Isla Descubierta #6

¿Y si construyéramos con la satisfacción con la que nos autodestruimos?

Año 1. Revista mensual - abril de 2012

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Sintonía Sonora

PAISAJES Y HORIZONTES SONOROS

Los mil ojos del productor SEBASTIÁN ÁLVAREZ

Ahora, después de demostrarse que el sistema neoliberalista que depreda el planeta ha fracasado, tras confirmarse las energías renovables como una apuesta clara hacia el futuro, y que las multinacionales son las causantes directas del fracaso de la economía y de la crisis global; ahora que el sistema se derrumba, resulta que unos señores, que mal conocemos y que acaban de expulsar de Argentina por sus prácticas nada recomendables, vienen, sin respeto alguno, a nuestras costas con la pretensión de extraer hidrocarburos.

Queriendo extender, delante de nuestras narices, el modelo putrefacto que huele a veneno y que seguro no implantarían en sus hogares.

zero memory archive Recuperación y conservación de documentos gráficos históricos y de época

info@zeromemoryarchive.com

zeromemoryarchive.com

La Editorial no se pronuncia, ni expresa implícitamente, respecto a la naturaleza ni exactitud de la información contenida en este número, razón por la cual no puede asumir ningún tipo de responsabilidad.

Tarek Ode / David Olivera

Pues ahora es demasiado tarde. Si un gobierno, que presume de estatal, lo permite, el pueblo debe tener en cuenta que ese gobierno no nos representa. Nos han robado los peces del mar, han rapiñado nuestras costas con moles de cemento, han exterminado la agricultura y la ganadería, nos han hecho copiar un modelo que no sirve y, a cambio, han dejado miseria, paro y desesperación. La época de la opresión ha pasado, y un pueblo que se levanta para decir basta, es un pueblo al que hay escuchar.

En la reciente revolución egipcia, uno de los eslóganes coreados por la población decía “Levanta la cabeza, eres egipcio”. Así se cambió la trayectoria de un país, de un sistema. En Canarias estamos hartos de que nos roben desde aquí y desde fuera. Exigimos algo decente, limpio y del pueblo. Es por eso que animamos a todos los seguidores de Isla Descubierta a decir NO al petróleo y SÍ a un modelo sostenible. Necesitamos cultura, educación y dignidad.

Lina Díaz Cruz Luís Machín Martín Guadalupe Muñoz Pino Mónica Navarro Herrera

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El Jardín de Jauja

Y OTRAS TRADICIONES POPULARES

UN PASEO ENTRE LIBROS

COLABORADORES INTERNOS

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LA ESCENA ACTUAL EN 4 CIUDADES

Nómadas de Sillón

Tarek Ode / David Olivera

Out-Tros

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CONVERSACIÓN DE CULTURA Y ARTE

DIRECTORES DEL SUPLEMENTO

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PUBLICA

Vis a Vis

JESÚS FEBLES

CANARIA DE AVISOS S.A.

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Otros Caminos

(Nodica) DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO

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POR SUS OBRAS LOS CONOCERÉIS

Santamanía

El Ojo y el Microscopio

ABRIL EN EL TEATRO LEAL

Editorial Isla Descubierta

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IMPRONTAS DE EXPOSICIONES

Un lujo leal

EDITA Y PRODUCE

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Coleccionar Arte

Yaiza Martín de León

In-Tros

ATESORAR EL PRODUCTO ARTÍSTICO

UN FUTURO MEJOR

REDACCIÓN Y ESTILO

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Pepe Vera

Mariposas

LA EROSIÓN DE LA CULTURA

Patrimonio e Identidad

ILUSTRADOR pepevera.blogspot.com

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AL FINAL DE LA ESCALERA

isladescubierta.com / info@isladescubierta.com síguenos en Facebook / isla descubierta

Moebius

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ELENA VILLAMANDOS

ILUSTRADORES

LA LUZ SURGE DE LA SOMBRA (2)

JB Romero Juan Carlos Walls

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Portada / Tarek Ode /tarekode.com

Maldita Poesía

Emilio Machado

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LA FUNCIÓN SOCIAL DE LA POESÍA COBRÓ VIDA PARA MATERIALIZAR EL COMPROMISO DEL VERBO, FRENTE A LAS INJUSTICIAS Y EL APEGO AL SENTIR POPULAR

Como el sueño de los surrealistas canarios de Gaceta de Arte, que esperaban impregnar las islas en una dimensión universal y cosmopolita, Canarias se suma a la red mundial de festivales de poesía, lo que supone un salto adelante para la visibilización de nuestros autores en el panorama contemporáneo de la literatura más comprometida.

A través del Encuentro Internacional de Literatura 3 Orillas, que cumplió su quinta edición el pasado año en calidad de referente insular de los festivales activos en el Estado Español, haciendo gala de una austeridad presupuestaria que no impide que poetas de los tres continentes visiten cada invierno el archipiélago, se ha incluido satisfactoriamente a Canarias en las acciones globales de movilización poética a escala planetaria. En La Restinga, El Hierro, medio centenar de autores canarios formaron parte de esta experiencia poética, el pasado mes de febrero, que aportó la energía solidaria y el empuje cooperativo de este proyecto internacional que concentra 220 organizaciones internacionales y 1.235 poetas de 134 países de todos los continentes, entre ellos 117 festivales de poesía de todo el mundo y 103 proyectos de poesía.

Esta espiral creciente de lecturas poéticas tuvo una réplica el pasado 21 de marzo, Día Mundial de la Poesía, mediante la realización en el Cono sur de Las Palmas de Gran Canaria de una implosión poética que supuso el acercamiento de numerosos poetas canarios a lugares históricamente deprimidos por la conurbación capitalina. De este modo, los autores canarios que se trasladaron al Centro Penitenciario de Salto del Negro, el Hospital Insular, la Escuela de Arte o los colegios públicos de los barrios populares con actividades simultáneas, protagonizaron una

experiencia inaudita donde la función social de la poesía cobró vida para materializar el compromiso del verbo, frente a las injusticias y el apego al sentir popular donde la cultura ha sido una demanda secular.

Igualmente, en el marco del Encuentro Internacional de Literatura 3 Orillas, el pasado 2011, tuvo lugar en la ciudad universitaria de La Laguna, la ceremonia de plantación del Árbol de la poesía, una iniciativa cultural que supuso la ubicación de una araucaria simbólica por medio de la poeta Rayen Kvyeh, mensajera de la nación mapuche, significando esta ciudad, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, como un referente internacional para el encuentro poético y el intercambio literario con aspiración de futuro, más aún, debido a que por el enclave tricontinental de las islas, nuestro territorio está llamado a asumir su predestinación geográfica como un lugar primordial de mestizaje e interculturalidad.

La próxima cita internacional será el 22 de mayo, y tal como se indica en el seno del World Poetry Movement, estas acciones poéticas contribuirán a la construcción de un nuevo humanismo, utilizando los recursos de la comunicación y tomando los escenarios donde sea escuchada la posición de los poetas, como patrimonio espiritual que lucha por preservarse y salvaguardar a la especie humana, mediante la incidencia de sus acciones constructivas. Este sentido de defensa de la especie, esta dignidad que la poesía ha reclamado bajo el sol, esta batalla espiritual que los poetas han mantenido a lo largo de siglos, se cristaliza en realizaciones congregacionales, en intervenciones a nivel global de impacto mediático, haciendo uso de las tecnologías a disposición en una economía globalizada de regiones planetarias interconectadas por las redes electrónicas de Internet. Canarias estará, sin duda, entre estos espacios físicos de realización poética con un alcance universal.

Samir Delgado

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Yaiza Martín de León

Por fin, Nueva York...: Un lugar del que te enamoras el primer día o lo odias para siempre... y yo dije “¡este es mi sitio!” y me quedé a vivir, aunque no conocía a nadie. ¿Qué nos puede contar de aquellos primeros días en esa gran ciudad?

Por indicación de Javier Corberó, me fui al Hotel Chelsea (estancia ocasional de Leonard Cohen, Warhol, y otras muchas personalidades...), donde empecé a conocer gente y a visitar todos los rincones de esa ciudad azul irrepetible.

Trabajar como artista era muy complicado porque en Nueva York había una enorme cantidad de pintores censados, más otros tantos de ida y vuelta..., por lo que las galerías tenían muchos trabajando y los demás esperando una oportunidad. Por esta razón, yo me puse a pintar, a ver los museos y a conocer todo el Estado, que es precioso, sin preocuparme por conseguir una galería. Sencillamente trabajaba, aprendía y vivía. ¿Cómo y cuándo comienza a formar parte de la prestigiosa Galería Sindin?

Fue una simple casualidad. Un día, después de visitar una exposición de Van Gogh, entré en una galería espectacular en la que había una muestra de Miró, a quien admiraba y conocí muy brevemente, y las obras eran maravillosas. Observé a un señor que contemplaba un cuadro en el que aparecía un texto contra Franco, me acerqué y le pregunté si entendía lo que ponía y contestó que no, que el idioma no era español, así que le indiqué que se trataba de catalán y se lo traduje. Luego, al salir, vi en una habitación un tablero de ajedrez..., me dijo que jugaba y decidimos vernos unos días después para practicar y, poco a poco, se fue creando una amistad entre ambos. Esta relación me permitió conocer a los más importantes marchantes de Nueva York, puesto que él era Edward Sindin, dueño de la galería y una persona de exquisita calidad.

Pero, por lo que he leído, no sabía que usted era artista...: Un día me dijo: “¿y tú a que te dedicas?, “¿de qué vives?”, y yo le respondí que era pintor; sorprendido, me preguntó por qué no le había enseñado mi obra y le expliqué que había dos razones: primero, todos los artistas de su galería habían muerto, y segundo, todos eran de enorme prestigio (Picasso, Miró, etc.); a él no le tenían por qué interesar mis cuadros, pero insistió en verlos y me dijo “considérate en mi galería”..., desde ese momento todo el mundo comentaba que Edward Sindin había cogido un pintor nuevo, y ¡que estaba vivo!. ¿Triunfó en Nueva York?: En Nueva York no se triunfa, y eso que lo dice una de las canciones más representativas de esa ciudad “New York, New York”, pero para mí, no. En ningún otro sitio he visto la vida en su auténtica realidad como allí: la piedad, el respeto, el infortunio, las ilusiones rotas, los sueños, la desesperanza, todas y cada una de las características humanas... . Nueva York no es un lugar para triunfar o no, Nueva York es un lugar que lleva implícito lo que significa la vida.

Tras once años, de nuevo a Barcelona...: Si, volví a Barcelona y estuve un tiempo allí pero al final enfermó mi padre y regresé a Canarias; más tarde fallecieron mi padre, mi hermano y mi madre, por lo que me quedé sin familia. Entonces vine, (a Tenerife), con la intención de vender esta casa, que es lo que quería mi padre..., pero me dio pena y la empecé a restaurar hasta acabar siendo lo que es hoy, aunque en el intento me arruinara, algo siempre confortable y constructivo.

En esta casa tiene su taller, es su lugar de trabajo: Vivir en esta casa no ha sido tiempo perdido, me he encerrado como hizo mi madre. Eso me recuerda algo que dijo una vez Alberto Vázquez Figueroa : “a Emilio, al igual que a su madre, lo que le gusta es encuevarse”, (se ríe); Alberto es un ser al que quiero mucho, es una gran persona, un amigo de infancia; escribió “Tuareg”, una buena novela.

