Dance from Spain magazine 2020 ES/EN/FR

susyQ

Nº 77 ● 3,50e ● susyq.es

R E V I S T A D E D A N Z A 77

* e d. E s p e c i a l | s p e c i a l e d . | É d. s p é c i a l e

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susyQ

saison

Paco Villalta

2020-21

Un cuerpo infinito / Olga Paricet

Editorial

Photo : A. Blangero | Graphisme : G. Staquet

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Aquí estamos de nuevo. Un año más, susyQ, la revista de danza de España, y FECED, la federación nacional de compañías de danza, vuelven a unirse en susyQ, Dance From Spain, la revista que ofrece información exclusiva de las nuevas producciones y novedades que más de un centenar de compañías españolas de danza tienen listas para girar por su Comunidad, por España y Europa, por los cinco continentes y por la galaxia si así se lo pidieran. Novedad, calidad y variedad es lo que llena las páginas siguientes. Nuestras compañías lo abarcan todo: desde el contemporáneo y la danza teatro, pasando por las danzas urbanas, para público familiar o experimentales, sin olvidar desde luego las innovaciones en el flamenco, nuestra aportación más autóctona y personal. Pase página…

Leader

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We are back! Another year has passed, and SusyQ, the Spanish dance magazine, and FECED, the Spanish federation of dance companies, have joined forces once again. In SusyQ’s new edition about Dance from Spain, the magazine offers exclusive information about the latest productions and novelties. These have been prepared by over a hundred Spanish companies ready to go on tour across Spain, Europe, the seven continents or anywhere else in the galaxy for that matter. The following pages are brimming with novelty, quality and variety. Our companies straddle everything from contemporary to theatrical dance.

They also cover urban dance, spectacles for family audiences, experimental dance, not to forget the innovations in our most personal and quintessential Spanish dance – Flamenco! Turn the page…

Edito

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Nous voici à nouveau. Cette année encore, susyQ, le magazine espagnol de danse et FECED, la fédération nationale des compagnies de danse, s´unissent une nouvelle fois autour de susyQ, Dance From Spain, le magazine qui réunit une information exclusive sur les productions récentes et les nouveautés de plus d’une centaine de compagnies de danses espagnoles, toutes prêtes à présenter leur travail dans leur région, en Espagne, en Europe, sur les cinq continents, et sur d’autres galaxies si on leur demandait. Les pages suivantes vous offrent de l’originalité, de la qualité et de la diversité. Nos compagnies embrassent tous les styles: de la danse contemporaine et théâtrale, en passant par les danses urbaines, pour un public familial ou expérimental, sans oublier, bien sûr, les innovations du flamenco, notre contribution la plus autochtone et personnelle.

Tournez la page!

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Guido Sarli

Carlos de Paz

Screensaver / Manuel Rodríguez.

*ed. Especial | special ed. | Éd. spÉciale

contenidos

06 FECED / Entrevista. Javier

Cuevas, Presidente de la Federación, nos adelanta las líneas de acción que emprenderán durante la próxima temporada 10 Danza Contemporánea.

Repasamos la enorme diversidad, temática y estilística, del contemporáneo que se cultiva en España 20 Experimentales 22 Inspiración 26 Danza y Sociedad.

Os presentamos quince problemas sociales vistos desde la danza

36 ellas. La danza española

da visibilidad a la problemática de la mujer en estos días agitados 42 Danza urbana 44 Danza Teatro 48 Danza para público familiar 50 Danza integrada 52 Flamenco. La aportación más auténtica de España al mundo de la danza aparece diversificada y variada 59 BNE 60 Índice 62 CND

Contents

06 FECED / Interview. Javier

Cuevas, president of the federation, announces the action lines that will be undertaken in the coming season 10 Contemporary Dance. We review the enormous diversity, subject matter, and stylistics characterising the contemporary dance practised in Spain 20 Experimental Dance 22 Inspiration 26 Dance and Society. We present you with fifteen social problems from the viewpoint of dance

Paula Quintas / Compañía Traspediante.

36 The Women. Spanish

dance sheds light on the predicaments of women in a tumultuous time 42 Urban Dance 44 Theatrical Dance 48 Dance for Family Audiences 50 Integrated Dance 52 Flamenco. The most authentic Spanish contribution to the world of dance appears diversified and varied 59 BNE 60 Index 62 CND

No Time To Rage / Ogmia.

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Alba Muriel

susyQ

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CONTENU

06 FECED / Entretien. Javier

Cuevas, président de la Fédération, nous raconte les lignes d’action à entreprendre au cours de la prochaine saison 10 Danse contemporaine.

Nous passons en revue l’énorme diversité, thématique et stylistique, du contemporain en Espagne 20 Expérimental 22 Inspiration 26 Danse et société. Nous vous présentons quinze problèmatiques sociales perçus à travers la danse

36 Elles. La danse espagnole

donne une visibilité aux problèmes des femmes en ces périodes mouvementés 42 Danse urbaine 44 Danse - Théâtre 48 Danse pour jeune public 50 Danse intégrée 52 Flamenco. La contribution la plus authentique de l’Espagne au monde de la danse se révèle diverse et variée 59 BNE 60 Index 62 CND

El equipo Our team Notre Équipe

Con la colaboración de:

En portada: Iratxe Ansa e Igor Bacovich, directores de Metamorphosis Dance Company. Foto: José G.Cano Front cover: Iratxe Ansa and Igor Bacovich, directors of the Metamorphosis Dance Company. Photo: José G.Cano En couverture: Iratxe Ansa et Igor Bacovich, directeurs de la Compagnie Metamorphosis Dance. Photo: José G.Cano

Gerente general Managing director Gérant: Carlos Anzola Director Publisher Directeur: Omar Khan Textos Texts Textes: Alba Anzola, Omar Khan, Jordi Sora, Begoña Donat, Sara Esteller, Carlos A. Gómez Diseño y maquetación Design and layout Graphisme et maquetation: Juanjo Jiménez, Pepa Ortiz Traducción al inglés English translation Traduction à l’anglais: Ulrik Myntye Traducción al francés French Translation Traduction au français: María González Edición gráfica, Gestión comercial, Website y Redes sociales Sales management, Website and Social networks Gestion commerciale, Site web et réseaux sociaux: Grisel Tolstow Administración Business manager Administration: suscripciones@susyq.es Edita Publishing Édition: Asociación susyQ Danza Sistemas informáticos Computer systems Systèmes informatiques: Informática Delphi Redacción, publicidad y administración Editing, advertising and administration Rédaction, Publicité et Administration: Embajadores, 154 - 2º 3. 28045 Madrid. Teléfono Phone Téléphone: +34 648508758 Contacto Contact Contact: danza@susyq.es Imprenta Printing house Impression: Imedisa. C/ Alfareros 20. Polígono Industrial Urtinsa. 28923 Alcorcón (Madrid) Depósito legal Legal deposit Dépôt légal: M-49788-2005 ISSN 2174-8640 Esta publicación no comparte necesariamente la opinión de sus colaboradores This publication does not necessarily share the opinion of its contributors Cette publication ne partage pas nécessairement le point de vue de ses collaborateurs Nuestro especial agradecimiento a Special thanks to Nous remercions vivement: Claudia Morgana Síguenos en Follow us on Suivez-nous sur: web: www.susyq.es / Facebook: susyqdanza / Twitter: @susyqdanza / Instagram: @susyqdanza

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El Presidente de FECED nos explica cómo aborda la defensa de las condiciones de trabajo y los recursos para la danza que se hace en España.

JAVIER CUEVAS CARAVACA

Joaquín Ponce de León

feced

No ha sido fácil para nadie. Tampoco para la Federación Estatal de Compañías y Empresas de Danza (FECED). La crisis del coronavirus penetró con su fuerza destructora en el ya frágil tejido de la danza nacional y el gestor, performer y dramaturgista Javier Cuevas Caravaca, actual presidente de la federación, vio encenderse luces de alarma.

“Ha sido importante que, durante esta crisis, el INAEM [Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, de España] haya sido receptivo, nos haya escuchado y haya recogido las numerosas propuestas que le planteábamos. Pero dentro de lo terrible ha sido también hermoso que desde muchos puntos geográficos que estaban adormecidos se hayan movilizado y estén ahora en proceso de unirse a FECED, tras ver y valorar nuestra labor ante la pandemia. Las recién creadas asociaciones de danza de Murcia y Cantabria, así como otras antiguas que fueron miembros de FECED, han comprendido que, más allá de nuestras individualidades, en momentos como estos, solamente seremos fuertes si vamos unidos”.

En medio de la confusión, la desinformación y los nervios generados, FECED fue un sólido puente de comunicación directa con las instituciones. “Tenemos un peso específico dentro de la representatividad institucional de la danza de España y creo que en esta emergencia nuestra presencia y acción en defensa del trabajo de las compañías profesionales ha sido importante, hemos sido una voz relevante y cantante”.

La nueva normalidad trae nuevas responsabilidades y abre nuevos frentes. Sin abandonar sus metas, Javier Cuevas es consciente de que ahora han surgido otras problemáticas. “Seguiremos trabajando en dos líneas prioritarias, que son la internacionalización y la defensa de las condiciones de trabajo y de los recursos para la danza, pero es cierto que la crisis nos ha hecho poner el foco también en el fortalecimiento de la visibilidad y movilización de los artistas dentro

de España”. Desde FECED se lucha por una activación urgente de un mercado interno para la danza que se hace y se produce en el país. “Creo que el INAEM ha comprendido que los teatros públicos de provincia no existen solamente para hacer bolos sino que pueden ser parte de los procesos creativos, ofrecer residencias, crear nuevos públicos para la danza”.

“Desde FECED seguiremos trabajando en dos líneas prioritarias, que son la internacionalización y la defensa de las condiciones de trabajo y de los recursos para la danza” javier cuevas caravaca Y con igual intensidad prosigue Javier Cuevas en su empeño de crear una Misión Inversa Nacional, un escaparate periódico que reúna en un evento lo más relevante de la producción nacional en danza y se muestre a programadores, gestores, directores de teatros y festivales, y periodistas relevantes de todo el mundo, para propiciar y facilitar las contrataciones internacionales. “Este año el plan era trabajar a fondo en nuestro proyecto de Misión Inversa, pero se ha visto interrumpido por la crisis. Ahora, la pandemia ha impulsado la realización on line de muchas ferias y festivales, y estamos pensando estrategias para también poder subirnos temporalmente a ese carro”.

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JAVIER CUEVAS CARAVACA FECED’s president explains how they advocate for improvement in working conditions and claim for more resources for dance in Spain.

Vigor Mortis / OtraDanza.

It has not been easy for anyone, for the Spanish Federation of Dance Companies (FECED) either. The very fabric of the national dance scene, already fragile, was deeply penetrated by the destructive force of the coronavirus. The manager, performer, and playwright Javier Cuevas Caravaca, current president of FECED, saw all the warning signs. “It has been important that, during this crisis, INAEM [the National Institute for the Performing Arts in Spain] has been responsive to our needs. It has listened and implemented many of the proposals we’ve brought forward. As terrible as the situation has been, it has, however, also been beautiful to witness how many companies from all

Germán Antón

feced

corners of Spain have started mobilising upon learning and appreciating our battle against the consequences of the pandemic in the dance scene. They are now in the process of joining FECED. The recently created dance associations of Murcia and Cantabria, as well as former FECED members, have understood that, despite our differences, in moments like these, we stand stronger united.”

In the midst of the confusion, misinformation, and the nervousness, FECED has been a solid bridge of direct communication across institutions. “We play a specific and important role within the institutional representativeness of dance in Spain. I therefore think that in this emergency our presence and actions in defence of the professional companies’ work have been important. We have been a relevant, chanting voice.”

The new normality calls for new responsibilities and brings along new opportunities.

Without forsaking his goals, Javier Cuevas is conscious of the fact that new challenges have emerged. “We’ll keep working along three prioritised lines, which are internationalisation, improvement of working conditions, and claims for more resources for dance.

However, it is clear that the crisis has also made us emphasise the need for strengthening visibility and mobilisation of the artists in Spain.”

FECED stresses the urgency of activating an internal marketplace for the dance practiced and created within the country. “I think INAEM has realised that the provincial public theatres do not serve only as exhibition venues, but can also be part of the creative processes, offer residencies, and help build an audience for dance.”

With equal fervour, Javier Cuevas carries on with his endeavour to create a Spanish Dance Platform, an event that periodically showcases relevant news from the national dance production to programmers, managers, festival and theatre directors, as well as journalists from around the world. Such a kind of event, or fair, could facilitate more international contracts.

“This year the plan was to work intensely on the Spanish Platform project, but the crisis has interrupted our efforts. Now, the pandemic has spurred organization of online fairs and festivals. We are also contemplating strategies to jump on this bandwagon – temporarily.”

feced

JAVIER CUEVAS CARAVACA Le Président de la FECED explique comment il aborde la défense des conditions de travail et la revendication de moyens supplémentaires pour la danse en Espagne.

Cela n’a été facile pour personne. Y compris la Fédération nationale des compagnies et structures de danse (FECED). La crise du coronavirus a pénétré, avec sa force destructrice, les structures déjà fragilisées de la danse nationale. Le manager, performer et dramaturge Javier Cuevas Caravaca, actuel président de la Fédération, a vu les signaux d’alarme s’allumer. « Il a été important que, pendant cette crise, l›INAEM [Institut national des arts de la scène et de la musique d›Espagne] ait été réceptif, nous ait écoutés et ait recueilli de nombreuses propositions que nous avons faites. Mais dans cette terrible situation, il était beau aussi de voir s’opérer un ralliement autour de la FECED de certaines zones géographiques, qui jusqu’alors semblaient endormies, après avoir vu et évalué le travail fait par cette fédération face à la pandémie. Les associations de danse récemment créées en Murcie et en Cantabrie, ainsi que d’autres déjà membres de la FECED, ont compris qu’au-delà de nos individualités, dans des moments comme celui-là, nous ne serons forts que si nous sommes unis».

Dans une situation de confusion, de désinformation et de tension, la FECED a été un intermédiaire solide de communication directe avec les institutions. « Nous avons un poids spécifique au sein de la représentativité institutionnelle de la danse en Espagne et je crois que dans l’urgence actuelle, notre présence et nos actions pour le droit au travail des compagnies professionnelles ont été importantes, nous avons été un interlocuteur de référence et pertinent.

La nouvelle normalité amène de nouvelles responsabilités et laisse apparaître de nouveaux fronts.

Sans abandonner les engagements antérieurs, Javier Cuevas est conscient que de nouvelles

problématiques sont survenues. «Nous allons continuer de travailler sur trois axes prioritaires, qui sont l’internationalisation, la défense des conditions de travail et la revendication de moyens pour la danse, mais il est vrai que la crise nous a aussi poussés à renforcer la visibilité et la mobilité des artistes en Espagne».

La FECED se bat pour activer de façon urgente le marché interne de cette danse qui se crée et se produit sur notre territoire. «Je pense que l’INAEM a enfin compris que les nombreux théâtres publics sur tout le territoire espagnol ne doivent pas être exclusivement des espaces de diffusion mais également des espaces qui favorisent les processus de création, proposent des résidences, faisant ainsi émerger de nouveaux publics pour la danse.»

Avec cette même conviction, Javier Cuevas s’efforce de créer une Mission National Inverse, une vitrine qui se tiendrait régulièrement et rassemblerait en un seul événement la production de danse nationale la plus pertinente afin qu’elle soit vue par des programmateurs, des administrateurs culturels, des directeurs de théâtres et de festivals, des journalistes du monde entier, dans le but de promouvoir et de faciliter l’accès aux marchés internationaux.

«Cette année, l’objectif était de travailler en profondeur ce projet de mission inverse, mais il a été interrompu par la crise. Actuellement, en raison de cette crise sanitaire, de nombreux évènements et festivals se tiennent en ligne, et nous réfléchissons à des stratégies pour pouvoir également prendre ce train en marche, bien que nous le souhaitions temporaire».

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Tendencias

Contemporáneo

marcosGpunto

Ofrecemos una aproximación a la enorme diversidad de la danza contemporánea que se produce en España.

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El Hijo / Daniel Abreu.

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verano, tercera propuesta de la compañía, planea la nostalgia. La acción se ubica en un momento y lugar concretos, verano en la España de 1978, cuando tres jóvenes se encuentran pero desconocen el destino que les aguarda.

del paisaje de Lanzarote, donde nació ella, y Fuerteventura, donde creció él.

Cuando Mario Bermúdez creó su primera coreografía, bailaba para Batsheva Dance Company, en Tel Aviv. Así es como Alanda estuvo movida por la nostalgia de un andaluz en Israel pero también por la sorpresiva coincidencia entre aquella cultura y la suya, por los vestigios que aún quedan en toda Andalucía del esplendor cultural que entonces supuso Al Andalús. Este hallazgo se ha convertido en línea estética de su joven compañía Marcat Dance, en obras como Anhelo o Garip, creaciones sin tiempo y de gran belleza formal que se mueven al ritmo de melodías exóticas y canciones sefarditas.

Y es que el movimiento, en sí mismo, llega a ser la esencia de muchas propuestas españolas de actualidad. Hacia ese norte apunta el trabajo de la joven Metamorphosis Dance Company, liderada por la veterana bailarina vasca Iratxe Ansa (Premio Nacional de Danza 2020) y el creador italiano Igor Bacovich, quienes comenzaron una colaboración en 2013 que ha desembocado en la fundación, en 2019, de su propio colectivo, preocupado por la ejecución de un lenguaje coreográfico muy físico y personal que, sin embargo, se declara heredero de los grandes maestros de la danza del siglo XX. Después de Dogs Talk o Al desnudo, su nueva creación Elkarrizketa Ilunak (Conversaciones a oscuras, en vasco) se inscribe en la misma línea de investigación y trabajo, ésta vez con las aportaciones de Nicolas Fischtel en la iluminación, y Miguel Marín en la música.

Aires exóticos Lo que nos une y lo que nos distingue en este mundo ancho es preocupación notable de muchos creadores de nuestros días. ¿Dónde se cruza lo español y lo japonés? ¿Es igual el desierto de Lanzarote que el de Fuerteventura? ¿Qué herencia nos dejó Al Andalús?...

La fascinación de la creadora Lucía Vazquez por Japón se ha inoculado en su propuesta coreográfica. Aunque ha colaborado con numerosas compañías y artistas andaluces, la bailarina y coreógrafa ha iniciado su propia búsqueda hurgando en sus orígenes pero viviendo en Japón.

Su nueva creación, Hasekura Project, hecha en colaboración con Satoshi Kudo, tiene música de allá y de aquí, sensibilidad de aquí y de allá. Su punto de partida está en el histórico legado que dejó en Coria del Río el diplomático Hasekura Tsunenaga que vivió allí en 1615.

Ubicado en otro estadio de la creación, con salpicaduras de danza, circo, flamenco y música en directo, Carlos López Aragón ha venido orquestando su particular fusión cultural con su compañía gaditana Zen del Sur, con la que ha montado Órbita, una propuesta visualmente llamativa en la que investiga, junto a Noemí Pareja, el fenómeno de la órbita con estética de aires orientales.

Desde Canarias, Acerina Toledo y Juan Cabrera unen sus desiertos, en complicidad con Roberto Torres. Divino desierto es un dueto evocador de naturaleza salvaje, que tiene como punto de arranque las coincidencias y diferencias que Toledo y Cabrera encuentran entre la percepción

La experiencia humana

jesús vallinas

La danza contemporánea, con su flexibilidad y capacidad para otorgar plena libertad creativa, es de los territorios más fértiles de la danza que hoy se produce en España. Asuntos de hoy como las nuevas tecnologías, que en principio no son inherentes a la danza, ahora tienen cabida.

Pioneros como Nijinsky o Loïe Fuller quedarían fascinados (o caerían infartados) ante una propuesta innovadora como The Hidden Resonance of the Moving Bodies II, la más reciente creación de Instituto Stocos, compañía liderada por la veterana bailarina Muriel Romero y el compositor experimental Pablo Palacio, quienes han investigado cómo la música puede ser generada desde los cuerpos, estableciendo una relación de acción-reacción entre los bailarines y el grupo invitado Neopercusión. Todo en un ambiente muy tecno-sofisticado que da forma a la estética de la agrupación madrileña, que ya había abordado producciones en las que cruzaban gesto, sonido e imaginario visual.

Para el creador israelí anclado en Madrid Sharon Fridman la preocupación es otra. En su nueva pieza Doses of Paradise, un dueto visualmente deslumbrante, lo que investiga es cómo las nuevas tecnologías pueden crear paisajes emocionales. Todos sus trabajos (y éste también) han apuntado al vértigo, con sus bailarines empujados en espiral hacia límites físicos y emocionales siempre bajo una cuidada puesta en escena, en la que elementos como la iluminación o la música son determinantes en la creación de esas atmósferas inquietantes (¿Hasta dónde?, Free Fall, Always son buenos ejemplos). La exploración del amor, las relaciones y sus consecuencias siguen estando pero la búsqueda de espacios estéticos emocionales se hace a través de sofisticados dispositivos tecnológicos.

Las relaciones son también preocupación del colectivo La casquería que, dirigido por Raquel López y Anna Paris, se mueve entre Sevilla y Barcelona. En El último

The Hidden Resonance of the Moving Bodies II / Instituto Stocos.

Roberto Torres, director de la Compañía Nómada, gestor del Teatro Victoria de Tenerife y, sobre todo, impulsor

de la nueva danza canaria, se confiesa incapaz de desvincular su propuesta como coreógrafo de la experiencia humana. Así queda evidenciado en sus solos y en trabajos íntimos como Una vez más, dueto creado por la pionera de la danza madrileña Carmen Werner. Es verdad que en apariencia son animales los protagonistas de su reciente creación Dulces bestias, pero confiesa que de lo que quiere hablar en realidad es de emociones y sentimientos.

La singularidad de Dulces bestias reside en que sus tres protagonistas, Paula Quintana, Paloma Hurtado y Daniel Morales, son a su vez cabezas creadoras visibles del movimiento canario de nueva danza. Y coinciden todos en ese interés por explorar el territorio de las emociones.

