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marzo/aprile/maggio march/april/may 2013
37 Direttore responsabile/Editor in chief Carlo Ludovico Russo
Editoriale
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News
6 Books 8 Exhibition
Direttore/Editor Franco Mirenzi
12 Award 14 Fairs
Consulente di redazione Editorial consultant Luisa Castiglioni
16 Contract 26 Hotel
Progetto grafico e consulenza artistica Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi Realizzazione grafica/Graphic designer Elisabetta Maffina Antonietta Scuotri Contributi/Contributors Barbara Basile Marta Bernasconi Ginevra Blanc Maria Catena Caliri Arianna Callocchia Francesca De Ponti Elviro Di Meo Maurizio Giordano Paola Molteni Ester Pirotta Antonietta Radaelli Paolo Rinaldi Sara Schifano Claudia Sugliano Francesca Tagliabue Daniela Zenone DHD Architecture in USA Bradley Wheeler Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo Ufficio abbonamenti/Subscription office Francesca Casale Traduzioni/Translations Fiona Johnston
Franco Mirenzi
36 Project 50 Design Report p
54
Products
58 Forniture
Maria Catena Caliri
Fukuoka
72 Innovare la tradizione/Innovating tradition
Francesca Tagliabue
Chiloé
76 Refugia Lodge
Paolo Rinaldi
Amsterdam
82 Sulle tracce della memoria ritrovata/On the trail of rediscovered memories Elviro Di Meo
Oslo
90 Sapore naturale/Natural style
Francesca Tagliabue
Oslo
94 The Thief
Claudia Sugliano
g Kunming
98 Innhouse
Maurizio Giordano
Miami
102 Fascino meticcio/Hybrid charm
Sara Schifano
Milano
108 Il giardino immaginato/The imaginary garden
Luisa Castiglioni
g Lugano
114 3 in 1
Luisa Castiglioni
Lubiana
120 Vander Urbani Resort
Francesca Tagliabue
Berlino
126 Das Stue
Daniela Zenone
g Shanghai
132 La bellezza della pazzia/The beauty of madness
Francesca Tagliabue
Barcellona
136 Salt. Architettura subacquea/Underwater architecture
Maurizio Giordano
Bucarest
142 Brindare in officina/Raise a glass in the workshop
Francesca Tagliabue
Roma
146 Urban resort historical appeal
Marta Bernasconi
g Parigi
150 Hotel O
Marta Bernasconi
g Parigi
g 156 Nouvelle vague
g Francesca Tagliabue
y Mexico City
gg gg arcobaleno/A vacation under the rainbow 160 Soggiorno
g Francesca Tagliabue
y j Reykjavik
164 Icelandair Hotel
Paolo Rinaldi
Nantes
170 Dal sacro al profano/From the sacred to profane
Barbara Basile
Copertina/Cover: Hostal Buena Vida, Mexico City Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial Offices Direzione, amministrazione, pubblicità Management, Administration, Advertising Via Lucano 3 20135 Milano Tel. 02/5516109 – Fax 02/5456803 www.designdiffusion.com Pubblicità/Advertising DDA Design Diffusion Advertising srl Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5453009 – Fax 02/5456803
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Trimestrale/Quarterly magazine Prezzo/Price Euro 10,00
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Nella buona architettura i dettagli raccontano dall’inizio alla fine il senso dell’opera: per questo noi tutti percepiamo, impegnando la nostra sensibilità e disponibilità alla comprensione, di essere di fronte a qualcosa che esiste grazie a un progetto pensato in modo completo contemporaneamente in diverse scale. I contenuti funzionali, decorativi e poetici avvicinano al linguaggio architettonico anche quanti non sono conoscitori della materia, permettendo di captare, attraverso una sensazione positiva, la qualità e la bellezza dell’edificio. Un luogo deputato all’accoglienza, sia esso un albergo o un centro culturale, deve raccontare se stesso attraverso la propria architettura e svolgere in modo estremamente coerente la propria funzione. Nel tempo, l’evoluzione architettonica ha trasformato il dettaglio prettamente decorativo in una vastissima gamma di applicazioni tecnologiche integrate perfettamente nell’edificio e, talvolta, messe molto in evidenza per enfatizzarne qualità ed efficienza in termini energetici, di comfort, di comunicazione e di economia. Resta agli architetti il compito di armonizzare gli ingredienti, generando un nuovo genere di dettagli.
When we observe a piece of architecture, the details are the punctuation that define the meaning of the construction: for this reason, exploiting our sensitivity and open-minded comprehension, we observe something that exists thanks to plans that were devised in-depth and simultaneously on a number of different scales. The functional, decorative and poetic contents of the project broadcast the architectonic language to the non-expert public, allowing them to perceive the quality and the beauty of the building through positive sensations. Any place that welcomes visitors, a hotel or a cultural center, must narrate its soul through the architecture and coherently describe its purpose. Over time, architectonic evolution has replaced the clearly decorative details with a vast range of technological applications that are perfectly integrated with the building; they can be used to emphasize the quality and the efficiency of the building, in terms of energy, comfort, communication and economics. It is then up to the architects to harmonize the ingredients, generating a new class of architectonic features. Carlo Scarpa, sezione dei propilei, schizzo a matita, tratto dal volume/ Carlo Scarpa, section of the propyleas, pencil drawing, from the book: Carlo Scarpa. I disegni per la Tomba Brion. Inventario, Electa.
Franco Mirenzi
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BOOKS
in this catalogue-monography published by Hatje Cantz. The book was presented during the recent edition of the Cologne Trade Show and it contains a number of designs and sketches. It provides the perfect platform for learning more about the development phases of some classical pieces of design and the more interesting solutions created for buildings and interiors.. AA.VV., Matteo Thun, The index book. Hatje Cantz, www.hatjecantz.de (F. T.)