Para terminar la entrevista, le ruego, nos ayude a comprender el proceso teórico que le ha llevado a su reduccionismo cromático: Yo hago una pintura donde intento ir hacia la búsqueda de una cosa que siempre me ha interesado mucho, que es el vacío, la nada. Empiezo a investigar, leo sobre el vacío, buscando y estudiando personajes que tienen mucho que ver con ese concepto, como Nietzsche. Y claro, al ir hacia el vacío se va reduciendo la paleta, aunque yo nunca he usado muchos colores, y acabo en seis que son los que vengo utilizando desde hace unos doce años. Al llegar a esta casa, empiezo a reducirlos más y me quedó en cuatro colores (que es la etapa de “Estratos”), y después, cuando ya entro en la búsqueda del vacío, lo reduzco a tres y voy bajando a dos, hasta que paso a un solo color que es el blanco.

Como ya ha comentado en otras ocasiones, ¿el blanco no fue la solución?: No, me doy cuenta que el blanco no es el vació porque no siento la sensación; el blanco es blanco y tiene otras connotaciones, pero no la de vacío. Entonces recomienzo a utilizar un sistema cromático más amplio donde introduzco tres o cuatro colores y eso hace que en este momento esté haciendo un nuevo tipo de cuadros. Pero yo nunca he sido un colorista, lo que si ocurre es que ahora he pintado, por ejemplo, un cuadro amarillo, solamente un color pero en su interior hay una serie de tonos distintos. Es una búsqueda, un intento.

Usted ha creado todo un universo, en el que aparecen la arquitectura, las matemáticas, la literatura y también la música: Lo he intentado, y ese universo existe dentro de mí mismo, todo eso lo conforma. La relación mía con la música es muy importante. Me gusta el Jazz, Jimi

Hendrix, o Elvis, que considero una de la mejores voces del siglo XX junto con Maria Calas...; adoro a Mozart, Bach, Chopin, Beethoven y, especialmente, a Wagner. ¿En qué se inspira para crear su universo y dónde busca ese vacío, la nada?

A mi me gusta mucho leer, toda mi casa es una biblioteca y la literatura ha tenido una enorme influencia en mí. Me encanta la obra de escritores como Shakespeare, James Joyce, Nietzsche, Oscar Wilde, y muchos más... . El Conde de Montecristo, de Dumas lo he leído en distintos idiomas, al igual que Los Miserables de Víctor Hugo, muchas veces, cada vez que estoy enfermo..., son mis libros favoritos.

A través de la lectura y de aquellos que han profundizado en el concepto del vacío y de la nada, sobre todo poetas, he buscado eso...el intentar llegar al vacío....pero no lo he conseguido, ni creo que lo logre. ¿No lo va a conseguir?: Desde el 23 marzo en el Circulo de Bellas Artes, en la Calle Castillo de Santa Cruz, se expondrán algunos cuadros en los que experimento con ese blanco del que he hablado. El problema está en que el blanco es la muerte para todas las culturas orientales, en la India por ejemplo. Yo pensé que la muerte es como un vacío y la idea era ir, a través de la muerte, hacia el vacío pero después me di cuenta que no, que no tiene por qué ser así y empecé a leer todo tipo de estudios sobre el tema. Observé que ocurre algo muy complicado con el blanco y que es muy difícil trabajar... porque si yo pongo un lienzo blanco y una paleta en blanco, ...lo tengo muy crudo..., porque, ¿qué pinto yo de blanco sobre blanco?..., pues yo pinto con blanco sobre blanco y salen unos cuadros espectaculares. Unos cuadros en los que al trabajar el monocolor, blanco sobre una superficie blanca, transmito pensamientos, sentimientos, y tal vez música.

Con el blanco profundiza en algo que es constate en su obra, la lucha de contrarios, del blanco y del negro, la luz y la sombra...; desarrolla completamente la plasticidad del blanco gracias a la sombra...

Si, la luz surge de la sombra. Los pinto primero con la sombra más oscura que se pueda imaginar y ahí encima es donde pinto porque el lienzo es blanco. Al pintar sobre la sombra, el blanco brilla y aparece como la luz que surge de la oscuridad..., lo hermoso de la luz es el contraste. La base es el punto de partida, es la sombra; siempre he admirado la obra de Rembrandt, que es el maestro de la penumbra. ¿Esa puede ser una de las razones por las que realizó la serie sobre “El hombre del casco de oro de Rembrandt”?

Si, de ahí mi obra sobre Rembrandt, la idea era un rompimiento de la realidad. Si quiero pintar realismo lo hago con gran facilidad pero es que a mi eso no me interesa, lo que me interesa es el contenido, el pensamiento, es otra idea, otro concepto. La deconstrucción de esa realidad para crear algo nuevo.

YAIZA MARTÍN DE LEÓN

Historiadora del Arte.

Realiza su tesis doctoral en la Universidad de Granada. Máster en Métodos y Técnicas avanzadas de investigación histórica, artística y geográfica.

El suceso le había devorado convirtiéndole en una marioneta víctima de una idea capaz de hacerle concebir una serie de conclusiones nunca previstas, un universo de contrastes donde tal vez todo acabaría reventando rota en mil pedazos la corteza protectora de aquel enigma que se había propuesto descifrar...

PENSAMIENTOS, SENTIMIENTOS Y, TAL VEZ, MÚSICA

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No me interesa plasmar una objeto tal y como es, sino plasmar lo que yo siento; en eso es en lo que yo creo que la pintura debe acercarse a la música. Recuerdo que Cuixart me decía que mi pintura le recordaba a Prokófiev y, tras escucharlo reiteradamente entendí que en mi obra hay algo de esa música; sé que si se hace una exposición mía y suena la música de este hombre, se complementarían perfectamente.

Muchos artistas han reflexionado sobre la relación entre esas dos disciplinas artísticas: Si, lo que a mí me parece ahora es que pintar y hacer música es similar, lo que necesita el ser humano, el artista, es convicción en lo que hace, en lo que siente, estar totalmente entregado a su obra. Lo más importante es pensar, extraer la realidad de lo invisible, no reproducir lo que ve sino expresar lo que siente.

Su exposición en Estocolmo (marzo 2010) fue un auténtico éxito: Fue impresionante por la forma que tienen de valorar el arte. Los suecos están a favor de la cultura, son muy educados y de gran nivel. Bergman, es un ejemplo. ¿Qué desea mostrar en esta exposición? Yo intento trazar un currículum pictórico de cómo surge y se desarrolla el trabajo que estoy intentando ahora, la búsqueda del vacío. La pintura es evolución.

Y tras esta exposición...: Ahora ya no me preocupa pensar qué pintaré, ahora me concentro delante de un lienzo y sin darme cuenta, de repente, nace un cuadro. La pintura es mi forma de vivir, ya lo dijo Rilke en Cartas a un joven poeta, si yo no pintara me moriría.

Tampoco me preocupa que a alguien no le guste mi obra, opino que hay que saber entender que los demás tienen, cierto (se ríe), derecho a pensar diferente a mí. Me aburren los que piensan igual que yo y me interesan los que piensan diferente. Por ejemplo, sobre mi pintura, si alguien me quiere decir que le horroriza mi pintura, ese tipo inmediatamente me interesa; ¿tú crees que me voy a ofender?, me da la risa..., además, al único que le tiene que horrorizar su pintura es a mí...¡y me horroriza! (se ríe)..., poco a poco ese vicio me ha ido asesinando, es como una droga sin la cual, irremediablemente, no sería nada.

Gracias Emilio

Fragmento del texto Autosugerencias, publicado en Emilio Machado, Reflexiones sobre la pintura, Canarias, La condición insular-8, Tauro ediciones, 2011.

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HAY UN MILAGRO CADA DÍA, A VECES DOS

por terminadas las entrevistas, me separé de mi incansable cámara y le pedí que me hiciera unas tomas de recursos de las exposiciones, pero no pudo ser. Al rato me crucé con el maestro y él mismo se ofreció para hacer una entrevista por primera vez en un espacio tranquilo, solos, sin el caos del Salón como me había pasado en anteriores ocasiones. Moebius estuvo más de veinte minutos hablando para el micrófono de Spain Cómic. Humilde y grandioso a la vez, nos contó cómo los trabajos en el cine con Alien de Ridley Scott, El Quinto Elemento de Luc Besson, Abyss de James Cameron o Tron de Steven Lisberger entre otros, fueron para él como un “regalo del Mundo”. Para mí fue un regalo del Universo que nos concediera una entrevista tan extensa en la que se abrió de lleno a nuestro micrófono. De manera entrañable, me confesó que él en realidad quería ser bailarín y sin duda algo hemos bailado todos entre sus viñetas.

JEAN GIRAUD MOEBIUS 1938 2012

Rosanna Walls

Tuve la gran suerte de conocer a Moebius, una auténtica deidad dentro del mundo del cómic. El pasado 10 de marzo abandonó el mundo material para convertirse en inmaterial. Como dicen los entendidos comiqueros, “hemos perdido al más grande”.

Pero Moebius es infinito y su legado inmortal.

Nos dejó su trabajo, y gozando de su lectura lo mantendremos siempre vivo.

La última vez que pude entrevistar al maestro fue en el Salón del Cómic de Barcelona, donde ya lo había entrevistado en ocasiones anteriores, pero sin duda esta fue muy especial. Él ya estaba luchando contra el cáncer, esa maldita enfermedad. Sólo concedió tres entrevistas y obviamente, a medios de comunicación mucho más importantes que mi humilde programa en Internet Spain Cómic, pero durante el Salón, tanto él como su agente iban viendo cómo nuestro equipo trabajaba sin descanso cubriendo todo lo que sucedía. Les aseguro que era un duro trabajo, ya que este Salón es el más importante del país y es ahí donde se dan cita todas las presentaciones editoriales del año. El último día, cuando ya todo el mundo recogía sus stands y yo ya había dado

En los sesenta, con el seudónimo Gir, innovó en el género del western catapultándose a la fama tras crear, en colaboración con Jean-Michel Charlier, la popular saga del Teniente Blueberry. Luego en los setenta adoptó el nombre de Moebius con el que evolucionó y experimentó en el mundo de la ciencia-ficción con títulos y universos tan maravillosos como El Garaje Hermético, que se desarrolla en un asteroide donde se encuentran varios mundos superpuestos, todo un derroche de imaginación rico en matices o Arzach, el extraterrestre que recorre extraños paisajes a lomos de un pterodáctilo. Con Alejandro Jodorowsky inició su colaboración con Los Ojos del Gato, cómic pragmático donde cada viñeta ocupa una página y es calificado por grandes expertos como una de sus mejores obras. Junto a Jodorowsky creó también El Incal, famosa serie de ciencia-ficción con diversas secuelas y precuelas. La explosión final del Gran Moebius ha sido Inside Moebius. Desde el 2004 se adueña de su auto-ironía y se introduce él mismo, con sus personajes, en una serie de ocho libros llenos de confrontación donde conversa, con ellos y nos invita a conocer su lado más íntimo. Aún quedan

por publicar dos números, por lo que seguiremos teniendo novedades del maestro.

Moebius poseía un gran espíritu de conquista, tenía muy clara la gran labor que aún le toca a los editores europeos. Recuerdo que con mucho entusiasmo, me decía: [...] hay un mundo por conquistar. Los editores japoneses luchan, tienen una mentalidad de conquista, se mueven como un liquen invasivo… Uno de los artistas que promovió el manga en Europa en los 80 fui yo. Treinta años después me arrepiento.