Lo hace Paloma Hurtado en su solo de calle Ephimera, una propuesta nada complaciente que nos obliga a dirigir la mirada hacia donde cotidianamente evitamos mirar. La situación terrible de los que viven en la calle conmovió a la creadora que, en complicidad con la artista plástica Angharad Herrera, montó esta obra tan dura como necesaria.

Por su parte, Daniel Morales ha venido destacando con una serie de solos muy emocionales que le han conducido de manera natural a una pieza mayor, La muerte de Venus, estrenada en el marco del FAM Tenerife, en 2019. En la obra, inspirada en la elocuencia de una escultura renacentista, cuatro bailarines intentan transitar por distintas maneras de entender el amor.

La exploración de la naturaleza humana parece centrar también el interés de la creadora tinerfeña Carmen Macías, que fundó, en 2018, la compañía La reversa junto a Laura Marrero, con quien trabaja en el proyecto social de danza del Auditorio de Tenerife. En solitario ha estrenado Tun/ La, que se estrenó en el Festival Canarios, dentro y fuera, 2019. Es un unipersonal en el que aborda el tema de la toma de decisiones, cómo la huida se puede

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cuestionarse si el sol es de verdad sol, y la brisa, brisa, todo se tuerce. Tal es el planteamiento de Picnic on the moon, delirante creación de calle y carta de presentación de Júlia Godino y Alexa Moya, bailarinas y coreógrafas de Barcelona que han hecho tándem creativo, tras sus experiencias juntas en Bélgica.

Asumiendo riesgos

BSLG

transformar en una retirada consciente.

Todos somos hijos de alguien. Venimos de otro ser humano pero a partir del nacimiento comenzamos a labrar una ruta propia. El creador de Tenerife radicado en Madrid Daniel Abreu regresa con El hijo, nueva creación en la que, como él mismo asegura, habla de padres sin que estén presentes e intenta plasmar el retrato de un hombre en la naturaleza. Es la historia de un descendiente visto a través de la danza pero sin desdeño de lo mágico. La nueva pieza llega cuando todavía resuena el éxito de La desnudez, obra que se hizo con cinco Premios Max y le procuró a su bailarina Dácil González el Premio Nacional de Danza.

Hermanos, amigos, a lo mejor pareja. No sabemos con exactitud el vínculo que une a estos dos seres encerrados en esta casa que reclama el protagonismo en Vigor Mortis. No sabemos si están allí o si es que ya estuvieron. Lo cierto es que se tienen el uno al otro en este trance. Asun Noales, directora en Alicante de su Compañía OtraDanza articula un discurso de danza que, inequívocamente, quiere hablar de comunicación humana. Convocó a Rulo Pardo como dramaturgista y se hizo acompañar en escena por el veterano bailarín Carlos Fernández.

A Fernando Hurtado, veterano creador que mantiene su propia compañía en Nerja, también le han preocupado siempre los sentimientos y emociones. Los ha expresado en numerosas propuestas que abordan temas tan diversos como el horror del bombardeo de Guernica (37Guernica17), piezas para público familiar como su Caperucita Today o aproximaciones humanas a personajes como Chaplin. La compañía prepara ahora el estreno de LO(w) COS(t), una coreografía importante, en tanto que supone la celebración de los 20 años de actividad de su agrupación.

En principio parecen dos amigas de picnic, con su mantel y comida disfrutando del sol y la brisa pero cuando empiezan a

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Anhelo / Marcat Dance.

Existe también un ámbito que, sin sobrepasar los linderos de la danza contemporánea, coquetea firmemente con cierta experimentación. Tal es el caso de las propuestas de Proyecto Conjugaciones, liderado por la creadora andaluza Natalia Jiménez Gallardo. Aula, su propuesta más reciente, ha sido creada en alianza con José Luis de Blas, y se ha planteado como un site-specific, en el que el espacio mismo se convierte en parte de la propuesta. Como su título indica, fue hecho para representarse en el aula de una universidad que, en el caso del estreno, fue uno de los salones de la Universidad de Sevilla. La elección de este espacio trae consigo varias sugerencias. Una de ellas tiene que ver con la transmisión de movimientos en danza ubicando la acción en una casa dedicada a la transmisión de conocimientos y otra, sin duda, alude a una problemática concreta de España como lo es la ausencia de estudios superiores de danza en nuestras universidades.

También andaluza es la Compañía Rosa Cerdo, curioso colectivo conducido por la coreógrafa y bailarina Silvia Balbín y el músico Alberto Almenara, que se hacen planteamientos tremendamente originales no exentos de humor y sorpresa.

Tras Tangram y Alf, han puesto en pie su tercera y más ambiciosa creación, Hovering, que indaga en la magia y el acto de prestidigitador, concentrándose en la veracidad de la levitación.

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Trends

nostalgia of an Andalusian in Israel, but also as a result of the surprising similarities between that culture and his own. Similarities we owe to the remnants of the cultural splendor of Al Andalus, still found across Andalusia today.

This discovery has shaped the aesthetic lines of his young company Marcat Dance in plays such as Anhelo [Longing] or Garip, both timeless creations of great formal beauty moving to rhythms of exotic melodies and Sephardic songs. In fact, it is movement itself that becomes the essence of many of the current Spanish proposals.

This guiding principle has also shaped the works of the young company Metamorphosis Dance led by the Basque veteran dancer Iratxe Ansa (National Dance Award 2020) and the Italian creator Igor Bacovich. Their teamwork, which started in 2013, resulted in the foundation of their own organization in 2019. Their concern is to showcase a very physical and personal choreographic language still true to the heritage of the great masters of the 20th century.

After Dogs Talk and Al desnudo [In the Nude], their new creation Elkarrizketa Ilunak (Conversations in the dark, in Basque) follows along the same lines of research and work, only this time with contributions in

Contemporary Contemporary dance, with its flexibility and capacity to grant total creative freedom, is one of the most productive strands of dance produced in Spain today.

Modern technologies, which in principle are not inherent in dance, are today being accommodated into contemporary dance.

Pioneers such as Nijinsky or Loïe Fuller would have been enthralled (or possibly suffered a stroke) when witnessing an innovative proposal such as the latest creation by the Instituto Stocos The Hidden Resonance of the Moving Bodies II. This company is led by veteran dancer Muriel Romero and experimental composer Pablo Palacio, who have investigated how music can be generated from bodies, thus establishing an actionreaction relationship between dancers and the guest-performing group Neopercusión.

The high-tech setting shapes the aesthetics of this Madrilenian group, seasoned in making productions exploring the depths of gestures, sound, and visual imagination.

To the Madrid-based Israeli creator Sharon Fridman, the focus is different. In his new piece, Dose of Paradise, a visually stunning duet, he investigates how new technologies can create emotional landscapes. All his works (including this one) have been thrilling performances with dancers spiraling to the brink of their physical and emotional capacity. The stage is carefully set up with lighting and music as key determiners in creating the suspense. Prime examples of his work are the performances ¿Hasta dónde? [Where to?], Free Fall, and Always.

The exploration into the depths of love, relationships and their consequences is done in the same way, but the search for emotionally aesthetic spaces is conducted through sophisticated technological devices.

Relationships are also the concern of the group La Casquería. Directed by Raquel López and Anna Paris, this group works from both Seville and Barcelona. The company’s third proposal El ultimo verano [The Last Summer] is about planned nostalgia. The story unfolds at a

Exotic Climes What both unites us and distinguishes us in this wide world is the prime concern of many creators nowadays. How do Spanish and Japanese traits compare? Is the desert of Lanzarote the same as the desert of Fuerteventura? What heritage did AlAndalus leave us?...

The creator Lucía Vazquez’s fascination with Japan is deeply embedded in her choreographic proposals. Although she has collaborated with many companies and Andalusian artists, this dancer and choreographer has initiated her own search rummaging through her origins whilst living in Japan. Her new creation, Hasekura Project, made in collaboration with Satoshi Kudo, contains music and sensitivity from both here and there. Her point of departure is the historical legacy left by the diplomat Hasekura Tsunenaga in Coria del Rio, the small Andalusian town in which he lived in 1615.

Going through a different creational stage, with splashes of dance, circus, flamenco and live music is Carlos López Aragón. He has appeared with his Cádiz company Zen del Sur, orchestrating his special cultural melting pot. The company has staged the visually pleasing proposal Órbita [Orbit]. With the help of Noemí Pareja, the company’s proposal investigates the phenomenon of orbit with a touch of the aesthetics of oriental climes.

From the Canary Isles, Acerina Toledo and Juan Cabrera compare deserts experiences, aided by Roberto Torres. Divino desierto [Divine Desert] is an evocative duet of savage nature. It starts off exploring the similarities and differences Toledo and Cabrera perceive between the landscapes of Lanzarote, where she was born, and Fuerteventura, where he grew up.

When Mario Bermúdez created his first choreography, he was dancing for the Batsheva Dance Company in Tel Aviv. Alanda came into being partly as a result of the

Proyecto Conjugaciones

We offer an approach to the enormous diversity of the contemporary dance produced in Spain.

specific time and place, the summer of 1978 in Spain, when three youngsters meet just before an unknown fate awaits them.

Aula / Proyecto Conjugaciones.

lighting by Nicolas Fischtel, and in music

by Miguel Marín.

The Human Experience Roberto Torres, director of Compañía Nómada [Nomad Company], administrator of the Victoria Theatre in Tenerife and, above all, promoter of the new Canarian dance, admits being incapable of taking the human experience out of his choreographic proposals.

Proof of this is visible in his solos and intimate works such as Una vez más [One more time], a duet created by the pioneer of Madrilenian dance, Carmen Werner. Evidently, in appearance the protagonists of their recent creation Dulces bestias [Gentle Beasts] are animals, but, rest assured, what they really want to talk about are feelings and emotions.

The uniqueness of Dulces bestias is attributed to its three protagonists, Paula Quintana, Paloma Hurtado and Daniel Morales, who, in turn, are the visible creative heads of the new Canarian dance movement.

They all share an interest in exploring the realm of emotions. Paloma Hurtado does it in her street solo Ephimera, a non-forgiving proposal forcing us to contemplate what

we always attempt to overlook in our daily lives. The terrible situation of the people living in the streets moved this creator, who, together with the visual artist Angharad Herrera, staged this play to be as hard to look at as necessary. Daniel Morales, in turn, was working on a stunning series of very emotional solos. In a natural manner, he put them together and created the larger piece, La muerte de Venus [The Death of Venus], premiering in the framework of FAM Tenerife in 2019. In this play inspired by the eloquence of a renaissance sculpture, four dancers undergo different ways of understanding love.

The exploration into the depth of human nature also appears to be the concern of the creator from Tenerife, Carmen Macías. In 2018, she founded the company La Reversa together with Laura Marrero. They are working on a social dance project in the Tenerife Auditorium. On her own Carmen Macías presented Tun/La at the Canarios Dentro y fuera Festival in 2019. In this solo performance she deals with the theme of taking decisions, even taking flight, which she sees as a consciously evasive action.

We are all the sons and daughters of someone.

We come from another person, but from the point of birth, we start to carve out our own destiny. Another creator from Tenerife, Madrid-based Daniel Abreu, returns with El hijo [The Son], a new creation, in which, as promised, he talks of parents freely and attempts to embody a portrait of man in nature. It is the story of a descendant seen through the prism of dance, but without the superciliousness of magic. This new piece arrives while his success of La desnudez [The Nakedness] is still reverberating. La desnudez won five Max Awards and won its dancer Dácil González the National Dance Award.

Are they siblings, friends, or perhaps a couple?

We do not know the exact link between the two beings closed up inside a house, the main characters of Vigor Mortis. We do not know if they are there or they were there. All we know is that they have each other during this trance.

Asun Noales from Alicante, director of the OtraDanza Company, articulates a form of dance discourse, which, unequivocally, wants to talk about human communication.

She called on Rulo Pardo to participate as a playwright and was accompanied on stage by the veteran dancer Carlos Fernández.

Fernando Hurtado, a veteran creator still with his own company in Nerja, has also always been concerned with feelings

and emotions. He has expressed them in numerous proposals that deal with themes as diverse as the horror of the Guernica bombing (37Guernica17), and pieces for family audiences, such as Caperucita Today, or portrayals of human characters, such as Chaplin. His company is currently preparing the premiere of LO(w) COS(t), an important choreography for them, marking its 20th anniversary.

It begins with two friends laying out their table cloth and food for a picnic. They are basking in the sun and enjoying the breeze, at least until they start to question the veracity of the sun and the breeze. Then, everything goes topsy-turvy. This is the approach of Picnic on the Moon, a delirious street creation and the cover presentation of Júlia Godino and Alexa Moya. These two dancers and choreographers from Barcelona have formed a creative partnership since their shared experiences in Belgium.

Taking risks

There is also a field, which, without overstepping the boundaries of contemporary dance, dares to experiment intensely. Such is the case of the proposals by Proyecto Conjugaciones, led by the Andalusian creator Natalia Jiménez Gallardo. Aula [Classroom], her most recent proposal, has been created together with José Luis de Blas, and has been presented as site-specific, i.e. the space itself becomes part of the proposal. As the title indicates, it was made to represent a university classroom. For the premiere, they used one of the rooms at Seville University.

There may be various reasons for choosing this space. One would have to do with the transmission of dance movements in a building dedicated to the transmission of knowledge. Another, undoubtedly, alludes to the specific problems in Spain, where there is a distinct lack of dance-related studies at our universities.

Another Andalusian company is the Rosa Cerdo Company, an unusual group led by the choreographer and dancer, Silvia Balbín and the musician Alberto Almenara. Their projects are tremendously original, with no shortage of humour and surprises. After Tangram and Alf, they have staged their third and most ambitious creation to date, Hovering. This performance delves into the realm of magic, with a conjuror engaged in Ò acts of levitation.

CONTEMPORAIN Nous proposons un aperçu de l’immense diversité de la danse contemporaine qui se fait en Espagne.

La danse contemporaine, flexible, avec cette capacité à donner pleine liberté à la création, est l’un des territoires les plus fertiles de la danse produite aujourd’hui en Espagne.

Les problématiques actuelles comme les nouvelles technologies, qui en principe ne sont pas inhérentes à la danse, ont désormais leur place. Des pionniers comme Nijinsky ou Loïe Fuller seraient fascinés (ou auraient un arrêt du cœur) par la proposition innovante The Hidden Resonance of the Moving Bodies II, la création la plus récente de l’Instituto Stocos, une compagnie dirigée par la danseuse expérimentée Muriel Romero et le compositeur expérimental Pablo Palacio. Ils ont étudié ensemble comment la musique peut être générer à partir des corps, dans une relation action-réaction entre les danseurs et le groupe invité Neopercusión; le tout dans une ambiance très techno-sophistiqué qui façonne l’esthétique du groupe madrilène et qui auparavant avait déjà entrepris des créations où se croisent le geste, le son et un imaginaire visuel.

Les questionnements du créateur israélien installé à Madrid, Sharon Fridman, sont d’un autre ordre. Dans sa nouvelle pièce Dose of Paradise, un duo visuellement époustouflant, il observe comment les nouvelles technologies créent des paysages émotionnels. Toutes ses créations (également celle-ci) cherchent le vertige, avec ses danseurs poussés dans une spirale aux limites physiques et émotionnelles toujours enveloppées d’une mise en scène soignée, dans laquelle des éléments tels que les lumières ou la musique sont primordiales pour la création de ces atmosphères inquiétantes (¿Hasta dónde?, Free Fall, Always sont de bons exemples).

L’exploration de l’amour, des relations et de leurs conséquences sont là, mais les espaces esthétiques émotionnels apparaissent grâce à des dispositifs technologiques sophistiqués.

Les relations sont également un thème d’inspiration de La Casquería. Ce collectif, dirigé par Raquel López et Anna Paris, développe son travail entre Séville et

Barcelone. Pour leur troisième création, El último verano, la nostalgie est le fil conducteur.

L’action a lieu à un moment et dans un lieu précis, l’été 1978 en Espagne, lorsque trois jeunes se rencontrent mais ne connaissent pas le sort qui les attend.

Airs exotiques Une préoccupation prépondérante de nombreux créateurs de ce temps est, dans ce vaste monde, ce qui nous unit et ce qui nous distingue. Où se croisent l’espagnol et le japonais? Le désert de Lanzarote est-il le même que celui de Fuerteventura? Quel héritage Al Andalús nous a-t-il laissé?...

La fascination de la créatrice Lucía Vázquez pour le Japon est inoculée dans sa proposition chorégraphique. Bien qu’elle ait collaboré avec de nombreuses compagnies et artistes andalouses, c’est une fois installée au Japon que la danseuse et chorégraphe initie sa propre recherche à partir de ses origines. Sa nouvelle création, Hasekura Project, en collaboration avec Satoshi Kudo, a des airs d’ici et d’ailleurs, des sensibilités d’ailleurs et d’ici. Le point de départ est l’héritage historique que le diplomate Hasekura Tsunenaga a laissé dans la petite ville andalouse de Coria del Río où il a vécu en 1615.

Dans un autre registre de la création, ponctuée de danse, de cirque, de flamenco et de musique en direct, Carlos López Aragón a orchestré sa particulière fusion culturelle.

Au sein de sa compagnie située à Cadix, Zen del Sur, il a monté Órbita, une proposition visuellement frappante où, avec Noemí Pareja, il explore le phénomène de l’orbite, le tout avec une esthétique aux airs orientaux.

Depuis les îles Canaries, en complicité avec Roberto Torres, Acerina Toledo et Juan Cabrera unissent leurs déserts. Désert Divino est un duo qui évoque la nature sauvage et dont les moteurs sont les similitudes et les différences que Toledo et Cabrera perçoivent entre le paysage de Lanzarote, où elle est née, et Fuerteventura, où il a grandi.

Lorsque Mario Bermúdez créé sa première chorégraphie, il danse encore pour la

Batsheva Dance Company à Tel Aviv.

La nostalgie d’un andalou en Israel et la surprenante coïncidence entre la culture de ce pays et la sienne dont les témoignages sont les vestiges que l’on trouve dans toute l’Andalousie, reflet de la splendeur culturelle qu’Al Andalus représentait alors, sont les points de départ de la pièce Alanda et qui sont devenus la ligne esthétique de sa jeune compagnie Marcat Dance. Ces thématiques se retrouvent dans des pièces comme Anhelo ou Garip, des créations intemporelles d’une grande beauté formelle bercées par des mélodies exotiques et des chansons séfarades.

Le mouvement est l’essence même de nombreuses propositions espagnoles actuelles. Au nord, le travail de la jeune Compagnie Metamorphosis fait parler d’elle. Dirigé par la danseuse basque Iratxe Ansa (Prix National de la Danse, 2020) et le créateur italien Igor Bacovich, qui ont commencé à collaborer en 2013, ils créent leur propre compagnie en 2019, dans le souci d’une exécution d’un langage chorégraphique personnel très physique et qui pourtant se déclare héritier des grands maîtres de la danse du XXe siècle. Après Dog Talks ou Al Desnudo, leur nouvelle création Elkarrizketa Ilunak (Conversations dans le noir, en basque) s’inscrit dans une même ligne de recherche et de travail, avec, à cette occasion, les lumières de Nicolas Fischtel et la musique de Miguel Marín.

Expérience humaine Roberto Torres est le directeur de la Compagnie Nómada, et du Théâtre Victoria de Ténérife et, également, le grand promoteur de la nouvelle danse canarienne. Il déclare qu’il est incapable de dissocier sa proposition en tant que chorégraphe de l’expérience humaine. Cela apparait dans ses solos et dans des œuvres intimes comme Una vez más, un duo créé pour la pionnière de la danse madrilène Carmen Werner. En apparence, les protagonistes de sa dernière création Dulces Bestias sont des animaux, mais il avoue que ce dont il veut vraiment parler, ce sont des émotions et des sentiments.

La singularité de Dulces Bestias réside dans le fait que ses trois interprètes, Paula Quintana, Paloma Hurtado et Daniel Morales, sont à leur tour des têtes de file de la nouvelle danse canarienne. Un consensus s’impose

Alberto Almenara

Tendances

Hovering / Compañía Rosa Cerdo.

afin d’explorer le territoire des émotions.

Paloma Hurtado le fait dans son solo pour espace public Ephimera, une proposition dérangeante qui nous oblige à diriger notre regard sur un quotidien qu’habituellement nous ne voulons pas voir. La tragique situation de ceux qui vivent dans la rue a ému la créatrice qui, en complicité avec l’artiste plasticienne Angharad Herrera, a créé cette pièce dure et nécessaire.

De son côté, Daniel Morales s’est fait remarquer par une série de solos très émouvants qui l’ont naturellement conduit vers une pièce de plus d’envergure, La muerte de Venus, créée dans le cadre de FAM Tenerife, en 2019. Dans la pièce, sous l’influence de l’éloquence d’une sculpture de la Renaissance, quatre danseurs se confrontent à différentes formes de compréhension de l’amour.

L’exploration de la nature humaine semble

également être le centre d’intérêt de la créatrice de Tenerife, Carmen Macías, qui fonde avec Laura Marrero, en 2018, la compagnie La reversa, avec qui elle travaille sur le projet de danse d’intégration sociale de l’Auditorium de Tenerife. En solitaire, elle créé en 2019 Tun / La pour le Festival des Canarios Dentro y Fuera. Il s’agit d’un travail unipersonnel dans lequel elle aborde la question de la prise de décision et comment la fuite peut se transformer en une retraite consciente.

Nous sommes tous les enfants de quelqu’un.

Nous venons d’un autre être humain mais dès la naissance nous commençons à tracer notre propre chemin. Le créateur madrilène de Ténérife Daniel Abreu revient avec El hijo, une nouvelle création dans laquelle, comme il l’exprime lui-même, il parle de parents sans qu’ils soient présents et tente de représenter le portrait d’un homme au milieu de la nature.

C’est l’histoire d’un descendant vu à travers la danse, et le magique qui peut en surgir.

La nouvelle pièce est déjà prête alors que résonne encore le succès de La desnudez, une production qui a remporté cinq prix Max de la Fondation des Droits d’Auteurs d’Espagne (Fundación SGAE) et le Prix National de la Danse pour son interprète Dácil González.

