Dibujos Animados by María José López

CARTA EDITORIAL 2

CUADRO POR CUADRO Es una revista especializada en el cine con una visión joven de su trascendencia a lo largo de los años. Hablaremos sobre los géneros que existen hasta el día de hoy y lo que está marcando tendencia, sobre nuevos y viejos directores que han hecho soñar e imaginar a muchos, los actores y actrices que no nos dejan de deleitar con sus asombrosas interpretaciones y sobre lo que más amamos, los filmes. Nosotros vemos los filmes como un modo de escape de la realidad y creemos que no hay arte más puro y sublime. Te hace llorar, reír, odiar y amar, por ello, nunca olvidaremos los grandes clásicos del cine y los actores o actrices que interpretaron grandes personajes con los que nos pudimos identificar. No estamos del lado de nadie ni de nada, sólo hablamos de cine. Lo criticamos e idolatramos.

DIRECCIÓN GENERAL María José López Torres JEFE DE INFORMACIÓN María José López Torres JEFE DE REDACCIÓN Montserrat Pérez-Gasque DIRECCIÓN DE ARTE Frida Duarte Morales DIRECCIÓN DE DISEÑO Daniel Romero Orea REDACTORES Montserrat Pérez Gasque Luis Oropeza Karina Gurrola Alejandra Palacios María José Torres Carlos Balcázar Valery Soto

Cuadro Por Cuadro S.A. de C.V. 6º edición 11 octubre2015. Publicación IMP Guanajuato #228 Colonia Roma, Delegación Cuauhtémoc CP 06140, México D.F. Teléfono: 96278456. Correo: cuadro_cuadro@gmail.com

ÍNDIC

29 Nació un campeón

Disney siempre se ha caracterizado por hacer, de cuentos viejos, películas súper taquilleras y que prácticamente se convierten en franquicias

21 Voces

Es muy importante darle una voz adecuada a los personajes, para que éstos cobrenvida y complementen la historia.

33 Coraline 4

Soy de las personas que en verdad disfruta ver películas en casa, más cuando tienes buena compañía y me refiero a que no se duermen en plena película.

17 Ari Folman

¿Cómo creen que será el mundo en el año 2039?

La soledad en tiempos de guerra

Visitaremos a alguien que tú conoces muy bien, pero puede que lo hayas olvidado...

Un mundo terroríficamente increíble

Abrimos en un mundo paralelo al nuestro, en la Ciudad Monstropolis, cuna de los monstruos más escalofriantes que puedas conocer, los verdaderos maestros del terror.

Con bolitas y palitos 7

Cine animado

aciendo un recuento hasta aquí de la historia, tenemos diferentes tipos de animación: dibujos animados (dibujos), stop motion (con moldes, maquetas), pixilación (igual al stop motion pero con personas y objetos reales), rotoscopía, animación en sprite (como la de los videojuegos). Todos estos tipos de animación se llegan a combinar actualmente en la producción de los largometrajes, todos válidos y laboriosos, desde la creación de un personaje en boceto hasta la realización del render 3D con texturas.

Literalmente nos vamos a remontar a la época de las cavernas, donde nuestros antepasados disfrutaban contar sus más grandes anécdotas. Los dibujos se volvieron más que una representación gráfica con la aparición del comic cerca de 1895. Pero en sí, los dibujos animados nacieron con un invento de Emile Reynaud, el Praxinoscopio creado en 1877 que más tarde mejoró con el teatro óptico, que añadía la posibilidad de proyectar imágenes en cintas perforadas. J. Stuart Blackton, rueda “La casa encantada” en 1907 utilizando “stop-motion” para dar vida a los dibujos animados. En 1915, Earl Hurd perfecciona la técnica de dibujos animados usando hojas transparentes

de celuloide para dibujar las imágenes y superponer el fondo fijo. Y Raoul Barré perforó los márgenes de los dibujos para mantenerlos estables durante las tomas de cámara.

Max y Dave Fleischer, dos hermanos, dieron vida a más de un personaje animado, entre ellos Betty Boop y Popeye el marino, que originalmente era la imagen de una marca de espinacas enlatadas. Además, hicieron un aporte a la animación, crearon el rotoscopio, que permitía calcar personajes animados sobre personajes reales. Y claro, no nos podemos olvidar del creador de Felix, Otto Messmer y el de Mickey, Walt Disney. Quien dirigió el largometraje animado Blancanieves y los siete enanos en 1937. Las historias creadas a base de dibujos son infinitas para Disney, incluso en Mary Poppins, involucra la animación con los personajes e interactúan entre sí. Con los avances tecnológicos, los dibujos fueron quedando de lado, se emplearon modelos y muñecos que ayudaban que la animación de los movimientos de los

