CUADROxLIENZO by María José López

- POLOS OPUESTOS - ENTRE LA SUPERFICIALIDAD Y LA PROFUNDIDAD - CAMINOS PARALELOS - BLANCO Y NEGRO - EL OTRO LADO DE LA MONEDA - MONROE Y HEPBURN -

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EDITORIAL /2/

A través del tiempo, hemos podido ser testigos de la dualidad que cualquier evento o escenario puede presentarnos. El arte, no es la excepción a esta regla, no importa en cual de las expresiones artísticas estemos pensando, todas pueden tener diferencias marcadas y totalmente opuestas. Desde los negros, con destellos blancos presentes en cualquier lienzo, la temática de amor y odio en alguna obra literaria, las diferentes técnicas y narrativas que envuelven a un film o las múltiples y distantes mezclas de ritmos, con las que una melodía puede deleitarnos. El contraste, por tanto, puede ser el deleite de cualquier obra de arte. Hoy, Cuadro Por Cuadro se fusiona con Lienzo. Ambas publicaciones, tienen una meta y un bien común: “el arte”. No hay mejor temática que se pudiera abordar en dos revistas, que hacen alusión a éste, desde dos perspectivas distintas. Esta edición la consideramos un contraste, en cuanto a color, Cuadro por Cuadro, llena de tonalidades de diversos colores, Lienzo una publicación poco más minimalista, donde el blanco y el negro son los principales invitados. Ambas revistas nos unimos para crear una obra en la que combinamos estilos de redacción, diseño y narrativa. En la que nos dejamos llevar por nuestra propia percepción de los que son los contrastes. Las ideas que controlan nuestra mente suelen ser resultado de cómo vemos e interpretamos al mundo. Hoy, se los plasmamos en esta revista, en donde precisamente de la contraposición de estilos... de miradas, se crea lo que ven hoy.

DIRECCIÓN GENERAL: María José López Karla Damián

DIRECCIÓN DE DISEÑO: Frida Duarte Ángel H.

JEFE DE CONTENIDO: Alejandro Maya María José López

REDACTORES: Elisheba Arellano Sofía García Alejandro Maya Luis Oropeza Alejandra Palacios Valery Soto

JEFA DE REDACCIÓN: Karla Damián DIRECCIÓN DE ARTE: Frida Duarte Ángel H.

PORTADA: John Edward Heaton

FB/CUADROPORCUADROMX FB/Lienzo

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A MEDIA NOCHE

REPARTO

30 ANTOLOGÍA

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PUBLCITARIA

SÍNC

OPA

ACCIÓN

DESPUÉS DEL PITCH

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ENTRE LA SUPERFICIALIDAD Y LA PROFUNDIDAD

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Claude Chabrol, nace en París el 24 de junio de 1930, encima de la farmacia de su padre Yves Chabrol. A los seis años ve la primera película de la que conserva recuerdo, Anthony Adverse (1936) de Mervyn LeRoy y a partir de entonces comienza a ser asiduo del cine en el que trabaja su tío, el Nouveau Theatre en la rue Vaugirard. Sus otras grandes pasiones, la literatura y el teatro clásicos franceses, los descubrirá poco más adelante, cuando, durante la Segunda Guerra Mundial se traslada a la casa de su abuela Marie en Sardent (Creuse), donde fundará un cine en un garaje. Su amor por la literatura se deja ver en muchas de sus películas, donde sus actores citan a Moliere, a Homero, o directamente cuando ha basado sus guiones en obras de Simone de Beauvoir, William Shakespeare o Gustave Flaubert.

CLAUDE CHABROL BUSCA CREAR PERSONAJES QUE ESTÉN ENTRE LA APARIENCIA Y LA REALIDAD, LA SUPERFICIALIDAD Y LA PROFUNDIDAD, PRESENTARLOS EN LA PELÍCULA DE UNA FORMA MUY TEATRAL, COMO UN ARTE DE LAS APARIENCIAS.

Su cine se basa casi exclusivamente en la creación de personajes, en recrear, basándose en obras literarias de mayor o menor importancia, una realidad que poner en movimiento, delante de la cámara. En sus palabras: -Defiendo las tramas simples con personajes complicados-. Los autores de referencia en la creación de los personajes de Claude Chabrol son Alfred Hitchcock, Fritz Lang y Ernst Lubitsch, con los que comparte una visión similar de la realidad, y, sobre todo, una visión similar de la importancia de la estructura y de la construcción cinematográfica como lo más importante de la película. Lo que busca es crear personajes que estén entre la apariencia y la realidad, entre la superficialidad y la profundidad y presentarlos en la película de una forma muy teatral, como un arte de las apariencias. Muchas de sus películas tienen tramas simples, evidentes. Lo que sucede aparece en la pantalla de forma clara y comprensible, con una estructura conscientemente ausente que hace que el relato tome más un cariz de crónica de sucesos. Pero el resultado siempre es complejo, atrayente y muy rico, tanto en el plano narrativo, como en el estético o cultural.