Frères, amis, ou peut-être un couple. On ne sait pas exactement le lien qui unit ces deux êtres enfermés dans cette maison qui incarne revendique un rôle principal dans Vigor Mortis.

On ne sait pas s’ils sont là ou s’ils l’ont été.

La seule certitude est qu’ils se soutiennent l’un l’autre dans une situation difficile.

Asun Noales, directrice de sa compagnie OtraDanza à Alicante, articule un discours de danse qui, sans équivoque, veut parler de communication entre êtres humains. Elle a invité Rulo Pardo pour la dramaturgie et elle est accompagnée sur scène par le danseur expérimenté Carlos Fernández.

Fernando Hurtado, chorégraphe et danseur chevronné dont la compagnie réside à Nerja, a toujours été inspiré par les sentiments et les émotions. Il les a mis sur scène dans de nombreuses productions qui abordent des sujets aussi divers que l’horreur du bombardement de Guernica (37Guernica17), des pièces destinées au jeune public tel que son Caperucita Today ou des approches humaines de personnages comme Chaplin.

La compagnie prépare actuellement la première de LO (w) COS (t), une chorégraphie importante dans son parcours, qui fête les 20 ans de la compagnie.

Au premier abord, il semble que ce ne soit que deux amis en pique-nique, avec leur nappe et leur nourriture, qui profitent d’un après-midi en soleil lé et de la brise, mais quand les deux personnages commencent à se demander si le soleil est vraiment le soleil, et la brise vraiment la brise, tout prend une mauvaise tournure. Telle est la proposition de Picnic on the moon, une délirante création pour espace public et une excellente carte de présentation de Júlia Godino et Alexa Moya, danseuses et chorégraphes de Barcelone qui forment ce tandem créatif, après leurs expériences communes en Belgique.

Prise des risques Il y a aussi une mouvance qui, sans dépasser les limites de la danse contemporaine, flirte avidement avec une certaine expérimentation. C’est le cas des propositions du Projet Conjugaciones, menées par la créatrice andalouse Natalia Jiménez Gallardo. Aula, sa production la plus récente, a été créée en collaboration avec le dramaturge José Luis de Blas, et est proposée en tant que «site specific», dans lequel l’espace en lui-même est partie intégrante de la création. Tel que nous le souligne le titre de la pièce, elle a été conçue pour être jouée dans une salle de classe d’une université. À l’occasion de la première, elle a été représentée dans une salle de l’Université de Séville. Le choix de cet espace amène plusieurs questions. L’une d’elles concerne la transmission des mouvements en danse, en situant l’action dans un espace dédié à la transmission des savoirs et une autre, sans aucun doute, renvoie à une problématique spécifique espagnole qui est l’absence d’études supérieures de danse dans le cadre universitaire.

La Compagnie Rosa Cerdo est également andalouse, un collectif tout à fait singulier dirigé par la chorégraphe et danseuse Silvia Balbín et le musicien Alberto Almenara.

Ensemble, ils risquent des propositions extrêmement originales non exemptes d’humour et de surprise. Après Tangram et Alf, ils ont produit la troisième et la plus ambitieuse de leur création, Hovering, qui explore la magie et les actions du prestidigitateur tout en se concentrant sur une véracité de la lévitation.

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Búsquedas

EXPERIMENTALES

luis castilla

Bárbara Sánchez, las Gestring, Octubre Danza y Manuel Rodríguez ofrecen el resultado de sus recientes investigaciones.

Várvara / Bárbara Sánchez.

La libertad sin ataduras de la danza experimental ha sido siempre debilidad creativa en España, donde abundan trabajos personales e inclasificables salidos principalmente de la escena andaluza. Porque difícil de etiquetar es una propuesta visceral y comprometida como Várvara, la nueva pieza, irreverente y mística, de la sevillana Bárbara Sánchez, que se aproxima al arquetipo cristiano de María Magdalena, en su condición de mujer blanca y privilegiada que no necesita intermediario para hablar con Dios.

De adoración (muy terrenal) va también Adora a las Hermanas Gestring, la reciente y desternillante propuesta de Las Hermanas Gestring, dueto indisociable conformado por las sevillanas Laura Morales y Greta García, que cantan, bailan y ponen a bailar en esta performance diseñada como un concierto espiritual tendente a persuadir al público de las razones por las que ellas han de ser veneradas.

Pionera de la nueva danza en Andalucía, Salud López desarrolla desde su agrupación Octubre Danza una investigación de largo aliento, dividida en etapas, llamada Números / Numbers, que ultima los detalles de su tercera parte, La Babilonia, que desde códigos de danza y performance aborda elementos propios del flamenco.

Finalmente, Manuel Rodríguez, quien ha bailado para La Veronal, Sharon Fridman, Carmen Werner o James Thierreé, y se mueve en ese territorio en el que la danza se cruza con las artes plásticas, desde donde crea un discurso personal que intenta desentrañar las dinámicas de la performance.

Body on paper, de inspiración japonesa, da continuidad a sus unipersonales, ésta vez complementando la propuesta con una instalación y un libro de fotografías.

Searches

EXPERIMENTAL Bárbara Sánchez, The Gestring, Octubre Danza and Manuel Rodríguez present the result of their recent investigation.

The unbridled freedom of experimental dance has always been the soft spot for creators in Spain. Personal and unclassifiable works abound, especially on the Andalusian scene.It is difficult to label a proposal as emotional and committed as Várvara.

This new, irreverent and mystical piece by the Sevillian creator Bárbara Sánchez, approaches the Christian archetype of Mary Magdalene in her condition as a white and privileged woman in no need of intermediaries to speak to God. Another play about adoration, albeit terrestrial, is Adora a las Hermanas Gestring

[Adoring the Gestring Sisters]. This hilarious proposal is the most recent by the Las Hermanas Gestring. This duet is made up of the inseparable Sevillian girls Laura Morales and Greta García, who sing, dance, and make others dance in this performance designed as a spiritual concert. It contains all the hallmarks for the audience to adore them.

One of the pioneers of the new dance in Andalusia, Salud López, has been engaged in long term research with her group Octubre Danza [October Dance].Divided into stages she calls Números/ Numbers, she

is now finishing the third part, La Babilonia [Babylon], which from codes related to dance and performance deals with elements characteristic of flamenco.

Finally, Manuel Rodríguez, who has danced for La Veronal, Sharon Fridman, Carmen Werner and James Thierreé, moves in the realm where dance merges with visual arts. He has created a personal discourse trying to unravel the dynamics of performance art. Body on paper, of Japanese inspiration, gives continuity to his solos, complementing his proposal with a special set-up and a photography album.

Recherches

EXPÉRIMENTALES Bárbara Sánchez, las Gestring, Octubre Danza et Manuel Rodríguez proposent les résultats de leurs récentes recherches La liberté totale de la danse expérimentale a longuement été le point faible de la création en Espagne, où les œuvres personnelles et inclassificables abondent principalement dans la scène andalouse. Une proposition viscérale et engagée comme Várvara est difficile à étiqueter. Cette nouvelle pièce, irrévérencieuse et mystique, de la sévillane Bárbara Sánchez tente une approximation de l’archétype chrétien de Marie Madeleine, en tant que femme blanche privilégiée qui n’a besoin d’aucun intermédiaire pour parler avec Dieu.

De l’adoration (très terrestre) il y a aussi Adora a las Hermanas Gestring, la récente et hilarante production de Las Herma-

nas Gestring, un duo inséparable formé par les sévillanes Laura Morales et Greta García. Elles chantent, dansent et font danser dans ce spectacle conçu comme un concert spirituel où elles tentent de persuader le public de les vénérer.

Pionnière de la nouvelle danse en Andalousie, Salud López développe à partir de sa compagnie Octubre Danza une recherche à long terme, structurée en étapes, appelée Números / Numbers, qui finalise les détails de sa troisième partie, La Babilonia et qui à partir de codes de la danse et de la performance embrasse les codes du flamenco.

Enfin, Manuel Rodríguez, qui a dansé pour La Veronal, Sharon Fridman, Carmen

Werner ou James Thierreé, évolue dans ce territoire où la danse dialogue avec les arts plastiques. A partir de cette relation, il crée un discours personnel qui tente de percer les dynamiques de la performance. Body on paper, d’inspiration japonaise, est dans la continuité de son travail unipersonnel.

Il complète cette fois la création avec une installation et un livre de photographies.

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Artistas

Inspiración Arte inspirado por el arte. Aquí van coreografías que tienen su origen en otra creación artística.

El arte inspira arte. La danza mira a los lados, a sus vecinos de teatro, música o pintura, y también atrás, hacia su historia y orígenes, para inspirarse y reconvertir en piezas nuevas clásicos consolidados. Es tendencia auténtica y para demostrarlo, aquí van cinco colectivos españoles que lo han practicado [con acierto] en sus nuevas creaciones.

misma lo reconoce en el llamado síndrome del corazón roto.

CUATRO. YOSHUA CIENFUEGOS Y MOZART. Sucumbió el coreógrafo valenciano Yoshua Cienfuegos a la belleza y solemnidad del Requiem, de Mozart, reconvirtiéndolo en coreografía, siempre desde su particular óptica y con motivo de la celebración de los 20 años de su agrupación Cienfuegos Danza. Nueve bailarines, un cuarteto de cuerdas y una actriz unen sus talentos para poner en pie esta creación, que coloca la muerte en primer plano y no deja de hacer referencias directas a la problemática que supone la memoria histórica en España, aquí representada desde referencias al flamenco, que se insertan en un Mozart contaminado y ajustado a los intereses de esta coreografía, una de las más ambiciosas realizadas hasta el momento por el colectivo valenciano.

UNO. LA VERONAL Y EL SURREALISMO. Cuando en 2016 el Ballet de Lorraine encargó una pieza al prestigioso creador valenciano Marcos Morau, director de la compañía barcelonesa La Veronal, a él se le vino a la cabeza la figura de Luis Buñuel, el contraste entre Calanda, ciudad natal del creador, con sus ruidosos tambores de Semana Santa, y el París bohemio y vanguardista donde vivió y floreció su cine. Ese fue el germen de Le Surréalisme au service de la Revolution, que fue todo un éxito. De pieza corta ha terminado a su vez, siendo el punto de partida de Sonoma, la nueva creación de La Veronal, que vio su estreno en verano de 2020 en el Festival Grec. En su nueva obra, Morau, ahora en tono surreal, sigue fiel a esa estética y ese modo escénico, visualmente sugerente, que siempre ha caracterizado su trabajo creativo.

García, directoras de la veterana agrupación valenciana Taiat Dansa, han tenido siempre debilidad por las vanguardias del siglo XX. De hecho, sus obras recientes han encontrado inspiración directamente en dos de sus grandes revolucionarios. Por un lado, Oskar Schlemmer, el legendario investigador de la Bauhaus y su más célebre creación escénica, el Ballet Triádico, que son el punto de partida de Tres, una obra en la que Taiat ofrece una relectura que propone una visión contemporánea de esta revolucionaria creación, para la que han colaborado los

Marta F. Gimeno

DOS. TAIAT, SCHLEMMER Y MAN RAY. Meritxell Barberá e Inma

CINCO. INÉS BOZA Y MIGUEL DELIBES. El Ballet

Man Ray / Taiat Dansa.

prestigiosos coreógrafos internacionales Ismael Ivo y Rachid Ouramdane. Y por otro, Man Ray, obra visualmente sugerente en la que Taiat se centra en la relación, algunas veces reprobable, que estableció el famoso fotógrafo con sus numerosas musas.

TRES. KOR’SIA Y GISELLE. Mattia Russo & Antonio de Rosa, directores de la compañía madrileña Kor’sia estrenaban en 2018 su versión desenfadada de La siesta del fauno, de Nijinsky.

Más tarde, en Jeux/Nijinsky para el Ullate

Ballet, volvían sobre el creador ruso, ésta vez para explorar la configuración de una nueva moralidad a principios del siglo XX. Por eso no es de extrañar que ahora se decidan por una revisión de Giselle, el ballet emblema del Romanticismo, dando

continuidad a su investigación sobre el academicismo más allá de su propio tiempo y haciéndose preguntas pertinentes a nuestro momento histórico relativas al cuestionamiento de la existencia del amor puro y verdadero, cuando la ciencia

Contemporáneo de Burgos, que dirige Alberto Estébanez, se une a los fastos de los cien años del nacimiento de Miguel Delibes, con su nueva producción MD soy como un árbol, una propuesta concebida y puesta en escena por la coreógrafa catalana Inés Boza, la misma que en los años noventa estuviera al frente de su propia compañía SenZa TemPo. Para su nueva creación con el ballet burgalés, la coreógrafa parte de la obra de ficción de Delibes fusionando danza y teatro, ubicando la acción en la Valladolid natal del escritor pero reinventándola como si fuese una especie de Macondo. El montaje se ha hecho respetando las máximas del literato que decía que se escribe como es y diseñaba sus personajes como veía a las personas, como seres únicos e irrepetibles.

Ò

By Artists

Artistes

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Inspiration

Inspiration

Art inspired by art. Here follow choreographies originating from other artistic creations.

L’art inspire l’art. Voici des chorégraphies dont l’origine se trouve dans une autre création artistique.

ONE. LA VERONAL AND SURREALISM. When the Loraine Ballet ordered a piece by the prestigious Valencian creator Marcos Morau in 2016, what came to Morau’s mind was the life of Luis Buñuel. He portrayed the contrast between Buñuel’s birth town, Calanda, with its noisy Easter drums, and the Bohemian, vanguard Paris where Buñuel lived and his cinema flourished. This idea developed into the great success Le Surréalisme au service de la Revolution. Likewise, the idea was also the point of departure for Sonoma, the latest creation by La Veronal, premiering the summer of 2020 at the Barcelona’s Grec Festival. In his new work, which has a surrealist touch, Morau remains true to this kind of visually suggestive aesthetics and scenic setting; something that has always characterized his creations.

TWO. TAIAT, SCHLEMMER AND MAN RAY. Meritxell Barberá and Inma García, directors of the veteran Valencian group Taiat Dansa, have always had a soft spot for the twentieth century vanguards. In fact, their most recent work has found inspiration directly from two of its greatest revolutionaries. Firstly, the starting point of Tres [Three] comes from The Triad Ballet, the most famous scenic creation by the legendary Bauhaus researcher, Oskar Schlemmer. Tres is a work in which Taiat Dansa offers a re-reading of this revolutionary creation with a contemporary vision.

Taiat has counted on the assistance of the prestigious international choreographers Ismael Ivo and Rachid Ouramdane. Secondly,

there is Man Ray, a visually suggestive play in which Taiat focuses on the, at times reprehensible, relationships the famous photographer had with his many muses.

ses bruyants tambours de Pâques, et le Paris bohème et avant-gardiste où ila vécu et où son cinéma s’est imposé. Ces sources d’inspiration sont le point de départ du spectacle Le Surréalisme au service de la Révolution, qui a été tout un succès. Au départ pièce courte, elle débouche sur Sonoma, la nouvelle création de La Veronal dont la première a eu lieu dans le cadre du Festival Grec à l’été 2020. Dans sa nouvelle création, Morau, désormais sur un ton surréaliste, reste fidèle à cette esthétique et à ce mode scénique visuellement évocateur qui depuis toujours a caractérisé son regard artistique.

THREE. KOR’SIA AND GISELLE. Mattia Russo & Antonio de Rosa, directors of the Madrilenian company Kor’sia premiered in 2018 with their good-natured version of Nijinsky’s La siesta del fauno [Faun’s Afternoon].

Later, in Jeux/Nijinsky for the Ullate Ballet, they retraced the Russian creator’s work.

This time they explored the configuration of a new morality at the beginning of the twentieth century. It can therefore come as no surprise they have now decided on a revision of Giselle, the emblematic romanticist ballet. This decision gives continuity to their research into the academicism beyond their own time, and asking pertinent questions in our historic moment about the belief in the existence of true and pure love, when even science recognizes it in the broken-heart syndrome.

DEUX. TAIAT, SCHLEMMER ET MAN RAY. Meritxell Barberá et

Micro e Mega

Art inspires art. Dance looks to the sides, to its neighbours in theatre, music, or painting, and even behind, to its history and origins, to get inspired and to transform consolidated classic pieces into new ones. This is an authentic trend, and to prove it, we have included five Spanish groups who have (successfully) practiced this in their new creations.

FOUR. YOSHUA CIENFUEGOS AND MOZART. For the twentieth anni-

Giselle / Compañía Kor’sia.

versary of his company Cienfuegos Danza, the Valencian choreographer Yoshua Cienfuegos gave in to the beauty and solemnity of Mozart’s Requiem and converted it into his celebratory choreography bearing his own special hallmarks. Nine dancers, a string quartet, and an actress join forces to stage this creation. It brings death to the forefront with direct references to the troublesome historical memory of Spain. With references to flamenco, Mozart’s masterpiece is heavily modified to suit the interests of this choreography. It is one of the most ambitious creations to date by this Valencian group.

by Alberto Estébanez, joins the pomp and circumstance of Miguel Delibes’ 100th birthday with their new production MD soy como un árbol [MD I’m like a tree]. The idea and behind this proposal and its set-up are the works of the Catalan choreographer Inés Boza. In the 90s she was running her own company, SenZaTemPo. In her new creation with the Burgos group, her point of departure is the fictional work

by Delibes. In a mix of dance and theatre, she places the action in the writer’s birth town Valladolid, but reinvents it as a kind of Macondo (the fictional town in Gabriel Garcia Marquez’s novel One Hundred Years of Solitude). The set-up respects Delibes’s maxims; you write as things are and describe people as you see them, with their unique and unforgettable traits.

FIVE. INÉS BOZA AND MIGUEL DELIBES. The Ballet Contemporáneo Burgos, directed

L’art inspire l’art. La danse pose son regard sur les côtés, vers ses voisins du théâtre, de la musique ou de la peinture, et se tourne aussi vers son histoire et ses origines, pour s’inspirer et transformer ces classiques consolidées en de nouvelles pièces. C’est une tendance certaine.

Pour preuve, voici cinq compagnies espagnols qui ont suivi, dans leurs nouvelles créations, ce processus [avec succès].

UN. LA VERONAL ET LE SURREALISME. Lorsqu’en 2016 le Ballet de Lorraine fait la commande d’une pièce au prestigieux créateur valencien Marcos Morau, directeur de la compagnie barcelonaise La Veronal, le personnage de Luis Buñuel lui est venue à l’esprit ainsi que le contraste entre Calanda, la ville natale du créateur, avec

Inma García, directrices de la compagnie valencienne Taiat Dansa, ont toujours eu un faible pour l’avant-garde du XXe siècle.

De fait, leurs récentes créations trouvent leur inspiration directement chez deux de ses grands révolutionnaires. D’une part, Oskar Schlemmer, le légendaire chercheur du Bauhaus et sa célébre création scénique, le Ballet Triadique, qui sont le point de départ de Tres, un spectacle dans lequel Taiat invite à une relecture qui propose une vision contemporaine de cette création révolutionnaire, et sur laquelle les prestigieux chorégraphes internationaux Ismael Ivo et Rachid Ouramdane ont collaboré. D’autre part, Man Ray, une création visuellement évocatrice où Taiat se concentre sur la relation parfois répréhensible que le célèbre photographe a établie avec ses nombreuses muses.

TROIS. KOR’SIA ET GISELLE. En 2018, Mattia Russo et Antonio de Rosa, directeurs de la compagnie madrilène Kor’sia, créent une version décomplexée de L’après-midi d’un faune de Nijinsky. Plus tard, dans Jeux / Nijinsky pour le Ballet d’Ullate, ils reviennent au créateur russe, cette fois pour explorer la configuration d’une nouvelle morale au début du XXe siècle. Il n’est pas étonnant alors qu’ils abordent désormais une révision de Giselle, le ballet emblématique du romantisme,

poursuivant ainsi leurs recherches sur l’académisme au-delà de son temps et se posant des questions judicieuses en relation à notre moment historique sur le questionnement de l’existence de l’amour pur et vrai, alors que la science elle-même reconnaît le nommé syndrome du cœur brisé.

QUATRE. YOSHUA CIENFUEGOS ET MOZART. Le chorégraphe valencien Yoshua Cienfuegos a succombé à la beauté et à la solennité du Requiem de Mozart qu’il a converti, avec son regard tout à fait singulier, en chorégraphie et qui a été l’occasion de fêter les 20 ans de sa compagnie Cienfuegos Danza. Neuf danseurs, un quatuor à cordes et une comédienne unissent leurs talents pour la création de cette production dont la thématique de la mort est en premier plan et qui ne cesse de faire référence à la problématique de la mémoire historique en Espagne. Pour cela, il part de références du Flamenco qui s’insertent dans un Mozart contaminé et arrangé aux besoins de la chorégraphie.

Cette piéce est l’une des plus ambitieuses réalisées à ce jour par le collectif valencien.

CINQ. INÉS BOZA ET MIGUEL DELIBES. Le Ballet Contemporain de Burgos, dirigé par Alberto Estébanez, s’unit aux célébrations du centième anniversaire de la naissance de Miguel Delibes, avec sa nouvelle production MD soy como un árbol.

Cette création a été conçue et mise en scène par la chorégraphe catalane Inés Boza, qui elle-même dirigeait dans les années 90 sa propre compagnie, SenZa TemPo. Pour cette nouvelle création avec le ballet de Burgos, la chorégraphe part de l’œuvre de Delibes, où elle fusionne la danse et le théâtre, replaçant l’action dans le Valladolid natal de l’écrivain mais la réinventant comme s’il s’agissait d’une sorte de Macondo. Le montage a été réalisé en respectant les maximes de l’écrivain qui disait qu’il écrivait comme il est et concevait ses personnages tel qu’il voyait les êtres humains, comme des êtres uniques et irremplaçables.

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Danza y Sociedad

REALITY SHOW

Jacobo Medrano

La danza es reflejo de la sociedad. Aquí van 15 coreografías que abordan temas candentes del momento.

Ò

No Pleasure / Iker Karrera.

