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INTERNATIONAL MAGAZINE OF ARCHITECTURE AND DESIGN

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Novità 2013 Con possibilità di sostituzione del modulo LED a scelta 3000°k o 4500°K

Con possibilità di sostituzione del diffusore con scelta dell’angolo di emissione da 20/40/60°

Raffreddamento tramite pompa a membrana posto sul retro del corpo luminoso

Alloggiamento filtri antiabbagliamento e correzione cromatica

Adattattabile a qualsiasi corpo illuminante con attacco R111

R111 Top

il led ultra versatile, novità di Relcogroup

Chameleon R111 Top è la nuova lampada a LED “Multichip” a basso impatto ambientale e risparmio energetico, con meccanica R111, raffreddamento dinamico, multipower, intercambiabile a qualsiasi corpo luminoso con attacco R111, realizzata dal Gruppo Relco in conformità alle disposizioni date dal Consorzio Zhaga.

Come dice il nome stesso - Chameleon è in grado di trasformarsi a seconda dell’esigenza mutando la tipologia di flusso luminoso da diffusa ad accento, l’intensità da 25W a 65W tramite alimentatore multipower, e la tonalità di colore da caldo a freddo.

Inoltre sono disponibili una serie di filtri, facilissimi da montare che permettono di attenuare l’abbagliamento diretto (dove richiesto) e le variazioni cromatiche particolari, ad esempio nel food-retail. Il riflettore, creato con tecnologia “Zhaga” è intercambiabile senza difficoltà in funzione dell’ambiente e degli oggetti che desiderano illuminare, con angoli di emissione di 20, 40 e 60°.

Chameleon è la soluzione ideale per tutti gli ambienti commerciali: show rooms, hotels, grandi magazzini, retail, gallerie d’arte e musei.

Non scolorisce gli oggetti, non genera calore o emissioni nocive, è orientabile e dimmerabile, consente cambi di colore e di tipologia di flusso luminoso e, cosa non trascurabile, garantisce un risparmio energetico pari all’85%.

Per info e contatti sul prodotto: relcopressoffice@relcogroup.it

RELCO GROUP Via delle Azalee, 6/A 20090 Buccinasco,(Mi) Tel. + 39 02 488616.1 r.a.

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DDA Design Diffusion Advertising srl Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/54.53.009 - Fax 02/54.56.803 Agenti/Agents Paolo Bruni, Teo Casale, Roberto Gallo Amministrazione/Administration Norberto Mellini Ufficio abbonamenti Numero Verde 800/31.82.16 Tel. 02/55.16.109 - Fax 02/54.56.803

Direttore responsabile/ Editor in chief Francesca Russo Direttore/Editor Franco Mirenzi Redazione/Editorial staff Paola Molteni Progetto grafico e consulenza artistica/ Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi Realizzazione grafica/Graphic designer Fabio Riccobono

OFARCH News Paola Molteni OFARCH Architettura/Architecture Michele Alberti, Nicola De Ponti, Elviro Di Meo, Maurizio Giordano, Cristina Molteni.

OFARCH Architecture in USA Bradley Wheeler OFARCH Design Francesco Massoni OFARCH Zoom Paolo Rinaldi

Editorial Office, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan Tel. 00816/3571525 - Fax 3571529

Contributi/Contributors Roberto Cascone, Matteo Comello, Francesca De Ponti, Giulia Gianfranchi, Fulvia Grandizio, Annamaria Maffina, Carlo Paganelli, Monica Pietrasanta, Luca Sampò, Francesca Tagliabue.

Traduzioni/Translations Fiona Johnston, Studio ITS. Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo, Barbara Tommasini.

Ufficio abbonamenti/ Subscription office Francesca Casale

Bimestrale/Bimonthly magazine Prezzo/Price Euro 7,00 Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) Tel. 030/6810155 Fotolito BitGraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina dè Pecchi (MI) Tel. 02/92278515 Poste Italiane s.p.a. - Spedizione in Abbonamento Postale - D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n. 46) art. 1, comma 1, LO/MI Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 712 del 7 Aprile 1990

Printed in Italy )33. s

News

28

Un mondo a colori/A world of color

Monica Pietrasanta

Architettura

30

Common ground

Elviro Di Meo

Editoriale

38

La città nuova/The new city

Franco Mirenzi

Architettura

40

Temporaneo assoluto/Absolutely temporary

Maurizio Giordano

44

La cultura della città nella città della cultura olivettiana/The culture of a city within the city is the basis of Olivetti’s philosophy

Fulvia Grandizio

58

Rigore organico/Clean organic lines

Paola Molteni

66

The green network of Madrid Rio

Luca Sampò

72

Verso una nuova centralità urbana/ A step towards new urban centrality

Elviro Di Meo

84

Ponti con vista/Bridges with view

Annamaria Maffina

92

Brasilia: Flor do Cerrado

Monica Pietrasanta

94

Yin and Yang

Francesca Tagliabue

102

Museo Gustave Courbet

Matteo Comello

108

Cubo di luce/Light cubed

Francesca Tagliabue

114

Perla architettonica/An architectonic gem

Francesca Tagliabue

120

Echi formali nella nuova libreria di Pecs/ Formal echoes in the New Library in Pecs

Maurizio Giordano

126

Fiocchi di libri/Pure white reading

Claudia Barana

132

The Photographers Gallery

Maurizio Giordano

138

Inclusività in continuità di spazio/ A sense of inclusion with continuity of space

Roberto Cascone

146

Expo: Chicago 1933-1934

Carlo Paganelli

Design

148

Paolo Rizzatto. Rigore e innovazione/ Style and innvation

Francesco Massoni

X

158 160

Parasite Office. Creatività a Mosca/ Creativity in Moscow

Annamaria Maffina

164

Innesti contemporanei mimetizzati/ Camouflage contemporary insertions

Elviro Di Meo

168

Castelli Design Contest

Monica Pietrasanta

170

Progettato per progettare/Designed for design

Francesca Tagliabue

172

Cultura al cubo/Culture cube

Francesca Tagliabue

Associato all’Uniuone Italiana Stampa Tecnica Distribuzione per l’Italia/Distribution for Italy Messaggerie Periodici spa Via G. Carcano 32, 20141 Milano Tel. 02/895921, Fax 02/89504932 Distribuzione in libreria Bookshop distribution Joo Distribuzione È vietata la riproduzione anche parziale All rights reserved

Design Diffusion World comprende le testate/ includes also the heads DDN Design Diffusion News, OFARCH International Magazine of Architecture, Cucina International, DDB Design Diffusion Bagno, DLUX, OFX Office Design, Hot & Cold, I.T.S. News, Contract Guide, Avant Garde Design Selection Köln, Italian Design Selection Milano, Must, Car and trasportation Design, Moto Design, Eventi Extra Salone, Casa d, Decor Living, DHD Hospitality.

Edited by Paola Molteni

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Testi, disegni e materiale fotografico non si restituiscono Texts, drawings and photographs will not be returned

8

Abaco Cover

176

Giulia Gianfranchi Siracusa, OMA

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SOMMARIO

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Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial Offices Direzione, amministrazione, pubblicità Management, Administration, Advertising Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/55.16.109 - Fax 02/54.56.803 Internet: www.designdiffusion.com E-mail: ofarch@designdiffusion.com

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3TUDIO 2OLF FR :ECC !RCHITECTEN s 3NÂ’HETTA s !LESSANDRO -ASON s $EROSSI !SSOCIATI s .OBUAKI &URUYA .!3#! s ,ORENZ AND +AZ s +AZUMI +UDO (IROSHI (ORIBA #OELACANTH + ( !RCHITECTS s!LESSANDRO -ENDINI s /&8

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Fax + 81 3-6910-05301 hidai@kinokuniya.co.jp MALTA MILLER DISTRIBUTORS MILLER HOUSE TARXIEN ROAD, AIRPORT WAY LUQA TEL. + 356 21.664488 FAX + 356 21.676799 km@millermalta.com POLAND POL-PERFECT SP Z.O.O UL. STAGIEWNA 2C 03-117 WARSZAWA Tel. + 48 225193951 Fax +48 225193950 sekretariat@polperfect.com.pl PORTUGAL INP - INTERNATIONAL NEWS Portugal ED. SMART ALAMEDA DOS OCEANOS RUA POLO NORTE, 1° FRACCAO 1E PARQUE DA NACOES 1990-075 LISBOA Tel. + 351 21 8982010 Fax + 351 21 8982029 joana.reis@internews.com.pt RUSSIA PRESS POINT INTERNATIONAL 1ST DERBNEVSKY PER. 5, BLD 6 - OFFICE 306 – 307 115114 MOSCOW TEL. + 7 495 9847287 FAX + 7 495 9880916 m.tumanova@rautakirja.ru SINGAPORE BASHEER GRAPHIC BOOKS BLK 231 - 04 - 19, BAIN STREET, BRAS BASAH COMPLEX 180231 SINGAPORE Tel. + 65 63360810 Fax + 65 6334 1950 abdul@basheergraphic.com SYRIA KAYYAL TRADING CO. P. O. BOX 1850 DAMASCUS Tel. + 963 11-2311542 Fax + 963 11-2313 729 kayyal@kayyal.com SLOVACCHIA INTERPRESS SLOVAKIA LTD. VYHONSKA 13, 83106 BRATISLAVA Tel. + 421 2-44871501 Fax + 421 2-44871346 interpress@interpress.sk SLOVENIA DISTRIEST D.O.O. PARTIZANSKA 75/A 6210 SEZANA TEL. + 386 5 7070250 FAX + 386 5 7300480 r.komar@distriest.si SPAIN IBERPRESS ESPANA S.L AVDA. CANADA REAL DE LAS MERINAS, 1-3 28042 MADRID TEL. + 34 91.748.13.70 FAX + 34 91.746.24.31 vgomez@iberpress-spain.com TAIWAN MULTI ARTS CORPORATION NO.4 LANE 25 - SUNG CHIANG RD TAIPEI 104 TEL. + 886 2 2505 2288 FAX + 886 2-2516 8366 adrian.chen@multi-arts.com.tw THAILAND ASIA BOOKS CO. LTD. NO. 65/66, 65/70 FL 7, CHAMNAN PHENCHATI BUSINESS CENTRE RAMA 9 RD. 10320 HUAYKWANG , BANGKOK Tel. +662 715 9000 Fax +662 715 9197 nisana_L@asiabooks.com TURKEY YAB-YAY YAYIMCILIK SANAY LTD. BESIKTAS BARBAROS BULVARI PETEK APT. NO.61 KAT:3 D:3 BESIKTAS/ISTANBUL Tel. +90 212 2583913 Fax +90 212 2598863 yabyay@isbank.net.tr HUNGARY HUNGAROPRESS DISTRIBUTION TABLAS UTCA 32 1097 BUDAPEST TEL. + 36 1-348.40.43 FAX + 36 1-3484050 bklari@hungaropress.hu USA L.M.P.I. 8155, RUE LARREY MONTREAL H1J 2L5 QC Tel.+1 514-3555610 Fax +1 514-3555676 lmpi@lmpi.com

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NEWSARTE/ART

FRANCO VIMERCATI. TUTTE LE COSE EMERGONO DAL NULLA Artista fieramente anticonformista e inattuale, Franco Vimercati (1940-2001), compiuti gli studi all’Accademia di Brera, negli anni Sessanta inizia a frequentare l’ambiente delle gallerie milanesi e del leggendario Bar Jamaica. Sensibile alle espressioni concettuali e minimaliste, orienta presto la sua creatività verso la fotografia, nell’ambito della quale predilige autori quali Diane Arbus, Lee Friedlander, Robert Frank e August Sander. Nella sua attività prevale l’idea di serialità, come è testimoniato dalle prime immagini di piastrelle del 1975, e, due anni dopo, da quelle delle doghe del parquet, fino alle 36 fotografie in bianco e nero di bottiglie di acqua minerale Levissima. Ma, forse, il suo lavoro più rappresentativo è il ciclo delle terrine in porcellana, composto da un’ottantina di scatti realizzati nell’arco di un decennio, dal 1983 al 1992. Da allora, si può dire che la sua casa diviene il luogo elettivo della sua ispirazione e gli oggetti che la abitano i suoi soggetti: piccoli vasi, una grattugia, un bricco del latte, la moka Bialetti… “A me interessava che scoccasse la fotografia - ha detto - non mi interessava leggere l’oggetto, ma assistere ogni volta a questo miracolo”. Un miracolo reiterato nelle immagini rovesciate, come vengono colte dalla macchina fotografica, in quelle sfocate, ingrandite, rimpicciolite, dando vita ad altrettanti sogni luminosi. Nel 1999, egli inaugura il ciclo di scatti sovrapposti che danno vita ad un effetto dinamico, forse la rappresentazione di una rotazione del soggetto ritratto. Poi, nel 2001, la morte improvvisa ne interrompe l’originale ricerca che lo aveva portato ad identificarsi con il mezzo fotografico, in una sorta di simbiosi poetica. “Io sono la lastra”, diceva, “ho bisogno di poca luce, di un sospiro, di un soffio di luce”. A Franco Vimercati è dedicata la mostra personale in corso a Venezia, a Palazzo Fortuny, curata da Elio Grazioli, con progetto d’allestimento di Daniela Ferretti. In concomitanza con la mostra esce la prima monografia su Vimercati edita da John Eskenazi/Skira Editore, in cui appaiono le sue opere più rappresentative e una lunga intervista con Elio Grazioli, oltre a testi firmati da Paolo Fossati, Luigi Ghirri, Angela Madesani, Giuseppe Panza di Biumo, Carlo Ar8 turo Quintavalle, Daniela Palazzoli. (F.M.)

Grazioli, with layout plans by Daniela Ferretti. In parallel with the exhibition, the first monographic volume of Vimercati’s work , edited by John Eskenazi/ Skira Editore, has been published. It contains his most representative works and a long interview with Elio Grazioli.