Pero es lo mismo con la producción norteamericana: es expansiva; la producción europea tiene una política de expansión, pero dentro del continente. Sólo hemos conseguido exportar Tintín, pero ya es viejo. Y en Italia tienen a Toppolino… ¡Qué victoria!

Aquí en nuestro país hemos exportado Mortadelo y Filemón, que se ha traducido a todos los idiomas del planeta, pero nos queda un largo camino para posicionar el TEBEO como gran industria internacional. En cuanto a calidad, grandes talentos y variedad de género, gozamos de muy buena salud.

Jean Giraud Moebius recibió la Insignia de Las Artes y Las Letras en 1985, de manos del presidente Mitterrand y fue nombrado Mejor Artista Gráfico de Francia en los noventa.

En el próximo Salón del Cómic de Barcelona del 3 al 6 de mayo, entre otros actos que anda organizando Ficomic, se presentará un documental especial recuperando los brutos de todas las entrevistas, que desde 2007 Spain Cómic mantuvo con el Maestro en dicho Salón.

spaincomic.com

Ilustraci贸n/Juan Carlos Walls

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Se trata de la primera muestra retrospectiva en España de este importante artista inglés, de origen jamaicano, en la que se exhibirá gran parte de su trabajo.

El tema central de la producción de Faisal se basa en la utilización de representaciones fotográficas y la narrativa cinematográfica, para exponer un comentario sobre la relación del espectador en general, con temas como la auto-reflexión, la búsqueda de la conciencia social y el enfrentamiento entre estereotipos ya establecidos, de tipo racial-religioso. Sobre todo gracias a su comprensión y uso de las representaciones visuales que no ignoran la historia y los contextos culturales en los que las imágenes, expresiones semánticas y visuales –incluyendo el mundo del arte, la cultura popular o tradiciones culturales (británica, musulmana y jamaicana)- en torno a las nociones de raza y religión, se tornan una tiranía estereotipada, y discriminatoria.

El Arte de la Dislocación

Blanco, Rojo, Negro

CAAM

ARTESPACIO. Santigo de Chile

Faisal Abdu´Allah

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Paik, Seung-Min

SONGEUN ARTCUBE, Seúl

El mundo de este artista se refleja en pinturas en las que interpreta la sociedad que le rodea a través de su leyes, gobierno y moralidad. En una serie anterior experimentó dividiendo objetos en diferentes partes para luego montarlos, transformando el orden de los mismos. Así, con diferentes partes de cuerpos creaba uno nuevo, exagerando sus proporciones; de esta forma reforzaba la idea de la igualdad, rompiendo con el estereotipo de la simetría perfecta.

Ahora la continuación, critica cómo las leyes, las reglas y las órdenes son aceptadas como compromisos por la autoridad con la intención de tener controlada a la población. Pero Paik es un revolucionario y sus pinturas interpretan una nueva sociedad, en la que todo es posible. El color y la simetría pasan a primer plano, y se antepone a una crítica que hay que analizar en los fondos de cada pintura.

A través de 14 esculturas de acero, presenta su investigación del color en volúmenes, partiendo de simples formas geométricas como el óvalo, el triángulo y el rectángulo. Yo las utilizo para contener internamente otras formas. Por afuera la simplicidad misma, internamente todo un mundo.

Francisca Cerda, a lo largo de su carrera, ha utilizado una amplia variedad de materiales (como bronce, greda, fibra de vidrio, cemento, etc.), según qué tema quiere destacar en cada momento de su vida. Su obra ha pasado por distintos períodos tanto abstractos como figurativos.

Ha materializado conceptos como el dolor, el sufrimiento y el amor, para ahora sorprendernos con esta nueva muestra, en la que utiliza el acero, con el cual logra obras simples en las que aplica color, aspecto relevante, ya que el color en la escultura ha sido una investigación vital en el desarrollo completo de su trayectoria.

Francisca Cerdá

IN - TROS Exposiciones

En Busca del Vacío Emilio Machado

I See U Kevin Zammit

CÍRCULO DE BELLAS ARTES

CÍRCULO DE BELLAS ARTES

La obra de Emilio Machado, extensa y dinámica, no deja de sorprender por su constante evolución. Al encontrar en la abstracción un punto de apoyo para su expresión y pensamiento, marcó un punto de inflexión determinante que lo ha llevado a avanzar más y más en los ambientes etéreos, ingrávidos. Una búsqueda, por mil medios, del vacío. Tras sus obras se encuentra una lógica e investigación que le ha llevado a inspeccionar el silencio, el rítmo. Sustraer pilares pictóricos de la ecuación es parte del sendero, jugar con las texturas y los matices. En esta exposición, hay un conjunto muy especial de obras que vienen a marcar esa sensación. Su lenguaje destaca ante la reverberancia cromática que las rodea. Un conjunto de obras blancas que se desmarcan del recorrido, contrastando sin contradecir, el caracter vivo del resto.

Se trata de una divertida instalación donde interactuar en un espacio con una realidad, a la que éste le ayuda a transmitir con mayor aprensión, las intenciones del artista. El visitante se sumerge en una estancia repleta de videocámaras con sensores de movimiento, que le siguen allá donde éste camina. La acción resulta, por varias razones, un acto deliberado de acoso. El planteamiento abre un debate interior, un cuestionamiento sobre la usurpación de la intimidad, el robo de la vida privada y la vigilancia cada vez más cerrada sobre la sociedad por parte del estado y las grandes empresas.

Una proyección de las grabaciones de las cámaras, sobre la pared del fondo, muestra el mismo espacio pero sin el visitante en él. Este elemento de la instalación, más que aliviar la tensión contribuye a plantearnos la tesis de si realmente estamos a salvo.

Las pinturas presentadas en esta muestra han sido realizadas durante los últimos dos años de una artista sudafricana que ha sido incluida en el glosario Vitamin P2, que incluye a los mejores artistas del mundo. La obra replantea nuevas perspectivas sobre el tratamiento del color y de la manera en la que éste es percibido por nuestros ojos e interpretado por nuestro cerebro. Su pintura vaga entre los caminos de la abstracción y la figuración. Impregnada de misticismo. Las pinturas sugieren cambios en el estado anímico de la artista, que nos hace pasar de uno de delirio y desorientación, a otro de calma y control. Brice trabaja desde sus dos estudios en Londres y Trinidad. Esta variedad geográfica influye en el color en su obra. Los personajes parecen decirnos que nos acerquemos, más allá de lo que nuestra mente percibe.

Throwing the Floor Lisa Brice

GOODMAN GALLERY. Pretoria

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David Pérez Chico

1. Hablar por hablar, decir o escribir cualquier cosa nos parece que es lo más sencillo y espontáneo del mundo, pero en realidad no lo es. Por un lado porque todo lo que decimos nos compromete a ser consecuentes con ello, pero también porque nos expone ante los demás, porque nos damos a conocer cada vez que abrimos la boca. Es por esto por lo que admiramos tanto a quienes se expresan bien. Lo sabía Sócrates – quien habla bien es una bella y excelente persona -, y obviamente lo saben los asesores de imagen de nuestros políticos y, en general, quienes viven expuestos a la opinión pública. Es también la razón de que cada vez que me siento a escribir esta columna me invada la inseguridad ya que, si tiene algún sentido lo que acabo de sugerir, entonces la sensación de insatisfacción que me suele acompañar cada vez que termino de redactar un escrito apunta hacia alguna tensión interna sin resolver, quizás sólo sea vanidad, aunque puede que sea miedo respecto a lo que puedo y no puedo hacer, a cuál es mi lugar en el mundo. Ser o no ser, escribió Shakespeare, es decir, atreverse a ser lo que uno puede ser, o dejarlo correr y conformarse con lo que los demás esperan que seas. Tomar una decisión al respecto requiere, como señaló Agustín de Hipona, conocerse a uno mismo, pero desde que Freud acabó con LA ALTIVEZ DE UNOS CONTRASTA CON LA MOJIGATERÍA DE LOS OTROS. EN REALIDAD NO SON SUS OBRAS LAS QUE HABLAN DE ELLOS, SINO CÓMO Y CUÁNDO NOS LAS CUENTAN.

el mito cartesiano respecto a la imagen que los seres humanos teníamos de nosotros mismos, sabemos que no es tarea fácil, pues no somos consistentes (albergamos contradicciones) y gran parte de lo que constituye nuestra identidad habita en la oscuridad de nuestro inconsciente.

A estas y otras cuestiones similares se enfrentan quienes escriben su autobiografía. Ahí tenemos las Meditaciones de Marco Aurelio, uno de los primeros escritos en nuestra tradición literaria con ambición autobiográfica entremezclada con algunas perlas de sabiduría; o los primeros nueve libros de las Confesiones del mencionado Agustín de Hipona en los que confiesa los “errores” previos a su conversión al cristianismo; o mi preferida, Las memorias de Ultratumba de Chateaubriand, un libro total, ejemplarmente escrito, en el que lo personal y la Historia – sí, en mayúscula, pues Chateaubriand fue testigo de las revoluciones francesa y norteamericana–, se entremezclan con una naturalidad pasmosa; o las Memorias de Benjamin Franklin, el mejor ejemplo de las muchas vidas que puede haber en una sola vida. Hoy quisiera citar la que sin lugar a dudas más me ha gustado de cuantas he leído últimamente, la autobiografía de Elia Kazan.

2. Mi vida es un gran libro. Lo es físicamente por sus más de 800 páginas, también, y sobre todo, lo es literariamente porque Kazan tiene tanto talento contando su vida como dirigiendo proyectos teatrales y cinematográficos, y porque sin pretenderlo nos sirve de coartada a quienes admiramos la labor artística de este director por encima del gran borrón que supuso haber testificado en contra de muchos de sus colegas de profesión durante la tristemente célebre caza de brujas protagonizada por infausto senador McCarthy. Cada una de las veces que he vuelto a ver La ley del silencio no puedo dejar de pensar que Kazan eligió al mejor de sus “descubrimientos” –Marlon Brando– para justificarse ante las cámaras. No obstante, en la película las cosas se preparan para que no quepa duda de que el personaje de Brando, Terry Malloney, termina haciendo lo correcto, mientras que en la vida real Kazan colabora con un auténtico despropósito.

De tal manera que cuando Hollywood le concedió un Oscar honorífico en 1999, hubo quien, como el actor Nick Nolte, prefirió permanecer en su asiento con cara de pocos amigos, de adolescente contrariado, mientras la mayoría de asistentes aplaudía al anciano Kazan acompañado por su esposa en el escenario, y le concedía una suerte de redención en forma de aplauso. Después de leer esta épica autobiografía salpicada de momentos memorables (que van desde sus orígenes griegos en tierras del Imperio Otomano, la creación del Actorʼs studio, la fama y posterior caída en desgracia en Hollywood y su labor literaria), de retratos de algunos de los personajes del mundo del cine, el teatro y la literatura más importantes del siglo XX (Marilyn Monroe, el citado Brando, James Dean, Arthur Miller, John Steinbeck, Tennessee Williams, etc.), y ni una sola disculpa explícita por su delación (la intensidad de una vida como único argumento), estoy convencido de que de haber estado aquel día entre los asistentes a la ceremonia de entrega de los Oscar, también yo hubiera aplaudido.