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Anhedonia

Probablemente no sabías que se llamaba anhedonia pero casi con seguridad la has vivido. Se trata de la incapacidad de experimentar placer, la pérdida de interés y disfrute de las cosas que siempre te gustaron. Sobre este asunto reflexiona el joven creador vasco Iker Karrera en su reciente producción No Pleasure, una obra que responde a la fusión de lenguajes que ha caracterizado a su joven compañía, que tras la exitosa #7fm, se tomó un receso mientras Karrera dedicó dos años a participar y finalmente dirigir el programa televisivo Fama ¡a bailar!

Balconing

En Islas Baleares están tristemente familiarizados con el balconing, la práctica más osada del turismo de borrachera, drogas, sexo y desmadre, que tiene como epicentro la zona de Magalluf, en Mallorca, y consiste en lanzarse desde las ventanas de las habitaciones a la piscina del hotel. Ha ido en crescendo y ahora la Compañía Baal, que dirige allí Catalina Carrasco y Gaspar Morey, ha querido reflexionar y llamar la atención sobre el asunto en Baalconing, su nueva creación con producción del Teatro Principal de Palma, que tiene estreno previsto para primavera de 2021. Con esta pieza incursionan de lleno en el lenguaje del circo contemporáneo.

Bichos

Fe

Mosquitos, peces e insectos varios se han convertido en base y seña de identidad del coreógrafo madrileño Elías Aguirre, que ha encontrado en estos pequeños ecosistemas una organización, a veces envidiable, que le sirve para hablar de nuestra sociedad. Este peculiar interés se evidencia también en su nueva pieza, Empusa Poem que, a partir de la estructura de un poema haiku japonés, intenta ilustrar la comparativa imposible entre el comportamiento y organización de los humanos y el de los insectos.

Son tiempos difíciles y el coreógrafo navarro Iñaki Fortún, que desde su agrupación Fueradeleje ha abordado temas muy diversos y ha experimentado con éxito en la danza para público familiar (¿Quién le teme al lobo feroz?, la más reciente), ha sentido necesidad de recogimiento e introspección.

El solo De Profundis, Salmo 130 (Fase I), interpretado por él mismo, se presenta a modo de oración bailada tras las reflexiones surgidas después de escuchar, cantar y rezar el Salmo 130. Lo presenta como un sentido viaje hacia la espiritualidad.

Coronavirus

Identidad

El acuerdo con el Museo Universidad de Navarra (MUN), que le produce, consistía en crear una versión de la Yerma, de Lorca. Pero Itsaso A. Cano, directora de Zuk Performing Arts, sintió necesidad de expresar su propia reflexión sobre el confinamiento, la pandemia de la covid19 y, sobre todo, las implicaciones de la distancia de seguridad. Así que se decidió por A metro y medio, que intenta desde la danza dar respuesta a interrogantes como ¿a qué distancia se puede considerar segura una persona? o ¿es la distancia solamente física o implica que es también emocional?…

Siendo cubano residenciado en Islas Canarias, no es de extrañar que Reinier Alfonso tenga inquietudes alrededor del tema de la identidad. Con Acerina Toledo ideó el dueto Personal e intransferible que, como bien indica el título, habla de nuestro sello y personalidad, de lo que nos hace únicos más allá de fronteras y etiquetas. En línea similar, Límites, dueto creado ésta vez junto a Celia Medina, habla sobre nuestra posibilidad de opción, que en definitiva es lo que determina los límites que nos ponemos nosotros mismos.

Imagen

Diversidad

En plena preparación de su nueva creación Zehar, el creador vasco de larga trayectoria Asier Zabaleta sigue en la carretera con su conmovedor dueto de calle Meeting Point, creado para su Compañía Ertza.

Esta obra supone una nueva experiencia para el coreógrafo, que ha reunido a dos intérpretes procedentes de un mismo país, que han venido a conocerse y entenderse a 8000 kilómetros de casa, conectándose por la vía del hip hop y el break, que ya traían en sus cuerpos, y la danza contemporánea que les aporta el creador.

María Teresa García

Atrás quedó la idea de que el fin último de la danza tenía que ser la belleza. Un alto porcentaje de la danza contemporánea que hoy se hace en España vibra con su tiempo, intenta generar corrientes de opinión, mira a la sociedad con sentido crítico, refleja lo bueno y lo malo de nuestro sistema de vida… y a veces, cómo no, lo hace desde la belleza. Aquí van 15 problemáticas sociales que creadores inquietos han convertido en coreografías.

Cola Collective / Mopa.

La creadora valenciana Marina Mascarell es en la actualidad una de las coreógrafas free lance españolas con mayor visibilidad en compañías de todo el mundo. Este carácter itinerante, sin embargo, no ha sido impedimento para el desarrollo de una estética ya plenamente reconocible. En su obra destaca una necesidad por comprender las dinámicas sociales y hacia allí apuntan casi todas sus creaciones. Second Landscape, creada recientemente para Skånes Dansteater, de Malmö, es ejemplar en este sentido. Con ella cierra una trilogía iniciada con A hefty flood, para el NDT, de Holanda, que prosiguió con Valley, estrenada por Göteborg Operans Danskompani. En la nueva entrega explora el

desmedido valor que damos a nuestra imagen en una sociedad que nos ha hecho adictos a la exposición en redes sociales.

Incertidumbre Después de su exitoso dueto Eran casi las dos… y el trío Un poco de nadie, en el que abordaba el rechazo social, la necesidad de pertenencia y la aspiración a ser alguien, la creadora isleña Carmen Fumero emprende, siempre junto a Miguel Zomas, el proyecto Las idas, que se ha planteado como una trilogía, tres episodios conectados entre sí pero independientes que giran alrededor del tema de la incertidumbre de futuro, la partida, la salida, el paso a otro estadio. El planteamiento, asegura la creadora, nace de “una ida probablemente sin retorno” y se hace la pregunta clave de la existencia: ¿adónde voy?

Lupanar

Hay quien dice que un burdel es un microcosmos que calca al mundo. Y seguramente el coreógrafo Diego Arias, director de REA Danza está de acuerdo. Su espectáculo Broken Tango 2.0 se ambienta en un lupanar porteño a inicios del siglo pasado, en un Buenos Aires más bien canalla. La propuesta sorbe de la esencia del tango pero la retroalimenta desde el ballet, la danza contemporánea y el circo. Con 19 artistas en directo el espectáculo habla de amores y desamores, encuentros y desencuentros, de pasiones bajas y altas entre gente que deambula buscando una felicidad que, al menos en las cuatro paredes del burdel, no parece estar. REA nació en Mar de Plata, en 1991, pero en 2001 cambió de ciudad, instalándose en Málaga.

Neurosis

Creatividad y angustia como motor de la neurosis es un binomio del que poco se

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habla. Chevi Muraday, desde su Compañía Losdedae, residente en Alcalá de Henares, ha decidido abordarlo en su nueva creación Le plancher de Jeannot, una coreografía que se basa en la novela que Ingrid Thobois escribió a partir del caso de un campesino que, tras la muerte de su madre, escribió en el suelo de su habitación un largo texto, muriendo días después. El suelo manuscrito terminó convertido en obra representativa del llamado Art Brut. Muraday, que ya había abordado el síndrome de Diógenes en El cínico, sigue girando con éxito Juana, obra en la que Aitana Sánchez Gijón, actriz que ahora desvela su potencial de bailarina, interpreta a un buen puñado de juanas históricas, incluidas la loca, la poetisa y la guerrera.

Plas!tic es una propuesta diseñada como un viaje por paisajes marinos, futuristas y oníricos, materializados como espectáculo multidisciplinar que fusiona danza, circo e instalación.

Protestas

Hay que conocer la procedencia venezolana de la coreógrafa Mey-Ling Bisogno, con su compañía de larga trayectoria funcionando en Madrid, para entender la verdadera naturaleza de la segunda fase de su ambicioso proyecto Circuito Peep Box 350º, Los soldados de franela, una de las principales apuestas del Festival Dansa Valéncia, pospuesto a otoño en su edición 2020 por culpa del coronavirus. El montaje implica un taller con bailarines locales que terminan poniendo en pie esta contundente propuesta escénica sobre el ímpetu juvenil, que alude no tanto al terrible conflicto político-social que viven los venezolanos como al espíritu de libertad y rebeldía que movilizó a su juventud, organizada como la “nueva resistencia” en los enfrentamientos callejeros contra el gobierno de Caracas durante 2017.

Pactos

Plástico

La bailarina, creadora y gestora murciana Irene García viene del ballet clásico pero ha conseguido aunar estos conocimientos con sus inquietudes por la videodanza, el audiovisual y la fotografía en su Compañía La Quebrá, fundada en 2016. Plas!tic, su nueva creación con fines didácticos, va más allá de la representación escénica con una serie de talleres para los más pequeños, apuntando todo a crear conciencia sobre uno de los más notables problemas medioambientales del planeta: la contaminación por plástico.

Selfie Adriana Sandec (Festival de Danza Traslación de Lanzarote)

Desde la caída del bipartidismo en España, la palabra pacto se ha puesto muy de moda en la política. Un pacto significa convenir, conciliar, acordar, resolver armónicamente entre las partes. Pero la realidad es que, sin darnos cuenta, nos pasamos el día pactando, y las coreógrafas y bailarinas de Madrid Begoña Quiñones y Verónica Garzón se hicieron preguntas como ¿qué implica un pacto para las partes? o ¿hasta dónde conviene ceder?

Pacto, pieza con la que obtuvieron el Primer Premio en el Certamen Coreográfico de Madrid 2018 en su versión breve, aparece ahora en formato de una hora tras nuevas investigaciones.

Personal e intransferible / Reinier Alfonso.

Regresa el equipo sevillano Mopa con un espejo en la mano y una cola saliéndole del coxis. Parece absurdo pero, con el humor y desparpajo que le es característico, Juan Luis Matilla quiere abordar en su nueva producción, Cola Collective, un asunto que a todos nos compete: la obsesión por la imagen. En un ejercicio de observación anatómica descubrió que el coxis es un punto muerto a la cámara escrutadora de nuestros ojos. No echamos de menos allí una cola que en alguna edad del hombre a lo mejor estuvo, pero si ellos en escena se la ponen, probablemente querremos tenerla porque así somos en esta era del selfie, la apariencia y la moda. Después de su experimento Proyecto Error y su delirante unipersonal Da Mopa, el creador de Sevilla viene a retarnos una vez más.

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Dance and Society

and his dance group Fueradeleje have dealt with a variety of themes for the family audience with great success. The most recent one is Who’s Afraid of the Big, Bad Wolf?

Now, Iñaki Fortún has gone into a mode of introspective soul-searching. The solo De Profundis, Psalm 130 (Phase I), is performed by himself. It is presented as a kind of spiritual journey with danced prayers, upon the reflexions emerging after hearing, singing, and praying the Psalm 130.

REALITY SHOW The idea that the ultimate goal of dance has to be beauty is a thing of the past. A high percentage of the contemporary dance created in Spain reflects its time, trying to stir up new lines of thinking, contemplating society critically, and reflecting on what is good and bad in our way of living.

Obviously, the choreographies sometimes do so from the perspective of beauty. Here are 15 choreographies from creators with a concern for social problems.

Anhedonia

You probably did not know it is called anhedonia, but you have almost certainly experienced it. It is the inability to feel pleasure, or the loss of interest or enjoyment for something you would otherwise like. The young Basque creator Iker Karrera reflects on this issue in his latest production No Pleasure. The play is in line with the fusion of languages, so characteristic of his young company. After the successful #7fm, Karrera took a break from the company whilst participating in and ultimately running the television programme Fama ¡a bailar! [Fame, Let’s Dance!].

Balconing

In the Balearic Isles, people are unfortunately familiar with the concept of balconing. This daring practice takes place amongst tourists in reckless parties involving drugs, sex, and drunken stupor. Its epicentre is the Magalluf area in Mallorca. It consists of plunging into the hotel pools from the hotel room windows above. This practice is on the rise and now the island’s Baal Company, run

by Catalina Carrasco and Gaspar Morey, wants to reflect on this and call attention to the issue of balconing. Their latest creation, produced at the Principal Theatre of Palma, is scheduled to premiere in 2021. With this piece they fully explore the language of contemporary circus.

Critters

Fish, mosquitoes, and various other insects have become the base and hallmark of the Madrilenian choreographer Elías Aguirre.

In these small ecosystems, he has found an, at times, enviable organization he uses to talk about our society. This particular interest is also evident in his new piece, Empusa Poem, which, based on a Japanese haiku poem, attempts to illustrate the impossible comparative between the behaviour and organization of humans and insects.

Identity

As a Cuban resident in the Canary Isles, it is no surprise that Reinier Alfonso wants to delve into the matters of identity. Together with Acerina Toledo, he has devised the duet Personal e intransferible [Personal and Nontransferable], which, as the title indicates, talks about our personality traits. It is about what makes us unique, regardless of the labels and borders otherwise defining us.

Along similar lines, Límites [Limits], a duet created with Celia Medina, talks about our options to choose. Something that definitely determines the limits we define for ourselves.

Coronavirus The agreement with the University Museum of Navarra (MUN) as her producer consisted of creating a version of Lorca’s Yerma. However, Itsaso A. Cano, director of Zuk Performing Arts, felt the need to express her own reflexions on the confinement, Covid-19 pandemic, and above all, the implications of social distancing. That is how A metro y medio [A metre and a Half] came about. This performance uses dance in an attempt to find answers to questions such as -at what distance can a person be considered safe?, is distancing only physical, or does it also imply something emotional?-

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The Valencian creator Marina Mascarell is currently one of the Spanish freelance choreographers with most exposure

Diversity

In the midst of the preparation for his new creation, Zehar, the longstanding Basque creator Asier Zabaleta continues along the lines of his street performance Meeting Point, created for his Ertza Company. However, this new play also marks a new experience for its choreographer. He has gathered two performers from the same country to come and meet each other 8,000 kilometres away from their home. The encounter is between the hip hop and breakdance both performers have in their blood, and the contemporary dance, brought to the scene by the creator.

Faith

These are difficult times and the choreographer from Navarra Iñaki Fortún

Uncertainty

In her successful duet Eran casi las dos… [It Was Almost Two O’clock...] and the trio Un poco de nadie [A Bit of No One], Carmen Fumero dealt with social ostracism, the need for belonging, and the aspiration to be someone. Now, as always together with Miguel Zomas, she is undertaking the project Las idas [The Departures]. This project is presented as a trilogy whose episodes are connected, yet can be understood independently. The artists deal with the theme of uncertainty about the future, and the departure and transition to another stage.

The creator assures us that the approach comes from the idea of a journey from which there is no turning back. Thus, the key existential question that comes to mind is - where am I going?

Brothel

Luis Alberto Rodríguez

Dance is reflected in society.

Here are 15 choreographies dealing with some of today’s hottest topics.

in companies around the whole world.

Nonetheless, this beginner’s trait of working freelance has not been an impediment for the development of an already fully distinguishable aesthetic quality. Her work stands out in its need to comprehend social dynamics. Almost all her creations point to that fact. Second Landscape, created recently for Skånes Dansteater, in Malmö, is a case in point. This was the last piece in her trilogy that begun with A Hefty Flood, for the NDT in the Netherlands, and continued with Valley, which premiered at Göteborg Operans Danskompani. In her newest piece, she explores the excessive importance we give our image in a society that has made us addicted to exhibiting ourselves on social media.

Second Landscape / Marina Mascarell.

There are those who say that a brothel is a microcosm of what transpires in the real world. Surely, the choreographer Diego Arias, director of REA Dance, would agree.

His performance Broken Tango 2.0 takes place in a sleazy whorehouse in Buenos Aires at the beginning of the twentieth century. The proposal taps into the essence of tango, but with input from ballet, contemporary dance and even circus. With 19 live-performing artists, the creation talks of love and heartbreak, comings and goings, and the highs and lows of passion between people wandering in search of happiness.

Something they are very unlikely to find within the four walls of the brothel. REA

was founded in Mar de Plata, Argentina, in 1991, but re-established itself in 2001 in the city of Malaga.

Neurosis

Creativity and anxiety are not a normal binomial, let alone seen as the cause for neurosis. Nonetheless, Chevi Muraday, from his Company Losdedae, resident in Alcala de Henares, has decided to deal with this theme in his new creation Le plancher de Jeannot. This choreography is based on the novel written by Ingrid Thobois about the case of a peasant who, after the death of his mother, wrote a large text on the floor of his room only to die himself a few days later. The manuscript on the floor became the representative work of what is called Art Brut. Muraday, who had already dealt with the Diogenes syndrome in El cínico [The Cynic], continues on successful tours with Juana. In this play, Aitana Sánchez Gijón, the actress who now reveals her true potential as a dancer, performs as a handful of the historical juanas, including the crazy one, the poetess, and the warrior woman.

Pacts

Since the fall of the two-party system in Spain, the word pact has become very fashionable in politics. Forming a pact means to convene, conciliate, agree, and resolve differences harmoniously between parties. However, the reality is that we all, unwittingly, spend our time forming pacts. The Madrilenian choreographers and dancers Begoña Quiñones and Verónica Garzón asked themselves questions such as - what does a pact imply for either party?, to what extent does it benefit you to give in? The short version of the piece Pacto [Pact], for which they obtained the First Prize in the 2018 Choreographic Contest in Madrid, now appears in a one-hour format with freshly included additional research.

Plastic

The dancer, creator, and manager Irene García has a background in classical ballet, but she has managed to combine those skills with her interests in video dance, photography and audio-visual productions.

With her La Quebrá Company, founded in 2016 she has made the new creation

Plas!tic. It goes well beyond a mere stage performance. With a series of workshops for small children, it has the educational purpose of raising awareness for one of the most notable environmental problems facing our planet - plastic pollution. Plas!tic is a proposal designed as a futuristic and dreamlike journey at sea. It materialises as a multidisciplinary performance involving dance, circus, and a special setup.

Protests

You have to know the Venezuelan background of the choreographer MeyLing Bisogno, and her longstanding Madrid-based company to fully understand the true nature of the second phase of her ambitious project Circuito Peep Box 350º, Los soldados de franela [Peep Box 350º Circuit, the Flannel Soldiers]. This performance is one of the main bids for the Valencia Dance Festival 2020, postponed for this autumn due to the coronavirus.

The proposal requires the assembly of a workshop with local dancers to set up this powerful scenic experience. The youthful impetus alludes not so much to the terrible socio-political conflict Venezuelans are enduring, as to the spirit of freedom and defiance that spurred the country’s youth to organize the “new resistance” in the confrontations against the government in the streets of Caracas in 2017.

Selfie

The Sevillian team Mopa is back with a mirror in the hand and a tail sticking out from the hip. It sounds absurd, but with the humour and flair so characteristic of him, Juan Luis Matilla wants to deal with a topic that concerns all of us in his new production Cola Collective: the obsession with image.

In an exercise of anatomic observation, he discovered that the hip is a dead centre to the focal point of our eyes. We miss having a tail there, which we probably did at one point in the evolutionary history of man. However, if those on stage have a tail, we would probably all want one because that is how we are in this age of selfies, appearances and fashion. After his experiment, Proyecto Error [Error Project], and his delirious solo performance Da Mopa, this creator from Seville arrives to challenge us once again.

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TÉLÉ RÉALITÉ La danse est le reflet de la société. Voici 15 chorégraphies qui abordent les sujets brûlants du moment.

Caduque est l’idée que le but ultime de la danse devrait être la beauté. Un haut pourcentage de la danse contemporaine qui se créé aujourd’hui en Espagne vibre avec son temps, tente de générer des courants d’opinion, observe la société avec un regard critique, s’efforce d’être le reflet du bon et du mauvais dans notre mode de vie ... et parfois, bien sûr, elle utilise la beauté. Nous présentons 15 problèmatiques de société que des créateurs en ébullition ont transposé en chorégraphies.

Anhédonie

Vous ne saviez probablement pas que cela s’appelait anhédonie, mais vous l’avez certainement ressentie. Il s’agit de l’incapacité à éprouver du plaisir, la perte d’intérêt et de la jouissance des choses que vous avez toujours aimées. Le jeune créateur basque Iker Karrera réfléchit à ce thème dans sa récente production No Pleasure, une création qui utilise la fusion des langages, caractéristique de sa jeune compagnie, qui après le succès de #7fm, a fait une pause pendant que Karrera consacrait deux ans à participer et enfin à diriger le concours de télévision Fame.

Balconing

Les Ìles Baléares sont tristement familiarisées avec ce phénomène de balconing, la pratique la plus risquée d’un tourisme d’ivresse, de drogue, de sexe et d’excès, dont l’épicentre est la région de Magalluf, à Majorque, et qui consiste à se lancer de la fenêtre des chambres dans la piscine de l’hôtel. C’est sur ce phénomène qui a pris une énorme ampleur ces dernières années que la Compagnie Baal, dirigés par Catalina Carrasco et Gaspar Morey, a voulu réfléchir et attirer l’attention.

Leur nouvelle création produite par le Teatro Principal de Palma, dont la première est prévue au printemps 2021, Baalconing, fait pleinement incursion dans le langage du cirque contemporain.

Bestioles

Les moustiques, les poissons et toute une collection d’insectes sont devenus les fondements et la marque du chorégraphe madrilène Elías Aguirre qui a trouvé dans ces petits écosystèmes une organisation, parfois souhaitable, qui l’aide à parler de notre société.

Cet intérêt tout à fait particulier est également présent dans sa nouvelle pièce, Empusa Poem, qui, à partir de la structure d’un haïku japonais, tente d’illustrer l’impossible comparaison entre le comportement et l’organisation des humains et ceux des insectes.

Coronavirus

La collaboration avec le Musée de l’Université de Navarre (MUN), qui coproduit, consistait à créer une version de Yerma, de Lorca. Mais Itsaso A. Cano, directrice de Zuk Performing Arts, a ressenti le besoin d’exposer sa propre réflexion sur le confinement, la pandémie de la COVID19 et, surtout, sur les conséquences de la distance de sécurité. Elle a donc créé A metro y medio, qui essaie à travers la danse de répondre à des questions telles que: «A quelle distance une personne peut-elle se considérer en sécurité?» ou «La distance est-elle uniquement physique ou est-elle également émotionnelle? ...»

