág. 569

Autores pág. 569-72

Obras pág.573-93

Comentarios

El Lavatorio pág. 594-95

Comentario : El Lavatorio Arte

Comentario

Esta obra pertenece al estilo veneciano, lo que se aprecia en el uso del óleo, la pincelada suelta y la perspectiva aérea. Sin embargo, también tiene rasgos manieristas, como las posturas forzadas de las figuras, la perspectiva descentrada y la composición desordenada Esto nos permite atribuir la obra a Tintoretto, uno de los grandes representantes del manierismo en Venecia

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Tintoretto se forma en Venecia, probablemente con Tiziano, lo que le permite dominar las técnicas avanzadas de la pintura veneciana del siglo XVI. A la vez, siente una profunda admiración por Miguel Ángel, cuyo estilo en su etapa madura se caracteriza por dejar de lado el equilibrio y la claridad del Renacimiento en busca de una mayor expresividad y dinamismo

Estas influencias se combinan en la pintura de Tintoretto, cuyo estilo personal supera en ocasiones los límites del manierismo y anticipa soluciones típicas del arte barroco.

El objetivo principal de Tintoretto es crear una conexión emocional con el espectador. Su obra invita a quien la observa a involucrarse emocionalmente, en vez de ser un simple observador pasivo, como sucedía con las obras del Alto Renacimiento El espectador debe relacionarse con la escena y seguir las grandes perspectivas del cuadro, sintiendo las emociones que esta transmite Además, la pintura de Tintoretto varía según el ángulo desde el que se mire, algo que no ocurre con las obras de Rafael o Leonardo

Tintoretto también tiene en cuenta el lugar donde se coloca su obra. Este cuadro estaba destinado a la pared derecha del presbiterio de San Marcuola en Venecia, por lo que la mejor manera de apreciarlo es desde un ángulo diagonal Esta idea de la perspectiva espacial anticipa lo que será habitual en el Barroco, como se ve en las esculturas de Bernini o en las pinturas de Velázquez, quienes también estudian cómo la luz afecta a sus obras.

Las perspectivas oblicuas, los escorzos forzados y la luz expresiva de Tintoretto eliminan el equilibrio clásico en favor de una expresión personal y dramática, lo que influirá en artistas como Caravaggio y Rubens. Su estilo emotivo conecta fácilmente con los fieles de las iglesias venecianas Tintoretto pinta de manera rápida, con pinceladas visibles y sin muchas correcciones No solía hacer bocetos, pero utilizaba teatrillos con figuras para estudiar los efectos de perspectiva, técnica que después adoptará El Greco Velázquez, admirador de Tintoretto, adquiere esta obra durante su segundo viaje a Italia. Las tonalidades frías del cuadro influyen en su última etapa, especialmente en el uso de la perspectiva.

Por último, es interesante la relación entre la pintura veneciana y la arquitectura clásica Tintoretto y Veronés crean grandes escenarios arquitectónicos en sus obras, a pesar de que Venecia no tiene una gran tradición clásica Estas pinturas crean una atmósfera que parece un sueño de antigüedad clásica en una ciudad que es mayormente gótica.

arte RENACIMIENTO

En España

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Cuadro resumen

Autores y obras pág. 420-21

Línea del tiempo

pág.422

Fichas obras

pág. 423-430

Quattrocento

pág. 431-95

Cinquecento

pág. 496-555

Manierismo

pág. 556-95

Renacimiento España

pág. 596-646

Renacimiento norte Europa

pág. 647-87

7.4 España

Cuadro artistas

Rto. España pág.597

Contexto pág.598

Arquitectura

Características generales pág.598

Etapas arquitectura pág 598-99

Obras pág.600-08

Escultura

Rasgos generales pág 609

Escultores pág 609-611

Obras pág.612-22

Pintura

Rasgos generales pág 623

Autores pág 623-26

Obras pág.627-44

Comentarios

San Lorenzo de El Escorial pág.645 El Entierro del conde de Orgaz pág.646

Esquema autores Renacimiento España Arte

Arquitectura

Plateresco primera mitad siglo XVI

Enrique Egas

Fachada Uni. Salamanca

La casa de las Conchas

El Hospital de la Santa Cruz

Escultura

Alonso Berruguete

Retablo monasterio de La Mejorada

Retablo de San Benito El Real

El sacrificio de Isaac

El martirio de San Sebastián

San Jerónimo

La Transfiguración

La Visitación

Sepulcro Cardenal Tavera

Purismo 1530-1563

P. Machuca

Palacio de Carlos V

D. Siloé

Catedral de Granada

Iglesia de San Jerónimo

Juan de Juni

Entierro de Cristo

Retablo Santa María de la Antigua

Retablo catedral Burgo de Osma

Retablo capilla de la familia Benavente.

Virgen de las Angustias

Pintura

Pedro Berruguete

Retablo convento Sto Tomás

Retablo Iglesia Paredes de Nava

Pintura

A. Sánchez Coello

La dama del abanico

Antonio Moro

María Tudor, Reina de Inglaterra

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Gil de Hontañón

Fachada Uni Alcalá de Henares

Esquema artistas inicial

Herreriano segunda mitad siglo XVI

Juan de Herrera

Monasterio de El Escorial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

D. Siloé

Retablo Capilla del Condestable

D. Forment

Retablo mayor Basílica del Pilar

Retablo Monasterio del Poblet

F. Bigarny

Retablo mayor Capilla Real Granada

Retablo catedral de Toledo

L. Leoni

Carlos V y el furor

L. y P. Leoni

Grupos funerarios Carlos V y Felipe II.

F. Yáñez de la Almedina

Santa Catalina

Juan Pantoja de la Cruz

Nacimiento de la Virgen

Hernando Llanos

Resurrección

Juan de Juanes

Última Cena

El Martirio de San Sebastián

Más autores, obras y apuntes

Luis de Morales

Virgen de la leche

Pintura : Renacimiento España

La pintura en el Renacimiento español

La influencia italiana llega a España de manera tardía, ya que la pintura flamenca que se adapta bien a las necesidades de la Iglesia, domina primero La difusión del Renacimiento italiano se da de varias formas: se importan pinturas y grabados, hay pintores italianos en España y artistas españoles viajan a Italia

En el primer tercio del siglo XVI, sigue predominando el estilo gótico hispano-flamenco, aunque poco a poco se empiezan a ver influencias italianas como el interés por la figura humana, la profundidad y las proporciones Un buen ejemplo es Pedro Berruguete, que mezcla ambas influencias

En el segundo tercio del siglo XVI, un grupo de pintores valencianos imita a los artistas del Cinquecento italiano Entre ellos están Fernando Yáñez, que pinta "Santa Catalina", Vicente Masip, y Juan de Juanes, conocido por su "Última Cena"

En la segunda mitad del siglo XVI, aparece el Manierismo en España, influenciado por Miguel Ángel y la pintura veneciana Algunos artistas destacados son:

– Luis de Morales, un pintor que expresa un fuerte sentimentalismo. Sus figuras son alargadas, utiliza colores fríos, y los contrastes de luz y sombra en su obra anticipan el tenebrismo. Un ejemplo de su trabajo es "La Virgen con el Niño"

– Los retratistas que trabajan para la corte en El Escorial también destacan en esta época

Características

Al igual que la escultura, la pintura se convierte en un medio para promover la fe católica frente al protestantismo, con el objetivo de conmover a través de las emociones. Las escenas mitológicas o profanas son trabajadas principalmente por pintores extranjeros, como Tiziano, que trabajan para la corte o la nobleza

Teoría y apuntes

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

La pintura renacentista en España se caracteriza por su enfoque en temas religiosos, ya que la Iglesia es el cliente principal. Las imágenes sirven para promover la fe católica frente al protestantismo, buscando conmover a los fieles Las temáticas mitológicas y profanas son poco comunes y suelen ser trabajadas por artistas italianos como Tiziano, que pintan para la corte de Carlos V y Felipe II

Las técnicas más utilizadas son el óleo sobre tabla y, luego, sobre lienzo El fresco no se desarrolla tanto como en Italia

Primera mitad siglo XVI

En el primer tercio del siglo XVI, coexisten dos influencias: la flamenca, que sigue dominando con su realismo y colorido, y la italiana del Quattrocento, que se introduce lentamente Los pintores comienzan a interesarse por el dibujo, la figura humana y la perspectiva, aunque aún no logran dominar estos aspectos Más tarde, la influencia de Leonardo da Vinci se nota en el uso del sfumato y en el interés por las actitudes y los paisajes.

Pedro Berruguete

Pedro Berruguete (pintor palentino), considerado uno de los mejores pintores de finales del siglo XV y principios del XVI viaja a los Países Bajos y a Italia Su obra combina las influencias flamenca e italiana, destacando en el retablo del convento de Santo Tomás de Ávila, encargado por el inquisidor Torquemada, y en el retablo de la iglesia de Paredes de Nava, su ciudad natal.

Fernando Yáñez de la Almedina y Hernando Llanos

A Valencia llega la influencia del Quattrocento a fines del siglo XV, gracias a la cercanía y a la presencia de pintores italianos

Fernando Yáñez de la Almedina y Hernando Llanos traen el estilo de Leonardo, como se observa en la Santa Catalina de Fernando Yáñez de la Almedina.

Segunda mitad siglo XVI

En el segundo tercio del siglo XVI, un grupo de pintores valencianos copia a los grandes artistas del Cinquecento, con una influencia más fuerte de Rafael que de Leonardo

Juan de Juanes

Juan de Juanes destaca por combinar el sfumato de Leonardo con el color y la dulzura de Rafael, creando obras populares como la Última Cena y El Martirio de San Sebastián

En la segunda mitad del siglo XVI, la pintura alcanza un nivel más alto, influenciada por Miguel Ángel y la pintura veneciana, y se introduce el Manierismo Este estilo se caracteriza por colores fríos desproporciones y movimiento exagerado, y los artistas españoles se integran rápidamente debido a la escasa influencia del clasicismo.

Luis de Morales

Luis de Morales, conocido como "El Divino", se destaca por sus temas piadosos (vírgenes y cristos) con figuras alargadas y expresiones intensas anticipando el tenebrismo y el sentimentalismo de la pintura barroca. Entre sus obras destacan su Virgen con el Niño (Virgen de la leche), Piedad, ambas en el Museo del Prado.

Más pintores

En la corte de Felipe II, hay un grupo de pintores, en su mayoría italianos, que decoran el Escorial y retratistas de la corte como Alonso Sánchez Coello, Antonio Moro y Juan Pantoja de la Cruz

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Pintura : Renacimiento España

Juan de Juanes

La última cena

Juan de Juanes 1559-62

Martirio de San Esteban

Juan de Juanes 1555-1562

Luis de Morales

Más autores

Retablo del Real

Monasterio de Santo

Tomás

P. Berruguete 1494

Recopilación de obras

Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.

Virgen con el Niño

(Virgen de la leche)

Luis de Morales 1572

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La Piedad

Luis de Morales 1565-1570

Nacimiento de la Virgen

J. Pantoja de la Cruz 1603

Santa Catalina

F. Yáñez de la Almedina 1510

María Tudor, reina de Inglaterra

Antonio Moro 1554

La dama del abanico

Alonso Sánchez Coello 1570-1573

arte RENACIMIENTO

Norte de Europa

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Cuadro resumen

Autores y obras pág. 420-21

Línea del tiempo

pág.422

Fichas obras

pág. 423-430

Quattrocento

pág. 431-95

Cinquecento

pág. 496-555

Manierismo

pág. 556-95

Renacimiento España

pág. 596-646

Renacimiento norte Europa

pág. 647-87

7.5 Rto. Norte

Europa

Cuadro artistas

Rto. Norte Europa pág.648-49 Pintura

Características primitivos flamencos pág.650

Primitivos flamencos pág 651-53

Obras primitivos flamencos pág.657-67

Renacimiento en Flandes pág. 668-69

Renacimiento en Alemania pág. 670-72

Obras pág. 673-78

Comentarios

Políptico adoración del Cordero Místico pág.679-81

El matrimonio Arnolfini pág.682

El jardín de las delicias pág.683-87

Esquema artistas: Renacimiento fuera de Italia

Primitivos flamencos

Robert Campin 1379-1445

Retrato de un hombre

Tríptico Werl

Tríptico de la Anunciación

Primitivos flamencos

Hyeronimus Bosch “El Bosco” 1450-1560

El jardín de las Delicias

Adoración de los Magos

La nave de los locos

El Juicio final

Tríptico de las Tentaciones de san Antonio

Tríptico del carro de Heno

Mesa de los pecados capitales

Jan Van Eyck 1395-1441

El matrimonio Arnolfini

La Virgen del Canciller Rolin

La Virgen del Canónigo Van der Paele

El Políptico de la Adoración del Cordero Místico

Retrato de hombre con turbante rojo

Rogier Van der Weyden 1399-1464

El Descendimiento

El Tríptico de Miraflores

El Juicio Final

Visitación

Renacimiento Flandes

Quentin Massys 1466-1530

La duquesa fea

El cambista y su mujer

Joachim Patinir 1480-1526

El paso de la laguna Estigia

Paisaje con San Jerónimo

Bautismo de Cristo

Descanso en la Huida a Egipto

La huida a Egipto

Dirk Bouts 1415-1475

La última cena

La Virgen y el Niño

Esquema artistas inicial

La caída de los condenados

La justicia del Emperador Otón

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Más autores, obras

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Renacimiento Flandes

Pieter Brueghel el Viejo 1525-1569

El combate entre don Carnal y doña Cuaresma

Los cazadores en la nieve

Boda campesina

La torre de Babel

Juegos de niños

El triunfo de la muerte

La cosecha

Más autores, obras

Mabuse 1478-1532

Retrato de Enrique III de Nassau-Breda

Adoración de los Reyes

Cristo antes de la flagelación

Más autores, obras

Pintura Proto-Renacimiento: Primitivos flamencos Arte

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Jan Van Eyck 1395-1441

Robert Campin es un pintor primitivo flamenco del que, lamentablemente, se sabe muy poco en cuanto a su vida personal. Sin embargo, sus obras maestras hablan por sí solas Es conocido por recibir encargos de particulares gremios y autoridades religiosas y civiles, lo que le permitió vivir cómodamente.

Dueño de varias propiedades, también invirtió en bonos e hipotecas

Aunque se ve envuelto en un escándalo por adulterio con Laurence Polette, que le lleva a ser desterrado durante un año en 1432, su arte destaca por encima de todo

Campin es pionero en el uso del óleo lo que le permite un nivel de realismo nunca visto Esta técnica le da más tiempo para trabajar los detalles antes de que la pintura se seque, logrando acabados brillantes y naturalistas Aunque se centra en el arte religioso, también pinta retratos y escenas cotidianas incorporando elementos domésticos en sus obras sacras. Junto a Jan van Eyck, marca el inicio de un nuevo estilo, rompiendo con el Gótico

Su obra más importante son dos puertas de un tríptico con Santa Bárbara y Enrique de Werl arrollidado con San Juan Bautista: El Tríptico de Werl

Obras

Retrato de un hombre

Tríptico Werl o Santa Bárbara y San Juan con el Donante Tríptico de la Anunciación

Rogier Van der Weyden 1399-1464

Rogier van der Weyden, también conocido como Rogier de la Pasture, es un pintor primitivo flamenco famoso por su detallismo minucioso y la fuerza estética de sus composiciones.

A los 35 años es nombrado pintor oficial de la ciudad de Bruselas aunque de su vida anterior se sabe poco, más allá de su prestigio y éxito. Aunque no deja un gran número de obras, las que se le atribuyen son auténticas joyas del arte flamenco

Teoría y apuntes

Su estilo es típicamente "del norte", pero muestra influencias del arte italiano, especialmente en el tratamiento de la anatomía y las poses Además, se distingue por un estilo escultórico que otorga volumen y realismo a los cuerpos Gran parte de su obra se encuentra en España, ya que Flandes formaba parte de este país en el siglo XV

Entre sus obras más conocidas están "El Descendimiento", que destaca por la expresividad y composición, un tríptico del cual solo se conserva la tabla central. "El Tríptico de Miraflores", con escenas religiosas llenas de simbolismo, y "El Juicio Final", una impresionante representación del Apocalipsis

Obras

El Descendimiento

El Tríptico de Miraflores

El Juicio Final

Visitación Robert Campin 1379-1445

Dirk Bouts 1415-1475

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Es uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo un hermano, Hubert, que colabora con él en algunas obras, aunque muere de forma prematura

Procedente de una familia de pintores en Lieja, probablemente empieza en la miniatura, lo que explica el detallismo de su obra Con 30 años, se dedica a pintar sobre tabla y trabaja para Felipe el Bueno, viajando como diplomático por Europa

Jan van Eyck es uno de los pintores flamencos más destacados, conocido por transformar la pintura gótica en algo nuevo y fresco Aunque existe la creencia de que él inventa la pintura al óleo en realidad este tipo de pintura ya existía desde al menos 1125 Sin embargo, Jan y su hermano son los primeros flamencos en usar el óleo sobre tabla de manera detallada, desarrollando técnicas como las veladuras, el uso de trompe l'œil y un aglutinante de secado rápido.

Aunque su pintura parece muy realista, tiene un gran contenido conceptual y está llena de símbolos que a menudo son difíciles de interpretar. Van Eyck es extremadamente detallista y en sus obras destaca la representación del espacio con una sorprendente profundidad

El Políptico de la Adoración del Cordero Místico Su obra clave es "El Políptico de la Adoración del Cordero Místico", pintado para la iglesia de San Bavón de Gante

Este gran políptico mide 3 50 x 4 61 metros y consta de veinte paneles de roble, de los cuales ocho son móviles y están pintados por ambas caras Fue financiado por Joos Vijd, quien aparece retratado junto a su esposa en la parte exterior del políptico Existe un documento que indica que Hubert inició la obra y Jan la terminó.

En conjunto, destaca por su unidad compositiva y está compuesto por retratos paisajes y naturalezas muertas, todos tratados con gran minuciosidad. El políptico está lleno de símbolos: por ejemplo, los lirios junto a los mártires representan la virginidad, y la corona a los pies de Dios simboliza la subordinación del poder terrenal al divino

Otras obras

Otra obra importante de Jan van Eyck es "El matrimonio Arnolfini" Entre sus retratos más destacados están "La Virgen del Canciller Rolin" y "La Virgen del Canónigo Van der Paele", donde las figuras de los donantes casi predominan sobre las de la Virgen

Obras

El matrimonio Arnolfini

La Virgen del Canciller Rolin

La Virgen del Canónigo Van der Paele

El Políptico de la Adoración del Cordero Místico

Retrato de hombre con turbante rojo

Dirk Bouts, o Dieric Bouts, es un pintor primitivo flamenco del siglo XV que nace en Haarlem en 1415 y pasa gran parte de su vida en Lovaina Aunque no se sabe mucho sobre sus primeros años como artista, se nota la influencia de maestros como van Eyck y van der Weyden en su trabajo

Su pintura tiene la rigidez típica del Renacimiento temprano pero destaca por el uso del color y la expresividad A diferencia de otros pintores flamencos, Bouts no emplea mucho la perspectiva, lo que puede hacer que sus obras parezcan menos sofisticadas, aunque no faltan la minuciosidad ni la atención al paisaje y al retrato

Sus temas principales son religiosos y el retrato como se ve en obras destacadas como "La Última Cena", un ejemplo temprano de la perspectiva lineal, "El martirio de San Erasmo", con sus detalles dramáticos, y “La justicia del Emperador Otón", parte de un conjunto de paneles narrativos

Obras

La última cena

La Virgen y el Niño

La caída de los condenados

La justicia del Emperador Otón

Hyeronimus Bosch “El Bosco” 1450-1560

El Bosco, cuyo nombre real es Jheronimus van Aken, es uno de los pintores más singulares del Renacimiento del Norte de Europa, conocido por sus obras cargadas de simbolismo y escenas fantásticas que sorprenden por su modernidad A diferencia de otros artistas de su época, no se ve influenciado por la cultura urbana o las tendencias artísticas de Italia y Flandes, sino que desarrolla un estilo único, basado en la cultura popular, los refranes y las supersticiones.

El Bosco aborda en sus pinturas temas religiosos, pero siempre con un enfoque crítico hacia la debilidad humana Sus cuadros están llenos de detalles simbólicos y criaturas híbridas que representan la inclinación del ser humano hacia el pecado Las influencias del folclore la astrología la brujería y la alquimia se combinan en sus obras, creando imágenes que desafían la imaginación y reflejan su preocupación por la condena eterna

Entre sus obras más destacadas están "El jardín de las delicias", con su exuberante mundo de criaturas fantásticas; "El carro de heno", que critica la avaricia y otros vicios y "Las tentaciones de San Antonio", donde representa el combate espiritual en paisajes surrealistas Estas pinturas, admiradas por Felipe II, se conservan en su mayoría en el Museo del Prado.

Obras

El jardín de las Delicias

Adoración de los Magos

La nave de los locos

El Juicio final Tríptico de las Tentaciones de san Antonio Tríptico del carro de Heno

Mesa de los pecados capitales

Pintura Proto-Renacimiento: Primitivos flamencos Arte

El jardín de las delicias

Autor: El Bosco | Renacimiento Norte Europa 1500-1505

Pintura al óleo sobre tabla. Tamaño 220x389cm. Se encuentra en el Museo del Prado (Madrid).

Recopilación de obras

Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.

Adoración de los Magos

Autor: El Bosco | Renacimiento Norte Europa 1485-1500

Óleo sobre tabla. Tamaño 138x72cm. Se encuentra en el Museo del Prado (Madrid)

La nave de los locos

Autor: El Bosco | Renacimiento Norte Europa 1503-1504

Óleo sobre tabla. Tamaño 58x33cm. Se encuentra en el Museo del Louvre (París)

El Tríptico del Carro de Heno

Autor: El Bosco | Renacimiento Norte Europa 1516

Óleo. Museo del Prado, Madrid

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El Juicio Final

Autor: El Bosco Renacimiento Norte Europa 1482 aprox.

Óleo sobre tabla. Tamaño 163,2x242cm. Academia de Bellas Artes de Viena.

Pintura: Renacimiento norte Europa-Flandes-

Quentin Massys 1466-1530 (Flandes)

Quentin Massys se establece como el fundador de la escuela de Amberes, una de las más importantes del arte flamenco, al combinar la rica tradición pictórica de la región con las modernas corrientes que surgen en Italia durante los inicios del Renacimiento

Probablemente, Massys nace en Lovaina, donde recibe su formación inicial Sin embargo, se traslada a Amberes donde pasa el resto de su vida, manteniendo contacto con el resto de Europa lo cual se refleja en su obra

Massys es principalmente un pintor de temática religiosa, donde se fusionan las influencias flamencas y las italianas En su trabajo, se observa cómo la tradición y la modernidad chocan de manera positiva, creando obras que se convierten en parte de la historia del arte. Como buen artista flamenco, sus cuadros religiosos destacan por la intensidad de su sentimiento religioso, el uso de un cromatismo suntuoso y una gran atención al detalle. Estos elementos aportan una profundidad emocional a sus obras

En el ámbito del retrato, Massys es muy valorado por su habilidad para representar la anatomía humana, incluidas ciertas fisionomías grotescas, lo cual puede atribuirse a la influencia de Leonardo da Vinci Además, Massys desarrolla un gran sentido del humor, creando obras con un estilo satírico que, por su carácter innovador, se consideran adelantadas a las vanguardias del siglo XX

Obras

La duquesa fea

El cambista y su mujer

Joachim Patinir 1480-1526 (Flandes)

Joachim Patinir, pintor flamenco del Renacimiento del Norte es conocido por sus paisajes grandiosos donde la naturaleza domina la escena y los personajes parecen quedar en un segundo plano

Su uso del color verde y la disposición de los planos cromáticos, alternando ocres, azules y verdes crean una gran profundidad en sus cuadros, con horizontes altos y luces casi irreales. Patinir es admirador de Gerard David y amigo de Durero, y desde 1515 forma parte de la cofradía de Amberes Patinir logra captar ese momento indefinido entre la realidad y el sueño, creando una atmósfera casi mágica en sus paisajes

Teoría y apuntes

Entre sus obras más notables se encuentran "La huida a Egipto", tema que pinta en múltiples variantes, "El paso de la laguna Estigia", donde combina lo mitológico y lo bíblico, y "El descanso en la huida a Egipto", mostrando su maestría para representar caminos sinuosos, colinas y ciudades a lo lejos

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Obras

El paso de la laguna Estigia

La huida a Egipto

Descanso en la Huida a Egipto

Bautismo de Cristo Paisaje con San Jerónimo

Mabuse 1478-1532

Mabuse, conocido también como Jan Gossaert, se presenta como un destacado artista flamenco y uno de los pioneros en introducir el "arte moderno" al norte de Europa Este "arte moderno" hace referencia a lo que se estaba desarrollando en Italia durante el siglo XIV, considerado uno de los momentos más revolucionarios de la historia del arte.

