HIGINIO MATEU DEL DISEÑO AL ARTE - DIPUTACIÓN CASTELLÓN by DIPUTACIÓN CASTELLÓN - CULTURA

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del diseño al arte

del 8 Febrero al 10 Marzo de 2018

DL CS 31-2018

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HIGINIO HIGINIO MATEU MATEU

Plaça de les Aules, 1. Castelló Plaça de les Aules, 1. Castelló Plaça de les Aules, 1. Castelló Cicle Metàfores sinestèsiqu Cicle Metàfores sinestèsiq Metàfores sinestèsiques dea 10.00 17.00 a 21.00 hCicle Horari de 10.00 a 14.00 h i de 17.00 a 21.00 h Horari de 10.00 a 14.00 hHorari i de 17.00 21.00 h a 14.00 h i de comissariat p comissariat cultura dipcas comissariat per cultura dipcas cultura dipcas www.dipcas.es/cultura www.dipcas.es/cultura www.dipcas.es/cultura

Organiza: Espai Cultural Obert Comisaria: Patricia Mir Soria Textos: Patricia Mir Soria Vicente Traver Calzada Manolo Sales Ulalalau Amat Bellés Isabel del Portillo Juan Poré Pere Ribera Agustina Ortega Marcelo Díaz Alejandra de la Torre Fotografía: Patricia Mir Soria Diseño y maquetación: Imprenta Diputación de Castellón

DEL DISEÑO AL ARTE La relación entre diseño y arte es especialmente estrecha y, en ocasiones, establecer las diferencias no resulta en absoluto sencillo. El diseño, bien sea diseño gráfico, diseño industrial, diseño de moda, etc. es, en no pocas ocasiones, una expresión artística. El proceso creativo guarda muchas semejanzas. Cada objeto -bien sea una pintura, una escultura o un vestido, por ejemplo- fue antes una idea, un bosquejo en la mente de un creador. La metodología puede ser asombrosamente similar. Dibujo y escritura son el común denominador en ambas. Hay semejanzas, sí, pero también diferencias. Diseño y arte no son lo mismo. Es evidente que las disimilitudes más obvias radican en que el objeto de diseño tiene un fin funcional, mientras que el arte rara vez es útil. El cliente comprará ese vestido para ponérselo, utilizará ese logo para promocionar su empresa o decorará su casa con muebles útiles y funcionales. El artista crea, y el simple hecho de crear ya es el fin en sí mismo. Además, la obra de arte tiene múltiples significados y, muchas veces, el propósito del artista no tiene porqué llegar como un mensaje claro y directo al espectador. El componente emocional en el arte es parte de su esencia misma. El diseño, por el contrario, sí debe tener unos códigos que emisor y receptor compartan. El diseñador está obligado a resolver problemas, el artista no. Cuando parece que hemos establecido claramente lo que une y separa arte y diseño nos encontramos con el diseño artístico. Aquí las fronteras se vuelven más difusas. El juego de las emociones entra en escena sin obviar que el arte es una cosa y lo artístico otra. En esta exposición el espectador descubrirá una escenografía donde diseño y arte van a potenciar sus equivalencias, y no sus discrepancias. Tanto es así, que en ocasiones se funden en una misma pieza ambos conceptos. Nuestro diseñador invitado es el modisto Higinio Mateu que celebra su decimoquinto aniversario como nombre propio dentro del diseño de moda. Sus diseños de alta costura son piezas únicas que evocan las más diversas fuentes de inspiración. Castellón rinde así homenaje a toda la labor creativa del diseñador valenciano que ha elegido esta provincia como espacio inspirador desde donde dar forma a su universo. La ecuación se completa con diez artistas contemporáneos de la provincia de Castellón, cinco mujeres y cinco hombres, escogidos tanto por su talento contrastado como por su capacidad de adaptación al reto que les hemos propuesto. Los artistas han creado sus obras inspirándose