Diversité

En pleine préparation de sa nouvelle création, Zehar, avec une longue trajectoire derrière lui, le créateur basque Asier Zabaleta est toujours en tournée avec son émouvant duo pour espace publique Meeting Point, créé pour sa Compagnie Ertza. Cette pièce a été une nouvelle expérience pour le chorégraphe, qui a réuni deux interprètes du même pays, qui se sont rencontrés et compris à 8000 kilomètres de chez eux, se connectant à travers le hip hop et le break que leur corps apportait, et la danse contemporaine que le créateur insuffle.

Foi

Les temps sont difficiles et le chorégraphe navarrais Iñaki Fortún, avec son collecif Fueradeleje a abordé des thèmes très divers

être entre les quatre murs de ce bordel. REA est née à Mar de Plata, en 1991 et s’installe à Málaga en 2001.

et a expérimenté avec succés en danse pour jeune public (¿Quien le teme al lobo feroz?, la production la plus récente). Il a éprouvé un besoin de recueillement et d’introspection.

Le solo De Profundis, Salmo 130 (Phase I), interprété par lui-même, est présenté comme une prière dansée après les réflexions qui ont émergé en écoutant, en chantant et en priant le Psaume 130. Il le présente comme une recherche de spiritualité.

Névrose

Identité

D’origine cubaine vivant aux îles Canaries, il n’est pas surprenant que Reinier Alfonso ait des questionnements autour du concept d’identité. Avec Acerina Toledo, il a imaginé le duo Personal e intransferible qui, comme son titre l’indique, parle des traits distinctifs et de la personalité de l‘individu, de ce qui le rend unique au-delà des frontières et des étiquettes.

Dans le même esprit, il crée avec Celia Medina le duo Limites qui évoque les possibilités de choix, qui sont finalement ce qui détermine les limites que nous nous imposons.

Image

La créatrice valencienne Marina Mascarell est actuellement l’une des chorégraphes indépendantes espagnoles qui a le plus de visibilité entre les compagnies du monde entier. Ce caractère itinérant n’a cependant pas été un obstacle au développement d’une esthétique complètement reconnaissable.

Son travail met en évidence un besoin de comprendre les dynamiques sociales et c’est autour de cette thématique que la quasitotalité de ses créations ont lieu. Second Landscape, récemment créé pour le Skånes Dansteater de Malmö, est exemplaire à cet égard. Avec cette production, elle clôt une trilogie qui a débuté avec A hefty flood, pour le Nederlands Dans Theater en Hollande et qui s’est poursuivie avec Valley, créée pour la Göteborg Operans Danskompani. Dans le nouvel opus, elle explore la valeur excessive que nous accordons à notre image dans une société qui nous a rendus accros à l’exposition sur les réseaux sociaux.

Incertitude Après le succès de son duo Eran casi las dos...et le trio Un poco de Nadie, dans le quel elle abordait le rejet social, le besoin d’appartenance et le désir d’être quelqu’un,

Juan Carlos Toledo

Danse et société

Un poco de nadie / Carmen Fumero.

la créatrice insulaire Carmen Fumero entreprend, toujours avec Miguel Zomas le projet Las idas. Cette pièce est conçue comme une trilogie en trois épisodes interconnectés mais indépendants qui tournent autour des thèmes de l’incertitude face au futur, du départ, de la sortie, du passage à une autre étape. La démarche, dit la créatrice, est née d’un «départ sans un probable retour possible» et se pose la question clé sur l’existence: Où vais-je?

Maison close Certains disent qu’un bordel est un microcosme calqué sur le monde. Le chorégraphe Diego Arias, directeur de REA Danza serait d’accord avec cette affirmation.

Son spectacle Broken Tango 2.0 se déroule dans une maison close de la capital argentine au début du siècle dernier, dans un Buenos Aires plutôt canaille. La proposition se nourrit de l’essence du tango mais s’inspire également du ballet, de la danse contemporaine et du cirque. Avec 19 artistes sur scène, le spectacle parle d’amours et de chagrins, de rencontres et de malentendus, de nobles et basses passions entre des individus qui errent à la recherche d’un bonheur qui, en tout cas, ne semble pas

Créativité et angoisse comme moteur de névrose est un binome dont on parle peu.

Chevi Muraday, avec sa Compagnie Losdedae résidante à Alcalá de Henares, a décidé de l’aborder dans sa nouvelle création.

Le plancher de Jeannot est une chorégraphie créée à partir du roman qu’Ingrid Thobois a écrit au sujet d’un paysan qui, après la mort de sa mère, a écrit un long texte sur le sol de sa chambre, mourant quelques jours plus tard.

Ce sol manuscrit a fini par se convertir en une œuvre référence de l’Art Brut. Muraday, qui avait déjà abordé la thématique du syndrome de Diogène dans son montage El cínico, continue de tourner avec succès Juana. Dans cette création, l’actrice Aitana Sánchez Gijón met en lumière toutes ses qualités en tant que danseuse et interprète au service d’une bonne poignée de «Juanas» historiques, y compris la folle, la poète et la guerrière.

Alliances

Depuis la disparition du bipartisme en Espagne, le mot «alliance» est très en vogue en politique. Une alliance signifie accorder, réconcilier, convenir et résoudre harmonieusement entre les parties. Dans la réalité, sans même nous en rendre compte, nous passons notre temps à négocier. Les chorégraphes et danseuses madrilènes Begoña Quiñones et Verónica Garzón se sont posées les questions de ce qu’implique une alliance pour les deux parties ou jusqu’où il est légitime de céder. Pacto, une pièce avec laquelle elles ont obtenue le premier prix du concours chorégraphique de Madrid 2018 dans sa version courte, se convertit, après une recherche plus poussée, à un format d’une heure.

Plastique

La danseuse, créatrice et administratrice culturelle murcienne Irene García est issue du ballet classique, connaissance qu’elle combine avec sa curiosité pour la vidéodanse, l’audiovisuel et la photographie dans le cadre des créations pour sa Compagnie La Quebrá, fondée en 2016. Plas!tic, son nouveau spectacle à vues didactiques, va

au-delà de la représentation scénique. Le spectacle s’accompagne d’une série d’ateliers pour les plus petits, visant à sensibiliser à l’un des problèmes environnementaux les plus désastreux de la planète: la pollution plastique.

Plas!tic est une proposition conçue comme un voyage à travers des paysages marins, futuristes et oniriques, matérialisés en tant que spectacle multidisciplinaire qui utilise la danse, le cirque et l’installation.

Manifestations Il faut connaître l’origine vénézuélienne de la chorégraphe Mey-Ling Bisogno, avec sa compagnie de longue date opérant à Madrid, pour comprendre la vraie nature de la deuxième phase de son ambitieux projet Circuito Peep Box 350º, Los soldados de franela, l’un des principaux paris du Festival Dansa Valéncia, reporté à l’automne dans son édition 2020 en raison du coronavirus.

Le montage comprend un atelier avec des danseurs locaux qui mettent en place cette proposition scénique énergique sur l’élan de la jeunesse en une allusion non pas tant au terrible conflit politico-social que vivent les vénézuéliens mais à l’esprit de liberté et de rébellion qui a mobilisé cette jeunesse, organisée en tant que «nouvelle résistance» dans les affrontements de rue contre le gouvernement de Caracas en 2017.

Selfie

L’équipe sévillane Mopa revient avec un miroir à la main et une queue qui part du coccyx. Cela peut paraitre absurde mais, c’est avec cet humour et cette effronterie qui caractérisent Juan Luis Matilla qu’il souhaite aborder dans sa nouvelle production, Cola Collective, la problématique qui nous concerne tous: l’obsession pour l’image.

Dans un exercice d’observation anatomique, il découvre que le coccyx est un point mort pour la caméra scrutatrice que sont nos yeux.

Nous ne regrettons pas là une queue qui à un certain moment de l’évolution de l’homme aurait été là. Mais si eux, les artistes sur scène portent cette queue, nous voudrons certainement la porter aussi car l’apparence et la mode est ce qu’impose cette ère du selfie.

Après son projet expérimental Proyecto Error et son délirant solo Da Mopa, l’artiste sévillan vient nous mettre au défi à nouveau.

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mujer y danza

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Aïda Colmenero Dïaz

El tema de las reivindicaciones sociales de la mujer está en el aire, en la tele, en la calle… ¿cómo no iba a estar en la danza?

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Abismo / Aïda Colmenero Dïaz.

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Son los tiempos del #metoo. La mujer, desde todos los ámbitos, comienza a denunciar atropellos y reclamar derechos. Lo más novedoso, quizá, es que finalmente están siendo oídas. Falta mucho todavía para acabar con la segregación y desigualdad pero este movimiento mundial es ya un hito. Desde luego, la danza es idóneo camino poético para hacer circular estas ideas, y las creadoras (y algún que otro creador) de España no están desaprovechando la oportunidad.

La desigualdad en el mundo de la danza y la música, puso a pensar a Manuela Nogales, veterana creadora vasca anclada en Andalucía. Poéticas en las sombras, su nueva creación con estreno previsto en otoño de 2020 en el Teatro Central sevillano, indaga en los vínculos, sinergias y esencias entre música y danza, y a la vez pone de relieve el talento femenino en ambas artes.

Pero Nogales no es la única. La creadora madrileña Milagros Galiano ha venido investigando el papel de la mujer en la sociedad, preocupación que queda evidenciada en propuestas suyas como Pasodoble, desplegada como un combate de prácticas varoniles como el boxeo, el toreo en cuerpos de mujeres o su reciente trabajo Bruja II Akelarre, que disecciona el uso diferente que socialmente hacemos de la acepción “bruja”.

Desde una óptica más personal, la coreógrafa y bailaora Olga Pericet también ha venido centrando en su trabajo flamenco su postura como mujer creadora. Ahora ha volcado los ojos hacia Carmen Amaya, otra legendaria artista, a la que rinde homenaje en su nueva propuesta Un cuerpo infinito, para la que ha vuelto a colaborar con la directora escénica Carlota Ferrer.

También desde un flamenco híbrido, Juana Casado adquiere una postura abiertamente beligerante y combativa con el asunto de la mujer, en el espectáculo Amazonas, creado para su Compañía Andanzas.

Luis Antonio Barajas

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Le petite Voiture (La Comtesse) / Hojarasca Danza.

Miró a las legendarias guerreras de la Grecia clásica para desde allí hablar de reivindicación, denuncia y lucha de la mujer por conseguir la igualdad frente al poderío masculino.

En clave más irónica, Paula Quintas, directora de la Compañía Traspediante, ataca en su nueva creación Plastic uno de los más discutidos tópicos contra los que lucha el feminismo. Porque, el reinado de

la muñeca Barbie durante décadas aparece directamente vinculado a la imagen que esta sociedad tiene de la chica perfecta: una bella mujer de plástico vacía por dentro. Revertir esta idea está en el fondo de su reciente propuesta coreográfica.

Otras creadoras optan por destacar los valores femeninos desde una perspectiva histórica, recurriendo al papel jugado por las mujeres en otros tiempos, en otras

sociedades. Tal es el caso de Las diosas del agua, la última coreografía de Cristina Masson. Otra vez en alianza con la escritora mexicana Jeannette L. Clariond, la directora de EnClaveDANZA se remonta al mundo azteca, extrapolando a nuestro contexto el mito de la diosa Coyolxauhqui, equivalente a nuestra luna. Masson intenta ahondar en aspectos de la cultura mexicana que van desde la

tradición hasta la modernidad en México, un país donde el promedio de mujeres asesinadas por día asciende hasta diez.

En Marruecos la mujer está asociada al origen, a la fuente de la vida, al inicio de todo. Sobre esta idea orbita El jardín de las Hespérides, creación de Alicia Soto, directora de la compañía de Burgos Hojarasca Danza, que forma parte de una serie de obras que tienen a

Marruecos como fuente de inspiración.

En la mitología griega, las Hespérides eran ninfas que cuidaban un jardín cuyos frutos de oro garantizaban la inmortalidad y que estaba situado en un punto indeterminado entre Marruecos y España. A partir de esta leyenda, Soto ha ideado su coreografía, que ha sido montada entre ambos países con bailarinas de uno y otro lado.

Del continente africano se ha enamorado también Aïda Colmenero Dïaz, que ha desarrollado su obra vinculada a este continente y muy especialmente al potencial creativo de sus artistas femeninas. De esta fascinación nació el proyecto de larga trayectoria Ella poema y también el Festival África Moment, en Barcelona. Conjurando el invisible, su más reciente incursión, no es ajena a estos intereses. La obra, creada bajo el paraguas del proyecto La Noche del Patrimonio / Unesco España, es un canto a la Tierra y los seres que la habitamos, interpretado por voces femeninas a modo de oracióncanto-mantra.

En cambio, la coreógrafa, bailarina y docente madrileña Merecedes Pedroche ha establecido su vínculo artístico y emocional con Medellín. Su nueva pieza Artificios y leopardos cabalga entre la danza y el teatro, haciendo partícipe al público de la experiencia de una mujer que vive atrapada en un ciclo sin fin. El mito de Sísifo y las teorías de Nietzsche sobre el eterno retorno sobrevuelan su nueva propuesta unipersonal.

Deberían ser más, pero son escasos los coreógrafos que se interesan por el tema de la mujer y sus derechos. Uno de ellos, el joven creador asturiano Eduardo Vallejo Pinto, quien desde su Compañía Ogmia ha montado The Holy Trinity, una pieza que explora el significado de ser mujer en esta sociedad. Al igual que su anterior creación No Time To Rage, la nueva se construye a partir de una serie de referentes importantes para el artista, que van del manga a la literatura distópica.

Ò

ELLES

THE WOMEN

The theme of women’s social demands is in the air, in television, in the streets... How could it not be in dance? grievances and struggle of women for equality against the masculine dominion.

More ironically spirited is Paula Quintas, director of the Traspediante Company. In her new creation Plastic she attacks one of the most debated topics of feminist struggle. For decades the Barbie doll has been synonymous with the image society has of the perfect girl: A beauty queen made of plastic, empty on the inside. Changing this perception is at the heart of her latest choreographic proposal.

Other creators opt for emphasis of female values in an historical context, portraying the role women played in the past, or even in other societies. Such is the case of Las diosas del agua [The Goddesses of Water]. In this most recent choreography, the director of EnClaveDANZA Cristina Masson is once again allied with the Mexican writer Jeannette L. Clariond. The two go back to the Aztec world, extrapolating our current context to the myth of the Goddess Coyolxauhqui, the equivalent to our Moon.

Concerned with Mexico being a country where as many as ten women are killed every day, Masson attempts to delve into the inner fabrics of Mexican culture from its tradition to modernity to find answers.

In Morocco women are associated with being the very origin, or source of life. They are at the beginning of it all. Alicia Soto’s creation El jardín de las Hespérides [The Garden of the Hesperides] revolves around this idea. Director of the Burgos company Hojarasca Danza, Alicia Soto, created this play as part of a series involving Morocco as the source of her inspiration. In Greek mythology, the Hesperides were nymphs looking after a garden whose golden fruits granted immortality. The garden was situated somewhere between Morocco and Spain.

With this legend in mind, Soto has come up with a culturally mixed choreography staging dancers from both countries.

Aïda Colmenero Dïaz is another woman with a profound affection for Africa. Her play is strongly linked to this continent, and in particular to the creative potential of its female artists. From this fascination sprang to life her monumental project Ella Poema and also the

La question des revendications sociales de la femme est dans l’air, à la télévision, dans la rue ... Comment n’allaient-elles pas être dans la danse?

Festival Africa Moment, in Barcelona. Her latest proposal, Conjurando el invisible [Conjuring the invisible], is another case in point. The play, created under the auspices of project La Noche del Patrimonio [The Night of the Patrimony]/ Unesco Spain, is a song to the Earth and the beings that inhabit it. It is performed by female voices in a pray-song-mantra style.

In contrast, the Madrilenian choreographer, dancer, and teacher Mercedes Pedroche has formed her artistic and emotional ties with Medellin. Her new piece Artificios y leopardos [Tricks and Leopards] straddles between dance and theatre. It makes the audience participate in the experience of a woman who is trapped in an endless life cycle. The myth of Sisyphus and Nietzsche’s theories about the eternal return transcend her new solo proposal.

There ought to be more, but few male choreographers are interested in portraying women’s rights. One case, though, is the young creator from Asturias, Eduardo Vallejo Pinto, who has staged The Holy Trinity with his Ogmia Company. The piece explores the significance of being a woman in this society. Similar to his former creation No Time To Rage, this new proposal has come about as the result of a series of important references traced directly to dystopian literature.

Lehónidas Boskovec

These are the #metoo times. Women from all walks of life start to report abuse, and claim their rights. But what is new is perhaps that they are finally being heard. There is still a long way to go before the segregation and inequality has been overcome, but this global movement is already a milestone. Certainly, dance is the suitable poetic road to spread these ideas, and creators, or one creator in particular is taking this opportunity.

The inequality in the world of dance and music, gave inspiration to the creator Manuela Nogales. The result is Poéticas en las sombras [Poetics in the Shade], the new creation by this Andalusia-based Basque veteran. It is scheduled to premiere in autumn 2020 at the Central Theatre in Seville. It examines the links, synergies, and essences between music and dance, whilst also putting the female talent in both art forms in the spotlight.

However, Nogales is not the only one reflecting on this theme. The Madrilenian creator Milagros Galiano has been investigating the role of women in society.

This concern is evident in her proposals such as Pasodoble. In it women are displayed in combat sports such as boxing, or bullfighting; something normally associated with men. Her focus is also evident in her latest piece Bruja II Akelarre [Akelarre Witch II], which dissects the different social usages of the term ‘witch’.

With a more personal perspective, the choreographer and flamenco dancer, Olga Pericet, has focused her work on her own role as a female creator. Now she has turned her gaze towards Carmen Amaya, another legendary artist, who she pays tribute to in her new proposal, Un cuerpo infinito [An Endless Body]. In it she is once again working with the stage director Carlota Ferrer.

From the perspective of another hybrid flamenco Juana Casado takes on an openly belligerent and combative attitude in favour of women, in the performance Amazonas [Amazons]. This performance is created for her Company Andanzas. She has looked towards the legendary female warriors of Ancient Greece to illustrate the demands,

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Femme et danse

Women and Dance

Poéticas en las sombras / Manuela Nogales.

Nous vivons à l’époque du #metoo. Les femmes, sur tous les champs, dénoncent les abus et revendiquent des droits. Ce qui est nouveau, sûrement, c’est qu’elles sont enfin entendues. Il y a encore un long chemin à parcourir pour mettre fin à la ségrégation et aux inégalités, mais ce mouvement mondial est déjà un énorme tournant. Et bien sûr, la danse est un moyen poétique idéal pour faire circuler ces idées. Les créatrices (mais également quelques créateurs) en Espagne n’ont pas perdu cette opportunité.

Les inégalités dans le monde de la danse et de la musique sont un état de fait sur lequel la créatrice basque installée depuis longue date en Andalousie, Manuela Nogales a voulu réfléchir. Sa nouvelle création Poéticas en la sombra, dont la première est prévue à l’automne 2020 au Théâtre Central de Séville, explore les liens, les synergies et les origines entre la musique et la danse, tout en soulignant le talent féminin dans ces deux formes d’expression artistique.

Mais Nogales n’est pas la seule. La créatrice madrilène Milagros Galiano a centré sa recherche sur le rôle des femmes dans la société, une préoccupation qui se manifeste dans ses propositions telles que Pasodoble, spectacle qui se déploie, à travers le corps de femmes, comme un combat de pratiques viriles telles que la boxe, la tauromachie; ou son récent travail Bruja II Akelarre, qui dissèque l’usage différencié que nous faisons socialement du sens «sorcière».

D’un point de vue plus personnel, la chorégraphe et danseuse Olga Pericet a également centré son travail flamenco sur sa position en tant que femme artiste.

Actuellement, elle s’est intéressée à Carmen Amaya, une autre artiste de légende, à qui elle rend hommage dans Un cuerpo infinito, sa nouvelle production pour laquelle elle a de nouveau collaboré avec la metteuse en scène Carlota Ferrer. Également issue d›un flamenco hybride, Juana Casado prend une position

ouvertement belligérante et combative avec la question sur les femmes, dans le spectacle Amazonas, créé pour sa Compagnie Andanzas. Elle a étudié les guerriers légendaires de la Grèce classique pour, à partir de là, parler de la revendication, de la dénonciation et de la lutte des femmes pour parvenir à l’égalité face au pouvoir masculin.

Sur un ton plus ironique, Paula Quintas, directrice de la Compagnie Traspediante, aborde dans sa nouvelle création Plastic l’un des sujets les plus polémiques contre lequel se bat le féminisme. Le règne de la poupée Barbie pendant des décennies est directement lié à l’image que cette société se fait de la femme parfaite: une beauté plastique vide de l’intérieur. Inverser cette idée est le thème fondamental de sa nouvelle proposition chorégraphique.

D’autres créatrices choisissent de mettre en avant les valeurs féminines dans une perspective historique, en recourant au rôle joué par les femmes à d’autres époques, dans d’autres sociétés. C’est le cas de Las diosas del agua, la dernière chorégraphie de Cristina Masson.

Toujours en collaboration avec l’écrivaine mexicaine Jeannette L. Clariond, la directrice de EnClaveDANZA se plonge dans le monde aztèque et extrapole à notre contexte le mythe de la déesse Coyolxauhqui, l’équivalent de notre lune.

Masson se plonge dans des aspects de la culture mexicaine qui vont de la tradition à la modernité au Mexique, un pays où la moyenne des femmes assassinées par jour s’élève à dix.

Au Maroc, les femmes, dans la tradition, sont associées, à la source de la vie, à l’origine de tout. El jardín de las Hespérides s’articule autour de cette idée, la nouvelle création d’Alicia Soto, directrice de la compagnie de Burgos, Hojarasca Danza et qui fait partie d’une série de productions dont le Maroc est source d’inspiration. Dans la mythologie grecque, les Hespérides étaient des nymphes qui

entretenaient un jardin dont les fruits en or garantissaient l’immortalité et qui se situait quelque part entre le Maroc et l’Espagne. A partir de cette légende, Soto a imaginé sa chorégraphie, créée entre les deux pays avec des danseurs des deux rives.

Aïda Colmenero Dïaz est également tombée amoureuse du continent africain.

