DIFUSION Difusión es una revista cuatrimestral de criterio independiente con un propósito académico desde el prisma del diseño, el arte y las industrias culturales. Las opiniones de los elaboradores no necesariamente expresan los puntos de vista del Concejo Editorial o de la Universidad Veritas. Queda prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos sin la debida autorización.
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La realidad es que nosotros como personas, o individuos somos más diferentes de los que somos parecidos. Podemos decidir aceptar a las personas como son o podemos rechazar a todo aquel que no cumpla con los estándares que la sociedad dicta. Este rechazo lo vemos todos los días en las redes sociales, la educación, la publicidad y hasta la política. La sociedad está constantemente diciéndonos cómo deberíamos de ser, en que creer o hasta que inclinación sexual deberíamos de tener. Los medios todos los días nos muestran las dolorosas imágenes que provocan este rechazo. Personalmente he sentido una sensibilidad ante este tema especialmente ante las situaciones que se han vivido este año. Pienso que no debería de importar nuestra raza, religión, clase social, género, etc; sino los valores de cada quien como individuo. Al fin y al cabo “Todos sangramos de rojo”.
Por: Daniela Bolaños Blanco
Diseño: Valeria Sánchez 6
¿C U A L E S EL P A P E L D E L D I S E Ñ O, A L A H O R A D E R E S O L V E R P R O B L E M A S S O C I A L E S, A M B I E N T A L E S, P O L Í T I C O S?
La palabra “solución” (acción o efecto de resolver) hace referencia a una respuesta eficaz para una problemática o situación que se presenta a una persona en distintos ámbitos de su vida interna o externamente. El diseño, con sus distintas funciones comúnmente conocidas, cuenta con una amplia capacidad de resolver o ser dicha respuesta eficaz anteriormente mencionada.
Como anteriormente se menciona, el diseño cuenta con infinitas posibilidades. Existen múltiples áreas en donde esta herramienta actúa para ser parte fundamental de la transformación o solución deseada.
Si hablamos de ámbitos específicos para demostrar dicho pensamiento, podemos ejemplificar mencionando cómo el Si hablamos del diseño como agente desarrollo de una solución al de cambio (o solución) podemos dar ambiente a través de la conpaso a infinitas posibilidades en don- strucción y diseño consciente de este, como hermosa herramienta de una edificación logra con la cual se nos ha premiado trabajar y desarrollar, es nuestro me- ahorrar distintos materiales jor aliado para la búsqueda de un naturales siendo estos remcambio, solución y transformación. plazados por otros reciclados. Esto dando como resultado una participación de la transformación necesaria que el medio ambiente esta suplicándonos. La situación en la que nos vemos inmersos a diario grita cada vez más fuerte. La transformación de muchas áreas de nuestra vida y la de los demás es cada vez mas necesaria. Guerras, hambre, enfermedades, discordias, pobreza, abuso del poder e infinitas problemáticas mundiales que continúan la lista, son parte de las razones por las cuales el cambio debe ser inminente y el porque se necesita de todas las herramientas humanamente posibles para ser parte de esa transformación. Aquí es donde entra el diseño, aquí es donde nosotros podemos ser parte si nos lo proponemos.
Así mismo, podemos encontrar el poder transformador del diseño en las distintas marcas que no solo buscan ser altamente lucrativas y exitosas sino que en sus objetivos se encuentra el desarrollo de campañas que busquen resolver problemáticas que atacan hoy en día a nuestra sociedad. Soluciones de diseño como rampas y sillas para personas minusválidas, productos y edificios hechos a base de desechos re utilizados, campañas para erradicar la pobreza, la falta de escolaridad, etc. Son solo parte de las grandes posibilidades que el diseño nos brinda en su papel de agente de cambio. 7
Para entender él por qué, es importante separar dicha función del diseño de cualquier palabra “lastimera” que se nos venga a la mente. No se trata de lastima por una persona con alguna discapacidad o problema, no se trata de que actuamos o utilizamos el diseño de esta forma por miedo a perder lo que este mundo con su diversidad nos ofrece. Nosotros como ejecutores del diseño y como habitantes de la tierra que agoniza cada día más y más, debemos encontrar un sentido de deuda hacia este, debemos entender como nosotros podemos aportar a este cambio necesario, a esta transformación y solución a las problemáticas que se nos presenten.
Como se ha mencionado y como comúnmente hemos sido educados, existen infinitas formas en que el diseño ha sido y puede ser parte de una solución. Si nos atrevemos a ver el diseño mas allá de una decoración o algo atractivo a la vista y nos aventuramos a que este sea transformador en todas sus aplicaciones, tenemos que saber que no estamos solos.