3. Al autor de la novela en la que está basada La ley del silencio y responsable de su adaptación cinematográfica (trabajo por el que recibió un Oscar), Budd Schulberg, tampoco le perdonó Hollywood. Hijo de uno de los fundadores de la Paramount, y por lo tanto de Hollywood, Schulberg sacó provecho de haber crecido junto a los hombres y mujeres que apuntalaron los cimientos de la principal fábrica de sueños mundial para contarnos en unos cuantos libros

la historia del Hollywood clásico, de sus luces y, sobre todo, de sus sombras. Esta trayectoria suya culminó con una autobiografía de sus años de infancia y juventud en Hollywood: Memorias de un príncipe de Hollywood. El punto de vista privilegiado de Schulberg no disimula la añoranza de aquellos tiempos en los que la ilusión y el empeño de un puñado de visionarios, dio paso a un desencanto provocado por la transformación de la actividad creativa en un simple y crudo negocio. Éste ha sido un tema recurrente en la obra de Schulberg. En 1941, con apenas 27 años, publicó ¿Por qué corre Sammy? y Hollywood no le perdonó que satirizara de manera brillante

el poder y la corrupción que campaban en Hollywood desde los primeros años. Una década más tarde publicó la novela El desencantado.

Schulberg se inspira en la colaboración que había mantenido con Francis Scott Fitzgerald en 1939 y en la novela de éste El último magnate (cuya adaptación cinematográfica dirigió Kazan), para retratar ácidamente el Hollywood de los años treinta. En la primera de estas dos novelas, el protagonista es, como lo fue Schulberg, un joven guionista judío que se abre camino en Hollywood, aunque a diferencia del autor, al protagonista no le molesta hacer lo que sea necesario para alcanzar la meta que se había trazado. En la segunda se dan cita Manley Halliday, otrora gran escritor que

el ojo y el microscopio

comente un desliz que no le impide seguir en la carrera presidencial. Clooney evita las críticas fáciles que habría recibido si el protagonista perteneciera al partido republicano y muestra, de paso, que la mezquindad humana no conoce partidos, aunque tengo para mi que quienes dedican a la cosa pública, cuando meten la pata, lo hacen de diferente manera dependiendo del color de su filiación partidista. Así, la altivez de unos contrasta con la mojigatería de los otros. En realidad no son sus obras las que hablan de ellos, sino cómo y cuándo nos las cuentan. Lo cual me recuerda a un famoso que a la pregunta de si se animaría a escribir su autobiografía, respondió que dependería de lo que pudiera inventarse.

DAVID PÉREZ CHICO

Es profesor en el Departamento de Filosofía de la Universidad de Zaragoza.

Sus intereses son la filosofía de Stanley Cavell y de Ludwig Wittgenstein, la filosofía del lenguaje y de la mente, o la literatura norteamericana y el cine.

Ha editado varios libros (los últimos: El diario como forma de escritura y pensamiento en el mundo contemporáneo y Explicar y comprender).

Prepara la publicación de una monografía sobre Cavell y Wittgenstein.

Por sus obras los conoceréis EL PUNTO DE VISTA PRIVILEGIADO NO DISIMULA LA AÑORANZA DE AQUELLOS TIEMPOS EN LOS QUE LA ILUSIÓN Y EL EMPEÑO DE UN PUÑADO DE VISIONARIOS, DIO PASO A UN DESENCANTO PROVOCADO POR LA TRANSFORMACIÓN DE LA ACTIVIDAD CREATIVA EN UN SIMPLE Y CRUDO NEGOCIO.

Pepe Vera / Ilustración

como tantos otros es atraído por las candilejas de Hollywood para redactar guiones a sabiendas de que es el principio del fin como escritor, y un joven guionista, Shep, con quien debe colaborar y que, al contrario que aquél, contempla esta oportunidad como si fuera el principio de un brillante futuro. La confrontación de ambas visiones acaba siendo, como no podía ser de otra manera, un baño de realidad para el joven Shep.

4. George Clooney retrató la espesa y opresiva atmósfera que se respiraba durante la caza de brujas del senador McCarthy en Buenas noches y buena suerte, manteniendo a los personajes dentro de las cuatro paredes de la sede de la CBS y bajo el humo de unos cigarrillos que no se apagan jamás, ni detrás ni delante de las cámaras.

En su película más reciente, Los idus de marzo, Clooney se asigna a sí mismo el papel de un gobernador que cuenta con muchas posibilidades de ser nombrado candidato a las elecciones presidenciales por el partido demócrata y que

15 A veces llega un momento en el que nuestra situación geográfica no se siente del todo adecuada.

Quién sabe por qué. Al fin y al cabo es femenina, como yo y todas las de nuestro género que acarreamos con gracia ciertas distinciones. Es entonces cuando el espacio del mundo habitable se desdobla y las fuerzas, bien de voluntad o de azar, se conjugan para transportaros físicamente a otra realidad. Alabadas sean ellas.

Ricardo Brey y yo fluimos por diferentes cauces hasta llegar a estos derroteros del crear y sufrir lejos de nuestro lugar de origen. El hecho de que ambos venimos del gran Archipiélago Ecuménico, que forman todas las islas del mundo, hace que a los ojos de la cultura huésped hayamos llegado con un equipaje, empapado de canciones del Buenavista Social Club y una paleta de colores chillones. No obstante con el paso de las exposiciones, estas preconcepciones se transforman en admiración y se terminan regodeando de que hayamos elegido su cultura para engendrar y alumbrar.

Tras ser descubierto en la IV Bienal de la Habana, Ricardo fue invitado a participar en varias exposiciones en Bélgica. Las favorecedoras críticas hacen que año tras año posponga su regreso a Cuba. Ya lleva aquí dos décadas. Yo tomé vuelo para ampliarme como artista en Europa. Llegué hace seis años y desde entonces muestro mi trabajo regularmente, tanto dentro como fuera de Bélgica.

Dicen que voy por buen camino, pero yo solo pongo un pie delante del otro. Los dos amamos el sentimiento de no pertenecer a ningún sitio y nos seguimos quedando, porque como afirma él, no hay cosa más bizarra que ser frijoles negros, o nísperos maduros, en Flandes.

Un cubículo de paredes blancas con una mesa impíamente cuadrada es el lugar del encuentro.

Podríamos estar en cualquier sitio. El silencio reina.

O ser cualquier otros dos. Hasta que empezamos a conversar con sendos acentos sureños a cerca de lo que somos: artistas-emigrantes. Solamente el frescor en la habitación y lo grueso de nuestros jerseys sugiere, a bofetadas, que estamos a mediados de febrero en algún lugar del norte.

Nayra Martín Reyes. ¿Cómo describirías tu inicial reubicación geográfica y cultural de Cuba a Bélgica? / Ricardo Brey. En dos sentidos: en el sentido de aceptar lo nuevo que es llegar a un lugar y en el sentido de no olvidarte de dónde tú vienes.

Si no rompes el equilibrio de estas dos situaciones y vives en armonía con ellos, la vida se hace mucho mas rica y entretenida.

RB. ¿Cómo transcurrieron para tí los primeros meses en Gante? / NMR. Con el cambio de ciudad y país atravesé un período de altibajos intensos.

Casi eufóricos. Me tuve que habituar a diversas

RICARDO BREY. La Habana, 1955

Es dibujante y escultor con una dilatada carrera. Su reconocida obra ha sido mostrada en importantes bienales y galerías en América y Europa. El Museo de Arte Moderno SMAK (Gante) y el NICC (Amberes) han acogido sus últimas exposiciones.

vis a vis

Nayra Martín Reyes Ricardo Brey

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peculiaridades culturales, que con el tiempo han pasado a ser input directo en mi trabajo.

NMR. ¿Cómo te sientes creando dentro de una cultura germánica y rodeado por una lengua tan diferente a la nuestra? / RB. Yo siempre he sido un extranjero en todas partes. Aquí veo más porque no tengo que hablar, no tengo que preocuparme por esas absurdidades, sonidos. A mí me hace sentirme más que tengo que ir a foco, la sensación de que si vienes a una cultura tienes que hacerla universal.

No puedes quedarte en guetos. Esa es la miseria de muchos artistas, pensar que la cultura, porque vienes de Europa o porque eres inglés o porque eres francés, te da una seguridad; la cultura te tiene que dar una inseguridad. La cultura es un sistema de inseguridades, porque si no lo que tienes es simplemente una serie de valores muertos que tú no puedes exportar para el futuro. Lo que te quiero decir, es que en toda época la gente se está moviendo, fluyendo, y está insegura dentro de la cultura donde están.

NMR. Los artistas estamos presentes en todas las culturas y formamos una especie de grupo indeterminado e indefinible. ¿Cómo crees que nos perciben en este país? / RB. Aquí la gente se siente orgullosa cuando tú dices que eres un artista.

Sienten que es algo especial dentro de la vida de la gente. En ese sentido a mi me gusta mucho Flandes, que tiene esa larga tradición de pintores y curadores respetados dentro de la sociedad. Y todo esto te crea una especie de atmósfera, de nube alrededor de lo que tú haces.

RB. ¿Ha sido la experiencia con el público diferente que en Canarias? / NMR. Aquí la gente tiene una gran cultura en cuanto al arte y como público son mucho más entregados. Los he visto sumergiéndose en mis cuadros en busca de ‘ese algo’ que no tienen en su vida diaria. Creo que también tiene que ver con el clima. El invierno es largo, frío y oscuro. Y durante esos meses buscan evadirse en la belleza y disfrute del arte.

NMR. Hace poco tuviste una gran muestra en el SMAK, Mostrar Universo, ¿en un lugar tan relevante recompensa todos los años de trabajo? / RB. Yo un día estaba cerrando esa exposición del SMAK, estaba un poco tristón porque ya cerraba. Estaba columpiando a mi hija, y en esto que veo un señor mayor, de cuarenta y pico de años, con el abrigo cerrado y la hija de la mano. Los dos llevaban “El libro del Universo” envuelto todavía en el nylon.

Y vi que los dos miraron el libro con una mirada corta, se sonrieron y siguieron caminando. Y ya yo me sentí bien, porque ya sabía que por la noche esa gente iban a abrir el libro en su casa y lo iban a ver. Y así me habían devuelto la esperanza. Y no hay que hacer más. El que espera algo más, es simplemente un idealista.

Artista visual. Comienza su trayectoria en la Bienal de Canarias del 2004. Alterna su intensa producción pictórica con proyectos de comisariado. Ha expuesto en el museo de arte moderno MHUKA (Amberes). Su última exposición fue en el espacio ACB, en Bruselas.

NAYRA MARTÍN REYES Tenerife, 1979

La Roca

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Manuel S. Umo

Kolman-Skop

Me encuentro frente a una roca inmensa de 340 toneladas de peso que acaba de llegar al centro de la ciudad Los Angeles. Es de color gris, está sobre una explanada, sujeta por unos amasijos de hierro, tiene cara de pocos amigos y le ha hecho varios agujeros a la tela que la cubre. Se trata de la nueva adquisición del museo LACMA, uno de los mas prestigiosos en el estado de California. Desde hace unos días, miles de personas pasan por aquí para ver esta obra de arte que ha sido transportada por una plataforma de 186 ruedas; se han empleado 11 días de transporte para un recorrido que tan solo se encuentra a dos horas en coche y la empresa encargada para su desplazamiento, es pionera mundial en envíos de misiles y reactores nucleares. Casi nada.

El pedazo de roca se llama Levitated Mass y su artista creador es Michael Heizer, un escultor norteamericano que trabajaba siempre con superficies gigantes. Su siguiente reto es colocar la obra sobre unas barras de hierro inmensas y hacer creer que la roca está levitando. De ahí el nombre, traducido al español, “La Masa Levitando”. Periodistas de todo el mundo, vídeos en youtube y una campaña internacional están convirtiendo esta obra en una estrella del espectáculo. La noche que entró en Los Angeles, sobre la plataforma de 186 ruedas, tuvo que ser escoltada por servicios técnicos del distrito, para poder modificar cables y semáforos que se encontraban a su paso. Al final consiguieron traerla al museo sin derribar un solo poste telegráfico.