The book also contains articles by Paolo Fossati, Luigi Ghirri, Angela Madesani, Giuseppe Panza di Biumo, Carlo Arturo Quintavalle, Daniela Palazzoli. (F.M.) Venezia, Palazzo Fortuny, San Marco 3958. Fino al 19 novembre/Until November 19th.

FRANCO VIMERCATI. EVERYTHING COMES FORTH FROM NOTHING He was proudly non-conformist and very definitely not a trend setter. On completing his studies at the Art Academy in Brera (Milan), Franco Vimercati (1940-2001) began frequenting the Milanese galleries and the legendary Bar Jamaica. Sensitive to conceptual and minimalist expressions, he soon directed his creativity towards photography, with preferences for Diane Arbus, Lee Friedlander, Robert Frank and August Sander. In his artistic activity, his predominant thought was serial shots as illustrated by the first images of tiles in 1975 and two years later, the parquet slats, to the 36 black and white photographs depicting bottles of Levissima mineral water. Yet possibly his most emblematic creation was the cycle of porcelain bowls, a series of 80 or so shots taken over the decade between 1983 and 1992. From then, his home became his elective source of inspiration and the articles in his domestic environment were his subjects: small vases, a grater, a carton of milk, a Bialetti moka coffee percolator… ‘I was interested in taking the photograph – he explained – I was never interested in interpreting the subject. I just enjoyed witnessing the miracle every time it appeared’. And the miracle was repeated in the images that were reversed, as happens with the camera, images that are blurred, magnified, minimized, giving rise to an equal number of luminous dreams. In 1999, he inaugurated the cycle of superimposed images that projected a dynamic effect. It was possibly the portrayal of the rotation of the subject. Then in 2001, his sudden death interrupted this original research that had allowed him to identify with the photographic medium, in a sort of poetic symbiosis.

He would say ‘I am the plate, I require a little light, a gentle breath’. The personal exhibition of Franco Vimercati’s work is currently open in Palazzo Fortuny in Venice. It was organized by Elio

Cento anni fa, all’ingresso della bottega di un barbiere parigino, veniva installata la prima insegna al neon della storia. Un emblema, dunque, dello sviluppo commerciale urbano destinato a diventare un segno della contemporaneità denso di implicazioni simboliche ed estetiche.

Uno dei primi ad intuirne le potenzialità artistiche fu László Moholy-Nagy, che allora faceva parte del Bauhaus, ma l’impiego delle insegne al neon nell’ambito della creatività contemporanea non si registrerà, in Europa e in America, che a partire dagli anni Quaranta del Ventesimo secolo. Da allora in poi, molti ed affermati autori a livello internazionale hanno utilizzato il neon per le loro opere, indagandone le potenzialità linguistiche, materiche e concettuali, trasformando la ‘materia luminosa’ in un elemento ricorrente del fare arte. Questa elettrizzante invenzione, che ha accompagnato la nascita e l’evoluzione della società dei consumi, è protagonista della prima grande mostra internazionale dedicata in Italia al neon nell’arte. Realizzata nell’ambito della partnership tra il MACRO, Museo d’Arte Contemporanea di Roma, e l’Enel, in occasione dei 50 anni dell’azienda, la rassegna è stata ideata da David Rosenberg, che ne è anche il curatore assieme a Bartolomeo Pietromarchi, e realizzata in collaborazione con la Maison rouge di Parigi. “Poiché non si tratta di un’esposizione puramente storica, né di una retrospettiva completa, ‘Neon. La materia luminosa dell’arte’ si propone di esplorare tematicamente e trasversalmente i molti modi in cui gli artisti hanno utilizzato questo materiale dagli anni Sessanta a oggi. Prolungando lo spazio urbano circostante e l’architettura del Museo, essa disegna la pianta di una città di cui una memoria obliosa ha cancellato gli edifici.

Non ne rimangono che i neon e i lembi di muro neutro ove essi sono appesi; ora una vasta piazza deserta, ora un recesso isolato o un frammento di casa, e tutto intorno bagliori e lampeggiamenti…”, spiega Rosenberg nel saggio ‘Un’arte neonizzata’, pubblicato all’interno del catalogo edito da MACRO-Quodlibet.

In mostra, all’interno della grande sala Enel, una selezione di opere di auterevoli esponenti della scena contemporanea, tra i quali Dan Flavin, Joseph Kosuth, Maurizio Nannucci, Mario Merz, Francois Morellet e Bruce Nauman, per arrivare a Maurizio Cattelan, Tracey Emin, Alfredo Jaar e Jason Rhoades. Il percorso tematico dell’esposizione è articolato secondo le diverse prospettive in base alle quali gli artisti si sono cimentati con il neon: l’analisi linguistica, la ricerca sulle sue potenzialità architettoniche ed urbane, la sua dimensione geometrica, ma anche quella politica e sentimentale. (F.M.)

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and the architecture of the Museum, it designs the layout of the city in which the buildings were invisible. Only the neon lights remained and sections of the neutral walls that supported them: a deserted square, an isolated alcove or a fragment of a home all surrounded by bright and flashing lights…’ explained Rosenburg in his book ‘Neonized art’, published in the catalogue published

by MACRO-Quodlibet. The exhibition was held in the large Enel hall and presents a selection of works by important exponents of the contemporary scenario, including Dan Flavin, Joseph Kosuth, Maurizio Nannucci, Mario Merz,

NEON. LA MATERIA LUMINOSA DELL’ARTE

NEON. THE LUMINOUS SUBSTANCE OF ART One hundred years ago, the very first neon light was installed at the entrance of a Parisian barber’s shop. It was an emblem of urban commercial development and was destined to become a sign of contemporary living, heavily loaded with symbolic and esthetic implications. One of the first people to realize the artistic potential of this addition was László Moholy-Nagy, who was part of Bauhaus at that time.

However, the use of neon lights in contemporary creativity was not adopted across Europe and America until the 1940s. Since then, many consolidated international creatives have used neon lighting in their works, investigating the language, material and conceptual potential, transforming the luminous substance into a routine element in creating art. This electrifying invention that accompanied the birth and evolution of consumer society is now the protagonist of the first important international exhibition in Italy dedicated to neon lighting in art. The exhibition was organized as a partnership between MACRO, Museum of Contemporary Art in Rome, and Enel, the Italian National Electricity Board, to celebrate its 50th anniversary. The exhibition was organized by David Rosenberg along with Bartolomeo Pietromarchi, and in collaboration with Maison rouge of

Paris. “As this is not purely a historical exhibition, nor a complete retrospective, ‘Neon. Luminous substance in art’ aims simply to thematically and comprehensively explore the numerous ways in which artists have used the material from the Sixties to the present day.

Extending the surrounding urban space

Francois Morellet and Bruce Nauman, Maurizio Cattelan, Tracey Emin, Alfredo Jaar and Jason Rhoades. The thematic pathway of the exhibition was arranged according to the different orientations that artists applied when using neon: linguistic analysis, research into the architectonic and urban potential, the geometric measurements and political and sentimental components. (F.M.) Roma, MACRO, via Nizza 138. Fino al 4 novembre/Until November 4th.

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NEWSARTE/ART

EDVARD MUNCH: THE MODERN EYE Noto in tutto il mondo per il suo capolavoro ‘L’urlo’ - la cui versione a pastello, l’ultima in possesso di un privato, è stata recentemente battuta all’asta da Sotheby’s al prezzo di oltre 90 milioni di euro, e le cui molteplici declinazioni carnevalesche costituiscono un emblematico esempio di ciò che il marketing considera come ‘democratizzazione dell’arte’ - il pittore norvegese Edvard Munch (1863-1944) è stato fra i massimi precursori dell’espressionismo.

Contrariamente a quanto una certa aneddotica popolare ama divulgare, egli non era un ingenuo e sprovveduto outsider, ma un artista del tutto consapevole dei mezzi e delle risorse che le grandi conquiste scientifiche e tecnologiche, registrate a cavallo tra il XIX e il XX secolo, erano in grado di offrire all’evoluzione delle arti visive. La mostra ‘Edvard Munch: The Modern Eye’ in corso alla Tate Modern di Londra, curata da Nicholas Cullinan, realizzata in collaborazione con il Centre Pompidou di Parigi e con il Munch Museum di Oslo, rende giustizia al talento innovativo di questo grande autore. Munch era, infatti, molto interessato ai nuovi codici espressivi introdotti con l’avvento della fotografia e del cinema, tanto da esplorarne i linguaggi, sperimentandone personalmente le prerogative e trasferendole nella pittura, in sintonia con altri artisti della sua generazione come Pierre Bonnard o Édouard Vuillard. I sessanta dipinti, le cinquanta fotografie e le rare opere filmiche esposte in mostra documentano questa contiguità, testimoniando lo sviluppo di una visione complessa e straordinariamente moderna del fare arte. (F.M.)

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to his paintings, in harmony with other artists of his generation such as Pierre Bonnard or Édouard Vuillard. The 60 paintings, the 50 photographs and the rare film clips on display in the exhibition document his inner thought process

He is famous the world over for his masterpiece and instantly recognizable painting ‘The Scream’. A pastel version of the subject, the last one in the hands of a private collector, was recently sold at a Sotheby’s auction for a princely sum in excess of 90 million euro. The multiple brightly-colored declensions are the emblematic example of what marketing considers to be the ‘democratization of art’. The Norwegian painter Edvard Munch (1863-1944) was one of the most important precursors of Expressionism. Contrary to local rumors, Munch was not a naïve and reckless outsider; he was an artist who was fully aware of the means and resources that had been made available by the scientific and technological developments between the 19th and 20th century.

These made an important contribution to the evolution of visual arts at that time. The exhibition ‘Edvard Munch: The Modern Eye’ is currently on display in London’s Tate Modern. It was organized

by Nicholas Cullinan, in collaboration with the Pompidou Center in Paris and the Munch Museum in Oslo. It is a fitting event for the innovative talent of this great artist. Munch was extremely interested in the new expressive codes introduced with the advent of photography and cinema. He explored the languages, personally experimenting the prerogatives and transferring them

and bear witness to the development of a complex vision and extraordinarily modern way of producing art.. (F.M.) Londra, Tate Modern, Bankside. Fino al 14 ottobre/Until October 14h.

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NEWSMOSTRE/EXHIBITION

ÁLVARO SIZA. VIAGEM SEM PROGRAMA ‘Álvaro Siza. Viagem sem Programa’ è il titolo della mostra tenutasi nel palazzo cinquecentesco della Fondazione Querini Stampalia che si affaccia in Campo Santa Maria Formosa a Venezia, inaugurata il 27 Agosto e aperta fino all’11 Novembre 2012 con ingresso gratuito.

Il progetto espositivo è completamente dedicato al lato più intimo dell’architetto portoghese Álvaro Siza, al quale, proprio durante la 13° Mostra Internazionale di Architettura è stato consegnato il Leone d’Oro alla carriera.

La mostra, organizzata dall’associazione culturale MedicinaMentis in collaborazione con la Fondazione Querini Stampalia, mette a disposizione del pubblico 53 opere dell’architetto: si tratta di un percorso espositivo di disegni inediti ed unici che raccontano non solo l’attività professionale dell’architetto ma anche i sogni che si celano dietro agli sguardi ed ai visi ritratti di sconosciuti e di tutti quegli amici incontrati in quello straordinario ‘viaggio senza programma’, che è la ‘sua’ vita.

La mostra è nata dai numerosi incontri che i due curatori, Greta Ruffino e Raul Betti, hanno avuto con l’architetto lusitano, che personalmente ha selezionate questa serie di opere tratte dai suoi privati quaderni di appunti.

Obiettivo della mostra è quello di svelare, attraverso un percorso visivo ed emotivo, l’aspetto più intimo e privato di Alvaro Siza - fino ad ora celato - che si manifesta nella capacità di osservare e tradurre in disegni e schizzi la realtà e i suoi numerosi volti. (A.M.)

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‘Álvaro Siza. Viagem sem Programa’ is the title of an exhibition hosted in the 16th-century building of the Querini Stampalia Foundation, in Campo Santa Maria Formosa, Venice; the event was inaugurated on August 27th and will be open until November 11th 2012.

Admission is free.

This exhibition is wholly focused on the more intimate side of the Portugese architect, Álvaro Siza; he was presented with the Leone d’Oro award for his career during the 13th International Exhibition of Architecture.

The event was organized by the cultural association MedicinaMentis in collaboration with the Querini Stampalia Foundation; 53 works by the architect are on display, along an exhibition pathway of original and unique creations. These describe the architect’s professional activity but also the dreams that lie behind the expressions of the unknown faces or in the smiles of the friends he met along his extraordinary

‘journey without an itinerary’ – his life.

The exhibition developed from numerous meetings that the two curators, Greta Ruffino and Raul Betti, had with architect.The series of works were selected by Siza himself from his private notebooks.

Through a visual and emotional pathway, the exhibition aims to reveal the most intimate and private side of Alvaro Siza, a side to his personality that had been hidden from public domain yet was expressed and immortalized through his ability to observe and translate reality and its countless idiosyncrasies into drawings and sketches. (A.M.) Alvaro Siza. Viagem sem programa.

Fondazione Querini Stampalia, Venezia.

Fino al 10 novembre 2012/Until 10th November 2012

Due foto di Alvaro Siza e due schizzi. A sinistra: Caffè Florian Venezia, Collezione A.Siza/Penna a sfera su tovagliolo di carta 174x169 mm. Stampato su carta. A destra: Ritratto di Eduardo Souto de Moura.

Collezione A.Siza/Penna a china su carta 297x420 mm Stampato su carta.

Two shots of architect Alvaro Siza and two sketches. Left: Caffè Florian Venice, A.Siza collection/Ball-point pen on a paper napkin 174x169 mm. Printed on paper. Right: a portrait of Eduardo Souto de Moura. A.Siza collection/Ball-point pen on a paper napkin 297x420 mm. Printed on paper.