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Tanto cuando sus películas se basan en temas propios o en adaptaciones de novelas, lo más importante es la estructura narrativa. En sus palabras: “La construcción es mucho más importante que la intriga. El ideal sería que la forma de una película manifestara para todos la esencia, pero es evidente que esto nunca pasa. Los personajes y la intriga existen sólo para suscitar el interés del espectador, ya sea porque recobran lo que ya conoce, o porque le proponen aventurarse por un nuevo terreno. Pero lo que da forma a una película es siempre la construcción: es decir, todo lo referente al ritmo, la armonía de la forma escrita -la conexión entre las escenas- y el conjunto de señales que se disponen para que puedan comprenderse sin ambigüedad. La clave que permite pasar de la bidimensionalidad de la pantalla a la esencia de la película se encuentra sobre todo en la construcción”. Pero el valor que Chabrol da a la construcción no es porque sea un director formalista, donde la forma lo es todo, sino porque opina que “la forma es la apariencia de la construcción” y ambas deben mantenerse separadas, porque el tema ha de estar sólo en la construcción y no en la forma. Si lo más sobresaliente en el cine de Chabrol es la veracidad de su visión de conjunto, ésta se basa en la importancia de sus secuencias particulares y en la manera en que forma y construcción, interactúan para crear el contenido narrativo.

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El juego de miradas, el uso de las panorámicas para describir los momentos más importantes de sus películas, el uso del travelling, del encuadre y especialmente el lenguaje no verbal que sus personajes expresan gracias a trabajar con grandes actores, son algunos de los recursos formales que intervienen en la construcción de la realidad dentro del film, pero esta construcción nunca se convierte en una referencia estética, sino que ha de desaparecer completamente para dejar a los personajes actuar de forma autónoma. La idea es que el relato se construya por medio de una estructura absolutamente estable, que ha de quedar invisible, no construirse a partir del encadenamiento de técnicas formales ante las cuales el espectador está entrenado para reaccionar, como pasa en la mayoría del llamado cine comercial. Es su primera etapa, en la que auto produce con “AJYM Films”, sus películas son las más características dentro del esquema de la Nouvelle Vague, aparte de ser la etapa en la que más filma en París de toda su carrera. El díptico formado por El bello Sergio (Le Beau Serge, 1958) y Los primos (Les cousins, 1958) serán sus dos primeras películas. Estas dos forman un retrato casi especular la una de la otra, la primera desarrollada en el campo, la segunda en la ciudad, la primera termina con un nacimiento, la otra con una muerte, etc. Nada en Chabrol es casual.

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Por Sofía García

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POLOS OPUESTOS

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La necesidad del ser humano por expresarse e Cada día podemos encontramos situaciones que parecieran tomadas de una película. El contraste de la sociedad que vemos a cada momento y en casi cualquier lugar. Como cuando andas en la Colonia Roma, caminando muy fancy por Zacatecas o Álvaro Obregón, viendo los restaurantes, galerías y demás, llegas a Avenida Cuauhtémoc, cruzando, te encuentras con la Colonia Doctores, que a muchos los hace temblar, aunque en realidad, en algunos casos, es más la fama y mitote que les hacen que lo que en realidad pasa. Quién de los aquí lectores, no se ha topado con una situación como la de pasar por un restaurante súper pro, con platillos carísimos, comensales muy guapos y elegantes, mientras que afuera, hay gente pidiendo dinero o comida, que a simple vista no tiene el poder adquisitivo como para pagar una cuenta de $1, 500 de un sentón. ¿Y en lo visual? Ahí cambia un poco la cosa, pues el contraste, es la diferencia de intensidad de iluminación en la gama de blancos y negros de una imagen fotográfica o cinematográfica, donde al sintonizar los canales, el contraste y el brillo automáticamente se ajustan. Todos tenemos alguna película que nos marca, para bien o para mal, puede ser alguna de terror donde vivimos atemorizados varias noches y quedaron secuelas para la posteridad, o aquella que nos idealizó sobre algo en específico, como el amor y pensamos en encontrar a la persona con quienes podamos envejecer de la mano, con hijos y nietos y toda la cosa.

EL CONTRASTE QUE SE DA ENTRE UNA Y OTRA PELÍCULA, DEPENDE DE LA BRECHA GENERACIONAL QUE SE ADELANTE A LO ESTABLECIDO.

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Desde el inicio se buscó combinar imagen y sonido grabado. Nunca podríamos imaginarnos una película sin sonido ¿qué es lo que hacían? Manejaban un sistema de subtítulos agregados, por los cuales se añadían los diálogos. Tenían a un profesional de la época muda que lo llevaba a cabo el escritor de títulos, quien, en esos tiempos, tenía una importancia equivalente a la del guionista. Los títulos se convirtieron en elementos gráficos que ofrecían decoraciones de avance sobre la película. Ahora, ¿cómo es que ensañaban los actores si hablaban para decir sus líneas, pero en la película no había audio? En ese entonces, los actores solían improvisar los diálogos. odo tiene un principio que marca la pauta, mantiene estándares, crea tendencias, logrando una línea que mantendrá la evaluación de lo realizado, llegando a puntos inimaginables. Bueno y aquí ¿dónde está lo contrastante de la situación? Simple, ¿recuerdan como eran las salidas cuando eran niños? ¿cómo anhelaban ir a ver al cine la película de sus personajes favoritos? Verlos en una pantalla enorme, con el volumen alto, donde su mamá no los podía regañar por enajenarse con una pantalla, donde por unas horas, era permitido y era lo único que podían hacer, sin interrupciones, excepto por el intermedio, donde podían ir al baño o por más dulces y palomitas. ¿Imaginan como era para sus papás ir al cine o a sus abuelitos? Y que quede claro, todo era diferente, ir al cine, era todo una experiencia, todos muy bien vestidos, las salas enormes, que se llenaban de ojos expectantes, nerviosos y asombrados por lo proyectado. Todo comenzó con el cine mudo, donde la técnica consistía en proyectar imágenes a intervalos regulares para crear la ilusión de movimiento, era el cine primitivo y no poseía sonido de ninguna especie, debido a que la tecnología de ese entonces no lo permitía.