Elle a développé son travail lié à ce continent et surtout au potentiel créatif de ses artistes femmes. De cette fascination est né le projet à long terme Ella poema ainsi que le Festival Africa Moment, à Barcelone. Sur sa dernière création, Conjurando el invisible, on retrouve ces centres d’intérêt. La production, créée sous l’aile du projet La Nuit du Patrimoine / Unesco Espagne, est un hymne à la Terre et aux êtres qui la peuplent et est interprété par des voix féminines tel un mantra-chant-prière.

Quant à la chorégraphe, danseuse et enseignante madrilène Mercedes Pedroche, elle a établi son lien artistique et émotionnel avec Medellín. Sa nouvelle pièce Artificios y leopardos oscille entre danse et théâtre tout en faisant participer le public à l’expérience d’une femme qui vit piégée dans un cycle sans fin. Le mythe de Sisyphe et les théories de Nietzsche sur l’éternel retour survolent sa nouvelle proposition en solo.

Ils devraient être plus nombreux, mais de fait ils sont en nombre réduit ces chorégraphes qui s’intéressent à la thématique des femmes et de leurs droits. L’un d’eux, le jeune créateur asturien Eduardo Vallejo Pinto, avec sa Compagnie Ogmia a monté The Holy Trinity, une pièce qui explore le sens d’être femme dans cette société. Comme sa précédente création No Time To Rage, la nouvelle production est construite à partir d’une série de références importantes pour l’artiste, du manga à la littérature dystopique.

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Hip Hop

Danza urbana Neanderthal / David Vento Dance Theatre.

Pannullo, Iron Skulls y David Vento: tres formas de abordar el hip hop.

Urban Dance Pannullo, Iron Skulls and David Vento -three ways of interpreting hip hop.

In tune with the global trend, hip hop on the Spanish scene is characterised by hybridisation and its capacity to deal with very specific social and human themes in the diversified languages of urban dance.

Such is the case of Atlas (Map of Moves) by Dani Pannullo, which from the perspectives of break, parkour, contemporary dance, or the whirling dervishes of its athletic dancers tries to reactivate the emotional charge in the powerful photographs by José Ortiz Echagüe.

In Barcelona, we find another case in point with the Iron Skulls Co. Supported by

the sensitivity and profound spirituality of Sister Juana Inés de la Cruz, the company has staged In Limbo. And, carried away by the ingenuity of Cervantes, they have created the successful No sin mis huesos [Not without My Bones], whereas Japanese manners and aesthetics exude from their beautiful performance Kintsugi.

In contrast, a halo of existential reflection and a tribute to our ancestors appear to be the guiding principles of Neanderthal.

In this second creation by the David Vento Dance Theater, the members of this young group ask what is left in us

of the primitive man. They equate their performance to the golden disc launched into space by the probes of the Voyager.

The performance is a presentation and representation of what human beings are like in case another species should find it. Vento, who has worked for Cirque du Soleil, and with Bob Wilson, won the Feten Award at the scenic arts fair for family audiences for this stunning proposal.Ñ

Hip Hop

DANSE URBAINE Pannullo, Iron Skulls et David Vento: trois manières d’aborder le hip hop.

bslg

En sintonía con la tendencia mundial, el hip hop escénico español se caracteriza por la hibridación y por su capacidad de abordar desde los diversificados lenguajes de la danza urbana temáticas sociales y humanas muy concretas. Allí está Atlas (Map of Moves), de Dani Pannullo, intentando reactivar desde el break, el parkour, la danza contemporánea o el giro derviche de sus bailarines atletas toda la carga emocional de las contundentes fotografías de José Ortiz Echagüe.

En Barcelona, la Compañía Iron Skulls no es menos. Apoyándose en la sensibilidad y profunda espiritualidad de Sor Juana Inés de la Cruz, han montado In Limbo, y dejándose llevar por el ingenio de Cervantes, su exitosa creación No sin mis huesos, mientras que la estética y modos japoneses guían su muy esteticista Kintsugi.

En cambio, un halo de reflexión existencial y un tributo a los ancestros parece ser el norte de Neanderthal, la segunda creación de David Vento Dance Theater, joven agrupación que se pregunta qué queda en nosotros del hombre primitivo, equiparando su espectáculo a aquel disco de oro lanzado al espacio en las sondas Voyager, en el que hay una presentación y representación de lo que somos los seres humanos por si otra raza se lo encuentra.

Vento, que ha trabajado para Circo del Sol y con Bob Wilson, se hizo con el Premio Fetén, la feria de artes escénicas para público familiar, por esta deslumbrante propuesta.Ñ

Hip-Hop

En phase avec une tendance internationale, le hip hop de scène espagnol se caractérise par un phénomène d’hybridation et par sa capacité à aborder des thèmes spécifiques sociaux et humains à partir des langages diversifiés de la danse urbaine. Atlas (Map of Moves), du chorégraphe Dani Pannullo réactive avec le break, le parkour, la danse contemporaine ou les danses derviches au service de ses danseurs athlètes toute la charge émotionnelle des percutantes photographies de José Ortiz Echagüe. À Barcelone, la Compagnie Iron Skulls, s’appuyant sur la sensibilité et la profonde spiritualité de Sor Juana Inés de la Cruz,

créé In Limbo. Elle se laisse emporter par l’ingéniosité de Cervantes pour sa création à succès No sin mis huesos. Et ce sont l’esthétique et les coutumes japonaises qui guident leur très belle création Kintsugi.

Quant à la deuxième création Neandertal de la jeune compagnie David Vento Dance Theatre, elle semble être inspirée par un halo de réflexion existentielle et un hommage aux ancêtres. Ce spectacle pose la question de ce qu’il reste d’homme primitif en nous. David Vento assimile son spectacle à ce disque d’or envoyé dans l’espace dans les sondes Voyager, dans lequel il y a une présentation et une représentation de ce que

sont les êtres humains au cas où une autre espèce le trouverait. Vento, qui a travaillé pour le Cirque du Soleil et avec Bob Wilson, a remporté avec cette proposition éblouissante, le prix Fetén - Salon des arts du spectacle pour jeune public.Ñ

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¿Realidad?

DANZA TEATRO Daimon, figura mitológica griega que puede ser ángel o demonio, y ambas cosas a la vez, ha sido el punto de partida de Daimon o la jodida lógica, la nueva y ambiciosa producción de la agrupación gallega Matarile Teatro que, desde hace más de 30 años, dirige con ingenio y creatividad Ana Vallés. Como suele ocurrir en su trabajo, y más en éste, no hay una jodida lógica pero sí una cascada de imágenes, en la que bailarines, actores y músicos en directo ponen en pie una performance en clave de danza teatro, que podría hablar de muchas cosas, como por ejemplo del tormento, de lo atormentado que estamos, de los tormentos que vivimos y de cómo el fin de un tormento puede ser el inicio de otro.

Y es que realidad y ficción generalmente convergen en la práctica de la danza teatro. En Matarile puede más la ficción abstracta, pero en 2Proposiciones, la compañía sevillana de Raquel Madrid, la inclinación es más hacia el absurdo de la realidad. Con debilidad por revisar desde su óptica los grandes hitos de cualquier vida, sean cumpleaños o funerales, ahora mete el teatro dentro de la danza, encerrando a cuatro artistas en un camerino, donde los pone a vivir un eterno retorno, un día de la marmota existencial, una maldición que resucita cada noche como una función de la obra en temporada. En P de Partida, su nueva coreografía, asegura que quiere hablar del punto de partida de “experiencias de muerte y resurrección en ámbitos vitales”.

Personajes de película, en cambio, son los protagonistas de It’s a wrap (Kubrick is dead), la nueva creación de La intrusa Danza, el destacado colectivo de Barcelona que dirigen a cuatro manos Damián Muñoz y Virginia García. No son personajes cualquiera sino los más emblemáticos de las películas de Stanley Kubrick,

Antonio N. Wijkmark

Construyen realidades irreales (a veces surreales) los cultores de la danza teatro.

It’s a wrap (Kubrick is dead) / La intrusa Danza.

incluidos el desquiciado Jack Torrance, de El resplandor, y el maligno Álex, de La naranja mecánica. Se reúnen porque acaban de enterarse de que el cineasta ha muerto y se preguntan qué va a ser de ellos ahora, experimentando esos tormentos de la existencia que han sido tan recurrentes en las obras de La intrusa.

También admite una sirena la danza teatro. Lucía Bocanegra encarna a esa mujer que se siente marina y emprende viaje acuático en el poema de Antonio Castaño que inspira su unipersonal Mujer descalza frente al mar, la nueva pieza de su agrupación La Tarasca que, desde principios de los noventa viene estrenando en Sevilla trabajos muy diversos que, desde distintos lenguajes expresivos, se dirigen a un amplio espectro de públicos.

También tienen interés en explorar la naturaleza humana a través del movimiento Caminantes Danza, la agrupación de Pepa Cases y José Merino, quienes suelen edificar su lenguaje a partir de los códigos de la danza teatro, trayéndose el vocabulario desde el flamenco, la danza española y el contemporáneo, como ocurre en Los caminantes, su nueva propuesta, a la que se suma el talento coreográfico e interpretativo de Jesús Pastor, además de Sandra Carrasco, encarnando a la anfitriona de esta singular propuesta que gira en torno a un avaro, una anciana y un amante.

Finalmente, danza teatro con aires de performance es lo que caracteriza el trabajo de La turba, agrupación creada en Buenos Aires por la bailarina, coreógrafa y gestora Carlota Berzal que, tras varias producciones en Buenos Aires (el evento performativo Sprange, Todo lo que no soy, Ofelia vegetariana) se ha trasladado hace poco a Sevilla, donde ultima su nueva creación Mi bandera. Ò

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Reality?

Réalité?

DANSE - THÉÂTRE

Exponents of dance theatre construct unreal realities (at times surreal) .

Les praticiens admirateurs de la danse - théâtre construisent des réalités irréelles (parfois surréalistes).

Daemon is a mythological Greek character that can be both a deity and a demon, even simultaneously. This is the starting point of Daimon o la jodida lógica [Daemon or the Damned Logic], the new and ambitious production by the Galician group Matarile Theatre, which Ana Vallés has run with ingenuity and creativity for over 30 years.

As so often is the case in her work, and even more so in this one, there is no damned logic, only a cascade of images, in which the dancers, actors and live musicians stage a key performance for dance theatre. It could be about so many things, such as the tormented state we are in, the torment we endure, or how the end of one kind of torment could be the beginning of another.

What is clear is that reality and fiction generally converge in the practice of dance theatre. In Matarile it is perhaps more abstract fiction, but in 2Proposiciones, Raquel Madrid’s Sevillian company, the inclination is more towards the absurdity of reality. With her penchant for examining landmark ceremonies such as birthdays or funerals, the company now adds theatre to dance by locking four artists into a dressing room, forced to undergo the eternal return.

This Groundhog Day experience is a curse recurring as a feature every night there is a scheduled play. In P de Partida [D for Departure], her new choreography, she affirms that she wants to talk about the “experiences with death and resurrection in vital fields” as the point of departure.

Film characters, in contrast, are the protagonists of It’s a Wrap (Kubrick is dead), the new creation by La Intrusa Danza [The Outsider Dance], the outstanding group run exclusively by Damián Muñoz and Virginia García. These are not just any film characters, but the most emblematic from Stanley Kubrick’s films, including the insane Jack Torrance from The Shining, and the evil Alex from A Clockwork Orange. They join us upon

learning that the filmmaker has died and ask what is to become of them now. They experience the existential torment so characteristic of the plays by La Intrusa.

Dance theatre has also found place for a mermaid. Inspired by Antonio Castaño’s poem, Lucía Bocanegra embodies a marine woman and embarks upon an aquatic journey in the solo performance Mujer descalza frente al mar [Barefooted Woman near the Sea]. This new piece is made by the group La Tarasca for all audiences. Since the beginning of the nineties, they have created very diverse performances expressed in a variety of languages.

Exploring human nature in movement is also the interest of Caminantes Danza.

This group by Pepa Sanz and José Merino usually build their language from the codes of dance theatre. They bring the languages of flamenco, as well as Spanish and contemporary dance to their scene. Such is the case in Los caminantes [The Walkers], their latest proposal, made together with the choreographic and performing talent Jesús Pastor. It also includes Sandra Carrasco, who takes the part of the hostess in this unique proposal involving a miser, an old woman, and a lover.

Finally, dance theatre with a touch of performance is what characterises the work of La turba. This group was created in Buenos Aires by the dancer, choreographer and manager Carlota Berzal. After a series of productions in Buenos Aires such as the performative event Sprange, Todo lo que no soy [Everything I Am Not], and Ofelia Vegetarian, she has recently moved to Seville where she is finalizing her new creation Mi bandera [My Flag].

AZKUNA CENTROA

DANCE THEATRE

Daimon y la jodida lógica / Matarile Teatro.

Daimon, figure mythologique grecque qui peut être ange ou démon, ou les deux à la fois, a été le point de départ de Daimon o la jodida lógica, la nouvelle et ambitieuse production du collectif galicien Matarile Teatro qui, depuis plus de 30 ans, est dirigé avec ingéniosité et créativité par Ana Vallés. Comme cela arrive souvent dans ses spectacles, et plus encore dans celui-ci, il se ne déroule pas selon une logique mais au travers d’une succession de cascade d’images, où danseurs, acteurs et musiciens exécutent une performance dans les codes de la danse – théâtre. Cette performance pourrait aborder beaucoup de thèmes, comme celui du tourment, et à quel point nous pouvons être atteint par ce tourment, ou de l’angoisse que nous vivons et comment la fin d’une angoisse peut être le début d’un nouveau tourment.

Et c’est que la réalité et la fiction convergent généralement dans une pratique de la danse théâtre. Pour Matarile, la fiction abstraite est ce qui émerge, mais pour 2Proposiciones, la compagnie sévillane de Raquel Madrid, la tendance est à observer et analyser l’absurdité du réel. Avec un faible pour une révision tout à fait personnelle des étapes incontournables de la vie, comme les anniversaires ou les funérailles, pour sa prochaine création, elle insère le théâtre dans la danse. Pour cela, elle va enfermer quatre artistes dans une loge, où elle leur fait vivre un éternel retour, un jour sans fin existentiel, une malédiction qui réapparait chaque nuit telle une représentation de l’oeuvre à chaque saison. Dans P de Partida, sa nouvelle chorégraphie, Raquel affirme qu’elle veut parler des points de départ des «expériences de mort et de résurrection dans des domaines vitaux».

Les personnages de films, quant à eux, sont les protagonistes de It’s a wrap (Kubrick is dead), la nouvelle création de La intrusa Danza, la notoire compagnie de Barcelone dirigée à quatre mains par Damián Muñoz et Virginia García. Ce ne sont pas des person-

nages quelconques, ce sont les plus emblématiques des films de Stanley Kubrick, y compris le dérangé Jack Torrance de Shining ou le diabolique Alex de A Clockwork Orange. Ils se réunissent parce qu’ils viennent d’apprendre que le cinéaste est mort et se demandent ce qu’ils vont devenir maintenant. Ils ressentent ces angoisses de l’existence si récurrentes dans les créations de La intrusa.

La danse – théâtre peut également accueillir une sirène. Lucía Bocanegra incarne cette femme qui se sent marine. Elle se lance dans un voyage aquatique à partir du poème d’Antonio Castaño qui inspire son solo Mujer descalza frente al mar, la nouvelle pièce de La Tarasca. Cette compagnie sévillane, depuis le début des années 90, crée des spectacles très divers à partir de différents langages expressifs et s’adressent à un large éventail de publics.

La compagnie Caminantes Danza de Pepa Sanz et José Merino s’est également intéressée à la nature humaine. Les deux créateurs construisent leur langage à partir des codes de la danse - théâtre, en enrichissant leur vocabulaire a partir du flamenco, de la danse espagnole et du contemporain. C’est le cas pour Caminantes, leur nouvelle proposition artistique. A cette occasion, ils ont compté sur le talent chorégraphique et interprétatif de Jesús Pastor, ainsi que celui de Sandra Carrasco qui incarne l’hôte de cette singulière proposition autour de personnages comme un avare, une vieille dame et un amant.

Enfin, la danse-théâtre aux airs de performance est ce qui caractérise le travail de La turba, un collectif créé à Buenos Aires par la danseuse, chorégraphe et manager Carlota Berzal qui, après plusieurs productions dans cette ville (la performance Sprange, Todo lo que no soy, Ofelia vegetariana) s’est récemment installée à Séville, où elle finit sa nouvelle création, Mi bandera.

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Niños y adolescentes

Público familiar

Children and Adolescents

Family audiences

Se verifica un auge de la danza española para los más pequeños.

Spanish dance for the youngest is booming. la agrupación, que ha sido diseñado para representarse en espacios públicos.

Juan de Torres y Daniela Merlo, desde su agrupación Larumbe Danza, prosiguen en su investigación dentro de las posibilidades de la tecnología 3D para la danza.

Después de su versión actualizada de El lago de los cisnes, vuelven a poner gafas de tercera dimensión a sus pequeños espectadores en Aire, que llama la atención sobre la contaminación, a través de la historia de dos vecinas que se quedan encerradas en un ascensor.

Aunque ha destacado en la creación de danza para bebés (exitosa fue Auapapá), la Compañía ZigZag Danza que dirige desde 2000 Estrella García, también aborda espectáculos para público familiar (FormaS) y adulto (Disonancias v18), dando cuenta de la versatilidad de su agrupación. Algo similar le ocurre también al colectivo madrileño caraBdanza que, con dirección de Gonzalo Díaz, alterna espectáculos adultos con llamativas propuestas infantiles. Su última producción vuelve sobre Alicia en el país de las maravillas, en la que idealiza el viaje de la protagonista como su tránsito de niña a mayor.Ñ

Pedro Arnay

El auge de la producción sofisticada de danza para público familiar en España es buena señal, en tanto que parece garantizar un público para la disciplina en el futuro. No es de extrañar la fascinación de pequeños y muy grandes con producciones ambiciosas y deslumbrantes como Play, de Arcaladanza, la compañía madrileña más veterana en estas prácticas, que ofrece esta coreografía visualmente potente como todas las que su director Enrique Cabrera ha creado desde 1995, y que quedan resumidas ahora en Summertime, un cóctel de lo mejor de

The rising popularity of sophisticated dance for family audiences in Spain is a good sign. It may just guarantee an audience for the discipline in the future. No wonder that both children and adults are fascinated by productions as ambitious and stunning as Play by Aracaladanza.

This Madrilenian company is one of the most experienced groups in this type of performances. It offers visually striking choreography, as has been the case in all of the creations by its director, Enrique Cabrera, since 1995. This is no less evident in Summertime, a cocktail of the

company’s best, designed to be presented in public spaces.

Juan de Torres and Daniela Merlo with their group Larumbe Danza continue their research of the possibilities of using 3D technology in dance. After their updated version of El lago de los cisnes [Swan Lake], they once again put 3D glasses on their young spectators to watch Aire [Air].

This piece calls our attention to pollution through the story of two neighbours who together get stuck in a lift.

They have formerly excelled in their dance creations for babies with the success

Auapapá. Now, the versatile company ZigZag Danza, runs by Estrella García since 2000, also presents performances such as FormaS for family audiences, or Disonancias v18 for adult audiences.

A similar strategy is shared by the Madrilenian group caraBdanza, directed

by Gonzalo Díaz, which alternates between giving performances for adults and offering their striking proposals for children. Their latest production is again about Alice in Wonderland, in which the protagonist’s journey is portrayed as the transition from child to adult.Ñ

Enfants et adolescents

EN FAMILLE

Le boom de la danse espagnole pour les plus petits.

Play / Aracaladanza.

La montée en puissance d’une production sophistiquée de danse pour un public familial en Espagne est un phénomène positif. Elle semble ainsi garantir, dans un futur, un public pour cette discipline. Il n’est pas surprenant que petits et grands soient fascinés par des productions ambitieuses et éblouissantes telles que Play, d’Aracaladanza, la compagnie madrilène la plus expérimentée dans ces pratiques et qui propose une chorégraphie visuellement très puissante comme toutes celles que son metteur en scène Enrique Cabrera a créées depuis 1995.

Comme synthèse de ces chorégraphies,

Summertime propose une sélection pour être jouée en espace public.

Juan de Torres et Daniela Merlo, au sein de leur Compagnie Larumbe Danza, poursuivent leurs recherches sur les possibilités qu’offre la technologie 3D pour la danse.

Après leur mise à jour tout à fait personnelle du Lac des Cygnes, ils ont remis des lunettes tridimensionnelles à leur jeune public dans Aire, une production qui attire l’attention sur la pollution, au travers de l’histoire de deux voisines enfermées dans un ascenseur.

La Compagnie ZigZag Danza dirigée depuis l’an 2000 par Estrella García et qui

s‘est démarquée dans la création de danse pour bébés (Auapapá a été un vrai succés), travaille également sur des spectacles pour tout public (FormaS) et pour adulte (Disonancias v18), faisant honneur à la polyvalence de sa compagnie. Le collectif madrilène caraBdanza, sous la direction de Gonzalo Díaz,est dans un processus similaire.

Il alterne des spectacles pour adultes et de remarquables propositions pour enfants. Sa dernière production porte sur Alice au pays des merveilles, dans laquelle son directeur idéalise le voyage de la protagoniste comme une métaphore de sa transition d’enfant à adulte.Ñ

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Discapacidad

DANZA INTEGRADA Larga experiencia avala la danza integrada que se produce en España.

La danza integrada ha tenido en España especial relevancia y numerosas manifestaciones. En Sevilla, la labor de Danza Mobile se ha convertido en referente obligatorio. Más que una compañía, es un centro de creación, enseñanza, promoción y difusión que desde 2001 viene desarrollando diversos proyectos, destacando su agrupación profesional en la que intervienen juntos en escena artistas con y sin discapacidad. Aglutina alrededor de sus trabajos a reconocidos creadores, como demuestra

El festín de los cuerpos, su más reciente producción, que cuenta con coreografía y baile de Manuel Cañadas, Ana Erdozain y Arturo Parrilla, y dramaturgia y textos de Antonio Álamo. Destacable también el éxito sostenido de Helliot, un unipersonal con dirección de Antonio Quiles, hecho a medida del talento del destacado bailarín y performer Helliot Baeza.