Nace en Maubeuge lo que le da su apodo, y comienza su carrera en los talleres locales, donde se caracteriza por incluir fondos arquitectónicos al estilo italiano Su talento lo lleva rápidamente a hacerse un nombre en diversas cortes europeas Durante su carrera, realiza un viaje a Italia que le permite conocer de primera mano los avances en estudios de anatomía perspectiva y motivos clásicos que están en auge en ese momento

Gracias a Mabuse se inicia una moda por lo italiano en el arte, lo que provoca un gran movimiento de turismo artístico hacia Italia Sin embargo, esta tendencia tiene un impacto negativo en el arte flamenco, ya que durante siglos lo italiano tiende a dominar la escena artística A lo largo de su carrera, trabaja para diversos aristócratas y reyes, realizando pinturas de temas mitológicos religiosos y retratos

Sus experiencias en Italia influyen profundamente en su obra, y es a partir de este momento cuando comienza a crear las obras por las que es más reconocido. Mabuse no solo destaca en la composición, sino que también muestra un talento excepcional en la representación de texturas en las vestimentas Combina las técnicas italianas, como el claroscuro y la perspectiva, junto con la precisión técnica característica de la pintura flamenca

Obras

Retrato de Enrique III de Nassau-Breda Cristo antes de la flagelación

Adoración de los Reyes

Pieter Brueghel el Viejo 1525-1569 (Flandes)

Pieter Brueghel, conocido también como "Brueghel el Viejo" o "Bruegel el Campesino", es un pintor flamenco del Renacimiento del Norte Abre una nueva etapa en la pintura de Flandes, retratando la vida campesina y el paisaje con un enfoque realista

A diferencia de El Bosco, quien muestra un mundo sobrenatural y caótico, Brueghel representa escenas cotidianas, llenas de alegría y tristeza, en las que la naturaleza es aliada del ser humano Su estilo se caracteriza por el tratamiento detallado de las figuras y el entorno, evitando la idealización

Entre sus obras más importantes se encuentran "El triunfo de la muerte", donde aborda la inevitabilidad de la muerte, "Los cazadores en la nieve", que captura el frío invierno y la vida rural

Obras

El combate entre don Carnal y doña Cuaresma

Los cazadores en la nieve

La cosecha

El triunfo de la muerte

Juegos de niños

La torre de Babel

Boda campesina

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Comentario : políptico adoración del Cordero Místico ArteRenacimiento

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Ficha técnica

Huber y Jan van Eyck.

1422-1429 (primitivos flamencos)

Óleo sobre tabla – Género religioso-

Catedral de San Bavón, Gante.

Artista y época

Hubert Van Eyck (trabajó entre 1422 y 1425/1426) y su hermano Jan Van Eyck quien continuó el trabajo tras la muerte de Hubert Algunos expertos atribuyen las tablas inferiores a Hubert, con un estilo cercano al gótico internacional

El promotor fue Jodocus Vijd, un burgués y diplomático al servicio de Felipe el Atrevido de Borgoña, y su esposa El políptico estaba destinado a su capilla familiar en la catedral de Gante.

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

La pintura de los primitivos flamencos surge en un contexto de auge económico en ciudades como Brujas o Gante, con un crecimiento de la burguesía que imponía sus gustos por el confort y el realismo. En este políptico, los retratos de los donantes en actitud orante representan un ejemplo del individualismo burgués, buscando perdurar tras la muerte como promotores visibles y no anónimos.

Análisis

El políptico, compuesto por 24 tablas, se empezó a restaurar en 2010 La primera fase, que abarcó los paneles traseros de las puertas, terminó en 2017 La segunda fase, centrada en los paneles inferiores (peregrinos, ermitaños, la escena central de la Adoración, los caballeros de Cristo y los Jueces justos), concluyó en 2019. El tema central se basa en el Apocalipsis de San Juan que describe a una multitud adorando al Cordero como fuente de salvación

Políptico abierto

El políptico abierto se divide en dos niveles El nivel superior tiene menos figuras pero más grandes, y el nivel inferior es más complejo, con más figuras, atribuyéndose a Hubert van Eyck

Nivel superior

– Adán: representado desnudo, tapándose con una hoja encima, en grisalla, se muestra a Caín y Abel haciendo ofrendas a Dios

– Ángeles Cantores: vestidos con elegancia, alaban a Dios.

– María: idealizada con una melena rubia, lee un libro con gran detalle, vestida con un manto azul bordado y adornada con joyas

– Dios Padre: sentado en su trono, vestido con una rica túnica roja, tiara y báculo, bendice con tres dedos símbolo de la Trinidad

– Juan Bautista: con pelo y barba, vestido con manto de piel, cubierto por una capa verde, sostiene un libro

– Ángeles Músicos: alaban a Dios con instrumentos musicales minuciosamente detallados

– Eva: desnuda con una fruta aludiendo al pecado original; encima, en grisalla la muerte de Abel a manos de Caín.

Nivel inferior

– Izquierda: jueces y caballeros como San Jorge y San Luis, rey de Francia

– Derecha: ermitaños como San Antonio Abad y peregrinos como San Cristóbal y Santiago

– Tablas Centrales: representan la Adoración del Cordero, con un eje de simetría que va desde el pozo, pasando por el cordero y terminando en el sol Alrededor del altar, dos círculos concéntricos: patriarcas, apóstoles, santos, y ángeles.

Políptico cerrado

Consta de tres niveles

1. Nivel Inferior: donantes orantes y, en grisalla, San Juan Bautista con un cordero en los brazos y San Juan Evangelista que porta un cáliz Sus cabezas se contraponen

2. Nivel Intermedio: la Anunciación con el arcángel Gabriel y la Virgen María El arcángel Gabriel lleva un ramo de lirios, símbolo de pureza, e inclina la cabeza, parece que saluda María viste con una capa blanca y parece sorprenderse al detener la lectura y cruzando sus manos sobre el pecho, mientras posa la cabeza sobre una paloma Se consigue la profundidad estrechando las paredes, mientras el suelo sube y el techo desciende. El mirador también contribuye a la profundidad Junto al mirador se encuentra una hornacina coronada con gablete gótico con una toalla, un cuenco para agua y un aguamanil También se aprecia una pequeña ventana con arcos trilobulados, donde se encuentra la virgen

3. Nivel Superior: profetas y sibilas, como Zacarías, la sibila Eritrea, la sibila de Cumas y Miqueas, uniendo clasicismo y Antiguo Testamento

Análisis formal

Atribución

La parte inferior se atribuye a Hubert por su estilo más arcaico y miniaturizado, cercano al gótico internacional Mientras que la parte superior se le atribuye a Jan van Eyck

Composición

La composición es cerrada, con un eje central desde Dios Padre, el Espíritu Santo, el Cordero y el Pozo

Análisis formal

Técnica

La técnica es el óleo, perfeccionado por los hermanos Van Eyck El óleo permite pintar más despacio, ya que se seca más lentamente Además, permite rectificaciones, veladuras y un mayor detalle en vestidos, pieles, telas, libros, etc. Se emplearon pinceles de distintos grosores, para conseguir el trabajo tan minucioso

Colores

Los colores son brillantes y luminosos, destacan el rojo, azul y verde, especialmente en los personajes de la parte superior También destaca el color dorado de las aureolas, como recuerdo del bizantinismo

Tratamiento de las figuras

La mayor parte de las figuras están idealizadas como María y Dios Padre, incluso los prados y árboles Por otro lado, Adán y Eva se presentan de una forma naturalista, desnudos, con interés por la anatomía Se puede percibir el claroscuro de las caras y el detallismo de los cabellos. También son realistas los donantes de las hornacinas, que tienen arcos trilobulados, donde las luces y sombras dan profundidad

Perspectiva

Presenta una perspectiva clásica y lineal en la Anunciación y "vista de pájaro" en las tablas del Cordero, no existiendo relación con el paisaje

Luz

La iluminación es uniforme en la parte inferior (parece que procede de lo alto e incide directamente sobre el cordero) La parte superior, atribuida a Jan van Eyck, muestra una evolución dado que se introduce el claroscuro, que da volumen a las figuras.

Expresión

La expresión de Dios es hierática Adán y Eva muestran dignidad y tristeza por la pérdida del Paraíso Los donantes tienen una actitud de recogimiento, con rasgos de vejez

Significados

En el centro del retablo, el tema principal muestra a una multitud que se acerca para adorar al Cordero, un símbolo del sacrificio de Cristo Este sacrificio es clave para la redención y la salvación, según la visión de San Juan en el Apocalipsis (Capítulo 7). En este pasaje, San Juan describe una multitud incontable de personas de todas las naciones y lenguas, vestidas de blanco y con palmas en las manos, que están de pie ante el trono y el Cordero, proclamando: "La salvación viene de nuestro Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero"

Además, otros elementos simbólicos también están relacionados con la salvación

– Adán y Eva junto con el asesinato de Abel, simbolizan el origen del pecado

– Los profetas y las sibilas anuncian la llegada del Mesías, que redimirá el pecado Aunque el pecado lleva a la muerte, el sacrificio de Jesús trae salvación, como dicen la Biblia y San Pablo

– Los "Juanes" están relacionados con la profecía: Juan Bautista es el último profeta, y Juan Evangelista predice la segunda venida de Cristo

– La Anunciación representa el nacimiento de Jesús como el Mesías salvador, con la presencia del Espíritu Santo

– El pozo o fuente de la vida simboliza el Bautismo, que limpia del pecado original

– El Cordero simboliza el sacrificio de Jesús, conectado con la Pascua cristiana y judía.

– Hay alusiones a la Eucaristía en el cáliz lleno de sangre, que simboliza la participación en la muerte de Cristo

– Finalmente, el Cordero, el hijo, está relacionado con el Espíritu Santo, que a su vez está vinculado con Dios Todopoderoso, cuyo poder como rey del mundo se simboliza con una corona Esto establece el vínculo entre la Trinidad

Pintura: políptico adoración del Cordero Místico Arte

Ángeles cantores: Vestidos elegantes. Alaban a Dios. María: idealizada. Viste de azul y lee un libro.

Caín y Abel: en grisalla.

Adán: desnudo y tapándose con una hoja.

Comentarios

Jueces y caballeros: San Jorge, San Luis.

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Dios Padre: sentado en su trono. Bendice con 3 dedos, símbolo de la Trinidad.

Juan Bautista: Sostiene un libro. Ángeles músicos: Alaban a Dios con instrumentos.

Tablas centrales: Representan la Adoración del Cordero. Alrededor del altar dos círculos concéntricos: patriarcas, apóstoles, santos y ángeles.

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Muerte de Abel: en grisalla.

Eva: desnuda con una fruta, aludiendo al pecado original.

Ermitaños: San Antonio Abad y peregrinos como San Cristóbal y Santiago

Comentario : El jardín de las delicias ArteRenacimiento

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Ficha técnica

El Bosco (Hieronymus Bosch)

1510-1515

Óleo sobre tabla

Museo del Prado, Madrid

Artista y época

"El Jardín de las Delicias" es una pintura al óleo sobre tabla que se cree fue creada entre 1490 y 1500 Sus dimensiones son de aproximadamente 205 5 x 384,9 centímetros

Esta obra es un tríptico y, aunque no está firmada ni documentada, no hay dudas de que es un trabajo original de El Bosco, el apodo de Jheronimus van Aken (Bolduque, c 1450-1516), también conocido como Jheronimus Bosch o Hieronymus Bosch El nombre "Bosco" proviene de su ciudad natal, donde parece que vivió toda su vida

La pintura pertenece a un momento en el que el estilo de El Bosco ya estaba definido Los expertos creen que fue realizada entre finales de la década de 1480 y 1500 Un estudio mostró que la madera de la tabla proviene del Báltico y fue cortada en 1458 almacenada y usada décadas después.

Comentarios

El estilo de El Bosco se sitúa entre lo medieval y lo renacentista lo que ha desconcertado a los historiadores del arte debido a su visión medieval del mundo en sus cuadros. Pintor flamenco, El Bosco fue influenciado por artistas de la escuela alemana como Schongauer, Grünewald y Alberto Durero. Su inspiración provino de las costumbres, leyendas, supersticiones y dichos de la época, así como de manuscritos iluminados holandeses y bestiarios medievales.

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

El Bosco se formó junto a su familia, también pintores, y solía usar la técnica "alla prima", que consiste en aplicar la primera pincelada al óleo sin casi retoques. Esto le permitía lograr una gran calidad con una amplia gama de colores y contrastes resultado de un estudio previo muy detallado

Significado

Este tríptico muestra la evolución del pecado y su castigo La obra podría interpretarse como una exaltación de los placeres, pero más probablemente es una crítica moral de los vicios y su castigo La interpretación más común es la moralista y didáctica: los paneles del tríptico aluden a la creación del mundo. Al abrirlo, muestra el comienzo y el final de la condición humana: en el panel izquierdo está el Paraíso y la creación de Eva (visto como el origen de todos los males), y en el panel derecho, el Infierno

En el panel central, el pintor ilustra los pecados carnales, mostrando el proceso que lleva a la caída al infierno Sin embargo, hay cierta fascinación en cómo se representan estos pecados, evidenciada en la repetición de motivos y figuras, así como en los colores vivos. La sensación no es tanto de advertencia sobre el castigo, sino de presentar una escena agradable y fascinante, tal vez con la intención de entretener o deleitar al espectador Por eso, muchos estudiosos ven el tríptico como una sátira moralizante sobre el destino humano

Análisis

Es un tríptico de gran tamaño, con más de dos metros de altura y casi cuatro metros de ancho (incluyendo todos los paneles) Como la mayoría de las obras del Bosco, no hay consenso sobre su fecha exacta: algunos estudiosos lo sitúan en 1485, y otros en 1515 Está pintado directamente sobre madera, cuya datación, según análisis, es entre 1460 y 1466 En resumen, se puede datar después del año 1500.

Tríptico abierto

Cuando está abierto, en la tabla izquierda vemos la Creación de Adán y Eva y el origen del pecado; en el panel central, un mundo de placeres y lujuria; y en el panel derecho, el castigo en el infierno.

Panel del Paraíso Terrenal

Esta escena se sitúa en un paisaje verde y salvaje lleno de vegetación fantástica y animales diversos Solo hay tres figuras humanas: Dios, Adán y Eva Dios, representado como un hombre joven (Jesucristo), presenta a Eva a Adán Esta representación de Dios es tradicional y algo anticuada para la época. Otras personas dicen que la figura de Jesús es en realidad un autorretrato del autor.

Aparecen Dios joven, Adán y Eva, junto a un estanque del que surgen animales extraños, la Fuente de la Vida con una lechuza (símbolo de la sabiduría en la Antigüedad, pero del mal en la Edad Media), el Árbol de la Vida (un drago canario) y el Árbol del Bien y del Mal con la serpiente enroscada En el Paraíso ya aparece el mal: animales que se devoran entre sí, un elefante (inocencia) montado por un mono (lujuria), un toro (pasión) atacando a un unicornio (pureza), entre otros

Análisis

A primera vista, esta parte del tríptico parece una tranquila escena de la creación El paisaje desciende suavemente con estanques y montes hasta llegar a la base, donde están Adán, Eva y Dios Se pueden ver animales reales, aunque exóticos para la época del pintor, como jirafas, elefantes, osos y pavos reales; el Bosco probablemente los conoció a través de bestiarios medievales e ilustraciones de Egipto.

Panel Central: el jardín del Edén

Es la más grande y compleja del cuadro, dominando la composición. Muestra un paisaje verde y agradable, lleno de figuras humanas de diversas razas, entregadas al placer carnal en todas sus formas Se representan relaciones sexuales de manera sutil y explícita, tanto heterosexuales como homosexuales, incluso entre animales y plantas Aquí se evidencia la fascinación del Bosco por los pecados que critica: las figuras pálidas, de piel lisa, sin sombras; la iluminación clara y uniforme; los colores brillantes y los ritmos circulares, todo genera una atmósfera de paz y alegría.

Los actos sexuales aparecen de múltiples maneras La sexualidad parece pura alegría y bienaventuranza Pero debemos recordar el contexto del Bosco, donde el acto sexual se veía como una caída en el pecado. Además, el paisaje de esta tabla es un punto intermedio entre el paraíso y el infierno, simbolizando el pecado de la lujuria, un camino hacia la condenación.

En la parte inferior de la tabla, se ven diversas relaciones carnales (heterosexuales, homosexuales, onanismo, adulterio) y símbolos de placer como frutos efímeros y pájaros vinculados a Afrodita Se muestra el "mundo al revés", como un ciervo cazando a un hombre.

En el tercio medio de la composición, destaca una gran fuente ovalada, un motivo recurrente en los jardines del amor de la literatura Aquí, los amantes pasean y se aman alrededor de una fuente central Es interesante que solo mujeres se bañan en esta fuente Alrededor de la fuente, muestra una "cabalgata del deseo" donde los hombres montan animales como caballos, toros, cabras y jabalíes, danzando y haciendo piruetas, excitados por la presencia de las mujeres (una de ellas ya está saliendo del agua). Rodean el estanque donde se bañan mujeres con adornos en la cabeza, esperando encuentros carnales Así, el Bosco muestra la atracción sexual entre hombres y mujeres, situando a las mujeres en el centro, implicándolas como las "culpables" del pecado carnal un recurso común en la época

Pintura: el jardín de las Delicias Arte

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Panel del Paraíso Terrenal

El paraíso Terrenal con la creación de Adán y Eva

1 Unicornio y perro bípedo

Además de seres fantásticos, también aparecen animales exóticos y reales como monos, aves del paraíso, elefantes, etc.

2 Fuente de la vida

3 Adán y Eva

4 El Árbol de la Vida

5 Jesús o El Bosco

Algunos dicen que se trata de Jesús y otras personas dicen que se trata de un autorretrato del autor

1 Conejo

El conejo tiene un gran tamaño Un animal inofensivo ahora se ha convertido en cazador

2 Instrumentos y objetos grandes

Los objetos han aumentado de tamaño y ahora son amenazantes Los instrumentos musicales son instrumentos de tortura, por ejemplo Antes servía para el placer, ahora causan dolor

3 El hombre-árbol

Devora a los traidores y castiga la lujuria.

4 Pecados capitales

Pereza (hombre recostado), la gula (persona que vomita), la soberbia (mujer vanidosa), la avaricia (persona que defeca monedas)

5 Ciudad en llamas

6 Castigo a los jugadores

Aparece un tablero, los dados, naipes y jarras.

7 Cerdo con toca

Podría aludir a la venta de indulgencias o engaños económicos comunes de la época

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8 Arte Barroco Cuadro resumen

Autores y obras pág. 672-674

Línea del tiempo

pág.675

arte BARROCO

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Barroco Europa

pág. 676-863

Barroco España

pág. 864-958

Rococó

pág. 959-1013

Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

Cuadro resumen Barroco

Frans Hals 1582-1666

El caballero sonriente

Banquete de los oficiales de la Guardia Cívica de San Jorge

Bufón con laúd

Niño riendo

Joven con calavera

Dos jóvenes riendo con una jarra de cerveza

Hendrick Ter Brugghen 1588-1629

La cena de Emaús

La vocación de San Mateo

Esaú vendiendo su primogenitura

Un hombre tocando el laúd

La crucifixión

Gerard Van Honthorst 1590-1656

Músicos en el balcón

El violinista con un vaso de vino

Willem Claeszoon Heda 1594-1680

Naturaleza muerta con copa dorada

Mesa de desayuno con pastel de arándanos

Bodegón con pastel de frutas y diversos objetos

Bodegón con tazza de plata, copa Roemer y ostras

Bodegón con vaso de plata y reloj

Pieter Claesz 1597-1660

Bodegón con copa roemer tazza de plata y panecillo

Bodegón con instrumentos musicales

Bodegón con Vanitas

Jan Davidaz de Heem 1606-1684

Florero con vaso de cristal y frutas

Mesa

Vanitas

Rembrandt van Rijn 1606-1669

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

La ronda de noche

Mujer en el baño

Filósofo en meditación

El descendimiento

La tormenta en el mar de Galilea

Dosier de artistas

El buey desollado

La cena de Emaus

Dánae

Autorretrato con dos círculos

También encontrarás una recopilación de artistas y obras de cada movimiento, para situarlos de una forma más sencilla en su movimiento.

Grabados: aguafuertes

Judith Leyster 1609-1660

Hombre ofreciendo dinero a una mujer joven

Autorretrato

La última gota

El alegre bebedor

Niño con una flauta

La serenata

Carel Fabritius 1622-1654

El jilguero

El centinela

Autorretrato

Mercurio y Argos

Karel Dujardin 1626-1678

Función de la comedia del arte

El campo de batalla (grabado)

Los regentes de la Spinhuis y Nieuwe Werkhuis Amsterdam

Centauromaquia

Jan Havicksz Steen 1626-1679

Cristo en Emaús

Autorretrato con laúd

Pareja bailando

Cuidado con el lujo

Jacob van Ruisdael 1628-1682

Vista de Haarlem con campos de lino

El molino de Wijk bij Duurstede

Mar tormentoso con barcos de vela

Bosque con un arroyo y cascada

Pieter de Hooch 1629-1684

Los jugadores de backgammon

Mujer con un niño en una despensa

Señora y sirvienta con cubo

Doncella con un niño en un patio

Johannes Vermeer (1632-1675)

Vista de Delft

La joven de la perla

La calle de Delft

El arte de la pintura

La callejuela

Muchacha leyendo una carta frente a la ventana

Mujer leyendo una carta

El astrónomo

La encajera

La lechera

Nicolaes Maes 1634-1693

Muchacha asomada a la ventana

Anciana rezando

El tamborilero desobediente

Moza durmiendo y criada

Seis decanos del gremio de cirujanos de Ámsterdam

Meindert Hobbema 1638-1709

La avenida de Middelharnis

Bosque pantanoso

Peter Paul Rubens 1577-1640

El Descendimiento de Cristo

Retrato del duque de Lerma

Las Tres Gracias

El juicio de Paris

El rapto de las hijas de Leucipo

Leda y el cisne

Estudio de dos cabezas

La matanza de los inocentes

Caridad Romana

Dos sátiros

Vieja con cesta de carbón

La caída de los condenados

La Venus ante el espejo

La Lanzada

La adoración de los Reyes Magos

Jacob Jordaens 1593-1678

Las bodas de Tetis y Peleo

El rey bebe

Diógenes con la linterna

La familia del pintor

La caída de los gitantes

Adoración a los pastores

Ofrenda a Ceres

Theodoor Rombouts 1597-1637

El charlatán sacamuelas

Jugadores de naipes

Los desposorios de Santa Catalina

Céfalo y Procis

Clara Peeters 1580-1625

Bodegón con flores y frutas

Mujer sentada ante una mesa de objetos preciosos.

Bodegón de pescado

Bodegón de quesos, alcachofa y cerezas

Bodegón con copa y plato

A. Van Dick 1599-1641

El rey Carlos I de caza

Autorretrato con Girasol

Triple retrato de Carlos I

Diana y una ninfa sorprendidas por un sátiro

Teniers David 1610-1690

El archiduque Leopoldo Guillermo en su galería de pinturas en Bruselas

Fumadores y bebedores

Paisaje con un ermitaño

Coloquio pastoril

Operación quirúrgica

Escuela Valenciana

Francisco Ribalta 1565-1628

San Francisco confortado por un ángel

Cristo abrazando a San Bernardo

José de Ribera 1591-1652

El calvario

El tacto

San Bartolomé

El Salvador y Santiago el Menor

La mujer barbuda

Ticio

Ixión

Isaac y Jacob Hombre con calavera

Sísifo

El patizambo

El Martirio de San Felipe

Escuela Sevillana

Francisco de Zurbarán 1598-1664

La vida de San Pedro Nolasco

La aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco

San Hugo en el refectorio

La Apoteosis de Santo Tomás de Aquino

Agnus Dei

San Serapio

Bodegón con cacharros

Bartolomé Murillo 1618-1682

La Virgen del Rosario con el Niño

La Sagrada Familia del pajarito

Niños comiendo uvas y melón

Niños jugando dados

Mujeres en la ventana

Cuatro figuras en escalón

Alonso Cano 1601-1667

San Isidro

El milagro del Pozo

Cristo muerto sostenido por un ángel

Juan de Valdés Leal 1622-1690

Finis gloriae mundi

In ictu oculi

Escuela de Madrid

Diego Velázquez 11599-1660

Vieja friendo huevos

El aguador de Sevilla

Adoración de los Reyes

Retrato de Góngora

Los borrachos

La fragua de Vulcano

Cristo crucificado

Caballo blanco

Las lanzas | La rendición de Breda

El dios Marte

Retratos de bufones

Venus del espejo

Inocencio X

Las Hilanderas

Las Meninas

Pintura Escuela Holandesa

Pintura Escuela Flamenca

Pintura Barroco en España

Línea del tiempo Historia del Arte

Barroco 1600-1750

Italia

C.Maderno, G.L. Bernini, F. Borromini, B.Longhena G. Guarini, P. da Cartona

Francia

Louis Le Vau Jules Hardouin-Mansart, André Le Nôtre

España

Gómez de Mora, Andrade, A. Cano , J.Churriguera , Ribera , Casas y Novoa, N. Tomé Figueroa, A.Churriguera

Italia Bernini

Francia

F. Girardon, P. Puget, A.Coysevox

España

G. Fernández, J.Martínez Montañés, J. de Mesa, Luisa Roldán

A.Cano, P. de Mena , F. Salzillo

Italia Naturalismo

Caravaggio

Pozzo

A. Gentileschi

S. Rosa, Da Cortona

M. Preti

Strozzi

Giordano, Fede Galizia

Il Guercino

Edad Moderna

Italia

Clasicismo

G. Reni

E. Sirani

Annibale Carraci

L. Carraci

Agostino Carraci

Escuela flamenca

Rubens

Clara Peeters

Rombouts

Van Dyck

Jordaens

Teniers

Escuela holandesa

Rembrandt

Vermeer

F. Hals

Ruysdael

Judith Leyster

Dujardin

Brugghen

Heem

Hooch

Claesz

Maes

Fabritius

Escuela española

Velázquez, Ribera

Cano

Valdés Leal

Murillo

Zurbarán

Ribalta

Francia

George de la Tour

Hermanos Le Nain

Rigaud

Poussin

Charles le Brun

De Lorena

Simon Vouet

Claude Vignon

Rococó 1720-1780

F. Juvara

Jacques Gabriel

B. Neuman

G.W. von Knobelsdorff

F. Cuvilliés

G. Boffrand

Líneas del tiempo

Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.