Un empleado del centro me dice que la clave de esta obra se encuentra en el director del museo, Michael Govan, que tiene como objetivo convertir al LACMA en el mayor centro de arte desde el oeste del río Misisipi. Al decir el oeste del río Misisipi implica dejar a un lado Nueva York, ciudad con la que es difícil competir, al tener varios centros como el MoMa o el Guggenheim.

Sin embargo, cuando observo la roca y pienso en todas las cosas que la rodean, me doy cuenta de que sólo en California pueden ocurrir cosas de estas dimensiones. Por aquí todo tiene que ser más grande que la vida. Donde quieras que vayas, en cualquier galería o en cualquier esquina de la ciudad, siempre hay algo que te va a sorprender.

Algo inmenso, algo fuera de lo normal. Me quedo con el eslogan de la empresa de transporte que se encarga del desplazamiento de la roca: Moviendo el mundo Córdoba desde el Guadalquivir paso a paso. Ya se están produciendo camisetas, tazas de café y todo tipo de Córdoba es una ciudad simple, y no quiero decir con esto nada malo, al marketing con la imagen de Levitated Mass, que a buen seguro será una de contrario, tiene lo que tiene y si tuviera más moriríamos de una sobredosis las nuevas atracciones de la ciudad. de patrimonio y arte. Para conocerla, empezaría cruzando el puente romano en dirección a la Mezquita, evitando ver las horribles moles en forma de Arco de Triunfo, donde una chica de pelo lacio toca el violín. Si puede ser, al amanecer, detente en medio del puente y admira el Guadalquivir y la reserva natural que forman sus aguas. A la izquierda contempla el Alcázar con ese enorme eucalipto que lo desafía en la lejanía y al que debes visitar especialmente de noche; al igual que la Mezquita (que te emocionará tanto, o más, que durante el día). Por 18 euros puedes contratar la visita guiada nocturna, adentrándote en un recorrido histórico de matanzas, reinados y culturas que se solapan unas a otras. En definitiva, en poco más de una hora, podrás descubrir y enamorarte de toda su historia.

Si has de quedar con alguien, hazlo en el Patio de los Naranjos de la Mezquita, en la fuente, tumbado bajo el olivo; en su defecto sólo podrías quedar en otro interesante lugar, la Plaza del Potro, otro de los bellos lugares citados por el ilustrísimo Cervantes en el Quijote, (por algo será). Es una plaza pequeña, acogedora, pero con una magia inexplicable que hace que siempre volvamos a ella. Allí tendrás que visitar el Museo de Bellas Artes, antiguo Hospital que, además de ser gratuito, cuenta con una colección muy variopinta de artistas locales. En su patio, compartido con el Museo Julio Romero de Torres, descansarás y te relajarás escuchando la fuente y robar, por qué no, una naranja.

El Museo Julio Romero de Torres es ineludible y al entrar, por favor, silencio, porque estamos ante uno de los más grandes, el que dejaría todo su Arte, que era mucho, a cambio de un cante flamenco. A Julio Romero de Torres hay que verlo, sentirlo y amar a sus mujeres, esos rostros que nos miran y estremecen en un gran museo al que, algún día, tendrán que dotar de unos buenos focos.

Ahora párate, y deleítate con una comida; en cualquier lugar se come y se bebe bien, esto es Córdoba, todo es bueno. Retoma tu paseo y sumérgete en la Judería, piérdete en ella, y déjate sorprender por cada rincón, por cada esquina, por cada piedra. Puede que de alguna remota calle te llegue el rumor lejano del Cante Jondo, deambula hasta llegar a la magnífica plaza del Museo de Arqueología, siéntate bajo sus naranjos y, cuando lo creas oportuno, visita el Museo. No te arrepentirás.

Y es que ya lo dijeron los Counting Crows, Take a Hollidays in Spain.

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Carmen Muruve Reflejo y transparencia. Óleo sobre lienzo.(Colección particular). 2011

Hilando barbas, modelitos y cervezas

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Cuando me colé como erasmus en el panorama artístico de Amberes, me di cuenta que la ciudad más fashion de Bélgica, tiene debilidad por el vello facial.

Será que al lucirlo en grandes cantidades, uno se vuelve por descontado sabio, sabido, y distinguido.

El caso es que la barba es lucida con orgullo por personalidades autóctonas que hicieron historia, o que están contribuyendo intensamente a modelar el actual paisaje cultural.

Un ejemplo perfecto es el tándem que hacen la acicalada perilla del maestro barroco Rubens y la bohemia barba del pintor y profesor en la Real Academia de BBAA, Fred Bervoets. (Tándem que convertiría en tripartito si Luc Thuymans no se hubiese afeitado.)

El primero ennobleció la cultura de la ciudad, tanto desde las artes visuales como desde la política, y se auto-diseñó un palacio-taller que se puede visitar en pleno centro. El que le sigue, no solo espolea la creatividad pictórica en sus clases, siendo además representado por The Zwarte Panther, una de las galerías mas carismáticas de la ciudad, sino que para deleite de todos los estudiantes, anima a ilustrarse en la arraigada cultura nativa del beber cerveza y deliberar sobre arte.

Frecuenté el núcleo fashion de la ciudad mientras trabajaba en la afamada academia de moda de la Nationaalstraat, calle donde los más modernos pasean sus cuidados estilismos. Después de desfilar en su espectacular show de fin de curso y conocer al diseñador Walter Van Beirendonck, su calva, su barba impresionante y su fiera mirada, entendí el porqué de la reputación internacional de los graduados en dicha academia. No hay más que ver sus colecciones.

La zona sur siempre acumula el mayor número de exposiciones por metro cuadrado. Es allí donde, durante el evento Nocturne, los centros de arte se confunden con exitosos bares de moda y éstos con galerías de carismáticos personajes, bigotes liberales y artistas de todo tipo. Es el momento ideal para una visita. La agenda cultural de día se ensalza con la social de la noche y las lecciones de Bervoets, sobre costumbres populares, se vuelven magistralmente indispensables. Casi tanto como lucir barba.

El calor cultural de una ciudad lluviosa

Nayra Martín /

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Como coreana vine a Taipei guiada por el esterotipo asiático basado en mi limitada conexión con Asia. Anticipé una cultura formal y coservadora. En vez de ello, encontré un ambiente abierto y cálido, gente agradable y sincera.

Sabía que venir, para una residencia artística, significaba que encontraría gente abierta a distintas perspectivas que el grueso de la sociedad. Aunque en el fondo hay ciertas características comunes entre los habitantes de Seoul y Taipei, aquí la gente es mucho más tropical y eso se nota.

Mi periplo comenzó con el Treasure Hill Artist Village (THAV), del cual formo parte como invitada por el colectivo Traffic Jam. Después de tres semanas viviendo en la que yo llamo la villa, me encontré dando paseos entre tres locales perdidos en la contundencia de le pequeña comunidad de la colina. Para enfocar el contexto histórico de esta parte de la ciudad, hay que tener en cuenta que ésta solía ser un área pobre de Taipei, donde militares regresados de la guerra y artistas construirían sus hogares. El gobierno pretendía derribar toda la comunidad y convertirla en un parque acuático. Los residentes protestaron hasta tal punto que las autoridades declararon patrimonio todo el lugar. Hoy THAV es una residencia de artistas donde sus habitantes conviven entre visitantes y artistas taiwaneses, estudios multidisciplinares, galerías y, muy pronto, un albergue juvenil.

Los fines de semana el lugar está repleto de turistas.

La entrada a la villa está presidida por un bello templo taoísta. Entonces, descubres una escalinata de piedra que conducen a pasajes, vías y plazas donde te das cuenta que estás en la cima de una colina mirando al río, con jardines y al fondo una estructura gigantesca de autopistas en forma de mega puente.

En la ciudad de Taipei la tradición y la modernidad se encuentran y dan la mano. Hay belleza, sinceridad, iluminación, elegancia, tensión, subversión, presión y espíritu de rebelión. Esto se hace aún más visible al visitar el Museo de Arte de Taipei (TFAM), para ver la exposición Time Games: Apropiaciones contemporáneas del pasado. En ésta, los artistas taiwaneses adoptan la estética tradicional y la llevan a otro nivel, reviviendo géneros y estilos. Otra de las alternativas que ofrece esta ciudad es el VTArt Salon, que exhibe estos días Sincere Subversion, un show descrito pos su comisario como un manifiesto en contra del esnobismo del arte establecido. El paisaje artístico de la ciudad es único en su tipo. He encontrado una pequeña gema en el mundo.

Coincidiendo con el inicio de la primavera, el Museo de Historia y Antropología de Tenerife inauguró, el pasado día 20 de marzo, una interesante instalación museográfica en los jardines de su sede de la Casa de Carta, en Valle de Guerra, que pretende transportarnos al País de Jauja o País de Cucaña.

El Jardín de Jauja nos promete un sorprendente recorrido por un mundo de abundancia, salud y felicidad: Pagan a los hombres por dormir, fustigan a los hombres que insisten en trabajar, los árboles son de tocino y sus hojas de pan de fino. Las calles están adoquinadas con yemas de huevo y lonjas de tocino, asadas y fritas. Lope de Rueda, La tierra de Jauja, 1545.

Jauja es la tierra de la promisión en el imaginario de la Europa Medieval. Desestimado ya el paraíso prometido que nunca llega, los campesinos europeos de la Edad Media se encuentran desencantados y asolados por epidemias, hambres, invasiones, guerras, y con unas perspectivas vitales que no alcanzan más allá de la lucha diaria por sobrevivir.

Las descripciones de un país mitológico, recogida básicamente a través de la tradición oral, refleja buena parte de la sabiduría popular, la picaresca y subterfugios para sobrellevar la rutina del día a día que se antepone al sueño de Jauja, una tierra imaginaria donde el lujo, la salud y todos la placeres físicos, particularmente aquellos relacionados con la comida y la bebida, se obtienen sin esfuerzo.

El País de Jauja está descrito de muy diversas maneras, aunque se repiten algunas constantes, tanto en la literatura como en la rica documentación visual que ha llegado a nuestros días.

En España se habla del País de la Cucaña, en Italia de Cuccagna, en Francia, Cocagne y en Gran Bretaña, Cockaigne. En Alemania este sitio se conoce como Schlaraffenland y recibe otros muchos nombres en diferentes países para referirse al mismo mito.

Desde el siglo XVI, después del descubrimiento de la región peruana de Jauja, descrita por los primeros colonizadores como una tierra de abundantes riquezas y de excelente clima, en España el término Jauja fue desplazando al de Cucaña, como sinónimo del país mítico de la abundancia sin la condena del trabajo.

Posteriormente, el término cucaña, también hace referencia al tradicional palo encebado, un poste alto untado en grasa por el que hay que trepar para lograr atrapar el premio que se encuentra en el extremo superior, normalmente consistente en frutas, verduras o aves.

Algunas tradiciones populares en Europa y América que han llegado hasta la actualidad parecen estar emparentadas con la Cucaña y el País de Jauja, como las piñatas, las danzas de varas y cintas o las numerosas ofrendas y manifestaciones florales.

Tenerife cuenta con una rica representación de estas costumbres en varios puntos de su geografía.

