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OFARCH News Paola Molteni OFARCH Architettura/Architecture Francesca De Ponti, Nicola De Ponti, Elviro Di Meo, Maurizio Giordano, Cristina Molteni. OFARCH Architecture in USA Bradley Wheeler OFARCH Design Francesco Massoni OFARCH Zoom Paolo Rinaldi
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Contributi/Contributors Arianna Callocchia, Carlo Paganelli, Monica Pietrasanta, Paolo Rinaldi, Luca Sampò, Mila Sichera, Francesca Tagliabue. Traduzioni/Translations Fiona Johnston, Studio ITS. Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo, Barbara Tommasini. Ufficio abbonamenti/ Subscription office Francesca Casale
Bimestrale/Bimonthly magazine Prezzo/Price Euro 7,00 Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) Tel. 030/6810155 Fotolito BitGraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina dè Pecchi (MI) Tel. 02/92278515 Poste Italiane s.p.a. - Spedizione in Abbonamento Postale - D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n. 46) art. 1, comma 1, LO/MI Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 712 del 7 Aprile 1990
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News
Edited by Paola Molteni
Editoriale
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Modi di abitare/Lifestyles
Franco Mirenzi
Architettura
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Un posto da chiamare casa/A place to call home
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Incastri geometrici/Interlocking shapes
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Architettura della sottrazione/ Architecture enhanced by subtraction
Francesca De Ponti
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Siedlung low-cost
Mila Sichera
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Verde 25
Paola Molteni
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Composizione tridimensionale/ A Three-Dimensional Composition
Monica Pietrasanta
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Total bamboo
Paolo Rinaldi
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Villa Bruun
Arianna Callocchia
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Tra forma e funzione/ The link between shape and function
Francesca De Ponti
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Domus Scholasticus
Bradley Wheeler
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Housing by the Bay
Bradley Wheeler
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Sliced Porosity Block
Luca Sampò
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Evoluzione architettonica/Architectonic evolution
Francesca Tagliabue
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Il luogo nel luogo/A place within a place
Elviro Di Meo
Expo
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New York world’s fair 1939
Carlo Paganelli
Design
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Alberto Meda
Francesco Massoni
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Luce e architettura/Light and Architecture
Monica Pietrasanta
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Doppia pelle/A second skin
Francesca Tagliabue
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Un loft concettuale/An interesting loft concept
Paolo Rinaldi
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Torino, Luciano Pia (ph: Alessio Guarino)
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SOMMARIO
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NEWSARTE/ART
AUTORITRATTI. ISCRIZIONI DEL FEMMINILE NELL’ARTE ITALIANA CONTEMPORANEA Tempo fa, al MAMbo, Museo d’Arte Moderna di Bologna, ha avuto inizio un paziente lavoro di revisione critica delle collezioni contemporanee. Nell’ambito di quest’opera, condotta con particolare attenzione ai rapporti tra arte e politica, è emersa la volontà di sviluppare una riflessione specifica intorno all’arte al femminile. Ne è nato un gruppo di lavoro che, via via, dal nucleo interno allo staff del museo, composto prevalentemente da donne, ha coinvolto artiste, curatrici, direttrici di altri musei, critiche e studiose con le quali si è giunti a definire il progetto di una grande mostra, che oggi si è realizzato. “Autoritratti. Iscrizioni del femminile nell’arte italiana contemporanea” è un’ampia esposizione collettiva che nasce dalla volontà di individuare nuovi strumenti di analisi e di narrazione più che di rappresentare esaustivamente o di celebrare retoricamente l’apporto delle donne nell’arte contemporanea. La mostra, significando una differenza che non è solo di genere ma anche metodologica, annovera perciò contributi di artiste e intellettuali invitate a confrontarsi in un dialogo aperto. Le 43 opere presentate, molte delle quali sono state realizzate appositamente, compongono dunque un mosaico narrativo denso e composito in cui si intrecciano secondo modalità imprevedibili e inedite temi, pensieri, segni, linguaggi, tecniche, tracce e simboli della riflessione al femminile. Articolata in nuclei tematici, elaborati con il contributo di Emanuela De Cecco, Laura Iamurri, Arabella Natalini, Francesca Pasi-
ni, Maria Antonietta Trasforini e di Uliana Zanetti, che ha coordinato il gruppo di lavoro del MAMbo, la mostra rappresenta uno stimolante esempio di innovazione progettuale e concettuale. Tra le artiste in campo: Alessandra Andrini, Anna Valeria Borsari, Elisabetta Di Maggio, goldiechiari, Christiane Löhr, Eva Marisaldi, Ottonella Mocellin, Maria Morganti, Liliana Moro,Anna Scalfi Eghenter, Elisa Sighicelli, Grazia Toderi, Traslochi Emotivi, Tatiana Trouvé e Grazia Varisco. Il catalogo è edito da Corraini. (F.M.)
SELF-PORTRAITS. THE FEMININE SIDE OF CONTEMPORARY ITALIAN ART. Some time ago, MAMbo, The Museum of Modern Art in Bologna, began a painstaking process of critical revision of its contemporary collections. During this procedure, special attention was paid to the relationship between art and politics and what emerged was a desire for a specific reflection on the feminine side of art. The resulting working party gradually extended from the museum’s predominantly female staff to include artists, curators, directors of other museums, critics and researchers. This led to the definition of a large exhibition ‘Self-portraits. The feminine side of contemporary Italian art’, a broad-reaching collective event that aimed to identify new instruments of analysis and narration as opposed to producing a comprehensive overview or rhetorically celebrate the contribution of women in contemporary art. The exhibition underlines the differences in genre and know-how and will include input from artists and intellectuals, invited to measure-up in an open dialogue. The 43 works presented – many of which produced for this occasion – form a dense and compact narrative mosaic with unpredictable twists and original themes, thoughts, signs, languages, techniques, traces and symbols associated with female reflections. Split into several tangents, the exhibition was defined by contributions from Emanuela De Cecco, Laura Iamurri, Arabella Natalini, Francesca Pasini, Maria Antonietta Trasforini and Uliana Zanetti, who coordinated the working party of MAM-
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bo; consequently, the exhibition can be described as a stimulating example of design and conceptual innovation. The artists include: Alessandra Andrini, Anna Valeria Borsari, Elisabetta Di Maggio, goldiechiari, Christiane Löhr, Eva Marisaldi, Ottonella Mocellin, Maria Morganti, Liliana Moro, Anna Scalfi Eghenter, Elisa Sighicelli, Grazia Toderi, Traslochi Emotivi, Tatiana Trouvé and Grazia Varisco. The catalogue was published by Corraini. (F.M.) Bologna, MAMbo, via Don Minzoni 14. Fino al 1° settembre/Until September 1st 2013.