A. Corradini

F. Queirolo

I.Spinazzi

Étienne-Maurice Falconet

C. de Acosta

Italia

G. Baptista, Tiepolo, Canaletto

Francia

Jean-Antoine Watteau

J. Siméon Chardin

L.J.F. Lagrenée

E. Vigée LeBrun

Gran Bretaña

F. Boucher

Jean-Honoré Fragonard

Louis Michel Van Loo

J. Ducreux

Adélaïde Labille-Guiard

William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough arquitectura escultura pintura

8.1 Europa

Cuadro autores

Barroco Europa pág. 677-681

arte BARROCO

En Europa

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Cuadro resumen

Autores y obras pág. 672-674

Línea del tiempo

pág.675

Barroco Europa

pág. 676-863

Barroco España

pág. 864-958

Rococó

pág. 959-1013

Contexto pág. 682

Arquitectura

Características generales pág.683

Autores pág 684-686

Obras pág.687-700

Escultura

Rasgos generales pág 701

Escultura en Francia pág. 701

Escultura en Italia pág 702-703

Obras pág.704-719

Pintura

Rasgos generales pág. 720-721

Barroco Italiano: naturalista pág. 722-727

Escuela de Bolonia: clasicista pág. 728-729

Escuela Flamenca pág. 730-734

Escuela Holandesa pág 735-742

Barroco en Francia pág. 743-745

Obras pág.746-851

Fichas obras

Arquitectura pág 852

Escultura pág 853

Pintura pág 854-857

Comentarios

San Carlos alle quatro fontane pág.858

El éxtasis de Santa Teresa pág. 859

La muerte de la virgen pág. 860

La lección de anatomía del doctor Tulp pág. 861

Las tres Gracias pág. 862

Bodegón con flores ... Pág. 863

Esquema autores: pintura del Barroco

Escuela Holandesa

Frans Hals 1582-1666

El caballero sonriente

Banquete de los oficiales de la Guardia Cívica de San Jorge

Bufón con laúd

Niño riendo

Joven con calavera

Dos jóvenes riendo con una jarra de cerveza

Escuela Holandesa

Pieter Claesz 1597-1660

Bodegón con copa roemer, tazza de plata y panecillo

Bodegón con instrumentos musicales

Bodegón con Vanitas

Escuela Holandesa

Carel Fabritius 1622-1654

El jilguero

El centinela

Autorretrato

Mercurio y Argos

Gerard Van Honthorst 1590-1656

Músicos en el balcón

El violinista con un vaso de vino

Hendrick Ter Brugghen 1588-1629

La cena de Emaús

La vocación de San Mateo

Esaú vendiendo su primogenitura

Un hombre tocando el laúd

La crucifixión

Rembrandt van Rijn 1606-1669

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

La ronda de noche

Mujer en el baño

Filósofo en meditación

El descendimiento

La tormenta en el mar de Galilea

El buey desollado

La cena de Emaus

Dánae

Autorretrato con dos círculos

Grabados: aguafuertes

Karel Dujardin 1626-1678

Función de la comedia del arte

El campo de batalla (grabado)

Los regentes de la Spinhuis y Nieuwe Werkhuis, Amsterdam

Centauromaquia

Willem Claeszoon Heda 1594-1680

Naturaleza muerta con copa dorada

Mesa de desayuno con pastel de arándanos

Bodegón con pastel de frutas y diversos objetos

Esquema artistas inicial

Bodegón con tazza de plata, copa Roemer y ostras

Bodegón con vaso de plata y reloj

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Jan Davidaz de Heem 1606-1684

Florero con vaso de cristal y frutas

Mesa

Vanitas

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Escuela Holandesa

Johannes Vermeer (1632-1675)

Vista de Delft

La joven de la perla

La calle de Delft

El arte de la pintura

La callejuela

Muchacha leyendo una carta frente a la ventana

Mujer leyendo una carta

El astrónomo

La encajera

La lechera

Jan Havicksz Steen 1626-1679

Cristo en Emaús

Autorretrato con laúd

Pareja bailando

Cuidado con el lujo

Nicolaes Maes 1634-1693

Muchacha asomada a la ventana

Anciana rezando

El tamborilero desobediente

Moza durmiendo y criada

Jacob van Ruisdael 1628-1682

Vista de Haarlem con campos de lino

El molino de Wijk bij Duurstede

Mar tormentoso con barcos de vela

Bosque con un arroyo y cascada

Judith Leyster 1609-1660

Hombre ofreciendo dinero a una mujer joven

Autorretrato

La última gota

El alegre bebedor

Niño con una flauta

La serenata

Pieter de Hooch 1629-1684

Los jugadores de backgammon

Mujer con un niño en una despensa

Señora y sirvienta con cubo

Doncella con un niño en un patio

Seis decanos del gremio de cirujanos de Ámsterdam

Meindert Hobbema 1638-1709

La avenida de Middelharnis

Bosque pantanoso

Más autores y obras

Escultura: Barroco Italiano

Gin Lorenzo Bernini 1598-1680

Bernini, al igual que Miguel Ángel, domina varias disciplinas, pero se destaca sobre todo como escultor Aprende la profesión de su padre y, tras el traslado de su familia a Roma en 1605, se dedica a copiar las obras clásicas que encuentra en el Vaticano

Su gran calidad es reconocida rápidamente, lo que le lleva a tener una gran cantidad de encargos, hasta el punto de que necesita rodearse de un amplio taller de colaboradores. Su estilo se convierte en el modelo a seguir durante más de un siglo.

Sus esculturas se caracterizan por un realismo detallado, un dramatismo intenso y la capacidad de plasmar emociones profundas. También destaca por su habilidad para capturar un momento fugaz, casi como si la obra congelara una acción en movimiento

La atención que Bernini presta a la anatomía y a las texturas de la piel, las ropas y otros elementos es impresionante Sus composiciones son escenográficas, donde el movimiento, los gestos exaltados y las actitudes teatrales son los protagonistas. Además, sus esculturas suelen jugar con la luz y la sombra para crear efectos visuales sorprendentes.

Le interesa la fusión de la escultura y la pintura con la arquitectura para conseguir efectos escenográficos impresionantes Podemos dividir su producción escultórica en cuatro etapas:

Etapa juvenil

En este periodo, Bernini recibe encargos mitológicos y bíblicos del cardenal Scipione Borghese, destinados a decorar su villa Lo que más destaca en sus obras es el virtuosismo técnico con el que trata la piel y la profundidad psicológica que imprime a los personajes.

Entre las obras de esta etapa se encuentran "Eneas, Anquises y Ascanio", "El rapto de Proserpina", "Apolo y Dafne" y un "David" Alto barroco

Teoría y apuntes

Este periodo coincide con el papado de su amigo Urbano VIII Lo más notable en esta fase es el tratamiento de las ropas: las telas parecen moverse y concentrarse en masas que crean efectos de claroscuro.

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

La obra principal de este periodo es "San Longinos", situada en el Vaticano

Periodo medio

Entre 1640 y 1654, durante los años del papado de Inocencio X, Bernini logra algunos de sus avances más importantes:

– Desarrolla una escultura que se convierte en un auténtico espectáculo teatral, como es el caso de "El éxtasis de Santa Teresa"

– Da forma al monumento papal en la tumba parietal de Urbano VIII.

– Erige una fuente monumental en la Piazza Navona de Roma, la "Fontana dei Quattro Fiumi", con las personificaciones de cuatro ríos (Danubio, Ganges, Nilo y Río de la Plata), que simbolizan las cuatro zonas conocidas del mundo en esa época

– Resuelve el problema del pecho cortado en los retratos de busto, un desafío desde la época imperial romana, mediante la colocación de ropas flotantes que envuelven los hombros, como se aprecia en el "Retrato del duque Francisco I d’Este" .

– Impone un nuevo modelo de estatua ecuestre, con el caballo en corveta y el personaje elevado al rango de héroe, como en "Constantino el Grande"

Estilo tardío

A partir de 1654, bajo el papado de Alejandro VII, Bernini busca una mayor espiritualidad Las figuras se alargan y los ropajes se agitan, como se puede observar en los "Ángeles con los atributos de la Pasión", que decoran las barandillas del Puente de Sant’Angelo en Roma

Obras de Bernini

El rapto de Proserpina

En esta obra, Proserpina es raptada por Plutón. La composición serpentinata es una reminiscencia del manierismo, permitiendo observar tanto el rapto como la súplica de Proserpina a su madre para regresar a la Tierra durante seis meses Los detalles son notables: Proserpina empuja la cabeza de Plutón, estirando su piel, mientras los dedos de Plutón aprietan cruelmente la carne de la diosa

David

Bernini representa a David en plena acción, con el cuerpo en tensión y el rostro mostrando una expresión intensa y decidida, captando un momento lleno de dinamismo

La Cátedra de San Pedro

Después de realizar el Baldaquino, Bernini completa la decoración de la Basílica de San Pedro con un impresionante trono de bronce, sostenido por figuras de los Padres de la Iglesia. Encima, dos ángeles sostienen las llaves y la tiara, símbolos del poder papal. Un ventanal con una paloma, que simboliza al Espíritu Santo, deja entrar la luz, rodeada de ángeles y santos Esta obra refuerza el mensaje de glorificación de la autoridad e infalibilidad papal frente al protestantismo

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Obras de Bernini

Apolo y Dafne

La obra representa el momento en que el dios Apolo alcanza a la ninfa Dafne, quien, temiendo ser atrapada, pide ayuda a su padre, el dios del río Peneo, quien la transforma en un laurel La escultura captura el instante de esta transformación, mostrando partes humanas y vegetales en Dafne, lo que permite que se vea tanto como una mujer como un árbol, según la perspectiva

La composición se caracteriza por curvas que se conectan en el suelo y una diagonal que atraviesa la obra, lo que aporta dinamismo a los paños y cabellos. Hay un notable contraste entre el movimiento y la quietud, así como entre las texturas pulidas y rugosas y las expresiones de terror de Dafne y perplejidad de Apolo son impactantes La calidad de las texturas de la piel y el cabello es excepcional

El éxtasis de Santa Teresa

La obra es una de las más teatrales de Bernini, donde Santa Teresa se presenta sobre una nube, algo poco común en la escultura de su tiempo. El artista enfatiza la ligereza de la túnica de la santa y captura el instante en que un ángel levanta un dardo para volver a clavarlo en su corazón, simbolizando el amor divino

La muerte de la Beata Ludovica Albertoni

En esta obra, Bernini vuelve a representar el éxtasis místico, con un realismo que transmite la emoción profunda del momento

El Mausoleo de Urbano VIII

Bernini crea un nuevo tipo de monumento funerario en el que el difunto es exaltado. Lo sitúa sobre un podio rodeado de figuras alegóricas que representan sus virtudes y méritos. Busto de Constanza Buonarelli

Bernini es un retratista prolífico que captura momentos dinámicos y arrogantes, reflejando la posición social y el carácter de sus modelos En este busto, resalta la mirada penetrante y llena de vida de la retratada.

Pintura Barroco: Italiano ArteBarroco

Artemisia Gentileschi 1593-1656

Recopilación de obras

Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.

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Autorretrato como alegoría de la pintura 1638

y la doncella 1619

Susana y los viejos 1610

Judit decapitando a Holofernes 1613

María Magdalena como la Melancolía 1625

Lucrecia 1620

Cleopatra 1633-1635

Judit

Obras

Pintura Barroco: Italiano

Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.

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La vocación de San Mateo

Caravaggio

1601

Óleo sobre lienzo. 3,38x3x48 cm. Iglesia de San Luis de los Franceses. Roma

Uno de sus primeros encargos religiosos es "La vocación de San Mateo", para la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma. Aunque el tema es bíblico (Cristo llama a San Mateo), la escena se desarrolla en una taberna, con un tratamiento realista que la hace parecer una escena de género .

Pintura: fichas obras ArteBarroco

título: Mesa

Cronología

S. XVII. (1611)

Estilo

Barroco. Pintura flamenca

Justifica tu respuesta

Autor Clara Peeters

– Bodegón muy recargado. El tema más utilizado de esta artista

– Fondo oscuro para que resalten los objetos

– Gran realismo conseguido a través de las diferentes texturas. Virtuosismo pictórico

– La artista sale reflejada en la jarra metálica y la pieza dorada.

– Coloca objetos al borde de la mesa para dar sensación que salen del cuadro

Análisis completo de la obra

título: Autorretrato como alegoría de la pintura

título: La Adoración de los Reyes Magos

título: Judith y Holofernes

cronología S.XVII. (1609)

Estilo

Barroco. Escuela Flamenca.

Justifica tu respuesta

Autor Rubens

– Gran dinamismo con figuras muy corpulentas físicamente.

– Utiliza un colorido cálido con gran brillo que plasma la riqueza de la sociedad flamenca de la época

– Incorpora escenas alegres que manifiesta la opulencia de esta escuela pictórica.

Fichas identificación

Encontrarás este tipo de páginas con los datos más importantes de las distintas obras de cada movimiento.

Cronología S. XVII. (1638)

Estilo

Barroco. Escuela italiana

Autor Artemisia Gentileschi

Justifica tu respuesta

– Postura dinámica del cuerpo. Tanto hacia el lienzo como hacia el espectador.

– Tema feminista en una época en que las mujeres no eran reconocidas por sus trabajos

– Utilización del escorzo

– Contraste de luces y sombras da más dramatismo

– Realismo en la plasmación de las diferentes texturas: piel, cabello, vestido…

Cronología S.XVII. (1656)

Estilo

Barroco. Tenebrismo italiano

Autor Caravaggio

Justifica tu respuesta

– Tema bíblico, tratado de manera realista

– La luz es un elemento esencial. Utiliza la luz que cruza la escena diagonalmente para potenciar los rasgos de los personajes.

– Utiliza la técnica del tenebrismo provocando un gran contraste entre las luces y las sombras(claro/oscuro)

– La escena esta captada como una instantánea.

– Composición atectónica

Comentario : Las tres Gracias ArteBarroco

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Ficha técnica

Rubens

1636-1638 | Tema mitológico

Óleo sobre tabla | Barroco Escuela Flamenca

Comentarios

Museo del Prado, Madrid

Contexto

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

En la Bélgica del siglo XVII dominan la aristocracia, el comercio y la artesanía, en contraste con la vecina Holanda, donde predomina el protestantismo. En Bélgica el catolicismo triunfa, aunque con menos dramatismo que en España Esta influencia del catolicismo se refleja en las obras religiosas de Rubens, donde el efectismo de la luz y el color es fundamental Sin embargo, el gusto de la aristocracia y la burguesía comercial belga también genera una variedad de temas vinculados a lo cortesano, al optimismo y la alegría de vivir Los temas mitológicos como “Las Tres Gracias”, se convierten en un recurso común en la pintura de Rubens, así como los temas alegóricos, costumbristas y los retratos, utilizados como símbolos de prestigio social

Sobre Rubens

Rubens tiene una vida afortunada, no solo como pintor, sino también como diplomático Sus viajes le permiten entrar en contacto con importantes figuras políticas y otros artistas europeos. Durante uno de sus viajes a España, conoce a Velázquez en la corte de Madrid, donde ambos artistas comparten influencias y experiencias.

Rubens combina en su obra la tradición flamenca con la influencia del renacimiento italiano, particularmente de Tiziano, lo que le permite desarrollar un estilo único que lo convierte en uno de los máximos exponentes del barroco europeo

Análisis

El tema de esta pintura es de origen helenístico y se representa muchas veces a lo largo de la historia del arte. Las Gracias son mencionadas por primera vez por Hesíodo. Según la mitología, son hijas de Zeus y Eurínome y reciben los nombres de Aglae (la deslumbrante), Eufrósine (la gozosa) y Talia (la floreciente) Estas tres deidades están asociadas a la diosa Afrodita y se las representa adornándola con ricos vestidos cuando emerge de las olas Además, son las protectoras de los filósofos y promotoras de las buenas acciones y de todo lo bello y placentero que ofrece el mundo Tienen, además, la función de transmitir a los humanos cualidades como la amabilidad el buen humor y la sabiduría La representación de las Gracias desnudas, jóvenes y hermosas es habitual.

La obra es un canto a la alegría de vivir, destacando la armonía y la belleza del cuerpo humano en su forma más natural Tiene una función recreativa

En el centro del cuadro, las tres gracias están entrelazadas y forman un círculo, dando la impresión de que están a punto de comenzar una danza, ya que las tres retrasan un pie Sus cuerpos están cubiertos por gasas transparentes que dejan ver su desnudez exuberante, siguiendo los cánones estéticos de la época. La figura situada a la derecha sería un retrato de Isabel Brand, la primera esposa de Rubens, mientras que la de la izquierda representaría a Helena Fourment, su segunda esposa.

Rubens plasma una escena llena de vida, color y movimiento Las tres Gracias se encuentran en un paisaje fértil, y están rodeadas por un cielo azul y una guirnalda de flores

Cada Gracia adopta una postura diferente, pero comparten la misma belleza y sensualidad en sus cuerpos Sus rostros muestran sonrisas suaves, y sus miradas reflejan una inocencia y frescura Un detalle destacado es el contraste entre el fondo granate y el cuerpo desnudo de la Gracia situada a la derecha. La técnica de Rubens, con sus pinceladas largas y su gran sentido del color, refleja de manera magistral la calidad de la piel y la sensualidad de la carne.

Análisis

Composición

Las Tres Gracias forman un círculo en el centro de la composición La escena está enmarcada a la izquierda por la diagonal que crea el tronco de un árbol, sobre el cual hay una gasa blanca que contrasta con el color marrón del tronco A la derecha, un Cupido sostiene una cornucopia dorada que derrama agua, y en la parte superior derecha, otra diagonal es creada por una guirnalda de flores, cuya diversidad de colores contrasta con las carnaciones claras de las Tres Gracias

Técnica

En cuanto a los detalles técnicos de la obra, se sabe que Rubens utiliza ocho tableros de roble natural como base, sobre los cuales aplica una capa de carbonato de calcio. Encima de esta, coloca una fina capa de blanco de plomo, con la finalidad de aumentar la luminosidad de la pintura y lograr un mayor efecto en los colores

El dibujo queda encubierto por las pinceladas características del artista, que varían según las partes del cuadro:

– Pinceladas largas y ligeras en las piernas

– Pinceladas largas y empastadas en las telas

– Pinceladas pequeñas para los detalles en los rostros y la vegetación.

Colores

La gama cromática es rica, viva y brillante. El color de la piel de las mujeres se consigue mediante la combinación de los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul La luz del día, que ilumina toda la escena, resalta los volúmenes y detalles del paisaje y los cuerpos

Rubens muestra la influencia de Tiziano en el tratamiento del paisaje, que es rápido y simplificado, mientras que la luminosidad característica es de herencia flamenca

Comentario

Rubens tiene casi sesenta años cuando termina Las Tres Gracias, y en ese momento vive en plena plenitud personal y profesional. Esta obra es un reflejo de su visión del mundo y su filosofía de vida, expresada a través de la belleza femenina. Según la tradición, Rubens retrata a sus dos esposas en esta pintura: Isabel Brandt, como la Gracia a la derecha, y Elena Fourment, como la Gracia a la izquierda

La figura en el centro sería una mezcla de los mejores atributos de ambas mujeres No resulta extraño pensar que esto sea así, ya que Rubens conserva esta obra en su casa hasta el momento de su muerte Tras su fallecimiento, la pintura es adquirida por el rey Felipe IV de España

Comentario : Bodegón con flores ... ArteBarroco

Ficha técnica

Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos vino y jarra de peltre.

Clara Peeters

1611 – Barroco Escuela Flamenca

Óleo sobre tabla – Bodegón

Museo del Prado, Madrid

Artista y época

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

El arte barroco se desarrolla durante los siglos XVII y XVIII y tiene su origen en Italia, específicamente en Roma. La influencia de la Contrarreforma romana se extiende por los países católicos, como España, así como Nápoles y Flandes, que están bajo el dominio de la Corona española En 1576, Amberes se une a la rebelión contra el rey de España, pero en 1585 es recuperada por el ejército español. Flandes se recupera a partir de 1599 bajo el gobierno de los archiduques Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II, y su esposo y primo, Alberto de Austria Aunque España vive una decadencia política en el siglo XVII, mantiene el control sobre Flandes hasta 1648, cuando se firma la paz de Westfalia En resumen, durante el Barroco, la relación entre Flandes y España no solo es política, sino también cultural y artística

En esa época, pocas mujeres pueden ser pintoras Como no se permite que estudien anatomía a partir de cuerpos masculinos desnudos, tienen menos oportunidades de formación, lo que lleva a muchas de ellas a especializarse en el bodegón Clara Peeters es una de las artistas que populariza este género en los Países Bajos El interés por los bodegones crecerá notablemente en las décadas posteriores

Tratamiento iconográfico

Los objetos representados son productos de importación: frutos secos y aceite de España; la copa de vino, conocida como façon de Venise, es veneciana; el vino podría ser de origen francés o español La posesión de estos elementos refleja el alto estatus social de quien los posee.

Las flores recuerdan la relación entre los bodegones y las primeras ilustraciones científicas Alrededor de 1550, en Amberes ya era común la producción de grabados de animales y plantas con fines didácticos Los pintores de bodegones de principios del siglo XVII a menudo usaron este tipo de imágenes como referencia para sus obras La copa dorada y la jarra de peltre son similares a otros recipientes que se ven en más obras de Peeters.

Análisis

Composición

La composición es equilibrada, con las masas de la izquierda compensadas por las de la derecha. La obra se divide en dos partes, separadas por la copa dorada central. Los objetos se disponen sobre la mesa de forma aparentemente aleatoria para dar realismo a la escena, aunque la pintora se asegura de que todos los objetos tengan una vista clara y frontal

Tratamiento de las formas

Peeters destaca en el tratamiento de las texturas de objetos metálicos y cerámicos. Es meticulosa en los detalles, incluyendo pequeños autorretratos en miniatura en los reflejos de las copas También es muy precisa al distinguir las diferentes texturas Algunos expertos sugieren que en sus obras puede haber simbolismos religiosos

Tratamiento del espacio

La sensación de profundidad se logra a través de la disposición de los objetos en varios planos. El plato a la derecha y las hojas a la izquierda parecen sobresalir de la mesa, reforzando la percepción de espacio Además, la superficie de la mesa está más oscurecida en el fondo, lo que también contribuye a esta sensación

Recursos técnicos

Técnica

La técnica usada es el óleo, lo que significa que la pintora mezcla los pigmentos con aceite para lograr colores más brillantes y luminosos. La obra está pintada sobre una tabla, una técnica común en la tradición flamenca El tamaño es pequeño, también siguiendo esta tradición

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Comentario

Dibujo

El dibujo es preciso Los rayos infrarrojos han revelado la presencia de un boceto subyacente hecho a mano en los contornos de la copa y en el jarrón de flores Algunos trazos son tan regulares que sugieren el uso de plantillas u otros métodos mecánicos.

Color

El color juega un papel crucial, complementado por el detallado dibujo Ambos elementos se combinan para resaltar las diferentes texturas Predomina una paleta clara, que resalta sobre el fondo oscuro, con una riqueza cromática que unifica la obra, destacando los tonos metalizados.