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chains (Hilton, Hyatt, Sheraton to mention but a few) are inaugurated every week across the world. The interiors are carefully designed with maximum care and attention paid to the details, the furnishings are selected from the catalogues published by the major names in international design… From April 13th, an exhibition organized in the Vancouver Art Gallery presents the best projects in the field of hospitality through technical designs and photographs. OK, so the Grand Hotel Exhibition Headquarters is not just around the block! But don’t worry: the catalogue published by Hatje Cantz will allow everyone to discover the wonderful additions to the international hotel system while sitting comfortably at home. AA. VV., Grand Hotel, Hatje Cantz, www.hatjecantz. (F. T.)
GRAND HOTEL
MATTEO THUN
Da progetti di pubblica utilità (dormire e farsi una doccia lontano dalle mura domestiche, magari mangiando un boccone o bevendo qualcosa in un bar), gli hotel sono diventati un vero e proprio fenomeno culturale. Nuovi alberghi firmati da architetti famosi, boutique hotel ricercati, alloggi di charme e catene di lusso (Hilton, Hyatt, Sheraton, solo per citare i nomi più conosciuti) vengono inaugurati ogni settimana in tutto il mondo. Gli interni sono progettati con la massima cura dei dettagli, gli arredi vengono scelti dai cataloghi dei grandi marchi del design internazionale… Dal 13 aprile, una mostra alla Vancouver Art Gallery mostra i migliori lavori nel campo dell’hospitality attraverso disegni tecnici e fotografie. Certo, la sede della Grand Hotel Exhibition non è proprio dietro l’angolo! Niente paura: il catalogo edito da Hatje Cantz permette di scoprire le eccellenze dell’hotellerie internazionale restando seduti sul divano di casa! AA. VV., Grand Hotel, Hatje Cantz, www. hatjecantz.de (F. T.)
Nato a Bolzano nel 1952, Matteo Thun è uno dei più importanti architetti e designer italiani. Personaggio di spicco nel panorama mondiale della progettazione, Thun fu tra i fondatori di Memphis nel 1981 e direttore creativo di Swatch nel triennio 1990-93. Il suo approccio olistico al progetto gli ha permesso di firmare piccoli complementi, arredi, architetture, hotel. I suoi lavori “dalla città al cucchiaio” sono raccolti in questo catalogomonografia edito da Hatje Cantz. Tra le pagine del libro, presentato durante l’ultima fiera di Colonia, sono raccolti anche alcuni disegni e schizzi progettuali, un’occasione unica per conoscere meglio il percorso di nascita di alcuni pezzi classici del design e interessanti soluzioni per edifici ed interni. AA.VV., Matteo Thun, The index book. Hatje Cantz, www.hatjecantz.de (F. T.)
From their role purely as a public service (for sleeping, having a shower away from home, stopping for a bite to eat or enjoying a drink in a bar), hotels have been transformed into a true cultural phenomenon. New hotels designed by famous architects, stylish boutique hotels, charming residences and luxury
Born in Bolzen in 1952, Matteo Thun is now one of the world’s most famous Italian architects and designers, an important international celebrity in the design world. Back in 1981, Thun was one of the founders of Memphis and he held the position of creative director for Swatch in the three-year period 199093. His holistic approach to design has resulted in a number of small accessories, furnishings, pieces of architecture and hotels. His projects range from the city to the spoon and have been described
ROCK THE SHACK Per la prima volta nella storia, la popolazione che vive nelle città ha superato quella cha abita le campagne e i territori rurali. L’atavico bisogno di passare del tempo in spazi aperti e incontaminati però spinge ‘il cittadino’ a evadere dai confini dei territori inurbati ogni volta che ne ha l’occasione. E così, durante le vacanze, le festività o in un qualsiasi momento libero, l’uomo di città si lascia alle spalle palazzi, cemento e traffico per trovare rifugio sulla cima dei monti, in riva al mare o nella tranquillità dei prati e delle morbide colline. Contro il logorio della vita moderna si raggiungono luoghi altri… Ma senza dimenticare il comfort delle abitazioni di tutti i giorni. Rock the Shack propone una carrellata di rifugi contemporanei: cottage, case sugli alberi, bozzoli abitativi… Questi insoliti edifici, lussuosi o spartani che siano, riflettono appieno il carattere dei loro proprietari. Paesaggi mozzafiato fuori e, dentro, arredi di design e soluzioni salva-spazio. Nulla è lasciato al caso, anche quando si fugge dalla quotidianità. S. Ehmann, S. Borges, Rock the Shack. The Architecture of Cabins, Cocoons and Hide-Outs. Gestalten, www.gestalten.com (F. T.)
For the first time in history, the number of people living in cities has exceeded the number of those in the countryside and rural districts. Nevertheless, the need to spend time in open unspoilt spaces has driven the ‘city-dweller’ to escape from the urban territories on every occasion. Consequently, during the holidays, the festivities or when he has any free-time, the city slicker leaves the tower blocks, the cement and the traffic behind and looks for solace at the top of the mountains, at the seaside or in the peaceful setting of green fields and rolling hills. The chaotic stress of modern living is temporarily replaced with tranquillity… without forgoing any of the comfort of out main residence. Rock the Shack presents a collection of contemporary shelters: cottages, tree houses, pods. These unusual buildings, irrespective of whether they have been given a luxury finish or are basic and sparsely furnished, fully reflect the personality of their owners. Breathtaking landscapes outside and design furnishings with space-saving solutions on the inside. Nothing has been left to chance in this escape from the chaos. S. Ehmann, S. Borges, Rock the Shack. The Architecture of Cabins, Cocoons and Hide-Outs. Gestalten, www.gestalten.com
TREE HOUSES Quando la fantasia incontra la realtà… Non ci sono limiti, neanche in architettura! Sorprende (diciamo pure che lascia a bocca aperta!) scoprire quante case sugli alberi siano state costruite nel mondo. Contemporanee, rustiche o fiabesche, le case sull’albero hanno un innegabile fascino che colpisce tutti, senza distinzione di età: si tratta di piccoli rifugi privati, in cui passare del tempo lontano dai problemi di ogni giorno e in completa simbiosi con la natura. In tutti noi c’è un bambino mai cresciuto, che sogna di arrampicarsi su una ripida scala di legno per raggiungere il suo piccolo nido tra le fronde! Il volume presenta cinquanta costruzioni realizzate da artigiani o disegnate da professionisti, abitazioni private fuori dal comune, ma anche bizzarri hotel e stravaganti bar. Ogni progetto è presentato attraverso un breve testo critico, alcune fotografie e illustrazioni realizzate dall’artista di Los Angeles Patrick Hruby. Philip Jodidio, Tree Houses. Fairy Tale Castles in the Air. Taschen, www. taschen.com (F. T.)