personajes fuera cada vez más verosímil. El ruso Ladislas Strarevich, crea el documental La batalla de las cucarachas con éste método. Otro tipo de animación es la japonesa, su historia comienza en 1932 aproximadamente donde el manga comienza a cobrar vida en la pantalla. Aunque el verdadero auge de ésta industria surge en la década de los 60, con el renacimiento de una nueva sociedad japonesa marcada por la Segunda Guerra Mundial y el ataque de Hiroshima y Nagasaki, que representaba y replanteaba los valores. Con esto surgen personajes que representaban prosperidad y avance para el país. En 1963, Tezuka dibuja a un Pinocho robotótico, Astroboy que en conjunto con Mazinger Z y otros personajes no sólo eran iconos para la sociedad, si no que estaban basados en avances tecnológicos (robots) que interactuaban con las personas y jugaban diferentes roles dentro de una sociedad. Y así como protagonistas masculinos existían protagonistas femeninos, expuestos a los mismos riegos y violencia, como la famosa Sailor Moon. Hasta

llegar al cine de Hayao Miyazaki, donde los personajes van más allá, como Totoro, Kiki, y largometrajes que aunque no hayas visto, los has escuchado de tu amigo el hipster como El castillo vagabundo y La princesa Mononoke. Actualmente los dibujos quedan únicamente en la preproducción de los largometrajes de animación. Las computadoras sustituyeron fotogramas por pixeles, dando una apariencia totalmente diferente a los personajes. Así el animador tiene control total sobre los personajes, el espacio y el tiempo. Desde hace unos años, Pixar, Dreamworks y otras grandes casas productoras se han esmerado en dar a sus personajes el mayor realismo posible, desde la forma, hasta texturas personalidad y psicología, tratando de dejar en los niños (la mayoría de las veces este tipo de películas es para ellos auque estemos ansiosos de ver Los Increíbles 2) una moraleja o enseñanza además de un buen rato de risas y mucha mercancía oficial que comprar. Como ejemplos tenemos Buscando a Nemo, Monsters Inc, Big Heroes, Shrek, Cómo entrenar a tu Dragón. Historias que siempre nos dejan una moraleja sin importar la edad. Las veamos en idioma original o con doblaje, nos importan los personajes de cada una de esas historias, sus problemas y alegrías. Lo que sí sabemos, es que a nuestro niño interior siempre le gustarán estas películas.

El principito 11

La historia, entonces, se divide en dos formas de animación. Muestra la del mundo real, de la niña, con formas computarizadas y armoniosas, con el modelo establecido por Pixar y repetido ya por decenas de predecesoras. Pero lo mejor es la técnica de stop motion para recrear el universo de El Principito, con figuras de papel, en un delicado trabajo de orfebrería que se apega a las ilustraciones que hizo el mismo escritor en su obra maestra.

El Aviador, entonces, le presenta la historia de su vida que es, exactamente, la del piloto que, extraviado en el Sahara, encuentra al niño maravilloso que lo mueve a la reflexión. Las charlas lo mueven a replantear todo el sentido de su existencia. Mágicamente, el viejo vecino es Saint-Exupéry.

Cuan-

e encuentra cines El principito.El director Mark Osborne es bastante astuto, al presentar a una niña recién llegada al barrio de clase media alta, que debe vivir al lado de una vetusta casa, donde habita un anciano de gran corazón, que es tildado de loco y excéntrico. Los dos establecen, de inmediato, una bella relación cómplice y secreta de amor filial, que obviamente compensa en la nena la ausencia del padre.

La narración del viejo encuentra un huésped apacible en la pequeña, acosada por el orden obsesivo de su madre trabajadora. Todo en torno a la niña es cuadrado, como el pensamiento de los adult o s que la rodean. Hasta los árboles de la calle están podados en forma de cubo. La casa de El A v i a - dor, en cambio, es asimétrica, desvencijada, única y llena de misterios y fantasía. Y ahí todo es posible. Mientras narra episodios de su ya lejano percance con El Principito, hace que la chiquilla descubra su propia infancia, que hasta entonces le había sido negada por su rígida madre, quien la preparaba para el éxito con un riguroso y absurdo programa de vida.

do parece que la historia se agota, porque la novela ha sido contada en su totalidad, los guionistas Bringull y Presichetti le dan un giro espectacular en el desenlace. Crea un miniplaneta adulto, en una proyección de lo que pudo ser la historia del pequeño si hubiera perdido la ilusión. La visión del futuro adulto es metafórica y cruel: la imaginación que se desvanece con los años genera autómatas. La luz que irradian los pequeños se desvanece en la oscuridad de la madurez. Los mayores, arrastrados en la corriente eterna de los deberes, se convierten en muertos e n vida, concentrados en los deberes, ineptos para la fantasía y la es- peranza. Es doloroso ver al Principito ya mayor e integrado a las rutinas aburridas del trabajo y las obligaciones. La nueva versión de El Principito le recuerda al mundo que, como lo dijo el prodigioso ser sideral, hace más de medio siglo, lo esencial de la vida no se ve con los ojos, sino con el corazón.