Existe gran cantidad de personas y múltiples proyectos tanto en el sector nacional como internacional en donde se desarrolla la herramienta del diseño como un verdadero agente de cambio y como solucionador de problemas. Podemos destacar marcas como “Smiles for the People” con su cepillo dental para adultos hecho a base de productos biodegradables y en donde parte de sus ganancias son destinadas a personas en necesidad. Acciones urbanas como “Fashion Victims” desarrollado por la artista Yolanda Domínguez en donde se reflexiona sobre el mundo femenino y la situación actual de la mujer. Productos como “Special Post Surgery Bras” (ropa interior para mujeres que han sido operadas de cáncer de mama) de la firma de moda “Womens Secret”, entre otros. Debemos entender que el punto que marca la diferencia de estas ideas transformadoras con respecto a las demás es el deseo de agregar un contenido de valor a las marcas, organizaciones, trabajos e incluso
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nuestras propias vidas. Es el querer solventar la deuda que tenemos con el mundo de forma creativa y haciendo lo que mejor sabemos hacer: diseñar. El camino a esta forma de desarrollar el diseño puede ser difícil ya que no se trata de nosotros, se trata de lo que podemos hacer con nuestras habilidades por las personas, por el medio ambiente y todo aquello que nos rodea o involucra de alguna forma, pero de una cosa debemos estar seguros, el resultado será gratificante tanto para nosotros como creadores como para aquellos que se vean beneficiados por nuestro trabajo. Este es el deber de nuestra generación al entrar en el siglo XXI: la solidaridad con los débiles, los perseguidos, los abandonados, los enfermos y los desesperados. Esto expresado por el deseo de dar un sentido noble y humanizador a una comunidad en la que todos los miembros se definan a sí mismos, no por su propia identidad, sino por la de los demás. (Elie Wiesel)
Referencias: Hernández, M. (2015). Las 14 mejores frases sobre solidaridad que cambiarán tu forma de pensar - Frases, citas, imágenes. [online] Frases, citas, imágenes. Available at: https://www. euroresidentes.com/entretenimiento/frases-citas-imagenes/frases-de-solidaridad [Accessed 18 May 2016]. Definición.de. (2016). Definición de solución — Definicion.de. [online] Available at: http:// definicion.de/solucion/ [Accessed 18 May 2016]. García, J. (2013). Algunos ejemplos de Marcas Socialmente Responsables.. [online] La Gran Manzana. Available at: http://lagranmanzana.net/marcas-socialmente-responsables-algunos-ejemplos/ [Accessed 22 May 2016]. 9
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EL ESPACIO EN BLANCO Por María Fernanda Badilla.
El espacio en blanco es el espacio existente entre los diferentes elementos de un diseño o del formato que se este utilizando. Puede ser: el espacio que rodea los gráficos e imágenes, márgenes, espacio entre columnas, y los espacios entre líneas. Evidentemente, no tiene que ser forzosamente blanco… y es algo que normalmente no se tiene en cuenta. Hay gente que lo considera un desperdicio de un precioso espacio disponible, pero hay que tener en cuenta que se trata de un elemento activo y no un fondo pasivo. Es tan importante como otros factores, como el uso apropiado del color, el tipo y gráficos. Entonces, ¿por qué es tan importante el espacio en blanco? Parte de la razón es psicológica y parte física: el diseño necesita espacio para respirar. Hay que evitar la sensacion de multitud y de que algo esta rebosando. Por cierto, los espacios en blanco no tienen porque ser en blanco. Pueden ser de cualquier otro color. Con espacio en blanco nos referimos a cualquier área vacía de color o blanco, opaco o transparente) que carece de texto.
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AUMENTA LA LEGIBILIDAD El espacio en blanco reduce la cantidad de ruido que el usuario ve, permitiéndole concentrarse más fácilmente en las diferentes partes a leer. El espacio en blanco mejora la compresión de lectura, aunque en algunas ocasiones puede llegar a disminuir la velocidad de lectura.
ORIENTA A LOS USUARIOS EN LA PÁGINA Los usuarios son guiados por el espacio entre los elementos: leer una página sin espacios en blanco es como escuchar un discurso sin ninguna pausa ni para respirar. Es imposible de seguir y se acaba desconectando.
ELEMENTOS QUE COMPONEN EL ESPACIO EN BLANCO -Espacio alrededor de elementos gráficos e imágenes -Mergenes, paddings y gutters -Interlineado y espaciado entre letras (tracking) dentro de un contenido de texto -Espacio entre columnas
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CREAR UN SENTIMIENTO DE SOTISFICACIÓN Y ELEGANCIA El uso del espacio en blanco permite posicionar una marca: dar una impresión general de elegancia y sofisticación.
PRIORIZA LOS ELEMENTOS DEL DISEÑO El espacio en blanco pone de relieve la relación entre los elementos y permite identificar las jerarquías.