When fantasy meets reality… There are no boundaries, even in architecture! Readers will be speechless and astonished at how many tree houses have been built around the world. These hideaways can be contemporary, rustic or fabulous, but the common factor is that all tree houses attract the attention and imagination of everybody, no matter how old they are. These tiny private shelters are perfect for getting away from the worries of our everyday existence to live in complete symbiosis with nature. Inside each one of us, there is a child still waiting to grow-up, an adventurous spirit who dreams of climbing up a steep wooden ladder to reach the little nest hidden in the branches! The book presents fifty constructions created by artisans or designed by professionals, extraordinary private homes, bizarre hotels and extravagant bars. Each project is presented through a short article, photographs and illustrations produced by the Los Angeles-based artist Patrick Hruby. Philip Jodidio, Tree Houses. Fairy Tale Castles in the Air, Taschen,
JAPAN. ARCHITECTURAL GUIDE
L’architettura contemporanea giapponese ha, da più di mezzo secolo, ottenuto un grande e duraturo riconoscimento a livello mondiale non solo per gli alti livelli di innovazione, ma anche per la risposta sensibile al contesto culturale e fisico del Giappone nel contesto impegnativo del suo ambiente sempre più urbanizzato. Oggi, l’architettura contemporanea giapponese viene ammirata forse quanto la sua controparte tradizionale, con cui mantiene spesso un dialogo significativo. Redatto da Botond Bognar, il volume Japan. Architectural and Cultural Guide di Architettura Guida Giappone introducendo più di 700 esempi significativi di questa architettura fertile, ne delinea lo sviluppo a partire dalla metà del Diciannovesimo secolo fino a oggi. Sono raccontati progetti degli architetti giapponesi più celebri al mondo come Tadao Ando, Shigeru Ban, Arata Isozaki, Toyo Ito, Kengo Kuma, SANAA, Kenzo Tange, ma anche di tanti stranieri che in Giappone hanno avuto la possibilità di sperimentare il proprio linguaggio progettuale come Norman Foster, Herzog&De Meuron, MVRDV, Jean Nouvel, Frank Lloyd Wright. I testi sono illustrati con circa 750 foto a colori, tutte scattate dall’autore, e molti disegni. Informazioni dettagliate su ciascuna voce sono implementate da dati geografici sotto forma di codici QR. Botond Bognar, Japan. Architectural and Cultural Guide, Dom publishers, www.dom-publishers. com (L. C.)
For more than half-a-century, contemporary Japanese architecture has enjoyed enormous and persistent recognition on the world stage, not just for the high degree of innovation in its projects, but for the experts’ sensitive response to the cultural and physical context of Japan amidst the increasing urbanization of the country. At the time of writing, contemporary Japanese architecture is admired just as much as its traditional counterparts with which it maintains an important dialogue. Edited by Botond Bognar, the book ‘Japan. Architectural and Cultural Guide’ presents more than 700 important examples from this fertile architectonic terrain; it describes the development of architecture and culture from the middle of the 20th century to the present day. Included are projects by Japan’s most famous architects such as Tadao Ando, Shigeru Ban, Arata Isozaki, Toyo Ito, Kengo Kuma, SANAA, Kenzo Tange; there are also numerous creations by the many foreigners who grabbed the opportunity to experiment they individual design language – Norman
Foster, Herzog&De Meuron, MVRDV, Jean Nouvel, Frank Lloyd Wright. The articles have been illustrated with numerous drawing and some 750 color prints, all immortalized by the author. Detailed information has been integrated with geographical references in the form of QR codes. Botond Bognar, Japan. Architectural and Cultural Guide, Dom publishers, www.dom-publishers.com (L. C.)
A VOYAGE IN SRI LANKAN DESIGN
Architetto dello Sri Lanka che ha vissuto per parecchi anni anche in Italia, Tilak Samarawickrema si dedica da sempre all’architettura, al design, all’arte e all’artigianalità. Il libro A Voyage in Sri Lankan design illustra con grande ricchezza di contenuti le opere che in più di quarant’anni di lavoro ha sviluppato intrecciando, con grande maestria, la tradizione del suo paese, le forme, i colori, i materiali con la contemporaneità e l’estetica dei nostri giorni. Si parte dalla collaborazione di Samarawickrema negli anni Ottanta presso il National Design Centre che culmina poi con la Shilpa Exhibition per poi passare alla creazione di una linea di tappeti di design, fatti a mano, con la collaborazione dei tessitori di Talagune e Uda Dumbara. Il volume testimonia anche la sua passione per l’arte tramite i disegni rappresentanti le sensuali linee che ricordano la calligrafia di Sinhala, nella zona ovest dello Sri Lanka. Da queste linee si passa al mondo della scultura che include opera fatte con il filo metallico e con animazioni cinematiche. Nella documentazione del percorso di Samarawickrema non mancano le opere architettoniche – che comprendono edifici residenziali, fabbriche, banche, interior – progettate con un pensiero modernista e contemporaneo. Mentre l’arte, l’artigianato e i tappeti manifestano un legame stretto con la tradizione del paese, le architetture sono contemporanee e cosmopolite. Sfogliando il libro e visionando il materiale fotografico, le illustrazioni, le recensioni e i vari articoli si comprende
quanto prezioso sia da sempre il contributo di Tilak Samarawickrema al mondo del design e dell’architettura nello Sri Lanka. Tilak Samarawickrema, A voyage in Sri Lankan design. Art, Craft, Architecture (P. M.)
