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Editorial Office, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan Tel. 00816/3571525 - Fax 3571529
Contributi/Contributors Giorgio Bersano, Andrea Ciotti, Giulia Gianfranchi, Annamaria Maffina, Carlo Paganelli, Monica Pietrasanta, Luca Sampò, Francesca Tagliabue, Michele Weiss. Traduzioni/Translations Fiona Johnston, Studio ITS. Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo, Barbara Tommasini. Ufficio abbonamenti/ Subscription office Francesca Casale
Bimestrale/Bimonthly magazine Prezzo/Price Euro 7,00 Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) Tel. 030/6810155 Fotolito BitGraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina dè Pecchi (MI) Tel. 02/92278515
News
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From the world
Edited by Paola Molteni
Editoriale
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Architetture per lo sport/Architecture for sport
Franco Mirenzi
40
Onda su onda/Wave upon wave
Francesca Tagliabue
46
Campbell Columbia University Sport Center
Maurizio Giordano
52
Effetto energizzante/An energizing effect
Francesca Tagliabue
56
Rowing Centre: a fior d’acqua/Skimming the water
Paola Molteni
60
Gerarchie di spazi nel nuovo Tennis Club di Ascona/Hierarchy within the ranks of the new Tennis Club in Ascona
Paola Molteni
68
Nuovi landmark urbani/New urban landmarks
Cristina Molteni
78
Effetto sorpresa/A surprising effect
Francesca Tagliabue
82
Rigenerando città e territorio/Re-vitalizing the city and the territory
Elviro Di Meo
88
Olimpiadi per il futuro/Olympics geared to the future
Michele Weiss
96
Un velodromo fra ingegneria e sostenibilità/ A velodrome based on engineering and sustainability
Giorgio Bersano
104
Geometria fluida/Flowing shapes
Michele Weiss
112
Canestri temporanei/Temporary basketball
Michele Weiss
118
Una architettura riciclabile/Architecture for recycling
Giorgio Bersano
126
La sacralità del luogo: il Bosco di Sant’Antonio/ The spirituality of the location: St. Anthony’s Wood
Elviro Di Meo
130
Esercizio di stile a colori/An exercise in style and color
Francesca Tagliabue
134
Fantasia in città/Fantasy in the city
Bradley Wheeler
140
Expo: Paris 1931
Carlo Paganelli
Design
142
Francesco Massoni
X
Giancarlo Iliprandi. Il valore dei segni/The value and importance of graphic signs
148 150
In dialogo con la città/Interfacing with the city
Paolo Rinaldi
156
Connessioni multiple/Multiple links
Francesca Tagliabue
160
Quando il gioco si fa design/When toys are transformed into serious design
Paolo Rinaldi
166
A new work flow
Bradley Wheeler
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In nome dell’acciaio: nuovi uffici in Svezia/ In the name of steel: new offices in Sweden
Paolo Rinaldi
Architettura
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NEWSMOSTRE/EXHIBITION
‘COMMON GROUND’ Portrait David Chipperfield Ph: courtesy, La Biennale di Venezia Ph: Giorgio Zucchiatti La 13. Mostra Internazionale di Architettura firmata da David Chipperfield. ‘Common Ground’: ovvero, terreno comune, quale luogo di incontro e di confronto per interrogarsi sul futuro dell’architettura e capire in quale direzione stia andando, visti i mutamenti a cui è sottoposta a causa delle dinamiche sociali sempre più mutevoli e frammentate. Per David Chipperfield, direttore della 13. Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia, in programma dal 29 agosto al 25 novembre ai Giardini e all’Arsenale, nonché in vari luoghi della città veneta, l’interrogativo è prioritario. “Voglio che questa Biennale – commenta - renda omaggio a una cultura architettonica vitale e interconnessa che si interroghi sui territori condivisi, intellettuali e fisici. Nella selezione dei partecipanti la mia Biennale favorirà la collaborazione e il dialogo, che considero il cuore dell’architettura, e il titolo fungerà anche da metafora del terreno di attività dell’architettura. Mi interessano gli elementi che accomunano gli architetti, dalle condizioni della pratica architettonica alle influenze, collaborazioni, storie e affinità che inquadrano e contestualizzano il nostro lavoro”. “Il titolo ‘Common Ground’ – aggiunge - allude esplicitamente anche al terreno fra edifici, agli spazi della città. Vorrei che i progetti esposti alla Biennale indagassero in profondità il significato degli spazi creati dagli edifici: gli ambiti politici, sociali e pubblici di cui l’architettura fa parte”. E se il rischio, almeno apparente, è smarrire il filo conduttore della Rassegna in un “pantano di speculazioni sociologiche, psicologiche o artistiche”, il direttore sgombra il campo da qualsiasi equivoco, replicando che l’intento è proprio il contrario: “Cercare di ampliare la comprensione del contributo specifico che l’architettura può dare nella definizione del terreno comune della città”. (E.D.M.)
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The 13th International Exhibition of Architecture organized by David Chipperfield. ‘Common Ground’: the name suggests a place for meeting and for information exchange, an opportunity to discuss and question the future of architecture and to understand the direction it is taking, given the mutations obliged by the social dynamics that are subjected to constant change. For David Chip-
perfield, director of the 13th International Exhibition of Architecture at the Biennial of Venice, scheduled between August 29 and November 25 at the Venice venues of Giardini and Arsenale, and other locations across the city, there is one component of fundamental importance. ‘I want this Biennial to be a tribute to the vital interlocked architectonic culture that invetsigates the shared intellectual and physical terrains.
When selecting the participants for my Biennial, I will give preference to collaboration and dialogue, factors that I consider to be the heart of architecture; the title will also act as the metaphoric expression of all architectural activitye. I am interested in the elements common to all architects, from the conditions of architectonic practise to the influences, collaborations, stories and affinities that define and contextualize our work’. He continued: ‘The title ‘Common Ground’ alludes explicitly to the terrain between the buildings of a city. I would like the projects on display at the Biennial to investigate in-depth the meaning attached to the spaces created by buildings: the political, social and public spheres to which architecture belongs’. And if there would appear to be a risk of losing the event’s main backbone amidst a ‘debate of sociological, psychological or artistic speculation’, the director clears-up any misunderstandings and reiterates that his intentions are the complete opposite. He explained: ‘What I am trying to do is increase the level of understanding regards the specific contribution that architecture may make in the common grounds of our cities”. (E.D.M.)