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LA IMPORTANCIA DE LA PALETA DE COLOR EN EL DISEÑO El color es una herramienta que nos permite comunicar emociones. La mayoría de estas emociones son percibidas de forma inconsciente. A la hora de crear un diseño, hemos de conocer cuáles son los efectos psicológicos que vamos a inspirar y cómo debemos escoger y combinar la paleta de colores para llavar conseguirlo. El color es subjetivo: cada persona lo interpreta de forma diferente dependiendo de sus rasgos culturales o sociales, su estado de ánimo u otras circunstancias personales. Las computadoras actuales disponen de una paleta de más de dieciséis millones de colores. El color, en su más amplia acepción, tiene tres dimensiones básicas:
TONO
SATURACIÓN
Se trata de la propiedad que hace distintos a los colores entre sí. Los primarios son el amarillo, el rojo y el azul; siendo el verde, naranja y violeta los secundarios.
Es el grado de pureza de un color con respecto al gris.
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LUMINOSIDAD Indica cuan brillante u oscuro es un color.
La percepción depende de cada indivíduo, así pues, para gustos, los colores. No obstante, podemos atribuir algunas características más o menos comunes que te ayudarán a escoger la coloración más indicada para cada proyecto:
Úsalo para fondos y para facilitar la lectura. Va bien con cualquier otro color.
Gris Negro
Estupendo para complementar al negro y al blanco. Puedes jugar con diferentes tonos de gris para combinar con todos los demás colores
Ideal para productos de gama alta y para añadir contraste. El negro es la ausencia de color y permite a los tintes adyacentes cobrar mayor protagonismo.
Rojo
Úsalo para llamar la atención, pero siempre en dosis moderadas.
Azul
Combínalo con naranjas, verdes o metálicos. Tiende a contraerse, a hacer una superficie más pequeña.
Amarillo
Combina bien con otros colores, y como el rojo, es ideal para resaltar. Además es un color cálido y expansivo.
Verde
Combina bien con el azul o el marrón y activa la creatividad.
Naranja
Procura no abusar de este color, pues es un color muy dominante y expansivo al ser la mezcla.
Violeta
Mézclalo con colores suaves y poco dominantes para crear un efecto equilibrado.
Rosa
Ideal para proyectos en donde la mujer es el público objetivo principal, aunque en grandes dosis resultará cursi. Nunca lo utilices para la web de un grupo de heavy metal
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LA RUEDA DEL COLOR La rueda del color es un punto de partida útil para saber cómo se relacionan entre sí a la hora de realizar nuestros diseños. La rueda muestra los colores complementarios enfrentados, de modo que cada color tiene a su “negativo” en el lugar opuesto.
Complementarios: Úsalos sin miedo para crear contraste. Por ejemplo, el violeta y el amarillo. Otra opción menos drástica consiste en elegir un color y los dos más cercanos de su complementario.
Análogos: son los dos adyacentes en la rueda. Mezclados, que no revueltos, son una apuesta segura.
Tríadas: se consiguen seleccionando tres colores equidistantes entre sí, por ejemplo, los tres primarios constituyen una tríada. Se trata de una mezcla equilibrada.
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“EL COLOR ES AL OJO LO QUE LA MÚSICA ES AL OIDO” Isaac Newton. 1730
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¿QUÉ COLORES ELEGIR? ¿cómo conseguir una armonía de color equilibrada y efectiva para tu diseño? Lo primero de todo es determinar cuál es el público a quién te diriges como la finalidad de tu página. La psicología del color podrá ayudarte a orientarte y elegir el color apropiado que más se asocie a tu marca o producto.
Sabemos que existen una infinidad de colores y combinaciones para elegir, esto hace que escoger una paleta de color para tu proyecto resulte algo complicado. Por eso te recomendamos algunas herramientas que te ayudarán:
Una vez definido el color, debes elegir una paleta de color que potencia y contraste en tu diseño. Es importante no abusar de los colores, dos o tres suelen ser suficiente. Por lo general, al elegir una combinación de color se recomiendan respetar una de estas tres reglas:
- Adobe Kuler - Color Picker - Paletton - Material Pallette -Coolors
Colores de la misma gama cromática, diferentes tonos de un mismo color.
•Legibilidad. Excepto para posibles títulos, hay que procurar que el color del texto contraste fuertemente con el del fondo.
Colores complementarios, aquellos situados próximos a la gama cromática. Colores opuestos, situados justo en el lado opuesto de la gama cromática.