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En cuanto a la musicalización, también era improvisada por un pianista o ejecutante del órgano, por ello, casi desde el inicio, se da la importancia real al tema de la ambientación musical. Exacto, con todo esto, se maravillaba el público en los años 20, el efecto visual era tan poderoso, que maravillaba a quien se dejara. A fines de la década del 20, el cine alcanzó la madurez y el audio se agregó, ¿Cómo le hacían para introducir el sonido en el cine? Con un sistema llamado Vitaphone.

Según los especialistas cinematográficos, comentaban que la calidad del cien bajó cuando nació el cine sonoro, pues la calidad visual que se manejaba, era muy alta, a tal grado que le tomó varios años recuperarse. El cantante de jazz fue el primer largometraje sonoro, también el primer musical, es una adaptación de la obra teatral de Broadway del autor estadounidense Samson Raphaelson, estrenada en 1925, protagonizada por Jakie Rabinowitz. La escena trascedente, es cuando Al Johnson (pintado de negro como improvisado cantante de jazz) recita al público: Aún no han oído nada. Una frase tan simple y sencilla como esta, en realidad, es todo un juego de palabras, que hace alusión a la reciente incorporación del sonido en cine. Hoy en día, no podemos conformarnos solo con técnicas visuales, necesitamos color, música, efectos especiales, locaciones de destinos inimaginables, elementos sorpresa más allá de la iluminación y por supuesto, tomas espectaculares. En el caso de “Titanic”, estrenada en 1997, recaudando más de 2 mil millones de dólares, ganadora de once premios Oscar, película que impacto a chicos y grandes por su majestuosidad, donde había que trabajar desde el agua, pues el director, James Cameron, haciendo buceo, visitó los restos del Titanic, siendo tanto el impacto de los vestigios del barco, que lo hacían volver en varias ocasiones, por ello incluyó tomas del barco real en la película. Para poder producir Titanic se necesitaron 450 tomas con efectos especiales y combinar cerca de 500 elementos. Los efectos se confunden con lo real. ¿O sea, cómo? Por ejemplo, el océano fue creado digitalmente con características muy similares al real, se estudiaron sus propiedades (reflexión de la luz,

transparencias, movimiento, etc.). Auxiliándose de maquetas y modelos, como el del barco, copia del Titanic que se hundió en 1912, elaborado en escala 1/20. Mide 45 pies y requirió del trabajo de 65 arquitectos durante 5 meses. Otro, fue el humo, creado digitalmente, teniendo en cuenta la velocidad y dirección del viento. Las nubes y el cielo son parte de la pintura matte de la película y, también, fueron creados digitalmente. Por ejemplo, el escenario completo del barco estaba montado sobre gatos hidráulicos y se podía inclinar hasta 6º dejando intacto el fondo del tanque, o en la escena en la que el agua irrumpe en el salón Grand Staircase, la producción solo tenía una oportunidad, porqué el set entero y el mobiliario fueron destruidos en el acto. Titanic incluye escenas que estremecen la imaginación de los espectadores y que no hubieran sido posibles de realizar sin la utilización de dichas técnicas: cientos de personas hundiéndose junto con el barco, imágenes de los verdaderos restos del Titanic sumergidos en una profundidad nunca antes alcanzada por el hombre, una réplica a gran escala del barco, etc. Todas estas escenas contribuyen en gran medida a la organización de la película y condicionan la experiencia de los espectadores, aunque no sean conscientes de ello. Otro uso de los materiales de actualidad, fue cuando para hacer que los cuerpos en el agua parecieran congelados, se aplicaba un polvo a los rostros de los actores, que se cristalizaba al exponerlo al agua. Todos lo vimos y algunos más insisten en que Jack sí pudo salvarse subiendo al pedazo de tabla con Rose, pero, que les digo... A pesar de ser temas, años, directores, y elementos completamente diferentes, cada una impacta a su audiencia, una por que un elemento como el sonido, revolucionó la industria y otra, por hacer una película que costara más que el barco original, esto ¿a que nos lleva? A que siempre habrá algo que nos impacte, a pesar de que para algunos, cada vez necesitan más y más, para dejarse sorprender.

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CAMINOS PARALELOS

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EL CONTRASTE NUNCA TIENE UNA CONCLUSIÓN, SON CAMINOS QUE PUEDEN ESTAR PARALELOS, SUS PROPIEDADES NO LES PERMITE PARECERSE A SU CONTRARIO. AHÍ NACE EL IMPULSO DEL SIGNIFICADO, EL VALOR DE LA CONTRARIEDAD ES LO QUE LES CREA RELEVANCIA.