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NEWSMOSTRE/EXHIBITION
JOHN PAWSON. PLAIN SPACE La Fondazione Bisazza per il Design e l’Architettura Contemporanea, a Montecchio Maggiore alle porte di Vicenza, è un nuovo spazio culturale nato dal progetto di un’organizzazione non profit che sensibilizzi il pubblico alla cultura del design e all’interesse per l’architettura, con lo scopo di collaborare con una rete di musei e fondazioni ed esporre progetti inediti ed esclusivi. Per il suo debutto la Fondazione Bisazza ospita la mostra John Pawson – Plain Space. Per la prima volta in Italia, dopo il grande riscontro ottenuto al Design Museum di Londra, Plain Space illustrerà i progetti realizzati dell’architetto inglese John Pawson a partire dagli anni Ottanta a oggi; una retrospettiva sulle opere di uno dei grandi maestri del design contemporaneo, conosciuto per il suo approccio minimalista al design e all’architettura, attraverso fotografie, video, bozzetti, prototipi e oggetti personali provenienti dai suoi archivi. In occasione dell’apertura, il designer inglese, confrontandosi per la prima volta con il mosaico, realizzerà un’opera site-specific dal titolo ‘1:1’ (‘One to One’), studiata per gli spazi della Fondazione e che andrà poi ad arricchire la collezione permanente. (A.M.)
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The Bisazza Foundation for Design and Contemporary Architecture is located in Montecchio Maggiore just outside Vicenza; this new cultural venue was an off-shoot from a non-profit organization that made the public more aware about the culture of design and increase their interest in architecture; it collaborated with a network of museums and foundations and presented to the public a series of original exclusive projects. For its debut, the Bisazza Foundation is hosting the exhibition John Pawson – Plain Space. For the first time in Italy, following its enormous success at the Design Museum in London, Plain Space will present the projects that the British architect John Pawson designed from the Eighties to the present day; the retrospective event focuses on the works by one of the great Maestros of contemporary design, recognized for his minimalist approach to design and architecture, through photographs, videos, sketches, prototypes and personal articles from his archives. For the inauguration of the exhibition, the British designer who has approached mosaic design for the first time, will create a site-specific installation called ‘1:1’ (‘One to One’) created specifically for the exhibition facilities of the foundation. It will make an important contribution to the permanent collection. (A.M.)
John Pawson - Plain Space, Architettura e design. Montecchio Maggiore, Vicenza. Dall’8 giugno al 29 luglio 2012/ frpm 8 June to 29 July 2012.
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NEWSMOSTRE/EXHIBITION
GERRIT RIETVELD Il Vitra Design Museum rende omaggio a uno dei più importanti designer e architetti del 20° secolo, Gerrit Rietveld (1888-1964), dedicandogli una mostra dal titolo ‘Gerrit Rietveld – The Revolution of Space’. Rietveld, dopo una formazione da ebanista, aderì al movimento neoplastico De Stijl fondato da Theo van Doesburg e Piet Mondrian, diventandone in seguito una figura centrale; i suoi lavori riflettevano gli ideali artistici del gruppo. Si tratta di un’importante retrospettiva sull’opera di Rietveld, che offre al pubblico tedesco una panoramica completa della sua attività, con circa 320 oggetti, tra cui mobili, modelli, quadri, fotografie, film e un centinaio di disegni e progetti originali. Inoltre la mostra costituisce anche un’occasione di confronto tra l’opera di Rietveld e i suoi contemporanei quali Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Le Corbusier e Marcel Breuer. Se Gerrit Rietveld è riconosciuto e ricordato soprattutto per i suoi due progetti più noti, Red-Blue Chair (1918/1923) e Rietveld Schröder House (1924), The Revolution of Space si focalizza anche su aspetti e caratteristiche fino a oggi meno noti della sua produzione, che furono fonte d’ispirazione dei suoi primi lavori e degli edifici realizzati nel dopoguerra. (A.M.)
In alto/above: Rietveld Schröder House, Gerrit Rietveld, 1924 (© VG Bild-Kunst Bonn 2012, Ph: Richard Byrant/ arcaidimages.com.). In centro alla pagina, a sinistra/ in the middle of the page, left: aluminium Armchair, Gerrit Rietveld, 1942 (© VG BildKunst Bonn 2012, Ph: Thomas Dix).
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also focuses on the less famous aspects and characteristics of his production, the sources of inspiration of his first projects and the buildings he constructed immediately after the war. (A.M.) Vitra Design Museum, Charles-EamesStraße 2 79576 Weil am Rhein, Germania.Dal 17 Maggio al 16 Settembre 2012/ From 17 May to 16 September 2012.
IThe Vitra Design Museum pays tribute to one of the most important designers and architects of the 20th century, Gerrit Rietveld (1888-1964), with an exhibition entitled ‘Gerrit Rietveld – The Revolution of Space’. Following his training as a cabinet-maker, Rietveld joined the neo-plastic movement De Stijl founded by Theo van Doesburg and Piet Mondrian; he eventually became a central figure and his work reflected the group’s artistic ideals. The exhibition is an important retrospective on the work of Rietveld, offering the German public a complete overview of his activity with approximately 320 articles that include furniture, models, paintings, photographs and a hundred or so original drawings and projects. The exhibition is also an opportunity for comparison between the works of Rietveld and those of his peers - Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Le Corbusier and Marcel Breuer. If Gerrit Rietveld is recognized and remembered particularly for two of his most famous projects, Red-Blue Chair (1918/1923) and Rietveld Schröder House (1924), The Revolution of Space
A destra/right: Booklet by Metz & Co. advertising Gerrit Rietveld´s crate furniture, 1935 (© VG Bild-Kunst Bonn 2012, Picture: Collection Rietveld Schröder Archive, Utrecht). In basso, a sinistra/below, left: Gerrit Rietveld 1941 (© VG Bild-Kunst Bonn 2012, Photo: Collection Rietveld Schröder Archive, Utrecht). In basso, a destra/below, right: Van Slobbe House, (Heerlen), Gerrit Rietveld 1961-63 (© VG Bild-Kunst Bonn 2012, Ph: Ton Roelofsma/ Collection Rietveld Schröder Archive, Utrecht).