en texturas, formas, volúmenes y colores empleados por el diseñador en diez de sus creaciones. No se trata tanto de mimetizar como de interpretar. Plumas y transparencias donde la tela se acopla a las formas femeninas serán el punto de partida para el pintor de Burriana Vicente Traver Calzada. Higinio Mateu realizó para la colección otoño invierno 2010/2011 una serie de prendas inspiradas en los muebles de la prestigiosa firma Alexandra. Piezas artesanales con detalles barrocos, beiges y grises, tapicería con efecto piel que ahora ha transformado Manolo Sales en cerámica contemporánea. Un árbol de ramas doradas y hojas rosas enroscando a una virgen llena de simbolismos que posa para la fotógrafa Ulalalau. Más transparencias, lilas, verde y blanco son la paleta que ahora debe redefinir el lucido pintor de La Pobla Tornesa Amat Bellés. Higinio Mateu ha vestido a muchas novias, pero ninguna tan carismática como la que plantea Isabel del Portillo. Esta ceramista ha querido buscar puntos de conexión entre ambas piezas, -como pueden ser las flores-, logrando mantener el sello de identidad personal de cada creador.

La elegancia en blanco y negro entra en diálogo con las posturas más contemporáneas y arriesgadas de Juan Poré (Burriana) y su corazón latente. Negro también era el desafío de Pere Ribera, artista de la Vall d’Uixó, que ha hecho de los volúmenes su mejor aliado. Agustina Ortega (Castellón) apuesta por plantear abiertamente el concepto de homosexualidad a partir de la única pieza de hombre que hay en la sala. Higinio Mateu ha realizado expresamente para esta muestra la pieza asignada al artista de Vila-real Marcelo Díaz como un intento de redefinir una aparición mariana. Por último, la más joven del grupo, la castellonense Alejandra de la Torre, evoca la habitación infantil de la dueña del vestido de niña del diseñador. Una instalación donde todos podemos empezar a soñar. Valoramos con sobradas razones el diseño artístico. ¿Hacemos lo mismo con el arte contemporáneo? Patricia Mir Soria Comisaria de la exposición ‘Higinio Mateu. Del diseño al arte’.

VICENTE TRAVER CALZADA “Mi colaboración en la exposición homenaje al modisto Higinio Mateu consiste en una instalación compuesta de escultura, pintura y objetos relacionados con el diseño de alta costura y la moda del vestido en general. Ocupa un espacio de casi 3 metros de largo por 2,20 de alto y unos 60 centímetros de profundidad. Reconozco que es un terrero del que me sentía bastante alejado, pero por el que poco a poco mientras realizaba mi obra me he ido interesando. La elaboración de los trajes requiere y exige un enorme esfuerzo de originalidad y renovación continúa. La esencia de toda moda es desplazar a la moda anterior”. Vicente Traver Calzada

VICENTE TRAVER CALZADA Retablo de la Diosa Moda (2018) Instalación. 120 x 275 cm. www.travercalzada.com

Arranca su descripción Traver Calzada con una confesión sin ambages: se siente muy alejado del mundo de la moda. Esa es la razón por la cual este artista en mayúsculas ha sido capaz de levantar un retablo o altar de la diosa moda sin prejuicios, sin complejos, sin autocensura. Su instalación se divide en dos grandes paneles cubiertos de prendas de vestir y un maniquí desnudo bajo el que nos postramos a modo de altar y encendemos unas velas. Cada elemento alude a una idea o lectura que el artista ha extraído de este mundo. Por un lado la necesidad de comprar y consumir moda compulsivamente que vemos en la acumulación de objetos y que a todas luces le resulta estúpida. También hay una clara alusión al erotismo que asoma por detrás de muchas de las creaciones del vestido y que en el panel se representa socarronamente a partir de 16 falos a modo de percheros. Tampoco podemos obviar los indicios de sometimiento, dominio y opresión al contemplar un vestido de novia y junto a él unos hilos de espino y unas argollas de prisioneros. Mientras que la parte superior del panel aparece apenas pintada ligeramente, la parte inferior está sucia y embrutecida con siluetas de brazos recortados. Con esta imagen quiere Traver Calzada hacer hincapié en las injustas condiciones de trabajo con las que se producen algunos de los productos de la moda. Hay un panel donde aparecen prendas más o menos lujosas y al lado otras piezas más o menos chabacanas, pues todo ello forma parte de este mundo. Frente a este tótem o fetiche en el que intuitivamente Traver Calzada ha colocado todas las ideas que le sugiere el mundo de la moda el espectador se queda frente a frente con un maniquí desnudo (o casi, puesto que a la altura de sexo coloca divertido un adorno floral) para que cada cual establezca su particular asociación de ideas.