CAROL RAMA. BEYOND THE GRAPHIC DESIGN The ninety-something Torinese artist, Carol Rama, was presented with the Leone d’Oro award for her career during the 50th edition of the Venice Biennial in 2003. Her endless creativity was dedicated to the poetic narration describing her provocative, tormen-
ted, passionate relationship with the world. From the early Forties of the last century, during which the delicate brushstrokes of the watercolour technique contrasted violently with the subjects and the themes of the war years; her development marched from a conversion to abstract and concrete art – as defined by her friend and poet Edoardo Sanguineti, to her consecration that came about in 1980. It was then that Lea Vergine invited her to take part in the exhibition ‘The other half of avant-garde’ in Milan. She never stopped experimenting new expressive modes to describe herself and the reality transfigured by her proud reckless traits. This includes engraving, a technique the artist started using in the early Nineties; she transferred it into her universe that is crowded with obsessions, figures and objects. Carol Rama fully exploited this technique, thanks to the skills of her mentor Franco Masoero, who guided her lovingly through the steps that started with etching, aquatint, soft painting and drytip painting. And even in this case, the Torinese artist was able to inject her unmistakeable style, as she worked on pre-printed sheets or architecture plans designed by her friends and intervening with painting and collage techniques. The exhibition - “Carol Rama. Beyond
the graphic design” -hosted in the Civic Museum in Ascona and supervised by Mara Folini with Alexandra Wetzel, presents to the public 100 works produced in Franco Masoero’s workshop by this determined outsider. (F.M.) Ascona (Svizzera), Museo Comunale d’Arte Moderna, via Borgo 34. Fino al 15 settembre/Until November 15th.
Organizzata in concomitanza con la 55ma edizione della Biennale d’Arte di Venezia e curata in tandem da Ji Shaofeng e Alessandro Riva, la mostra collettiva “Crossover/A dialog between the Chinese School of Hubei and the New Italian Art Scene” rappresenta il tentativo di incrociare le esperienze artistiche più attuali di due paesi geograficamente lontani ma idealmente uniti dal ruolo simbolico della Serenissima, porta d’Oriente fin dai tempi di Marco Polo. Fra tradizione e avanguardia, linguaggi espressivi antichi e recenti, figurazione e astrattismo, simbolismo e iperrealismo, suggestioni classiche e proiezioni avveniristiche, gli artisti cinesi della ‘Scuola di Hubei’ incontrano alcuni talenti della scena italiana contemporanea e da questo ideale dialogo si genera un immaginario condiviso, in cui le identità locali si intrecciano con piaceri e inquietudini globali. Guo Zhengshan, Xiao Feng, Zhang Zhan, Lang Xuebo, Fu Zhongwang, Li Yu & Liu Bo, Yuan Xiaofang e Ma Lin, da un lato, Dany Vescovi, Davide Nido, Marco Petrus, Paolo Schmidlin, Matteo Basilé, Simone Bergantini, Enrico Lombardi ed Elena Monzo, dall’altro, partecipano a questo magico intreccio. (F.M.)
Organized to coincide with the 55th edition of the Venice Biennial of Art and jointly-managed by Ji Shaofeng and Alessandro Riva, the collective exhibition “Crossover / A dialogue between the Chinese School of Hubei and the New Italian Art Scene” is an attempt to interlock the latest artistic experiences of these two, geographically-distant countries. However, they are linked by the symbolic role of Marco Polo’s Serenissima gateway from the Republic of Venice to the Far East. Between tradition and avant-garde, ancient and modern expressive languages, the figurative and the abstract, symbolism and hyper-realism, classical suggestions and futuristic projections, the Chinese artists of the ‘School of Hubei’ encounter some talented creatives of the contemporary Italian scene. Imaginary sharing emerges from this optimal dialogue where local identity is entwined with pleasure
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Leone d’oro alla carriera in occasione della 50ma Biennale di Venezia del 2003, Carol Rama, artista torinese ultranovantenne, ha saputo dedicare la propria inesauribile creatività alla narrazione poetica del suo rapporto con il mondo, bellicoso, tormentato, appassionato. Dai suoi esordi negli anni Quaranta del secolo scorso, in cui la delicatezza della tecnica ad acquerello contrasta violentemente con i soggetti e i temi rappresentati, passando per la conversione all’astrattismo e all’arte concreta e per i ‘bricolage’, così chiamati dall’amico e poeta Edoardo Sanguineti, fino alla consacrazione avvenuta a partire dal 1980, quando Lea Vergine la invita a partecipare alla mostra ‘L’altra metà dell’avanguardia’ a Milano, lei non cesserà mai di sperimentare nuove modalità espressive per raccontarsi e raccontare una realtà trasfigurata dal suo sguardo fiero e impudente. Tra queste l’incisione, tecnica cui l’artista si è avvicinata nei primi anni Novanta, trasferendovi il suo universo affollato di ossessioni, figure e oggetti. Un medium espressivo che Carol Rama ha potuto sfruttare a fondo, grazie alla competenza dello stampatore Franco Masoero, che l’ha guidata affettuosamente iniziandola alla pratica dell’acquaforte, dell’acquatinta, della vernice molle e della puntasecca. Anche in questo caso, l’artista torinese ha saputo conferire il suo tocco inconfondibile, lavorando su fogli prestampati o progetti d’architettura disegnati dagli amici e intervenendo con pittura e collage. La mostra “Carol Rama. Oltre l’opera grafica”, in corso al Museo Comunale di Ascona e curata da Mara Folini con Alexandra Wetzel, presenta 100 opere realizzate presso la stamperia di Franco Masoero da questa irriducibile outsider. (F.M.)
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CAROL RAMA. OLTRE L’OPERA GRAFICA
and global unrest. Guo Zhengshan, Xiao Feng, Zhang Zhan, Lang Xuebo, Fu Zhongwang, Li Yu & Liu Bo, Yuan Xiaofang and Ma Lin, on one side, Dany Vescovi, Davide Nido, Marco Petrus, Paolo Schmidlin, Matteo Basilé, Simone Bergantini, Enrico Lombardi and Elena Monzo on the other - the strands that form this magical weave. (F.M.) Venezia, Tesa 113 Arsenale Nord. Fino al 24 novembre/Until November 24th.
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NEWSMOSTRE/EXHIBITION
ENERGY. ARCHITETTURA E RETI DEL PETROLIO E DEL POST-PETROLIO Qual è stato, è e sarà l’impatto dell’energia sull’architettura e sul paesaggio dal boom del petrolio alle rinnovabili? Ce lo racconta “Energy. Architettura e reti del petrolio e del post-petrolio”. Una mostra, curata da Pippo Ciorra e prodotta dal MAXXI Architettura, allestita al MAXXI di Roma, Museo nazionale delle arti del XXI secolo, fino al 29 settembre 2013. L’esposizione presenta, attraverso un percorso diviso in tre sezioni: Storie, a cura di Margherita Guccione ed Esmeralda Valente; Fotogrammi, a cura di Francesca Fabiani; Visioni, a cura di Pippo Ciorra, il rapporto tra energia, architettura e paesaggio nel passato, presente e futuro. Il percorso espositivo inizia con delle installazioni exhibition specific, che presentano i progetti visionari di sette studi internazionali, invitati ad investigare sulle tipologie di energia del futuro, prosegue con l’esplorazione del presente attraverso lo sguardo attento di tre fotografi che hanno indagato attraverso la fotografia le architetture italiane legate al petrolio, e termina con una selezione di disegni, plastici, progetti e immagini, provenienti da importanti archivi storici italiani, per raccontare le architetture stradali e autostradali realizzate in Italia, del dopoguerra ad oggi, dalla piccola scala dei singoli distributori di benzina agli edifici a ponte tipici degli autogrill, dalle stazioni di servizio ai villaggi e ai motel. (A.C.)