La tumba de las luciernagas

La soledad en tiempos de guerra E

l viaje de hoy será una visita. Visitaremos a alguien que tú conoces muy bien, pero puede que lo hayas olvidado. Ese alguien forma parte de ti y tiene algunas cosas que decirte, quiere recordarte lo simple que son las cosas y mostrarte que puedes seguir siendo curioso o pasarla bien sin preocuparte por nada. Tal vez sea difícil encontrarlo, para otros no tanto; pero todos llevamos, un niño dentro. En ocasiones se muestra, revelando su existencia; en otras parece que se esconde en el fondo para no salir. Pero cuando disfrutamos las cosas que hacíamos de pequeños, vemos que sigue ahí, nunca se ha ido. Cuando vemos una película animada y decimos: - ¡en verdad me encanta!, ese, es nuestro niño interior. No importa que tan viejo o jo-

ven seas, simplemente tienes un personaje o una caricatura favorita, de la infancia o de la adultez; así como todos tenemos una película favorita del género animado. Lo especial de la películas animadas es que son para todo el mundo. Las historias son entretenidas y simples, tan simples que cualquier niño o adulto puede entender y disfrutar. Son irreales y bonitas. Hoy quiero hablar de una película especial y no tan conocida entre las animadas, puede que esta película tenga una temática diferente, muchos podrían pensar, que es adulta. Lo cierto es que reúne todas las características de cualquier otra animada: cuenta una historia pura, bonita, pero profunda. “La tumba de las luciérnagas” o “Grave of the fireflies”(1988), es una producción japonesa; la primera del director Isao Takahata, quién es uno de los directores y guionistas más importantes del género animado japonés; de verdad no es cualquiera. Takahata es cofundador de los famosos estudios Ghibli, junto con Hayao Miyazaki. Además de ser el creador de “Heidi”, la serie de televisión y ha sido en varias ocasiones el productor de películas de Miyazaki. Este film, está ambientado en Japón a finales de la Segunda Guerra Mundial. La historia es un bombardeo apocalíptico, donde un par de hermanos inocentes luchan por sobrevivir. Relata como las tropas de aviación estadounidenses, someten a las ciudades japonesas, convirtiendo en un infierno a la ciudad de Kōbe; dónde Seita, de 14 años y su hermanita Setsuko, pierden a su madre y terminan refugiándose en una cueva abandonada. La historia es fantástica, pero demasiado triste cuando todo empieza a ir muy mal. Podría decir que es depresiva, insoportable, pero esencial. Después de la muerte de su madre, los huérfanos deciden quedarse en casa de unos tíos, pero ellos no reciben a los her-

manos muy bien, entonces las indiferencias y el desprecio de esta familia por los niños se hace cada vez más notorio. Los niños terminan solos, viviendo por su cuenta en un refugio abandonado, pero no les va mejor. La comida escasea, tanto que causa su desnutrición.

corazón. Les exigirá un replanteamiento sobre la animación.

Estoy segura que la tesis de este film es la soledad. Se centra en la destrucción de las familias, como consecuencia de las guerras y lo triste de la indiferencia humana hacia el sufrimiento, pero sobre todo en las emociones que rodean a estos niños mientras luchan solos.

dejar claro que Studio Ghibli se dirige a un público infantil y adulto.

Porque cuando la vida te arrebata todo y no puede ser más insoportable, debes encontrar la luz; una luz de luciérnaga que pueda vencer la oscuridad. Su alma de niños, hace feliz y hasta cierto punto, llevadera su miserable existencia cuando comienzan a inventar historias contadas con luces de cientos de luciérnagas. La simpleza de su mentes les permite sobrevivir. Para aquellos que no saben que hay, más allá de las películas animadas de Disney o no creen en el poder del cine de animación, esta película les dejará claro que se pueden contar historias profundas y que te rompan el

Este film, muchos lo consideran una obra maestra del cine de animación y además, una de las mejores películas de temática antibelicista de todos los tiempos junto a “El pianista” de Polansky y “La lista de Schindler” de Spielberg. El estreno fue paralelo al de “Mi vecino Totoro”, salieron al mismo tiempo con el propósito de mostrar las dos caras del cine animado. Miyazaki y Takahata, querían

El mensaje antiguerra es impactante y la hizo merecedora de premios como: Mejor película y un Premio por los derechos de los niños en el Festival Internacional del cine de Chicago de 1994, que estuvo dedicado a los derechos de los niños. No hay mejor recomendación que esta: una historia contada de la forma más triste y pura.