MANOLO SALES

MANOLO SALES S/t. (2017) Gres, gris con engobe beige y esmalte negro con esmalte metal.

“Según Aristóteles, la finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas, no copiar su apariencia. En este caso es dar un alma diferente de una obra de arte ya creada, como es un modelo de Higinio Mateu”. Manolo Sales

Higinio Mateu realizó para la colección otoño invierno 2010/2011 una serie de prendas inspiradas en la firma de muebles y alta decoración de la prestigiosa firma Alexandra. La colección se llamó “Confidentes” (nombre de un sillón muy característico de la firma) y estaba elaborada con piezas artesanales y detalles barrocos. Higinio combinaba blancos, beiges y grises con el dorado más puro, grabados en piel y adornos florales con todo lujo de detalles. Lo más interesante y aquello que daba verdadera personalidad a la colección es que el diseñador utilizaba la misma tela de tapicería de los muebles para confeccionar las prendas de vestir logrando un efecto piel. Higinio Mateu empleó la piel, polipiel, tejido de tapicería, remaches. Todo un reto ya que suponían materiales poco prácticos para confeccionar. Aún así, el creador se inspiró en las patas de los muebles, en los cajones, en infinidad de detalles. Un diseñador inspirándose en otro diseñador. Esa fue la razón por la que incorporamos esta pieza de abrigo a la exposición. ¿Por qué si un diseñador se había imbuido con el talento de otro no podía un artista, en este caso de la cerámica, hacer lo mismo? Además si alguno conoce el proceso investigador que sigue Manolo Sales sabrá que su cerámica artística busca siempre el más difícil. El resultado es una fantástica pieza que recrea el entramado de la piel del abrigo incluyendo las franjas de piel gris, las marrones y los remaches. La característica técnica es que están hechas con gres coloreado de color gris y con engobes marrón, con unos tapones de esmalte con efecto de volumen de color gris, así como una aplicación de un esmalte negro brillante. Para completar la obra Manolo Sales ha creado un colgante de bisutería cerámica a partir del mismo juego cromático. La exposición muestra el mueble de Alexandra, el abrigo de Higinio y la cerámica de Manolo Sales como una secuencia creativa que podría seguir repitiéndose hasta el infinito. Sin copiar la apariencia, solo dando cuerpo a la esencia.

ULALALAU ULALALAU El Honor de la Virgen (2018) Impresión fotográfica sobre lienzo. Fotografía con postproducción digital. http://www.ulalalau.com/

“La primavera, la luz, el bosque, la pureza, los insectos, la creación, sus flores, mis mujeres, la virginidad y el placer, el éxtasis de la belleza... El Honor de la Virgen hace alusión al pecado escondido promovido por una sociedad necesitada de ídolos, reprimiendo y castigando así a la mujer en el disfrute de su maravilloso cuerpo y su naturaleza creadora, y encumbrando la virgen como mujer nacida sin pecado y a la vez intacta”. Ulalalau