ENERGY. OIL AND POST-OIL ARCHITECTURE AND GRIDS What is and what will be the impact of energy sources on architecture and the landscape from the days of the oil boom to the days renewable energy sources? The answer can be seen in ‘ENERGY. oil and post-oil architecture and grids’. The exhibition was organized by Pippo Ciorra and produced by MAXXI Architettura, at the MAXXI galleries in Rome, The National Museum of Art in the 21st century, until September 29th 2013. Through a pathway comprising three sections related to gas stations etc., the exhibition presents Stories, organized by Margherita Guccione and Esmeralda Valente;
Photograms, organized by Francesca Fabiani; Visions, organized by Pippo Ciorra, the relationship between energy, architecture and landscape past, present and future. The exhibition begins with exhibition specific installations that present visionary projects from seven international studios, invited to investigate types of energy sources of the future; it proceeds with the exploration of the present through the eagle-eye of three photographers who used photography to immortalize pieces of Italian architecture associated with the petroleum trade and ends with a selection of drawings, models, projects and pictures, originating from important Italian historical archives, to tell the story of architecture related to road and highway networks in Italy, from the end of the Second World War to the present
day, from small scale to the individual distributors to the bridge-like buildings typically found on the motorways, from the gas stations to resorts and motels. (A.C.) “Energy. Architettura e reti del petrolio e del post-petrolio”, MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo – Roma. Dal 22 marzo al 29 settembre 2013/From March 22nd to September 29th 2013. www.fondazionemaxxi.it
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Alcune delle architetture stradali e autostradali presentate all’interno della mostra: dalla piccola scala dei singoli distributori di benzina agli edifici a ponte tipici degli autogrill, dalle stazioni di servizio ai villaggi e ai motel.
Some of architecture related to road and highway networks in Italy from small scale to the individual distributors to the bridge-like buildings typically found on the motorways, from the gas stations to resorts and motels.
ph. Beppe Raso
Dubai Airport T3-C2 meeting system- design centro studi
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NEWSDESIGN
LA SINDROME DELL’INFLUENZA In occasione del Salone del Mobile 2013 il Triennale Design Museum ha cambiato pelle, aprendo le porte a una nuova rilettura del fenomeno design e confermando l’attualità del suo essere un progetto in costante evoluzione. Curatore di questa sesta edizione, intitolata “La sindro-
me dell’influenza” e allestita da Pierluigi Cerri, Pierluigi Nicolin. Convinto che l’attitudine più spiccata del design italiano sia stata (e sia tuttora) la capacità di assimilazione, intesa come desiderio di confrontarsi con altri linguaggi e altre culture per trarne inedite elaborazioni. “Se ci chiediamo perché la disciplina, che non è nata qui, si sia sviluppata così tanto e così a lungo proprio in quest’area geografica, non possiamo non pensare alla curiosità degli italiani, sempre rivolti all’altro, in qualche modo consapevoli di non poter fare da soli” spiega il critico. “Non possiamo non ricordare che sono stati gli architetti attivi nel dopoguerra a tentare di tradurre i loro ‘miti’ in qualcosa di concreto, capace di contribuire in modo determinante al processo di modernizzazione che il Paese stava vivendo”. Ecco allora una mostra in tre atti, che attraversa con leggerezza le epoche mantenendo come unico punto fisso il tema del dialogo. Che è dialogo tra forme e modi, ma anche e soprattutto tra persone. Così, nella prima parte dell’allestimento, dedicata ad eredità e invenzione, dieci progettisti reinterpretano il lavoro dei Maestri attraverso metaforiche stanze/ritratto, tra cui spiccano quella di Paolo Ulian per 10 Magistretti, quella di Blumerandfriends per Marco Zanuso e quella di Italo Rota per Joe Colombo. Proseguendo, il design si fa chiacchiera nella ‘distruzione creatrice’ iniziata con gli anni ’60, raccontata attraverso pezzi simbolo del postmoderno e resa palpabile grazie ad un sovrapporsi di videointerviste (a progettisti, critici, opinion leader) che restituisce l’idea di una prolifica Babele dei linguaggi.
Il percorso si chiude con dodici ‘scatole’ che rappresentano attraverso pochi segni i migliori brand del Made in Italy (tra cui Alessi, Driade, Kartell, Luceplan, Moroso...). Testimoni di un’eccellenza di progetto che oggi più che mai si confronta con altri mondi. (F.D.P.)
Dall’alto: Artemide raccontata da Margherita Palli; l’installazione interattiva con cui Blumerandfriends rende omaggio a Marco Zanuso e quella con cui Sonia Calzoni ricorda il lavoro di Carlo Scarpa. Nella pagina accanto, dall’alto: Lorenzo Damiani vs Achille e Pier Giacomo Castiglioni e Paolo Ulian vs Vico Magistretti. From top: Artemide explained by Margherita Palli; the interactive installation with which Blumerandfriends pay tribute to Marco Zanuso and the installation that Sonia Calzoni uses to remember the work of Carlo Scarpa. On the opposite page, from top: Lorenzo Damiani vs Achille and Pier Giacomo Castiglioni and Paolo Ulian vs VicoMagistretti.
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as the only common thread. Dialogue between forms and ways, and, above all, between people. Hence, in the first part of the mounting project, devoted to legacy and invention, ten designers reinterpreted Masters’ work through metaphorical rooms/portraits, which included the one by Paolo Ulian for Magistretti, the one by Blumerandfriends for Marco Zanuso and the one by Italo Rota for Joe Colombo. Moving on, design turned into chats in ‘creative destruction’, which had started in the 1960s, and was told about through pieces typifying post-modernism and made tangible by overlapping video interviews (with designers, critics, opinion leaders) suggesting the idea of a prolific Babel of languages. The exhibition closed with twelve ‘boxes’ representing - through just a few signs the best Italian brands (including Alessi, Driade, Kartell, Luceplan and Moroso), bearing witness to design excellence, which has to do with other worlds, now more than ever before. (F.D.P.)
THE INFLUENCE SYNDROME In conjunction with the Salone del Mobile 2013, the Triennale Design Museum changed its skin, opening its doors to a new interpretation of design and further proving to be a steadily growing project. The sixth edition, titled “The Influence Syndrome”, was staged by Pierluigi Cerri and curated by Pierluigi Nicolin, who believes that the most marked attitude of Italian design was (and still is) the ability to assimilate,
understood as a desire to approach other languages and other cultures with a view to working out new ideas. “If we wonder why this discipline, which was not originated here, has developed to such a significant extent and so long in this geographical area, we can’t but think of how curious the Italians are; they always concentrate on what is different, being somewhat aware that they cannot make it on
their own - explained the critic -. And we can’t help remembering that the architects who were active in the years after the Second World War were the ones who tried to turn their ‘myths’ into something real, playing a crucial role in the modernization process that was going on in the country.” Here was an exhibition in three acts then, lightly crossing the ages, maintaining the theme of dialogue
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NEWSPREMI/AWARDS TOYO ITO VINCITORE DEL PREMIO PRITZKER
IL MEGLIO DELL’ARCHITETTURA IN SCENA A SINGAPORE Per il secondo anno consecutivo il World Architecture Festival (WAF), di cui la nostra casa editrice è media partner, si terrà a Singapore, all’interno dello spettacolare hotel Marina Bay Sands. L’evento, alla sua sesta edizione, avrà luogo dal 2 al 4 ottobre e raggiungerà l’apice l’ultima sera, con l’assegnazione del WAF Award. Attualmente è in via di definizione la shortlist con i progetti selezionati. Tre i macro gruppi in cui sono suddivisi i lavori, a loro volta suddivisi in 29 sottocategorie: ‘edifici già realizzati’, ‘progetti per il paesaggio’ e ‘progetti per il futuro’. La giuria di quest’anno – che, come sempre, avrà il compito di decretare i migliori complessi architettonici del mondo – include una selezione di grandi nomi, tra i quali quelli di Ken Yeang (Llewelyn Davies Yeang); Patrick Bellew (Atelier Ten); Jeanne Gang (Studio Gang Architects); Dietmar Eberle (Baumschlager Eberle) e Ken Tadashi Oshima (Università di Washington). Il tema scelto, sotteso ai vari seminari e workshop organizzati durante il festival, è ‘Valore e valori’. I convegni esamineranno pertanto ciò che l’architettura fornisce in termini di valore sociale, economico e ambientale, e cercheranno di capire quali siano i principi ideali condivisi dagli architetti di tutto il mondo. Appuntamento dunque a Singapore dove in concomitanza al WAF si svolgerà anche l’Inside Festival, dedicato all’interior design - per incontrare professionisti, scambiare idee e capire in che direzione sta andando l’architettura. www.worldarchitecturefestival.com (F.D.P.)