Diseño e ilustración por Alejandro Mamán
Impacto emocional. Los colores pueden separarse en categorías, cada una de las cuales inspira diferentes emociones: •Colores cálidos. Rojo, naranja y amarillo. Sugieren entusiasmo, pasión, felicidad y energía. El rojo es impactante, pero no debe usarse en exceso: termina resultando abrumador. Por eso, el naranja puede ser un buen reemplazo. El amarillo es agradable, especialmente para los niños. Colores fríos. Verde, azul y púrpura. Brindan tranquilidad y algo de misterio. Son algo impersonales, por lo que se recomienda mezclarlos con algún otro. El verde está asociado al dinero, el azul transmite confianza o melancolía (dependiendo del tono) y el púrpura es ideal para productos de lujo.
Colores neutros. Negro, blanco, gris, marrón y beige, entre otros. Son ideales para los fondos, ya que acentúan el efecto de los colores cálidos.
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El puente entre
personas Escrito por: Alejandro Mamán Pires Diseño por: Daniela Bolaños Blanco “La curiosidad corre en nuestras venas; es parte de nuestra naturaleza, y las historias lo saben muy bien. “
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Desde sus orígenes; hace más de 10 mil años, los seres humanos vienen utilizando una herramienta que les permitió dar forma a sus culturas, religiones y civilizaciones. Una herramienta indispensable para la evolución y comprensión del mundo y sus misterios…El arte de contar historias “storytelling”. Sin ella no hubieramos llegando a donde estamos ahora.
La curiosidad corre en nuestras venas; es parte de nuestra naturaleza, y las historias lo saben muy bien. Nos atrapan, despiertan nuestros sentimientos, nos permiten encariñar con el narrador, los personajes y la trama. Tienen la habilidad de llevarnos a otro mundo y moldear la forma en que pensamos. Ya no tenemos escusas. Vivimos en un mundo en donde respiramos historias. Si queremos ser escuchados y lograr conectar con alguien, no hay mejor camino que el de contar una historia. Ya no es sentido común, la misma ciencia lo dice.
Las historias tienen el poder de inspirar, cambiar una conducta, moldear una opinión, llamar a la acción, enseñar, informar, entretener, seducir y lo más importante: el poder de ser recordadas con el tiempo. Logran humanizar objetos, traerlos a la vida, darles personalidad, opinión, sentimientos y algo que decir.
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En Estados Unidos, a partir de 1995, las empesas y agencias se dieron cuenta del impacto del “storytelling” en el mercado y empezaron a crear departamentos dedicados a ellos.
Un buen storytelling permite un impacto mayor y más duradero en la audiencia. Logra llegar a lo emocional, a lo más profundo. En los días de hoy, la empresa o la marca que cuente la mejor historia, gana. Así de sencillo. Pero no todos pueden crear buenas historias de un día al otro. Para llegar a ser un buen y efectivo contador de historias se require trabajo y curiosidad, como en cualquier otra área. No es una habilidad, pero si un estilo de vida; una forma de pensar. Es por eso que hoy compartiremos algunos ejercicios, ideas y trucos que te ayudarán a contar una buena historia y aplicarla a un producto o servicio, o bien sea con el fin de concientizar e informar a una audiencia sobre un tema.
“ Tienen la habilidad de llevarnos a otro mundo y moldear la forma en que pensamos. “ 30
Empecemos por la inspiración. Existen diferentes maneras:
1/ Saber escuchar: Existen millones de personas. Cada una sin excepción trae consigo una historia. Conocer gente nueva es una gran fuente de inspiración. Interesarse, preguntar y escuchar es la clave para este punto.
Inspiración
2/ Tómate tu tiempo: Una buena
historia no llega de la noche a la mañana. Y no llegará a menos que estés invirtiendo tiempo en encontrarla. Sal de tu zona de confort y haz cosas que no sueles hacer diariamente. Ve al trabajo o a la univesidad por un nuevo camino. Almuerza con un viejo amigo. Camina por lugares nuevos. Viaja a lugares desconocidos. Mira películas, séries o novelas de otros países. Escucha canciones en otros idiomas. Inscríbete en cursos en donde aprendas algo nuevo.
3/ Escribir: Un buen hábito que
ayuda bastante a saber contar historias es narrar tu vida; tu biografía y tu día a día, ya sea en primera y/o tercera persona. Enfatiza los detalles, agrega drama, exagera, utiliza palabras nuevas, agrega introducción, desenlace y final. En vez de escribir “Hoy fui al banco a sacar dinero” escribe algo como: “Era un día soleado; el calor penetraba en lo más ínfimo de mi ser. Miré el gran ojo del reloj que abrazaba mi muñeca… Su mirada medio congelada me dijo que eran las 4:35. Los minutos se convertía en horas en aquel lugar cerrado y repleto de historias. Sentí que ya no podía… Hasta que el sonido más bello entró por mis oídos devolviéndome la esperanza.