Existe un concepto común de lo que significa el contraste, sin embargo las analogías que se puedan tener son muy diversas. El contraste nunca tiene una conclusión, son caminos que pueden estar paralelos, sus propiedades no les permite parecerse a su contrario. Ahí nace el impulso del significado, el valor de la contrariedad es lo que les crea relevancia. Es tan real que lo vivimos día a día, en forma audiovisual lo conocemos como drama y comedia. Melinda y Melinda trata acerca de eso, de las contrariedades de la vida en un sólo experimento del gran director Woody Allen. Proponer un filme con dos géneros completamente opuestos en una sola trama, del drama a la comedia hacen de Melinda un personaje tan real que nos podría parecer conocer su historia porque la vida trata de aquella constante oposición, es decir, de risas y tensión aunque para todo, depende de cómo lo cuentes. Un grupo de amigos está reunido en un restaurante de Manhattan discutiendo cuál es la mejor forma artística para explorar la condición humana. Entre la reunión de camaradas se encuentran un dramaturgo y un comediógrafo y por obviedad, cada uno prefiere su género por convicción. Como en casi todas las historias –incluso las nuestras-, existe una persona que decide hacer un comienzo neutro, así que una de sus amigas propone el inicio de la historia: mientras transcurre una cena, que para sus anfitriones es un punto muy decisivo una mujer aparece sin ser esperada. Ella se llama Melinda que es protagonizada por Radha Mitchell.

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Para la parte trágica, Melinda llega a casa de una de sus amigas del colegio que vive en Greenwich Village. La trágica protagonista lleva consigo misma un turbulento pasado de indecisiones, ruptura de matrimonio, amorío y alejamiento de sus hijos. En cuanto comediógrafo, Melinda es una recién llegada al edificio que se encuentra en Central Park y toca a la puerta de sus nuevos vecinos para que le ayuden a no ceder ante una dosis de somníferos. En ambas situaciones, los anfitriones están tratando de conseguir la aprobación de un invitado especial. La situación dramática se quiere lograr que el dueño del loft, sea incluido en el reparto de una obra de teatro donde el invitado especial es el director de ésta. La contraparte proviene de la chica que busca financiamiento para su próxima película por lo tanto consiente a su invitado multimillonario con una cena gourmet. La pregunta es, ¿por qué Allen considera estos momentos –decisivos- de ambas situaciones contrastantes? Además de interrumpir ambiciones profesionales de sus protagonistas y entorpecer todo el programa casi cronometrado que ya tenían, nos demuestra que ese tipo de relaciones son cada vez menos sociales, digámoslo de diferente manera; ya no es orgánico. Y es que, interrumpir adrede un proceso que tiene una intención contundente provoca rabia, es algo que alguna vez todos hemos vivido. Vaya, una de las características de la dirección de Woody es captar la esencia del pensamiento/experiencias de la audiencia, usarlo como material y llevarlo al cine.

FICHA TÉCNICA TÍTULO ORIGINAL: MELINDA & MELINDA DIRECTOR: WOODY ALLEN AÑO: 2005 PAÍS: ESTADOS UNIDOS

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Así que mientras vemos a estos personajes que no son tan alejados de la realidad, como intentan seguir con el plan acordado y todo se va volviendo absurdo, sí, tanto dramático como cómico. Vamos, tanto drama absurdo termina dando risa –cómo Twilight- y viceversa, el contraste se demuestra casi infinito dependiendo desde dónde se vea. En fin, en este disparatado momento de la trama, poco a poco van apareciendo sus miedos y manías demostrando detalles de ambos sucesos: psicoanálisis, somníferos, alcohol, lo francés, infidelidades, jazz, sueños, la confrontación de tipos ansiosos y ego-maníacos (éste último es un personaje bastante detestable). Con el tiempo se va detallando cada vez más, da comienzo a profundizar… se genera una realidad más palpable, vívida. En Greenwich Village, aquel lugar intelectual a la burbuja snob y mundana de Central park, desde dónde se alardea del concierto en Re de Straviensky y Lacan, hasta comentarios de Fellini y Bergman, termina en un conjunto de tensión sexual que se transmite en miradas, acercamientos y diálogos sin sentido alguno y un humor con inteligencia y vitalidad. Creí en algún momento que me encontraría a Will Ferrel, aquel comediante que no dejará -para mí-, de ser mediocre, simplista, bufón y... lo describo como: estúpido. En cambio, el papel que interpreta no le permite llegar a aquel punto en que lo vi por primera vez. Este filme de hace diez años, le permitió reivindicarse al menos por un tiempo. Así que no es tan malo si lo tienes en un concepto similar al mío.

En cuanto a la técnica, también existen chistes en la narrativa visual que son resultado de la relación lógica que se va haciendo conforme lo que pasa, por supuesto no todo es comedia y hay escenas donde se puede apreciar la intención que se le quiere dar al momento, la base es que las zonas iluminadas que llaman nuestra atención están determinadas por la oscuridad, esos pequeños detalles nos lleva directo al cuadro. Melinda, es este vehículo que nos lleva por ambos mundos contrastantes de la historia, sin perdernos y sobre todo, sin perderla a ella como protagonista de ambos relatos. Al final, la comedia o la tragedia tienen el mismo peso, no se puede dimitir a ninguna. El secreto… bueno, al menos uno de tantos, es la manera en que Woody Allen demuestra con un guión apreciable, una puesta en escena que debe ser inspiradora y una dirección de actores que deben tener al menos cierto grado de talento lo que nos permite apreciar estos que podrían ser dos filmes en uno solo. Allen quiere decirnos algo que ya sabemos y quizá se pueda notar algo torpe o evidente, sobre todo en cómo lo cuenta. Sin embargo, sigue siendo él, narra desde la brillantez que lo hace característico a pesar de sus años. En lo particular, no pierde los comentarios inteligentes en los diálogos y las interpretaciones son buenas, aunque hace falta una frescura como la que tiene “La rosa púrpura del Cairo” o “Cassandra´s dream”.