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NEWSARTE/ART
CONTEMPORARY TALES Artista nomade e schiva, colta e introspettiva, raffinata e visionaria, Elisabeth Strigini, nata in Francia ma inglese d’adozione, nel 1996, all’età di 35 anni, ha deciso di abbandonare l’attività di ricercatrice scientifica presso un’azienda farmaceutica londinese per dedicarsi interamente alla sua autentica passione, la pittura. Da allora, dopo aver frequentato il Chelsea College of Art and Design, ha viaggiato in Europa,Africa,NordAmerica, Nuova Zelanda e Giappone, frequentando collettivi di artisti, lasciandosi contaminare dalle espressioni locali, approfondendo la propria ricerca pittorica, con frequenti incursioni nell’immaginario veicolato dall’iconografia massmediatica, e dialogando idealmente con i maestri del passato, dal Rinascimento ai fiamminghi, mescolandovi trasgressioni surrealiste e pop. Negli ultimi anni si è concentrata sulla realizzazione di dipinti a olio e tecniche miste su tela che compongono cicli di opere di vario formato, dal mini al maxi, in cui prevalgono inquiete atmosfere dark, con inserti tratti dal mondo dei comics e dei cartoons, caratterizzate dall’impiego di colori cupi e polverosi, dando vita a una matura e originale riflessione sui temi dell’identità e della solitudine nelle nebbie di un’affabulazione senza orizzonti. Trenta di queste opere, realizzate tra il 2001 e il 2012, sono ora esposte al Museo della Permanente di Milano nella mostra intitolata Contemporary Tales, la prima personale italiana dedicata a Elisabeth Strigini. Ideata da Ottavia Landi di Chiavenna con il coordinamento organizzativo di Sara Mesiano e con la curatela di Chiara Gatti e Angelo Crespi, la mostra è articolata in tre sezioni - Fantasy, American Story e Portraits - corrispondenti ad altrettante stanze-labirinto ideate dall’autore dell’allestimento, Peter Bottazzi, per impaginare il sogno-visione dell’artista in una sorta di ipertesto narrativo che ne scandisce i motivi ricorrenti: l’educazione, i mass-media, le guerre, la paura, la religione. Tra vissuto soggettivo e immaginario collettivo, il racconto si snoda coerente, testimoniando una fragilità della condizione umana che si lascia soltanto scorgere nell’oscurità della rappresentazione. (F.M.)
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Elisabeth Strigini was born in France but is British by choice. She can be described as nomadic, shy, well-educated, introspective, elegant and visionary. In 1996, at the age of 35, she decided to abandon her job as a science researcher with a London-based pharmaceutical company to dedicate her life to her one burning passion: painting. She attended the Chelsea College of Art and Design and since then has traveled extensively across Europe, Africa, North America, New Zealand and Japan. She frequented groups of artists, allowing her mind to be contaminated by the local expressions; she analyzed her own artistic research, with frequent incursions into the imaginary transported by mass media iconography; her work interfaced with the Maestros of the past – from the Renaissance period to the Flemish masters, mixed with a splash of surreal and pop-art transgression. In recent years, her efforts have been focused on oil painting and mixed techniques expressed on canvas, producing cycles of works in a variety of formats, in sizes ranging from mini to maxi; the predominant feature is a disturbing sinister slant with inserts extracted from the universe of comics and cartoons. These pieces are characterized by dark dusty colors, and give rise to a mature and original reflection on identity and solitude in the mists of the endless tales. Thirty of her creations, painted between 2001 and 2012, are currently on display in Milan’s Museo della Permanente in an exhibition entitled Contemporary Tales. This first personal exhibition in Italy dedicated to Elisabeth Strigini was supervised by Ottavia Landi from Chiavenna with Sara Mesiano responsible for the organization coordination, assisted by Chiara Gatti and Angelo Crespi. The exhibition is split
into three sections - Fantasy, American Story and Portraits – corresponding to three maze-like rooms envisaged by the layout designer, Peter Bottazzi; he wished to immortalize the dream-vision of the artist in a sort of explanatory narrative that described a number of recurring themes: education, mass media, war, fear and religion. The story infolds
amid personal experience and collective imagination and bears witness to the fragility of the human condition with tiny glimpses emerging from the darkness of the creations. (F.M.) Milano, Palazzo della Permanente, via Filippo Turati 34. Fino al 13 settembre/ Until September 13th 2012.