Los corazones de Tejina, las alfombras del Corpus de La Orotava, los arcos de flores y frutos de Valle de Guerra y otras localidades, los cestos y bollos de Icod o el enrame de cruces de mayo, son algunas de las más representativas.

El País de Jauja Y OTRAS TRADICIONES POPULARES

LA CASA DE CARTA RECREA LA TIERRA MITOLÓGICA DE JAUJA EN SUS JARDINES

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ProducciónI Cine

Pedro Felipe

La faceta de productor es de las más controvertidas en el complejo entramado de la creación audiovisual. Sin embargo, ninguna otra figura carga sobre sus hombros con mayor responsabilidad sobre el producto final. El productor abre sus ojos y abraza como un padre responsable las motivaciones que convergen en la creación fílmica.

A partir de ahí aconseja, apoya, discute o impone su visión de conjunto, siempre con el sueño de obrar el milagro del proyecto terminado. Sebastián Álvarez sabe que la mejor manera de encajar las piezas del puzzle que representa una producción es participar del proceso como un elemento más. “Si no participase de la parte creativa de los proyectos que producimos no podría desarrollar mi trabajo.

Considero que el trabajo de productor ejecutivo también es artístico, aunque no esté reconocido o establecido así. Personalmente me implico en cada uno de los procesos del desarrollo de un proyecto: guión, rodaje, montaje, música…” . La mirada del productor no escatima en detalles a pesar de la visión global del conjunto. “Considero la visión del productor moderno la más objetiva y válida de todas. Es la figura que más perspectiva general del proyecto debe de tener, sin menospreciar a ninguno de los demás departamentos. Por supuesto, me identifico con Stanley Donen y su célebre frase: Quien diga que las películas no surgen de la colaboración es idiota. Es una cuestión de cuánto y con quién colaboras”.

Voice Over es su última producción, una película corta dirigida por Martín Rosete en la que la mayor parte del metraje ha sido rodado en escenarios de la isla de Tenerife. “El cortometraje se rodó en cuatro localizaciones diferentes, tres de ellas en

Tenerife: el Parque Nacional del Teide como planeta desconocido al que llega el personaje, Aguamansa en La Orotava como marco perfecto para reproducir una campiña francesa durante la Primera Guerra Mundial y, por último, la costa sur de Adeje. Como resultado, encontramos una muestra clara de lo divergente del paisaje que existe en nuestro territorio”. Sebastián Álvarez participa en la producción de la cinta a través de su productora Volcano Films y junto a otras tres compañías (Kamel Films, Koldo Zuazua y Encanta Films). “Si no hubiese sido una producción compartida entre cuatro, nunca se hubiese podido llevar a buen fin o, por lo menos, no con los mismos resultados”. El guión, firmado por Luiso Berdejo, es una metáfora vital que se torna generosa en su apuesta visual y que sitúa al personaje protagonista en tres situaciones al límite del colapso. La película ya ha seducido a los responsables del prestigioso Tribeca Film Festival, donde competirá entre los días 18 y 29 de este mismo mes, y va camino de convertirse en una de las sensaciones del año.

La intuición y experiencia del productor son los ojos que deciden qué proyecto o guión merece ser defendido, elevado a la categoría de película. “No hay regla establecida o fórmula mágica pero, por supuesto, el primer paso es la calidad del guión. El segundo, la viabilidad del proyecto desde un punto de vista técnico y financiero”. En su trayectoria, Sebastián Álvarez ha aportado su mirada para la producción de documentales, publicidad, cortos y largometrajes. Fue productor delegado de Sogecine

en Intacto (Juan Carlos Fresnadillo, 2001) y productor asociado en Caótica Ana (Julio Medem, 2007). “Cualquier obra audiovisual, si es buena, es digna de ser producida y le profeso el mismo amor, respeto y voluntad a todas ellas. El largometraje es, sin duda, lo que todos preferimos producir, por su valor como la obra de mayor peso dentro de los contenidos audiovisuales. Pero, desde luego, sin la publicidad nuestro desarrollo no existiría, ni la posibilidad de tener recursos para desarrollar proyectos audiovisuales. Por otra parte, siempre es mejor producir un buen documental o cortometraje que un mal largometraje”. En su haber también destacan los cortos de Miguel Ángel Toledo (Miserere Nobis, 2003) y del malogrado Juan Ramón Hernández (El sueño del ermitaño, 2003), así como el documental En la próxima estación (Beatriz Rodríguez, 2010).

La mirada del productor se educa. La intuición se entrena a través del trabajo y la voluntad de crecer en busca de la excelencia. Sebastián Álvarez conoce los entresijos de la producción audiovisual porque aprendió de los oficios del cine. “A cualquier productor le recomendaría que hiciese cursos y trabajase en todos los departamentos posibles.

Yo, al empezar muy joven, tuve esa oportunidad.

Todo ello te da la posibilidad de verlas venir con mucha antelación, te permite una valoración muy ajustada de los costes previos y, por supuesto, potestad y criterio para poder comunicarte con los departamentos implicados en la producción”. Con todo, su puesta de largo como productor fue más el resultado de una evolución y adecuación

PEDRO FELIPE (Santa Cruz de Tenerife, 1976) Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Sevilla.

Trabajó como realizador en el Departamento de Autopromoción de Televisión Canaria y como realizador y editor freelance para varias productoras. En la actualidad es realizador en la productora Calimadigital (www.calimadigital.com).

Como redactor, ha colaborado en las revistas de tendencias AM y VIA.

profesional que un camino definido de antemano.

“Mi voluntad era ser director de fotografía. Sin embargo, el estar en Canarias limitaba la posibilidad de desarrollar esa faceta profesional. Me establecí en el mercado laboral como productor y apareció la oportunidad de constituir Volcano Films en asociación con una productora de Madrid. Así pasé de productor a empresario. A través de Volcano estuvimos unos ocho años centrados en la faceta de ‘service’ para el gran volumen de productoras foráneas que utilizaban Canarias, gracias a nuestro potencial de clima y localizaciones, como destino para el desarrollo de sus productos”. De esa manera maduró su certera mirada, que sigue escrutando el paisaje audiovisual en busca de una diana donde fijar su atención. “Actualmente estamos trabajando en el desarrollo de una coproducción entre España y Argentina basada en la obra teatral ‘El Viento en un violín’, del director de escena y dramaturgo argentino Claudio Tolcachir y su compañía Timbre 4. Antes de considerar este paso vi la obra y tuve varias entrevistas con Claudio, que aunque es un profano del lenguaje cinematográfico, tiene un talento innato y una visión realmente interesante.

Todo esto supone la satisfacción adicional de trabajar codo con codo con un gran dramaturgo y disfrutar de todo el desarrollo de adaptación de la obra teatral, que es algo que me apasiona”.

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1 y 2. Jonathan D. Mellor en fotogramas de Voice Over.

3. Sebastián Álvarez Retrato. 2011

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NOCHE EN LOS MUELLES

EL ANHELO DEL MARINO

EL BUSCADOR DE PERLAS

Pesadilla de la noche, veo ahogados en las aguas mas todo parece en calma.

Azul! me basta con mirarte: todo ese ancho mar en su infinito, empaparme de luz hasta los tuétanos, limitar con mi vista el universo y perseguir las estelas, ola tras ola, hora tras hora, más allá del tiempo y de lo humano.

Creí encontrar en ella los caminos perdidos y he de decir que tal vez me equivoqué, un puñado de arena son ahora mis manos y otra vez este caprichoso viento que ruge, desbarata, esparce, aire y nada más tropiezo al respirar y me asfixia esta humana condición, y sí, creí encontrar en ella las extraviadas cumbres y he de decir que tal vez aquello sucedió incluso antes que ella, y el pasado comenzó incluso antes que ella, y así habré de remontarme aún más atrás...

Fluctúa bajo la luna la mar dormida y arrulla al monstruo nocturno que hambriento muerde las barcas.

Negros, afilados colmillos sobre la oscura mojada veo, y entre los gruesos maderos chirría y se hace en lamento.

Solitaria yo lo escucho: pesadilla de la noche, incierta vibración del aire, voz que a los difuntos clama. ¿Te enseñaron a nadar?, dime monstruo marino, ¿acaso es tu rostro de niño y no pudiste flotar?

Mas tú prolongas tu silbo reclamando en ti mis huesos: “desnúdate ya mi sirena, y lánzate de cabeza si es que quieres ver mi rostro, que yo treparé tus nalgas, enredaré tus mechones, resurgiré de la leche, que mana de tus pezones.”

Pesadilla de la noche, me alejo al fin de los muelles, en mi pecho estas palabras, mas todo parece en calma.

Elena nace en Santa Cruz de Tenerife el 6 de julio de 1971. Narradora y poeta. Ganadora del primer premio de cuentos de Caja Canarias, de la edición de 1996, cuya obra se publicó por esta misma entidad con el título de Trazos Interrumpidos. Ganadora también del primer premio de cuentos del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife en su edición del año 1999, con el conjunto de relatos titulado Curiosas Ataduras, obra igualmente publicada. Entre los años 1994 y 1998 participó en los talleres de creación literaria del Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife impartidos por el escritor peruano, Jorge Eduardo Benavides, actualmente profesor del Centro Nacional de Novelista en Madrid.

Actualmente participa en los clubs de lectura de la Escuela Oficial de Actores de Canarias.

Azul! y si es que no puedo pues a veces, simplemente, me basta con pensarte: tan desnuda, desparramados tus senos salvajes, sin fronteras, saberte así indomable, respiración azul que nunca acaba.

Y ahora es lo que haría: alcanzar mis pies hasta tu orilla, sacrificar este finito y limitado cuerpo a tus fauces espumosas, rugientes, anhelante de humanas existencias y siempre nueva. ¡Laberíntica azul, azul marina, ardiente amante azul, voz desatada!

Ha impartido el taller de escritura creativa para niños en el TEA, el cual recibe el nombre de Los inventores de cuentos y que se está poniendo en marcha en el taller cultural de Santa Cruz, Oloramar. Además coordina el área literaria y de contenidos de la página web sobre arte y erotismo artandsensitive.com, donde escribe para el blog erótico de Silvia. Ha escrito dos novelas actualmente inéditas, además de una importante obra poética y un libro de cuentos también inédito. Toda esta actividad literaria la ha alternado con su otra actividad profesional que ha sido como coordinadora de formación para academias y, en este momento, como educadora social en un centro para discapacitados. ¿Qué mas podemos decir de ella?. Disfrutemos de su obra poética.

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erotismo en femenino

Elena con Juan Bethencourt, en casa del artista / Foto/Tarek Ode

Yaiza Ramos

La ciudad de La Paz aparece como un escenario de luces y nubes, con el volumen de su ajetreo diario elevado al máximo en una mesa de sonido, y un piso por el que miles de pies sortean una yincana de baches y agujeros. Hay salas de teatro, hay cines de antaño, los hay con sonido soundround, hay gente que pasea por los pasillos de los museos de la Coca, de Etnografía y Folklore, del Tambo Quirquincho; gente que porta su lengua, sus textiles, sus prejuicios, gente que simplemente pasea por las calles y, otras, que se quedan en ellas… la cultura está, se siente, te la cuentan, te abren la puerta, la guardan y la lloran.

En el Altiplano paceño, a más de 4.000 metros de altura sobre el nivel del mar, donde todavía se puede inclinar la cabeza hacia atrás para seguir descubriendo macizos de montañas que parecen inalcanzables, el culto a la cultura y la cultura del culto se entremezclan bajo un Sol picante e insistente. Aquí, el ritmo del paso se desacelera, las palabras sustituyen los atascos y las prisas, y los pastos de quinoa no dejan lugar al recuerdo de La Paz y su estética enterrada entre colinas.