Recreando una ambientación costumbrista propia del siglo XVII, Ulalalau envuelve a una virgen andrógina rodeada de un repertorio simbólico. Toda la iconografía gira en torno a la crítica de una sociedad patriarcal que ha castrado a la mujer. En el centro compositivo una modelo pelirroja y de tez blanca que apenas cubre su desnudez con el vestido transparente de Higinio Mateu. Una tela exquisita que envuelve el cuerpo con unas ramas doradas y una explosión de flores de almendro rodeadas de insectos que se unen a la libélula en el deseo de la jugosidad de la virginidad. La ambigüedad en el rostro de la figura busca el juego entre la imagen de Jesús con la corona de espinas y una Venus virginal en clara alusión a la dualidad de sexos en uno. El elemento clave es la sangre en los dedos de la modelo, referencia a la ruptura de la virginidad. Una sustancia dulce, sangre de placer, primeriza y fresca que liba golosa una libélula. En el regazo de esta virgen, justo a la altura de su sexo, se muestran unas deliciosas uvas. Muy cerca de la vid, en medio del follaje, unos frutos rojos potencian la jugosidad de la mujer. Toda esta visión aparece sin embargo protegida tras una cancela. Verja que protege su virginidad de los ojos del espectador. Junto a los pies descalzos pócimas de amor y cadáveres de animales que simbolizan a los demonios y el pecado. Toda la composición se encuadra en un triángulo que apoya su base en la verja de hierro. El foco de luz a modo de claroscuro barroco llega de la derecha. Es desde ese lado donde llega la luminosidad de la luz celestial y también una brisa que acentúa el ambiente del cuadro. La luz de la parte superior se apaga en la zona inferior que permanece en penumbra y donde residuos de pócimas y desechos se esparcen por el suelo.

AMAT BELLÉS

AMAT BELLÉS Non intuetur pulchritudo, tantum intuita est. (2018) Técnica mixta

“Los vestidos están hechos para llevar, pero también para mirarlos. Un vestido es una escultura hecha con tejidos. Toda obra de arte es el producto de una interacción fascinante entre la razón y la creación. Y la razón tiende de manera natural a captar aquello espiritual que se esconde tras la apariencia de las cosas sensibles que nos conmueven: la belleza. La belleza existe tan solo cuando es percibida, cuando es mirada. Implica un encuentro entre los elementos que la forman y la mirada que la capta. Porque como decía Einstein, la belleza no mira, tan solo es mirada”. Amat Bellés 11

La belleza no mira, tan solo es mirada. Frase de Einstein que da título a esta obra creada a modo de retablo clásico, fórmula que ya ha empleado en otras ocasiones el lúcido artista Amat Bellés. En la calle central un bello y fino rostro de mujer albina con cejas y pestañas de un blanco puro, sin fuerza. Su frente cubierta a modo de casquete con el mismo entramado y encajes del delicado vestido de Higinio. Ella es la belleza, por eso cierra sus ojos, ella no mira, solo es mirada. Unas manos se acercan a este rostro dispuestas a acariciar. Al ocultar la mirada de la figura toda la carga expresiva se concentra en las manos. En las calles laterales dos desnudos femeninos de frente y de espaldas en alusión al origen de todo. El vestido se inventó para cubrir el desnudo. Bajo, en la predela, descubrimos otro rostro que actúa de contrapunto con el personaje principal. Este nuevo rostro ajado, a medio modelar, es un contrapunto a la delicadeza del primero. También es bello. La lectura que extraemos es que hay belleza incluso cuando no la hay, cuando no se respetan los códigos. Para aliviar el conjunto Amat Bellés acude a los fondos abstractos que reparte inteligentemente por la parte inferior de la calle central, a los lados de la predela y en el ático. Toda la composición está elaborada con la misma paleta cromática que Higinio emplea para su vestido; rosas, azules, violetas y blancos.

ISABEL DEL PORTILLO

ISABEL DEL PORTILLO Cariátide (2018) Composición de gres y tela de arpillera blanca

“El vestido de novia de Higinio Mateu es una PIEZA UNICA, elegante y minimalista. A la vez que la riqueza del bordado de la tela lo hace sublime, la caída de la tela te hace pensar en el movimiento que tendrá el vestido al andar cuando la novia lo lleve. Es palpable el sello de identidad del diseñador. Las flores bordadas de la tela recorren de arriba a abajo la silueta de todo el vestido envolviéndolo e incluso algunas de ellas parecen escapar de la tela. No he querido limitarme a hacer una copia del vestido de Higinio. Creo que ambos vestidos son únicos, que tienen puntos en común con las diferencias que marcan cada uno de los distintos materiales usados. Mi homenaje personal se basa en esos pequeños guiños o puntos de encuentro para poder conservar cada uno de nosotros el reflejo personal en nuestra obra”. Isabel del Portillo