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NEWSARTE/ART
REFLECTING FASHION La convergenza fra arte e moda, testimoniata dagli innumerevoli incroci e contaminazioni tra questi due mondi creativi, non è un fenomeno recente e neppure una conseguenza degli sconfinamenti pop o postmoderni, ma un sodalizio già in atto più di un secolo fa. Basti pensare alle riflessioni di Baudelaire sul rapporto fra moda e modernità, sulla fascinazione esercitata dalla bellezza effimera di un mondo possibile, mai tangibile perché sempre oltre il dato di realtà, una promessa estetica che investe l’economia del desiderio nella sua progressiva trasmigrazione dalla rarità sacralizzata dell’opera d’arte alla beatificazione della merce brandizzata. Del resto, la modernizzazione culturale e sociale passa anche per il ruolo sciamanico dell’artista che sempre più si confonde con la figura dello stilista onnipotente, capace di anticipare il futuro attingendo a piene mani dalla sfera dell’arte. Nei primi decenni del XX secolo, Gustav Klimt si lasciava influenzare e influenzava a sua volta il mondo della moda, Sonya Delaunay esercitava la sua creatività in entrambi gli ambiti, il futurista Giacomo Balla disegnava abiti animati da un dinamismo inedito. Dal canto suo, negli anni Venti, il surrealista Max Ernst era fermamente convinto che la moda avrebbe presto surclassato l’arte, mentre la stilista Elsa Schiaparelli presentò all’Esposizione Internazionale del Surrealismo, svoltasi a Parigi nel 1938, il suo abito da sera ‘aragosta’, concepito assieme a Salvador Dalì, che ha poi firmato alcune copertine della rivista Vogue. A partire dagli anni Sessanta, con l’avvento della Pop Art, di Fluxus e dei Neodada, l’arte, tra provocazione, critica e complicità, si intreccia in misura crescente con fashion, business e glamour, basti pensare al trendsetter Andy Warhol. Perfino il land-artist Christo si lasciò attrarre dal mondo della moda, realizzando un abito da sposa in formato king-size. In anni più recenti, l’artista Cindy Sherman ha lavorato con svariati brand del pianeta fashion, tra questi Comme des Garçons, Issey Miyake e Balenciaga. Anche Sylvie Fleury ha ideato un vestito, il ‘Formula 1 Dress’ (1999) prodotto da Hugo Boss, mentre Erwin Wurm e Daniel Buren hanno collaborato con Hermès. A questi cortocircuiti e incroci creativi è dedicata la mostra ‘Reflecting fashion’, curata da Susanne Neuburger e Barbara Rüdiger, con oltre 16 300 opere esposte fra dipinti, disegni, bozzetti, tessuti, testimonianze video e fotografiche. Allestita su progetto delle artiste Julia Hohenwarter e Liesl Raff, l’esposizione è accompagnata da un catalogo introdotto da Karola Kraus, con saggi di Hans-Georg von Arburg, Elena Esposito, Silvia Eiblmayr, Elfriede Jelinek, Susanne Neuburger, Barbara Rüdiger e Angela Völker (F.M.)
creative crossroads are the subject of the exhibition ‘Reflecting fashion’, organized by Susanne Neuburger and Barbara Rüdiger; more than 300 exhibits are on display – paintings, sketches, drawings, fabrics, videoclips and photographs. Designed by the artists Julia Hohenwarter and Liesl Raff, the exhibition is accompanied by catalogue with an introduction by Karola Kraus, and articles by Hans-Georg von Arburg, Elena Esposito, Silvia Eiblmayr, Elfriede Jelinek, Susanne Neuburger, Barbara Rüdiger and Angela Völker (F.M.) The convergence between art and fashion, illustrated by the countless number of contaminations, interferences and crossovers between these two creative worlds, is not a recent phenomenon; nor is it a consequence of the absence of a lack of clear boundary between pop-art or postmodern creativity; it is a binomial that was observed more than a century ago. Just think about the reflections that Baudelaire made on the relationship between fashion and modernity, on the attraction of ephemeral beauty in a potential world, never tangible because always ahead of reality, an esthetic promise that impacts the economics of desire in its progressive transmigration from the revered rarity of the work of art to the beatification of the branded merchandise. Nevertheless, the cultural and social modernization is also affected by the mystical role of the artist that is increasingly merged with the figure of an omnipotent stylist, who can predict the future and dip his hands into the world of art. In the first decade of the 20th-century, Gustav Klimt was influenced and in turn influenced the fashion world; Sonya Delaunay expressed her creativity
in both areas; the Futurist Giacomo Balla designed garments animated by unique dynamic energy. For his part, in the 1920s, the Surrealist Max Ernst was convinced that fashion would eventually out-class art; at the International Exposition of Surrealism, held in Paris in 1938, the fashion designer Elsa Schiaparelli appeared in a ‘lobster’ evening dress, designed with Salvador Dalì, who went on to design some of the front covers for the magazine Vogue. Starting with the 1960s, with the advent of Pop Art, Fluxus and Neodada, swamped with provocation, criticism and complicity, art become increasingly entwined with fashion, business and glamor; just think of the trend-setter Andy Warhol. Even the land-artist Christo was enticed by the world of fashion and created a king-size wedding gown. In more recent years, the artist Cindy Sherman worked with a number of brands from the fashion world – for example, Comme des Garçons, Issey Miyake and Balenciaga. Even Sylvie Fleury invented a garment - the ‘Formula 1 Dress’ (1999) produced by Hugo Boss, while Erwin Wurm and Daniel Buren worked with Hermès. These short-circuits and
Vienna, MuMoK, Museumplatz 1. Fino al 23 settembre/Until September 23rd 2012
ART DIRECTOR: ASZ architetti.it Product: Spirit | Lamp: 1x42W fluorescent | Protection : IP40 | Material :AirCoral®
LA LUCE CHE PURIFICA L’ARIA
THE LIGHT THAT PURIFIES THE AIR
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NEWSDESIGN
ULTRABODY Dal 19 aprile al 17 giugno 2012, al Castello Sforzesco di Milano si è svolta ‘Ultrabody’. Oltre 208 opere tra Arte e Design, una mostra tematica, dedicata all’influenza che il corpo umano ha esercitato nella creatività contemporanea, spaziando tra l’arte e il design, ma anche tra l’architettura, l’arredamento, le arti applicate, la moda e i gioielli. L’iniziativa, curata da Beppe Finessi, promossa dal Comune di Milano - Cultura, Moda, Design, realizzata insieme a Peugeot e organizzata da Civita, presentava una ricca selezione di lavori realizzati dai più significativi protagonisti della scena internazionale del design e delle arti visive che, a partire dal ‘corpo’, riescono a coinvolgere altre discipline come l’antropologia, la sociologia, il costume, la società, la tecnologia e l’estetica del nostro tempo. Il percorso espositivo, con un allestimento firmato da Peter Bottazzi, era organizzato in tre grandi gruppi tematici corrispondenti ai tre ambienti delle Sale Viscontee del Castello Sforzesco: 18 Alludere al Corpo, Assecondare il Corpo, Superare il Corpo. L’immagine grafica di Ultrabody, affidata a Leonardo Sonnoli, graphic designer di fama internazionale e vincitore nel 2011 del Compasso d’oro, che ha appositamente studiato un nuovo font, calibrato alle tematiche espresse dalle opere selezionate. Un catalogo, edito da Corraini, ha accompagnato la mostra con una scheda
per ognuno dei 208 lavori esposti, oltre al testo introduttivo generale e ai singoli saggi tematici, strutturato come una sorta di lemmario di opere/autori/parole, in grado di costituire un vero e proprio dizionario intorno al corpo. (Foto: Cristina Fiorentini). (P.M.)