Fant谩stica alucinaci贸n 18

Ari ¿C

ómo creen que será el mundo en el año 2039? Aún falta bastante y tenemos muchos problemas por resolver, pero el hecho de pensar, en que quizá podamos colonizar otro planeta, no es resolver, más bien es huir. Qué nos falta...Tenemos por un lado extrema riqueza, ahí tienen a los Emiratos Arabes y su bahía de los negocios en Dubai. ¿Creen que el petróleo no se va a acabar? En fin pero también tenemos la extrema pobreza, y cada vez tenemos más gente, reproduciéndose más rápido. Lo que deseamos no es una solución sino un escape. Hace poco tuve la oportunidad de ver The Congres,(2013) una una película,del director Ari Folman. Quizá de manera indirecta retoma esta cuestión de un futuro brillante, tanto así, que la gente podrá ser lo que quiera, y convertirse en quien quiera. Todo comienza Robin Wright, una veterana actriz con una inestable y poco fiable reputación; recibe una oferta de Miramount Studios (acrónimo de Miramax y Paramount Studios). Esta oferta consiste en un contrato, según el cual los estudios podrán explotar su cuerpo digitalmente para generar películas protagonizadas por ella usando tan sólo personajes generados por ordenador. A cambio, Robin recibirá una importante suma de dinero y la promesa de que su personaje digital se mantendrá eternamente joven en todas las películas en las que aparezca. Veinte años más tarde, y tras haber aceptado la oferta, la actriz vuelve a escena

Folman como invitada al Congreso de futurología; un gran acontecimiento en que se muestra una nueva tecnología de Miramount que permite a las personas transformarse en avatares animados. Esta novedosa tecnología, además, posibilita que uno pueda decidir lo que quiere ser en cada momento. Uno puede escoger convertirse en una preciosa diosa seductora, así como de golpe mudar su aspecto al de un héroe de acción. La idea primordial de Miramount, sin embargo, radica en vender la imagen de la actriz para que todo el mundo pueda transformarse en ella.

En un primer momento Robin esta conforme con el acuerdo, pero tras sufrir una crisis de conciencia, decide oponerse a que su imagen o la de cualquier otra persona sea convertida en un producto. Ella expresa públicamente sus puntos de vista y con ello enfurece a los anfitriones presentes en el Congreso. Instantes después el evento es saboteado por rebeldes ideológicamente opuestos a la tecnología, y tras una potente alucinación, Robin imagina que es ejecutada. Los dibujos realmente están muy alucinados, y cabe señalar que Ari Folman se inspiró en la novela Congreso de futurología, del autor de ciencia ficción Stanislaw lem.

En ella Stanislaw Lem hace un magistral retrato de la aspiración al bienestar del hombre contemporáneo a través de la ironía y el humor. Tras un período de hibernación, Tichy el protagonista es reanimado en el año 2039 y encuentra un mundo en el que impera la paz y reina un bienestar general; en esa sociedad controlada por la “psiquímica”, se aprende y se ama por medio de productos químicos, los sentimientos son manipulados y toda espontaneidad ha dejado de existir. Bajo una apariencia exterior de abundancia y de confort, Tichy descubre, sin embargo, una realidad sobrecogedora que supera a la más fantástica alucinación. Ari Folman. Es un director de cine, guionista y compositor israelí. Con 19 años, fue testigo presencial de la masacre de Sabra y Chatila al formar parte de las Fuerzas de Defensa Israelíes, un hecho que posteriormente incidió en la película que él mismo dirigió y escribió llegando a ser ganadora de un Globo de Oro en 2008, Vals con Bashir. La película sigue su intento de recuperar los recuerdos de la guerra a través de la terapia, así como con conversaciones con viejos amigos y otros israelíes que estaban presentes en Beirut durante el período de la matanza.