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Dopo aver vinto, lo scorso settembre, il Leone d’Oro per il padiglione Giapponese alla Biennale di Architettura di Venezia, Toyo Ito si aggiudica ora il premio Pritzker, considerato il premio Nobel per l’architettura. Toyo Ito è considerato uno degli architetti più innovati e influenti al mondo ed è particolarmente apprezzato per la creazione ed elaborazione di concetti architettonici estremi, nei quali combina il mondo fisico con quello virtuale. È uno degli esponenti più significativi di quell’indirizzo architettonico che propina la nozione contemporanea di città simulata. I suoi progetti traggono ispirazione dalla natura: dall’aria, dall’acqua e dal vento. Per lui l’architettura non è uno strumento, ma un luogo di incontro per i sentimenti delle persone. Sa combinare qualità, visione e impegno, contribuendo a realizzare opere significative per l’umanità e per l’ambiente. Ha iniziato la sua carriera con piccoli edifici, case e padiglioni, ma ha poi costruito numerosi Landmark in Giappone e non solo. Ha realizzato decine di architetture che si distinguono per la leggerezza strutturale e l’uso di tecnologie innovative. Ha firmato tra l’altro un museo dell’archi-
THE WORLD’S BEST ARCHITECTURE TAKES THE STAGE IN SINGAPORE For the second consecutive year, the World Architecture Festival (WAF) – with our publishing house acting as media partner in the event – will be held in Singapore, in the spectacular Hotel Marina Bay Sands. This 6th edition has been scheduled between October 2nd and 4th. The high point of the event will be the presentation of the WAF Award on the final evening. At the time of writing, the organizers are drawing-up a shortlist of the most interesting projects. There are three sections for the classification of the projects, and these have been split further into 29 sub-categories: ‘completed buildings’, ‘projects for the landscape’ and ‘projects for the future’. This year’s jury will again have the responsibility of selecting the best architectonic complexes from around the world: the panel includes some well-known names, including Ken Yeang (Llewelyn Davies Yeang); Patrick Bellew (Atelier Ten); Jeanne Gang (Studio Gang Architects); Dietmar Eberle (Baumschlager Eberle) and Ken Tadashi Oshima (University of Washington). The chosen theme this year is ‘Value and Values’, and it runs through the packed calendar of seminars and workshops organized during the festival. The conference will examine the contribution of architecture in terms of social,
economic and environment value, and will attempt to understand the principle ideals that are shared by architects around the world. So make a date for Singapore; the Inside Festival – dedicated to interior design - will run in parallel with WAF and provides the perfect opportunity for meeting professionals, exchanging ideas and understanding the direction architecture is moving. www.worldarchitecturefestival.com (F.D.P.) tettura nell’isola Omishina e un edificio multifunzionale a Barcellona. A Taiwan ha costruito uno stadio solare, il Dragon Stadium, che con più di ottomila pannelli fotovoltaici ha bisogno solo di sei minuti di esposizione al sole per alimentarsi dell’energia necessaria alla sua accensione. Come designer ha stretto rapporto con molte aziende italiane come Alessi, Electrolux e Horm. (P.R.)
In alto: il Marina Bay Sands, sede della nuova edizione del festival. Sotto: le volte delle Cooled Conservatories at Gardens by the Bay a Singapore, complesso vincitore del premio World Building of the Year 2012. Top: the Marina Bay Sands, the location for the new edition of the festival. Below: the vaults of the Cooled Conservatories at Gardens by the Bay in Singapore, the comple that won the World Building of the Year Award 2012.
TOYO ITO: WINNER OF THE PRITZKER PRIZE After winning the Leone d’Oro last September for the Japan pavilion at the Venice Architecture Biennial, Toyo Ito went on to win the Pritzker prize, considered to be the Nobel Prize for architecture. Toyo Ito is one of the most innovative and highly influential architects in the world and is appreciated for the creation and development of extreme
PRIZES FOR INNOVATION The design and research into new sustainable technologies that are easily accessible to all: this was the mission of Well-Tech, an Italian company founded in 1999. For 13 years, it has been organizing the WT Award (presented to the designers of products that have been developed to improve the quality of life); this year it launched the first WT SmartCity Award, dedicated to innovation in architecture. Each year, the design Observatory monitors and selects hundreds of solutions from around the world and presents
Sheer: this is a water-filter that can be attached to any bottle and is on sale at a reasonable price, making it readily accessible to the poorer communities. The first edition of the WT SmartCity Award focused on the ideas for visionary and sustainable architecture that may change the urban skylines with
PREMI ALL’INNOVAZIONE Progettazione e ricerca di nuove tecnologie sostenibili e allo stesso tempo accessibili: di questo si occupa Well-Tech, società italiana nata nel 1999 che da tredici anni organizza il WT Award (inerente a prodotti che si pensa possano migliorare la qualità della vita) e quest’anno ha lanciato il primo WT SmartCity Award, dedicato all’innovazione in architettura. L’Osservatorio monitora e seleziona ogni anno centinaia di soluzioni realizzate in tutto il mondo e le presenta a Milano, in occasione del Salone del Mobile, nella splendida cornice di Palazzo Isimbardi. I vincitori del WT Award 2013 sono stati: per la sezione ‘Accessibilità’, Tom Bieling e Ulrike Gollner del Design Research Lab con il Mobile Lorm Glove, un guanto che permette ai non vedenti e non udenti di inviare messaggi dal telefonino muovendo le dita; per la sezione ‘Sostenibilità’ Christoph La Due, inventore di un sistema per produrre energia chiamato V3 Solar Spin Cell, la cui particolarità consiste nel fatto che le celle fotovoltaiche sono disposte a cono, evitando innalzamenti troppo elevati di temperatura. Per la sezione ‘Qualità della vita’, infine, si è aggiudicato il premio il progetto Sulis – Personal Purification Device di Water Sheer: un filtro per l’acqua applicabile a qualsiasi bottiglia, venduto a un prezzo accessibile anche alle popolazioni più povere. Il WT SmartCity Award, alla sua prima edizione, si è concentrato su architetture visionarie e sostenibili, che potrebbero trasformare l’orizzonte urbano anche
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attraverso soluzioni sorprendenti. Tra queste Jellyfish Barge di Studio Mobile: una serra geodetica basata su un ciclo idrologico naturale, capace di generare acqua dolce – partendo da quella marina – attraverso la luce solare. Dispositivo avveniristico da utilizzare per irrigare le coltivazioni. Vincitore, ex aequo, Solar Wind di Coffice Studio: un viadotto che include fra i pilastri della struttura 26 turbine eoliche e accoglie, sul ponte, celle solari e aree verdi. (F.D.P.)