Tilak Samarawickrema is an architect from Sri Lanka who lived for many years in Italy. His professional expertise has always focused on architecture, design, arts and crafts. The book ‘A Voyage in Sri Lankan design’ is a comprehensive guide to the works produced during his 40-year career, with the traditions of his country, the shapes, the colors and the materials entwined with the contemporary esthetics. The book opens with Samarawickrema’s work in the National Design Centre in the 80s that culminated in the Shilpa Exhibition to then progress to the creation of a line of hand-made design rugs produced in collaboration with the weavers of Talagune and Uda Dumbara. The book demonstrates his passion for art through the sensual designs that are reminiscent of the calligraphy of Sinhala, in the western zones of Sri Lanka. The book then enters the world of sculpture and includes pieces created with metal wire and cinema animation. There is also a section dedicated to Samarawickrema’s architectonic works – with residential buildings, factories, banks and interiors – designed along modernist and contemporary lines. The arts, crafts and rugs clearly illustrate his close bond with the country, the architecture he designed is contemporary and cosmopolitan. Leafing through this book and examining the photographs, the illustrations, the reviews and the various articles, it becomes apparent how precious Tilak Samarawickrema’s contribution has been to the worlds of design and architecture in Sri Lanka. Tilak Samarawickrema, A voyage in Sri Lankan design. Art, Craft, Architecture (P. M.)mondo del design e dell’architettura nello Sri Lanka. Tilak Samarawickrema, A voyage in Sri Lankan design. Art, Craft, Architecture (P. M.)
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EXHIBITION
considerato un pioniere dell’architettura romantica, capace di unire contenuto e funzione. Ne sono esempi, a cui è dedicata la seconda sezione della mostra Spaces of Knowledge, i progetti delle due biblioteche Bibliothèque Sainte-Geneviève (1838-1850) e Bibliothèque nationale de France (1854-1875) (di cui Labrouste curò estensione e restauro). Qui emergono le innovazioni dell’architetto: l’uso dello spazio e della luce, i dettagli decorativi e la visione lungimirante di lasciare esposte le strutture metalliche dell’architettura, favorendo la fruizione fluida dello spazio della biblioteca, che grazie alla visione labroustiana diventa un monumento all’informazione e alla cultura. L’ultima sezione della mostra, Prosperity and Affinities, raccoglie l’influenza che Labrouste ebbe sui suoi contemporanei e su molte generazioni successive (fino a Louis Sullivan, Frank Lloyd Wright e Pier Luigi Nervi). E mentre la New York Public Library sembra destinata al progetto dell’archistar Norman Foster, si può solo sperare che gli architetti contemporanei riescano a guardare da un lato, il passato, e dall’altro il futuro, in maniera tanto efficace quanto quella di Labrouste. Fino al 24 giugno. (s.s)
HENRI LABROUSTE AL MOMA
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In una città come New York, dove gli hotel più alla moda del momento (vedi The Nomad e The Bowery per citarne un paio) sono progettati all’insegna del fascino vintage, e dove gli edifici beaux-arts come la New York Public Library restituiscono il fascino di una Gotham diversa da quella dei grattaceli, delle unità abitative grandi come scatole da scarpe, ha molto senso che il museo più popolare della città proponga una mostra dedicata all’architetto Henri Labrouste. Henri Labrouste: Structure brought to light è la prima mostra monografica dedicata all’architetto francese negli Stati Uniti, e presenta oltre duecento disegni originali, fotografie antiche e contemporanee, video e maquette architettoniche. L’importanza di questo maestro dell’Ecole des Beaux-Arts di Parigi risulta particolarmente affine a un gusto tutto contemporaneo di guardare al passato. Labrouste, infatti, ebbe modo di vivere un periodo di modernizzazione per Parigi e un altro, completamente opposto, di contemplazione del passato durante il suo Grand Tour di sei anni in Italia. La prima sezione della mostra, The Romantic Imagination, restituisce l’ammirazione dell’architetto per l’architettura antica, e un crescente interesse per il suo significato sociale collettivo. Intorno al 1830, Labrouste era già
HENRI LABROUSTE AT MOMA In a city like New York, where the trendiest hotels (for example, The Nomad and The Bowery) are designed with an orientation to charming vintage styles, and where the beaux-arts buildings such as the New York Public Library create a Gotham that is different from the skyline of the skyscrapers, where the residential units are the size of shoe-boxes, it makes sense that the city’s most popular museum presents an exhibition dedicated to the architect Henri Labrouste. ‘Henri Labrouste: Structure brought to light’ is the first monographic exhibition dedicated to
the French architect organized in the USA. More than 200 original drawings, old and contemporary photographs, videos and architectonic plans. The importance of this Maestro from the Ecole des Beaux-Arts in Paris can be observed in his contemporary style spiced with a strong retro style. Labrouste was actually living in Paris during the period of modernization and experienced a contrasting interval of contemplation of the past during his 6-year Grand Tour in Italy. The first section of the exhibition, ‘The Romantic Imagination’, illustrates the admiration the Maestro had for ancient architecture and also the growing interest for its collective social importance. Around 1830, Labrouste was considered
to be a pioneer of romantic architecture, and designed buildings that combined content and function. Examples are included in the second section of the exhibition ‘Spaces of Knowledge’, with the plans for the two libraries Bibliothèque Sainte-Geneviève (18381850) and Bibliothèque nationale de France (1854-1875) (Labrouste was responsible for the extension and the restoration). And these demonstrated the architect’s innovative orientations: the use of space and light, the decorative details and the far-reaching vision of leaving the metallic components exposed, to maximize space usability of the library. Thanks to Labrouste’s vision, this facility was transformed into a monument of information and culture. The final section of the exhibition ‘Prosperity and Affinities’ presents the influence that Labrouste had on his contemporaries and on many successive generations (on Louis Sullivan, Frank Lloyd Wright and Pier Luigi Nervi). And while the New York Public Library appears to be destined to the leading architectonic light, Norman Foster, we can only hope that contemporary architects will draw on the past and look to the future, just as successfully as Labrouste has done. Until June 24th. (s.s)