Voces 22

Voz, personalidad completa E

s muy importante darle una voz adecuada a los personajes, para que éstos cobrenvida y complementen la historia. Los que se encargan de que esto suceda son los actores de voz, que con el director y el apoyo del equipo de producción, analizan la personalidad y algunas características especiales que le quieran dar a la voz del personaje. Para que los personajes queden perfectos en las películas, primero la producción graba las voces para el reel del story board, luego, cuando la historia y el diálogo se definen, se procede a empezar la grabación con los actores en donde, en las grandes producciones, también tienen permitido improvisar. Los actores deben grabar las líneas de diferentes formas en busca de la mejorar captura de voz. Después los animadores actúan como titiriteros para realizar los movimientos faciales y gesticulaciones de cada escena, para que

las voces no se desfasen y queden junto con el gesto correspondiente. Antes de 1992 los personajes de las películas animadas estaban a cargo de actores que sólo se dedicaban a darles voz, no eran estrellas de Hollywood, pero Aladdin de Disney cambio la historia, gracias a la participación de Robin Williams como en genio de la lámpara maravillosa, es cuando se abren camino a actores famosos para interpretar a personajes animados, creando una nueva oportunidad para las casas productoras de películas animadas, pues las películas se vuelven más atractivas al tener una voz “famosa”. Son muchos las celebridades que han dado voz a los personajes, aquí te presentamos algunos: En la franquicia de Toy Story da voz Tim Allen a Buzz Lightyear y Tom Hanks a Woody Kung Fu Panda cuenta con las voces de Jack Black como Po, Lucy Liu da voz a Víbora y Angelina Jolie como Tigresa. Jolie también presto su voz para el personaje de Lola en El Espantatiburones, donde vuelve a compartir créditos con Jack Black como Lenny; también aparecen las voces de Will Smith como Óscar, Robert De Niro como Don Lino, Renée Zallweger como Angie y Martin Scorsese como Sykes. En Shrek, Cameron Díaz dio voz a la damisela en apuros Fiona, la cuál estuvo acompañada de Eddie Murphy que da vida al simpático burro y también en Mulan a Mushu. Ben Stiller da voz a Alex el león de Madagascar y a Bernard de Megamente junto a Brad Pitt que da voz a Metro Man. Los personajes de Filoctetes de Hércules y Lorax de la película El Lórax, en busca de la trúfula perdida, comparten la voz de Danny DeVito.

En Wallace & Gromit: la maldición de las verduras, podemos escuchar a Helena Bonham como Lady Tottington, igual que en El cadáver de la novia como Emily; Junto a Johnny Depp que da voz a Victor Van Dort y a Rango en la película del mismo nombre. Esmeralda la gitana de la película El jorobado de Notre Dame, comparte la voz de la espectacular Demi Moore. Las presentadoras Ellen DeGeneres y Oprah Winfrey también han hecho las voces de personajes, Oprah como Eudora la mamá de Tiana en La princesa y el sapo; por su parte Ellen en Buscando a Nemo, da voz a la inigualable Dori. También los cantantes se han visto involucrados en las voces de personajes como: Katty Perry presta su voz a la adorable Pitufina en Los Pitufos la película. Podemos oír a Bruno Mars como el seductor Roberto, que intenta enamorar a Perla, Anne Hathaway en Rio 2. Justin Timberlake da voz a Boo Boo en El oso Yogi y a Artie en Shrek 3ero. El Lórax, en busca de la trúfula perdida, Taylor Swift da voz a la amante de la naturaleza Audrey. En la película La era de hielo 4 Nicki Minaj presto su voz para Steffie la hija de Manny y Ellie, donde también participo Jennifer López como Shira. López también dio voz a Lucy Tucci en de Home, hogar dulce hogar, junto a Rihanna como Gartuity “Tip” Tucci. Los actores de voz suelen ser confundidos con los actores de doblaje, dado que la especialidad es muy parecida pero no es lo mismo. Es decir, un actor de doblaje sustituye una voz original, cuando una película se traduce de la lengua original a otra; mientras que en el caso del actor de voz hay

una voz original. El doblaje es un poco más complicado, pues en lugar de que solo se grabe la voz y el personaje después se mueva, aquí es al revés, el personaje ya tiene movimientos y el actor tiene que hacer que la voz empate en los movimientos del personaje. Pero esa es otra historia que profundizaremos después.

Monsters Inc.

Un mundo terroríficamente increíble

humanos y graciosos, una característica única de estos monstruos. Es una de las películas más originales y bonitas de la industria de Disney Pixar.

brimos en un mundo paralelo al nuestro, en la Ciudad Monstropolis, cuna de los monstruos más escalofriantes que puedas conocer, los verdaderos maestros del terror. Sin embargo, ellos no matan, ellos no te cortan en dos... Para ellos asustar es un trabajo. El mejor trabajo si me lo preguntan a mí. Universidades con carreras para posicionarse como un de los “asustadores” top de Monstropolis y su compinche, con la tarea de asustar a los niños del mundo “real”. Aquí es cuando entran los actores principales de nuestra película: Sully, un tipo oso gigante pero azul con manchas más azules, peludo, con cuernos y colmillos capaces de devorarte y Mike Wazowski, un pequeño ser totalmente redondo, con brazos y piernas más flacas que un palo, garras, cuernitos y un ojo que abarca la mayoría de su cuerpo. El dream team de la corporación Monsters Incorporated. No recuerdo cuántos años tenía cuando vi por primera vez la película de Monsters Inc., pero recuerdo que cuando salí del cine, fue con una sensación de ver seres, a los que yo temía de pequeña, ser completamente