Isabel del Portillo entiende el vestido de novia como parte de un ritual que lleva implícito la reafirmación social y también la fertilidad. Una ceremonia religiosa pero también social. Es evidente la admiración que la ceramista demuestra por el trabajo y el oficio de Higinio y también su intención de mantener la personalidad de ambos. En la exposición ambas piezas entablan un diálogo enriquecedor y muy carismático. Los materiales empleados han sido el gres como material cerámico, la tela de saco blanca (arpillera) y la madera de pino, que el espectador no ve, pero que está justo detrás y que sirve de soporte y de unión a los otros dos materiales (la parte cerámica y la tela) permitiendo colgarse a la pared. El punto de partida de la parte cerámica es el patrón de un vestido que en vez de cortarlo sobre tela se ha cortado en barro. Asimismo, esta parte se ha dividido con líneas transversales que permiten texturas diferentes en cada espacio, a modo de jaretas o pliegues, dejando otros espacios donde se agolpan los motivos florales. Las flores están modeladas como si fueran de tela y ocupan parte de esos espacios aportando un equilibrio a la pieza entre las zonas más decoradas y las otras donde solo son visibles las texturas más sencillas. Toda la pieza está esmaltada en blanco. El nexo de unión entre ambos vestidos son las flores (bordadas y modeladas), el color blanco y la utilización de tela. Una tela de arpillera que deja ver el entramado burdo de los hilos y que es el contrapunto a la delicadeza de la tela bordada del vestido de Higinio. Así, el protagonismo recae en la parte cerámica, mientras que la tela le aporta la movilidad y el movimiento del que carece la cerámica. El nombre de Cariátide hace referencia a las reminiscencias grecolatinas que Isabel del Portillo encuentra en ambas creaciones. Obras únicas, clásicas, texturas visuales atemporales.

JUAN PORÉ “El corazón es un órgano muscular hueco, cuya función es bombear la sangre a través de los vasos sanguíneos del organismo. En esta obra he reflejado que mi corazón bombea alegría”. Juan Poré

JUAN PORÉ Latido (2018) Resina y látex. http://www.juanpore.com/

El artista Juan Poré puede que tuviese el encargo más complicado, puesto que de su vestido blanco con detalles negros se le encargó exactamente un corazón, sin poco margen creativo. O eso pudiese parecer en un primer momento. La idea primigenia era que el maniquí sostuviera la víscera para que su tonalidad rojo creara una combinación potente con el negro y blanco del vestido. La obra final es, sin duda, una versión mejorada. El artista Juan Poré –creador que parece no conocer la palabra imposible– consiguió no solo crear con resina y látex un órgano con sus cavidades y venas que conducen hasta él sino que además le dio vida. Una compleja instalación oculta en el interior de una peana acciona el mecanismo para que el espectador pulse un pedal y el corazón bombee. Sonido y movimiento para que ese corazón lata. Además el órgano se muestra dentro de un bote de cristal para poder contemplarse perfectamente. Para llegar hasta esta pieza el espectador va descubriendo manchas de sangre en el suelo, en el pie del maniquí y, finalmente, en la mano. Un reguero no de muerte sino de vida. La pieza no presenta connotaciones de violencia o drama. Más bien al contrario, la mujer que está ataviada con el vestido del diseñador siente, ama, vive. Un corazón que no oculta bajo su pecho, sino que muestra de forma descarnada. Una metáfora de la vida, que ha de vivirse de manera intensa, sin artificios, sin ocultar aquello que de verdad somos.