MILANO COME PARIGI Per la primavera-estate 2013 Palazzo reale di Milano propone una nuova mostra evento ed espone nella metropoli lombarda alcuni capolavori della Scuola di Parigi. Curata da Marc Restellini, la mostra Modigliani, Soutine e gli artisti maledetti racconta l’opera di alcune tra le personalità più interessanti del secolo scorso: non solo Modì e Soutine, ma anche Utrillo, Suzanne Valdon e Kisling, solo per citarne alcuni. Il percorso espositivo è basato su dipinti appartenuti a Jonas Netter, illuminato mecenate che sostenne generosamente gli artisti di Montparnasse e seppe vedere il grande valore dei lavori che all’epoca (siamo a metà del secondo decennio del Novecento) erano giudicati di nessun conto. In quel periodo pittori, scultori e scrittori provenienti da tutta l’Europa si ritrovarono a Montparnasse. Qui, tra il duro lavoro nei laboratori e una tappa nei bar della zona, questi creativi dallo spirito bohemien seppero rivoluzionare il mondo dell’arte per come era stato inteso fino ad allora, ribaltando i canoni estetici tradizionali. Sintetizza alla perfezione Restellini: “Quegli anni corrispondono a un periodo di emancipazione e fermento che ha pochi eguali nella storia dell’arte. Ovunque in Europa era in corso una rivoluzione estetica, preludio a un’evoluzione dei costumi. Ed è a Parigi, l’unico luogo al mondo in cui la rivolta ha il diritto di cittadinanza, prima a Montmartre poi a Montparnasse, che quegli artisti si sono ritrovati per tentare la sorte.” In mostra più di 120 dipinti, tra cui Elvire au col blanc (1917-18) e Filette en robe jaune (1917) di Amedeo Modigliani.Ancora una volta, rimarca l’importanza dell’evento Restellini: “Queste opere non sono state mostrate al pubblico da più di settant’anni, e oggi ricompaiono come per magia, come uscite da un altro mondo.” (A. R.)
the studios and the local bars, these creative Bohemian artists managed to revolutionize the world of art and change the way it was interpreted, by overturning the traditional esthetic rules. Restellini explained: “This was a period of emancipation and change that has no parallels in the world of art. Throughout Europe, there was an esthetic revolution, a prelude to the evolution of customs. And Paris is the only place in the world where revolutions are very much at home, from Montmartre to Montparnasse, and the artists were ready to take their chances”. More than 120 paintings are on display including Elvire au col blanc (1917-18) and Filette en robe jaune (1917) byi Amedeo Modigliani. Restellini continued: “These works of art have not been displayed to the public for more that seventy years; and today they re-appear as though by magic, as though they had landed from another planet.” (A. R.)
MILAN REFLECTS PARIS
In the Spring-Summer 2013, Milan’s Palazzo Reale will host an exhibition to present some of the masterpieces from the School of Paris to art lovers of Northern Italy. The exhibition ‘Modigliani, Soutine and other ill-fated artists’ was organized by Marc Restellini and tells the story of some of the most important artistic personalities of the 20th century: there are works by Modigliani, Soutine, Utillo, Suzanne Valdon and Kisling, among others. The basis for the exhibition pathway is a collection of paintings that belonged to Jonas Netter, a visionary philanthropist who generously sponsored the artists of Montparnasse and recognized the enormous value of the works of art at that time (in the mid-20th century) by artists who were not considered to be of any importance. During that time, painters, sculptors and writers from every corner of Europe gravitated to Montparnasse. In this district, with their time split between their hard work in
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EXHIBITION ARTISTI A CONFRONTO
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Un inedito percorso espositivo permette di scoprire le affinità tra le opere di Fausto Melotti (1901-1986) e quelle di Paul Klee (1879-1940). La ghiotta occasione è la mostra organizzata dal Museo d’Arte di Lugano, ulteriore passo verso la nascita del nuovo centro culturale LAC (Lugano Arte e Cultura), la cui apertura è prevista nel 2014. Nelle sale dell’istituzione elvetica sono raccolti fino al 30 giugno 2013 settanta tra disegni, dipinti e acquarelli dello svizzero-tedesco Klee, insieme a circa settanta tra disegni e sculture dell’italiano Melotti. L’esposizione mette in luce i punti di contatto tra le tematiche trattate dai due maestri, stimolando il confronto visivo diretto tra i lavori che – nonostante percorsi artistici e tecniche differenti – risultano molto spesso inaspettatamente vicini. Il ritmo e la conoscenza delle regole musicali sembrano governare le opere di Klee e Melotti: entrambi gli artisti, infatti, nutrivano una grande passione per la musica (Klee fu anche violinista, Melotti pianista) e tendevano a modulare le geometrie e i colori secondo proporzioni ritmiche, con precisione quasi matematica. (A. R.)
COMPARISON OF TWO ARTISTS An original exhibition pathway allows visitors to discover the affinity between the works of Fausto Melotti (1901-1986) and those of Paul Klee (1879-1940). The delightful opportunity was organized by the Museum of Art in Lugano and is another step towards the inauguration of the new LAC (Lugano Arte and Culture), scheduled for 2014. Until June 30th 2013, the Swiss institution will present 70 drawings, paintings and watercolors by the Swiss-German artist Klee alongside a similar number of designs and sculptures by the Italian artist Melotti. The exhibition highlights the contact points between the themes investigated by the two Maestros, stimulating the direct visual comparison between their works. Despite the their different artistic and technical pathways, their work is astonishingly similar. Beat and knowledge of music theory would appear to govern the works by Klee
and Melotti: both artists have a burning passion for music (Klee also played the violin; Melotti played the piano) and tend to modulate the shapes and colors in their creations with regular proportions and almost mathematical precision. (A. R.)