El trabajo creativo que más admiro es de la creación de personajes y la animación de los mismos de Pixar y su habilidad para meter secretos en todas las películas. En cada película que vemos, hay referencias de viejas y nuevas películas de Pixar y objetos que en todas vemos pero nadie sabe que son, para eso les recomiendo buscar páginas como BuzzFeed, que tienen un artículo con todos los secretos que vemos en las películas de Pixar. Es un proceso realmente difícil, ya que crear una historia no es fácil la mayoría de las veces. Hay que empezar con el trabajo difícil que es sentarse con una hoja en blanco e ideas vagas. La creación de personajes conlleva una investigación en la que hay que armar una historia y meter a estos personajes en diferentes situaciones, pero guiándose el esquema que la mayoría de los escritores de historias siguen. Empezar con un héroe (o dos) y un enemigo, luego hacer una introducción para llegar a la punta del problema integrando diferentes personajes que harán una gran diferencia en la actitud de nuestros protagonistas, ca-

minando por un desenlace y el final de la monstruosa historia. Por supuesto que sale ganando el dúo de lindísimos monstruos. Partiendo de ahí, comenzamos con lo que no sabías sobre el proceso para hacer una película animada de Pixar, y hago hincapié en Pixar porque es la principal y más famosa creadora de películas animadas. Para empezar se tienen que hacer sketchs de los personajes dándoles una personalidad. Algunos expertos de la animación dice que es como hacer un cómic animado. Hacer cada escena de la película es un cuadro, ellos tienen que crear cada movimiento de los monstruos para que al momento de pasar todos esos sketchs a la computadora, generen movimientos naturales cuadro por cuadro. Posteriormente les ponen color, textura y movimiento de boca. Después comienza el proceso donde se ven un poco más reales, pero siguen viéndose como dibujos muy digitales y cuadrados. Para los creadores de Monsters Inc., lo más divertido de crear y animar ésta película fue la creación de los monstruos que llenan la pantalla de color. Si observamos la película una y otra vez, podemos ver toda la gama de monstruos que se ocultan detrás de nuestros personajes principales. Cada uno de ellos es único, cada uno de ellos tiene su característica escalofriante que los hace especiales dentro de ambas películas de Monsters Inc. La cantidad de tiempo para la creación de una película de Disney Pixar es de aproximadamente... ¡3 años! Tres años animando una película extremadamente perfecta, claro que las personas que trabajan en Pixar nunca se aburren porque otra cosa dentro de la magia del cine, son las oficinas de esta empresa. Las oficinas de Pixar son como un gran set de películas animadas hecho en la vida real. Casas, muebles, cuartos. To-

dos sacados de la magia de nuestras películas favoritas. Podemos ver realmente lo que es la creatividad cuando vemos una película de Disney Pixar, son mundos fantásticos que nunca en nuestra vida creímos que los íbamos a ver hechos realidad. Una película sobre monstruos es lo más padre que un niño puede ver, ya que es parte de nuestras vidas, todos lo vivimos alguna vez en nuestra infancia. Cuando salió la primer película de Monsters Inc. en el 2001 yo tenía 8 años y salí muy feliz del cine, encantada con este nuevo mundo lleno de coloridas criaturas. Cuando salió Monsters Inc. University en el 2013, efectivamente, yo ya estaba en la universidad, salí del cine aún más feliz. Son películas que se vuelven parte de nuestra vida. La sala no sólo estaba llena de niños sino de personas como yo, que ya estaban “grandes” para ver ese tipo de films, pero la verdad sobre Disney Pixar, es que crear películas infantiles que no son para niños, son para esa generación de personas que vimos sus películas desde pequeños y hacen secuelas 10 años después para que nosotros sigamos viviendo esas historias y a esos personajes crecer. Estas historias se conectan directamente a nuestro corazón para que al terminar esta película, tu derrames una lágrima porque sabes que esa historia ya se acabó.

HĂŠrcules 30

Nació un campeón D

isney siempre se ha caracterizado por hacer, de cuentos viejos, películas súper taquilleras y que prácticamente se convierten en franquicias. La versión de Disney no se parece mucho a la historia real. Sin embargo, ésta es una de mis películas favoritas de niño; esa época donde cada película marcaba mi presente y salía de la sala de cine creyéndome un todo poderoso muy a la Disney. Tras una historia que poco entiendo, todo comienza en el festejo del nacimiento del hijo de Zeus. Hércules, como deciden nombrar al aparente primogénito, es robado de la gloria del Olimpo, por Hades, dueño del inframundo. El niño, cae en las garras de dos lacayos del antagonista para cumplir con la tarea de suministrarle una pócima para matarlo.