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architectonic concepts, that combine the physical and virtual worlds. He is one of the most important exponents of the architectonic orientation that supports the contemporary notion of the simulated city. His projects are inspired by nature: air, water and wind. He does not consider architecture to be an instrument but a place to bring people’s inner feelings together. He knows how to combine quality, vision and commitment, and his work makes an important contribution to the creation of important works for humanity and for the environment. He began his career with small buildings, houses and exhibition halls; he has since constructed a number of Landmark projects in Japan and beyond. He has been responsible for the creation of dozens of buildings, with remarkable structural lightness and the maximization of innovative technology. He also designed another Museum of Architecture on the island of Omishina and a multifunctional building in Barcelona. In Taiwan he built a magnificent solar installation, the Dragon Stadium; thanks to more than 8,000 photovoltaic panels, exposure to just six minutes of sunlight is sufficient to provide all of the energy requirements for the lighting system. As a designer, he has worked in close contact with many Italian companies such as Alessi, Electrolux and Horm. (P.R.)
sometimes astonishing solutions. These included the Jellyfish Barge by Studio Mobile: a geodetic hothouse based on a natural hydrological cycle; it produces fresh water from salt water using sunlight. It is a futuristic device that can be used to irrigate cultivated land. Joint winner was Solar Wind by Coffice Studio - a viaduct that includes 26 wind turbines in its structure and solar cells and gardens on the bridge. (F.D.P.)
them in Milan’s magnificent Palazzo Isimbardi during the annual International Furniture Salon. The winners of the WT Award 2013 were: for the section ‘Accessibility’, Tom Bieling and Ulrike Gollner of Design Research Lab with Mobile Lorm Glove, a glove that allows visually- and hearingimpaired people to send messages from a mobile phone by moving their fingers; for the section ‘Sustainability’ Christoph La Due, who invented a system called V3 Solar Spin Cell for energy production; the unusual feature is that the photovoltaic cells have been arranged in a cone to avoid excessive temperature increases. For the section ‘Quality of Life’, the winning project was Sulis – Personal Purification Device by Water
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NEWSLIBRI/BOOKS
KARTELL: 60 ANNI DI PLASTICA Dedicata alla storia aziendale di Kartell fondata nel 1949 da Giulio Castelli e dal 1998 sotto la guida illuminata di Claudio Luti - la monografia “Kartell – the culture of plastics” racconta con testi storico-critici corredati da immagini, disegni e schizzi il cammino tutto in salita di questo brend italiano conosciuto e apprezzato in tutto il mondo per i suoi prodotti creativi, colorati e tecnologici, realizzati in materiale plastico. Edito da Taschen, il volume curato da Hans Werner Holzwarth, professore di Visual Communication alla Bauhaus University di Weimar, e da Elisa Storace, curatrice del Museo Kartell, è introdotto da un saggio di Silvana Annicchiarico e da una dedica di Franca Sozzani. I capitoli che ripercorrono i sei decenni della storia industriale (dagli anni ‘50 e ’60, analizzati da Gillo Dorfles e da Deyan Sudjic, agli anni ’70 e ’80, ripercorsi da Chantal Hamaide e da R. Craig Miller, sino agli anni ‘90 e 2000, visti da Marie-Laure Jousset e da Giovanni Odoni) sono completati da due interviste a Claudio Luti, proprietario e presidente di Kartell da oltre vent’anni. Ne emergono 400 pagine dense e ricche di contenuti che raccontano la nascita, l’evoluzione, le collaborazioni con i designer, i riconoscimenti, e soprattutto i prodotti firmati Kartell divenuti simboli del design contemporaneo a livello internazionale. Il volume è pubblicato in sei lingue, raccolte in due edizioni: la prima in italiano, spagnolo e portoghese, la seconda in inglese, francese e tedesco. (M. P.)
The book ‘Kartell – the culture of plastics” is dedicated to the company Kartell founded in 1949 by Giulio Castelli; since 14 1998, the company has been managed by the visionary mind of Claudio Luti. The book contains a series of historical-critical articles, with pictures, plans and sketches, to reveal the development of this Italian brand, famous the world over for its innovative, brightly-colored and technological products in plastic. Published by Taschen, the book was edited by Hans Werner Holzwarth, a lecturer in Visual Commu-
nication at the Bauhaus University in Weimar, and by Elisa Storace, curator of the Kartell Museum. The introduction was written by Silvana Annicchiarico with the dedication by Franca Sozzani. The chapters review the six decades of the company’s industrial history; the Fifties and Sixties were analyzed by Gillo Dorfles and Deyan Sudjic, the Seventies and Eighties by Chantal Hamaide and R. Craig Miller, and the Nineties and 2000 reviewed by Marie-Laure Jousset and Giovanni Odoni. Claudio Luti, proprietor and president of Kartell for more than 20 years, gave two interviews on his experience with the company. The 400 pages are filled with information on the birth, the evolution, the collaboration with designers, the prizes won and of course, the products manufactured by Kartell that projected the company to global renown as a symbol of contemporary design. The book has been published in six languages in two volumes: the first in Italian, Spanish and Portuguese; the second in English, French and German. (M. P.) ‘Kartell – the culture of plastics’by Hans Werner Holzwarth ed Elisa Storace, Taschen.
JUAN NAVARRO BALDEWEG. LE OPERE, GLI SCRITTI, LA CRITICA Electa prosegue la collana ‘Architettura e architetti moderni’ con una monografia dedicata a Juan Navarro Baldeweg in cui sono raccolti, accanto alle opere, gli scritti dell’architetto spagnolo, fino ad ora mai tradotti in italiano. Il volume, introdotto da un saggio di Francesco Dal Co incentrato sull’idea della leggerezza di chi ‘appoggia senza afferrare’, considera in modo sistematico tutto il lavoro di Baldeweg, dai progetti dei primi anni ’70 ai giorni nostri. Vi sono dunque inclusi tutti i principali interventi - dalla Casa della pioggia a Liérganes alla nuova sede della pretura di Mahon -, accanto ai numerosi allestimenti, alle esposizioni e alle installazioni che hanno sempre costituito parte importante della pratica dell’architetto. Ne emerge una poetica personale innervata d’arte e improntata alla delicatezza del gesto, che si esprime attraverso materiali e linguaggi diversi ma poi approda ad una tensione progettuale unitaria. Chiude il ‘racconto’, realizzato attraverso una schedatura in cui in brevi testi accompagnano schizzi, disegni tecnici e foto, una ricca antologia critica costituita da testi di Juan José Lahuerta, professore di storia dell’arte e dell’architettura presso la Escuela de Arquitectura di Barcellona, e di Angel Gonzàlez Garcia, saggista e critico d’arte. (F.D.P.)
Electa continues with the series ‘Architettura e architetti moderni’ (Architecture and modern architects) with a monography dedicated to Juan Navarro Baldeweg. Alongside his projects, the book contains the articles written by the Spanish architect, translated into Italian for the first time. The introduction by Francesco Dal Co focuses on the idea of lightness of the creative who ‘alights without touching’, and systematically examines all of Baldeweg’s work, from the projects of the early 70s to the present day. All of his more important projects are included – from the House of Rain in Liérganes to the new Headquarters of the Magistrate’s Court in Mahon; there are a number of stagings, exhibitions and installations that are always an important component in architecture. The publication presents personal poetry threaded with art and marked by delicate gestures; they are expressed through different materials and languages to form a singular creative emotion. The ‘story’ ends with a comprehensive critical anthology written by Juan José Lahuerta, Professor of History of Art and Architecture at the Escuela de Arquitectura in Bareclona, and Angel Gonzàlez Garcia, writer and art critic. The sketches, technical designs and photographs are accompanied by short explanatory texts. (F.D.P.) ‘Juan Navarro Baldeweg. Le opere, gli scritti, la critica’ by Francesco Dal Co, Juan José Lahuerta, Angel Gonzàlez Garcia, Electa.