EVGENY ANTUFIEV La Collezione Maramotti inizia il 2013 con il consueto interesse per gli artisti emergenti, inaugurando la mostra Twelve, wood, dolphin, knife, bowl, mask, crystal, bones and marble – fusion. Exploring materials la prima personale italiana dell’artista russo Evgeny Antufiev. Durante il periodo di residenza presso la collezione di Reggio Emilia Antufiev si è concentrato sull’esplorazione dei materiali, producendo una mostra viscerale, organica, pulsante come un corpo umano. Un equilibrio di organi diversi, imprevedibili, dove coesistono stoffe, cristalli, ossa, capelli, colla, pelle di serpente, legno e marmo uniti dal passaggio per le mani dell’artista. Antufiev realizza ogni opera con le proprie mani, come un alchimista o un guaritore. È l’aspetto rituale, dell’esperienza, che interessa l’artista nato nel 1986 a Kyzl, poiché lo stimolo visivo non è più capace di raggiungere abbastanza profondamente la ‘pancia’ degli spettatori e dell’artista. “Proprio in virtù di questo, ascoltare i pareri degli spettatori e dei critici per l’artista è straziante tanto quanto ascoltare la disamina degli organi interni estratti dal corpo durante l’autopsia (il cuore ha un bell’aspetto, ai polmoni manca la forza di persuasione, la trachea sembra troppo commerciale). Per di più, alcuni singoli lavori non suscitano altra sensazione se non un rigetto che incute spavento (cosa fanno gli organi fuori dal mio corpo?)”. Così racconta Antufiev, alludendo a un processo di sezione quasi ossessivo, il cui ultimo obiettivo è la comprensione di ciò che ci circonda pezzo per pezzo. La Collezione Maramotti conferma il suo interesse per artisti con argomenti profondi, esteticamente lontani dalle logiche hipster indipendenti tanto in voga di recente. Così un filo rosso unisce un percorso fatto di generazioni, poetiche e immagini diverse, dove il comune denominatore è un fascino discreto, che richiede una visita meditativa e il cui risultato è immancabilmente lo stupore. Merce rara nell’epoca del depauperamento delle immagini. Fino al 31 luglio 2013 (s.s)
11 The Maramotti Collection has started 2013 with renewed interest for emerging artists, inaugurating ‘Twelve, wood, dolphin, knife, bowl, mask, crystal, bones and marble – fusion. Exploring materials’, the first Italian exhibition on the works of the Russian artist Evgeny Antufiev. During his period of residence at the Collection in the Max Mara villa in Reggio Emilia, Antufiev focused on the exploration of materials. The event he produced was earthy, organic, with dynamicity comparable to the human body; the artist has managed to create a delicate balance between different and unpredictable organs, where fabrics, crystals, bone, hair, glue, snakeskin, wood and marble live side-by-side in a wonderful ensemble created by
the artist. The artistic works Antufiev produces are all hand-made, working like an alchemist or a healer. It is the ritual component of the experience that interests this young artist (he was born in 1986 in Kyzl, Siberia); he feels that the visual stimulus is no longer sufficient to penetrate deep into the soul of the spectators and into the artist himself. “For all of these reasons, the artist takes the opinions of the spectators and the critics very personally; he compares the words to the extraction of internal organs during an autopsy (the heart is beautiful, the lungs lack the power of persuasion, the trachea could be classed as being excessively commercial). Some individual pieces lead to sensations of repulsion or extreme fear (why are those
organs outside of my body?)”. These are the words of Antufiev, alluding to an almost obsessive process of dissection; his final objective is to understand everything around him, piece by piece. The Collezione Maramotti confirms its interest for artists who add great depth to their creations, young minds with imaginations that produce works that are esthetically distant from the independent hipster logics that are very much in vogue at present. Consequently, there is a common denominator in the thought-trains through generations, poetry and different images – discrete charm that requests meditation leading to astonishment – rarities in a world that tends to impoverish projected images. Until July 31 2013 (s.s)
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ARCHITETTURA WORLDWIDE Rethink and Renew. Ovvero, escogitare approcci innovativi per gli edifici e le aree urbane o paesaggistiche esistenti. Questo il tema della quinta edizione del World Architecture Festival, svoltosi a Singapore dal 3 al 5 ottobre 2012. In scena, durante la consueta non-stop di conferenze a cura di professionisti di fama internazionale e, soprattutto, degli autori dei progetti in gara, tutti i lavori selezionati per le diverse categorie che concorrono all’assegnazione del prestigioso premio World Building of the Year, vinto nel 2012 dai Cooled Conservatories at Gardens by the Bay dello studio Wilkinson Eyre Architects, pensati per trasformare Singapore in una ‘città giardino’. Altrettanto interessanti i progetti scelti come migliore interpretazione delle altre numerosissime categorie dell’architettura indivi-
tra loro, ma accomunati da uno visione sorprendente e fuori dagli schemi. In un ventaglio di ‘rappresentazioni’ che a nostro avviso costituisce una straordinaria mappatura dello stato dell’arte della disciplina alle diverse latitudini, nonché dell’evolversi del gusto e delle tecniche progettuali. www.worldarchitecturefestival.com (F. D. P.)