Between April 19th and June 17th 2012, Milan’s Castello Sforzesco hosted ‘Ultrabody 208 works of Art and Design’. This thematic exhibition is dedicated to the influence the human body has on contemporary creativity in the areas of art, design, architecture, furnishings, applied art, fashion and jewelry. The event was supervised by Beppe Finessi and promoted by the City Council of Milan – Culture, Fashion and Design. The Peugeot car company was also involved in the event organized by Civita. It presented a wealthy selection of works produced by the most important protagonists of the international scenario of design and visual arts; starting from the ‘human body’ it extended to include other disciplines such as anthropology, sociology, customs, society, technology and esthetics in the modern world. The exhibition pathway was designed by Peter Bottazzi who split the route into three large theme areas corresponding to three ambiences of the Visconti Halls in the Castello Sforzesco: Alludere al Corpo, Assecondare il Corpo, Superare il Corpo
(Alluding to the body, Corresponding to the body, Exceeding the body). Leonardo Sonnoli is an internationallyrenowned graphic designer who won a Compasso d’oro in 2011. He was responsible for the graphic design of Ultrabody and purposefully studied a new font, calibrated to the themes expressed by the works selected. A catalogue, published by Corraini, accompanied the exhibition. It contains a detailed description on each of the 208 works on display; there is a general introduction and a number of individually-the-
med articles. The catalogue forms a sort of reference list for works/authors/words that can be used to create a true dictionary with the human body as the core theme. (Photos: Cristina Fiorentini). P.M.
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NEWSDESIGN
DESIGN PER MAMME! COSA PUÒ FARE IL DESIGN PER ASSISTERE IL PARTO E LA CURA DEL BEBÈ? La Facoltà di Design e Arti dell’Università IUAV di Venezia ha presentato presso l’associazione milanese ‘La Luna Nuova’, durante i giorni della kermesse del Salone del Mobile, una mostra di progetti dedicati a un tema insolito per l’evento, ma di grande attualità: come il design può assistere la maternità? Alcune possibili risposte stanno negli oggetti pensati e sviluppati all’interno del laboratorio di Design Medicale tenuto da Medardo Chiapponi, che da più di 15 anni si occupa dell’argomento. Le proposte esposte, dall’idea iniziale ai prototipi, non solo hanno cercato di rispondere alle nuove esigenze delle donne nella multiculturale società globale ma, pur ispirandosi a un maternage ad alto contatto, hanno tenuto conto dei corpi ‘urbanizzati’ delle mamme d’oggi, ben diversi da quelli delle società rurali tradizionali. Così, per esempio, è nata l’idea di un reggiseno che oltre alle coppette intercambiabili, quelle riscaldanti per ovviare al problema degli ‘ingorghi’, quelle assorbenti e quelle semplicemente rimovibili per allattare con facilità, sostiene spalle e scapole per il mantenimento di una postura corretta. Poi una culla che consente, anche in ospedale, un co-sleeping sicuro mamma-bebè; e, ancora, un seggiolino per auto da cui rimuovere una foderamarsupio per non svegliare il bimbo quando si addormenta! Una borsa che diventa un cuscino per l’allattamento con un ventaglio per la privacy; sensori per il monitoraggio del parto che, grazie alla loro ergonomicità, permettono al corpo di muoversi attivamente; un cerotto-termometro che suona se la febbre di notte si alza; una vaschetta per il bagnetto morbida e così poco ingombrante da essere stata battezzata ‘Sottiletta’. Una digressione: oltre ai progetti dell’anno in corso da una postazione digitale è stata presentata una selezione di lavori degli anni precedenti, esito della didattica e ricerca nel settore medical dell’area ‘Nuove Frontiere del Design’. La stessa mostra, dal 23 luglio e per 20 tutto il periodo estivo, verrà ospitata nella hall centrale dell’Ospedale di Circolo e Fondazione Macchi di Varese, prima tappa di una collaborazione che vedrà impegnati negli anni futuri l’Università IUAV di Venezia, l’Azienda Ospedaliera di Varese e l’Università dell’Insubria nello sviluppo e nella sperimentazione di progetti legati al Medical Design. (A.C.)
DESIGN FOR MUMS-TO-BE! WHAT CONTRIBUTION CAN DESIGN MAKE DURING BIRTH AND FOR BABYCARE? The Faculty of Design and Art of the IUAV University in Venice presented an interesting, albeit unusual, exhibition on how de-
In alto e nella pagina a fianco, in basso: Navaho, il marsupio per il trasporto dei bambini. Per trasportare il bimbo fuori dall’automobile la madre rimuove solo la cover. Sotto: Sottiletta, la vaschetta pieghevole per il bagno. Dopo il bagnetto, applicando una pressione sul bordo, la vaschetta si richiude fino a occupare solo 5 cm di altezza.