Afortunadamente no lo logrará ninguno de los dos súbditos representados por unos monstruos amorfos llamados Pena y Pánico, si bien, el entonces regordete Hércules será rescatado por dos ancianos, justo antes de tomar la última gota de la poción, ahora es mortal. El fortachón, ya como todo un adolescente nunca logra encajar en el mundo al que no pertenece. La razón es que es muy fuerte y no puede emplearse en las tareas básicas de un tipo de su edad. Y entonces... ruptura del seno materno. Hércules siente algo dentro de él, y no son lombrices, sabe que no pertenece a ese lugar, que algo no cuadra en su entorno social. Sabe que tiene que salir en búsqueda de la verdad. Un día al ocaso del sol, pero sobre todo de la vida que deja atrás, toma un par de vestidos (porque el personaje anda en camisón, con un cinturón y unos huarachitos) y sale a la aventura, con pocas provisiones, pero con el corazón lleno de preguntas. Como buen feligrés, Hércules se dirige al templo de Zeus a solicitar respuestas después de vagar por veredas y paisajes áridos. Es como ahora cuando desconoces tu origen y asistes al registro civil a que busquen tus datos en una computadora, sólo que en esta historia la información la dará una roca gigante tallada a imagen del dios del trueno. Increíblemente a los lloriqueos y reclamos del héroe, la piedra gigante en forma de Zeus cobra vida ante nuestros ojos, y más aún frente a los del joven pelirrojo. ¡Kaboom! Le suelta la bomba. En pocas palabras le dice: eres mi hijo, tú también fuiste un dios, pero el malo de Hades te robó y yo, pues sí soy chingón, pero no te pude rescatar. Entonces, para volver a tu hogar en el Olimpo, tienes que convertirte en un chingón y pelear con mi némesis, ve a buscar a un tipo gordito y chaparrito con cuernos para que te entrene y te haga un héroe. Después le entrega un caballo con alas, un pegaso (que se llama así) y sale volando del templo cantando como nunca a gritos y levantando fuerte los brazos a la vida. Ya tiene un porqué.

Encuentra a Phil, el sátiro regordete y enano, comienza a rogarle que lo entrene, pero él dice que no, ya ha perdido mucha credibilidad después de haber entrenado a Odiseo, Perseo, Teseo y Aquiles, no quiere más fracasos por culpa del héroe con impedimentos físicos (para ese momento Hércules aún es flaco y con poca personalidad). Una y otra vez Phil se niega a darle asesoría y entonces... ahí viene una canción. Nos ahorramos la explicación cantando y bailando y de repente vemos a un Hércules ahora sí fornido, pedante, con voz de “mi rey” de la Ibero y muy seguro de sus habilidades. En su primera aparición y ya enterado Hades de que Pena y Pánico no lograron su cometido, desea acabar con él hasta la muerte. Entonces, Hércules sacará sus mejores trucos con un minotauro, que está atacando a una damisela en peligro llamada Megara, la cuál se convertirá en el platónico del héroe. Pelea unas cuantas veces con más monstruos traídos a la vida por Hades y a todos les gana, pero el villano planea atacar el reino de Zeus, justo cuando los planetas se alineen y Hércules cumpla dieciocho años. Desafortunadamente para ese momento el fortachón ya se dio cuenta que el amor de su vida, Megara, es parte del clan Pena-Pánico que pertenecen a Hades. El héroe caído en el dolor por la malicia de la dama, permite que un grupo de titanes se aproximen al monte Olimpo. Mientras, Phil ayuda a Megara a acep-

tar que es mala. Después ella cantará con las musas a la sombra de la Venus de Milo “no hablaré, no diré que es amor”. Phil avisa a Herc que Meg está en peligro y le sugiere rescatarla del Valle de las almas perdidas, donde Hades espera muera antes de encontrarla, pero ¡oh grave error! La magia se dará cuando Hércules demuestre verdadero amor e intente salvar a su querida. Justo antes de salir de aquel Valle de inmundicias, las Grayas, dueñas del destino de los vivos, intentarán cortar su hilo de vida pero no podrán porque ya se habrá convertido en dios, de nuevo. Lo demás es lo de menos, el punto está en que la historia está movidita y bastante divertida, uno de mis clásicos. Se advierte al lector que no se recomienda nunca tomar como verídicas las historias de Disney, nadie es tan fuerte, ni nadie se ve tan bien después de una batalla y esta historia no se asemeja a la mitología griega. Cualquier similitud con la vida real, es mera coincidencia.