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Aquel aparato colgado en el techo anunció la combinación de números que coincidian perfectamente con los números que tenía en mi mano. Me levanté y caminé directamente a un pequeño espacio. Pasé el pedazo de plástico en forma rectangular una sola vez en aquella caja grande. Me preguntó por los números. Y con una gran sonrisa en la cara le dije: “100.000”. Esperé unos cuantos segundos. De repente, del interior de la caja salieron aquellos papeles impresos tan añelados. Entonces, encontré la pequeña felicidad.”
4/ Leer: Sin lugar a dudas, leer es
una gran fuente de inspiración. Tener el hábito de lectura día a día te dará más ideas y poco a poco te ayudará a desifrar la estructura de una buena y sólida historia, te proporcionará una mejor crítica y te abirá las posibilidades creativas.
Todas esa fuentes de inspiración te ayudarán a obtener más experiencia, recuerdos, historias y emociones diferentes. Una buena historia está cargada de sentimientos. Si ya las has experimentado y sabes como se sienten, será mucho más fácil poder transmitirlas de forma escrita u oral.
Estructura y cosas esenciales para una buena historia: 1/ Antes de empezar, es fundamental 8/ Una historia efectiva genera saber qué quieres transmitir, cúal es el objetivo, quién sera el personaje, qué lo va a motivar, qué lo va a detener, qué lo va a suducir, quíen sera su público y qué tendrán en común. Una vez tengamos todo eso claro, hay que analizar si los valores de la historia encajan con los valores de la empresa, marca, producto o servicio.
2/ Debemos lograr que nuestro
público llegue a sentirse identificado con el o los personajes de la historia.
3/ Una historia llena de sorpresas genera más impacto que una historia predecible.
4/ Una buena historia sabe convier el “yo” en “nosotros”.
5/ Los personajes son admirados
más por lo que intentan que por lo que consiguen.
6/ Es importante tener claro cúal
sera el final antes de trabajar en el desenlace.
7/ Cuando no sabes cómo seguir con la historia o las ideas se acabaron, una buen truco es ponerse en los zapatos del personaje. Cómo te sentirías si fueras él/ella en aquella situación, qué pensarías, cómo actuarías, qué planes o acciones tomarías. Tener ese conocimiento le añade más credibilidad a la historia.
curiosidad desde el principio.
9/ Existe una fórmula desarollada
por Aristóteles que nos dice que la estructura de una buena historia debe ser en este orden: Lástima, miedo y catársis (purificación) .
9.5/ Primeramete haces que la
audiencia sienta lástima por tu personaje; de esa manera generas emociones y el personaje empieza a tener control sobre la audiencia. Luego empiezas a poner el personaje cada vez en peores situaciones, hasta que la audiencia sienta una sensación de miedo. Cuando lleguen a esa sensación les das el momento de catársis, que es un momento de felicidad- purificación.
10/ Las historias deben ser escritas
para los oídos y el corazón. No para el cerebro.
11/ Haz que las personas se importen por tu historia.
12/ Una buena historia tiene
pequeños momentos que hacen que la audiencia se sienta cada vez más curiosa en saber qué es lo que va a suceder a continuación y cómo va a terminar la película.
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“Las historias deben ser escritas para los oídos y el corazón. No para el cerebro.”
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EMPEZ AMOS IGUAL
Autor & Diseño: Fabiola Calderón
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“ S OY M A L A E N M AT E ”
Llegamos en un momento en nuestras vidas a temprana edad, donde tenemos que decidir a que nos gustaría dedicar nuestro tiempo. Tenemos un millón de opciones para escoger, pero nosotros los diseñadores, tenemos algo en común, de manera inconsciente sabemos que no vamos a ser doctores o abogados. `` No quiero estar frente a libros todo el día´´ o ``Soy muy malo en matemáticas´´son frases que considero frecuentes en nosotros y en el momento que decidimos querer estudiar diseño, sabíamos ``que usar cualquier letra con cualquier color´´no es la solución. En mi primer día de clases estaba realmente emocionada, porque era el momento donde iba a experimentar la verdadera libertad en algo que me interesaba. Sin embargo, al llegar a la clase y ver caras desconocidas pero con la misma expresión de inquietud que la mía, me hizo cuestionarme donde estaba y si de verdad estaba preparada. Esto no solo me pasaba por la mente a mi, sino a cada uno de mis compañeros. Teníamos tantas ansías de empezar a aprender sobre diseño que parecía que se nos olvidó como decir ¡Hola! a los demás. Pero conforme fue pasando el tiempo, sabíamos que este era el lugar donde queríamos estar. Ser estudiante de diseño conlleva mucho proceso de adaptación, nos encontramos en un gremio donde tenemos que tener una mente abierta a la gran diversidad de estilos de pensamiento, percepciones del diseño, ambientes muy distintos entre sí, pero más allá de eso, compartir con personas distintas a mí. El profesor de RIT, Mitch Goldstein dice: ``La escuela es dura. La escuela de diseño es especialmente difícil porque gran parte de ella existe dentro de lo abstracto, la opinión. Hay pocos, si los hay, los absolutos a medida que avanza a través de 35