Top and opposite, bottom: Navaho baby sling. The mother just has to remove the cover to carry the baby out of the car. Below: Sottiletta folding basin. After the bath, you just have to press on the edge to fold up the basin, thereby occupying no more than 5 cm in height.
sign can assist during pregnancy and help new mothers look after the babies. It was organized in the Milanese headquarters of the association ‘La Luna Nuova’ during the recent International Furniture Exhibition hosted in the city. Some of articles that materialized were invented and developed in the Laboratory of Medical Design by Medardo Chiapponi, who has been dedicated to this area of design for more than 15 years. The projects on display – from the initial ideas to the prototypes – not only tried to satisfy the new demands and necessities of women from the multicultural global society, but were also inspired by the close mother-child bond, taking into account that the ‘urbanized’ bodies to modern mums are very different to those of traditional rural society. Factors such as these led to the idea of a bra with interchangeable cups, with heated cups to avoid blockage of the breast-milk, absorbing bras to prevent visible leaking and those with removable cups to facilitate the feeding process, support the shoulders and encourage good posture. Then the cradle that can used in the ho-
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A sinistra e qui sotto: Cradle-in, la culla per il rooming-in in grado di regolarsi in altezza, di affiancarsi e adagiarsi al letto della mamma. Sotto, al centro della pagina: Glove, il dispositivo per il monitoraggio fetale. Due elementi che si posizionano a contatto con la madre e un ricevitore che analizza i dati.
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spital and allows safe mother-child cosleeping; another inventions is the car-seat designed to allow baby to continue sleeping as the cover can be easily removed to form a handy carrying sling. Another genial idea was a bag that converts into a feeding cushion complete with a screen to guarantee privacy, sensors to monitor labor and delivery that allow the mothers-to-be to move freely thanks to their ergonomic design; an adhesive thermometer that sounds an alarm if the baby’s temperature rises during the night; a soft bathtub that is extremely compact and as think as a piece of cardboard. However, there is one digression: in addition to the projects designed for this year’s event, another series of articles was presented from a digital station, the results from previous years of research and development in the medical sector under the banner of ‘New Frontiers of Design’. Starting on July 23rd and open for the remainder of the Summer, this exhibition will be housed in the central hall of the main hospital in Varese ‘Ospedale di Circolo e Fondazione Macchi’, the first phase of a partnership that in years to come will combine the talents of IUAV of Venice, the Varese Hospital Trust and the University of Insubria in the research and development of projects of Medical Design. (A.C.)
Left and below: Cradle-in, the rooming-in cradle which can be vertically adjusted, placed next to, or laid on, the mother’s bed. Below, in the middle of the page: Glove, the fetal monitoring device. Two parts placed in contact with the mother and a data analyser/receiver.
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NEWSLIBRI/BOOKS
L’ARCHITETTURA DI CÉZANNE Un Pamphlet, allo stesso tempo storico e militante, che crea osmosi tra il linguaggio della pittura e quello dell’architettura e si inserisce nel percorso battagliero che Vittorio Gregotti sta disegnando da anni, per combattere la decadenza della cultura architettonica contemporanea. Una lotta contro le richieste del mercato e della comunicazione, le mode e le regole del marketing che legano molti architetti alla spettacolarizzazione di sé. Distogliendoli da quello che dovrebbe essere il loro compito primario: la ricerca della verità intesa come modificazione, ribaltamento, spostamento e, infine, disvelamento attraverso una continua ricerca della ‘cosa stessa’, l’origine. Non poteva scegliere pittore migliore: Cézanne silenzioso ricercatore della verità attraverso il colore; capace di offrire una visione della realtà e non una sua riproduzione, come sosteneva Getrude Stein. Per Cézanne “la realtà è nello stesso tempo immagine di sé e del mondo, della sua origine e del suo stato”. Attraverso Cézanne, Gregotti invita ad affrontare la normalità del fare, anche nella sua dimensione artigianale: a non abbandonare mai i “momenti ineliminabili” della dottrina progettuale per ricercare la verità. “Un percorso”, come scrive lo stesso Gregotti, “Capace di costruirsi attraverso una relazione profonda con la geologia della realtà: ogni suo dipinto è la lenta realizzazione del quadro definita da tale necessità”. Cézanne diviene quindi un modello da seguire per “un’architettura che deve avere la qualità di sorprendere ogni volta che la si vede e nello stesso tempo di apparire come fosse sempre stata lì”. (C.B.)
A Pamphlet that is simultaneously historical and militant, that creates osmosis between the languages of painting and of architecture and joins the courageous pathway that Vittorio Gregotti has been tracing for years, in his fight against the decadence of contemporary architectonic culture. He has been battling with the market and communication demands, the fashions and rules of marketing that drive many architects to the spotlight (and not always for the right reasons). And he considers them detached from what should be their primary role; they should be: looking for the truth - intended as a modification, upset, displacement and finally unevenness - through the constant research for ‘something’: the origins. He could not have selected a better painter: Cézanne – the silent investigator of the truth through color; he was able to offer a vision of reality and not a reproduction, according to Getrude Stein. For Cézanne “reality is an image of himself and a reflection on the world, its origins and its condition”. Through the works of Cézanne, Gregotti invites us to examine the normality of making something, even in terms of its artisan dimension to avoid abandoning the key moments of the design doctrine to look for the truth. ‘A pathway, according to Gregotti, that is constructed through a profound relationship with the geology of the reality: each one of his paintings is the slow creation of the painting defined by this necessity”. Cézanne therefore becomes a role model for ‘architecture that must always surprise each time it is observed yet appear as though it has always been there’. (C.B.) Vittorio Gregotti, L’architettura di Cézanne, Skira, sms
VITTORIO GREGOTTI, INCERTEZZE E SIMULAZIONI Attraverso un’analisi raffinata e colta di quelle che sono state le politiche e le strategie che hanno cambiato radicalmente lo statuto dell’arte del costruire, Vittorio Gregotti prosegue, con questo libro, la sua lotta contro la decadenza della cultura architettonica. E spiega come quest’arte abbia subito, negli ultimi trent’anni di postmodernismo, le conseguenze di un pensiero fallimentare dominato, a livello globale, dall’idea di finanza, tecnologia e di potere. Il globalismo, la mancanza di una relazione tra società e politica e la conseguente rinuncia a una riflessione ideale intorno a un progetto di futuro, hanno portato a un regime culturale incerto incentrato sul ‘comunicazionismo’ esasperato e su un’ansia di attualità, pena l’esclusione dai diversi livelli dei gruppi sociali di potere. Un giudizio critico sullo stato delle forme architettoniche dei nostri anni che ha smarrito valori indispensabile alla propria sopravvivenza, come il bello, il vero e il giusto; frammenti di quella verità che bisogna invece recuperare attraverso una nozione di verità liberata dall’idea di rivelazione per associarla, invece, a quella di indagine profonda e critica della realtà. In un generale stato di crisi culturale, Gregotti propone il suo atto di resistenza che regala un’ultima speranza: “Forse bisognerebbe guardare alla produzione di architettura non solo combattendo contro le sue simulazioni mercantili, ma anche sospendendo provvisoriamente ogni giudizio critico sulle ideologie, per guardare ai frammenti che di essa sono recuperabili”. (C.B.)