Luz

La luz proviene de la izquierda y modela los objetos, dándoles volumen Reflejar las superficies brillantes es un reto tradicional para los artistas, y Peeters lo domina, como demuestra en esta obra

Comentario

Siguiendo la tradición flamenca, el cuadro probablemente está destinado a decorar la estancia de un burgués acomodado. En el mundo se conservan unas 30 obras atribuidas a esta pintora, una de las pocas mujeres activas en Europa durante la primera mitad del siglo XVII El Museo del Prado posee cuatro de sus mejores bodegones, tres de ellos firmados en 1611, conformando el conjunto más extenso de la pintora en un solo museo Su producción es escasa y está dispersa en diversas colecciones, algunas privadas. En 2016, Clara Peeters se convierte en la primera mujer pintora en tener una exposición en el Museo del Prado.

Clara Peeters se destaca por incluir su autorretrato reflejado en los objetos brillantes de sus bodegones, una técnica que muchos artistas imitarían después Este gesto es una forma de reivindicación, posiblemente debido a que era mujer en un ámbito dominado por hombres Además, al incluirse a sí misma en la obra, realza el ilusionismo, como si el espectador la viera pintando el cuadro.

8.2 España

Cuadro autores

Barroco España pág.865-866

arte BARROCO

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Cuadro resumen

Autores y obras pág. 672-674

Línea del tiempo

pág.675

Barroco Europa

pág. 676-863

Barroco España

pág. 864-958

Rococó

pág. 959-1013

Contexto pág.867

Arquitectura

Características generales pág.867

Arquitectos pág 867-869

Obras pág.870-881

Escultura

Rasgos generales pág 882

Escultores pág 882-888

Obras pág.889-915

Pintura

Rasgos generales pág 916

Escuela valenciana pág 916

Escuela Sevillana pág 917-918

Escuela Madrileña pág 919-920

Resumen obras pág. 921-923

Obras pág.924-953

Comentarios

Cristo Yacente pág.954

Las Hilanderas pág. 955

Las Meninas pág. 956-957

Niños comiendo melón y uvas pág. 958

Esquema autores: Barroco en España

Arquitectura España

Juan Gómez de Mora 1586-1648

Plaza Mayor Madrid

Cárcel de Corte o Palacio de Santa Cruz

Iglesia de la Clerecía (Salamanca

Hospital de la Encarnación

Casa de la villa

Arquitectura España

Fernando Casas y Novoa 1670-1750

Fachada del Obradoiro

Capilla Nuestra Señora de los Ojos Grandes

Escultura

Gregorio Fernández 1576-1636

Descendimiento

Cristo atado a la columna

Cristo Yacente

La Coronación de espinas

Narciso Tomé 1690-1742

Fachada Uni. Valladolid

Transparente Catedral de Toledo

Domingo de Andrade 1639-1712

Torre del Reloj (Santiago)

Alonso Cano 1601-1667

Fachada de la Catedral de Granada

José Churriguera 1665-1725

Retablo Convento San Esteban

Fachada principal Iglesia San Cayetano

Palacio Goyeneche

Nuevo Baztán

Esquema artistas inicial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Pedro de Ribera 1681-1742

Real Hospicio de San Fernando

Puente de Toledo

Paseo Nuevo

Iglesia Nuestra Señora de Montserrat

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Escultura

Alonso Cano 1601-1667

Niño Jesús de la Pasión

San José con el Niño

San Antonio de Padua

San Diego de Alcalá

Adán

Eva

Leonardo de Figueroa 1650 -1730

Portada del Colegio Seminario de San Telmo

Juan Martínez Montañés 1568-1649

La Cieguecita

Niño Jesús del Sagrario sevillano

Cristo de la Clemencia

Alberto Churriguera 1665-1725

Plaza Mayor de Salamanca

Juan de Mesa 1583-1627

Cristo de la Conversión del Buen Ladrón

Jesús del Gran Poder

Cristo de la Buena Muerte

Cristo de la Agonía,

Más autores y obras

Luisa Roldán 1652-1706

El Entierro de Cristo

San Miguel Arcángel

Virgen de la Soledad

San Ginés de la Jara

Jesús Nazareno

Pedro de Mena 1628-1688

La Magdalena Penitente

Francisco Salzillo 1707-1783

La caída

La Oración en el Huerto

El prendimiento

La Verónica

La Dolorosa

San Juan

Más autores y obras

Arquitectura : Barroco en España

Contexto histórico en España

España vive desde finales del siglo XVI y durante el siglo XVII una crisis económica y política que la hace perder su hegemonía en Europa Sin embargo, este periodo se caracteriza por un esplendor cultural conocido como "Siglo de Oro"

En este contexto se implantan de forma especial las ideas contrarreformistas, impulsadas por el propio monarca, Felipe II, quien las impone a través de la Inquisición y la creciente fuerza de la Iglesia católica española al extender el catolicismo por tierras americanas Los jesuitas españoles se convierten en los principales defensores de la ortodoxia en el Concilio de Trento

El estilo barroco se implanta tarde en España por la gran influencia de la arquitectura de El Escorial en el primer tercio del siglo No puede hablarse de arquitectura barroca hasta mediados del siglo XVII, aunque el estilo se mantiene durante gran parte del siglo XVIII

El arte barroco se presenta principalmente como un arte religioso, propagandístico y con un fuerte arraigo popular Utiliza un lenguaje realista y fácilmente comprensible, lo que le permite llegar a los sentimientos de un pueblo agobiado por la crisis, que acude al arte y a la literatura como una forma de huida de la realidad.

Dado que la burguesía es casi inexistente, la producción artística se financia mayoritariamente a través de la iglesia, la alta nobleza o la Corte, quienes, menos afectados por la crisis, imponen un estricto control sobre los artistas.

Características de la arquitectura

Durante el siglo XVII, la arquitectura barroca española se caracteriza por la construcción de numerosos conventos en las ciudades, que ocupan una parte importante del espacio urbano Estos conventos constan de una iglesia, un claustro, un huerto y diversas dependencias anexas

Teoría y apuntes

Gran parte de la actividad constructiva del barroco español consiste en acabar o enriquecer con torres, sacristías, retablos o fachadas obras existentes de otros estilos. Un ejemplo de esto es la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

La mayoría de los arquitectos de estos conventos son frailes pertenecientes a distintas órdenes religiosas, y sus diseños suelen ser funcionales, aunque no demasiado originales, basándose en los modelos del siglo anterior Las plantas de los edificios son sencillas, en forma de cruz o rectángulos, y se evita el uso de las líneas curvas que habían caracterizado el barroco italiano

Características de la arquitectura

El rasgo que mejor define al barroco español es el dinamismo, pero no tanto por la estructura y los elementos constructivos, como es el caso de Borromini, sino por el papel que adquiere lo decorativo Las plantas y los muros son preferentemente rectilíneos, contrastando con la acentuación de la riqueza ornamental, que cubre superficies enteras, tanto en el interior de los edificios, como en retablos, revestimientos de paredes y techos, como en la fachada

Castilla y Andalucía

En Castilla, predomina el tipo de planta de salón, con una sola nave capillas laterales y contrafuertes interiores. En Andalucía, en cambio, se prefiere la planta rectangular o de "cajón" . Tanto en un caso como en otro, las iglesias tienen una amplia capilla mayor visible desde cualquier parte del templo.

Pobreza constructiva

Una característica de la arquitectura barroca española es la pobreza constructiva El uso casi exclusivo del ladrillo es muy común, y en lugar de cúpulas de piedra, muchas iglesias tienen cúpulas falsas llamadas "encamonadas", hechas de armazones de caña o listones recubiertos de yeso, que son más ligeras y económicas

Decoración

Sin embargo, esta sencillez externa contrasta con la decoración interior, que en muchas iglesias barrocas es extremadamente rica y recargada Los templos se llenan de yeserías ornamentales retablos dorados y coloridos cuadros de altar, creando una atmósfera que busca impresionar sensorialmente a los fieles.

Este tipo de decoración recibe el nombre de "castiza", y se diferencia de la que se ve en los palacios cortesanos construidos por los Borbones, que están más influenciados por el barroco francés e italiano

Estos artistas son los responsables de la construcción de llamativas portadas y retablos policromados que buscan deslumbrar a los fieles en un intento de compensar el declive político y económico de España en esa época A través de esta arquitectura, se intenta mantener la ilusión del esplendor de siglos anteriores

Junto a esta arquitectura religiosa, durante el Barroco se producen importantes transformaciones urbanísticas en muchas ciudades españolas. Se alinean las calles, se pavimentan las calzadas y se realizan obras de saneamiento

Pero la novedad más importante es la aparición de la Plaza Mayor un espacio rectangular con soportales que permite resguardar a los comerciantes y compradores del mal tiempo Los edificios que rodean estas plazas suelen tener balcones de hierro, desde los que se pueden presenciar espectáculos públicos como corridas de toros, autos de fe, ejecuciones, bodas reales o victorias militares

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Arquitectos

Juan Gómez de Mora

La primera Plaza Mayor de estas características se construye en Madrid en 1619, obra de Juan Gómez de Mora, y sirve de modelo para muchas otras plazas que se construyen tanto en España como en las colonias americanas. Edifica también la Cárcel de Corte o Palacio de Santa Cruz, hoy Ministerio de Asuntos Exteriores, y la casa de la Villa o Ayuntamiento En Salamanca, para los jesuitas, construye la iglesia de la Clerecía

Domingo de Andrade 1639-1712

Trabaja en la catedral de Santiago y construye la torre del Reloj

Alonso Cano

Diseña la original fachada de la catedral de Granada (1667), un edificio iniciado en el gótico y construido en el Renacimiento.

José de Churriguera

José de Churriguera, creador del retablo del convento de San Esteban en Salamanca, una obra que da origen al adjetivo churrigueresco

Alberto de Churriguera

Una de las últimas y más espléndidas es la Plaza Mayor de Salamanca, diseñada por Alberto de Churriguera.

Pedro de Ribera

Pedro de Ribera, autor de la portada del Real Hospicio del Ave María y San Fernando (hoy Archivo Municipal de Madrid)

Fernando de Casas Novoa

Fernando de Casas Novoa, responsable de la fachada del Obradoiro en la Catedral de Santiago

Narciso Tomé 1690-1742

Trabaja en la fachada de la Universidad de Valladolid y, especialmente, en el Transparente de la catedral de Toledo

Leonardo de Figueroa 1650 -1730

Leonardo de Figueroa, quien diseña la portada del ColegioSeminario de San Telmo en Sevilla (hoy sede de la Presidencia de la Junta de Andalucía)

Recopilación de obras

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Escuela Andaluza

Luisa Roldán A. Cano

Jesús Nazareno Luisa Roldán 1692-1700

Nuestra Señora de la Soledad Luisa Roldán 1688

San Miguel venciendo al demonio Luisa Roldán

El Entierro de Cristo Luisa Roldán | 1701

San Bautista A. Cano 1634

San José con el Niño A. Cano 1653-1656

Eva A. Cano | 1660-1667

Inmaculada Concepción A. Cano | 1655

Comentario : Las Meninas ArteBarroco

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Ficha técnica

Diego Velázquez

1656 – Barroco Español

Óleo sobre lienzo 3,18 x 2,76 m.

Comentarios

Museo del Prado, Madrid

Artista y época

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Descripción en “Las Hilanderas”

Identificación y descripción

"Las Meninas", aunque su primer título fue "La familia de Felipe IV", es una obra del pintor Diego Velázquez, realizada en 1656 La técnica utilizada es óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 3,18 x 2,76 metros, lo que la convierte en una obra de gran formato Se clasifica como un retrato colectivo y cortesano, y actualmente se localiza en el Museo del Prado

En cuanto a la iconografía la escena tiene lugar en una estancia del Alcázar de Madrid, en cuyo fondo se pueden ver dos cuadros de temática mitológica: "Atenea y Aracne" y "Apolo y Marsias". Velázquez se autorretrata en la obra, y se le observa realizando el retrato de los reyes Felipe IV y María Luisa quienes aparecen reflejados en un espejo creando así un "cuadro dentro del cuadro" En este momento, los reyes estarían posando donde se encuentran los espectadores, lo que hace que estos se conviertan en protagonistas de la escena

El pintor y otros personajes parecen mirarnos, convirtiéndonos en cómplices de lo que sucede En un instante del trabajo de Velázquez, el aposentador Don José Nieto abre la puerta y su brazo parece señalar el espejo.

Entran en la escena la infanta Margarita, hija de los reyes; la dama de honor o camarera de la princesa, doña Marcela de Ulloa, cuya condición de viuda se manifiesta en su atuendo; y el sacerdote Don Diego Ruiz Azcona que está en penumbra y habla con la dama de honor

También están presentes los bufones Mari Bárbola que padece enanismo hidrocéfalo y lleva una bolsa de monedas, y Nicolás Pertusato, de aspecto aniñado, que pisotea y molesta a un mastín que acompaña a los reyes.

Ante la presencia de la infanta, acuden rápidamente las Meninas: María Agustina Sarmiento quien le ofrece en una bandeja de plata un búcaro con agua e Isabel de Velasco que inicia una reverencia

Análisis formal

En la composición de "Las Meninas" se pueden observar varios aspectos Primero, el centro de atención es la infanta Margarita Otra figura de gran interés es el aposentador, que aparece a contraluz y con su brazo señalando el cuadro donde se reflejan los reyes. La mitad inferior del lienzo está llena de personajes en un dinamismo contenido, mientras que la mitad superior está llena de atmósfera y aire

En el cuadro se aprecian líneas verticales, como el lienzo, las pilastras y horizontales en el techo, así como formas rectangulares en los cuadros colgados de las paredes, el espejo y la puerta abierta del fondo.

Sin embargo, estas estructuras se equilibran con dos esquemas curvos que forman las cabezas de los personajes: uno va desde el pintor hasta una de las Meninas y otro del guardadamas hasta Nicolás Pertusato

Análisis formal

La composición se centra en la luz y el espacio Hay tres focos de luz, además del reflejo del espejo El más importante proviene de una ventana lateral, que no se ve, y que ilumina a las figuras del primer plano, especialmente a la infanta Margarita, convirtiéndola en el principal foco de atención

Esta luz intensa hace que el modelado de Nicolás Pertusato se vea difuso especialmente su cara, debido a la contraluz La penumbra en la que se encuentran el guardadamas y la dama de honor queda interrumpida por el segundo foco de luz.

El segundo foco procede de una segunda ventana, cuya luz incide en la parte de atrás de la estancia, especialmente en el techo El tercer foco de luz se sitúa en la puerta, donde se observa a contraluz al aposentador Don José Nieto Esta luminosidad se proyecta de forma perpendicular desde el fondo del cuadro hacia el espectador.

El entrecruzamiento de esta luz que va de dentro hacia fuera, y las luces que vienen de las ventanas crean distintos juegos luminosos, generando una ilusión de planos superpuestos en profundidad

La luz ayuda a modelar, como en el caso de las Meninas, y a difuminar los contornos, ya sea por exceso de luz, como en Mari Bárbola, o por estar a contraluz, como en Nicolás Pertusato, o por tener escasa iluminación, como en el espejo del fondo

El espacio también juega un papel importante en la obra Se observa una perspectiva lineal formada por la diagonal de la pared lateral y el techo que desciende, siendo el punto de fuga la puerta donde se encuentra el aposentador. Sin embargo, el juego de luz y sombra crea una sensación de espacio y atmósfera Este inmenso espacio, lleno de atmósfera, se difumina hasta el techo, y entre el primer plano y la puerta se genera un pasillo que parece invitarnos a recorrerlo hasta el aposentador

En la obra se aprecia una gama de colores fríos con una paleta sobria y no extensa. Dominan los ocres en el techo y el suelo, junto con los colores de las sedas plateadas, blancas y grises Los blancos de plomo aparecen en diversos puntos del cuadro, como en las camisas y los puños de Mari Bárbola y Agustina Sarmiento, mientras que los ligeros toques de color rojo se ven en los adornos florales y los pasadores del pelo

La pincelada en "Las Meninas" es muy variada. A veces es cuidadosa y detallada, como en el búcaro, el pelo del perro y las maderas Otras veces, la técnica que usa es "alla prima", lo que significa que pinta casi sin hacer un dibujo previo, utilizando pinceladas sueltas que, al ser influenciadas por la luz, pierden definición en los fondos

En algunas partes, aplica toques de color sobre estas pinceladas sueltas, que se mezclan en nuestra vista y crean formas, anticipando lo que más tarde será el impresionismo, como en el adorno de la figura de la infanta Margarita. Por eso, es mejor mirar el cuadro primero desde lejos y luego acercarse para ver los detalles

Comentario : Las Meninas ArteBarroco

Comentario

La obra "Las Meninas" muestra la España del siglo XVII, un país gobernado por Felipe IV y su principal consejero, el conde-duque de Olivares En esta época, España pierde su poder en Europa, se enfrenta a la pérdida de Portugal y lucha por mantener el control de Cataluña. Además, el pueblo sufre hambrunas y enfermedades.

Después de regresar a Madrid, Velázquez pinta "Las Meninas" y "Las Hilanderas" Su técnica mejora y se caracteriza por pintar "alla prima", es decir, casi sin dibujar primero, y por usar diferentes fuentes de luz, lo que le permite crear una sensación de espacio y aire en sus obras

Esta obra maestra del arte universal ha sido objeto de numerosas interpretaciones. Algunos la ven como un retrato de la princesa Margarita, otros como un retrato de la familia real, o incluso como una reivindicación del papel social del artista, ya que Velázquez no se representa pintando, sino en una actitud reflexiva También se considera un homenaje a la propia pintura

Además, Velázquez juega con la ilusión en la pintura y la confusión entre realidad y ficción. Al mirar el cuadro, los espectadores se convierten en parte de la escena, ya que, a través del espejo en el fondo, parecen ser los reyes que el pintor retrata. Este recurso también lo usó antes Jan Van Eyck en "El matrimonio Arnolfini"

Por último, la obra también refleja el deseo típico de la sociedad española de ser noble y caballero Al autorretratarse en su oficio, Velázquez defiende la pintura como un arte noble, no como un trabajo manual. Para él, el trabajo físico era considerado deshonroso, y busca mejorar su estatus social y conseguir un título nobiliario. Finalmente, Velázquez logra este reconocimiento como caballero de la Orden de Santiago, cuyo emblema se ve en su pecho, aunque fue añadido después de su muerte

Más información relevante

La influencia de esta obra es notable en muchos artistas Picasso la interpreta en más de 140 ocasiones Goya toma este cuadro como modelo para "La familia de Carlos IV". Por su parte, Dalí, al ser preguntado sobre qué se llevaría del Museo del Prado, responde que "el aire de Las meninas".

He incluido imágenes y diseños, con conceptos importantes para la comprensión del arte o de una obra en concreto.

Personajes

1 Margarita María Teresa de Austria 8 Marcela de Ulloa

2 María Agustina Sarmiento 9 Diego Ruiz Azcona

3 Isabel de Velasco 10 Felipe IV

4 Diego Velázquez 11 Mariana de Austria

5 José Nieto Velázquez 12 Mastín

6 Mari Bárbola

7 Nicolasito Pertusato

8.3 Rococó

Cuadro autores

Rococó pág.960-961

arte ROCOCÓ

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Cuadro resumen

Autores y obras pág. 672-674

Línea del tiempo

pág.675

Barroco Europa

pág. 676-863

Barroco España

pág. 864-958

Rococó pág. 959-1013

Contexto pág.962

Arquitectura

Características generales pág.963

Arquitectos pág. 962-964

Obras pág.965-975

Escultura

Características generales pág. 976

Escultores pág. 976

Obras pág. 977-981

Pintura

Rococó en Francia pág.982-983

Rococó en Italia y Gran Bretaña pág. 984-985

Obras pág.986-1012

Comentario

El columpio pág.1013

Esquema autores: pintura Rococó

Pintura Rococó Francia

Jean-Antoine Watteau 1684-1721

Peregrinación a la isla de Citera

Gilles

La escala del amor

Fiesta veneciana

Capitulaciones de boda y baile campestre

Pintura Rococó Francia

Jean-Honoré Fragonard 1732-1806

El columpio

Chica con perro

Cabeza de anciano

Las bañistas

El encuentro secreto

La cerradura

Pintura Rococó Italia

Giovanni Baptista Tiepolo

La apoteosis de la monarquía española

Mercurio de Würzburg

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Rococó Gran Bretaña

William Hogarth

El matrimonio a la moda

Manicomio

Los sirvientes del pintor

Jean-Baptiste-Simeon Chardin 1699-1779

Pompas de jabón

El mono pintor

Vaso de agua con cafetera

El niño de la peonza

La joven institutriz

Élisabeth Vigée-LeBrun 1755-1842

Autorretrato

Retrato de Anna Stroganova

Retrato de María Antonieta

Louis-Jean-François Lagrenée 1725-1805

Las dos amigas

Cupido y Psique

La corona de flores

Alegoría del olfato

Joseph Ducreux 1735-182

Autorretrato de Joseph Ducreux

Autorretrato bostezando

Canaletto

El Bucintoro

Entrada al Gran Canal

Joshua Reynolds

El coronel Banastre Tarleton

Las hermanas Waldegrave

Más autores y obras

Thomas Gainsborough

El señor y la señora Andrews

El joven azul

Dr. Ralph Schomberg.

Más autores y obras

Adélaïde Labille-Guiard 1749-1803

Autorretrato con dos almnas

Esquema artistas inicial

François Boucher 1703-1770

La toilette

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Diana saliendo del baño

El niño mimado /La falda levantada

Venus y cupido

La odalisca

Retrato de Madame de Pompadour

Retrato de Madame Clodion

Retrato de Madame Adelaide de Francia

Más autores y obras

9

Cuadro resumen

Obras y autores pág. 1015-1017

Línea del tiempo

Finales XVII y primera mitad siglo XIX

Pág. 1018

Contexto pág.1019

Arquitectura

arte NEOCLASICISMO

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Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

Características generales pág.1020

Arquitectura en Europa pág.1020

Arquitectura en España pág.1021

Obras Europa pág.

Obras España pág

Escultura

Rasgos generales pág. 1022

Escultura en Europa pág 1022

Escultura de Cánova pág.1023

Escultura en España pág 1024

Obras

Pintura

Rasgos generales pág 1025

Pintura en Francia pág. 1026-1027

Pintura en otros países pág. 1028

Pintura en España 1029

Goya pág.1030-1031

Comentarios

Iglesia de La Madeleine pág. 1032

Eros y Psique pág. 1033

El juramento de los Horacios pág.1034

La Maja desnuda pág.1035

La familia de Carlos IV pág.1036-1037

Esquema: autores ArteNeoclasicismo

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Pintura Francia

Jacques-Louis David 1748-1825

Juramento de los Horacios

La muerte de Marat

Rapto de las Sabinas

Retrato Madame Récamier

Pintura Francia

François Gérard 1770-1837

Psique siendo reanimada por el beso del amor

Retrato de la emperatriz Josefina

Los amantes de Teruel

Napoleón en su gabinete de trabajo

Pintura Europa

Giovanni Battista Piranesi 1720-1778

Vedute di Roma

Carceri d'Invenzione (Prisiones imaginarias)

Antichità Romane

Pintura Europa

Karl Bruyllov 1799-1852

El último día de Pompeya

La última cena

Retrato de una joven

Antoine Jean Gros 1771-1835

El baño de Cleopatra

Napoleón visitando a los heridos en la batalla de Eylau

La batalla de Abukir

Napoleón en la peste de Jaffa

Hippolyte Flandrin 1809-1864

La educación de la Virgen

La muerte de Safo

Joven desnudo sentado junto al mar (Romanticismo)

San Agustín en su estudio

Retrato de un hombre

Andrea Appiani 1754-1817

El Rapto de Europa

Frescos de los fastos napoleónicos

Frescos de "Historias de Venus y Adonis

Frescos en la iglesia de Santa María presso San Celso

Angelica Kauffmann 1741-1807

Virgilio leyendo la Eneida a Augusto y Octavia

Cornelia, madre de los gracos

Hero y Leandro

Autorretrato vacilando entre las artes de la música y la pintura

J.A.D. Ingres 1780-1867

La gran odalisca

El baño de la mujer musulmana

La consagración de Napoleón

Retrato de Madame Rivière

Retrato de Madame Duvaucey

Júpiter y Tetis

Esquema artistas inicial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Anne Vallayer-Coster 1744-1818

Ramo de flores en un vaso de agua

Cesta de ciruelas

Retrato de una violinista

Constance Marie Charpentier 1767-1849

Retrato del político Georges Danton

A mother Recovering with the help of her children

Sócrates enseñando a un joven

Retratos del Barón Dubois

Retrato de la Baronesa Dubois

Chica joven con perla

Marie Denise Villiers 1774-1821

Muchacha dibujando

Retrato de Madame Soustras

Anton Raphael Mengs 1728-1779

El Párnaso

Perseo y Andrómeda

La Lamentación

Flagelación de Cristo

La inmaculada Concepción

Carlos III

Más autores y obras

Línea del tiempo Historia del Arte

Rococó 1720-1780

Neoclasicismo 1750-1830-40

Jacques-Germain Soufflot

P.A. Vignon

Étienne-Louis Boullée, Leo von Klenze

Canova

J.A. Houdon

J. Gibson

W. Wetmore Story

B. Thorvaldsen

En España

F.Gutiérrez

J. Adán

J. Álvarez Cubero

R. Barba

D. Campeny

V. Salvatierra

A. Solá

Jacques Louis David

A.J. Gros

J.A.D. Ingres

F. Gérard

H. Flandrin

C.M.Charpentier

N. Villers

A. Vallayer Coster

Primera mitad siglo XIX

G.B. Piranesi

A. Appiani

A. R. Mengs

A.Kauffmann

K. Bruyllov

Historicismo

Neogótico

Charles Barry, Augustus Pugin

John Nash (también estilos orientales)

Clasicismo ecléctico

Charles Garnier

Restauración edificios

John Ruskin

Viollet-le-Duc

Francia

François Rude

Jean-Baptiste Carpeaux

España

José Gragera

Ricardo Bellver

Inglaterra

J. Heinrich Füssli

J. Constable

W. Blake

W. Turner

J. Martin

D.Allan

J. F. Danby

T. Lauwrence

J. Atkinson Grimshaw

Inglaterra Prerrafaelista

D. G. Rossetti

J. Everett Millais

W. Holman Hunt

J. Collier

E. Burne-Jones

J. William Waterhouse E. Blair Leighton

F. Codogan Cowper

Francia

T. Garicault

E. Delacroix

P. Delaroche

G. Doré

J.A.D. Ingres

H. Flandrin

J.F. Millet

En España

F. Goya

F. Bayeu

S. Maella

J. Aparicio

J.Madrazo

R. Weiss

Alemania

C. D. Friedrich

P. Otto Runge

E. Gottlieb Leutze

G.Wilhelm Von Reutern

Nazarenos

J. Friedrich Overbeck

P. von Cornelius

J. Schnorr von Carolsfeld

España

F. de Madrazo

A. Gisbert

R. Romero Barros

L. R. Falero

J.M. Casado del Alisal

M. Fortuny

P. Borrell

A. Muñoz Degraín

F. de Goya

Líneas del tiempo

Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.