duate dagli organizzatori della manifestazione (tra cui Civic and Community, High Education and Research, Hotel and Leisure…), chiaramente intenzionati ad offrire un’informazione a 360°. Tra questi, in particolare, segnaliamo la
poetica Liyuan Library di Beijing dello studio Li Xiaodong Atelier (vincitrice alla voce Culture) e The Royal Children’s Hospital di Melbourne dello studio Billard Leece Partnership and Bates Smart (vincitore alla voce Health), diversissimi
Rethink and Renew. In other words, the development of innovative approaches for buildings, the urban areas or the existing landscapes. This is the core theme of the fifth edition of the World Architecture Festival, an event that was held in Singapore between October 3 to 5 2012. During the traditional non-stop cycle of conferences moderated by internationally-renowned professionals and the creatives responsible for the projects submitted to the competition, the event examined the designs selected for the various categories that compete for the prestigious World Building of the Year. It was won in 2012 by Cooled Conservatories at Gardens by the Bay designed by Wilkinson Eyre Architects, a project to transform Singapore into a ‘garden city’. Equally interesting were the projects selected as the best interpretations for the numerous categories of architecture identified by the organizers of the event (Civic and Community, High Education and Research, Hotel and Leisure…), all geared to providing 360° information. Among these projects, the poetic Liyuan Library in Beijing designed by studio Li Xiaodong Atelier (winner of the Culture section) and The Royal Children’s Hospital in Melbourne designed by Billard Leece Partnership and Bates Smart (winner of the Health section); the two projects are different yet they have a common vision that looks outside the box. The wide selection of projects submitted creates an extraordinary overview on
the state of the art of design at the various latitudes and the evolution of style and design techniques. www. worldarchitecturefestival.com (F. D. P.)
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FAIRS HAPPY BUSINESS TO YOU
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La seconda edizione dell’evento fieristico dedicato ai progetti chiavi in mano svoltosi dal 13 al 16 febbraio presso la Fiera di Pordenone ha visto la presenza di 160 aziende espositrici, con un incremento di presenze del 30% rispetto al 2012. I buyer invitati sono stati circa 230, provenienti da 35 paesi tra i quali: Ucraina, Russia, Canada, Stati Uniti, India ed Emirati Arabi, con un incremento del 35% rispetto all’anno precedente. Si è rinnovata anche anche l’appuntamento con un ricco calendario di eventi, convegni e seminari come la Lectio Magistralis di Thomas Willemeit, socio fondatore dello studio internazionale Graft, e l’incontro con il designer inglese Ross Lovegrove. Nelle immagini, lo spazio espositivo di Cesar di 100 mq, dove buyer, architetti e addetti del settore hanno potuto valutare la specificità della divisione contract dell’azienda e la versatilità della proposta. Valido esempio ne è stato C_Day che, arredando un bagno, una zona studio e un soggiorno, ha dimostrato di sapersi adattare alle più svariate esigenze abitative. Apprezzate non solo per la loro funzionalità, ma anche per la loro naturale propensione al dialogo con la zona giorno, le due cucine presenti nello spazio espositivo: l’originale Kora, nel delicato abbinamento
laminato olmo bianco e grigio fumo, e l’inedita unione di due modelli, sintesi di eleganza e raffinatezza, Yara ed Elle, nelle finiture legno di rovere ed eco cemento. Altro marchio presente in fiera è stato Antoniolupi (nell’immagine sotto), azienda toscana che dal 1950 si distingue sul mercato italiano e internazionale per la progettazione e realizzazione di arredi per il bagno. Una realtà in continuo sviluppo riconosciuta per la sua capacità di creare innovazione, per la continua ricerca su materiali e sul design degli elementi e per i suoi investimenti in tecnologia e creatività. Una specializzazione che è partita dagli specchi e accessori da bagno e che è arrivata ad abbracciare l’intero spazio abitativo forte della collaborazione di designer importanti come Carlo Colombo, Nevio Tellatin, Riccardo Fattori, Domenico de Palo e molti altri. Elementi, arredi e complementi sono realizzati su misura per il cliente. L’azienda ha scelto da sempre la strada di non lavorare per il magazzino, ma di produrre ogni pezzo just in time, in modo sartoriale. Questo permette di adattare ogni prodotto alle richieste più diverse, con personalizzazioni pressoché infinite a livello di dimensioni, colori, possibilità di installazione. www. happybusinesstoyou.it (L. C.)
The second edition of the trade show dedicated to turnkey projects took place between February 13th and 16th in the exhibition quarters of Pordenone. A total of 160 exhibitors took place, a number that was up 30% with respect to 2012. There were 230 invited buyers, from 35 countries including Ukraine, Russia, Canada, USA, India and the Arab Emirates, up 35% on the previous year. As usual, the exhibition proper is augmented with a rich program of events, conferences and seminars such as the Lectio Magistralis by Thomas Willemeit, founder member of the international studio Graft and the meeting with the British designer Ross Lovegrove. In the pictures, the exhibition space of Cesar measuring 100 sq.m. where the buyers, the architects and trade operators were able to examine the specificity of the company’s contract division and the versatility of the proposal. A valid example was C_Day; this range of products has been used to furnish the bathroom, an office and a lounge, illustrating its ability to adapt to an infinity of residential and decorative ambiences. The two kitchens in the exhibition quarters have been acclaimed for their performance and their natural inclination to dialogue with the lounge: they are the original Kora system created with a delicate combination of while elm and smoke gray, and the unusual union of two models, a combination of elegance and style, Yara and Elle, supplied with an oakwood and ecological cement finish. Another brand presented in the exhibition was Antoniolupi (below); since 1950, this Tuscan company that has made its mark on the Italian and international markets in the design and creation of bathroom furnishings and fittings. The company is renowned for its ability to innovate, for its continual research into
materials and the design of the elements and its investments in technology and creativity. The company’s specialization began with bathroom mirrors and fittings and extended to include every room in the home; its mission was assisted by important designers such as Carlo Colombo, Nevio Tellatin, Riccardo Fattori, Domenico de Palo to name a few. Many of the elements, furnishings and accessories are custom-made to suit the clients’ requirements. The company philosophy has always been to produce tailor-made just-in-time solutions, as opposed to accumulating stock supplies. This means that the manufacturer can adjust every product to a wide range of customer briefs, with infinite personal features in terms of dimensions, colors and the possibility of installation. www. happybusinesstoyou.it (L. C.)