PERE RIBERA “Árbol negro y elegante, que viste y anida sueños vaporosos, vivos y sinceros. Árbol ceñido de telas soñadoras, de ilusiones que conducen a cielos creativos. Tronco con raíces sin prejuicios, de libre sabia y profundas paces. Árbol de sangres cromáticas que iluminan corazones generosos” Pere Ribera

PERE RIBERA El árbol negro donde anida la elegancia (2018) Madera, tela y poliespan cromado. http://elblogdepereribera.com/

El creador de la Vall d’Uixó Pere Ribera escribe este poema completando así una obra cargada de matices, sensibilidades y simbolismos. Pintor, escultor, grabador y creador infinito, Pere Ribera escoge el lenguaje escultórico para recrear el vestido negro como el carbón y rico en volúmenes del diseñador valenciano. Utilizando el mismo traje como parte consustancial de la obra, Pere Ribera levanta un árbol en el centro de la sala. Un árbol que hace alusión a la creatividad y también a la vida misma. Por un lado porque este elemento natural arraiga en el suelo, al igual que un creador debe tener los pies bien asentados en el suelo, mientras que la parte superior, reflejo de la mente, describe formas imaginativas y muy oníricas como nos tiene acostumbrados el artista. El mismo Pere Ribera afirma que la mente puede volar hasta donde alcance la imaginación. Para reforzar esta metáfora la parte baja de la escultura con el tronco es mucho más realista, mientras que la parte superior es más rebelde, incluso lúdica y divertida. Por otro lado, la elección del árbol guarda relación con la capacidad de crecer y dar frutos, como el mismo camino que recorre el artista.

Semi oculto entre esas ramas imposibles descubrimos un delicado nido donde se da cobijo al futuro del creador. Ese albergue de cálidas lanas lo ocupan unos huevos patinados en color oro, símbolo de la riqueza y el tesoro que supone para el artista tener una buena idea. La capacidad de crear es algo así como una bendición para Pere Ribera. Ese matiz refulgente también hace alusión al arte como oficio y sustento de vida y, por supuesto, de dinero para seguir trabajando y creando. Como curiosidad señalar que el árbol imita la postura de las modelos cuando llegan al final de la pasarela y adelantan una pierna, mientras que su espalda permanece ligeramente hacia atrás. Una leve inclinación que el espectador observa cuando se coloca en uno de los laterales de la pieza. La pieza es elegante, es segura y rotunda, es bella y, sobre todo, es generadora de creación.

AGUSTINA ORTEGA

AGUSTINA ORTEGA Amor libre. La vida es bella, de compras (2017) Cartón piedra.

“Higinio, eres grande. Me llegó rápido la inspiración, sabiendo hacia dónde iba mi creación, sintiendo así me fue fácil. Sensibilidad, dulzura, amor, homosexualidad, libertad, color, todo un cóctel de sensaciones. Así eres tú, Higinio Mateu”. Agustina Ortega

El caso de la pintora y escultora Agustina Ortega es algo especial, puesto que ella era la única artista que conocía previamente al diseñador y que, además, mantenía una estrecha amistad. Bajo esta premisa, Agustina no solo no ha querido obviar este hecho, sino que lo ha potenciando creando algo así como un alter ego del propio diseñador. Así es como ve ella al diseñador. La obra de Agustina Ortega es una escultura de cartón piedra que integra la chaqueta del diseñador, única pieza masculina de toda la exposición. Bajo un fuerte colorido donde abundan los rosas y naranjas y una estética kitsch, Agustina Ortega juega con los géneros masculino y femenino para fundirlos en un solo personaje, a medio camino entre lo humano y lo animal. Desde hace algún tiempo Agustina Ortega trabaja el motivo de la gallina, a la que humaniza, viste, coloca complementos, etc. El rostro de esta pieza posee dos bocas y dos narices, además de la característica cresta de gallo y gallina. Las pestañas postizas de purpurinas y la abundancia de plumas recuerda la etapa en la que Higinio Mateu fue Drag queen en la ciudad de Valencia. Las manos también incorporan una profusión de elementos como anillos, uñas pintadas, pañuelo, puntillas, bolso dorado y bolsa con el anagrama del atelier de Higinio Mateu. Cada pierna y cada bota de un color para insistir en la dualidad de géneros en clara alusión a la homosexualidad del homenajeado. El detalle de las mariposas en las botas recuerda los insectos que aparecen en la chaqueta a modo de divertimento. Aquí está el Higinio creador, el Higinio divertido, el Higinio amigo de sus amigos.