Escultura Neoclásica: Antonio Canova Arte

Antonio Canova 1757-1822

El italiano Canova se considera el escultor más importante del neoclásico y uno de los más brillantes en la historia de la escultura

Antonio Canova (Possagno, 1757 - Venecia, 1822) nace en el seno de una rica familia arruinada. De joven, no puede realizar estudios artísticos y tiene que ejercer diversos oficios, como carpintero y cantero En 1768 se traslada a Venecia, donde se forma como escultor

Sus primeras obras están influenciadas por el estilo barroco que domina en Venecia Desde muy joven rechaza la idea de ser un simple artesano sometido a las normas del gremio y defiende su categoría como artista creador

Esto lo demuestra con su obra Dédalo e Ícaro, que funciona como una alegoría de la escultura. En esta obra, bajo los pies de Dédalo descansan las herramientas del oficio, mientras Ícaro se coloca las alas de cera que le permitirán volar.

En 1781, se instala en Roma, donde se inspira en la Antigüedad y se convierte en el principal representante de la escultura neoclásica. Tiene un gran éxito, recibiendo encargos de personajes ilustres como Napoleón y Catalina de Rusia.

Temática

La obra artística de Canova es de gran diversidad abarcando desde esculturas funerarias de papas y reyes, hasta retratos de encargo, como los de Napoleón y su hermana, y sobre todo estatuas de figuras mitológicas

Canova desarrolla varias obras que evidencian su interés por la escultura antigua. Entre ellas se encuentran Teseo y el Minotauro, Eros y Psique, Hércules y Licas y Perseo con la cabeza de Medusa

Estilo

Su estilo se caracteriza por la expresión de una belleza ideal, imitando la Antigüedad; por el gusto por líneas elegantes, nítidas y sin irregularidades; por texturas suaves; por una austeridad y claridad compositiva; y por el uso de mármol y bronce

Teoría y apuntes

Acabado lustroso que luego patina con piedra pómez Canova demuestra que la frialdad que tradicionalmente se asocia con la estatuaria neoclásica es un concepto erróneo.

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Resumen obras más importantes

Eros y Psique (Venus reanimada por el beso de cupido) Las tres Gracias

Paulina Bonaparte como Venus Victrix Dédalo e ícaro

Napoleón como Marte pacificador Teseo y el centauro

Obras funerarias

Canova renueva la escultura funeraria, rompiendo con el dramatismo y la teatralidad de la tradición barroca, inclinándose hacia los ideales clásicos de equilibrio, elegancia y reposo Sus tumbas no son retratos funerarios de sus destinatarios, sino imágenes arquetípicas de la muerte.

En la Basílica de los Santos Apóstoles en Roma, realiza los sepulcros de los papas Clemente XIII y Clemente XIV Su éxito le abre las puertas de las cortes europeas, incluyendo Viena, donde labra el monumento funerario de María Cristina de Austria Monumento fúnebre de María Cristina de Austria

Pero su obra más destacada es el Monumento fúnebre de María Cristina de Austria, realizado entre 1789 y 1805 Se trata de una gran pirámide blanca abierta en el centro por una oscura abertura hacia la cual se dirige una triste procesión de figuras anónimas en diferentes etapas de la vida: un anciano acompañado por una joven (la Piedad) y una mujer de edad avanzada (la Virtud), junto a dos niñas, llevan la urna funeraria a la sepultura

El retrato de la persona fallecida aparece solo en un pequeño medallón, símbolo de la inmortalidad, que sostiene un ángel que representa la Felicidad. En la esquina derecha aparece un ángel inclinado sobre un león, símbolo de la fortaleza, un atributo de la fallecida.

Eros y Psique 1786-1793

Eros y Psique es otra de las obras de Canova, que se realiza por encargo del coronel británico John Campbell Se inspira en el tema clásico de Eros, dios del amor, que se enamora de Psique La escultura recoge el momento en que Eros besa a la joven para despertarla de un sueño en el que había caído tras tomar una pócima.

Está realizada en mármol blanco muy pulido que brilla como si fuera una piel muy suave La composición se caracteriza por la sencillez y claridad: los dos cuerpos forman una X, ocupando el centro los labios Los brazos de Psique forman un círculo en torno al punto central para aumentar el interés de esa zona Los rostros, sus brazos y cuerpos transmiten mucha sensualidad.

Retratos

La fama de Antonio Canova atrae la curiosidad de Napoleón, quien queda extasiado al contemplar Eros y Psique. Decide contratarlo, ya que su estilo encaja perfectamente con su programa propagandístico Napoleón busca legitimarse presentándose como un dios o héroe de la Antigüedad Canova realiza varios retratos de Napoleón en los que aparece desnudo, al igual que los dioses romanos y griegos

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Retratos

Sin embargo, el retrato más famoso es el de su hermana Paulina Bonaparte (1805-1808), que se exhibe en la Galería Borghese de Roma. Canova retrata a la hermana de Napoleón a los 25 años, desnuda, la representa recostada en un diván, imitando a una Venus victoriosa Esta obra se considera su obra maestra, reflejando toda una época a través de la sensualidad del cuerpo femenino

La estatua se esculpe en un único bloque de mármol blanco de Carrara. La figura presenta una belleza ideal, un gesto sereno, sin expresividad, y un aspecto monumental.

La luz se refleja en la blancura del mármol La serenidad, la idealización y el desnudo dan atemporalidad a la escultura, que no parece el retrato real de alguien, sino un símbolo de la belleza y el poder

Las tres Gracias

Tras la caída de Napoleón, Canova regresa a París como enviado del Papa para recuperar las obras de arte que el emperador francés había expoliado En 1815, recibe una llamada de los ingleses que le piden su opinión sobre los mármoles del Partenón, que recientemente habían sido trasladados al Museo Británico. Estos mármoles le impactan tanto que llega a declarar que “los mármoles de Fidias son verdadera carne” . Bajo esta influencia, realiza Las Tres Gracias.

Las Tres Gracias es un grupo escultórico en mármol que encarna la belleza ideal femenina de forma sencilla y cuidada Según la mitología griega, las Gracias son hijas de Zeus y representan la belleza, la alegría y la fertilidad, deleitando en los banquetes y reuniones a los invitados de los dioses. Aparecen representadas de pie, inclinadas hacia dentro, unidas por un abrazo suave y por un velo que se enrosca en las tres.

Escultura de George Washington

El último gran encargo internacional que recibe proviene de Carolina del Norte, donde se le solicita una escultura de George Washington, que entrega en 1821, poco antes de su muerte

En esta escultura, el primer presidente norteamericano aparece vestido como un emperador romano, en el momento de su renuncia al poder, lo que se interpreta como un homenaje a la honestidad y virtud del pueblo americano. Sin embargo, un incendio destruye la obra, y solo se conserva una copia en yeso en el Gipsoteca de Possagno

Pintura en Francia: Jacques Louis David Arte

Jacques-Louis David 1748-1825

Jacques-Louis David se convierte en el autor que mejor representa al neoclasicismo Admira la antigüedad clásica y recoge de ella la austeridad y severidad, así como el gusto por los temas heroicos. Entre sus alumnos destacan Gros, Ingres y otros artistas que adoptan su estilo y filosofía.

Vive en una época de transición: los últimos años del Antiguo Régimen, la Revolución Francesa y el imperio napoleónico En 1775 viaja a Roma donde se deja influir por los artistas italianos, especialmente por Rafael, y admira las antiguas ruinas romanas Posteriormente, se fascina con las ruinas de Pompeya.

En todas sus obras predominan las escenas interiores, las composiciones algo rígidas y estáticas, y utiliza el claroscuro para resaltar personajes o detalles, además de tratar temáticas moralizantes que ponen prioridad en lo público sobre lo privado o exaltan el compromiso cívico

Juramento de los Horacios 1784

En Roma, pinta "El juramento de los Horacios" en 1784 El tema, tratado en una tragedia de Corneille, representa el momento en que los tres hermanos toman las espadas de manos de su padre para luchar contra sus cuñados en defensa de su patria.

Mientras las mujeres parecen partidarias de seguir sus sentimientos y asisten desfallecidas al juramento, los hombres muestran determinación a sacrificar sus vidas

Este tema tiene una clara intención didáctica y moralizante, exaltando la virtud cívica, el patriotismo y el heroísmo. Por ello, se convierte en un símbolo de la Revolución Francesa.

Durante la Revolución Francesa

Teoría y apuntes

Durante la Revolución Francesa, David se compromete con los ideales revolucionarios, se convierte en amigo de Robespierre y se identifica con los radicales jacobinos Su pintura se convierte en un instrumento propagandístico de las virtudes revolucionarias.

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Esbozo "El juramento del juego de la pelota",

David también realiza el esbozo del famoso cuadro "El juramento del juego de la pelota", que uno de sus discípulos completa. Al caer el gobierno jacobino, David es arrestado junto con Robespierre y sus partidarios Aunque se libra de la guillotina, no escapa de la cárcel

Durante la Revolución Francesa

La muerte de Marat

A esta época corresponde su obra más sobrecogedora, "La muerte de Marat", en la que el escritor jacobino aparece apuñalado en su bañera por Carlota Corday, una girondina que logra entrar en su casa bajo el pretexto de presentarle una lista de nombres de traidores a Francia que deben ser ejecutados.

En la pintura, Marat se presenta como un hombre austero que muere de manera tranquila y serena por defender su ideología Su rostro dulce simboliza la virtud y el heroísmo

Las alusiones a la pobreza del revolucionario, como la caja de madera que sirve de mesa y el paño remendado a su izquierda, junto con la oscuridad y vacío que ocupan casi la mitad del cuadro, resaltan la austeridad y nobleza de Marat, quien es un auténtico defensor de las clases más desfavorecidas.

Rapto de las Sabinas

En este tiempo, idea su obra "Rapto de las Sabinas", en la que vuelve a utilizar un tema mitológico para transmitir valores, proponiendo el amor como forma de recuperar la paz.

El cuadro se basa en una leyenda que narra que, en los orígenes de Roma, había pocas mujeres, por lo que Rómulo, su primer rey, decide que los romanos secuestren a las hijas de los sabinos para casarse con ellas. Años después, en busca de venganza, los sabinos atacan a los romanos, pero las mujeres se interponen para evitar la guerra que las privaría de sus maridos e hijos, así como de sus hermanos y padres

En la obra se puede ver a Hersilia, hija del líder de los sabinos, pero casada con Rómulo, interponiéndose entre los combatientes.

Este cuadro se realiza para mostrar el amor que David siente por su esposa, aunque también se ha interpretado como un ruego a la unificación nacional y la paz entre los franceses Posteriormente, Napoleón toma esta obra como símbolo de su gobierno.

Etapa de vinculación con Napoleón

En la siguiente etapa, David se vincula ideológica y artísticamente con Napoleón, convirtiéndose en pintor de su corte. En sus pinturas, David representa a Napoleón como el nuevo héroe. En 1800 pinta "Napoleón cruzando el San Bernardo", y poco después, "La coronación de Napoleón", donde desaparece la austeridad en favor del espectáculo propagandístico

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Etapa del exilio en Bélgica

Tras la caída de Napoleón y la restauración de la monarquía borbónica, David rechaza la petición del rey Luis XVIII de convertirse en pintor de cámara y se exilia en Bélgica, donde muere Uno de sus mejores retratos es "Madame Récamier"

Juliette Récamier, esposa de un banquero, es una de las jóvenes más notables y bellas de su época A pesar de la ideología monárquica de Récamier, David la retrata con sobriedad y sencillez, como si fuera una heroína de la República

La ambientación de la obra contiene muchas alusiones a la antigüedad: la joven parece una virgen o vestal romana, recostada en un tipo de diván o triclinio, que a partir de ahora se llamará "Récamier" Al lado de ella hay un reposapiés y una lámpara romana, mobiliario que acaba de ser descubierto en Pompeya. Viste un sencillo vestido blanco de estilo griego, no lleva joyas, su peinado es un sobrio recogido tipo romano con una cinta, y tiene los pies desnudos.

Aunque mira de frente de forma algo descarada, su cuerpo está vuelto para indicar castidad. La figura aparece en la lejanía, lo que puede sugerir que se trata más de un ideal de elegancia femenina que de un auténtico retrato. La obra queda inacabada, y no se conoce la razón de ello

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Pintura España : Francisco de Goya Arte

Francisco de Goya 1746-1828

Es un artista difícil de situar porque vive un periodo convulso y sirve a cuatro reyes: Carlos III, Carlos IV, José I y Fernando VII Su arte escapa a las clasificaciones de estilos y modas Goya es neoclásico y romántico, pero su producción es tan variada que ninguna clasificación resulta adecuada para su conjunto Se puede decir que su obra se encuentra entre un clasicismo personal y un romanticismo crítico

Domina todas las técnicas, incluyendo la pintura mural y de caballete, los cartones para tapices y el grabado Se atreve con todos los géneros, desde retratos hasta bodegones, así como cuadros religiosos, históricos y costumbristas

1ª Etapa: Formación (hasta1774)

Desde muy joven manifestó inquietudes artísticas y empezó a trabajar como aprendiz, en el taller de José Luzán Sus comienzos son difíciles Dos veces es rechazado por la Academia de San Fernando para obtener una beca que le permita estudiar en Roma Por ello, decide costearse él mismo el viaje a Italia En este viaje incorpora la temática mitológica “El rapto de Europa”

Regresa a Zaragoza, trabaja en la basílica del Pilar y se casa con Josefa Bayeu

2ª Etapa: obras costumbristas (hasta 1792)

Rafael Mengs, pintor de la Corte llama a Goya para que trabaje en Madrid. Su cuñado Francisco Bayeu, que es un artista exitoso en Madrid, le facilita su instalación en la capital Comienza la época de sus triunfos profesionales y su acceso a la corte.

Nos encontramos con un pintor vitalista, optimista e intérprete de una sociedad alegre y superficial En esta época llega a ser Director Adjunto de la Academia de San Fernando

A los treinta años, lo contrata la Real Fábrica de Santa Bárbara para que pinte cartones para los tapices que allí se fabrican Son obras que serán copiadas por las tejedoras para elaborar los tapices que decoraban los salones aristocráticos de la corte En ellos el artista se convierte en un cronista de una sociedad superficial y castiza sin atisbo de crítica social

Teoría y apuntes

En esta época, lo pintoresco está de moda, y Goya pinta toreros, tonadilleras, actrices y gente del pueblo de Madrid, incluyendo lavanderas y jugadores de naipes

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Obras como El cacharrero, El quitasol, La gallina ciega o La pradera de San Isidro son ejemplos de su producción en este periodo Son cuadros amables, con dibujo acabado, colores cálidos y efectos lumínicos.

El éxito de sus obras para la familia real lleva a que también los nobles le encarguen obras para decorar sus palacios Un ejemplo de esto son La cucaña y El columpio La poderosa casa de Osuna le encarga una serie de cuadros con la vida de San Francisco de Borja para la Catedral de Valencia

3ª Etapa: obras de crítica social 1792-1808

Los acontecimientos personales (sordera) y políticos (decepción política de la revolución francesa y la guerra de la independencia), van a provocar una metamorfosis que da lugar a un estilo de crítica social en los géneros pictóricos que desarrolla En este contexto, su obra alterna dos vertientes antagónicas: las plácidas pinturas de encargo y las estampas desgarradas

En 1792, Goya viaja a Sevilla, donde contrae una enfermedad que le deja sordo Se recupera en Cádiz, en la casa de su amigo Sebastián Martínez Cuatro años después, regresa a Andalucía para pintar el oratorio de la Santa Cueva en Cádiz

Grabados: 1ª serie Los Caprichos

La primera serie de grabados es Los Caprichos (1799) concebida como un libro ilustrado con grabados para ser comentados en las tertulias Este conjunto es una sátira cruda de los vicios y debilidades sociales, que critica la concentración del poder, el abuso de los débiles, la ignorancia y la superstición Técnicas de grabado que utilizó: aguafuerte, aguatinta y punta seca (buril) y litografía

Para controlar la producción del libro, Goya lo edita personalmente Sin embargo, las imágenes no son bien recibidas por las autoridades y su venta es prohibida por la Inquisición a las dos semanas, el 19 de febrero de 1799.

Ejemplos: “Tú que no puedes“, “Hasta la muerte“ y “El sueño de la razón produce monstruos“.

Retratos

Goya es también autor de una amplia galería de retratos, un género que le da mucha fama Entre sus retratos se encuentran arquitectos neoclásicos como Ventura Rodríguez y Juan de Villanueva intelectuales ilustrados como Jovellanos, Meléndez Valdés y Fernández de Moratín, banqueros como Cabarrús, y aristócratas femeninas como la Condesa de Chinchón, la Condesa de Haro, y las duquesas de Alba y Osuna.

Las Majas

Durante los años de cambio de siglo, cumple con un encargo de Godoy para pintar dos retratos femeninos de cuerpo entero: La maja desnuda y La maja vestida. La Maja desnuda es uno de los desnudos más fascinantes del arte universal dotado de una evidente carga erótica y sensualidad gracias a su posicionamiento, sugerente ante el espectador, y por el realismo con el que representa el desnudo femenino (vello femenino en el pubis) Tanto en la “Maja desnuda” como en la “Maja vestida” utiliza una pincelada rápida y una gran captación de los efectos lumínicos sobre el desnudo, las telas y los vestidos respectivamente

Estas obras se instalan en su gabinete privado, a pesar de que el primero podría haber llevado a alguien con menos poder a las cárceles de la Inquisición.

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3ª Etapa: obras de crítica social 1792-1808

Retratos de la Corte

En 1799 es nombrado primer pintor de cámara (Carlos IV). Retrata a la familia real con una fuerte carga crítica hacia sus personas y hacia las instituciones absolutistas que representan desde su planteamiento político liberal al representarlos sin ningún tipo de recato llegando a plasmar sus defectos físicos y/o personales, como observamos en los retratos de la reina “La Familia de Carlos IV” realizado en 1800 y “Fernando VII”

La familia de Carlos IV

Es un retrato colectivo de la familia real, pomposo y distante del espectador, simbolizando su distanciamiento con el pueblo español en el cual contrasta el aspecto bonachón del rey con el autoritarismo de la reina

4ª Etapa: obras dramáticas (1808-1828) –Romanticismo-

A partir del estallido de la guerra de la independencia, en 1808, con sus secuelas del horror y el dolor colectivo, se intensifica el pesimismo y la crítica social, como se observa en las series de grabados y en sus cuadros patrióticos.

Esta etapa se caracteriza por una visión pesimista del mundo a través de la incorporación de temas dramáticos y fantasiosos, con una pincelada de manchas que va distorsionando, cada vez más, el dibujo, y la creciente presencia del color negro, A lo largo de esta etapa va a desarrollar una serie de géneros:

Grabados:

La segunda serie es Los Desastres de la guerra, un conjunto de 82 grabados que recoge episodios de la invasión napoleónica y la Guerra de Independencia Estas imágenes denuncian la violencia y la crueldad de ambos bandos involucrados en el conflicto

La tercera serie es La Tauromaquia Cansado de los desastres de la guerra, Goya se refugia en el mundo de los toros Entre 1814 y 1816, pinta toreros famosos y las faenas que les brindan gloria

La serie de los Disparates (quinta serie) consiste en veintidós grabados, probablemente incompletos, realizados con aguatinta y aguafuerte Estas estampas son las más difíciles de interpretar del pintor aragonés En ellas predominan las visiones oníricas, la violencia y el sexo, así como una crítica de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen

Más allá de estas connotaciones, las estampas presentan un rico mundo imaginativo relacionado con la noche, el carnaval y lo grotesco, que constituyen un enigma tanto en cada estampa como en su conjunto.