En esta Bolivia, el tiempo ha dejado una estela en la huella que data de hace cinco siglos. Algunos templos barrocos se deshacen impresionados por la intemperie y la ausencia de manos que los mimen. Muchos restos arqueológicos que suman cifras de más de cuatro dígitos de antigüedad respiran el frío altiplánico cuando dejan de abrasarse con el

Sol que no hace justicia. Sin embargo, son las personas las que pasean en sus manos, en su lengua, en sus historias orales y canciones a los productos agrícolas, otra parte de la historia que no concibe de técnicas de conservación ni de valor del patrimonio: solo entiende que son las diferentes expresiones culturales las que mueven inquietudes comunes, despiertan sentimientos y enorgullecen su identidad.

Lo que sucede concretamente en esta región, en donde el interminable ascenso al cielo parece dar unos kilómetros de tregua en llano, es que las expresiones culturales no se resguardan bajo un teatro, quizás lo hacen en contadas ocasiones bajo un museo o un sitio arqueológico, pero en la mayoría de las veces los recursos no alcanzan más allá de su inauguración, y su conservación, frente a la intemperie climatológica, es una batalla perdida de antemano.

Sin embargo, pequeñas localidades o municipios de tamaño intermedio, donde la historia rebasa más allá de las sendas del lugar, vemos como las y los comunarios expresan gran parte de su identidad cultural a través de manifestaciones religiosas y que, físicamente, están representadas a través de su iglesia y sus fiestas. El sincretismo cultural que supuso el encuentro de una cultura cristiana con una cosmovisión andina, se expresa a través del culto religioso que aún perdura de manera más que menos arraigada en el lugar. Las fiestas religiosas suponen una asimilación de planteamientos cristianos superpuestos a expresiones del saber originario y su relación con los ciclos agropecuarios, donde encontramos ejemplos como la celebración del día de la Virgen de Candelaria que coincide con las celebraciones de las primeras siembras.

Hay muchos estudios, como los de la historiadora Silvia Arce, que desgranan esas capas históricas desvelando toda una relación de conocimientos y tradiciones.

Ello representa, y le otorga un valor añadido, a la importancia identitaria que suponen las expresiones culturales y religiosas, que actualmente se llevan a cabo. La iglesia es un bien material: lo físico aporta una ubicación, permite tener un punto de encuentro entre las personas y cuando en un momento se pierde en la cabeza el sentido de alguna lógica, ofrece seguridad percibir, ver y tocar la fuente de motivación por la que respondemos a ese cúmulo de pensamientos y actos. El hecho de ver cómo se deteriora su templo, pilar de sus creencias actuales, genera un sentimiento de desánimo y preocupación en las gentes del lugar. Los responsables de la llave de la iglesia, figura representada por un hombre, no encuentran solución al agua que erosionan paredes de ladrillo, adobe y piedra.

No encuentran apoyos gubernamentales ni institucionales, y los ingresos que obtienen los vecinos apenas proporcionan lo necesario para celebrar el paso del calendario.

Lo que cuento brevemente en estas líneas a muchos les resultará familiar, y es que no es un hecho aislado, ni supone un hallazgo innovador. Simplemente es el reflejo del descuido de la historia de los pueblos, del presente de las personas y, una vez más, representa el lugar que ocupa la cultura en las prioridades institucionales. Los recursos existen, los hay, están. Lo que queda es decidir cómo, en qué y dónde emplearlos… porque en un mundo donde lo inmediato, lo visible y las tendencias tienen un peso irracional, es todo un reto apostar por lo que representa la esencia de las personas: su identidad.

UN PATRIMONIO DESHACIÉNDOSE EN AUSENCIA DE MANOS

Fotos/Yaiza Ramos

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Atesorar el producto artístico Nuria Segovia

Coleccionar arte es una pasión contagiosa que además de proyectarse como la mejor alternativa para rentabilizar tus activos reales, tal y como puede ejercerlo el oro o la propiedad inmobiliaria, con la ventaja de que la inversión en arte, se trata de un bien mueble, que ofrece un mantenimiento bajo y unos rendimientos estables a lo largo del tiempo. En la actualidad, debemos tener en consideración que la inversión en el arte contemporáneo por parte de los coleccionistas conlleva que los consultores de arte y galerías, realicen un trabajo previo a la irrupción en el mercado de la obra de arte, que está íntimamente ligado a la promoción de los artistas que representan, situándolos en un status privilegiado del mercado nacional e internacional que marca la pauta para que los más prestigiosos y respetados críticos escriban sobre estos artífices y que, además, sus piezas sean expuestas en los museos y espacios expositivos más relevantes del panorama artístico. Posteriormente, y a partir de la puesta en marcha de la pieza en el mercado, se reconoce la calidad de los artistas una vez ha sido adquirida la obra.

Por tanto, debemos mantener el principio que conduce a sostener que es rentable invertir en arte contemporáneo a medio y largo plazo. Así, comprar piezas artísticas sigue siendo una apuesta segura para los coleccionistas, ya que son éstos los que garantizan la revalorización de la inversión persiguiendo el riesgo y comprando obras de autores que se encuentran al comienzo de su trayectoria artística y tienen cierto nivel de promesa. Asimismo, existen coleccionistas que prefieren reducir el riesgo y se decantan por adquirir piezas de artistas ya consagrados como por ejemplo del post-impresionista Paul Cézanne, que en las últimas semanas hemos escuchado su pregnante nombre a partir de la venta de la obra Los jugadores de cartas (1895), en la conocida casa de subastas Christie´s, alcanzando la pieza casi doscientos millones de euros, comprada por la familia real de Qatar, convirtiéndose en la pieza más cara de la historia, duplicando

LA INVERSIÓN EN ARTE CONTEMPORÁNEO DEBE CORRESPONDERSE CON EL BUEN GUSTO Y EL ADECUADO ASESORAMIENTO POR LOS PROFESIONALES EN EL MERCADO DEL ARTE

lo máximo pagado por una obra de arte y contribuyendo con este golpe de efecto a convertir a este país, en un centro de atracción cultural que adquiere cada día más importancia en esta aldea global.

Esta venta deja muy atrás los ochenta y un millones de euros que se pagaron en mayo de 2011 en la casa de subastas Christie´s en Nueva York, por una de las obras más significativas de Picasso, determinada por una etapa de formas monumentales y volúmenes tridimensionales, Desnudo, hojas verdes y busto (1932), cuya adquisición provenía de la colección americana Mrs. Sidney F. Rody, una de las más prestigiosas del mundo, y que en la actualidad está expuesta en los fondos de la Tate Modern de Londres. De este modo, esta pieza le arrebató el record a su vez en 2010 a la pieza escultórica en bronce de Alberto Giacometti, El hombre que camina (1961), alcanzando setenta y cinco millones de euros, en la casa de subastas Sotheby´s de Londres. Esta obra que hoy pertenece a un comprador anónimo, con anterioridad formó parte del banco Commerzbank AG, cuyos beneficios de la venta utilizó para reforzar los recursos de su nuevo Centro de Fundaciones, así como para proporcionar fondos a los museos asociados a los programas de restauración y programas educativos.

No obstante, las premisas que debemos tener en cuenta para conducir la rentabilidad de la inversión en arte contemporáneo deben corresponderse con el buen gusto y el adecuado asesoramiento por los profesionales que están implicados en el mercado del arte, consultores inmersos en este negocio con el objeto de realizar una compra óptima a partir del prestigio del artista, la producción y la proyección. En relación a este último punto, las ferias y bienales nacionales e internacionales se caracterizan por ser un canal artístico imprescindible para iniciarse en el coleccionismo o continuar en él a partir de una línea coherente y ordenada, de la mano de profesionales que pueden prestar asesoramiento a aquellos coleccionistas que lo deseen

LA RENTABILIDAD DE LA INVERSIÓN EN ARTE DEBE CONTAR CON EL ADECUADO ASESORAMIENTO, POR PARTE DE CONSULTORES QUE ORIENTEN AL COLECCIONISTA EN LA ADQUISICIÓN DE LAS PIEZAS A PARTIR DEL PRESTIGIO, LA PRODUCCIÓN Y LA PROYECCIÓN DEL ARTISTA.

Ilustración/JB Romero

para una correcta adquisición de piezas. Estos grandes acontecimientos artísticos internacionales son rentables en tanto en cuanto no sólo se ejecutan las ventas de obras de arte sino también se mantienen relaciones comerciales con posibles clientes potenciales en donde se puede augurar una futura relación artística-comercial entre el coleccionista y el consultor o galerista, así como se promueve a artistas en proyección junto con otros ya consagrados, alcanzando así el interés por críticos de arte y por tanto de coleccionistas, aumentando de este modo su cotización.

En palabras de Bruno Frey, “el arte posee diversos valores que pocas veces refleja el mercado”. En este sentido, el valor de existencia constituye una categoría ligada la opción de asistir a los acontecimientos culturales, cargados de una profunda connotación social. Por lo tanto, en la actualidad podemos destacar varios perfiles que definen al coleccionista: un primer tipo que va introduciéndose en el mundo del arte y contribuye al desarrollo del arte contemporáneo; y un segundo tipo que se siente atraído por el interiorismo, alcanzando así un reconocimiento artístico dignificando sus espacios cotidianos con obras de arte. En definitiva, se debe promover el coleccionismo desde ambas vertientes ya que es el objeto por si solo el que cobra valor como pieza artística inserta en el mercado, en un sistema de tipo bursátil que impone sus reglas en la producción, circulación y consumo, produciendo a medio y largo plazo relevantes beneficios.

Estampa, Almoneda, Feriarte, Arco, Swab en Barcelona, Art Basel en Miami, Art Basel en Basilea, se constituyen como algunos de los encuentros anuales de antigüedades, anticuarios y arte contemporáneo a nivel nacional e internacional en donde consultores de arte, galeristas, comisarios, críticos de arte y coleccionistas acuden a estas ferias y bienales con el objeto de conocer las nuevas corrientes de producción artística que se están imponiendo a

nivel internacional, y crear un espacio de creación entre profesionales y coleccionistas a partir de la difusión y creación de los bienes culturales. En relación a Estampa, es considerada la feria de grabado más importante de España, con veinte ediciones que le avalan y la inercia de los galeristas especializados en obra gráfica junto a un conocimiento asegurado por parte del público que la visita y de los coleccionistas que acuden a ella a comprar. Una sugerencia: para coleccionistas noveles recomiendo que comiencen su pasión por esta disciplina, adquiriendo grabados, ya que son piezas bastante accesibles para una economía media, teniendo en cuenta los artistas de primera línea que trabajan en este campo, como Fernando Bellver o Richard Serra, entre otros a destacar. Almoneda es una Feria de Antigüedades que muestra a partir de 130 galerías, anticuarios y almonedas, 25.000 objetos únicos; como son muebles, joyas isabelinas, relojes, cristal, arqueología, etc., a lo que se suma una interesante propuesta de pintura y escultura de artistas actuales. Este ameno encuentro tendrá lugar entre el 14 y el 22 de abril, en Ifema, Madrid. ¡Allí nos veremos! Pero, aquí en Tenerife, cabe resaltar la exposición temporal que muestra la Sala María Rosa Alonso de CajaCanarias, en donde la pasión por el arte flamenco emerge de una de las colecciones privadas más imponentes que existe en el mundo, la colección Gerstenmaier, que hasta el próximo 7 de julio podemos visitar. Coleccionar es engrandecer el motivo representado, priorizando sus evocaciones del mundo natural como una diáspora integrada en la esfera cultural de la cotidianeidad.