la escuela de diseño. Gran parte de la enseñanza del diseño es sobre el aprendizaje de algunas técnicas clave y luego tratar de aplicarlos a su trabajo de una manera interesante.´´ ¿Realmente como se aprende diseño? ¿Cómo algo tan subjetivo se puede calificar? Se genera un esfuerzo para que cada calificación sea objetiva dando retroalimentación en cuestiones como conceptos básicos, el problema es que cada persona tiene una perspectiva y gustos diferentes hacia el diseño porque realmente el diseño es meramente una interpretación personal de contextos externos. Nuestros profesores nos forjan de manera en que podamos crear un estilo y un gusto propio hacia el diseño, haciéndonos a cada uno de nosotros únicos en este ámbito tan saturado. ¿Realmente seré bueno en lo que estoy haciendo? Siempre en algún momento nos encontramos en un período de inseguridad o desesperación, donde sentimos que no estamos haciendo lo que nos gusta o pensamos que si de verdad seremos buenos en algún momento. Es ahí donde escuchamos estos grandes nombres de diseñadores donde decimos ¡Wow yo quiero ser como él o ella! Es ese momento donde vemos que el diseño es puro y natural. Pero, seamos serios, ninguno de estos diseñadores como Stefan Sagmeister, Keith Haring o Jessica Walsh empezaron siendo grandes desde un principio, o por lo menos no desde tan jóvenes. Ellos también estuvieron en una escuela de diseño donde aprendieron los conceptos básicos al igual que nosotros. Idolatramos tanto a nuestros grandes héroes que no pensamos en que ellos empezaron igual que nosotros, empezamos por el mismo camino, asustados por el primer día de clases o emocionados por aprender sobre tipografía.
DE UN PUNTO ¿Realmente como ellos llegaron a ser así de buenos? ¿Qué formación tuvieron? ¿Qué influencias? ¿A qué escuela fueron y cuando me puedo matricular? Sin embargo claro esta que la universidad es nuestra guía principal hacia ser grandes pero no lo es todo. Sin ir tan lejos, un ejemplo claro es de un niño de bajos recursos criado en una granja en Missouri, donde sus primeros bocetos fueron realizados y donde un sueño empezó a crecer. Walt Disney, es uno de los nombres más reconocidos en el mundo debido al personaje en 1928 lo lanzó a su fama, Mickey Mouse, si embargo este ratón no fue su primer intento de alcanzar su auge. Durante varios años Walt Disney trabajó en varias empresas como animador y creador de personajes pero sin éxito, ya que quedaban en bancarrota o conseguían un trabajo de mayor interés. Disney, cansado de no ser estable, decidió con su hermano Roy, crear una empresa llamada Walt Disney Studio. Fue en un viaje a Hollywood donde creo a Mickey Mouse, de esta manera creando dos películas donde el ratón era el personaje principal. Sin embargo, los productores creían que era una innovación pasajera sin saber que en su tercera película Wilie en el Barco de Vapor, iba a ser un rotundo éxito.
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Es aquí donde dio pie a todo, ellos sin saber que iba a ser de esta manera. Un ratón dio paso para que se crearan más largometrajes como Sinfonías Tontas y Blancanieves, de manera paralela personajes como Pluto y Goofy. Así creando merchandising, fue el momento donde Mickey Mouse y su creador Walt Disney se convirtieron en una marca que llegó a ser tan grande y construyeron Disneyland, un parque de atracciones sobre Walt y sus creaciones. Lo que me pregunto ahora es, ¿Cómo hubiera sido un mundo sin Mickey Mouse, si Walt se hubiera rendido? El profesor Mitch Goldstein comenta: ``Una de las mejores cosas de ser un diseñador es que no termina su enseñanza del diseño cuando se sale de la escuela de diseño. Se continúa el aprendizaje para el resto de su vida, y usted debe llevar estas ideas con ustedes a medida que se desarrollan y maduran en un profesional creativo.´´ Esto fue lo que estos grandes nombres del diseño e inclusive Walt Disney, hicieron aún con un título en mano, siguieron empapándose en diseño y arte, buscando mejores soluciones a los problemas que se enfrentaban de esta manera convirtiéndose en increíbles diseñadores.