Pintura : La Familia de Carlos IV ArteNeoclasicismo

arte

ROMANTICISMO

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Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

Cuadro resumen

Obras y artistas pág. 1102-05

Línea del tiempo

Finales XVII y primera mitad siglo XIX

Pág. 1106

Contexto pág.1107

Arquitectura

El historicismo pág.1108

Arquitectos pág.1108

Obras pág. 1109-1117

Escultura

Rasgos generales pág. 1118

Escultura en Europa pág. 1118

Escultura en España pág. 1118

Obras pág. 1119-20

Pintura

Rasgos generales pág. 1121

Pintura en Francia pág. 1122-28

Pintura en Inglaterra pág. 1129-32

Pintura en Alemania pág.1133-41

Pintura en España pág. 1142-45

Comentarios

La Libertad guiando al pueblo pág.1146

Lluvia, vapor y velocidad pág.1147

Los fusilamientos del 3 de mayo pág.1148-49

El carro de heno pág. 1150

Esquema: pintores Arte

Pintura Francia

Théodore Garicault 1791-1824

La balsa de Medusa

Mujer demente

El cleptómano

Epidemia de fiebre amarilla en Cádiz

Derbi en Epsom

Pintura Francia

Gustave Doré 1832-1883

El noveno círculo

Paolo y Francesca de Romini

David enseña la cabeza de Goliat

Reunión de ratas

Muerte montada en un caballo pálido

Pintura Alemania

Caspar David Friedrich 1774-1840

El caminante sobre el mar de nubes

Abadía en un bosque

El monje frente al mar

Paisaje de invierno

Ventana hacia el parque

Acantilados blancos en Rügen

Claustro del cementerio en la nieve

El árbol de los cuervos

El mar de hielo

Pintura Alemania

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Nazarenos

Johan Friedrich Overbeck 1789-1869

Frescos de la Casa Barholdy

María e Isabel con Jesús y Bautista niños

Triunfo de la religión en las Artes

Italia y Germania

Eugène Delacroix 1798-1863

La barca de Dante

Huérfana en el cementerio

La libertad guiando al pueblo

La muerte de Sardanápalo

Cama sin hacer

Medea furiosa

Boceto para el sultán Mulay Abderraman

Mujeres de Argel

Jean-François Millet 1814-1875

El Angelus

La muerte del leñador

Las espigadoras

La comida de los segadores

Descanso al mediodía

Otoño: pajares

El hombre de la azada

Mujer en escalera

Las etapas de la vida

Mañana de pascua

Peter von Cornelius 1783-1867

José interpreta el sueño del faraón

José reconocido por sus hermanos

Las vírgenes sabias y las vírgenes necias

Philipp Otto Runge 1777-1810

Los niños Hülsenbeck

La esfera de color

Más autores y obras

Paul Delaroche 1797-1859

Esquema artistas inicial

la ejecución del Lady Jane Grey

Los príncipes en la torre

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

El mural del honor (Mural del Hemiciclo de la École)

Bonaparte cruzando los Alpes

Emanuel Gottlieb Leutze 1816-1868

George Washington cruzando Delaware

Julius Schnorr von Carolsfeld 1794-1872

Retrato de Clara Bianca Von Quandt con laúd

Rut en el campo de Booz

Las bodas de Caná

La batalla de los seis en la isla de Lipadusa

El ejército de los francos bajo Carlomagno en la ciudad de París

Más obras y autores

Gerhard Wilhelm Von Reutern 1794-1865

El sacrificio de Isaac

Esquema: pintores ArteRomanticismo

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Pintura Inglaterra

Johann Heinrich Füssli 1741-1825

La pesadilla

Lady Macbeth

La bruja de la noche visitando las brujas de Laponia

Pintura Inglaterra

William Turner 1775-1851

Pescadores en el mar

Tormenta de nieve, Aníbal y su ejército cruzando los Alpes

Ulises burlando a Polifemo

Staffa, la cueva Fingal

El temerario remolca a dique seco

John Constable 1776-1837

El carro de heno

Estudio de marina con nube de lluvia

El caballo blanco

Catedral de Salisbury desde los prados

William Blake 1757-1827

La escalera de Jacob

El Anciano de los días

El gran Dragón Rojo y la Mujer revestida en Sol

Nabucodonosor

Newton

John Martin 1789-1854

Pandemonium

Esquema artistas inicial

James Francis Danby 1816-1875

El Parlamento desde el río

Vista del puente de Westminster y las casas del Parlamento

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Barcos de esclavos

Crepúsculo sobre un lago

Puesta de sol escarlata

Paisaje con río y bahía al fondo

En el mar

Pintura Inglaterra

Prerrafaelista

Dante Gabriel Rossetti 1828-1882

La anunciación

La Bienamada

Canción de Navidad

Beata Beatrix

Pintura Inglaterra

Prerrafaelista

Edward Burne-Jones 1833-1898

La rueda de la fortuna

Epifanía

John Everett Millais 1829-1896

Isabella

Mariana

Ofelia

La chica ciega

John Atkinson Grimshaw 1836-1893

Dama de Shalott

Reflejos sobre el Támesis

Elaine

Anochecer en el Támesis

John William Waterhouse 1849-1917

El círculo mágico

Cleopatra

La dama de Shalott

Ulises y las sirenas

Circe envidiosa

Hilas y las ninfas

Pandora

La bola de cristal

Eco y Narciso

El alma de la rosa

William Holman Hunt 1827-1910

El chivo expiatorio

Reflejos sobre el Támesis

Retrato de Charles Allston Collins muerto

David Allan 1744-1796

El origen de la pintura

Autorretrato

John Collier 1850-1934

Lilith

La sacerdotisa de Delfos

El laboratorio

Thomas Lauwrence 1769-1830

Satanás invocando a sus legiones

Lady Godiva

Tannhäuser en el Venusberg

El bebé terrestre

Edmund Blair Leighton 1853-1922

El abrazo

Buena suerte

Bordando el estandarte

Una húmeda mañana

Frank Codogan Cowper 1877-1958

Vanidad

Pintura Romántica: Inglaterra Arte

Romanticismo en Inglaterra

En la segunda mitad del siglo XVIII, se encuentran las primeras manifestaciones de la pintura romántica, a través de artistas visionarios o prerrománticos Estos pintores se oponen al arte oficial de los retratistas ingleses, eligiendo una temática fantástica, onírica o surrealista, alejada de la razón Aunque sus temas son propios del Romanticismo los pintores ingleses ponen especial interés en el dibujo. El descubrimiento más importante del Romanticismo inglés es reconocer el valor y la importancia del contacto directo con la naturaleza Hasta ese momento, los paisajes se recreaban en los talleres de los artistas, en lugar de ser pintados directamente al aire libre.

Johann Heinrich Füssli 1741-1825

Johann Heinrich Füssli conocido como Henry Fuseli en Gran Bretaña, es un artista inclasificable que mezcla elementos del neoclasicismo y el romanticismo Su obra, profundamente emocional y subjetiva, lo convierte en un precursor del surrealismo.

Nacido en Zúrich, comienza su carrera como escritor influenciado por el movimiento Sturm und Drang que valoraba la expresión intensa de los sentimientos Más tarde se dedica a la pintura donde su gusto por lo oscuro y grotesco destaca

A los 23 años viaja a Inglaterra, donde consigue el apoyo de Thomas Coutts, un influyente banquero Tras viajar a Roma, perfecciona su estilo y, aunque su arte no es muy popular es valorado entre las clases altas La Royal Academy lo admite como miembro y artistas como William Blake lo admiran, señalando su influencia visionaria, adelantada a su tiempo.

Johann Heinrich Füssli trata temas relacionados con la muerte, lo sobrenatural o lo truculento. En su obra Las pesadillas, explora el mundo de los sueños, donde emergen monstruos demoníacos Füssli, muy interesado en la literatura, se inspira en el "Sueño de una noche de verano" para la figura de Titania.

Obras

La pesadilla

Lady Macbeth

La bruja de la noche visitando las brujas de Laponia

John Constable 1776-1837

Teoría y apuntes

John Constable, paisajista inglés, refleja en su obra los paisajes de Suffolk su tierra natal, y es uno de los primeros en pintar al aire libre, lo que influirá en la Escuela de Barbizon y más tarde en los impresionistas

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Autodidacta, comienza como dibujante topográfico en Londres y luego ingresa en la Academia A diferencia de Turner, que busca lo sublime, Constable prefiere lo pintoresco, con un realismo que evoca emociones Se interesa por los efectos de la luz en la naturaleza, anticipando técnicas impresionistas con pinceladas divididas y uso de espátula Su estilo, considerado revolucionario en su tiempo

Obras

El carro de heno

Estudio de marina con nube de lluvia

El caballo blanco

Catedral de Salisbury desde los prados

William Blake 1757-1827

William Blake es un artista y poeta inglés que fusiona ambas disciplinas. Su arte está lleno de espiritualidad y misticismo, lo que lo lleva a crear una mitología propia basada en visiones que tiene desde niño Desde los 14 años se dedica al grabado, rechazando las modas neoclásicas de su tiempo y prefiriendo la imaginación sobre la razón

Blake considera que el artista, como un profeta, revela la realidad a través de símbolos que el público debe interpretar. Aunque es incomprendido en su época generaciones posteriores lo reivindican como un visionario

Obras

La escalera de Jacob El Anciano de los días

El gran Dragón Rojo y la Mujer revestida en Sol Nabucodonosor Newton

William Turner 1775-1851

Joseph Mallord William Turner es uno de los paisajistas más importantes de la historia Se le atribuye haber elevado el paisaje a un género mayor, y es conocido como "el pintor de la luz" Dominó tanto el óleo como la acuarela, y su estilo adelantado a su tiempo influiría en el impresionismo décadas después

Turner nace en una familia humilde: su padre es fabricante de pelucas y su madre ama de casa Con 14 años ingresa en la Royal Academy of Art. Viaja por el mundo, aprendiendo de grandes maestros, aunque su carácter excéntrico y misántropo lo aísla socialmente Solo le interesa la pintura, manteniendo pocas relaciones personales y se vuelve muy crítico con sus contemporáneos, especialmente con su rival Constable.

Turner se distingue por su experimentación, usando técnicas de acuarela en el óleo y su obra influye en artistas posteriores como Rothko y Kandinsky Hoy en día, su legado se honra con el prestigioso

Premio Turner

Obras

Pescadores en el mar

Tormenta de nieve, Aníbal y su ejército cruzando los Alpes

Ulises burlando a Polifemo

Staffa, la cueva Fingal

El temerario remolca a dique seco

Barcos de esclavos

Crepúsculo sobre un lago

Puesta de sol escarlata

Paisaje con río y bahía al fondo

En el mar

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John Martin 1789-1854

William Blake es un artista y poeta inglés que fusiona ambas disciplinas. Su arte está lleno de espiritualidad y misticismo, lo que lo lleva a crear una mitología propia basada en visiones que tiene desde niño Desde los 14 años se dedica al grabado, rechazando las modas neoclásicas de su tiempo y prefiriendo la imaginación sobre la razón

Blake considera que el artista, como un profeta, revela la realidad a través de símbolos que el público debe interpretar. Aunque es incomprendido en su época, generaciones posteriores lo reivindican como un visionario

Obras

Pandemonium

David Allan 1744-1796

David Allan, un destacado pintor escocés del siglo XVIII, se especializa en la representación de escenas históricas y mitológicas Su obra se caracteriza por un uso hábil del color la atención al detalle y una composición dinámica que captura la esencia de sus personajes A lo largo de su carrera, Allan busca un equilibrio entre el romanticismo y la tradición clásica lo que lo convierte en un precursor del arte escocés moderno

Obras

El origen de la pintura

Autorretrato

James Francis Danby

1816-1875

James Francis Danby es un pintor inglés especializado en paisajes, especialmente de vistas del río Támesis y sus alrededores Nace en Bristol, en una familia con problemas económicos y personales. Su padre, también pintor, se va con la institutriz de los niños, y su madre se muda con otro pintor

A pesar de las dificultades, James Francis se forma como artista y destaca por su uso espectacular de la luz, sobre todo en amaneceres y atardeceres. Expone regularmente en la Real Academia y otras instituciones Deja unas 150 obras y muere a los 59 años en Hampstead

Obras

El Parlamento desde el río

Vista del puente de Westminster y las casas del Parlamento

Thomas Lauwrence 1769-1830

Obras

Satanás invocando a sus legiones

John Atkinson Grimshaw 1836-1893

Obras

Dama de Shalott

Reflejos sobre el Támesis

Elaine Anochecer en el Támesis

Comentario : Lluvia, vapor y velocidad – Turner- ArteRomanticismo

Ficha técnica

J M W Turner 1775-1851

1844- Romanticismo

Óleo sobre lienzo –Género: paisaje-

National Gallery, Londres

Artista y época

La obra se sitúa en plena Revolución Industrial, bajo el reinado de la Reina Victoria en Inglaterra Es un momento de cambios profundos, donde el maquinismo y la burguesía industrial transforman el país

Comentarios

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Joseph Mallord William Turner hijo de un humilde fabricante de pelucas, se convierte en uno de los pintores más importantes de su tiempo. Aunque triunfa en su carrera artística, Turner es un hombre solitario que prefiere la naturaleza y se aísla en su casa, a pesar de sus numerosos éxitos Sus viajes por Europa, especialmente a Francia, le permiten conocer a grandes maestros como Claudio Lorena y Canaletto, cuyas técnicas influyen en su obra

Identificación y clasificación

El título original de esta obra es "Lluvia, vapor y velocidad", también conocida como "Gran tren del oeste" Su autor es J.M.W. Turner (1775-1851), y fue pintada hacia 1844 Se trata de un óleo sobre lienzo de 91 x 121,8 cm. La escena pertenece al género del paisaje y actualmente está ubicada en la National Gallery de Londres.

Turner representa el paso del tren más moderno de la época en su camino hacia Londres Sin embargo, el protagonista del cuadro no es tanto el ferrocarril como la atmósfera creada por la mezcla de lluvia y vapor, que difumina las formas y convierte los objetos en algo casi intangible. El tren, el puente y una barca que navega por el río parecen perder su nitidez bajo estos elementos.

Descripción y análisis formal

La composición de la obra es abierta, lo que significa que los elementos parecen continuar más allá del lienzo Las vías del tren se alargan hacia fuera de la escena, y los ojos del puente están incompletos, lo que sugiere movimiento y expansión.

El cuadro puede dividirse horizontalmente en dos mitades La parte superior está dominada por una textura esponjosa de tonos amarillos y algunas zonas blanquecinas, sombreadas con grises azulados En la parte inferior, las formas se vuelven casi indescifrables, aunque Turner ofrece algunas pistas al añadir elementos más concretos, como una pequeña barca y un gran puente, que ayudan a reconstruir el paisaje.

Hacia el lado derecho e inferior del cuadro, los colores forman una diagonal negra, representando la locomotora que parece acercarse al espectador Turner usa un cuchillo de paleta para aplicar toques de pintura blanca y roja en la locomotora, lo que indica el proceso de combustión que impulsa el tren La lluvia, arrastrada por el viento, se representa con finos trazos de color que atraviesan el tren como una cortina de agua.

El gran protagonista de la obra es la atmósfera creada por la mezcla de lluvia y vapor Turner consigue que la luz se filtre débilmente a través de estos elementos desdibujando los contornos de las figuras

En este cuadro predomina el color sobre el dibujo. Las líneas están casi ausentes, y los colores principales son los ocres, marrones y amarillos de la tierra, mezclados con violetas y azules en el cielo y el río Las pinceladas son muy variadas desde trazos diluidos hasta capas de pintura espesa, especialmente en la locomotora

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Descripción y análisis formal

El ritmo del cuadro refleja el movimiento El tren parece avanzar hacia nosotros con rapidez, en contraste con la barca casi imperceptible, que se mueve lentamente

También hay una liebre difícilmente reconocible que corre delante del tren, intensificando esta sensación de velocidad.

Comentario

Turner se enmarca dentro del Romanticismo, un movimiento artístico que resalta la fuerza y el poder de la naturaleza sobre el ser humano. Al igual que John Constable, Turner se interesa profundamente por los efectos atmosféricos, algo que consigue mediante la observación directa del paisaje y bocetos al natural, que luego desarrolla en su estudio En sus obras, utiliza incluso sus dedos para lograr ciertos efectos lumínicos

El ferrocarril simboliza esta modernidad, pero en la obra de Turner se contrapone con la grandiosidad de la naturaleza, que parece empequeñecer cualquier avance humano.

Turner es muy apreciado por la crítica en su tiempo Su obra, reproducida en grabados, llega rápidamente a Francia, donde influye en el desarrollo de movimientos posteriores como el Impresionismo Claude Monet y otros pintores impresionistas admiran la forma en que Turner representa la luz y la atmósfera, y lo consideran uno de los precursores de su estilo.

Portadas

SegundamitadXIX

Transición: del Romanticismo al Realismo

El Realismo

El Impresionismo

El Postimpresionismo

El Simbolismo

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Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

Cuadro resumen

Obras y artistas pág. 1152-59

Línea del tiempo

Segunda mitad XIX Pág. 1160

Contexto pág.1161

Arquitectura

Características generales pág. 1162

Arquitectura en Europa pág. 1163

La Escuela de Chicago pág.1163

Obras pág. 1164-72

Escultura

Escultura en la segunda mitad siglo XIX Pág. 1173-1180

Pintura

Escuela Barbizón pág. 1181-1183

Prerrafaelistas pág. 1184-90

Realismo características generales pág. 1191

Artistas y obras Realismo pág. 1191- 1206

Características del Impresionismo pág. 1207

Artistas y obras Impresionismo pág. 1208-25

Características Postimpresionismo pág. 1226

Artistas y obras Postimpresionismo pág. 1226-40

Simbolismo: artistas y obras pág. 1241-43

Comentarios

Un entierro en Ornans pág. 1244

Almuerzo en la hierba pág. 1245-46

Impresión, Sol naciente pág. 1247

Baile en el Moulin de la Galette pág. 1248

El foyer de la danza en la ópera pág. 1249

La habitación en Arlés pág. 1250

Esquema: arquitectura y escultura

Arquitectura

Joseph Paxton

Crystal Palace

Arquitectura

Escuela de Chicago

William Le Baron Jenney

Home Insurance Building

Escultura

A. Rodin1840-1917

El beso

La puerta del infierno

El pensador

La eterna primavera

Monumento a Balzac

H. H. Richardson

Almacenes Marshall

Los burgueses de Calais

Henri Labrouste 1801-1875

Sala de lectura de la Biblioteca Nacional

Biblioteca de Santa Genoveva

Louis Sullivan

Auditorio de Chicago

Almacenes Carson

Edificios y arquitectos

Iron Bridge | T. Farnolls Pritchard

Estación de King’s Cross | Lewis Cubitt

Torre Eiffel | arquitecto S. Sauvestre constructor:

Gustave Eiffel

Esquema artistas inicial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Más edificios y arquitectos

Camille Claudel 1864-1943

La edad madura

El gran vals

Perra hambrienta

La pequeña castellana

La ola

La implorante

El hombre inclinado

Vertumno y Pomona

Clotho

Aristides Maillol 1861-1944

La noche

La mediterránea

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Escultura

Más autores y obras

Esquema: Realismo 2ªmitadXIX

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Pintura Realismo

Honoré Daumier 1808-1879

Vagón de tercera clase

La República

El luchador

El molinero, su hijo y el burro

La lavandera

Don Quijote y Sancho Panza

Pintura Realismo

Jean-François Millet 1814-1875

La comida de los segadores

Las Espigadoras

El Ángelus

La muerte del leñador

Descanso al mediodía

Otoño: pajares

El hombre de la azada

Pintura Realismo

Fernand Pelez 1843-1913 (Francia)

Niño de la calle

Muecas y miseria, los saltimbanquis

Pintura Realismo

Vasili Ivánovich Súrikov 1848-1916

La mañana de la ejecución de los Streltsí

La boyarda Morózova

La toma de un pueblo nevado

Gustave Coubert 1819-1877

El taller del pintor

El origen del mundo

Entierro de Ornans

El desesperado

El encuentro

Los picapedreros

El hombre herido

Las bañistas

Señoritas del pueblo

La fuente

Cortesanas al borde del Sena

Esquema

artistas inicial

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Jules Bastien-Lepage 1848-1884

Recogiendo leña

Juana de Arco

La Cosecha

El mendigo

Albert Anker 1831-1910 (Suiza)

La siesta

La devoción del abuelo

Franz von Lenbach 1836-1904

El paraguas rojo

El niño pastor

La infanta Paz de Borbón

Marie Bashkirtseff 1858-1884 (Ucrania)

En el estudio

Autorretrato

El encuentro

Rosa Bonheur 1822-1899

El Cid

León en reposo

La feria de caballos

Arando en el Nivernais

Ilya Repin 1844-1930 (Rusia)

Los sirgadores del Volga

Procesión religiosa en Kursk

Sesión solemne del Consejo de Estado

Cosacos zaporogos escribiendo una carta al sultán

Iván el Terrible y su hijo

Retrato de Tolstoi

Adolph von Menzel 1815-1905

Huésped no invitado / La visita de la muerte

La pared de mi estudio

La fundición de hierro

En el jardín de la cerveza

Concierto para flauta de Federico el Grande en Sanssouci

Esquema: Impresionismo

Pintura Impresionismo

Eduard Manet 1832-1883

El almuerzo en la hierba

Olympia

El pífano

El bar del Folies-Bergère

La ejecución de Maximiliano

El Balcón

Torero muerto

El café-concierto

Argenteuil

Pintura Impresionismo

Auguste Renoir 1841-1919

Desnudo al sol

El columpio

Baile del Moulin de la Galette

El almuerzo de los remeros

Bañistas

La Grenouillère

El palco

Los paraguas

Baile en la ciudad | Baile en el campo

Pintura Impresionismo

Camile Pissarro 1830-1903

Rue Saint-Honoré por la tarde Efecto de lluvia

Boulevard Montmartre de noche

Los tejados rojos

Cosecha de manzanas

El bosque de Marly

Dos jóvenes campesinas

Palacio de cristal

Cruce de caminos al Hermitage

La diligencia de Louvenciennes

La acerca

Festival de Hermitage

Claude Monet 1840-1926

Impresión, sol naciente

La Urraca

Las amapolas

Mujer con sombrilla

La japonesa

La calle Montorgueil

La Grenouillère

Paseo por el acantilado de Pourville

La catedral de Rouen

Acantilados de Etretat atardecer

Esquema artistas inicial

El puente japonés

Ninfeas, armonía en verde

Nenúfares, reflejo de nubes

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

Alfred Sisley 1839-1899

Puente en Villeneuve-la-Garenne

La nieve en Louveciennes

El canal del Loing

La inundación de Port-Marly

Los pequeños prados en primavera

Iglesia de Moret

La plaza de Chenil en Marly con nieve

Berthe Morisot 1841-1895

Ante el espejo

La cuna

Día de verano

Edma Morisot leyendo

La Psyché

La hermana y la madre de la artista

E. Manet y su hija en el jardín

El puerto de Lorient

Mujer en su baño

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Pintura Impresionismo

Eugène Boudin 1824-1898

Playa de Trouville

La playa de Villerville

Berck, pescadores en la marea baja

La costa atlántica en Benerville

Edgar Degas 1834-1917

El ajenjo

Intérierur

La clase de danza

El foyer de la danza en la Ópera

El barreño

Miss La La en el circo Fernando

La estrella

Dos planchadoras

Caballos ante las gradas

La orquesta de la Ópera

Cantante con guante

Dos bailarinas en amarillo y rosa

Bailarinas en azul

La familia Bellelli

Esperando

Línea del tiempo Historia del Arte

Joseph Paxton

Henri Labrouste

y escultura segunda mitad siglo XIX

Edificios y arquitectos

Iron Bridge | T. Farnolls Pritchard

Estación de King’s Cross | Lewis Cubitt

Torre Eiffel | arquitecto S. Sauvestre constructor: Gustave Eiffel

C Corot

T Rousseau

C F Daubigny

J F Millet

D. G. Rossetti

J Everett Millais

W Holman Hunt

J Collier

E Burne-Jones

J W Waterhouse

E Blair Leighton

F Codogan Cowper

Francia H Daumier G Coubert J F Millet

J. Bastien-Lepage F Pelez

R Bonheur Otros países

A. Anker

Escuela de Chicago

William Le Baron Jenney

Líneas del tiempo

Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.

H H Richardson Louis Sullivan Escultura

M. Bashkirtseff

I. Repin

España

A. Fillol

C. Pla Gallardo

A Rodin

Camille Claudel

Aristides Maillol

E. Hopper

T. Eakins

G. Bellows

W. Homer

S. Goodridge

C. Monet

A. Renoir

A. Sisley

C. Pissarro

E. Degas

A. Wyeth E. Manet

B. Morisot

E. Boudin

F. Bazille

E. Gonzalès

A. Zorn

A. Ancher

J. Whistler M. Cassat

J. Singer Sargent

J. Sorolla

D. Regoyos A. de Beruete

E. Meifrén Roig

J. Mir

P. Cézanne

H. Toulouse-Lautrec

V. Van Gogh

P.Gauguin

E. Cortès

S. Valadon

N. Dardel

J. E. Hervey MacDonald

G. Seurat

P. Signac

E. Carr Puntillismo

Odilon Redon

Gustave Moreau

Zinaida Serebriakova

C. Pissarro

Los nabis

Paul Sérusier

Maurice Denis

Georges Lacombe

Paul Ranson

Felix Vallotton

Pierre Bonnard

Pintura Simbolismo

Escuela Barbizón

Obras

Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.

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Home Insurance Building

W. Le Baron Jenney 1884-85

El Home Insurance Building, construido en 1885 en Chicago, es un edificio histórico que marca un antes y un después en la arquitectura. La Home Insurance Company busca crear una nueva sede que sea resistente al fuego, y su idea es que el edificio tenga una altura de 42 metros. Lo que lo hace realmente especial es que se convierte en el primer rascacielos del mundo en usar acero estructural.

William Le Baron Jenney, un arquitecto de la época, es el encargado de diseñarlo, y la construcción se lleva a cabo entre 1884 y 1885. Aunque inicialmente tiene 10 pisos y una altura de 42 metros, en 1890 le añaden dos pisos más, alcanzando los 55 metros.

A pesar de ser revolucionario en su tiempo, en 1931 deciden demolerlo para dar paso a la construcción del LaSalle Bank Building. Aun así, el Home Insurance Building es recordado como el primer rascacielos de la historia, un ícono que marca el inicio de la era de los edificios altos.

Pintura: Realismo 2ªmitadXIX

Realismo: características generales

El realismo surge como una corriente literaria y artística a partir de 1850. Su principal objetivo es representar la realidad de manera objetiva y sin prejuicios Esta corriente se manifiesta artísticamente a través del positivismo, y en algunos artistas, también se ve influenciada por el socialismo

Una de las innovaciones que marca el realismo es la llegada de la fotografía, que ofrece nuevas formas de capturar el mundo y de observar la vida cotidiana

Los artistas más destacados del realismo utilizan su obra como un medio de crítica a la sociedad burguesa y como una forma de expresar las condiciones de vida de las clases inferiores Así, el realismo se convierte en un espejo que refleja las injusticias y los problemas sociales de su tiempo.