ART CARPETS. CLETO MUNARI AND FRIENDS Cleto Munari si racconta. Dall’incontro con Carlo Scarpa, fondamentale perché diede l’avvio alla sua carriera di progettista, alle collaborazioni con Marco Zanuso, Ettore Sottsass,Alessando Mendini, Sandro Chia… Facendoci entrare in un mondo in cui la sperimentazione coincide con la vita, e ogni nuovo ‘frame’ è il frutto di relazioni straordinarie, nate magari per caso e trasformatesi in qualcosa di unico. (Pensiamo alle esperienze post Memphis, ma anche allo studio/laboratorio con cui a partire dal 1985 il designer/editore, assieme ad architetti di fama mondiale, realizzò gioielli
e oggetti in argento all’avanguardia, tuttora presenti nelle collezioni permanenti dei maggiori musei del mondo). Si entra così, pagina dopo pagina, nel cuore della sua più recente esperienza nel campo delle arti applicate: l’art direction di una collezione di tappeti d’arte ‘a più voci’ per la manifattura turca Moret. Tappeti che portano la firma di artisti e designer del calibro di Lawrence Ferlinghetti, Mimmo Paladino, Mario Botta, Xavier Mariscal… E che ci parlano ancora una volta della creazione come processo d’eccellenza che nasce da una visione condivisa. Il volume, a cura di Marco Fazzini, si avvale della collaborazione di critici tra cui Roberto Cresti e Achille Bonito Oliva, che fanno quasi da contrappunto ad una narrazione in cui domina un’immagine viva e palpitante, di stampo cinematografico. (F.D.P)
Cleto Munari tells his life story. The meeting with Carlo Scarpa was a turning point in his career as a designer; his projects with Marco Zanuso, Ettore Sottsass, Alessando Mendini, Sandro Chia… He has allowed us to enter a world where experimentation coincides with life, and each new frame is the result of extraordinary relationships, something that possibly emerged by chance and has been transformed into something quite unique. (Just think of the post-Memphis experience, also the studio/workshop where from 1985 onwards, the designer in collaboration with architects of international renown, produced pieces of jewelry and avant-garde silver articles, that are still on display in permanent collections of the more important museums in the world). Page by page, readers penetrate deep into the heart of his most recent experience in the field of applied arts: art direction for a collection of artistic rugs designed by several creatives for the Turkish company Moret. The rugs carry the names of top artists and designers - Lawrence Ferlinghetti, Mimmo Paladino, Mario Botta, Xavier Mariscal… And they talk once more about the creation as a process of excellence that emerges from shared vision. The book was edited by Marco Fazzini with the assistance of critics Roberto Cresti and Achille Bonito Oliva, who contribute and contrast the description dominated by film-like living, animated images. (F.D.P) ‘Art Carpets. Cleto Munari and Friends’, by Marco Fazzini, Skira.
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NEWSLIBRI/BOOKS
FILIPPO ALISON. UN VIAGGIO TRA LE FORME “Filippo Alison è nato a Torre Annunziata, tra il Vesuvio, il mare, Napoli, Pompei, Ercolano e Oplonti. Ha la sua Itaca a Posillipo ma per tutta la vita ha girato il mondo inseguendo oggetti, colori, forme, persone ed emozioni. Come in una canzone di Lucio Dalla, a metà Ottocento il suo bisnonno Michael venne dalla Scozia a Meta di Sorrento dove rimase a costruire barche. Del bisnonno Filippo conserva l’azzurro degli occhi, la statura possente, il volto che evoca la saggia bellezza avventurosa che Hernest Hemingway ha attribuito a Santiago, protagonista de ‘Il vecchio e il mare’ o che Hermann Miller ha donato ad Achab in Moby Dick”. Così Domenico De Masi, sociologo e ‘socio’ del professore napoletano nel famoso lavoro di ricerca sugli archetipi condotto per Cassina, introduce il nuovo volume a cura di Maura Santoro. Dando l’avvio ad un racconto a più voci costruito attraverso amorosi frammenti (di amici, colleghi, compagni di viaggio…). In cui una ricca sequenza di testi brevi, schizzi, disegni e fotografie dà ragione di una vita interamente dedicata alla ricerca, grazie alla quale tutto il mondo ha conosciuto il lavoro di Maestri come Mackintosh, Wright, Le Corbusier, Rietveld… A Filippo Alison – architetto, designer, docente, ma anche autore di mattonelle e tessuti, come
deceased Italian singer Lucio Dalla, in the mid-19th century, his great-grandfather moved from Scotland to Meta di Sorrento to build boats. Filippo has his great-grandfather’s blue Celtic eyes, his powerful stature, a face that evokes the wisdom and poise of an adventurer, like the hero, Santiago, in ‘The Old Man and the Sea’ by Ernest Hemingway, or Achab, the protagonist of Herman Miller’s Moby Dick”. Domenico De Masi, sociologist and partner of the Neapolitan professor in the famous research project into archetypes, a project for Cassina, presented the new volume edited by Maura Santoro. The tale unfolds through several amorous fragments – from friends, colleagues, travel companions… There is a rich collection of short articles, sketches, designs and photographs that illustrate a life entirely dedicated to research. Thanks to these developments, the works of Maestros - such as Mackintosh, Wright, Le Corbusier, Rietveld – became household names. Filippo Alison – architect, designer, lecturer, creator of tiles and fabrics – was responsible for a new vision of history as something alive and thriving; he was also responsible for the promotion of an extraordinary legacy, that existed was only a literary dream before he made his fundamental contribution. (F.D.P.) ‘Filippo Alison. Un viaggio tra le forme’, a cura di/edited by Maura Santoro, Skira,
CANTIERE NERVI. LA COSTRUZIONE DI UN’IDENTITÀ
apprendiamo nel corso della lettura – dobbiamo infatti l’idea di ripensare la storia come qualcosa di vivo e presente, e la rimessa in circolo di un patrimonio straordi16 nario, che prima di lui esisteva quasi solo in forma d’idea letteraria. (F.D.P.)
“Filippo Alison was born in Southern Italy, in the Torre Annunziata district of Naples, close to Vesuvius, the sea, Pompeii, Ercolano and Oplonti. His Ithaca is in Posillipo but he has spent all of his life travelling the world on the trail of articles, colors, shapes, people and emotions. Like the protagonist in a song by the recently-
Storie, geografie, parallelli. Queste i capitoli, o meglio, le parole chiave che guidano all’interno del volume con cui il Centro Studi e Archivio della Comunicazione dell’Università di Parma e Pama Urban Center hanno scelto di rendere omaggio alla figura di Pier Luigi Nervi.Volume che documenta gli esiti di un programma triennale di ricerca condotto a livello internazionale. E che si costruisce attraverso una raccolta di brevi saggi a più voci, a cura di Gloria Bianchino e Dario Costi, attraverso i quali importanti studiosi - tra cui Paolo Desideri, Gabriele Neri, Aldo De Poli - partecipano alla restituzione di un’identità complessa e poliedrica, famosa per la sua autonomia. Ecco allora una prima sezione, Storie, che mette a confronto le molte letture con cui si può guardare al lavoro dell’architettoingegnere, soffermandosi di volta in volta su temi come l’editoria, il disegno, il restauro, l’aerodinamica, la fotografia. Una seconda sezione, Geografie, che conduce alla scoperta delle molte opere realizzate in cinquant’anni di attività, con una particolare attenzione a quelle inedite o poco conosciute. E una terza sezione, Paralleli, dove si indagano i rapporti che Nervi ha intrattenuto con i protagonisti della cultura del suo tempo, tra cui Riccardo Morandi,
Gio Ponti, Le Corbusier, Luigi Moretti, Luigi Carlo Daneri, Sergio Musmeci, Eero Saarinen, Félix Candela. (F.D.P.)