Hay que tener en cuenta que ellos también fueron jóvenes y también tuvieron metas y sueños, donde probablemente algunos si los alcanzaron y otros no. Tal vez nuestro ascenso sea más difícil pero cualquiera de nosotros es capaz de cumplir lo sueños y metas que nos propongamos. Hay que tomar riesgos para poder destacar de los demás, no podemos conformarnos con lo que dicen las demás personas, tenemos que tener una opinión fuerte que defienda nuestros ideales del diseño y de persona. Porque realmente todos empezamos de un punto y depende de nosotros como trazamos lo demás, porque solo con nuestra dedicación podemos ser así de grandes como estos diseñadores importantes, seamos esos diseñadores donde diseñamos en nuestra mente en todo momento, seamos aquellos que experimentan con herramientas nuevas fuera de nuestra zona de confort, seamos diseñadores que realmente quieran mejorar día a día.
REFERENCIAS Goldstein, M. (2015). A Design Education Manifesto. Recuperado de https://medium. com/@mgoldst/a-design-educationmanifesto-681ba5b048cb#.yh4n1ejlw (Consulta 22 Mayo 2016) n/a. (2008) Walt Disney. Recuperado de http://www.biografiasyvidas.com/ monografia/disney/ ( Consulta 26 Mayo 2016)
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Costa Rica, se conoce por tener una gran riqueza cultural en donde artistas de diferentes partes de planeta, vienen y exponen sus trabajos, ya sean esculturas, pintura, medios mixtos, fotografía, etc., pero existe un medio de expresión que no es explotado lo suficiente dentro de los círculos artísticos costarricenses, el cuál es el performance art. Se considera art performance, toda aquella expresión artística en donde el cuerpo es el medio de la pieza y en donde exista algún tipo de acción o movimiento, a través del individuo que interpreta la pieza artística. En los años 60, se inició el movimiento, el cual al principio no se tomó con mucha seriedad y en donde se describía como una forma de expresar arte en el momento en vivo, a diferencia de la pinturas o es culturas que eran piezas inmóviles. Pero gracias, a que estas obras han sido grabadas y recopiladas en videos, han logrado alcanzar una mayor audiencia, y no ser una pieza que solo puede observar exclusivamente en el instante. Tradicionalmente, el performance arte es interdisciplinario, ya que es acompañado de otro tipo de arte visual, video, sonido o elementos que refuercen la intención o concepto artística de la pieza. En el performance art, existen 4 elementos que son consistentes y esenciales, los cuales son: tiempo, espacio, el cuerpo del individuo y la relación entre la audiencia y el artista. Este último elemento es esencial, ya que sin este el, espectador deducirá la pieza como incompetente. Generalmente, el performance se lleva a cabo en galería o en espacios alternativos intencionalmente artísticos, a diferencia de la danza y el teatro que se lleva a cabo en escenarios. En Costa Rica, el performance ha crecido muy lentamente en los últimos años, por eso instituciones como el Museo de Arte Y Diseño Contemporáneo y Departamento de Curaduría han abierto un espacio desde el 2009, ambas pretenden cumplir con los dos siguientes objetivos: recopilar información sobre el performance en el territorio centroamericano y darle seguimiento de esta práctica artística en Costa Rica. A partir de esta iniciativa se pretende crear 41
el Centro Regional de Investigación y Documentac- cenarios, su ejecución y conceptualización se acercan iones Arte, en donde a partir de la recopilación de más al performance, que la danza ya que su cuerpo performance de diferentes artistas, se seleccionan es el medio, la herramienta para expresar la pieza. una serie de piezas para ser interpretadas en MADC. Internacionalmente, hay varios artistas que pracEl MADC, al ser una institución que se preocupa tican una estética, parecida a la de Fred Herrera, por la expansión de arte y cultura en el territo- como lo es el caso de la sensación internacional rio costarricense, imparte talleres educativos en Boychild, un individuo único e impactante de cuerdonde se aprende y se explora el arte como tal; po andrógeno, este crea acciones emocionales, esestos talleres también pretenden mostrar y cues- pirituales que crean una conexión tan intensa con tionar que se considera performance y por qué. la audiencia que esta generalmente se queda sin habla o solo observan y admiran en gran silencio; Nacionalmente, hay varios artistas que utilizan la como si el artista indujera a la audiencia en un tipo danza como parte de sus obras de acción, pero de trance mental a través de la obra. Al igual que ninguno se destaca como lo hacer el artista Fred Fred Herrera, este personaje incorpora movimienHerrera, el cual utiliza materiales como: cerámica to y pintura a sus piezas de performance, en donquebrada con resina, ocasionalmente mezclada de alma, cuerpo y audiencia se convierten en uno. con polvo de oro o plata, posteriormente de crear la mezcla, Fred la aplica alrededor de todo su cuer- Boychild, incorpora palabras conceptuales, como: po el cuerpo creando contraste y un impacto visual transformación, tecnología, felicidad, tristeza, Este arte japonés conocido como: kintssugi, no pre- amor en su trabajo, además ocasionalmente utitende ocultar las grietas con la mezcla, sino resal- liza pintura la cual aplica constantemente dutarlas cuando la mezcla se seca. En cierta forma las rante toda la performance, lo cual crea un resultafracturas y los elementos con los cuales interactúan do final diferente de la pieza inicial. Estas piezas se convierten en parte de él, porque él es la obra. tienen a ser oscuras e impactantes, pero siempre con un trasfondo de amor, como si el personaje En cada majestuosa presentación, el interpreta un fuera un hibrido entre lo humano y lo robótico. tipo de danza lenta (Butoh: danza japonesa que se compone de expresiones y movimiento lentos), so- Naturalmente, a través de los años el perforbre un lienzo manchado de pintura con su cuerpo, mance art se desarrollara tomando la fuerza y al final de la presentación el lienzo se convierte en lugar que se merece, logrando que los artistas una pintura abstracta. Además, de realizar present- que la practiquen se conviertan en punto de refaciones internacionales, también las realiza en na- erencia alrededor de toda Latinoamérica, expancionalmente. Aunque Fred interpreta sus obras en es- diendo así la cultura y arte costarricense.