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GIUSEPPE TERRAGNI

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Architetto, designer e artista, personalità complessa e per certi aspetti controversa, Giuseppe Terragni è stato uno dei padri del Razionalismo Italiano. Nato a Meda (oggi provincia di Monza e Brianza) nel 1904, Terragni ha operato soprattutto in territorio lombardo. Convinto che “essere del proprio tempo è essere di tutti i tempi”, l’architetto ha progettato nel suo studio comasco edifici pubblici e case private fino alla sua morte, avvenuta prematuramente nel 1943. Tra le sue opere più importanti si ricordano la palazzina residenziale Novo Comum (conosciuta col nome di “Transatlantico” per via della sua forme che ricordano una nave da crociera), la Casa del Fascio e l’Asilo Sant’Elia, tutte a Como, e la Villa Bianca, candida residenza unifamiliare a pochi chilometri dalla città lariana.

Fino al 9 dicembre, una mostra a CIAC di Foligno è l’occasione per avvicinarsi (nuovamente) all’opera del Maestro e ammirare una selezione di disegni e schizzi originali.

Di particolare interesse la sezione dedicata al Danteum, il progetto mai realizzato di Terragni (con Lingeri) per un centro studi su Dante a Roma. (A.R.)

Architect, designer and artist, Giuseppe Terragni had a complex personality and was controversial in many ways. He was one of the fathers of Italian Rationalism.

He was born in 1904, in Meda (now in the Italian province of Monza and Brianza). Most of his creative work was performed in Lombardy. Convinced that ‘belonging to one’s era means belonging to all eras’, from his Como-based studio, the architect designed public buildings and private dwellings until his premature death in 1943. His most important works include the residential block Novo Comum (referred to as the “Transatlantic” because of its shape reminiscent of a cruise liner), the Casa del Fascio and the Sant’Elia childcare center, all in Como, and Villa Bianca, a white detached home just a few miles outside of the city. Until December 9th, an exhibition hosted in CIAC in Foligno is the perfect opportunity for taking another look at the Maestro’s work allowing visitors to admire a selection of original designs and sketches. Of great interest, the section dedicated to Danteum, a project designed by Terragni (with Lingeri) that never materialized – the plans were for a study center in Rome focused on the classical Italian writer, Dante. (A.R.)

13 Giuseppe Terragni. Il primo architetto del tempo ClAC Centro Italiano Arte Contemporanea di Foligno. Dal 6 ottobre al 9 dicembre 2012/From 6 October to 9 December 2012.

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NEWSMOSTRE/EXHIBITION

LE STANZE DEL VETRO Da settembre, sull’Isola di San Giorgio Maggiore a Venezia, parte il progetto pluriennale della Fondazione Giorgio Cini dedicato allo studio e alla valorizzazione dell’arte vetraria veneziana intitolato ‘Le stanze del Vetro’. Realizzato in collaborazione con Pentagram Stiftung, fondazione privata di diritto elvetico che promuove l’arte e la cultura vetraria contemporanea e storica, il progetto si svolgerà in un apposito Centro studi allestito all’interno dell’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Cini. Volto a promuovere la realizzazione di un archivio generale del vetro veneziano, la creazione di una biblioteca specializzata, l’organizzazione di seminari, convegni e laboratori, l’istituzione di borse di studio e l’organizzazione periodica di mostre del vetro veneziano, il progetto prevede inoltre la realizzazione di una serie di mostre monografiche dedicate agli artisti e agli architetti che hanno progettato oggetti decorativi per la vetreria Venini.

Tali mostre, curate da Marino Barovier, saranno organizzate a partire dal 2012 al 2021. La prima sarà dedicata a Carlo Scarpa e organizzata in coincidenza con la Biennale Architettura 2012. Nell’ottica di valorizzare l’arte vetraria nel suo complesso, il progetto de ‘Le Stanze del Vetro’ si propone di organizzare eventi ed iniziative, anche in collaborazione con la Fondazione Musei Civici Venezia, il Museo del Vetro di Murano e Università Ca’ Foscari. Le attività del progetto si svolgeranno sull’Isola di San Giorgio Maggiore a Venezia, sede della Fondazione Cini. Le esposizioni saranno invece allestite all’interno di uno spazio progettato ad hoc, al piano terra dell’edificio situato nell’ala ovest dell’ex convitto dell’Isola di San Giorgio. Il restauro, affidato agli architetti Annabelle Selldorf, di New York, Fabrizio Cattaruzza e Francesco Millosevich, di Venezia, doterà il progetto ‘Le Stanze del Vetro’ di un centro espositivo specializzato di circa 650 metri quadrati. www.cini.it (M.P.)

THE GLASS ROOMS The long-term Fondazione Giorgio Cini project for studying and developing the appreciation of Venice’s glassmaking art, titled ‘Le Stanze del Vetro’ (‘The Glass Rooms’), kicks off on the Island of San Giorgio Maggiore, Venice, in September. It is being carried out in collaboration with Pentagram Stiftung, 14 a private Swiss-based foundation whose statutory aim is to promote and support the art and culture of historic and contemporary glassmaking. To this end, Fondazione Cini has set up a special Study Centre in the Institute of Art History. Designed to promote the establishment of a General Archive of Venetian Glass, the creation of a specialized library, the organization of

wing of the former boarding school of San Giorgio Island. Under the renovation project, assigned to architects Annabelle Selldorf, of New York, and Fabrizio Cattaruzza and Francesco Millosevich, of Venice, ‘Le Stanze del Vetro’ will be provided with a specialized exhibition centre over an area of approximately 650 square metres. www.cini.it (M.P.) Carlo Scarpa. Venini 1932–1947. Isola di San Maggiore 1, Venezia. Fino al 29 novembre 2012/Until 29th November

seminars, conferences and workshops, the institution of scholarships and the periodic organization of exhibitions on Venetian glass, the project includes a series of monographic exhibitions devoted to the artists and architects who have designed decorative objects for glass manufacturer Venini. The exhibitions, curated by Marino Barovier, are being organized between 2012 and 2021. The first one, focused on Carlo Scarpa, is held in conjunction with the Architecture Biennale 2012. To enhance glassmaking art as a whole, the project ‘Le Stanze del Vetro’ is aimed at organizing events and developing projects – for example, in collaboration with Fondazione Musei Civici Venezia, Museo del Vetro in Murano and Università Ca’ Foscari. The activities under the project are being held on the Island of San Giorgio Maggiore in Venice, where Fondazione Cini is based. Whereas the exhibitions are being staged within a purpose-designed area, on the ground floor of the building located in the west

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RECIPROCITY. DESIGN LIÈGE 5/28 ottobre. Queste le date della sesta Biennale Internazionale del Design di Liegi, dedicata, per l’edizione 2012, al tema della reciprocità. E animata dal desiderio di promuovere la creatività della Vallonia, stimolando incontri e dibattiti tra i migliori professionisti del settore, soprattutto laddove questo significa lavorare sul fronte dell’innovazione e del progresso sociale. Sempre più fitto il calendario degli appuntamenti, che quest’anno comprende tre mostre ospiti (organizzate rispettivamente da Wallonie Design/Design Innovation, Design Flanders e Wallonie-Bruxelles Design/ Mode), tre conferenze internazionali e un meeting point (con, al suo interno, l’esibizione Mapping the Design World).

Tra questi, ‘Memorabilia’, a cura di Giovanna Massoni, che porterà in scena i risultati di un concorso basato sui temi della seduzione degli oggetti e del recupero della memoria (tra cui la molletta in legno di Björn Kwapp illustrata qui in alto e il progetto di Eugenia Morpugo nella foto in basso a destra). Altrettanto intreressante, ‘Craft&Industry. The human attitude to produce’, a cura di Gabriele Pezzini, incentrata sul rapporto tra produzione industriale e lavoro artigianale. La mostra, che vede tra i suoi partecipanti realtà provenienti da ogni parte del mondo (tra cui Apple, B&B Italia, Dyson, Freitag, Guzzini, Kartell, Muji, Toa Japan, Tom Dixon…), avrà al suo interno una sezione speciale dedicata all’art & craft giapponese. Per saperne di più: www.designliege.be (F.D.P.)

5/28 October. These are the dates of the 6th International Biennial of Design in Liège, Belgium. The 2012 edition is dedicated to the idea of reciprocity and is energized by the desire to promote the creative spirit of Wallonia, stimulating meetings and debates between the sector’s top professionals, particularly in terms of innovation and social progress.

The calendar of events is exciting and this year includes three guest exhibitions (respectively organized by Wallonie

Design/Design Innovation, Design Flanders and Wallonie-Bruxelles Design/ Mode), three International conferences and a meeting point (that includes the exhibition Mapping the Design World).

‘Memorabilia’, organized by Giovanna Massoni will present the results of a competition illustrating how objects and memorabilia can seduce us (for example, the wooden clothes peg by Björn Kwapp shown here at the top and the project

by Eugenia Morpugo in the frame

bottom right). Equally interesting was ‘Craft&Industry. The human attitude to produce’, organized by Gabriele Pezzini; this focuses on the relationship between industrial and artisan production. The exhibition will include design realities from around the world (including Apple,B&B Italia, Dyson, Freitag, Guzzini, Kartell, Muji, Toa Japan, Tom Dixonw… ),will include a special section dedicated to Japanese arts and crafts. For further information: www.designliege.be (F.D.P.) Reciprocity. Design Liège. OPMA - Province de Liège - Culture15, rue des Croisiers, 4000 Liège. Dal 5 al 28 ottobre/ From 5th to 28th October

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NEWSPREMI/AWARDS

MIES VAN DER ROHE AWARD 2011 Rimane ancora un po’ di tempo - fino al prossimo 8 ottobre - per visitare la mostra dedicata al Mies van der Rohe Award 2011. L’esposizione, allestita all’Architekturzentrum di Vienna, è stata curata dalla Fondazione dedicata al Maestro dell’International Style che ha sede a Barcellona, nel celeberrimo Padiglione.

L’associazione catalana, insieme ad alcuni organi dell’Unione Europea, assegna ogni due anni premi per 80.000 euro ai migliori progetti realizzati nel Vecchio Mondo: 60.000 euro vanno al primo classificato, i restanti 20.000 sono donati a un meritevole professionista emergente. L’ultima edizione ha visto vincitore il Neues Museum di Berlino firmato da David Chipperfield e Julian Harrap. Sono stati invece Ramon Bosch e Bet Capdeferro ad aggiudicarsi la Menzione Speciale per i giovani, grazie alla loro Collage House di Girona.

La mostra presenta anche i progetti dei sei finalisti (scelti tra 343 candidati) ed esempi virtuosi di architetture sparse ai quattro angoli del nostro continente. www.miesbcn.com (F.T.)

There is still some time left to visit the exhibition dedicated to Mies van der Rohe Award 2011 that will close on October 8th 2012. The event was held in the famous pavilion, organized by Architekturzentrum in Vienna and supervised by the Barcelona-based Foundation dedicated to this renowned Maestro of International Style. The Catalan association, assisted the six finalists (shortlisted from the 343 submitted) and the virtuous examples of architecture dotted across the four corners of our continent. www.miesbcn.com (F.T.)

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by some bodies of the European Union, assigns prize money of 80,000 every two years to the best projects designed in the Old World. The first prize-winner receives 60,000 and the remaining 20,000 are donated to a deserving up-and-coming professional. The previous edition was won by the Neues Museum of Berlin, designed by David Chipperfield and Julian Harrap. Ramon Bosch and Bet Capdeferro won the Highly-commended prize for young creatives, thanks to their design for the Collage House in Girona.

The exhibition also presents the projects of

In alto, da sinistra a destra: MAXXI (ph:© Iwan Baan), Groot Rehab Centre (ph: © Rob t Hart Fotografie). In centro alla pagina, da sinistra a destra: Collage House (ph:© José Hevia), Acropolis (ph:© Christian Richters). Sotto, da sinistra a destra: Neues Museum Berlin (ph:© Stiftung Preussischer Kulturbesitz/David Chipperfield Architects, photo: Jörg von Bruchhausen), Neues Museum Berlin (ph:© Ute Zscharnt for David Chipperfield Architects). A piè pagina: Neues Museum Berlin (ph: © Ute Zscharnt für David Chipperfield Architects).

Top, from left to right: MAXXI (ph:© Iwan Baan), Groot Rehab Centre (ph: © Rob t Hart Fotografie). Middle of the page, from left to right: Collage House (ph:© José Hevia), Acropolis (ph:© Christian Richters). Below, from left to right: Neues Museum Berlin (ph:© Stiftung Preussischer Kulturbesitz / David Chipperfield Architects, photo: Jörg von Bruchhausen), Neues Museum Berlin (ph:© Ute Zscharnt for David Chipperfield Architects). Bottom of the page: Neues Museum Berlin (ph: © Ute Zscharnt für David Chipperfield Architects).

FLOORNATURE INTERNATIONAL ARCHITECTURE CONTEST NEXT LANDMARK In concomitanza con la vernice della XIII Biennale di Architettura di Venezia, Floornature, portale internazionale di architettura, design e cultura del progetto, ha promosso ‘Floornature International Architecture Contest Next Landmark’, il concorso internazionale di architettura dedicato ai laureati del nuovo millennio, con lo scopo di promuovere le realizzazioni e i nuovi concetti per l’abitare contemporaneo.

Il 28 agosto nella chiesa sconsacrata del Patronato Leone XIII, a due passi dai giardini della Biennale, sono stati presentati i risultati: vincitori e menzionati, insieme ad una selezione delle 40 migliori proposte, erano protagonisti dell’evento Blue Party in Venice. Il concorso, aperto ai progettisti laureatisi dopo il 2000, prevedeva due categorie: ‘Opera Prima’ dedicata a opere realizzate e ‘La Ricerca’ per premiare progetti non realizzati idee e tesi di laurea.