Stories, Geography, Parallels. These are the chapters, or more precisely, the keywords, that define the book that the Research and Archive Center for Communication of the University of Parma and the Parma Urban Center used to pay tribute to Pier Luigi Nervi. The book documents the results of a three-year international research program. It unfolds through a series of articles edited by Gloria Bianchino and Dario Costi, through which important experts – including Paolo Desideri, Gabriele Neri, Aldo De Poli – take part in the reconstruction of the complex and polyhedral identity of this creative, famous for his independent thinking. The first section ‘Stories’ takes a comparative look at the numerous interpretations of the works by the architect-engineer, with a detailed examination of topics such as publishing, design, restoration, aerodynamics and photography. A second section ‘Geography’ leads to the discovery of the many works produced in 50 years of his artistic activity, with special focus on original or little known works. The third section ‘Parallels’ examines the relationships between Nervi and his peers - Riccardo Morandi, Gio Ponti, Le Corbusier, Luigi Moretti, Luigi Carlo Daneri, Sergio Musmeci, Eero Saarinen, Félix Candela to name but a few. (F.D.P.) ‘Cantiere Nervi. La costruzione di un’identità’ by Gloria Bianchino and Dario Costi, Skira.
NATURAL DESIGN Oltre duecento prodotti, prototipi, sperimentazioni, proposte, provenienti da tutto il mondo, che integrano le piante negli oggetti di uso quotidiano. Confermandoci, qualora ce ne fosse bisogno, quanto la filosofia del green stia contagiando architettura e design. E spiegandoci come, tra il serio e il faceto, il verde possa essere visto quale reale possibilità di “rinaturalizzazione” degli ambienti in cui ci muoviamo.
Questo il tema del volume ‘Natural design’, curato da Maurizio Corrado e Marco Ferrari, già autori dell’omonima mostra, per la collana TecnicaMente di Wolters Kluwer. Il libro, presentato presso lo showroom BHC Home Experience di Milano in occasione del Salone del Mobile 2013, è il frutto di una ricerca iniziata nel 2008 con la rivista ‘Nemeton High Green Tech Magazine’ e si propone quale mappatura, agile e pratica, dei manufatti che, se pur nei modi più diversi, contengono piante. Redatto in italiano e inglese, comprende anche un glossario e una selezione dei progetti partecipanti alla prima edizione del Natural Born Object Design Award, premio internazionale realizzato con il patrocinio di ADI Associazione per il Design Industriale. (F.D.P)
More than two hundred products, prototypes, experimental designs, proposals for every corner of the world with greenery included among the everyday items. This confirms once again how the ‘green’ philosophy is contaminating architecture and design. It also explains how plants and shrubs can be used as a real possibility of ‘renaturalization’ of the environments in which we live. This is the theme of the book ‘Natural design’, edited by Maurizio Corrado and Marco Ferrari, who also organized an exhibition on the subject for the series TecnicaMente by Wolters Kluwer. The book was presented in the showroom of BHC Home Experience, Milan during the city’s 2013 International Furniture Salon. It is the result of research that began in 2008 with ‘Nemeton High Green Tech Magazine’ and is a comprehensive and practical overview of buildings and facilities that exploit greenery in all sorts of different ways. Published in Italian and English, it also includes a glossary and a selection of products that have been presented In the first edition of the Natural Born Object Design Award, run under the patronage of ADI, the Association for Industrial Design. (F.D.P.) ‘Natural design’ by Maurizio Corrado, Marco Ferrari, Wolters Kluwer Italia.
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NEWSCONFERENZE/CONFERENCES
ARCHITETTURA COSCIENTE, ARCHITETTURA APPROPRIATA IN LATERIZIO Il quinto appuntamento del convegno organizzato da SanMarco si è svolto vicino a Torino. Riccardo Bedrone, presidente dell’Ordine degli Architetti di Torino, ha dato inizio all’incontro nella prestigiosa location della Reggia di Venaria Reale. Tre grandi architetti si sono confrontati presentando le loro architetture realizzate con i laterizi SanMarco. Tre generazioni, tre diversi approcci progettuali, tre applicazioni differenti per tre importanti progettisti: Aimaro Isola, Alessandro Bucci e Antonio Monestiroli. Dagli interventi sono emerse differenti modalità di concepire il laterizio: da ‘pelle’ sottile dell’edificio a elemento tettonico-costruttivo che realizza muri e partiture murarie piene e portanti fino all’applicazione a secco nelle facciate ventilate. La seconda parte dell’incontro si è focalizzato su ‘Prodotto e Progetto’ dal punto di vista di uno storico dell’architettura, Guido Molinari del Politecnico di Torino; dal punto di vista della sua adesione alle modernità, da un critico di linguaggi architettonici contemporanei, Giovanni Corbellini; e dal punto di vista applicativo/ prestazionale, da Emilia Garda, tecnologa e docente di Architettura Tecnica al DIST del Politecnico di Torino. La conclusione del
18 convegno è stata affidata a Fernando Cuogo, Direttore Generale di SanMarco - Terreal Italia che si è mostrato soddisfatto per le importanti questioni affrontate riguardanti la modernità del laterizio, un materiale in armonia con i linguaggi architettonici contemporanei. (P.M.)
CONSCIENTIOUS ARCHITECTURE, THE PERFECT BRICK BUILDINGS The fifth appointment of the conference organized by SanMarco was held close to Turin, a city in Northwest Italy. Riccardo Bedrone, president of the Architects’ Guild in Turin, opened proceedings in the prestigious location of the wonderfully majestic Reggia di Venaria Reale. Three important architects took the stage and presented their buildings created using SanMarco bricks. The experts are from three different generations and they each have a different design approach. There were three applications for three important
designers: Aimaro Isola, Alessandro Bucci and Antonio Monestiroli. What emerged was the different interpretation of brick: ranging from a thin skin for a building to an architecturalconstruction component for creating weight-bearing and support walls and partitions, or their dry application in ventilated facades. The second part of the meeting focused on ‘Prodotto e Progetto’ (Product and Plans) with opinions expressed by one of the country’s authorities on the history of architecture, Guido Molinari from the Turin Polytech; from the point of view of its correlation with modernity, described by a renowned critic of contemporary architectonic languages, Giovanni Corbellini; and from the point of view of applications and performance, voiced by Emilia Garda,
technologist and lecturer in Technical Architecture at DIST in Turin’s Polytech. Fernando Cuogo, Director General of SanMarco - Terreal Italia concluded the conference and expressed his satisfaction for the modern applications of brick, a component or material that is in harmony with contemporary architectonic languages. (P.M.)