MARCELO DÍAZ

MARCELO DÍAZ Amari (2013) Talla en madera de ciprés. http://www.marcelodiaz.es/

“En una expedición arqueológica a las estrellas, realizada en el año 2.047, descubren en la estela primera de la excavación el prototipo de personaje femenino que habitó los estratos de luz y que fue denominada genéricamente como Amari. Era un ser dotado de nobles rasgos de feminidad, tanto en su físico, como en su concepto vital del mundo. La rotunda y bella sensualidad de su cuerpo, desde la cintura hasta los pues, era completada con un estilizado torso aéreo que, aunque no tenía alas, le permitía desplazarse instantáneamente de un lugar a otro, además de otros poderes. Pese a su notable feminidad, la fertilidad no se llevaba a cabo en el interior de su vientre. El nacimiento de un nuevo ser se producía por la sintonía veraz y amorosa con un Azari, que era su equivalente masculino. Para la creación de un nuevo ser se originaba un embrión en forma de ovillo de luz tramado entre los dos y que crecía frente a sus ojos alimentado incesantemente por el amor de la pareja”. Marcelo Díaz

Entrar en el significado de la obra escultórica de Marcelo Díaz es introducirse en los cuentos de la mitología de La mujer arcángel. Es imposible desligar la creación escultórica de Marcelo Díaz de su componente poético, pues ambas están indisolublemente ligadas. Esa bellísima escultura tallada en madera de ciprés tiene una poderosa parte inferior de formas rotundas y redondeadas que se completa con un torso mucho más esbelto y etéreo. Tras la pieza colocada sobre un pedestal de hierro aparece una nueva versión de Amari elevándose por la sala. Ninguna de ellas tiene alas pero ambas se elevan, ambas parecen pertenecer a otro mundo, a otro tiempo. El vestido de Higinio Mateu con una falda de casi cuatro metros de larga se ha realizado expresamente para esta exposición.

ALEJANDRA DE LA TORRE

ALEJANDRA DE LA TORRE Ella… (2018) Instalación. http://alejandradelatorre.com/es/inicio/

“Este es el cuarto de Ella, la niña del vestido. Aquí están sus cosas, su historia, sus miedos e inquietudes. Aquí está Ella, aunque no esté”. Alejandra de la Torre

La artista castellonense Alejandra de la Torre recrea en su instalación el dormitorio de la supuesta niña dueña del vestido de Higinio Mateu, único ejemplo de indumentaria infantil de toda la exposición. Como la más joven del grupo, Alejandra de la Torre acepta el reto de interpretar el vestido de esa futura mujer, en un paralelismo con su prometedor futuro en el campo de la creación. El vestido de un azul claro jaspeado de flores aparece colgado sobre la cama individual de su dueña. Todo el mobiliario; la cama, el escritorio, la silla, la percha del vestido, los juguetes, cubiletes, fotografías, patines, etc. comparten una misma estética de los años 70 que se ve reforzada por el rollo de papel que cuelga de la pared hasta el suelo pintado con la técnica del stencil, aludiendo al papel pintado de la época. Junto al rollo, una fotografía enmarcada del tatuaje que lleva la misma artista y que guarda un gran parecido con el árbol que decora el vestido. En una jaula junto al lecho canicas, fotografías, postales, interruptores y otros pequeños objetos encerrados en su prisión. Al otro extremo de la puerta real de la sala que se integra en este dormitorio a modo de entrada simbólica hallamos el escritorio sobre el que descansa una libreta de un dibujo colorista. En las paredes marcos colgados y una pintura de un columpio. La instalación se compone de elementos reales, de pintura, dibujo, fotografía e incluso referencias al arte urbano, un universo donde Alejandra de la Torre se siente muy cómoda. Aunque a priori pudiese parecer que cada elemento ayuda a escribir la historia de esta niña lo cierto es que la instalación es una obra completamente abierta. La historia no existe, la debe crear cada espectador.

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