Il risultato del concorso è stato ottimo ed ha visto una partecipazione andata oltre le attese, con 292 progetti provenienti da tutte le parti del mondo e molte proposte di qualità che attestano quanto il panorama architettonico internazionale sia in fermento; l’obiettivo era mirato alla possibilità di offrire ai nuovi talenti la meritata visibilità a livello internazionale, che ha consentito al portale di esplorare nella creatività dei giovani progettisti e pubblicare i progetti più interessanti.

Due i vincitori del contest: Kevin Erickson - Rope Pavillion per la sezione ‘Opera Prima’, ed Elisa Minari- Habitachao Para Todos per la sezione ‘La Ricerca’; i menzionati per la prima categoria: Estudio Lt - Wine Cellar Home e Olga Felip Ordis - Cultural Center, per La Seconda: Kuan Wang - Exhibition Center Of Otog, Matteo Battistini Blovstrød Town District e Mauro Barrio - Sed. The Water Factory. (A.M.)

In parallel with the 13th Biennial of Architecture in Venice, Floornature, an International platform of architecture, design and culture promoted “Floornature International Architecture Contest Next Landmark”; this International competition of architecture was dedicated to graduates of the third millennium and promoted the projects and the new concepts for contemporary living.

The results of the competition were announced on August 28th 2012, in the deconsecrated church of Patronato Leone XIII, a stone’s throw from the gardens of the Biennial: the winners and

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NEWSCONCORSI/COMPETITION

the highly commended along with the 40 best designs were the protagonists at the event BLUE PARTY IN VENICE. The competition was open to architects who graduated after 2000; they were split into two categories: ‘Opera Prima’ based on projects that actually materialized and ‘La Ricerca’ that highlights projects that have not materialized, design ideas and degree theses.

The results of the competition were excellent and the number of participants far exceeded expectations, with 292 projects submitted from around the world. Many of them illustrate just how much energy abounds on the international architectonic panorama; the objective was to offer the new creative talents well-deserved visibility on an international platform as the portal provided the opportunity to explore the creativity of the young designers and promote the more interesting design results.

There were two winners in the contest: Kevin Erickson - Rope Pavillion for the section ‘Opera Prima’, and Elisa MinariHabitachao Para Todos for the section ‘La Ricerca’; the highly commended for the First category were: Estudio Lt - Wine Cellar Home and Olga Felip Ordis - Cultural Center, for the Second: Kuan Wang - Exhibition Center Of Otog, Matteo Battistini - Blovstrød Town District and Mauro Barrio - Sed. The Water Factory. (A.M.)

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NEWSLIBRI/BOOKS L’ENIGMA PERSICO Due libri, un intreccio tra trame di vita e teorie di una delle grandi personalità dell’architettura internazionale degli anni ‘30. Edoardo Persico, Enfat prodige della modernità, è stato scrittore, giornalista, critico. Ha codiretto ‘Casabella’, ha collaborato alla rivista ‘Belvedere’, ha fondato la galleria Il Milione. Ma soprattutto, è stato amico di Gobetti e una vera guida intellettuale per artisti e architetti antifascisti. Ed è su questo aspetto che i due testi proposti da Skira ‘Profezia dell’architettura’ e ‘Dentro il labirinto’ si toccano e si intrecciano. Mentre il primo raccoglie gli scritti dello stesso architetto ‘L’Architettura mondiale’ (1933), ‘Gli architetti italiani’ (1933), ‘Punto ed a capo per l’architettura’ (1934), ‘Profezia dell’architettura’ (1935) , il secondo libretto scritto da Andrea Cammilleri, dà voce a un tessuto intricato e ambiguo che porta alla possibile spiegazione del decesso misterioso di Persico, trovato morto nel bagno di casa sua senza quei segni dichiarati e utili a capire se colpito da morte naturale o da arma.

Nel primo dei due libri ‘Profezia dell’architettuta’, attraverso i suoi stessi scritti, emerge la forte personalità di Persico molto diretta e poco conciliante. Un pensatore libero, capace di fronteggiare anche le istituzioni. Critico verso un atteggiamento superficiale nei confronti dell’architettura e delle cultura in genere. Perché l’arte e la sua storia sono un movimento di coscienza collettiva.

Camilleri nel suo ‘Dentro il labirinto’ mette insieme queste caratteristiche, le sue conoscenze e contatti e le conseguenti ambigue fragilità che nascono da questo modo di essere. Un romanzo che inizia con i disegni a matita di Persico morto, la sua biografia per giungere a un’invenzione narrativa che rende omaggio a Persico, intellettuale di spicco e forse per questo, considerato molto fastidioso. I due libri sono insieme un’immagine interessante e intricante di uno degli architetti più moderni che l’Italia del ‘900 ha conosciuto. (C.B.)

Two books, a web of life stories and theories from one of the greatest personalities of internatioanl architecture in the 1930s. Edoardo Persico, Enfant prodige of modernity, was a writer, journalist, critic. He was co-editor of ‘Casabella’, he worked on the journal ‘Belvedere’, he founded the gallery Il Milione. But most 18 importantly, he was friends with Gobetti and a true intellectual leader for antiFascist artists and architects.

And this is where the two books presented by Skira ‘Profezia dell’architettura’ (The prophecy of architecture) and ‘Dentro il labirinto’ (Inside the maze) make contact and entwine.

The first book collects writings by the architect himself ‘L’Architettura mondiale’

– possibly one reason he was considered controversial. The two books produce an interesting and intricate image of one of the most modern architects that 20thcentury Italy has ever known. (C.B.) Andrea Camilleri, ‘Dentro il labirinto’ Edoardo Peersico, ‘Profezia dell’architettura’, Skira

‘John Pawson. Puro Spazio’, has been published by Electa Architettura; this monograph was written by Alison Morris and describes the recent works by the designer and architect, John Pawson. He is best known for his minimalist rooms, buildings and articles.

Through an up-dated and accurate analysis of the works by this famous

JOHN PAWSON. PURO SPAZIO

(World architecture) (1933), ‘Gli architetti italiani’ (Italian architects)(1933), ‘Punto ed a capo per l’architettura’ (A new paragraph for architecture) (1934), ‘Profezia dell’architettura’ (The prophect of architecture)(1935); the second book was written by Andrea Cammilleri and gives a voice to the intricate and ambiguous plot that may give a possible explanation of Persico’s mysterious death. He was found dead in the bathroom of his home with no evidence to suggest whether he died of natural causes or by violence.

In his own words in the first of the two books ‘Profezia dell’architettura’, we can witness the appearance of Persico’s strong personality; he was a straight unyielding man, a free-thinker who would even tackle the institutions.

He was highly critical of the superficial attitude to architecture and culture in general. Because he considered art and its history to be a movement of collective awareness.

In the second book, ‘Dentro il labirinto’ Cammilleri grouped together these characteristics, his knowledge and contacts and the resulting ambiguous fragility that developed from this way of being.

The story begins with pencil drawings of the dead body of Persico, his biography, to reach a narrative invention that paid tribute to Persico, a leading intellectual

Electaarchitettura pubblica ‘John Pawson. Puro spazio’, una monografia sui lavori recenti del noto designer britannico conosciuto per gli spazi, gli edifici e gli oggetti minimalisti.

Il volume offre un’aggiornata analisi dell’attività del celebre architetto, uno sguardo dall’interno sui processi di lavorazione, attraverso le relazioni con i clienti e il metodo di lavoro; un ricco apparato iconografico documenta le ville, gli appartamenti, i monasteri, gli edifici, gli oggetti e le imbarcazioni ideati da Pawson dall’Europa al Nord America. I lavori di Pawson sono caratterizzati dalla combinazione tra un’essenziale semplicità e una particolare attenzione ai dettagli della vita di tutti i giorni, arrivando a creare spazi che risultano semplici e complessi, senza tempo e contemporanei nello stesso momento. Le forme semplificate e la ridotta gamma di colori richiamano il modernismo del ventesimo secolo, con le sue linee ridotte e le superfici levigate. Tuttavia Pawson riflette anche sull’influenza delle rovine delle abbazie cistercensi del dodicesimo secolo nello Yorkshire – dove è nato e cresciuto – e l’arte minimalista di Donald Judd e Dan Flavin. In questi ultimi dieci anni, Pawson e il suo studio hanno iniziato a disegnare non solo oggetti e interni ma anche abitazioni, gallerie d’arte, monasteri, padiglioni, store, imbarcazioni. Questo cambiamento della scala di progetto ha permesso loro di ridefinire la propria estetica minimalista e di sviluppare le idee di un’architettura essenziale che fosse principalmente basata sulle qualità proprie di spazio, proporzione, luce e materiali. Tra i progetti più recenti presentati nel volume spicca la Casa delle Bottere a Treviso, una villa immersa in un parco di 40000 metri quadrati. Nell’edificio la lezione imparata a Tokyo con Shiro Kuramata si evolve, ricavando nella materia gli spazi e operando nel disegno per sottrazione, attraverso una pianta definita con rigorosa intransigenza. In Puro spazio l’autrice Alison Morris presenta i molteplici aspetti dell’opera di Pawson, nella prospettiva di qualcuno che ha avuto l’unico accesso ai lavori e ai progetti in cantiere, attraverso saggi tematici e descrizioni narrative accompagnati da fotografie e dettagliati disegni di progetto. (A.M.)

architect, his production processes, his relationship with the clients and his know-how, this book provides a ‘tout court’ retrospective description of the British creative’s activity.

Pawson’s work is characterized by a combination of essential elements and special attention paid to the details of everyday life. He creates spaces that are both simple and complex, contemporary and timeless, through the use of simplified shapes and a reduced palette of colors.

The book also contains the most recent developments that Pawson and his studio have been developing over the last decade. He introduced changes to his design mode and shifted away from articles and interiors to focus some of his attention on homes, art galleries, monasteries, pavilions, stores and yachts. Through the book ‘Puro spazio’, the author Alison Morris highlights the multiple aspects of John Pawson’s work, from the point of view of someone who has had a unique access route to the work and projects on-site. The book contains specifically themed articles and narrative descriptions, accompanied by photographs and detailed project designs. (A.M.) Alis Morris, ‘John Pawson. Puro spazio’, Electaarchitettura

CONVENTION NAZIONALE SULLA RIQUALIFICAZIONE E GESTIONE SOSTENIBILE DEI PATRIMONI IMMOBILIARI ...............................................................................................................................................................................................

17 18 19 settembre 2012

Palazzo Congressi Riva del Garda

Riqualificare per crescere. Una famiglia su due vive in abitazioni obsolete: il patrimonio immobiliare italiano è il secondo più vecchio d’Europa ed è responsabile del 40% del nostro conto energetico. Riqualificazione e conduzione sostenibile rappresentano oggi una straordinaria opportunità per il settore edile.

Re+build è l’evento in cui gli operatori del settore possono entrare in contatto diretto con i leader delle esperienze che stanno ridefinendo il mercato della riqualificazione e gestione immobiliare. È IL MOMENTO DI INVERTIRE LA ROTTA.

Re+build è un’iniziativa di: www.re-build.biz

+Early registration: 30/06/2012

Segreteria organizzativa: T +39 0464 443313 welcome@re-build.biz

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NEWSDALLEAZIENDE/FROMTHECOMPANIES REALIZZAZIONI A TUTTA LUCE

EFFETTO BRILLANTE La nuova collezione di vernici in polvere Interpon Brilliance D2000 messa a punto da AkzoNobel Powder Coatings propone finiture di tendenza brillanti e a mano unica Leader mondiale nella produzione di vernici in polvere, Akzo Nobel è una delle principali aziende industriali del mondo con sede in Olanda e 68.000 dipendenti in oltre 80 Paesi. La sede di Como rappresenta attualmente il più grande e moderno sito produttivo della divisione Vernici in polvere di Akzo Nobel. Da sempre impegnata nello studio e nello sviluppo di prodotti innovativi e tecnologie all’avanguardia sostenibili, Akzo Nobel Powder Coatings ha recentemente lanciato sul mercato la nuova collezione Interpon Brilliance D2000.

A un anno di distanza dal lancio della prima serie di notevole successo Interpon D1000 Brilliance, Interpon Brilliance D2000 è la versione certificata AAMA 2604 e Qualicoat 2 delle finiture a mano unica più brillanti nel settore delle vernici in polvere. Alle sei tinte della prima serie, ri-formulate con la nuova tecnologia, sono stati aggiunti cinque colori di tendenza: light gold, fashion pink, night violet, luxury brown, shiny black. Una risposta innovativa, oltre che una soluzione sostenibile, alla richiesta sempre più esigente di architetti e progettisti alla ricerca di finiture accattivanti con ottimi livelli di durata nel tempo. Le vernici in polvere impiegate sui substrati metallici per architettura, si sono dimostrate una valida alternativa, sia sotto il profilo economico che ecologico, alle vernici industriali a base di solventi per diverse ragioni: nessuna emissione contenente COV (composti organici volatili), impianti facili da pulire, nessun solvente, basso rischio per la salute dei lavoratori, facili da applicare, migliori prestazioni.

La nuova Collection Brilliance è stata invece tutta formulata in Interpon D2000 in modo da garantire una resa superiore rispetto ai prodotti tradizionali. (M.P.)

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A BRILLIANT EFFECT The new collection of powder coatings Interpon Brilliance D2000 was developed by the AkzoNobel Powder Coatings; the products provide brilliant finishes with a single coat of paint.

Akzo Nobel is a world leader in the production of powder coatings and is one of the world’s leading industrial realities with its headquarters in Holland and 68,000 staff in more than 80 countries.

At the time of writing, the premises in Como is the largest and most modern production facility for Akzo Nobel powder coatings. It has always been committed to the research and development of innovative products and sustainable avant-garde technology.