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PARETI DI LUCE
WALLS OF LIGHT
Si chiama Lightben Kaos 3d Black™, ed è una variante del pannello Lightben™, proposta con un’anima alveolare in policarbonato e celle cilindriche, con tre diverse dimensioni di diametro, mixate tra loro in percentuali diverse e accoppiate a pelli esterne in PETG clear lucide o satinate. Leggero e facile da tagliare, ha già conquistato un notevole interesse nell’ambito dell’architettura e dell’arredo d’interni grazie ad un tratto piacevolmente irregolare, che lo rende luminoso e vibrante. Nonché grazie alla possibilità di rifinirlo con accessori standard - come profili, telai, maniglie e cerniere – e di bordarlo con lo stesso materiale e colore utilizzato per le pelli esterne. Tra le più recenti e significative realizzazioni, segnaliamo il ‘Cafe 21’ presso il Radisson Slavyanskaya Hotel di Mosca, su progetto dello studio Turina & Co Design, dove i pannelli sono stati utilizzati per delimitare lo spazio dell’area del ristorante, per l’ingresso e per il logo del locale. (F.D.P.)
Lightben Kaos 3d Black™ is a new product that developed from the panel Lightben™. It has a polycarbonate honeycomb core with cylindrical cells in three different diameters; these units are mixed together in varying percentages and have been coupled with external layers in clear glossy or brushed PETG. The material is light and easy to cut and has already attracted considerable interest in the field of architecture and interior furnishings, thanks to a pleasantly irregular texture that adds a delightful touch of dynamic luminosity. Thanks also to the possibility of finishing it with standard accessories – such as trim, frame, handles and hinges – and edging it with the same material and color used in the external covers. A recent project deserves a mention: ‘Cafe 21’ in the Radisson Slavyanskaya Hotel, Moscow, designed by Studio Turina & Co Design, where the panels have been used to define the restaurant, the entrance and the logo. (F.D.P.)
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NUOVI RIFLETTORI INDUSTRIALI
NEW INDUSTRIAL REFLECTORS
“È il risultato di un processo di design che, riducendo tutto all’essenziale, fa sì che non si possa prescindere dall’unità di forma e funzione”. Così Adam Burton, Product Manager di Zumtobel, presenta il nuovo riflettore al LED Graft, sviluppato in collaborazione con lo studio d’ingegneria Arup. Progettato per l’utilizzo all’interno di capannoni industriali, padiglioni fieristici, aeroporti e ambienti dalle grandi altezze in genere, l’apparecchio ha un’armatura in pressofusione di alluminio e si caratterizza per una forma quadrata che assicura una migliore distribuzione della luce. L’innovativa tecnologia delle sue lenti si pensi che ogni singolo diodo possiede una propria lente - consente di direzionare la luce con assoluta precisione, illuminando a fondo e con la massima efficienza superfici molto ampie. Cosa che, sommata ai benefici della dimmerabilità e del raffreddamento passivo, abbatte notevolmente i costi dell’investimento e il consumo di energia (F.D.P.)
“This product is the result of a design process that reduces everything to basics without jeopardizing shape and performance”. For this reason Adam Burton, Product Manager of Zumtobel, presents the new LED reflector ‘Graft’, developed in collaboration with the Arup Studio of Engineering. Designed for use inside industrial warehouses, exhibition pavilions, airports and highceilinged buildings in general, this light fitting has a pressure-fused aluminum casing; the unusual square shape guarantees better distribution of the light. The innovative technological features of the lenses – each individual diode is fitted with its own lens – allows the light to be oriented with absolute precision, and provides extensive and efficient illumination for large surfaces. These properties, associated with the dimmer devices and the passive cooling effects, make an important contribution to cutting investment costs and lowering energy consumption (F.D.P.)
QUALITÁ SENZA TEMPO
TIMELESS QUALITY
Porta la firma del designer olandese Piet Boon. È la nuova linea Strips proposta dal marchio Tulp distribuito da Montexport. Ne fanno parte caminetti a gas accomunati da una grande pulizia formale e da un’estrema cura del dettaglio, pensati per essere inseriti in qualsiasi tipo di ambiente. ‘Esercizi di stile’, in cui l’effetto griglia può essere impresso sulla schiena o ai lati della camera di combustione - è il caso di Stripes back e Side Stripes -, oppure prendere forma davanti al fuoco mediante un pannello removibile (Front Strips). Tutto rigorosamente in bianco o nero. (F.D.P.)
The new line ‘Strips’ proposed by Tulp was designed by the Dutch designer, Piet Boon distributed by Montexport. The collection includes gas fires with extraordinary clean lines and maximum care and attention for detail. These items are the perfect addition to any ambience. The design of ‘Stripes back’ and ‘Side Stripes’ is an ‘exercise in style’ with a grid-like effect impressed on the backrest or on the sides of the combustion chamber; it can also be used in front of the flames by means of a removable panel (Front Strips); all of the components are strictly black and white. (F.D.P.)
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COTTO D’ESTE AD ALTA QUOTA Più di 10 mila metri quadri di Kerlite Over Road di Cotto d’Este sono stati impiegati per i rivestimenti interni della nuova torre Unipol a Bologna. Il grattacielo, con i suoi 125 metri di altezza, vanta il primato di essere il più alto di tutta l’Emilia Romagna.Venticinque piani operativi, tre di rappresentanza e tre interrati, per un edificio che ha appena ottenuto la certificazione di sostenibilità ambientale LEED® Gold. Open Project, lo studio che ha seguito i lavori, ha infatti fin dall’inizio puntato su un progetto che fosse sostenibile a 360 gradi: riduzione dei consumi energetici e idrici, materiali ecocompatibili scelti in base alla loro filiera produttiva e alla loro capacità di essere riciclati in futuro, costi e tragitti di trasporto. E Kerlite di Cotto d’Este s’inserisce perfettamente in questo contesto: prodotto con le medesime materie prime naturali con cui si realizzano le piastrelle ceramiche (argille, caolini e feldspati), con i suoi 3 mm di spessore ha permesso di risparmiare in volume: pesando un terzo rispetto ai gres tradizionali, trasportare le lastre ai piani alti è stato molto più semplice. Minor oneri, ma anche minor impatto ambientale. Inoltre il grande formato ha permesso di integrare porte invisibili, ascensori, ecc, ottenendo un eccellente risultato architettonico sia a livello estetico che prestazionale. (F.D.P.)
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selected on the proximity of the production facilities, the possibility of recycling them in the future, the costs and routes of the transport. The product ‘Kerlite by Cotto d’Este’ is the perfect addition to this ensemble: it is manufactured with the same natural materials used to produce ceramic tiles (clay, kaolin and feldspar); as this product is only 3 mm thick, the overall volume is reduced. The fact that the tiles are lighter than traditional tiles, makes transporting the tiles to the upper floors a much easier procedure – so lower costs and a reduced environmental impact. Moreover, the large size has permitted the integration of invisible doors, lifts etc, producing an excellent architectonic result in terms of esthetic appearance and high quality performance. (F.D.P.)
COTTO D’ESTE HIGH UP IN THE SKY More than 10,000 sq.m. of Kerlite Over Road terracotta produced by Cotto d’Este have been used for the interior finishes of the new Unipol tower block in the Italian city of Bologna. The skyscraper stretches up 125 meters and is the tallest building in the entire Emilia Romagna region. There are twenty-five operative floors, three management floors and three floors underground. The building was recently awarded the LEED® Gold environmental sustainability certification. The studio, Open Project, managed the design procedures to ensure that sustainability of the project was maximized through a reduction in the energy and water consumption, the use of eco-compatible materials
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