En Madrid, la Danza Down Compañía Elías Lafuente, opta por un elenco íntegro de artistas con discapacidad intelectual,

principalmente con síndrome de Down, que trabajan de manera permanente montando adaptaciones de grandes clásicos del repertorio. El baile y la boda de Luis Alonso, a partir de la conocida zarzuela de enredos amorosos, la más reciente.

Disability

INTEGRATED DANCE Long experience vouches for the integrated dance produced in Spain.

Integrated dance has had special importance in Spain and been shown at numerous cultural events. In Seville, the work of Danza Mobile has become the bench mark for this art form. More than just a company, it is a centre of creation, teaching, marketing and broadcast, which has been developing various projects since 2001. This professional group stands out in the sense that artists both with and without disabilities go on stage together. Their work is supported by acknowledged crea-

tors, as is seen in El festín de los cuerpos [The Feast of the Bodies]. For this most recent production they have received support for choreography and dance by Manuel Cañadas, Ana Erdozain and Arturo Parrilla, as well as texts by playwright Antonio Álamo.

Worth pointing out is also the continued success of Helliot. This solo performance directed by Antonio Quiles has been created bespoke to suit the talent of the outstanding dancer and performer Helliot Baeza.

In Madrid, Danza Down Elías Lafuente

Company, opts for a cast consisting of mentally challenged artists, in particular those with Down’s syndrome. Their permanent program consists of staging adaptions of an array of the great classics.

El baile y la boda de Luis Alonso [Luis Alonso’s Wedding and Dance], adapted from the well-known zarzuela [musical comedy] of amorous entanglements, is the most recent addition to their vast repertoire.

En vano / Danza Mobile.

Handicap

DANSE INCLUSIVE

Raquel Álvarez

La danse inclusive qui a lieu en Espagne garante d’une longue expérience.

La danse inclusive en Espagne a une importance tout à fait particulière et se manifeste de diverses façons. À Séville, le travail de Danza Mobile est une référence incontournable; compagnie mais également centre de création, d’enseignement, de promotion et de diffusion qui depuis 2001 développe différents projets. Danza Mobile met l’accent sur son groupe professionnel au sein duquel des artistes avec et sans handicap dansent et travaillent ensemble sur scène. Il réunit des créateurs de renom autour de ses créations, comme en témoigne

El festín de los cuerpos, sa dernière production. Les chorégraphies de ce spectacle ainsi que leur interprétation sont de Manuel Cañadas, Ana Erdozain et Arturo Parrilla, et la dramaturgie et les textes d’Antonio Álamo. L’énorme succès de Helliot, un solo sur mesure pour le talentueux et exceptionnel danseur et interprète Helliot Baeza, dirigé par Antonio Quiles, est également remarquable.

A Madrid, la Compagnie Danza Down Elías Lafuente a fait le choix de travailler avec un casting d’artistes

en situation de handicap intellectuel, principalement affectés de trisomie 21. Ces artistes travaillent de façon permanente à l’adaptation de grands classiques du répertoire. El baile y la boda de Luis Alonso, à partir de la célèbre zarzuela autour de liaisons amoureuses est sa production la plus récente.

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Autóctonos

Flamenco Para muchos espectadores fuera de España (y para algunos de dentro) el Flamenco es uno y único. Y nada más lejos a la luz híbrida de las artes escénicas del momento, que parecen decretar que estilos hay tantos como artistas que lo bailan. Flamenco tradicional y Nuevo Flamenco, Danza Española y Danza Contemporánea, Folk y Neofolk. Entre estos lenguajes fluctúa la realidad escénica flamenca de hoy.

Cada vez con más fuerza, el Flamenco reclama su pertenencia a la danza de vanguardia internacional pero su legitimación depende de la fidelidad y el conocimiento, de su respeto a las raíces y los orígenes del baile español más popular.

Viva, la nueva y ovacionada creación de Manuel Liñán, es tremendamente trasgresora en tanto que su elenco íntegramente masculino aborda los roles femeninos del flamenco. Liñán y sus chicos, exorcizando la mujer que llevan dentro, se apropian de batas de cola, mantones, taconeo y fiereza femenina, desde los rigores y exigencias de la bailaora. No lo hacen desde la parodia y el vodevil travesti sino como gesto de igualdad, como demostración de que estas diferenciaciones de género en el flamenco simplemente son una convención. En su novísima creación La otra escena, vuelve Liñán a romper esquemas y demostrar su agresiva personalidad escénica.

Arrolladora es también la andaluza María del Mar Suárez La Chachi, que ha

Tamara Kulikova

Todas las vertientes del flamenco permanecen activas. Tradicional, Nuevo Flamenco, Danza Española, Neofolk… el panorama es amplio.

Te lo presentamos.

Deloflamenco / Anna Villacampa.

sorprendido con su unipersonal La espera, un mix de flamenco y música electrónica con aires de irreverencia religiosa, en el que una monja se debate entre arte y fe.

Por su parte, Marco Vargas & Chloé Brûlé, en tándem desde 2005, han estrenado Los cuerpos celestes, en la que por primera vez abandonan el formato dueto y buscan complicidades, junto al músico Miguel Marín, con otros cuerpos danzantes. Reconvierten el escenario en un observatorio astronómico por cuyo telescopio miran la Vía Láctea o Alfa Centauri pero también, como si fuera al tiempo un microscopio, se miran a sí mismos, su danza y su universo interior.

Y para los que crean que el flamenco es puramente visceralidad, allí están las propuestas de Fernando López, bailaor filósofo, y la malagueña afincada en Tenerife Obdulia Bustos, investigando a profundidad el cuerpo y el movimiento a partir de la raíz flamenca. En su unipersonal Pensador, reflexiona López sobre lo que somos y lo que hemos sido, emergiendo asuntos pendientes como la memoria histórica, los roles de género o la violencia machista. Ella, por su parte, está en plenos preparativos de New Woman, la nueva producción para su compañía Obdulia Bustos Flamencurías, que se perfila como un estudio del acto creativo, en el que se pregunta si Marcel Duchamp no tendría razón cuando sentenciaba que había que pensar antes y después de la creación pero nunca durante. Ò

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Desde la creencia firme de que el folclor no es estático ni incapaz de evolucionar, artistas del país se han detenido muy seriamente a indagar en la vasta herencia que supone el rico folclor español desde una mirada del siglo XXI. Lo ha hecho la joven creadora Sara Cano, que después de su unipersonal Sintempo, ha montado su ambiciosa coreografía Vengo, en la que intenta una reinvención de lo popular sin temor a la expresión contemporánea. Y también Sara Calero, que se posiciona como innovadora de la danza española y el baile flamenco, en su deslumbrante Fandango Avenue, un solo que vuela hasta los años 40 y 50, encajando el flamenco en la edad de oro de los musicales y el imaginario de Broadway.

Aunque defensor a ultranza de la danza española, Daniel Doña es artista de su tiempo, posa su mirada de creador contemporáneo en todo lo que hace.

Campo cerrado, su última pieza, pensada para la calle, no es excepción. Visualmente impactante, este trío de llamativos sombreros gigantes, aborda los conceptos de identidad y diversidad en el contexto de la posguerra española. Resistencia, persistencia, represión, rebelión y exilio son temas presentes en esta nueva creación.

También comprometido con la difusión de la riqueza de la danza española pero desde la libertad escénica de nuestro tiempo se declara el veterano creador Manuel Segovia, que lleva 25 años fiel a estos principios desde su compañía Ibérica de Danza, para la que acaba de montar Fígaro, Barbero de Sevilla, donde cruza los códigos de la Comedia del Arte con las formas expresivas

Jakova

Aires folclóricos

Los inescalables Alpes buscando a Currito / La Chachi.

de la danza española, en una puesta en escena imaginativa, divertida y sobre todo colorida.

Flamenco somos Abogando por la defensa de la danza española en todas sus vertientes (escuela

bolera, danza estilizada, clásico español y folclore), se funda en 2014 el joven colectivo dSyR (De sangre y Raza) como una alianza entre Carlos Fajardo y Juan Manuel Prieto, surgida tras ganar el Certamen de Danza española y Flamenco de Madrid con su espectáculo Raigambre. Fieles a sus principios, emprenden ahora un viaje que revisita distintos momentos del flamenco, desde los cafés cantantes y el inicio de los

tablaos hasta la contemporaneidad, en su nueva propuesta Mosaico español.

Similares intenciones mueven a la también joven compañía Deloflamenco, la primera en su etilo surgida en Fuerteventura que, con dirección de Anna Villacampa, se ha propuesto ofrecer al turista de las islas una visión fidedigna del baile español desde propuestas rigurosas en la ejecución y creativas en la concepción como Maridajes o

De cal y Arena. En cambio, desde su creación en 2002, Malucos Danza, la compañía que dirige Carlos Chamorro en Galapagar (Madrid), ha venido cultivando un flamenco fusionado con otros lenguajes escénicos del que ha salido un vocabulario personal y un particular modo escénico que se manifiesta plenamente en producciones recientes como Los dioses no lloran ni vierten lágrimas o la muy teatral Vecinos.

La figura de la bailaora-creadora sigue teniendo vigencia en los trabajos de artistas como la almeriense Anabel Veloso que, avalada por más de una década de recorrido escénico, ha estrenado en la Bienal de Sevilla su nueva creación Oro sobre azul, en la que mira hacia Portugal, tierra de su padre, inundando su flamenco personal con guiños al fado y la cultura lusa.

También en esta línea se inscribe María Juncal, artista de Las Palmas de Gran Canaria, que sigue la estela de su familia, los Borrull, todo un referente en el mundo flamenco. En su nueva incursión, Bailaoras, se rodea de seis intérpretes femeninas, guitarras, cante y percusión, para rendir homenaje a las mujeres que han mantenido la tradición.

Y sobre la base del clasicismo flamenco trabaja también Rita Clara, que junto al guitarrista Jesús Rodríguez, fusiona dramaturgia y vanguardia, aproximándose a problemáticas de nuestro tiempo como ocurre en su novena producción La dama de blanco, que aborda en forma de alegoría el drama terrible de las drogas.

Es amplia y creciente la familia del flamenco en España, por lo que muchos artistas optan por asociarse para enfrentar la producción, distribución y dirección de sus espectáculos. Art & Danza Promotions es pionera en esta modalidad. Carmen Cantero, su directora, ha mantenido el firme propósito de apostar por la danza española y el flamenco de calidad gestionando a artistas como Antonio Molina “El Chorro”, La Venidera, La Lupi, Ballet Flamenco de Andalucía, Ballet Nacional de España y, desde luego, el Ballet Carmen Cantero. Ò

flamenco All the facets of flamenco remain active. Traditional, new flamenco, Spanish dance, neo-folk… The panorama is ample as you can see below.

For many spectators outside Spain (and some even within) flamenco is supposed to have its intrinsic design. Nothing could be further from the truth considering today’s hybrid trend of scenic arts that abounds with about as many categorized art forms as performing artists.

Traditional flamenco and new flamenco, Spanish dance and contemporary dance, folk and neo-folk dance are but some of the languages fluctuating in the lively scenic reality of flamenco today.

Increasing in popularity, flamenco is reclaiming its position at the international forefront of dance, but the justification for its position lies in its authenticity and the recognition of the roots and origins of Spain’s most popular dance. Viva, the new, applauded creation by Manuel Liñán, is tremendously transgressive in the sense that its all-male cast take up the roles of women in the play. Liñán and his boys, exorcising the woman within them, dress in long-tailed gowns, shawls, and engage in the fierce and rigid foot-tapping demanded of the female flamenco dancer. The performance shall not be seen as a parody or vaudeville travesty, but as a gesture of equality. It serves to demonstrate that the differences in gender in flamenco are merely conventional. In their brand new creation La otra escena [The Other Scene], Liñán once again breaks ground and shows his aggressive stage personality.

Another resounding performance is by the Andalusian María del Mar Suárez La Chachi. She surprises us in her solo La espera [The Waiting]. The performance is a mix of flamenco and electronic music with a touch of religious irreverence when a nun engages in a debate between art and faith.

For their part, Marco Vargas & ChloéBrûlé, working in tandem since 2005, have presented Los cuerpos celestes [The Heavenly Bodies]. For this performance they have abandoned the duet format for the first time and looked for assistance from the musician Miguel Marín as

well as additional dancers. The stage has been changed into an astronomic observatory, from whose telescope they can see the Milky Way or Alpha Centauri. However, it also serves as a kind of microscope from which they can see themselves, their dance, and inner universe.

And for those who think that flamenco is purely about emotions, there are proposals such as those of the flamenco dancer and philosopher Fernando López. True to the roots of flamenco, The Tenerife-based Obdulia Bustos from Malaga is delving into an exploration of the body and its movements.

In her solo Pensador [Thinker], López reflects on what we are and what we have been.

From this reflection he derives at issues such as the historical memory, gender roles, and violence towards women. She, in turn, is heavily engaged in the preparation of New Woman, the new production for her company Obdulia Bustos Flamencurías, which can be characterised as a study of active creativity.

Her approach is based on Marcel Duchamp’s assertion that you should think before and after creation, but never during.

Folkloric Touches Based on the firm belief that folklore is neither static nor incapable of developing, artists throughout the country have applied a 21th century perspective to delve into serious research of the vast heritage of Spanish folklore. One of them is the young creator Sara Cano, who after her solo Sintempo [Without Tempo], staged her ambitious choreography Vengo [Here I come]. In this performance she boldly attempts to reinvent popular folklore with a contemporary expression. Sara Calero is another creator positioning herself as innovator of Spanish dance and flamenco. In her stunning Fandango Avenue, a solo that takes us back to the 40s and 50s, she showcases flamenco in the golden age of musicals and the heyday of Broadway’s imagination.

Albeit a defender of Spanish dance at any cost, Daniel Doña is also an artist of his time. His contemporary perspective is transmitted in everything he creates.

Campo cerrado [Closed Field], his latest street performance, is no exception. Visually striking, a trio with eye-catching, big hats deal with the concepts of identity and diversity in post-war Spain. Resistance, persistence,

repression, rebellion, and exile are the themes presented in this new creation.

Veteran creator Manuel Segovia also declares himself committed to disseminating the riches of Spanish dance from a free contemporary scenic perspective. For 25 years he has been true to these principles with his company Ibérica de Danza. He recently staged Figaro, the Barber of Seville, where the codes of comic art merge with the expressive forms of Spanish dance. His presentation was imaginative, funny, and above all colourful.

We Are Flamenco As exponents of defending Spanish dance in all its art forms (the bolero school, stylised dance, classical Spanish and folklore), Carlos Fajardo and Juan Manuel Prieto formed an alliance in 2014. They did so upon winning the Spanish Dance and Flamenco Contest in Madrid with their performance Raigambre. Their alliance became known as the group dSyR (De sangre y Raza).True to their principles, they are now embarking on a journey through the distinct moments in the history of flamenco.

From the live-music cafés, to the dawns of the flamenco taverns or ‘tablaos’ as they are called, and back to the contemporary scene, it can all be seen in their new proposal Mosaico español [Spanish Mosaic].

Similar intensions have spurred on another young company Deloflamenco from Fuerteventura. Pioneering a new style, this company directed by Anna Villacampa, has been offering tourists on the islands authentic proposals in line with the vision of Spanish dance. Amongst such proposals are Maridajes [Pairings] or De cal y Arena [Of Lime and Sand], both as rigorous in execution as creative in conception. In contrast, since its creation in 2002, Malucos Danza, the company run

by Carlos Chamorro in Galapagar, Madrid, has been working on merging flamenco with other scenic languages. From this activity has sprung out a personal vocabulary and a particular scenic style. It is manifested fully in recent productions such as Los dioses no lloran ni vierten lágrimas [The Gods Neither Cry Nor Shed Tears] or the very theatrical piece Vecinos [Neighbours].

The importance of the flamenco dancer/ creator is still evident in the works of artists such as Anabel Veloso from Almeria.

This seasoned artist with over a decade

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Beatrix Molnar

Home-grown

Campo cerrado / Daniel Doña.

of stage experience has now presented her new creation Oro sobre azul [Gold on a Blue Backdrop] at the Bienal in Seville. The performance looks towards Portugal, the land of her father, overflowing her personal flamenco style with allusions to Portuguese culture such as its music fado.

Along these lines, we should also note the artist from Las Palmas, Gran Canaria, María Juncal. She follows in the footsteps of her family, the Borrull, who set a benchmark for the world of flamenco. In her new contribution, Bailaoras [Female Flamenco Dancers], she is surrounded by six female performers. With guitars, percussions, and singing, they pay tribute to the women who have kept up this tradition.

Founded on the classicism of flamenco, we also find the works of Rita Clara, who together with the guitarist Jesús Rodríguez, add an avant-garde approach to their playwriting about the problems of our time.

Such occurs in her ninth production La dama de blanco [The Lady in White], which in allegorical form deals with the terrible drama of drugs.

The flamenco family of Spain is not only vast, but also growing. Therefore, many of its artists opt to join forces to deal with the matters of producing, distributing and managing their performances. Art & Danza Promotions is a pioneer in this endeavour. Carmen Cantero, its director, has consistently been dedicated to upholding the quality of Spanish dance and flamenco. The organisation manages the affairs of artists and companies such as Antonio Molina “El Chorro”, La Venidera, La Lupi, Flamenco Ballet of Andalusia, The National Ballet of Spainand, not least, The Carmen Cantero Ballet.

Autochtones

flamenco Tous les versants du flamenco sont terriblement vivants. Traditionnel, nouveau flamenco, danse espagnole, néofolk… l’éventail est large. Le voici.

Pour beaucoup de spectateurs en dehors de l’Espagne (et pour certains aussi en Espagne), le flamenco est unique et n’a qu’une forme possible. Et rien n’est plus loin de la réalité à la lumière hybride des arts du spectacle actuels, qui semblent décréter qu’il y a autant de styles que d’artistes qui dansent. Flamenco traditionnel et nouveau flamenco, danse espagnole et danse contemporaine, folk et néofolk, la réalité de la scène flamenco d’aujourd’hui oscille parmi ces langages.

Avec un dynamisme en hausse, le flamenco revendique son appartenance à la danse d’avant-garde internationale, mais sa légitimité dépend de la fidélité et de la connaissance, du respect des racines et des origines de la danse espagnole la plus populaire. Viva, la nouvelle création très acclamée de Manuel Liñán, est extrêmement transgressive dans la mesure où tous les interprètes sont masculins pour représenter les rôles féminins du flamenco.

Liñán et ses hommes exorcisent le côté féminin en eux et s’approprient les traînes des robes de flamenco, les châles, les talons et l’animalité féminine, tout en préservant rigueur et exigence de la danse flamenco

féminine. Ils ne dansent pas à partir de la parodie et du vaudeville travesti mais pour revendiquer un geste d’égalité, pour montrer que ces différenciations de genre dans le flamenco sont tout simplement une convention. Dans sa toute nouvelle création La otra escena, Liñán à nouveau rompt les schémas classiques et montre sur scène sa personnalité provocante.

Irrésistible est également l’Andalouse María del Mar Suárez La Chachi, qui a surpris avec son solo La Esperanza, un mix entre flamenco et musique électronique aux airs irrévérents face à la religion, dans lequel une religieuse se débat entre l’art et la foi. De leur côté, Marco Vargas & Chloé Brûlé, en tandem depuis 2005, ont créé Los cuerpos celestes, proposition pour laquelle ils abandonnent le format en duo à la recherche de nouvelles complicités, avec le musicien Miguel Marín et avec d’autres corps dansants. Ils transforment la scène en un observatoire astronomique où d’un télescope ils observent la Voie lactée ou Alpha du Centaure. Mais également, comme s’il s’agissait à la fois d’un microscope, ils s’observent, observent leur danse et leur univers intérieur.

Et pour ceux qui pensent que le flamenco est purement viscéral, les propositions de Fernando López, un philosophe danseur, et de Obdulia Bustos résidant à Tenerife sont là pour les contredire. Dans les deux cas, la construction du spectacle s’articule autour d’une profonde recherche sur le corps et le mouvement à partir des racines du flamenco. Dans son solo Pensador, López réfléchit à qui nous sommes et à ce que nous avons été, en faisant émerger des questions encore irrésolues telles que la mémoire historique, les rôles d’identité sexuelle ou la violence conjugale. Pour sa part, Obdulia est actuellement en pleine préparation de New Woman, la nouvelle production de sa compagnie Obdulia Bustos Flamencurías. Cette pièce se révèle comme une étude du processus créatif, dans laquelle l’artiste se demande dans quelle mesure Marcel Duchamp a raison lorsqu’il déclare qu’il faut penser avant et après la création mais jamais Ò pendant.

Rubén Olmo

Aux airs folkloriques

Prônant la défense de la danse espagnole sous tous ses aspects («escuela bolera», danse stylisée, classique espagnol et folklore), le jeune collectif dSyR (De sangre y Raza)

BNE

Rubén Olmo prepara el estreno de La bella Otero, que será su gran apuesta para la próxima temporada.

Rubén Olmo is preparing the premiere of La bella Otero, which will be his main commitment for the coming season.

Jauleña, un solo con inspiración en Granada, supuso el debut del Rubén Olmo bailaor al frente del Ballet Nacional de España, justo antes de la irrupción de la pandemia de la covid19.

La coreografía se alza como un cruce de escuela bolera, danza estilizada y flamenco, en lo que parece una declaración de intenciones del bailaor y coreógrafo sevillano, que además ha estrenado en el marco del Festival de Jerez Invocación, su primer trabajo de envergadura para la compañía. También ha adelantado ya el título que será su gran apuesta de la temporada que viene: La bella Otero, un ballet flamenco inspirado en la fabulosa bailarina de la Belle Epoque.

Viva / Manuel Liñán.

se forme en 2014 à partir de la collaboration entre Carlos Fajardo et Juan Manuel Prieto qui prend naissance après avoir remporté le concours de danse espagnole et de flamenco à Madrid avec leur spectacle Raigambre. Fidèles à leurs principes, dans leur nouveau spectacle Mosaico español, ils se lancent désormais dans un voyage qui redécouvre différents moments du flamenco, les cafés chantants, les débuts des tablaos et la contemporanéité.