Through this elegant and sophisticated analysis ot the policies and strategies that have radically modified the rules of building art, Vittorio Gregotti continues his battle against the decadence of the architectonic culture. In his book, he examines the past thirty years of post-modernism and explains how art has been subjected to the fall-out from the disastrous ideas on a global scale dominated by a mixture of financial, technological and political power. Globalization, the lack of a relationship between society and politics and the consequent elimination of any reflection on the ideal project for the future, led to an uncertain cultural regime centered on exaggerated ‘communicationism’ and anxiety associated with the future and fear of being excluded from the various levels of social power. It is a negative overview on the status of the architectonic shapes in our times, a generation that has lost the core values essential for survival – the beautiful, the truth and righteousness; fragments of that truth must be recovered through a notion of truth liberated from the idea of revelation to associate it with a deep and critical investigation of the reality. In a general status of cultural crisis, Gregotti presents his resistance to give a feeble ray of hope: ‘Maybe we need to look at the production of architecture not just by rebelling against its industrial simulations, but also temporarily suspending every critical opinion on the ideology, to take a closer look at the fragments that can actually be reclaimed and put to good use. (C.B.) Vittorio Gregotti, Incertezze e simulazioni. Architettura tra moderno e contemporaneo, Skira.
IDEAS EXCHANGE
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Il volume “Ideas Exchange. The collaborative studio of Hawkins/Browns” ne prende in esame da un punto di vista molto originale l’opera. Hawkins/Brown è stato in prima linea nell’ambiente dell’architettura britannica per ventidue anni, producendo edifici di qualità elevata e costante per una vasta gamma di clienti. Hawkins/Brown non ha mai limitato la sua architettura ai mercati particolari e ha vinto il plauso della critica per i suoi punti di forza diversi - in particolare un approccio innovativo e la determinazione a pensare fuori dagli schemi e assicurare il miglior valore per il cliente. Recenti premi RIBA sono andati allo studio per la School of Arts, University of Kent, il New Art Exchange Nottingham; lo Highfields Automotive and Engineering Training Centre, Nottingham e l’Università di Oxford New
CONVENTION NAZIONALE SULLA RIQUALIFICAZIONE E GESTIONE SOSTENIBILE DEI PATRIMONI IMMOBILIARI ...............................................................................................................................................................................................
17 18 19 settembre 2012
Palazzo Congressi Riva del Garda
Riqualificare per crescere. Una famiglia su due vive in abitazioni obsolete: il patrimonio immobiliare italiano è il secondo più vecchio d’Europa ed è responsabile del 40% del nostro conto energetico. Riqualificazione e conduzione sostenibile rappresentano oggi una straordinaria opportunità per il settore edile. Re+build è l’evento in cui gli operatori del settore possono entrare in contatto diretto con i leader delle esperienze che stanno ridefinendo il mercato della riqualificazione e gestione immobiliare. È IL MOMENTO DI INVERTIRE LA ROTTA.
Re+build è un’iniziativa di: www.re-build.biz
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Segreteria organizzativa: T +39 0464 443313 welcome@re-build.biz
ARCH OF
Biochimica. I progetti in fase di sviluppo includono la ristrutturazione di Park Hill, Sheffield, la più grande struttura quotata del Regno Unito, e la riqualificazione della stazione di Tottenham Court Road, Londra. Il volume prende in esame l’opera dello studio dal punto di vista della collaborazione con altri settori di attività correlati. Per esempio la collaborazione con altri architetti, che ha dato vita a opere come il Parkhill, Sheffield e il The Wharves, Deptford, London; quella con altri studi di architettura ad altre opere come il Corby Cube, il Dubai Arts Pavilion, il Dublin Metro North e il Taipei Performing Arts Center. Un gruppo cospicuo di opere è quello realizzato in collaborazione con gli artisti e qui possiamo citare il New Art Exchange a Nottingham, il Roald Dahl Museum nel Buchinghamshire e il The Henri Moore Foundation nel Hertfordshire, mentre la collaborazione con i designer ha prodotto il Masterplan della Wesley Road and Park Lane di Londra. L’ultimo capitolo prende in considerazione le opere svolte in collaborazione con quelli che chiamano semplicemente clienti, e che sono enti statali e amministrativi, pubbliche amministrazioni e università. E possiamo citare il Parliament Square di Londra, il The Terrace a Southwark e il New Biochemistry dell’Università di Oxford. Ogni sezione è preceduta da un saggio. Il volume è molto elegante con belle illustrazioni. Idea Exchange. The Collaborative Studio of Hawkins/Browns by Tim Abrahams, edito da Birkhauser, Basilea, Svizzera. (P.R.)