RHEX, RIMINI HORECA EXPO La nuova manifestazione nata per esaltare le esperienze di Sia Guest e Sapore e che riunisce il mondo della ristorazione e dell’ospitalità ha visto un ottimo riscontro: 53.115 visitatori professionali, 7.000 business meeting con buyer internazionali, 357 giornalisti accreditati e ospiti grandi nomi della cucina stellata, dell’hospitality design, del comparto alberghiero e del mondo del vino. Ecco riassunta in pochi numeri, la prima edizione di RHEX, Rimini Horeca Expo, il nuovo evento incentrato sul comparto Hotellerie-Restaurant-Cafè (HoReCa), ideato da Rimini Fiera per esaltare le esperienze degli ex SIA Guest e Sapore, svoltasi a Rimini dal 23 al 26 febbraio. RHEX si connota e si differenzia come appuntamento internazionale capace di raccogliere in un solo contesto non solo prodotti, ma anche e soprattutto iniziative culturali: casi di successo, mostre con nuovi format, concorsi e aggiornamenti professionali per tutte le categorie all’insegna di innovazione, soluzioni e tendenze del mercato. E poi, ancora, degustazioni, dibattiti, convegni, tavole rotonde, presentazioni di nuove professioni e nuove associazioni di categoria, nuovi progetti commerciali, importanti protocolli per la sostenibilità alberghiera. con una forte impronta internazionale. Dormire bene in viaggio è sicuramente uno degli obiettivi principali di qualsiasi albergo. Fornire una risposta concreta a questa esigenza è stata la sfida di ‘I Love My Welness WellMotel – Pausa di benessere’. La mostra, allestita in collaborazione con Wellness Design, DPE+Architetti e l’architetto Marco Porri era dedicata a percorsi personalizzati e rilassanti, rigeneranti e tonificanti. ‘Unicità nel contract’ era il nome della mostra-laboratorio volta a presentare concrete storie progettuali legate al mondo del contract. Una vera e propria vetrina su importanti case history attraverso le testimonianze di Maurizio Papiri, Ettore Mocchetti, Massimo Roj e Simone Micheli. ‘Fa la mossa giusta’, curato dagli architetti Alessio Cuzzolin e Silvia Giannini, rappresentava invece un hotel immaginario, dove intorno alla camera ruotano tutti i servizi di reception, spazi comuni, area congressi, accoglienza, ristorazione, aree relax, spazi per lo svago e verde. ‘A la Carte’ - CODE (con l’allestimento dello Studio Gritti Rollo) ha messo in scena le rappresentazioni al vero di quattro nuove formule di ristorazione, luoghi di incontro dedicati al tempo e alla cucina di qualità, pensati per target e budget di pubblico eterogenei, ispirati alle materie prime del food e del design. Alessandro Agrati ha dedicato la sua riflessione al tema del vino con uno spazio riservato alla degustazione per un pubblico amante della cultura
del vino; Lorenzo Longo e Alessio Romano di De-Signum Studio Lab hanno rivisitato la formula pic nic. Lucy Salamanca ha interpretato con un nuovo linguaggio il tema dello street food di qualità; una collettiva di giovani composta da Fabio De Solda, Nicola Lorusso, Francesca Pievani e Alice Zantedeschi ha proposto il contrasto gourmet-low cost. Infine, in contemporanea a RHEX, Mijic architects e Roberto Semprini – col patrocinio del Comune di Rimini – hanno organizzato la mostra ‘Avanguardia balneare’. www.rhex.it
RHEX, Rimini Horeca Expo This new event has been organized to enhance the attractiveness of Sia Guest and Sapore, uniting the worlds of catering and hospitality and by all accounts the initiative has been extremely successful: 53,115 professional visitors, 7000 business meetings with international buyers, 357 journalists, invited guests from star-rated restaurants, experts in hospitality design, hotels and wine. This is a short numerical summary that gives an overview on the first edition of RHEX, Rimini Horeca Expo, the new exhibition for Hotels-Restaurants-Coffee bars (HoReCa),organized by Rimini Fiera authorities to exalt the experience of the former SIA Guest and Sapore; it was held in Rimini between 23 and 26 February, 2013. The international event RHEX is marked and differentiated by the products on display and the cultural initiatives: successful cases, new exhibition formats, competitions and professional refresher courses for a whole range of categories, and focused on innovation, solutions and market trends. There are tastings, debates, conferences, round tables, presentation of new professions and new trade associations, new commercial designs, important protocols for sustainable hospitality, with a strong international orientation. Providing a good night’s sleep for guests traveling for business or pleasure is unquestionably one of the main objectives for any hotel. A valid answer to this demand is the initiative ‘I Love My Wellness WellMotel – An interval of wellness’. The exhibition was organized in collaboration with Wellness Design, DPE+Architetti and architect Marco Porri, and the design was based on personalized, relaxing corridors that regenerate and revitalize the soul. “Uniqueness in the world of contract” was the name given to the exhibitionworkshop that aims to prescribe design stories associated to the world of contract. It is a window on important case histories through descriptions from Maurizio Papiri, Ettore Mocchetti, Massimo Roj and Simone Micheli. ‘Do the right thing’, organized by architects Alessio Cuzzolin and Silvia Giannini; this event presented an imaginary hotel where the bedrooms are surrounded by the collateral services such as the reception, the common rooms, the meet
15 and greet service, catering, relaxation areas, the gardens and leisure facilities.. ‘A la Carte’ – CODE (organized by Studio Gritti Rollo) presented four new catering formats, meeting places for slow high quality cuisine, devised for targets and budgets of all factions of the general public, inspired by the raw materials used in food and design. Alessandro Agrati reflected on the idea of wine with a zone reserved for tasting for the connoisseurs of the fine vintage; Lorenzo Longo Alessio Romano of DeSignum Studio Lab took a fresh look at the picnic. Lucy Salamanca revamped the idea of quality street food; a group of young creatives Fabio De Solda, Nicola Lorusso, Francesca Pievani and Alice Zantedeschi presented the contrast of gourmet-low cost.
In parallel with RHEX, Mijic architects and Roberto Semprini – under the patronage of the County Council of Rimini – organized the exhibition ‘Avanguardia balneare’ (Avant-garde at the seaside). www.rhex.it