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BLANCO Y NEGRO /26/

“Al principio de los tiempos, todo era oscuridad, la oscuridad engendró a los primeros seres, hijos de lo que no tiene forma. Los hijos de la oscuridad y lo que no tiene forma alzaron su voz, el universo escuchó por vez primera, a las criaturas de las tinieblas; no existía el dolor ni las lágrimas, no existía la alegría ni el placer, no existía el bien ni el mal... no existía el principio ni el fin.” -M. CRUZ: EL EVANGELIO DE LOS VAMPIROS.Según el Sr. Cruz, en su novela El evangelio de los vampiros, no existían contraposiciones de ninguna manera, pero desde que el ser humano tiene memoria y registro, siempre ha existido el bien, el mal, principio, fin, el blanco y el negro. En algún tiempo, existieron guerras sanguinarias por ideologías, el ser humano en su arrogancia, pretendía convencer a sus semejantes de ideas propias, y si no lo lograban o alguien tenía sus propias filosofías, teorías etc. lo más sencillo era matar. Sin embargo, actualmente, la banda se jacta de ser más incluyente y tolerante ante la diversidad. Esta vez, le daremos cabida a un género musical que ni en sueños pensaríamos que aparecería en esta escena, debido a lo que relaciona: la teología y el rock and roll. Dentro de los subgéneros del rock and roll, existe una cantidad increíble de géneros, el árbol genealógico de la música es impresionantemente extenso. El metal como parte del rock and roll, también tiene subgéneros que se diferencian entre sí por; instrumentos, velocidad, tempo, armonías, voces, temas, ideologías y filosofías. Estas dos últimas características, salen muy poco a la luz o las mismas agrupaciones no se interesan en hacerlas notar del todo; a parte, no muchas tienen posturas filosóficas específicas A mediados de la década de los 80, surge el black metal (género), como una nueva expresión musical considerada también como movimiento. Sus características son sus liricas con tintes paganos y/o anti cristianos. Se caracteriza por su voz gutural aguda, llamada comúnmente shriek (“chillido”, en inglés), guitarras rápidas, atmósfera oscura e inusuales armonías y ritmos sumamente veloces..

EL TALENTO NO QUEDA EXCLUIDO PARA NADIE, CREAS O NO EN ALGO, PUEDES EJECUTAR IGUAL O MEJOR QUE OTROS QUE NO PREDICAN TUS IDEALES.

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La mayoría de los grupos utilizan un método simple en la composición de la música, mientras que otros se caracterizan más por la técnica. El black metal originario, de primera y segunda oleada, se caracteriza por un sonido crudo a base de guitarras muy distorsionadas, y batería acelerada derivada del thrash metal (otro género). Principalmente, los temas de este estilo de música orbita en el anticristianismo y satanismo, las atmósferas creadas por la música, escenografías y caracterizaciones de los músicos, ayudan a crear ambientes sumamente siniestros. Como era de esperarse, el black metal también tiene subgéneros; ambient, melódico, deat-punk sinfónico y raw. Estos, marcan su diferencia principalmente por ritmos, composición y velocidad. Pero existe otra vertiente que puede utilizar cualquiera de estos subgéneros del black y es, la ideología. No tanto como géneros pero parte importante del black metal, es la ideología. Existe el black metal nacionalsocialista, donde sus temáticas son exclusivamente políticos, black metal anarquista/comunista que en su nombre lleva la temática y el unblack metal. El unblack metal es un estilo alternativo del black metal con letras sobre cristianismo. Aunque los comienzos del unblack metal no son claros, se cree que los precursores de este género son las bandas Antestor y Horde en 1994, cuando horde en su álbum Hellig Usvart extrajo el concepto “holy unblack metal” en alusión al lema “unholy black metal’ de Darkthrone, otra banda de black. Ahora bien, estas ideologías claramente son contrarias a las de los inicios del black metal y han acarreado mucha controversia desde su creación, suena hasta contradictorio imaginar un sonido de black, hablando de Jesucristo y la salvación.

A los militantes del black metal no nos agrada mucho la idea de la existencia del unblack metal, han llegado incluso a provocar atentados y a enviar amenazas de muerte, esto debido a que es una fuerte contradicción filosófica y cultural. Es algo gracioso, ver que adoptan hasta la misma tipografía para el logo de sus bandas. Agrupaciones como Hortor, en su logotipo tiene una cruz de pie, sin embargo, las bandas de black, regularmente cuentan con una cruz invertida en sus logos. Como soldados del “señor”, esto no se queda aquí, también tiene subgéneros la parte cristiana, de hecho, casi cualquier género dentro del rock, heavy o metal, tienen a algún representante de la religión. El rock o el heavy metal, por ser música más digerible, son géneros más comerciales y de alto consumo. El término heavy metal cristiano no fue usado sino hasta 1984, año en el que Stryper apareció en la escena de Los Ángeles. Portando los colores internacionales de advertencia (la combinación del amarillo y el negro) en prácticamente cada pieza de su equipo y su ropa, este grupo probablemente fue el primero en llamarse heavy metaleros que cantaban de y para Jesús. En muchos de los casos el rock y el metal cristiano sirven como una herramienta más en el campo evangelistico. Bandas como Skillet, Stryper y Whitecross entre otras, de alguna manera han aportado en propagación del evangelio de Jesús a través de este polémico modo de abordar la religión. No voy a negar que el arte sacro me ha parecido bastante interesante desde pequeño, por la crueldad que en la mayoría de las obras se llega a mostrar, creo que toda esta burbuja artística aporta y fomenta de una manera impresionante, la imaginación, para crear música death metal, donde hablan de muerte asesinatos, desmembrados, entrañas expuestas y filias bastante grotescas.