Akzo Nobel Powder Coatings has recently launched the new collection Interpon Brilliance D2000. One year from the

market launch of the first highly-successful Interpon D1000 Brilliance, the company has launched Interpon Brilliance D2000 is the AAMA 2604 certified version and Qualicoat 2 for one-coat finishes, the most brilliant powder coatings in the sector. The six shades of the first series have been re-formulated with new technology and a further five trendy colors have been added: light gold, fashion pink, night violet, luxury brown, shiny black. It is an innovative response and a sustainable solution that satisfies the demands of architects and designers who are always looking for attractive finishes with excellent standards and durability in time. Powder coatings used on metal substrates for architecture have proved to be a valid alternative, in economic and ecological terms, to solvent-based industrial paints for a number of reasons: there are no Volatile Organic Compound emissions, the equipment is easy to clean, the products contain no solvents, there is a low health risk for the workers, the coatings are easy to apply and provide better performance. The new Brilliance Collection has been formulated in Interpon D2000 to guarantee greater yield with respect to traditional products. (M.P.)

Palladio SpA è da sempre impegnata nella ricerca per lo sviluppo di sistemi per serramenti in acciaio, che possiedono caratteristiche uniche nel loro genere. Facciate e coperture in vetro e acciaio, portoni industriali e aperture brevettate per porte e finestre, sono solo alcune delle numerose soluzioni che l’azienda offre.

I profili Palladio®, poiché ricavati da lamiera di grosso spessore, permettono la costruzione di serramenti blindati testati antieffrazione Classe 5, antiallagamento, antiesplosione e antiproiettile, con le migliori prestazioni ottenibili in termini di resistenza al carico del vento, tenuta antiallagamento, permeabilità all’aria e soprattutto all’acqua.

La robustezza dell’acciaio permette, inoltre, di superare i limiti con cui ci si scontra nel momento in cui si utilizzano altri materiali in serramentistica, rendendolo così, particolarmente adatto sia per le realizzazioni più semplici che per quelle più straordinarie, a ‘tutta luce’. (P.M.)

ILLUMINATED CREATIONS Palladio SpA has committed itself in researches for the implementation of steel profiles, which have properties unique of their kind.Glass and steel facades and covers, industrial gates, patented opening systems for doors and windows are just a few selection of what Palladio SpA can offer. Palladio® tubular profiles have been successfully tested for the implementation of doors and windows guaranteeing Class 5 anti-burglary, antiexplosion and anti-kalashnikov protection, and have obtained the certification for the best performances in terms of wind resistance, anti-flood sealing and air-thightness. Moreover, the strength of steel makes it possible to pass all the limits we can find using other materials in the frame sector, this is the reason why steel can be use wfor both simple and complex compositions. (P.M.)

BETWEEN THE ANVIL AND THE HAMMER

USM HALLER: SOLUZIONI MODULARI

USM HALLER: MODULAR SOLUTIONS

Sampietro 1927, azienda dalla storia artigianale innestata con tecniche e procedure produttive di alto livello tecnologicamente avanzate, presenta le opere ideate da giovani designer, elaborate e prodotte all’interno di un workshop intitolato tra Incudine e Martello, coordinato da Giulio Iacchetti. Il progetto nasce dalla volontà dell’azienda di raccontare, attraverso i pezzi in tiratura limitata progettati dai partecipanti al workshop, la storia senza tempo della lavorazione dei metalli e della maestria necessaria per dar vita a opere in metallo per cui è richiesto un elevato livello di competenza e professionalità. Il workshop, che si è svolto sotto l’egida del Triennale Design Museum di Milano, è nato in collaborazione e in media-partnership con la rivista di architettura e design IQD. I progettisti – Federico Angi, Carlo Contin, Dunja Weber e lo studio 4P1B – scelti da Giulio Iacchetti, rappresentano la nuova generazione del design sensibile al rapporto tra design e artigianato. Nata oltre 80 anni fa e specializzata nella lavorazione del ferro in tutti i suoi aspetti, Sampietro 1927 ha sviluppato nel tempo grandi capacità anche come costruttore di manufatti in rame, ottone e acciaio inox. L’avvicendamento di più generazioni in azienda, guidata oggi da Giampiero Sampietro e da suo figlio Mario Isacco, ha portando negli anni a soluzioni sempre originali. Tra i prodotti realizzati a seguito del Workshop figura la sedia Fendigiorgia, design di Carlo Contin, pensata per l’esterno e ispirata alla natura. La sua forma finale è generata da due linee continue che si intersecano, andando a formare rispettivamente il sedile e le gambe posteriori e le gambe anteriori con lo schienale, senza alcuna soluzione di continuità, incontrandosi tra loro in un unico punto. La seduta è ottenuta intrecciando irregolarmente una piattina in gomma grezza, fino a creare un disegno simile ad una ragnatela. (M.P.)

Sampietro 1927, a company belonging to artisan history steeped in technologically advanced techniques and top level production procedures, presents the works created by young designers, that were processed and produced in a workshop entitled ‘Incudine e Martello’ (Between the anvil and the hammer), and coordinated by Giulio Iacchetti. The project developed because the company wished to describe the timeless history of metal working and the skills necessary to create metal products. The pieces are produced in limited series and designed by the creatives who participate in the workshops. They have been created with a high level of professional skill. The workshop was supervised by Milan’s Triennial Design Museum and run in collaboration and in media-partnership with IQD journal of architecture and design. The designers - Federico Angi, Carlo Contin, Dunja Weber and studio 4P1B – selected

by Giulio Iacchetti; it represents a new generation of design that is sensitive to the relationship between design and artisan craftwork. Founded more that 80 years ago and specialized in the all forms of iron work, over time, Sampietro 1927 developed its enormous ability as a producer of articles in copper, brass and stainless steel. The company’s experience was accumulated through several generations of the same family, currently managed by Giampiero Sampietro and his son Mario Isacco and the results have always been original. Among the products developed by the workshop, the chair Fendigiorgia, design by Carlo Contin, designed for outdoor use and inspired by nature. The final shape was determined by two continuous lines that intersect; one forms the seat and the back legs and the other forms the front legs and the backrest, with no continuity and meeting at a single point. The chair has been created through the irregular weave of unfinished rubber to create a pattern similar to a cobweb. (M.P.)

Ha scelto i locali situati agli ultimi piani dell’ex edificio cinematografico IMAX di Dettelbach come sede dei propri uffici la Churfirsten M&A Consulting, società partner della gestione patrimoniale Liechestein Churfirtsen Wealth Management. Una scelta decisamente originale in quanto si tratta di un’architettura a forma di uovo dove le pareti si piegano a formare una cupola puntellata da ampie finestre. I nuovi spazi, versatili, sono stati arredati con i sistemi modulari USM, ideali per creare un luogo accogliente per ricevere i clienti e accogliere gli spazi operativi. Per rispondere alle esigenze dell’azienda, che chiedeva ambienti trasparenti, arredati in modo funzionale e raffinato ma anche adattabili alle dimensioni variabili del perimetro dell’edificio, sono stati progettati su misura scaffali, armadi e tavoli della linea USM Haller, realizzati in nero grafite e superfici trasparenti in contrasto con l’acciaio opaco delle strutture portanti. Sotto la cupola è stata ricavata una lounge dedicata al ricevimento dei clienti che possono osservare grazie alle pareti divisorie in vetro lo svolgersi delle attività all’interno degli uffici a sottolineare la trasparenza dell’azienda. Si tratta di arredi di design leggero ma solidi, sviluppati attorno ad una semplice idea: una sfera cromata che tiene uniti un sistema di tubi in acciaio, dando forma alla struttura portante del modulo. Ogni mobile USM è personalizzabile in dimensioni, rivestimenti, accessori e colori per inserirsi perfettamente in ogni contesto (ufficio, abitazione o un museo). (M.P.)

The office headquarters of Churfirsten M&A Consulting have been created on the top floors of the former IMAX cinema complex in Dettelbach. The company is a partner of the group Liechestein Churfirtsen Wealth Management. The choice of the location is unquestionably original as the building is egg-shaped with walls that are tilited to form a dome that is interrupted by large windows. These new versatile spaces have been furnished with the modular USM systems, and are ideal for creating a welcoming venue for receiving clients and for housing the operative facilities. The corporate requirements necessitates transparent ambiences; consequently, the architects decided to create an elegant rational décor that can easily adapt to the varying dimensions of the building’s oval shape: shelving, wardrobes and tables of the USM Haller were designed and produce to measure.

The pieces have been manufactured in a combination of carbon black and transparent surfaces that contrast with the solid steel components of the weightbearing structures. A lounge has been created below the domed roof and is the ideal facility for meeting and greeting the clients. The clients can observe the operative activities inside the offices through the glass partition walls, a feature that underlines the transparency of the company. The design of the furnishings is light yet solid, developed around a very simple idea: a chrome-plated sphere that binds the steel piping system, giving a shape to the support structure of the unit. Each piece of USM furniture can be customized in terms of size, surface finish, accessories and colors that allow it to slide perfectly into every context (the office, the home or a museum). (M.P.)

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TRA MARTELLO E INCUDINE

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NEWSDALLEAZIENDE/FROMTHECOMPANIES

SKITTER ‘IO’ BY SOMFY Lanciato sul mercato italiano all’inizio di quest’anno, Skitter ‘io’ è l’innovativo comando generale wireless in grado di creare e riprodurre infinite combinazioni di movimento, per una casa che risponda al meglio alle esigenze di chi la ama e la vive. Uno scenario, è l’apertura e/o chiusura simultanea di diversi prodotti (tapparelle, tende da sole, persiane, tende interne, porte di garage, cancelli di ingresso, luci, finestre per tetti...) che, con un singolo click, si posizionano secondo la combinazione desiderata.

Ogni Skitter ‘io’ può memorizzare due scenari, facilmente modificabili tramite PC grazie al software dedicato. Sono inoltre utilizzabili più skitter nella stessa casa. La caratteristica principale di Skitter è la sua praticità: grazie alla tecnologia wireless io-homecontrol® e alle sue dimensioni ridotte (solo 6 cm di diametro) è possibile tenerlo sempre con sé per avere il controllo della casa in ogni momento. La tecnologia wireless io-homecontrol® si basa su una trasmissione dati radio bi-direzionale avanzata, sicura e facile da utilizzare: tutti i prodotti io-homecontrol® comunicano tra loro per offrire maggiore comfort e sicurezza, oltre a un significativo risparmio energetico.

Grazie all’utilizzo di questa tecnologia radio, per l’installazione non sono richieste importanti opere murarie con una significativa riduzione di costi.

Skitter ‘io’ è un comando user-friendly: con solo tre pulsanti, contraddistinti da icone intuitive, chiunque può selezionare facilmente lo scenario più appropriato ai suoi desideri del momento.

La possibilità di personalizzazione è fra i suoi plus: grazie alla possibilità di scegliere fra tre rifiniture di colore, comprese nella confezione, può essere adattato ad ambienti di stile diverso.

Skitter ha ricevuto il Red dot Design Award 2011 per la categoria Product Design, fra i più importanti e prestigiosi premi del design mondiale, per le sue linee piacevoli e moderne. (A.M.)

Launched to the Italian market at the beginning of this year, Skitter ‘io’ is an innovative wireless general control device that schedules and reproduces infinite movement combinations of domestic fixtures to best satisfy the requirements of those who love the home and live in it.

22 One possible scenario is the simultaneous opening and/or closure of a number of installations (shutters, sun blinds, Persian blinds, curtains, garage doors, entrance gates, lights, roof windows…).

Each Skitter ‘io’ device can memorize two scenarios and these can be easily modified using a PC and a dedicated software. Several ‘skitters’ can be used in the same home. The main feature

of Skitter is its ease of use: thanks to wireless io-homecontrol® technology, the device is based on advanced bidirectional radio data transmission, that is safe and easy to use: all of the iohomecontrol® products interface with each other to offer maximum comfort and safety, and also result in significant energy saving. Thanks to the use of this radio technology, installation does not require any masonry work and this leads to considerable cost containment.

Skitter ‘io’ is a user-friendly remote control: there are only three buttons, with the function indicated by intuitive icons; anyone can easily select the most appropriate scenario for the mood of the moment. The possibility of personalizing the programs is another advantage of this device: there is a choice of three colourful finishes supplied with the control allowing it to adapt to rooms that have been decorated in a range of different styles. Skitter was presented with the Red Dot Design Award 2011 for the Product Design category. This is one of the most important and prestigious awards in the design world, thanks to its pleasing modern lines. (A.M.)

COLLEZIONE TOUCH 55R: UN VERO E PROPRIO ‘TOCCO’ DI CLASSE

THE TOUCH 55R COLLECTION: A TRUE TOUCH OF CLASS.

Lualdi presenta la nuova collezione Touch 55R: la porta Rasomuro 55N proposta con la maniglia completamente a scomparsa, disegnata da Cairoli&Donzelli.

Grazie alla maniglia, alle cerniere a scomparsa, al forte spessore e allo stipite invisibile in alluminio, è in grado di integrarsi alla parete con mimetismo perfetto. Perfettamente complanari, i pannelli possono essere sviluppati anche a tutta altezza.

Anta a battente ha uno spessore mm 55.

Diverse le finiture del battente: grezzo, laccata lucida o opaca, essenze. (M.P.)

Lualdi presents its new collection Touch 55R: the door Rasomuro 55N proposed with a completely recessed handle, designed by Cairoli&Donzelli.

Thanks to this handle, the recessed hinges, the thickness of the door panel and the invisible aluminum frame, this door can be integrated with and perfectly camouflaged in the wall.

The completely flush panels can also be supplied in a floor-to-ceiling version.

The side-hung panel is 55 mm thick.

A range of finishes are available: rough, gloss or opaque lacquer, wood. (M.P.)

OFFICE OBSERVER Oggi il blog è una delle forme di comunicazione più efficaci ed aggiornate in tempo reale, già utilizzato in molti settori che ne fanno il mezzo più adatto e moderno per la promozione di prodotti e marchi.

Office Observer è il primo blog italiano dedicato all’ambiente ufficio, una novità nel panorama fondata e gestita da Danilo Premoli, che da anni è attivo nel settore ufficio, sia come progettista che come giornalista, motivo per cui rende il blog interessante per vari motivi, competenza, professionalità e occhio attento ed esperto sul mondo dell’ufficio.