Coraline 34

¿Qué realidad elegir? S

oy de las personas que en verdad disfruta ver películas en casa, más cuando tienes buena compañía y me refiero a que no se duermen en plena película. Un día acordé con Andrea dedicar una tarde a ver películas. Como cualquier persona, tenemos gustos diferentes, así que llegar a un acuerdo sobre qué filme veríamos nos llevó cerca de un tercio de hora decidirnos. Entre géneros de suspense, comedia y drama, me acordé de su película favorita, la ubicaba pero no tenía idea de qué iba la trama. Me comentó que era un muy buen largometraje de animación por la trama la cual debían ver tanto padres como hijos.

En fin, decidimos verla y en lo personal no me llamaba la atención y mucho menos entendía porqué afirmaba eso. Lamentablemente hubo una interrupción -me quedé dormida-, así que otra tarde la vimos sin interrupciones y efectivamente la intención que da la narrativa visual es un impacto. Coraline y la puerta secreta es un filme adaptado de la novela Coraline de Neil Gaiman, la producción es de animación con técnica stop-motion la cual consiste en aparentar movimientos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas, lo podemos ver en la mayoría de los trabajos realizados por Tim Burton. La trama es acerca de una niña en la etapa de la pubertad, que, al mudarse a su nuevo hogar, descubre una pequeña puerta escondida en su casa. Aburrida de intentar llamar la atención de sus padres constantemente, encuentra detrás de esta puerta una realidad alternativa parecida a la que ya vive. Aunque existe una macabra diferencia, que consiste en que todos los personajes tienen botones por ojos, la vida allí es aparentemente mucho mejor pero la aventura da un giro inesperado cuando su otra madre intenta retenerla para siempre y hace desaparecer a sus verdaderos padres. Es entonces cuando Coraline deberá contar con su determinación y astucia para volver a casa y rescatarlos. Es cierto que la historia decae en ciertos instantes, a pesar de tener un arranque lento aunque sobresaliente que introduce de lleno en la fantástica historia que es un poco sombría y muy apreciable a pesar de eso, es realmente buena. El hecho de que sea un film de animación no debe confundirse ni tomarse como sinónimo de público infantil, en este caso en particular el público infantil no es correspondido pues a muchos les da miedo la cuestión de que los personajes tengan botones en vez de ojos, por lo tanto ello lo aleja en gran medida de este específico tipo de audiencia. Los pubertos -y muchas personas más- toman muy bien este largometraje por la sencilla y controversial verdad que es… crecer. Quizá algunos personajes aportan poco a la

narración y más al engrandecer el espectáculo tridimensional -como el extravagante circense Sr. Bobinsky-, pero a pesar de eso, la película funciona con precisión en su cometido principal. En acercarnos, junto a la protagonista, a otra realidad inquietante, un mundo lleno de sombras y oscuridad pero que hipnotiza, para finalmente descubrir a Coraline el verdadero valor de su familia real. El guión está muy bien adaptado no sólo porque se base en una novela sino los temas que trata, principalmente, la cuestión de la madurez y todo lo que conlleva. Ese momento en que te cuesta trabajo aceptar lo que está pasando y de cierta manera te sientes imposibilitado a cambiar los hechos y no precisamente porque no puedas hacerlo por ti mismo pero eso en el momento de la pubertad es “cosa de adultos”. Coraline es el reflejo de muchos de nosotros, donde la otra realidad -que era mucho más agradable- estaba en nuestra mente o hacíamos alguna otra actividad para evitar ver los hechos, ya saben, las personas tienen miedo o se hacen tontos para no ver lo que en verdad está pasando, es más cómodo. En cuanto a los padres, considero que es un clásico ya de los matrimonios actuales aunque ya casi nadie quiere tener hijos, se ven en ese momento en que cuidar a otra persona no estaba dentro de los planes o simplemente depende de los tiempos para las prioridades, ya saben, por el trabajo. Este conjunto de situaciones, es quizá algo sano si se tiene determinación de hacer las cosas, vas forjando tu personalidad, venciendo miedos y obteniendo independencia… comienzas con tus padres, prácticamente todo aquello que habla Jean Piaget. Es recomendable por trama, guión y sobre todo la superación que hizo el director desde El extraño mundo de Jack, -sí, él fue el director y no Burton-; pasando por Jim y el durazno gigante -de mis películas favoritas en la infancia- esta entrega aunque va en la línea de lo sombrío que tanto marca el estilo de Selick, desde cualquier perspectiva se puede tratar como revolucionaria por los elementos que trabaja. Es un completo impacto para nuestro consciente e inconsciente.

Espera nuestra pr贸xima edici贸n este lunes 23 de octubre. Sigue compratiendo y opinando. 37