Automotive and Engineering Training Centre, Nottingham and the New Biochemistry Department, University of Oxford. The projects in progress include the restructuring of Park Hill, Sheffield, the largest listed building project in Great Britain, and the requalification of the Station of Tottenham Court Road, London. The book examines the studio’s work from the point of view of collaboration with other correlated sectors. For example, the collaboration with other architects that gave rise to projects such as Park Hill, Sheffield and the The Wharves, Deptford, London; collaboration with other architecture studios and other examples such as the Corby Cube, the Dubai Arts Pavilion, the Dublin Metro North and the Taipei Performing Arts Center. A large group of projects materialized in collaboration with artists – for example, the New Art Exchange in Nottingham, the Roald Dahl Museum in Buckinghamshire and The Henry Moore Foundation in Hertfordshire; the work with designers resulted in the Masterplan of Wesley Road and Park Lane in London. The final chapter considers the work with clients – government and administration bodies, public bodies and universities: the Parliament Square in London, The Terrace in Southwark and the New Biochemistry Department of the University of Oxford. Each section is preceded by an introductory article. The volume is extremely elegant with beautiful illustrations. Idea Exchange. The Collaborative Studio of Hawkins/ Browns by Tim Abrahams, published by Birkhauser, Basle, Switzerland. (P.R.) Ideas Exchange edito da Birkhauser, Basilea,
NUDA ARCHITETTURA,
The book “Ideas Exchange. The collaborative studio of Hawkins/Browns” examines the project from an extremely original point of view. Hawkins/ Brown was in the front line of British architecture for 22 years, constantly producing high quality buildings for a wide range of clients. Hawkins/Brown 24 never limited the architecture to specific markets and enjoyed the critical acclaim for its different strong points – in particular an innovative approach and the determination to think outside the box and to guarantee the best value for the client. Recent RIBA prizes were awarded to the studio for the School of Arts, University of Kent, the New Art Exchange Nottingham; the Highfields
‘Nuda Architettura’, il titolo del volume scritto da Valerio Paolo Mosco ed edito da Skira, è strutturato come fosse in parte un catalogo dell’architettura degli ultimi dieci anni, includendo analisi ed esempi e dall’altra un saggio su alcuni aspetti concettuali. Passato il periodo del ‘post-modern’, in cui la struttura degli edifici era camuffata da rivestimenti di ogni sorta, oggi l’architettura sembra svestirsi, quasi voler dimostrare come è fatta dall’interno. È da qui che inizia una riflessione sul concetto della ‘nudità’ in architettura, o meglio se sia possibile che una struttura o un edificio
siano nudi. Probabilmente no, se si considera come mancanza di involucro e di rivestimento. In questo senso la nudità diventa metafora, bisogno di tornare verso un’architettura primitiva ed essenziale, che riconduca al vero significato delle cose. Il libro sembra essere un resoconto di uno dei fenomeni più interessanti del costruire contemporaneo, un fenomeno evidente proprio nella messa a nudo dell’architettura che rimandi alla necessità di una nuova estetica mondiale che faccia dei passi indietro rispetto agli eccessi degli ultimi anni e che conceda nuovi spazi alla vera essenza del ‘fare architettura’. (A.M.)
‘Nuda Architettura’ (Naked Architecture) is the title of a book written by Valerio Paolo Mosco and published by Skira; one section resembles part of a catalogue for architecture over the last decade, and the other part includes detailed analyses and examples on some aspects of the concepts. Once the post-modern period terminated, during which the core structure of buildings was hidden behind every imaginable type of coating material, architecture would now appear to be stripping to bare its bones as though it wants to show the world its inner self. And this is our starting point for the investigation into the concept of ‘nakedness’ in architecture to decide whether the structure of a building should be stripped back to the bare essentials. The answer is probably ‘No’ if the idea is interpreted as a lack of containment walls and cover materials. As a result, nakedness becomes a metaphor, it converts into a desire to return to primitive basic architecture to reveal the true meaning of the artefacts. The book can be described as a summary of one of the most interesting phenomena in contemporary building construction, a phenomenon that emerges when the architecture is stripped back and beckons to the need for a new global esthetic orientation that retreats from the excesses of recent years and makes room for what can be described as the true essence of ‘making architecture’. (A.M.) Nuda architettura, Valerio Paolo Mosco, Skira
‘PICCOLI INCONTRI CON GRANDI ARCHITETTI’ Talvolta guardare le cose dall’esterno e con occhi incontaminati mette in luce aspetti che per ‘gli addetti ai lavori’ sono ovvi e scontati; è quello che ha fatto Enrico Arosio, inviato dell’Espresso che per 15 anni, grazie alla passione per l’architettura, ha seguito, ascoltato e dialogato con grandi architetti di fama mondiale che hanno trasformato l’identità delle città europee ed americane, quali Rem Koolhaas, Renzo Piano, Jacques Herzog, Ettore Sottsass e Massimiliano Fuksas. Il risultato di questo
viaggio è stato poi messo per iscritto in un libro che non parla solo di architettura e della visione professionale degli intervistati, ma anche della vita, delle sfide e delle personalità che sono state ‘la mente’ di grandi progetti. La storia raccontata si sofferma sui concetti di progettualità e creatività, parla di importanti opere realizzate, concetti che talvolta vengono celati dalle numerose polemiche e dispute sul cosa sia - o dovrebbe essere - l’architettura oggi. Quattro sono le sottosezioni del libro: Guru, maestri e maestrini; Schegge del pianeta Piano; Racconti di frontalieri; Gregotti con la Storia. (A.M.)
When we observe something from a position on the outside with uncontaminated eyes, we can occasionally identify something that has been very much taken for granted by the trade operators; this basically describes what happened to Enrico Arosio, a reporter with the Espresso magazine. Thanks to his innate passion for architecture, for 15 years he followed, listened to and conversed with major world-famous architects whose work has transformed the identity of European and American cities - Rem Koolhaas, Renzo Piano, Jacques Herzog, Ettore Sottsass and Massimiliano Fuksas. The result of his intellectual journey has been immortalized in writing with ‘Piccoli incontri con grandi architetti’ published by Skira. The book does not deal with architecture and the professional vision of those interviewed but it covers their lives, the challenges they faced and the personalities that were the minds behind major projects. His story takes an in-depth look at the concepts of design and creativity behind many of the works produced, concepts that are frequently camouflaged by numerous discussions and debates on what architecture is – or should be – in today’s world. The book has been split into four subsections; Gurus, Maestros and maestrini; Splinters of Piano’s design planet; Tales from the pioneers and Gregotti looks at history. (A.M.) Enrico Arosio, Piccoli incontri con grandi architetti, Skira
ARMANDO TESTA
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Grazia Piccininno per Cersaie 2012 FacoltĂ di Architettura di Genova
25-29 SETTEMBRE 2012 www.cersaie.it
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