Es importante señalar que el realismo se desarrolla a partir del romanticismo, que ya había comenzado a explorar aspectos de la vida real, como lo popular o los paisajes Sin embargo, a diferencia del romanticismo, que a menudo presenta una visión subjetiva de la realidad, el realismo se esfuerza por eliminar estos prejuicios. El artista se centra en lo que observa a su alrededor, lo que se define como "lo que está allí"

En cuanto a los temas abordados por los realistas, muchos resultan polémicos Se ocupan de representar a la gente común, a menudo en situaciones cotidianas, y reflejan una fuerte carga crítica hacia la sociedad

A pesar de la importancia de esta corriente, la técnica pictórica utilizada por los artistas realistas no introduce novedades significativas En lugar de eso, aprovechan las técnicas ya existentes para transmitir su mensaje de forma efectiva, enfocándose en la representación fiel de la vida tal como es

Honoré Daumier 1808-1879

Daumier es un artista muy comprometido socialmente, quien pone su arte al servicio de la revolución Se destaca como caricaturista en la prensa de su tiempo y es un excepcional dibujante.

Teoría y apuntes

En su pintura, muestra la miseria que padecen las personas en las ciudades, retratándolas con gran humanidad. A menudo utiliza manchas de color en lugar del dibujo tradicional, lo que aporta un carácter más expresivo a sus obras Entre sus piezas más conocidas están "El vagón de 3ª", "La Lavandera" y "El Motín", que reflejan las dificultades y luchas de la vida cotidiana de la clase trabajadora

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Obras

Vagón de tercera clase

La República

El luchador

El molinero, su hijo y el burro

La lavandera

Don Quijote y Sancho Panza

Gustave Courbert 1819-1877

Se le considera el pintor realista por excelencia, ya que afronta la realidad sin prejuicios Para él, la realidad es simplemente un conjunto de imágenes que captan sus ojos, sin añadir interpretaciones idealizadas

Courbet nace en una familia terrateniente y adopta una ideología socialista y revolucionaria, aunque esto no condiciona su obra pictórica

Su preocupación principal es el tema que elige. A menudo es criticado por buscar asuntos extravagantes y feos que se alejan del ideal convencional de elegancia y distinción A pesar de esto, no aporta ninguna novedad técnica a la pintura; su inspiración proviene de los pintores del siglo XVII como Caravaggio y la pintura española.

En 1850, Courbet hace una presentación impactante en el Salón de París con varias obras, destacando "Entierro en Ornans" Esta pintura representa una escena cotidiana tal como él la percibe revelando la hipocresía de los asistentes Se pueden observar actitudes como la rutina del cura al realizar su oficio, los monaguillos ajenos a la ceremonia y la falta de dolor en la familia y amigos, quienes parecen estar allí solo por compromiso.

El realismo también se manifiesta en sus retratos de personajes rurales, cuyos rostros parecen estar hechos de la misma materia que la tierra Esta obra causa gran impresión por el tema tratado y la crudeza con que representa a los personajes

En "Los picapedreros", Courbet aborda la dura realidad de la clase trabajadora La atmósfera oscura y angustiosa del cuadro, junto a los personajes que aparecen sin rostro, lo convierten en un símbolo de la explotación de estos trabajadores

Debido a su carácter polémico y revolucionario, sus obras son rechazadas en los Salones Sin embargo, durante la Exposición Universal de 1855 en París, monta un barracón donde expone sus principales obras, entre ellas "El estudio del pintor" .

En esta obra se representa a sí mismo junto a su musa y a un variado grupo de personajes de su época. Se convierte así en una proclamación de sus intereses estéticos, afirmando que el pintor debe revelar al mundo la verdad

Obras

El taller del pintor

El origen del mundo

Entierro de Ornans

El desesperado

El encuentro

Los picapedreros

El hombre herido

Las bañistas

Señoritas del pueblo

La fuente

Cortesanas al borde del Sena

Jean-François Millet 1814-1875

Con él y la Escuela de Barbizon, surge el realismo, que refleja una profunda empatía por los campesinos y las personas humildes que trabajan arduamente, especialmente en contraposición a las ciudades industriales

Millet proviene de una familia campesina en Normandía y, desde joven, muestra un talento especial para el dibujo, lo que le lleva a estudiar en varias ciudades, hasta llegar a París, donde su obra no es bien recibida. Influido por Daumier, decide renunciar a la pintura oficial y se establece en Barbizon con otros artistas interesados en el paisaje rural

Millet interpreta la naturaleza con un misticismo que resalta la vida cotidiana de la gente humilde, lo que atrae a los republicanos, pero no a la burguesía, que era su principal clientela.

A pesar de que todos sus temas son rústicos a diferencia de sus compañeros de escuela, Millet introduce la figura humana en sus cuadros, y lo hace de una manera que anticipa el acercamiento a la estética realista

Su legado influye en artistas posteriores como Van Gogh y Dalí, quienes reinterpretan sus obras

Obras

La comida de los segadores

Las Espigadoras

El Ángelus

La muerte del leñador

Descanso al mediodía

Otoño: pajares

El hombre de la azada

Jules Bastien-Lepage 1848-1884

Jules Bastien-Lepage representa uno de los realistas más comprometidos que llevan el Realismo hacia el Naturalismo abriendo el camino al Impresionismo Nace en Damvillers en el seno de una familia dedicada al cultivo de frutas y la viticultura, entorno donde empieza a desarrollar su talento artístico

Entre sus obras más importantes destacan "La pequeña mendiga", "El bosque de Boulogne" y "Juana de Arco", que capturan la esencia de la gente común y la naturaleza con un realismo detallado.

En 1867 se traslada a París para estudiar en la École des Beaux-Arts con el maestro Cabanel, aunque prefiere trabajar solo, lo que no le impide aprobar gracias a su talento Durante la guerra franco-prusiana de 1870, es herido y regresa a su tierra natal donde se inspira en la vida rural para sus pinturas.

Obras

Recogiendo leña

Juana de Arco

La Cosecha

El mendigo

Pintura : Impresionismo

Recopilación de obras

Además de poder ver las obras en grande y en buena calidad, he incluido recopilaciones de obras en una sola página para que puedas ver las obras más importantes de los artistas y movimientos en una sola página.

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Eduard Manet 1832-1883

Un bar de Folies-Bergère E. Manet | 1882

Almuerzo en la hierba E. Manet | 1863

Olympia E. Manet | 1863

La ejecución del Emperador Maximiliano E. Manet | 1869

El balcón E. Manet | 1869

El pífano E. Manet | 1866

La fuga de Rochefort E. Manet | 1881

El puente japonés C. Monet | 1899

Claude Monet 1840-1926

Los nenúfares C. Monet | 1926

Mujer con sombrilla C. Monet | 1875

Impresión, sol naciente C. Monet | 1872

La catedral de Rouen C. Monet | 1894

La calle Montorgueil C. Monet | 1878

La Grenouillére C. Monet | 1869

Pintura : Impresionismo

Auguste Renoir 1841-1919

Recopilación de obras

al sol

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P.A. Renoir | 1874-75

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El almuerzo de los remeros

P.A. Renoir | 1881

Baile en el Moulin de la Galette

P.A. Renoir | 1876

La Grenouillère

P.A. Renoir | 1869

Desnudo

Las bañistas

P.A. Renoir | 1918-19

El columpio P.A. Renoir | 1876

Los paraguas P.A. Renoir | 1881-86

Alfred Sisley 1839-1899

Iglesia de Moret A. Sisley | 1893

Puente en Villeneuve-la- Garenne

A. Sisley | 1872

El canal de Loing

Sisley | 1892

La plaza de Chenil en Marly con nieve A. Sisley | 1876

La nieve en Louveciennes

A. Sisley | 1878

La inundación de Port-Marly

A. Sisley | 1876

Pintura: Postimpresionismo

Vincent Van Gogh 1853-1890

Recopilación de obras

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Autorretrato

V. Van Gogh | 1889

La noche estrellada

V. Van Gogh | 1889

Los comedores de patatas

V. Van Gogh | 1885

Almendro en flor

V. Van Gogh | 1890

Jarrón con girasoles

V. Van Gogh | 1888

El dormitorio de Arlés

V. Van Gogh | 1888

Jarrón con lirios

V. Van Gogh | 1889

Trigal con cuervos

V. Van Gogh | 1890

Obras

Pintura: postimpresionismo

Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.

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Las grandes bañistas

Paul Cézanne 1906

Óleo sobre lienzo. Philadelphia Museum of Art, Filadelfia

El cuadro más grande de Cézanne, titulado "Las grandes bañistas", permanece inacabado tras siete años de trabajo. Se organiza en torno a dos grupos de bañistas junto a un río, donde se distingue una figura nadando y un posible perro en la orilla.

La composición se basa en el triángulo, donde los árboles forman una bóveda sobre las figuras, que son representadas con contrastes de colores cálidos y fríos. Los ricos azules evocan la atmósfera mediterránea, y las figuras se muestran anónimas y rígidas, alejadas de cualquier sensualidad.

La pintura anticipa el cubismo, con trazos oscuros y una técnica de aplicación violenta. Esta obsesión por representar figuras humanas en el paisaje parece recordar momentos de su juventud junto al río.

Obras

Todos los temas incluyen imágenes en buena calidad de las obras más importantes de cada periodo y movimiento. En cada obra se indica el nombre de la obra, el autor, el año de creación y dónde encontrarla. En las obras más representativas se incluye una breve descripción.

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Mata Mua (Érase una vez)

Paul Gauguin 1892

Óleo sobre lienzo. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Una de sus obras más emblemáticas es “Mata Mua (Érase una vez)” (1892), perteneciente a su etapa polinesia.

Gauguin viaja a Tahití con la intención de conocer una civilización primitiva antes de que la colonización francesa y la cristianización la destruyan. Su búsqueda del “paraíso original” lo lleva a un mundo donde las personas viven en armonía con la naturaleza y los dioses.

El título de esta pintura hace referencia a “ese mundo que se fue”.

El centro de “Mata Mua” está dominado por un enorme tronco de árbol que divide la escena en dos. A la derecha, una pareja de jóvenes se sienta serenamente; una toca la flauta mientras la otra escucha. A la izquierda, un grupo de mujeres danza alrededor de una estatua de la diosa Hina, asociada a la luna. Las ceremonias religiosas siempre despiertan el interés de Gauguin, que ya había comenzado a explorar este tema durante su estancia en Bretaña.

El paisaje que pinta es idílico y se encuentra alejado de la civilización. Utiliza colores planos, puros e intensos para representarlo, eligiendo verdes para el valle y morados para las montañas. Estos colores no buscan imitar la naturaleza, sino que son usados de forma arbitraria para realzar la expresividad, lo que le confiere el título de precursor del fauvismo.

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Ficha técnica

Auguste Reonoir

1876 - Impresionismo

Óleo sobre lienzo

Museo d’Orsay, París

Artista y época

La vida artística de Renoir, al igual que la de otros impresionistas y postimpresionistas, transcurre en el último tercio del siglo XIX y los primeros años del XX Este periodo se caracteriza por la consolidación de la III República y la segunda revolución industrial, que trae consigo avances como el tranvía, el metro y la electricidad, elementos que también se reflejan en el cuadro

Comentarios

Además, es una época marcada por la expansión colonial y el conocimiento de culturas exóticas, influencias visibles en la estética de la obra, como la estampa japonesa Al mismo tiempo, París vive la bohemia y la Belle Époque, con espectáculos masivos como cabarets y carreras de caballos, que contribuyen al ambiente festivo retratado en esta pintura

Cada uno de los temas incluye comentarios completos de algunas de las obras más importantes. En el índice puedes ver las obras comentadas.

Entre 1874 y 1883 Renoir es uno de los líderes del Impresionismo junto con Monet, siguiendo fielmente los principios del movimiento. La pintura de Renoir refleja esta nueva realidad, presentando la vida moderna de la ciudad con un enfoque optimista y vibrante, centrado en la belleza y el disfrute del momento

Identificación y clasificación

"Baile en el Moulin de la Galette" es un óleo sobre lienzo pintado por Auguste Renoir en 1876 y se encuentra en el Museo de Orsay en París La obra es presentada en la III Exposición Impresionista en 1877 Renoir, para poder pintarla, alquila una mansión rodeada de jardín en Montmartre lo que agrava su difícil situación económica, ya que el artista proviene de un origen humilde y desde pequeño trabaja como decorador de porcelanas y pintor de abanicos.

Estas experiencias en sus primeros años influyen en los temas de sus pinturas, que suelen ser escenas alegres y optimistas, centradas en la diversión y la juventud Renoir es especialmente conocido por su preocupación por la figura femenina en sus obras, donde representa a mujeres en diferentes ambientes: desnudas en la intimidad, al aire libre o en interiores. Las figuras femeninas en sus cuadros son de formas voluminosas, con rostros rosáceos y labios carnosos, y transmiten una sensación de vitalidad y optimismo, aunque su vida personal está marcada por constantes penurias económicas.

Descripción

El tema de "Baile en el Moulin de la Galette" representa un momento de la vida alegre en París El cuadro capta un momento que parece espontáneo pero en realidad, fue meticulosamente planeado y compuesto en el taller de Renoir. El cuadro, en su conjunto, expresa la "joie de vivre" o alegría de vivir, a través de las actitudes relajadas de los personajes y los colores vivos que emplea Renoir

La Galette, un viejo molino del barrio bohemio de Montmartre, se convierte en un café popular donde los domingos se celebran animados bailes Durante el fin de semana, este lugar se convierte en el epicentro de diversión para una mezcla de personas: trabajadores, ciudadanos, artistas, prostitutas y visitantes de provincias que llegan a París en busca de entretenimiento Este interés por representar escenas de la vida moderna y de la realidad cotidiana es una característica típica de los impresionistas

La obra muestra a personas sencillas disfrutando del evento y muchos de los personajes son amigos o conocidos de Renoir. En las mesas, se sientan conocidos pintores de Renoir, acompañados por las hermanas Estelle y Jeanne En el centro de la escena, el pintor cubano Pedro Vidal baila con su amiga Margot mientras que al fondo se observan otros pintores también disfrutando del baile A la izquierda una mujer recortada, en un encuadre que recuerda a una fotografía, se dirige a una niña de cabello rubio

Análisis formal

La composición se organiza mediante una diagonal que atraviesa los rostros de dos jóvenes, separando dos grupos de personajes: uno cerrado en el primer plano y otro más abierto alrededor de una pareja de bailarines

En el centro de la composición, destacan las dos hermanas. Si trazamos una diagonal imaginaria, esta separa a los personajes que charlan de aquellos que bailan, organizando ambos grupos en círculos:

Análisis formal

A un lado de la diagonal en un círculo, se encuentran la mujer de espaldas las dos hermanas y dos jóvenes sentados a la mesa Junto al árbol, un hombre con un sombrero amarillo y reflejos de luz y sombra parece coquetear con una mujer Una niña, situada entre los dos, mira hacia el primer plano En el ángulo derecho, un grupo de hombres y mujeres con sombreros, uno de ellos con chistera, entabla una conversación animada.

Al otro lado de la diagonal están los personajes que bailan En el centro de esta actividad, la pareja formada por Margot y el pintor cubano Pedro Vidal, amigos de Renoir A su alrededor, otros bailarines se sumergen en la atmósfera vibrante creada por las lámparas de gas Las pinceladas ligeras del pintor capturan el juego de luces y sombras que resalta el vestido rosa de Margot, así como a su pareja y el suelo. Tonos de rosa pálido, rosa perla y azul malva crean una sensación etérea, como si la pareja se moviera sobre una nube

Cada grupo presenta una perspectiva diferente: los bailarines se ven de frente, mientras que las figuras del primer plano se observan desde arriba, una característica típica del gusto impresionista, también presente en la obra de Degas Este recurso crea una sensación de multitud y dinamismo en la composición.

El ritmo de la pintura resulta dinámico gracias a la diversidad de miradas y las actitudes en las conversaciones

El color juega un papel fundamental en la construcción de los efectos de luz y sombra. Renoir utiliza colores puros y brillantes en la obra, sin emplear el negro, siguiendo la teoría del color de Chevreul

Con pinceladas sueltas, ligeras y suaves, Renoir representa los efectos de la luz que se filtra a través de los árboles, creando sombras amarillentas, rosáceas y violáceas, además de matices azul malva en el suelo Los toques de luz marrón y amarillenta en la chaqueta del hombre del primer plano y en los sombreros añaden profundidad a la escena Este juego de luces y sombras crea un efecto de aire que envuelve a las figuras, difuminándolas Este enfoque, criticado en su tiempo, contribuye a la atmósfera vibrante y ligera de la escena.

Comentario

El objetivo de Renoir y de los impresionistas es capturar la impresión del momento, el efecto de la luz sobre los objetos y la inmediatez de la vida moderna En "Baile en el Moulin de la Galette", Renoir logra estos efectos mediante el uso de colores vibrantes, pinceladas sueltas y una composición que busca reflejar la atmósfera de un evento cotidiano y festivo en la vida parisina de finales del siglo XIX

El cuadro es una obra maestra del Impresionismo porque encarna los principios del movimiento: el interés por la luz, la captura del instante y la representación de la vida moderna Además, la obra refleja la influencia de los avances científicos del siglo XIX como la fotografía y las teorías del color, así como los cambios sociales provocados por la Segunda Revolución Industrial, que hacen que las clases medias se conviertan en un tema recurrente en la pintura

arte

SigloXX

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Portadas

Todas las portadas incluyen los contenidos que se verán en cada tema y la paginación. Las solapas están vinculadas, para que puedas navegar por los apuntes más fácilmente.

12 Arte siglo XX

Cuadro resumen

Obras y artistas pág. 1252-58

Línea del tiempo

El siglo XX pág. 1259

Contexto

Pág. 1260

Arquitectura

Características generales pág. 1261

Escuela racionalista: Bauhaus pág. 1262

Escuela racionalista: Le Corbusier pág. 1263

Escuela organicista pág. 1264

Pintura

Resumen de las Vanguardias pág. 1265-66

Fauvismo pág. 1267

Expresionismo pág. 1268-1271

Nueva objetividad pág.1272

Cubismo pág.1273-74

Orfismo pág.1275

Futurismo pág.1276

Pintura Metafísica pág.1277

Arte Abstracto pág.1278-79

Neoplasticismo pág.1280

Dadaísmo pág.1281

Surrealismo pág.1282-84

Expresionismo abstracto pág.1285-86

Esquema: Expresionismo, Futurismo y Metafísica

Pintura Expresionismo

Der Blaue Reiter

Marianne von Werefkin 1860-1938

Moonlit

Autorretrato

Otoño

Patinadores

Estación de tren de Prerow

Tarde en Murnau

Retrato del bailarín y coreógrafo ruso Alexander Sakharoff

Nueva Objetividad

Otto Dix 1891-1969

Calle de Praga

Retrato de la periodista Sylvia von Harden

Máscaras como ruinas

Asesinato

La loca

La guerra

Pintura Futurismo

Giacomo Balla 1871-1958

Lampada ad arco

Dinamismo de un perro con correa

Landscape

Luz de calle

Manifestación patriótica

Pesimismo y optimismo

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Pintura Metafísica

Carlo Carrà 1881-1966

Musa metafísica

El antigracioso

El caballero del espíritu occidental

Amante del ingeniero

Alexej Jawlensky 1864-1941

Tarde soleada en Murnau

Retrato de Alexander Sakharoff

Max Beckmann 1884-1950

La noche

Autorretrato con pañuelo rojo

La partida

Muerte

Fiesta en París

Tríptico del carnaval

Mujer con mandolina en amarillo y rojo

Umberto Boccioni 1882-1916

La ciudad se levanta

Disturbios en la galería

Dinamismo de un ciclista

Gabriele Münter 1877-1962

Autorretrato

Retrato de Marianne von Werefkin

Paisaje con parades blancas

Puesta de sol sobre Staffelsee

Esquema artistas inicial

Retrato de Kandinsky

Mujer pensando II

Autorretrato frente a un caballete

Al principio de cada tema encontrarás este tipo de cuadros donde yo he colocado a los artistas y sus obras más importantes. He dejado espacios en blanco para que puedas añadir, si quieres, más obras y artistas.

George Grosz 1893-1959

Un día gris

Eclipse de sol

Metrópolis

El funeral

Una víctima de la sociedad

Autómatas republicanos

Retrato del escritor Max Herrmann

Carlo Carrà 1881-1966

Funeral del anarquista Galli

Mujer en el balcón

Plaza del Duomo en Milán

Salida del teatro

La galería de Milán

Giorgio De Chirico 1888-1978

La torre roja

La canción de amor

La melancolía de la partida

Héctor y Andrómaco

El profeta

Gladiadores y león

Giorgio Morandi 1890-1964

Naturaleza muerta

Bodegón

Gino Severini 1883-1966

Mar = bailarina

El baile del pan-pan en el Monico

Tren blindado en acción

Bodegón con botellas

Bodegón metafísica

Línea del tiempo Historia del Arte

Primera mitad siglo XX

Arquitectura siglo XX

Bauhaus

H Meyer, H Wittwer, A Sharon, L Mies van der Rohe

Arquitectura escuela Racionalista

Le Corbusier

Escuela orgánica Frank Lloyd Wright Erik Gunnar Asplund Alvar Aalto

Arquitectura Escuela Orgánica

Fauvismo 1905-08

H Matisse

A Derain

R Dufy

A Marquet

M Vlaminck

P Picasso

G Braque

J Gris

F Leger

M Blanchard

Dadaísmo 1916-23

Orfismo 1911-14

František Kupka Robert Delaunay, Sonia Delaunay

Escultura cubismo: Pablo Gargallo

Arte Abstracto 1910

Hilma af Klint

Wassily Kandinsky Paul Klee

Expresionismo 1905-33

E. Munch A. Neel E. Schiele P. Modersohn-Becker Die Brücke Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Erich Heckel

Líneas del tiempo

Además de la teoría encontrarás líneas del tiempo con los artistas más importantes en cada disciplina.

Futurismo 1909-20

Umberto Boccioni, Carlo Carrà Giacomo Balla, Gino Severini

Suprematismo 1913-1922

Kazimir Malévich Liubov Popova

Precisionismo 1920-32

Expresionismo abstracto 1943-65

Constructivismo 1915-35

Vladimir Lebedev Liubov Popova

Alexander Rodchenko Varvara Stepanova

Nueva Objetividad 1919-33

Der Blaue Reiter F. Marc , A. Macke, W. Kankisky, A. Jawlensky, M. von Werefkin G. Münter Otto Dix, Max Beckmann, George Grosz

Pintura metafísica 1911-14

Carlo Carrà, Giorgio De Chirico, Giorgio Morandi.

pintura

Surrealismo 1924-36

S. Dalí, R. Magritte, J. Miró, R. Varo, M. Mallo, Max Ernst

España: A. Ponce de León, Ó. Domínguez, Á. Santos

México: M. Izquierdo, W. Paelen, R. Tamayo, F. Kahlo

Neoplasticismo 1917-31

Piet Mondrian Theo van Doesburg Bart van der Leck

Europa: Z. Beksiński, V. Brauner Balthus F.Nussbaum

Reino Unido: L. Carrington, I. Colquhoun

Sudamérica: R. Matta, L. Fini

EEUU: D. Tanning E.T. Sandberg, C.M. Coolidge

Pintura

Marcel Duchamp, Man Ray Hannah Höch, Francis Picabia, Max Ernst

Georgia O’Keeffe Jackson Pollock Clyfford Still Hans Hofmann

Mark Rothko Willem de Kooning Barnett Newman

Lee Krasner José Guerrero Helen Frankenthaler Agnes Martin

Arquitectura: Escuela Racionalista Bauhaus

La escuela racionalista

El racionalismo en arquitectura busca crear edificios que respondan a las necesidades del hombre moderno usando las técnicas de construcción más avanzadas

Los arquitectos racionalistas diseñan estructuras basadas en esqueletos geométricos de hierro y hormigón armado Gracias a la resistencia de estos materiales, eliminan las paredes exteriores que sostienen el edificio y las reemplazan por muros de cristal. En estos diseños, la decoración ya no depende de adornos sino de cómo se distribuyen las ventanas y otros espacios abiertos en las fachadas

Escuela racionalista: Bauhaus

La Bauhaus

La Bauhaus representa una de las escuelas más influyentes en la historia de la arquitectura y el diseño Fundada en 1919 en Alemania, su enfoque es revolucionario para su época: promueve la funcionalidad, la simplicidad y la integración del arte y la técnica La escuela atrae a estudiantes y arquitectos que, fascinados por estas ideas, quieren dar forma a un nuevo tipo de espacio y estilo arquitectónico.

La historia de la Bauhaus empieza en Weimar, en 1919, cuando el arquitecto Walter Gropius funda esta escuela revolucionaria junto con otros directores importantes: Hannes Meyer y Mies van der Rohe

La Bauhaus nace al juntar dos centros distintos: la Escuela Artesanal y la Escuela de Bellas Artes y de aquí se forma un proyecto educativo completamente nuevo

Aquí surgen las ideas base del diseño gráfico e industrial que usamos hoy en día En arquitectura la Bauhaus se convierte en una referencia mundial.