Il Blog favorisce uno scambio di opinioni e permette di condividere idee e riflessioni sul tema della progettazione degli spazi ufficio, mettendo in primo piano una serie di conversazioni aperte, non solo con i clienti, ma anche con dealer, progettisti e media. Una fonte illimitata che spazia tra nuovi prodotti, interior, progettisti, real estate ed innovazione ed è nato per favorire l’incremento del mercato, il libero scambio di opinioni ed idee sul progetto.

Tra i molti vantaggi del blog possiamo citare l’internazionalità e l’immediata viralità delle informazioni; inoltre Office Observer è integrato con i molti social network: Twitter, LinkedIn, YouTube, Scribd e aNobii, cosa che garantisce l’aumento della visibilità dei contenuti in un contesto sociale e culturale che oggi non conosce uguali. (A.M.)

LA CITTÁ CHE CAMBIA Questo il titolo del ciclo di incontri che Valcucine ha organizzato nel proprio showroom milanese al fine di promuovere la riflessione sui cambiamenti che, in modo sempre più rapido, invadono la nostra società e il nostro modo di vivere. Il progetto, realizzato con il contributo di Susanna Legrenzi, Stefano Maffei e Barbara Parini, ha preso il via nel mese di settembre con ‘Territorio, vocazione,

In today’s world, the blog is an extremely effective form of real-time communication, and already being used in many sectors that exploit it as the most suitable modern method for the promotion of merchandise and brands.

Office Observer is the first Italian blog dedicated to the office environment; it is something innovative on the scenario founded and moderated by Danilo Premoli, who has been active in the office sector for many years – both as a designer and as a journalist – and this means that the blog is interesting for a number of reasons – competence, professionality and the ‘expert eye’ on the world of the office.

The blog encourages information exchange and allows ideas to be shared and office design themes to be debated, promoting a series of open-ended conversations with the clients, dealers, designers and representatives of the press and media.

It provides an unlimited source of new products, interiors, designers, real estate and innovation and was developed to encourage market expansion, free exchange of opinions and ideas on office design.

One of the great advantages of this blog is the international diffusion and the viral distribution of the information; moreover the Office Observer is linked to many social networks: Twitter, LinkedIn, YouTube, Scribd and aNobii, that will guarantee enhanced visibility of the contents in a social and cultural context that, at the time of writing, has no equal. (A.M.)

creatività’, e proseguirà fino a dicembre con altri tre appuntamenti (16 Ottobre, 13 Novembre e 11 Dicembre) pensati come “un modo per dialogare sulla trasformazione visibile e non della città; nonché sulle dinamiche che la attraversano e animano: dall’architettura partecipata al cambiamento della vita nei quartieri, dalla valorizzazione delle attività al rapporto con l’arte pubblica, gli spazi pubblici riutilizzati spontaneamente, l’attivismo sociale”. Un programma transdisciplinare, che vuole

incoraggiare una discussione che parte dall’idea di città, intesa come spazio costruito e metabolismo urbano, per immaginare nuovi approcci al cambiamento. Appuntamento dunque in Corso Garibaldi 99 per prendere parte a queste vivaci conversazioni, aperte al pubblico di professionisti e non, che aspirano a riportare l’attenzione sull’uomo e i rapporti umani. (F.D.P.)

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NEWSSEGNALAZIONI/WHAT’S UP NEWSFIERE/FAIRS CALENDAR Milano 17/20 ottobre 2012 Made Expo www.madeexpo.it/en/ Bologna 18/21 ottobre 2012 Saie www.saie.bolognafiere.it Verona 21/ 23 ottobre 2012 Abitare il tempo www.abitareiltempo.com

THE TRANSFORMATION OF THE CITY This is the title of a series of meetings that Valcucine has organized in its Milanese showroom. The events will provide the opportunity for reflection on the changes that rapidly and increasingly are invading our cities and affecting the way we live. Susanna Legrenzi, Stefano Maffei and Barbara Parini organized the events that got underway in September with ‘Territory, vocation, creativity’; there are a further 3 appointments (16 October, 13 November and 11 December) devised as ‘a way of debating the visible and invisible transformation of the city.

They also examine the dynamics and energy of the city: from the architecture that contributes to changes in the life of the city’s quarters, to the appreciation of the urban activities to the relationship with public art, public spaces that have been re-used spontaneously, social activism”. It is a transdisciplinary program that aims to encourage discussion and starts from the idea of a city, intended as a built-up entity and a form of urban metabolism, to envisage new approaches to change. The venue is located in Corso Garibaldi 99 and everyone in attendance can take part in these lively discussions, that are oriented to professionals and non-experts alike; they reach out to attract everyone who aims to return the attention to Man and human relationships. (F.D.P.)

Colonia 23/27 ottobre 2012 Orgatec www.orgatec.com San Paolo 21/23 novembre 2012 Expo Urbano www.expo-urbano.com.br Torino 9 novembre/2 dicembre 2012 Restructura www.nfiere.com/restructura/ Porto 6/9 dicembre 2012 Projecto Casa www.projectocasa.exponor.pt Hannover 12/15 gennaio 2013 ContractWorld www.domotex.de Hannover 12/15 gennaio 2013 Domotex Hannover www.domotex.de

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NEWSARCHITETTURA/ARCHITECTURE

LA FACOLTÀ DI ARCHITETTURA DI FERRARA HA COMPIUTO VENT’ANNI E GUARDA AL FUTURO Txt: Prof. Alfonso Acocella - Responsabile scientifico XfafX - festival “To design Today” Ph: Enrico Geminiani La Facoltà di Architettura di Ferrara istituisce nell’Anno Accademico 199192 il suo primo Corso di laurea in ‘Architettura’ e nell’Anno Accademico 2009-10 l’offerta didattica si arricchisce del Corso di laurea in ‘Design del Prodotto Industriale’.

Seppur circoscritta all’arco di soli venti anni, la storia della Facoltà è densa di scelte qualificanti, risultati riconosciuti, reputazione acquisita sul piano nazionale e internazionale. Da anni l’istituzione ferrarese è ai vertici delle classifiche CENSIS che valutano la qualità degli atenei italiani, risultando prima - per ben nove volte consecutive - fra le Facoltà di architettura del Paese.

Nel 2011, in una fase critica per l’Università italiana, la Facoltà ha compiuto il suo ventesimo anno di attività e, attraverso la celebrazione di questo anniversario, ha voluto dare testimonianza di vitalità ed affermare un ruolo centrale e propositivo all’interno delle istituzioni accademiche del Paese, con un progetto culturale di respiro internazionale articolato in conferenze, convegni, workshop e mostre. L’acronimo scelto per tale manifestazione è stato XfafX, in evoluzione di Xfaf che siglò il fortunato Decennale di fondazione della Facoltà svolto nel 2003.

Il format è quello di un festival che ha compreso una serie consistente e diversificata di eventi culturali organizzati, con cadenza mensile, da maggio 2011 a giugno 2012.

‘To design today’ è il titolo del festival che si è svolto negli spazi storici di Palazzo Tassoni Estense, sede di rappresentanza della Facoltà. Gli appuntamenti della rassegna sono stati oggetto di un progetto comunicativo cross mediale dedicato.

L’obiettivo sotteso al progetto culturale è stato quello di avvicinare e far dialogare le istituzioni accademiche con il mondo produttivo e con le componenti creative 24 dell’architettura, del design, dell’arte e della comunicazione.

Valorizzando i suoi punti di forza, la Facoltà di Architettura di Ferrara, attraverso il progetto XfafX, ha inteso aprirsi all’esterno, ancor più di quanto abbia fatto fino ad ora, e ha voluto promuovere collaborazioni e progetti con altre istituzioni culturali, con committenze pubbliche e private, associazioni di categoria,

organizzazioni di produzione.

Il Festival ha preso avvio con la lectio magistralis di Massimiliano Fuksas, seguita da quelle di Andrea Branzi, Max Dudler, Massimo Iosa Ghini, Herman Kaufmann, Diebedo Francis Keré, Francisco Mangado, Snøhetta, Matteo Thun, Guillermo Vasquez Consuegra.

Dibattiti e conferenze sui temi del design di prodotto hanno visto la partecipazione tra gli altri di Luisa Bocchietto, Stefano Casciani, Beppe Finessi, Massimo Morozzi, Antonio Paris, Marco Romanelli. www.unife.it/facolta/architettura www.materialdesign.it

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Sopra: aula Seminari della Facoltà di Architettura di Ferrara. Nella pagina a fianco, in alto, da sinistra a destra: la facciata della Facoltà e un’aula dove si tengono le lezioni.

In basso: un’aula studio.

Above: the seminar halls for the Faculty of Architecture with the University of Ferrara. On the opposite page, from top, left to right: the facade of the Faculty and one of the lecture halls. Bottom: a stusy hall.

THE FACULTY OF ARCHITECTURE IN FERRARA IS CELEBRATING TWO DECADES OF ACTIVITY AND IS LOOKING FAR INTO THE FUTURE In the Academic year 1991-1992, the Faculty of Architecture in Ferrara inaugurated its first degree course in Architecture; in the Academic year

2009-10, the courses on offer were integrated with the degree course for ‘Industrial Product Design’.

The period covered just 20 years yet the history of the Faculty was dense with highly-qualified choices, award-winning results, and the consolidation of an excellent reputation on the national and international scenarios. For many years, the Ferrara University was at the top of the CENSIS classifications, systems in place to evaluate the quality of the Italian universities; of all Italian Archi-

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tecture Faculties, it was ranked Number 1 ten times in the last 11 years.

Italian universities were in a critical phase in 2011 when the Architecture Faculty in Ferrara celebrated its 20th year of activity and, thanks to this anniversary, the faculty wished to bear witness to the creative vitality and consolidate the central propositive role among Italy’s academic institutions.

There was a cultural project of international appeal, split into conferences, conventions, workshops and exhibitions.

The acronym of this event was XfafX, an evolutionary step from Xfaf, the signal of the Faculty’s successful ten-year anniversary in 2003.

The festival-like format included a consistent and diversified series of cultural events organized on a monthly basis between May 2011 and June 2012.

‘To design today’ is the title of the festival held against the historical backdrop of the Palazzo Tassoni Estense building, the faculty headquarters. The appointments organized in the event were examined in a dedicated cross-media communication project.

The objective behind the cultural project was to bring the academic institutions and the world of manufacturing closer together, in an interface with the creative components of architecture, design, the arts and communication.

Enhancing its strong points, the Architecture Faculty in Ferrara, through the XfafX project, opened to the outside more than in previous times, and wished to promote collaboration and projects with other cultural institutions, with public and private clients, trade associations and manufacturing organizations.

The Festival got underway with a talk given by Massimiliano Fuksas, who was followed Andrea Branzi, Max Dudler, Massimo Iosa Ghini, Herman Kaufmann, Diebedo Francis Keré, Francisco Mangado, Snøhetta, Matteo Thun, Guillermo Vasquez Consuegra.

The leading lights of the debates and conferences on product design issues included Luisa Bocchietto, Stefano Casciani, Beppe Finessi, Massimo Morozzi, Antonio Paris, Marco Romanelli. www.unife.it/facolta/architettura www.materialdesign.it

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NEWSARCHITETTURA/ARCHITECTURE

UNA SALA STAMPA PER IL MINISTERO FRANCESE DELL’AGRICOLTURA Project: h2o architectes with Engineering Ingénierie Louis Choulet, HVAC Cabinet Virtz, Economist BMI, Structural Engineer Scène, Scenography Txt: Paolo Rinaldi Ph: Stéphane Chalmeau La richiesta insisteva sul fatto che il progetto dovesse possedere requisiti di contemporaneità senza rinunciare a una connotazione di ‘senza tempo’, come sembrava conveniente all’immagine di una tale istituzione.

Un ambiente netto e chiaro, invaso dalla luce, per ricreare il quale era necessario l’inserimento di un alto numero di attrezzature tecniche nel soffitto plafonato.

“Abbiamo dovuto tener conto – precisano i progettisti – anche del fatto che l’edificio in cui si trova la sala stampa è considerato alla stregua di un monumento storico con tutto quanto ne consegue”.

Esistevano due massicce colonne, molto invasive, a sostenere il livello superiore: un impedimento per il migliore uso dello spazio. I progettisti ne hanno felicemente potuto disporre la soppressione, ideando una griglia che funge da matrice per organizzare i diversi elementi dal pavimento al soffitto. Allo stesso tempo, un movimento ondulato si espande sul soffitto galleggiante, che copre l’intera stanza. Le variazioni sono direttamente collegate ai diversi spazi: quelli riservati ai giornalisti, per l’accesso del ministro, e quelli in prossimità delle grandi finestre e delle travi strutturali. Il soffitto sospeso è formato da una serie di scatole di altezza variabile. Le fessure tra i box consentono alla luce di diffondersi morbidamente nello spazio.

La profondità del soffitto e la tecnica di costruzione delle scatole di legno permettono di nascondere e inserire tutti i vincoli e gli apparecchi tecnici oltre alle travi strutturali che sostengono i quattro piani superiori, la ventilazione, il sistema di illuminazione e di comunicazione al pubblico e l’impianto acustico. Una perforazione casuale dei pannelli permette di trattare l’acustica e creare una dif26 fusione ‘poetica’ della luce su tutta la stanza. Il legno Koto utilizzato nei pannelli del soffitto richiama i colori, le tonalità nonché i modelli che si trovano nel pavimento, legando quindi l’intero volume in tutto unico. “Il Ministero dell’Agricoltura – concludono i progettisti – possiede ora uno strumento di esecuzione che unisce la poesia al rigore in un ambiente flessibile e controllato”.

A NEW PRESS OFFICE FOR THE FRENCH MINISTRY OF AGRICULTURE The project brief requested all of the essentials of contemporary living combined with a feeling of time-

extends over the floating ceiling and covers an entire room. The variations are connected directly to the different rooms: one reserved for the journalists, one for the Minister, and those close to the windows and the structural girders.