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CUENTA SATÉLITE DE CULTURA
¿PARA QUE SIRVEN ESTOS INDICADORES? Los indicadores que genera la CSC son un punto de partida para fomentar el crecimiento del sector creativo del país, para crear estímulos e incentivos, y para la protección y promoción de la diversidad cultural.
Sistema de información estadística que visibiliza la contribución de la cultura a la economía costarricense, como un motor de desarrollo integral y sostenible.
Esto beneficia a toda la población, porque la cultura es fundamental para lograr el desarrollo integral, sostenible y más equitativo de Costa Rica.
ESTÁ A CARGO DE UNA COMISIÓN INTERINSTITUCIONAL, COMPUESTA POR Ministerio de Cultura y Juventud
Producción
Banco Central de Costa Rica Instituto Nacional de Estadisctica y Censos
PIB Cultural (Valor Agregado)
Programa Estado de la Nación CONARE (Consejo Nacional de Rectores)
Empleo
¿QUE INFORMACIÓN NOS BRINDA? La CSC genera indicadores que nos permiten conocer características económicas importantes de la cultura a nivel nacional, tales como:
Demanda
Gasto y financiamiento
Importaciones y Exportaciones
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¿YA EXISTEN OTRAS CSC EN EL MUNDO? Con las mediciones presentadas en octubre de 2013, la CSCCR se convirtió en la primera CSC de Centroamérica y el Caribe, la quinta de América Latina y la séptima del mundo. Además, es la primera Cuenta Satélite en Costa Rica que publica resultados.
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VALOR AGREGADO CULTURAL
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El Valor agregado cultural (PIB Cultural) es el valor adicional generado por la cultura a la economía del país.
2,2% = (En el 2012)
Electricidad
2,10%
Indicadores para el período 2010-2012
Hotelería y Alojamiento
1,87%
Diseño Educación Cultura y Artistica Editorial
Médicos y Odontológicos
Artes Escénicos
1,19%
Audiovisual Publicidad Música
El Valor agregado Cultural (2012) fue de ¢505.029 millones de colones ($1.004 millones de dólares). Este porcentaje es mayor al aporte realizado por Servicios de hotelería y alojamiento (1,87%), Servicios médicos y odontológicos (1,19%) y de Suministro de electricidad (2,10%). 45
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Por Alejandro Mamán Pires
Entonces, delante de aquel portón medieval, el gato nos dijo que no tengamos miedo en tocar la puerta. Miré directamente sus grandes ojos rosados y le dije: - Está bien gato, tocarémos la puerta solamente una vez, si no abre nos vamos, y no regresaremos.En ese preciso momento; a punto de tocar, el portón se abrió... Lo miré directamente a los ojos y él a los míos. El orgullo; mi fiel compañero, cerró sus ojos por la presión y murió lentamente; dejándome sólo, cara a cara con aquel individuo cuyo viejo recuerdo era lo único que teníamos en común. Empecé a temblar. Sentí como las lágrimas frías transbordaban frente a mi, que mis órganos se convertían en piedras pesadas, que el corazón explotaría y el balance de mis piernas me fallaría. Sentía el recorido frenético de mi sangre invadiendo los rincones mas ínfimos de mis ser. En flutuación mis brazos desaparecieron. Aún podía abrazar el peso de la última gota de oxígeno, lo necesario para pronunciar aquella combinación de letras tan difícil de vocalizar... - Discúlpame.
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todo nace por transformaciรณn