Su idea principal es la funcionalidad: construir edificios con formas geométricas, inspiradas en el arte grecolatino y el renacimiento

El gran objetivo de la Bauhaus es acabar con la separación entre las Bellas Artes (pintura, escultura ) y las Artes Aplicadas (artesanía, diseño, etc )

El edificio más icónico es el de la propia Bauhaus en Dessau, hecho de acero y cristal y con volúmenes que parecen moverse, aportando un toque de dinamismo.

Teoría y apuntes

Durante su historia, la escuela se mueve entre tres ciudades alemanas: Weimar (1919-1925), Dessau (1925-1932) y Berlín (1932-1934).

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

En su última etapa, la presión de los nazis en Berlín la obliga a cerrar, y Walter Gropius tiene que exiliarse a Estados Unidos

Años después, en 1996, la UNESCO declara Patrimonio de la Humanidad todas las obras de la Bauhaus, reconociendo su legado en todo el mundo.

Escuela racionalista: Bauhaus

Características arquitectura Bauhaus

Para ellos, no hay diferencia entre un artesano y un artista. En abril de 1919, Gropius escribe que su objetivo es crear un “ nuevo tipo de artesano, sin la distinción de clase que separa al artista del artesano” “¡Todos somos artesanos!” proclama el manifiesto La Bauhaus quiere unir todas las disciplinas artísticas en un mismo nivel y eliminar las divisiones de clase entre ellas

“La forma sigue a la funcionalidad” es una frase de Gropius que define el estilo Bauhaus Aquí, la forma de un objeto o edificio se basa en su propósito; sin embargo, la funcionalidad no significa aburrimiento, y muchos de sus edificios muestran que lo práctico también puede ser elegante

Otro concepto clave es la idea de la obra de arte total, o Gesamtkunstwerk, que significa que todas las formas de arte se combinan en una sola creación Así, un edificio no es solo arquitectura: también incorpora diseño y decoración

La Bauhaus cree que los materiales deben mostrar su verdadera esencia No ocultan nada, por simple que sea; usan cemento armado, metal y cristal, y estos materiales se ven tal cual, sin intentar disimular su aspecto Así, sus edificios muestran de forma transparente sus estructuras metálicas y amplias fachadas de vidrio.

El minimalismo es otro sello de la Bauhaus: prefieren formas geométricas simples a las formas curvas y muy ornamentadas

También hay un énfasis en la tecnología y la innovación constante Los talleres de la Bauhaus funcionan como laboratorios donde se desarrollan prototipos y objetos para producción masiva La escuela fomenta la experimentación y el uso de tecnología y materiales nuevos para construir, buscando siempre una nueva forma de entender el diseño.

Además, el uso eficiente de recursos es clave en la ideología Bauhaus, que busca precisión en los materiales y control de los gastos. Esto significa que un diseño debe ser lo más simple y efectivo posible, evitando adornos innecesarios o decoraciones complejas. Según la Bauhaus, los objetos son bellos tal como son, sin adornos extra, y los edificios suelen ser de colores básicos, con una imagen sobria y austera En conclusión, el estilo Bauhaus marca una época porque logra mezclar arte, diseño industrial, diseño de interiores, tipografía y arquitectura de una manera única Este movimiento influye no solo en la estética, sino también en la cultura, la política y la sociedad.

Edificios icónicos Bauhaus

Escuela Bauhaus en Dessau

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En 1925, la Bauhaus se traslada de Weimar a Dessau, y para esta nueva etapa, el fundador de la escuela, Walter Gropius, diseña un edificio que se convierte en símbolo de su estilo y filosofía

El edificio, que se termina en 1926, destaca por su estructura geométrica y su planta asimétrica

Aquí no hay adornos superfluos ni detalles decorativos, sino formas puras

El uso de grandes ventanales horizontales y de acero materiales industriales, refleja una intención clara: dejar entrar la luz y conectar el interior con el exterior creando una sensación de transparencia y continuidad

Las paredes de cristal en los laterales permiten que el espacio interno fluya hacia el exterior algo muy novedoso en ese momento.

Escuela Sindical ADGB

Este es otro proyecto importante que surge de la Bauhaus, aunque no tan conocido como el edificio en Dessau La Escuela Sindical ADGB (Allgemeiner Deutscher Gewerkschaftsbund) se diseña en 1928 bajo la dirección de Hannes Meyer, junto con el arquitecto Hans Wittwer, da forma a un complejo de edificios en forma de Z, uniendo espacios, pero manteniendo cada edificio separado estructuralmente.

Este diseño permite que cada parte del conjunto cumpla una función específica, en línea con la idea de Meyer de que la arquitectura debe responder a las necesidades prácticas y no simplemente a la estética.

Ciudad Blanca (Tel Aviv)

En los años 30, la persecución de los judíos en Europa obliga a muchos a emigrar y algunos arquitectos formados en la Bauhaus llevan consigo sus ideas y su estilo. Un caso destacado es el de Arieh Sharon.

Sharon aplica los principios de la escuela en proyectos residenciales que ayudan a transformar la ciudad, la cual rápidamente adopta un estilo arquitectónico moderno con edificios blancos y funcionales, siguiendo las ideas de simplicidad y funcionalidad de la Bauhaus Así, Tel Aviv gana el sobrenombre de "Ciudad Blanca" y se convierte en un emblema de la arquitectura Bauhaus en Medio Oriente.

Casa Farnsworth

Tras el ascenso del nazismo varios miembros de la Bauhaus entre ellos Ludwig Mies van der Rohe, emigran a Estados Unidos, donde continúan desarrollando su visión arquitectónica La Casa Farnsworth es un ejemplo perfecto de este enfoque, diseñada por Mies en 1945. Construida con acero y vidrio, la casa parece una caja flotante, transparente y abierta al paisaje

Mies lleva al extremo la idea de conectar el interior con el exterior, eliminando prácticamente las paredes sólidas para que la casa se funda con su entorno

Esta obra se convierte en un ícono de la arquitectura moderna y representa el ideal Bauhaus de fusionar belleza y funcionalidad.

Pintura: Las Vanguardias

Las Vanguardias 1905-45

La segunda revolución industrial y el imperialismo marcan el apogeo del capitalismo y de la burguesía Sin embargo, las tensiones sociales y las disputas territoriales llevan a la Primera Guerra Mundial

En el ámbito artístico, tres fenómenos rompen con las creencias tradicionales: el crecimiento del movimiento obrero, que cuestiona la estabilidad social; el avance científico, que introduce una visión relativista del mundo; y el contacto con otras culturas.

Las vanguardias, o “ismos”, surgen como un conjunto de tendencias que desafían el arte clásico, buscando la esencia de las cosas en lugar de su representación

La fotografía y el cine liberan a los artistas de la objetividad, permitiéndoles responder a las necesidades de la sociedad moderna.

En este contexto, el individualismo del artista se fortalece y el valor de una obra se mide por su forma más que por su contenido

Las tendencias artísticas cambian rápidamente impulsadas tanto por las inquietudes de los creadores como por las modas de las galerías, reflejando la velocidad de los cambios en la economía y la sociedad de Europa y EE UU

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Fauvismo 1905-1908

Movimiento artístico de vanguardia donde el color se convierte en el protagonista absoluto. Fauve significa “fiera”, y los colores violentos, aplicados sin miedo, son los que caracterizan a este estilo

Los fauvistas simplifican las formas y eliminan la perspectiva Más que realismo, buscan un resultado decorativo.

Precursores

El movimiento está influido por Gauguin y Van Gogh, quienes también exploraron el uso expresivo del color

Objetivo: producir sensaciones

Se impone la visión subjetiva del artista Se busca placer visual.

Colores puros, con muchos pigmentos o materia

Planos, que ocupan grandes espacios, de color puro yuxtapuestos

Usan el color de manera simbólica y expresiva, tonos intensos y, muchas veces, arbitrarios, que transmiten emociones y sensaciones.

Formas se reducen a lo elemental

Uso líneas sinuosas, arabescos como elemento decorativo La línea gruesa marca los contornos y separa los colores, sin buscar detalles

Artistas

Henri Matisse

Maurice Vlaminck

André Deráin

Raoul Dufy

Albert Marquet

Teoría y apuntes

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

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Expresionismo 1905-33

El expresionismo surge como un movimiento de vanguardia en Alemania entre 1905 y 1914, extendiéndose durante las primeras dos décadas del siglo XX

Refleja de modo crítico e incluso cruel, la atmósfera sociopolítica anterior a la I Guerra Mundial.

Incorporan rasgos estilísticos del arte negroafricano

Se caracteriza porque los artistas expresan emociones intensas de angustia y pesimismo.

Sus obras transmiten estos sentimientos a través de colores fuertes y formas distorsionadas

Los artistas expresionistas deforman la realidad, buscando potenciar lo impactante y lo violento en sus creaciones

En pintura, el expresionismo destaca por el uso de colores intensos trazos gruesos y un constante sentido de movimiento que hace las obras dinámicas y a veces inquietantes

Dos grupos germánicos: Die Brücke y Der Blaue Reiter.

Artistas

Edvard Munch

Alice Neel

P. Modersohn-Becker

Egon Schiele

Die Brücke

E. Ludwig Kirchner

Erich Heckel

Emil Nolde

Der Blaue Reiter

Franz Marc

August Macke

Wassily Kankisky

Alexej Jawlensky

Marianne von Werefkin

Gabriele Münter

Nueva objetividad 1919-33

En 1920 aparece una tercera etapa en el Expresionismo: Nueva Objetividad.

Usan detalles minuciosos para construir una realidad figurativa ácida y desgarrada, con el objetivo de denunciar el horror, la angustia de la posguerra

Quiere superar al Expresionismo y al arte abstracto

Al llegar el nazismo, obra queda relegada al olvido

Artistas

Otto Dix

Max Beckmann

George Grosz

Cubismo 1907-1917

Cubismo rompe con la forma de representar la realidad. Precursor

Precursor: Paul Cézanne (postimpresionista)

Se vincula directamente con la realización de “Las señoritas de Avinyó” de Picasso.

En el cubismo, los artistas ya no buscan representar imágenes realistas, sino reconstruir la realidad en formas geométricas

Influencia de culturas primitivas.

Este enfoque captura la esencia de las cosas desde varios ángulos a la vez

La línea y la forma dominan sobre la luz y el color.

Temas: retratos, mesas con objetos cotidianos

El cubismo tiene dos etapas principales:

Cubismo Analítico 1907-11

Los objetos y figuras se descomponen en múltiples planos geométricos, que se entrecruzan para mostrar las diferentes percepciones de un objeto. Colores cálidos (beige, castaños, ocre) y tonos fríos (azules y grises)

Cubismo Sintético 1911-1914

Se recuperan parcialmente las formas reales En 1911 nace el collage.

Artistas cubismo

Pablo Picasso

Georges Braque

Juan Gris

Fernand Leger

María Blanchard

Orfismo 1911-14

Escultura

Pablo Gargallo

También llamado cubismo órfico poeta y crítico de arte Guillaume Apollinaire lo nombra por primera vez en 1912

Uso audaz y expresivo del color

Evolución del cubismo, llevándolo a una abstracción completa

Uso de formas geométricas composiciones organizadas

Color y luz adquieren forma y movimiento

Visión abstracta de la esencia de los objetos

Artistas

Sonia Delaunay

Robert Delaunay

Frantisek Kupka

Marcel Duchamp

Pintura: Las Vanguardias SigloXX

Futurismo 1909-20

Futurismo, un movimiento artístico revolucionario que desafía las normas establecidas

Su origen es literario con el poeta Filippo Marinetti a la cabeza, quien celebra la máquina la velocidad y rechaza rotundamente la tradición clásica

Rompen con el pasado, exaltan la tecnología y la modernidad

Los artistas futuristas buscan representar el movimiento en sus obras, vinculado a la idea de progreso

Inventan nueva técnica: simultaneísmo Repetir imágenes de modo superpuesto y crear una secuencia fílmica de colores vivos y variados

Hay una inclinación hacia temas intensos y agresivos que los conecta con ideas de violencia Artistas

Giacomo Balla

Gino Severini

Umberto Boccioni

Ivo Pannaggi

Carlo Carrà

Natalia Goncharova

Pintura Metafísica 1913-20

Derivada del futurismo surge la pintura metafísica.

Recrean una realidad inquietante, representaciones fantásticas, espacios inventados

Artistas

Carlo Carrà

Giorgio de Chirico

Giorgio Morandi

Dadaísmo 1916-23

El dadaísmo empieza en 1916 en el Cabaret Voltaire de Zúrich, Suiza, como una respuesta a la locura y destrucción de la Primera Guerra Mundial.

Teoría y apuntes

Reúne a artistas y poetas como Tristan Tzara, y propone una ruptura radical, donde la imaginación y el azar juegan papeles clave.

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Este movimiento es provocador y desafía las normas y valores establecidos, buscando rechazar cualquier lógica o tradición artística.

Duchamp introduce el concepto de ready-made que consiste en tomar objetos comunes y darles un nuevo significado al usarlos fuera de su contexto original.

Artistas

Marcel Duchamp

Francis Picabia

Man Ray

Hannah Höch

Max Ernst

Arte abstracto 1910

La pintura abstracta no representa figuras ni objetos reales ni formas geométricas como cosas concretas

El término se aplica a las manifestaciones plásticas donde el artista rechaza voluntariamente el concepto tradicional de arte como imitación de la realidad

Es un arte que se aleja de la copia o imitación y no evoca la realidad en absoluto

Dentro de esta tendencia mencionamos tres movimientos de vanguardia: constructivismo (1913), suprematismo ruso (1915) y el neoplasticismo holandés (1917)

Constructivismo 1913

Plasma la maquinaria y la tecnología modernas con intersección de líneas y formas puras

Suprematismo 1915

Utiliza las formas geométricas simples (cuadrado, círculo, triángulo) y una gama cromática reducida.

El neoplasticismo es una corriente dentro de la abstracción geométrica, creada por el pintor holandés

Piet Mondrian Crean a partir de líneas, cubos, planos, colores primarios y neutors. Eliminan lo supérfluo.

Artistas

Hilma af Klint

Kandinsky

Paul Klee

Constructivismo

Vladimir Lebedev

Liubov Popova

Varvara Stepanova

Alexander Rodchenko

Suprematismo

Kazimir Malévich

Liubov Popova

El Lissitzky

Neoplasticismo

Piet Mondrian

Theo van Doesburg

Bart van der Leck

Escultura

Henry Moore

Eduardo Chillida

Barbara Hepworth

Alexander Calder

Surrealismo 1924-66

Nace como un movimiento de arte y literatura de vanguardia entre las dos guerras mundiales. Su aparición se vincula al Primer Manifiesto Surrealista de 1924, firmado por el André Breton

Este movimiento busca revelar una realidad oculta, conectando el arte con los sueños y el mundo interior.

Parte de la iconoclastia dadá y recoge de la pintura metafísica las imágenes producidas en el sueño

Se basa en el automatismo psíquico: la idea de dejar que la mano exprese el pensamiento sin que la razón intervenga, inspirándose en el psicoanálisis de Freud

Se enfoca en lo onírico, lo fantástico y el subconsciente

– Corriente automatista: universo de símbolos, a veces abstractos, surgen del inconsciente, representados de forma rápida y fluida: André Masson y Joan Miró

– Corriente onírica: asociaciones extrañas e inquietantes, propias de los sueños (René Magrit y Salvador Dalí)

Artistas

Joan Miró

André Masson

Max Ernst

Salvador Dalí

España

Alfonso Ponce de León

Óscar Domínguez

Ángeles Santos

México

María Izquierdo

Wolfgang Paelen

Rufino Tamayo

Frida Kahlo

Europa

Zdzisław Beksiński (Polonia)

Victor Brauner (Rumanía)

Balthus (Francia)

Felix Nussbaum (Alemania)

Reino Unido

Leonora Carrington

Ithell Colquhoun

Sudamérica

Roberto Matta (Chile)

Leonor Fini

EEUU

Dorothea Tanning

Erik Thor Sandberg

C M Coolidge

René Magrit Remedios Varo Maruja Mallo

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Expresionismo Abstracto 1940-65

El expresionismo abstracto emerge en los Estados Unidos durante la década de 1940,

Se entregan a la pintura automática, para liberar el inconsciente y transmitir emociones El automatismo lo heredan del surrealismo

Rasgo distintivo: abstracción Se busca representación pura No aparecen personas ni objetos reales reconocibles

Obras de gran tamaño

Gestualidad: la forma en la que se aplica la pincelada o se arroja la pintura como manifestación de las emociones del artista.

El acto de pintar también forma parte de la obra

Espontaneidad: ausencia de planificación.

Action painting: arrojar pintura chorreando, aplicar pintura de forma casi intuitiva

Dripping: dejar que la pintura gotee o chorree sobre la tela, sin tocarla con el pincel

Color field painting: pintura de campos de color

Aplicación de grandes zonas de color que buscan transmitir emociones puras

Artistas

Jackson Pollock

Clyfford Still

Hans Hofmann

Mark Rothko

José Guerrero

Willem de Kooning

Lee Krasner

Barnett Newman

Helen Frankenthaler

Agnes Martin

Pintura: Futurismo 1909-1920

Sobre el futurismo

El futurismo es un movimiento de vanguardia que se presenta el 20 de febrero de 1909 cuando el diario Le Figaro publica en París el Manifiesto futurista, escrito por Filippo Tommaso Marinetti

Esta corriente, que busca mirar hacia el futuro, quiere expresar los valores y experiencias de la era de la máquina creando obras que reflejan velocidad, energía y fuerza Revoluciona la forma de entender la literatura y el arte.

Aunque comienza como un movimiento literario, un año después del manifiesto el futurismo se expande a otras formas artísticas – Surgen nuevos manifiestos como el de los pintores futuristas (1910), el de la escultura futurista (1912), el dedicado a la música (El arte entre los ruidos, 1912) y el de la arquitectura futurista (1914)

Características futurismo

Ruptura con la tradición estética

El futurismo rechaza la estética del siglo XIX ya que la generación de esa época está cansada de la estandarización del arte y siente que el mundo ha cambiado Por eso, el arte debe evolucionar también

Celebración de la era de la máquina

Nace en el contexto de la Segunda Revolución Industrial (1870-1914), donde la ciencia y la tecnología transforman profundamente la sociedad Mientras algunos desconfían de esto, los futuristas lo ven como el comienzo de una era gloriosa dominada por la máquina Imaginan que el ser humano puede llegar a ser un superhombre, impulsado por automóviles, telégrafos y aviones, que simbolizan el progreso

Inquietud por la cuarta dimensión (el tiempo)

El tiempo es clave en el arte futurista Llamarse “futurismo” implica reflexionar sobre el pasado y el presente. Hay una paradoja: intentan representar la era del maquinismo con técnicas pictóricas del siglo XIX lo cual puede parecer contradictorio

Glorificación del patriotismo, la violencia y el machismo

Teoría y apuntes

El futurismo se asocia con un nacionalismo extremo y se ve como un precursor del fascismo Sus artistas y escritores promueven abiertamente el militarismo y la guerra, enlistándose en la Primera Guerra Mundial Muchos mueren en el campo de batalla, lo que acelera el fin del movimiento, aunque no de su estética

Exaltación de la velocidad como belleza

Encontrarás muchísima información: contextos, características generales, artistas, descripción de obras, comentarios, fichas, etc. Todo está preparado para que lo imprimas fácilmente.

Para los futuristas, expresar la era de la máquina en el arte significa capturar movimiento y velocidad, reflejando también energía y fuerza

Sin embargo, aunque quieren engrandecer esta era, pocas veces se encuentran representaciones de máquinas en sus obras.

Diálogo con otras estéticas y vanguardias

El futurismo se nutre de influencias de las estéticas contemporáneas En el ámbito de las artes plásticas, se ve la influencia del divisionismo, que descompone la imagen en puntos de color, y del cubismo que integra múltiples planos en una sola obra

Características pintura futurista

– Se utiliza el principio de “líneas de fuerza”, que busca que los objetos se conecten y se fusionen con su entorno.

– Se mantiene una continuidad en el espacio plástico, lo que significa que el espacio se siente como una extensión fluida

– Hay un enfoque en el ritmo y el dinamismo, lo que hace que las obras se sientan en movimiento.

– Se emplea un color vibrante y enérgico que aporta vida a las composiciones

– Los artistas suelen usar formas angulosas y descomposición geométrica para dar una sensación de energía

– Se cruzan diferentes planos en una sola imagen, creando una experiencia visual compleja

– Además, se incorpora la técnica de exposición fotográfica múltiple, que permite mostrar varias imágenes en un instante, haciendo que se perciba el movimiento, una innovación de Balla

– Emplea diferentes medios expresivos, como diseño gráfico, publicidad, moda, cine y música, para crear un arte en acción

– No respeta reglas, buscando transmitir energía y libertad

– Promueve la idea de destruir la realidad

– Muestra interés por lo oculto

– Se conecta con la fantasía, pero siempre de manera irracional o aparentemente irracional

– Exalta la modernidad y originalidad, animando a los artistas a liberarse del pasado

– Se centra en temáticas modernas, como las ciudades, los automóviles y el dinamismo.

Giacomo Balla 1871-1958

Giacomo Balla destaca como una figura clave del futurismo Se deja inspirar por las ideas radicales de Marinetti y firma el Manifiesto de 1910, buscando revolucionar el arte en una era dominada por la modernidad

Balla comienza su camino en la escuela nocturna de dibujo en Turín y, al mudarse a Roma se hace un nombre como retratista Aunque inicialmente pinta al estilo impresionista pronto se sumerge en el movimiento futurista

Este movimiento se caracteriza por su intensidad y la influencia del cubismo pero con un enfoque vibrante y enérgico Para Balla, capturar el movimiento es esencial, lo que le lleva a abandonar la figuración y convertirse en precursor de la abstracción.

También experimenta con la escultura, buscando infundir dinamismo en obras tradicionalmente estáticas. Sin embargo, desencantado por la violencia asociada con el arte en su tiempo, en sus últimos años regresa a un estilo más figurativo

Obras

Lampada ad arco

Dinamismo de un perro con correa

Landscape

Luz de calle

Manifestación patriótica

Pesimismo y optimismo

Umberto Boccioni 1882-1916

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Umberto Boccioni, un artista italiano referente del futurismo, un movimiento que propone que el artista moderno debe dejar atrás las tradiciones del pasado y enfocarse en lo contemporáneo y dinámico Su obra destaca por un dinamismo extremo reflejando temáticas actuales como los automóviles, las ciudades y la industria, y también la guerra

Boccioni busca expresar la simultaneidad, un concepto que comparte con el cubismo, donde se muestran varias imágenes a la vez. Se opone a lo académico criticando los museos como "cementerios de arte", lo que lo vincula al radicalismo del futurismo

A pesar de su trágica muerte al caer de un caballo, su legado está en la renovación estética que propició y en las técnicas artísticas que influyen hasta hoy

Obras

La ciudad se levanta Disturbios en la galería

Carlo Carrà 1881-1966

Dinamismo de un ciclista

Carlo Carrà vive en primera línea las grandes corrientes artísticas italianas del siglo XX, desde el Futurismo hasta el arte Metafísico, sin llegar a identificarse completamente con ninguna de ellas Aunque Carrà no lidera ninguna corriente, su arte capta con maestría el espíritu cambiante de su tiempo

En 1909, con obras como Salida del teatro y Plaza del Duomo de Milán, empieza a plasmar su estilo, inspirado en el divisionismo, pero más dinámico En 1910 conoce a Filippo Tommaso Marinetti, fundador del Futurismo, y se une al movimiento, representando en obras como Los funerales del anarquista Galli

Más adelante, en 1917, inicia su etapa metafísica influenciado por De Chirico enfocándose en figuras surrealistas y temas intemporales como el maniquí En los años 20, regresa a un arte más clásico y ordenado, con cuadros como La casa roja (1926), explorando la estructura y el volumen

Obras futuristas

Funeral del anarquista Galli

Mujer en el balcón

Gino Severini 1883-1966

Plaza del Duomo en Milán Salida del teatro La galería de Milán

Gino Severini, destaca en el futurismo pero también se siente atraído por el cubismo, llegando a ser definido por Theo van Doesburg como "cubismo psíquico" En los primeros años del siglo XX, se traslada a París y vive de cerca las vanguardias de Montmartre En 1910 firma el Manifiesto de la Pintura Futurista junto a Umberto Boccioni y Carlo Carrá explorando en su arte la velocidad, el dinamismo y el tiempo, fusionando espacio y luz como energía

Tras la Primera Guerra Mundial, se vuelve más clásico y pinta obras religiosas, pero después de la guerra regresa a las vanguardias cubistas en París

Obras

Mar = bailarina

El baile del pan-pan en el Monico

Tren blindado en acción