The ceiling has been created with a series of boxes suspended at variable heights. The spaces between these bo-

lessness, associated with the image of that specific institution, A clean and bright ambience, bathed in light, created by installing a large number of technical fittings in the lowered ceiling. The designers explained: ‘We also had to consider the fact that the building selected was close to being a historical monument with all of the familiar problems and limitations’.

There are two massive and highlyinvasive columns supporting the upper floor: these obstruct the optimal use of the space. The architects were able to attenuate the effect by designing a grid that acts as a matrix used for the organization of the various elements from the flooring to the ceiling. At the same time, an undulated feature

xes allows light to softly illuminate the space. The depth of the ceiling and the construction technique used to create the wooden boxes allows some of the unwanted components to be hidden from view while providing the perfect substrate for the installation of the technical fittings; the structural girders that support the four upper floors, the ventilation plant, the illumination and PA networks and the sound system.

The random perforation of the panels modulates the acoustics and creates a ‘poetic’ diffusion of light throughout the room. Koto wood has been used in the ceiling panels and matches the colors, the shades and the shapes in the flooring, bringing the entire ambience together. The designers explained:

‘Now the French Ministry of Agriculture can exploit this PR tool that combines poetry and severity in a versatile and well-controlled ambience’.

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REPORT OIKOS

UN MONDO A COLORI A WORLD OF COLOR Txt: Monica Pietrasanta

Il colore per Oikos va oltre il concetto di semplice elemento di decorazione diventando strumento per relazionarsi alle superfici e agli spazi, tenendo in massima considerazione l’impatto che un ambiente ha su chi lo vive

For Oikos, the concept of color stretches far beyond a plain and simple decorative element to interface with the surfaces and the spaces, taking into account the impact the surroundings have on the inhabitants

Guardare le cose nel loro insieme. Affrontare le questioni dei materiali, delle architetture, degli spazi, dell’interazione fra colori in una prospettiva dinamica. Questo è un punto fermo di Oikos, azienda leader nel colore e materia per l’architettura, convinta che non si possa fare un buon lavoro senza vedere oltre l’oggetto immediato della sua attività. “Non ci basta produrre colore e materia per l’architettura, fare ricerca di laboratorio, lavorare secondo i canoni di una produzione del tutto sostenibile e in linea con il più rigoroso rispetto dell’ambiente - afferma Claudio Balestri, presidente di Oikos. Nell’affrontare il tema del colore il nostro campo d’azione sono la natura, le città, la storia, l’arte, l’uomo e ogni sua attività. Così abbiamo sentito l’esigenza di cercare il senso della materia, di ridefinirla in base alla relazione con la luce, le superfici, le forme: un significato tanto più profondo quanto più connesso col mondo. Non semplice elemento di decorazione, ma strumento per relazionarci alle superfici, agli spazi, al mondo nel suo insieme. Una realtà dove vecchio e nuovo convivono in un rapporto virtuoso, dove i residui diventano beni e ciò che già esiste viene preservato e portato a nuova vita nel pieno rispetto dell’ambiente circostante”. Recuperare, ricostruire, restaurare sono elementi chiave del lavoro aziendale. “Parliamo di edifici, ma non solo - continua Claudio Balestri - per noi significa utilizzare in modo nuovo risorse altrimenti sprecate. Significa cercare un senso più profondo delle cose, tenendo in massima considerazione l’impatto che un ambiente ha su chi lo vive. Per questo non ci basta fare interventi decorativi: 28 vogliamo creare atmosfere. Per questo cerchiamo soluzioni innovative alle esigenze specifiche degli ambienti di lavoro, di ristoro, di svago. E ancora la convinzione che ogni cosa sia in relazione con le altre, che esista una sensibilità che guida e migliora la vita dell’uomo dove lavora, studia, crea, nutre l’anima e il corpo”.

Taking a look at the overall effect. Considering the problems posed by the materials, the architecture, the spaces, the interaction between the colors in the creation of a dynamic ensemble. This is the key feature of the Oikos philosophy. The company is the market leader in color and materials for architecture, convinced that good design is unlikely to be successful unless the designer’s vision stretches beyond the article’s activity.

‘It is not enough for us to produce color and materials for use in architecture, or be committed to laboratory research, working according to diktats of sustainable production and satisfying the strictest environmental norms – according to Claudio Balestri, president of Oikos – When we examine color, our field of action includes influences from nature, the cities, history, art, Man and all of his activities. Consequently, we decided to look for the meaning of materials and define them on the basis of their relationship with light, surfaces, shapes: we wanted to describe a profound meaning connected to the real world. Color is not classed simply as a decorative element but as a tool used to interface with the spaces and the outside world as a whole. It is a reality where the old and new live side-by-side in a virtuous relationship where the superfluous is transformed into merchandise and the items that exist already are preserved and revitalized in full respect of the surroundings.’ Reclaiming, reconstructing, restoring are the key features of the company’s work. ‘We refer to buildings but there is more to it than that – continued Claudio Balestri – for Oikos, it means using resources that would otherwise have been wasted. It means looking for a deeper meaning in material goods, giving maximum consideration to the impact the surroundings have on its inhabitants. For this reason, we don’t stop with decoration alone, we want to create atmospheres. This is why we look for innovative solutions specifically devised to satisfy the demands of work, catering and leisure time. Once again, we firmly believe that each item exists in relation with the others; we believe that there is a degree of sensitivity that guides and improves the quality of life for man when working, studying, creating, nourishing his mind and body’.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

BIENNALE DI VENEZIA VENICE BIENNIAL

Txt: Elviro Di Meo Ph: Francesco Galli – courtesy la Biennale di Venezia; Iwan Baan; ©Kesselhaus Josephsohn, St. Gallen; Alessandro Ciampi; courtesy, Fondazione Adriano Olivetti; Leon Torri

COMMON GROUND: IL TERRENO DEL CONFRONTO COMUNE AN INTERFACE FOR EVERYONE “Venezia costituisce un palcoscenico che nessun’altra città è in grado di offrire. Le sue architetture, umili o grandiose, si fondono con la laguna creando qualcosa che va oltre la natura. Con la sua bellezza la città ci mortifica, poiché ci rammenta le reali possibilità dell’architettura, sia come atti singoli sia come parte di una visione più ampia”. David Chipperfield, curatore della 13. Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia

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Il teorema è stata ampiamente dimostrato e risolto. Non si è fermato agli intenti programmatici, a differenza del passato in cui venivano enunciati e, quasi sempre, disattesi o rimasti soltanto nell’idea iniziale del curatore.

Alla premessa di David Chipperfield di una rassegna all’insegna della sobrietà e del buon gusto, con un esplicito richiamo al confronto sui vecchi e nuovi temi dell’architettura, una sorta di terreno comune – per l’appunto, ‘Common Ground’, titolo dell’edizione 2012 - da cui far ripartire il dibattito, in verità già avviato due anni fa da Kazuyo Sejima, hanno risposto sessantanove progetti, realizzati da architetti, fotografi, artisti, critici e studiosi, in un percorso che si snoda dal Padiglione Centrale ai Giardini e all’Arsenale. La 13. Mostra Internazionale di Architettura, organizzata dalla Biennale di Venezia, si ricorderà come la prima esposizione ad aver mantenuto costante il suo filo conduttore. Nessuna sbavatura, nessuna voce fuori dal coro, nessun tentativo di sovrapporsi alle rassegne d’arte contemporanee, pur avendo riaffermato il valore artistico dell’architettura e, aspetto ancora più significativo, nessun’opera ammiccante alla retorica stucchevole del linguaggio prodotto dalle archistar.

“Con il tema di quest’anno, si torna a parlare di architettura - spiega il presidente della Biennale, Paolo Baratta - per aiutare gli architetti a uscire dalla crisi d’identità che stanno vivendo, e nello stesso tempo offrire al pubblico la possibilità di guardare dentro l’architettura, rendersela familiare e scoprire che ad essa si può chiedere qualcosa, che il diverso è possibile, che non siamo condannati alla mediocrità”.

Chipperfield, nel ribadire che “l’Italia rimane la patria spirituale dell’architettura, dove si può comprendere pienamente l’importanza dell’edificio non come spettacolo individuale, bensì come manifestazione di valori collettivi e scenario della vita quotidiana”, motiva il suo indirizzo curatoriale teso a “stimolare i colleghi a reagire alle prevalenti tendenze professionali e culturali del nostro tempo che tanto risalto danno alle azioni individuali e isolate. “Ho voluto incoraggiarli a dimostrare, invece, l’importanza dell’influenza e della continuità dell’impegno culturale, a illustrare idee comuni e condivise le quali costituiscono la base di una cultura archi-

In questa pagina: ‘Spain mon amour’ di Luis Fernandez-Galiano con Francisco Mangado, Mansilla + Tunon, Nieto Sobejano, Paredes Pedrosa, RCR Arquitectes. Nella pagina accanto, in alto: ‘Gateway’, la video installazione firmata da Norman Foster, con il contribuito di Carlos Carcas e Charles Sandison.

Una visione cosmica, composta, tra l’altro, da edifici simbolo, divenuti icone della contemporaneità. (Foto: Francesco Galli courtesy, la Biennale di Venezia)

On this page: ‘Spain mon amour’ by Luis Fernandez-Galiano with Francisco Mangado, Mansilla + Tunon, Nieto Sobejano, Paredes Pedrosa, RCR Arquitectes. FOn the opposite page, top: Gateway, the video-installation designed by Norman Foster, with assistance from Carlos Carcas and Charles Sandison. A cosmic vision with symbolic buildings that have become icons of contemporary living. (Photos: Francesco Galli - courtesy, the Venice Biennial)

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“Venice is a unique platform that no other city can compete against. Its humble or majestic architecture merge into the lagoon to create something almost supernatural. Its beauty takes our breath away and the city clearly illustrates the real possibilities of architecture, as a single action or as a part of broader scenario”. David Chipperfield, curator of the 13. International Exhibition of Architecture in the Venice Biennial

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tettonica”. E i ‘Common Ground’ sono stati declinati, sebbene la condivisione delle differenze formali, dalla sensibilità espressa dai singoli progetti. Così se il tedesco Thomas Struth mostra nelle sue fotografie scorci di città accomunati da elementi tipici del paradigma urbano, ma differenziati dalla presenza umana, da gruppi di etnie diverse, da insegne pubblicitarie, e da quant’altro è stato catturato dalla macchina da presa, il critico madrileno, Luis Fernández-Galiano, invita a riflettere sul recupero dell’architettura al tempo della crisi e dei conflitti sociali. Temi, questi, che si ritrovano, arricchiti di ulteriori contenuti, nella video installazione ‘Gateway’, firmata da Norman Foster, con il contribuito di Carlos Carcas e Charles Sandison. Una visione cosmica, fatta di edifici simbolo, divenuti icone della contemporaneità, e frame in cui il mondo fenomenico, sia naturale sia artificiale, si alterna sulle pareti della grande stanza allestita all’ingresso dell’Arsenale, mentre a terra s’incrociano i nomi dei protagonisti dell’architettura di ieri e di oggi. Peter Märkli richiama, invece, all’armonia dell’ordine.

Alla purezza delle forme geometriche e al rapporto dialettico tra uomo e colonna, attraverso i plastici degli artisti Hans Josephsohn e Alberto Giacometti, dov’è esplicito il riferimento alle colonne – pilastro delle navate delle Corderie. Ed è proprio il microcosmo uomo, con la sua capacità di adattare gli spazi, di saperli reinventare, anche dinanzi al degrado di edifici dismessi o mai completati, fino a trasformarli in habitat di vita collettiva, il concetto alla base di ‘Torre David/Gran Horizonte’, premiato con il Leone d’oro per il miglior progetto della Mostra. Un riconoscimento allo scrittore londinese Justin McGuirk a Iwan Baan e a Urban-Think Tank (Alfredo Brillenbourg, Hubert Klumpner), esteso agli abitanti di Caracas e alle loro famiglie, che hanno creato una nuova comunità e una casa occupando un edificio in calcestruzzo abbandonato e incompiuto, alto quarantacinque piani, in precedenza destinato a uffici. Il famoso ‘slum verticale’ presenta adesso un’identità formatasi spontaneamente e poi consolidatasi. È questo, per la giuria, “un modello ispiratore che riconosce la forza delle associazioni informali”. Il progetto venezuelano è anche l’occasione per comprendere i fallimenti urbani e un laboratorio sperimentale, espresso grazie a un bar – ristoro, aperto nel cuore dell’installazione, in cui il dialogo si anima per l’atmosfera accogliente e il profumo del cibo, facendo immaginare un futuro alternativo per milioni di persone che vivono in insediamenti improvvisati in tutto il mondo.

La rassegna di Chipperfield è stata affiancata da cinquantacinque partecipazioni nazionali distribuite, come di consueto, negli storici Padiglioni ai Giardini, all’Arsenale e nel centro storico di Venezia. Per la prima volta, la Biennale ospita i progetti proposti da Angola, Repubblica del Kosovo, Kuwait e Perù. Di grande impatto scenografico, eppure così ben inserite nel contesto del Giardino delle Vergini, le due strutture nate dalla collaborazione di Álvaro Siza Vieira – (Leone d’oro alla carriera) ed Eduardo Souto de Moura. L’una è il prosieguo dell’altra. Se Siza evoca la scala interna del tessuto urbano della Città Lagunare e incornicia e realizza nuovi scenari per gli alberi e le piante del giardino, Souto de Moura crea un ingresso privilegiato e dirige la vista del visitatore verso il bacino dell’Arsenale. La struttura intende analizzare la composizione delle facciate e delle finestre veneziane, interpretando gli spazi adiacenti del luogo e dello specchio d’acqua.