NURIA SEGOVIA MARTÍN

Doctoranda y Lcda. en Historia del Arte por la Universidad de La Laguna.

Experta en Museología, Gestión Cultural y Patrimonio Histórico. Miembro del grupo de investigación LHISARTE. Patrona fundacional de la Fundación Antonio Segovia Lobillo. Consultora y Perito tasadora de obras de arte.

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AMAR A JORGE DREXLER

FLAMENCO Alfonso Losa

Programa variado

12 DE ABRIL

El cantautor uruguayo Jorge Drexler, llega a Tenerife para interpretar en solitario su último disco. El público que asista al Teatro Leal se encontrará con un hombre despojado de instrumentistas que le complementen, sin más apoyo que su voz y las letras más íntimas de su carrera.

Amar la trama es el disco más reciente que ha compuesto este polifacético artista. Desde su título, el autor nos avisa de lo que vamos a encontrar. Letras cargadas de caricias y gestos de amor, envueltos en una extraordinaria habilidad compositiva que aleja cada canción del exceso de azúcar. Es tal vez por ello, por la temática de este disco, que Drexler ha preferido refugiarse a solas en cada teatro con cada persona que esté dispuesta a vivir con él la experiencia conceptual de Amar la trama.

Hace 20 años, este uruguayo y español de adopción (vive en Madrid desde los años noventa), debutó con el disco La luz que sabe robar.

A partir de entonces, el cantautor ha publicado 14 álbumes, entre grabaciones de estudio, directos y recopilaciones. Por el camino, ha obtenido el título de otorrinolaringólogo, varios premios Grammy e, incluso, un Oscar a la mejor canción en 2005, por Al otro lado del río, que fue incluida en la banda sonora de la película Diarios de motocicleta.

Es irónico, al menos, que el filme trate sobre un ilustre sudamericano que, con el título de médico bajo el brazo, acabe recorriendo el continente. Pero sí, ahí se detienen las semejanzas entre Jorge Drexler y Ernesto Guevara.

Sin embargo, su relación con el cine no acaba ahí. En 2009 realizó la banda sonora de The City of Your Final Destination, película del estadounidense James Ivory, cosechando buenas críticas por sus composiciones. Más aún, el pasado marzo se estrenó la película La suerte en tus manos, protagonizada por… ¡sí, Jorge Drexler! Y no desentona, pese a no tener formación actoral.

Pocas cosas le quedan por hacer a este cantautor, corrijo, artista (por escribir un término más general), y médico nacido en Montevideo. Tal vez, en unos años, le veamos pintando cuadros, escribiendo novelas o arreglando fontanería pero, por ahora, podemos disfrutarlo como simplemente, Jorge Drexler.

Alfonso Losa nace en Madrid en 1980. Se inicia en el flamenco con el maestro Rafael de Córdoba. Obtiene la titulación de Danza Española y Flamenco por el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid con los máximos honores. Colabora con artistas como Rubén Dantas, Enrique de Melchor, Tomatito o Enrique Morente.

En el año 2000 estrena el espectáculo En Candela durante el Festival Madrid en Danza. En 2005 comienza su aventura japonesa y actúa durante seis meses en El Flamenco de Tokio. Recientemente, en 2009, estrena Mirando Atrás en el Festival Flamenco pa Tos, estrenada en el Teatro Leal.

Es uno de los bailadores flamencos más galardonados. Ha sido obsequiado con el Premio El Desplante, en el Festival Internacional de Cante de las Minas en 2008. El premio Eduardo Serrano le fue concedido en 2007 por El Güito (soleá), en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, además del Premio a Bailarín Sobresaliente del Certamen Coreográfico de Madrid en 1996 y 2001.

El programa comienza con Ecos (fandangos), con toda la compañía en escena, volviendo a los oscuros orígenes del flamenco a ritmo de soleá por bulería, con varios estilos de fandango. Luego Aire (tangos), Leyenda del tiempo (farruca), donde canaliza sus emociones a través de una visión personal. Recuerdos es un número musical donde los cantaores arrancan solos acompañando su cante de sus nudillos sobre la madera. Culmina el espectáculo con A Tierra (soleá), donde resume todos sus trabajos y experiencias con sus maestros.

un lujo leal TEATRO

MAGIA

Veraneantes

From the Dark

27 DE ABRIL

14 DE ABRIL

Kamikaze Producciones

El ser humano es sincrónico. Tampoco es que sea nada especial, también lo son los simios, los elefantes y casi cualquier animal gregario. Comemos más o menos a la misma hora, nos acostamos, nos reproducimos, seguimos un protocolo elaborado para relacionarnos, para ascender socialmente, acatamos, más o menos, las reglas del clan… Lo que nos hace diferentes es nuestra capacidad para subvertir o pervertir esa sincronía y convertirla en yugo, en excusa, terror, amenaza, inacción, en ley… pero también la capacidad de pararnos e intentar transformarla. Los pocos que se atreven a detenerse y romper la sincronía pervertida pasan, generalmente a la historia como revolucionarios.

Veraneantes es la historia de un grupo humano que se enfrenta a un cambio. Pero ¿no es eso lo que constantemente enfrenta el hombre, puesto que el cambio es la única característica realmente constante de nuestra naturaleza? Cambiar es nuestro sino. Asimilar, administrar e interactuar con ese cambio, la vida.

Gorki escribió Veraneantes en 1904 para ser estrenado en el Teatro de Arte de Moscú. En 2011, Miguel del Arco ha escrito la obra a partir de un texto de Gorki. Ni siquiera pretende ser una versión libre. Me he permitido utilizar el original como punto de partida y desde ahí, investigar, probar y jugar.

Kamikaze Producciones lo forman Miguel del Arco y Aitor Tejada, que llevan trabajando en el mundo del espectáculo desde los años 90 como actores, guionistas de cine y televisión, y dirección.

Juan E. Varela

Su último espectáculo no ha dejado indiferente a nadie.

Presentado en 2011 en Las Vegas (USA) durante el Magic Live Convention, fue aplaudido por ilusionistas importantes como Steve Varro.

Concebido para público no vidente y vidente, todos pueden ser parte de una experiencia única y asombrosa.

Mientras que en la mayoría de los espectáculos existe un claro predominio de los estímulos visuales, From the Dark invita a su público a ser testigo de la posibilidad de asombrarse y vivir la magia sin utilizar el sentido de la vista, participando de una experiencia que permite activar el intelecto, la fantasía y la emoción. Único espectáculo en el mundo que se desarrolla en la más absoluta oscuridad. Donde las palabras se convierten en parte importante durante el desarrollo de la sesión. Según dice el propio mago: Es imposible engañar a la vista y al oído, por lo que la clave del resultado está en engañar a la mente.

La idea fundamental del espectáculo es mezclar técnicas psicológicas con las técnicas propias del ilusionismo, intentando que el espectador nunca sepa dónde comienzan unas y dónde terminan las otras.

Juan Varela se ha convertido en el primer ilusionista chileno que es miembro permanente de las Jornada Cartomágicas de El Escorial. Ha sido elegido por las Sociedades Mágicas Chilenas como Mago del año 2010.

Si uno logra activar el intelecto, la fantasía y la emoción, ya existe un espectáculo de magia.

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Kolman-Skop

Hubo una época en la que crear desde Canarias, era una labor casi imposible. La soledad artística, por lo menos en cuanto a fotografía se refiere, era todo un estigma. Por ese entonces (hablamos de los años setenta), para dedicarse a la fotografía había que tener unas convicciones muy firmes y no titubear, pues el aislamiento insular era un factor determinante; el acceso a la información estaba limitado y los vientos de cambio que soplarían en los años venideros llegaban como mera brisa. La fotografía no era algo relevante (no lo fue hasta bien entrados los ochenta), además, resultaba muy complicado adquirir el material necesario para trabajar (cámaras, ampliadoras, películas, papel, químicos). Suponía un reto y una aventura que la gran mayoría no estaba dispuesta a sufrir.

Fue en estas circunstancias cuando, en la mente de algunos jóvenes inquietos, nacía el interés por invadir las calles, los barrios y los espacios naturales de Tenerife, buscando la mejor instantánea armados de mecánicas Pentax, Nikons y Canons. Surgieron sin más, recién llegados de la nada y, claro está, su empeño dio frutos: ser fotógrafo se reconoce como oficio y, poco a poco, se asienta como un bien necesario para la sociedad.

A ese grupo de innovadores perteneció el autor que aquí nos ocupa, Jesús Manuel Febles Jiménez quien, a principios de los años setenta, comenzó a investigar las posibilidades creativas que la fotografía podía brindar; una difícil labor, teniendo en cuenta los pocos medios de los que, por ese entonces, disponía.

Su formación se basa en la realización de un gran número de encargos fotográficos, reportajes y publicidad. Los mayores recordarán aquella famosa fotografía del mercado Nuestra Señora de África, donde un niño cogía las manos de su madre; una imagen que permanecería cubriendo el Mercado más de 5 años, pues su carga poética la hizo trascender más allá del mero encargo, siendo hoy en día un referente publicitario de los años setenta. Mientras su labor de investigación creativa continuaba, ejercía el oficio de fotógrafo retratando de un modo magistral el entorno que le rodeaba, de esta forma, fue creciendo como persona y como artista.

Jesús Febles tenía un ojo prodigioso, educado con las pocas revistas de la época que se podían adquirir. Años de trabajo, de laboratorio y de esfuerzos lo consagrarían para los que conocemos su legado, como un personaje imprescindible dentro de la historia de la fotografía canaria. Pero Jesús no era ambicioso, se conformaba con disfrutar de su oficio sin querer trascender, sin preocuparse por buscar salas de exposiciones, ni de que su nombre formara parte de una sociedad donde comenzaban a surgir artistas locales. Su risa, su voz y sus palabras parecen hablarnos, aún a día de hoy, del cariño que nos regaló a todos los que crecimos a su amparo.

Pero puedo afirmar, sin caer en sentimentalismos, que era una gran fotógrafo, un curioso, un investigador incansable que trató de desarrollar la técnica fotográfica más allá de sus posibilidades. El reencuentro con su obra es algo que no ha dejado de conmovernos y la selección de imágenes presentadas aquí, corresponden a un minucioso trabajo selectivo y de aproximación a la instantánea. La historia de la fotografía canaria no sería justa si no se incluyeran algunas de sus series como parte de la misma. Nos dejó un maestro, pero nuestros corazones siguen llenos de sus historias, de su afecto y amor.

El ejemplo de su lucha es una brújula para todos aquellos que nos sentimos decaer.

HUBO QUIENES LES TOCÓ ABRIR LA BRECHA. AQUELLOS QUE, EN ALGÚN MOMENTO, OPTARON POR OTROS CAMINOS, CONTRA EL ESTIGMA Y LA INCOMPRENSIÓN DE SU ENTORNO

LA FOTOGRAFÍA SIRVE ESPECIALMENTE PARA ADENTRARSE EN EL MOMENTO EN EL QUE EL VIENTO EMPEZARÍA A SOPLAR

EL ARTE DE SOBREVIVIR AL TIEMPO

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1 Jesús Febles Figuraciones 2 Jesús Febles Serie Reportajes 3 Jesús Febles Autoretrato

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