LA LIBERTAD ES UN TESORO INCONMENSURABLE, QUE DEBEMOS RESPETAR Y HACER VALER SIN DAÑAR A NUESTROS SEMEJANTES, SIN IMPORTAR EL CONTRASTE EN EL QUE ESTEMOS SITUADOS

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Esa forma tan peculiar de los católicos de mostrar aquel evento de la crucifixión, tan sangriento y mantener como estandarte el objeto en el cual fue ejecutado Jesús, es bastante oscuro de cierta manera, hay tanta oscuridad y sus toques góticos en la forma de contar la historia, que de verdad me apasiona. Actos de vampirismo (“beber mi sangre”), asesinatos, crueldad humana y la ira de Dios; nos dan mucho material para poder componer una buena rola cercana a estos géneros musicales que hablan de crueldad. Sin duda, este estilo de música cumple con muchas características primarias del género, sin mencionar ya, las letras. Hay que saber reconocer que, la ejecución de los músicos en estos géneros, es igual o mayor que la de los músicos que cantan sobre un árbol, la vida o la muerte. El talento no queda e x cluid o p a r a nadie, creas o no en algo, puedes ejecutar igual o mejor que otros que no predican tus ideales. Muchos géneros del rock, han echado mano de los ángeles como tema principal de sus canciones, una de las que viene a mi mente en este momento es: Angel de Judas Priest. Paradójico hasta el nombre de la banda donde colabora el fundador de la misma y bien nombrado el Dios del metal; Rob Halford. Esta canción habla de una especie de ángel guardián a quien le pide ayuda para poder salir adelante. Canciones como esa y otras más, hasta de géneros más violentos, también han hecho uso de los ángeles. Hablando de ellos como ángeles de la muerte, ángeles caídos o de la oscuridad, han creado obras excelsas.

También hay que recordar que aunque los temas musicales no hablen de religión, hay exponentes que sin miedo a mostrar su tendencia religiosa, portan crucifijos o leyendas en playeras. Es el caso de Frank Anthony Melby Iommi, mejor conocido como Tony Iommi, guitarrista principal del grupo de heavy metal Black Sabbath. Tony, porta un enorme crucifijo plateado en el pecho a donde quiera que va, es raro ver que un personaje de esa magnitud, muestre sin empacho su tendencia por la religión, me causa bastante gracia verlo en presentaciones con su enorme crucifijo, después de que en sus inicios, Black Sabbath, se considerara como una banda satánica por sus letras y el comportamiento de Ozzy Osbourne en los escenarios. Me pareció confuso, como cuando en una charla teológica con mi profesora de biología en primer año d e s e - cundaria, m e revelaba que ella c r e í a en Dios, toda esta charla, después de habernos explicado las teorías del Sr Darwin. No podía entender que una persona de ciencia adoptara la religión, algo similar me pasó al pensar que un género musical tan violento musicalmente como el black metal, pueda hablarnos de religión. En resumen y como conclusión, puedo decir que los medios son lo de menos para expresarnos, y que no se trata de un acto de conocimiento, sino de un acto de convicción y fe ante lo que creemos, sea blanco, negro, morado o rojo. La tolerancia debe brillar en nuestra raza y respetar la diversidad mundial a cualquier nivel, para evitar catástrofes como las que vive el mundo en este tiempo por diferencia de pensamiento. La libertad es un tesoro inconmensurable, que debemos respetar y hacer valer sin dañar a nuestros semejantes, sin importar el contraste en el que estemos situados.

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EL OTRO LADO DE LA MONEDA

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Algunos números atrás, escribí como era la publicidad en África y me gustaría retomar un poco este tema ahora que estamos hablando de los contrastes. En esa ocasión subrayé que la publicidad, dentro de ese continente, es consumida sólo en los países más ricos, como Egipto y Johannesburgo, con una influencia muy occidental en el diseño por ejemplo, pero siempre, cuidando que sus raíces sean resaltadas en todas las piezas, aunque el proceso no ha sido fácil ya que con tanta diversidad como lo es en los idiomas, ha sido muy difícil concebir piezas publicitarias y atraer a los creativos de este continente. Además, mencioné que no se puede trazar una diferencia en la creatividad porque podría ser superior a lo que nosotros nos imaginamos sólo que no se le ha dado un impulso para salir de sus fronteras. Sigo creyendo que la publicidad que es generada en este continente, en verdad es buena, que es necesario voltear un poco a ver lo que están haciendo, pero también creo que el mundo esta cambiando y que lo que pensábamos no podría ser posible unos años atrás, ya lo es. Este es el caso de un África. Las empresas cada vez están encontrando en estos países una puerta para generar nuevos negocios, pues aunque existe problemas de conectividad, cada vez se reducen más. Me gustaría que iniciáramos con una perspectiva diferente a la que hemos tenido por mucho tiempo, como esos países pobres, con hambre, en guerra, que ahora