The theorem was illustrated and resolved in detail. The architects did not limit their actions simply to programmatic intentions; compare this to the past when the curator’s original ideas were frequently ignored. David Chipperfield introduced this event based on style and good taste with an explicit comparison between the old and the new themes in architecture, a sort of ‘Common Ground’ – hence the name give to the 2012 edition.

This was the starting point for the debate. However, if the truth be told, the discussion was actually started two years ago by Kazuyo Sejima. A total of 69 projects were submitted by architects, photographers, art critic and researchers and these were used to create the exhibition pathway that winds its way through the Central Pavilion of the Giardini and Arsenale facilities in Venice. The 13.

International Exhibition of Architecture was organized by the Venice Biennial and will be remembered as the first exhibition to have adhered firmly to its core theme.

There were no blips, no dissenting voices, no attempts to predominate over the events of modern art, consolidation of the intrinsic artistic values of architecture, and something of even greater importance, that none of the projects submitted referred to the traditional rhetoric of

the design languages produced by the leading architects.

‘With this year’s exhibition, we are once again talking of architecture – explained the president of the Biennial, Paolo Baratta – to help the architects escape from their identity crisis and at the same time offer the general public the opportunity to look deep into the soul of architecture, learn more about it and discover that it can be asked to serve a specific purpose, that the different is possible and that we are not condemned to mediocrity”. 31 Chipperfield repeated that ‘Italy persists as the spiritual home of architecture [where] it is possible to fully understand the importance of the building - not as a one-man-show but as the expression of collective values and the immortalization of everyday life’. His orientation was specific to ‘stimulate colleagues to react against the predominant professional and cultural trends of our times that actually result in individual and isolated actions. I wished to encourage them to demonstrate how

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important the influence and the continuity of the cultural commitment is in the illustration of common shared ideas that form the basis of the architectonic culture’.

And the Common Ground was expressed as the sensitivity expressed by the single projects as opposed to the sharing of the formal differences. The variations can be observed in the projects submitted. In his outsize images German designer Thomas Struth presented glimpses of the city joined by the typical elements of the urban paradigm, but in these cases differentiated by the human presence, the different ethic groups, the advertising billboards and by everything else immortalized by his camera. On the other hand, the Madrid-based art critic, Luis Fernández-Galiano, invites reflection on architectural reclaim in times of crisis and social conflict. These themes are rediscovered and enriched with additional content in the video installation ‘Gateway’, designed by Norman Foster, with contributions from Carlos Carcas and Charles Sandison. A cosmic vision consisting of symbolic buildings that have become the icons of contemporary living, framing the phenomenon-aspects of the natural and artificial world alternating on the walls of the large hall at the entrance to the Arsenale. On the floor, the names of past and present protagonists of architecture intersect.

On the other hand, Peter Märkli refers to the harmony of order. The purity of the geometric shapes and the 32 dialect between man and the column, through the models produced by Hans Josephsohn and Alberto Giacometti, where the reference to this architectural feature are explicit – the mainstay structures in thre aisles of the corderie. The microcosm of Man with his ability to adapt the spaces, how he manages to reinvent them even when faced with abandoned or incomplete strictures, their transformation into habitats of collective living form the foundations of the ‘DavidTower/Grand Horizons’, adjudicated the best project in the exhibi-

tion and awarded the Leone d’oro prize. A tribute by the London-based writer Justin McGuirk to Iwan Baan and to Urban-Think Tank (Alfredo Brillenbourg, Hubert Klumpner), extended to the inhabitants of Caracas and their families, who created a new community and a home by occupying an unfinished cement building of 45 floors designed as office premises. The famous ‘vertical slum’ now has an identity that was created spontaneously to then consolidate over time. For the jury, this is ‘an inspirational model that recognizes the power of informal associations’. The Venezuelan project also presents an opportunity to comprehend the urban failures and the experimental workshops, expressed in a bar opened in the heart of the installation; here the dialogue is energized thanks to the welcoming atmosphere and the scent of the food, allowing us to imagine an alternative future for millions of people all around the world who live in improvised settlements.

Chipperfield’s exhibition has been joined by 55 Italian events scattered, as in all previous editions, across the city in the historical Pavilions of Giardini and Arsenale and in the city’s historical center. For the first time ever, the Biennial will welcome projects from Angola, The Republic of Kosovo, Kuwait and Perù.

The two creations designed by Alvaro Siza Vieira (Leone d’oro awarded for his career) and by Eduardo Souto de Moura were very impressive. They blended beautifully with the surroundings of the Giardino delle Vergini.

One follows-on from the other. Siza was inspired by the internal scale of the urban structure of this wonderful city; he has defined and produced new scenarios for the trees and shrubs in the gardens. Souto de Moura created a privileged entrance point and orients the visitor’s gaze towards the Arsenale. The structure intends analyzing the arrangement of the traditional Venetian façades and the windows, and gives meaning to the adjacent spaces and the nearby stretches of water.

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On this page: the installation ‘Torre David/ Gran Horizonte’ by Justin McGuirk, Iwan Baan and Urban-Think Tank (Alfredo Brillenbourg, Hubert Klumpner) presented with the Leone d’oro for the best product in the exhibition. The identity of the famous ‘vertical slum’ in Caracas – (photos: Iwan Baan) – developed spontaneously and consolidated over time. The work – images at the bottom – is completed with a bar that doubles as a meeting place, in perfect Venezuelan style.

(Photo: Francesco Galli - courtesy, the Venice Biennial). On the opposite page, bottom: Stehende, 1950 – a sculpture by Has Josephsohn; ©Kesselhaus Josephsohn, St. Gallen. Top: ‘Unconscious Places’ – artistic photographs by Thomas Struth. (photos: Francesco Galli - courtesy, Venice Biennial).

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In questa pagina: l’installazione ‘Torre David/Gran Horizonte’ di Justin McGuirk, Iwan Baan e Urban-Think Tank (Alfredo Brillenbourg, Hubert Klumpner) premiato con il Leone d’oro per il miglior progetto della Mostra. Il famoso ‘slum verticale’ di Caracas – (foto: Iwan Baan) - presenta un’identità formatasi spontaneamente e poi consolidatasi nel tempo. L’opera - immagini in basso - si completa con un bar, quale luogo di incontro, in perfetto stile venezuelano (foto: Francesco Galli - courtesy, la Biennale di Venezia). Nella pagina accanto, in basso: Stehende, 1950 - scultura di Has Josephsohn; ©Kesselhaus Josephsohn, St. Gallen. In alto: ‘Unconscious Places’ – opere fotografiche di Thomas Struth (foto: Francesco Galli - courtesy, la Biennale di Venezia).

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In questa pagina: ‘Miyato-Jima Recontruction Project’ di Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa/SANAA. Al centro, a sinistra: un particolare di ‘Elbphilharmonie – The construction site as a common ground of diverging interests’ di Herzog & de Meuron; a destra: un frame di ‘Peter Zumthor at work’. Il cortometraggio del regista tedesco Wim Wenders ritrae l’architetto nel suo piccolo studio a Haldenstein in Svizzera. In basso: ‘Copycat. Empatia e invidia come generatori di forma’ di Cino Zucchi Architetti. L’installazione intende dimostrare le infinite assonanze e corrispondenze tra gli elementi naturali e quelli prodotti dall’uomo con l’architettura e i suoi elementi. (foto: Francesco Galli - courtesy, la Biennale di Venezia).

On this page: ‘Miyato-Jima Recontruction Project’ by Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa/SANAA. Center left: a close-up of the ‘Elbphilharmonie – The construction site as a common ground of diverging interests’ by Herzog & de Meuron; right: a frame of ‘Peter Zumthor at work’. The short film by the German director Wim Wenders portrays the architect in his small studio in Haldenstein

Switzerland: ‘Copycat. Empathy and envy as generators of shape by Cino Zucchi Architetti. The installation wishes to demonstrate the infinite contrasts and parallels between natural elements and those produced by Man through his architecture and its components (photos: Francesco Galli courtesy, the Venice Biennial).

Nella pagina accanto, in alto: ‘Percorso’ di Álvaro Siza Vieira. L’installazione, collocata al Giardino delle Vergini, evoca la scala interna del tessuto urbano di Venezia e dialoga con ‘Windows’: l’installazione di Eduardo Souto de Moura. L’architetto portoghese crea un ingresso privilegiato e dirige la vista del visitatore verso il bacino dell’Arsenale. La struttura intende analizzare la composizione delle facciate e delle finestre veneziane (foto: Francesco Galli courtesy, la Biennale di Venezia).

On the opposite page, top: ‘Percorso’ di Álvaro Siza Vieira. The installation was positioned in the Giardino delle Vergini, and was inspired by the architectural scale in Venice and it interfaces with ‘Windows’: the installation by Eduardo Souto de Moura. The Portuguese architect has created a privileged entrance that directs the visitor’s eyes towards the Arsenale. The structure analyzes the arrangement of the façade and the Venetian windows (photos: Francesco Galli - courtesy, the Venice Biennial).

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In questa pagina: il progetto di Valerio Olgiati, ‘Pictographs – Statements of contemporary architects’. In basso: ‘City Works’ presentato dal team Chicago: David Brown, Alexander Eisenschmidt, Studio Gang (Jeanne Gang), Tigerman McCurry (Stanley Tigerman), UrbanLab (Sarah Dunn e Martin Felsen). Nella pagina accanto, in alto: ‘Radix’, installazione in acciaio con finitura oro, di Francisco e Manuel Aires Mateus. (foto: Francesco Galli - courtesy, la Biennale di Venezia).

On this page: the project by Valerio Olgiati, ‘Pictographs – Statements of contemporary architects’. Bottom: ‘City Works’ presented by team Chicago: David Brown, Alexander Eisenschmidt, Studio Gang (Jeanne Gang), Tigerman McCurry (Stanley Tigerman), UrbanLab (Sarah Dunn and Martin Felsen). On the opposite page, top: ‘Radix’, installation in steel with a golden finish, by Francisco and Manuel Aires Mateus. (photos: Francesco Galli - courtesy, the Venice Biennial).

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Below: ‘Racotek’, the ‘Giovanni Vaccarini’ logistics center built in Bellante in the Italian province of Teramo (photos: Alessandro Ciampi). In the middle, left: Adriano Olivetti in Ivrea in front of the ICO, circa 1958 (photos: courtesy, Adriano Olivetti Foundation).

Right: the new corporate headquarters for the company ‘Ermenegildo Zegna’ in Milan.

Project plans by Antonio Citterio, Patricia Viel and Partners with Architecture Studio Beretta Associati (photos: Leon Torri).

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Sotto: ‘Racotek’, il centro logistico Giovanni Vaccarini, costruito a Bellante in provincia di Teramo (foto: Alessandro Ciampi). In centro, a sinistra: Adriano Olivetti a Ivrea davanti alla ICO, 1958 ca (foto: courtesy, Fondazione Adriano Olivetti). A destra: la nuova sede corporate di ‘Ermenegildo Zegna’ di Milano. Progetto di Antonio Citterio, Patricia Viel and Partners con Studio Architettura Beretta Associati (foto: Leon Torri).

IL PADIGLIONE ITALIA LE QUATTO STAGIONI DELL’ARCHITETTURA THE FOUR SEASONS OF ARCHITECTURE Una scelta mirata quella di Luca Zevi: individuare nella personalità carismatica di Adriano Olivetti e nella sua esperienza come innovatore per il modo di fare impresa il tentativo di riportare l’attenzione sul rapporto tra crisi economica, architettura e territorio. Per il curatore del Padiglione Italia, il ‘common ground’ si è tradotto in un progetto concreto e visionario, in cui cultura e imprenditoria scrivono un nuovo patto di crescita per il Paese. Il percorso curatoriale, allestito alle Tese delle Vergini all’Arsenale, si articola come un racconto puntuale, preciso, a tratti anche troppo minuzioso, senza mai scivolare, tuttavia, in un melanconico amarcord – rischio sempre in agguato dinanzi a una trattazione antologica - che descrive le ‘quattro stagioni’ dell’architettura del made in Italy. Partendo da Olivetti e dal mondo delle fabbriche, l’indagine si sposta sull’inesorabile assalto al territorio, come conseguenza del fervore produttivo, dopo la scomparsa delle grandi industrie. È la negazione di qualsiasi forma di espressione architettonica e rispetto del paesaggio. Negazione che si evolve, solo negli ultimi quindici anni, nella lungimirante consapevolezza di alcune imprese, caratterizzate da una ‘tipologia olivettiana’, di realizzare i propri stabilimenti attenti alla poetica dei luoghi e alla vita delle persone. Nascono i centri di eccellenza in cui l’obiettivo - ‘quarta stagione’ – sta nel dialogo empatico con la green economy destinata a incontrare la sfida di Expo 2015.

Luca Zevi made a deliberate choice to identify and emphasize that something special in the charismatic personality of Adriano Olivetti and his experience as an innovator in his professional life. The focus was his attempts to draw attention to the relationship between the economic crisis, architecture and the territory. For the curator of the Italy Pavilion, the ‘common ground’ has been translated into an authentic and visionary project; culture and entrepreneurship write a new strategy for growth in the country. The exhibition pathway was designed and organized in the Tese delle Vergini at the Arsenale, and is a precise narration, albeit sometimes excessively detailed, without ever sliding into the sad and melancholic – a risk that is always on the horizon when dealing with an anthological presentation – this is an apt description of the ‘four seasons’

of Made in Italy architecture. Starting from Olivetti and the industrial world of factories, the investigation shifts to the never-ending brutal attack to the territory as a consequence of unbridled production energy, following the disappearance of the major industries. It is the negation of any form of architectonic expression and respect for the landscape. And over the last 15 years, this denial was evolved through the forward-thinking awareness of some companies, influenced by the Olivetti-like format, who were drive to establish their own factories with attention paid to the poetic features of the location and the life of the people. As a result, a number 37 of excellence centers have emerged with the objective - fourth season – to create empathetic dialogue with the green economy reality when it faces the challenge of Expo 2015.