La jeune compagnie Deloflamenco, la première du genre à émerger sur l’ìle de Fuerteventura se meut par des intentions similaires. Sous la direction d’Anna Villacampa, cette compagnie propose aux touristes des îles une vision fidèle de la danse espagnole à partir de propositions extrêmement rigoureuses dans l’exécution et très créatives dans la conception comme dans Maridajes ou De cal y Arena. Quant à Malucos Danza, la compagnie dirigée par Carlos Chamorro à Galapagar (Madrid), depuis sa création en 2002, elle cultive un flamenco qui fusionne d’autres langages scéniques d’où émerge un vocabulaire personnel et un mode de concevoir la scéne tout à fait particulier et qui se manifeste pleinement dans les productions récentes telles que Los dioses no lloran ni vierten lágrimas ou la très théatrale Vecinos.

La créatrice – danseuse de flamenco est un profil que l’on retrouve dans les creátions d’artistes comme Anabel Veloso d’Almeria qui, cautionnée par un parcours scénique de plus de dix ans, a créé pour la Biennale de

Flamenco de Séville son nouveau spectacle Oro sobre azul. À cette occasion, elle se tourne vers le Portugal d’où son père est originaire et illumine son flamenco personnel de clins d’œil au fado et à la culture portugaise.

Dans cette même lignée, nous trouvons María Juncal, une artiste de Las Palmas de Gran Canaria, qui suit le sillage de sa famille, les Borrulls, une référence dans le monde du flamenco. Dans sa nouvelle exploration, Bailaoras, elle s’entoure de six interprètes féménines, guitares, chant et percussions dans un hommage aux femmes qui ont su préserver la tradition. Sur la base d’un classicisme flamenco, Rita Clara qui travaille avec le guitariste Jesús Rodríguez, fusionne la dramaturgie et l’avant-garde et aborde des problèmes actuels. C’est le cas dans sa neuvième production La dama de blanco, qui aborde, sous forme d’allégorie, le terrible drame de la drogue.

La famille flamenco en Espagne est très large et en croissance perpétuelle. Beaucoup d’artistes choisissent de s’associer pour faire face à la production, à la distribution et à la mise en scène de leurs spectacles. Art & Danza Promotions est pionnier dans cette modalité. Carmen Cantero, sa directrice, maintient la ferme intention de soutenir des artistes de la danse espagnole et d’un flamenco exigeant comme Antonio Molina «El Chorro», La Venidera, La Lupi, le Ballet Flamenco d’Andalousie, le Ballet Nacional d’Espagne et, bien sûr, le Ballet Carmen Cantero.

Jauleña, a solo with inspiration from Granada, was the debut performance by the flamenco dancer Rubén Olmo presented at the Ballet Nacional de España [National Ballet of Spain], just before the outbreak of the covid-19 pandemic. The choreography appears to be intentionally raised as a cross between the bolero school, stylised dance, and flamenco by this Sevillian flamenco dancer and choreographer. His first work of importance for the company, Invocación [Invocation], was presented within the framework of the Jerez Festival. He has also revealed the title of what is to be his great commitment for the coming season, La bella Otero [The Beautiful Otero], a flamenco ballet inspired by the fabulous dancer of the belle époque.

Rubén Olmo

BNE

Rubén Olmo prépare la première de La bella Otero, son grand enjeu pour la saison prochaine

James Rajotte

Être Flamenco

BNE

La marcosGpunto

Partant de la ferme conviction que le folklore n’est ni statique ni immuable, les artistes de notre territoire, dans une optique du XXIème siècle, se sont sérieusement penchés sur le vaste patrimoine du riche folklore espagnol.

C’est le cas de la jeune créatrice Sara Cano, qui après son solo Sintempo, a monté son ambitieuse chorégraphie Vengo, dans laquelle elle tente une réinvention du populaire sans craindre l’expression «contemporain». Également, Sara Calero se positionne comme une innovatrice de la danse espagnole et de la danse flamenco, dans son éblouissant Fandango avenue, un solo qui survole les années 40 et 50, inscrivant le flamenco dans l’âge d’or des comédies musicales et de l’imaginaire de Broadway.

Fervent défenseur de la danse espagnole, Daniel Doña est aussi un artiste de son temps et pose son regard de créateur contemporain dans tout ce qu’il fait. Campo cerrado, sa dernière pièce, conçue pour l’espace public, n’est pas une exception.

Détonnant visuellement, ce trio de saisissants chapeaux géants aborde les concepts d’identité et de diversité dans le contexte de l’Espagne d’après-guerre.

Résistance, persévérance, répression, rébellion et exil sont les thèmes de cette nouvelle création.

Engagé également à la diffusion de la richesse de la danse espagnole mais à partir de la liberté qu’offre la scéne contemporaine, l’expérimenté créateur Manuel Segovia avec sa compagnie Ibérica de Danza se maintient fidèle à ces principes depuis 25 ans. Il a récemment créé Fígaro et Barbero de Sevilla, deux montages où il croise les codes de la Commedia dell’Arte avec les formes expressives de la danse espagnole, dans une mise en scène pleine d’imagination, ludique et très colorée.

Rubén Olmo

Rubén Olmo / Ballet Nacional de España.

Jauleña, un solo qui trouve son inspiration dans la ville de Grenade, a marqué les débuts du danseur Rubén Olmo à la direction du Ballet National Espagnol, poste auquel il a été nommé juste avant le déclenchement de la pandémie de la covid19. La chorégraphie se présente à la croisée de la «escuela Bolera», la danse stylisée et le flamenco, dans ce qui semble être une déclaration d’intention du danseur et chorégraphe sévillan. Il a également créé pour le Festival de Flamenco de Jerez son premièr spectacle d’envergure pour le compagnie, Invocación. Son grand enjeu pour la saison à venir est La bella Otero, un ballet flamenco qui s’inspire de la magnifique danseuse de la Belle Epoque.

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index of names 2Proposiciones danza-teatro

Dance Theater.

Artistic Director(AD): Raquel Madrid.

City (C): Sevilla.

Web (W): www.dosproposiciones.es See page (SP): 44 46 47

Aïda Colmenero Dïaz Contemporary.

AD: Aída Colmenero.

C: Barcelona.

W: www.aidacolmenerodiaz.com SP: 39 40 41

Alicia Soto Hojarasca

Contemporary.

AD: Alicia Soto.

C: Burgos.

W: www.hojarasca-danza.com SP: 39 40 41

Anabel Veloso Compañía Flamenco.

AD: Anabel Veloso.

C: Almería.

W: www.anabelveloso.com SP: 55 56 58

Andanzas

New Flamenco.

AD: Juana Casado.

C: Sevilla.

W: www.atalaya-tnt.com SP: 38 40 41

Aracaladanza

Dance for the Family Audiences.

AD: Enrique Cabrera.

C: Madrid.

W: www.aracaladanza.com SP: 48 49 49

Art & Danza Promotions

Spanish Dance.

Management (M): Carmen Cantero & Ricardo López.

C: Madrid.

W: www.artflamencoevents.com SP: 55 57 58

Ballet Contemporáneo de Burgos Contemporary.

AD: Alberto Estébanez.

C: Burgos.

W: www.danzaburgos.com SP: 23 24 25

Ballet Nacional de España

Spanish Dance / Flamenco.

AD: Rubén Olmo.

C: Madrid.

W: www.balletnacional.mcu.es SP: 59 59 59

Bárbara sánchez

Experimental.

AD: Bárbara Sánchez.

C: Sevilla.

W: www.barbarasanchez.es SP: 20 21 21

Begoña Quiñones / Verónica Garzón Contemporary.

AD: B. Quiñones / V. Garzón.

C: Madrid.

W: www.beveg.wordpress.com SP: 30 33 35

Caminantes Danza Dance Theater.

AD: Pepa Sanz.

C: Madrid.

W: www.beveg.wordpress.com SP: 45 46 47

Carmen Macías

Contemporary.

AD: Carmen Macías.

C: Tenerife.

W: www.dancefromspain.feced.org/carmen-macias SP: 13 17 19

Cienfuegos Danza Contemporary.

AD: Yoshua Cienfuegos.

C: Valencia-Madrid.

W: www.cienfuegosdanza.com SP: 23 24 25

Compañía Baal

Experimental.

AD: Catalina Carrasco & Gaspar Morey.

C: Mallorca.

W: www.baaldansa.com SP: 28 32 34

Compañía caraBdanza

Contemporary / Dance for the Family Audiences.

AD: Iván Serrano & Gonzalo Díaz.

C: Madrid.

W: www.carabdanza.com SP: 48 49 49

Compañía Carmen fumero Contemporary.

AD: Carmen Fumero.

C: Madrid.

W: www.ciacarmenfumero.info SP: 29 33 35

Compañía Daniel Abreu

Compañía Nacional de Danza

Ballet-Neoclassical-Contemporary.

AD: Joaquín de Luz. C: Madrid.

W: www.cndanza.mcu.es See page: 62 62 62

Compañía Nómada

Contemporary.

AD: Roberto Torres.

C: Tenerife.

W: www.elteatrovictoria.com SP: 13 17 18

Compañía Paloma hurtado pieldEarenA Contemporary.

AD: Paloma Hurtado.

C: Santa Cruz de Tenerife.

W: www.palomahurtado.wordpress.com SP: 13 17 19

Compañía Rosa Cerdo

Experimental.

AD: Silvia Balvín y Alberto Almenara.

C: Sevilla.

W: www.lemuragency.com SP: 15 17 19

Compañía Sharon Fridman Contemporary.

AD: Sharon Fridman.

C: Madrid.

W: www.sharon-fridman.com SP: 12 16 18

Dani Pannullo Dance theatre Co. Urban Dance.

AD: Dani Pannullo.

C: Madrid.

W: www.danipannullo.com SP: 42 43 43

Daniel Doña Compañía de Danza

Contemporary.

AD: Daniel Abreu.

C: Madrid.

W: www.danielabreu.com SP: 14 17 19

Spanish Dance.

AD: Daniel Doña.

C: Madrid.

W: www.danieldona.es SP: 54 56 58

Compañía Daniel Morales

Danza Down Compañía Elías Lafuente

Contemporary.

AD: Daniel Morales.

C: La Laguna.

W: www.danceinterfaces.com SP: 13 17 19

Physically Integrated Dance.

AD: Elías Lafuente.

C: Madrid.

W: www.danzadown.es SP: 50 51 51

Compañía Fernando Hurtado

Danza Móbile

Contemporary.

AD: Fernando Hurtado.

C: Nerja.

W: www.ciafernandohurtado.com SP: 14 17 19

Compañía Elías Aguirre Contemporary.

AD: Elías Aguirre.

C: Madrid.

W: www.eliasaguirre.es SP: 28 32 34

Physichally Integrated Dance.

AD: Esperanza Valderrama.

C: Sevilla.

W: www.danzamobile.com SP: 50 51 51

David Vento Dance Theater Dance Theater.

AD: David Ventosa.

C: Madrid.

W: www.davidvento.com SP: 42 43 43

DSyR Compañía de Danza

Instituto Stocos

Lucía Vázquez Madrid

Mercedes Pedroche

Deloflamenco

Iron Skulls

Malucos Danza

Mey-Ling Bisogno

Enclave Danza

Julia Godino i Alexa Moya

Manuela Nogales Danza

Milagros Galiano

Spanish Dance.

AD: Juan Manuel Prieto / Carlos Fajardo.

C: Madrid.

W: www.desangreyraza.com SP: 54 56 58 Flamenco.

AD: Ann Villacampa.

C: Las Palmas.

W: www.deloflamenco.com SP: 55 56 58

Contemporary.

AD: Cristina Masson.

C: Madrid.

W: www.enclavedanza.es SP: 39 40 41

Ertza

Contemporary.

AD: Asier Zabaleta.

C: Guipúzcoa.

W: www.ertza.com SP: 28 32 34

Fernando LR

New Flamenco.

AD: Fernando Parra.

C: Madrid.

W: www.lrparrafernando.com SP: 53 56 57

Flamencuría Obdulia Bustos New Flamenco.

AD: Obdulia Bustos.

C: Tenerife.

W: www.obduliabustos.com/ SP: 53 56 57

FueradelEje Contemporary.

AD: Iñaki Fortún.

C: Pamplona.

W: www.fueradeleje.com SP: 29 32 34

Hermanas Gestring Experimental.

AD: Greta García y Laura Morales.

C: Sevilla.

W: www.hermanasgestring.com SP: 20 21 21

Ibérica de Danza

Spanish Dance.

AD: Manuel Segovia & Violeta Ruiz.

C: Madrid.

W: www.ibericadedanza.com SP: 54 56 58

Contemporary.

AD: Muriel Romero & Pablo Palacio.

C: Madrid.

W: www.stocos.com SP: 12 16 18 Urban Dances.

AD: Moe. C: Barcelona.

W: www.ironskulls.universobboy.com SP: 42 43 43

Contemporary.

AD: Julia Godino / Alexa Moya.

C: Barcelona.

W: www.instagram.com.lasdelpicnic SP: 15 17 19

Kor’sia

Contemporary.

AD: Mattia Russo & Antonio de la Rosa.

C: Madrid.

W: www.kor-sia.com SP: 22 24 25

La Casquería

Contemporary.

AD: Raquel Lobato & Anna París.

C: Sevilla.

W: www.la-casqueria5.webnode.es SP: 12 16 18

La Chachi

New Flamenco.

AD: María del Mar Suárez.

C: Sevilla.

W: www.facebook.com/mariadelmar.suarezchachi SP: 53 56 57

La Intrusa Danza

Dance Theater.

AD: Damián Muñoz & Virginia García.

C: Barcelona.

W: www.laintrusadanza.com SP: 44 46 47

La Veronal Dance Theater.

AD: Marcos Morau.

C: Barcelona.

W: www.laveronal.com SP: 22 24 25

Larumbe Danza

Dance for the family.

AD: Juan de Torres & Daniela Merlo.

C: Madrid.

W: www.larumbedanza.com SP: 48 49 49

Iker Karrera

Losdedae

Ibérica de Danza

La Quebrá

Contemporary.

AD: Iker Karrera.

C: Madrid.

W: www.rotativaperformingarts.com SP: 28 32 34 Spanish Dance.

AD: Manuel Segovia & Violeta Ruiz.

C: Madrid.

W: www.ibericadedanza.com SP: 54 56 58

Contemporary.

AD: Chevi Muraday.

C: Madrid.

W: www.losdedae.com SP: 30 33 35 Contemporary.

AD: Irene García.

C: Murcia.

W: www.laquebra.com SP: 30 33 35

Contemporary.

AD: Lucía Vázquez Madrid.

C: Sevilla.

W: www.luciavazquezmadrid.com SP: 12 16 18 New Flamenco.

AD: Carlos Chamorro.

C: Madrid.

W: www.carloschamorrodanza.com SP: 12 16 18

Contemporary Dance.

AD: Manuela Nogales.

C: Sevilla.

W: www.manuelanogales.webnode.es SP: 38 40 41

Manuel Liñán Flamenco.

AD: Manuel Liñán.

C: Madrid.

W: www.manuelinan.com SP: 52 56 57

Manuel Rodríguez Experimental.

AD: Manuel Rodríguez.

C: Barcelona.

W: www.manuelrodriguezr.com SP: 20 21 21

Marcat Dance Coontemporary.

AD: Mario Bermúdez.

C: Vilches.

W: www.marcatdance.com SP: 13 16 18

Marco Vargas & Chloé Brûlé

New Flamenco.

AD: Marco Vargas & Chloé Brûlé.

C: Sevilla.

W: www.marcovargas-chlorbrule.com SP: 53 56 57

María Juncal Flamenco.

AD: María Juncal.

C: Madrid.

W: www.mariajuncal.es SP: 55 57 58

Marina Mascarell Coontemporary.

AD: Marina Mascarell.

C: La Haya.

W: www.marinamascarell.com SP: 29 32 34

Matarile

Dance Theater.

AD: Ana Vallés.

C: La Coruña.

W: www.matarileteatro.net SP: 44 46 47

Metamorphosis Dance Company

Coontemporary.

AD: Iratxe Ansa / Igor Bacovich.

C: Madrid.

W: www.metamorphosiswebpage.com SP: 13 16 18

Contemporary.

AD: M. Pedroche.

C: Madrid.

W: www.lapedroche.com SP: 30 40 41 Dance Theater.

AD: Mey-Ling Bisogno.

C: Madrid.

W: www.meylingbisogno.info SP: 31 33 35

Contemporary.

AD: Milagros Galiano.

C: Madrid.

W: www.milagrosgaliano.com SP: 38 40 41

mopa

Experimental.

AD: Juan Luis Matilla.

C: Sevilla.

W: www.soyunamopa.com SP: 31 33 35

Natalia JimÉnez Proyecto Conjugaciones Experimental.

AD: Natalia Jiménez.

C: Sevilla.

W: www.nataliajiga.weebly.com SP: 15 17 19

Octubre Danza

Experimental.

AD: Salud López.

C: Sevilla.

W: www.enlugardecreacion.org SP: 20 21 21

Ogmia

Contemporary.

AD: Eduardo Vallejo Pinto.

C: Madrid.

W: www.ogmia.net SP: 39 40 41

Olga Pericet New Flamenco.

AD: Olga Pericet.

C: Madrid.

W: www.olgapericet.com SP: 38 40 41

OtraDanza Contemporary Dance.

AD: Asun Noales.

C: Alicante.

W: www.otradanza.es SP: 14 17 19

R.E.A. Danza Contemporary.

AD: Diego Arias.

C: Málaga.

W: www.readanza.com SP: 29 33 35

Rita Clara Spanish Dance.

AD: Rita Clara.

C: Madrid.

W: www.ritaclara.com SP: 55 57 58

Sara Calero Spanish Dance.

AD: Sara Calero.

C: Madrid.

W: www.saracalero.com SP: 54 56 58

Sara Cano New Flamenco.

AD: Sara Cano.

C: Madrid.

W: www.saracano.es SP: 54 56 58

Taiat Dansa

Contemporary.

AD: Meritxell Barberá / Inma García.

C: Valencia.

W: www.taiatdansa.com SP: 22 24 25

La Tarasca

Dance Theater.

AD: Lucía Bocanegra.

C: Sevilla.

W: www.cialatarasca.com SP: 45 46 47

La Turba

Contemporary.

AD: Carlota Berzal.

C: Sevilla.

W: www.carlotaberzal.es SP: 45 46 47

TrasPediante Contemporary.

AD: Paula Quintas.

C: Santiago de Compostela.

W: www.paulaquintas.com SP: 38 40 41

Zen del Sur

Contemporary.

AD: Carlos López Aragón & Antonio Vargas.

C: Cádiz.

W: www.zendelsur.com SP: 12 16 18

Zig Zag Danza

Dance for the Family Audiences.

AD: Estrella García.

C: Gijón.

W: www.zigzagdanza.com SP: 48 49 49

Zukdance

Contemporary.

AD: Itsaso A. Cano.

C: Pamplona.

W: www.zukdance.com SP: 28 32 34

Reinier Alfonso

Contemporary.

AD: Reinier Alfonso.

C: Las Palmas.

W: www.dancefromspain.feced.org/reinier-alfonso SP: 29 32 34

*Más información sobre estas y otras compañías en www.dancefromspain.net

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Joaquín de Luz

Joaquín de Luz

Joaquín de Luz

CND

CND

Giselle es la apuesta más ambiciosa de la Compañía Nacional de Danza.

Giselle is the most ambitious project to date by the Compañía Nacional de Danza.

Giselle est le pari le plus ambitieux de la Compagnie Nationale de Danse

Joaquín de Luz enfrenta su primer gran reto artístico al frente de la Compañía Nacional de Danza este diciembre cuando estrene su propia versión de Giselle, en el Teatro La Zarzuela de Madrid. Sin perder su espíritu romántico ni su impronta fantasmal, la acción del ballet más emblemático del Romanticismo, aparecerá ambientada en España. Simultáneamente, la agrupación estatal demuestra versatilidad recuperando a Nacho Duato en su repertorio, con la reposición de su dramática White Darkness, que se presentará en el Teatro Real, haciendo programa con obras de Balanchine y Alexei Ratmansky.

Joaquín de Luz will face his first great artistic challenge as head of the Compañía Nacional de Danza [Spain’s National Dance Company] this December when premiering his own version of Giselle, at the La Zarzuela Theatre in Madrid. Without losing its romantic spirit or phantasmal footprint, the action in one of the most emblematic romanticist ballets will be situated in Spain.

Simultaneously, the state group will show their versatility by reintegrating Nacho Duato in the repertoire. The repositioning of his dramatic White Darkness will be presented at the Royal Theatre, together with works by Balanchine and Alexei Ratmansky.

En décembre, Joaquín de Luz se confrontera à son premier grand défi artistique à la direction de la Compagnie Nationale de Danza. Il projette de créer pour le Théâtre de La Zarzuela de Madrid sa propre version de Giselle. Sans lui ôter de son esprit romantique ni de son empreinte fantasmagorique, l’action du ballet le plus emblématique du romantisme se droule en Espagne. En parallèle, la compagnie publique fait preuve de polyvalence en récupérant pour son répertoire le chorégraphe Nacho Duato et la reprise du dramatique White Darkness.

Cette pièce se présentera au Théâtre Real et agencera une soirée au côté de pièces de Balanchine et Alexei Ratmansky.

Alba Muriel

CND

Giselle / Compañía Nacional de Danza.

ALCALÁ DE HENARES ÁVILA BAEZA CÁCERES CÓRDOBA CUENCA IBIZA/EIVISSA

FESTIVAL Y PLATAFORMA PARA LA CREACIÓN COREOGRÁFICA EN LAS 15 CIUDADES PATRIMONIO DE ESPAÑA

SEPTIEMBRE 2021

MÉRIDA SALAMANCA SAN CRISTÓBAL DE LA LAGUNA SANTIAGO DE COMPOSTELA SEGOVIA TARRAGONA TOLEDO

CHEY JURADO ©Antonio Ovejero

ÚBEDA

www.lanochedelpatrimonio.com