han superado las diferencias y empiezan a ver al mundo de distinta manera. El contraste inicia con este África, que hace unos años atrás, nadie se hubiera imaginado que podría ser uno de los que mayor crecimiento ha presentado con el uso de Facebook… Sí señores, los africanos tienen Facebook como nosotros y más del 80% hacen uso de él a través de algún dispositivo móvil. La era digital ha sido tan poderosa que marcas como Unilever, han alcanzado un gran impacto en estos países gracias a la conectividad y aunque sea difícil de creer, esta misma empresa reportó que países como Letonia y Moldavia, son de los preferidos, en el uso de sus productos en este continente. Esto, nos da una perspectiva en la cual las marcas más importantes, ya no fantasean con estar cada vez más lejos, sino que ya es una realidad y todo gracias a la publicidad que se está generando en esos lugares. Por otro lado, tenemos países como Estados Unidos, que podríamos decir; son especialistas en consumir publicidad, pero últimamente vemos que muchos factores han terminado con esto y han hecho que las marcas volteen a ver lugares como lo es África. Seamos sinceros, podemos ser testigos nosotros mismos, de que la publicidad ya no nos cautiva tanto, como hace algunos años, y ahora, si compramos algo es porque ya conocemos muy bien la marca, o es un producto que nos encantaría tener, pero no, porque lo hayamos visto en un comercial de televisión, o en el Facebook.

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EL TALENTO NO ES CUESTIÓN DE RAZA, CULTURA O COLOR, ES SIMPLEMENTE IMAGINACIÓN Y ÉSTA ES UNIVERSAL. ESTA CLARO QUE LOS CONTRASTES TAMBIÉN EXISTEN PARA ASOMBRARNOS, DISFRUTAR E IMAGINAR, LO QUE SERÁ UN MUNDO NO TAN LEJANO... QUE GUARDA GRANDES SORPRESAS, PARA CUANDO NOS ATREVAMOS A VERLAS.

Hay marcas como Coca-Cola, que tienen los recursos no sólo para estar presente en una campaña publicitaria, sino también en campañas sociales que les ayudan a tener mayor empatía con los consumidores. Todos sabemos que si algo falta en África, es el agua, es por eso que Coca-Cola, buscó una solución alternativa para la escases del agua, por lo cual construyó una planta de captación de agua de lluvia, la cual es purificada para brindar a las poblaciones, una solución a este problema latente. La campaña lleva por nombre “Coca-Cola live for a Difference” que a mi parecer es una magnífica idea, es cierto…no acaba con el problema, pero, está ayudando, y sólo me imagino el valor que se generó en estos países que ayudó. “Agua en una botella de Coca-Cola” ¿qué tal? ¿no les parece increíble? Pero este continente, es aún más emocionante cuando podemos ver lo que ha logrado, una de las cosas que más me impresionó es el ingenio que tienen para realizar la publicidad y que sinceramente no le pide nada a ningún otro. Qué me dicen de los Simpsons ¡negros!, Angola fue la encargada de esa genialidad, cosa que los mismo creadores nunca se atrevieron porque se podría interpretar como racismo, me fascinó la idea de ellos, al pensar: así somos… porque mejor no los cambiamos.

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Namibia, se puede escuchar demasiado lejos, pero tiene publicidad con un arte impecable, que sin duda no le pide nada a la mejor agencia que se nos pueda ocurrir. Y por último, no puede faltar Sudáfrica, que es una de mis favoritas, publicidad llena de sencillez y a la vez de humor, buena hechura, simplemente están a un alto nivel. Me imagino que si todas estas piezas pudieran entrar a Cannes, u otro concurso en verdad ganarían, y sinceramente, creo que empezaríamos a ver el otro lado de la moneda donde la potencia de la publicidad ya no sería Estados Unidos o Argentina, sino puros países “tercermundistas” como lamentablemente se conocen. África, cada vez va más, para arriba, puede que no dentro de mucho tiempo, como lo hizo ya con algunas marcas nos de la sorpresa, de que los comerciales sean hechos por puros africanos ¿por qué no? El talento no es cuestión de raza, cultura o color como lo mencioné aquella vez, es simplemente imaginación y ésta es universal. Como escribía anteriormente, sería bueno, que cambiemos nuestra perspectiva. Y así como nos dejamos sorprender, por personas que están al otro lado del charco, (que a veces ya no es tan asombroso), nos admiremos más, por los que están al otro lado del mundo. Porque estoy segura que lo que hemos visto sólo es una probadita de lo mucho, que tienen para mostrarnos. Esta claro que los contrastes también existen para asombrarnos, disfrutar e imaginar, lo que será un mundo no tan lejano... que guarda grandes sorpresas, para cuando nos atrevamos a verlas.

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MONROE Y HEPBURN /38/

Nacidas en la misma época pero en diferentes continentes, lograron marcar la historia del cine, convertirse en personajes inconfundibles, que hasta la fecha siguen siendo admiradas. Norma Jeane Baker Mortenson, nombre real de Marilyn Monroe, nació el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles, Estados Unidos. Nunca conoció a su padre y su madre sufría de problemas mentales, por los cuales tuvo que ser internada en un hospital psiquiátrico, enviando a Marilyn durante su niñez a diferentes orfanatorios, en los cuales sufría de violencia física y sexual. Tres años después del nacimiento de Marilyn, nace el 4 de mayo de 1929, en Ixelles, Bélgica, Audrey Kathleen Ruston, conocida como Audrey Hepburn, fue Hija de una aristócrata de origen holandés y de un banquero británico. Creció y se educó en Holanda. Su familia era de dinero pero lo perdió todo como consecuencia de la segunda guerra mundial.

EL INICIO DE SUS CARRERAS Audrey, desde pequeña le gustaba el teatro y ballet practicaba largas horas esta disciplina así que decide trasladarse a Londres, para convertirse en bailarina y aparecer en algunas películas británicas interpretando pequeños papeles sin mucho éxito; conoce a Colette, una escritora francesa, quien le ofrece el papel de Gigi en la versión teatral de la novela prevista en Broadway. Aceptó y consiguió un gran éxito que le abrió las puertas de Hollywood.

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SU PERSONALIDAD Y BELLEZA LES PERMITIERON DEJAR UNA HUELLA ÚNICA, EN EL MUNDO DEL CINE, CONVIRTIÉNDOSE EN LOS ÍCONOS MÁS FAMOSOS DE LA CULTURA POP.

Por su parte, Monroe, nunca había pensado involucrarse con el mundo del espectáculo, con tan solo 16 años contrajo matrimonio con un joven llamado James el cual tenía 21 años y fue llamado para combatir en la segunda guerra mundial. Ella tuvo que mudarse con su suegra y trabajar en una fábrica de municiones donde un fotógrafo la retrato para la revista Yank, que tiempo después decido contactarla para ofrecerle ser modelo. Poco a poco su carrera fue despuntando hasta que la Twentieth Century Fox le ofreció un contrato, en el que le pedía ser soltera, ella acepto y se divorció de su primer marido para poder así comenzar a grabar películas. Marilyn, golpeó la industria fílmica y el mundo, con la película Niágara del director Henry Hathaway, del año1952. El impacto de su actuación era innegable, estaba de repente en todas partes, en portadas de revistas, periódicos y fue la chica de la que todo el mundo hablaba. Su estilo fue imitado y ella estaba finalmente en su camino a ser la gran estrella que siempre soñó ser. El mismo año Audrey se consolidó con el lanzamiento de Vacaciones en Roma, dirigida por William Wyler. Los críticos y aficionados por igual encuentran irresistible y única, su estilo lleno de revistas de moda. La película recibe críticas muy favorables. Audrey es nombrado ganadora del Oscar a mejor actriz por su papel. Esa forma tan peculiar de los católicos de mostrar aquel evento de la crucifixión, tan sangriento y mantener como estandarte el objeto en el cual fue ejecutado Jesús, es bastante oscuro de cierta manera, hay tanta oscuridad y sus toques góticos en la forma de contar la historia, que de verdad me apasiona. Actos de vampirismo (“beber mi sangre”), asesinatos, crueldad humana y la ira de Dios; nos dan mucho material para poder componer una buena rola cercana a estos géneros musicales que hablan de crueldad. Sin duda, este estilo de música cumple con muchas características primarias del género, sin mencionar ya, las letras. Hay que saber reconocer que, la ejecución de los músicos en estos géneros, es igual o mayor que la de los músicos que cantan sobre un árbol, la vida o la muerte. El talento no queda excluido para nadie, creas o no en algo, puedes ejecutar igual o mejor que otros que no predican tus ideales.

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Muchos géneros del rock, han echado mano de los ángeles como tema principal de sus canciones, una de las que viene a mi mente en este momento es: Angel de Judas Priest. Paradójico hasta el nombre de la banda donde colabora el fundador de la misma y bien nombrado el Dios del metal; Rob Halford. Esta canción habla de una especie de ángel guardián a quien le pide ayuda para poder salir adelante. Canciones como esa y otras más, hasta de géneros más violentos, también han hecho uso de los ángeles. Hablando de ellos como ángeles de la muerte, ángeles caídos o de la oscuridad, han creado obras excelsas. También hay que recordar que aunque los temas musicales no hablen de religión, hay exponentes que sin miedo a mostrar su tendencia religiosa, portan crucifijos o leyendas en playeras. Es el caso de Frank Anthony Melby Iommi, mejor conocido como Tony Iommi, guitarrista principal del grupo de heavy metal Black Sabbath.

su tendencia por la religión, me causa bastante gracia verlo en presentaciones con su enorme crucifijo, después de que en sus inicios, Black Sabbath, se considerara como una banda satánica por sus letras y el comportamiento de Ozzy Osbourne en los escenarios. Me pareció confuso, como cuando en una charla teológica con mi profesora de biología en primer año de secundaria, me revelaba que ella creía en Dios, toda esta charla, después de habernos explicado las teorías del Sr Darwin. No podía entender que una persona de ciencia adoptara la religión, algo similar me pasó al pensar que un género musical tan violento musicalmente como el black metal, pueda hablarnos de religión. En resumen y como conclusión, puedo decir que los medios son lo de menos para expresarnos, y que no se trata de un acto de conocimiento, sino de un acto de convicción y fe ante lo que creemos, sea blanco, negro, morado o rojo. La tolerancia debe brillar en nuestra raza y respetar la diversidad mundial a cualquier nivel, para evitar catástrofes como las que vive el mundo en este tiempo por diferencia de pensamiento. La libertad es un tesoro inconmensurable, que debemos respetar y hacer valer sin dañar a nuestros semejantes, sin importar el contraste en el que estemos situados.

Tony, porta un enorme crucifijo plateado en el pecho a donde quiera que va, es raro ver que un personaje de esa magnitud, muestre sin empacho

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QUE ES PROBABLEMENTE LA RAZÓN POR LA QUE TRABAJO EXCLUSIVAMENTE EN BLANCO Y NEGRO... DESTACAR QUE CONTRASTE. -LEONARD NIMOY-

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